Blog Chitarra e Dintorni: Nuove Musiche

Speciale Giorgio Tortora: Biografia

2009-11-09T00:05:00.003+01:00

Giorgio Tortora, (musicista/direttore d’orchestra) ha iniziato giovanissimo lo studio della chitarra classica con il M° Bruno Tonazzi, per diplomarsi in seguito presso il Conservatorio di Musica di Trieste con il massimo dei voti (10/10). Ha svolto, e svolge tutt’ora una intensa attività concertistica sia come solista che in varie formazioni cameristiche (flauto e chitarra, duo di chitarre, trio flauto, violino e chitarra, quartetto d’archi con chitarra, quintetto d'archi con chitarra, solista con orchestra, ensemble vari) partecipando ad importanti festivals e rassegne musicali quali: Festival dei Due Mondi di Spoleto, Settembre Musica di Torino, Istituzione Universitaria dei Concerti di Roma, Musica in Museo di Reggio Calabria, Teatro Massimo di Palermo, Teatro Rosetum di Milano. Si è esibito altresì in varie nazioni europee quali: Ungheria, Germania, Austria, Slovenia, Svizzera. Ha al proprio attivo numerose affermazioni in concorsi di interpretazione musicale nazionali ed internazionali, cui è stato invitato in seguito come membro italiano di giuria (“M. Giuliani” di Bari, Concorso nazionale di Loreto). Nel 1992 ha fondato - su invito del compositore cubano Leo Brouwer - la “Concordia Guitar Orchestra”, una inedita compagine formata da 16 chitarristi, con la quale si è esibito in qualità di direttore in tutta Italia ed all’estero. Nel 1995 ha fondato l’ Orchestra da camera “Jazzy & Classic” (di cui è pure componente nella formazione di quintetto) e nel 1998 la “Concordia Chamber Orchestra”. Ha registrato per varie emittenti televisive (Rai, Ortf, Bayerische Television, Radio France) partecipando anche a produzioni discografiche di cui ultima, in ordine di tempo, la colonna sonora del film “In the Mood for Love” (musiche di Michel Galasso) vincitore al Festival di Cannes 2000 e candidato ai premi Oscar. E’ autore di produzioni musicali pubblicitarie (Spoot, Jingle) sia a carattere multimediale, che aziendale. Da anni si dedica anche all’attività di composizione e ricerca musicologica curando diverse pubblicazioni per chitarra: La Battaglia di Marengo per flauto e chitarra, le Variazioni op. 38 per chitarra e orchestra di Mauro Giuliani, la Sonata 1984 di Giulio Viozzi, edite da Chanterelle Verlag, nonché varie opere a carattere didattico. In particolare le sue opere originali sono presenti nel catalogo delle edizioni Sinfonica di Milano: a proposito si segnala “Le Bouquet” 12 studi floreali per chitarra, (edizioni Sinfonica – Milano) “David Songs” 6 studi per arpa, (edizioni Berbèn – Ancona), “La Rosa” concerto per pianoforte e orchestra, “Serpenti e Scale” per flauto e chitarra (edizioni UT Orpheus – Bologna), Toccata e Fuga per violino e pianoforte (edizioni UT Orpheus – Bologna), Tarantella n.1 per quattro chitarre (Le Productions d’OZ), Le Cinque per due chitarre (Le Productions d’OZ) In qualità di solista si è esibito come solista con importanti orchestre (Orchestra Sinfonica D.E.A, Orchestra Vivaldi di Venezia) e direttori fra cui Francesco Mander, e Leo Brouwer. Ha fatto parte di formazioni orchestrali quali: “Mitteleuropa Salon Orchester”, Orchestra del Teatro Verdi di Trieste, Orchestra Filarmonica di Udine, “Octeto Latino” di Heidelberg. Nel 2002 ha diretto l’opera “Maria di Buenos Aires” di Horacio Ferrer con musiche di Astor Piazzola in una fortunata tournèe italiana partita da Teatro “Verdi” di Terni e nel maggio 2003 è stato invitato dal Teatro “Verdi” di Trieste sempre in qualità di direttore. E’ stato ideatore e direttore artistico della “Stagione Sinfonica di Gorizia” per tre anni consecutivi, dei Masterclasses “Gorizia Armonica”, della stagione concertistica “Musica a 4 Stelle” di Grado per 13 edizioni, nonché consulente della rassegna musicale “Note in Rifugio”. Iscritto alla SIAE con la qualifica “compositore”, è titolare (dal 1983) della cattedra di chitarra classica, e Musica da Camera presso la Fondazione Musicale “Città di Gorizia”, della quale è stato Direttore per quattro anni.

DISSONANZEN 09

2009-11-08T18:54:00.000+01:00

CAMINANTES, OMAGGIO A LUIGI NONO

Mercoledì 11 novembre ore 20.30
Basilica di Santa Maria Maggiore alla Pietrasanta
Caminantes Omaggio a Luigi Nono
Daniele Colombo violino
Agostino Di Scipio regia del suono ed elettronica

Luigi Nono: RICORDA COSA TI HANNO FATTO IN AUSCHWITZ
per nastro magnetico, 1966

Luigi Nono: LA LONTANANZA NOSTALGICA UTOPICA FUTURA
("madrigale per piu' caminantes, con Gidon Kremer"), 1989
per violino e supporto multicanale

Viandante, sono le tue orme
la strada, nient'altro;
Viandante, non sei su una strada,
la strada la fai tu andando.
Mentre vai, si fa la strada
e girandoti indietro
vedrai il sentiero che mai
più calpesterai.
Viandante, non hai una strada,
ma solo scie nel mare.

SAX MACHINE

Giovedì 12 novembre
Conservatorio di Musica San Pietro a Majella,
Sala Martucci
ore 18.00
Sax Machine
musiche Maja Ratkie, Horacio Vaggione, Roberto Doati,
Agostino Di Scipio, James Tenney

Gianpaolo Antongirolami: sassofoni
regia e assistenza tecnica: S.P.A.M.(Studio di Musica Elettronica del S.Pietro a Majella)

Roberto Doati Il domestico di Edgar (1996-…)
(1953) per sax alto, elettronica e live electronics

Maja Solveig Kjelstrup Ratkje ØX (2005)
(1973) per sax alto e elettronica

Horacio Vaggione Thema (1985)
(1943) per sax basso e elettronica

*******************

Agostino Di Scipio Kairós (1992. rev. 2005-06)
(1962) per sax soprano, elettronica e live electronics

James Tenney SAXONY (1978)
(1934-2006) per sax baritono, tenore, alto, soprano e delay

Marco Cappelli Masterclass in Mestre 20 ottobre 2009, foto parte terza

2009-11-08T16:00:00.000+01:00

Marco Cappelli Masterclass in Mestre 20 ottobre 2009, foto parte seconda

2009-11-08T00:05:00.000+01:00

Gilbert Imperial in concerto

2009-11-07T18:58:00.003+01:00

martedì 10 novembre 2009
ore 21.00

Unione Culturale “Franco Antonicelli” via C. Battisti 4 - Torino

Gilbert Impérial, Chitarra classica ed elettrica

Musiche di Tarrega, Barrios, Villa-Lobos, Rojko, Romitelli e Reich!!

Tre chitarre in concerto: Luca Waldner 2006 - Miguel Simplicio 1928 - Fender Stratocaster 1990

Franco Donatoni: About, per violino, viola e chitarra (1979)

2009-11-07T18:00:00.000+01:00

Chitarre in vendita dalla collezione del Maestro Luigi Attademo

2009-11-07T00:05:00.005+01:00

Cari Amiche e cari Amici il Maestro Luigi Attademo mi ha cortesemente segnalato la sua volontà di cedere alcuni strumenti della sua collezione privata e chiesto di segnalarli sul Blog. Si tratta dei seguenti strumenti:

Breyer Hermanos del 1928

Altre immagini:

Recensione di Dandelions on Fire, Simone Massaron featuring Carla Bozulich, LongSong Records 2008

2009-11-06T00:05:00.001+01:00

Immagine poetica quella dei fiori di tarassaco (detti volgarmente “soffioni”) che bruciano, un fiore così impalpabile così etereo che brucia, che si consuma letteralmente in una vampata, senza lasciare cenere,senza lasciare neanche una traccia annerita.
Un'immagine potente per intitolare uno dei dischi di canzoni più belli che ho avuto modo di ascoltare quest’anno, anzi, al diavolo la prudenza, il più bello. Sì perché scrivere e mettere in musica canzoni non è mica facile, provatevi voi a cantare per l’ennesima volta i soliti temi universali, della tristezza, dell’amore, dell’odio, della difficoltà di vivere rimanendo originali, inventando qualcosa di nuovo, senza cadere nel banale o nel già sentito. Mica facile, ci vogliono muscoli e testa, intelligenza e sensibilità, e un gran coraggio: insomma bisogna essere artisti, artisti nel senso di chi senza bisogno di altro che una voce e una chitarra che la accompagni è capace, così, senza sovrastrutture, senza tante menate intellettualistiche, di incatenarti a una sedia, di invadere la tua testa con una musica scura, passionale, arrabbiata, contorta come può essere questo blues metropolitano, che arriva dritto dal passato, come può esserla la voce roca, sensuale e vissuta di Carla Bozulich e la chitarra intrigante, potente, valvolare e carica di Simone Massaron.
Mettetevi comodi, non si scappa, in fin dei conti sono solo 9 canzoni, nove, a dimostrazione del buon gusto di chi sa evitare dischi prolissi che sciupano i buoni contenuti, annacquandoli inutilmente. Ogni nota è decisa, ogni strofa cantata, sputata con intenzione, senza rimorsi e senza rimpianti, con una trasparenza e una sincerità che ti lascia senza fiato.
L’avesse fatto Tom Waits questo disco sarei a gridare all’ennesimo miracolo di un grande artista e mi troverei a cercare di non copiare tonnellate di altre recensioni, giustamente, entusiastiche, ma l’ha fatto un italiano, con una band dietro di fronte a cui è d’obbligo levarsi il cappello e con una cantante che fa persino paura. E allora? E allora mi arrabbio, mi arrabbio perché una musica del genere non viene giustamente celebrata, esaltata a dimostrazione che anche noi italiano sappiamo fare belle cose, che non c’è sempre bisogno dell’eterno ritornello chitarra-pizza-mandolino, che siamo nel XXI secolo e che sono stufo dell’ennesima Carta-accia che mi gira attorno proposta dagli Amici giusti con il Fattore X cucito adosso.
Good bye America, sei sempre lontana, ma questa volta non cerco di raggiungerti neanche con la musica, la Musica è già qui.
E se non mi credete provate a ballare come un lento Dandelions on Fire con la persona che amate … a luci spente, per favore.

Empedocle70

Recensione di Food for the Bearded di Gyan Riley, New Albion, 2002

2009-11-05T00:05:00.001+01:00

Riley. Un cognome importante, uno dei padri del minimalismo, un grandissimo artista e musicista. Esserne il figlio e scegliere di fare la carriera di musicista non deve essere facile, ancora di meno se decidi di cimentarti come compositore oltre che chitarrista. Sapete com’è .. i pettegolezzi .. i confronti … che noia. Per fortuna Gyan Riley sembra essere uno convinto del fatto suo e sicuramente i buoni rapporti in famiglia aiutano a mantenere la serenità necessaria.
E così siamo qui ad ascoltare il suo primo cd, la sua prima incisione discografica dove si cimenta con la sua chitarra classica su pezzi di sua composizione (con l’eccezione di Piedad e Balama che vedono la firma del suo augusto genitore).
Come suona Gyan Riley? Diciamo subito che suona bene, decisamente bene, non per nulla è stato allievo di David Tanenbaum, un bel suono, sicuro, preciso, senza sbavature e imprecisioni. Come sono i suoi pezzi? Belli. Leggermente malinconici, quasi autunnali, con colori che rimandano all’India e ai raga, è musica da meditazione ma senza quella fastidiosa, falsa allegria “new age”, qui la preparazione musicale è solida, concreta e senza tante smancerie. La qualità musicale è infatti alta e solo il gusto personale permette di scegliere un pezzo piuttosto che un altro, personalmente ho molto apprezzato il particolare tremolo della mano destra in “Quasitremelodo”, l’allegra e saltellante “Happychap” e i due brani cameristici “Sinspiration” e Yubalation” che vedono la presenza di Tracy Silverman alla viola e di David Doll alle percussioni. Belli anche i duo con il padre Terry Riley al pianoforte in “Drift” e alla voce in “Balama”.
Un bel disco, rimane solo il rammarico che per ora sia l’unica incisione di Gyan (a parte qualche apparizione con Tanenbaum) e che sia datata 2002 .. sarebbe anche l’ora di ascoltare qualcosa di nuovo …

Empedocle70

Recensione di Sor –Coste Complete Works for Guitar Duo di Claudio Maccari e Paolo Pugliese, Brilliant Classic, 2009

2009-11-04T00:05:00.002+01:00

Il passato. La storia. La tradizione. Come recuperarli, come farli vivere in modo attuale, inserendoli nel nostro contesto quotidiano? Come evitare inutili e sterili riproposizioni che non siano altro che delle vuote e tristi maschere di un qualcosa che è stato e che non tornerà e di cui non possiamo neanche esattamente sapere come era? La filologia è un limite o è un arricchimento, per l’artista e per chi lo ascolta?
Queste domande rimbalzano nella mente mentre ascolto l’ultima fatica del Duo Maccari Pugliese. Nel corso della loro intervista pubblicata quasi un anno fa sul Blog avevano accennato all’intenzione di continuare con rigore filologico la pubblicazione delle opere per duo di chitarre del Novecento registrando le musiche di Fernando Sor e Napoleon Coste sempre con la casa discografica Brilliant. La loro promessa è stata rispettata e oggi possiamo ascoltare con piacere e interesse queste belle musiche, interpretate dal Duo con la passione e l’intelligenza con cui da tempo ci hanno abituati e viziati. Come sempre, anche questa volta nulla è stato lasciato al caso, le musiche sono state registrate con cura e perizia filologica suonando una “pacchetto” di chitarre d’epoca che mettono l’acquolina in bocca ad ogni appassionato solo a sentirle nominare: Gaetano II Guadagnini, Italy 1830, Joseph Pons, France 1825, René Lacôte, France 1824, René Lacôte, France 1825, René Lacôte, France 1827 con l’unica eccezione della copia della Louis Panormo realizzata dal bravo liutaio Fabio Zontini nel 2007, ulteriore conferma del sempre crescente successo e del valore qualitativo e artistico che la liuteria italiana sta riscontrando.
Ah sì .. e le domande? Non credo di potervi dare una risposta chiara e univoca a ciascuna di esse, troppo poca la mia competenza e la mia cultura per potermi anche solo arrischiare una definizione, un giudizio. Mi permetto di citare Luciano Berio : “.. Un pianista che si dichiara specialista del repertorio classico e romantico, e suona Beethoven e Chopin senza conoscere la musica del Novencento, è altrettanto spento di un pianista che si dichiara specialista di musica contemporanea e la suona con mani e mente che non sono stati mai attraversati in profondità da Beethoven e Chopin.”, queste musiche sono un patrimonio comune a cui possiamo e dobbiamo attingere, studiare e imparare e da cui possiamo ogni volta ripartire per disegnare, creare nuovi linguaggi che possano meglio definire i tempi e la società in cui viviamo. Non ascolto queste musiche né con nostalgia né con rimpianto per un passato che non tornerà ma con l’orecchio di chi vuole ascoltare dei capolavori e dei bravi musicisti fieri della propria arte e del proprio talento.
Da assaporare, da centellinare, da gustare … da ammirare!

Empedocle70

Un Tango para las seis cuerdas di Rubén Andrés Costanzo parte seconda

2009-11-03T00:05:00.002+01:00

Per Carlos Gardel la chitarra fu l’accompagnatrice di molte incisioni discografiche; Razzano, Riverol, Barbieri e Aguilar furono alcuni dei chitarristi che suonarono insieme a Carlitos. Le critiche sulla qualità di questi chitarristi appaiono molte volte velate per non commettere una “eresia”5, in fondo Carlos Gardel è un mito per i tangueros e i miti non hanno difetti; neppure i tentativi di migliorare tecnicamente le sue incisioni sono sfuggiti all’attacco dei fans. Una delle ultime polemiche fu nel 1997 quando il chitarrista Rafael Brescia, utilizzando una tecnica digitale, tolse il suono delle chitarre da 14 brani registrati da Gardel per introdurre la propria interpretazione6. Fiumi d’inchiostro e pagine di giornali furono scritte contro tale “eresia”; mi domando: è questa l’unica maniera di tenere vivo un mito? Una cosa e certa, Gardel ha creato un modo di interpretare il tango, ancora oggi imitato da tanti cantanti e al loro fianco c’è sempre una chitarra.
E Jorge Luis Borges? Lui non suonava la chitarra, ha sempre criticato il modo gardeliano d’interpretare il tango, per dirla in parole povere: per Borges il tango di Gardel era piagnucolone e poco virile, lui apprezzava quello macho e spavaldo. Dobbiamo riconoscere che insieme a Vicente Rossi, Borges con i suoi saggi è stato uno dei primi a teorizzare una storia del Tango rioplatense7 e le sue poesie e racconti hanno dato vita ad una mitologia Porteña a ritmo di tango.
Nel 1965 Borges pubblica un libro di poesia: Para las sei cuerdas8, nel prologo fa una critica al tango-canciòn, quello di Gardel per intenderci, esaltando il tango-milonga in voga a fine ‘800, quello che rappresenta, secondo Borges, la “setta del coltello e del coraggio” . Anticipato nel titolo e reso manifesto nell’introduzione, il libro è un invito a leggere ogni poesia come se si “canticchiassero con il suono di una chitarra”. Non passò molto tempo che molte di queste poesie venissero musicate. I brani più conosciuti sono quelli con la musica di Astor Piazzolla, incisi a metà degli anni ’60 in un vinile intitolato: El Tango9 , ma dal dimenticatoio del tango che furono gli anni ’60 e ’70 dobbiamo riportare alla luce il lavoro di Ben Molar, che mise insieme sette poeti e sette musicisti nel LP 14 con el Tango10, dove tra i sette poeti troviamo Borges con: Milonga de Albornoz con la musica di Josè Basso. La lista di musicisti che hanno scelto i testi di Borges per la loro musica continua11.
Internet ci permette di avere a portata di mano una conoscenza vasta, molto difficile da quantificare, (già profetizzata da Borges nel: Il Libro di Sabbia). Ogni nome invocato in questo scritto può aprire, tramite un motore di ricerca, un nuovo mondo nella galassia tango; era mia intenzione fare con voi un piccolo viaggio nel mondo della chitarra nel tango, spero di aver seminato un pò di curiosità. Ma la galassia tango ha altri mondi, alcuni fatti di parole, c’è chi sostiene che queste parole siano una lingua chiamata lunfardo, altri invece sostengono che il lunfardo sia una pura invenzione intellettuale artificiosa aggiunta al tango negli anni ’20. Nel nostro prossimo incontro perché non cerchiamo di scoprire se il Lunfardo è una lingua per il Tango?

Rubén Andrés Costanzo

Foto dall'archivio personale di Rubén Andrés Costanzo

5 Horacio Ferrer. Op. cit. vedere Tomo 1 pag.55
6 Irene Amuchastegui. Nueva polémica en torno de Gardel. Suplemento Expectàculos, diario Clarìn. Buenos Arires 2 aprile 1997 pag. 8.
7 Ramòn Pelinski. Op.Cit. vedere pag. 448
8 Jorge Luis Borges. Tutte Le opere. Arnldo Mondadori Editore. Milano 1994. Per le sei corde si trova nel tomo 1 pag 205
9 LP El Tango. Testi: Jorge Luis Borges,Musica: Astor Pantaleòn Piazzolla. Canta: Edmundo Rivero, voce narrante Luis Medina Castro. Casa discografica Polydor n° serie 20291/27128, Buenos Aires, senza data, ma metà anni ‘60
10 LP: 14 con el Tango, Ben Molar. Autori e interpreti vari. Casa discografica Producciones Fermata n° LF 2001, Buenos Aires, senza data, ma metà anni ‘60
11 Posso citare alcuni brani musicali fatti su testi di J.L. Borges :Milonga de los Hermanos. Musica di Carlos Guastavino. Milonga de Calandria. Musica di Eladia Blàzquez. Milonga de Manuel Flores. Musica di Anibal Troilo “Pichuco”. La Rosa Inalcanzable. Musica di Horacio Malvicino. Milonga del Muerto. Musica di Sebastiàn Piana. Milonga de Marfil Negro. Musica di Juliàn Plaza.

Un Tango para las seis cuerdas di Rubén Andrés Costanzo parte prima

2009-11-02T00:05:00.001+01:00

La galassia tango non finirà mai di stupirmi. Tempo fa io ed un amico – noto interprete di tango – eravamo a cena con una comitiva di maestri di tango quasi tutti Italiani, quando uno di loro rivolse una critica al mio amico, sostenendo che, pur considerandolo un eccellente interprete, l’assenza del bandoneòn nel suo gruppo rendeva il tango una musica senza anima.
Senza perdere la calma il criticato musicista chiese a questo maestro di danza qual era la sua orchestra di tango preferita, “senza dubbio Carlos Di Sarli” rispose. Io e il mio amico ci guardiamo e scoppiamo a ridere davanti allo sgomento del maestro di tango, al quale io consigliai di ballare meno e ascoltare di più. Infatti, nell’orchestra del Maestro Carlos Di Sarli è noto che il bandoneòn passa quasi in incognito rispetto agli altri strumenti.1
Un contributo alla disinformazione sul tango appare in un libro pubblicato nel 2002, nel quale si sostiene che: ”… il bandoneòn… è l’unico strumento che viene sistematicamente nominato nelle canzoni [tango-canciòn]”(pag. 27)2, quasi come affermare che il mandolino sia l’unico strumento nominato nelle canzoni italiane.
Non posso negare la simbiosi esistente tra Tango e bandoneòn e senza dubbio questo è lo strumento che più lo rappresenta; anche La Cumparsita è il tango più rappresentativo della musica rioplatense ma sarebbe riduttivo pensare che tutti i tanghi hanno lo stile di Gerardo Matos Rodrìguez.
Affermo senza timore di sbagliare che il tango ha l’anima di bandoneòn, ma nel cuore una chitarra. La milonga, stile precursore del tango, nasce con la chitarra. Violino flauto e chitarra erano le prime formazioni strumentali del tango, in questi gruppi la funzione della chitarra era la sezione ritmica, che fu sostituita con il pianoforte grazie alla sua maggiore possibilità di conduzione orchestrale, lasciando l’uso della chitarra per un tango più intimista o per accompagnare l’interpretazione vocale3 .
L’evoluzione strumentale di un genere musicale viene condizionata anche dalla tecnologia e dai mezzi economici. Negli anni ’50 le orchestre di tango si sono dovute adeguare al mercato, trasformandosi in quintetti e a volte in celebri duetti, come Troilo e Grela (bandoneòn e chitarra) o Salgàn e De Lio (pianoforte e chitarra).
A prescindere dai fattori economici e stilistici, le sei corde sono sempre presenti nella galassia tango, sia in quello intimista che nella sua interpretazione vocale. Solo qualche esempio tra i cantanti: Agustìn Magaldi, Azucena Maizanes, Nelly Omar, Edmundo Rivero, Angel Villoldo, senza dimenticare le opere di Astor Piazzolla per chitarra: Cinco Piezas per chitarra o Histoire du Tango per Flauto e chitarra. Un esercizio interessante è dare un’occhiata all’iconografia del Libro di Horacio Ferrer “El libro del Tango Historia e imàgines” per capire quanto è forte la presenza della chitarra. Ma come diceva un’archeologa argentina: “chi non sa quello che cerca, non riesce ad interpretare quello che trova”, e io a volte dimentico che “iconografia” nel vecchio continente significa una coppia di ballerini e che, se un libro sul tango in una libreria di Montevideo o Buenos Aires lo troviamo nello scafale dedicato alla musica, a Roma o Bologna si trova in quello della danza.
Alcuni anni fa ho avuto un felice incontro con un libro: El Tango Nomade, Ensayos sobre la diaspora del tango,4 una raccolta di saggi curata da Ramòn Pelinski, (se qualche editore mi sta leggendo, questo è un libro da tradurre e pubblicare immediatamente in italiano). L’ultimo capitolo, scritto da Mario Paoletti, ha per titolo Borges y Gardel, due figure sicuramente distanti fra loro, ma che non possiamo non citare quando parliamo di tango e chitarra.

1 Luis Adolfo Sierra. Historia de la Orquesta Tipica. Evoluciòn Instrumental del Tango. Peña Lillo Editor. Buenos Aires 1976. Vedere a pag. 99 Carlos Di Sarli, Un tango Distinguido
2 Alfredeo Liberatore. Tango Pagano Editore Napoli 2002
3 Horacio Ferrer. El Libro del Tango. Historia e Imàgenes. Ediciones Osorio-Vargas. Buenos Aires 1970. Vedere Tomo 1 pag 340
4 Ramòn Pelinski.El Tango nòmade. Ensayos Sobre la diàspora del Tango. Corregidor. Buenos Aires 2000

Marco Cappelli Masterclass in Mestre 20 ottobre 2009, foto parte prima

2009-11-01T16:00:00.002+01:00

Marco Cappelli plays his EGP guitar during his Masterclass in Mestre, 20 - 21 october 2009

2009-11-01T00:05:00.000+01:00

Marco De Biasi "Concerto per tre Chitarre e Orchestra" Solists: Trio Nahual,

2009-10-31T18:00:00.001+01:00

DISSONANZEN 09-ADAM RUDOLPH-PIETRASANTA PROJECT

2009-10-31T11:00:00.001+01:00

Venerdì 6 novembre ore 20.30
Basilica di Santa Maria Maggiore alla Pietrasanta
Adam Rudolph presenta
Go-organic Orchestra: Pietrasanta project
Ensemble Dissonanzen
Is Jazz Ensemble
Consort di flauti dolci del Conservatorio di Cosenza

Ensemble Dissonanzen
Tommaso Rossi, flauto
Marco Sannini, tromba
Giulio Martino, sax
Francesco D’Errico pianoforte
Marco Cappelli chitarra

IS JAZZ ENSEMBLE

Luigi Di Nunzio sax alto
Pietro Riccardi sax alto
Canio Lucia sax baritono
Pino Melfi tromba
Ciro Riccardi tromba
Alberto Falco chitarra
Marco de Tilla contrabbasso
Pierluigi Delle Noci percussioni-batteria
Dario Guidobaldi percussioni-batteria

Alessia Viti, violino
Isabella Parmiciano, violino
Chiara Mallozzi, violoncello

Consort di flauti dolci del Conservatorio di Cosenza
Tommaso Rossi, Daniela D’Ambrosio, Annalisa De Simone, Mirko Onofrio flauti dolci

Marco De Biasi plays A. Ginastera Sonata op. 47

2009-10-31T00:05:00.001+01:00

Marco De Biasi, Music From Brakehage - Marco De Biasi

2009-10-30T18:00:00.001+01:00

Intervista con Marco De Biasi quarta parte

2009-10-30T00:05:00.001+01:00

Quale significato ha l’improvvisazione nella sua ricerca musicale? Si può tornare a parlare di improvvisazione in un repertorio così codificato come quello classico o bisogna per forza uscirne e rivolgersi ad altri repertori, jazz, contemporanea, etc?

L’improvvisazione, in qualsiasi ambito la si consideri, è un modo di scrivere talmente immediato che non lascia il tempo di prendere in mano la penna e lascia nell’etere ciò che in quel momento si sta già suonando; con l’aggravante che poi, dopo aver finito di suonare, raramente si è in grado di ricordare e quindi di trascrivere, ciò che si ha appena suonato. Il fatto che poi si improvvisi in stili diversi, questo dipende solamente dalla predisposizione del musicista o dal contesto in cui chi si trova a suonare è coinvolto. La struttura che si riesce a dare a un brano improvvisato dipende dalla forma mentis dell’improvvisatore. Gli organisti hanno una grande tradizione alle spalle e per fortuna non l’hanno dimenticata. Il problema è che difficilmente ci improvvisa improvvisatori; anche per far questo è necessario uno studio costante per ottenere buoni risultati.
Per me l’improvvisazione riveste un ruolo marginale, talvolta mi consente di ricavare dei temi che sviluppo in momenti successivi come tradizionalmente si usa fare in un processo compositivo. C’è una cosa però da dire: spesso l’ispirazione mette davanti agli occhi a alle orecchie dell’immaginazione il brano o il quadro concluso in un solo istante. L’immagine è talmente nitida che basta solamente “copiare” o “tradurre” ciò che si è “visto o sentito”. Non so se sia possibile che le cose accadano più improvvisamente di così.

Sembra essersi creata una piccola scena musicale di chitarristi classici dediti a un repertorio innovativo e contemporaneo, mi vengono in mente i nomi di Marco Cappelli e David Tanenbaum, David Starobin, Elena Casoli, Arturo Tallini, … si può parlare di una scena musicale?

Non so se si possa parlare di una scena musicale ma sicuramente ci sono delle persone che seguono molto da vicino gli eventi nel momento in cui accadono, si assumono il rischio della novità e spianano la strada a coloro che tra cinquanta o cent’anni decideranno che effettivamente quella musica era bella e valeva la pena di suonarla prima.

Lei è presente con diversi video su youtube che la riprendono in situazioni di esecuzione di pezzi dal vivo e con alcuni video particolari sul suo sito internet, come mai queste scelte e lei pensa che come già avviene in altri ambiti musicali anche la musica classica possa essere adottata per un uso innovativo del mezzo video-multimediale, così come è avvenuto per la trilogia “quatsi” di Godfrey Reggio per le musiche di Philip Glass?

L’unione delle arti è un progetto che prende il via dal momento in cui l’uomo ha cominciato a unire la musica con la danza, con il teatro, con il rito e la magia. Kandinsky e coloro che gravitavano attorno alla realizzazione de “Il Cavaliere Azzurro” ne erano veramente convinti e ritenevano l’unione delle arti la via maestra da seguire. La multimedialità fa parte della nostra era e sembra un percorso inevitabile. La musica classica si adatta benissimo a questo genere di opere data la sua struttura e la particolarità di messaggi che riesce a trasmettere, amplificando e completando il messaggio visivo.

Ho, a volte, la sensazione che nella nostra epoca la storia della musica scorra senza un particolare interesse per il suo decorso cronologico, nella nostra discoteca-biblioteca musicale il prima e il dopo, il passato e il futuro diventano elementi intercambiabili, questo non può comportare il rischio per un interprete e per un compositore di una visione uniforme? Di una “globalizzazione” musicale?

Forse questo vale per le persone distratte. Credo invece che sia in atto un percorso di riscoperta filologica del modo di suonare delle diverse epoche, per quanto, di veramente folologico, nel nostro tempo ci può essere solamente la musica contemporanea. Il musicista attento e meticoloso non è mai un musicista globalizzato. Per tornare alla domanda di prima segue un percorso deduttivo nella fase di ricerca, e deduttivo nella fase dell’esecuzione. Parte cioè da una macro-struttura nel momento di analisi del brano per arrivare alla sottolineatura di tutti quei particolari che, nel momento dell’esecuzione diventeranno, uno per uno simbolo di un intero universo musicale.

Luciano Berio ha scritto “la conservazione del passato ha un senso anche negativo, quando diventa un modo di dimenticare la musica. L’ascoltatore ne ricava un’illusione di continuità che gli permette di selezionare quanto pare confermare quella stessa continuità e di censurare tutto quanto pare disturbarla”, che ruolo possono assumere la musica e i compositori contemporanei in questo contesto?

Nella musica classica c’è stato un forte momento di rottura nel 900, legato a Schönberg e al percorso da lui innescato, ma credo che la continuità con il passato sia praticata da moltissimi compositori, i quali già hanno lavorato e lavorano in questa direzione. I primi a non conoscere la musica contemporanea sono i musicisti. Al secondo posto c’è il pubblico che va a sentire i concerti suonati da chi non conosce o non propone la musica contemporanea. Ogni periodo della storia della musica è contrassegnato da rotture, solamente che queste, dopo centinaia d’anni, sono state digerite e diventate patrimonio comune. Il problema è che fino a cent’anni fa si suonava solo la musica contemporanea, oggi si suona solo la musica che ha almeno cent’anni. (Non è sempre così ma poco ci manca). Quindi io direi che la domanda la si potrebbe benissimo girare agli interpreti e al pubblico. Che ruolo può assumere l’interprete e il pubblico per far sì che il patrimonio culturale della cultura moderna e contemporanea non vada perduto in virtù dei troppo osannati Vasco Rossi e Michael Jackson? Ricordo che le televisioni hanno parlato per giorni della morte di Jackson e neanche un minuto, a suo tempo, per la morte di Luciano Berio e di Goffredo Petrassi.

Con chi le piacerebbe suonare e chi le piacerebbe suonare? Che musiche ascolta di solito?

Mi piacerebbe suonare in duo con un amico (Mauro Zanatta) per fare delle trascrizioni di Bach e Scarlatti e sicuramente almeno un pezzo mio.
Ascolto un po’ di tutto e soprattutto sono molto curioso di conoscere musica nuova. Spesso tuttavia mi rifugio nella musica per pianoforte e ascolto molto Keith Jarrett.

Quali sono i suoi prossimi progetti? Su cosa sta lavorando?

Ho appena finito di scrivere una Suite per chitarra sola che mi è stata commissionata da un chitarrista messicano. Il mio prossimo progetto è il mio nuovo quadro, che ho in testa da un anno e ancora non mi sono deciso a dipingerlo.

Grazie Marco!

Empedocle70

Marco De Biasi,Omaggio a H. Villa Lobos - Marco De Biasi

2009-10-29T18:00:00.001+01:00

Intervista con Marco De Biasi terza parte

2009-10-29T00:05:00.001+01:00

La sua pittura in particolare attinge alle idee stilistiche di Kandisky ma mi sembra che lei adotti delle soluzioni molto più essenziali e matematiche .. si nota una certa affinità coi frattali ad esempio…. Riesce a tradurre le sue idee pittoriche in idee musicali?

I miei quadri si riferiscono all’aspetto concettuale dell’opera, ossia a come questa viene percepita dallo spirito. La parte razionale dell’individuo coglie il concetto. Questo, una volta filtrato dallo spirito, viene tradotto in forma e fissato in maniera immutabile sulla tavola. Niente di più si trova in essa che la geometrizzazione di un concetto accolto nello spirito e da questo tradotto in pittura.
In un secondo momento, tale concetto viene ascoltato ed elaborato nell’anima. Questa, per sua natura, reagisce attraverso delle emozioni. L’energia impiegata al fine di catalizzare e sintetizzare la duplice azione del concetto e del sentimento danno origine all’opera musicale.
L’opera musicale, generatasi dalla formalizzazione di un concetto, aggiunge a quest’ultimo la capacità di riprodurre l’emozione che lo stesso genera. L’opera musicale apre le porte del cuore e guida l’ascoltatore alla conoscenza di sentimenti ultrasensibili che il comune linguaggio, creato dall’uomo per descrivere il mondo terreno, non può spiegare.
L’opera pittorica indica all’ascoltatore i binari attraverso i quali il sentimento si deve dirigere. La forma guida il sentimento alla scoperta dell’archetipo dal quale l’artista ha tratto ispirazione.
Partendo dal concetto (Tesi) e facendo seguire a questo il sentimento (Antitesi), l’artista riesce a creare un’opera tale che consenta all’uomo di progredire nella conoscenza di ciò che il linguaggio comune non può ancora rivelargli.
L’opera così creata, data dall’unione di musica e colore, sarà dunque il veicolo necessario per il ritorno all’archetipo dal quale è stata generata.

Berlioz disse che comporre per chitarra classica era difficile perché per farlo bisognava essere innanzitutto chitarristi, questa frase è stata spesso usata come una giustificazione per l’esiguità del repertorio di chitarra classica rispetto ad altri strumenti come il pianoforte e il violino. Allo stesso tempo è stata sempre più “messa in crisi” dal crescente interesse che la chitarra (vuoi classica, acustica, elettrica, midi) riscuote nella musica contemporanea. Lei come chitarrista e compositore quanto ritiene che ci sia di veritiero ancora nella frase di Berlioz?

La frase di Berlioz mi suona molto come una scusa! È vero che per scrivere sulla chitarra è necessario conoscere lo strumento e adottare alcuni accorgimenti ma vorrei rispondere a questa affermazione con altre due domande: 1-Quale compositore scriverebbe un accordo di 4 note in un pezzo per tromba? 2-Forse che i compositori non chitarristi del 900 hanno scoperto la formula magica per scrivere un pezzo per chitarra senza aver mai studiato direttamente sullo strumento?

Berio nel suo saggio “Un ricordo al futuro” ha scritto: “.. Un pianista che si dichiara specialista del repertorio classico e romantico, e suona Beethoven e Chopin senza conoscere la musica del Novecento, è altrettanto spento di un pianista che si dichiara specialista di musica contemporanea e la suona con mani e mente che non sono stati mai attraversati in profondità da Beethoven e Chopin.” Lei suona sia un repertorio tradizionalmente classico che il repertorio contemporaneo … si riconosce in queste parole?

Io suono quello che mi piace e ancora non mi sono specializzato in nessun tipo di repertorio e forse non lo farò mai. Mi piace la musica in quanto tale e non una tal musica di un tal periodo. Trovo questo modo di pensare come una limitazione dei sentimenti e delle emozioni.
Un processo deduttivo sicuramente aiuta ad arrivare al particolare con cognizione di causa, ma non credo che a questo metodo sia da attribuire anche la capacita di accendere in chi ascolta quel fuoco magico che avvolge esecutore e ascoltatore in un unico evento sonoro. Quel fuoco viene da dentro e non da fuori! Quel fuoco si genera in modo induttivo! È una particolare capacità dell’essere che si estende alla totalità dell’evento musicale creato.

Parliamo di marketing. Quanto pensa che sia importante per un musicista moderno? Intendo dire: quanto è determinante essere dei buoni promotori di se stessi e del proprio lavoro nel mondo della musica di oggi?

Importantissimo!!! Al punto che, talvolta e non di rado, troviamo sul palco degli ottimi organizzatori della propria (e anche altrui) attività musicale, ma dei mediocri musicisti. Do ut des. Per fortuna non è sempre così.

Vuole parlarci del suo cd “Fonocromie”?

Questo cd raccoglie una selezione di opere scritte tra il 2004 e il 2007. Il tema conduttore che lega le varie opere è la stretta relazione tra la vibrazione sonora e quella cromatica.
Questi brani sono il frutto di una ricerca interiore cominciata nel 2003 in seguito al mio entrare in contatto diretto con le opere del grande artista russo Vassily kandinsky. I suoi quadri e i suoi scritti hanno tracciato il percorso, fino ad allora latente, che conduce l’artista a fondere colore e suono, poiché le due vibrazioni hanno origine comune e realmente si compenetrano in un’unica realtà dimensionale.
Ogni colore e ogni forma, relazionati in vario modo tra loro, creano movimento ed emozione e generano energia. La musica ha il compito di amplificare il suono interiore di questi elementi, la cui essenza è strettamente legata alla vibrazione sonora.
Sia nel caso in cui il quadro preceda la musica, sia che questa presieda alla creazione del quadro, è necessario operare un processo di ricodificazione del messaggio originario. Per poter far questo bisogna entrare in relazione con la vibrazione che si vuole tradurre in un nuovo linguaggio. Il colore va ascoltato nel suo suono interiore, mentre la musica va vista nelle sue relazioni intrinseche e in base alle forme che assume nello spazio.
Questo cd, dal titolo FONOCROMIE, rappresenta dunque un primo punto della situazione di tale ricerca.

Teatro Fondamenta Nuove Venezia: SAN SERVOLO JAZZ MEETING 2009

2009-10-28T19:02:00.001+01:00

SAN SERVOLO JAZZ MEETING 2009

giovedì 5 novembre 2009, ore 21 Isola di San Servolo

BLAKE/ALLISON/DRAKE

MICHAEL BLAKE sax tenore

BEN ALLISON contrabbasso

HAMID DRAKE batteria

giovedì 12 novembre 2009, ore 21 Isola di San Servolo

FRANCO D'ANDREA

FRANCO D'ANDREA pianoforte

sabato 21 novembre 2009, ore 21 Isola di San Servolo

KEN VANDENMARK & PAAL NILSSEN-LOVE

KEN VANDERMARK sassofoni, clarinetto basso

PAAL NILSSEN-LOVE batteria

giovedì 26 novembre 2009, ore 21 Isola di San Servolo

TINISSIMA

FRANCESCO BEARZATTI sax tenore, clarinetto

GIOVANNI FALZONE tromba

DANILO GALLO basso acustico, contrabbasso

ZENO DE ROSSI batteria

In collaborazione con Veneto Jazz

Teatro Fondamenta Nuove: Risonanze

2009-10-28T18:58:00.003+01:00

RISONANZE fall 2009

Rassegna di nuove musiche contemporanee

Venezia, Teatro Fondamenta Nuove

Venerdì 30 ottobre 2009 ore 21

JENNIFER WALSHE

Jennifer Walshe voce, strumenti vari

in collaborazione con la Fondazione Claudio Buziol

Domenica 15 novembre 2009 ore 21"BERLIN NIGHT"

[progetto speciale in occasione del ventesimo anniversario della caduta del Muro di Berlino]

dj sets by GUDRUN GUT & THOMAS FEHLMANN

Gudrun Gut, Thomas Fehlmann elettronica

Alle ore 18, proiezione del film Die Mauer (Il muro), regia Jürgen Böttcher (RDT, 1990, 99')

Con il patrocinio del Goethe Institut Italien e in collaborazione con l'Associazione Culturale Italo-Tedesca

Giovedì 3 dicembre 2009 ore 21

GARY LUCAS & DEAN BOWMAN "CHASE THE DEV IL

"Gary Lucas chitarra

Dean Bowman voce

Sabato 30 gennaio 2010 ore 21

ERIK FRIEDLANDER "BROKEN ARM TRIO"

Erik Friedlander violoncello

Trevor Dunn contrabbasso

Mike Sarin batteria

Speciale Marco De Biasi: Quadri

2009-10-28T18:00:00.001+01:00

Intervista con Marco De Biasi seconda parte

2009-10-28T00:05:00.002+01:00

Un evento importante nella sua vita è stata la distonia focale, con la quale ha cominciato l’attività di compositore e di pittore, ce ne vuole parlare?

Nel corso della mia carriera di musicista, sono stato colpito, nel settembre del 2000, da una malattia neurologica chiamata “distonia focale”, unita ad una forte epicondilite sia al braccio destro che al braccio sinistro, vedendomi così costretto al ritiro dall’attività concertistica. Non so ancora se questa sia stata una disgrazia o una fortuna. Probabilmente, per restare con quanto diceva Hegel, “il senso del processo storico si vede solamente alla fine del processo stesso”. Tale processo non si è ancora concluso, ma se guardo i risultati che ho ottenuti dall’inizio della malattia a oggi, non è forse prematuro affermare che le cose positive pesano più di quelle negative.
Tutto è cominciato con qualche lieve fastidio al dito indice, che nel giro di un mese si è trasformato nell’impossibilità di utilizzarlo per qualsiasi tipo di movimento sulla chitarra. Il dito rimaneva chiuso all’interno della mano e qualsiasi tentativo di muoverlo comportava sforzi enormi e risultati nulli. Resomi immediatamente conto che evidentemente c’era qualcosa che non funzionava, ho cominciato a rivolgermi ai più diversi tipi di dottori e non (fisioterapisti, fisiatri, omeopatici, medici olistici, pranoterapeuti) i quali davano ognuno delle diagnosi diverse, senza mai capire quale fosse il vero problema. Il risultato fu una serie inconcludente di visite e un sacco di soldi spesi per niente. Per capire che si trattava di distonia e per avere una diagnosi concreta sono trascorsi circa due anni, Il peggio è che quando ho trovato chi mi ha diagnosticato la distonia (l'allora primario del reparto di neurologia dell’ospedale di Rovigo) sono stato invitato dal medesimo, con aria di assoluta sufficienza, a lasciar perdere e a cambiare mestiere. Non capisco come si possa dimenticare che il paziente, prima di essere malato, è uomo, e che la malattia, non si cura solo con i farmaci, ma anche e soprattutto agendo sulla persona dal punto di vista emotivo e spirituale. (Centinaia di pubblicazioni, scientifiche e non, parlano di questo aspetto nella cura delle malattie). Ad ogni modo, conclusa l’esperienza di questa visita, me ne sono tornato a casa, con la promessa di essere ricontattato per una cura a base di tossina botulinica. Tuttavia, non ho mai ricevuto alcuna telefonata e sono rimasto solamente con la profetica sentenza della fine della mia carriera.
La cosa strana fu che, dopo questa doccia fredda, arrivai a casa con la convinzione che sicuramente non sarei rimasto a guardare. Ne andava di mezzo la mia possibilità di esprimermi e la mia capacità di realizzare il mio essere attraverso il suono. Per prima cosa decisi, il giorno stesso, di telefonare al mio insegnante di armonia (il maestro Renato Gava) per prendere immediatamente delle lezioni di composizione. La mia voglia di scrivere musica si era infatti già manifestata all’età di 12 anni, ma non era stata sufficientemente alimentata ed era così svanita in breve tempo. Questo sembrava il momento buono per ricominciare, dato che appariva come unico sistema per tenermi in contatto con la musica viva. La seconda cosa che mi misi a fare è stata di cercare un sistema per guarire. La composizione si rivelò, infatti, ben presto insufficiente a colmare il mio desiderio di poter fare musica. È stato così che dopo molte richieste di aiuto, attraverso il musicista spagnolo Juan Francisco Padilla, sono entrato in contatto con L’Istituto di Medicina e dell’Arte di Barcellona. Qui ho trovato dei professionisti che mi hanno saputo dare la giusta dose di coraggio e di speranza per affrontare la malattia. Sono stato trattato prima come essere umano al quale era venuto a mancare una parte fondamentale della propria esistenza e, solo successivamente, come paziente.
Inutile spiegare l’iter della cura (anche perché è passato un bel po’di tempo e i ricordi cominciano a non essere chiari), che non è stato per nulla semplice, ma ricco di problemi secondari non dovuti alla distonia. Basti dire che per 14 mesi, tutti i giorni, (lavoro e impegni a parte) ho fatto 4 ore di esercizi che consentissero al mio cervello di creare nuovamente un programma motore in grado di riprendere a suonare. Sveglia alle sette, esercizi fino a mezzogiorno e poi la vita che tutti i musicisti conoscono. Con costanza, tenacia e rigoroso rispetto di ciò che mi veniva detto di fare, giunto alla fine della cura, ero in grado di suonare di nuovo. È stato poi necessario circa un altro anno di lavoro per poter dire di suonare nuovamente un repertorio di tutto rispetto e, ancor oggi, riscontro piccoli miglioramenti.
Un grazie sincero va a tutto lo staff medico della clinica di Terrasa, ma, sicuramente, non avrei potuto farcela senza l’aiuto della mia famiglia e di tutti coloro che solamente hanno creduto in me. Di fondamentale importanza è stata poi, in primo luogo, la completa accettazione della mia condizione, presa come dato di fatto e come un punto di partenza dal quale non si poteva far altro che progredire. Qualsiasi risultato ottenuto avrebbe infatti portato a condizioni migliori di quelle in cui mi trovavo. In seconda istanza, si è rivelata necessaria la consapevolezza, costruita negli anni, del mio esistere quale essere unico e irripetibile, frutto del proprio vissuto e cosciente delle proprie capacità. Grande è stata l’autodeterminazione dimostrata ed enorme il feroce desiderio di possedere nuovamente la capacità di suonare. Quando la fame è più grande del dolore che ti divora, o muori o la tua volontà si trasforma in atto, e si concretizza a tal punto che riesci a risolvere totalmente i tuoi problemi.
Il concorso più grande della mia vita l’ho vinto contro me stesso, contro la mia malattia e contro il mio cervello e le sue regole, dimostrando come la volontà possa afferrare l’istante e, attraverso questo, condizionare il corso degli eventi. Sono stato il giudice di me stesso e ho deciso che la guarigione sarebbe stata totale. E così è stato.

Attualmente sono nuovamente in grado di tenere concerti con programmi assolutamente uguali a quelli che proponevo prima dell’insorgere della malattia.

continua domani..