El Cielo y El Dedo

Adiós Muchachos

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Sat, 22 Jan 2022 00:30:00 +0100

Quinteto Astor Piazzolla · Adiós Muchachos (Remastered)

Adiós muchachos compañeros de mi vida,

me toca a mi, voy a emprender la retirada.

Debo alejarme de mi buena muchachada.

Adiós muchachos ya me voy y me resigno:

contra el destino nadie la talla.

Se terminaron para mi todas las farras

mi cuerpo enfermo no resiste más.

Acuden a mi mente recuerdos de otros tiempos,

de los buenos momentos que antaño disfruté.

Dos lágrimas sinceras derramo en mi partida:

por una barra querida que nunca me olvido

y por los muchachos compañeros de mi vida.

Música: Julio César Sanders

Letra: César Vedani.

El Cielo y el Dedo cierra círculo con Yupanqui y su milonga pampeana, donde comenzó en 2008.

En el entretanto . . . catorce años compartidos compartiendo proyectos inconclusos, cándidos sueños, sesgados púlpitos a lo largo de más de mil entradas; deseos a puñados, montañas de dudas, ridículos escandalosos, esperanzas vanas y tonterías diversas.

Al final, como poso precipitado, más preguntas: ¿en qué momento y por qué este planeta dejó de crear nuevas formas de vida? ¿Por qué el humano llegó a "ser idem" y quién le otorgó el estatus de superior elegido? Y, lo que es peor: dadas las galletas recibidas ¿el rosco de vino sin agujero deja de ser rosqueta y pasa por sopapo?

¡A disfrutar, que son tres días y uno pasa durmiendo!

Atahualpa Yupanqui ¬ El Payador Perseguido. Relato Por Millonga. 1970

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Fri, 21 Jan 2022 12:30:00 +0100

Atahualpa Yupanqui ¬ El Payador Perseguido. Relato Por Millonga. Lp de 1970

2 Temas. Tiempo Total 00:36:26

flac ¬ 531 ¬ 139,36 MB

Una canción sale fácil

Cuando uno quiere cantar

Cuestión de ver y pensar

Sobre las cosas del mundo,

Si el río es ancho y profundo

Cruza el que sabe nadar

Que otros canten alegrías

Si es que alegres han vivido

Que yo también he sabido

Dormirme en esos engaños,

Pero han sido más los años

De porrazos recibidos

Nadie podrá señalarme

Que canto por amargao,

Si he pasao lo que he pasao

Quiero servir de advertencia.

El rodar no será cencia

Pero tampoco es pecao

El Payador Perseguido

Composición de Atahualpa Yupanqui

Listado

01 - El Payador Perseguido Cara A - 17:52 min.

02 - El Payador Perseguido Cara B - 18:34 min.

2 Temas. Tiempo Total 00:36:26

flac ¬ 531 ¬ 139,36 MB

Xpcial.GanyaVinylRipPorNapi#2000

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Payador.01.2018.01.27-Portada Lp

Reseñas

Información personal

Nombre de pila Héctor Roberto Chavero Aramburu

Nacionalidad Argentina.

Nacido el 31 de enero de 1908, en Juan A. de la Peña, Argentina. Fallecido el 23 de mayo de 1992 en Nimes, Francia, a sus 84 años. Ocupación músico, compositor, guitarrista, cantante, cantautor y escritor. Instrumentos, voz y guitarra. Años activo 1935-1992. Género Payada. Distinciones Comendador de las Artes y las Letras

Sitio web www.atahualpayupanqui.org.ar

Atahualpa Yupanqui, seudónimo de Héctor Roberto Chavero (Juan A. de la Peña, 31 de enero de 1908 – Nîmes, 23 de mayo de 1992) fue un cantautor, guitarrista, poeta y escritor argentino. Está considerado como el más importante músico del folklore argentino.

En 1986 Francia lo condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.

Nació el 31 de enero de 1908 en el Campo de la Cruz, de la familia Segoburo, sus tíos abuelos vascos. Era una antigua posta rural, equidistante del pueblo de Colón y de la ciudad de Pergamino, al norte de la provincia de Buenos Aires.

Su padre mestizo de origen quechua, era oriundo de Monte Redondo, en la provincia argentina de Santiago del Estero, y su madre, de apellido Aramburu, era criolla de padres vascos. Su infancia transcurrió en Agustín Roca, partido de Junín, donde su padre trabajaba en el ferrocarril como telegrafista y se dedicaba también a la doma de caballos. Inicialmente estudió violín con el padre Rosáenz, el cura del pueblo. Más tarde aprendió a tocar la guitarra en la ciudad de Junín con el concertista Bautista Almirón, quien sería su único maestro. Inicialmente vivió en Junín en la casa de Almirón; posteriormente regresó al pueblo de Roca y viajaba 16 km a caballo para tomar las lecciones en la ciudad. Con Almirón, Roberto Chavero descubrió la música de Sor, Albéniz, Granados y Tárrega, y también las transcripciones para guitarra de obras de Schubert, Liszt, Beethoven, Bach y Schumann.

Biografía

En 1917 con su familia pasó unas vacaciones en la provincia de Tucumán, y allí conoció un nuevo paisaje y una nueva música, con instrumentos autócnos, como el bombo y arpa india, y sus propios ritmos, la zamba, entre ellos. La temprana muerte de su padre lo convirtió prematuramente en jefe de familia. Fue improvisado maestro de escuela, luego tipógrafo, cronista y músico. Jugó tenis, boxeó y se hizo periodista. A los 19 años de edad, compuso su canción «Camino del indio». Conoció Jujuy, los valles calchaquíes y el sur de Bolivia.

En 1931 se casó con su prima, María Alicia Martínez, quien tenía un hijo nacido en 1923 de una pareja anterior. No le había ido bien en la ciudad de Buenos Aires, así que se fueron a la provincia de Entre Ríos, donde nació su primera hija, Alma Alicia Chavero, y se afincaron un tiempo en Tala.

En enero de 1932 participó en la fallida intentona revolucionaria de los hermanos Kennedy, en La Paz, Entre Ríos, en la cual estuvieron envueltos también el coronel Gregorio Pomar y el escritor Arturo Jauretche, quien inmortalizó la patriada en su poema gauchesco El Paso de los Libres.

Después de esta derrota debió exiliarse. Tuvo que refugiarse un tiempo en Montevideo, Uruguay, y después en otras localidades del interior oriental y el sur de Brasil. Mientras tanto, su esposa había regresado a Junín, provincia de Buenos Aires, donde el 11 de enero de 1933 nació su segundo hijo, Atahualpa Roberto Chavero. Finalmente en 1936, en Rosario, nació Lila Amancay Chavero. Al año siguiente, se separó de su mujer. Ella y los cuatro hijos volvieron a Junín.

En 1934 regresó a la Argentina por Entre Ríos y se radicó en Rosario (provincia de Santa Fe). En 1935 se estableció en Racó, un caserío a unos 40 km al noroeste del pueblo de Tafí Viejo, provincia de Tucumán. Pasó brevemente por la ciudad de Buenos Aires, donde diversos intérpretes comenzaban a popularizar sus canciones, para actuar en radio. Recorrió después Santiago del Estero, para retornar por unos meses a Raco en 1936. Realizó una incursión por Catamarca, Salta y Jujuy. Más tarde visitó nuevamente el altiplano en busca de testimonios de las viejas culturas originarias. Retornó a los valles calchaquíes, recorrió a lomo de mula los senderos jujeños y residió por un tiempo en Cochangasta (una aldea a dos kilómetros del ciudad de La Rioja).

En Tucumán, en 1942, conoció a la pianista y compositora sampedrina francocanadiense Nenette Pepín (1908-1990) con la que convivió los siguientes 48 años.

Como en Argentina no existía el divorcio, tuvieron que casarse vía Montevideo en 1946, por lo que legalmente, Yupanqui era bígamo. Con Nenette tuvo su último hijo, Roberto Chavero, el cual fue el único que Atahualpa Yupanqui mostró como tal, tal vez influido por Nenette, quien llevaba las riendas en la pareja.

Nenette Pepin Fitzpatrick

https://es.wikipedia.org/wiki/Nenette_Pepin_Fitzpatrick

De Mototsa - Trabajo propio, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=94082458

Nombre de nacimiento Antonietta Paule Pepin-Fitzpatrick

Apodos Nenette y Nénette. Seudónimo Pablo del Cerro

Nacimiento 9 de abril de 1908 en San Pedro y Miquelón

Fallecimiento 14 de noviembre de 1990 (82 años) en ciudad de Buenos Aires, Argentina

Causa de muerte Infarto agudo de miocardio

Nacionalidad franco-canadiense

Cónyuge Atahualpa Yupanqui (1942-1990)

Ocupación Música, pianista, compositora, letrista

Instrumento Piano

Género música folclórica argentina

Antonietta Paule Pepin Fitzpatrick (San Pedro y Miquelón, una isla francesa frente a las costas de Canadá, 9 de abril de 1908 - Buenos Aires, 14 de noviembre de 1990), apodada Nenette, fue una compositora de las más grandes creadoras del folclore argentino, pianista y letrista, esposa del cantautor argentino Atahualpa Yupanqui (1908-1992). En sus composiciones, firmó como Pablo del Cerro.

Nenette Pepín fue autora de 65 canciones de Atahualpa, muchas de ellas fueron de lo más popular del repertorio de Yupanqui, como Baguala del pobrecito, Chacarera de las piedras, Coplas del caminador, Cuando duerme la guitarra, De aquellos cerros vengo, De tanto dir y venir, El alazán, El arriero va, El cielo está dentro de mí, El coyita, El niño duerme sonriendo, Flor del cerro, Guitarra dímelo tú, Indiecito dormido, La montaraza, Luna tucumana, Me gusta mirarlo al hombre, Mi pago viejo, Milonga del paisano, Payo Solá, Sin caballo y en Montiel, Vidalita tucumana, Yo quiero un caballo negro, Zamba del ayer feliz, Zamba del otoño o Zambita del buen amor. Dado el machismo de la época, Atahualpa publicó esas canciones como escritas por el inexistente poeta Pablo del Cerro.

Nació en la isla de San Pedro y Miquelón (Saint-Pierre-et-Miquelon), territorio francés de ultramar ubicado en la costa atlántica de Canadá. Por ser una colonia del imperio francés, Nenette tuvo toda la vida la ciudadanía francesa. Su padre, Emmanuel Victor Pepín, era francés, y su madre, Henriette Fitzpatrick, era canadiense de origen irlandés. Desde pequeña, su familia la llamó cariñosamente Nenette (diminutivo de Antonietta).

En su infancia, durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918), se mudó a la Francia metropolitana con sus padres y su hermana mayor Jeanne Henriette. En 1926, Jeanne terminó sus estudios secundarios, y se embarcó junto a una compañía de danza rumbo a Buenos Aires. Allí conoció a quien sería su primer esposo, y se quedó a vivir en Argentina. Cuando dos años después Antonietta terminó la escuela secundaria, Jeanne la invitó a ella y a su padre a emigrar también a la Argentina. Viajaron en 1928 y se instalaron en la localidad de Villa Ballester, cerca de Buenos Aires. Allí prosiguió sus estudios de piano, ya avanzados, en el Conservatorio Nacional de Música. Fueron sus profesores en composición y armonía Juan José Castro y Pascual de Rogatis. Estudió también con la investigadora folclórica Isabel Aretz. Antonietta viajaba frecuentemente a ciudades importantes de Argentina para presentarse como concertista de piano de música clásica. En 1942 llegó a Tucumán, donde después de un concierto fue llevada por los organizadores a escuchar música folklórica del norte argentino.

Así conoció al cantautor argentino Atahualpa Yupanqui (Héctor Roberto Chavero, 1908-1992), hijo de un santiagueño y una vasca. Mantuvieron un vínculo amoroso por correspondencia, y cuatro años después (1946) empezaron a convivir.

Ese mismo año, tuvo su único hijo, Roberto Koya Chavero. Nenette abandonó su carrera de pianista y se puso al servicio de la obra de su marido. En tiempo de las persecuciones a las que fue sometido Yupanqui, se dedicó a componer canciones junto a él y a la atención de su hijo Roberto.

En 1961 ―a los 53 años― regresó a Francia después de unas vacaciones con su hijo Roberto. Luego, cuando Yupanqui empezó a viajar con frecuencia al exterior, lo acompañaba hasta París y allí lo aguardaba en un departamento pequeño que habían alquilado.

Tuvo tres nietos: Paula, Muriel y Emiliano.

Falleció de un paro cardíaco en Buenos Aires el 14 de noviembre de 1990. Solicitó que sus cenizas fueran echadas al mar, en las costas de su tierra natal, San Pedro y Miquelón, en el Atlántico norte.

A pesar de ser una de las compositoras más importantes de Argentina, nunca renunció a su nacionalidad franco-canadiense.

A causa de su afiliación al Partido Comunista, Yupanqui sufrió la censura durante la presidencia de Juan Domingo Perón. Fue detenido y encarcelado varias veces. Al respecto, él mismo dijo: "En tiempos de Perón estuve varios años sin poder trabajar en la Argentina... Me acusaban de todo, hasta del crimen de la semana que viene. Desde esa olvidable época tengo el índice de la mano derecha quebrado. Una vez más pusieron sobre mi mano una máquina de escribir y luego se sentaban arriba, otros saltaban. Buscaban deshacerme la mano pero no se percataron de un detalle: me dañaron la mano derecha y yo, para tocar la guitarra, soy zurdo. Todavía hoy, a varios años de ese hecho, hay tonos como el si menor que me cuesta hacerlos. Los puedo ejecutar porque uso el oficio, la maña; pero realmente me cuestan".

-- Atahualpa Yupanqui

Chavero se fue a Francia en 1949, ya utilizaba el seudónimo Atahualpa Yupanqui. La cantante Edith Piaf lo invitó a actuar en París el 7 de julio de 1950. Inmediatamente firmó contrato con Chant du Monde, la compañía de grabación que publicó su primer LP en Europa, Minero soy, que obtuvo el primer premio de mejor disco de la academia Charles Cros, que incluía 350 participantes de todos los continentes en el Concurso Internacional de Folclor. Posteriormente, viajó extensamente por Europa.

En 1952, Yupanqui regresó a Buenos Aires, donde rompió su relación con el Partido Comunista, lo que hizo más fácil para él concertar actuaciones en radio. Mientras que con su esposa Nenette (Paule Pepín Fitzpatrick) construía su casa de Cerro Colorado (Córdoba), Yupanqui recorría el país. Musicalizó las películas Horizontes de piedra (1956), basada en su libro Cerro Bayo y Zafra (1959), actuando también en las mismas.

Atahualpa Yupanqui en el Festival de Cosquín.

El reconocimiento del trabajo etnográfico de Yupanqui se generalizó durante los años sesenta, y artistas como Mercedes Sosa, Alberto Cortez y Jorge Cafrune grabaron sus composiciones y lo hicieron popular entre los músicos más jóvenes, que se refieren a él como Don Ata.

Yupanqui alternaba entre sus casas en Buenos Aires y Cerro Colorado (provincia de Córdoba). Durante 1963 y 1964, realizó una gira por Colombia, Japón, Marruecos, Egipto, Israel e Italia. En 1967 realizó una gira por España estableciéndose finalmente en París (Francia). Volvió periódicamente a la Argentina, en manos de diversas dictaduras. En 1973, con el regreso de Juan Domingo Perón, apareció en la película Argentinísima II. Pero sus visitas se hicieron menos frecuentes cuando la dictadura cívico-militar (1976-1983) de Jorge Rafael Videla llegó al poder en marzo de 1976.

Con el regreso de la democracia, a mediados de los años ochenta presentó varias obras en el famoso café concert y galería La Capilla, ubicado en Suipacha 842 (Buenos Aires). En 1985 obtuvo el premio Kónex de Brillante como mayor figura de la Historia de la música popular argentina.11. En 1986, el Gobierno de Francia lo condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras. En 1987 volvió a Argentina para recibir el homenaje de la Universidad Nacional de Tucumán. En 1989 debió internarse en Buenos Aires para superar una dolencia cardíaca, pese a lo cual en enero de 1990 participó en el Festival de Cosquín. Sin embargo, a los pocos días Yupanqui viajó a París para cumplir con un contrato artístico.

En 1992, Yupanqui volvió a Francia para actuar en la ciudad de Nîmes, donde se indispuso y falleció el 23 de mayo de 1992. Por su expreso deseo, sus restos fueron repatriados y descansan en Cerro Colorado bajo un roble europeo.

De F. R. Burton - Trabajo propio, CC BY-SA 4.0

https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=59160389

El Payador Perseguido

es un largo poema autorreferencial de Atahualpa Yupanqui, donde narra las vicisitudes de su vida, desde sus orígenes, sus inquietudes y distintas situaciones que lo llevaron a recorrer el país para escapar al hambre, persecuciones y finalmente, para encontrarse a sí mismo.

http://www.alternativateatral.com/obra16283-el-payador-perseguido

En este recorrido habla de la belleza del país, tanto por su cambiante paisaje según las diversas provincias por donde anduvo, como por la entereza de sus gentes.

Así, pasa a describir el arquetipo del criollo, del gaucho, la influencia del coya y mostrarnos la extrema pobreza en la que están sumidos. Y frente a esa pobreza, destaca la responsabilidad del cantor de ser honesto consigo mismo y con su pueblo, como traductor de esa situación , porque no son genuinos los cantares de la tierra si solamente se describe el paisaje sin traducir sus sufrimientos.

Atahualpa Yupanqui y los Chalchaleros en Canal 7.

AGN: Documento fotográfico. Inventario 350592

By Unknown author - General Archive of the Nation, Public Domain

https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=64751396

El poema subraya el valor del silencio como manifestación de la soledad del hombre de campo, que no permite que nadie intente penetrar la sagrada zona de su corazón o descubrir de golpe sus pensamientos íntimos. Se puede dialogar sobra la naturaleza, los potros, y los pastos. Lo demás se calla, se guarda, se soporta en silencio.

Algunos miembros de Ez Dok Amairu, grupo cultural vasco

de los años 1965-1972, con el cantautor argentino Atahualpa Yupanqui.

By http://www.badok.info/

http://www.badok.info/argazkia_ikusi.php?id_fitxategia=2131

CC BY 3.0

https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=10759263

Coplas del Payador Perseguido. Atahualpa Yupanqui

Letra:

Con permiso via'dentrar

Aunque no soy convidao

Pero en mi pago, un asao

No es de naide y es de todos

Yo vi'a cantar a mi modo

Después que haiga churrasquiao

No tengo Dios pa pedir

Cuartiada en esta ocasión

Ni puedo pedir perdón

Si entuavía no hei faltao

Veré cuando haiga acabao

Pero ésa es otra cuestión

Yo sé que muchos dirán

Que peco de atrevimiento

Si largo mi pensamiento

Pa'l rumbo que ya elegí

Pero siempre hei sido ansí

Galopiador contra el viento

Eso lo llevo en la sangre

Dende mi tatarabuelo

Gente de pata en el suelo

Fueron mis antepasaos

Criollos de cuatro provincias

Y con indios misturaos

Mi agüelo fue carretero

Mi tata fue domador

Nunca se buscó un doctor

Pues se curaban con yuyos

O escuchando los murmuyos

De un estilo de misloru

Como buen rancho paisano

Nunca faltó una encordada

De ésas que parecen nada

Pero que son sonadoras

Según el canto y la hora

Quedaba el alma sobada

Mi tata era sabedor

Por lo mucho que ha rodao

Y después que había cantao

Destemplaba cuarta y prima

Y le echaba un poncho encima

Pa que no hable demasiado

La sangre tiene razones

Que hacen engordar las venas

Pena sobre pena y pena

Hacen que uno pegue el grito

La arena es un puñadito

Pero hay montañas de arena

No sé si mi canto es lindo

O si será medio triste

Nunca fui zorzal, ni existe

Plumaje más ordinario

Yo soy pájaro corsario

Que no conoce el alpiste

Vuelo porque no me arrastro

Que el arrastrarse es la ruina

Anido en árbol de espinas

Lo mesmo que en cordillera

Sin escuchar las zonceras

Del que vuela a lo gallina

No me arrimo así nomás

A los jardines floridos

Sin querer vivo advertido

Pa' no pisar el palito

Hay pájaros que solitos

Se entrampan por presumidos

Aunque mucho he padecido

No me engrilla la prudencia

Es una falsa experiencia

Vivir temblándole a todo

Cada cual tiene su modo

La rebelión es mi cencia

Pobre nací y pobre vivo

Por eso soy delicao

Estoy con los de mi lao

Cinchando tuitos parejos

Pa' hacer nuevo lo que es viejo

Y verlo al mundo cambiao

Yo soy de los del montón

No soy flor de invernadero

Soy como el trébol pampero

Crezco si hacer barullo

Me apreto contra los yuyos

Y así lo aguanto al pampero

Acostumbrao a las sierras

Yo nunca me sé marear

Y si me siento alabar

Me voy yendo despasito

Pero aquel que es compadrito

Paga pa' hacerse nombrar

Si alguien me dice señor

Agradezco el homenaje

Más, soy gaucho entre el gauchaje

Y soy nada entre los sabios

Y son pa' mí los agravios

Que le hacen al paisanaje

La vanidá es yuyo malo

Que envenena toda huerta

Es preciso estar alerta

Manejando el azadón

Pero no falta el varón

Que la riegue hasta en su puerta

El trabajo es cosa buena

Es lo mejor de la vida

Pero la vida es perdida

Trabajando en campo ajeno

Unos trabaja de trueno

Y es para otro la llovida

Trabajé en una cantera

De piedritas de afilar

Cuarenta sabían pagar

Por cada piedra pulida

Y era a seis pesos vendidas

En eso del negociar

Apenas el Sol salía

Ya estaba a los martillazos

Y entre dos a los abrazos

Con los tamaños piegrones

Y por esos moldejones

Las manos hechas pedazos

Otra vez fui panadero

Y hachero en un quebrachal

He cargao bloques de sal

Y también he pelao cañas

Y un puñado de otras hazañas

Pa' mi bien o pa' mi mal

Buscando de desasnarme

Fui pinche d escribanía

La letra chiquita hacía

Pa' no malgastar sellao

Y era también apretao

El sueldo que recibía

Cansao de tantas miserias

Me largué pa'l Tucumán

Lapacho, aliso, arrayán

Y hacha con los algarrobos

¡Uno cincuenta! Era robo

Pa' que uno tenga ese afán

Sin estar fijo en un lao

A toda labor le hacía

Y ansí sucedió que un día

Que andaba de benteveo

Me topé con un arreo

Que dende Salta venía

Me picó ganas de andar

Y apalabré al capataz

Y ansí, de golpe nomás

El hombre me preguntó

¿Tiene mula? Cómo no

Le dije, y hambre de más

A la semana de aquello

Repechaba cordilleras

Faldas, cuestas y laderas

Siempre pa'l lao del poniente

Bebiendo agua de vertiente

Y aguantando las soleras

Tal vez otro habrá rodao

Tanto como he rodao yo

Y le juro, creameló

Que he visto tanta pobreza

Que yo pensé con tristeza

Dios por aquí no pasó

Se nos despeñó una vaca

Causa de la cerrazón

Y nos pilló la oración

Cuereando y haciendo asao

Dende ese día, cuñao

Se me gastó mi facón

Me sacudí las escarchas

Cuando bajé de los Andes

Y anduve en estancias grandes

Cuidando unos parejeros

Trompeta, tapa y sombrero

Pero pa' los peones, de hambre

La peonada, al descampao

El patrón, en Güenos Aires

Nosotros, el cuello al aire

Con las caronas mojadas

Y la hacienda de invernada

Más relumbrona que un fraile

El estanciero tenía

También sus cañaverales

Y en los tiempos otoñales

Juntábamos los andrajos

Y nos íbamos p'abajo

Dejando los pedregales

Allí nos amontonaban

En lote con otros criollos

Cada cual buscaba un hoyo

Ande quinchar su guarida

Y pasábamos la vida

Rigoriaos y sin apoyo

Faltar, no faltaba nada

Vino, café y alpargatas

Si habré revoliao las patas

En gatos y chacareras

Recién la cosa era fiera

Al dir a cobrar las latas

¡Que vida más despareja!

Todo es ruindad y patraña

Pelar caña es una hazaña

Del que nació pa'l rigor

Allá había un solo dulzor

Y estaba adentro e' la caña

Era un consuelo pa'l pobre

Andar jediendo a vinacho

Hombres grandes y muchachos

Como malditos en vida

Esclavos de la bebida

Se la pasaban borrachos

¡Tristes domingos del surco

Los que yo he visto y vivido!

Desparramaos y dormidos

En la arena amanecían

Y lo mejor soñarían

Con la muerte o el olvido

Riojanos y santiagueños

Salteños y tucumanos

Con el machete en la mano

Volteaban cañas maduras

Pasando las amarguras

Y aguantando como hermanos

¡Rancho techao con maloja,

Vivienda del pelador!

En medio de ese rigor

No faltaba una vihuela

Con que el pobre se consuela

Cantando coplas del amor

Yo también, que dende chango

Unido al canto crecí

Más de un barato pedí

Y pa' los piones cantaba

¡Lo que a ellos les pasaba

También me pasaba a mí!

Cuando yo aprendí a cantar

Armaba con pocos rollos

Y en la orilla de un arroyo

Bajo las ramas de un sauce

Crecí mirando en el cauce

Mis sueños de pobre criollo

Cuando sentí una alegría

Cuando un dolor me golpió

Cuando una duda mordió

Mi corazón de paisano,

Desde el fondo de los llanos

Vino un canto y me curó

En esos tiempos pasaban

Cosas que no pasan ya

Cada cual tenía un cantar

O copla de anochecida.

Formas curar la herida

Que sangra en el trajinar

Algunos cantaban bien

Otros ¡pobres! más o menos,

Más no eran cantos ajenos

Aunque marca no tenían

Y todos se entretenían

Guitarreando hasta el desvelo

Por áhi se allegaba un máistro

De esos puebleros letraos

Juntaba tropa e versiaos

Que iban después a un libraco

Y el hombre forraba el saco

Con lo que otros han pensao

Los piones formaban versos

Con sus antiguos dolores

Después viene los señores

Con un cuaderno en la mano

Copian el canto paisano

Y presumen de escritores

El criollo cuida su flete

Su guitarra y su mujer

Siente que enfrenta un deber

Cada vez que da la mano

Y aunque pa' todo es baquiano

Solo el canto ha de perder

¡Coplas que lo acompañaron

En los quebradas desiertas

Aromas de flores muertas

Y de patriadas vividas

Fueron la luz encendida

Para sus noches despiertas!

Se aflije si se le pierde

Un bozal, un maneador,

Pero no siente furor

Si al escucharle una trova,

Viene un pueblero y le roba

Su mejor canto de amor

De seguro, si uno piensa,

Le halla el nudo a la madeja

Porque la copla más vieja,

Cómo la ráiz de la vida,

Tiene el alma por guarida

Que es ande anidan las quejas

Por eso el hombre al cantar

Con emoción verdadera

Echa su pena p'ajuera

Pa que la lleven los vientos

Y ansí, siquiera un momento,

Se alivia su embichadera

No es que no ame su trova

Ni que desprecee su canto

Es como cuando un quebranto

En la noche de los llanos,

Hace aflojar al paisano

Y el viento le lleva el llanto

En asuntos del cantar

La vida nos va enseñando

Que solo se va volando

La copla que es livianita

Siempre caza palomitas

Cualquiera que anda cazando

Pero si el canto es protesta

Contra la ley del patrón

Se arrastra de peón a peón

En un profundo murmuyo

Y marcha al ras de los yuyos

Como chasque en un malón

Se pueden perder mil trovas

Ande se canten quereres

Versos de dichas, placeres,

Carreras y diversiones,

Suspiros de corazones

Y líricos padeceres

¡Pero si la copla cuenta

Del paisanaje la historia,

Ande el peón vueltea la noria

De las miserias sufridas,

Ésa, se queda prendida

Como abrojo en la memoria!

Lo que nos hizo dichoso

Tal vez se pueda olvidar,

Los años en su pasar

Mudarán los pensamientos,

Pero angustias y tormentos

Son marcas que han de durar

Estas cosas que yo pienso

No salen por ocurrencia,

Para formar mi esperencia

Masco antes de tragar,

Ha sido largo el rodar

De ande saqué la advertencia

Si uno pulsa la guitarra

Pa cantar cosas de amor,

De potros, de domador,

De la sierra y las estrellas . . .

Dicen ¡Qué cosa más bella!

¡Si canta que es un primor!

Pero si uno, como Fierro,

Por áhi se larga opinando,

El pobre se va acercando

Con las orejas alertas

Y el rico vicha la puerta

Y se aleja reculando

Debe trazar bien su melga

Quien se tenga por cantor

Porque solo el impostor

Se acomoda en toda huella

Que elija una sola estrella

Quien quiera ser sembrador

En el trance de elegir

Que mire el hombre p'adentro,

Ande se hacen los encuentros

De pensares y sentires,

Y después, tire ande tire,

Con la concencia por centro

Hay diferentes montones

Unos grandes y otros chicos

Si va pa'l montón del rico

El pobre que piensa poco

Detrás de los equívocos

Se vienen los perjuricos

Yo vengo de muy abajo

Y muy arriba no estoy

Al pobre mi canto doy

Y así lo paso contento

Porque estoy en mi elemento

Y ahí valgo por lo que soy

Si alguna vuelta he cantao

Ante panzudos patrones,

He picaneao las razones

Profundas del pobrerío.

Yo no traiciono a los míos

Por palmas ni patacones

Aunque canto en todo rumbo,

Tengo un rumbo preferido

Siempre canté estremecido

Las penas del paisanaje,

La explotación y el ultraje

De mis hermanos queridos

P'a que cambiaran las cosas

Busqué rumbo y me perdía

Al tiempo, cuenta me di

Y agarré por buen camino

¡Antes que nada, argentino.

Y a mi bandera seguí!

Yo soy del norte y del sur,

Del llano y del litoral,

Y nadie lo tome a mal

Si hay mil gramos en el kilo,

Ande quiera estoy tranquilo

Pero ensillao, soy bagual

El cantor debe ser libre

Pa desarrollar su cencia

Sin buscar la conveniencia

Ni alistarse con padrinos,

De esos oscuros caminos

Yo ya tengo la esperensia

Yo canto, por ser antiguos,

Cantos que ya son eternos

Y hasta parecen modernos

Por lo que en ellos vichamos

Con el canto nos tapamos

Para entibiar los inviernos

Yo no canto a los tiranos

Ni por orden del patrón,

El pillo y el trapalón . . .

Que se arreglen por su lado

Con payadores comprados

Y cantores de salón

Por la fuerza de mi canto

Conozco celda y penal

Con fiereza sin igual,

Más de una vez fui golpiáo

Y al calabozo tirao

Como tarro al basural

Se puede matar a un hombre,

Pueden su rancho quemar,

Su guitarra destrozar

¡Pero el ideal de la vida,

Esa es leñita prendida

Que naide ha de apagar!

Los malos se van alzando,

Todo lo que hallan por ahí

Como granitos de máiz

Siembran los peores ejemplos

Y se viene abajo el templo

De la decencia del país

Detrás del ruido del oro

Van los maulas como hacienda,

No hay flojo que no se venda

Por una sucia moneda.

Más siempre en mi Patria queda

Gauchaje que la defienda

Cantor que cante a los pobres

Ni muerto se ha de callar

Pues ande vaya a para

El canto de ese cristiano

No ha de faltar el paisano

Que lo haga resucitar

Hoy que ha salido un poquito

De Sol pa'l trabajador

No falta más de un cantor

Que lo cante libremente

Pero sabe mucha gente

Que primero canté yo

El estanciero presume

De gauchismo y arrogancia

Él cree que es extravagancia

Que su peón viva mejor

Más, no sabe ese señor

Que por su peón tiene estancia

Aquel que tenga sus reales

Hace muy bien en cuidarlos,

Pero si quiere aumentarlos

Que la ley no se haga el sordo,

¡En todo puchero gordo

Los choclos se vuelve marlos!

Una vuelta, sin trabajo

Andaba por Tucumán

Y en una fonda, ande van

Cantores de madrugada

Me acerqué pa la payada

Que siempre ha sido mi afán

Aunque extrañando la monta

Me le apilé a un instrumento

Y al cabo de algún momento

Le di puerta a una baguala

Con una coplita rala

De esas que llevan los vientos

Fuera tal vez la guitarra

¡Tan lindo como sonaba!

Mi corazón remontaba

Tristezas de los caminos

Y maldije al destino

Que tantas penas me daba

Un hombre se me acercó

Y me dijo ¿Qué hace acá?

Viaje pa la gran ciudad

Que allá lo van a entender

Ahí tendrá fama, placer

Y plata pa regalar.

¡Para que lo habré escuchao!

¡Si era la voz del Mandinga!

Buenos Aires, ciudá gringa,

Me tuvo muy apretao.

Tuitos se hacían a un lao

Como cuerpo a la jeringa

Y eso que no vine pobre,

Pues traiba alpargatas nuevas.

Las viejas pa' cuando llueva

En la alforja las metí,

Un pantalón color gris

Y un saco tirando a leva

Saltando de radio en radio

Anduve, figuresé,

Cuatro meses me pasé

En partidas malogradas.

Nadie aseguraba nada

Y sin plata me quedé

Vendí mis alforjas.

Mi guitarra, ¡la vendí!

En mi pobreza, ay de mí,

Me hubiera gustao guardarla

¡Tanto que me ha costao comprarla!

Pero, en fin todo perdí.

¡Vihuela, dónde andarás,

Qué manos te están tocando,

Noches eternas pensando

Siquiera como consuelo

Que sea un canto de este suelo

Lo que te están arrancando!

Cuando el máiz está en barbecho

Luce un color brillantón

Las hebras, como un nailón

Presumen con sus lindezas

Pero agachan la cabeza

Si las agarra el carbón

Igual me pasaba a mí

En aquellos tiempos idos

Joven, fuerte, presumido

Y cuando se acabó el queso

Volví en un triste regreso

Poblada l'alma de olvidos

Cosas de la juventud

¡Malhaya, dónde andarás!

Aura que estoy bataraz

De tanto cambiar el pelo

Recuerdo aquellos desvelos,

Pero no miro p'atrás

Me volví pa'l Tucumán

Nuevamente a padecer

Y en eso de andar y ver

Se pasaron muchos años

Entre penas, desengaños,

Esperanzas y placer

Más, no jue tiempo perdido,

Asegún lo vi después,

Porque supe bien como es

La vida de los paisanos.

De todos me sentí hermano

Del derecho y del revés

Siempre recuerdo los tiempos

En que piedras lo pasé,

Los cerros que atravesé

Buscando lo que no hallaba,

Y hasta a veces me quedaba

Por esos campos de a pie

La vida me fue enseñando

Lo que vale una guitarra,

Por ella anduve en las farras

Tal vez hecho un estropicio,

Y casi me agarró el vicio

Con sus invisibles garras

Menos mal que adentro llevo

Lo que la tierra me dio

Patria, raza o que sé yo,

Pero que me iba salvando.

Y así, seguí caminando

Por los caminos de Dios

La cosa estaba en pensar

Que al pulsar el instrumento

Hay que dar con sentimiento

Toda la fuerza campera

Pero nadie larga afuera

Si no tiene nada adentro

La guitarra es palo hueco,

Y pa tocar algo bueno

El hombre debe estar lleno

De claridades internas

¡Pa sembrar coplas eternas

La vida es un buen terreno!

Si el rezar brinda consuelos

Al que consuelo precisa,

Igual que cristiano en misa

O matrero en medio 'el monte,

Yo rezo en los horizontes

Cuando la tarde agoniza

Queda callada la pampa

Cuando se ausenta la luz

El chajá y el avestruz

Van buscando la espesura

Y se agranda en la llanura

La soledad del ombú

Entonces, igual que un poncho

A uno lo envuelve la tierra

Desde el llano hasta la sierra

Se va una sombra extendiendo

Y el alma va comprendiendo

Las cosas que el mundo encierra

Ahí está el justo momento

De pensar en el destino

Si el hombre es un peregrino

O busca amor y querencia

O si cumple la sentencia

De morir en los caminos

En el Norte vide cosas

Que ya nunca he de olvidar

Yo vide gauchos peliar

Con facones caroneros

O con machetes cañeros

Que al verlos hacía temblar

Rara vez mata el paisano

Porque ese instinto no tiene

El duelo criollo se aviene

Por no recular ni un tranco

Hace saber que no es manco

Y en el peliar se entretiene

No hay serrano sanguinario

Ni coya conversador

El más capaz domador

Jamás cuenta sus hazañas

Y no les tienta la caña

Porque el morao es mejor

Cada pago se aficiona

A una forma de peliar

Y aquel que quiera guapear

Antes tendrá que advertir

Que para saber salir

Hay que aprender a dentrar

Se agarran a puñetazos

Igual que en cualesquier parte

Pero es una cencia aprte

Usar los modos del pago

Ahí se pone fiero el trago

Como dijo don Narvarte

Cordobés, pa la pegrada

Riojano, pa'l rebecaso

Chileno, pa'l caballaso

Salteño, con daga en mano

Y es un rey el tucumano

Pa peliar a cabezasos

Siempre el criollo ha de peliar

De noche y medio machao

Es una pena, cuñao

Que a veces por una tuna

Se nublen noches de Luna

Y cielitos estrellaos

Una canción sale fácil

Cuando uno quiere cantar

Cuestión de ver y pensar

Sobre las cosas del mundo,

Si el río es ancho y profundo

Cruza el que sabe nadar

Que otros canten alegrías

Si es que alegres han vivido

Que yo también he sabido

Dormirme en esos engaños,

Pero han sido más los años

De porrazos recibidos

Nadie podrá señalarme

Que canto por amargao,

Si he pasao lo que he pasao

Quiero servir de advertencia.

El rodar no será cencia

Pero tampoco es pecao

Yo he caminao por el mundo.

He cruzao tierras y mares

Sin fronteras que me pare.

Y en cualesquiera guarida

Yo he cantao, tierra querida,

Tus dichas y tus pesares

A veces, caiban al canto

Como vacaje a la aguada

Para escuchar mis versadas

Hombres de todos los vientos

Trenzando sus sentimientos

Al compás de la encordada

Pobre de aquel que no sabe

Del canto las hermosuras.

La vida, la más oscura,

La que tiene más quebrantos

Hallará siempre en el canto

Consuelo pa su tristura

Dicen que no tienen canto

Los ríos que son profundos,

Más yo aprendí en este mundo

Que el que tiene más hondura

Canta mejor por ser hondo

Y hace miel de su amargura

Con los tumbos del camino

Se entran a torcer las cargas

Pero es ley que en huella larga

Deberán acomodarse

Y aquel que llega a olvidarse

Las ha de pasar amargas

Amigos, voy a dejarles,

Está mi parte cumplida.

En la forma preferida

De una milonga pampeana

Canté de manera llana

Ciertas cosas de la vida

Aura me voy, no sé adónde,

Pa' mí todo rumbo es güeno,

Los campos, con ser ajenos,

Los cruzo de un galopito.

Guarida no necesito

Yo sé dormir al sereno

Siempre hay alguna tapera

En la falda de una sierra

Y mientras siga esta guerra

De injusticias para mí

Yo he de pensar desde allí

Canciones para mi tierra

Y aunque me quiten la vida

O engrillen mi libertad

¡Y aunque chamusquen quizá

Mi guitarra en los fogones,

Han de vivir mis canciones

En l'alma de los demás!

¡No me nuembren, que es pecao

Y no comenten mis trinos!

Yo me voy con mi destino

Pa'l lao donde el Sol se pierde

¡Tal vez alguno se acuerde

Que aquí cantó un argentino!

AY70EPPLPR220109.rar

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Mercedes Sosa. Cantata Sudamericana 1972

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Thu, 20 Jan 2022 12:30:00 +0100

Mercedes Sosa. Cantata Sudamericana 1972

Créditos

Charango – Kelo Palacios
Contrabajo – Oscar Além
Cuatro, Guitarra – Santiago Bertiz
Armonía vocal – Los Arroyeños
Órgano – George Kenny
Percusión – Domingo Cura, Enrique Roizner, León Jacobson
Piano, Clavecín – Ariel Ramírez
Quena – Raúl Mercado
Requinto – Gustavo Fernández
Voz solista – Mercedes Sosa
Direción – Ariel Ramírez
Fotografía – Jorge Hipñener

Todas las composiciones escritas por
Ariel Ramírez y Félix Luna

Listado:

Cara A

01 - Es Sudamérica Mi Voz - 06:12 min.

02 - Canta Tu Canción - 04:15 min.

03 - Antiguo Dueño de Las Flechas - 05:53 min.

04 - Pampas del Sur - 04:28 min.

Cara A

05 - Acércate Cholito - 03:29 min.

06 - Oración Al Sol - 05:23 min.

07 - Sudamericano en Nueva York - 04:51 min.

08 - Alcen la Bandera - 05:38 min.

8 Temas - Tiempo Total: 00:40:09
flac @ 860 - 223,56 MB
RipPor: Napi#09

Mercedes Sosa – Cantata Sudamericana
Sello Philips – 6347 080
Formato Vinilo, LP, Album, Gatefold sleeve
Publicado Europa 1972
Género Latin, Folk, World, & Country. Estilo Folk

Notas de contraporatda

Cantata Sudamericana es la última obra de Ariel Ramírez y Félix Luna. "Misa Criolla", "Navidad Nuestra" 1964, "Los Caudillos" 1965 y "Mujeres Argentinas" de 1969, son parte de sus últimas composiciones. Cantata Sudamericana retoma todos los ritmos, tonadas y temas de las diferentes regiones de América del Sur.

Si bien la Cantata Sudamericana está compuesta por piezas muy diferentes, todas tienen el mismo objetivo: acentuar y dar a conocer las características estéticas, étnicas y espirituales de América del Sur (siendo éstas la esencia misma del patrimonio del continente) señalar la autenticidad de América del Sur para que su pacífica emancipación venga desde el sentido profundo de su propio destino, es el mensaje que se expresa en el último canto donde la cálida voz de Mercedes Sosa repite enfáticamente “Icen la bandera y logremos la libertad nuestra, libertad hoy, levantar la bandera y lograr nuestra libertad ahora. ¡Libertad hoy, libertad ahora!”

La bandera a izar es la propia América del Sur: su pasado indio y español, su presente cargado de frustraciones pero rico en promesas, su futuro de abundancia, libertad y justicia. Cantata Sudamericana fue compuesta, escrita e interpretada para que los pueblos de América del Sur pueden vislumbrar el futuro con perfecto conocimiento de su lucha y de su apego indisoluble a lo que les pertenece: es el mensaje musical y poético que fraternalmente envía la Argentina a los hombres y mujeres de nuestro continente que muestra la misteriosa forma de corazón alargado del hemisferio sur.

La obra comienza con "Es Sudamérica mi Voz", una declaración dramática del futuro del continente, vagamente elaborada sobre la base de ritmos sudamericanos, aunque sin referencia a ninguna región en particular. En cuanto al acompañamiento de instrumentos verdaderamente típicos como el "cuatro" (guitarra de cuatro cuerdas) el "equinto" (pequeña guitarra), el "charango” (guitarrita hecha con el caparazón de un armadillo), maracas, guitarra y batería, Mercedes Sosa explora las regiones donde los sonidos evocan el oriente boliviano, los llanos de Venezuela o las incomparables tonadas paraguayas. Un canto de fidelidad, "La Gente Chica como Usted y Yo” parece estar pidiendo todos los voces anónimas del continente para cantar al unísono. Canta tu Canción es una bossa nova con sus ritmos clásicos realzados por instrumentos de percusión basados en un conjunto completo de tambores con acompañamiento rítmico al órgano. Es una declaración de confianza cantada por todos, un llamada tácita a cantar con toda el alma para no renunciar al privilegio más preciado del hombre: la libertad.

La siguiente pieza es quizás la que contiene mayor autenticidad rítmica y melódica, "Antiguos dueños de las Flechas" fue creado por Ariel Ramírez a partir de un estudio de la música toba en 1949, tema prácticamente desconocido para la mayoría de la gente. Para esta pieza se ha utilizado un conjunto de instrumentos de percusión completamente originales: el "pino pino" (tambor de madera), el "tambor de barro" (aluákataki), maracas, instrumentos fabricados con las garras de cerdos salvajes, y “Jícaras" un instrumento de percusión de América Latina, todos ellos manejados por especialistas. Sin embargo, Antiguo Dueño de Las Flechas no es un tema arqueológico, ni un lamento nostálgico: es un reconocimiento al regreso triunfal de la música típica en la cultura sudamericana.

"Pampas del Sur" que completa la primera cara del disco, se basa en ritmos pampeanos de diferentes estructuras, fácilmente identificables. En armonía con las demás composiciones de la "Cantata Sudamericana", esta oda a la grandeza de las Pampas del Sur abre el camino a una forma de vida más justa, al interior del continente.

Un típico vals peruano introduce la segunda cara de la Cantata Sudamericana. La melodía la toca un requinto y se acompaña de guitarras y órgano. Sobre esta música, la voz de Mercedes Sosa transporta al oyente de la magia de la Lima Colonial a su realidad presente, rigurosa y optimista. Su reentrenamiento rítmico y cautivador hace de "Acérate Cholito" una composición muy cercana a la forma sudamericana en su más pura impronta. La solemne "Oración al Sol", llena de esperanza, tiene la grandeza de una verdadera oración india. Félix Luna escribió la letra después de estudiar la poca literatura quichua sobreviviente y las creencias populares reales, como "Tincunaco" de la Rioja, que da una idea de la relación entre los pueblos antiguos de América y sus dioses. Quena (flauta india) y Charango reclaman su sabor típico a esta maravillosa melodía. Palabras sencillas y contundentes abogan no sólo por el maíz, el agua y la lana, sino también por la paz, la justicia y el respeto a los hombres y mujeres de estos países. Aparentemente ajeno al tema de la Cantata pero de hecho ligado muy de cerca a su intención más profunda, "Un sudamericano en Nueva York" expresa la nostalgia de todos aquellos que lo han dejado y sueñan con volver. Su tristeza transmite la angustia de quienes extrañan "la voz, el color y el olor" de su querido país en una tierra que les es ajena.

La Cantata Sudamericana finaliza triunfalmente con Izando la bandera que estuvo compuesta por formas musicales del Norte del Continente, en la región del Caribe. Los versos tradicionales enriquecen esta canción y Mercedes Sosa alcanza un alto nivel de expresión, la gran cantante tucumana dice “Ah, los buenos tiempos, yo pido justicia con la gente que quiero que les devuelvan la sonrisa".

Y cuando termina la canción, los corazones continúan vibrando como un desafío valiente y contagioso al Continente para comenzar una nueva vida.

Ariel Ramírez y Félix Luna

Ariel Ramírez fue un músico de extensa trayectoria, compositor y pianista, una de las figuras más destacadas del nativismo argentino. Difusor de la cultura tradicional a través de una amplia discografía y de sus actuaciones al frente de su compañía de folclore desde 1955 hasta 1980. Autor de numerosas canciones sumamente populares como la Misa Criolla, una de las obras más importantes de la música argentina.

Fue además electo como Presidente de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música SADAIC en cinco períodos: 1970/74, 1974/77, 1993/97, 1997/2001 y 2001/2005.

Félix Luna fue un reconocido abogado, historiador, escritor, artista y político argentino, miembro de la Unión Cívica Radical y fundador y director de la revista Todo es Historia.

Junto a A. Ramírez compuso la poesía de diversas obras musicales, razón por la cual me inclino a dedicar una entrada compartida de ambos músicos. En los últimos tiempos, integró el Grupo Aurora, una reunión de intelectuales integrada por el ex vicepresidente Víctor Martínez, entre otros. Este grupo salió a confrontar con los intelectuales del grupo Carta Abierta, intelectuales de izquierda y peronistas que apoyan al kirchnerismo.

Ariel Ramírez

Nació en Santa Fe, Argentina, el 4 de septiembre de 1921. Estudió piano en su ciudad natal. Sus estudios de composición los realizaría muchos años más tarde en Buenos Aires con Luis Gianneo y Erwin Leuchter. Impulsado por A. Yupanqui, quien lo escuchó en Córdoba, emprendió hacia 1941 una larga temporada de viajes por varias provincias del centro y NW del país, para familiarizarse con la música regional. En ese lapso ofreció recitales de piano interpretando obras de música tradicional argentina y sudamericana en general, entre las que intercalaba sus primeras composiciones. En 1943 llegó a Buenos Aires donde brindó numerosos conciertos y tuvo contrato permanente en Radio El Mundo. En 1946 grabó para RCA Victor sus primeros discos, uno de los cuales incluía la zamba La tristecita, obra que le brindó gran popularidad.

En 1950 viajó a Europa, donde permaneció alrededor de 4 años con residencia permanente en Roma, pero efectuando numerosas giras como intérprete de música argentina en distintas salas de conciertos y teatros de Italia, Austria, Alemania, Holanda, Bélgica e Inglaterra. En España fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica para efectuar estudios sobre la música española de transmisión oral. En 1954 se instaló en Lima, donde continuó su carrera de solista haciendo presentaciones en distintas ciudades de ese pais, así como también en otras de Bolivia, Chile y Uruguay.

En 1955 volvió a la Argentina, donde organizó la Compañía de Folklore Ariel Ramírez para llevar adelante un espectáculo coreográfico musical convocando a artistas de distintas regiones del país. A partir de su debut en el Teatro SODRE de Montevideo, gracias al estímulo de su director, el maestro Hugo Balzo, la compañía desarrolló su actividad durante más de 20 años por todo el territorio argentino. Entre los músicos más destacados que iniciaron o desarrollaron sus incipientes carreras actuando con el maestro A. Ramírez se puede mencionar a Jorge Cafrune, Jaime Torres, Raúl Barboza y Los Fronterizos. En 1957 el grupo, que en ese momento estaba integrado por 20 músicos y bailarines, realizó una gira de 5 meses por la antigua URSS, Polonia y la entonces Checoslovaquia. A su término, Ramírez continuó ofreciendo conciertos como solista de piano en Europa. Varias composiciones suyas se popularizaron en su país: Triste pampeano n°3, Agua y sol del Paraná, Los inundados, Volveré siempre a San Juan, Allá lejos y hace tiempo, El Paraná en una zamba, y fueron adquiriendo gran difusión en versiones de los más importantes intérpretes nativistas.

En la década de 1960 realizó innumerables giras por Argentina y comenzó a grabar para Philips una serie de LPs con sus obras, y piano solo o en colaboración con otros músicos, y también una colección que constituye una antología de la música de algunas regiones argentinas: pampeana, litoraleña o mesaopotámica, y de algunos géneros musicales como el vals criollo, la zamba y el tango. De todos sus LP como intérprete, el que adquirió mayor trascendencia fue Coronación del folklore, uno de los hitos fundamentales del nativismo, grabado en 1963 con Eduardo Falú y Los Fronterizos. Como compositor escribió, además de una larga lista de canciones, varios ciclos integrales, presentados todos ellos a través de ediciones discográficas que tuvieron una notable repercusión. El primero de estos discos es es que incluye la Misa Criolla y, también en carácter de estreno, los villancicos reunidos bajo el título Navidad nuestra con textos de F. Luna. En 1965 grabó con Ramón Navarro la cantata épica Los Caudillos escrita en colaboración con F. Luna. Un nuevo gran acontecimiento fue la aparición en 1969 del disco Mujeres argentinas, cantado por Mercedes Sosa y también con textos de F. Luna. Algunas de sus canciones, Alfonsina y el mar y Juana Azurduy, se cuentan entre las más logradas de su amplia producción. Otras obras ya sin F. Luna son Agua y sol del Paraná con Miguel Brascó en 1950, Los inundados con Guiche Aizenberg de 1960, Tríptico mocoví también con con G. Aizenberg en 1980, y La hermanita perdida con A. Yupanqui, aire de milonga dedicado a las islas Malvinas en 1980.

Cantata sudamericana en 1972 y Misa por la Paz y la Justicia en 1981 son sus últimas producciones de largo alcance. En estos años también compuso música para algunas películas argentinas. En otro terreno, con fines didácticos, escribió los 15 Estudios para piano sobre ritmos y formas de la tradición musical argentina y las Canciones provincianas, para voces iguales.

Continuó ininterrumpidamente sus giras y presentaciones tanto en su país como en el exterior, aunque con menor frecuencia que en décadas anteriores. El 5 de agosto de 1992 se realizó un concierto en su homenaje en el Teatro Colón de Buenos Aires bajo el título Ariel Ramírez, 50 años con la música nacional, en el que participaron algunos de los más importantes intérpretes de la música popular argentina, y en cuyo transcurso se ejecutaron exclusivamente obras suyas.

A. Ramírez falleció en Monte Grande, Argentina, el 18 de febrero de 2010, a la edad de 88 años.

Félix Luna "Falucho"

Nació en Buenos Aires el 30 de septiembre de 1925. Su abuelo fue el fundador de la Unión Cívica Radical de La Rioja y su tío Pelagio Luna, fue vicepresidente de la Nación acompañando a Hipólito Yrigoyen.

Se recibió de abogado en 1951 en la Universidad de Buenos Aires. Escribió numerosas obras de historia, ensayo, ficción, periodísticas y musicales. Entre 1956 y 1958 fue Director de la Obra Social del Ministerio de Trabajo de la Nación.

Ha desempeñado cargos públicos y académicos de relevancia. Entre 1963 y 1976 ejerció la docencia como profesor de "Historia de las Instituciones" en la Facultad de Derecho de la UBA. Dictó "Historia Contemporánea" en la Facultad de Humanidades de la Universidad de Belgrano (1967-1986) e "Historia Argentina" en la Facultad de Ciencias Políticas de la Universidad del Salvador (1977). Fue Secretario de Cultura de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires entre 1986 y 1989.

En 1957 recibió su primer premio, otorgado por la Dirección de Cultura de la Nación, al mejor cuento costumbrista por La fusilación.

Ha recibido distinciones de los gobiernos de Francia, Perú y Brasil, recibió el Premio Konex en el rubro "Biografías históricas" de 1994. También fue ue nombrado ciudadano ilustre de la ciudad de Buenos Aires en 1996.

Como historiador ha escrito gran cantidad de libros clásicos como Yrigoyen, El 45, Los Caudillos, y Perón y su tiempo. También ha escrito también libros de ficción, como el premiado La fusilación.

F. Luna falleció en Buenos Aires el 5 de noviembre de 2009, a la edad de 84 años.

Cantata

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Daniel Viglietti. Trópicos, 1974

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Wed, 19 Jan 2022 12:30:00 +0100

Daniel Viglietti - 1974 - Trópicos

Con el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC

Ingeniero de sonido: Jerzy Belc.

Diseño grafico original: Ñiko

Listado de temas:

01 - Dios le pague - 03:41 min.

(Chico Buarque) (*)

02 - Yo vivo en un tiempo de guerra - 03:09 min.

(Gianfranco Guarneri Augusto Boal, sobre un poema de Bertol Brecht, música Edu Lôbo) (*)

03 - Acalanto - 01:54 min.

(Chico Buarque) (*)

04 - Upa negrito - 02:16 min.

(Guarneri-Edu Lôbo) (*)

05 - Construcción - 06:01 min.

(Chico Buarque) (*)

06 - Comienzo el día - 04:16 min.

(Noel Nicola) (*)

07 - Existen - 02:08 min.

(Silvio Rodríguez)

08 - Canción del elegido - 03:07 min.

(Silvio Rodríguez)

09 - Pobre del cantor - 02:31 min.

(Pablo Milanés)

10 - Un hombre se levanta - 03:00 min.

(Silvio Rodríguez) (*)

10 Temas. Tiempo Total 00:32:03

flac ¬ 936 ¬ 199,59 MB

RipPor ¬ Napi#08

(*) Daniel Viglietti y el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC

Daniel Viglietti

LP: Areito LDA-3395 / 1972 Cuba

Publicado en

Uruguay 1972 , Orfeo

Francia: Le Chant Du Monde LDX-74560, 1976

USA: Monitor, 1978

México: Discos Pueblo DP-1033, 1978

España: 1973, Discmedi DM 053CD, 2000

También publicado como:

Daniel Viglietti y el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC

Daniel Viglietti, 1972.

Cuba LP: Areito LDA-3395

(En esta edición aparece el tema "Todo el mundo tiene su Moncada" como 2º de la cara B, no incluído en "Trópicos")

http://www.nuevacancion.net/ges/lda3395.html

Cara A:

Dios le pague* (Chico Buarque) 3:40

Yo vivo en un tiempo de guerra* (Edú Lôbo/Bertolt Brecht) 3:10

Acalanto* (Chico Buarque) 1:51

Upa negrito* (Edú Lôbo) 2:14

Construcción* (Chico Buarque) 6:05

Cara B:

Comienzo el día* (Noel Nicola) 4:16

Todo el mundo tiene su Moncada (Silvio Rodríguez) 2:08

Canción del elegido (Silvio Rodríguez) 3:05

Pobre del cantor (Pablo Milanés) 2:32

Un hombre se levanta* (Silvio Rodríguez) 3:00

[* con el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC]

Creador y testigo de cada día, el sol. Cruzando los trópicos, dejando su señal en el clima, la vegetación, la gente, la cultura. Ayer iluminando a José Martí, hoy a las guitarras de Silvio Rodríguez, Pablo Milanés y Noel Nicola, de la nueva trova cubana. Sol de Ganga Zumba, negro libertario del pasado brasileño, hoy alumbrando las voces populares de Chico Buarque y Edu Lôbo. Sol que nos une, como si la búsqueda de la libertad no fuera comunión suficiente. Sol que toca las heridas, las risas, la mano que acaricia y la mano que golpea, la pobreza que lucha y la riqueza que oprime. Cruzando los trópicos, las nubes, los árboles, nada lo detiene. Ni la noche, por cerrada, por largo que sea. El sol en nuestros ojos, nuestros ojos en la luz, siempre buscando la claridad.

notas del Lp, (Orfeo) Uruguay 1972

Arreglos de

En los temas 1, 3 y 5: Leo Brower, según las versiones originales de Magro, Buarque y R.Duprat, respectivamente.

En los temas 2 y 4: Sergio Virier, según las versiones originales de "Arena conta Zumbi".

En los temas 6, 8 y 10: Noel Nicola, Daniel Viglietti, Silvio Rodríguez respectivamente.

Dirección: Leo Brouwer

Músicos

Carlos F. Averhof: flauta, saxo

Genaro García: flauta

Ana Besa: oboe

Lucas de la Guardia: clarinete

Pablo Menéndez: guitarra eléctrica, trombón

Chappotin: trompeta

Sergio Vitier: guitarra en B5

Emiliano Salvador: piano, órgano

Eduardo Ramos: bajo eléctrico

Leo Pimentel: batería

Norberto: percusión

Pablo Milanés, Sara González, coros

(Conjunto Vocal del Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC)

“Mi profundo agradecimiento al Grupo de Experimentación Sonora, al maestro Leo Brouwer, a los cantantes Sara González y Pablo Milanés, a Glauber Rocha que, junto a otros amigos brasileños, orientó mi tarea de traductor, y a todos los compañeros que me ayudaron a vivir la alegría del trabajo comunitario”.

Daniel Viglietti

Trópicos

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Olga Manzano, Manuel Picón, Pablo Neruda. Fulgor Y Muerte De Joaquin Murieta, 1974

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Tue, 18 Jan 2022 12:30:00 +0100

Olga Manzano, Manuel Picón, Pablo Neruda. Fulgor Y Muerte De Joaquin Murieta, 1974

Portada Lp

Poemas de Pablo Neruda,

musicados por Manuel Picón.

Portada Cd

Intérpretes:

Olga Manzano, Manuel Picón, Indio Juan, Víctor Velázquez y Trío Alpataco (David Kullock, Ricardo Steinberg y Lidia Tolaba).

Listado de Temas:

01 - Nacimiento De Murieta - 08:06 min.

02 - La Llama Del Oro - 03:18 min.

03 - Diálogo Con Teresa - 05:23 min.

04 - Murieta En California - 02:57 min.

05 - Muerte De Teresa - 04:20 min.

06 - Venganza - 03:37 min.

07 - Galopa Murieta - 04:10 min.

08 - Muerte De Murieta - 04:18 min.

8 Temas. Tiempo Total 00:36:08

flac ¬ 596 ¬ 153,78 MB

RipPor ¬ Napi#05

Esta es la larga historia de un hombre encendido, natural, valeroso.

Su memoria es un hacha de guerra.

Es tiempo de abrir el reposo, el sepulcro del claro bandido y romper el olvido oxidado que ahora lo entierra.

La sangre caía.

Le puso en las manos un rayo violento.

Tal vez aquel hombre no halló su camino, perdido en el viento.

Honorable bandido, Joaquín Murieta.

Venganza de hierro, de llama y piedra.

Aquí, entre perales y tejas y lluvia, brillaban las uvas chilenas y,

como una copa de plata que llena la noche sombría de pálido vino,

la luna de chile crecía entre boldos, maitenes, albahaca y rocío.

Entonces nacía, a la luz del planeta, un infante moreno.

Y, en la sombra serena, ese rayo que nace se llama murieta.

Es un niño chileno color de aceituna.

Y sus ojos ignoran el llanto.

Creciendo a la sombra de sauces flexibles, nadaba en los ríos, ardía en el brío.

Educaba los brazos, el alma, los ojos y se oían cantar las espuelas

Cuando, desde el fondo del otoño rojo, bajaba al galope de su yegua de estaño.

Venía de la cordillera de piedras y rutas, de cerros huraños, de viento inhumano.

Traía en las manos el golpe aledaño del río que hostiga y vivir en la nieve.

Y no traspasaba ese libre albedrío la virtud salvaje que toca la frente.

Y sella con ira, limpieza y orgullo las graves cabezas de los indomables.

Que guarda el destino en actas de fuego de fuego y pureza.

Así, el elegido, no sabe que debe morir en la empresa.

Matar y morir, morir en la empresa.

Joaquin The Mountain Robber (hacia 1848).

Joaquín Murrieta (Murieta) (1829-1853)

https://es.wikipedia.org/wiki/Joaquín_Murrieta

Visión de un Thomas Amstrong de Joaquín Murrieta (Murieta), publicado en Sacramento Union Steamer (22 de abril de 1853)

Artista desconocido. El original se encuentra en el Centro de Historia de California, Biblioteca Estatal de California, en Sacramento, California.

De Thomas Armstrong

http://www.learner.org/amerpass/slideshow/archive_search.php?number=1190&fullsize=1,

Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1235445

Olga Manzano Y Manuel Picón

Olga Manzano, cantante nacida en Argentina y Manuel Picón, cantante nacido en Uruguay, formaron pareja y posteriormente comenzaron a trabajar musicalmente juntos.

En enero de 1974 se instalan en España.

Su primer trabajo en España fue adaptar y musicalizar “Fulgor y muerte de Joaquín Murrieta”, escrita por Pablo Neruda.

En 1977, publicaron “Aguardiente” y “Papá Bolero”. Y en los años siguientes “Guarda el nombre de este amor” (1978) y “Los versos del capitán” (1979, uno de sus mejores discos.

Comentarios

Los cantautores Olga Manzano y Manuel Picón adaptaron la obra de Neruda Fulgor y Muerte de Joaquín Murieta, que fue musicalizada, titulándose Cantata Fulgor y Muerte de Joaquín Murieta. Manzano y Picón, junto al Trío Alpataco y al solista Víctor Velásquez, interpretan esta emotiva cantata que fue muy famosa en los años 70, y es ya un clásico de la música sudamericana.

Mi homenaje a Pablo Neruda. (1)

Por Olga Manzano

https://www.lainsignia.org/2004/agosto/cul_008.htm

La Insignia.

Diario independiente iberoamericano. (Jornal independente iberoamericano)

Madrid (España). ISSN 1695-2391

Fue ayer cuando Fulgor Y Muerte De Joaquín Murrieta salía a la luz, como nuestro primer disco en España, de la mano de este gran hombre que tanto tengo que agradecer, nuestro productor Gonzalo García Pelayo. Después vinieron varios más, siempre con la producción de Gonzalo Producciones.

Murrieta fue un poema adaptado y musicalizado por Manuel Picón, mi marido y compañero de tantos caminos. El 16 de septiembre se cumplen 10 años de su ausencia.

Las voces las pusimos junto a un puñado de amigos músicos: Indio Juan, Víctor Velázquez, Ricardo Steinberg, y tantos otros. La palabra de Pablo Neruda era el arma que traíamos junto a nuestra rebeldía y nuestro dolor.

Olga Manzano

Mi homenaje a Pablo Neruda. (2)

por Olga Manzano

https://www.lainsignia.org/2004/agosto/cul_008.htm

La Insignia. España, 4 de Agosto de 2004

En Chile, Pinochet se jactaba de sus trofeos, las manos de Victor Jara (y la vida) de tantos intelectuales y artistas, y de tantos seres humanos. La masacre se instalaba junto al miedo en el trono de la barbarie: Videla en Argentina. Los militares de Sudamérica tomaban cuerpo junto al Premio Nobel de la Paz, Henry Kissinger, el instigador más criminal de la famosa Operación Cóndor, que consistía en hacer desaparecer todo vestigio de dignidad humana, libertades, ideas. Todo aquello fue lo que fue con el beneplácito de Estados Unidos, que sigue su locura planetaria.

Aquí llegábamos Manuel y yo, y nuestro pequeño hijo, del brazo de Pablo Neruda, el 17 de enero de 1974. En diciembre de ese mismo año, los escenarios de toda España recibían con ovaciones y mecheros prendidos nuestra cantata. La prensa, las radios, la televisión, los críticos, nos halagaron. El público se volcó con la poesía de Neruda y nuestras voces. ¡Todos queríamos gritar juntos! Y aún vivía Franco, y aún le quedaron fuerzas para firmar los últimos fusilamientos de Burgos.

Esa noche cantamos el Fulgor Y Muerte con un nudo en la garganta de impotencia y dolor. Esa noche Neruda levantó su voz con nosotros.

Luego nacería otro disco, Los Versos Del Capitán. Y nuestras voces gritaron al amor, a la única verdad que mueve al hombre. Su risa fue el bálsamo de tantas injusticias y Pablo Neruda volvió a entrar en los corazones de todos.

Fueron años de canto y de lucha y de crearmos un espacio, un lugar.

Mi hija nació con Fulgor Y Muerte, y mi hijo menor con Los Versos Del Capitán. Manuel me dejó su música y Pablo Neruda su poesía, para seguir cantando. Y sigo cantando. Fuimos los Nerudianos De La Transición.

El último recital que dimos, como dúo y como pareja, fue el 15 de septiembre de 1994 en el teatro Príncipe, con Los Versos Del Capitán.

Me quedan en el corazón las últimas palabras de Manuel, la voz de Manuel con la unión de la palabra de Pablo Neruda:

«Adiós amor, me voy a mis combates, no pienses más en el tormento que pasó entre nosotros, como un rayo dejándonos tal vez su quemadura. La paz llegó también y como tengo el corazón completo, con la parte de sangre que me diste para siempre, mírame por el mar que voy radiante, mírame por la noche que navego. Que mar y noche, amor, son tus ojos».

Apéndice,

La Insignia. 31 de Marzo de 2009 – Año X

Hasta siempre

«Han sido diez años y once días, los que van desde aquel 20 de marzo que vio el primer número de La Insignia hasta este 31, que coincide con la caída de la II República española por algo más

que una casualidad».

Por Jesús Gómez Gutiérrez.

España, 1936-1939. Los últimos días de la República

https://www.lainsignia.org/2009/marzo/dial_002.htm

«El día 28 de marzo, Casado dio orden de comunicar al enemigo la rendición del Ejército del Centro y salió en avión hacia Valencia. Al mediodía, las tropas enemigas, que durante tantos meses se tuvieron que contentar con ver la capital de lejos, entraron por fin en Madrid».

Por Manuel Tagüeña Lacorte.

El ser de cada uno

https://www.lainsignia.org/2009/marzo/dial_003.htm

«En las cabezas inmóviles las miradas destellan,

y al soslayo, de reojo, buscan la mía, y durante el segundo

en que se cruzan, cada mirada me trae el mensaje de un hombre. De un hombre, con su vida trabajosa a cuestas».

Por Manuel Azaña. Madrid, noviembre de 1937.

La Insignia

https://www.lainsignia.org/2000/diciembre/red_001.htm

«Ha hablado el peluquero,

el mozo de café

y el limpiabotas.

Y han hablado los eternos demagogos también.

Han hablado todos.

Creo que han hablado todos.

¿Falta alguno?

¿Hay algún español que no haya pronunciado su palabra?

¿Nadie responde?... (Silencio). Entonces falto yo sólo».

Por León Felipe. Razones para un símbolo

Refugio nocturno

https://www.lainsignia.org/2000/julio/cul_024.htm

«No es ésa la forma de acortar la era de la explotación.

Pero algunos hombres tienen cama por una noche

se les abriga del viento durante toda una noche

y la nieve a ellos destinada cae en la calle».

Por Bertolt Brecht.

El oyente de la clase de retórica, por Antonio Machado

https://www.lainsignia.org/2003/febrero/cul_084.htm

La Insignia

Olga Manzano y Manuel Picón: Fulgor y muerte de Joaquín Murieta (1974)

Perrerac.Org

https://perrerac.org/argentina/olga-manzano-y-manuel-picn-fulgor-y-muerte-de-joaqun-murieta-1974/1764/

Texto dramático escrito por Pablo Neruda, inspirado en la figura mítica de Joaquín Murieta, chileno emigrado a California a mediados del siglo XIX, luego devenido en “bandido”, que con el correr del tiempo se transformó en un símbolo de lucha y resistencia. En 1974, el uruguayo Manuel Picón tomó el trabajo de Neruda y lo convirtió en esta cantata, que se presentó por primera vez en el colegio mayor San Juan Evangelista de Madrid. Como disco, fue editado ese mismo año por Movieplay – Serie Gong, con el número S-32.620. Participaron en la grabación: Olga Manzano, Manuel Picón, Víctor Velázquez y el Trío Alpataco (David Kullock, Ricardo Steinberg y Lidia Tolaba).

Dice en el interior de la edición desplegable del LP:

Realidad y leyenda se configuran en la persona de este bandido chileno. Unos lo dan como mexicano. Algunos le otorgan poderes casi sobrenaturales. Lo cierto es que Joaquín Murieta, emigrado chileno en California, existió en la realidad y murió el 23 de julio de 1853. También se sabe que fue bandido, y que, cierta o falsa, su figura reivindicativa ha recorrido el mundo como señal de rebeldía y de rebelión a la injusticia.

Atraídos por la fiebre del oro que domina California, y en general todos los nuevos Estados de la Unión, estas tierras fueron durante todo el siglo XIX, y especialmente en sus años centrales, un hervidero de emigrantes. Atraídos unos por el dinero fácil y otros, la mayoría, por la posibilidad de un puesto de trabajo que su propio país les negaba. Aunque Pablo Neruda haga alusión en su obra teatral sobre el justiciero bandido chileno al Ku Ku Klan como agente del racismo causante de su asesinato, no cabe duda de que comete un ligero error histórico, puesto que el Klan no existió hasta 1865, doce años después de la muerte de su protagonista. Podemos encontrar, no obstante, las causas del racismo, en la aún reciente guerra de 1846-48, donde Estados Unidos arrebatara a la fuerza toda la alta California al Estado de México. Ello generaría en los ocupantes yankees un exterminio sistemático de los originales mexicanos, exterminio y odio que se extendió sin duda a cualquier otro extranjero, especialmente si era de piel cobriza y habla hispana.

Fulgor Y Muerte De Joaquín Murieta, Obra Teatral

Pablo Neruda (1904-1973), sabía que la leyenda (el folklore, por llamarlo de otra manera) es la manera popular de escribir la historia y sabía, también, que la historia se repite y tenemos que aprender de ella. Tal vez con esta idea se puso a escribir una obra teatral: «Fulgor y muerte de Joaquín Murieta», cuya primera edición es de 1966, y que en su versión escénica contó con canciones musicadas por Sergio Ortega, canciones que luego fueron grabadas por gente como Inti-Illimani, Víctor Jara, Quilapayún. También sobre el mismo tema del bandido justiciero, y con casi prácticamente los mismos versos, escribió un largo poema escénico.

Fulgor Y Muerte De Joaquín Murieta, Para Canto Y Recitado

Aunque ya en el folklore sudamericano y en el argentino en particular se habían utilizado los ritmos folklóricos para extenderse en forma de relato sobre un argumento cualquiera (recordemos a este respecto «Las coplas del Payador perseguido», de Yupanki), o se habían compuesto canciones con una intención común, y como parte de un conjunto más amplio (caso de «Mujeres argentinas» o «Cantata sudamericana», de Ariel Ramírez y Félix Luna), la cantata, como forma narrativa de canto y recitado, con base en el folklore popular, había sido utilizada por primera vez por el músico Luis Advis y el conjunto Quilapayún en su «Cantata de Santa María de Iquique», y luego en otras obras («Canto para una semilla», «La fragua», «Canto al programa, «Vivir como el Van Troi», etc.), pero siempre dentro del marco geográfico de Chile y de las coordenadas de la Nueva Canción Chilena.

Este «Fulgor y muerte de Joaquín Murieta», sobre texto de Pablo Neruda para canto y recitado, supone una total novedad en el campo de la música sudamericana de origen no chileno, y, sobre todo, en el marco de la música española, en donde nunca se había compuesto, grabado y editado nada de parecidas características.

Manuel Picón adaptó el texto original de Neruda, encuadrándolo en los límites de duración que ahora conserva, también le puso música, y junto a sus compañeros (Olga Manzano, Lidia Tolaba, David Kullock, Ricardo Steimberg y Víctor Velázquez) pusieron en pie esta cantata que ahora es disco.

La interpretación de esta obra es el fruto de la unión de tres elementos distintos del canto sudamericano. Por una parte, un dúo: Manuel Picón y Olga Manzano que, cuando no hacen la cantata, llevan adelante un rico muestrario de ritmos y formas de Uruguay y Argentina. Luego un trío Alpataco, que forman David, Ricardo y Lidia. A ellos se debe, sin duda, la riqueza instrumental de la cantata, una riqueza que es el desafío a la música popular de todo el mundo: Es la quena, los sikus, el moseño, el erke, las mil formas de percusión, un desafío de sonoridad que ya estaba en América antes de la llegada de los españoles y que ha sabido no solo mantenerse, sino mostrarse más nuevo cada día. Es la historia de una cultura que tampoco cuentan los libros de texto. Y un solista: Víctor Velázquez, la voz de un cantor de larga experiencia que al día siguiente de acabar la grabación volvía a Argentina y era sustituido en esa continuidad diaria de este disco que es su representación en los escenarios, por el Indio Juan.

Muchas cosas habría que destacar de esta cantata. Pero esto es todavía la portada, y es oyendo el resto como debemos darnos cuenta de ello. Sin embargo, no conviene poner el punto final sin insistir en que esta hermosa historia de bandido, de injusticias y de venganza, esta lección de historia popular, es también un canto de diaria solidaridad, de hermoso recordatorio de perenne actualidad. No conviene olvidarlo si queremos que mañana sigamos estando al día

Antonio Gómez

Joaquin Murieta

https://1fichier.com/?yr0h9bmkx4guvs9r07kq

Marc Miralta-2000-New York Flamenco Reunion

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Mon, 17 Jan 2022 12:30:00 +0100

Marc Miralta. New York Flamenco Reunión, 2000

Grabado por Raquel Fernández y Antonio Diariaga en Cinearte, Madrid, los días 25 y 26 de Septiembre de 1997,

Mezclado por José Luis Crespo, en Red Led, Madrid

Master de José Luis Crespo

Producción Marc Miralta y Perico Sambeat para Nuevos Medios, 2000

Músicos:

Batería, Cajón, Tabla, Palmas y arreglos, Marc Miralta

Bajo, Javier Colina

Palmas, Paloma Alfonsel

Percusión, Cajón, Palmas, Guillermo McGill

Piano, George Colligan

Saxo, Perico Sambeat

Listado de Temas:

01 - Epistrophy - 05:36 min.

Composición de T. Monk, K. Clark

02 - Bye Bye Blackbird - 06:59 min.

Composición de R. Henderson, D. Mort

03 - Bésame Mucho - 06:16 min.

Composición de C. Velázquez

04 - Segment - 03:54 min.

Composición de Ch. Parker

05 - Evidence - 06:14 min.

Composición de T. Monk

06 - Los Luchadores No Suspiran - 05:47 min.

Composición de P. Sambeat

07 - You Stepped Out Of A Dream - 05:12 min.

Composición de N. H. Brown, G. Khan

08 - Los Sueños Y El Tiempo - 06:02 min.

Composición de G. McGill

09 - Dexterity - 05:02 min.

Composición de Ch. Parker

9 Temas - Tiempo Total: 00:51:02

flac @ 883 - 305,93 MB

Reseñas:

Marc Miralta – New York Flamenco Reunion

Sello Nuevos Medios – NM 15774 CD

Formato CD, Album

Publicado Spain 2000

Género Jazz, Latin. Estilo Flamenco, Latin Jazz

http://www.apoloybaco.com/marcmiraltabiografia.htm

Marc Miralta, es uno de los bateristas españoles con más renombre en el panorama jazzístico español. Tanto en su faceta de jazzman tradicional, como en los ámbitos de la fusión del flamenco y el jazz. Nace en Barcelona en 1966 y empieza a tocar la batería a los siete años. A los los doce empieza a recibir clases del batería Pau Bombardó. Ha estudiado percusión clásica y también toca tabla hindú. Estudió en la Escola de Música Zeleste (CDMBR) de Barcelona (1980-1984), en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona (1982-1989) y en la Berklee College of Music de Boston (USA) (1990-1993).

Ha actuado en festivales y clubes de jazz de España, USA, Canadá, Australia, México, Argentina, Francia, Italia, Austria, Alemania, Holanda, la antigua Checoslovaquia, Hungría, Portugal, Eslovenia y Bulgaria entre otros, y con músicos de la talla de Pat Metheny, Gary Burton, Steve Lacy, Paquito D’Rivera, Tete Montoliu, Art Farmer, George Garzone, Jerry Bergonzi, Mark Turner, Joshua Redman, Perico Sambeat, Chano Domínguez, Gerardo Núñez o Esperanza Fernández, entre otros. Ha tocado con formaciones de distintos estilos musicales, que incluyen música clásica con la Joven Orquesta Europea del Mercado Común (ECYO) dirigida por Claudio Abbado, con la Orquestra Sinfónica del Vallès y también con la Orquestra Sinfónica de Barcelona i Nacional de Catalunya.

Marc Miralta, ha sido profesor de batería en el Taller de Músics de Barcelona (1986-1990) y en seminarios en San Sebastián, Cádiz, Sedaví (Valencia), Granollers (Barcelona), Igualada (Barcelona), Rousse (Bulgaria), Langnau (Suiza), Sevilla, etc. Ha grabado una veintena de Cds y acaba de aparecer su primer disco como líder del grupo New York Flamenco Reunion (Nuevos Medios 15774). También ha grabado programas de televisión para TVE, La 2, TV3, Canal 33 y ETB2.

A lo largo de su carrera ha obtenido varios importantes premios, entre los que destacan el Premio al Mejor Grupo del Festival de Jazz de Manresa, con el 2x2 Quartet (1985), Premio al Mejor Solista del Festival de Jazz de Manresa (1985), Segundo Premio del Festival de Jazz de San Sebastián con Roda de Saxos (1986), segundo en el Concurso de Big Bands europeas de Berlín (1988), Primer Premio en el Festival de Jazz de Getxo con Iñaki Salvador Trío (1989), Premio al Mejor Percusionista en la Berklee College of Music (1991), Premio al Músico más activo en la Berklee College of Music (1992), Premio al Mejor Solista de base 1999, otorgado por l’Associació de Músics de Jazz de Catalunya y Premio al Mejor Grupo con New York Flamenco Reunion 1999, otorgado por la misma asociación.

En cualquier caso, Miralta, en su desarrollo musical ha acabado formando una simbiosis mágica que ha dado lugar a grabaciones memorables dentro del jazz fusión de las últimas décadas. Entre ellas son especialmente destacables, las realizadas en 1989 con el trío de Iñaki Salvador "Orian", con el quinteto de Elizabeth Raspall (Triangles, Fresh Sound New Talent) en 1996 y 1998, las realizadas al año siguiente con Albert Sanz y David Mengual para el sello Satchmo, "Des d'aquí"; su primera colaboración con el OAM trío "Trilingual" (Fresh Sound New Talent, 1999), el disco mas premiado de su carrera y liderado por él "Marc Miralta New York Flamenco Reunion" (Nuevos Medios, 2000), la colaboración con Perico Sambeat para Lola Records en el 2001; sus discos "Sol de nit" y "Carretera Austral" para Fresh Sound y finalmente su extraordinaria aportación al OAM trío de nuevo con el extraordinario álbum "Live in Sevilla" grabado para Lola Records en 2003.

Reunión

https://1fichier.com/?mg9vzpup2terfh2wrt48

Ovidi Montllor-1974-A Alcoi

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Sun, 16 Jan 2022 12:30:00 +0100

Ovidi Montllor-1974-A Alcoi [VinylRip]

Magnífico trabajo fechado en 1974 en el que, combinando canción y poesía interpreta, entre otros, su inolvidable "Homenaje a Teresa", "Los amantes" de V. Andrés Estellés y las "Corrandes del exilio" de Pere Quart. Excelente documento de un autor que refleja a la perfección que su sentimiento fundamental era el sentimiento de la tierra. Ovidi era un hombre del pueblo, un hombre de Alcoy.

"Jo sóc fill de família molt humil,
tan humil que d'una cortina vella
una samarreta em feren. Vermella.
D'ençà d'aquesta samarreta,
no he pogut caminar per la dreta"

"Soy hijo de familia muy humilde,
tan humilde que de una cortina vieja
una camiseta me hicieron. Roja.
Desde de esta camiseta,
no he podido caminar por la derecha"

Listado de Temas:

01 - De Rés - 01:18 min.
Guitarra: Toti Soler
Letra y Música: Ovidi Montllor

02 - Homenatge A Teresa - 02:46 min.
Letra y Música: Ovidi Montllor
Guitarra: Ovidi Montllor

03 - Els Amants - 02:56 min.
Letra: Vicent Andrés Estellés
Música: Popular Valenciana
La carne quiere carne (Ausiàs March)

04 - Corrandes De L'Exili - 03:18 min.
Letra: Pere Quart
Música: Ovidi Montllor

05 - Les Meves Vacançes - 04:37 min.
Letra: Ovidi Montllor
Música: Ovidi Montllor y Toti Soler

06 - Assaig de Cantic en el Temple - 02:19 min.
Letra: Salvador Espriu
Música: Ovidi Montllor

07 - A la Vida - 05:03 min.
Letra: Ovidi Montllor
Música: Xavier Batllés

08 - Una Nit a L'opera - 05:18 min.
Letra y Música: Ovidi Montllor

09 - Mon Divertit - 02:35 min.
Letra y Música: Ovidi Montllor
"Mi padre siempre nos decía cuando
a los hermanos nos veía animados:
esto acabará en llanto.
Casi siempre tenía razón".

10 - Va Com Va - 02:49 min.
Letra y Música: Ovidi Montllor

11 - Tot Explota Pel Cap O Per La Pota - 02:26 min.
Letra y Música: Ovidi Montllor

11 Temas. Tiempo Total 00:35:25
flac ¬ 728 ¬ 190,17 MB
VinyloRipPor: Napi#10

Reseñas:

La Canción del Cansado (A Joan Fuster)

Me tocó tocando Mediterráneo.
Por sombrero Pirineos, y una rebanadita
Por zapato Orihuela de estrangis.
Y para corazón llevo Alcoy, la terreta.

Por bandera, señores, cuatro barras.
Por idioma, y señoras, catalán.
Por condición, señores, sin tierras.
Por idea, y señoras, zurdo.

Queda clara, por tanto, para todos,
mi carta de naturaleza.
No es milagro, ni es un mal sueño;
me ha tocado, y es mi debilidad.

Quede claro, también, que son cobardes,
todos los que olvidan las raíces.
Serán rama de injerto en otros prados.
Y en la muerte, realquilados de las estrellas.

Es bien triste todavía hoy hablar,
y poner en su lugar una historia:
Hasta aquí nos ha hecho llegar.
De tan grande razón, nace la gloria.

Y vuelvo a repetir: soy alcoyano.
Tengo bandera donde azul no hay.
Digo bien alto que hablo catalán
y lo hago a la manera de Valencia.

Ovidi Montllor

Gráfica digital de Antoni Miró

Ovidi Montllor i Mengual, conocido como Ovidi Montllor (Alcoi, 4 de febrero de 1942 - Barcelona, 10 de marzo de 1995) fue un cantautor y actor valenciano que formó parte del movimiento de la Nova Canço catalana.

Debutó en 1962 con el grupo teatral La Cassola (La Cazuela) de Alcoy. A los 24 años se fue a Barcelona, donde actuó con grupos de teatro independientes, como el del CICF, y más tarde con las compañías de Núria Espert y Adrià Gual. En 1968 inició una carrera destacada como cantante, a menudo acompañado de Toti Soler, con música propia sobre textos de Salvador Espriu, Vicent Andrés i Estellés, Pere Quart y de él mismo.

Militó en el PSUC y posteriormente en el Partit dels Comunistes de Catalunya, hasta su fallecimiento en 1995 en Barcelona a consecuencia de un cáncer de esófago. Cinco meses antes, Alcoy, su ciudad, le había tributado un emotivo homenaje.

Gráfica digital de Antoni Miró

Homenaje a Teresa.

Voz, Letra y Música: Ovidi Montllor

Guitarra: Ovidi Montllor

Como un recuerdo de infancia

siempre recordaré

a Teresa,

bailando el vals.

Quizá fue el último hecho

con alguien que estimara

antes de que un bombardeo

la volviera loca.

Todos los niños la seguíamos

y en un solar apartado nos Instruiré

a su alrededor.

Medio descabellonada

nos mostraba los muslos

y nos daba lecciones

de Antonino.

Ella nos dijo de dónde veníamos.

Y que los reyes de Oriente

no existían.

Ni lobos ni espíritus.

Nos hablaba del amor

como la cosa más preciosa

y bonita.

Sin pecados.

Nos enseñó a bailar

a cantar y a amar.

De eso ella era

la que más sabía.

Con una flor en su cabeza

y un pañuelo negro al cuello

y faldas largas y un cigarrillo.

Fuiste el hazmerreír de los grandes,

y la maestra más querida.

de los niños.

Ahora, de grande, comprendo

todo lo que por ti siento

y te lancería un homenaje

a los cuatro vientos.

Como un recuerdo de infancia

siempre te recordaré, Teresa,

bailando el vals.

Los amantes.

La carne quiere carne (Ausiàs March)

Letra: Vicent Andrés Estellés

Música: Popular Valenciana

"No había en Valencia dos amantes como nosotros.

Ferozmente nos amábamos desde la mañana a la noche.

Lo recuerdo todo mientras tiendes la ropa.

Han pasado años, muchos años; han pasado muchas cosas.

De pronto todavía me aquel viento o el amor

y rodamos por el suelo entre abrazos y besos.

No comprendemos el amor como una costumbre amable,

como una costumbre pacífica de cumplidos y telas.

Se despierta, de repente, como un viejo huracán,

y nos tumba en tierra los dos, nos junta, nos empuja.

Yo deseaba, a veces, un amor educado

y en marcha el tocadiscos, negligentemente besándote parte,

ahora un hombro y después el lóbulo de una oreja.

Nuestro amor es un amor brusca y salvaje,

y tenemos la añoranza amarga de la tierra,

de andar a revolcones entre besos y arañazos.

¿Qué queréis que haga! Elemental, ya lo sé.

Ignoramos el Petrarca e ignoramos muchas cosas.

Las Estancias de Riba y las Rimas de Bécquer.

Después, tumbados en el suelo de cualquier manera,

comprendemos que somos bárbaros, y que esto no puede ser,

que no estamos en la edad, y todo esto y aquello.

No había en Valencia dos amantes como nosotros,

pues de amantes como nosotros se han parido muy pocos"

Letrillas del exilio.

Letra: Pere Quart

Música: Ovidi Montllor

Una noche de luna llena

Atravesamos la sierra

lentamente, sin decir nada.

Si la luna hacía el pleno

también lo hizo nuestra pena.

En Cataluña dejé

el día de mi partida

media vida adormecida;

la otra mitad vino conmigo

para no dejarme sin vida.

Hoy en tierras de Francia

y mañana más lejos tal vez,

no me moriré de añoranza,

antes de añoranza viviré.

En mi tierra del Vallès

tres cerros son una sierra,

cuatro pinos un bosque espeso,

cinco sogas harta tierra.

"Como el Vallès no hay nada".

Una esperanza deshecha,

una tristeza infinita.

Y una patria tan pequeña

que la sueño completa.

Haré vacaciones.

Letra: Ovidi Montllor

Música: Ovidi Montllor y Toti Soler

Todo bien sencillo

y bien alegre.

Me creeréis muerto.

Y no habré muerto.

¡Estaré de vacaciones!

El color negro

que tanto prefiero,

se vendrá conmigo.

¡Yo solo de negro!

Beba coñac,

y vino y cazalla.

Y si me llega

el presupuesto

beberéis buen "whisky".

Rápidamente

me echaréis fuego (¡soy valenciano!)

si no es molestia para los amigos,

en una caja de cartón,

meted el polvo de un servidor,

y el mejor libro de poemas

de aquel poeta en quien creéis.

Es por ir pasando el rato amablemente.

Y al mismo tiempo, aprender, vivir,

conocer cosas para la próxima

canción a hacer.

Y traedme a Alcoy, que es mi pueblo,

y allí donde comienza el Barranc del Cinc,

cerca de un romero, a su lado, dejadme ya:

así tendré el aroma bueno.

Y cerca también del arroyo.

Así por las noches, con la quietud

vendrá la música.

Vean también de fomentar

las meriendas en la montaña.

Así por fin, se acercarán al romero

dulces muchachas, y despistando,

como quien no quiere, levantaré los ojos

y entrando por los pies llegaré hasta su corazón.

Nada de adioses ni de recuerdos.

¡Me voy de vacaciones y

cualquier día impensado

os volveré a molestar

con las últimas cancioncillas!

Quizás de entrada os extrañéis,

bien por el físico, o por la voz.

Pero seré otra vez yo.

Pues como el maestro Maragall,

también yo creo

en la resurrección de la carne.

Seré más joven y volveré a amar

a cada instante. ¡Ah las niñas!

¡Ah las mujercitas! ¡Ay qué joyas!

Y por si acaso, que no creo,

aún perdura la vida dura,

pues otro golpe de los bolos

y ¡hasta la muerte!

Pero entonces, no moriré,

¡faré vacançes!

Ensayo de cántico en el templo.

Letra: Salvador Espriu

Música: Ovidi Montllor

¡Oh!, Qué cansado estoy de mi cobarde,

vieja, tan salvaje tierra, y

¡cómo me gustaría alejarme, hacia el norte,

donde dicen que la gente es limpia y noble,

culta, rica, libre, despierta y feliz!

Entonces en la congregación,

los hermanos dirían, desaprobando,:

"como el pájaro que deja el nido,

así el hombre que abandona su lugar",

mientras yo, ya muy lejos, me reiría

de la ley de la antigua sabiduría

de este mi árido pueblo,

Pero no he de seguir nunca mi sueño,

y me quedaré aquí hasta la muerte,

pues soy también muy cobarde y salvaje,

y amo además con un desesperado dolor

a esta mi pobre,

sucia, triste, desdichada patria.

En la vida.

Letra: Ovidi Montllor

Música: Xavier Batllés

Querida Antonia:

Te escribo desde aquí,

muy lejos de casa.

La lluvia mojando

los cristales sucios

del bar extraño

donde, ahora, me encuentro esperando

un vaso de vino

y un poco de engaño.

No tengo más solución,

ya lo sabes, que el engaño.

Y me llenaré de él,

para ir viviendo,

para ir aguantando,

para ir amando.

Te he enviado el dinero,

como todos los meses.

Por ahora no hay aumento.

Paciencia, todo llega.

Me he guardado unos cuartos

para comprarme un abrigo.

El invierno, sin tu cuerpo

es mucho más crudo.

Dicen que me pasarán

a una sección más descansada.

Y, si Dios quiere, muy pronto

encontraré casa.

Y vendréis la niña y tú.

El compañero de cuarto

ha estado enfermo.

La gripe, cosas muy de ahora,

ya sabes ... el invierno.

Hace más de una semana

que espero carta.

¿Estás enferma?

Me hizo sufrir muchísimo,

tan lejos de casa.

El año que viene, tal vez

tendremos coche,

¡quién lo iba a decir!

y escuela para la niña,

sin pagar.

Y dinero suficiente

para no llorar.

Todo ello, sin embargo, ya sabes ...

lejos de casa,

lo cual no se olvida

ni siquiera con vino,

este que tengo yo ahora

puesto en la mesa.

Aunque llueve, Antonia,

mañana será Domingo

y no pasearemos los tres juntos

por la plaza del pueblo.

Disfruta mucho. Besos, y

escríbeme más a menudo.

Una noche en la ópera.

Letra y Música: Ovidi Montllor

Esta noche hay Liceu.

De la aristocracia, palacio.

Bell. Firme. Gran. Señor.

Prepárame el smoking, Romeu.

Quiero el coche a punto a las diez.

Zapatos. Colonia. El baño. Rápido.

Núria, dime si tienes para mucho.

Los nervios me volverán loco.

Tres horas vistiendo aparte. No puedo más. ¡No puedo!

-Joan Antón, amor mío.

No tengas prisa ¡como hay Dios

que sólo piensas en lo tuyo!

Llegaremos y entraremos solos.

Y haremos el papel de los nuevos.

Cols. Cosechadora. Ostras chico.

-Más vale llegar tarde y bien,

que no hacer el campesino.

Eres poco entendido.

Ya te lo he dicho, llegamos tarde.

Hasta los mirones se han ido.

Carat. Caraculos. ¡Hemos fracasado!

-Esperaremos pues la ocasión,

para lucir el resopón.

Estamos hechos para la admiración!

Entra, Nurieta, al gran palacio.

Estamos en la cuna de nuestra sangre.

Rango. Fortuna. Clase. ¡Seny!

-Joan Antón ¿ves qué suerte?

Aún hay mirones de corazón.

Fíjate qué grupo nos mira.

(Colla.)

El vino y la mala leche

Hace que mane el grifo.

Mira la señorita

¡qué bien el vestidito!

Y mira el señorito,

¡qué bien vestidito va!

Y mirad cómo nosotros,

que nos dicen los demás,

caeremos en muchas faltas,

y chocaremos las mejillas

mientras hacemos palacetes

por estos señoritos.

Y ahora miramos.

Y ahora aplaudimos:

que entran contentos

mientras esperamos nuestro tiempo.

Mundo divertido.

"Mi padre siempre nos decía,

cuando nos veía los hermanos animados:

esto acabará en llanto. Casi siempre tenía razón".

Letra y Música: Ovidi Montllor

Todo este mundo

es bien divertido.

Ya no hay dueños

ni criados.

Ahora los que mandan

hablan contigo

sin ningún tipo

de pesar.

No es lo de la esclavitud

donde era un torcido mirar tu dueño.

ahora te hacen palabrería,

a veces al esqueneta y algún cigarrillo.

E incluso en el bar una cervecita.

Todo este mundo es ya bien divertido.

Ya no hay dueños ni criados.

Ahora todos somos colaboradores

de tal empresa o empreseta.

Eso me gusta, de verdad,

hasta la hora de los beneficios:

entonces tú eres quien eres,

y ese aquél, y yo sólo soy yo,

y tu vientre es igual que el de aquel esclavo.

Todo este mundo es ya bien divertido.

Ya no se dice dueño ni criado

Ahora las cosas han cambiado,

y eso se dice con otras palabras.

Se dice gerente o "jefe"o empresario o "dire"

o lo que queráis decir: el hecho es el mismo

y los jodidos . . . los mismos.

Todo este mundo ya es bien divertido.

Tan divertido ... Tan divertido ...

Tan divertido ... que acabará en llantos.

Va como va.

Letra y Música: Ovidi Montllor

A ti te cabrea mucho, que yo te tenga manía.

Va como va.

A mí me cabrea mucho, que tú hayas hecho cría.

Va como va.

A ti te han dicho precioso, a mí me han dicho: Tú calla.

Va como va.

Y yo no quiero callar mientras tú tienes el látigo.

Va como va.

A ti te han dibujado y yo rompa la pluma.

Va como va.

A mí me han hecho lleno de odio, a ti te han hecho de goma.

Va como va.

A ti te han dado la herencia, a mí me han dado la vida.

Va como va.

A mí me toca luchar, a ti tomar la medida.

Va como va.

Yo no tengo para mí, tú no tienes suficiente.

Va como va.

Y eres tú quien recibes de mí, aunque yo de ti cobre un sueldo.

Va como va.

Si yo ya me he cansado de ir viviendo diciendo ¡me lo como!

piensa que lo diré solo hasta que más no pueda:

Va como quiero. Como queremos.

Todo explota por el jefe o la pata.

Letra y Música: Ovidi Montllor

Ya no nos alimentan migajas.

Ya queremos el pan entero.

Tu razón se va deshaciendo.

La nuestra es bastante creciente.

Las migas vuelan al viento.

Dicen: Si no te dan, toma.

No es de ladrones decir: Amén

cuando el sudor de lo que hacemos

no lo seca lo que recibimos pero

moja de oro a quien nos lo toma.

Es cuestión de saber claro

hasta cuando tenemos que trabajar

por el sueldo que nos hacen ganar.

Entonces ya podremos juzgar

lo que significa explotar.

Conscientes de la explotación,

no habrá más solución

que aprovechar la ocasión,

y, como se dice, con pasión

hacer valer nuestra razón, porque ...

ya no nos alimentan migajas.

Ya queremos el pan entero.

Su razón se va deshaciendo

la nuestra es bastante creciente.

Las migajas vuelan al viento.

De Nada

Guitarra : Toti Soler

Letra y Música : Ovidi Montllor

Por el balcón he visto
cómo nace el día.
Con el trabajo he visto
como transcurre el día.
Con amargura he visto
cómo muere el día.
¿Si el sueño es bueno?...

¡He nacido!
¡Gracias!
¡Me han dado
de comer!
¡Gracias!
¡Me han dado
de beber!
¡Gracias!
¡Me han traído
a la escuela!
¡Gracias!
¡Me han dado
un trabajo!
¡Gracias!
¡Me han traído
al servicio!
¡Gracias!
¡He elegido
una mujer!
¡Gracias!
¡He tenido
un hijito!
¡Me he cansado!
¡De nada!

http://orio43musica.blogspot.com/2009/09/ovidi-montllor-alcoi.html

De res.

Guitarra : Toti Soler

Letra y Música : Ovidi Montllor

Pel balcó he vist

com neix el dia.

Amb el treball he vist

com passa el dia.

Amb amargor he vist

com mor el dia.

Si el somni és bo?...

He nascut!

Gràcies!

M'han donat

de menjar!

Gràcies!

M'han donat

de beure!

Gràcies!

M'han portat

a l'escola!

Gràcies!

M'han donat

un treball!

Gràcies!

M'han portat

al servei!

Gràcies!

He triat

una dona!

Gràcies!

He tingut

un fillet!

M'he cansat!

De res!

Homenatge a Teresa.

Veu, Lletra i Música : Ovidi Montllor

Guitarra : Ovidi Montllor

Com un record d'infantesa

sempre recordaré

a la Teresa,

ballant el vals.

Potser fou l'ultim fet

amb algú que estimés

abans que un bombardeig

la tornés boja.

Tots els xiquets la seguíem

i en un solar apartat ens instruíem

al seu voltant.

Mig descabellonada

ens mostrava les cuixes

i ens donava lliçons

d'antomia.

Ella ens va dir d'on veníem.

I que els reis de l'Orient

no existien.

Ni llops ni esperits.

Ens parlava de l'amor

com la cosa més preciosa

i bonica.

Sense pecats.

Ens ensenyà a ballar

a cantar i a estimar.

D'això ella era

la que més sabia.

Amb una floreta al seu cap

i un mocador negre al coll

i faldes llargues

i un cigarret.

Vas ser la riota dels grans,

i la mestra més volguda.

dels infants.

Ara de gran comprenc

Tot el que per TU sent

i et llence un homenatge

als quatre vents.

Com un record d'infantesa

sempre et recordaré, Teresa,

ballant el vals.

Els amants.

La carn vol carn (Ausiàs March)

Lletra : Vicent Andrés i Estellés

Música : Popular Valenciana

"NO hi havia a València dos amants com nosaltres.

Feroçment ens amàvem des del matí a la nit.

Tot ho recorde mentre vas estenent la roba.

Han passat anys, molts anys; han passat moltes coses.

De sobte encara em pren aquell vent o l'amor

i rodolem per terra entre abraços i besos.

No comprenem l'amor com un costum amable,

com un costum pacífic de compliment i teles.

Es desperta, de sobte, com un vell huracà,

i ens tomba en terra els dos, ens ajunta, ens empeny.

Jo desitjava, a voltes, un amor educat

i en marxa el tocadiscos, negligentment besant-te,

ara un muscle i després el peçó d'una orella.

El nostre amor és un amor brus i salvatge,

i tenim l'enyorança amarga de la terra,

d'anar a rebolcons entre besos i arraps.

Què voleu que hi faça! Elemental, ja ho sé.

Ignorem el Petrarca i ignorem moltes coses.

Les Estances de Riba i les Rimas de Bécquer.

Després, tombats en terra de qualsevol manera,

comprenem que som bàrbars, i que això no deu ser,

que no estem en l'edat, i tot això i allò.

No hi havia a Vàlencia dos amants com nosaltres,

car d'amants com nosaltres en són parits ben pocs."

Corrandes de l'exili.

Lletra : Pere Quart

Música: Ovidi Montllor

Una nit de lluna plena

Tramuntàrem la carena,

lentament, sense dir re...

Si la lluna feia el ple

també el féu la nostra pena.

A Catalunya deixí

el dia de ma partida

mitja vida condormida;

l'altra meitat vingué amb mi

per no deixar-me sens vida.

Avui en terres de França

i demà més lluny potser,

no em moriré d'enyorança

ans d'enyorança viuré.

En ma terra del Vallès

tres turons fan una serra,

quatre pins un bosc espès,

cinc quarteres massa terra.

"Com el Vallès no hi ha res."

Una esperança desfeta,

una recança infinita.

I una pàtria tan petita

que la somnio completa.

Les meves vacances.

Lletra : Ovidi Montllor

Música : Ovidi Montllor i Toti Soler

Tot ben senzill

i ben alegre.

Em creureu mort.

Jo no hauré mort.

Faré vacances!

El color negre

que tant m'estime,

se'n vindra amb mi.

Jo sol de negre!

Beveu conyac,

i vi i caçalla.

I si m'arriba

el pressupost

beveu bon "wisky".

Ràpidament,

em boteu foc.

Sóc valencià!

Si no és molèstia

per als amics,

amb una capsa

de cartó,

fiqueu la pols

d'un servidor,

i el millor llibre

de poemes

d'aquell poeta

que creieu.

Es per anar

passant l'estona

amablement.

I al mateix temps,

aprendre, viure,

conèixer coses

per a la propera

cançó a fer.

Porteu-me a Alcoi,

que és el meu poble

I allà on comença

el "Barranc del Cinc",

prop d'un "romer",

al seu costat,

deixeu-me ja.

Així tindré l'aroma bo.

I a prop també

del rierol.

Així a les nits,

amb la quietud

vindrà la música.

Mireu també

de fomentar

els berenars

a la muntanya.

Aixì per fi,

s'aproparan

al romaní

dolces xicones.

I despistant,

com qui no vol,

alçaré els ulls

i entrant pel peus

arribarè fins al seu cor.

Res d'adéus

ni de records.

Vaig de vacances!

Qualsevol dia

impensat,

us tornaré a emprenyar

amb les darreres

cançonetes.

Potser d'entrada

us estranyeu,

bé pel físic

o la veu.

Però seré altre cop jo.

Doncs com el mestre

Maragall,

també crec jo

amb la resurecció,

de la carn.

Seré més jove

i tornaré a estimar

a cada instant.

Ai les xiquetes!

Ai les donetes!

Ai quines joies!

I si per cas,

jo no crec pas,

encara dura

la vida dura,

doncs altre colp

de part dels bons,

fins a la mort!

Però llavors,

no em moriré.

FARÉ VACANCES.

Fuentes consultadas:

https://www.elnacional.cat/es/cultura/ovidi-montllor-5-canciones-imborrables-25-anos-despues-de-su-muerte_477882_102.html

http://orio43musica.blogspot.com/2009/09/ovidi-montllor-alcoi.html
dissabte, 26 de setembre de 2009 - Toni Serra

http://es.wikipedia.org/wiki/Ovidi_Montllor

http://www.cancioncontodos.com/autor/ovidi-montllor

https://fernandolucini.blogspot.com/2011/01/ovidi-montllor-i-un-artista-integral.html

Ovidio
https://1fichier.com/?7v5sya1vwqmd9lxeidwx

John Mclaughlin With The One Truth Band-1979-Electric Dreams (Reup By Request)

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Sat, 15 Jan 2022 12:30:00 +0100

John Mclaughlin With The One Truth Band-1979-Electric Dreams

Grabado en y mezclado en Sound Mixer Studio, New York City

entre Noviembre y Diciembre de 1978

Master de Greg Calbi en Sterling Sound

Ingeniero de sonido y Co-producción, John Pace

Ingeniero Asistente, Terry Rosiello

Diseño Conceptual de portada, Gene Greif

Potografía de portada, Ken Ambrose

Potografía de interior, Carol Friedman

Producción, John McLaughlin

Personal:

John McLaughlin: Banjo, guitarras acústica, eléctrica y de 12 cuerdas

Lakshminarayana Shankar: violín acústico y eléctrico

Tony Smith: batería, voz

Stu Goldberg: órgano, órgano hammond, sintetizador, moog, piano eléctrico

Alyrio Lima: percusión, platillos, platillos chinos

Fernando Sanders: bajo, contrabajo, voz en la pista #05

David Sanborn: Saxo alto en la pista #08

Todos los temas son composiciones de John McLaughlin,

excepto #06, que lo es de Stu Goldberg

Listado

01 - Guardian Angels - 00:50 min.

02 - Miles Davis - 04:49 min.

03 - Electric Dreams, Electric Sighs - 06:23 min.

04 - Desire and the Comforter - 07:29 min.

05 - Love and Understanding - 06:31 min.

06 - Singing Earth - 00:37 min.

07 - The Dark Prince - 05:11 min.

08 - The Unknown Dissident - 06:12 min.

8 Temas - Tiempo Total: 00:38:56

flac ¬ 2747 ¬ 778,70 MB

RipPor ¬ SaidAlani

Posteado por Aleko57 15-Agosto-2020, 12:57

Información del ripeo:

Columbia - JC 35785 (Original US, 1979)

Dr. Feickert Blackbird + INERTIA platter + Reed 3Q 10,5

"Transfiguration Proteus MKIIAllnic H-3000 (+32 dB GAIN, charge impedance 12 Ohm)

RME Fireface UC Adobe Audition CC 2015 (record 32/96)/ASIO RME Fireface

Izotope RX5 Advanced (manual clicks repair)

Minor Click repair (whenever possible an manual mode with Izotope RX)

Reseñas

http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=10810

por Walter Kolosky. November 17, 2002

Los últimos tres minutos de "Desire and the Comforter", del Lp “Electric Dreams”, lo dicen todo acerca de John McLaughlin; destroza su guitarra eléctrica con cascadas de funk, blues, rock, jazz y escalas de Extremo Oriente. Cada golpe de cuerda tiene su significado individual. Su guitarra se eleva por encima de los cambios de acordes y captura el espíritu de la música. Deja el espacio (o textura) que se debe de dejar. Como ningún otro guitarrista en la tierra, John McLaughlin sabe cuando no tocar (pese a las afirmaciones de aquellos que dicen que en sus fraseos utiliza demasiadas notas) y aunque hay un millón de notas por minuto en esta canción, los espacios entre las notas crean la epifanía.

McLaughlin grabó “Electric Dreams” con la One Truth Band, que incluyó a L. Shankar en violín, Tony Smith en la batería, Stu Goldberg en los teclados, Fernando Saunders en el bajo y Alyrio Lima en diversas funciones de percusión. La OTB es una unidad mucho más rítmica que las bandas anteriores de JM, y aunque sus miembros pueden no haber sido tan "maestros" como los músicos que formaron la Mahavishnu Orchestra, sin duda saben cómo montar un buen groove. “Electric Dreams” está lleno de funk y melodías contagiosas. Claro, podríamos haber vivido sin la horrenda maldición divina de "Love and Understanding", pero este Lp ofrece la hermosa "Electric Dreams, Electric Sighs", con John ¡al banjo! El clásico "Dark Prince" es un melancólico tema homenaje a Miles, en línea de jazz fusión, que eclipsa la otra pieza de tributo a Miles en el álbum, "Miles Davis".

En esta grabación, McLaughlin utilizó una guitarra con mástil festoneado. Los espacios cóncavos permitieron a McLaughlin estirar las notas más allá de lo creíble. Componentes principales del sonido de la banda son el violín a modo extremo-oriental de Shankar (aunque, en ocasiones, parece mal colocado) y el sintetizador de Goldberg, los cuales parecen sonar obsoletos en algunas áreas. Sin embargo, estas son las cuestiones que realmente dotan al álbum de un poco de encanto. Los veteranos Smith y Saunders hacen una muy firme sección de ritmo, y Lima parece ser más eficaz en concierto que en esta grabación. El saxofonista David Sanborn, estrella invitada en varios álbumes de McLaughlin, hace una aparición más que bienvenida en la inolvidable "Unknown Dissident".

La mezcla no siempre fue exitosa, pero, en general, Electric Dreams ofrece lo mejor de la composición e interpretación de la carrera de McLaughlin, y ha sido injustamente ignorado.

Electric Dreams Review

https://www.allmusic.com/album/electric-dreams-mw0000090710

por Richard S. Ginell

En este punto, es fácil ver que la historia de John McLaughlin se ha convertido en un viaje itinerante de zigzags eléctrico-acústicos, con la formación de One Truth Band que suena en este LP, siendo solo otro capítulo corto en la saga. Y esta vez, McLaughlin está totalmente a cargo: hay poco de los duelos competitivos o de las líneas al unísono de alto volumen y bien entrenadas del pasado: es el guitarrista y sus acompañantes, aunque a veces el teclista Stu Goldberg sale con algunas habilidades perversas. McLaughlin le devuelve el favor a Miles Davis de nombrar una pieza de Bitches Brew en su honor cambiando las tornas y, de hecho, "Miles Davis" a menudo tiene la sensación de improvisación suelta (y una cita de "It's About That Time") del propio maestro en sus sesiones de jazz-rock. También hay algunas réplicas de la experiencia de Shakti en "Amor y comprensión". En su mayor parte, sin embargo, McLaughlin se ajusta al funk controlado y los sonidos electrónicos de la época, generalmente con más moderación y una recompensa musical considerable.

Reup By Request, (posteo original de 11/5/2011, 16:59 hs.)

parte 1

https://1fichier.com/?acgsgshi59azhm9sre8n

parte 2

https://1fichier.com/?rwwz8lbld92ug24qiypg

The Kinks. Arthur or the Decline and Fall of the British Empire. 1969 (50th Anniv. Deluxe Box Set)

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Fri, 14 Jan 2022 12:30:00 +0100

The Kinks. Arthur or the Decline and Fall of the British Empire. 1969 (50th Anniv. Deluxe Box Set)

75 Temas. Tiempo Total 04:36:06

flac ¬ 905 ¬ 2,72 GB

Comentarios

Caja Deluxe del 50 aniversario que contiene nuevo diseño de packaging de folleto de lujo con acabado de cubierta textil; álbumes remasterizados, versiones alternativas y mezclas del álbum en solitario 'Lost' de Dave Davies, además de un folleto extendido con notas de portada y entrevistas de las nuevas formaciones, fotos raras y recuerdos.

Grabación efectuada entre mayo y junio de 1969

en los Estudios Pye, Londres, Inglaterra

Ingeniero de sonido, Andrew Hendriksen

Master en D2 Mastering y en Atwater Village

por Dan Hersch

Master Analógico para Vinylo por Kevin Gray

Corte de laca por KPG

Transferencias adicionales de las cintas analógicas, Kevin Vanbergen, Richard Whittaker

Dirección Artística, The Kinks

Dirección de las secciones de metal y cuerda, Lew Warburton

Coordinador [para BGM] - Didier Dehauteur, Emma Curley, Jon Wilson, Thomas Cerha

Coordinador [Para Ray Davies & The Kinks] - Fraser Kennedy

Arte de portada, Luke Insect

Diseño e ilustraciones de - Bob Lawrie

Recopilación de Andrew Sandoval y Ray Davies

Producción de Ray Davies

Notas del contraportada, Geoffrey Cannon, Julian Mitchell

Notas de portada, Andy Neill, Dave Davies, Ray Davies

Notas del interior [anotaciones de la lista de canciones] - Doug Hinman

Fotografía de Chris Walter, David Queenan, Ivan Keeman

Intérpretes

Mick Avory, batería, percusión

John Dalton, bajo, coros

Dave Davies, guitarra principal, coros, voz co-solista en "Australia" y "Arthur", voz solista en sus propias pistas

Ray Davies, voz principal y coros, guitarra rítmica, clavicémbalo y piano, producción

Pete Quaife, bajo, coros en "Plastic Man", "King Kong", "This Man He Weeps Tonight", "Lincoln County", "Hold My Hand" y "Creeping Jean"

Composiciones [historia original de Arthur] Julian Mitchell y Ray Davies

Arreglos, The Kinks

Listado de Temas:

Cd 1

Original Stereo Album, 2019 Remaster

101 - Victoria - 03:42 min.

102 - Yes Sir, No Sir - 03:50 min.

103 - Some Mother's Son - 03:28 min.

104 - Drivin' - 03:24 min.

105 - Brainwashed - 02:37 min.

106 - Australia - 06:50 min.

107 - Shangri-La - 05:23 min.

108 - Mr. Churchill Says - 04:46 min.

109 - She's Bought a Hat Like Princess Marina - 03:12 min.

110 - Young and Innocent Days - 03:25 min.

111 - Nothing to Say - 03:11 min.

112 - Arthur - 05:32 min.

Bonus Tracks

113 - Plastic Man (Stereo) - 03:04 min.

114 - Victoria (Alternate Stereo Remix) - 03:55 min.

115 - Yes Sir, No Sir (Alternate Stereo Remix) - 03:55 min.

116 - Drivin' (Alternate Stereo Remix) - 03:42 min.

117 - Brainwashed (Alternate Stereo Remix) - 02:39 min.

118 - Australia (Alternate Stereo Remix) - 07:19 min.

119 - Shangri-La (Alternate Stereo Remix) - 05:31 min.

Cd 2

Original Mono Album, 2019 Remaster

201 - Victoria - 03:44 min.

202 - Yes Sir, No Sir - 03:50 min.

203 - Some Mother's Son - 03:29 min.

204 - Drivin' - 03:16 min.

205 - Brainwashed - 02:39 min.

206 - Australia - 06:48 min.

207 - Shangri-La - 05:23 min.

208 - Mr. Churchill Says - 04:45 min.

209 - She's Bought a Hat Like Princess Marina - 03:11 min.

210 - Young and Innocent Days - 03:24 min.

211 - Nothing to Say - 03:11 min.

212 - Arthur - 05:30 min.

Bonus Tracks

213 - Plastic Man (Mono) - 03:05 min.

214 - King Kong (Mono) - 03:26 min.

215 - Victoria (Mono Rough Mix) - 03:39 min.

216 - Australia (Mono Acetate Mix) - 07:03 min.

217 - Shangri-La (Mono Rough Mix) - 05:22 min.

218 - She's Bought a Hat Like Princess Marina (Mono Rough Mix) - 03:07 min.

219 - Australia (Australian Single Mix Edit) - 02:40 min.

Cd 3

The Great Lost Dave Davies Album (Stereo)

301 - This Man He Weeps Tonight - 02:43 min.

302 - Mindless Child of Motherhood - 03:14 min.

303 - Hold My Hand - 03:17 min.

304 - Do You Wish to Be a Man? - 02:45 min.

305 - Are You Ready - 04:05 min.

306 - Creeping Jean - 03:14 min.

307 - I'm Crying - 02:43 min.

308 - Lincoln County (Stereo - Original Mix) - 03:27 min.

309 - Mr. Shoemaker's Daughter (Stereo - Original Mix) - 03:12 min.

310 - Mr. Reporter (Stereo - Original Mix) - 03:43 min.

311 - Groovy Movies (Stereo - Original Mix) - 02:37 min.

312 - There Is No Life Without Love - 01:56 min.

Bonus Tracks

313 - Lincoln County (Mono Single Mix Edit) - 03:13 min.

314 - There Is No Life Without Love (Mono Single Mix) - 02:04 min.

315 - Hold My Hand (Mono Single Mix) - 03:20 min.

316 - Creeping Jean (Mono Single Mix/Edit) - 03:16 min.

317 - Mindless Child Of Motherhood (Mono Single Mix) - 03:16 min.

318 - This Man He Weeps Tonight (Mono Single Mix) - 02:43 min.

319 - Mr. Shoemaker's Daughter (Stereo Remix) - 03:22 min.

320 - Mr. Reporter (Stereo Remix) - 04:08 min.

321 - Groovy Movies (Stereo Remix) - 03:18 min.

322 - Lincoln County (Acoustic Stereo Remix) - 03:47 min.

323 - Hold My Hand (Alternate Take) - 02:58 min.

Cd 4

Demos, Rehearsals, BBC Mixes, Theatrical, Doo Wop, Remixes

Part 1

401 - Arthur's Journey (Introduction) (Stereo) - 01:34 min.

402 - Australia (2019 Remix) (Stereo) - 06:52 min.

403 - Home Demos Medley, 1969: Arthur, Victoria, Some Mother's Son, Drivin', Brainwashed, Mr. Churchill Says (TV Premix) (Mono) - 07:49 min.

Part 2

404 - Shangri-La (2019 Remix) (Stereo) - 05:54 min.

405 - My Big Sister (Theatrical Version) (Stereo) - 01:11 min.

406 - Stevenage (Theatrical Version) (Stereo) - 01:37 min.

407 - Space (Theatrical Version) (Stereo) - 03:32 min.

408 - The Future (Doo-Wop Version) (Stereo) - 02:26 min.

409 - Arthur (Doo-Wop Version) (Stereo) - 03:48 min.

Part 3

410 - The Virgin Soldiers March (Mono) - 02:33 min.

411 - Soldier's Coming Home (Mono) - 00:54 min.

412 - King Kong (BBC Mix) (Mono) - 02:16 min.

413 - Victoria (Live) (Stereo) - 02:59 min.

Bajo: Dick Nolan

Batería: Damon Wilson

Guitarra eléctrica y voz: Bill Shanley

Conjunto, Voz: Vocal Ensemble

Guitarra y voz: Ray Davies

Teclados: Ian Gibbons

Orquesta: DR Symphony

414 - Arthur (BBC Mix) (Mono) - 03:23 min.

75 Temas. Tiempo Total 04:36:06

flac ¬ 905 ¬ 2,72 GB

RipPor ¬ Doobiebro

|06-nov-19 13:00 - rev. 06-nov-19 13:03|

El Cielo Y El Dedo

http://ElCieloYElDedo.blogspot.com

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Reseñas

The Kinks. Arthur Or The Decline And Fall Of The British Empire

Sello BMG BMGCAT407BOX, ABKCO Music BMGCAT407BOX, Pye Records BMGCAT407BOX

Formato:

Cofre, Edición Limitada, Caja Deluxe 50 Aniversario

CD, Reedición, Remasterizado, Estéreo

CD, Reedición, Remasterizado, Mono

CD, Reedición, Remasterizado, Estéreo, Mono

CD, Remasterizado, Estéreo, Mono

Todos los medios, libro de lujo de 68 páginas, carteles y fotos reproducidos, insignia de metal

Publicado Europa Oct 25, 2019

Género Rock. Estilo Pop Rock

Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) Review

https://www.allmusic.com/album/arthur-or-the-decline-and-fall-of-the-british-empire-mw0000713876

by Stephen Thomas Erlewine

Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) amplía los temas de orientación británica del disco Village Green Preservation Society, contando la historia de la decisión de un hombre de Londres de mudarse a Australia durante las secuelas de la Segunda Guerra Mundial. Es un ciclo de canciones detallado y amoroso, que captura las minucias de la vida suburbana, el efecto adormecedor de la burocracia y los horrores de la guerra. En el guión, Arthur suena como un desastre pretencioso, pero las letras y las ideas de Ray Davies rara vez han sido tan elegantes o hábilmente ejecutadas, y la música es notable.

Arthur, un asunto más vanguardista y rockero que Village Green, tiene múltiples capas tanto musical como líricamente. "Shangri-La" evoluciona del folk inglés al hard rock, "Drivin'" tiene una perezosa gracia, "Young and Innocent Days" es una balada encantadora y melancólica, "Some Mother's Son" es una de las canciones más intransigentes jamás grabadas contra la guerra, mientras que "Victoria" y "Arthur" rockean con simple alegría. La música hace que las palabras sean más profundas y las canciones nunca se alejan demasiado del tema del álbum, lo que convierte a Arthur en uno de los álbumes conceptuales más efectivos en la historia del rock, así como en uno de los mejores y más influyentes discos del pop británico de su época.

https://en.wikipedia.org/wiki/Arthur_(Or_the_Decline_and_Fall_of_the_British_Empire)

“Arturo (O la decadencia y caída del imperio británico)” es el séptimo álbum de estudio de The Kinks, lanzado en octubre de 1969. El líder de Kinks, Ray Davies, construyó el álbum conceptual como la banda sonora de una obra para Granada Television, y desarrolló la historia con el novelista Julián Mitchell; sin embargo, el programa de televisión fue cancelado y nunca producido. La trama aproximada giraba en torno a Arthur Morgan, un instalador de alfombrados, que se basaba en el cuñado de Ray Davies, Arthur Anning.

Una versión estéreo fue lanzada internacionalmente. Se lanzó una versión mono en el Reino Unido, pero no en los EE. UU.

'Arthur...' fue recibida con elogios casi unánimes tras su lanzamiento. Recibió una generosa cobertura en la prensa de rock estadounidense, con artículos publicados en revistas clandestinas como Fusion y The Village Voice. Obtuvo críticas consecutivas de Mike Daly y Greil Marcus en la sección principal de la revista Rolling Stone; Daly lo calificó como "el mejor momento de los Kinks", y Marcus llegó a llamarlo "el mejor álbum británico de 1969". Las críticas en el Reino Unido también fueron positivas. Aunque recibió una crítica mixta en New Musical Express, Disc & Music Echo elogió la integridad musical del álbum y Melody Maker lo llamó "el mejor momento de Ray Davies ... bellamente británico hasta la médula".

El álbum, aunque no tuvo mucho éxito comercial, supuso un regreso a las listas de éxitos estadounidenses para The Kinks. El álbum en sí alcanzó el número 50 en las listas de Record World y el número 105 en Billboard, su posición más alta desde 1965. En Gran Bretaña no llegó a las listas.

Arturo parte 1

https://1fichier.com/?x9v381uxd32qebd3ziau

Arturo parte 2

https://1fichier.com/?kmravbmofjvot9lgay2v

Arturo parte 3

https://1fichier.com/?s1tco49xbs0lb8uf61np

Arturo parte 4

https://1fichier.com/?n0p6rm2f1tqf6mcce15l

Arturo parte 5

https://1fichier.com/?gukq68gxzuj24em3tfh0

Arturo parte 6

https://1fichier.com/?mcbddlvth9urizkdviol

Arturo parte 7

https://1fichier.com/?q0r2tjbmar9rkjfffjy3

Arturo parte 8

https://1fichier.com/?sxp8fp2heck0qv9c6f1e

Arturo parte 9

https://1fichier.com/?49sabn5af6syhc4yua6a

The Hollies. The Hollies' Greatest Hits, 1973

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Thu, 13 Jan 2022 12:30:00 +0100

The Hollies ¬ The Hollies' Greatest Hits. Álbum de 1973

Epic Legacy, EK 86463 (2002 Remastered Cd)

13 Temas. Tiempo Total 00:41:35

Créditos

Diseño - Lisa Sparagano

Diseño de Portada y Collage - Karen Lee Grant

Master - Vic Anesini

Productor de la reedición: Bob Irwin

CristalMaster en DADC - DIDP-107580

Notas de contraportada - Toby B. Mamis

Intérpretes:

Bernie Calvert, Allan Clarke, Bobby Elliott, Tony Hicks, Graham Nash, Terry Sylvester

Listado de Temas:

Lp Cara A

01 - Bus Stop - 02:55 min.

Composición de G. Gouldman

Producer – The Hollies

02 - Carrie-Anne - 02:55 min.

Composición de A. Clarke, G. Nash, T. Hicks

Producer – Ron Richards

03 - Look Through Any Window - 02:18 min.

Composición de C. Silverman, G. Gouldman

Producer – The Hollies

04 - Stop, Stop, Stop - 02:51 min.

Composición de A. Clarke, G. Nash, T. Hicks

Producer – The Hollies

05 - Long Cool Woman in a Black Dress - 03:18 min.

Composición de A. Clarke, R. Cook, R. Greenaway

Producer – Ron Richards, The Hollies

06 - Dear Eloise - 03:05 min.

Composición de A. Clarke, G. Nash, T. Hicks

Producer – Ron Richards

Lp Cara B

07 - He Ain't Heavy... He's My Brother - 04:20 min.

Composición de B. Russell, B. Scott

Producer – Ron Richards

08 - Just One Look - 02:29 min.

Composición de D. Payne, G. Carol

Producer – The Hollies

09 - King Midas in Reverse - 03:01 min.

Composición de A. Clarke, G. Nash, T. Hicks

Producer – Ron Richards

10 - Long Dark Road - 04:19 min.

Composición de K. Lynch, T. Hicks

Producer – Ron Richards, The Hollies

11 - Pay You Back with Interest - 02:40 min.

Composición de A. Clarke, G. Nash, T. Hicks

Producer – The Hollies

12 - On a Carousel - 03:14 min.

Composición de A. Clarke, G. Nash, T. Hicks

Producer – The Hollies

Bonus Track

13 - The Air That I Breathe - 04:10 min.

Composición de A. Hammond, M. Hazelwood

13 Temas. Tiempo Total 00:41:35

flac ¬ 888 ¬ 264,08 MB

RipPor ¬ Pirs18

|18/07/07 10:23|

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Reseñas

The Hollies – The Hollies' Greatest Hits

Sello: Epic KE 32061

Formato Vinilo, LP, Stereo, Compilation, Pitman Press

País US Publicado Oct 1973

Sello Epic – EK 86463, Legacy – EK 86463

Formato CD, Compilation,

Reissue, Remastered, US Publicado 2002

Género Rock, Pop. Estilo Psychedelic Rock, Pop Rock

The Hollies — The Hollies’ Greatest Hits

https://vinyldistractions.com/the-hollies-the-hollies-greatest-hits-2/

por Cjvinyl, January 10, 2021

Ya admití que a menudo no compraba álbumes porque ya tengo los éxitos en otros lugares en una colección de grandes éxitos, o incluso en 45 Rpm., y en los días en que cada dólar contaba, comprar una canción que ya tenía, no cobraba sentido para mí. Eventualmente descubrí esto sobre mí mismo y evité en su mayoría las colecciones de grandes éxitos, pero ese no fue el caso en 1980 o 1981, cuando compré The Hollies 'Greatest Hits. No, no del que hablé la última vez, que fue en Imperial, éste, de Epic. Lanzado en 1973, seis años después del álbum anterior, tenía cinco o seis álbumes nuevos para elegir material y, sin embargo, es casi lo mismo que el lanzamiento de Imperial. Después de que Graham Nash se fuera en 1969, el grupo continuó teniendo un gran éxito en el Reino Unido (con un desconocido Elton John tocando en "He Ain't Heavy Here My Brother" y en "I Can't Tell the Bottom from the Top") pero hubo algunos sencillos en el Reino Unido que no hicieron mucho aquí en los Estados Unidos, por lo que parece que Epic decidió que en lugar de hacer un enfoque de “volumen 2”, cubrirían toda la carrera.

Para mí, eso significaba que seis de las 12 canciones de esta colección también estuvieran en los otros grandes éxitos, así que, honestamente, estoy bastante sorprendido de haber comprado esto. Debió de haber sido por los puntos fuertes de la recordada con cariño "Long Cool Woman in a Black Dress", que jugó mucho en mis impresionables años de adolescencia, e incluso por "Long Dark Road". Me introdujo a la anterior "Dear Eloise", que no había conocido y amaba, amaba, amaba, así como "King Midas in Reverse", por lo que me trajo suficientes "nuevas de Hollies para mí" como para que las pusiera con bastante frecuencia y para llenar varios cassettes.

No estoy seguro de cómo me siento al respecto de la portada. Me gusta la idea de intentar capturar de alguna manera cada una de las canciones en una ilustración (estoy bastante seguro de que al menos otro disco de mi colección adopta ese enfoque) pero. . . ¿habría funcionado mejor si no hubiera sido codificado como un mapa? Me parece un poco "en la nariz", como se suele decir.

Reseña de The Hollies 'Greatest Hits

https://www.allmusic.com/album/the-hollies-greatest-hits-mw0000691340

por William Ruhlmann

The Hollies 'Greatest Hits, cuyo lanzamiento fue provocado por el éxito de "Long Cool Woman in a Black Dress" de 1972, el single estadounidense más exitoso de la banda, contiene 12 de sus 14 mayores éxitos en EE. UU., de entre 1964 a 1972, y solo faltan "Jennifer Eccles" y "I Can't Let Go", que sustituye a los ligeramente más bajos, aunque quizás más familiares, "Dear Eloise" y "King Midas in Reverse". Como tal, es un Lp con una colección de éxitos para el mercado estadounidense, muy cercana a lo que podía hacerse en este momento.

Los Acebos Exitosos

https://1fichier.com/?gx5h7krgpi8fs5lzeqkz

Paul Simon. In The Blue Light, 2018

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Wed, 12 Jan 2022 12:30:00 +0100

Paul Simon. In The Blue Light, 2018

10 Temas. Tiempo Total 00:43:52

flac ¬ 737 ¬ 218,28 MB

Coordinador - Jim Corona

Ingeniero - Andy Smith

Ingeniero adicional - Brett Mayer, Chris Allen, Owen Mulholland

Ingeniero asistente - Grant Valentine, Matt Soares, Nate Odden

Diseño e ilustración - Elana Schlenker, Mark Pernice

Gestión: Dani Barnard, Eddie Simon, Jeff Kramer

Mezclas - Roy Halee

Master - Greg Calbi

Fotografía - Joost Evers

Producción - Paul Simon, Roy Halee

Intérpretes:

Paul Simon: Voz, Guitarra Acústica, Percusión, Armonio

Bill Frisell: Guitarra eléctrica

Steve Gadd: batería

Renaud Garcia-Fons: Bajo

Joel Wenhardt: piano

Nate Smith: batería

Jim Oblon: Guitarra

John Patitucci: Bajo

Edie Brickell: chasquidos de dedos

CJ Camerieri: Trompeta

Andy Snitzer: saxofón

Sullivan Fortner: piano

Wynton Marsalis: Trompeta

Marcus Printup: Trompeta

Dan Block: Clarinete

Walter Blanding: saxofón

Wycliffe Gordon: Tuba

Chris Crenshaw: Trombón

Marion Felder: batería

Herlin Riley: Pandereta

Odair Assad: Guitarra

Sérgio Assad: Guitarra

Walter Blanding: saxofón

Jamey Haddad: Percusión

Vincent Nguini: Guitarra eléctrica

Mark Stewart: guitarra acústica

Sullivan Fortner: Piano, Celeste

Jack DeJohnette: Batería

Joe Lovano: saxofón.

Composiciones de Paul Simon

Listado

01 - One Man's Ceiling Is Another Man's Floor - 04:01 min.

Del disco There Goes Rhymin' Simon (1973)

Bajo - John Patitucci

Batería - Nate Smith

Finger Snaps - Edie Brickell

Guitarra - Jim Oblon

Piano - Joel Wenhardt

Saxo - Andy Snitzer

Trompeta - C. J. Camerieri

Voz, Percusión - Paul Simon

02 - Love - 04:11 min.

Del disco You're the One (2000)

Bajo - Renaud Garcia-Fons

Batería - Steve Gadd

Guitarra eléctrica - Bill Frisell

Voz, Guitarra acústica, Percusión, Harmonium - Paul Simon

03 - Can't Run But - 03:29 min.

Del disco The Rhythm of the Saints (1990)

Arreglos - Bryce Dessner

Arreglo original - Marco Antônio Guimarães

Ensemble - YMusic

Voz - Paul Simon

04 - How The Heart Approaches What It Yearns - 04:30 min.

Del disco One-Trick Pony (1980)

Bajo - John Patitucci

Batería - Nate Smith

Piano - Sullivan Fortner

Trompeta - Wynton Marsalis

Voz - Paul Simon

05 - Pigs, Sheep And Wolves - 04:01 min.

Del disco You're the One (2000)

Clarinete - Dan Block

Batería - Marion Felder

Saxo - Walter Blanding

Pandereta - Herlin Riley

Trombón - Chris Crenshaw

Trompeta - Marcus Printup

Trompeta y arreglos - Wynton Marsalis

Tuba - Wycliffe Gordon

Voz, Percusión - Paul Simon

06 - René And Georgette Magritte With Their Dog After The War - 04:44 min.

Del disco Hearts and Bones (1983)

Arreglos – Robert Sirota

Ensemble – YMusic

Voz, Guitarra Eléctrica – Paul Simon

07 - The Teacher - 03:45 min.

Del disco You're the One (2000)

Clarinete - Dan Block

Batería - Marion Felder

Saxo - Walter Blanding

Pandereta - Herlin Riley

Trombón - Chris Crenshaw

Trompeta - Marcus Printup

Trompeta y arreglos - Wynton Marsalis

Tuba - Wycliffe Gordon

Voz, Percusión - Paul Simon

08 - Darling Lorraine - 07:14 min.

Del disco You're the One (2000)

Guitarra acústica - Mark Stewart

Arreglos - Rob Moose

Bajo - John Patitucci

Batería - Steve Gadd

Guitarra eléctrica - Bill Frisell, Vincent Nguini

Ensemble - YMusic

Voz, Percusión - Paul Simon

09 - Some Folks' Lives Roll Easy - 03:59 min.

Del disco Still Crazy After All These Years (1975)

Bajo - John Patitucci

Batería - Jack DeJohnette

Piano, Celesta - Sullivan Fortner

Saxo - Joe Lovano

Voz - Paul Simon

10 - Questions For The Angels - 04:01 min.

Del disco So Beautiful or So What (2011)

Bajo - John Patitucci

Guitarra eléctrica - Bill Frisell

Armonio, órgano [Chromelodeon] - Sullivan Fortner

Percusión - Skip LaPlante

Voz, Guitarra acústica, Armónica, Percusión - Paul Simon

10 Temas. Tiempo Total 00:43:52

flac ¬ 737 ¬ 218,28 MB

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Reseñas

Paul Simon ‎– In The Blue Light

Sello: Legacy ‎– 19075841442

Publicado: 07 Sep 2018

Género: Pop, Folk, World, & Country

In the Blue Light es el decimocuarto álbum de estudio en solitario del cantante y compositor de folk rock estadounidense Paul Simon. Producido por Roy Halee y él mismo, fue lanzado el 7 de septiembre de 2018 a través de Legacy Recordings. El álbum consiste en regrabaciones de canciones menos conocidas del catálogo de Simon, a menudo alterando sus arreglos originales, estructuras armónicas y letras. Las canciones fueron grabadas con invitados, incluyendo el conjunto instrumental Music, el guitarrista Bill Frisell, el trompetista Wynton Marsalis y Bryce Dessner de National. El título del álbum es una referencia a la letra de la canción "How the Heart Approaches What It Yearns" del álbum de 1980, One-Trick Pony.

En una entrevista para CBC Radio, Simon confirmó que se grabaron más canciones durante las sesiones del álbum. Las tomas descartadas incluyen una serie de canciones no especificadas de You're the One y una regrabación de "The Sound of Silence" con música basada en el arreglo de la versión en vivo de Simon de los últimos años. Se desconoce si estas grabaciones se lanzarán o no.

Dave Simpson, en The Guardian, le dio al álbum cuatro estrellas y dijo que "en general, los arreglos más dispersos permiten más espacio para las deslumbrantes imágenes y las reflexiones oblicuas pero relevantes de Simon sobre [varios] temas". Jesse Hassenger de The A.V. Club le dio al álbum una B- y escribió: "Sería fácil empantanarse al tratar a Blue Light como un ejercicio de comparación y contraste, pero lo más impresionante es la forma en que suena más o menos como una pieza propia de registro original". David Browne de Rolling Stone escribió que, "En el mejor de los casos, In the Blue Light equivale a una lista de canciones de ensueño para los devotos de Paul, quienes desearían que hiciera shows completos con rarezas de este tipo". Stephen Thomas Erlewine de Allmusic opinó que "Todo en In the Blue Light es deliberado, suave y sutil, poniendo tanto énfasis en las palabras y la melodía como en la instrumentación, lo que no es necesariamente el caso de los densos álbumes originales".

Azulete

https://1fichier.com/?k56h8gutonco0pajxzi0

Johnny & The Hurricanes

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Tue, 11 Jan 2022 12:30:00 +0100

Johnny & The Hurricanes ¬ Red River Rock and All The Hits. Álbum de 1990

32 Temas. Tiempo Total 01:13:01

flac ¬ 735 ¬ 352,26 MB

Johnny & the Hurricanes. Artist Biography

https://www.allmusic.com/artist/johnny-the-hurricanes-mn0000242577/biography

por Heather Phares

Uno de los grupos instrumentales más distintivos de los años 50 y 60, Johnny & the Hurricanes produjo el éxito Top Ten "Red River Rock" y compuso varios otros éxitos instrumentales que mezclaban rock & roll con melodías tradicionales. Originalmente conocido como The Orbits, el grupo se formó en Toledo, OH, en 1958 y fue dirigido por el saxofonista Johnny Paris; otros miembros incluyeron al organista Paul Tesluk, el guitarrista Dave Yorko, el bajista Lionel "Butch" Mattice y el baterista Tony Kaye. Después de una temporada de grabaciones con el cantante rockabilly Mack Vickery, el grupo viajó a Detroit, con la esperanza de convertirse en banda de apoyo para cantantes emergentes. Sin embargo, un par de promotores musicales, Harry Balk e Irving Michanik, les ficharon como grupo por su cuenta, y grabaron su primer sencillo, "Crossfire", para el sello Twirl en 1959. "Crossfire" pasó al número 23 y el el grupo pasó al sello Warwick para publicar "Red River Rock", un instrumental de rock & roll sobe el estándar "Red River Valley, que alcanzó el puesto número cinco. Los Hurricanes respondieron a su éxito con más de lo mismo, entregando "Reveille Rock", "Rockin 'Goose", "Revival" y "Beatnik Fly" durante el siguiente año, con giras extensas todo el tiempo. Finalmente, el ritmo - y la falta de nuevos sencillos de éxito - alcanzó al grupo, y Johnny & the Hurricanes se disolvió en 1965. Paris se mudó a Hamburgo y comenzó con su propio sello, Atila, y en 1970 formó una nueva alineación de los Hurricanes, que estuvo de gira hasta noviembre de 2005, dos semanas antes de que Paris enfermara y fuera hospitalizado. Murió el 1 de mayo de 2006 a causa de una neumonía tras una esplenectomía.

Listado de Temas:

01 - Red River Rock - 02:11 min.

02 - Crossfire - 02:27 min.

03 - Revellie Rock - 02:24 min.

04 - Sheba - 02:11 min.

05 - Rockin' Goose - 01:50 min.

06 - Mr. Lonely - 02:09 min.

07 - High Voltage - 02:24 min.

08 - Come On Train - 02:20 min.

09 - Buckeye - 02:11 min.

10 - Lazy - 02:07 min.

11 - Time Bomb - 01:51 min.

12 - Sand Storm - 02:15 min.

13 - Revival - 02:25 min.

14 - Molly-O - 02:23 min.

15 - Traffic Jam - 02:29 min.

16 - The Hungry Eye - 02:13 min.

17 - Beatnik Fly - 02:11 min.

18 - Down Yonder - 02:06 min.

19 - You Are My Sunshine - 02:13 min.

20 - Bamboo - 02:23 min.

21 - Thunderbolt - 02:08 min.

22 - Cutout - 02:02 min.

23 - Walkin' - 02:50 min.

24 - Joy Ride - 02:30 min.

25 - Rock Cha - 02:32 min.

26 - Happy Time - 02:10 min.

27 - Storm Warning - 02:44 min.

28 - Corn Bread - 02:06 min.

29 - Catnip - 02:16 min.

30 - Travelin' - 02:13 min.

31 - Rocking T - 02:00 min.

32 - Milk Shake - 02:47 min.

32 Temas. Tiempo Total 01:13:01

flac ¬ 735 ¬ 352,26 MB

RipPor ¬ Puzun |13-dic-20 16:06|

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Reseñas

Johnny and the Hurricanes tuvieron dos éxitos del Top Forty Instrumental con el furioso saxo tenor de Johnny Paris y el órgano Hammond de Paul Tesluk: "Crossfire" (# 23, 1959) y el millonario en ventas "Red River Rock" (# 5, 1959).

http://www.history-of-rock.com/johnny_and_the_hurricanes.htm

The Hurricanes comenzaron como un combo en Ohio, formado en 1957 por un grupo de estudiantes del Rossford Catholic High de Toledo. El líder del grupo era el saxofonista Johnny Paris, nacido como John Pocisk en 1940 en Walbridge, Ohio. Paris creció escuchando a los grandes del jazz hasta que Bill Haley se hizo popular usando una combinación de acompañamiento de guitarra y saxo. Paris formó Orbits, una banda que tocó en algunas grabaciones publicadas localmente respaldando a Mack Vickery, un desconocido cantante de rockabilly.

The Orbits tenían algo en común en la música: ninguno de los miembros quería cantar. En 1958, sintieron que tenían suficiente experiencia tocando saltos por bailes locales, y fueron a Detroit para ser entrevistados por Harry Balk e Irving Micahnik, de Artists, Inc., una agencia de administración que manejaba a Little Willie John y que en esos momentos estaban teniendo un cierto éxito con "Poor Boy", de Royaltones. Firmaron un contrato a largo plazo que dio lugar a compromisos fuera del área de Toledo. A principios de 1959, ahora llamados Johnny and the Hurricanes, firmaron con Twirl Records de Micahnik y Balk y lanzaron su primer single, "Crossfire". Cuando el disco comenzó a reproducirse en área regional, el contrato de grabación del grupo fue arrendado a Warwick Records, una subsidiaria de United Telefilm.

"Crossfire" fue un éxito de tamaño medio a nivel nacional durante el verano de 1959. La primera y breve gira del grupo comenzó en junio en Cincinnati, en Moonlight Gardens de Coney Island. La continuación de "Crossfire" fue una reescritura de "Red River Valley" llamada "Red River Rock". El sonido de Johnny and the Hurricanes, en sus diversas formaciones, fue muy limpio y cada instrumento se escuchaba claramente, lo que constituiría marca habitual en la mayoría de sus grabaciones. "Red River Rock" vendió un millón de copias y fue seguida por dos sencillos similares, "Reveille Rock" y "Beatnik Fly".

Después de un año con Warwick, en el verano de 1960 el grupo se mudó a Big Top Records. No hubo cambios en la dirección musical. El primer sencillo en el sello sería "Down Yonder", seguido por "Rocking Goose", "Revival" y "You Are My Sunshine".

La mayor parte del material interpretado por Johnny and the Hurricanes se atribuyó a "T. King e I. Mack", seudónimos de Balk y Micahnik. Ninguno de los Hurricanes recibió reconocimiento ni derechos de autor por la composición de las canciones, aunque la mayoría de los arreglos fueron elaborados por Johnny and the Hurricanes. El uso continuo de una producción discográfica similar, combinado con el truco de interpretar una vieja canción con un ritmo de rock and roll, resultó en menos ventas con cada lanzamiento, de modo que, a principios de 1961, "Ja-Da" apenas hizo mella en las listas de éxitos y Johnny and the Hurricanes abandonó la corriente principal de la música. El grupo continuaría grabando otros ocho sencillos en Big Top.

I’m One of the 300

Wikipedia https://en.wikipedia.org/wiki/Johnny_and_the_Hurricanes

¡Johnny y el grupo Hurricanes USA!

https://johnny-and-the-hurricanes.com/

La banda desarrolló seguidores en Europa. En 1962, tocaron en el Star-Club de Hamburgo, donde los Beatles, entonces una banda poco conocida, actuaron como teloneros. Johnny and the Hurricanes grabaron discos hasta 1987, con "Old Smokie" (su versión de "On Top of Old Smokey") y una melodía original, "Traffic Jam", ambos en Big Top Records, siendo sus últimos lanzamientos en las listas de éxitos en America. Johnny Paris, el único miembro constante de la banda, continuó de gira con sus Hurricanes por Europa y Estados Unidos hasta su muerte. Tenía un tío, un agente de bienes raíces, en Rossford, Ohio, la ciudad natal de Johnny, que era dueño de un edificio en la calle principal y le ofreció a la primera esposa de Johnny, Sharon Venier-Pocisk, espacio para una tienda de antigüedades. Cuando no estaba en giras, ayudaba con la tienda de antigüedades y el negocio de las máquinas expendedoras como pago por la tienda de su primera esposa.

Johnny Paris y su banda hicieron giras por Europa ocasionalmente hasta finales de 2005. Murió el 1 de mayo de 2006 en la Clínica Universitaria de Ann Arbor, Michigan, de infecciones transmitidas por el hospital después de una operación. La segunda esposa y viuda de Paris, la periodista, novelista y vocalista alemana Sonja Verena (Reuter) Paris, se hizo cargo de su negocio (Atila Records, Sirius Music y Johnny and the Hurricanes Incorporated) y de los derechos de sus canciones y marcas registradas. Paris comentó en alguna ocasión que más de 300 músicos tocaron en la banda en sus cincuenta años de existencia.

Johnny Paris murió el 1 de mayo de 2006, a los 65 años. El baterista Bill "Little Bo" Savich murió el 4 de enero de 2002, a los 61 años. El bajista Lionel "Butch" Mattice murió el 16 de octubre de 2006 a los 67 años. El guitarrista David Yorko murió el 17 de febrero de 2017 a la edad de 73 años.

https://en.wikipedia.org/wiki/Johnny_and_the_Hurricanes

JuanitoHuracán

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Gong. Love From The Planet Gong. Cd 8 y 9 Roanne Club Arc En Ciel Live, 17th Aug 1973

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Mon, 10 Jan 2022 12:30:00 +0100

Gong. Love From The Planet Gong: The Virgin Years 1973-1975

BoxSet Especial 50 Aniversario

12 Cds + 1 DVD. Sonido Surround. Remasterizado

lanzado el 27 de septiembre de 2019

CD 1 Flying Teapot

CD 2 Angel’s Egg

CD 3 You

CD 4 Shamal

CD 5 BBC Radio 1 Sessions And Edinburgh Live

CD 6 Paris Bataclan Live, 20th May 1973, Pt.1

CD 7 Paris Bataclan Live, 20th May 1973, Pt.2

CD 8 Roanne – Club Arc En Ciel Live, 17th Aug 1973, Pt.1

CD 9 Roanne – Club Arc En Ciel Live, 17th Aug 1973, Pt.2

CD 10 London – Hyde Park Live, 28th June 1974

CD 11 London – The Marquee Club Live, 9th & 10th Sept 1975, Pt.1

CD 12 London – The Marquee Club Live, 9th & 10th Sept 1975, Pt.2

13 (DVD) You Quad Surround Sound

Reseña

Gong / Love From The Planet Gong: The Virgin Years 1973-1975 / 13-disc box

https://superdeluxeedition.com/news/gong-love-from-planet-gong-the-virgin-years-1973-1975-13-disc-box/

de Paul Sinclair, News 27 Aug 2019

Cocinada por Steve Hillage y lanzada con la participación total de los miembros originales, los legendarios surrealistas psicodélicos Gong son el tema de una nueva caja en el lanzamiento de Love From Planet Gong: The Virgin Years 1973-75.

Este paquete de 13 discos incluye los primeros cuatro álbumes de estudio en Virgin de la banda, con bonus tracks; conciertos completos con múltiples pistas inéditas, las sesiones completas de John Peel de 1973 y 1974; mezclas de Quad Pye y Westlake inéditas de You, de 1974 reformateadas a sonido envolvente 5.1, con los diseños artísticos de los discos que incluyen obras y trabajos raros del difunto Daevid Allen, nunca antes vistos.

El audio está remasterizado por el ingeniero original, Simon Heyworth, y las grabaciones en vivo están mezcladas por el bajista de Gong, Mike Howlett. El set viene con un libreto ilustrado de 64 páginas, que incluye las letras de las canciones y el famoso e informativo 'Libro Azul' de Angel's Egg con un nuevo compañero, el 'Libro Verde' de Flying Teapot.

Paul Sinclair

https://superdeluxeedition.com/news/gong-love-from-planet-gong-the-virgin-years-1973-1975-13-disc-box/

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Gong. Love From The Planet Gong. Roanne – Live, 17th Aug. 1973, at Club Arc En Ciel

CD 8 Pt.1 - CD 9 Pt.2

14 Temas. Tiempo Total 01:27:25

Listado de Temas:

Los temas CD8-#1 y CD8-#4 a CD8-#6, descritos como 'Por primera vez en CD oficial'

101 - Other Side Of The Sky - 12:20 min.

Composición de Daevid Allen, Tim Blake

102 - Dynamite I Am Your Animal - 05:45 min.

Composición de Daevid Allen, Gilli Smyth

103 - 6X8 Tune - 03:50 min.

Composición de Daevid Allen, Tim Blake, Steve Hillage, Mike Howlett, Didier Malherbe, Pierre Moerlen, Gilli Smyth

104 - I Never Glid Before - 05:49 min.

Composición de Steve Hillage

105 - Zero The Hero And The Witch's Spell - 13:05 min.

Composición de Christian Tritsch, Daevid Allen

106 - I Am Your Pussy Prelude - 03:17 min.

Composición de Daevid Allen, Gilli Smyth

Los temas del CD 9, descritos como 'Inéditos'

201 - I Am Your Pussy - 05:18 min.

Composición de Daevid Allen, Gilli Smyth

202 - You Can't Kill Me - 08:52 min.

Composición de Daevid Allen

203 - Ooby Scooby Doomsday Or The DDay DJ's Got The D.D.T. Blues - 11:02 min.

Composición de Daevid Allen

204 - Flute Salad - 01:41 min.

Composición de Didier Malherbe

205 - Oily Way - 03:35 min.

Composición de Daevid Allen, Didier Malherbe

206 - Outer Temple - 01:23 min.

Composición de Steve Hillage, Tim Blake

207 - Inner Temple - 04:18 min.

Composición de Daevid Allen, Didier Malherbe

208 - Radio Gnome Invisible - 07:10 min.

Composición de Daevid Allen

14 Temas. Tiempo Total 01:27:25

flac ¬ 890 ¬ 570,13 MB

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CDs 8 y 9

https://1fichier.com/?dqmostdpex0bw7cli8nj

Del Shannon ¬ The Essential Collection 1961 1991. Álbum de 2012

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Sun, 9 Jan 2022 12:30:00 +0100

Del Shannon ¬ The Essential Collection 1961 1991. Álbum de 2012

52 Temas. Tiempo Total 02:14:45

Notas de portada
por Michael Heatley

De vendedor de alfombras a contendiente de listas de éxitos, esa fue la transformación que llevó al ex Charles Westover a triunfar en todo el mundo como Del Shannon a principios de 1961. Su impacto fue instantáneo pero no temporal, como muestra esta recopilación única que abarca toda su carrera. Cuenta con lanzamientos que va desde los sesenta hasta los noventa, década en la que ingresó póstumamente al Salón de la Fama del Rock and Roll.

Nacido en Coopersville, Michigan, el penúltimo día de 1934, Shannon fue una de las principales estrellas de la era anterior a los Beatles, de hecho, los Fab Four fueron uno de los grupos que lo apoyaron en el Royal Albert Hall de Londres en abril de 1963. Del estaba muy impresionado gracias a su nuevo lanzamiento, y se convirtió en el primer estadounidense en hacer una versión de una canción de Lennon y McCartney con "From Me To You", que salió a la venta dos meses después. No pudo emular su actuación en la cima de las listas de éxitos del Reino Unido con la canción, pero demuestra que tenía oído para el talento; los Beatles aún no eran famosos en Estados Unidos en ese momento.

La propia ruptura de Westover había llegado con el número uno "Runaway", compuesto con el teclista Max Crook. Crook tenía un teclado Musitron, una especie de sintetizador primitivo que tenía un tono distintivo; el cantante recogió una secuencia de notas que estaba tocando cuando actuaron juntos en una banda de un club nocturno, y escribió su primer y mayor éxito "Runaway". Lanzó el sencillo como Del Shannon, fusionando el apellido de un luchador famoso con una contracción de su automóvil favorito, el Cadillac Coupe DeVille.

"Runaway" pasó cinco semanas en la cima de las listas de Estados Unidos y desde entonces ha sido versiomeada por unos doscientos artistas, desde Elvis Presley hasta Small Faces o Bonni Raitt. Más tarde apareció en películas tan populares como American Graffiti y Born On The Fourth Of July y fue el tema del drama de televisión estadounidense Crime Story.

A raíz del éxito, el cantante de influencia country aprendió su oficio en las facturas de paquetes pop con personas como Johnny Mathis, Dion y Bobby Vee. El siguiente "Hats Off To Larry" presentó la misma combinación de teclado y voz en falsete que su predecesor y alcanzó el número cinco en Estados Unidos y el seis en Gran Bretaña. La pista del álbum "His Latest Flame" podría haber sido un éxito, pero la versión posterior de Elvis significó ser un single solo en Australia. En Estados Unidos descendió en las listas al 45, y en Gran Bretaña, donde "So Long Baby" se ubicó entre los diez primeros , se convirtió en un terreno de caza más feliz. "Hey! Little Girl", "The Swiss Maid", "Two Kinds Of Teardrops" y "Keep Searchin' (We Follow The Sun)" llegaron al top cinco del Reino Unido en 1963-65. Incluso éxitos relativamente menores como "Cry Myself To Sleep", número veintinueve en el Reino Unido en 1962, estaban dando en el clavo con fans como Reginald Dwight, quien (Elton John) lo usaría unos años más tarde como inspiración para "Crocodile Rock". Del, quien tocó la guitarra en muchas de sus grabaciones, también fue un modelo a seguir para Mark Knoptler de Dire Straits, quien lo reconoció como la razón por la que tomó el instrumento por primera vez.

A finales de 1965, sin embargo, parecía que el éxito de las listas de éxitos de Del en el Reino Unido había desaparecido. Pero mucho estaba sucediendo detrás de escena, y no menos el hecho de que estaba tomando acciones legales para reclamar regalías de sus primeros éxitos que no habían sido pagadas. Musicalmente, estaba buscando una nueva dirección con temas como "Move It On Over" (con un feroz Dennis Coffey al fuzz-guitar break), además de versiones de éxitos de grupos beat de Box Tops ("The Letter"), Rolling Stones. ("Under My Thumb") y los Monkees ("Ella"). Sin embargo, podría haber estado mejor confiando en su propio juicio: "I Go To Pieces", escrito por Shannon, fue un éxito entre los diez primeros en Estados Unidos para Peter & Gordon en 1965, y se dice que Del se arrepintió de no guardárselo para sí mismo. Con el verano del amor inminente y el poder de las flores en marcha, muchos creadores de éxitos de principios de los sesenta parecían agotados y pasados de moda. Sin embargo, Del Shannon estaba decidido a mantenerse actualizado. Un álbum 'Home And Away, fue grabado en el Reino Unido bajo la dirección del svengali de los Rolling Stones Andrew Loog Oldham. Los conocedores hablaron de él al mismo tiempo que "Pet Sounds" de los Beach Boys, pero no se publicó en ese momento; probamos Cut And Come Again "aquí junto con una serie de pistas individuales subvaloradas de las sesiones que se lanzaron con poco efecto comercial. El siguiente álbum, The Further Adventures Of Charles Westover, ha sido aclamado como un Lp obra maestra. Incluía todo tipo de instrumentos y trucos de estudio, como cuerdas al revés, clavecines y cajas de música, y está representado aquí por la hermosa "Thinkin 'It Over" y "Geminirian Hyland Gypsy Woman”.

Del ofreció sus habilidades de producción y arreglos a otros artistas, incluido Bob Seger. La versión producida por Shannon del clásico de Shirelles "Baby It's You", grabado por el grupo femenino Smith, fue un éxito estadounidense de 1969 que luego se usó con gran efecto en la película de Quentin Tarantino Death Proof, y él también supervisó la versión del "Gypsy Woman" de Curtis Mayfield por Brian Hyland, que alcanzaría el Top 3 de USA.

La influencia que Del tuvo en una generación de fans se reflejó cada vez más en las listas de éxitos en los años setenta cuando personas como el cantante y guitarrista galés Dave Edmunds, el líder de la Electric Light Orchestra Jeff Lynne y su compatriota estadounidense Tom Petty encontraron la fama. Luego, los tres expresaron su interés en colaborar con el hombre que les había inspirado. En 1974, Del Shannon se juntó con Edmunds para grabar "And The Music Plays On". Una sesión de 19975 con Lynne que produjo un par de sencillos, mientras que el enlace con Tom Petty dio como resultado un álbum en 1981 "Drop Down And Get Me", del cual se muestra aquí la versión del clásico "Sea Of Love", de Phil Phillips.

Para entonces, Shannon había renunciado al alcohol y, aparentemente rejuvenecido, había vuelto a las giras, mezclando material nuevo con éxitos que agradaron al público. Dio un giro country con dos singles grabados en Nasville para Warner Bros.

La historia de Del Shannon, que comenzó tan dramáticamente en 1960 con la creación de “Runaway” terminó en tragedia tres décadas después cuando, el 8 de febrero de 1990, lo encontraron muerto en su casa de Santa Clarita, California, con un arma a su lado. Tenía solo 55 años. Irónicamente, se había inclinado ampliamente a Del para disfrutar de otro giro en la montaña rusa de la fama como reemplazo de otro vocalista clásico, el fallecido Roy Orbison en los Travelling VWilburys, pero lamentablemente ese equipo de ensueño nunca llegó a ser. Los últimos meses de su vida los pasó grabando un álbum de canciones de cisne, “Rock On!”, con Jeff Lynne. Dos selecciones cierran un extenso documental sonoro de un talento excepcional que se negó a ser encasillado y cuya influencia perdurará mientras se toque música popular.

Michael Heatley

Listado de Temas:

Cd 1

101 - Runaway - 02:14 min.

Composición de Shannon, Crook

102 - Hats Off To Larry - 02:02 min.

Composición de Shannon

103 - Hey! Little Girl - 02:30 min.

Composición de Shannon

104 - So Long Baby - 02:01 min.

Composición de Shannon

105 - He Doesn't Care - 02:11 min.

Composición de Shannon

106 - Wide Wide World - 02:02 min.

Composición de Pomus, Shuman

107 - His Latest Flame - 02:21 min.

Composición de Pomus, Shuman

108 - Ginny In The Mirror - 02:10 min.

Composición de Pomus, Shuman

109 - I Won't Be There - 02:01 min.

Composición de Shannon

110 - Cry Myself To Sleep - 02:21 min.

Composición de Shannon

111 - The Swiss Maid - 02:06 min.

Composición de Miller

112 - Little Town Flirt - 02:48 min.

Composición de Shannon, Mckenzie

113 - Two Kinds Of Teardrops - 02:30 min.

Composición de Shannon, Mckenzie

114 - Kelly - 02:36 min.

Composición de Shannon, Mckenzie

115 - From Me To You - 01:56 min.

Composición de Lennon, McCartney

116 - Two Silhouettes - 02:19 min.

Composición de Shannon, Mckenzie

117 - She's Gotta Be Mine - 02:01 min.

Composición de Shannon

118 - That's The Way Love Is - 02:27 min.

Composición de Shannon

119 - Mary Jane - 02:27 min.

Composición de Shannon, Mckenzie

120 - Handy Man - 02:13 min.

Composición de Jones, Blackwell

121 - Do You Wanna Dance - 02:33 min.

Composición de Freeman

122 - Keep Searchin' (Follow The Sun) - 02:12 min.

Composición de Shannon

123 - I Go To Pieces - 02:27 min.

Composición de Shannon

124 - Why Don't You Tell Him - 02:09 min.

Composición de Shannon

125 - Needles & Pins - 02:06 min.

Composición de Nitzsche, Bono

126 - Rag Doll - 02:48 min.

Composición de Crewe, Gaudio

Cd 2

201 - Stranger In Town - 02:30 min.

Composición de Shannon

202 - Break Up - 02:19 min.

Composición de Shannon

203 - Move It On Over - 02:54 min.

Composición de Shannon, Coffey

204 - I Can't Believe My Eyes - 02:23 min.

Composición de Meshel, Barr

205 - The Big Hurt - 02:11 min.

Composición de Shanklin

206 - For A Little While - 02:27 min.

Composición de Shannon

207 - Show Me - 02:27 min.

Composición de Shannon

208 - Under My Thumb - 02:48 min.

Composición de Jagger, Richards

209 - The Letter - 02:14 min.

Composición de Carson

210 - She - 02:41 min.

Composición de Boyce, Hart

211 - Led Along - 02:29 min.

Composición de Nicholls

212 - Mind Over Matter - 02:52 min.

Composición de Solomons

213 - Cut And Come Again - 02:51 min.

Composición de Nicholls

214 - Runaway'67 - 03:27 min.

Composición de Shannon, Crook

215 - Thinkin It Over - 02:58 min.

Composición de James, Shannon

216 - Gemini - 03:25 min.

Composición de Shannon

217 - Raindrops - 03:00 min.

Composición de Clark

218 - Sister Isabelle - 02:33 min.

Composición de Hyland, Shannon

219 - What's A Matter Baby - 02:56 min.

Composición de Otis, Byers

220 - And The Music Plays On - 03:40 min.

Composición de Bourgoise, Shannon

221 - Sea Of Love - 02:35 min.

Composición de Khoury, Baptiste

222 - To Love Someone - 03:15 min.

Composición de Shannon

223 - Cheap Love - 03:01 min.

Composición de Shannon

224 - Life Without You - 03:51 min.

Composición de Shannon

225 - Callin' Out My Name - 03:47 min.

Composición de Shannon

226 - Walk Away - 03:40 min.

Composición de Shannon, Lynne, Petty

52 Temas. Tiempo Total 02:14:45

flac ¬ 875 ¬ 818,79 MB

RipPor ¬ Ready.zp |27-Dec-15 10:18|

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Reseñas

Del Shannon – The Essential Collection 1961-1991

Sello Music Club Deluxe – MCDLX176

Serie The Essential Collection

Formato 2 x CD, Compilation

Publicado en 2012 en UK

Género Rock, Blues, Pop, Folk, World, & Country

Compilado por - Matthew Jones

Diseño - Jools Williamson, para ED&P Ltd.

Fotografía cortesía de Michael Ochs Archives / Getty Images

Notas de portada - Michael Heatley

Gracias a Tony Rounce por su ayuda con los masters.

La información de publicación original es para la edición del Reino Unido.

Para obtener más información sobre el artista y la Sociedad de Aprecio a Del Shannon, visite www.delshannon.com

Del Shannon

Charles Weedon Westover (30 de diciembre de 1934 - 8 de febrero de 1990), más conocido por su nombre artístico Del Shannon, fue un músico, cantante y compositor de rock and roll country estadounidense, mejor conocido por su éxito número 1 en 1961 en Billboard, "Runaway".

Nombre de nacimiento Charles Weedon Westover

También conocido como Del Shannon

Nacido el 30 de diciembre de 1934 en Coopersville, Michigan, EE. UU.

Murió el 8 de febrero de 1990 (a los 55 años) en Santa Clarita, California, EE. UU.

Ocupaciones Músico, cantante, compositor

Instrumentos Voz, guitarra

Géneros Rock and roll, country

Años de actividad 1958-1989

Shannon nació Charles Weedon Westover el 30 de diciembre de 1934 en Grand Rapids, Michigan, de Bert y Leone Mosher Westover, y creció en las cercanías de Coopersville. Aprendió a tocar el ukelele y la guitarra y escuchó música country y occidental de artistas como Hank Williams, Hank Snow y Lefty Frizzell. Fue reclutado en el ejército en 1954 y, mientras estaba en Alemania, tocaba la guitarra en una banda llamada The Cool Flames. Cuando terminó su servicio, regresó a Battle Creek, Michigan, y trabajó como vendedor de alfombras y conductor de camión para una fábrica de muebles. Encontró trabajo a tiempo parcial como guitarrista rítmico en el grupo del cantante Doug DeMott, The Moonlight Ramblers, trabajando en el Hi-Lo Club.

Cuando DeMott fue despedido en 1958 por embriaguez, Westover asumió el cargo de líder y cantante, dándose a sí mismo el nombre de Charlie Johnson y cambiando el nombre de la banda a Big Little Show Band. A principios de 1959, agregó al tecladista Max Crook, que tocaba un instrumento al que llamó Musitron (uno de los primeros sintetizadores de la propia invención de Crook, aunque inspirado en el Clavioline comercializado). Crook había hecho grabaciones y convenció al disc jockey de Ann Arbor, Ollie McLaughlin, para que escuchara a la banda. McLaughlin llevó las demostraciones del grupo a Harry Balk e Irving Micahnik de Talent Artists en Detroit. En julio de 1960, Westover y Crook firmaron para convertirse en artistas y compositores de Bigtop Records. Balk sugirió que Westover usara un nuevo nombre, y se les ocurrió "Del Shannon", combinando Mark Shannon, un seudónimo de lucha libre utilizado por un habitual en el Hi-Lo Club, con Del, derivado del Cadillac Coupe de Ville, su automóvil favorito. .

Éxito

Voló a la ciudad de Nueva York, pero sus primeras sesiones no tuvieron éxito. McLaughlin luego persuadió a Shannon y Crook para que reescribieran y volvieran a grabar una de sus canciones anteriores, originalmente llamada "Little Runaway", usando el Musitron como instrumento principal. El 21 de enero de 1961, grabaron "Runaway", que fue lanzado como single en febrero de 1961, alcanzando el número 1 en la lista de Billboard en abril. Shannon siguió con "Hats Off to Larry", que alcanzó el puesto número 5 en la lista de Billboard y el número 2 en la lista de Cashbox en 1961, y la menos popular "So Long, Baby", otra canción de amargura de ruptura. "Runaway" y "Hats Off to Larry" se grabaron en un día. "Little Town Flirt", en 1962 (con Bob Babbitt), alcanzó el número 12 en 1963, al igual que el álbum del mismo título. Después de estos éxitos, Shannon no pudo mantener su impulso en los Estados Unidos, pero tuvo un éxito continuo en el Reino Unido, donde siempre había sido más popular. En 1963, se convirtió en el primer estadounidense en grabar una versión de una canción de los Beatles: su versión de "From Me to You" llegó a las listas de Estados Unidos antes de la versión original de los Beatles.

Berlee Records y Amy Records

En agosto de 1963, la relación de Shannon con sus managers y Bigtop se había agriado, por lo que formó su propio sello, Berlee Records, que lleva el nombre de sus padres, distribuido por Diamond Records. Se emitieron dos sencillos: el aparentemente inspirado en Four Seasons "Sue's Gotta Be Mine" fue un éxito moderado, alcanzando el número 71 en los Estados Unidos y el número 21 en el Reino Unido (donde los discos de Shannon continuaron en el sello London Records). El segundo sencillo, "Así es como es el amor", no llegó a las listas, y Shannon arregló las cosas con sus mánagers poco después. A principios de 1964, lo colocaron en Amy Records (sello estadounidense en el Reino Unido) y el sello Berlee desapareció.

Regresó a las listas de éxitos inmediatamente con "Handy Man" (un éxito de 1960 de Jimmy Jones), "Do You Wanna Dance?" (un éxito de 1958 por Bobby Freeman) y dos originales, "Keep Searchin '" (número 3 en el Reino Unido; número 9 en los Estados Unidos) y "Stranger in Town" (número 40 en el Reino Unido). A finales de 1964, Shannon produjo una sesión de grabación de demostración para un joven colega de Michigan llamado Bob Seger, que alcanzaría el estrellato mucho más tarde. Shannon le dio acetatos de la sesión a Dick Clark (había actuado en una de las giras de Clark, en 1965) y, en 1966, Seger estaba grabando para el famoso Cameo Records de Filadelfia, lo que resultó en algunos éxitos regionales, que finalmente llevaron a un acuerdo con un sello principal, Capitol Records. También a finales de 1964, Shannon rindió homenaje a uno de sus propios ídolos musicales con Del Shannon Sings Hank Williams (Amy Records 8004). El álbum fue grabado en estilo country honky-tonk y no se lanzaron singles. Shannon abrió para Ike y Tina Turner en el club Hullabaloo de Dave Hull en Los Ángeles, California, el 22 de diciembre de 1965.

Liberty Records, United Artists Records y Island Records

Shannon firmó con Liberty en 1966 y revivió "The Big Hurt" de Toni Fisher y "Under My Thumb" de los Rolling Stones. Peter y Gordon lanzaron su canción "I Go to Pieces" en 1965. Shannon también descubrió al cantante de country Johnny Carver, que entonces estaba trabajando en el área de Los Ángeles. Consiguió a Carver un contrato con la subsidiaria Imperial Records de Liberty Records, escribiendo, produciendo y arreglando ambos lados del single debut de Carver, "One Way or the Other" / "Think About Her All the Time". Carver llegó a tener casi 20 éxitos en la lista de países a finales de los años sesenta y setenta. Las notas de su álbum debut de Imperial reconocen el papel de Shannon en su incorporación al sello.

A fines de la década de 1960, sin haber estado en las listas durante varios años, Shannon se dedicó a la producción. En 1969, descubrió la banda Smith y arregló su éxito "Baby, It's You", que había sido un éxito para las Shirelles en 1962. En 1970, produjo "Gypsy Woman" de Brian Hyland, una versión de la canción por Curtis Mayfield y las Impresions.

Durante el mandato de Shannon en Liberty Records, el éxito a escala nacional le fue esquiva, aunque tuvo varios éxitos en las listas regionales de EE. UU. con "The Big Hurt", "Under My Thumb", "She", "Led Along" y "Runaway '67". A esta versión (grabada en Inglaterra en 1967 y realizada por el productor de los Rolling Stones, Andrew Loog Oldham) también le fue bien en las listas de éxitos de Canadá y Australia.

A principios de 1967, Shannon grabó el álbum Home and Away en Inglaterra, con Oldham a la cabeza. Destinado a ser la respuesta británica al Pet Sounds por Oldham, Home and Away fue archivado por el sello Liberty Records, aunque se lanzaron algunos sencillos. No fue hasta 1978 que finalmente se publicaron todas las pistas (con otras tres no relacionadas) en un álbum británico que se llamó And the Music Plays On. En 1991, todas las pistas se lanzaron en los Estados Unidos como parte del CD Del Shannon The Liberty Years. En 2006, 39 años después de su grabación, Home and Away fue finalmente lanzado como una colección independiente por EMI Records en el Reino Unido. Este CD recopila las 11 pistas originales en estéreo y cinco singles (que habían sido lanzados en EE. UU., Reino Unido y Filipinas) en sus mezclas monoaurales originales.

En septiembre de 1967, Shannon comenzó a sentar las pistas de The Further Adventures of Charles Westover, que fue muy apreciado tanto por los fans como por la crítica, a pesar de sus decepcionantes ventas. El álbum produjo dos sencillos de 1968, "Thinkin 'It Over" y "Gemini". En octubre de 1968, Liberty Records lanzó su décimo (en los Estados Unidos) y último single de Shannon, una versión del éxito de 1961 de Dee Clark, "Raindrops". Esto puso fin a un período comercialmente decepcionante en la carrera de Shannon. En 1972, firmó con United Artists y grabó Live in England, lanzado en junio de 1973. El crítico Chris Martin acogió favorablemente el álbum, diciendo que Shannon nunca improvisó, siempre fue fiel a los sonidos originales de su música y que solo Lou Christie rivalizaba con su música en falsete. En abril de 1975, firmó con Island Records.

Después de que su manager y él buscaran conjuntamente las regalías de Shannon, en 1975 se fundó Bug Music para administrar sus canciones. En 2011, cuando BMG Rights Management adquirió Bug, su catálogo había crecido hasta incluir 250.000 composiciones.

Un artículo de 1976 sobre el concierto de Shannon en el Roxy Theatre describió al cantante como "rock 'n' roll personal, puro y simple, anticuado pero gratificante sin diluir". Shannon cantó algunas de sus nuevas canciones de rock junto con clásicos como "Endless Sleep" y "The Big Hurt". Los Angeles Times escribió: "Las inquietantes viñetas de angustia e inquietud de Shannon contienen una especie de trasfondo cósmico que tiene al protagonista trágicamente condenado a una lucha sombría".

Carrera posterior

La carrera de Shannon se desaceleró enormemente en la década de 1970, debido en parte a su alcoholismo. El cantante de rock galés Dave Edmunds produjo el sencillo "And the Music Plays On" en 1974. En 1978, Shannon dejó de beber y comenzó a trabajar en "Sea of Love", lanzado en 1982 en su álbum Drop Down and Get Me, producido por Tom Petty. El álbum tardó dos años en grabarse y contó con la banda de Petty, los Heartbreakers, respaldando a Shannon. Sin embargo, RSO Records, con la que firmó Shannon, se retiró del proyecto. Se realizó un trabajo adicional en el LP para Network Records (distribuido por Elektra Records). Siete canciones son originales de Shannon y cuenta con versiones de canciones grabadas por Everly Brothers, Rolling Stones y Frankie Ford, junto con "Sea of Love", de Phil Phillips. Fue el primer álbum de Shannon en ocho años.

En febrero de 1982, Shannon apareció en The Bottom Line. Interpretó melodías de pop-rock y viejos éxitos. Stephen Holden, crítico de The New York Times, lo describió como un estilo "relajado del pop-country". En "Runaway" y "Keep Searchin' ", Shannon y su banda redescubrieron el sonido "en el que su agudo falsete tocaba contra los aireados obbligatos de órgano". En la década de 1980, Shannon interpretó "country-rock competente aunque mundano". En 1986 tuvo un éxito entre los diez primeros como compositor cuando la cantante de pop-country Juice Newton lanzó su versión de "Cheap Love" como sencillo, que alcanzó el número 9 en la lista Billboard Hot Country.

Shannon tuvo un resurgimiento de popularidad después de volver a grabar "Runaway" con nuevas letras como tema del programa Crime Story de NBC-TV. En 1988, Shannon cantó "The World We Know" con los Smithereens en su álbum Green Thoughts. Dos años más tarde, grabó con Jeff Lynne de la Electric Light Orchestra, y hubo rumores de que se uniría a los Travelling Wilburys después de la muerte de Roy Orbison. Anteriormente, en 1975, Shannon había grabado temas con Lynne, junto con "In My Arms Again", una canción country que escribió y grabó para Warner Bros. Records, que había firmado con Shannon en 1984.

En los años previos a su muerte, Shannon sufrió depresión. El 8 de febrero de 1990 murió por suicidio, herido de bala con un rifle calibre 22 en su casa en Santa Clarita, California. Shannon fue incinerado y sus cenizas fueron esparcidas.

Después de su muerte, los Travelling Wilburys lo honraron grabando una versión de "Runaway". Jeff Lynne también coprodujo el álbum póstumo de Shannon, Rock On, lanzado por Silvertone Records en 1991.

Shannon fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1999. Del Shannon fue incluido en el Salón de la Fama de las Leyendas del Rock and Roll de Michigan en 2005.

parte 1

https://1fichier.com/?u4ybmyp051w89c0shdrz

parte 2

https://1fichier.com/?es89h7r7z2igdhee31am

John McLaughlin and The 4th Dimension. To The One, 2010

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Sat, 8 Jan 2022 12:30:00 +0100

John McLaughlin and The 4th Dimension. To The One, 2010

No tenía intención, idea o deseo de hacer un homenaje, pero la música vino así y me recordó el maravilloso evento de cuando escuché A Love Supreme por primera vez: cambió mi vida.
John McLaughlin

Grabado y Mezclado por Marcus Wippersberg en Solid Sound Studio de Niza, y en Mediastarz Studio en Mónaco, entre Noviembre y Diciembre de 2009.

CristalMaster en GM Records

Foto y Diseño de portada Beat Pfaendler

Producción y Notas de contraportada de John McLaughlin

Etienne M'Bappe Bajo

Mark Mondesir Batería en pistas 1 a 4, y Percusión adicional en pista 5

Gary Husband Batería en pistas 5 y 6, Batería adicional en pistas 1 y 3, Percusión en pista 1 y Teclados en todas las pistas

John McLaughlin Guitarra en pistas 1 a 5 y guitarra sintetizada en pista 6

Todos los temas compuestos por John McLaughlin

Listado:

1 Discovery 6:19

Bajo - Etienne M'Bappe

Batería - Mark Mondesir

Batería adicional, Percusión - Gary Husband

Guitarra - John McLaughlin

Teclados - Gary Husband

2 Special Beings 8:38

Bajo - Etienne M'Bappe

Batería - Mark Mondesir

Guitarra - John McLaughlin

Teclados - Gary Husband

3 The Fine Line 7:44

Bajo - Etienne M'Bappe

Batería - Mark Mondesir

Batería adicional - Gary Husband

Guitarra - John McLaughlin

Teclados - Gary Husband

4 Lost And Found 4:27

Bajo - Etienne M'Bappe

Batería - Mark Mondesir

Guitarra [sintetizador de guitarra] - John McLaughlin

Teclados - Gary Husband

5 Recovery 6:22

Bajo - Etienne M'Bappe

Batería - Gary Husband

Guitarra - John McLaughlin

Teclados - Gary Husband

Percusión adicional - Mark Mondesir

6 To The One 6:34

Bajo - Etienne M'Bappe

Batería - Gary Husband

Guitarra [sintetizador de guitarra] - John McLaughlin

Teclados - Gary Husband

6 Temas. Tiempo Total 00:40:05

flac ¬ 1060 ¬ 282,32 MB

RipPor Orbster

26-May-10 18:18

Sello Abstract Logix – ABLX 027, Mediastarz Monaco – ABLX 027
Formato CD, Album, Digipak
País US Publicado 2010
Género Jazz, Rock. Estilo Fusion

Notas de contraportada
por John McLaughlin

La inspiración detrás de esta grabación proviene de dos fuentes: en primer lugar por escuchar la grabación “A Love Supreme” de John Coltrane en la década de 1960, y en segundo lugar por mis propios esfuerzos hacia "el uno mismo" a lo largo de los últimos 40 años. La grabación de Coltrane me marcó para siempre de dos formas: musical y espiritualmente, y este fue un momento prudente para la música moderna hasta esta grabación. La 'espiritualidad' ha sido el dominio de los grandes compositores clásicos con sus obras conocidas, y en la música clásica del norte y sur de la India.

Con aquella única grabación, Coltrane integró la dimensión espiritual en la música jazz. La llegada de ese disco no podría haber sido en un mejor momento para mí. El estímulo musical y espiritual que obtuve de ese disco fue un factor determinante en mi vida. Hacia el lanzamiento del álbum, había comenzado mi búsqueda de respuestas a las preguntas que la existencia nos plantea a todos, tarde o temprano.

A este período de intenso trabajo interior le siguieron otros de indolencia, duda, e incluso pura pereza por mi parte. Afortunadamente, la llamada de mi alma regresó a mi oído interno, y finalmente comencé a sentir las bendiciones del infinito una vez más. De vez en cuando, he tenido vislumbres de la indescriptible belleza del infinito y he visto que todos estamos en él. Nunca podremos ser apartados del infinito “uno y todo” aunque no sepamos sobre esa unidad. La música de esta grabación es otra historia de mi vida. Es sobre mi amor y afecto por las personas maravillosas que me rodean, tanto cercanas como lejanas, por el universo misterioso en el que vivimos y, al fin y al cabo, por el infinito.
Con paz y bendiciones para todos. John McLaughlin

Reseñas:

El disco es el resultado de una ráfaga de inspiración que azotó el legendario guitarrista y compositor inglés en el verano de 2009, explica McLaughlin:

<< Esta música empezó a venir a mísin ninguna llamada de mi parte. El sonido y la sensación de esta nueva música me llevó de vuelta a 1965, cuando escuché por primera vez "A Love Supreme". Tenía 23 años de edad en ese momento, y luchaba contra las preguntas existencialistas que todos enfrentamos tarde o temprano. Algunos de nosotros se desprenden fácilmente de ellas, o no se molestan en profundizar, pero no es mi naturaleza así. Yo estaba afrontando grandes preguntas: ¿Cuál es el significado de la vida? ¿Qué es esta palabra "dios"? ¿Cuál es ese espíritu? Fue entonces cuando Coltrane llegó y sin ayuda de nadie trajo esta dimensión de la espiritualidad en el jazz ... Muy alentador para mí, me resultó una experiencia crucial, tanto en mis búsquedas musicales como espirituales. "To The One", como álbum, es acerca de esos dos aspectos de mi vida, la música y la espiritualidad, cristalizada por esta grabación de Coltrane, y cómo "A Love Supreme" coincidió con mi búsqueda de significado en la vida >>

La banda
McLaughlin ha estado tocando con este grupo de músicos en vivo desde 2007 pero este es su primer lanzamiento de material nuevo. Además de tocar el teclado en todo el álbum, Gary Husband toca la batería en dos pistas, "Recovery" y "To the One" y también tiene un solo de piano en la pista "Special Beings". El bajista Etienne Mbappé tiene un solo en la pista "Discovery"; nacido en Camerún y criado en París, reemplazó al bajista original de 4th Dimension, Hadrien Feraud, cuando éste se rompió la mano en 2009. Mark Mondesir toca la batería en todas las pistas excepto en "Recovery" y "To the One". El líder de la banda y compositor, John McLaughlin, proporciona todo el trabajo de guitarra e incluso toca un sintetizador de guitarra en "Lost and Found" y "To the One".

To the One Review

https://www.allmusic.com/album/to-the-one-mw0001970053

por Thom Jurek

En las notas para To the One, el guitarrista John McLaughlin escribe un breve ensayo sobre la profunda inspiración que A Love Supreme de John Coltrane tuvo en él, tanto musical como espiritualmente. En la Orquesta Mahavishnu, esa deuda era obvia; en Love Devotion Surrender, con Carlos Santana, la pareja versioneó el tema principal. McLaughlin incluso rindió homenaje directo al saxofonista en After the Rain de 1995, que incluía no solo material de Coltrane, sino también al baterista Elvin Jones en la formación. Con su grupo The 4th Dimension (Gary Husband en teclados y tambores ocasionales; Mark Mondesir en la batería; y el bajista camerunés Etienne M'Bappé) McLaughlin explora un jazz eléctrico que está profunda y directamente en deuda con la música modal y la interacción lírica de Coltrane, y también con los aspectos emocionales y espirituales de las expresiones del saxofonista.

En el tema de apertura, "Discovery", los modos de teclado cuidadosamente elegidos impulsan el ataque de McLaughlin en torno a una declaración melódica sin sucumbir realmente a un tema acordado específicamente. Del mismo modo, en el solo de piano de Husband se utilizan los registros medios y agudos y ofrece arpegios y ostinatos en torno a la propia articulación de los modos, interpretándolos como lo haría McCoy Tyner. La guitarra y los teclados se enfrentan más adelante en la pista para obtener un resultado impresionante. “Special Beings”, por el contrario, es una balada melódica, brillante y ágil que realmente mantiene el swing. El bajo de M'Bappé, aunque discreto, crea aquí una sensación de movimiento subrayada por el toque ligero de doble tiempo de Mondesir. "Recovery" emplea a Husband en la batería y los teclados con Mondesir en la percusión adicional. Este es un entrenamiento de tres tiempos para la banda con un inspirador trabajo de bajo de M’Bappe.

El trabajo de guitarra de McLaughlin pasa de una fusión tensa, rápida y complicada a solos emocionales. La banda se involucra en el contrapunto rítmico, la interacción escalar y los apartes funky, mientras se concentra conmovedoramente en "cantar" juntos, en lugar de simplemente riffs expertos entre sí.

El set también contiene un trabajo de balada de mal humor en "Lost and Found" y la pista de cierre que presta título al disco, donde McLaughlin usa su sintetizador de guitarra, aunque la interpretación es conmovedora y comunicativa y no solo cósmica y atmosférica. To the One es un hito inspirado para McLaughlin y una excelente introducción grabada a uno de los grupos de jazz eléctrico más emocionantes.

Mismidad

https://1fichier.com/?a5mznp29qdz2g2yir4ka

The Hollies ¬ For Certain Because... (SHM-CD) Álbum de 1966

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Fri, 7 Jan 2022 12:30:00 +0100

The Hollies ¬ For Certain Because... (SHM-CD) Álbum de 1966

28 Temas. Tiempo Total 01:14:48

Comentarios

Publicado en EE. UU. y Canadá como "Stop! Stop! Stop!"

Acompañamiento y arreglos orquestales dirigidos por - Mike Vickers (pistas #07, #09, #10, #19, #21, #22)

Fotografía de - Henry Diltz

Producción de - Ron Richards

Intérpretes:

Allan Clarke - voz, armónica

Tony Hicks - guitarra principal, banjo, voz

Graham Nash - guitarra rítmica, voz

Bobby Elliott - batería

Bernie Calvert - bajo (excepto en "Don't Even Think About Changing") y piano

Eric Haydock - bajo en "Don't Even Think About Changing"

Composiciones de Clarke-Hicks-Nash

Listado

Álbum Original [Mono]

01 - What's Wrong With The Way I Live (Mono) - 02:02 min.

02 - Pay You Back With Interest (Mono) - 02:46 min.

03 - Tell Me To My Face (Mono) - 03:09 min.

04 - Clown (Mono) - 02:16 min.

05 - Suspicious Look In Your Eyes (Mono) - 03:37 min.

06 - It's You (Mono) - 02:17 min.

07 - High Classed (Mono) - 02:21 min.

08 - Peculiar Situation (Mono) - 02:51 min.

09 - What Went Wrong (Mono) - 02:12 min.

10 - Crusader (Mono) - 03:48 min.

11 - Don't Ever Think About Changing (Mono) - 02:13 min.

12 - Stop! Stop! Stop! (Mono) - 02:58 min.

Álbum Original [Stereo]

13 - What's Wrong With The Way I Live (Stereo) - 02:03 min.

14 - Pay You Back With Interest (Stereo) - 02:44 min.

15 - Tell Me To My Face (Stereo) - 03:09 min.

16 - Clown (Stereo) - 02:14 min.

17 - Suspicious Look In Your Eyes (Stereo) - 03:36 min.

18 - It's You (Stereo) - 02:12 min.

19 - High Classed (Stereo) - 02:21 min.

20 - Peculiar Situation (Stereo) - 02:55 min.

21 - What Went Wrong (Stereo) - 02:13 min.

22 - Crusader (Stereo) - 03:48 min.

23 - Don't Ever Think About Changing (Stereo) - 02:08 min.

24 - Stop! Stop! Stop! (Stereo) - 02:54 min.

Bonus Tracks

25 - Non Prego Per Me (Mono Version) - 02:48 min.

26 - Devi Avere Fiducia In Me (Mono Version) - 02:15 min.

27 - Non Prego Per Me (Stereo Version) - 02:46 min.

28 - Devi Avere Fiducia In Me (Stereo Version) - 02:12 min.

28 Temas. Tiempo Total 01:14:48

flac ¬ 744 ¬ 420,84 MB

RipPor ¬ byZAMtos

09-Abr-21 13:10

El Cielo Y El Dedo

http://ElCieloYElDedo.blogspot.com

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Reseñas

Comentarios encontrados por la red

(Por Coscolin)

Primer LP de una trílogía de discos completada con "Evolution" y "Butterfly", absolutamente necesaria para entender la contribución de los Hollies a la música pop. Es también el primer álbum compuesto íntegramente por ellos mismos, quienes desde una innata habilitad para la melodía construyen canciones que destacan por su fenomenal combinación de voces, rasgo característico de este grupo de Manchester. Ejemplo de ello son "What's Wrong With The Way I Live", "It's You" y el single "Stop! Stop! Stop!", donde Tony Hicks hace sonar su banjo.

Los rasgos orientales y de bossanova están presentes en "Tell Me To My Face", interpretada por la voz solista de Graham Nash al igual que la mágica y melancólica balada "Clown".

El bajista Bernie Calvert se hace cargo del piano en "Pay Your Back With Interest", una impetuosa batería de Bobby Elliott (infravalorado instrumentista primordial en el sonido de los Hollies) es parte esencial de la magistral "What Went Wrong", orquestada por Mike Vickers, de la misma manera que "High Classed", elegante y sarcástico tema dominado por Allan Clarke y "Crusader", pieza en la que incorporan bellos arreglos de viento.

Sin dudas uno de los mejores discos de esta gran banda. Editado en 1966, el quinto disco de The Hollies fue el primero compuesto en su totalidad por Clarke/Nash/Hicks, y ya hay varios atisbos de la experimentación y psicodelia que mostraron en esas dos joyas siguientes que fueron “Evolution” y “Butterfly”.

For Certain Because fue el quinto LP de Los Hollies, editado a finales de 1966, después de que los Beatles hubiesen publicado Revolver en agosto de ese mismo año. La referencia comparativa no es gratuita: después de Revolver, todos los grupos ingleses parecieron lanzarse a una carrera de autoconocimiento y progreso que les equiparase al listón que los de Liverpool habían colocado tan alto.

No todas las bandas importantes estaban en disposición de intentar tal cosa, pero sí Los Hollies, que desde antes de 1963 seguían cuidadosamente la carrera de sus ultra famosos compañeros de la Parlophone. Los Hollies fueron el grupo rival de Los Beatles que más se asemejaba a éstos. La semejanza era intencionada, porque Graham Nash y compañía se modelaron a partir de la imagen, el sonido y hasta el repertorio que Los Beatles tenían en 1962. Todos los músicos del Merseyside saben eso, y todavía se comenta ese asunto hoy.

Hubo otras circunstancias que contribuyeron a remarcar el parecido, porque Los Hollies también fueron contratados por la EMI (y en el mismo sello que los Fab Four, en Parlophone), también grababan casi siempre en el célebre Estudio 2 de Abbey Road (al menos, siempre que Los Beatles lo dejaban libre) y también fueron producidos por un productor del estilo de George Martin, que fue Ron Richards. Richards fue asistente de Martin e incluso produjo y guió las primeras sesiones de Los Beatles en Abbey Road, en junio y septiembre de 1962. Richards aprendió de George Martin las ventajas que podía tener permitir que un grupo beat se desarrollase creativamente. Los Hollies tenían el talento para hacerlo, y lo hicieron, compitiendo con los cuatro de Liverpool con sus propias armas.

por cierto, es el acebo

https://1fichier.com/?f1dkxh59eu1lrohul1f0

The Byrds 1972 The Best Of The Byrds Greatest Hits, Volume II

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Thu, 6 Jan 2022 12:30:00 +0100

The Byrds. The Best Of The Byrds Greatest Hits, Volume II. 1972 [LpRip]

Grabado el 1 de noviembre de 1965, y

entre el 29 de noviembre de 1967 y el 27 de agosto de 1971.

Publicado el 10 de noviembre de 1972

Género Rock, folk rock, country rock

Etiqueta Columbia

Diseño de Portada John Berg, Karenlee Grant

Notas de contraportada Allee Willis

Fotografía de David Gahr

Productores Terry Melcher, Gary Usher, Bob Johnston, The Byrds

Listado de Temas:

Cara A

A1 Ballad Of Easy Rider 2:01

Producer – Terry Melcher

Associate Producer – Jerry Hochman

Written-By – R. McGuinn

A2 Wasn't Born To Follow 2:00

Producer – Gary Usher

Written-By – G. Goffin - C. King

A3 Jesus Is Just Alright 2:09

Producer – Terry Melcher

Associate Producer – Jerry Hochman

Written-By – A. Reynolds

A4 He Was A Friend Of Mine 2:30

Additional Lyrics By R. McGuinn

Producer – Terry Melcher

A5 Chestnut Mare 5:08

Producer – Jim Dickson, Terry Melcher

Written-By – J. Levy, R. McGuinn

Cara B

B1 Tiffany Queen 2:40

Producer – The Byrds

Written-By – R. McGuinn

B2 Drug Store Truck Drivin' Man 3:52

Producer – Bob Johnston

Written-By – G. Parsons, R. McGuinn

B3 You Ain't Going Nowhere 2:34

Producer – Gary Usher

Written-By – B. Dylan

B4 Citizen Kane 2:34

Co-producers – Chris Hinshaw, Terry Melcher

Written-By – K. Fowley, S. Battin

B5 I Wanna Grow Up To Be A Politician 2:02

Co-producers – Chris Hinshaw, Terry Melcher

Written-By – J. Levy, R. McGuinn

B6 America's Great National Pastime 2:58

Producer – The Byrds

Written-By – K. Fowley, S. Battin

11 Temas - Tiempo Total: 00:31:24

flac @ 901 - 192.37 MB

LPrip US Pressing - Fran Solo ediciones,

MMXIV (Digitalizacion de Vinilo)

Reviews:

The Best of the Byrds: Greatest Hits, Vol. 2

https://www.allmusic.com/album/the-best-of-the-byrds-greatest-hits-vol-2-mw0000649944

Review by Stephen Thomas Erlewine

No hace falta decir que The Best of the Byrds: Greatest Hits, vol. 2 no tiene tantos sencillos clásicos como la colección de primeros éxitos del grupo, ya que los Byrds dejaron de ser una banda de sencillos poco después del lanzamiento del Greatest Hits. Nunca tuvieron otro éxito en el Top 40 después de "My Back Pages" de 1967 y, entre 1968 y 1970, solo tuvieron tres sencillos en las listas de éxitos. En lugar de producir éxitos, la banda se concentró en álbumes, casi todos (con la notable excepción de The Notorious Byrd Brothers) exploraciones del country-rock, y eso es lo que domina Greatest Hits, Vol. 2. Dos de sus tres singles en las listas de éxitos, "You Ain't Going Nowhere" y "Ballad of Easy Rider", están presentes, al igual que elementos tan básicos como "He Was a Friend of Mine", "Wasn't Born to Follow", "Chestnut Mare" y "Drug Store Truck Drivin' Man". No es una mala muestra de los últimos años de los Byrds, aunque está lejos de ser perfecta. De hecho, Sweetheart of the Rodeo en sí ofrece un mejor resumen de la dirección musical que tomaron los Byrds después de que su período clásico terminó en 1967.

The Best of The Byrds: Greatest Hits, Volume II

https://en.wikipedia.org/wiki/The_Best_of_The_Byrds%3A_Greatest_Hits%2C_Volume_II

es el tercer álbum de grandes éxitos de la banda de rock estadounidense The Byrds, pero el segundo en ser lanzado en los Estados Unidos, ya que el anterior Greatest Hits Volume II de The Byrds, solo había sido publicado en el Reino Unido. El álbum fue lanzado en los Estados Unidos por Columbia Records el 10 de noviembre de 1972 en lugar de cualquier producto nuevo de The Byrds durante ese año. Pasó un total de trece semanas en la lista Billboard Top LPs & Tapes, y alcanzó el puesto 114.

Fue lanzado justo antes de la muy publicitada reunión de los cinco miembros originales del grupo. El álbum fue compilado con el aporte del guitarrista y líder de la banda, Roger McGuinn, y el historiador del rock Christopher Hjort sugirió que ofrecía un estudio un tanto errático de los últimos años de la banda.

La mayor parte de las canciones del álbum se extrajeron de los álbumes de 1968 y 1969 The Notorious Byrd Brothers y Sweetheart of the Rodeo y solo están representados por "Wasn't Born to Follow" y "You Ain't Goin 'Nowhere", respectivamente. El álbum también incluía "He Was a Friend of Mine", que había aparecido originalmente en Turn Turn Turn!. álbum de 1965, un período ya cubierto por el primer álbum recopilatorio de la banda, The Byrds' Greatest Hits. El álbum incluía varios sencillos de la banda en las listas de éxitos de EE. UU., Sin embargo, dado que ninguno de los sencillos alcanzó el Top 40, en realidad no podrían considerarse éxitos en sentido estricto.

The Best of The Byrds: Greatest Hits, Volume II fue reeditado en Cd en 1990, pero actualmente está agotado. La fotografía de la portada del álbum se reutilizó más tarde para una compilación de doble álbum en el Reino Unido llamada History of The Byrds.

La reacción de la prensa a la recopilación fue en gran medida tibia, con Bud Scoppa, escribiendo en Rolling Stone criticando la selección de canciones del álbum: "Si te pidieran que armaras un álbum de antología de uno de los grupos de rock más longevos y productivos de la historia, y tenías la producción total del grupo para elegir, apuesto a que no se te ocurriría nada que se parezca ni remotamente a este álbum. No es que las selecciones obvias no estén incluidas, es que muy poco más lo está". El crítico musical Stephen Thomas Erlewine describió el álbum en su reseña para el sitio web Allmusic como "no una mala muestra de los últimos años de los Byrds, aunque Sweetheart of the Rodeo en sí ofrece un mejor resumen de la dirección musical que tomaron los Byrds después de 1967".

LosMejoresPájaros

https://1fichier.com/?oknwvyg2oo511ej5nlgi

Donovan. Open Road. 1970 [VinylRip-HD 24-96]

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Wed, 5 Jan 2022 12:30:00 +0100

Donovan ¬ Open Road. Publicado en Julio de 1970
VinylRip [HD 24-96]

12 Temas. Tiempo Total 00:43:27

HDFlac ¬ 2887 ¬ 887,72 MB

Comentarios

Open Road es el octavo álbum de estudio, y noveno en general, del cantautor británico Donovan. Si bien su trabajo anterior fue siempre su interpretación en solitario de guitarra acústica y grabado luego con un elenco de músicos de sesión cambiante, este álbum fue el esfuerzo de Donovan por escribir y grabar música como miembro de una banda. Porque también es el álbum debut, de la efímera Open Road Band.

Grabado en Morgan Studios, Londres, UK

entre Enero y Febrero de 1970

Ingenieros de sonido Mike Bobak y Robin Black

Diseño Artístico, Sid Maurer

Fotografía de David Mills

Producción, Donovan Leitch

Intérpretes:

Donovan Leitch - guitarra, arpa de boca, voz

Mike Thomson - guitarra, bajo, voz

John Carr - batería, voz

Mike O'Neill - piano, voz

Composiciones de Donovan Leitch

Listado

Cara 1

01 - Changes - 02:58 min.

02 - Song For John - 02:19 min.

03 - Curry Land - 04:53 min.

04 - Joe Bean's Theme - 03:07 min.

05 - People Used To - 03:54 min.

06 - Celtic Rock - 03:57 min.

Cara 2

07 - Riki Tiki Tavi - 02:56 min.

08 - Clara Clairvoyant - 02:51 min.

09 - Roots of Oak - 05:03 min.

10 - Season of Farewell - 03:26 min.

11 - Poke at the Pope - 02:48 min.

12 - New Year's Resovolution - 05:15 min.

12 Temas. Tiempo Total 00:43:27

HDFlac ¬ 2887 ¬ 887,72 MB

VinylRipPor ¬ Son-Of-Albion [HD 24-96]

Posted by Aleko57

27-Aug-14 16:06 rev. 15-Mar-18 13:20

Notas técnicas del VinyloRipeao

Knosti RCM. Pink Triangle LPT with

Funk Firm Achromat. Moth Arm 1 (Rega RB 250).

Audio Technica AT33PTG MC Cart.

Harman Kardon HK990 Integrated Amp.

Gold Interconnects. Creative S80300 External ADC.

Creative WaveStudio 7 Recording Software.

Split and manual de-click with Adobie Audition 3.0.1

Click Repair 3.7

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Reseñas

Open Road es el octavo álbum de estudio y el noveno álbum en general de Donovan. También se considera el álbum debut de la banda Open Road. Fue lanzado en los Estados Unidos en algún momento antes del 25 de julio de 1970 (Epic Records E 30125 estéreo), y en el Reino Unido en algún momento antes del 12 de septiembre de 1970 (Dawn Records DNLS 3009).

Después de separarse del productor Mickie Most durante las sesiones de Barabajagal, Donovan decidió regresar al Reino Unido en contra de los deseos de su gerencia, quien probablemente se opuso debido a los altos impuestos en el país y la distancia del mercado estadounidense. Allí comenzó a grabar y producir las pistas que formarían su próximo álbum de estudio. La producción de Donovan fue mucho más tosca y orgánica que la pulida producción de Mickie Most sobre los éxitos de Donovan de la década de 1960.

Durante estas sesiones, Donovan formó la banda Open Road con el baterista John Carr, el teclista Mike O'Neil y el bajo y guitarrista Mike Thomson. La banda tocó un estilo que fue apodado como celtic rock por Donovan. Muchas de las canciones del álbum reflexionan sobre el lado negativo de la industrialización y la tranquilidad perdida de una época anterior. Si bien algo de esto se había mencionado en el trabajo anterior del artista, este es el primer álbum donde se expone el tema en profundidad.

El primer lanzamiento en Cd del álbum fue, en el sello Repertoire Records (RR 4880) el 22 de agosto de 2000 en Alemania.

Durante los dos primeros meses de 1970, Donovan reservó tiempo en los recientemente renovados Morgan Studios de Londres y comenzó a grabar y producir las pistas que formarían su próximo álbum. Hizo demos de alrededor de 20 canciones nuevas con solo voz y guitarra acústica, incluidas versiones en solitario de "Changes" y "People Used To", antes de formar su nueva banda. Apodada "Open Road", la banda eran el colaborador frecuente de Donovan, "Candy" John Carr en la batería y el bajista y guitarra Mike Thompson, quien había sido compañero de Carr en un grupo llamado Dada Lives y brevemente en una de las primeras versiones de la banda Ámbar. Donovan también contrató a los ingenieros Robin Black y Mike Bobak, el último de los cuales trabajaría en varios de los siguientes álbumes. Las sesiones marcaron la primera vez que Donovan tocaba la guitarra eléctrica de forma extensa en el estudio, y también se dedicó a producir el disco él mismo. Al trío se unieron el ex teclista de Nero y Gladiators / Heads Hands & Feet, Mike O'Neill, para algunas de las canciones del álbum y, aunque después se quedó para tocar algunos conciertos con Open Road Band, O'Neill no está considerado como miembro principal.

La intención de Donovan era que Open Road fuera la banda con la que estaría de gira indefinidamente, principalmente por mar en su propio yate. El plan era salir de Gran Bretaña durante un año, en parte para evitar el impuesto exorbitante que el gobierno británico estaba aplicando a las estrellas del pop. La banda se reunió en la isla mediterránea de Creta para preparar el barco, ensayar material y documentar su tiempo allí para la película There is an Ocean, que no se estrenó hasta 2005, cuando apareció como un DVD en el box set Try for the Sun: El viaje de Donovan.

El grupo terminó volando de Grecia a Francia, a la Unión Soviética y luego a Japón, sin embarcarse nunca por completo en su viaje por mar. También tocaron en un concierto en Viareggio, Italia, que fue transmitido por la televisión italiana. Donovan interrumpió la gira y regresó al Reino Unido para centrarse en su familia y grabar su próximo álbum, H.M.S. Donovan, en la que también aparecieron John Carr y Mike Thompson. El último concierto que Donovan hizo con Open Road fue en el tercer Festival anual de la Isla de Wight el 30 de agosto de 1970. Posteriormente, Thompson y Carr continuaron actuando como Open Road, reuniendo el grupo ese mismo año con el ex compañero de banda de Dada Lives, Barry Husband a la guitarra y voz, y el organista de iglesia Simon Lanzon en los teclados. Grabaron y lanzaron el álbum Windy Daze en 1971, seguido de un sencillo, "Swamp Fever" b / w "Lost and Found", que no forma parte del álbum, y una gira completa durante la que surgieron diferencias personales que llevaron a Husband y Lanzon a dejar el grupo. Reducido al dúo original, Open Road grabó un álbum más antes de disolverse. Este segundo álbum no se lanzó hasta 2021, cuando apareció como disco extra en una reedición en CD de Windy Daze, y no tiene título conocido (las cajas de cinta se denominaron simplemente "The Open Road").

Las versiones grabadas para el álbum redujeron algunas de sus letras más políticamente cargadas. Las letras impresas en la portada desplegable interior incluyen algunas que no se cantan en el disco real, como el primer verso de "Celtic Rock":

Ye sons of Britain

Who once were free

Ye now are slaves to factory

Those who walk the path of mole

Expect in time to kill thy soul

Los hijos de Bretaña

Que una vez fueron libres

Ahora son esclavos de la fábrica.

Los que andan por la senda del topo

Creen estar a tiempo de matar tu alma

El único sencillo del álbum, "Riki Tiki Tavi" (con la cara B "Roots of Oak", también del álbum) utiliza la mangosta de la historia de Rudyard Kipling en El Libro de la Selva como una metáfora de cómo la gente espera a las instituciones ("es decir: la iglesia, es decir, el gobierno, es decir, la escuela") para exterminar los males sociales. Una versión anterior de la canción también predicaba la abstinencia de las drogas psicodélicas, afirmando, "Los estímulos sintéticos de laboratorio, solo empañan el tercer ojo". La canción, "Poke at the Pope" condena la fe religiosa, particularmente el catolicismo. "Song for John" fue una de las epístolas de Donovan escritas para sus amigos, esta dedicada al también compositor John Sebastian. "New Year's Resovolution" se inspiró en Paul McCartney, quien, recién salido de su ruptura con The Beatles, estaba grabando su primer álbum en solitario en el estudio debajo del de Donovan, mientras los dos músicos se veían a sí mismos saliendo de la década de 1960 y dirigiéndose hacia nuevas direcciones con su música. En esa temporada, McCartney le prestó a Donovan una guitarra para algunas de las grabaciones de Open Road.

Además de su mezcla de folk y rock, Donovan y su banda exploraron varios estilos musicales en el álbum. "Riki Tiki Tavi" toma el ambiente indio de Kipling y lo marca con riffs de ritmo reggae. El guitarrista brasileño Carlos Jobim inspiró el título de "Joe Bean's Theme", que alterna entre un ritmo de bossa nova y melodías pop psicodélicas. Y la canción alegóricamente fantástica del álbum "Celtic Rock" acuñó el nombre de un nuevo subgénero musical.

parte 1

https://1fichier.com/?i50oj0v4b07nh7rilzwo

parte 2

https://1fichier.com/?vfe8yte4tkhqnyvfzqwa

Dr John.. Ske-Dat-De-Dat . . . the Spirit Of Satch. 2014

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Tue, 4 Jan 2022 12:30:00 +0100

Ske-Dat-De-Dat . . . the Spirit Of Satch

Dr. John

2014

Grabaciones efectuadas por Chris Finney en:

Esplanade Studios, New Orleans, LA

G Studios Digital, Studio City, CA

Sugar Hill Studios, Houston, TX

The Village Studios, Los Angeles, CA

World Alert Music, New York, NY

Grabaciones adicionales de Misha Kachkachishvili

Mezclas de Misha Kachkachishvili en Esplanade Studios

Master en CMG Mastering por Paul Blakemore

Editado en Sonic Lounge Studios

Fotografias en Golden Beach, FL.

Fotografía de Bruce Weber

Arreglos de Sarah Morrow

Diseño de Bobby Van Lenten y Chris Hill

Editado por Joe Viers

Productores Dr. John, Sarah Morrow

Productores ejecutivos Andy Tavel, John Burk, Malcolm Mills, Scott Billington

Equipo de Legal Eagle Dan Shulman, Jackie Foy, Tavel & Shulman

Bibliotecarios de Preparación musical - Mike Casteel, Tisha Simeral

Grabado por Chris Finney en Esplanade Studios, Nueva Orleans, LA. Del día 10 al 13 de diciembre de 2013 y los días 2 y 3 de enero de 2014

Grabaciones adicionales de Misha Kachkachishvili en Esplanade Studios, 24 de febrero de 2014

The Blind Boys Of Alabama fueron grabados por Jeff Jones "The Jedi Master", en World Alert Music, Nueva York, NY

con el asistente de sonido Yoichi "Yoda" Yamamoto

Anthony Hamilton fue grabado por Will Wetzel en The Village Studios, Los Ángeles, CA

The McCrary Sisters fueron grabadas por Chad Brown

Grabaciones de Poncho Sánchez por Seth Presant en los G Studios Digital, Studio City, CA

La grabación de Arturo Sandoval, efectuada por Dustin Higgins

Ledisi, fue grabado por Jeremy Rojas en Sugar Hill Studios, Houston, TX

Músicos participantes:

Dr. John - voz, piano, guitarra, viento metal

James "12" Andrews - trompeta

Terence Blanchard - trompeta

The Blind Boys of Alabama – voces y coros

Carl Blouin Sr. - saxo barítono

Oliver Bonie - saxo barítono

Alonzo Bowens – viento metal

Brian Quezergue - viento metal

Wendell Brunious - fliscorno

Shemekia Copeland – voz solista

Tony Dagradi - saxo tenor

Gregory Davis - trompeta

Tom Fischer - clarinete

Barney Floyd - trompeta

Bobby Floyd - Hammond B3

Alvin Ford Jr. - batería

Rex Gregory - clarinete bajo

Anthony Gullage - bajo eléctrico

Anthony Hamilton – voz solista

Kevin Harris - saxo tenor

Kirk Joseph - sousafón

Mike Ladd – voz solista

Ledisi - voz solista

Khari Allen Lee - flauta, saxo alto

Roger Lewis - saxo barítono

Eric Lucero - trompeta

Tom Mallone – viento metal

Kendrick Marshall - guitarra, teclados

The McCrary Sisters – voces solistas y coros

Sarah Morrow - viento metal, trombón

Ivan Neville - Hammond B3

Roderick Paulin - saxo alto

Nicholas Payton - trompeta

Derwin "Big D" Perkins - guitarra

Ed Petersen - saxo tenor

Bonnie Raitt – voz solista

Donald Ramsey - bajo eléctrico

Herlin Riley - batería, pandereta

Jamison Ross - batería

Poncho Sánchez - percusiones

Arturo Sandoval - trompeta

Telmary – voz solista

Efrem Pierre Towns - trompeta

Reginald Veal - contrabajo y bajo eléctrico

Nick Volz - trompeta

Jason Weaver - contrabajo

Listado

Cara A

01 - What A Wonderful World - 04:11 min.

Autoría: George Douglas, Bob Thiele, George David Weiss

Intérpretes Dr. John, Feat. Nicholas Payton, The Blind Boys Of Alabama

Alto Saxophone – Khari Allen Lee

Arranged By – Dr. John

Arranged By [Horns] – Sarah Morrow

Baritone Saxophone – Carl A. Blouin, Sr.

Double Bass [Acoustic Bass] – Reginald Veal

Drums – Herlin Riley

Featuring, Trumpet – Nicholas Payton

Featuring, Vocals – The Blind Boys Of Alabama

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Organ [Hammod B3] – Bobby Floyd

Piano, Vocals – Dr. John

Recorded By [The Blind Boys Of Alabama, Assisted By] – Yoichi "Yoda" Yamamoto

Recorded By [The Blind Boys Of Alabama] – Jeff Jones "The Jedi Master"

Tenor Saxophone – Ed Petersen

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Barney Floyd, Eric Lucero

Vocals [The Blind Boys Of Alabama] – Benjamin Moore, Jimmy Carter (4), Joey Williams, Paul Beasley, Eric McKinnie, Tracy Pierce

Written-By – Bob Thiele, George David Weiss, George Douglas

02 - Mack The Knife - 06:13 min.

Autoría: Marc Blitzstein, Bertolt Brecht, Kurt Weill

Intérpretes Dr. John, Feat. Mike Ladd, Terence Blanchard

Alto Saxophone – Khari Allen Lee

Arranged By, Arranged By [Horns] – Sarah Morrow

Baritone Saxophone – Carl A. Blouin Sr.

Bass – Tony Gullage

Drums – Jamison Ross

Featuring, Trumpet – Terence Blanchard

Featuring, Vocals – Mike Ladd

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Keyboards [Second] – Kendrick Marshall

Organ [Hammod B3] – Bobby Floyd

Piano, Vocals – Dr. John

Tenor Saxophone – Tony Dagradi

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Barney Floyd, Eric Lucero

03 - Tight Like This - 04:52 min.

Autoría: Langston Curl

Intérpretes Dr. John, Feat. Arturo Sandoval, Telmary

Alto Saxophone – Khari Allen Lee

Arranged By, Arranged By [Horns] – Sarah Morrow

Baritone Saxophone – Carl A. Blouin Sr.

Double Bass [Acoustic Bass] – Reginald Veal

Drums – Jamison Ross

Electric Bass – Tony Gullage

Featuring, Trumpet – Arturo Sandoval

Featuring, Vocals – Telmary

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Keyboards [Second] – Kendrick Marshall

Percussion – Poncho Sanchez

Piano, Vocals – Dr. John

Recorded By [Arturo Sandoval] – Dustin Higgins

Recorded By [Poncho Sanchez] – Seth Presant

Tenor Saxophone – Tony Dagradi

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Barney Floyd, Eric Lucero

04 - I've Got The World On A String - 04:04 min.

Autoría: Harold Arlen, Ted Koehler

Intérpretes Dr. John, Feat. Bonnie Raitt

Arranged By, Arranged By [Horns] – Sarah Morrow

Baritone Saxophone – Oliver Bonie

Bass Clarinet – Rex Gregory

Clarinet – Tom Fischer

Drums – Herlin Riley

Electric Bass – Donald Ramsey

Featuring, Vocals – Bonnie Raitt

Flute – Khari Allen Lee

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Organ [Hammod B3] – Bobby Floyd, Ivan Neville

Percussion – Poncho Sanchez

Piano, Guitar, Vocals – Dr. John

Recorded By [Poncho Sanchez] – Seth Presant

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Bernard (Barney) Floyd

05 - Gut Bucket Blues - 02:47 min.

Autoría: Louis Armstrong

Intérpretes Dr. John, Feat. Nicholas Payton

Arranged By – Dr. John, Sarah Morrow

Arranged By [Horns] – Sarah Morrow

Baritone Saxophone – Carl A. Blouin Sr.

Double Bass [Acoustic Bass] – Jason Weaver

Drums, Tambourine – Herlin Riley

Featuring, Trumpet – Nicholas Payton

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Organ [Hammod B3] – Ivan Neville

Piano, Vocals – Dr. John

Tenor Saxophone – Ed Petersen

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Barney Floyd

06 - Sometimes I Feel Like A Motherless Child - 04:45 min.

Autoría: traditional spiritual song

Intérpretes Dr. John, Feat. Anthony Hamilton

Arranged By, Arranged By [Horns] – Sarah Morrow

Double Bass [Acoustic Bass] – Reginald Veal

Drums – Jamison Ross

Electric Bass – Tony Gullage

Featuring, Vocals – Anthony Hamilton

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Keyboards [Second] – Kendrick Marshall

Piano, Keyboards [RMI Keyboard] – Dr. John

Recorded By [Anthony Hamilton] – Will Wetzel

Tenor Saxophone – Ed Petersen

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Barney Floyd

07 - That's My Home - 03:55 min.

Autoría: Ben Ellison, Otis René, Leon René

Intérpretes Dr. John, Feat. The McCrary Sisters, Wendell Brunious

Arranged By – Dr. John

Arranged By [Horns] – Sarah Morrow

Arranged By [Vocals] – The McCrary Sisters

Backing Vocals [The McCrary Sisters] – Alfreda McCrary, Ann McCrary, Regina McCrary

Baritone Saxophone – Carl A. Blouin Sr.

Double Bass [Acoustic Bass] – Jason Weaver

Drums – Herlin Riley

Featuring, Backing Vocals – The McCrary Sisters

Featuring, Flugelhorn – Wendell Brunious

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Organ [Hammod B3] – Bobby Floyd

Piano, Vocals – Dr. John

Recorded By [The McCrary Sisters] – Chad Brown

Tenor Saxophone – Ed Petersen

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Barney Floyd

Cara B

08 - Nobody Knows The Trouble I've Seen - 04:37 min.

Espiritual traditional

Intérpretes Dr. John, Feat. Ledisi, The McCrary Sisters

Arranged By – Sarah Morrow

Backing Vocals [The McCrary Sisters] – Alfreda McCrary, Allen McCrary, Ann McCrary, Deborah McCrary, Regina McCrary

Drums – Herlin Riley

Electric Bass – Reginald Veal

Featuring, Backing Vocals – The McCrary Sisters

Featuring, Vocals – Ledisi

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Organ [Hammod B3] – Bobby Floyd

Piano – Dr. John

Recorded By [Ledisi] – Jeremy Rojas

The McCrary Sisters was Recorded By – Chad Brown

09 - Wrap Your Troubles In Dreams - 06:36 min.

Autoría: Harry Barris, Ted Koehler, Billy Moll

Intérpretes Dr. John, Feat. Terence Blanchard, The Blind Boys Of Alabama

Alto Saxophone – Khari Allen Lee

Arranged By – Dr. John, Sarah Morrow

Arranged By [Horns] – Sarah Morrow

Baritone Saxophone – Carl A. Blouin Sr.

Double Bass [Acoustic Bass] – Reginald Veal

Drums, Tambourine – Herlin Riley

Featuring, Trumpet – Terence Blanchard

Featuring, Vocals – The Blind Boys Of Alabama

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Organ [Hammod B3] – Bobby Floyd

Piano, Vocals – Dr. John

Grabación de The Blind Boys Of Alabama por – Jeff Jones "The Jedi Master"

Asistente de grabación de “The Blind Boys Of Alabama por – Yoichi "Yoda" Yamamoto

Tenor Saxophone – Ed Petersen

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Barney Floyd, Eric Lucero

Voces solistas y coros por The Blind Boys Of Alabama: Benjamin Moore, Jimmy Carter, Joey Williams, Paul Beasley, Eric Mckinnie, Tracy Pierce

10 - Dippermouth Blues - 04:28 min.

Autoría: Joseph Oliver

Intérpretes Dr. John, Feat. James "12" Andrews

Alto Saxophone – Roderick Paulin

Arranged By – Dr. John, Sarah Morrow

Arranged By [Horns] – Dr. John, Tom "Bones" Mallone

Baritone Saxophone – Carl A. Blouin Sr.

Drums, Tambourine – Herlin Riley

Electric Bass – Donald Ramsey

Featuring, Trumpet – James "12" Andrews

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Organ [Hammod B3] – Ivan Neville

Piano, Vocals – Dr. John

Tenor Saxophone – Ed Petersen

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Barney Floyd, Eric Lucero

11 - Sweet Hunk O'trash - 04:19 min.

Autoría: James P. Johnson, Flournoy E. Miller

Intérpretes Dr. John, Feat. Shemekia Copeland

Arranged By – Bobby Floyd, Derwin "Big D." Perkins, Dr. John, Herlin Riley, Reginald Veal, Sarah Morrow

Arranged By [Horns] – Alonzo Bowens

Baritone Saxophone – Carl A. Blouin Sr.

Drums – Herlin Riley

Electric Bass – Reginald Veal

Featuring, Vocals – Shemekia Copeland

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Keyboards [RMI Keyboard], Piano, Vocals – Dr. John

Organ [Hammod B3] – Bobby Floyd

Percussion – Poncho Sanchez

Recorded By [Poncho Sanchez] – Seth Presant

Tenor Saxophone – Ed Petersen

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Barney Floyd

12 - Memories Of You - 05:03 min.

Autoría: Eubie Blake, Andy Razaf

Intérpretes Dr. John, Feat. Arturo Sandoval

Alto Saxophone – Khari Allen Lee

Arranged By, Arranged By [Horns] – Sarah Morrow

Baritone Saxophone – Carl A. Blouin, Sr.

Drums, Tambourine – Herlin Riley

Electric Bass – Donald Ramsey

Featuring, Trumpet – Arturo Sandoval

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Piano, Vocals – Dr. John

Recorded By [Arturo Sandoval] – Dustin Higgins

Tenor Saxophone – Ed Petersen

Trombone – Sarah Morrow

Trumpet – Eric Lucero, Nick Volz

13 - When You're Smiling (The Whole World Smiles With You) - 02:41 min.

Autoría: Mark Fisher, Joe Goodwin, Larry Shay

Intérpretes Dr. John, Feat. Dirty Dozen Brass Band

Alto Saxophone – Roderick Paulin

Arranged By – Dr. John

Arranged By [Horns] – Brian Quezergue

Drums – Herlin Riley

Electric Bass – Donald Ramsey

Featuring – Dirty Dozen Brass Band

Guitar – Derwin "Big D." Perkins

Percussion – Poncho Sanchez

Piano, Vocals – Dr. John

Poncho Sanchez Recorded By – Seth Presant

Trombone – Sarah Morrow

The Dirty Dozen Brass Band:

Baritone Saxophone – Roger Lewis

Drums – Alvin Ford Jr.

Sousaphone – Kirk Joseph

Tenor Saxophone – Kevin Harris

Trumpet, Soloist [First Solo] – Gregory "Blodie" Davis

Trumpet, Soloist [Second Solo] – Efrem Pierre Towns

Ske Dat De Dat . . . the Spirit Of Satch ¬ Editado en 2014

13 Temas. Tiempo Total: 00:58:31

flac @ 981 - 394,99 MB

RipBy: Mr12

Información y reseñas

Sello Music On Vinyl MOVLP1253, Proper Records MOVLP1253, Concord Records MOVLP1253 / Europe Sep 19, 2014

Formato: Vinilo, LP, Album

Géneros Hip Hop, Jazz, Funk / Soul

Estilos Bayou Funk, Swing, Contemporary R&B, Gospel, Jazzy Hip-Hop, RnB/Swing

Fecha de grabación 10 de diciembre de 2013 - 13 de diciembre de 2013, en:

Esplanade Studios, World Alert Music, The Village Studios, G Studios Digital, Sugar Hill Studios

Editado en Sonic Lounge Recording Studio

Administración de A&R, Mary Hogan, Sophie Smith

Coordinación de producción - Dawn Boller

Asistente personal del Dr. John - Andrew Sewell

Reseña en AllMusic

https://www.allmusic.com/album/ske-dat-de-dat-the-spirit-of-satch-mw0002687077

por Thom Jurek

“Ske-Dat-De-Dat: The Spirit of Satch”, del Dr. John, es una colección de canciones de su colega NewOrleaniano, Louis Armstrong, uno del puñado de paisanos que pusieron el jazz en el mapa durante los primeros años del siglo XX. Organizado por la trombonista y coproductora Sarah Morrow, esta sesión de 13 pistas cuenta con estrellas invitadas y una BigBand. El Dr. John va directo a la raíz más íntima de la música de Armstrong, y comienza en "What a Wonderful World", con introducción vocal de los Blind Boys of Alabama y el trompetista Nicholas Payton como solista. Es una ilustración de lo mucho que "gusta follar con una buena canción". Aunque la canción está muy versioneada, esta es probablemente la primera vez que se hace como puro NweOrleansMusicFunk, con el baterista Herlin Riley saltando por todos lados. "Mack the Knife", con Mike Ladd y Terence Blanchard, puede comenzar con un monstruosamente sincopado jazz-funk muy vamp, pero la distancia aparente en el intercambio entre los dos vocalistas se siente insuperable. Un "Tight Like This" hecho con un ritmo lento, muy cool, característicamente afrocubano, con Telmary y Arturo Sandoval. Desafortunadamente, Dr. John está casi ausente y la melodía sufre por ello. "I've Got the World on a String" es un dúo blues con Bonnie Raitt y Pancho Sánchez lanzando una dulce descarga de conga. "Gut Bucket Blues" es un impactante número de funk y arrogante de corneta asesina a cargo de Payton.

"Dippermouth Blues" presenta una sección de viento de primera fila, tema protagonizado por James 12" Andrews, mientras que "Sweet Hunk O 'Trash" presenta un maravilloso dúo con Shemekia Copeland que recuerda a los bien luminosos de Armstrong y Billie Holiday en su versión de 1949, su solo de teclado distorsionado de RMI te lleva, y sobrepasa, al margen. La voz de Anthony Hamilton en "Sometimes I Feel Like a Motherless Child" es conmovedora y suave como la seda, sobre una fondo de jazz contemporáneo. Le siguen dos selecciones con las Hermanas McCrary. La primera "That's My Home", es un R&B simple con Wendell Brunious al fliscorno. "Nobody Knows the Trouble I've Seen" es un conmovedor arreglo de gospel con Ledisi como socio de dúo del Dr. John. "Wrap Your Problem in Dreams" es un magnífico R&B de N.O.L.A. con Blanchard y los Blind Boys de Alabama.

El tema de cierre, “When You're Smiling (The Whole World Smiles With You)” es una relectura greasy con la Dirty Dozen Brass Band con la que se lanza todo este set. A pesar de que un par de cortes no alcanzen la meta, y el conjunto pueda tener demasiados invitados, Ske-Dat-De-Dat es un sólido tributo a Armstrong. Se arriesga y casi siempre obtiene logros gracias a la mezcla siempre cool, exclusiva de la imaginación musical, ingenio y genialidad del Dr. John.

Dr. John’s ‘Ske-Dat-De-Dat The Spirit of Satch’ Re-released on Vinyl

https://www.americanbluesscene.com/dr-johns-ske-dat-de-dat-the-spirit-of-satch-re-released-on-vinyl/

May 21, 2020. JD Nash

El último lanzamiento de estudio del Dr. John, 'Ske-Dat-De-Dat The Spirit of Satch', se lanzará en formato de vinilo de edición limitada el 5 de junio de 2020.

Pero Ske-Dat-De-Dat The Spirit of Satch es mucho más que un simple álbum de versiones. Las 13 pistas que lo componen todas son canciones que interpreaba Armstrong. Sin embargo, Dr. John las ha reinterpretado con su propio estilo tan distintivo. Según el propio Dr. John, Armstrong se le acercó en un sueño y le dijo:

“do my stuff, your way.” "haz mis cosas, a tu manera". Es una carta de amor de un nativo de Crescent City a otro.

Los números por excelencia extraídos de varias fases de la carrera de cinco décadas de Armstrong, tanto como por el ejército de músicos de apoyo, lo convierten en uno de los mejores álbumes de Dr. John. Con un conteo rápido, Dr. John proporciona voz, piano, guitarra y viento metal. Hay veinticinco (sí, 25, sí; lo leíste correctamente) músicos adicionales de trompeta, 4 bajistas, 2 intérpretes de Hammond B-3, 3 bateristas y percusionistas, 2 guitarristas y un grupo de vocalistas invitados que incluyen a Bonnie Raitt, The Blind Boys of Alabama, Shemekia Copeland, Anthony Hamilton, Mike Ladd, Ledisi, Telmary y The McCrary Sisters.

Desde "What a Wonderful World" hasta "When You’re Smiling", el Mister Rebennack abarca una amplia gama de géneros, desde el jazz, hasta el pop y el gospel, pasando por el blues, logrando actualizar el material mientras mantiene el atractivo emocional atemporal de la música. Raitt comparte el centro de atención en una lectura oscilante de "Tengo el mundo en una cuerda", Ledisi y The McCrary Sisters prestan la autoridad del evangelio a "Nadie sabe el problema que he visto"; Hamilton aparece en un triste "Sometimes I Feel Like A Motherless Child"; Copeland intercambia versos con Dr. John sobre una divertida reelaboración de "Sweet Hunk O 'Trash" y los Blind Boys of Alabama prestan sus poderosas voces a "What a Wonderful World" y "Wrap Your Troubles in Dreams"

Poco después del lanzamiento original de este álbum, Mac recibió el premio Louie del Louis Armstrong House Museum y el premio Hank Jones de la Jazz Foundation of America.

Tanto Mac Rebennack como Louis Armstrong crecieron en el tercer distrito de Nueva Orleans. Armstrong fue uno de los primeros artistas a los que el padre del buen Doctor llevó a ver actuar cuando aún Mac era un niño. Armstrong falleció el 6 de julio de 1971 y el Dr. John nos dejó el 6 de junio de 2019. El relanzamiento de Ske-Dat-De-Dat The Spirit of Satch conmemorará el primer año de su fallecimiento.

Satchmo
https://1fichier.com/?vwqme4fvko6640uk0woi

Bel Canto, Shimmering, Warm & Bright. 1992

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Mon, 3 Jan 2022 12:30:00 +0100

Bel Canto. Shimmering, Warm & Bright. 1992

10 Temas. Tiempo Total 00:47:44

Grabado y mezclado en U.W.Ø.H. Studio y Hit Compagniet Studio, Oslo;

excepto las pistas 6 y 10 grabadas en Rainbow Studio

Edición digital en Strype Audio

Master en Sterling Sound

CristalMaster en Sonopress F-9179

Diseño y gráficos [edición de imágenes] - Subtopia

Edición digital por, Audun Strype

Ingeniero de sonido y mezclas, Ulf Holand (pistas: 1 a 5, 7 a 9)

Ingenieros de sonido - Rune Lindquist, Erik Avnskog

Fotos de retrato, Nils Vik

Todas las demás fotos por, A. M. Drecker

Consultor musical, Marc Hollander

Composición Musical, Anneli M. Drecker, Nils Johansen

Intérpretes:

Anneli M. Drecker - vocalista.

Andreas Eriksen - Piano y percusión.

Luc Van Lieshout - Trompeta y fliscorno.

Nils Johansen "Stakhanov" - Programación, guitarra, violín, mandolina

Composiciones de Anneli M. Drecker, Nils Johansen

La pista 3 está basada en un cuento de H. C. Andersen

Listado

01 - Unicorn - 05:19 min.

02 - Summer - 04:47 min.

03 - Die Geschicte Eine Mutter - 06:54 min.

basada en un cuento de H.C. Andersen

04 - Walking Will - 05:16 min.

05 - Shimmering, Warm & Bright - 03:18 min.

06 - Sleep In Deep - 02:46 min.

Mezclado por Truls Birkeland

07 - Buthania - 02:52 min.

08 - Le Temps Dégagé - 04:42 min.

09 - Spiderdust - 03:59 min.

10 - Mornixuur - 07:51 min.

Grabado por Erik Avnskog, Rune Lindquist

10 Temas. Tiempo Total 00:47:44

flac ¬ 808 ¬ 258,51 MB

RipPor ¬ Napi#05

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Reseñas

Bel Canto – Shimmering, Warm & Bright

Sello Crammed Discs – cram 077 CD

Formato: CD, Album

País Bélgica, 1992

Género Electronic. Estilo Synth-pop

Anneli Drecker (de Bel Canto) - Shimmering, Warm & Bright (live)

Bel Canto Artist Biography

https://www.allmusic.com/artist/bel-canto-mn0000125976/biography

by Steve Huey

Los paisajes sonoros atmosféricos, melancólicos y algo medievales de Bel Canto (en italiano "canción hermosa") mezclan un sonido de rock de cámara esencialmente sintetizado con una amplia gama de instrumentos orquestales y folclóricos y se han comparado con los Cocteau Twins. El grupo es oriundo de Noruega y comenzó como un trío formado por la etérea vocalista Anneli Marian Drecker más Nils Johansen y Geir Jenssen. El grupo ha afirmado que se inspira en poderosos campos de energía, incluidos los de la hembra y la atracción gravitacional de la Tierra. Además, las composiciones de Bel Canto a veces se basan en músicas del mundo y los experimentos ambientales de Brian Eno.

White-Out Conditions

Bel Canto lanzó su primer álbum, White-Out Conditions, en 1987. Después de Birds of Passage, de 1989, Jenssen dejó el grupo para embarcarse en una carrera en solitario (como Biosphere) antes de la grabación de Shimmering, Warm & Bright de 1992 y el dúo de Drecker y Johansen continuaron grabando Magic Box de 1996 y Rush de 1998. En el cambio de milenio, Drecker publicó su propio álbum en solitario, Tundra, pero posteriormente se reunió con Johansen en un nuevo estudio de Bel Canto, Dorothy Victory, lanzado en 2002. Durante el resto de la década de 2000, Drecker y Johansen mantuvieron viva la llama de Bel Canto escribiendo nueva música y actuando juntos, al mismo tiempo que prosiguen con sus proyectos individuales.

Shimmering, Warm & Bright Review

https://www.allmusic.com/album/shimmering-warm-bright-mw0000087450

by Ned Raggett

Jenssen se fue antes de la grabación de Shimmering para seguir su carrera en solitario como Biosphere. Podría decirse que se llevó algunos de los bordes más duros y oscuros de Bel Canto con él, pero de ninguna manera todos, y la banda no quedó lisiada como resultado. El dúo Drecker y Johansen crea aquí otra fascinante variedad de canciones con fuentes jóvenes y mayores, lo que resulta en otra fusión exquisita de tecnología moderna con toques inquietantes del pasado. Las dos canciones más fuertes abren y cierran el álbum respectivamente. "Unicorn", que abarca el tecno discreto a lo Ultramarine, aunque aún se viste con los teclados brillantes y las orquestaciones exuberantes de los lanzamientos anteriores, es perfectamente encantador. La entrega de Drecker infunde la letra casi de cuento de hadas a alturas encantadoras, construyendo hasta una conclusión evocadora. Aún más conmovedor es "Mornixuur", una balada de crecimiento lento que finalmente llega a un clímax impresionante, con Drecker en excelente relación con la música. El resto de las canciones generalmente logran la misma calidad que los álbumes anteriores, aunque hay un flujo más orgánico aquí y un toque menos dramático en todas partes. La voz de Drecker está en una forma absolutamente excelente de manera consistente, y si a veces canta letras que no se leen tan bien en la página, "Waking Will" casi termina como un diagnóstico psicoanalítico sobre los sueños, su voz hace que todo suene perfectamente fascinante. La canción principal es un número especialmente fuerte, con otra narrativa de cuento de hadas respaldada por uno de los arreglos más explícitamente folk que Bel Canto haya hecho. La mandolina y otros instrumentos acústicos se mezclan con sonidos de percusión tanto reales como mecánicos, junto con tonos de guitarra post-punk tipo Cure o Cocteau Twins. Otros temas destacados son "Spiderdust", una historia silenciosa e intensa de vudú y pasión, y "Le Temps Degage".

Bel canto

https://1fichier.com/?4l2eqk3c3wjnq0bo369d

Gong ¬ Live etc. 1977

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Sun, 2 Jan 2022 12:30:00 +0100

Gong ¬ Live etc. 1977

15 Temas. Tiempo Total 01:17:41

Productores, John Walters (pistas: C1 to C4), Mike Howlett (pistas de A1 hasta B4 y C5 hasta D4) Phil Newell (pistas A1, A2, A3 hasta B4 y de C5 hasta D4)

Notas en el interior del Lp, Angus MacKinnon

Las pistas 1 y 2 fueron grabadas en la Salle Bataclan de Paris en mayo de 1973, conel sistema Uher Stereo OutOfMix.

El corte A3 se grabó en el Festival de Edimburgo en septiembre de 1973, en una grabadora portátil de 8 pistas, sin aliento después de una carrera. por mar, carretera y ferrocarril desde el centro de Francia.

Las pistas 4, 5 y 6, grabadas en el Club Arc-En-Ciel, Roanne, en agosto de 1973 mediante el Manor Mobile de 24 pistas(antes de lanzarnos a una carrera voladora sin aliento por carretera, ferrocarril y mar, etc.).

Las pistas 7 a 10 fueran grabadas en vivo en los BBC Studios, en enero de 1974. Publicado por acuerdo con BBC Records & Tapes.

Gong Live Etc. es un álbum en vivo de Gong, grabado entre 1973 y 1975 y lanzado originalmente en 1977. Es un conjunto de grabaciones en vivo, incluidas dos pistas "desechadas", tomas de estudio y grabaciones de sesiones para la BBC, que abarcan los años 1973 a 1975

Cara uno

Temas 1 y 2 grabados en la sala Bataclan, de Paris, Francia, en Mayo de 1973

Tema 3 grabado en el Edinburgh Festival, Escocis, en Agosto de 1973

Cara dos

Temas en directo grabados en el Club Arc-en-Ciel, Roanne, France, en Agosto de 1973

Tema en studio grabado en Junio de 1973, en los Manor Studio, Oxfordshire, England

Cara tres

Temas en BBC, grabados en Enero de 1974 en los BBC Studios, England,

Temas en estudio grabados en el Verano de 1974, en Manor Studio, Oxfordshire, Inglaterra, durante las sesiones de You.

Cara cuatro

Grabada en el Marquee Club, Inglaterra, en September 1975

Intérpretes

Formación A

Daevid Allen - guitarra, voz

Gilli Smyth - susurro espacial

"Bloomdido" Didier Malherbe - flautas, saxos, percusión

Steve Hillage - guitarra, voz

Tim Blake - sintetizador, voz

Mike Howlett - bajo, voz

Pierre Moerlen - batería

Formación B

Daevid Allen - guitarra, voz

"Bloomdido" Didier Malherbe - flautas, saxos, percusión

Steve Hillage - guitarra, voz

Tim Blake - sintetizador, voz

Mike Howlett - bajo, voz

Rob Tait - batería, percusión

Diane Stewart - voz, percusión

Formación C

Steve Hillage - guitarra, voz

Mike Howlett - bajo, voz

Didier Malherbe - saxo, flauta, voz, percusión

Miquette Giraudy - voces yonic

Patrice Lemoine - teclados

Pierre Moerlen - batería, percusión

Mireille Bauer - percusión

Listado de Temas:

01 - You Can't Kill Me - 05:49 min.

Composición de Daevid Allen

02 - Zero The Hero & The Witch's Spell - 11:02 min.

Composición de Daevid Allen, Christian Tritsch

03 - Flying Teapot - 06:28 min.

Composición de Daevid Allen, Francis Moze

04 - Dynamite / I Am Your Animal - 05:40 min.

Composición de Christian Tritsch, Gilli Smyth

05 - 6/8 Tune - 03:45 min.

Composición de C. O. I. T.

06 - Est-Çe Que Je Suis - 04:12 min.

Composición de Daevid Allen

07 - Radio Gnome Invisible - 07:30 min.

Composición de Daevid Allen

08 - Oily Way - 03:17 min.

Composición de Daevid Allen, Didier Malherbe

09 - Outer Temple - 01:00 min.

Composición de Daevid Allen, Tim Blake, Steve Hillage, Didier Malherbe

10 - Inner Temple - 05:11 min.

Composición de Daevid Allen, Tim Blake, Steve Hillage, Didier Malherbe

11 - Where Have All The Flowers Gone - 03:01 min.

Composición de C. O. I. T.

12 - Isle Of Everywhere - 10:21 min.

Composición de C. O. I. T.

13 - Get It Inner - 02:27 min.

Composición de C. O. I. T.

14 - Master Builder - 05:54 min.

Composición de C. O. I. T.

15 - Flying Teapot (Reprise) - 02:04 min.

Composición de Daevid Allen, Francis Moze

15 Temas. Tiempo Total 01:17:41

flac ¬ 855 ¬ 459,69 MB

RipPor ¬ Perseval

https://persevalk.blogspot.com/2010/05/gong-1977-live-etc-progrock.html

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Reseñas y Comentarios

Grabado entre Mayo de 1973 y Septiembre de 1975 con Manor Mobile

Ingenieros de sonido, Alan Perkins (pistas D1 to D4) Francis Linon (pistas A1, A2) Simon Heyworth (pista C5)

Ingeniero de Mezclas, Phil Newell

Corte de acetato en Utopia Studios

Portada, Cooke Key

Sello: Virgin VGD 3501, Virgin VGD3501

Formato: 2 x Vinilo, LP, Album, Stereo, Die Cut Sleeve

Publicado en UK Aug 1977

Género: Jazz, Rock Estilo: Jazz-Rock, Psychedelic Rock, Prog Rock

"Where Have All the Flowers Gone" fue el intento de Gong de hacer un sencillo. Resulta algo corriente, aunque la pieza empuja el sobre para las ondas de radio-fórmula.

"6/8 Tune" es un magnífico instrumental de jazz de entre las últimas cuatro pistas del Cd, en su mayor parte instrumentales y muy progresivas.

Las pistas se mezclan para formar el clímax y, lo más destacado de este gran álbum en vivo, exhiben el jazz que se convertiría en un sonido integral en los futuros lanzamientos de la banda.

Grabado después de la partida de Allen, este es el personal que grabaría a Shamal, aunque aquí no aparecen pistas de ese álbum.

Live Etc. originalmente terminaba con la melodía "Ooby-Scooby Doomsday", otro intento de un éxito pop, pero a los 79 minutos, el formato Cd no pudo contenerlo, y se agregó a ese formato disco “You”.

Las pistas 12 a 15 se grabaron en vivo en el Marquee Club,

en septiembre de 1975 con el estudio Manor Mobile. Tres noches sudorosas y sofocantes tipo lata de sardinas, con la formación que se dividiría mientras la grabación de Shamal, el primer producto post-pixie.

Bajo, Voz, Mike Howlett

Batería, Pierre Moerlen (pistas: A1 to B4, C5, D1 to D4), Rob Tate (pistas: C1 to C4)

Flauta, Saxo, Percusión, "Bloomdido" Didier Malherbe (pistas: A1 to C5)

Guitarra y Voz solista, Daevid Allen (pistas: A1 to C5), Steve Hillage

Teclados, Patrice Lemoine (pistas: D1 to D4)

Percusión, Mireille Bauer (pistas: D1 to D4), Pierre Moerlen (pistas: D1 to D4)

Percusión, Voces, Di Stewart (pistas: C1 to C4)

Flauta, Saxo, Percusión, Voz Didier Malherbe (pistas: D1 to D4)

Sintes, Teclados, Voces, Tim Blake (pistas: A1 to C5)

Voz y Susurro Espacial, Gilli Smyth (pistas: A1 to C5)

Voz [Yonic] Miquette Giraudy (pistas: D1 to D4)

Etcétera

https://1fichier.com/?z26qe8sxzexu4gs1ckmt

Gordon Giltrap & Rick Wakeman-From Brush & Stone-2009

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Sat, 1 Jan 2022 12:30:00 +0100

Gordon Giltrap & Rick Wakeman-From Brush & Stone-2009

Producido por Erik Jordan, Gordon Giltrap y Rick Wakeman.

Sesiones de grabación de guitarra diseñadas por Paul White en Malvern Studios.
Sesiones de grabación de teclado diseñadas por Erik Jordan en Pavilion Studios.
Álbum mezclado por Erik Jordan en Jordan Audio Studios.

Un agradecimiento especial a Malcolm "Mad Malc" Welch, quien, durante más de una década, ha querido que esta colaboración ocurriera.

Publicado el 4 de Septiembre de 2009
Arte y diseño de portada: Jan Leytham-Gain
Ingeniero en las sesiones de grabación de guitarra, diseñadas en Malvern Studios, Paul White
Ingeniero en las sesiones de grabación de teclado, diseñadas en Pavilion Studios, Erik Jordan
Notas de contraportada, Gordon Giltrap y Rick Wakeman
Fotografía adicional de Lee Wilkinson
Producción, Erik Jordan, Gordon Giltrap y Rick Wakeman

Intérpretes
Gordon Giltrap, Guitarra y Rick Wakeman, Teclados

Arte y diseño de portada de Jan Letham-Gain
Paul White, ingeniero de guitarra
Lee Wilkinson, Fotografía
Erik Jordan, Teclados

Listado

(temas de 1 a 7) Composiciones de Gordon Giltrap
7 Temas ¬ Tiempo Total 00:30:27

01 - The Savannah Bird ¬ 03:24 min.

02 - Caesar Augustus ¬ 08:06 min.

03 - The Kiss ¬ 04:20 min.

04 - Hermes ¬ 03:20 min.

05 - The Thinker ¬ 04:45 min.

06 - David ¬ 03:24 min.

07 - The Discus Thrower ¬ 03:08 min.

(temas de 8 a 14) Composiciones de Rick Wakeman
7 Temas ¬ Tiempo Total 00:28:31

08 - The Last of England ¬ 05:09 min.

09 - Spring ¬ 02:49 min.

10 - The Death of Chatterton ¬ 05:29 min.

11 - The Light of the World ¬ 03:10 min.

12 - Work ¬ 03:50 min.

13 - By Angle Tarn ¬ 03:53 min.

14 - Maddie Goes West ¬ 04:11 min.

14 Temas. Tiempo Total 00:58:58
flac ¬ 567 ¬ 276,00 MB
RipPor ¬ OrbSter
07-dic-09 21:34

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Reseñas

Acerca de Rick:
………… Gordon Giltrap

¿Qué se puede decir de Rick Wakeman que no se haya dicho ya cien veces?

Rick ha estado en mi conciencia desde principios de los 70 cuando se unió a 'The Strawbs'. Recuerdo que un periodista amigo mío, Steve Turner, lo entrevistó poco después de que dejara The Strawbs por el estrellato con 'Sí'. Steve me dijo que la entrevista había ido bien "y por cierto, Rick envía sus saludos". Obviamente, esto me conmovió mucho, ¡teniendo en cuenta que apenas conocía al hombre!

Nuestros caminos se han cruzado muchas veces desde aquellos primeros días y en 1993 Rick, junto con Brian May, Midge Ure, Neil Murray y el miembro de 'Yes' Steve Howe contribuyeron a mi grabación actualizada de 'Heartsong'.

Con el tiempo se ha construido una fuerte amistad. Lo que se desprende de Rick no es solo su soberbia musicalidad, sino su calidad como un buen ser humano, una cualidad que para mí es igualmente importante. Así que aquí estamos, todos estos años. Finalmente colaborando en una grabación. El proceso me dio mucho placer y también me presentó un gran desafío. Bueno, sería suficiente, ¿no? ¡Especialmente cuando a uno se le presentan siete piezas de piano virtuosas sobresalientes de la pluma de uno de los grandes teclistas de rock de todos los tiempos!

Me gusta pensar que he superado el desafío
………… Gordon Giltrap

Acerca de Gordon:
………… Rick Wakeman.

Hay muchos grandes guitarristas pero pocos que sean únicos.

Gordon Giltrap es sin duda uno de los pocos que realmente pueden clasificarse en la categoría de "únicos". También pertenece a esa raza aún más rara de guitarristas, ya que en realidad escucha lo que hacen otros músicos a su alrededor.

Cuando Gordon me envió por primera vez sus estantes para trabajar, realmente me inspiraron a escribir mi suite pensando mucho en él, dejando espacio para que su talento brille. Ninguno de los dos nos dio instrucciones sobre qué jugar y eso, para mí, lo hizo tan emocionante cuando recuperé mis pistas de él. Gordon hizo cosas en las que nunca hubiera pensado. "Déjelo en manos del experto" es algo de lo que todos los músicos pueden aprender y yo nunca dejo de aprender, eso es seguro.

Estoy muy orgulloso de cómo ha resultado este disco. No fue encargado; tampoco tenía limitaciones de tiempo. Se hizo porque queríamos hacerlo. Musicalmente evolucionó de la forma más natural.

En otras palabras, se hizo por las razones correctas ... ¡otra rareza en el mundo musical de hoy!
………… Rick Wakeman.

Micro sitio web:
http://www.brushandstone.com/

Enlace de podcast de Voiceprint: http://www.voiceprintwebradio.com/podcasts/wakeman_giltrap_interview01.xml

Piedra y cepillo
https://1fichier.com/?8l7vki7bm7xmyyskw6zc

Björk, Greatest Hits. 2002

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Fri, 31 Dec 2021 12:30:00 +0100

Bjork - 2002 - Greatest Hits

Recopilación de 14 sencillos de Björk elegidos por los fans, además de 1 tema inédito. Fue lanzado simultáneamente con la caja "Family Tree", que incluye otra versión del CD "Greatest Hits" con temas elegidos por la propia Björk.

Edición, master y producción en Masterdisk
Master por Howie Weinberg
Mezclado por Mark Spike (las pistas 1, 2, 4 a 7, 10, 11 y 13)
Corte de acetato por MK
Edición Digital por Roger Lian
Gerente de producción Jennifer Quinn
Portada de Gabriela Fridriksdottir, M/M ‹Paris›

Notas
La pista #A03 samplea "Go Down Dying" de Antonio Carlos Jobim.
La pista #D03 usa samplers de "Die Dinge Des Lebens" interpretada por To Rococo Rot y Gigi Masin; "Clouds" interpretada por Gigi Masin; y "6/3 Parallel" interpretado por Guy Sigsworth.
La pista #A01: es la versión original del video.
La pista #B04: es la versión de video
La pista #C03: auoría atribuida erróneamente a Guy Sigsworth y Mark Bell.
En las pistas #A04, #B01 y #C04, el crédito de Sjón pertenece a la co-escritura de letras.
La versión de "All is full of love" incluida, es la original producida por Björk y lanzada como single y video musical en 1999.
La versión de "Big time sensuality (The Fluke minimix)" incluida, es la versión inédita de 4:56 minutos utilizada para el video musical oficial, a diferencia de la versión de 4:09 lanzada anteriormente en el single de 1993.
La pista 14 es el Remix de Tim Simenon en 7", que no se menciona en el Cd.
Las pistas de este Cd fueron seleccionadas con los votos de los fans en el sitio web de Björk.

Listado de Temas:

01 - All Is Full of Love - 04:46 min.
Composición y Producción Björk
(versión original producida por Björk y
lanzado como single y video musical en 1999)

02 - Hyperballad - 05:22 min.
Composición de Björk
Producción - Björk, Nellee Hooper

03 - Human Behaviour - 04:13 min.
Composición de Björk, Nellee Hooper
Producción - Nellee Hooper

04 - Joga - 05:07 min.
Composición de Björk, Sigurjon Birgir Sigurdsson
Producción - Björk, Mark Bell

05 - Bachelorette - 05:16 min
Composición de Björk, Sigurjon Birgir Sigurdsson
Producción - Björk

06 - Army of Me - 03:56 min.
Composición de Björk, Graham Massey
Producción - Björk, Graham Massey, Nellee Hooper

07 - Pagan Poetry - 05:16 min.
Composición y Producción de Björk

08 - Big Time Sensuality (The Fluke Minimix) - 04:54 min.
Composición de Björk, Nellee Hooper
Producción - Nellee Hooper
Producción adicional del Remix - Fluke

09 - Venus as a Boy - 04:42 min.
Composición de Björk
Producción - Nellee Hooper

10 - Hunter - 04:17 min.
Composición de Björk
Producción - Björk, Mark Bell

11 - Hidden Place - 05:28 min.
Composición de Björk, Guy Sigsworth, Mark Bell
Producción - Björk

12 - Isobel - 05:47 min.
Composición de Björk, Marius De Vries, Nellee Hooper, Sigurjon Birgir Sigurdsson
Producción - Björk, Nellee Hooper

13 - Possibly Maybe - 05:07 min.
Composición de Björk, Marius De Vries, Nellee Hooper
Producción - Björk, Nellee Hooper

14 - Play Dead ["Tim Simenon 7" Remix"] - 03:57 min.
Composición de Björk, David Arnold, Jah Wobble
Producción Danny Cannon, David Arnold
Producción adicional del Remix - Tim Simenon

15 - It’s in Our Hands - 04:18 min.
Composición de Björk
Intérprete "6/3 Parellel" - Guy Sigsworth
Intérprete "Clouds" - Gigi Masin
Intérprete "Die Dinge Des Lebens" - Gigi Masin, To Rococo Rot
Producción - Björk, Drew Daniel

15 Temas. Tiempo Total: 01:12:26
flac @ 936 - 463,25 MB

1PocodMusica.com
https://www.1PocodMusica.com/

Björk – Greatest Hits
Sello Polydor – 065 135-1
Formato 2 x Vinilo, LP, Compilation
País Europe Publicado 2002
Género Electronic. Estilo Progressive House, House, Downtempo

Hubo dos encuestas on-líne antes del lanzamiento de Greatest Hits. La encuesta que dio la lista de canciones fue una en la que los fans votaron por sus sencillos favoritos. Otro se llevó a cabo simultáneamente donde los fans pudieron votar por su canción favorita, las pistas del álbum y las caras B. Esto a veces es la causa de cierta confusión sobre la autenticidad del concepto de lista de pistas seleccionadas por los fans, porque los resultados de la encuesta de una sola pista no siempre coinciden con la encuesta general. Por ejemplo, "Hyperballad" fue la canción que recibió más votos de los fans de Björk en la encuesta general, pero aparece como la segunda canción en Greatest Hits. Los resultados de ambas encuestas se pueden ver en el sitio web de Björk.

Varias de las canciones se presentan en sus formas de radio (o single) remezcladas, más notablemente "Big Time Sensuality" (la versión de Fluke que aparece en el video promocional, y no la más corta "Minimix" como aparece en el single). "Possbly Maybe" incluye los famosos sonidos electrónicos que fueron temporalmente eliminados de la versión Post de la pista, y "All Is Full of Love" se presenta en su versión single.

Al igual que con muchos álbumes recopilatorios de grandes éxitos, algunos de los sencillos más importantes de Björk estaban ausentes. La omisión más obvia es "It's Oh So Quiet", su éxito más alto en el Reino Unido. También faltan "Alarm Call", "I Miss You", "Cocoon" y "Violently Happy", así como cualquier material previo al debut.

Las pistas "Human Behavior", "Big Time Sensuality" y "Venus as a Boy" están extraídas del álbum Debut, de 1993. "Play Dead" se lanzó originalmente en la banda sonora de la película Young Americans (1993), pero se incluyó en algunas ediciones de Debut. "Hyperballad", "Army of Me", "Isobel" y "Possibly Maybe" son del álbum Post de 1995. "All Is Full of Love", "Jóga", "Bachelorette" y "Hunter" son de su álbum Homogenic de 1997. Finalmente, "Pagan Poetry" y "Hidden Place" se encuentran en su álbum Vespertine de 2001.

La obra de arte del CD fue realizada en colaboración con la artista contemporánea islandesa Gabríela Fridriksdóttir. Es la única de las portadas de álbumes de Björk que incluye tanto un logotipo como un título.

Greatest Hits se lanzó el mismo día que la caja del árbol genealógico de Björk, que contenía un disco de "grandes éxitos" en el que Björk eligió las canciones. "Greatest Hits" y "Greatest Hits elegidos por Björk", tienen siete pistas en común.

El álbum Greatest Hits se incluyó en los "500 Cds que debieras tener", de la revista Blender.

Björk's Greatest Hits, Reseña
por Heather Phares

Björk cerró su primera década como solista con la retrospectiva Björk's Greatest Hits. A pesar de su título y enfoque algo pedestre (especialmente considerando algunas de sus intrincadas colecciones de importación y conjuntos de cajas), aún logró encontrar una manera de darle un giro a la colección: dejó que sus fans votaran por los temas que querían incluir en la lista de canciones. . En general, hicieron un buen trabajo; con la notable excepción de "It's Oh So Quiet", que es probablemente su mayor sencillo, la colección toca la mayoría de las canciones más importantes de cada uno de sus álbumes. El disco pone la mayor parte de su enfoque en la parte media de su carrera hasta la fecha, seleccionando cuatro pistas de Post y Homogenic, pero aún deja espacio para viejos favoritos como "Venus as a Boy" y "Human Behavior" de Debut. como singles más nuevos como "Pagan Poetry" y "Hidden Place" de Vespertine. Una pequeña decepción es la falta de canciones de su excelente banda sonora Dancer in the Dark, aunque el disco de grandes éxitos que aparece en la caja del árbol genealógico, que compiló la propia Björk, incluye "Scatterheart" y "I've Seen" de ese álbum. "It All" (así como otras grandes canciones de su carrera, como "Unravel" y "You've Been Flirting Again"). Sin embargo, la inclusión de "Play Dead", algo difícil de encontrar, que apareció en la banda sonora de Young Americans y anteriormente estaba disponible con mayor facilidad en un sencillo japonés, y una nueva pista, la encantadora "It's in Our Hands", ayudan a compensar las omisiones sobre las que los aficionados podrían quejarse. Podría decirse que, dado que Björk no es realmente una artista que vive y muere según las listas de éxitos, prácticamente cualquiera de sus canciones podría considerarse un juego justo para su inclusión en una colección como esta; su trabajo es tan consistente que las pistas de su álbum son casi siempre tan interesantes (si no más) como las canciones que se consideran singles. Y, de hecho, Björk's Greatest Hits cumple uno de los objetivos principales de una colección de grandes éxitos: presenta los diferentes lados de su sonido, desde lo lúdico hasta lo agridulce y lo experimental, lo que lo convierte en una buena introducción para aquellos que no están familiarizados con su música y un colección conveniente para sus fans, donde los más acérrimos de Björk pueden querer una colección de caras B o rarezas disponibles en el país, pero Björk's Greatest Hits es posiblemente el primer paso en esa dirección, y una buena manera de celebrar el comienzo de otra década de su música innovadora.

http://pitchfork.com/reviews/albums/731-greatest-hits/

Muchos consideran el pasado perdurable de Björk como una prueba de la genialidad en el trabajo, pero en una ciudad luterana con una población de 110.000 habitantes y sin una industria musical interna de la que hablar, es considerablemente más fácil hacer new wave en Reykjavik que, por ejemplo, en la ciudad de Nueva York. Agregue a esto una prensa musical del Reino Unido obsesionada con la novedad en la era post-punk, y tiene una receta de microondas para la compartimentación a través de la adoración xenófila.

Björk estuvo indisolublemente ligada a ese apodo algo menospreciador durante más de una década, tratada como un juguete inadaptado, adorada por su vestuario, comportamiento y entrega, en lugar de las letras apasionantes y la música revolucionaria que componía. Compuesto, debo agregar, con un poco de ayuda de sus amigos: por mucho que los críticos adularan a Björk, los compañeros músicos descendieron como arpías de alabanza una vez que dejó The Sugarcubes, ansiosos por apuntalar sus propias carreras a través de su deslumbrante belleza y su voz desgarradora.

Pocos artistas disfrutan del tipo de aclamación universal que Björk ha disfrutado desde el comienzo de su carrera en solitario. La prensa elogió las producciones de vanguardia de Björk, pero la mayoría se centró en sus pipas únicas; A medida que su éxito expuso, o, algunos dirían, creó, otros actos islandeses (Sigur Rós, Múm), su voz se volvió cada vez más familiar, un producto reconocible de su entorno. El resultado: el resto del mundo se ha inmunizado a la cadencia islandesa y Björk ya no es sobrenatural. Aunque es principalmente en contraste con su definición de Homogenic que su último larga duración, Vespertine, tuvo una recepción algo tibia, por fin pudimos concentrarnos en la música, que para su lanzamiento en 2001, Björk había estado ignorando durante demasiado tiempo. . Para levantar una cita con respecto a su último sencillo "It's in Our Hands" (incluido en Greatest Hits): "Fue agradable hacer una canción pura después de hacer un álbum completo que no tenía sangre".

Puede que no haya tenido la sangre para dar: después de Homogenic, Björk se sumergió de cabeza en la distracción, protagonizando la película alabada por la crítica Dancer in the Dark, por la que ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes (increíblemente, fue abucheada por gran parte de la audiencia). La banda sonora fue una puesta en escena olvidable de Homogenic, en gran parte ignorada por críticos y fans (aunque la última clase ciertamente abrazó sus pistas de apertura y cierre). Ella siempre había jugado con los diseñadores elegantes, pero lo llevó a un nivel completamente nuevo en los Oscar, vistiendo ese vestido de cisne infamemente absurdo, que acaparía los titulares para lanzar a Vespertine en una cuestionable apropiación de su celebridad. Ella usó el vestido en la portada del álbum, pero no fue filmado hasta semanas después de la ceremonia. Dada su intachable historia de independencia, es seguro asumir que el motivo del cisne del álbum se determinó mucho antes del vestido de curandero de Marjan Pejoski, pero es un montón de tonterías que Björk preferiría dejar atrás. Es un momento perfecto para revisar la razón por la que tiene acceso a los canales de medios globales: su música.

Islandia
https://1fichier.com/?vcthvb246og9lsdc0y3z

Mina Agossi. Fresh, 2014

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Thu, 30 Dec 2021 12:30:00 +0100

Mina Agossi. Fresh, 2014

10 Temas. Tiempo Total 00:40:51

Grabado y mezclado en Aéronef Paris, Mayo de 2014

Mezclado por Antoine Karacostas, Mina Agossi y Patrick Chenais

Master por Eric Chevet en Masterdisk Europe

Fotografía de Jean Baptiste Millot

Producción, Mina Agossi

Arte de portada, Clément Aubry y Mina Agossi

Comentario

de Jamie Cullum

El décimo álbum de Mina Agossi, repasa sus 20 años de carrera revisando algunas de sus canciones originales en nuevos arreglos. Combinando sonidos acústicos y electrónicos alrededor del latido del contrabajo, la batería y la percusión, fusionando el jazz y la música mundial con las sensibilidades del soul urbano y el rock, el álbum revela más de las raíces beninesas de Mina Agossi en estas nuevas adaptaciones inspiradas de sus canciones. "Escuchar a Mina Agossi es como andar en moto por París: emocionante, bonito y con muchos baches. Aunque no esperes salir con vida".

Intérpretes:

Mina Agossi, Voz solista

Eric Jacot, Bajo

Philippe Combelle, Batería y Percusión en pistas 1 y de 5 a 8 y 10

Simon Bernier, Batería y Percusión en pistas de 2 a 6 y de 8 a 10

Stéphane Guery, Guitarra

Phil Reptil, Guitarra Sampleada

Alexei Aigui, Violín en pistas 1, 5, 6 y 10

Composiciones de Mina Agossi, excepto donde se indica.

Listado

01 - Fridge - 03:37 min.

02 - Fresh - 03:50 min.

03 - La Vallee - 05:13 min.

04 - Accident - 04:32 min.

05 - Rewind - 04:26 min.

06 - Mina Waltz - 03:49 min.

07 - Funny - 03:13 min.

Letra Mina Agossi. Música Eric Jacot

08 - Need Love - 03:47 min.

09 - La Lucha - 04:17 min.

10 - Alkemi - 04:07 min.

Letra Mina Agossi. Música Philippe Combelle

10 Temas. Tiempo Total 00:40:51

flac ¬ 685 ¬ 228,82 MB

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Club Jazz Sant Cugat

Gran concierto de Mina Agossi Quartet en el Festival San Miguel Mas i Mas
en el Jamboree, 15 de Agosto de 2014

Mina Agossi, Voz solista

Eric Jacot, Bajo

Philippe Combelle, Batería y Percusión

Stéphane Guery, Guitarra

Sello: Plus Loin Music PL4576 / bEurope 12 sept 2014

Formato: CD, Album

Género: Jazz. Estilo: Contemporary Jazz, Smooth Jazz, Soul-Jazz

Mina Agossi presentó el 28 de agosto de, 2014, su álbum Fresh, que la cantante describe como "una nueva imagen en mi carrera de 20 años." En él vuelve a visitar algunas de sus composiciones y propone nuevas.

Agossi dice refiriéndose a sus fuentes de inspiración:2 «De todo en la vida. Reuniones, comida, películas... Lo que me hace feliz. Y antes que nada, la música: Caruso, Alpha Blondy, Billie Holiday, Björk...». Como puede apreciarse hace referencia a un cantante de ópera, uno de reggae, una de jazz y una de pop. Su estilo recuerda a las divas del jazz, los ritmos étnicos y la chanson francesa. Ella dice al respecto: «Utilizo un montón de influencias en mi música, así que se puede sentir cualquier cosa con ella. Sale de mis diferentes experiencias».

Fresquita

https://1fichier.com/?usx29y0xj2txdlovhlev

The Concert for Bangladesh, 1971 Cincuenta años

elcieloyeldedo@gmail.com (Napi and Lisa Murphy) — Wed, 29 Dec 2021 12:30:00 +0100

George Harrison and Friends. The Concert for Bangladesh

Picture of sign outside Madison Square Garden box office, advertising tickets for The Concert for Bangladesh

By 2005 Concert for Bangladesh album booklet credits

Fair use, https://en.wikipedia.org/w/index.php?curid=39213591

"Un concierto celebrado la tarde y la noche del 1 de agosto de 1971 en el Madison Square Garden de Nueva York"

20 Temas. Tiempo Total 01:39:34

Álbum lanzado originalmente en 1972. La pista 2-10 es un tema extra adicional que solo se encuentra en el lanzamiento del Cd remasterizado.

Incluye imágenes, no mostradas antes, de la interpretación de Bob Dylan en “Love Minus Zero / No Limit”, durante el 'Concert For Bangladesh'

Grabado en el Madison Square Garden

Re-master de Steve Rooke

Producción de George Harrison y Phil Spector

Intérpretes

Sitar - Ravi Shankar

Sarod - Ustad Ali Akbar Khan

Tabla - Ustad Alla Rakah

Tambura, Kamala Chakravarty

Guitarra acústica - Joey Molland, Tom Evans

Coros: Claudia Linnear, Dolores Hall, Don Nix, Jeanie Greene, Jo Green, Marlin Greene

Bajo: Carl Radle, Klaus Voormann, Leon Russell (pistas 2-04 a 2-07)

Batería - Jim Keltner

Guitarra eléctrica - George Harrison (pistas 2-04 a 2-07, 2-10)

Guitarra solista - Eric Clapton (pistas 1-03, 1-04, 1-06, 1-10)

Guitarra Rítmica - Jesse Ed Davis

Guitarra, coros - Don Preston

Sección de viento: Allan Beutler, Chuck Findley, Jackie Kelso, Jim Horn, Lou McCreary, Ollie Mitchell

Percusión - Mike Gibbins

Saxofón - Jim Horn (pistas 1-03, 1-08, 2-09)

Pandereta - Ringo Starr (pistas 2-04 a 2-07, 2-10)

Voz - Leon Russell (pistas 1-08, 2-01, 2-02, 2-07)

The Concert For Bangladesh Año 1971

Listado

Cd 1

101 - Introduction por George Harrison y Ravi Shankar ¬ 05:18 min.

102 - Bangla Dhun por Ravi Shankar ¬ 16:39 min.

Composición de Ravi Shankar

Intérpretes:

Sitar, Ravi Shankar

Sarod, Ustad Ali Akbar Khan

Tabla, Ustad Alla Rakah

Tambura, Kamala Chakravarty

103 - Wah-Wah por George Harrison ¬ 03:30 min.

Composición de George Harrison

104 - My Sweet Lord por George Harrison ¬ 04:36 min.

Composición de George Harrison

105 - Awaiting On You All por George Harrison ¬ 03:00 min.

Composición de George Harrison

106 - That's The Way God Planned It por Billy Preston ¬ 04:20 min.

Composición de Billy Preston

107 - It Don't Come Easy por Ringo Starr ¬ 03:01 min.

Composición de Ringo Starr

108 - Beware Of Darkness por George Harrison ¬ 03:36 min.

Composición de George Harrison

109 - Band Introduction por George Harrison ¬ 02:39 min.

110 - While My Guitar Gently Weeps por George Harrison ¬ 04:54 min.

Composición de George Harrison

Comentario: Solos de Guitarra Eric Clapton y George Harrison

Cd 2

201 - Medley: Jumpin' Jack Flash + Young Blood por Leon Russell ¬ 09:27 min.

Composición de Mick Jagger, Keith Richards + Leon Russell

Comentario: Bajo Carl Radle. Guitarra solista y Voz Don Preston

202 - Here Comes The Sun por George Harrison ¬ 02:59 min.

Composición de George Harrison

Comentario: Guitarra Acústica Pete Ham

203 - A Hard Rain's A-Gonna Fall por Bob Dylan ¬ 05:44 min.

Composición de Bob Dylan

204 - It Takes A Lot To Laugh It Takes A Train To Cry por Bob Dylan ¬ 03:07 min.

Composición de Bob Dylan

205 - Blowin' In The Wind por Bob Dylan ¬ 04:07 min.

Composición de Bob Dylan

206 - Mr. Tambourine Man por Bob Dylan ¬ 04:45 min.

Composición de Bob Dylan

207 - Just Like A Woman por Bob Dylan ¬ 04:49 min.

Composición de Bob Dylan

208 - Something por George Harrison ¬ 03:42 min.

Composición de George Harrison

209 - Bangla Desh por George Harrison ¬ 05:02 min

Composición de George Harrison

210 - Love Minus Zero + No Limit (Bonus Track) por Bob Dylan ¬ 04:19 min.

Composición de Bob Dylan

Comentario: Bajo Leon Russell

20 Temas. Tiempo Total 01:39:34

flac @ 709 ¬ 608,38 MB

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Reseñas

George Harrison And Friends The Concert For Bangladesh

Sello: Sony BMG Music Entertainment

Formato: 2 × CD, Album, Remastered

Reissue 2005

Género: Rock. Estilo: Acoustic, Classic Rock

Joe Taysom @ josephtaysom

Tuesday 21st April 2020 19.00 BST

El "Concierto para Bangladesh" de George Harrison fue un punto de inflexión en la cultura popular, marcando el primer evento benéfico repleto de estrellas que continuaría y sentaría un precedente para futuros conciertos benéficos. Con lo bueno y grandioso de la música, todos juntos para arrojar luz sobre una causa más que digna, todo se originó a partir de la iniciativa original del ex guitarrista de los Beatles, donde Bob Dylan realmente se robó el espectáculo.

Los dos espectáculos del Concert For Bangladesh, especialmente seleccionados del 1 de agosto de 1971, seguirían adelante y sentaron un precedente para los conciertos benéficos para siempre. El día de las estrellas vería a gente como Bob Dylan, Billy Preston, Eric Clapton, Badfinger y Ringo Starr subir al escenario para unirse por una causa más grande que ellos.

Los espectáculos se produjeron después de que el ex hombre de los Beatles mantuviera conversaciones con su amigo cercano Ravi Shankar, quien, al detallar los problemas durante una cena, inicialmente planeó recaudar $ 25.000 dólares para ayudar a la causa de Bangladesh. Sin embargo, después de poner a Harrison de su lado, los modestos planes se convirtieron rápidamente en algo bastante extraordinario.

Había un gran respeto bidireccional entre Harrison y Dylan, tanto a nivel personal como a nivel más profesional, donde buscaban inspiración uno en el arte del otro. En una entrevista en Melody Maker en 1975, Harrison dijo: “Bob Dylan es el artista más consistente que existe. Incluso sus cosas que la gente detesta, me gustan".

Harrison luego alabó aún más a su contemporáneo y agregó: “Cada cosa que hace representa algo que es él. Puede que escriba mejores canciones mañana, que cante alto en este álbum y bajo en otro, que se vuelva eléctrico o acústico, raro o lo que sea, pero lo básico que causa todo este cambio es un personaje increíble llamado Bob Dylan. Es la persona más loca que conozco", concluyó.

El dúo, por supuesto, pasarían a formar juntos The Travelling Wilbury's en 1988. Sin embargo, en 1990, una vez que la banda se disolvió, Harrison y Dylan, lamentablemente, nunca volverían a tener la oportunidad de compartir el escenario juntos.

Tras el fallecimiento de Harrison, con Dylan incapaz de hacer un concierto homenaje dedicado, en su lugar cantó su propia versión de 'Something' que en su gira de Nueva York, le dijo a la multitud de la costa este: "Solo quiero hacer esta canción para George, porque éramos tan buenos amigos".

Dylan se tomó un tiempo de su apretada agenda para ayudar a un amigo que necesitaba que alguien de su perfil apareciera en el concierto después de que su antigua banda se negara a reunirse para la ocasión, pero eso no era necesario ya que Harrison ya había adquirido una buena factura con la actuación de Bob Dylan la tarde de 'Love Minus Zero / No Limit' siendo la crema de la cosecha (the cream) y, de hecho, la de todas las edades.

The Concert For Bangladesh. 25 Photos

https://www.needsomefun.net/concert-bangladesh-photos-20-photos/

Fotos (25 fotos) 1 de agosto de 1971

4 de enero de 2016

El Concierto para Bangladesh fue el primer concierto benéfico de este tipo, ya que reunió a un grupo extraordinario de artistas importantes que colaboraron por una causa humanitaria común, sentando el precedente de que la música podría usarse para servir a una causa superior.

El concierto agotó las entradas del Madison Square Garden y junto con la caja de tres álbumes ganadora de Grammy, y el largometraje, el evento ha generado millones de dólares para UNICEF y ha creado conciencia para la organización en todo el mundo, así como entre otros músicos y sus fans. Por lo tanto, se reconoce como la inspiración y el precursor de los principales eventos mundiales de recaudación de fondos de los últimos años.

Para citar al exsecretario general de las Naciones Unidas, Kofi Annan: “George y sus amigos fueron pioneros”.

The Concert for Bangladesh (o Bangla Desh, como se deletreaba originalmente el país) fue el nombre de dos conciertos benéficos organizados por el ex guitarrista principal de The Beatles, George Harrison, con Ravi Shankar, celebrados a las 2.30 y a las 8 pm del Domingo 1 de Agosto de 1971, tocando para un total de 40.000 personas en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York.

Los espectáculos se organizaron para aumentar la conciencia internacional y financiar los esfuerzos de socorro para los refugiados del este de Pakistán (ahora Bangladesh) luego del genocidio relacionado con la Guerra de Liberación de Bangladesh. Los conciertos fueron seguidos por un álbum en vivo superventas consistente una caja de tres discos y el documental del concierto de Apple Films, que se estrenó en los cines en la primavera de 1972.

El evento fue el primer concierto benéfico de tal magnitud y contó con un supergrupo de artistas que incluía a Harrison, el ex Beatle Ringo Starr, Bob Dylan, Eric Clapton, Billy Preston, Leon Russell y la banda Badfinger. Además, Shankar y Ali Akbar Khan, ambos con raíces ancestrales en Bangladesh, interpretaron un primer set de música clásica india.

Los conciertos recaudaron cerca de US $ 250.000 para ayuda a Bangladesh, que fue administrado por UNICEF, el Concierto para Bangladesh es reconocido como un proyecto de ayuda humanitaria muy exitoso e influyente, que genera conciencia y fondos considerables, además de brindar valiosas lecciones e inspiración para proyectos que siguieron, notablemente los Live Aid.

En 1985, gracias a los ingresos recaudados por el álbum en vivo y la película Concert for Bangladesh, se había enviado un estimado de $ 12 millones a Bangladesh como ayuda.

Fuentes

https://www.discogs.com/George-Harrison-George-Harrison-And-Friends-The-Concert-For-Bangladesh/release/1157221

https://en.wikipedia.org/wiki/The_Concert_for_Bangladesh

https://www.georgeharrison.com/videos/the-concert-for-bangladesh/

https://faroutmagazine.co.uk/rare-bob-dylan-footage-george-harrison-bangladesh/

Cincuenta años-parte 1

https://1fichier.com/?ojor44zvm9ljdo11gnh6

Cincuenta años-parte 2

https://1fichier.com/?sr59seuybxg5iptv7ni0

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CD 8 Pt.1 - CD 9 Pt.2

Del Shannon ¬ The Essential Collection 1961 1991. Álbum de 2012

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John McLaughlin and The 4th Dimension. To The One, 2010

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The Byrds 1972 The Best Of The Byrds Greatest Hits, Volume II

The Byrds. The Best Of The Byrds Greatest Hits, Volume II. 1972 [LpRip]

Donovan. Open Road. 1970 [VinylRip-HD 24-96]

Donovan ¬ Open Road. Publicado en Julio de 1970VinylRip [HD 24-96]

Dr John.. Ske-Dat-De-Dat . . . the Spirit Of Satch. 2014

Ske-Dat-De-Dat . . . the Spirit Of Satch

Dr. John

2014

Bel Canto, Shimmering, Warm & Bright. 1992

Bel Canto. Shimmering, Warm & Bright. 1992

Gong ¬ Live etc. 1977

Gong ¬ Live etc. 1977

Gordon Giltrap & Rick Wakeman-From Brush & Stone-2009

Gordon Giltrap & Rick Wakeman-From Brush & Stone-2009

Björk, Greatest Hits. 2002

Bjork - 2002 - Greatest Hits

Mina Agossi. Fresh, 2014

Mina Agossi. Fresh, 2014

The Concert for Bangladesh, 1971 Cincuenta años

George Harrison and Friends. The Concert for Bangladesh

Donovan ¬ Open Road. Publicado en Julio de 1970
VinylRip [HD 24-96]