Chez Edmea

Jeanne Modigliani

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Wed, 14 Dec 2016 15:49:00 +0000

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Devo ammettere che quando ci si affeziona e poi si ama un artista come io amo Amedeo Modigliani, tutto ciò che gli ruota intorno si annebbia. Forse è come un grande amore (?), ma nonostante la sua compagna Jeanne Hébuterne faccia a tutti lo stesso effetto, per me solo Modigliani brilla di luce propria; tutte le altre persone sono solo specchi che riflettono il suo splendore.
Ma metto da parte questo mio amore incondizionato e di parte per il pittore livornese e riprendo la descrizione della sua famiglia. Avevo già parlato di lui qui, poco dopo l'apertura del mio blog; poi di Jeanne qui, poi delle cugine artiste qui e di tutti i luoghi in cui Modigliani ha vissuto, ma deve trovare un posto anche la figlia dell'artista, Jeanne Modigliani.

Nizza, 29 novembre 1918 – Parigi, 27 luglio 1984) è stata una storica dell'arte e saggista italiana.

Figlia di Jeanne Hébuterne e Amedeo Modigliani, nacque a Nizza ma crebbe, dopo la morte del padre e il conseguente suicidio della madre nel 1920, con la nonna paterna Eugènie Garsin a Livorno.

Si laureò a Pisa in storia dell'arte con una tesi su Vincent van Gogh. Perseguitata dal fascismo in quanto ebrea, si rifugiò a Parigi. Quando la Francia venne occupata dai nazisti entrò nel Maquis, la resistenza francese, e venne anche incarcerata per motivi politici.

Nel 1952, con una borsa di studio del Centro Nazionale della ricerca scientifica, Jeanne intraprese una ricerca su Van Gogh, in Francia e in Olanda. Tornata ad occuparsi della biografia del padre Amedeo Modigliani, scrisse nel 1958 il libro Modigliani, senza leggenda edito dalla Vallecchi Editore.

Il suo lavoro costante per ottenere un riconoscimento ufficiale al valore dell'opera paterna ebbe un gran successo nel 1981, quando a Parigi allestì la mostra più completa di Modigliani sino ad allora tenutasi: oltre duecentocinquanta opere fra dipinti, sculture, gouaches e disegni.

Nel 1983 creò l'associazione culturale Archives Légales Amedeo Modigliani, e nominò Christian Parisot, curatore scientifico della Fondazione, suo successore ufficiale.

Morì nel 1984 a Parigi (tre giorni dopo il ritrovamento a Livorno delle tre teste false erroneamenete attribuite a Modigliani) per emorragia cerebrale in seguito a una caduta. Era divorziata e lasciò due figlie, Anne e Laure.

Malgrado le polemiche sorte in occasione della mostra organizzata dai Musei Civici Livornesi su Amedeo Modigliani proprio in quell'anno, a causa della esposizione di alcune opere da lei ritenute non attribuibili all'artista, Jeanne Modigliani aveva espresso il progetto di tornare in questa città in settembre per occuparsi dell'ipotesi del trasferimento degli archivi personali di Amedeo Modigliani anche se la donazione di tutto il materiale era subordinata alla creazione di una Fondazione Modigliani.

L'attività degli Archives Légales Amedeo Modigliani è proseguita, dopo la sua morte, ad opera di Christian Parisot.

https://it.wikipedia.org/wiki/Jeanne_Modigliani

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Guy Pène du Bois

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Wed, 14 Dec 2016 15:04:00 +0000

http://crystalbridges.org/blog/meet-guy-pene-du-bois-accomplished-american-painter-and-renowned-art-critic-of-the-early-twentieth-century/

4 gennaio 1884 - 18 luglio 1958

E' stato un pittore americano del XX secolo, critico d'arte ed educatore. Nato negli Stati Uniti da una famiglia francese, il suo lavoro rappresenta la cultura e la società che lo circonda: caffè, teatri e le ballerine (flappers) degli anni Venti.

Pène du Bois ha iniziato la sua formazione artistica nel 1899 quando si iscrive alla Scuola di New York di arte per studiare con il maestro pittore William Merritt Chase. Nel 1902 si iscrive ad un corso di pittura con Robert Henri che gli consigliò di concentrarsi maggiormente sulla vita quotidiana nelle sue opere d'arte. Il pittore viaggia in Europa e nel 1905 inizia a studiare con Théophile Steinlen, ma torna presto negli Stati Uniti dopo la morte di suo padre.

A partire dal 1906, Pène du Bois lavora come illustratore e vignettista per il New York American e inizia a scrivere articoli di critica d'arte per alcune pubblicazioni che verranno poi stampate due anni più tardi. Diventa l'editore e fondatore di diverse riviste d'arte.

Nel 1940 pubblica la sua autobiografia dal provocatorio titolo "Gli artisti dicono le cose più stupide".

L'artista americano Jerome Myers ha ricordato la sua stretta amicizia con du Bois nella sua autobiografia del 1940 "Artists in Manhattan":

Guy Pene du Bois è stato a lungo il revisore dei miei pensieri sull'arte e la vita. I nostri contatti erano piacevoli e redditizi. Spesso nella sua affascinante casa, sopra il caffè, ci piaceva trascorrere ore insieme, analizzando le condizioni dell'arte, prevedendo le carriere di vari artisti allora sotto i riflettori, così come di altri la cui luce era ancora poco intensa. Mi dispiace non aver preso nota dei nostri colloqui, per me erano sempre una fonte di ispirazione.
Guy era allora uno dei critici d'arte più in voga. E anche più tardi, quando divenne un pittore celebre, rimase ancora critico d'arte, coniando dei suoi brevi aforismi con un pizzico di cinismo e di carattere cosmopolita.

Il suo lavoro è in numerose collezioni museali, tra cui il Museo d'Arte Smithsonian americano, la National Gallery of Art, la Phillips Collection, il Museo di Montgomery of Fine Arts,il Brooklyn Museum, il Whitney Museum of American Art, la Pennsylvania Academy of Fine Arts e la University of Virginia Art Museum. Un murale di du Bois dal titolo "John Jay a casa sua", è stato completato nel 1938 e installato nella ufficio postale degli Stati Uniti a Rye, New York durante l'era WPA.

https://en.wikipedia.org/wiki/Guy_P%C3%A8ne_du_Bois

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http://media.web.britannica.com/eb-media/92/160892-050-FB70EE02.jpg

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http://4.bp.blogspot.com/-v83lM6t81tE/UnrBUGsovAI/AAAAAAAC8G0/5AIdLh-m2v4/s1600/Guy+P%C3%A8ne+du+Bois+-+Tutt'Art@+(19).jpg

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Il Bataclan

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Tue, 17 Nov 2015 13:50:00 +0000

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E' quasi d'obbligo per me postarvi qualcosa sul Bataclan.

Da anni in questo blog scorrono le storie dei locali storici della capitale francese; il Bataclan era già entrato da più di un secolo nella storia di Parigi; tristemente, ora, è tornato a comparire nelle prime pagine dei nostri giornali.

Ma invece di scrivere di quanto accaduto in questi giorni, ve ne racconto quello che di più emozionante c'è per me nei locali di Parigi: la loro storia, i personaggi che li hanno visitati, gli accadimenti.

Lasciamo a chi di dovere parlare del resto.

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/ce/Bataclan-1865.jpeg

Il Bataclan, dunque, è una "sala da spettacolo" di Parigi, sita nell'XI arrondissement. Costruito nel 1864 su progetto dell'architetto Charles Duval, trae il suo nome dall'operetta in un atto di ambientazione cinese Ba-ta-clan di Jacques Offenbach, rappresentata nel 1855.
L'11 marzo 1991 l'edificio che lo ospita è stato dichiarato monumento storico ai sensi della legge francese.

Il Bataclan, in origine, era una grande sala da café-concert dallo stile orientaleggiante ispirato all'architettura cinese, la facciata era dotata di una articolata pagoda ricca di statue di divinità, dragoni cinesi e aste portabandiera. Il caffè e il teatro erano situati al piano terra, mentre al piano superiore c'era un'ampia sala da ballo. Vi andavano in scena concerti e spettacoli di vaudevilledi Scribe, Bayard, Mélesville e Dumersan.

Nel 1926 l'auditorium del Bataclan venne venduto e trasformato in un cinema, che però nel 1933 andò a fuoco con danni soprattutto al tetto a pagoda. L'edificio originale venne poi parzialmente demolito nel 1950 per adeguarlo alle nuove norme di sicurezza allora in vigore. Nel 1969 il cinema chiuse e l'auditorium diventò nuovamente una sala da spettacolo. La struttura venne inaugurata il 3 febbraio 1865.

Nel 1892 fu acquistato dal cantante Paulus. Nel corso degli anni successivi la sala alternò periodi felici ad altri meno a causa dei frequenti cambiamenti di proprietà, ma visse un nuovo momento di gloria dopo il 1910, grazie a un restauro e un programma incentrato esclusivamente sulla rivista, specialmente gli spettacoli messi in scena da José de Bérys. Fu al Bataclan che Maurice Chevalier ottenne i suoi primi successi. Spinta dal successo ottenuto, la troupe del Bataclan decise di organizzare un tour all'estero recandosi in Sud America, ma l'iniziativa si rivelò economicamente disastrosa.

Al giorno d'oggi il Bataclan è noto per il suo programma assai vario che comprende concerti rock e pop, spettacoli comici, serate disco e di café-théâtre. La facciata è stata ridipinta nel 2006 con i colori originali, anche se il tetto originale non esiste più da molto tempo.

http://www.repstatic.it/content/nazionale/img/2015/11/14/012131184-18396f84-c7ae-44a7-aebc-fb5fcebc4e29.jpg

La sera del 13 novembre 2015, durante un concerto degli Eagles of Death Metal, il Bataclan è stato teatro di un attacco terroristico che ha portato a 89 vittime.

http://a398.idata.over-blog.com/500x375/1/59/51/58/2013/DSC05366.JPG

https://it.wikipedia.org/wiki/Bataclan

Mike Garlington

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Fri, 30 Oct 2015 16:42:00 +0000

http://www.metroactive.com/bohemian/08.20.08/gifs/0833.FA.G'way.jpg

Di questo originale e inconsueto fotografo, purtroppo, non ho trovato alcuna notizia da poter riportare in modo coerente sulla sua formazione e la sua vita. Dunque, quando ci si scontra con la carenza di informazioni, ci si affida alle opere. E le sue foto sono davvero magnifiche.
Ve ne posto alcune per condividere con voi la mia "scoperta".

http://jilltracy.com/images/JillTracy_MG2.jpg

http://img-fotki.yandex.ru/get/6519/165187900.3c/0_94b25_9c23e9a6_orig

http://coincidences.typepad.com/still_images_and_moving_o/images/Garlington1.jpg

http://www.photography-now.com/images/Bilder/gross/T26318B004168.jpg

http://photography-now.com/images/Bilder/gross/K12410B004165.jpg

http://www.stephencohengallery.com/cohen-artists/garlington/data/images/daugter_of_circus_copy.jpg

http://www.111minnagallery.com/wp-content/uploads/2012/09/Michael-Garlington_Front.jpg

DIY - Ridare vita a una sedia vecchia

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Thu, 24 Sep 2015 15:39:00 +0000

Ed eccomi di nuovo qui a scrivere sul mio blog.
Sono passati molti mesi, sono stata impegnata, ma ora sono qui con nuovi e interessanti post per i miei lettori.

Circa un mese fa, nei caldi mesi estivi, ho ritagliato un po' di tempo per reintepretare un'idea che da tempo avevo memorizzato.
Su Pinterest avevo visto questa immagine:

E io, una sedia simile a questa, vecchia e forse da rinnovare, ce l'avevo! E dunque mi sono messa subito all'opera.

La sedia era già, in sostanza, sverniciata dal tempo e dunque ho potuto subito dipingerla. Ho usato un acrilico a base d'acqua di colore bianco.
Dopo averla fatta asciugare ho cominciato a disegnare il soggetto messicano protagonista di questo nuovo complemento d'arredo: il teschio.

Ho aggiunto, poi, i fiori e altre linee di abbellimento. Attraverso una breve ricerca in internet potete trovare la simbologia che caratterizza la festa de Los Dias de Los Muertos, ma vi confermo che teschi sorridenti e colorati e fiori vanno per la maggiore.

Dopo aver completato lo schienale e il sostegno alla seduta, ho voluto aggiungere qualcosa nel retro di una staffa della spalliera: la sagoma dello stato messicano.

Poi, con colori sgargianti, ho colorato con pazienza tutti i disegni. Se volete provarci munitevi di pennellino molto fine altrimenti l'effetto non sarà quello della foto.

Sulla base, poi, della foto in internet, ho voluto ricopiare l'idea di scrivere qualcosa sul montante della seduta.

E finalmente dopo due ore di certosina pittura, il risultato è questo:

Juan Martinez Bengoechea

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Sun, 03 May 2015 15:03:00 +0000

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Dopo molto tempo che non scrivo sul mio blog, mi ritrovo di nuovo qui per parlarvi di questo singolare artista.

Si tratta di Juan Martinez Bengoechea, pittore e designer cileno. Quello che più mi ha incuriosito dei suoi lavori è l'ambientazione: personaggi reali di fine anni 20 vivono situazioni in paesaggi e luoghi surreali. Un magico realismo che, però, emana qualcosa di mistico.

Non ho alcuna notizia di lui, ma i suoi dipinti meritano uno spazio nel mio blog.

http://www.rai.tv/dl/img/2014/06/1402688745737_pareja_en_la_azotea.jpg

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTZGlQIKWjfoJwW600Pb45C9TdWqWSAMrQqTIYP5U_c4BkdO9EV2Q

https://i.pinimg.com/originals/c4/28/03/c428036fce2b264344e293bf5cf9c9d5.jpg

"La divina Marchesa" a Palazzo Fortuny a Venezia

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Wed, 07 Jan 2015 16:43:00 +0000

http://m2.paperblog.com/i/249/2493145/la-divina-marchesa-arte-e-vita-di-luisa-casat-L-5a26Qh.jpeg

Un mese fa ormai ho visitato la bellissima mostra "La divina Marchesa" che si tiene fino all'8 marzo presso Palazzo Fortuny a Venezia.

Della Marchesa Casati, figura che mi ha da tempo affascinato, ho parlato ampiamente nel mio blog in questo post. Dunque, prima di leggere questa pagina, vi invito a documentarvi su questo singolare personaggio.

La mostra, tenuta nel bellissimo Palazzo Fortuny, ha trovato, a mio parere, un'eccellente collocazione; in effetti l'edificio si presenta agli occhi di un turista inesperto come uno dei tanti palazzi veneziani (nemmeno sul Canal Grande poi), anzi, forse ancora meno sontuoso (dopo un po' ci si fa l'occhio al gotico veneziano). Diciamo che se non lo si conosce si passa oltre.

Ma dentro è tutto un altro mondo: ricco di mirabilie e memorabilie del proprietario Mariano Fortuny, ben si avvicina al tema della mostra: l'estrosa Marchesa Luisa Casati.

Vi invito a visitare la mostra e qui di seguito a guardare le foto.

Jaroslav Rössler

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Wed, 26 Nov 2014 10:55:00 +0000

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/b/b6/Avantgardephotgrapherjrossler.jpg

25 maggio 1902, Smilov - 5 gennaio 1990, Praga

E' stato un pioniere della fotografia d'avanguardia nella Repubblica Ceca e un membro dell'associazione Devětsil (Butterbur) composta da artisti e fotografi cechi artisti d'avanguardia.

Dal 1917 al 1920, Rössler studiò nell'atelier di un famoso fotografo ceco, František Drtikol. In seguito lavorò nello stesso atelier anche come tecnico di laboratorio. Alla sola età di 21 anni, inizia la collaborazione con il teorico dell'arte Karel Teige che gli affidò, fin da subito, il compito di creare il layout tipografico per le riviste Pásmo, Disk, Stavba e ReD (Revue Devětsilu). Nel contempo, dedicandosi con dedizione a questo lavoro, Rössler continua ad approfondire la conoscenza dei metodi fotografici. Nelle sue opere, infatti, utilizzò diverse tecniche fotografiche: il fotogramma, il fotomontaggio, il collage e non ultimo il disegno. All'inizio della sua produzione, è innegabile che il fotografo si fece influenzare dal Cubismo e dal Futurismo, ma tentò anche di discostarsene creando le prime fotografie "astratte". Nel 1923, Rössler entra a far parte dell'associazione d'avanguardie Devětsil.

Nel 1925, lavora come fotografo nel teatro Osvobozené divadlo di Praga e collabora come fotografo commerciale con la rivista pittorica Pestrý týden. Successivamente, per motivi di studio, abbandona la sua terra per recarsi a Parigi.

Nel 1927, Rössler si trasferisce a Parigi con la moglie Gertruda Fischerová. Inizialmente si concentra sulla fotografia commerciale, collaborando allo studio sperimentale di Lucien Lorell; lavora su commissione per aziende importanti come la Michelin e Shell. Ma nonostante tutto ciò gli permettesse un tenore di vita abbastanza agiato, Rössler trova più interesse nella "vita di strada" di Parigi che influenza, poi, indubbiamente, il suo futuro soggiorno in città e il suo operato. Prende parte a diverse manifestazioni documentando il tutto con foto di elevata qualità, ma viene arrestato ed espulso dalla Francia nel 1935. La causa di questa decisione fu, da quanto si dice, il suono troppo tedesco del suo cognome.

Dopo il suo ritorno da Parigi, Rössler e sua moglie presero residenza a Praga. Qui il fotografo aprì un piccolo atelier fotografico, ma le difficoltà connesse alla gestione dello studio lo condussero ad anni di inattività. Per quasi due decenni la produzione di Rössler si fermò.

Nel 1950 riprende le sue attività precedenti e continua a sperimentare con la macchina fotografica e le diverse tecniche fotografiche. Crea i cosiddetti "prizmata" (prismi), fotografie scattate con un prisma birifrangente; sperimenta la solarizzazione e esplorato le possibilità dell'effetto Sabatier.

Jaroslav Rössler, dunque, insieme a František Drtikol, Josef Sudek e Jaromír Funke, è oggi considerato un importante esponente della fotografia moderna e d'avanguardia della Repubblica Ceca.

traduzione e integrazione di http://en.wikipedia.org/wiki/Jaroslav_R%C3%B6ssler

http://file-magazine.com/wp-content/uploads/3389194177_62cc565010_b.jpg

http://p2.la-img.com/375/9555/2010835_1_l.jpg

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http://media-cache-ak0.pinimg.com/236x/62/d2/32/62d232f6db35d4ce172e5cfbc44e73fc.jpg

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Charles Gesmar

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Wed, 05 Nov 2014 15:44:00 +0000

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e4/Charles_GEISMAR_2.JPG/640px-Charles_GEISMAR_2.JPG

1900-1928

Uno dei disegnatori per il music-hall tra i più creativi e innovatori del XX secolo immeritatamente trascurato dagli studiosi in materia. Ciò anche a causa del generale disinteresse per l’Art Déco protrattosi fino a metà degli anni sessanta.

Gesmar fu un genio incredibilmente precoce. A quindici anni già creava i costumi per M.lle Spinelly, una celebre attrice dell’epoca, e a sedici iniziò a lavorare per Mistinguett (Miss per i fan), la regina del music-hall. Fin dal suo esordio, il giovane talento fu sedotto dal fascino dei colori vivi, delle paillettes che scintillavano sotto i fasci di luce dei riflettori. Amava lo splendore e il lusso, ricercava l'atmosfera esuberante, gli effetti sfarzosi delle piume e delle sete, il clamore e l'orgoglio di allestimenti traboccanti di luce. Ingredienti tutti che Gesmar riusciva ad armonizzare nelle sue creazioni, arricchite da una profusione di perle, gioielli, fiori e veli. I suoi costumi, esprimevano una grazia non comune che valse al loro creatore l'ammirazione del grande pubblico.

Nonostante la sua breve attività artistica - fu stroncato da una polmonite a soli ventisette anni - Gesmar in nove anni (se si esclude il servizio di leva) produsse dodicimila disegni di costumi, una cinquantina di copertine di programmi / spartiti e sessanta poster.

Per Miss, Gesmar creò un’immagine indelebile che sopravvive ancor oggi. L’attrice deve a lui una parte non trascurabile della sua gloria. Nonostante l’esclusivo rapporto con Miss, Gesmar creò costumi e/o poster per molte altre vedette, sempre mostrando un indiscutibile talento: Raimu, Barbette, Falconetti, Saint-Granier, Popesco, Marion Forde, ecc.

I poster di Gesmar (Cocteau fu un suo grande ammiratore) si collocano degnamente tra quelli di due grandi artisti che hanno lavorato a lungo per il Moulin Rouge: Toulouse-Lautrec (1864-1901) e René Gruau (Rimini 1909 - Parigi 2004), il più grande pubblicitario del XX secolo. Quando Gruau s’installò a Parigi nel 1924, i muri della capitale erano tappezzati di manifesti di Gesmar e continuarono a esserlo fino al 1928. Ciò ebbe una grande influenza sull'arte dell’artista italiano, come lo stesso non esitò a riconoscere.

Per colmare il vuoto di ottanta anni dalla scomparsa di Gesmar si è dovuto sfogliare centinaia di programmi teatrali (anche a Berlino e Vienna), di quotidiani e periodici dell’epoca e, scoperto il cognome anagrafico, a interpellare ogni possibile fonte e ricercare eventuali nipoti. Non meno laboriosa è stato il recupero di tutta l’opera grafica dell’artista, molto più numerosa di quanto mai immaginato, dispersa in molti musei e collezioni private.

http://parismusichall.altervista.org/gesmar.html

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http://www.enjoyart.com/library/theater_film_music/showgirls/large/ENJ-CB1112-Jane-Pierly.jpg

Mikalojus Konstantinas Čiurlionis

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Sat, 30 Aug 2014 13:04:00 +0000

Era da tempo che volevo pubblicare qualcosa riguardo questo artista che mi ricorda molto Léon Spilliaert ed ora ecco qui.

Mikalojus Konstantinas Čiurlionis nasce a Varena (Lituania meridionale), dove suo padre era organista. Tre anni più tardi suo padre si trasferisce a Druskininkai. Qui, Mykolas, trascorse la sua infanzia, ed è qui che prendeva ispirazione per i suoi quadri e le sue composizioni, grazie ad un paesaggio incontaminato e un po' sognante. All'età di sette anni impara, per merito di suo padre, a leggere la musica senza fatica.
Continua la sua formazione musicale al Prince Oginsky's Orchestra School (dal 1882 al 1893), imparando così il flauto e altri vari strumenti. Per i successivi sei anni studia pianoforte e composizione al Conservatorio di musica di Varsavia e in questo periodo incomincia anche ad interessarsi a scienze naturali, storia e letteratura. Durante la sua permanenza al conservatorio, compone De Profundis, una cantata per coro e orchestra sinfonica.
Dopo la conquista del diploma incomincia a dare lezioni private di musica e a studiare composizione a Lipsia (dal 1901 al 1902), dopodiché, tornato a Varsavia, si interessa di arte e si iscrive, dapprima al Kauzik's Drawing School e poi all'Accademia di Arte. Fu molto importante, per le sue opere, la nuova visione che Mykolas sviluppò per la Bibbia e, comunque, per tutte le religioni in generale. Ma, grazie alla rivoluzione del 1905, in Lituania, ci fu un importante aumento della libertà artistica, ed è a proposito di questo che Mykolas conia un suo detto: "Dedicare tutto il lavoro passato e futuro alla Lituania" (da una lettera che egli spedì al fratello Paulius il 7 gennaio del 1907). Intanto le sue opere vengono esposte in tutte le mostre che vengono allestite in quel periodo e la sua popolarità cresce, ma nonostante questo restò sempre povero.

La sua situazione lo portò ad una crescente instabilità mentale e fu rinchiuso in un manicomio nel 1909. Oltre a questo si aggiunse, al suo rilascio, anche uno stato di progressivo malessere fisico che lo portò ad una morte improvvisa il 10 aprile 1911. Čiurlionis è stato un tipico esempio di sinesteta suono-colore, perché aveva la qualità di riuscire a percepirli contemporaneamente, come è chiaramente dimostrato dalla sua carriera e dai nomi stessi che dava alle sue opere artistiche.

http://it.wikipedia.org/wiki/Mikalojus_Konstantinas_%C4%8Ciurlionis

http://www.xn--altiniai-4wb.info/index/details/1231

http://ciurlionis.eu/wp-content/uploads/2010/09/p165_2-MKC-ir-Sofija-1908.png

Con la moglie Sofija

http://ciurlionis.eu/wp-content/uploads/2010/09/p167-Sofija-su-dukra.png

La piccola figlia Danute

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http://ciurlionis.eu/wp-content/uploads/2010/09/Raigardas-Ct85-1024x873.jpg

Léonard Misonne

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Sun, 17 Aug 2014 16:04:00 +0000

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQY7xDLoDk6-krcERurWoS4BQ9VPUSmEcnM6YHwldI6zk-2VFIh

Léonard Misonne era il settimo figlio di Louis Misonne, avvocato e industriale, e Adele Pirmez. Studiò ingegneria mineraria presso l'Università Cattolica di Lovanio, ma non praticò mai la professione per la quale aveva studiato. Ancora studente si cominciò ad interessare alla musica e alla pittura e dal 1891 alla fotografia verso la quale si concentrò esclusivamente dal 1896.

Misonne viaggiò molto, in Svizzera , Germania e Francia. E proprio nei viaggi sviluppò una sua ben precisa concezione della fotografia e più in particolare della luce per la quale diede la definizione:

Il soggetto è nulla, la luce è tutto.

Misonne divenne noto per quel senso di atmosfera rarefatta e ovattata che caratterizzava la maggior parte delle sue fotografie e che, in effetti, rispecchiava il suo interesse per una fotografia che fosse "conservatrice" e sentimentale.

L'effetto sfocato delle sue immagini gli fece guadagnare il soprannome impressionista del "Corot della fotografia".

Misonne dapprima lavorò principalmente con il processo di fotografia ottenuto dalla soluzione di bromuro d'argento in gelatina che il fotografo Costant Puyo gli insegnò, nel 1910, a Parigi. Misonne, a questo punto, ottene la fama internazionale e venne invitato nei circoli d'avanguardia.

La maggior parte delle sue foto sono state scattate in Belgio e nei Paesi Bassi in scene di paesaggi, di spiagge e di vedute.

Misonne morì nel 1943 per una una grave forma d'asma.

http://images.artnet.com/aoa_lot_images/70316/l%C3%A9onard-misonne-venice-photographs-other.jpg

https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcOwBuGQa6j5jEP-fqwn9uIG0WtPy8omI2iw7vA1SR_vHH-2wzFYwOlAvY7-8sGwcwaV6jIvGpQWFCa8PUGyV3AmcHuU89y7bgoCi4WG3gAe4jGgQVKrpP9sVdhyphenhyphenikjQ-5D_R1AaAb5e0a/s1600/misonne+grand+boulevard.png

http://londontopia.net/wp-content/uploads/2012/12/014_leonard-misonne_theredlist.jpg

http://38.media.tumblr.com/6fe40dd6593ce5fab8b6a8f520f911e6/tumblr_naa40vaakX1rd6pbio1_500.jpg

http://photoseed.com/uploads/2011/04/04/single-misonne-c39f2347-cr4.jpg

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DIY - Restaurare un lampadario

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Sun, 17 Aug 2014 15:34:00 +0000

Rieccomi dopo molto tempo a riscrivere nel mio blog. Purtroppo non ho avuto, in questo periodo, alcun momento da ritagliarmi per proseguire nei miei lavori, ma ora finalmente è arrivato il momento di mostrarvi cosa sono riuscita a fare negli ultimi e proficui giorni.

A casa dei miei nonni paterni, come in tutte le case di altri tempi, c'era questo lampadario.

Purtroppo non ho alcuna foto di come appariva appeso essendo ormai smontato e conservato da tempo in soffitta. Ciò nonostante potete ben notare la tipologia: il classico lampadario "della nonna", con le gocce in vetro e i bracci color oro (che ormai erano ossidati).

Era da tempo che pensavo di rimetterlo a nuovo prendendo spunto da queste moderne proposte nel web.

http://ecx.images-amazon.com/images/I/61DetpRPvpL._SL1500_.jpg

http://www.maisonsdumonde.com/images/produits/FR/fr/taille_hd/10/10/117803_3.jpg

E quindi mi sono messa all'opera; anzi, se devo essere sincera, ci siamo messi all'opera (io, mio papà e il mio ragazzo).

Ovviamente la prima fase è stata quella di smontare una per una le componenti in vetro (gocce e "palline") e eliminare il fil di ferro ormai nero.
Ho lavato tutto e questo è stato il risultato:

E dopo averlo spruzzato di primer, siamo passati al bianco (opaco o lucido a vostra scelta se volete cimentarvi anche voi in questo fai da te).

Ed ecco il risultato:

Tutte le componenti sono state verniciate separatamente.

Ho poi preparato tutti i gancetti di ferro che hanno sostituito i vecchi ormai arrugginiti facendo attenzione a farli delle stesse misure per poter permettere alle gocce di muoversi.

E ho rifatto tutte le gocce.

E' stato, ovviamente, rifatto tutto l'impianto elettrico con non poche difficoltà per reinserire un nuovo filo elettrico (a norma) nei bracci e ho dovuto (aimè - non è un vero DIY se si acquista qualcosa) acquistare dei nuovi portalampada essendo, ormai, il lamierino dei vecchi rotto e malandato e delle nuove (e più belle) lampadine a forma di fiamma.

Ed ecco il risultato.

Il cavo nero deve essere ancora colorato, ma nel complesso mi ritengo completamente soddisfatta del faticoso lavoro.

Zoya Chernakova

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Mon, 16 Jun 2014 12:46:00 +0000

http://www.picshare.ru/uploads/130725/NYPDx9P53t.jpg

Rieccomi.
Dopo tanto, troppo tempo sono tornata.

Vi posto alcune immagini di questo artista, di cui non ho alcuna notizia. Se ne avete voi fatemi sapere e subito le aggiungerò al mio post.

http://1.bp.blogspot.com/_ucsME-AsFQU/S9YF2elrV3I/AAAAAAAAVw0/CxjgBsEHV8g/s800/Zoya+Chernakov+%D0%97%D0%BE%D1%8F+%D0%A7%D0%B5%D1%80%D0%BD%D0%B0%D0%BA%D0%BE%D0%B2%D0%B0+4.jpg

http://2.bp.blogspot.com/_ucsME-AsFQU/S9YF2ySGAXI/AAAAAAAAVw8/ONNv9qcKzoI/s800/Zoya+Chernakova+805.jpg

http://1.bp.blogspot.com/-Fl1vhgAIgOg/UGQI21t4I2I/AAAAAAAAzzA/t-NoT0wRbAY/s640/Zoya+Chernakov+-+Zoe+Chernakova+-+%D0%97%D0%BE%D1%8F+%D0%A7%D0%B5%D1%80%D0%BD%D0%B0%D0%BA%D0%BE%D0%B2%D0%B0+16.jpg

http://img1.liveinternet.ru/images/attach/c/0/39/328/39328743_Zoya_CHernakova_ak.jpg

http://img1.liveinternet.ru/images/attach/c/4/80/756/80756881_Zoya_CHernakova.jpg

DIY - La borsa 2

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Mon, 07 Apr 2014 17:25:00 +0000

Eccomi con un altro DIY. Direi che questo forse si può considerare l'emblema del fai da te.

Dopo aver lungamente riflettuto sullo spreco dei manici di plastica del fustino del Formil, la mamma ha avuto un'idea fantastica!
Con una tovaglia cerata mai usata in casa una nuova borsa ha preso vita!

Procuratevi due manici da un qualsiasi fustino di detersivo e una striscia di tovaglia cerata della stessa larghezza della futura borsa. La mia è di circa 45 cm.

E procuratevi delle viti, possibilmente con un capo "a pallina" per inserire il manico. Quelli che ho trovato io sono stati recuperati da vecchie cinture.

Trovate una tovaglia cerata con la fantasia che desiderate e indicate la larghezza che verrà "sottratta" dalle cuciture.

E cucite creando una busta.

Per creare la larghezza della borsa realizzate un angolo retto e piegatelo verso l'interno.

Per un fondo più rigido ho utilizzato la parte ancora intatta di un foglio di plastica leggera (che faceva da fondo ad un'altra borsa che non uso più).

Ricavatene la grandezza desiderata.

E a questo punto, dopo aver realizzato l'esterno, seguite lo stesso procedimento, creando una "busta" (sempre con lo stesso spessore) da non ripiegare, ma da infilare in quella più esterna.

Usate due calamite per tenere chiusa la borsa.

Per evitare che le calamite si attraggano tra loro o che si perdano nel fondo della borsa, è stato realizzato un sacchettino da applicare al bordo della borsa che farà da involucro per le calamite.

Cucite i bordi della borsa tra loro.

I bordi non sono stati ripiegati all'interno, ma sono rimasti distinti.

Forate con la pinza per i fori da cintura un piccolo buco per inserire la vite.

E all'interno, dalla parte della pallina, fate scorrere il manico del detersivo.

Ed ecco la mia ultima borsa!

DIY - Le pantofole

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Mon, 31 Mar 2014 17:03:00 +0000

Eccomi qui con un nuovo DIY. Questa volta devo anticiparvi che non l'ho realizzato io, ma mia mamma e quindi, visto che ormai ho influenzato un po' tutti con questa passione del fai-da-te, anche lei merita uno spazio per il suo lavoro e non c'è luogo migliore che nel mio blog.

Alcune settimane fa si è rotta una boule dell'acqua calda e quindi era ovvio che qualcosa ci si dovesse fare per non buttarla. Ed ecco la mamma cosa ha ideato (riutilizzando, peraltro, anche un maglione infeltrito).

Tagliate la boule dividendo le due facce.

Appoggiate la forma preventivamente realizzata del vostro piede (magari prendendola da un'altra pantofola) sulla plastica della boule.

E otterrete quanto vedete sopra: due forme esattamente uguali. Decidete voi se ridefinire l'incavo speculare dei piedi o se realizzare delle pantofole da camera/bagno (che non necessitano obbligatoriamente di una forma destra/sinistra specifica).

Con un maglione infeltrito del papà e con un panno di lana cotta, ritagliate rispettivamente l'esterno e l'interno di ciò che sarà la parte superiore della pantofola.

Dal maglione infeltrito, utilizzando la stessa forma di carta usata in precedenza, ritagliate la superficie dove appoggerà il piede. A questo punto potete scegliere se ottenere delle pantofole da casa (e quindi aggiungete un altro strato di lana cotta che andrà a contatto con il pavimento) o delle pantofole con una superficie più ruvida (per fare questo potete lasciare in vista a contatto col pavimento la superficie zigrinata della boule dell'acqua calda).

Unite i tre (o due) strati che avete tagliato impunturando il tutto con molta attenzione.

E questi sono i risultati: la parte interna e la parte a contatto col pavimento.

Rifinite le forme superiori della pantofola con un nastrino o sbieghino di raso o impunturando come avete fatto con le suole. Questa è solo una questione di gusti personali.

Date rigidità e robustezza alla forma a mezzaluna (dovrà essere un po' rigida e restare aperta per infilarvi facilmente il piede) e impunturate a vista alla suola.

Ed ecco le pantofole che mi ha fatto la mia ingegnosa mamma!

Foto Marvellini

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Thu, 27 Mar 2014 17:52:00 +0000

http://theart9.files.wordpress.com/2012/07/marvellini14.jpg?w=620

Come faccio a non parlarvi dello studio fotografico Foto Marvellini... sembra nato appositamente per essere pubblicato sul mio blog, o è il mio blog il luogo ideale per farvelo conoscere.
A tal proposito mi avvalgo di ciò che lo stesso studio scrive nel suo sito:

La storica Foto Marvellini – Milano fu fondata negli anni in cui nacque la fotografia. I Fratelli Marvellini eseguivano, come recitava l’antica pubblicità, “Ritratti per tutti. Anche per chi non vuole essere ritratto”. Con le successive generazioni Marvellini l’archivio crebbe fino a diventare una vasta galleria di personaggi fantomatici.

E in effetti fantastici, bizzarri e ironici sono i personaggi ritratti nelle foto dello studio milanese.
Non ho alcuna notizia ulteriore e forse non ce n'è alcun bisogno; le immagini parlano da sole.
Tutte le immagini sono tratte dal sito www.fotomarvellini.com

Il cugino Italo

Batbarbone

Ritratto della Signora Ragnetti

Ritratto della Signora Elle

Ritratto della Signora Pris

Ritratto della Signora Vulura

Goldrake cilindro

Ritratto della Signora Vader

Raja-Star

Ritratto della Signora Flagello

http://www.collater.al/wp-content/uploads/2012/05/Foto-Marvellini-Gli-antenati-dei-supereroi13-e1338252152821.jpg

Bat che legge

http://www.collater.al/wp-content/uploads/2012/05/Foto-Marvellini-Gli-antenati-dei-supereroi7-560x456.jpg

http://observatorymansions.files.wordpress.com/2012/07/foto-marvellini-ziospider2.jpg

Zio Spider

http://www.collater.al/wp-content/uploads/2012/05/Foto-Marvellini-Gli-antenati-dei-supereroi5-e1338251686476.jpg

http://www.collater.al/wp-content/uploads/2012/05/Foto-Marvellini-Gli-antenati-dei-supereroi3-e1338251522509.jpg

"Modigliani, Soutine e gli artisti maledetti. La collezione Netter" a Palazzo Cipolla a Roma

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Tue, 25 Mar 2014 15:27:00 +0000

http://www.romeguide.it/mostre/foto_database/5625.jpg

Circa un mese fa, insieme a mia sorella (visitate il uso blog a questo indirizzo) sono andata a Roma per visitare la mostra "Modigliani, Soutine e gli artisti maledetti. La collezione Netter". Da grande appassionata di Modigliani, certamente non potevo lasciarmela scappare. E con mia grande sorpresa si è rivelata una delle più belle mostre che abbia mai visto.
Un'ampia carrellata di Modigliani l'avevo già potuta vedere al Mart di Rovereto (TN) nella mostra "Modigliani scultore", ma ovviamente ciò che veniva maggiormente appronfondito era l'arte scultorea. Nella mostra di Roma, invece, è l'arte pittorica che diventa soggetto di studio; quella di Modigliani, ma anche di tutti gli altri artisti che lo circondavano e che l'hanno conosciuto e che, insieme a lui, fanno parte, con le loro opere, della preziosa Collezione Netter.
Sarebbero troppo poche le parole che potrei spendere per descrivervi questo viaggio nella Parigi degli affascinanti Anni '20 e dunque vi riporto una recensione della mostra invitandovi a visitarla!

"Queste opere non sono state mostrate al pubblico da più di settant’anni, e oggi ricompaiono come per magia, come uscite da un altro mondo".
Con queste parole Marc Restellini, curatore della mostra 'Modigliani, Soutine e gli artisti maledetti. La collezione Netter' dà il senso all’esposizione che si apre il 14 novembre 2013 nelle sale del Museo della Fondazione Roma, promossa da Fondazione Roma, Comune di Milano, Palazzo Reale, Soprintendenza per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e del Polo Museale della Città di Roma e prodotta e organizzata da Arthemisia Group in collaborazione con la Pinacothéque de Paris.
Più di 120 le opere in mostra per ricostruire il percorso di questi artisti che vissero in un periodo affascinante della storia dell’arte nel quartiere di Montparnasse agli inizi del ‘900: Modigliani, Soutine, Utrillo, Suzanne Valadon, Kisling e molti altri.

Modigliani era sbarcato a Parigi nel 1906 sentendo che quello era il posto dove avrebbe potuto 'salvare il suo sogno'. Va a vivere a Montparnasse che, in quegli anni, diventa il quartiere degli artisti; non solo pittori, ma anche scrittori, come Hemingway e Miller, intellettuali come Jarry e Cocteau, rifugiati politici come Lenin e Trockij.
I luoghi di incontro sono le trattorie a buon mercato e le bettole-cantine in cui si tira tardi parlando di arte e politica e non di rado le discussioni terminano in risse. Le condizioni di vita sono per tutti assai misere, ma è il fuoco sacro dell’arte, la consapevolezza che le loro opere stanno cambiando per sempre i canoni estetici, a dare la forza a Modigliani e compagni di andare avanti.
Se l’Impressionismo, pur avendo apportato una rivoluzione nel modo di dipingere, non usciva in fondo dai canoni del naturalismo, con i lavori di Modigliani, di Soutine, di Utrillo, l’arte diventa autonoma dal soggetto ritratto e dalle tradizioni culturali e artistiche dei paesi di provenienza dei singoli artisti, generando la prima vera rivoluzione nel mondo dell’arte e il ribaltamento dei canoni sino ad allora conosciuti. È in questo contesto - che di lì a poco verrà definito bohémien - che, come scrive il curatore Marc Restellini: 'Questi spiriti tormentati si esprimono in una pittura che si nutre di disperazione. In definitiva, la loro arte non è polacca, bulgara, russa, italiana o francese, ma assolutamente originale; semplicemente, è a Parigi che tutti hanno trovato i mezzi espressivi che meglio traducevano la visione, la sensualità e i sogni propri a ciascuno di loro'.
E ancora: 'Quegli anni corrispondono a un periodo d’emancipazione e di fermento che ha pochi eguali nella storia dell’arte. Ovunque in Europa era in corso una rivoluzione estetica, preludio a un’evoluzione dei costumi; ed è a Parigi, ‘l’unico luogo al mondo in cui la rivolta ha il diritto di cittadinanza’, prima a Montmartre e poi a Montparnasse, che quegli artisti – tutti ebrei – si sono ritrovati per tentare la sorte'. Ed ebreo era anche Jonas Netter, una figura importantissima per gli artisti in mostra, senza il quale molti tra loro non avrebbero avuto di che vivere e sostentarsi: il percorso espositivo, articolato in sei sezioni, mette a confronto i capolavori acquistati nell’arco della sua vita da Jonas Netter, che, affascinato dall’arte e dalla pittura, diventa un amateur illuminato e acuto riconoscitore di talenti, grazie all’incontro col mercante d’arte e poeta polacco Léopold Zborowski, anche egli ebreo.

Netter conosce Modigliani, Soutine, Utrillo ed entra in contatto con Valadon, Kisling, Krémègne, Kikoïne, Hayden, Ébiche, Antcher e Fournier. La loro produzione lo affascina e lo spinge a sostenerli generosamente e a comprare dal mercante i loro lavori: egli diventa quasi un “mecenate”, ispirato e geniale insieme tanto che, quando Modigliani è costretto a trasferirsi in Costa Azzurra a causa di problemi di salute, compra dal giovane italiano abbastanza tele da permettergli di affrontare il viaggio, durante il quale poi l’artista lavorerà intensamente. Di Modigliani Netter ammira l’originalità del genio creativo, ama profondamente i suoi volti femminili stilizzati su lunghi colli affusolati, come Elvire au col blanc (Elvire à la collerette) del 1917-18 e Fillette en robe jaune (Portrait de jeune femme à la collerette) del 1917, entrambi esposti insieme a Portrait de Zborowski del 1916 e Portrait de Soutine, anch’esso realizzato nel 1916 dopo l’incontro tra i due artisti che stringono una solida amicizia, al punto che è proprio Modigliani a presentare a Netter Soutine. Di Chaim Soutine sono esposti in mostra oltre venti olii – una vera e propria mostra dentro la mostra – tra cui L’Homme au chapeau, L’Escalier rouge à Cagnes e La Folle.
Allo stesso modo Netter scopre i quadri del cosiddetto periodo bianco di Utrillo, soprattutto vedute, tra le quali in mostra Place de l'église à Montmagny, Église de banlieu e Rue Muller à Montmartre. Netter decide di proteggere questo eterno fanciullo disincantato, preda sin dall’adolescenza dei fumi dell’alcool, innamorato della madre, Suzanne Valadon, valente e originale pittrice, anche ella presente con le sue opere in mostra, come Ketty nue s'étirant o Église de Neyron.

Se oggi noi ammiriamo questi lavori come capolavori assoluti dell’arte, non dobbiamo dimenticare tuttavia che all’epoca in cui videro la luce venivano considerati veri e propri obbrobri. È per questo che l’intuizione di Netter appare una vera e propria profezia, oltre che un atto coraggioso e spesso disinteressato. Poco si sapeva di quest’uomo tale era la sua discrezione. Oggi, grazie al lavoro di ricostruzione di Restellini, possiamo farci un’idea del suo volto grazie al ritratto che gli fece, riconosciuto da vecchie fotografie familiari, Kisling, anch’esso in mostra.
E la leggenda vuole che sia stato proprio Modigliani a presentare Kisling a Netter. A causa del suo atteggiamento così discreto, di Jonas Netter non rimane nulla di personale. Tranne le opere che amò e collezionò e che anche noi oggi possiamo contemplare.

http://www.romeguide.it/mostre/modiglianipalazzocipolla/modigliani.html#mostra

http://www.newyorkmilano.com/service/modiglianimostra/wp-content/uploads/2013/02/Elvireconcollettobianco1.jpg

Amedeo Modigliani - Elvire con colletto bianco

http://www.newyorkmilano.com/service/modiglianimostra/wp-content/uploads/2013/02/RitrattodiJeanneHe%CC%81buterne1.jpg

Amedeo Modigliani - Ritratto di Jeanne Hébuterne

http://files.offi.fr/evenement/44643/images/600/446155e9982c777799913e1bda977a35.jpg

Chaïm Soutine - L'homme au chapeau

http://www.newyorkmilano.com/service/modiglianimostra/wp-content/uploads/2013/02/trenudiincampagna1.jpg

Suzanne Valadon - Tre nudi in campagna

http://danielacanublog.files.wordpress.com/2013/11/paris-street.jpg

Maurice Utrillo - Strada di Parigi

Travis Louie

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Wed, 12 Feb 2014 17:26:00 +0000

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Travis Louie è nato nel Queens, New York.

Ha trascorso la sua infanzia disegnando e guardando la fiction"Atomic Age"e molti film horror. Il sabato pomeriggio Travis ricorda di averli passati per la maggior parte al negozio di fumetti e presso il cinema RKO Keith in Northern Boulevard. Qui conosce e comincia ad apprezzare i cimeli degli anni '50: le navi razzo, i supereroi, i mostri giganti e altri artefatti. Tra i suoi disegni ce ne sono centinaia relativi a personaggi come Godzilla, King Kong e una miriade di creature dei film di Ray Harryhausen.

Dopo il liceo, Travis frequenta il Pratt Institute di Brooklyn dove si laurea in disegno e comunicazione; l'intento è quello di perseguire una carriera freelance come illustratore. Ma purtroppo il lavoro si rivela meno gratificante di come aveva previsto. Dopo aver fatto il freelance per alcuni anni, Travis crea un corpus di dipinti che espone in diverse gallerie d'arte newyorkesi. La risposta del pubblico è stata molto incoraggiante e lo spinge ad intraprendere la carriera di illustratore su commissione, sia di tipo privato che per spettacoli pubblici.

Lo stile grafico del suo lavoro è in gran parte influenzato dalla luce e dall'atmosfera espressionista tedesca, dai film noir e dai film dell'epoca del muto fino alla fine del 1950. I film di registi come F.W. Murnau, Fritz Lang, Orson Welles, Robert Siodmak, Robert Aldrich, Jacque Tourneur e il direttore della fotografia Greg Toland hanno avuto un grande influenza sulle creazioni di Louie.

Per raggiungere il drammatico "mood" (stato d'animo) nei suoi quadri tutto è principalmente realizzato in bianco e nero o con una gamma limitata di colori. Travis usa colori acrilici e matite su su pannelli di legno. Quando non si dedica alla pittura trascorre il suo tempo a scrivere nei suoi quaderni e diari.

I protagonisti dei suoi lavori sono molti, tratti dai film di genere, e che lasciano il fascino con le loro stranezze umane, da baracconi da circo, dai maghi Vaudeville, con i loro ritratti vittoriani e tutte ciò che è ultraterreno.

traduzione da http://www.travislouie.com/about/

http://www.circusposterus.com/blog/wp-content/uploads/2012/04/wendy750.jpg

http://www.shootinggallerysf.com/media/shows/gallery/travis-louie/gal_artist_24_2966_louie4.jpg

http://arrestedmotion.com/wp-content/uploads/2013/04/hillaryandsam750.jpg

https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwsY5PXmt-uH-gNLRWIB6njF7mXpoJ-QjqGmmi16fJbDPa__0N-ZKPnS4EshKSzBXbTG6yiXxFmtIV_yoBHBNeEcGF8iahgRTzzQzVKVByp4cub88gZrL-xthyphenhyphenjaRRscsHGYrSXp-nSuE/s1600/travis-louie_the-coachman.jpg

http://circusposterus.com/files/database//products/The_Spirit_Photo.jpg

https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKAT7tWG7DYHA8Jv-7smlU8U_ye-7IY86BQbmZFAEga318J610NiwD3vynutwcKXEWNTC-6ENEAv5PHl5dxP1KUvMHFIBPkbtjpk1kLeVk0UyMgujFj4-eaC5Xra9GQE1ZVVJ19i5nA6Jk/s1600/Sad+Mr+Grimace+150.jpg

http://31.media.tumblr.com/tumblr_lkj1zlLYVv1qij5kyo1_500.jpg

http://www.mardecortesbaja.com/TravisLouieVampBaja.JPG

http://arrestedmotion.com/wp-content/uploads/2012/08/UncleArthur_sm.jpg

http://2.bp.blogspot.com/-lD5_GLx_Nsg/UG66--6sjcI/AAAAAAAAAp0/NTN8PlP8KUE/s640/Travis%2BLouie%2B%2B(19).jpg

http://assets.coolhunting.com/coolhunting/mt_asset_cache/2011/11/01/Travis_Louie1.jpg

http://dbprng00ikc2j.cloudfront.net/work/image/211582/slide/web-ready-image.jpg

DIY - La Manhattan clutch

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Wed, 05 Feb 2014 11:06:00 +0000

Ed ecco un altro DIY.
Anche questa volta, il risultato finale doveva essere diverso. O meglio l'uso che ne avrei dovuto fare era differente, ma è venuto tutto così bene, che non potevo certo utilizzare questa clutch per tenerci i trucchi e appoggiarla in un angolo del bagno.

L'ho chiamata Manhattan clutch perchè il nero lucido della stoffa ricorda la superficie dei grattacieli di New York e le cuciture di cotone giallo le luci che illuminano la città. E dunque è nata la Manhattan Clutch!

Seguiamo insieme il procedimento.

Innanzitutto procuratevi della stoffa nera lucida (similpelle o qualcosa del genere). Fate il modello di carta di quanto la volte grande e fermatelo la carta sulla stoffa con gli spillini. Tagliate la stoffa. Nel nostro caso abbiamo tagliato 4 "fogli" di stoffa creando due coppie esterno/interno. Tra i due panni di stoffa è stato inserito un foglio di lana di vetro. E poi tutto cucito (nel nostro caso a spina di pesce, ma voi potete creare un altro motivo geometrico o una vera e propria figura) con cotone giallo fluo.

Create le due superfici per la clutch.

Tracciate delle linee leggere con il gesso per poi poter cucire precisamente l'impuntura. I fili che resteranno fuori dovranno essere infilati all'interno della stoffa con un ago.

Cucite la cerniera.

Ed ecco il risultato finale.

Per poterla usare più agevolmente e non solo come clutch, ma anche come borsa, sono stati realizzati due occhielli della stessa stoffa ai quali è stata agganciata una catenella da borsa.

Ed ecco la mia Manhattan clutch (e la mia Harlem bag ;-D )

DIY - La borsa

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Wed, 05 Feb 2014 10:31:00 +0000

Ed eccomi con un nuovo DIY, quasi interamente non realizzato da me, ma dalla mamma che, non avendo un blog personale, pubblicizzo io sul mio.

Avendo da tempo dei manici di cartone pressato (sembra legno, ma è solo cartone), abbiamo deciso di fare una borsa. All'inizio doveva solo essere una semplice borsa, ma il progetto si è sviluppato in una vera e propria valigetta.

E dunque vi spiego come realizzarla.

Fate un modello di carta delle esatte dimensioni della borsa finale.

Essendo la nostra sì stoffa resistente, ma non abbastanza rigida, abbiamo deciso di mettere all'interno un foglio di plastica, quello da imballaggio.

Se volete rifinire in modo più raffinato la vostra borsa, procuratevi una corda di diametro 4-5 mm. Lo rivestiremo di stoffa per aggiungere un bordo alla borsa.

Riportate la forma del modello di carta sul foglio di plastica.

Fate lo stesso per la stoffa avendo cura di fermare con degli spillini il modello di carta.

Abbiamo deciso di rivestire internamente la borsa di un'altra stoffa. Sceglietene una che riprenda i colori esterni. Ma se preferite, ora va molto di moda il contrasto, trovatene una che sia completamente diversa (i gusti sono diversi).

Tagliate due strisce di stoffa per creare lo "spessore" della borsa.

E rivestite il cordoncino con la stessa stoffa che utilizzerete all'interno.

Per facilitare l'uso dei manici abbiamo creato due fasce di stoffa da inserire nella fessura dei manici.

Vi tralascio la cucitura della cerniera e la creazione della forma della borsa che ovviamente, per chi intraprende questo progetto, saprà sicuramente fare.

Le fasce dei manici sono state fermate facendo tre asole con tre bottoni per poter eventualmente sfilare i manici e poter lavare la borsa.

Ed ecco l'interno rivestito.

Lewis W. Hine

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Tue, 04 Feb 2014 17:16:00 +0000

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/e/ed/Lewis_Hine_selfportrait.jpg

Chi visita New York o chi ha intenzione di visitarla, arriva nella Grande Mela, spesso, con alcune immagini impresse nella mente sia di luoghi da vedere, sia di eventi avvenuti in precisi punti della città. Spesso ci si ferma alla sola foto, al localizzare il luogo dove è stata scattata e magari a vederlo dal vivo. E spesso non si conosce la storia di quell'immagine, cosa essa abbia voluto significare e perchè è stata scattata.

Questo è quanto si può dire di molto famosi scatti di Lewis Hine. Uno dei più conosciuti e dei più abusati è quello che ritrae alcuni operai sospesi nel vuoto in una pausa lavorativa durante la costruzione dell'Empire State Building.

Leggete quanto vi riporto da wikipedia per conoscere meglio la storia di queste e altre particolarissime immagini.

Oshkosh, 26 settembre 1874 – 3 novembre 1940

E' stato un sociologo e fotografo statunitense, che utilizzò la macchina fotografica come strumento per promuovere riforme sociali, in particolare nell'ambito del lavoro minorile.

Lewis W. Hine nacque a Oshkosh nel 1874. Dopo la morte del padre in un incidente, iniziò a lavorare e a risparmiare per potersi permettere di frequentare il college. Hine studiò sociologia presso le University of Chicago, Columbia University e New York University. Divenne poi insegnante a New York presso la Ethical Culture School, dove incoraggiò i suoi studenti ad utilizzare la macchina fotografica come mezzo di sviluppo culturale. Le sue classi viaggiarono fino alla Ellis Island in New York Harbor, fotografando le centinaia di immigrati che vi approdavano ogni giorno. Tra il 1904 e il 1909, Hine scattò circa 200 fotografie, e sviluppò la convinzione di una vera vocazione per il fotogiornalismo.

Nel 1907, divenne il fotografo della National Child Labor Committee (NCLC). Nei dieci anni successivi, Hine documentò il lavoro minorile nelle fabbriche americane per supportare l'impegno della NCLC nell'abolizione di questa pratica. Tra il 1906 e il 1908, fu fotografo freelance per The Survey, una rivista di promozione di riforme sociali, scattando immagini che dimostrassero la crudeltà delle condizioni di lavoratori bambini.

Nel 1908, Hine fotografò operai e attività nella zona industriale siderurgica di Pittsburgh per un importante studio sociologico intitolato "The Pittsburgh Survey". Durante la prima guerra mondiale, documentò l'opera di assistenza e soccorso della Croce Rossa in Europa. Negli anni venti e nei primi anni Trenta, Hine produsse una serie di ritratti di operai in cui veniva enfatizzato il contributo umano alla società industriale. Nel 1930, gli fu commissionata la documentazione del processo di costruzione dell'Empire State Building. Hine fotografò gli operai in precarie condizioni di lavoro e privi di strumenti di sicurezza. Per ottenere i migliori punti panoramici da cui scattare, Hine si posizionò in una struttura appositamente progettata circa 1.000 piedi al di sopra della Fifth Avenue.
La Biblioteca del Congresso conserva più di cinquemila fotografie di Hine, inclusi molti esempi dei suoi ritratti sul lavoro minorile e sulle attività assistenziali della Croce Rossa. Durante la Grande depressione, lavorò nuovamente per la Croce Rossa, fotografando l'opera di soccorso nel Sud degli Stati Uniti colpiti dalla siccità, e per il Tennessee Valley Authority (TVA), documentando la vita nelle montagne del Tennesee orientale. Lavoro anche come capo fotografo del Works Progress Administration's (WPA) che studiò i cambiamenti nel settore industriale e gli effetti sull'occupazione. Hine fu anche eletto nel consiglio di facoltà della Ethical Culture Fieldston School.

http://it.wikipedia.org/wiki/Lewis_Hine

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La Victorian Cliff House

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Thu, 16 Jan 2014 16:10:00 +0000

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La Cliff House è un ristorante arroccato sul promontorio delle scogliere appena a nord di Ocean Beach, sul lato occidentale di San Francisco, in California. Si affaccia sul sito delle ex Terme Sutro ed è ora parte della Golden Gate National Recreation Area, gestito dal National Park Service. Sulla terrazza del Cliff House c'è una stanza di dimensioni di una camera oscura.

La Cliff House ha subìto cinque principali rifacimenti fin dai suoi inizi nel 1858. Quell'anno, Samuel Brannan, ex mormone del Maine, acquista per 1.500 dollari il legname recuperato da una nave che naufragò sulle scogliere di basalto poco distanti dal sito della Cliff House. Con questo materiale costruì la struttura della prima versione della Cliff House.

Il locale subisce un riammodernamento nel 1863 e viene affittato al capitano Junius G. Foster. Per lungo tempo è stato rifugio di cacciatori e turisti di passaggio per un picnic e una gita. Con l'apertura l'anno dopo del Point Lobos, una strada a pedaggio, la Cliff House ha avuto successo grazie al commercio di trasporto che avveniva di domenica. Più tardi i costruttori della strada a pedaggio realizzarono una superstrada di due miglia accanto al Point Lobos. Nei fine settimana, c'era poco spazio nelle rastrelliere rimorchiabili per legare i cavalli. Presto omnibus, ferrovie e tram linee portarono fino a Lone Mountain; da qui i passeggeri venivano trasferiti dalle linee delle diligenze fino alla spiaggia. La crescita del Golden Gate Park attrasse molti viaggiatori verso la spiaggia, in cerca di sguardi furtivi ai leoni marini che prendono, tutt'ora, il sole su Seal Rocks appena oltre le scogliere, per visitare la zona.

Nel 1877, la strada a pedaggio, ora Geary Boulevard, venne acquistata dal Comune per circa $ 25.000.

Nel 1883, dopo alcuni anni di crisi, la Cliff House fu acquistata da Adolph Sutro, che aveva risolto i problemi di ventilazione e di drenaggio delle miniere di Comstock Lode e era pronto a diventare un multimilionario. Dopo alcuni anni di serena gestione da parte di J.M. Wilkens, la Cliff House fu gravemente danneggiata da un'esplosione di dinamite, quando una goletta, la Parallel, si incagliò il 16 gennaio 1887. L'esplosione venne sentita fino ad un centinaio di chilometri di distanza e demolì l'intera ala nord della taverna. L'edificio fu riparato, ma fu poi completamente e nuovamente distrutto nella notte di Natale del 1894 a causa di una canna fumaria difettosa. Wilkens riuscì a salvare il registro degli ospiti che comprendeva le firme di tre presidenti e decine di illustri visitatori di fama mondiale. Questa continua trasformazione della Cliff House, con le sue varie vicissitudini, durò per 31 anni.

Nel 1896, Adolph Sutro costruì una nuova Cliff House con le sembianze di un castello vittoriano di sette piani, chiamato da alcuni il "Palazzo Gingerbread", sotto la sua tenuta sulle scogliere di Sutro Heights. Nello stesso anno iniziarono anche i lavori alle famose Terme Sutro, situate in una piccola insenatura a nord del ristorante. Le terme si costituivano di bagni, sei grandi piscine coperte, un museo, una pista di pattinaggio e di altri sfiziosi luoghi di benessere e piacere. Grandi folle da San Francisco arrivavano su treni a vapore, biciclette, carretti e carri a cavallo nelle gite domenicali. Le terme acquistarono anche parte di una collezione di animali imbalsamati, diverse opere d'arte e oggetti storici.

La Cliff House sopravvisse anche al terremoto del 1906 con pochi danni, ma venne rasa al suolo la sera del 7 settembre 1907, dopo aver vissuto il suo successo per soli 11 anni. Emma Merritt, figlia di Sutro, si dedicò alla ricostruzione del ristorante in stile neo-classico che venne completata in due anni ed è la base della struttura che si può vedere oggi.

Nel 1937, George e Leo Whitney acquistarono il locale per completare il loro Playland-at-the-Beach, un'attrazione nelle vicinanze; l'intera struttura prese le sembianze di un ristorante americano. Nel 1960, in occasione della chiusura della Playland , il Musée Mécanique, un museo del XX° secolo venne spostato nel seminterrato della Cliff House. L'edificio, poi, cambiò proprietario e venne acquistato dalla National Park Service nel 1977 per poi diventare parte della Golden Gate National Recreation Area.

Nel 2003, subendo l'ennesima ristrutturazione, molte delle aggiunte di Whitney sono state rimosse e l'edificio è stato restaurato al suo aspetto del 1909. Una nuova ala a due piani è stata costruita con vista su quelle che erano allora le rovine delle Terme Sutro. In effetti le Terme furono rase al suolo il 26 Giugno 1966. Durante il ripristino del sito, il Musée Mécanique fu nuovamente trasferito a Union Square.

La zona immediatamente circostante Cliff House è parte del luogo dove Jack London ambientò il suo romanzo "The Scarlet Plague" del 1912.

La Cliff House dispone di due ristoranti, di una sala più informale e dell'elegante salone Sutro. Inoltre, sul terrazzo ogni domenica viene offerto un brunch a buffet. All'interno c'è anche un negozio di souvenirs e la storica camera oscura che si trova su una terrazza con vista sull'oceano.

http://en.wikipedia.org/wiki/Cliff_House,_San_Francisco

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Buon Natale e Felice Anno Nuovo

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Sat, 28 Dec 2013 15:10:00 +0000

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Quest'anno, con molto ritardo, auguro ai miei lettori un Felice Natale e un Buon Anno Nuovo.
Qui in Cadore ci sono stati diversi disagi a causa dell'improvvisa nevicata a cui, stranamente, non eravamo pronti.

Ma recupero il tempo perduto e con queste belle immagini, vi do i miei auguri sperando di avere sempre più followers nel 2014!

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Jo Davidson

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Mon, 09 Dec 2013 11:43:00 +0000

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30 marzo 1883 - 2 gennaio 1952

E' stato uno scultore americano di origine russo-ebraica. Anche se Davidson, nell'arco della sua carriera, si è specializzato in ritrattistica statuaria molto reale e rispondente al vero, lo scultore, in realtà, ha studiato i suoi soggetti non con un metodo formale, ma dialogando con loro per osservarne i loro tratti caratteriali.
Ha lavorato principalmente con l'argilla, mentre i prodotti finali erano tipicamente realizzati in terracotta, marmo e bronzo.

Nato a New York, Davidson lavora nell'atelier di Hermon Atkins MacNeil prima di trasferirsi a Parigi per studiare scultura presso l'Ecole des Beaux-Arts nel 1907. Dopo il ritorno negli Stati Uniti, è stato aiutato da Gertrude Vanderbilt Whitney che ne acquista molti lavori e lo aiuta ad introdursi nel mercato della staturia.

Nel 1911 Davidson si assicura la sua prima personale. La manifestazione si constava di una dozzina di scultori invitati dal magnate E. W. Marland per competere nel suo concorso per la realizzazione di una statua di una donna "pioniere" per la città di Ponca. Davidson, però, purtroppo non vince. Nel 1934, però, lo scultore si aggiudica il Premio Maunard presso la National Academy of Design, e nel 1947 l'Accademia Americana delle Arti e delle Lettere ne ospita una retrospettiva con circa 200 delle sue opere.
Nell'estate del 1949, fu uno dei 250 scultori che espone alla 3° Internazionale di Scultura presso il Philadelphia Museum of Art.

Tra le commissioni di Davidson ci furono il progetto per un distintivo delle Industrie di guerra, una raccolta di creazioni per il governo francese per commemorare la prima vittoria della Troupes de Marine e alcuni busti in bronzo dei leader degli Alleati. Furono proprio questi ultimi che gli fecero acquisire una fama internazionale.

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Frank Sinatra

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Hellen Keller

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Charlie Chaplin

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Il Presidente Dwight D. Eisenhower

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Gertrude Stein (fotografati da Man Ray)

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Arthur Conan Doyle

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Davanti alla Casa Bianca con il busto del Presidente Franklin D. Roosevelt

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Il busto di A. Einstein

La clinica del dott. Esprit Blanche

noreply@blogger.com (Chez Edmea) — Thu, 28 Nov 2013 10:00:00 +0000

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Esprit Sylvestre Blanche , nato il 15 maggio 1796 a Rouen e morto 8 novembre 1852 a Parigi , è uno psichiatra francese.

Suo padre, Antoine Louis Blanche, fu il capo chirurgo dell'ospedale militare di Rouen. Dopo aver frequentato un dottorato nel 1819 e dopo aver studiato presso la Scuola di Medicina di Parigi , Esprit Blanche si dedica allo studio delle malattie mentali.

Dopo alcuni anni di studio, fonda, sulle alture di Montmartre , una casa di cura dove mette in pratica i principi di trattamento sviluppati da Pinel, cioè mettere i pazienti in contatto con nuovi gruppi sociali (famiglia, amici, ecc.), invece di isolarli.

Il medico ebbe tra i suoi pazienti anche lo scrittore Nerval e il compositore Gounod.

Nel 1846 trasferisce la sua clinica di Montmartre a Passy (all'epoca comune, ma ora uno dei tanti quartieri assorbiti dalla capitale francese), nella proprietà della principessa de Lamballe. Alla sua morte, il figlio Emile Blanche, padre del pittore Jacques-Emile Blanche, ha assunto la gestione della clinica che ha mantenuto fino al 1872. Anche lo scrittore Maupassant soggiorna negli ultimi mesi della sua vita nella clinica Blanche.

Emile Blanche è anche fratello dell'architetto Léon Ohnet e zio dello scrittore Georges Ohnet.

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Rue d'Ankara, 17, Parigi (Passy)