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Lo que el viento se llevó...

noreply@blogger.com (cinartec) — Wed, 21 Dec 2011 16:20:00 +0000

Este blog no podría existir sin las películas. Hoy quiero hablaros de una de las joyas de la cinematografía que a sus más de setenta años no ha perdido actualidad. Es uno de los grandes clásicos, de las películas imprescindibles y, sí, también una de mis favoritas.

Esta es una película de guerra, de amor, de esclavitud, de los tiempos que fueron y no volverán. Una historia de arquetipos que el cine ha dejado como una joya irrepetible.

La historia comienza en el sur de los Estados Unidos antes de la guerra de secesión. Los sureños disfrutan de una plácida vida de fiestas, algodón, esclavos, damas y caballeros en un mundo que se resquebraja bajo sus pies. El orgullo les impulsa a una batalla en la que pretenden que los ideales y las buenas formas defiendan sus valores ante la industria, el progreso y el equipo armamentístico norteño al que se enfrentan.

Pero centremos la vista en esa mujer. ¿Quién es esa caprichosa y adorable adolescente de ojos verdes y mirada altiva que hipnotiza a cada hombre que la saluda? Es Scarlett, Scarlett O’Hara, el sueño de todo hombre y la envidia de toda mujer… en la historia, claro está. Porque Scarlett representa la fuerza interna, primitiva, inocente y, sobre todo, bella que toda mujer anhela.

Mientras coquetea prácticamente con todos los hombres allí reunidos busca un hueco para declarar su amor al único que desea: Ashley. Pero la escena no se desarrolla como esta rica jovencita espera porque él va a casarse con otra.

Ashley Wilkes, arquetipo del noble caballero que no logrará reponerse a la destrucción del mundo para el que nació, es de otra naturaleza. Una naturaleza que se corresponde con Melany Hamilton, arquetipo que representa la bondad del espíritu y la fragilidad del cuerpo.

Testigo por accidente de la declaración frustrada de Scarlett es Rhett Butler. Un apuesto negociante cuya vida se alejó hace tiempo ya de las sutilezas y maneras de una nobleza a la que decidió no pertenecer. Irónico y seguro. Zorro astuto que sabrá desenvolverse en un mundo donde el individualismo y el capital arrastrarán con todos los convencionalismos de una época. Soltero por vocación, contrario a las ataduras del matrimonio, este hombre, en definitiva, el hombre que toda mujer construye como arquetipo ideal, se enamorará de esa jovencita caprichosa y llena de fuerza.

Pero la guerra llega para transformar la vida de estos personajes en una muy distinta a la que habían planificado.

Devastados, habiéndoles sido sustraído todo aquello que amaban o en lo que creían, deberán reconstruir sus vidas.

La lección de la guerra mudará a la coqueta jovencita Scarlett en una mujer hermosa y astuta que se erguirá ante la desolación para transformarla en fortaleza. Tara, la tierra de su niñez, de sus orígenes, de su herencia irlandesa: la tierra roja de Tara, hará que renazca el fénix que es Scarlett.

Mientras tanto, el compromiso aceptado por Scarlett con Ashley de ayudar a Melany, hará surgir entre ambas la amistad, el reconocimiento y la admiración entre estos dos personajes tan distintos, revelando que la grandiosidad y la belleza puede tomar formas muy diferentes.

Scarlett aceptará la aparentemente irónica proposición de matrimonio de Rhett, tras sus dos matrimonios fallidos: uno realizado por despecho, el otro por necesidad y este último: por diversión.

Pero el fantasma del idealizado y platónico amor de juventud de Scarlett por Ashley resurgirá en la plenitud de su tercer y feliz matrimonio para traer la tragedia de nuevo.

Rhett en pleno arrebato, ebrio, tomará a su esposa. Para abandonarla justo cuando ella descubre la pasión que siente por él. Pero él no es consciente de ello e incapaz de soportar el rechazo de su esposa, se aleja de ella. Rhett se lleva consigo a Bonnie, la hija de ambos, tratando de colmar en ella el amor frustrado por Scarlett.

La niña echa de menos a su madre. Y es ahí cuando regresa para asumir, sin saberlo, las desgracias que se sucederán. Scarlett despechada por la frialdad con que Rhett vuelve sólo para abandonarla después, le ataca y en la acción cae por las escaleras. Pierde el hijo que ambos esperaban. Rhett, culpable y aún enamorado permanece junto a ella. Por desgracia, la mano negra les persigue y esta vez es Bonnie quien muere en un accidente. Rhett, arruinado en su cordura es devuelto al mundo gracias a Melany.

Mas será la última buena acción de esta mujer que los abandona junto con los otros dos.

Scarlett libre de amar a Ashley por fin, descubre que no fue más que una construcción que se desvanece en el momento de poder culminarla. Sin embargo, Rhett, no lo ve así y la abandona definitivamente con esa frase inolvidable: “Francamente, querida, me importa un bledo”.

Pero, ¿a quién le convence esa frase frente a un: “Ya lo pensaré mañana”?

Los diálogos en cine

noreply@blogger.com (cinartec) — Mon, 19 Dec 2011 14:32:00 +0000

Para abrir boca con el tema de los diálogos, vamos a comenzar con un ejemplo de uno de los mejores dialoguistas de la historia del cine, Woody Allen, en una escena de la película de Toma el dinero y corre.

De todos, modos, os recomiendo ver la película entera.

Y ahora, ¿cómo lo hago yo?

La escritura del diálogo requiere convivencia y estudio. Los personajes deben hablar como ellos mismos y debemos evitar ser literarios en su escritura. El diálogo de la novela suele o puede ser muy literario ya que muchas veces sirve para que cuenten o narren hechos. En cine esos hechos los vemos.

Los diálogos no deben estar dictados por la realidad, no son realistas. Esto se debe a que los diálogos en la realidad, las conversaciones, no tienen forma.

Una conversación es informe, no tiene estructura. Un diálogo sí. En una conversación no hay una finalidad. Los diálogos de una película necesitan de estructura, de formalización, ya que todo en una película es construcción.

Hay 2 coordenadas fundamentales para crear el diálogo:

- Funciones del diálogo

- Técnicas del diálogo

Es útil tener en cuenta la CIRCUNSTANCIA de la que brota el diálogo.

Otra característica es que el diálogo tiene que ser DINÁMICO.

- FUNCIONES DEL DIÁLOGO

• Hace avanzar la acción.

• Comunicar hechos o situaciones (sin “telefonear”, anticipar información dentro del diálogo).

• Establecer relaciones con los otros.

• Desarrollar conflictos.

• Describir estados de ánimo.

• Comentar la acción.

• Describir y caracterizar a los personajes.

• Para generar efectos: cómicos, dramáticos, culteranos. (Woody Allen genera muchísimos efectos).

• Para levantar el ánimo al espectador, para impulsarlo. Son importantes las rases geniales, al menos una por secuencia.

- TÉCNICAS DEL DIÁLOGO

Qué podemos tener en cuenta a la hora de escribir un diálogo:

• La situación, la circunstancia. Evitar que el diálogo esté basado en preguntas y respuestas: el interrogatorio.

• Hay que procurar no repetir innecesariamente, quitando las apoyaturas: repetición de palabras como impulso. (En cineastas como Scorsese, la repetición forma parte de su estilo de la narración, de la relación con los personajes, la estructura…)

• Hacer un diálogo alusivo, indirecto, no dar todos los datos. (¡¡¡ No verbalizar subtexto!!!).

• Reflejar al personaje.

• Los diálogos de un guión se escriben para ser oídos, no para ser leídos (¡¡¡No caer en lo literario!!!).

• Breves, claros, sencillos y concretos.

Se aprende de los grandes, pero también se aprende de lo que no debemos hacer. Una de mis películaas favoritas a este respecto es R.O.T.O.R. . Junto con Druidas, creo que dos de los mejores ejemplos de lo que debemos evitar desde el guión y desde la dirección. He aquí un "fantástico" diálogo por sus innumerables errores (literario, verbaliza el subtexto, largos, confusos, cuenta una acción que no nos muestra...). ¡Una joya para el aprendizaje!

Y, ahora sí, para finalizar, varios ejemplos de los grandes.
Comenzamos con un diálogo entre Toto y Alfredo en Cinema Paradiso de Giussepe Tornatore.

Ahora una recompilación de frases míticas del cine.

Y, para terminar, el gran discurso de El gran dictador (1940). Chaplin tardó en internarse en el mundo del sonoro. Y cuando lo hizo creo un discurso en un momento realmente conflictivo.

Nos vemos pronto.

Cine: ¿Arte o industria?

noreply@blogger.com (cinartec) — Fri, 09 Dec 2011 15:37:00 +0000

Antes de comenzar a fondo, disfrutemos un momento con las imágenes de este vídeo y reflexionemos acerca de esta pregunta: ¿es el cine arte o industria? ¿debe ser así?

Cuando los autores griegos de teatro comenzaron sus obras sus objetivos principales oscilaban entre el arte, el entretenimiento y la comunicación, fundamentalmente. Las artes plásticas nacían con intenciones comunicativas que, más tarde, asumieron objetivos estéticos y artísticos. Si bien estos antiguos predecesores del cine encontraban sus fundamentos en estas características, pronto surgió en ellas la vertiente comercial con su consecuente intencionalidad de obtener beneficios. Siempre ha habido en el desarrollo de las artes una tendencia puramente artística y otra eminentemente comercial y, por supuesto, lo que ha prevalecido ha sido una integración de las dos en distintas proporciones.

Sin embargo, los inicios del cine encuentran entre sus objetivos primigenios una opción más comercial. Y es que se trata de épocas radicalmente distintas. Si el teatro y las artes plásticas se remontan a los inicios de las primeras civilizaciones, el cine se remonta a poco más de cien años de historia y surge en el periodo de la revolución industrial.

Su antecesor más inmediato es la fotografía, disciplina que surge primero como un soporte de las artes plásticas y que poco a poco va adquiriendo independencia y relevancia en el marco de la información y de la representación fidedigna de la realidad y no tanto como un arte.

Asimismo, habría que añadir que los intereses de los creadores de la imagen en movimiento centraron su proyecto en una sociedad en la que el ocio comenzaba a escalar posiciones en las tablas de valores de las necesidades y cuyo objetivo principal era vender su proyecto y conseguir dinero con ello, aparte de intereses creativos.

El cine hace su aparición en una sociedad que comienza a ser tecnológica, una época en la que se suceden los inventos de una manera asombrosa –de acuerdo con la trayectoria histórica- y que tiene como público a la burguesía, que parece haber encontrado una forma de cultura y entretenimiento asequible y adecuada a su idiosincrasia: algo moderno, revolucionario y con posibilidades creativas.

De esta forma, el cine surge como industria, como negocio antes que como arte.

Sin embargo, pocos años después, y en un periodo de proliferación de corrientes artísticas de vanguardia que desecharán los cánones establecidos hasta ese momento, habrá quien encuentre en el cinematógrafo la posibilidad de un nuevo lenguaje. Y pronto se celebrará su bautismo como el 7º Arte.

Así, tras el éxito de los Hermanos Lumiere el 28 de diciembre de 1895 en el Salón Indiano del Café de los Capuccinos de París como comienza esta dialéctica entre la parte artística y la industrial de este nuevo gran invento. El recibimiento del cinematógrafo fue un éxito fulminante. Los Hermanos Lumiere centran su temática en lo cotidiano, temas cercanos, temas que hasta entonces no habían sido tratados: “La salida de la fábrica”, “L familia”, “El jardín, “La llegada del tren”, “Riña de niños”. Nada atractivo en principio, sin embargo, un hito en nuestra historia que, cada vez más, se ve influida de forma implacable por lo audiovisual y su forma de comunicación y entretenimiento.

La introducción del sonoro viene determinada por intereses comerciales, así como todos los avances que se han ido integrando en la industria tecnológica, en general. En sus inicios y pese a que la introducción del sonoro podría haberse realizado poco después de los primeros aleteos del cine, los problemas derivados de la integración de esta tecnología, tales como un mercado que dejaría de ser global, un público que no estaría dispuesto a escuchar un idioma distinto al suyo y, por otro lado, generar nuevos conflictos a nivel de la comprensión de un nuevo lenguaje cinematográfico que introdujera este nuevo elemento sin perjudicar al sistema de comunicación preexistente, suponía más un problema que un aliciente.

Sin embargo, pronto el público comenzó a cansarse del cine mudo. Las cinematógrafo había dejado de ser un elemento novedoso y su éxito caía en picado. Fue entonces cuando la idea del sonoro apareció atractiva a los ojos de los empresarios que por aquel entonces controlaban el negocio.

Y esta dinámica es la que se ha ido repitiendo en la historia del cine, tanto a nivel de incorporación de nuevas tecnologías, como a nivel creativo y artístico.

Como en todas las corrientes artísticas el cine ha contado con creadores experimentales agrupados en corrientes “revolucionarias” o, al menos, segregadas del núcleo asociado al éxito que han permitido un desarrollo al margen de lo preestablecido.

Si hablamos del cine como industria no podemos dejar de mencionar Hollywood: la meca del cine, donde el cine surge como industria. Y no hay que quitarle mérito: en la mayor parte de los países la proporción de películas procedentes de esta industria superan siempre con creces la nacional... si es que ésta llega a existir. De esta forma, Hollywood ha llegado a erigirse como dueña de la fórmula del éxito. Entendieron el cine como un medio de entretenimiento y socialización, crearon fórmulas que “engancharan” al público a sus producciones. Fueron los creadores del “star system”, de los ídolos cinematográficos, los primeros herederos de Griffith y el nacimiento del lenguaje cinematográfico que llegaron a sublimar. Fórmulas sencillas, guiones establecidos, temáticas propias de esta industria, duración de noventa minutos aproximadamente. Amplios conocedores de la comedia y el drama y, sobre todo, maestros de la acción y el ritmo narrativo: sus películas, muchas veces simples y sin ningún interés profundo, entretienen. Sin embargo, por norma no han sido grandes innovadores. Generalmente han esperado que otros, casi siempre cine independiente y nuevas escuelas, especularan con fórmulas distintas. Una vez que estas nuevas formas de entender el cine alcanzaban el éxito, ellos las adoptaban.

Sin embargo, no hay que considerar que sólo hayan sido generadores de dinero. Si este hubiera sido el único objetivo sus producciones no habrían alcanzado la fama que ostentan. También han sabido aunar su potencial económico al arte. Al ser los dueños de amplios capitales han podido permitirse el lujo de invertir en grandes producciones que ahora forman parte de la historia del cine y que representan obras de arte por antonomasia. Desde mi punto de vista, obras como Lo que el viento se llevó, de Victor Flemmig, suponen un claro ejemplo de creación artística unida a una gran empresa, a la mayor de las industrias. Y es que, de hecho, en este caso concreto hablamos de una película de productor, más que de un resultado del talento de un director. Se trata de David Selznick, un ejemplo claro de la industria de Hollywood que supo coordinar su talento empresarial con el artístico. Pero este no es un caso aislado. Un paseo pro cualquier libro de la historia del cine apoyaría esta idea. Ciudadano Kane, Casablanca, Novecento, Luces de la ciudad... y un interminable etcétera que no considero necesario enunciar. Hasta llegar a grandes superproducciones como Titanic, de James Cameron. Sin embargo, no puedo obviar otra producción marginal de ese mismo año y que contó con un presupuesto bastante ajustado y que logró, proporcionalmente, unos beneficios espectaculares: estoy hablando de Full Monty, de Peter Cattaneo. Por otro lado, resulta maravilloso que creadores como Pedro Almodóvar que se iniciaran con películas underground como Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, hayan alcanzado el reconocimiento de una “academia” más comercial que artística.

De esta forma podríamos concluir diciendo que aunque sí existen muestras exclusivas de arte o de industria, generalmente ha prevalecido una unión de estas dos en distintas proporciones.

El acorazado Potemkin, ¿cine o propaganda?

noreply@blogger.com (cinartec) — Thu, 01 Dec 2011 14:33:00 +0000

Un clásico de la historia de la cinematografía con el que comenzar este apartado de análisis e historia fílmica.

Para abrir boca: la secuencia de la escalera de Odessa... (me suena que Brian de Palma se inspiró un poquito en ella para su escena de las escaleras de Los Intocables). Al final del documento encontraréis una sorpresa interesante...

Cuando los bolcheviques toman el poder en 1917, el cine ya había cautivado a los rusos. El cine mudo significó gran atracción para el gobierno revolucionario debido a que las dos terceras partes de la población era analfabeta y la imagen sería de gran utilidad para crear la conciencia popular.

En 1919 se nacionalizó la industria cinematográfica y se crea la primera escuela estatal de cine. La perspectiva política se confundía con la artística, entrando en conflicto la necesidad de experimentación artística con el objetivo de utilizar el cine como propaganda política.

De esta escuela surge Lev Kulecheiv, a quien se le ha considerado como el padre del cine soviético, siendo un gran defensor del cine como expresión artística. Su importancia superó a sus propias películas, debido a que sus aportes teóricos al arte del cine fueron de importante influencia para los cineastas de la época.

Muchos de los directores surgidos en ese momento tenían como concepción que la forma superaba al contenido, por lo tanto las autoridades soviéticas comenzaron a ver sus obras como inaccesibles para el público masivo.

Entre este tipo de directores se encontraba Eisenstein, que tenía la idea de que un país revolucionario debería tener una cultura revolucionaria.

Después de poner fin a su carrera teatral y de realizar dos cortos, filmará su primer film La Huelga (1925). En esta película el acento está puesto en las imágenes con una clara intención de captar y encauzar las emociones del espectador. La película estaba consagrada al movimiento obrero revolucionario y carece de héroes individuales que se destaquen sobre la masa. Esto estaba de acuerdo con las reglas que imponían las autoridades, quienes rechazaban la concepción individual del mundo, por lo tanto las películas deberían carecer de personajes que mostrasen sus perfiles psicológicos o sus conflictos interiores. Su siguiente film sería una gran obra maestra El Acorazado Potemkin (formaba parte de ocho episodios que conmemoraban el XX aniversario de la revolución de 1905, pero Eisenstein se centró en un acontecimiento histórico referido al amotinamiento de la tripulación del Potemkin). Potemkin, considerada hasta el día de la fecha como una de las mejores películas de todos los tiempos. Por lo que se puede extraer de sus escritos, la preparación técnica de esta película fue rigurosa y reflexiva y los efectos fueron calculados con gran esmero.

El montaje cinematográfico logra aquí su más estremecedora elocuencia; la rapidez, la precisión, la agudeza, el contraste de El acorazado Potemkin están ahora complementados con la música de Prokofiev; se trata de una estructura audiovisual de un poderío sobrecogedor.

Odessa, junio de 1905, a bordo del acorazado Potemkin las relaciones entre la tripulación y el mando son muy tensas. Cuando se les intenta dar de comer carne podrida, estalla un motín que triunfa en la nave y depone a los oficiales. Al arribar el Potemkin al puerto de Odessa, los marineros animan a la gente, harta como ellos de la represión estatal, a seguir su ejemplo y liberarse de la tiranía zarista. Pero las tropas gubernamentales llegan a la ciudad provocando una masacre ante la ira y la desesperación del pueblo. Los cañones del Potemkin abren fuego contra el cuartel general del mando zarista y los destruyen. Sin embargo, el acorazado debe zarpar, pues una gran flota se dirige a Odessa para apresarlos. Cuando encuentran a sus perseguidores, la tripulación de los barcos ha desobedecido las órdenes y pretende unir sus fuerzas a las del Potemkin en su lucha para derribar al zar.

Basada en hechos reales, la película está narrada con soberbia maestría por el padre del cine ruso y uno de los grandes maestros del cine mundial, Eisenstein. Pese a ser este un trabajo "propagandístico", no deja de ser una clase magistral sobre el montaje, el movimiento de la cámara y la narración, con escenas míticas como la de la escalera de Odessa, que sería después copiada como esquema para resolver secuencias de acción por infinitud de directores, siendo copiada casi plano por plano por Brian de Palma para su película Los Intocables de Elliot Ness. Técnicamente, una película a años luz de lo que en aquellos momentos se hacía. Es una película fundamental en la historia del cine, estando siempre de las primeras en todas las listas de las mejores películas de la historia del cine. Por tanto, se puede decir que aunque evidentemente se trata de un arma de propaganda de carácter gubernamental, ello no exime sus cualidades cinematográficas que, de hecho, le aportan mayor eficiencia a los intereses persuasores que subyacen en ella.

El filme está organizado, como las tragedias griegas, en cinco actos. El cuarto, que corresponde al ataque de las fuerzas del zar en las escalinatas del palacio de Odessa, es uno de los grandes hallazgos estilísticos de la historia del cine. Con 1300 planos y sólo dos travellings, el movimiento viene dado por la acción de los personajes en liza opresores bajando las escalinatas, oprimidos intentando subirlas) y el montaje. La tensión dramática ascendente está provocada por la dilatación temporal (el tiempo cinematográfico es mayor al real) y la reconstrucción del escenario. Eisenstein crea un espacio imaginario que surge con la acumulación de los planos.

Para Eisenstein, principal artífice del formalismo, el arte era pura transformación. Consideraba el montaje la materia prima y fuerza creadora del cine; la unión de elementos genera conflicto (de dirección, escala, profundidad...); una idea no expresada se manifiesta por colisión o choque.

En conclusión, considerar esta obra maestra del cine tan sólo como un objeto propagandístico resulta cuanto menos inocente. Hay que tener en cuenta que muchas de las películas que vemos en la actualidad esconden intereses socializadores y que esta ha sido una constante a lo largo de la historia del cine. No es extraño ver películas sobre la guerra y su “importancia” después o inmediatamente antes de un conflicto bélico, reposiciones sobre la Segunda Guerra Mundial que mantengan a la sociedad alerta frente a los enemigos y que justifiquen la actuación histórica de sus creadores, con películas como Pearl Harbour. Películas como Oficial y caballero son un claro ejemplo de películas de carácter propagandístico encubiertas en una maravillosa historia de amor en las que subyace la idea de: “¡alístate en la marina, tu país te necesita!”. O producciones como Armaggedon o Independence day, descarados ejemplos de que la propaganda ha existido y existirá en el cine, como ha existido en todas las artes a lo largo de la historia.

Si habéis llegado hasta aquí os merecéis este vídeo homenaje a esta gran película.

Formato de guión... una página un minuto

noreply@blogger.com (cinartec) — Wed, 23 Nov 2011 14:04:00 +0000

Por mucho que nos guste el mercado impone que las películas tengan una duración determinada. Y, por muy clara que yo tenga una idea de una película de nueve horas, los productores y exhibidores no me la van a comprar (salvo que te llames Peter Jackson, hagas El Señor de los Anillos y lo dividas en tres partes de 3 horas...). Incluso en los orígenes del cine, en 1924, Stroheim lo intentó con Avaricia, su proyecto de 10horas. Ese metraje nunca llegó a ser exhibido.

Pero, ¿cómo puedo medir la duración de un guión?

Para salvar las diferencias o dificultades de la escritura del guión con respecto a la novela –la extensión y el lenguaje específico- existen una serie de reglas o normas que nos facilitan el proceso.

Una película dura por lo general dos horas. Para calcular la duración en función de las páginas se utiliza un sistema que da una relación media de 1 página=1 minuto

Existen dos bloques: descripción y diálogo.

- Descripción: lo que debe verse en la pantalla. Lo que hace el personaje.

- Diálogo: lo que dice el personaje. La voz en off.

Reglas para 1 página = 1 minuto

- Hoja DIN A4

- Hojas blancas

- Tipografía: Courier New (12)

- Interlineado sencillo

- Márgenes izquierda y derecha de 2cm aprox.

- Texto sin justificar

Estilo de redacción

- Tiempo presente.

- Estilo sencillo, frío, directo.

- Sin recursos literarios, excepto el símil y la metáfora.

- Las páginas se numeran en la parte inferior derecha.

Descripción y diálogo

- La descripción:

- Encabezamientos en mayúsculas subrayado y/o negrita (nunca en cursiva)

- El bloque de descripción va alineado a la izquierda y ocupa todo el ancho de la línea.

- Los diálogos:

- El nombre del personaje: centrado y en mayúsculas. Sólo puede ir escrito al lado EN OFF/OFF/O.S. (out screen): cuando el personaje no está en pantalla.

- Debajo del nombre van las acotaciones (si tiene): pequeños matices físicos o emocionales que indican cómo va a decir las cosas. Gerundios, adverbios y adjetivos. Van a matizar tanto el tono de la frase como lo que hace físicamente.

También se puede acotar a mitad del diálogo.

- Debajo de la acotación y sin saltar línea va el diálogo.

- Tabulación del diálogo:

◦ Alineado a la izquierda.

◦ No ocupa todo el ancho de línea ni a la derecha ni a la izquierda.

◦ Se puede indicar una pausa o hacer un punto y aparte.

◦ Se puede partir un diálogo, es decir, que en medio se ve un paisaje por ejemplo.

- Algunos programas para escribir guión

- Scriptware

- Final Draft

Cine, radio, tevisión y prensa

noreply@blogger.com (cinartec) — Thu, 19 May 2011 14:51:00 +0000

En este post propongo a los docentes una manera muy útil de enseñar a sus alumnos la repercusión que tiene el cine, la radio, la televisión y la prensa de manera global.

Una manera de conocer la historia, los géneros y los aspectos técnicos de una forma amena y sencilla.

Uno de los ámbitos donde tienen más repercusión las nuevas tecnologías es el mundo de las comunicaciones. Estudiar los medios técnicos utilizados por el hombre resulta necesario para entender el alcance de los diferentes métodos de transferencia de información empleados en nuestro día a día.

En el siguiente documento se muestra a los docentes una técnica de estudio para los alumnos en la que, siguiendo una misma estructura para los diferentes medios de comunicación, se elabora un resumen de todos los aspectos históricos, técnicos, de género, así como clasificaciones de los mismos.

Descubre las principales caractéristicas de estos medios de comunicación de un vistazo.

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Asimismo, se propone a los docentes una serie de actividades para realizar con sus alumnos referentes al material expuesto.

Modernismo en Madrid

noreply@blogger.com (cinartec) — Thu, 05 May 2011 11:23:00 +0000

Cuando nos preguntan por la Arquitectura Modernista lo primero que nos viene a la mente es Barcelona y Gaudí. Pero para entender la esencia de este movimiento artístico no es necesario salir de Madrid…

A principios de siglo los arquitectos con afán de renovación, trataron de actualizar la decoración de los edificios. Para lograrlo trataron de recurrir a las características del modernismo, que ofrece una imagen muy atractiva para servir de reclamo publicitario, destacando el diseño de los alzados. Se trata de crear una estética basada en la Naturaleza a la vez que se incluyen los avances tecnológicos propios de la Revolución Industrial:

Diseño inspirado en elementos naturales, como los vegetales o las formas redondeadas.
Uso de la asimetría y la línea curva.
Estilización de los motivos.
Uso de imágenes femeninas en posiciones delicadas, haciendo referencia a la sensualidad.

Incorporación de las armaduras metálicas, utilizadas durante el siglo XIX en construcciones muy determinadas comenzaron a extenderse en Madrid a partir de 1900. Este tipo de estructura permitía la posibilidad de organizar el espacio y la fachada para dotarla de grandes vanos al exterior.

Uso de materiales propios de la época como son el hierro para forjas y rejerías (curvado para asemejarse a la vegetación natura), y el vidrio tanto en fachadas como para luz cenital.

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El modernismo es un arte decorativo propiamente burgués que entró en España de la mano de Cataluña, dejando grandes inspiradores como fue sin duda, la figura de Gaudí. Pero no por ello Barcelona ha de ser la única ciudad española que plasma el optimismo correspondiente a la clase social burguesa.

El desarrollo de la industria en la ciudad de Madrid produjo asimismo la construcción de edificios propios del modernismo. Prueba de ello es el siguiente video, correspondiente a la Jornada de Puertas Abiertas en el Palacio de Longoria (actual sede de la SGAE) que se realizó el 7 de Octubre en honor al Día de la Arquitectura ya que, por su singularidad representa claramente las características del modernismo madrileño.

¿Cuál será la energía del futuro? (segunda parte)

noreply@blogger.com (cinartec) — Thu, 28 Apr 2011 04:03:00 +0000

Como continuación al post anterior, vamos ahora a tratar la otra opción de abastecimiento energético que se podría usar en un futuro relativamente próximo: la denostada energía nuclear... Analicemos los beneficios y desventajas y saquemos nuestras propias conclusiones...

Centrales nucleares basadas en la fisión nuclear:

Son las que están operativas en la actualidad. Basan su proceso en la obtención de calor tras la fisión (desintegración) de un átomo, normalmente de un elemento pesado como el uranio. Esta fisión provoca a su vez mas desintegraciones en los átomos colindantes induciendo una reacción en cadena controlada. La energía nuclear no emite gases de efecto invernadero, como hemos visto en el post anterior, tiene una enorme eficiencia energética, una sola planta puede abastecer a regiones enteras y tiene un impacto ambiental muy reducido.

Por contra, aunque aun no estemos más que en el inicio de su ciclo de uso, el combustible nuclear es un recurso agotable y la mayor desventaja, fruto de la desintegración de los átomos se obtienen unos residuos altamente radiactivos y por lo tanto nocivos tanto para el hombre como para la fauna y la flora. Estos residuos no resultan inocuos hasta pasados 30000 años, por lo que es un gran problema el almacenarlos y transportarlos por lo peligrosos que son.

Centrales nucleares basadas en la fusión nuclear:

Aunque aun no estén operativas, posiblemente sea la mejor alternativa para un futuro a medio plazo. Basadas en el la fusión nuclear, por el cual dos átomos de un elemento ligero se unen para dar lugar a un átomo mas pesado, liberando en el proceso una gran cantidad de energía en forma de calor. Es la misma reacción nuclear que se genera en núcleo del Sol. Como combustible usan isótopos del hidrógeno presentes en el agua y litio, un elemento muy común en la corteza terrestre. Basta con decir que una bañera de agua y un kilo de litio serían suficientes para abastecer las necesidades energéticas de una persona durante toda su vida, por lo que podríamos decir que es una energía prácticamente inagotable.

El problema técnico con el que nos encontramos, es que para inducir la fusión de los átomos en necesario alcanzar temperaturas de varios millones de grados centígrados. Es imposible construir un elemento físico que soporte esas temperaturas.

En el reactor experimental ITER, construido en Francia por una alianza de países (Europa, EE.UU., China, India, Corea, Japón y Rusia), se va a tratar de confinar el hidrógeno en forma de plasma a millones de grados en una cámara de vacío. Para evitar que el plasma toque las paredes, se van a usar unos enormes electroimanes. El plasma es el cuarto estado de la materia, es decir, podemos hablar de sólido, líquido, gaseoso y finalmente plasma, en el que las moléculas están sobreexcitadas y son muy sensibles a los campos magnéticos.

Los residuos resultantes de la fusión no son tan radioactivos como los de la fisión, además tienen un periodo de radioactividad mucho más pequeño y su almacenamiento podría ser más fácil. Unido al hecho de que el combustible es inagotable decantaría claramente la balanza del lado de la fusión como la energía del futuro. Pero como ocurre casi siempre, el mayor problema al que se enfrenta la fusión es la millonaria inversión que hay que realizar, ya que los cálculos mas optimistas sitúan el reactor del ITER plenamente operativo en 2022 y el primer reactor comercial rentable en 2040.

¿Cuál será la energía del futuro? (primera parte)

noreply@blogger.com (cinartec) — Wed, 20 Apr 2011 19:37:00 +0000

Tras el terremoto de Japón y el posterior incidente nuclear en Fukushima, se ha abierto de nuevo el debate acerca de cuál debe ser la apuesta energética para el futuro. Dando por hecho que las fuentes de energía basadas en los combustibles fósiles tienen fecha de caducidad y que además tienen el inconveniente de la emisión, fruto de su uso, de los nocivos “gases de efecto invernadero”, resulta necesario buscar nuevas fuentes de energía...

Se trata de analizar las alternativas más prometedoras para sustituir a las actuales fuentes de energía a medio y largo plazo. Para ello vamos a estudiar los pros y contras de cada una de ellas. En esta primera parte vamos a hablar de las llamadas “energías renovables”, que pese a tener tan buena imagen, esconden tras de sí una serie de aspectos negativos que vamos a tratar de valorar.

Energía eólica: basada, como su propio nombre indica, en el uso del viento. Para ello, se construyen los llamados aerogeneradores (mas comúnmente llamados molinos de viento), que no son mas de un hélice parecida a la de los aviones, situada en lo alto de un mástil, que aprovecha la fuerza del viento para hacer girar un alternador solidario a dicha hélice. Entre las ventajas que tenemos al hacer uso de esta fuente de energía está el hecho de que es inagotable, el viento nunca dejará de soplar. Además, no se generan residuos de ninguna clase. Por contra, es una energía impredecible, es decir, no vamos a tener una generación fija de flujo energético, ya que al depender del viento habrá momentos de mayor generación y habrá otros en los que la producción eléctrica sea menor. Estos momentos son aleatorios y no tienen ni suelen coincidir con los momentos de mayor demanda energética. Como a día de hoy no somos capaces de almacenar los excedentes de energía eléctrica, necesitaremos de otras fuentes energéticas fijas para los momentos con poco viento. Pese a ser una energía limpia, provoca también un gran impacto ambiental ya que la poca potencia generada por cada aerogenerador, hace necesaria la instalación de gran numero de ellos, con lo que se produce un gran impacto visual, además de la contaminación acústica y la destrucción de hábitats. Por ejemplo, para sustituir sólo una de las centrales nucleares instaladas ahora mismo en España (centrales por otro lado obsoletas en cuanto a potencia generada) harían falta del orden de 400 aerogeneradores. Los mayores parques eólicos construidos ahora mismo en España sólo tienen 75.

Energía hidroeléctrica: usa la energía potencial de un salto de agua natural o provocado por una presa. El agua es conducida a unas turbinas, que mueven unos alternadores. No genera residuos ni gases pero altera enormemente los ecosistemas donde se construyen los embalses, llegando a cambiar paisajes por completo y provocando el desplazamiento de la fauna e incluso de las personas que viven en los valles anegados.

Energía solar: consiste en la transformación de la luz solar en energía eléctrica mediante el uso de paneles fotovoltaicos. Es también una energía inagotable y no provoca residuos directamente, pero comparte parte de los problemas de la energía eólica, ya que necesita de grandes superficies instaladas para que su generación de energía eléctrica sea apreciable y depende del número de horas de sol recibidas. A esto se añade los materiales nocivos empleados en la construcción de los paneles solares.

Energía de la biomasa: consiste en la utilización de biocarburantes procedentes de residuos agrícolas, cultivos especializados, residuos urbanos como combustible. Esta manera de obtener energía aprovecha residuos que de otra manera serían desaprovechados. Como desventajas podemos citar el hecho que genera desechos y gases nocivos y que invade cultivos tradicionalmente destinados al consumo humano.

Energía maremotriz: trata de aprovechar las diferencias de energía potencial debido a la diferencia de alturas en las mareas. Es una energía inagotable y predecible y por lo tanto se puede dimensionar en función de las necesidades. No genera residuos pero provoca importantes cambios en los ecosistemas tan vulnerables como lo son los ecosistemas marinos y costeros.

Fabrica tu propia tostadora

noreply@blogger.com (cinartec) — Wed, 13 Apr 2011 01:49:00 +0000

Todos hemos oído hablar sobre el proceso de producción e intuimos que los productos fabricados de tal forma resultan mucho más económicos que aquellos que se realizan de manera artesanal. Para comprobarlo vamos a ver cómo se podría fabricar una tostadora manualmente…

Entendemos proceso de producción como el conjunto de actividades que se realizan para la fabricación de un producto. El proceso de producción y su planeamiento resulta crucial para conseguir una optimización de recursos y lograr un alto beneficio por un coste mínimo. Para llevar a cabo este proceso, el uso de maquinaria, materia prima y recursos humanos no es suficiente. Se necesita una organización para producir, distribuir la producción y pensar estrategias para ser más competitivo.

Si nos planteásemos cómo llevar a cabo un proceso tecnológico, las fases serían las siguientes:

Hacer una lista con las actividades necesarias para fabricar ese producto
Ordenarlas secuencialmente
Fijar tiempos de realización de cada actividad
Establecer puntos de control de calidad en los procesos más problemáticos
Expresar gráficamente las fases y actividades

Una vez regularizado el proceso de producción, el siguiente paso sería la aplicación de lo que se conoce como proyecto I+D+I (Investigación, desarrollo e innovación), que permite a la empresa aumentar su rentabilidad a medio y largo plazo. Consiste en el análisis profundo de la tecnología utilizada, el estudio de la posición de la empresa frente a sus competidores y las estrategias alternativas para llevar a cabo una serie de mejoras.

Para concienciar a la gente del trabajo que existe detrás del proceso de producción de cualquier producto manufacturado, propongo un video en el que se muestra cómo sería la fabricación de una tostadora sin seguir un proceso de fabricación, es decir, a través de la fabricación manual:

(Vamos a perdonar el hecho de que sitúe el Río Tinto en Portugal cuando todos sabemos que está en Huelva…)

Como podéis observar, la obtención de la materia prima se hace mucho más difícil, la ausencia de máquinas no permite la elaboración de piezas regulares, no se controlan los tiempos de las diferentes actividades, la seguridad brilla por su ausencia… por no hablar del precio por el que se distribuiría dicho producto, que no sería nada competitivo en el mercado. Además no se pueden vender bienes que supongan un riesgo mortal para el consumidor pero, en caso de tener algún tipo de riesgo, el usuario debe conocer el mismo para decidir si a pesar de éste quiere comprarlo o no.

La imagen final de la tostadora junto a otras en la estantería de los grandes almacenes es surrealista, me hace reflexionar sobre cómo sería posible vender más en el mercado. Conseguir nuevos clientes o quitárselos a la competencia supondría mejorar la calidad de la tostadora notablemente. Así que, a juzgar por las imágenes… ¿qué crees que sale más barato, un producto comprado al por mayor o un producto artesanal?

Plastifícate

noreply@blogger.com (cinartec) — Thu, 07 Apr 2011 16:54:00 +0000

¿Crees conocer las características fundamentales de los plásticos? Si has aprendido la importancia de los mismos en la sociedad actual, atrévete y pon a prueba tus conocimientos...

Ejercicios para cinéfilos

noreply@blogger.com (cinartec) — Tue, 05 Apr 2011 16:49:00 +0000

¿Queréis poner a prueba vuestros conocimientos?
Por fin, la tan ansiada sección de Recursos educativos, se inicia, con estos juegos variados.
¡Mucha suerte!

Thyssen en Málaga

noreply@blogger.com (cinartec) — Wed, 30 Mar 2011 14:19:00 +0000

La cultura y la ciudad de Málaga están de enhorabuena. La baronesa Thyssen inauguró el pasado día 23 de marzo un museo que alberga su colección privada de pintura española del siglo XIX. Está formada por 230 cuadros que pasarán al menos los próximos 12 años en la capital malagueña, concretamente en el restaurado Palacio de Villalón.

El nuevo museo está compuesto por tres plantas. La planta baja alberga autores románticos y costumbristas como Dehodenq, Bamberger, Domínguez Bécquer o Gómez Gil. El preciosismo y el naturalismo de la mano de artistas como Fortuny o Benlluire se encuentran en la primera planta mientras que la segunda está dedicada a obras de gran calidad artística con obras de Sorolla o Julio Romero de Torres entre otros autores.

Este museo también tiene espacio para exposiciones temporales que se desarrollarán en la tercera planta.

De esta manera la oferta cultural de Málaga sufre un importante empuje uniéndose al Museo Picasso y al Centro de Arte Contemporáneo (CAC) y surge como una gran capital cultural que alberga además un proyecto único en España.

Se trata de la creación de un ‘Soho’ malagueño .La idea, que ha obtenido el respaldo y compromiso de trabajo del Ayuntamiento y la Junta de Andalucía, surgió de un grupo de inquietos ciudadanos que vio la oportunidad de transformar la zona del Muelle de Heredia, en declive por el traslado de la mayoría de sus oficinas de carácter judicial, en una gran rambla con acceso a los puntos neurálgicos de viajeros de la localidad.

Uno de los objetivos es la creación de “galerías Pop-Up” que consiste en habilitar como salas de exposiciones itinerantes y temporales los bajos actualmente vacíos de la zona.

De esta forma el arte se acerca a los ciudadanos y a nivel educativo se facilita a los alumnos el desarrollo ‘en vivo’ de la creatividad artística, la sensibilidad y el sentido del arte.

El arte es así mismo un elemento que sirve como eje de estudio psicológico en los primeros años escolares ya que cuando empiezan a dibujar y pintar lo hacen sin inhibiciones ninguna si bien a partir de los diez u once años ya son conscientes de su propia obra artística y aparecen las autolimitaciones.

Un buen docente debe tener en cuenta estos factores y promover la capacidad creadora de los alumnos más sensibles así como desarrollar la sensibilidad de los menos capacitados. La visita a museos como los mencionados supondrá para la clase una oportunidad de experimentar el arte fuera de las aulas y disfrutarlo en un ambiente más distendido dando lugar un aprendizaje más interesante.

Para más información: Carmen Thyssen Málaga

Así se forjó la leyenda...

noreply@blogger.com (cinartec) — Tue, 29 Mar 2011 01:29:00 +0000

Todos hemos visto alguna vez una película en la que sale el clásico herrero golpeando un yunque mientras forja una espada. Esta práctica ha existido desde tiempos inmemoriales, pero sus detalles no se han conocido hasta hace relativamente poco…

La herrería era un oficio de tal importancia durante la Edad Media que llegó a ser conocido como “el Arte donado por Dios”. La razón por la que no existían tratados de metalurgia reside en que militar o estratégicamente el poder contar con un metal o acero con mejores propiedades mecánicas aportaba una ventaja fundamental. Generalmente era una disciplina muy opaca para las personas ajenas al gremio de los herreros. Se transmitía boca a boca, de padres a hijos y cualquier avance logrado era celosamente guardado durante generaciones.

Como ejemplo gráfico para que veáis el proceso, voy a compartir con vosotros un trozo de una película (que entusiasma sobretodo al género masculino) en la que se aprecia muy bien el proceso de elaboración del acero, reflejado en la fabricación de una espada:

1º PROCESO DE COLADO:

Se vierte el acero previamente fundido en un molde hasta que solidifica sin llegar a enfriarse del todo.

2º FORJADO:

Una vez el acero se ha enfriado lo suficiente como para poder manejarlo con relativa facilidad y dejando que conserve la temperatura necesaria para seguir al rojo vivo, se procede a la fase del forjado. El forjado consiste en golpear el acero repetidas veces contra una superficie dura (generalmente un yunque o bigornia). Con ello se consigue que los cristales que forman la estructura microscópica del acero queden alineados, obteniendo con ello mejores características mecánicas, como por ejemplo la resistencia al choque, tenacidad, etc. Con este proceso se consigue eliminar

impurezas y posibles burbujas de aire atrapadas en el interior del acero.

3º RECALENTAMIENTO DEL ACERO:

Recalentamos el acero hasta que vuelva a alcanzar la temperatura adecuada. Actualmente para medir esta temperatura contamos con termómetros especiales, llamados termopares, pero en la antigüedad no se contaba con estos instrumentos, por lo que los herreros aproximaban su medición observando el color que tomaba el acero a medida que se iba calentano. En el video se ve cómo el herrero saca la hoja, la observa y viendo que aún no ha alcanzado el calor adecuado la vuelve a introducir en la fragua.

4º TEMPLADO:

Cuando el acero vuelve a alcanzar su temperatura idónea para el templado (diferente a la del forjado), se procede a templarlo, que es lo que todos hemos visto alguna vez, enfriarlo bruscamente introduciendo la hoja candente en agua o en nieve en el caso de la película. Con esto conseguimos que la espada adquiera mucha dureza y rigidez. Esto se debe a que la estructura más dura y rígida del acero se alcanza a altas temperaturas y, para mantenerla,se enfría rápidamente sin dar tiempo a que cambie.

5º REVENIDO:

Aunque en el video no lo hacen, es una práctica muy habitual, que una vez templada la hoja se de un tratamiento térmico más, llamado revenido. Este tratamiento consiste en calentar otra vez la hoja durante poco tiempo y dejarla enfriar definitivamente al aire. Esto se hace para eliminar parte de la rigidez fruto del templado, ya que si el acero se vuelve demasiado rígido, corre el riesgo de volverse también muy frágil. Es algo parecido a lo que le sucede al cristal, que aún siendo muy duro, es sumamente frágil.

6º MONTAJE:

Tras todo este proceso, solo queda ya preparar la empuñadura, decorar el pomo, realizar un vaceado en la hoja si fuese necesario (el vaceo consiste en la eliminación de parte del acero a lo largo de la hoja en sitios donde no existe filo, con motivo de hacer la espada mas ligera y manejable) y finalmente afilar la hoja.

En algunas culturas el proceso resultaba ser mucho más minucioso, repitiéndose el forjado cientos de veces, como en el caso de las katanas japonesas. Tradicionalmente España siempre ha sido un país de buenos aceros y herreros, prueba de ello es la fama mundial con que cuenta el acero toledano.

Así se forja una leyenda...

Haz divertido el aprendizaje de arte

noreply@blogger.com (cinartec) — Sun, 27 Mar 2011 14:34:00 +0000

Terry Border

El arte puede ser una de las asignaturas más fascinantes para los escolares. Aunque hay periodos de la historia más amenos a la hora de estudiar – los niños no suelen sentir el mismo interés por las pirámides y sus momias egipcias rodeadas de misterio que por el Barroco o el Renacimiento- existen diversos mecanismos que harán que los estudiantes interioricen el sentido del arte sin aburrirse.

Junto al desarrollo teórico de la lección, que no deja de ser necesario, pueden promoverse la realización de ejercicios como la elaboración de dibujos, postales o fotografías basadas en el artista en cuestión así como solicitarles que busquen información sobre éste con la ayuda de familiares, diferentes medios del entorno y las TIC.

http://arteababor.blogspot.com/2009/05/arte-contemporaneo-mundo-de-chicos.html

La realización de un cuadro determinado también potenciará el interés de los escolares que sentirán la necesidad de, al menos, ojear el tema para elegir qué artista y qué obra desean reproducir así como elegirán qué técnica utilizarán teniendo total libertad para ello (uso de lapiceros, carboncillos, acuarelas...).

Si tras la realización de las obras el docente organiza una exposición en el centro escolar que implique también a los padres, los niños verán reforzados positivamente su vínculo con el arte.

Los alumnos aprenderán además con más facilidad el aspecto teórico, si se les pone un ejercicio adicional en el que deban desarrollar una pequeña biografía sobre el autor así como los rasgos principales de la corriente artística en la que se mueve.

En lecciones sucesivas pueden desarrollarse técnicas diferentes y alternar soportes distintos utilizando incluso los ordenadores en el caso de los estudiantes más mayores e incentivando con pequeñas recompensas al escolar que muestre más esfuerzo y no sólo al que innatamente tenga mayor capacidad artística.

Cuánto sabes de guión... ¿y de cine?

noreply@blogger.com (cinartec) — Thu, 24 Mar 2011 15:57:00 +0000

El Museo del Prado “por fuera”

noreply@blogger.com (cinartec) — Wed, 16 Mar 2011 07:15:00 +0000

Miles de turistas acuden a diario para admirar las grandiosas obras que se encuentran en una de las mayores pinacotecas del mundo: el Museo del Prado. Lo que muy pocas personas se han parado a contemplar es el arte plasmado en el propio edificio…

Durante el reinado de Carlos III se encargó a Juan de Villanueva la construcción de lo que hoy conocemos como Museo del Prado. El arquitecto se inspiró en los órdenes clásicos para el diseño del mismo, por lo que si nos detenemos a observar los diferentes accesos del mismo comprenderemos las diferencias entre los mismos sin necesidad de viajar a Grecia o Roma:

La Puerta de Velázquez o Pórtico Principal es el eje del edificio, que fue diseñado como un Templo Clásico. En esta entrada destaca el entablamento que reposa sobre las 6 columnas de orden toscano (o dórico romano) que se caracterizan por tener el fuste de sección circular y liso y no tener basa.

El orden jónico (más elegante y estilizado) queda patente en las galerías y la Puerta Norte o Puerta de Goya. El pórtico jónico sobre el que apoya un entablamento constituye la fachada de la segunda planta, a la que se accede a través de una rampa. Estas columnas se caracterizan por tener basa con toro y escocia, columna con estrías y capitel adornado con volutas.

La entrada del Pabellón Sur o Puerta de Murillo emplea el orden corintio. La planta inferior contiene la puerta de acceso y la superior es una logia formada por 6 columnas sobre las que apoya el entablamento. El estilo de estas columnas se caracteriza por tener basa compuesta por dos toros y una escocia intercalada, el capitel en este caso se encuentra decorado con hojas de acanto.

Los órdenes griegos (dórico, jónico y corintio) fueron modificados posteriormente por los romanos, dando lugar a los ódenes toscano y compuesto. Para comprender en profundidad los componentes que lo forman se puede consultar la presentación que se muestra a continuación:

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Etapas en la escritura del guión

noreply@blogger.com (cinartec) — Mon, 14 Mar 2011 13:48:00 +0000

¡Por fin nos ponemos manos a la obra!

No os perdáis este blog en el que encontraréis las fases o etapas en la escritura del guión que os anticipé.

Para que este documento los resulte práctico os lo he escrito en plan receta y al grano. Al fin y al cabo se trata de pautas...

Dadas las diferentes características propias de la escritura del guión y el proceso de análisis previo en su estructura, se diferencian cuatro etapas en la escritura hasta el guión literario definitivo.

Sinopsis

- Contiene el argumento.

- Tiene una duración de 4 a 5 páginas.

- Tiene un escaso grado de detalle.

- Siempre se escribe en presente de indicativo (describimos lo que le pasa al personaje en ese momento)

- Redacción sencilla, objetiva, sin recursos literarios (excepto símil o metáfora).

- En ningún caso se pondrá una explicación técnica.

- Esta es la herramienta que nos permite trabajar sobre la estructura. Es un buen momento para cambiar el orden. Después será más difícil manejarlo y cambiarlo. De hecho, la estructura será lo que menos cambiará y es lo más importante que hace el guionista.

NOTA: este tipo de sinopsis no es la sinopsis-resumen de una página que piden las productoras para seducir al lector de guiones.

Escaleta

- La escaleta es un desarrollo mayor que el de la sinopsis. Es donde se crean las unidades dramáticas, hay quienes titulan estos párrafos (en EE.UU. las secuence).

- Tiene una duración de 20 a 30 páginas.

- Sigue siendo un buen momento para cambiar la estructura.

- Ejemplo: “Si antes sabíamos que alguien era testigo de un asesinato, ahora vamos a saber un poco más: llega el dueño, está nervioso”.

- En televisión es el minutaje del programa.

Tratamiento

- De 40 a 60 páginas.

- Se hace la secuenciación: unidad de tiempo y espacio, es decir, toda acción que sucede en el mismo lugar y en el mismo momento.

- Los americanos a la unidad de espacio y de tiempo le llaman scene.

Cómo hacer la secuenciación:

Cada secuencia tiene un encabezamiento:

→ En la sinopsis y en la escaleta no hay diálogos. Hay estilo indirecto.

→ En el tratamiento se puede poner algo de diálogo importante, aunque generalmente se utilizará el estilo indirecto.

Guión literario

- Se definen mejor las situaciones.

- Se escriben los diálogos.

- Estará la estructura bastante cerrada y trabajada.

- LOS DIÁLOGOS

Sí, aquí lo dejo. Creo que ha sido suficiente y los diálogos pueden ser un mundo... los reservo para otros post.

Engrasar para engranar

noreply@blogger.com (cinartec) — Mon, 07 Mar 2011 19:40:00 +0000

Las aplicaciones de los engranajes para solucionar problemas y facilitar la vida del hombre han sido múltiples a lo largo de la historia. Todos creemos que la caja de cambios es un mecanismo difícil de entender, pero si lo observamos como la combinación de dos ruedas dentadas resulta ser un concepto mucho más simple de lo que podemos imaginar...

Al encender el motor éste comienza a dar vueltas de manera constante. Si aceleramos el número de vueltas aumentará, pero también gastará más combustible y se calentará. Por eso cambiamos de marcha, para cambiar a un engranaje de diferente tamaño y mantener bajas las revoluciones del motor.

El sistema se basa en la transmisión del giro de un eje a otro para reducir o aumentar la velocidad del mismo. La caja de cambios contiene en su interior dos ejes con engranajes de diferentes diámetros. Simplificando podríamos decir que:

- El eje primario está conectado con el motor

- El eje secundario está conectado a las ruedas

En el siguiente video podemos observar la disposición de los dos ejes:

Al cambiar de marcha una de las tres horquillas mueve el piñón de una de las marchas y lo engrana o conecta a la siguiente. Podemos deducir que existe una relación entre la disposición de horquillas y las 3 líneas de marchas en la palanca de cambios (1-2, 3-4, 5-R).

Si el eje secundario gira en sentido contrario al eje primario resulta lógico hacerse una pregunta: ¿cómo conseguimos que la marcha atrás mueva el coche en dirección contraria? Pues bien, el mecanismo correspondiente al último engranaje contiene una rueda dentada más para invertir el sentido de giro.

Cimentando el guión

noreply@blogger.com (cinartec) — Wed, 02 Mar 2011 14:53:00 +0000

¿Un guión se escribe?

Sí, tiene letras que forman palabras que siguen un curso sintáctico coordinado y/o

subordinado. Eso sí, siempre en presente (aunque eso lo veremos más adelante).
Pero, ¿cómo se escribe un guión? Eso es otro cantar.

Os animo, empezad a escribir un guión de principio a fin…

¿Lo habéis intentado ya? ¿Sí? Sí, llega el bloqueo, no sabéis cómo seguir.

Vuelvo a preguntar: ¿un guión se escribe?

Si pensamos en el hecho de que hay letras que se unen formando palabras con un órden sintáctico... sí, utilizamos la escritura. Pero un guión no se escribe. Un guión se construye. Por esta razón, a partir de ahora, en vez de hablar de escritura del guión, vamos a hablar de arquitectura del guión.

No es de extrañar que más de un arquitecto haya terminado como guionista y es que estas dos disciplinas desde el punto de vista estructural y de ejecución son muy similares.

Para empezar, deberíamos saber qué es un guión. No estoy hablando de definiciones de libro sino de algo mucho más sencillo: ¿cuál es el objetivo del guión?, ¿para qué sirve?, ¿por qué escribimos un guión?

La respuesta es muy sencilla: un guión (literario) es una herramienta, un mapa de instrucciones para que los diferentes actores creativos del equipo ejecutor (productor, director, director de fotografía, director de arte, actores...) sepan qué estan construyendo (la película).

Así pues, la escritura de un guión va a constar de un estilo sencillo, claro, sin ornamentos ni figuras literarias (excepto símil y metáfora) y una serie de características que -os adelanto- veremos más adelante: Formato de guión.

Si pensamos en la construcción de una casa, tenemos claro que el tema no empieza por llegar al lugar y poner muros y, mucho menos, ir encalando las paredes a medida que construímos e ir poniendo la instalación eléctrica.

Lo primero que hacemos es estudiar el terreno y diseñar un mapa. Esta sería la primera fase: tenemos una idea (una casa que queremos construir), con su consecuente branstorming -lluvia de ideas- (diferentes posibilidades de desarrollo) y estudiamos el terreno (investigación).

Después de valorar diferentes opciones, una vez que tenemos claro el tipo de terreno en el que nos encontramos (público al que nos vamos a dirigir, medios y presupuestos con los que contamos...) debemos hacer el forjado sanitario para colocar los cimientos. Así, eliminamos todo lo prescindible, pasamos de las ideas a LA IDEA. Poco a poco, de dentro a fuera. El esqueleto, los muros de carga y vamos rellenando.

Estas fases son: la sinopsis, la escaleta el tratamiento y el guión literario. Las tres primeras son herramientas para el guión literario y este último la herramienta para la construcción de la película.

No os perdáis el próximo post: Las fases del guión.
¡Hasta pronto!

Presentando el guión

noreply@blogger.com (cinartec) — Mon, 14 Feb 2011 20:58:00 +0000

Las ideas están correteando libres. Nuestra mente captura una: vemos el cielo. Comenzamos a desarrollarla: vemos el infierno.

Y es que entre el cielo y el averno hay algo que ni se crea ni se destruye, sólo se estructura. Y ese algo es el guión. Pero, ¿qué es un guión?

Si nos ceñimos a una explicación formal, diremos que un guión es una historia de uno o varios personajes contada en imágenes en movimiento para ser exhibida en una sala (o en una pantalla: televisión, móvil, Internet).

En un guión la historia hace relación a la acción. Un personaje es lo que hace, no lo que digamos de él en su descripción, sino lo que le veamos hacer (la acción).

Pero a mí me gusta pensar más en un concepto familiar en el que un día, papá Personajes, conoce a mamá Conflicto y sin darse cuenta en un momento de efervescencia, juntos, crean al pequeño embrión Historia.

Una historia es la base de todo guión. Largo, corto, spot, informativo, publirreportaje, cómic, libro, relato… Una historia en sus tres fases o tres actos: planteamiento, nudo y desenlace. Elementos comunes a cualquier acto de comunicación.

A priori vamos a observar que existen dos bloques: descripción y diálogo. Descripción: lo que debe verse en la pantalla. Lo que hace el personaje. Diálogo: lo que dice el personaje. La voz en off.

En fin, esto es sólo un aperitivo de lo que podréis encontrar cada semana en esta sección. Un curso completo en pequeñas píldoras con el que aprenderéis los trucos y estrategias del guión acompañados de imágenes, guiones de muestra y algunos momentos de películas con los que iremos profundizando, poco a poco, en el fascinante mundo de la arquitectura del guión.

Os dejo con un ejemplo del final de una película que comenzó como serie B y acabó convirtiéndose en una obra maestra de la cinematografía: Casablanca.

¡Hasta la semana que viene!

Digital: 1, Analógico: 0

noreply@blogger.com (cinartec) — Sat, 12 Feb 2011 21:24:00 +0000

Nos encontramos en la Era Digital, los unos y ceros están de moda, una revolución tecnológica en la que los vinilos han sido sustituidos por CDs, el carrete de 35mm ha sido desbancado por el digital y la televisión analógica muere para dar lugar a la TDT. La codificación digital de la información aporta diversas ventajas pero, ¿os habéis planteado alguna vez en qué consiste el proceso de transformar una señal analógica en digital?

Casi todo el mundo sabe que las máquinas de hoy en día funcionan con sistema binario (ceros y unos) para representar cantidades. Si quisiéramos transformar, por ejemplo, el sonido analógico de un vinilo en digital, es decir, codificar una onda de puntos infinitos en información binaria, los pasos para esta conversión de manera simplificada serían:

1. MUESTREO: medir la intensidad de la señal en intervalos de tiempo regulares.
2. CUENTIFICACIÓN: se mide el nivel de voltaje de cada muestra y se sitúa en el nivel más próximo.
3. CODIFICACIÓN: se traduce cada una de las medidas a los valores en código binario.

La aproximación a los diferentes niveles de voltaje en sistema binario genera la pérdida de algunos datos, por lo que resulta recomendable ampliar el número de bits (dígitos binarios) para ser más precisos en su medición y reducir el intervalo de tiempo para captar el mayor número posible de puntos.

Tanto el ojo como el oído humano perciben una determinada serie de frecuencias y longitudes de onda. Superadas estas series de frecuencias, ni el oído ni el ojo son capaces de percibir un aumento en la calidad debido a la disminución en el intervalo de tiempos de la señal. Este es uno de los fundamentos utilizados en la compresión de señales digitales, que se usan en formatos como el MP3 en sonidos y el DIVX en imágenes.

La señal analógica tiene diferentes grados de calidad (la televisión se podía ver borrosa o con mucha nieve) mientras que la señal digital siempre reproduce exactamente los mismos resultados sin diferencia de calidad por lo que “o se ve o no se ve” sin existir un punto intermedio. Por eso decimos comúnmente que “la televisión TDT da saltos” o “me falla la cobertura del móvil”.

Muy pronto en Cinartec

noreply@blogger.com (cinartec) — Wed, 02 Feb 2011 20:21:00 +0000

Tutoriales, cursos, juegos didacticos, noticias, curiosidades...

Vídeos y mucho más.

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Bienvenidos

noreply@blogger.com (cinartec) — Fri, 28 Jan 2011 17:11:00 +0000

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