CIA - Critica, Informa, Actualiza

2010-12-09T23:29:00.000+00:00

Desenvolvimento dos tanques japoneses na segunda guerra mundial

Império de Japão produziu seu primeiro tanque indígeno em 1927, que era o tipo 87 carro de combate médio. Mais tarde, o japonês comprou algum Vickers tanques de 6 toneladas e Tankette de Carden Loyd e usado estes como uma base para o desenvolvimento mais adicional, tendo por resultado os tanques tais como o tipo 89 Chi-Ro.

Adotando os franceses Renault o tanque em 1918, apenas como os americanos e italianos antes deles, Japão foi influenciado pela escola francesa do pensamento nos termos do projeto e do emprego do armor. Como com muitas outras nações, o japonês viu o tanque como uma ferramenta usada pela maior parte suportar unidades da infantaria e durante sua guerra em China, com a falta da oposição nos termos do armor, os tanques japoneses eram bem sucedidos. Como com a maioria de tanques das nações durante os anos experimentais adiantados foram permitidos raramente a ação independente o futuro desigual Blitzkrieg acções.

Com a derrota em Nomonhan pelo União Soviética em 1939, entretanto, o japonês decidiu-se re-think seus projetos; embora a ênfase remanescesse com sustentação da infantaria. Com o começo do Guerra pacífica, porém as prioridades de Japão deslocaram a navio de guerra e avião produção e os recursos para a construção de veículos armored para Exército imperial foram desviados ou curtailed^.

Um outro fator era que o terreno no Pacífico e a pouco 3Sudeste Asiático extant não estêve servido a guerra armored. Estas áreas eram pela maior parte tropicais cobertas com as florestas grossas da selva, à parte do invasão de Malaya os usos da escala grande dos tanques eram limitados e assim que o investimento em uns projetos mais novos do armor não foi considerado crítico.

Conseqüentemente uns tanques mais velhos continuaram a ser usados, mesmo que outclassed, como os emplacements defensivos e a infantaria suportam armas. Os tanques japoneses remainded o inferior aos projetos aliados durante todo a guerra. Os projetos de tanque japoneses avançados que poderiam desafiar os tanques aliados não apareceram até o fim da segunda guerra mundial, porém estes eram pela maior parte experimentais ou produzidos em quantidades pequenas; não bastantes para fazer um impacto em batalhas.

Artigo 22

2010-09-04T15:06:00.008+01:00

Já devem ter ouvido falar do Artigo 22 (Catch-22 no inglês original). No mundo de língua inglesa, é tão referido tanto em ficção de todo o tipo como na realidade quotidiana que, de título do livro de Joseph Heller, se tornou uma expressão idiomática com direito até a uma entrada no respeitável OED. No contexto original, é qualquer coisa como isto: um piloto pode ser dispensado de voar missões de combate por motivos de insanidade mental; para que isso aconteça, só tem de o pedir; contudo, esse pedido revela medo de perder a vida, um medo perfeitamente racional; donde a alegação de insanidade mental é prova de sanidade mental.

A acção do livro passa-se durante a Segunda Guerra Mundial, num esquadrão de bombardeiros americanos durante a tomada de Itália. Em teoria, os tripulantes dos bombardeiros deviam ser substituídos por novos combatentes ao fim de vinte e cinco missões, mas nunca ninguém é substituído porque o coronel Cathcart aumenta sempre o número de missões a atingir antes que alguém o atinja. (Se esta lógica parece demasiado surreal, aconselho que vejam Stop-Loss, baseado numa prática com o mesmo nome usada pelo exército americano em conflitos recentes como o Iraque e o Afeganistão.) Yossarian, o protagonista, sente-se directamente lesado por esta decisão, além de também acreditar que os inimigos o odeiam pessoalmente e o querem assassinar, o que o leva a alegar insanidade, introduzindo assim o art.º 22 na história.

O livro inteiro não tem propriamente uma história, é mais uma série de pequenas biografias das diversas personagens, com muitas sobreposições, onde o enfoque vai mudando e os mesmos fenómenos vão sendo apresentados sobre de pontos de vista ligeiramente diferentes, criando uma sensação delirante de perspectiva. É um pouco como o conceito por detrás da tecnologia 3D, mas feito a partir de ideias intrigantes em vez de cores bonitas. Curiosamente, é possível o leitor identificar-se com os dilemas de várias das personagens, o que não deixa de ser estranho, pelo menos para leitores como eu, que nunca tiveram qualquer experiência de guerra, felizmente. Pessoalmente, suspeito que Heller, mais do que descrever a natureza disfuncional da guerra, conseguiu diagnosticar essa mesma disfunção na sociedade como um todo. O meu receio é que não o tenha feito intencionalmente.

O filme de Mike Nichols não faz justiça ao livro. No entando, para ser justo com o realizador, o livro de Heller é uma daquelas obras que a maioria das pessoas concordaria não ser possível adaptar ao cinema. Uma das falhas do filme é até fazer algum sentido, mais do que o livro, que aparece ao leitor mais como uma sequência de argumentos e discussões relacionadas umas com as outras do que propriamente como uma narrativa estruturada. Contudo, não creio que seja possível entender o filme sem ter lido o livro. Por outro lado, ver o filme algum tempo depois de ler o livro faz-nos recordar o livro de novo, o que não é mau, e algumas sequências do filme são verdadeiramente geniais e conseguem capturar a ideia das passagens do livro nas quais se inspiram.

É difícil não comparar o filme de Nichols com MASH, de Robert Altman, realizado no mesmo ano. O filme de Altman é também uma mordaz sátira anti-guerra, mas as suas personagens conseguem manter a sua sanidade rejeitando a lógica da guerra e o absurdo das suas regras, um gesto possível em certa medida porque são todos não-combatentes. O tom irreverente de MASH parece funcionar ligeiramente melhor do que o ambiente psicótico do Artigo 22 porque as personagens, e os actores que as interpretam, parecem levar-se um pouco menos a sério. O filme de Altman também faz lembrar o livro de Heller na sua estrutura, pois também é desprovido de uma narrativa contínua, consistindo antes numa sequência de episódios mais ou menos relacionados uns com os outros, uma característica reforçada na série baseada no filme, M*A*S*H.

Na sua essência, todas estas obras são claramente manifestos anti-guerra. Mas não é despropositado vê-las como microcosmos onde a própria natureza humana é colocada em exibição. Também não é despropositado vê-las apenas pelo seu valor de entretenimento, e no mínimo dos mínimos conseguem fazer sorrir o anti-conformista dentro de nós.

La Captive (2000)

2010-08-30T18:38:00.001+01:00

La Captive é uma história de amor, mas não uma história de amor comum. É uma história de amor dos contos mais idílicos e puros, onde vale até morrer pela pessoa que se ama; onde por muito insustentável que esse amor se desdobre vale a pena sofrer, revisitar as maiores tragédias e sobreviver às mesmas, de forma a, de seguida, enaltecer o escudo com se irá batalhar por esse sentimento tão incongruente mas de verdadeira beleza e poesia.

Foi o primeiro filme que vi do belga Chantal Akerman e provavelmente o único pois não quero desarmar a ideia de perfeição minimalista com que fiquei deste autor.

O filme trata, em primeiro plano, da relação de afecto entre os dois principais personagens – Simon e Sylvie -, que vão surgindo os seus egos num ambiente muito pouco comum e de uma peculiaridade física, formal e transcendente tal que só por si vale a pena assistir; e, em segundo plano, das revoluções intrínsecas que estes vão desenvolvendo ora entre si, ora em comunhão entre a rapariga e a imagem das suas líricas amantes e musas.

Ele vive o seu amor da forma mais intensa que conhece de si – cheio de manias e aparatos, consegue, pela vontade em Sylvie, descurar de si e entregar-se à enamorada. Ela, por sua vez, envolve-se numa verdadeira campanha de forma a manter a sua paixão e ternura, sendo que se sente atraiçoada pelo corpo e mente que a empurram em direcção oposta a Simon e a aproxima da sua verdadeira essência humana – Sylvie deseja amar para sempre o rapaz como ama na fugacidade dos momentos todas aquelas raparigas e todas aquelas formas femininas que não entende, e ao mesmo tempo percebe que, mesmo tentando, não conseguiria desarmar o seu carinho por Simon.

A narrativa avança, e à medida que isto acontece, a relação dos dois vai-se desfazendo, para depois, nas sequências finais, se encontrarem novamente, não pelo sentido instantâneo dos momentos mas sim pelo que ambos sabem poder e querer sentir, numa amplitude tal que revela o que instintivamente nos separa do animal comum – o sentimento, a racionalidade.

O espectador é confrontado pela edificação de duas estruturas completamente opostas e sem intermediários que dão imagem a duas formas de viver o amor: Simon quer sentir-se omnipotente, saber quais os sonhos e pensamentos de Sylvie, quer conhecê-la na sua totalidade para depois poder absorver os pedaços mais ínfimos da sua pessoa; ela encontra a verdade do sentimento na realidade interior do parceiro da qual o seu conhecimento está privado, permitindo um determinado espaço e mistério entre os dois, que lhe fomenta o querer.

Assim Simon faz dela sua cativa, aprisionando-a a si e ao seu espaço pelo sentir – e quem não gostaria de estar assim preso?

É de ressalvar que o filme é baseado no romance de Proust, La prisonnière.

As escalas no Universo

2010-08-27T14:52:00.005+01:00

O nosso Universo é composto tanto por estruturas muito pequenas e de massa insignificante como por grandes dimensões, cuja extensão nunca seríamos capazes de percorrer em vida.

Estes vídeos que vos apresento mostram exactamente isso, a proporção infinitamente grande e infinitamente pequena dos corpos do nosso mundo e aos quais não somos comummente sensíveis.

Este é o vídeo mais de maior duração mas recomendo que se dispenda dos 9 minutos para melhor se perceber a dimensão tanto macro como microescópica do nosso mundo

música canadiana (Metric)

2010-08-19T13:10:00.006+01:00

Letras provocantes e ambíguas, instrumental intenso mas contido, vocalista irreverente e enérgica. Que mais precisa uma banda indie?

Metric é uma das muitas bandas de cena musical canadiana que gravitam em volta do colectivo Broken Social Scene, do qual fazem parte a vocalista Emily Haines e o guitarrista James Shaw, ao lado de outros nomes sonantes como Leslie Feist e Jason Collett. Para quem não conhece o colectivo, vale a pena visitar a página Broken Social Scene.

O elemento mais marcante do som de Metric é o contraste entre, por um lado, o instrumental muito disciplinado, que evoca pela intensidade as raízes da actual música independente em bandas como The Pixies ou Sonic Youth, mas sem o ruído com que frequentemente estas afirmavam o seu estatuto alternativo, e, por outro, o ritmo errático com que Emily Haines debita as palavras da música, enchendo ou esvaziando os versos de sílabas para criar cadências imprevisíveis e hipnotizantes.

As próprias letras têm um tom de protesto social, que parece não poupar nem os próprios autores, mas com um toque mundano e casual que as impede de se tornarem moralistas, e dizem-nos que todos os soldados inimigos de dez anos às vezes acham que as bombas a cair são estrelas cadentes mas não lhes pedem desejos, ou interrogam-se se os advogados terão advogados? os senhorios terão senhorios?, ou ainda, numa das melhores metáforas que ouvi até hoje, convidam um amante a queimar os dedos de papel no cinzeiro.

Como sempre, ouvir uma banda é sempre melhor do que falar sobre ela. Para saber e ouvir mais, visitem Metric.

Sara, oh Sara!

2010-08-19T00:03:00.006+01:00

Escrevo para vos falar da obra-prima vocal do mais conhecido compositor veneziano do século XVIII, Antonio Vivaldi. Refiro-me à sua única oratória que sobreviveu até aos nossos dias, Juditha Triumphans. Na verdade, este seu trabalho religioso poderia ser facilmente confundido com qualquer uma das suas composições operáticas, de tão cheio que está de árias desafiantes e teatrais destinadas e dedicadas às suas fiéis alunas da Pietà veneziana, que ansiavam por um cheirinho do mundo da ópera. O libretto de Iacopo Cassetti relata o triunfo da heroína judia Juditha (esqueça-se a redundância com o título da obra) sobre os exércitos hostis e hereges de Holofernes, que invadem a cidade de Bethulia. Agora, para não correr o risco de irritar os caríssimos leitores ao revelar o final da história épica do Livro Bíblico de Juditha, passo a analisar a (na sua maioria) brilhante interpretação gravada pela orquestra barroca I Barocchisti com (cabeças de cartaz) Roberta Invernizzi e Sara Mingardo (oh! A eterna contralto).

Começando pelos (extraordinários) acompanhantes às personagens, a orquestra. Os músicos liderados por Diego Fasolis revelam (como já em outras gravações pude constatar) um elevadíssimo grau de profissionalismo e brilhantismo, sendo que nunca nos deixam sonolentos com a sua interpretação, apostando sempre em dinâmicas agressivas e tempos vivos no furore e lacrimosos nas árias destinadas a tal fim (isto para os ouvintes mais susceptíveis a choradeira). Para vos apimentar o paladar auditivo: Vivaldi acrescentou às tradicionais cordas, oboés, chalumeaux, teorbas, bandolins, trompetes e tímpanos (o instrumento de percussão à la tambor, não o órgão físico).

Como heroína de toda a história, Juditha, a contralto Sara Mingardo (!) faz (como já nos habituou) um trabalho EXPLÊNDIDO, mostrando-se capaz tanto de nos transmitir através da sua (oh tão maravilhosa) voz a mais profunda angústia e tristeza pelo seu povo, raiva pelo destino de Bethulia com Holofernes e também de levar o general inimigo (e a nós) a apaixonar-se por ela. Gostaria de apontar árias em que Mingardo se destacasse e realmente fosse excelsa, mas é impossível. Tudo o que ela canta nesta gravação é perfeito e iguala-se a si mesma.

A representar o general Holofernes, temos Guillemete Laurens. Esta mezzo-soprano apresenta-se capaz de lidar com as árias destinadas à sua personagem de uma forma bastante positiva e agradável. Gostaria no entanto de salientar que, para o segundo papel mais importante desta obra, seria de esperar um maior nível de virtuosismo e uma voz mais agressiva. Na verdade, se não soubermos a história que se desenrola, poderíamos pensar que Mingardo é que encarna a personagem maléfica, visto ter uma voz mais ríspida que Laurens. No entanto, nada de muito grave. Desagrada-me apenas o tempo demasiado lento na ária “Sede, sede o cara”. Parece que Laurens pede a Mingardo para se deitar e não para se sentar junto a ela, de tão sonolento que é o tempo.

O braço direito de Holofernes, Vagaus, é interpretado pela soprano Roberta Invernizzi que, na minha opinião, é (não se ligue ao ligeiro fascismo intelectual) indisputavelmente a melhor Vagaus já gravada até hoje. Invernizzi demonstra-nos uma incrível facilidade em lidar com as árias mais virtuosas de todo o oratório (“Quamvis ferro” e “Armatae face”) de uma forma maravilhosamente ágil e poderosa, sendo que a soprano nos mostra um registo agudo belíssimo e um registo grave incrivelmente poderoso e quase mezzo. A par com Mingardo, Invernizzi é, indubitavelmente, a estrela da gravação.

Como personagens “menores” temos Abra (serva de Juditha) e Ozias (governador de Bethulia), interpretadas por Manuela Custer e Tiziana Pizzi, respectivamente. Na verdade, a acompanhar o facto de as suas personagens serem de alguma forma “inferiores”, está também a realidade (pouco agradável) de que são as cantoras menos talentosas do grupo. Manuela Custer apresenta alguma dificuldade em conseguir escolher entre o seu registo de cabeça e o de peito. Deambula pelos dois como se nada fosse a sua coloratura deixa realmente algo a desejar. Gostaria, no entanto, de salientar a minha parcialidade neste facto. Manuela Custer assassinou uma das minhas árias preferidas da “Orlando Furioso” de Vivaldi numa interpretação que fez dela e isso deixou-me bastante irritado com ela. Pizzi, nas suas árias em que executar trilos seria de uma extrema importância, especialmente na sua última ária, parece fisicamente incapaz de os fazer e isso arruína a experiência.

Por fim, o coro da rádio suíça, o Coro della RSTI, faz um bom trabalho, mas não óptimo. Soa algo distante na abertura do oratório e revela alguma dificuldade nas passagens mais virtuosas.

Portanto e para finalizar (finalmente, desculpem a nova redundância), é uma gravação que vale pelo acompanhamento orquestrar e pelas solistas de maior protagonismo. Além disso, não existe nenhuma falha realmente grave e é altamente recomendável.

Deixo-vos com um travozinho de Mingardo:

música canadiana (Tegan and Sara)

2010-08-07T19:32:00.008+01:00

Tegan e Sara Quin marcaram a minha iniciação à música canadiana. As letras estão carregadas de angústia e vulnerabilidade, as vozes cheias de tensão e o instrumental varia entre um mainstream facilmente digerível e sonoridades mais indie que sugerem sentimentos tão variados como mágoa, neurose ou abandono.

If It Was You, o primeiro álbum a chamar a minha atenção (terceiro álbum da banda), tem ainda uma sonoridade muito convencional, muito o que se espera de “raparigas com guitarras” (e antes que me caiam em cima com acusações de sexismo, o termo não quer ser pejorativo, refere-se apenas à combinação de vozes femininas e rock).

O álbum seguinte, So Jealous, marca para mim o ponto de definição do som da banda. O instrumental torna-se menos mainstream e perde protagonismo para as vozes das duas irmãs. Várias músicas do álbum foram incluídas na banda sonora de séries como Anatomia de Grey, A Letra L e Veronica Mars, e uma das minhas faixas preferidas, walking with a ghost, foi alvo de uma versão pelos White Stripes.

Com The Con, Tegan e Sara assumem um som cada vez mais maduro e a sua maneira de cantar aproxima-se ainda mais da recitação da letra como poesia. As letras tornam-se menos melódicas e mais repetitivas, intencionalmente na minha opinião, acompanhando um instrumental igualmente repetitivo e expressivo.

Sainthood acentua a tendência já definida no álbum anterior, dando força à hipótese de este ser de facto o som da maturidade musical das irmãs canadianas. Para quem gostou do The Con, adivinha-se uma promessa de continuidade para o futuro. Sainthood introduz também (pelo menos para mim) alguma experimentação com a música electrónica. Apesar de preferir os originais aos remixes, como fã da banda não posso deixar de ver com bons olhos a possibilidade de expandirem o seu sucesso a novos públicos.

Como devem ter reparado, não sou de forma alguma um entendido em música e que tudo o que disse aqui reflecte apenas a minha reacção pessoal à música de Tegan e Sara. (Se calhar devia ter dito isto logo no início, mas então ninguém leria o post até ao fim.) Mas em última análise as minhas palavras valem menos (muito menos) do que a música delas. Para ler e ouvir mais, visitem a página Tegan and Sara.

O Poeta Persa

2010-08-04T20:43:00.005+01:00

Há livros que nos vêm parar as mãos por acaso, quando andamos à procura de outra coisa, que nos prendem a atenção porque nos agradou o formato ou reconhecemos um nome, que compramos quase distraidamente, só para dar uma vista de olhos mais demorada, e depois de os lermos, ficamos tão satisfeitos, no sentido explícito de saciedade, que nos sentimos afortunados por termos sido achados.

Antes de mais, gostei do apelo democrático da colecção, Everyman’s Poetry, que invoca a imagem romântica das massas educadas que encontram na cultura o alívio do esforço físico do trabalho mecânico. E atraiu-me o nome de Omar Khayyam, que conhecia apenas da Samarcanda de Amin Maalouf e de quem sabia ser um poeta persa e pouco mais, ele que foi um poeta e muito mais. Lembrava-me da melancolia que lhe atribuía Maalouf, do poeta que cantava a efemeridade do prazer e do sofrimento, e por curiosidade quis ver se as palavras de Khayyam faziam justiça às de Maalouf.

And as the Cock crew, those who stood before
The Tavern shouted – ‘Open then the Door!
‘You know how little while we have to stay,
‘And, once departed, may return no more.’

Quanto a Edward FitzGerald, nem sequer tinha ouvido falar dele antes de ler o livro, e foi ele quem mais me fascinou depois de o ler. Sem qualquer demérito para Khayyam, pois é genuinamente dele a voz que nos incita a cheirar a rosa enquanto o seu perfume persiste, como Horácio e Virgílio já o tinham feito antes dele e muitos outros poetas mortos o fariam depois. Mas a poesia que se lê na versão inglesa, essa é de Fitzgerald.

Think, in this battered Caravanserai
Whose Doorways are alternate Night and Day,
How Sultan after Sultan with his Pomp
Abode his Hour or two, and went his way.

O poeta e tradutor americano James S. Holmes defendia que a tradução de um poema não é o poema original numa nova língua, mas sim uma explicação do poema original que por acaso é também ela um poema. Original e tradução, ambos são poemas, mas não são o mesmo poema. A tradução de FitzGerald da poesia de Khayyam é um exemplo perfeito desta tese.

You know, my Friends, with what a brave Carouse
I made a Second Marriage in my house;
Divorced old barren Reason from my Bed,
And took the Daughter of the Vine to Spouse.

Nem todos apreciam esta abordagem à tradução de poesia. Mas não tem que haver uma única abordagem à tradução de um texto. Outras traduções de Khayyam permitem conhecer melhor o poeta persa. Traduções mais preocupadas com Khayyam, o filósofo, optam mesmo pela prosa, para poderem concentrar-se no conteúdo do texto original sem se preocuparem com a estética do texto final. Mas apesar de todas as suas distorções, a tradução de FitzGerald é a língua inglesa no seu mais poético, e no seu tempo contribuiu para fazer de Khayyam o poeta oriental mais conhecido no Ocidente.

O livro não é fácil de encontrar em Portugal (desconfio que o exemplar que encontrei na Fnac veio cá parar por acidente), mas pode ser comprado na Amazon, e quem quiser apenas ler os poemas pode encontrá-los nesta página dedicada a Khayyam.

Kuroshitsuji 2ª temporada

2010-07-31T22:42:00.002+01:00

Após vários meses de espera dos milhares de fãs de Kuroshitsuji e das tremendas invasões em fóruns sobre o início da 2ª temporada eis que chega uma boa notícia.

Actualmente no Japão já se encontra a decorrer a 2ª temporada e já foram transmitidos 5 episódios que respondem à pergunta mais frequente dos fãs no fim da primeira temporada. Será que Ciel Phantomhive morreu?

Como é óbvio não vou responder a essa pergunta, vão ter de esperar para ver, mas actualmente já existem alguns sites que disponibilizam os 5 primeiros episódios com legendas em inglês para satisfazer o bichinho da curiosidade de cada um.

Para os que não conhecem, Kuroshitsuji escrito por Yana Toboso trata-se da história de um rapaz de 12 anos Ciel Phantomhive, cabeça de uma família nobre inglesa e de um império de brinquedos e doces. Para além do seu grande império Ciel Phantomhive intervém directamente com a rainha inglesa, sendo considerado “o seu cão mais fiel”. Ao longo da história vamos vendo várias passagens em que algumas personagens assim o afirmam, nunca deixando de haver uma secundária inveja.

Muitos interrogam-se ao ler este artigo o porquê de ele ser a cabeça de uma família inglesa devido à sua idade. A resposta é simples: Ciel Phantomhive herdou os negócios da sua família após um incêndio na sua antiga mansão e, após esse incêndio, fez um pacto com um demónio ao qual lhe atribui o nome de Sebastian. Sebastian irá acompanhar Ciel ao longo de todos os episódios sendo o seu mordomo fiel que obedece às suas ordens imprescindivelmente.

Para além do lado muito sério da história também existe um lado cómico que vai sendo construído por várias personagens. Entre elas Finnian, o jardineiro; Meirin, a empregada doméstica; Bard, o chefe de cozinha e Tanaka, o segundo mordomo muito cómico pelas suas transformações. Para além destes também se destacam Under Taker, Grell Sutcliff, Madame Red e Lau.

Na minha opinião, de início é um pouco complicado entender a história e o seu desenlace mas, com o desenrolar dos episódios, o espectador vai tendo uma maior percepção do que se passa.

Para finalizar deixo-vos aqui a frase que mais me marcou durante a 1ª temporada dita pelo mordomo Sebastian.

“Eu sou um mordomo e tanto.”

Kynodontas (2009)

2010-07-31T22:36:00.012+01:00

Começo já por afirmar que tenho a plena consciência de que não vou conseguir discorrer acerca de todos os aspectos do filme numa só publicação, mas a vontade de escrever e divulgar esta obra que encontrei quase ao acaso é tanta que não me deixa esperar e tomar o devido tempo para que consiga fazê-lo eficazmente.

Kynodontas (Canino em português) estreou esta semana em Portugal apenas no cinema Medeia King em Lisboa. Ao deparar-me com alguns comentários dedicados ao filme, com os variados resumos que são apresentados, com a marca de água de Cannes no cartaz (desculpem o cliché, mas pesquisar os filmes que marcaram presença em Cannes quase sempre assegura uma sessão de cinema feliz), com os diversos trailers e com a surpresa de se tratar de uma produção grega (língua que não compreendo, logo, motivo de suspense presente ao longo de toda a experiência – que eu adoro), percebi que seria um bom filme a ver, ainda que sem expectativas exacerbadas. Foi então que dediquei uns curtos mas tão requintados 92 minutos a ver esta obra.

Kynodontas conta-nos com as imagens o ambiente familiar e social de uma família (a pedra basilar a partir da qual sociedade moderna se construiu, fundamentou e apoiou) grega cujo quotidiano e concepções de regularidade estão completamente deslocados da realidade comum a todas as sociedades do universo na sua forma mais básica.
Um casal e os seus três filhos: seres alienados e privados de um dos principais elementos definidores da personalidade humana – o nome -, sendo assim chamados de ‘pai’, ‘mãe’, ‘filho’, e as filhas, ‘a mais nova’ e ‘a mais velha’, que, à excepção do pai, que assegura a condição financeira crucial à permanência no estado de inércia em que os restantes membros familiares se desenvolvem através de um emprego, não são autorizados, pela criação de mitos relativamente ao mundo no exterior num jogo e manipular de ideias criado e levado a cabo ao longo de toda a educação dos filhos, a ultrapassar as barreiras físicas e psicológicas criadas pela alta vedação que circunda todo o terreno pertencente à propriedade onde vivem.
Assim a família vai vivendo, dia após dia, uma realidade completamente díspar à comum: não têm acesso ao mundo físico exterior, como já referido, e, para além disso, todos os meios de cortar com essa barreira espacial, como televisão, rádio ou mesmo internet, foram afastados daquele lar. Os filhos vivem apenas com os conhecimentos que lhes foram adquiridos pelos pais que, zelando por uma certeza de bondade quase utópica, criam formas de repelir qualquer elemento que ameace essa concepção – quando confrontada com a palavra ‘zombie’ por um dos filhos a mãe responde que zombies são uma espécie de flor -, e tantos outros exemplos destes estratagemas educativos.
O filme estabelece uma ligação muito forte entre os ideais desta (dis)funcional família e a sagrada família do Jardim do Éden que se manteve pura e limpa até ao momento do conhecimento do mundo, e são inúmeras as referências que nos levam a estabelecer esta comparação: o jardim filmado, circundante à casa, surge como uma metáfora para a libertação do espaço ‘casa’ que se define como principal meio físico de clausura, e onde as maravilhas acontecem, as crianças brincam e se exercitam e aprendem a conhecer apenas o apetecível dentro daquele lugar.
Os criadores de todo este ambiente – os pais - parecem perceber quais as melhores formas de levar a cabo toda a seu processo de experimentação educacional com os filhos mas parecem esquecer-se de que o Homem é um ser essencialmente social e, ainda mais do que isso, intelectual, e que de uma forma ou de outra estes dois elementos se relacionariam e posteriormente revelariam as verdadeiras potencialidades humanas – para o bem ou para o mal. A consequência disto revela-se na capacidade que os filhos vão ganhando de perceber as suas curiosidades e compreender as mais-valias – porque sim, na sociedade actual, ao contrário do demonstrado na fase mais precoce e utópica do filme, há pessoas que encontram mais-valias na maldade – da mentira, chantagem e manipulação entre os membros da família.
Contudo, nem só da presença destes cinco elementos vive esta narrativa: procurando enaltecer e preservar as potencialidades sexuais do filho homem, o pai sente-se obrigado a introduzir uma outra personalidade – de forma esporádica - no seio desta comunidade, neste caso uma mulher que se oferecia em troco de dinheiro (mas não podendo, uma vez que tudo naquela família procura zelar pelo conceito de bondade e paz, ser conotada esta acção de forma negativa como acontece com a prostituição básica). Este personagem, de nome Christina, vai revelar-se como a ferrugem que corrompe a poderosa estrutura de ferro que protege aquelas crianças das vicissitudes do mundo exterior.

Do ponto de vista formal, este filme apresenta um tipo de voyeurismo não tão óbvio como o de filmes como A Janela Indiscreta ou mesmo Disturbia, mas de forma algo semelhante ao de Afterschool, não só pela maneira de como são captados os planos de acção como também pela interpretação do movimento de câmara, opções estéticas e até introdução do elemento ‘vídeo’ dentro do próprio filme – o que de si revela o forte elemento voyeur já referenciado: o espectador é mais do que isso e, por estar tão distante daquela realidade vivenciada pelos personagens filmados, sente a lacuna e a barreira inteligível que não permite o contacto com as experiências que ocorrem em frente aos seus olhos.

Vale muito a pena ver por tudo: pelo cinema formal de excelente qualidade e de uma beleza e percepção estética atordoantes, pela narrativa de uma complexidade filosófica fantástica que levanta muitas questões, dá respostas a algumas e ainda tem a ousadia de tentar quebrar com alguns ideais sociais, pelos actores, irrepreensíveis e incontornáveis, que incorporam o personagem de uma forma estonteante e especial, como os de Idioterne ou mesmo Antichrist (e agora a ligação às exigências de Lars Von Trier aos seus actores), onde se vislumbram cenas de sexo explícito, mutilação e agressão aparentemente não simuladas (o que também acontece em Canino), e pela ode ao mundo do Homem, à sua condição na sociedade e à relevância desta na preservação racional da espécie.

Em jeito de conclusão é muito bom perceber também que o cinema, a arte e a cultura são superiores a quaisquer tipos de condicionalismos económicos, e que obras destas continuam a ser produzidas mesmo em períodos de condições adversas: da Grécia, um dos países mais fragilizados com a actual crise económica global, surge esta obra-prima do cinema contemporâneo.

Parabéns Kynodontas!

O Jogo do Espaço

2010-07-31T22:23:00.014+01:00

Dou início às minhas publicações rementendo o/a caro/a leitor/a para um jogo a meu ver fantástico, é de estratégia, em flash e no espaço!

The Space Game é um RTS (real-time strategy game) assente numa plataforma flash e uma interface 2D, com uma jogabilidade simples e nem por isso menos divertida.
A acção passa-se no espaço, começamos com uma estação espacial que devemos ampliar com o auxilío de colectores de energia solar e estações de mineração de modo a podermos adquirir armamento capaz de fazer frente ao inimigo.
Cada estrutura pode ser melhorada tornando-se mais eficaz na sua função e mais sedenta de recursos, desta forma ficamos mais bem apetrechados/as no combate às diversas naves hóstis.

A sua simplicidade na jogabilidade, a acção rápida que se faz sentir nos níveis e o facto de representar um jogo de estratégia de acesso fácil via-web fazem do The Space Game o candidato ideal para alguns momentos de ócio.

Mousse de Meloa

2010-07-31T20:17:00.004+01:00

Mousse de Meloa

Ingredientes:

3 Meloas maduras e doces
2 Iogurtes naturais
Leite condensado q.b.
2 Colheres de sopa de gelatina neutra
150ml de água
3 Claras

Confecção:

-Cortam-se as meloas no sentido horizontal.
-Limpam-se de sementes e filamentos.
- Retira-se a polpa tendo o cuidado de não se romper as cascas e reduz-se a polpa a sumo ou puré.
- Coloca-se a água ao lume com a gelatina e deixa-se ferver, mexe-se e retira-se do lume.
- Verte-se a gelatina no recipiente onde se vai fazer o preparado e arrefece-se com um pouco de leite condensado.
- Mexem-se os iogurtes, sem bater, até se obter uma mistura homogénea e juntam-se ao preparado anterior.
- Junta-se o sumo ou puré de meloa e leite condensado suficiente para adoçar a gosto.
- Batem-se as claras em castelo e envolve-se cuidadosamente sem deixar grumos.
- Recheiam-se as cascas de meloa com este preparado e leva-se ao frigorífico até solidificar.

Bom apetite!!!!!!

Mitridate meets the 80's

2010-07-31T18:30:00.007+01:00

Na sua adolescência, Wolfgang Amadeus Mozart encontrava-se constantemente em tournée pela Europa fora, mostrando os seus dotes de virtuoso do violino e do cravo (ou pianoforte, quando já o havia) e de compositor prodígio. Apesar da sua tenra idade, aos 14 anos, Mozart termina a sua primeira ópera seria – Mitridate, re di Ponto, feita para a corte de Milão e estreada em 1770, tendo sido extremamente bem recebida. Cerca de 200 anos depois, em 1986, Jean-Pierre Ponnelle junta-se a Nikolaus Harnoncourt e à sua orquestra, Concentus Musicus Wien, para gravar um filme baseado nesta obra-prima precoce de Mozart.

Começando pelo início: a história. O libretto de Vittorio Amadeo Cigna-Santi aborda a história do rei de Pontus, Mitridate, durante a época entre os seus conflictos com o Império Romano, em 63 a.C. Após uma pesada derrota numa batalha contra Roma, Mitridate é tido como morto e os seus filhos, Sifare e Farnace, vêem o caminho livre para poderem declarar o seu amor por Aspasia, a esposa do rei supostamente falecido. Portanto, uma típica história de amores e traições de uma ópera do século XVIII. Não querendo portanto revelar nada mais do enredo, passarei a analisar o conteúdo técnico desta gravação.

A Concentus Musicus, sob a batuta do conde Harnoncourt, apresenta-se enérgica e com uma boa noção de dinâmica, apesar de algumas vezes apostar em tempos ligeiramente lentos demais para o meu gosto pessoal (especialmente nas árias de Farnace). No entanto, não é nada de muito grave ou perturbante, sendo que a orquestra fornece na grande maioria das vezes um bom acompanhamento aos cantores. Um pequeno defeito a apontar é o som do cravo nos recitativos, que é ligeiramente estridente demais, quase como se fosse electrónico (apesar de sabermos que não o é).

Em relação aos solistas: Gösta Winbergh desempenha o papel de Mitridate e fá-lo com incrível mestria. Uma voz potente e realmente digna de um rei poderoso e pujante que se nos apresenta implacável e, por vezes, tirano. Como Sifare, filho mais velho de Mitridate e alvo do amor de Aspasia, Ann Murray consegue lidar com a coloratura e apresentar uma belíssima voz. E é exactamente esse o problema. O seu timbre demasiado feminino e soprano não consegue passar a ideia de que a personagem é realmente masculina. Pelo contrário, Anne Gjevang interpreta um Farnace sombrio e profundamente maléfico, completamente andrógino, que nos faz constantemente lembrar que se trata de um ser maquiavélico que pretende trair o seu pai e a sua pátria. Aspasia, noiva de Mitridate e alvo do amor dos seus dois filhos, é interpretada por Yvonne Kenny, que nos mostra uma verdadeira femme fatale que deixa a seus pés todos os homens do reino, sendo que também consegue representar muito bem a dicotomia entre os seus sentimentos de amor ou de dever patriótico. Por fim, Joan Rodgers mostra-nos uma Ismene jovial e interessante, perdida de amor por Farnace e traída por este homem cruel. Marzio e Arbate (Peter Straka e Massimiliano Roncato, respectivamente) vêem o seu papel reduzido a recitativos, com todas as suas árias cortadas. Além disso, o papel de Arbate como governador de Nimpheia (a cidade onde decorre a acção) é substituído. Ponnelle considerou que Arbate deveria ser um terceiro filho de Mitridate, uma criança, mostrando total e completo desrespeito pelo libretto de Cigna-Santi. É, aliás, este o mais marcante problema desta gravação. O desrespeito quer pelo libretto que pela partitura original de Mozart: diversas árias são cortadas, sendo para mim a mais marcante a “Venga pur” de Farnace, que é a verdadeira ária virtuosa da personagem.

Portanto, e apesar da enorme qualidade geral da orquestra e dos cantores, não recomendarei este filme pelo crasso erro cometido por Ponnelle e Harnoncourt: um enorme número de cortes, tanto em árias como em recitativos, que deixa a Mitridate de Mozart a saber a pouco.

Em relação ao cenário e ao guarda-roupa, tenho a dizer que tudo nos envolve num sentimento muito 80’s, com grandes e variados close-ups e com roupa extravagante, numa mistura de corte setecentista com metaleiro gótico. No entanto, divertido e agradável.

a necessidade de viver

2010-07-31T00:06:00.006+01:00

A cidade mantém-se imponente, as estradas, as ruas, os carros como a corrente sanguínea de um ser vivo, quase que consigo sentir-lhe a pulsação. Alguma vez pensaste nisso?, como se os semáforos fossem o controlo da pulsação, o batimento cardíaco que impulsiona o sangue: está vermelho tudo pára, aqueles segundos entre pulsares, aquele instante em que todo o nosso corpo pára e respira, descansa, para depois bombear, de novo num caos, o sangue de volta aos órgãos.

No ar, uma gaivota contorna um edifício; à medida que as suas asas agitam a cidade é-lhe apresentada na sua totalidade. O seu ondular é harmónico e quente enquanto atravessa o vento a muitos metros do sistema circulatório que é a urbanização e a humanidade. Ao longe nuvens negras vão se juntando. A gaivota fica alarmada e faz um voo picado até à varanda do edifício mais próximo e, de lá, olha para as recentes nuvens que se aproximam. Não é comum as gaivotas terem medo de nuvens, até é bastante improvável, nuvens negras à beira-mar são bastante comuns, mas estas eram diferentes. Sentia-lhe um cheiro seco e não conseguia compreender o que era. Pousada no corrimão da varanda continua com o olhar fixo no aglomerado negro que, entretanto, se tornou o céu que a rodeia. O mar também está calmo, não é normal, não se sente a menor brisa, a temperatura continua alta e a humidade escassa. O sangue urbano foi limpo das estradas e os postes de iluminação foram desligados, o cheiro seco volta e a gaivota volta a ficar alarmada. Ao longe, uma aglomeração de outras gaivotas juntava-se, às voltas, no topo de uma igreja, também sobressaltadas com algo que não conseguem descobrir o quê. De repente, ouve-se um trovão, apenas se ouve, das nuvens não se viu um sequer raio de luz; minutos depois outro trovão e meia-hora depois outro. Neste momento, as gaivotas voam sem destino, juntando-se a elas, numa comunicação aérea, outros bandos de aves diferentes, rouxinóis e melros - que, entretanto, despertaram com a fúria do céu -, corujas e corvos - que se afastaram da penumbra da floresta e decidiram entrar na discussão - , tordos e chapins-azuis - que abandonaram, por um momento, os ninhos construídos nas árvores mais baixas. O chilrear de tamanho arraial de aves conseguia ouvir-se a dezenas de quilómetros de distância, no entanto, nem o padre residente na igreja, que é a fonte de todo o caos sonoro, acordou. Como se, naquela noite, tivessem perdido a capacidade auditiva nenhuma pessoa acordou, mantiveram-se nas suas camas quentes, a sonhar.

Do céu, então, caiu um gato e depois outro, e outro e mais outro; caíram gatos das nuvens durante duas horas. Os gatos, de todos os tamanhos e raças, formados no negro e seco do céu, iam caindo como se de uma chuva normal se tratasse. Não tinham asas, mas é como se tivessem, umas asas invisíveis, ou simplesmente hipotéticas, que permitiam que caíssem, suavemente, no chão, nos telhados ou nas árvores. Uma vez assente em solo firme cada gato seguia o rumo normal de um gato normal, como se nada de anormal se tivesse passado, e que, no entanto, realmente se passou.

Nem as aves notaram; passadas as duas horas e ultrapassada a chuva felina, as nuvens afastaram-se e o odor seco abandonou foi substituído por um odor a sal do mar, os pássaros afastaram-se - alguns corvos levando na boca uma presa fácil da comunhão - e o céu retornou ao seu estado quotidiano. Durante essas duas horas, o planeta não deixou de girar sobre si próprio nem sobre o Sol. Quando toda a fauna acordou, no dia seguinte, foi como se nada se tivesse passado, nada tinha mudado, excepto, claro, o equivalente em número a duas horas de uma chuva de felinos.

Les Chansons d'Amour

2010-07-30T22:48:00.007+01:00

É numa Paris cinzenta e escura mas, como sempre, romântica e terna, que Les Chansons d’Amour acontece.

Esta edificação do espaço conclui na sua totalidade a forma como as histórias da narrativa (que aparecem, tomam lugar e depois dão esse mesmo lugar às outras) se desenrolam, deixando bem clara a ligação entre a personalidade dos personagens criados por Honoré e o ambiente por onde estas se movem e cruzam.

Por outras palavras, e revelando desde já que o filme se divide em três partes narrativas - Le Départ, L'absense e Le Retour -, o espaço físico filmado vai marcando os pontos de contacto entre as várias relações amorosas que se vão desenvolvendo: o lugar da morte de Julie (personagem de uma sempre deliciosa Ludivine Sagnier, desde Swimming Pool) que acarreta, como manda dizer o livro das regras da normalidade, sentimentos obscuros e de profunda mágoa, surge mais tarde no momento em que Ismäel (Louis Garrel – actor fetiche de Honoré) se prepara para se deixar levar, já viúvo, pelos encantos do pequeno “bretão” Erwann (Grégoire Leprince-Ringuet).
Esta relação melancolia/nostalgia – amor/felicidade eleva o filme a um estatuto venusiano, constituindo, dessa forma, um dos bonitos hinos ao sentimento de Afrodite no cinema contemporâneo francês.

Lanço-me, agora, à relação do título com a obra.
Honoré, considerado pela crítica como o discípulo do cinema da nouvelle vague francesa, arma-se aqui em “cantautor” escrevendo com minúcia e uma aptidão surpreendentemente feliz para o efeito as canções que dão nome ao filme e, posteriormente, cantando-as. Canta-as não no sentido literal da palavra mas sim através da percepção clara dos momentos em que estas deviam ser integradas (e foram, aliás), porque para um musical funcionar no cinema tão bem como, por exemplo, Cabaret ou Funny Girl funcionaram, é necessário um sentido de oportunidade que perceba quais as situações filmadas que podem ser sujeitas à introdução de música cantada – e, neste caso, muito bem – pelos actores; neste aspecto Honoré, como argumentista e realizador do filme, mostrou-se exímio. De facto, as canções cantadas em jeito (e porque as letras também são propícias a isso) de conversa só adquirem às cenas entre os amantes um sentido ainda mais doce

e puro no que consta à veracidade dos sentimentos nutridos entre si.

Debruçando-me nos aspectos “políticos” do filme é de notar a maneira como as pessoas de Les Chansons d’Amour interpretam o amor, a sexualidade, a noção de família e a morte: o amor como expoente máximo do que deve ser a concepção da vida, a sexualidade como meio para cultivar esse amor, a família como centro de abrigo profundo onde todos os momentos são de ligeiro conforto e simplicidade, e a morte como a quebra física entre as pessoas mas ao mesmo tempo elemento que enaltece a presença das mesmas.
Para além disto são retratadas, no filme, tipos de relações amorosas que ainda não adquiriram, de todo, estatuto no que é a normalidade das sociedades contemporâneas, e falo da poligamia da relação entre Ismaël, Alice (Clotilde Hesme) e Julie, e da homossexualidade/bissexualidade da relação ora entre Ismaël e Erwann, ora entre Julie e Alice.

De resto é de dizer que vale muito a pena assistir a Les Chansons d’Amour sempre que haja necessidade de se apaixonar quer pelo cinema, quer por uma cidade, quer por um cineasta, quer pelos actores e actrizes que constituem este delicioso filme.

Poderia irritar, mas…#1

2010-07-30T10:00:00.014+01:00

As pessoas que escrevem nos blogs poderiam-me irritar profundamente, pois todos os dias, ou pelo menos uma vez por semana escrevem, numa página da Internet que nem site é considerado, um pequeno ou até longo texto.

Sim, poderiam-me irritar, mas… não irritam apenas por uma simples razão: Eu sou umas das pessoas que escreve num blog e até gosto. Ah! E é apenas uma única e exclusiva razão porque não sei o que dizer mais para além disto.

A cai-pó-chão e as 3 mosqueteiras

2010-07-29T09:20:00.005+01:00

Bons dias minhas garrafinhas de absinto, que só de olhar para vocês, nota-se que um dia me vão queimar a vida, ou pelo menos a garganta! Como estão vocês? Prontas para serem servidas em copinhos pequenos a jovens bêbados? Não?! Então Comecem a mentalizar-se, pois é esse o vosso último dia.

Enfim, que tristeza! Enfim, como já viram eu hoje estou meio indignado com algo… e esse algo é a estupidez triste dos jovens deste país. Esperem lá, eu disse jovens? Não! Não era jovens que queria dizer, mas sim pré-adolescentes! É triste esta nova geração de pré-adolescentes! Em vez de vos dizer o que acho mal nos pré-adolescentes de hoje em dia, eu dou-vos um exemplo… aliás digo-vos é o que presenciei à uns dias, que na altura até me dei vontade de rir, mas hoje acho desprezável! 4 pré-adolescentes = estupidez natural Eram 1 e meia da manhã quando vejo um grupo de 4 raparigas alarmadas, aos berros, como se alguém tivesse a morrer… Reparei que uma delas estava a ser levada por outras 2, e a terceira só sabia era chorar e dizer que estava com medo… é triste, mas calma ainda nem contei nada! Fui lá ver se precisavam de ajuda, e reparem nisto, a tristeza destas 4 raparigas com idades compreendidas entre 12 e 15 anos: uma estava a cair para o lado, a deixar-se cair no chão e mal abria os olhos, enquanto outra não se calava a dizer que iam ficar de castigo (Jesus, gente mesmo triste), uma outra estava a chorar sem parar com medo que a primeira morre-se (geeeeeeeeeez), e a última, mas não menos triste, estava a gritar, furiosa, com a que estava no chão e com a que estava a chorar a dizer que iam ficar de castigo para a vida!

Agora digam-me lá se isto não é triste? Deram liberdade a um grupo de, desculpem o termo, pitas, que pensam que para se divertir é preciso beber… é assim, bem visto, elas não se divertiram, mas que eu e mais 3 amigos meus nos divertimos, lá isso divertimos! Que comédia mais desprezável! Assistimos as raparigas, a ver se elas estavam bem claro, mas ao mesmo tempo tivemos que nos rir. Chegou a uma altura que eu disse “deixem-na descansar, que ela não morre”… e o Netto diz “oh, se morrer… morreu né”. Pronto, eu sei que é estúpido, mas tem a sua piada, pois pitas com a mania que bebem… assustadas como tudo… se as vissem, vocês riam-se como tudo! Mas enfim, nós tínhamos que nos rir, pois elas mesmo assustadas, não queriam chamar ninguém responsável por elas… se não fosse considerado violência, tinha-lhes dado uma chapada em cada uma! Era remédio santo! Final da história: Não vos vou contar como é que isto acabou, pois sinceramente não tem interesse nenhum, mas vou-vos dizer apenas uma coisa: é desprezável esta nova geração de pré-adolescentes… bebem como se bebessem há anos, sem nunca terem tocado sequer em champomin! É triste ver um grupo de miúdas assim… e é estúpido! Miúdas bêbadas em plena cidade, isto sim é que são presas fáceis para violadores, abusadores e até pedófilos… Depois dizem que azares acontecem. Sim, acontecem se tudo levar para esse lado! Acontecem se forem parvas e se quiserem que tal aconteça! De gente mal intencionada está este mundo cheio! Enfim… miúdos comportem-se, sim?!

Sabem o me que irrita?#1

2010-07-28T19:00:00.005+01:00

Olá pessoas irritantes, como estão? Bem, vocês por acaso sabem o que me irrita? Han? Sabem? Não, não são vocês! Sim vocês irritam, mas não é assim tanto para escrever sobre vocês não acham? Que vocês irritam já vocês sabem! Por isso não vos estou a dar nenhuma novidade!

Mas sabem o que me irrita? Sabem? Hum? Sabem? Pois, têm razão, a mim tudo me irrita… mas neste caso estou a falar do controlo de som dos canais televisivos! Sim! Eu sei que para vocês pode ser indiferente, mas para mim é-me importante, ainda por cima tendo duas pessoas em casa a falarem mais alto que a televisão!

É assim, o controlo do som dos programas televisivos é a coisa mais irritante da televisão, porque quando está a dar algum programa o som é mais baixo... mas (tinha que haver um “mas”) quando são intervalos o som aumenta, mas aumenta mesmo bastante! Não me venham com conversas de “ah e tal, é para ouvires melhor os anúncios, se fores à casa de banho ou comer algo à cozinha, consegues ouvir à mesma os anúncios!”.

Desculpem-me, mas para que é que eu quero ouvir um anúncio de fraldas ou um anúncio sobre um medicamento para a diarreia ou prisão de ventre enquanto estou na cozinha a comer algo? Para perder a fome?

E para que é que eu quero saber que o champô Pantene é um dos melhores anti-caspa do mercado se eu estou é com fome! Se vou à cozinha é para comer, não para ir lavar a cabeça porque tenho caspa (coisa que por acaso nem sequer tenho!).

Bem, podia dar vários exemplos, mas isso assim cansava-me… e claro que me iria irritar… por isso, até ao próximo “Sabem o que me irrita?”.

Zapping não é a salvação, é só a esperança!

2010-07-28T15:56:00.002+01:00

Bom dia meus mosquitos zarolhos que ficam sempre espalmados no vidro do carro (pára-brisas)... como estão vocês hoje? Mal? Pois, eu percebo, devem ter ligado o limpa pára-brisas hoje à tarde, o que fez com que ficassem todos húmidos e empapados! Coitadinhos de vocês… pronto, eu tenho muita pena mesmo, mas não assim tanta que até me faz parar de escrever o post só para vos reconfortar com palavras de apoio, como é o caso de: “estiquem-se agora no pára-brisas e sequem” ou até mesmo “bem que podiam apanhar sol num outro vidro, como o vidro de uma janela de uma casa”, ou ainda “pronto, vocês têm desculpa, pois são mosquitos zarolhos”…

Naaaaahhh isso é muito trabalhoso para mim, e eu cá prefiro escrever o meu postzito bem “escrevido” (escrito) e sobre um tema que não interessa a ninguém!

De volta à televisão:

Pois bem, tal e qual como quando não tenho nada para fazer me meto a ver televisão, também aqui quando não tenho nada para escrever, escrevo sobre, adivinhem vocês, TELEVISÃO! Exacto! É um tema que nunca fica em desuso pois dá sempre coisa nova na TV. Calma, coisa nova? Coisa nova como quem diz! Pois se desse sempre coisa nova eu não estaria constantemente a fazer zapping para ali, zapping para aqui! Enfim, não é um tema novo, nem é um tema lá muito interessante, mas só pelo facto de não dar nada de novo na TV e de eu estar sempre a fazer zapping, já merece ser falado aqui!

Ai zapping que sejas louvado:

Meu querido e adorado zapping, devias ser louvado… Quem inventou o zapping, das duas uma, ou é um génio, ou então uma daquelas pessoas que não tem mais nada para fazer a não ser andar a mudar canais o tempo todo (like me). Mas pronto, tenho que admitir que fazer zapping é engraçado e até muito relaxante. Agora se está sempre a dar as mesmas coisas nos canais de televisão, isso já não é culpa do zapping mas sim dos próprios programas que não têm originalidade nenhuma!

É sempre a mesma bosta:

Bem, agora vou dizer alguns canais em que, quando chego a casa, está sempre a dar as mesmas coisas:

SIC Radical – DragonBall: nunca mais se fartam de passar isto! Já lá vão mais de 10 anos de DragonBall, e a pior parte é que a maior parte dos episódios é eles a falarem um com o outro (inimigo e herói), enquanto devia lutar e matarem-se um ao outro! Enfim, não consigo perceber aquela série!

Fox – está sempre a dar o “Doctor House”. A verdade é que a série ate é gira, mas é sempre a mesma coisa: Tentam adivinhar o que é que o doente tem, nunca é à primeira, nem à segunda nem à 3ª, é sempre à 4ª, se não estou em erro!

TV nacional: esses nem preciso de comentar, pois ou dão coisas como “tardes da Júlia” ou então “o programa da Fátima” que são imitações portuguesas da Oprah! Ou então dão programas de jogos, como o “Quem quer ganha”, ou então “Fala, escreve, acerta e ganha” que é para os mais pequenos.

Enfim, nem me apetece estar a dizer mais canais. Vou mas é só dizer mais uma coisa.

Nos Fins-de-semana!

Nos fins-de-semana é o mesmo! É exactamente a mesma coisa chata e aborrecida de sempre. Na TV nacional dão sempre maratonas de filmes à tarde, e de manhã, dão coisas assim mais heterogéneas vá.

No domingo na TVI dá sempre missa de manha e BBC vida selvagem na SIC. E à tarde sempre um filme ou de comédia, ou drama, ou acção!

PARA QUÊ?!

Digam-me então, para que é que serve o zapping se eu já sei o que está a dar nos canais! Bem, acho que é um vício, vício do zapping… é estranho, mas é possível! E prova disso… sou eu mesmo!

Enfim, inventem um novo sistema de zapping, em que apareçam coisas diferentes nos canais de TV, tipo psico-zapping! Não, isso é estúpido mesmo. Vou-me mas é calar e acabar o post, com um pequeno mas significativo e aliviador:

FIM

"O Jogo Mais Difícil do Mundo"

2010-07-28T13:23:00.017+01:00

O título do jogo parece-me bastante claro.
Este é, alegadamente, o jogo mais difícil que já alguma vez jogaste ou jogarás.

Mas será um exagero dizer isso?
Talvez. De facto, é o jogo mais difícil que já alguma vez joguei. No entanto não joguei todos os jogos existentes, nem os que estão para vir.

A jogabilidade é bastante simples: controlamos o quadrado vermelho com as setas direccionais do teclado. Em cada nível temos de "apanhar" todos os círculos amarelos e chegar à zona verde, onde acaba o nível, ou, em alguns casos, há um checkpoint. O que realmente torna o jogo difícil é que, enquanto procuramos cumprir o objectivo, temos de evitar os círculos azuis, caso contrário temos de recomeçar o nível.

Não recomendado para quem se enerva ou stressa com facilidade!

http://www.hardestgameever.net/

Weeds - Erva | 6ª temporada

2010-07-27T21:47:00.012+01:00

Depois de quase 1 ano desde o último episódio da 5ª temporada, que terminou com um cliff-hanger interessante (mas não tão bom quanto o da 2ª temporada), Weeds (ou Erva, em Portugal) vai voltar à Showtime nos EUA. Começará dia 16 de Agosto e as segundas trarão um novo episódio de uma das melhores séries de comédia da actualidade, que se aproxima do seu fim. Para quando a temporada em Portugal, ainda não se sabe. No entanto o DVD da quinta estará em breve à venda e a RTP2 poderá então transmitir a sexta.

AVISO: O post que se segue contém spoilers. Se não segue a série ou não viu a quinta temporada, aconselhamos a que não prossiga a leitura deste post.

Depois do impressionante final da 5ª temporada, com Shane a matar Pilar com um taco de croquet. Nota-se aqui uma evolução da personagem: longe vão os tempos da inocência da criança. Agora estamos perante um adolescente que quer assumir o controlo da família, quando parece que tudo se desmorona.

A verdade é que nas duas temporadas passadas, o título da série tem perdido a sua razão de ser. Enquanto que nas primeiras três temporadas, Nancy era uma bela traficante de erva nos subúrbios, que frequentemente se punha em sarilhos (basta lembrarmo-nos da insólita revelação de que o namorado era agente da DEA), na quarta e na quinta, Nancy viu-se obrigada a mover-se para a fronteira entre os EUA e o México e a perder contacto com o tráfico da droga. A série perdeu fôlego, mas dêmos uma nova oportunidade a Weeds. Será que nesta sexta temporada, Nancy volta ao tráfico, detalhe que deu fama e nome à série?

Segundo o trailer abaixo, tudo indica que sim. A ver vamos como será esta nova temporada.

Lara Croft and the Guardian of Light

2010-07-27T20:47:00.006+01:00

Lara Croft and the Guardian of Light é o mais recente jogo da Crystal Dynamics com a série Tomb Raider. É diferente dos restantes jogos da série, a começar pelo título. Onde está o famoso 'Tomb Raider'? Não está, pois este jogo não pertence à série principal, sendo um spin-off, com bastantes diferenças. É um título que estará apenas disponível via download e apesar de ter tudo para parecer um fracasso, está muito longe disso.

Neste novo jogo, Lara Croft junta as suas forças com Totec, o Guardião da Luz, com vista a expulsar um demónio antigo que ameaça engolir todo o mundo em escuridão eterna. Os jogadores terão de viajar pelo jogo na primeira aventura isométrica e cooperativa da franchise, que tem como objectivo trazer acção intensa e puzzles fantásticos.

Neste novo jogo, além de armas nunca antes vistas em Tomb Raider, foi implementada uma nova característica: modo co-op, ou por outras palavras, multiplayer, um jogador será Lara e outro Totec, enquanto juntam as diversas capacidades um do outro para ultrapassarem os níveis. Ainda assim, poder-se-á jogar em singleplayer, sendo que os níveis serão um pouco modificados para que seja possível a sua passagem sem precisar de outro jogador.

Lara Croft and the Guardian of Light será lançado para Xbox360, Playstation3 e PC/Mac, via Xbox LIVE, PSN e Steam, respectivamente. Custará 15$ (aproximadamente 11,50€), ou 1200 pontos na Xbox LIVE. Fará parte da Summer of Arcade da Microsoft, pelo que tem um contrato de exclusividade por 4 semanas. Assim sendo, no próximo dia 18 de Agosto será lançado para a Xbox360 e 4 semanas depois para as outras duas plataformas, sendo que o dia oficial ainda não foi revelado.

Stupid Videos

2010-07-27T20:30:00.000+01:00

O que é o Stupid Videos?
O site stupid videos é um site de vídeos de carácter humorístico que mostra todo o tipo de vídeos, desde desportos a animais, passando por veículos e situações do quotidiano. A qualidade dos vídeos é mediana (depende de quem fez o upload) mas creio que serve muito bem o propósito do site. Recomendo a todos os leitores.

Que servidor e reino escolher no metin2?

2010-07-27T19:48:00.004+01:00

Muitos utilizadores não sabem que servidor e reino escolher no metin2. Por isso aqui vai a minha sugestão.

Servidor Theia. Porquê? É o mais recente, logo os preços são mais baixos e é mais fácil conseguir uma posição de força nas guild wars e nos eventos.

Reino Azul. Porquê? Ganha sempre os eventos e por isso os bónus do servidor. Existe uma maior entreajuda. Creio que actualmente têm os preços mais baixos na maioria dos servidores.

Obrigado por lerem.

Bom programa para fazer um site

2010-07-27T19:33:00.015+01:00

Caros leitores, venho falar-vos do programa que eu utilizo para fazer os meus site, o Dreamweaver CS3.

Primeiro de tudo gostaria de referir que o Dreamweaver já vai no CS5, mas eu prefiro o CS3 por ser mais simples.

O Dreamweaver é um programa bastante bom e completo para fazer entre outras coisas sites. Permite combinar a vista do design e do html com 1 painel split (o ecrã fica dividido em html e design) e quando seleccionamos algo no design aparece o html correspondente o que é bom para pessoas que não estão habituadas ao html.

O Dreamweaver torna a tarefa de criar um site bastante simples através dos templates. Basta fazer o download de um template, mudar as imagens e os títulos, apagar as caixas que não queremos do design ou dividi-las se necessário, dar uns retoques e estamos pronts para ser alojados.

Links:

Download do CS3 portable

Templates Grátis