chiados e canudos

Five Minutes to Live - 1961

2012-02-26T15:59:00.003-08:00

Johnny Cash já era um astro da música popular quando aceitou estrelar este pequeno "noir", que permaneceria obscuro e provavelmente esquecido se não fora a sua presença. O “Man In Black” sempre estaria ligado ao cinema paralelamente à carreira bem sucedida musical, mas não com tanta relevância. É verdade que no quesito trilhas sonoras foram 147 trabalhos, vários memoráveis; enquanto ator acabaria atuando mais na TV em séries de westerns e policiais. No cinema foram apenas dois: este filme aqui, objeto da resenha, e um western na década de 70, com Kirk Douglas. Johnny é Johnny Cabott, um bandido frio, psicopata, sádico e cínico. Depois de um golpe mal sucedido busca refúgio numa pequena cidade do interior dos EUA, juntamente com a namorada bonitona e gananciosa. Registremos a participação rápida dela - pois é eliminada sumariamente a tiros pelo namorado. Midge Ware, atriz de carreira para lá de obscura no cinema. Uma pena. Um pilantra local propõe ao bandido um novo golpe: fazer a esposa do gerente do banco local como refém, e obrigar o marido a lhes entregar uma soma vultosa. O título original do filme se refere ao intervalo que se sucederiam os telefonemas de um bandido para outro. O roteiro vai explorando com engenho a questão temporal dos cinco minutos.

Boa parte da trama se desenrola no espaço de uma manhã após o gerente ir para o trabalho e deixar a família. Johnny então chega fingindo ser um vendedor de curso de música e mostra a guitarra, mas também o revólver e faz a loura esposa americana típica como refém. No espaço da casa, o bandido com veleidades musicais e a mulher travam um duelo peculiar. O filme repete situação clássica de vários filmes mais conhecidos do período, como “Cape Fear” e “Desperate Hours”, ou menos conhecidos, caso do resenhado aqui anteriormente “Kitten whit a Whip”. Ou seja: o lar doce lar americano invadido e exposto aos terrores dos beatnicks, roqueiros e sociopatas. O golpe parecia bom, mas detalhes inesperados atrapalhariam os planos: o marido, aparentemente certinho, tinha uma amante, e o filho – interpretado pelo futuro ator e diretor Ron Howard – era um pentelho. Obviamente rola entre o bandido e a esposa certa química sexual. O que teria acontecido caso ela soubesse das escapulidas do marido? Infelizmente a situação não é explorada até o fim: estamos no começo da década de sessenta, nada de tensões sexuais que abalassem o lar doce lar americano. E o final, deixa tudo nos seus devidos lugares. Bandidos punidos: um morto, por culpa de um truque bobo do garoto, e Johnny Cabott, pela primeira vez deixa sua frieza de lado e se dá mal; e o outro, preso;a amante, leva uma banana, e o garoto pentelho, fica com algum parente, enquanto os pais chatinhos rumam para Las Vegas em nova lua de mel. Cinismo ? Assinale-se que um dos roteiristas foi Cay Forrester, que também interpreta Nancy, a esposa ameaçada. A direção, criticada por muitos – um exagero -, coube a Bill Karn, de carreira obscura na seara dos filmes Bs, com míseros sete filmes, e este foi seu último trabalho. Para deleite dos curiosos: o filme pode ser baixado sem problemas no You Tube, e outros sites, pois caiu em domínio público.

Lina Romay - R.I.P

2012-02-23T12:56:00.000-08:00

Slogan - 1969

2012-02-23T11:46:00.001-08:00

Um filme difícil de desconfigurar da realidade: aqui nestes fotogramas ela nunca foi tão entranhada com a ficção. E dai julgá-lo bom ou ruim é tarefa desnecessária, se você – como eu – é admirador de Serge Gainsbourg e Jane Birkin. Conta a história que após o sucesso da sua participação em “Blow Up” de Antonioni, a jovem atriz inglesa Jane Birkin foi convidada a fazer testes em Paris para o filme aqui em questão. Ela não falava quase nada de francês, mas mesmo assim ganhou o papel. Ela vinha do fim de casamento com o compositor John Berry, dos filmes de 007; ele havia levado um fora de Brigitte Bardot. Quase 20 anos separavam um do outro: ele já um tio de 40 anos, ela uma garota de 22 anos. No entanto durante as filmagens começaram a namorar, e como a atriz lembrou numa entrevista em Veneza, finalmente, consumaram o amor, que se estenderia até a separação em 1980, depois de 13 anos juntos. Realidade. Trama do filme: Serge Gainsbourg é Serge Fabergé, diretor de filmes publicitários, casado, mas rodeado de amantes. E em Veneza, onde estava para uma premiação, conhece a jovem Evelyne (Birkin), uma inglesa sexy e meio maluca. Abandona a esposa e a filha recém-nascida e vai viver com a moça. Mas a partir daí ficção e realidade tomam caminhos divergentes: os problemas envolvendo o publicitário e a jovem acabam por separá-los. Serge passa todo o filme fumando e com cara de bebum, mas é evidente que está babando por Birkin. O tom é de comédia tipicamente sixtie com toques surrealistas em alguns momentos – com um estalar de dedos Serge pode, por exemplo, fazer desaparecer quem o irrita -, mais inglesa que francesa. Tem também piadas aqui e ali com a diferença de idade entre os dois.

Coube a Pierre Grimblat dirigir esta curiosidade midiática e cinematográfica: uma carreira curta no cinema, dedicando-se mais à TV e tendo realizado em 1994 um vídeo documentário sobre o cantor. Lembrando ainda que, no mesmo ano de 1969, o casal protagonizaria “Le Chemin de Katmandou” de Andre Cayatte – filme que não conheço ainda, mas estou aqui aguardando a passos de mula -, e gravariam uma das canções mais escandalosas e censuradas de todos os tempos, que nem preciso dizer o nome aqui, suponho. Se o filme não é uma obra-prima, traz, além do casal atuando , a trilha (a cargo de Gainsbourg ) e uma breve cena de nudez da maravilhosa Birkin. Ou seja: imperdível.

Le Regine - 1970

2012-02-20T10:57:00.006-08:00

Um obscuro filme italiano dirigido por Tonino Cervi ,e provavelmente um dos últimos a retratar o conflito de gerações italiana nos anos 60. Não foram poucos os cineastas que abordaram o conflito. Seguramente esta abordagem do meu filme da vez é original: política, terror, rock, sexo e teoria da conspiração no mesmo balaio. Ray Lovelock, que inclusive canta os temas do filme, interpreta um hippie perambulando pelo interior da Itália, que acidentalmente mata um milionário estranho numa estrada deserta à noite. Continuando seu caminho em direção ao mar, ele acaba buscando abrigo numa casa aparentemente deserta. Mas surpresa ao acordar: a casa era habitada por três lindas e estranhas mulheres. Ele até hesita, mas acaba cedendo ao convite delas para permanecer por ali.
Quem, diabos, resistiria ao pedido, afinal de contas? E o rapaz com seu discurso de esquerda, libertário se deixa envolver nas delícias do sexo e do amor. Logo, porém percebe que nem tudo são prazeres carnais e espeirituais ali e as moças escondem algum segredo, que pode ser sinistro: Pouco a pouco a atmosfera vai se tornando irreal, ambígua e decididamente maligna. O hippie não estava no paraíso na terra, mas na ante-sala do inferno. E todos os seus ideais viram fumaça sob os encantos diabólicos das feiticeiras: O título da versão americana-“Queens of Evil” - meio que entrega o que as moças realmente seriam.
O título original italiano - é também conhecido como “Il Delitto del Diavolo” - deixa o espectador bem mais na posição de ser surpreendido pelo hábil diretor, que curiosamente tem obra pequena, apenas 11 filmes, e se dedicou mesmo à produção. Não existe ainda em DVD , infelizmente .

Ciao ! Manhattan - 1972

2012-02-16T12:58:00.002-08:00

Edgie Sedgwick passou como um sopro pelos anos sessenta e desapareceu de maneira triste, dormindo, em 1971, esquecida, na Califórnia. Oriunda de uma família rica foi para NY e caiu nas garras de Andy Warhol e sua factory. Ali circulou , tornando-se uma pequena celebridade, uma espécie de Paris Hilton da época. Pode ser vista na contracapa do disco da banana do Velvet. Foi ela, aliás, a inspiração para a música “Femme Fatale” do mesmo disco, composta por Lou Reed,a pedido de Andy, para promovê-la .E nessa época, em 1967, começou a participar de um filme co-dirigido por John Palmer e David Weisman. As filmagens resultaram em uma sequência de situações caóticas de toda espécie e o filme não foi concluído. Edie caiu fora da turma, sem abandonar as drogas: vivia 24 horas chumbada. Depois de perambular algum tempo por Manhattan se envolvendo aqui e ali com alguns roqueiros foi buscar refúgio na casa dos pais e sumiu. Cinco anos depois a dupla resolveu prosseguir o filme e a reencontraram ainda pior do que antes, com a saúde física e mental detonandas.Para dar alguma coerência à trama inseriram a história de um surfista que está se dirigindo a Malibu, e socorre uma jovem chapada na estrada: Susan Superstar, alter-ego de Edie , e graças a uma etiqueta pendurada no pescoço dela descobre o seu endereço e a leva para casa . As imagens do filme inacabado, cenas de Edie com um namorado se drogando, foram inseridas como flashback.

O resultado é uma hidra caótica e bizarra, mas que exerce um fascínio necrófilo e perverso. Quase um documentário ficcional , é que temos, dos últimos dias da aspirante à atriz e modelo, engolida pela máquina sixtie nova-iorquina barra pesada, e cuspida depois, com os resultados que o espectador que se e aventurar pelo filme poderá perceber. Ainda na fase de pós-produção ela faleceu vítima de uma intoxicação de barbitúricos. Havia se casado meses antes: as imagens reais do casamento estão no filme. É evidente que a moça atuou nas sequências coloridas do filme completamente drogada. A dupla, de diretores, como era de se esperar, foi bastante criticada pelo filme: julgaram-no uma apelação em cima da imagem da coitada. Bem ou mal o filme se sustenta como um retrato de um belo fracasso que foi Edie Sedgwick e da contracultura nova-iorquina dos anos sessenta. Trinta anos depois da última exibição pública -sintomaticamente em Amsterdam -,o filme ganhou edição americana em DVD, ainda inédita no Brasil.

Cry Uncle ! - 1971

2012-02-11T14:07:00.001-08:00

John Avildsen(nascido em 1935) é um caso curioso no cinema americano. Ainda em atividade, mas em produções obscuras, é lembrado por haver dirigido alguns blockbusters de sucesso nos anos 70 e 80: os infames “Rocky” e “Karaté Kid”. No entanto o início da carreira sugeria um diretor ousado e criativo. O primeiro filme, ”Joe” deixou boa impressão e este aqui que relembro, caso algum admirador dos sucessos acima assista provavelmente irá vomitar ou praguejar antes de atirar o filme ao lixo. Onde foi que ele errou afinal de contas? Como alguém se desvia de um caminho coerente para se deixar enredar por filmes pusilânimes e sem alma? Em quê momento John vendeu sua alma? Dinheiro? Perguntas que ficarão sem resposta, pois certamente não irei entrevista-lo jamais. Mudando de assunto só um momento: o caso recente da morte do cantor Wando. Um caso algo semelhante: ele começou a carreira com uma série de 4 ou 5 discos criativos, suingados, mas em algum momento, o diabo disfarçado na figura de algum executivo ou produtor cochichou em seu ouvido: deixa de onda, faça merda que lhe darei o mundo. E o cara foi lá enveredou pela música dita romântica, colecionou calcinhas, passou dessa para melhor unicamente lembrado com a pecha de cantor brega das calcinhas. Muitos se surpreenderam ao descobrir a sua faceta inicial de sambista sacolejante. E voltemos ao nosso Avildsen que ganhou prêmios – Oscar, no caso - , viu a glória pública, que o diabo lhe concedeu ao se vender, e tal como Wando morreu, apenas artisticamente, aqui no caso. Brega, sambalanço ,calcinhas, cinema e Troma: tudo a ver aqui no blog. Falei em Troma, a produtora maluca de filmes Bs, justamente por que foram eles que produziram essa peça sui-generis do cinema americano dos anos 70.

Bons tempos, de liberdade conceitual, criativa e nada de politicamente correto. Filme decerto que, feito hoje, seria dizimado pelas hostes do bem estar comum americano. Mas no começo da década de 70 o ambiente ainda permitia um filme como este no mainstream. Sexo é o grande personagem que paira sobre todas as ações do filme. Sexo, um dos pesadelos americanos. A sequência inicial é exemplar: um cara gordo e feio, careca, fazendo sexo, desajeitado com uma mulher longe de qualquer padrão de bom gosto. Jake (Allen Garfield) o sujeito, é um detetive fuleiro e tarado. É interrompido em seu coito com uma chamada para resolver um caso aparentemente banal: um milionário esquisito acusado de matar uma prostituta durante uma orgia. O que se segue é uma jornada fescenina, debochada, fora dos parâmetros do bom gosto, no mundo das drogas e do sexo. Apalavra sacana poderia resumir bem o filme, ou talvez outra pior, e que não pega bem escrever aqui. Uma pequena obra-prima de mau gosto e sordidez, irregular e divertida.

Flesh Feast - 1970

2012-02-07T11:22:00.000-08:00

Ao contrário do que muitos pensam - se é que alguém se importe com isso -, só comento filmes que considero relevantes de alguma maneira. Não tenho paciência com aquela história de curtir filmes trash, bombas e etc, apenas por isso. Se é trash, mas é chato, é um filme ruim e pronto. Já fui “crítico” e, atualmente tenho urticária de filmes pretenciosos e artísticos, digamos assim. Enfim cada um na sua. Este espaço é para relembrar com bom humor filmes que talvez merecessem lembranças maiores. Mas eis aqui eu me debruçando sobre um filme ,que não resta a menor dúvida, é sério candidato ao pior filme de todos os tempos. O que só por isso já mereceria minha atenção, é óbvio. Mas a razão da lembrança é a presença ilustre da deusa do cinema noir dos anos 40/50 Veronica Lake. Loura, baixinha e com sérios problemas mentais, além de abusos de álcool e outras substâncias, faleceu com apenas 53 anos em 1973, em completa decadência em Miami. Triste. E como já relembrei comebacks esdrúxulos aqui de divas de Hollywood, caso de Jennifer Jones, em “Angel, Angel Down We Go ” e Carrol Baker em “Bad”, este não poderia faltar. Sim, pois o filme em questão foi a despedida das telas da loura fatal. Ou melhor, uma tentativa espúria e deprimente de voltar ao cinema. Produção dela mesma, como se pode ver nos créditos. Um medonho, bizarro epitáfio. No papel de uma cientista, que sintomaticamente acaba de sair de um hospício, e volta para casa e se dedica a descobrir a fórmula da juventude utilizando larvas, que se alimentam de carne humana. Nem precisa dizer que corpos desaparecem dos hospitais, e há um jornalista abelhudo, que investiga o caso. A mansão onde tem o laboratório serve também como uma pensão para enfermeiras gostosas, obviamente. O que não faz muito sentido. Aliás, o que faz sentido no filme? E a casa então é invadida por um grupo de sinistros hispanos nazistas (?) que pretendem trazer o chefão para uma operação de rejuvenescimento. E adivinhe quem é o tal chefão?

Nada mais, nada menos que Adolf Hitler, que não havia morrido e precisava de uma cara nova. O problema, para mim, não é essa trama absurda, que em boas mãos seria divertida. O problema mesmo é a direção de Brad F. Grinter, de uma incompetência que beira o surreal. E a pobre Veronica, do alto dos seus 50 anos – estranho dizer isso, pois ela era baixinha – sabe-se lá como ainda consegue atuar em meio ao bando de zumbis que o diretor colocou para contracenar com ela

Ben Gazzara - R.I.P

2012-02-04T12:11:00.000-08:00

Hollywood Boulveard - 1976

2012-02-04T12:02:00.000-08:00

As origens de um filme surgir podem ser as mais estapafúrdias possíveis, e muitas dessas histórias -das suas origens-, dariam também filmes. Hollywood, principalmente, nunca se furtou a exibir seu universo interno, revelar um pouco dos seus truques, muitas vezes com doses de realismo impressionantes, vide ‘Sunse Boulevard”, “The Bad and the Beautiful”, de Minelli, “Day of Locust” de Schlesinger, para ficar entre tantos e tantos bons e maus exemplos. O universo do filme B , e da exploitation também mereceu algumas incursões. O exemplo mais famoso ,sem dúvida ,“Ed Wood” de Tim Burton. Mas o filme ,aqui dirigido a duas mãos por Allan Arkush e Joe Dante, foi outra reflexão e homenagem feliz a este universo maravilhoso. E a origem do filme ,per si ,daria outro filme talvez: ele nasceu de uma aposta do produtor Jon Davison ao diretor e produtor Roger Corman, de que seria capaz de produzir um filme com a quantia – irrisória para os padrões americanos – de 90.000 dólares . Nem o mestre do filme B que fez filmes com orçamentos absurdos nos anos 50 e 60, acreditava mais nesta possibilidade nos anos 70. Mas Joe foi adiante ganhando a aposta. O resultado foi uma homenagem, a mais divertida e sincera, que o grande Roger Corman poderia ter recebido em todos os tempos ,até então. A lourinha Candice Rialson ,no papel de uma aspirante a atriz chega a Hollywood e sai batendo de porta em porta a procura do seu sonho. Os resultados foram roupas rasgadas devido a testes do sofá mal concluídos e a frustração. Ao conhecer o agente picareta Walter Paisley – interpretado pelo ator fetiche de Roger, Dick Miller – e o nome é mesmo de um personagem de um filme “A Bucket of Blood” de Roger Corman, o universo do cinema parece se abrir finalmente para ela. E cai numa produção típica das exploitation dos anos 70,dirigida por um diretor também picareta(interpretado pelo diretor Paul Bartel):uma malfadada "fita vagabunda" nas Filipinas, onde uma dublê já havia morrido num acidente – e nossa mocinha vai justamente ocupar o posto da falecida. A estrela da companhia, a rainha dos Bs é interpretada por Mary Woronov, figuraça do cinema nos anos 60 e 70, e ela é uma atriz enciumada e nem um pouco empolgada com a chegada de novas atrizes dispostas a tirarem a roupa e realizarem cenas perigosas.

A trama do filme começa a ficar séria: algumas mortes de atrizes e membros da produção começam a acontecer , pelas mãos de um misterioso e mascarado assassino, homenagem óbvia e simpática aos “gialli” italianos. As piadas carinhosas com o universo B, sexploitation e exploitation pontuam cada sequência: para os fissurados como eu neste universo, uma delícia, e é quase impossível destacar uma Talvez as piadas com os filmes de ficção científica B, especialmente “Robot Monster “? . E podemos ver um personagem carregando nas mãos o básico livro “The Kings of Bs”, minha bíblia. Mas tem muito mais:cartazes, citações de frases reais de Corman e trechos de seus filmes , pontas de diretores, etc. Lembrando que Joe Dante realizaria outra homenagem a este universo com o filme “Matinê”, centrada na figura folclórica do diretor William Castle. Allan arkush dirigiria o clássico " Rock Roll High School" Ao que consta existe uma continuação que infelizmente ainda não conheço.

Girl with Green Eyes - 1964

2012-01-31T17:18:00.000-08:00

Canto de cisne da new wave inglesa, com produção de Tony Richardson e direção de Desmond Davis. A geração que renovou o cinema inglês a partir dos conceitos intelectuais dos “angry Young men” capitaneados por John Osborne, e que teve justamente no diretor Tony Richardson um dos seus maiores expoentes no cinema, encerrava um ciclo. Quando o filme foi lançado, coincidentemente no mesmo ano do primeiro disco dos Beatles, o espírito havia mudado e histórias com fundo realista e social já havia cansado o público. Esta corrente que renovou o cinema inglês no fim da década de 50, foi apelidada de “kitchen sink drama” (drama de pia de cozinha), com alguma ironia. Sendo assim o filme de Davis acabaria não obtendo muita repercussão, caindo rapidamente no esquecimento. Uma pena, realmente. Baseado em romance de Edna O’Brien, que foi autora do roteiro, a história segue a o nascimento da maturidade emocional, afetiva e sexual de Kate (Rita Tushingham)) uma jovem irlandesa, vinda do interior e que se muda para Dublin , e vai viver com uma amiga, O amor aparece na improvável figura de um intelectual de meia idade Eugene, interpretado com a habitual sobriedade britânica por Peter Finch. A maturidade vai surgir dolorosa nos conflitos que surgirão dessa relação nascida sob o signo do fracasso. Divorciado, cético, e ela, católica, quase adolescente, algo ingênua, mas de bom gosto literário, diga-se passagem. A história é narrada em tom melancólico e tragicômico, com tintas neorrealistas, Bergman e as evidentes influências da nouvelle vague francesa. Destaques para a fotografia exuberante em preto-e-branco revelando uma Dublin cinzenta e provinciana; e o elenco, que além da já citada atuação de Peter Finch, tem a inglesinha feiazinha, mas simpática, Rita Tushingham, que já havia brilhado em “A Taste of Honey” alguns anos antes, e aqui dá mais uma vez mostras do seu talento, e Lynn Redgrave, no papel da amiga da heroína. Um filme, enfim, a ser relembrado com carinho.

PS: agradecimento especial aos maravilhosos portugueses do blog http://myonethousandmovies.blogspot.com/

Kiss of the Vampire - 1963

2012-01-27T05:47:00.000-08:00

Dia 14 de dezembro o cinema perdia Don Sharp. De origem australiana fez a carreira como diretor na Inglaterra depois de tentativas de trabalhar como ator no teatro e rádio. Dirigiu o primeiro filme de rock’roll na Inglaterra em 1958, mas o musical não seria seu forte e ganharia fama com seus trabalhos na produtora Hammer. O currículo inclui gêneros variados: filmes de pirata, terror, policiais e ação. Não conheço a sua extensa obra toda. Portanto vou comentar - como uma pequena homenagem - um dos seus bons filmes “ Kiss of the Vampire”. Pude assisti-lo nos bons tempos do Telecine, quando possuiam um canal só de clássicos. Bons tempos realmente. Como o pacote da minha TV a cabo não tem o canal não sei se ainda exibem filmes mais antigos. Na minha estadia nos EUA comprei um dvd do filme. E quando decidi escrever a crônica sobre o filme e fui revê-lo, uma surpresa desagradável: o filme, original, não rodou de jeito nenhum! E depois da merda do fechamento do megaupload a vida de colecionadores de filmes raros ficou mais difícil, e tive que ficar caçando o filme pela rede. Felizmente o piratebay tinha um torrent funcionando e consegui o filme novamente. Dureza realmente esta vida. Não está sopa.

O filme inicialmente foi concebido como a terceira parte da trilogia de “Drácula” com Christopher Lee e Peter Cushing. Por razões variadas o projeto foi modificado, e o produtor reformulou o roteiro, convocou Don Sharp, recrutou atores pouco conhecidos e o filme mostrou, felizmente, um novo olhar sobre o mito do vampiro. Entre 1958 e o ano em que o filme foi lançado o dentuço foi personagem uma tonelada de filmes na Itália, Inglaterra e outros países. Um mito cujo interesse não arrefece, haja vista a série “Crepúsculo”, os livros de Anne Rice, séries de TV e muito mais que não recordo aqui, e não interessa. No filme de Don, não temos o conde, e a história não se desenrola na Transilvânia. Um casal em lua de mel na Bavária – região da Alemanha - tem problemas com a carruagem e são obrigados a buscar abrigo na aldeia mais próxima. O nobre do castelo local convida a ambos para serem seus hóspedes. A prudência é uma qualidade que os heróis de filmes de vampiros não possuem e aceitam alegremente o convite. A família do castelo: O Dr Ravna e seus dois filhos Karl e Sabena , são nobres decadentes e logo se revelarão demoníacos e pervertidos líderes de uma seita de vampiros. Esta ligação de seitas com os vampiros era um aspecto até então pouco explorado nos filmes de vampiros. Outro detalhe interessante: o vampirismo visto como uma doença. E a sexualidade ganha importância acentuada, inédita àquela altura nos filmes da produtora. A cena do baile dos vampiros seria homenageada e recriada na comédia clássica de Polanski, “A Dança dos Vampiros”, alguns anos depois. Não sem razão, muitos o consideram o melhor filme de vampiros produzido pela Hammer em todos os tempos. Prova cabal do talento de Don Sharp, um nome que merece ser lembrado sempre.

Angel, Angel, Down We Go - 1969

2012-01-22T17:05:00.000-08:00

Robert Thom havia escrito o roteiro de um sucesso alternativo “Wild in the Streets” - estrelado por Shelley Winters -, e ganhou então a oportunidade dos produtores da AIP para dirigir seu próprio filme. Acabaria sendo sua única experiência à frente das câmeras. O filme foi um fracasso e está inédito ainda em DVD - mas pode ser assistido no Netfix americano – e permanece como um dos mais obscuros produtos da contracultura americana retratada no cinema. O produtor foi Jerome Katzman , filho de Sam Katzman, um dos responsáveis pela explosão do rock’roll no cinema nos anos 50, que aliás também deu uma força na produção deste filme. Relendo aqui um artigo sobre Katzman no essencial ”Kings of Bs” , Richard Thompson ,autor do texto, cita um reportagem da revista Variety de 1969, comentando a estreia do filme: “Sam Katzman está mudando o foco para produções com profundidade e ponto de vista(...)Esta será um dos primeiros filmes num esforço de mudar a imagem da produtora”. E o artigo finalizava já anunciando um novo filme de Robert Thom, que nunca seria realizado diante do fracasso, diga-se de passagem, um dos raros do produtor. O ano em que o filme foi lançado foi marcante para o rock: teve Woodstock, mas também Altamont e Charles Manson e sua trupe matando Sharon Tate. E nosso filme era mais um com uma visão negra e fantasmagórica da contracultura. O título alternativo do filme , por exemplo, foi “The Cult of the Damned”, que sugeria terror e satanismo. Uma família americana aparentemente perfeita: riquíssimos, celebridades e a filha, educada na Suiça. Isso o lado “Caras” da situação; do avesso, o pai,Willy, ex-ator,homossexual , a mãe Astrid , antiga atriz de pequenos filmes pornográficos e alcoólatra, e a filha Tara, heroína do filme, neurótica e gorducha. No seu regresso à América conhece, na festa de boas vindas, Bogart, uma astro de rock, calcado em Jim Morrison com certeza .Falando no cantor do The Doors, é evidente que o diretor buscou inspiração na canção "The End" para compor o filme. Vejam e digam se não tenho razão.Fascinada por ele, se deixa praticamente raptar e mergulha de cabeça no mundo maluco beleza do cantor e sua turma de freaks. A mãe da garota é interpretada, gloriosamente, pela diva Jennifer Jones, então com seus 50 anos, e seu papel mais caótico e demente de toda a carreira habitualmente marcada por papéis angelicais e doces. Jeniffer foi casada com Selznick, o produtor de “E O Vento Levou”, e a certa altura sua personagem faz piadas com ele, entre outras tiradas grotescas como esta frase imortal: “Fiz um punhado de filmes pornôs e nunca fingi um orgasmo”. Para alguns um sórdido epitáfio, algo como Carrol Baker em “Andy Warhol’s Bad” ,ou uma paródia de “Sunset Boulevard”.

Lembremos que Robert Thom foi o autor de “Lylah Clare’, que virou filme de Robert Aldrich – que já resenhei aqui – e que acabaria sendo epitáfio, também, de outra diva: Kim Novak. E estou aqui falando tanto em crepúsculos e epitáfios, e é isso este filme: um tortuoso e desconexo epitáfio de Hollywood, do show business e da família tradicional americana, uma trip alucinógena, o filme que John Waters teria realizado se tivesse vivido nos anos sessenta, ou um “Teorema” americano. Homossexualismo, obesidade, pedofilia, drogas, amor livre e maus sentimentos, ingredientes de um bolo indigesto. Um filme sem dúvida imperfeito, desconexo, mas nem por isso menos fascinante. Uma trilha sonora muito boa de Barry Mann, que existem disco e é fácil de baixar (ainda). O elenco conta ainda com o cantor Lou Raws e Roddy McDowell. Morrissey , do “Smiths” homenagearia o filme com uma canção ,com o mesmo título do filme, em “Viva Hate”. A estrela gordinha Holly Near se tornaria cantora folk de algum sucesso nos EUA posteriormente.

The Leech Woman - 1960

2012-01-18T14:56:00.000-08:00

Quando vejo um filme B como este fico mesmo satisfeito e vejo que tenho razões para apreciá-los. Sob toda a carapaça de clichês, footages, enfim, tudo que encontramos nos piores e melhores, podemos achar mais coisas do que sonham os preconceitos ou as risadas de deboche. O diretor Edward Dein não fez muitos filmes, apenas 14. Já resenhei sua “obra-prima” aqui no blog:o filme “The Curse of Undead”, um mix de terror e faroeste interessante. Este aqui foi realizado apenas para acompanhar um filme da Hammer de Drácula, ou seja, despretensiosamente. E um detalhe: foi uma produção da Universal já no crepúsculo dos filmes de monstros. Na década de sessenta drive-ins e cinemas baratos já exibiriam monstros mais reais, fantasmas que assombravam os americanos - que podiam ser vistos nas ruas de São Francisco ou no Village -,além de sexo, muito sexo. A história de June (Collen Gray) tem também o sexo como tema subjacente, ora, pois. Ela é uma mulher mais velha, feia, casada com um endocrinologista mau-caráter, obcecado por descobrir o segredo da eterna juventude. O casamento de ambos é uma boa droga. Os primeiros minutos do filme são uma longa discussão matrimonial onde ela expõe toda sua frustração e rejeição, e é humilhada. Uma situação crível e banal. Para agravar a situação é uma alcoólatra.

A sorte parece mudar quando aparece no consultório uma velhinha chamada Malla, que afirma ter mais de 150 anos. E em troca de uma ajuda para que possa voltar para a África, terra da tribo de onde saiu ainda menina para ser vendida como escrava, ela diz ao médico que tem o segredo do rejuvenescimento e da beleza. Ambicioso ele aceita e parte para o continente negro, levando a mulher a tiracolo para servir de cobaia quando pusesse a mão no elixir. Ao chegarem à tribo dos Nandos –sim, o nome é este mesmo – presenciam a cena do rejuvenescimento da velhinha e descobrem um "porém" na história toda: um dos ingredientes do elixir só era possível se obter matando um ser humano. E ai o filme que derivava entre o drama doméstico e um safari de fundo de estúdio, ganha contornos de filme de terror. Malla a velhinha, transformada em uma bela morena, oferece o elixir à June, com a condição que ela escolhesse o ser humano a ser sacrificado. E adivinhem quem ela escolhe? O marido pilantra. Novinha em folha, com a ajuda do guia - que acaba sendo morto por ela também- volta à civilização na pele de uma suposta sobrinha. Disposta a usufruir a vida move sua artilharia , agora sexy ,sobre um advogado bonitão. E para sustentar a juventude vai matando homens na calada da noite: a sequência em que mata um gigolô ladrão é particularmente hilária. É um filme de terror sim, mas os pavores que ele aflora são humanos e reais, cotidianos: o medo da velhice, a perda da juventude, a rejeição sexual que as mulheres mais velhas sofriam. ”Para os homens mais velhos cabelos brancos trazem respeito e dignidade, para as mulheres mais velhas, nada “, diz a velhinha africana. Fico aqui agora tentando imaginar a cara dos rapazinhos e suas namoradas nos drive-ins , enquanto iam comendo pipoca ,ao lerem uma frase como esta, dita assim num filme, aparentemente, apenas para distrair.

Brucia, Ragazzo, Brucia - 1969

2012-01-14T11:20:00.000-08:00

A década de sessenta foi de monstros saindo das tumbas, heróis mitológicos derrubando torres de papelão, existencialismo e tédio(cortesia de Antonioni ), delírios barrocos de Fellini e muito mais no cinema italiano: enquanto isso lá fora dos portões dos estúdios da Cinecittá o pau comeria solto até culminar com 68, que marcou o mundo e a arte. A burguesia e a geração italiana mais velha vinham sendo já sendo constantemente colocadas em cheque no cinema italiano, é verdade. Aqui mesmo comentei “La Calda Vita”, cujo cerne da trama era já o conflito. O paradigma dos filmes que retrataram o conflito de gerações foi “Teorema” de Pasolini, que exibido no festival de Veneza em 68, causou escândalo. E um ano depois Fernando di Leo, nome não tão incensado quando Pasolini irritava censura, igreja e burguesia italiana com este filme e imediatamente retido pela censura, por algum tempo. Era apenas o segundo filme do eclético e habilidoso diretor, que ganharia fama mesmo nos filmes policiais subsequentes, dramas eróticos, faroestes e giallos.

Á primeira vista mais um drama erótico, desculpa italiana esfarrapada para desnudar belas mulheres, embalado por bela trilha sonora. O conflito de gerações, a crítica á sociedade italiana vinha como pano de fundo da história de Clara(Françoise Prévost), uma madame italiana casada mas sexualmente histérica, que aluga uma casa à beira-mar. Leva a tiracolo uma cunhada, a filha ,e vez ou outra o marido passava por lá. Um jovem, salva-vidas da praia, anarquista, hippie e niilista, juntamente com a namorada, resolve fazer uns joguinhos psicológicos e sexuais com a mulher. “Uma típica família italiana, toda baseada na ordem, no hábito e na hipocrisia”, ele define bem o que é família de Clara. Ela acaba se deixando enredar nos jogos e cai nos braços do rapaz: tem seu primeiro orgasmo e é questionada em seus valores. Passo tão inesperado numa vida tão organizada vai significar o pagamento de um preço muito alto. E o fim é cruel e irônico: a ambulância levando seu corpo - depois de cometer suicídio com uma dose de barbitúricos- , e uma carreata de carros dos hippies que voltavam de uma festa na praia, se cruzando na estrada. O toque sinistro fica por conta do marido, que ao vê-la desacordada na cama, a deixa lá e vai dar uma voltinha na praia, aprecia a festinha dos hippies à distância e só depois telefona pedindo socorro, que já era tarde, evidentemente. Ao fim e ao cabo tudo terminava como em um filme de terror.O curioso título foi extraído da canção da abertura.

Bésame Monstro -1969

2012-01-12T18:37:00.000-08:00

Jess Franco, Jess Franco, finalmente me aproximo de um filme dele, quer dizer escrevo sobre um . Só fui descobri-lo nos EUA. É verdade que indiretamente já o conhecia graças à trilha de “Vampyres lesbos”, um cd que eu curtia particularmente. E com este filme dei os primeiros passos em seu universo. Confesso que me irritei, imaginava outra coisa, sei lá. Mas a beleza de Soledad Miranda me cativou como uma vampira. A experiência seguinte, nas longas noites de insônias americanas, foi “Vênus in Furs”, que apesar do título nada tinha muito a ver com o livro de Masoch. Nada que tenha me impressionado muito. Ainda não estava me adaptado ao universo singular do espanhol. Foi mesmo com “La Female Vampire” ou “Les Avaleuses de 1973, que me converti ao culto frankiano, mas não teria sido na verdade uma conversão à Lina Romay ? . O fato é que baixinho espanhol ainda está aí vivissímo ,e finalmente com a obra reconhecida pela oficialidade: foi premiado na Espanha pelo conjunto da obra. Para muitos críticos e cinéfilos canônicos uma afronta. Um cara ,que digamos assim, invejo . Afinal fez até agora mais de 160 filmes, conheceu algumas das mulheres mais gatas do cinema europeu e ainda por cima é o eterno namorado de Lina Romay. Como lembrei anteriormente a crítica canônica o despreza , só mesmo blogueiros, amantes de cults, trashes, eurotrashs, exploitation, extremos, sexploitation, o cultuam. E Franco sempre se lixou para qualquer tipo de cinéfilo, sempre fez questão de ser anti-intelectual, popular, sem culpa nenhuma. E o mais divertido nisso tudo é que o seu começo de carreira anunciava outro caminho: começou como assistente do monstro sagrado Orson Welles, quando este estava na Espanha filmando "Chimes at Midnigh",depois de ver um dos seus filmes, gostou e o convidou.

Acho que Franco percebeu ali que cinema de arte seria uma roubada e caiu fora da onda metendo de vez as mãos nas tranqueiras. O filme que abordo, do final da década de sessenta é um filme de transição entre seus primeiros filmes góticos e os eróticos e de terror que realizaria nos anos 70 em diante, desembocando no pornô hardcore algumas vezes. No meia da década realizou uma série de aventuras de espionagens leves e divertidas. Como esta aqui:um filme de espionagem e uma comédia em todos os sentidos. Tem um quê de Hawks e seu “Gentlemen Prefer Blondes”, uma loura e uma morena caçando homens, no caso de Franco uma loura e uma morena caçando confusão. Mas em comum com as personagens de Hawks elas são também cantoras para disfarçar a verdadeira natureza do negócio:aqui são detetives. Lembrando que a dupla estrelou outro filme de Jess Franco. A trama não importa muito: temos um segredo de uma fórmula secreta à la Hitchcock, mortes misteriosas, um vilão planejando dominar o mundo, um bando de espiões de diferentes organizações, algum sexo e cientistas malucos. Em meio a essa confusão as duas mocinhas, interpretadas por Janine Reynauld e Rossana Yanni vão perambulando , levando tudo “numa boa, numa nice”. Os detratores de Mr. Franco podem detoná-lo por tudo, e talvez tenham lá suas razões, mas de duas coisas eles não podem falar nada: o uso de belas mulheres e as fantásticas trilhas sonoras. Aqui neste filme, mas uma vez a trilha é um show a parte. Há por exemplo no tradicional momento em uma boate, todo mundo dançando, e uma puta banda tá mandando um som bem afrobeat .E a ficha técnica não diz nada sobre esta banda, uma pena. O filme foi realizado no Caribe e nasceu de uma ideia do produtor Adrian Hoven, que é um dos atores do filme. A produção foi hispano-germânica e por isso acaba que tem vários títulos diferentes, dependendo da fonte. Normal em se tratando de filmes de Jess Franco.

El Pueblo Fantasma -1965

2012-01-10T05:46:00.000-08:00

Há algum tempo atrás havia resenhado “The Curse of Undead”, um filme B, que combinava terror e faroeste. Mais recentemente lembrei “Teenage Monster” também ambientado no oeste e novamente, terror e faroeste. O crossover voltou à moda com o recente “Cowboys e Aliens”, que, por incrível que pareça, ainda não vi, e está aqui na fila de espera: infelizmente perdi a oportunidade de vê-lo na tela grande do cinema. Enquanto isso vou vendo novas velharias como esta aqui, vindo do delicioso e spicy cinema mexicano de terror , que eu curto demais, e é também uma mistureba de faroeste com filme de terror, mais especificamente, de vampiros, não muito diferente do filme citado acima aliás. O diretor Alfredo Crevenna foi um monstro do cinema mexicano popular com 151 filmes no currículo e com 81 anos fez o último filme, falecendo um ano depois. Incrível mesmo. Ele fez de tudo: filmes com o Santo El Mascarado de Prata, terror, comédias, erótico com Libertad Leblanc, faroestes e muito mais. O país asteca, diga-se passagem, explorou bem mais a mistura de western com terror, muito mais que o cinema americano, que de qualquer maneira tem também os seus exemplares interessantes e pretendo relembrar alguns futuramente. Este crossover é, aliás, mais comum do que parece, pelo menos mais de 200 filmes híbridos assim foram realizados até hoje. Mas sem dúvida os mexicanos foram mais malucos no subgênero, sem pudor algum na mistura.

O início desse filme aqui lembra um quadro antigo dos Trapalhões: um pistoleiro valentão entra na taberna, desafia todo mundo, pede uma garrafa de uísque, e parece que ninguém vai desafiá-lo, até que entra no saloon um sujeito de preto aceita o desafio e manda o valentão para o inferno. No quadro do Aragão e sua turma entrava nosso Didi e só rolava palhaçada. Rio Kid era o nome do pistoleiro, e sua missão desafiar e matar todos os gatilhos rápidos do oeste avisa aos presentes. Só depois entra em cena El Texano, o verdadeiro herói do filme. E pelo jeito o diretor gostou dele: mais uns 7 filmes com ele foram realizados, a maioria com o mesmo ator Rodolfo de Anda. O moço, filho de um mítico bandido, desejava limpar o nome do pai, e acreditava que o tal Rio Kid, poderia ajudá-lo ( o pai supostamente havia conhecido o pistoleiro). Mal sabia ele que o bandoleiro era um vampiro e matava os pistoleiros para sugar o talento no gatilho dos mesmos. Parte então para a cidade de San José, onde o pistoleiro residia. No caminho conhece Nestor, que passara 10 anos na cadeia e retornava para casa, justamente na mesma cidade. E como o título original indica o local era uma cidade fantasma, cujos únicos moradores que ainda tinham coragem de morar ali eram o taberneiro, o indefectível e inútil xerife, a família do ex-presidiário e ninguém mais. Interessante lembrar o argumento lembra muito o clássico da literatura mexicana de Juan Rulfo, “Pedro Páramo”, que justamente trata do regresso para casa de um sujeito que descobre que todos na cidade estão mortos. Coincidência, sem dúvida. Não esqueçamos que é um filme mexicano, e a taberna – apesar dos fantasmas que rondavam o local – era palco de números musicais, protagonizados por uma cigana, e um conjunto de mariachis, este absolutamente hilário e sensacional, impossível de ser descrito com palavras. A atmosfera habitual dos filmes mexicanos de terror herdada dos velhos filmes da Universal dos anos 30: interpretações à beira do “aboleramento teatral “, morcegos de papelão, o cemitério, onde o vampiro pistoleiro descansa, e alguns momentos de humor a cargo do taberneiro bonachão. Como se precisasse disso, não? Mas não serei injusto: o filme é uma delícia do principio ao fim, e segue a regra de não ser um filme chato à risca. Ingênuo, tolo, simples e popular, não são pecados, e podem ate ser qualidades, como é o caso aqui.
Link do filme: http://www.descargadepeliculas1link.info/2011/12/descargar-peliculas-de-rodolfo-de-anda.html

Hundra - 1983

2012-01-08T15:51:00.000-08:00

“No man will ever penetrate my body with sword or himself,”um filme com uma frase shakespeariana como esta não pode ser pouca coisa. E este filme dirigido por Matt Cimber, tem muito mais a oferecer ao espectador além de frases de efeito como esta. Os anos 80 foram dominados pelo gênero “espada e feitiçaria”, que geraria Conan, Xena, e muitos, muitos outros filmes de qualidades duvidosas e variadas. Desnecessário dizer que se o sujeito é cinéfilo canônico tem que correr mesmo dos filmes desse tipo. Nossa heroína , interpretada pela loura Laurene Landon, sai para dar uma volta pelo bosque e quando regressa descobre que todo o seu povo, inteiramente composto por mulheres amazonas guerreiras, havia sido dizimado por uma exército de machões barbudos e selvagens. Só lhe resta errar pelo mundo de então à procura da vingança.

Como é típico no gênero a época é anterior à história. E ela depois de muito vagar chega a uma cidade onde as mulheres não tinham outra função além de serem escrevas sexuais para os machões guerreiros, que organizavam no templo estupros coletivos. Matt Cimber não era besta e narrou a saga da moça com doses fartas de humor, diálogos pseudo-feministas “ avant-lettre” que soam bizarros e irônicos. Feminista e plena de misandria ( agora peguei pesado mesmo)ela, por exemplo, insulta o próprio cão, por ser macho, o tempo inteiro e o chama de “beast”.Todos ,ou quase todos ,os homens que surgem diante da nossa brava guerreira são porcos chauvinistas machistas e estupradores. Não devia ser muito diferente nos tempos antigos. Para tentar fazê-los entender que as mulheres poderiam ser mais que simples objetos sexuais só mesmo muita pancadaria e golpes de espada, coisas que Hundra fazia muito bem. Um detalhe que dá mais credibilidade ao filme é a trilha sonora do gênio Ennio Morricone. O conjunto final é um filme B absolutamente divertido e digno de uma conferida. Só para esclarecer o pedantismo: misandria é aversão ao sexo masculino, ok?

The Bloody Brood - 1959

2012-01-06T06:11:00.000-08:00

O cartaz do filme anuncia o que o espectador verá: “Doomeds”, “Damneds” e “Decents”. As paranoias americanas não se limitaram ao comunismo no após guerra, medo do holocausto nuclear e até uma invasão de aliens. O cinema retratou de todas as maneiras estas paranoias coletivas. Mas comportamentos e movimentos artísticos também foram objetos da paranoia coletiva e o cinema tratou de capitalizar. Delinquência juvenil e rock’roll logo foram absorvidas; e até os beatnicks foram retratados no cinema americano mainstream e B. Podemos até dizer, dada a quantidade de filmes ,que houve um subgênero cinematográfico que poderia ser classificado como beat exploitation. De passagem lembremos que os próprios beats, no caso aqui Jack Kerouac chegaram a realizar um filme, muito interessante, aliás, que pode ser encontrado no You Tube chamado “Beat Generation” ou “Pull my Daisy”, estrelado por Allen Ginsbeg e Gregory Corso, entre outros. E em 1959 Albert Zugsmisth, um dos papas da exploitation americana - ao lado de Roger Corman - produziu “Beat Generation”. E já que falamos em Roger Corman, ele dirigiu e produziu “Bucket of Blood”, um hilário filme de terror ambientado no Village na comunidade beatnick; e finalizando esta rápida recapitulação, que faço aqui de memória, chegaram a produzir uma versão classe A de “Os Subterrâneos’, romance de Kerouac escrito antes do seu clássico maior “On the Road” (que só agora será filmado por Walter Salles, ou seja, ai, ai ai, ai). Para se ter uma idéia do que a caretice hollywoodiana fez: o romance retratava o amor entre um intelectual, o próprio Kerouac e uma mulher negra em Paris. Amores inter-raciais ainda eram tabu e, portanto, a mulher negra foi transformada em uma francesa meio maluquinha e branca(Leslie Caron). Ainda em 1959, dentro da onda beat, um diretor canadense lançava o independente o filme objeto da resenha. O futuro Columbo Peter Falk, em seu primeiro papel de destaque era Nico, um pretenso intelectual beatnick, que ficava tecendo discursos pseudo-filosóficos cínicos e rebeldes e era o líder natural de um grupo de poetas, cineastas , músicos beatnicks. Para demonstrar na prática seu discurso niilista decide matar, durante uma festa, um humilde mensageiro, que havia ido ao apartamento dos beats, para entregar um telegrama.

O irmão do rapaz resolve averiguar o caso e se infiltra no universo dos beatnicks. E o filme acaba caindo no clichê do eterno combate entre as boas pessoas, trabalhadoras , honestas e os doidões drogados, que só queriam ficarem nos botecos ouvindo jazz, tocando bongô(todo beatnick nesses filmes toca bongô), fumando cigarros esquisitos e praticando sexo antes do casamento com moças de reputação duvidosa. E para distraírem , um ou outro se erguia ,no meio da fumaça e da orgia e recitavam poemas malucos e nada acadêmicos. Digamos em defesa do diretor Julian Roffman, que só realizou outro filme em toda carreira, que os beatnicks são retratados de maneira crível. Nico, o assassino niilista, era na verdade um traficante,e apenas havia se infiltrado na turma para vender seus produtos, aproveitando-se da ingenuidade dos beats. Algo perfeitamente realista, portanto. A partir do meio da década de sessenta os beatnicks foram gradativamente sendo deixados de lado na paranoia e outra figura, o hippie barbudo doidão e eventual monstro assassino ocuparia o lugar dos beatnicks, que para a sorte deles voltariam a ficar confinados na história da literatura. Já estavam de alguma maneira absorvidos e domados também. Este pequeno filme é uma fragmento da batalha que acontecia antes de domarem os "doidões". O filme pode ser baixado e visto no You Tube,em sua versão integral e vale como uma curiosidade.
link abaixo:
http://youtu.be/oPKsuAMlvbY

The Girl in Black Stockings -1957

2012-01-05T05:03:00.002-08:00

Meu fraco por policiais noir B vagabundos é grande e não resisto a recordar mais um com tudo que um filme dessa categoria pode conter: sexualidade desenfreada, taras, excessos e vícios, personagens escrotos e alguma demência para segurar a barra. Só mesmo estes filmezinhos baratos feitos nos escombros de Hollywood para conseguirem tal feito. Este aqui teve alguns nomes conhecidos no elenco, três atrizes de notoriedade variada: Anne Bancroft, futura oscarizada, Marie Windsor – rainha dos filmes B e a minha atual musa do blog, Mamie Van Doren. Portanto, de cara o filme já despertaria algum interesse para além da temática ou do gênero. Pelo lado masculino temos o ex-Tarzan Lex Baxter, de reputação para lá de duvidosa como estuprador de menores e marido de Lana Turner por algum tempo. Curioso é que Anne Bancroft, aqui em início de carreira, omitiu ao máximo sua participação neste filme e em outra produção B do mesmo período (Gorilla at Large). Para alguém com ela formada no Actors Studio não pegava mesmo muito bem atuar em filmezinhos como este. E chegou a abandonar a carreira por algum tempo, cansada desses papéis. Por haver atuado em “The Graduate” ela com certeza se orgulhava, boa atuação realmente, mas o filme, deixemos prá la meu comentário e voltemos ao meu pequeno e delicioso noir de segunda categoria, objeto da resenha.

Sintomaticamente, já que falei em segunda categoria, a trama se desenrola em um motel. O proprietário é um milionário tetraplégico, que recebe os cuidados da irmã, e aparentemente só move o pescoço. Será? E o filme dá a entender que entre eles há mais que um sentimento fraternal. E a misoginia e o ódio do moço pelas mulheres fazem dele, apesar da invalidez um dos suspeitos para as mortes que começam a acontecer na sua propriedade. Nosso ex-Tarzan é um advogado playboy às voltas com um namorico com a doce Beth, funcionária da hospedaria. Mamie é a namorada meio tola de um velho ator decadente e não faz muito neste filme além de ser uma das vítimas do psicopata misterioso. A verdade é que não há nenhum personagem decente hospedado e cada um tem seu segredinho escondido no armário. E quem é a garota de “silk stockings” do título? Boa pergunta, provavelmente a primeira vítima. E a revelação do criminoso não deixa de ser uma surpresa e confunde. O filme foi realizado em um motel no estado de Utah, e serviu de locação para vários westerns que eram rodados nas imediações. A direção desse delírio sórdido coube a Howard Koch, mais conhecido como produtor, e diretor de 21 filmes, inclusive uma versão de Frankenstein, com Bóris Karloff em 1958.

Goké, Body Snatcher from Hell - 1968

2012-01-04T05:09:00.000-08:00

Pródigo em bons filmes na linha do terror e do cinema fantástico, esta é uma das produções mais curiosas vindas de lá dos anos 60. Uma forte influência da obra do mestre de terror italiano Mário Bava é evidente mais uma vez , como já podia ser percebida em outro filme que havia comentado anteriormente “The Living Skeleton”, igualmente nipônico. Lembremos que Quentin Tarantino fez questão de homenagear o filme em “Kill Bill” nas sequências iniciais, e segundo ele, é o melhor filme de terror já realizado no Japão. Exageros à parte trata-se realmente de um filme que não deixa o espectador indiferente pelas nuances e sugestões. O diretor Hajume Sato, com poucos recursos e efeitos especiais simples, mas eficazes, soube criar uma atmosfera surreal e angustiante. Um voo rotineiro se transforma numa tragédia a partir do momento que a tripulação recebe a informação que pode haver uma bomba a bordo. Começa a busca frenética pelo terrorista suicida, mas inesperadamente surge um assassino que manda que o avião desvie da rota. E se não bastassem tanta confusão, uma luz misteriosa nos céus confunde os pilotos e o avião é obrigado a fazer um pouso forçado em uma região inóspita e desconhecida. Sim, a trama nesse momento lembra o seriado americano de grande sucesso “Lost”. Os sobreviventes, isolados em um local desconhecido e tem agora que enfrentarem uma força misteriosa. Uma a um eles vão sendo transformados em vampiros por uma entidade alienígena. Citei a influência de Mário Bava e é evidente que o filme presta tributo ao clássico “O Planeta dos Vampiros”, que, aliás, era estrelado pela brasileira Norma Benguell. O pessimismo apocalíptico é o mesmo de outros clássicos da ficção daquele período como “Invasion of Body Sntacher “ de Don Siegel, “Planeta dos Macacos”, entre outros. O título inglês associa claramente o filme à citada obra de Don Siegel, inclusive. Os filmes americanos de invasões de seres espaciais a partir da década de80 e 90, sempre finalizavam com um tom otimista – os humanos derrotando as forças alienígenas -, beirando às vezes a patriotada descabelada e debilóide como em “Independece Day”. Tim Burton parodiaria estes filmes em “Marte Ataca”. Nos anos 60 não havia tanto otimismo na humanidade: os aliens invadem o planeta porque os humanos são uma ameaça universal e precisam ser aniquilados. E o filme termina de maneira assustadora e desesperançada: o casal sobrevivente escapa, mas descobre que tudo ao redor já foi destruído e estão sós no mundo. A dica é que existe o filme completo no You Tube, com legendas em inglês, a qualidade é mediana, mas quebra o galho.

Guns, Girls and Gangsters - 1959

2012-01-02T11:37:00.000-08:00

Existiu Marilyn Monroe, existiu Jayne Mansfield, e existiu Mamie Van Doren. Elas foram as 3 M’s do cinema americano dos anos 50 e 60. Frisemos que a última, estrela do filme objeto dessa resenha, ainda está viva, forte e até pouco tempo ainda aparecia em Las Vegas. Maravilha. E, como tantas outras, ganhou sua chance no cinema pelas mãos do bilionário maluco Howard Hughes, e claro, se tornou sua amante. O começo foi meio rotineiro, mas a partir dos anos 50 conseguiu se destacar, ainda que a Fox tenha lhe impingido a imagem de uma imitadora de Marilyn Monroe. Mas a lourinha achou o nicho em filmes pequenos de temáticas variadas, mas principalmente focando na delinquência juvenil, no rock’roll, e também ficção científica e terror. Teve a honra de ser a primeira cantora a cantar um rock em um filme em 1957, e só por isso já mereceria a glória. No auge foi apelidada de “Atomic Blonde”. E neste filme B aquifoi um dos seus melhores trabalhos. A direção coube ao subestimado Edward Cahn, mais de 50 filmes no currículo sempre no universo dos filmes B. Fez de tudo: musicais, noir, terror, ficção científica, faroestes, capa e espada. Fantástico mesmo. Este filme é provavelmente o momento máximo na sua trajetória. Um B perfeito: péssimos atores – à exceção da nossa loura da vez -, história rápida, sem delongas psicológicas, mas extremamente eficiente e com bons diálogos, diga-se passagem, com direito até a piadinhas sobre filmes Bs. Mamie é Vik Victória, uma cantora de nightclub em Las Vegas, e namora o gangster proprietário do local. Só que ela é casada, mas o marido, interpretado pelo futuro Sartana dos spaghetti Lee Van Cleef está enjaulado. E aparece Chuck, um ex-presidiário que procura a loura para ajudá-lo a convencer o namorado gangster com um plano sensacional: assaltar um carro forte e roubar 2 milhões de dólares. Uma trama com semelhanças com outros clássicos de roubos, como “The Killing” de Kubrick, e “The Asphalt Jungle’ de John Huston. Tudo ensaiadinho e preparado para o golpe, eis que o marido bandido escapa da cadeia e aparece para bagunçar os planos de Chuck, que a esta altura já estava amarrado na loura chave-de-cadeia, mas de bom coração. Uma narrativa em off, à moda de um cinejornal , vai relatando toda a história, que como seria de se esperar termina em sangue e nada, o rio de dinheiro não passou de uma miragem, um sonho, que acabou em pesadelo para a garota, e os gangsteres.

Viy - 1967

2012-01-01T16:17:00.000-08:00

Há algum tempo enrolando para assistir este filme russo, ou melhor, soviético, pois na época ainda era a URSS, poderosa rival dos EUA, e grande produtora de cinema também.E valeu a espera. É uma adaptação de um conto do gigante da literatura Nicolai Gogol, tido ao lado de Puchkin como o pai da literatura russa. O mesmo conto daria origem ao clássico italiano do terror, “A Máscara do Demônio” de Mário Bava. Só que aqui , ao contrário da adaptação italiana, extremamente infiel, temos um respeito quase canino pela obra do autor de “Almas Mortas”. Os diretores Georgi Kropcyov e Konstatin Yershovn conseguiram, com a ajuda de uma excelente direção de arte, recriar o clima maravilhoso da narrativa em todo o seu esplendor. Um seminarista e dois amigos buscam abrigo noturno em uma cabana no meio do nada. Uma velha bruxa ataca o seminarista Khoma e o deixa quase louco, depois de uma viagem alucinante pelos ares, em que a bruxa o usa como uma cavalgadura. Ao pousar ele consegue espancar a velha bruxa, que miraculosamente se transforma numa linda moça e retorna ao seminário, deixando-a agonizando. Alguns dias depois é convocado a prestar os últimos sacramentos à filha de um cossaco, que havia exigido sua presença. Mas ao chegar à fazenda, já encontra a moça morta e é obrigado pelo pai, a velar três noites o corpo dela. E para seu azar descobre que a moça, não era outra senão a velha bruxa que o havia atacado. E as três noites de vigília se tornam três noites de pesadelo cada vez mais apavorantes. A estrutura do filme obedece à lógica dos contos maravilhosos de fada, mais do que de um filme de terror, e daí seu profundo encanto. Uma atmosfera onírica que impregna cada fotograma. Imagino que um Tim Burton deve ter se inspirado demais nele para compor alguns de seus filmes. Uma autêntica joia soviética.

The Candy Tangerine Man - 1975

2011-12-30T11:18:00.000-08:00

Um desses filmes impensáveis de serem realizados nos dias atuais na velha América. Politicamente incorreto até o pescoço, a saga do gigolô Black Baron(John Daniels) alterna-se entre o cômico chulo e a violência. As ruas de Los Angeles são seu reino e as prostitutas da Sunset Strip sob seu controle. Em seu Rolls Royce envenenado vermelho e amarelo “cheguei” ele não perde a banca. Os negócios vão bem, as meninas estão arrecadando e ele até se dá ao luxo de comprar uma prostituta índia de um gigolô rival e a deixá-la ir embora. Este é um dos lados da vida de Baron, o outro lado ninguém desconfia: durante alguns dias da semana, ele despe seus trajes de gigolô, e se torna um simpático e decente sujeito, com sua casinha no subúrbio, uma mulher dócil e filhos, vizinhança normal. Uma vida dupla. Mas nem tudo são flores no reino do nosso “pimp” Black Baron: dois tiras brancos não o deixam em paz, e Dusty, um gigolô rival e doidão cheirador de coca, inicia uma onda de ataques contra suas garotas. Na guerra que se segue não faltam cenas de sadismo: um dos gângsteres simplesmente corta um dos seios de uma das garotas; e a vingança de nosso “herói” não fica por menos em termos de violência: ele despedaça uma das mãos do bandido. A trama vai seguindo, um tanto confusa, pelas mãos do diretor Matt Cimber. Ainda na ativa, o diretor passou a história por ter sido o último marido de Jayne Mansfield, e também diretor do último filme dela; outro fato pitoresco na carreira é o filme “Butterfly”, considerado um dos piores filmes de todos os tempos, e olha que Orson Welles estava no elenco! Com um pedigree desses era de se imaginar que o nosso filme fosse uma bomba black, mas a verdade é que o filme se não chega aos pés dos clássicos do gênero , tem seu charme. Quase desnecessário dizer que a trilha, a cargo da banda Smoke, é chapante. O visual é bem setentão, calças boca de sino, cabelos afro. Ironicamente os créditos anunciam que prostitutas reais participaram do filme. Um detalhe a mais que compõe o panorama desse blaxploitation grotesco , curioso e bem divertido. Lembrando ainda que Matt Cimber tem outros dois filmes no gênero em sua carreira.

Violentata sulla Sabbia - 1971

2011-12-29T15:07:00.000-08:00

O título original (violentada na areia) sugere uma sexploitation tradicional italiana, com muita mulher tirando a roupa sem nenhuma razão plausível: mas quando assistimos as sequências iniciais o pensamento é outro: mais um giallo com fortes doses de sexo? Após os créditos, as cenas vão se sucedendo tranquilas, serenas, quase bucólicas, e ficamos ali esperando que a qualquer momento exploda a violência, apareça um assassino nas sombras com uma navalha ou uma tesoura e comece a matança;e nada das duas simpáticas e belas mulheres tirarem a roupa. É verdade que vão para uma praia semideserta na Sardenha, mas de seus corpos no espectador não usufrui mais do que o que vemos em qualquer clube ou praia. O filme do desconhecido Renzo Cerrato, estrelado pela bela Carol André, tem o prazer de destruir as expectativas apelativas. Sim, é claro, que sexo e violência está subjacente à trama. O tema é a iniciação sexual de uma jovem ainda virgem. Vanina - belo e Stendhaliano nome- ainda garotinha viu pai ser assassinado, e a mãe estuprada e morta também. A selvageria da cena traumatizou-a e praticamente bloqueou seus desejos sexuais. E será através de uma violência simulada que ela vai despertar para o amor: nos braços de um desconhecido, do qual ela sequer fica sabendo o nome, finalmente rompendo os traumas numa violação consentida nas areias de uma praia deserta. Surpreende saber que o diretor só realizou apenas outro filme além desse aqui. Uma bela fotografia, embalada por uma trilha suave, uma narrativa de cadência suave, a câmera atenta aos pequenos detalhes, devaneando preguiçosamente, introspectiva e poética. E longe de resvalar para o chulo temos um erotismo diáfano quase inocente, apesar do tema de alguma maneira ser escabroso. Em suma, um filme sensível e cálido

A Praia do Pecado- 1977

2011-12-28T05:48:00.000-08:00

É inevitável quando escrevo sobre filme brasileiro, principalmente se tenha sido realizado antes dos anos 90, fazer uma arenga sobre a falta de memória. Já foi um milagre conseguir uma cópia desse filme, por exemplo, do diretor Roberto Mauro, e em condições tão ruins que só mesmo um cinéfilo demente - como eu - para ver o filme. A geração bluray, padrão tela sei lá o quê, iria correr da cópia. Citemos, que só o Canal Brasil, ainda salva nossa falta de memória com a exibição de filmes pré-90; acho que há tempos a Band vez ou outra promovia alguma exibição. Decerto este ainda sobrevive ripado de alguma dessas exibições. Das TV passemos para a internet, que supostamente é um amplo repositório de informações, e ai no caso do meu filme, tomo bomba, apenas algumas informações técnicas, uma sinopse – errônea – e nada mais: nenhuma crítica, resenha, ou análise. Diga-se em louvor da net, que é graças a muitos bons blogs que nossos filmes ainda são lembrados:Revista Zingu, o blog Estranho Encontro e muitos outros promovem necessário resgate. E no quesito iconografia de filmes, especificamente do filme de Roberto Mauro, não consegui obter um único e miserável fotograma do filme, cartaz,nada. Um espanto. Até o fórum Clan Sudamérica, de onde baixei o filme parece que improvisou um cartaz, que é o mesmo que usei para ilustrar a resenha. O filme tem vários aspectos que o tiram da banalidade. É um caso raro de tentativa de um cinema de gênero no país, aqui no caso, um policial; o argumento original é do Carlos Reichenbach – que dispensa comentários: e uma das estrelas do elenco é o magnífico Toni Tornado, amado e idolatrado por todo que amam sambasoul e boa música, e que fez longa carreira no cinema e na TV. O diretor Roberto Mauro atuou toda a carreira na Boca do Lixo, com mais de 20 filmes entre pornochanchadas e policiais, e como tantos outros diretores encerraria a carreira nos filmes de sexo explícito, antes de falecer em 2004. Apesar do título apelativo, que sugere uma praia com muita suruba,o que temos mesmo é um policial, e sem nenhuma cena de nudez mais ousada. Qualquer novelinha da Globo das oito é mais ousada no quesito. Enquanto policial um filme decente, com uma história bem amarrada e com as reviravoltas necessárias para manter o interesse. Gabriel, um advogado, interpretado pelo produtor do filme Oasis Minniti, para ajudar um cliente preso injustamente pelo assassinato de uma garota de programa, acaba em posse de documentos que incriminariam um milionário. Lenocínio, tráfico de drogas eram os negócios do figurão. Para fugir da pressão, aceita o convite de trabalho de um amigo que tinha uma construtora, e muda-se para lá, uma praia aparentemente calma. Não demora a descobrir que havia pulado da panela para o fogo: o próprio milionário era proprietário da construtora, apenas uma fachada para lavagem de dinheiro. O elenco tem nomes conhecidos dos filmes da Boca, como Sérgio Hingst, o diretor Cláudio Cunha – numa ponta –Zélia Martins, Andrea Camargo e Sonia Garcia; mas o destaque vai mesmo para Toni Tornado, o papel de capanga do milionário e amante da filha loura, que estava envolvida também com o pai em escabrosas taras sexuais. O pano de fundo da trama é a paradisíaca praia de Caraguatatuba, que imagino mudou muito desde então.