Vértigo

El Engaño

2012-01-26T07:13:00.001-07:00

El Engaño (The Beguiled, EU, 1971), la película número 25 en la extensa filmografía de Don Siegel fue, también, una de sus últimas y más logradas cintas. A pesar de ello, el filme es poco recordado por cinéfilos, críticos e historiadores, acaso porque ese mismo año Siegel dirigiría Harry el Sucio (1971), sin duda su cinta más popular y exitosa.

El Engaño fue la tercera colaboración de Siegel y Eastwood, después de Coogan’s Bluff (1968) y Dos Mulas para la Hermana Sara (1970). La película fue producida por Malpaso, la compañía que Eastwood había fundado en 1968 y que ya se había arriesgado produciendo Hang’em High (1969) –un exitoso western dirigido por Ted Post con Estwood como actor principal— y la ya mencionada Dos Mulas para la Hermana Sara.

El Engaño, finalmente, marcó también el inicio de la carrera del notable fotógrafo Bruce Surtees, quien acompañaría a Eastwood durante la primera parte de su carrera como cineasta, iniciada en ese mismo 1971 con Obsesión Mortal (1971). Es decir, El Engaño es un filme importante no sólo por su calidad, sino porque representa una etapa fundamental en la carrera de muchos de los involucrados en su realización.

La trama, basada en una novela de Thomas Cullinann, está ubicada en plena Guerra Civil americana. El cabo yanqui John McBurney (Eastwood en, acaso, el mejor trabajo actoral de toda su carrera) llega herido a las puertas de cierto internado para niñas manejado por la enérgica Martha Farnsworth (Geraldine Page). Aunque al inicio todas las mujeres piensan entregarlo a los confederados, poco a poco McBurney empieza a conquistar la voluntad de casi todas.

La cinta es una fascinante puesta en imágenes de la frustración amorosa y sensual femenina. Esa frustración llevará a Martha, de hecho, a castigar desproporcionadamente a McBurney por sus “pecados”. Mientras, el deseo de una de las estudiantes, Carol (Jo Ann Harris), se convertirá en hipocresía; el rechazo de la maestra Edwina (Elizabeth Hartman), en noble aceptación amorosa; y la inocencia de la niña Amy (Pamelyn Ferdin), en la más cruel y elaborada de las venganzas. ¿Pesadilla misógina?: si no lo es, eso parece.

El Engaño se exhibe hoy en el Museo Carrillo Gil a partir de las 14 horas en el programa doble "Clint Eastwood según Don Siegel". Después de El Engaño se exhibe Dos Mulas para la Hermana Sara.

Tenemos que Hablar de Kevin

2012-01-25T12:48:00.000-07:00

Rojo es el color. Roja es la ola humana en la que vemos entregada al inicio, en top-shot, a Eva Khatchadourian (Tilda Swinton, injustamente ninguneada en las nominaciones al Oscar 2012) en el festival valenciano de La Tomatina; rojas son las warholianas sopas enlatadas que se encuentran a la espalda de Eva, quien se esconde de las penetrantes miradas acusadoras y las pequeñas acciones mezquinas de alguna mujer en un supermercado; roja es la pintura que estoicamente, sin chistar, sin quejarse, quita laboriosamente de la fachada de su casa o del parabrisas del auto una mañana sí y otra, acaso, también; rojas son las luces de las patrullas y las ambulancias que llegaron en ese día nefasto a cierta preparatoria a recoger varios muertos; roja es la hora que el reloj despertador parpadea una y otra vez en los sueños/insomnios de Eva; roja es la mermelada, ¿único alimento que le gusta al andrógino adolescente Kevin (impresionante Ezra Miller)? Y rojo, claro está, es el color, de la sangre.

El leit-motif visual de Tenemos que Hablar de Kevin (We Need to Talk About Kevin, EU-GB, 2011), tercer largometraje de la desconocida en México Lynne Ramsay (Ratcatcher/1999, Morvern Callar/2002), es lo único obvio de una cinta ambigua, inquietante, dificil de ver. Basada en el libro homónimo de Lionel Shriver, he aquí el relato hiper-fragmentado de la relación que tiene la exitosa autora de guías de viaje Eva Khatchadourian con el Kevin del título, ese hijo que no la dejaba ni pensar con sus berridos cuando era bebé, que le hacía la vida imposible cuando estaba en pre-escolar al negarse a ir al baño y que, ahora, la ha convertido en una paria social después de que, en plena adolescencia y para "festejar" su cumpleaños, asesinara a varios de sus compañeros de la preparatoria.

En la adaptación fílmica, la cineasta -y su coguionista Rory Stewart Kinnear- ha hecho un cambio significativo con respecto al libro. Mientras en la irritante -y a ratos, perversamente divertida- novela de Shriver conocemos todos los acontecimientos a través de la propia voz narrativa de Eva, quien le escribe largas cartas/confesiones terapéuticas a su marido Franklin, en la película no tenemos ninguna voz en off que nos informa ni nos dirija. La estructura retrospectiva, cierto, es claramente subjetiva pero también caprichosa, impresionista: tienen que pasar varios minutos para que el espectador empiece a colocar las piezas del rompecabezas.

De cualquier manera, lo dificil del filme no está en su estructura narrativa, sino en su ambigüedad, mucho más provocadora aquí que en el libro. ¿De dónde surge la maldad de Kevin? ¿De un rechazo a ser madre tan profundo que ni en el parto Eva lo podía ocultar ("Deje de resistirse", le dice la ginecóloga a una Eva que no quiere parir)? ¿De ese lado oscuro que la propia Eva cría y alimenta en Kevin, su clarísimo alter-ego físico y acaso moral? Al negarse a brindarnos la voz en off de Eva, Ramsay nos obliga a ver desde afuera esa enfermiza relación madre/hijo y a que nosotros, como espectadores, sustituyamos con nuestras propias teorías la intencionada opacidad psicológica en el trazo de los personajes. ¿Por qué sucede lo que sucede? No lo sabemos y, de todas formas, ¿lo podríamos saber? Como dice el propio Kevin en cierta escena clave, "no hay punto: ese es el punto de todo".

Ramsay nos muestra el anguloso rostro de Swinton en encuadres cerrados y, la mayor parte del tiempo, solitarios. No podía ser de otra manera: Eva está sola, cargando con la culpa de lo que hizo su hijo. No huye porque no puede huir de sí misma; no se esconde porque sabe que tiene que verse en el espejo cada mañana. Con todo y el abrazo ¿conciliador?, ¿cómplice?, del final -que no desenlace-, Eva sabe muy bien que su condena no ha terminado ni terminará nunca. Un filme aterrador. Y más con esa insidiosa banda sonora, con ese conmovedor gospel de Washington Phillips, con ese inolvidable country de Lonnie Donegan, con esa encantadora cursilería de Buddy Holly: "¿Love like yours will surely come my way?". No hay derecho. Ramsay no tiene mamá.

DePalmómetro

2012-01-24T09:11:00.002-07:00

El lector habitual Christian Guisa -Tyler, pues- me ha pedido mi lista, por orden de preferencia, del cine de Brian De Palma. Haciendo cuentas, de los 28 largometrajes que ha dirigido De Palma, he visto en la fecha de estrenos todas sus películas a partir de Carrie: Extraño Presentimiento y, a excepción de algunos ejercicios realizados en los años 60/70, conozco todo su cine.

Sin embargo, al revisar con cuidado los títulos, me di cuenta que no me salían las cuentas para llegar al canónico número de diez cintas. Así, pues, en mi DePalmómetro personal, sólo caben 8 y no, no está Caracortada, que vi en el momento del estreno, la aborrecí, la volví a ver años después y me siguió molestando. Debo aceptar, sin embargo, que hace tiempo que no la veo completa. Pero tampoco tengo ganas de revisarla.

Va, pues, mi lista en orden de preferencia:

1. Estallido Mortal (1981): La búsqueda del mejor grito de horror. Y otra cosa: ¡Travolta puede actuar!

2. Carrie, Extraño Presentimiento (1976): Todavía recuerdo el salto que pegué en el final de la película. Tendría 11 ó 12 años y nunca lo he olvidado. Cómo podría hacerlo.

3. Doble de Cuerpo (1984): Durante mucho tiempo, la consideré un placer culpable. Malamente: acaso el mejor pastiche hitchockiano de toda la historia. Relax, don't do it...

4. Los Intocables (1987): ¿Una mera cinta de encargo? Tal vez: pero ojalá De Palma siguiera haciendo este cine industrial y alimenticio.

5. Vestida para Matar (1980): El Psicosis de De Palma. No llega a igualar al maestro, claro, pero ¿quién puede hacerlo? (Ok, ok: el Spielberg de Sentencia Previa).

6. Obsesión (1976): De entre los Muertos revisitada. No llega a igualar al maestro, claro, pero... etc.

7. Mujer Fatal (2002): Un gran laberinto narrativo y visual que se muerde la cola. En mi opinión, la última gran cinta de De Palma hasta el momento.

8. Atrapado por su Pasado (1993): En su tiempo, se llegó a conocer este filme como Caracortada 2. Nada de eso: este melodrama criminal es, de lejos, mucho mejor.

Sé lo que viste el fin de semana pasado/CCXV

2012-01-23T09:40:00.001-07:00

La Chica del Dragón Tatuado (The Girl with the Dragon Tattoo, EU-Suecia-Alemania-GB, 2011), de David Fincher. El remake hollywoodense de Los Hombres que No Amaban a las Mujeres (Oplev, 2009) tiene a su favor el estilo de un David Fincher en su elemento y, en contra, que el asunto está muy leído -en el bestseller de Larsson- y muy visto -en la propia cinta sueca. Sin embargo, hay que subrayar el buen trabajo de Daniel Craig -una interpretación sobria: sabe que él no es la estrella de la cinta- y de la jovencita Rooney Mara, que hace suya una versión más ligera de la Lisbeth Salander de Noomi Rapace. Mi crítica en el Primera Fila del Reforma del viernes pasado.

El Examen (Exam, GB, 2009), de Stuart Hazeldine. La opera prima de Hazeldine -nominado en los BAFTA 2010 como el debut británico del año- es un thriller más o menos convencional -en un futuro cercano, ocho individuos hacen una última prueba final para decidir quién se queda con el jugoso puesto de asistente de un magnate farmaceútico- que presume, eso sí, una realización impecable. La cámara de Tim Wooster -encerrada en las cuatro paredes en donde se lleva a cabo el examen del título- maneja el encuadre con elegencia y el eficaz reparto de ilustres desconocidos lleva a buen puerto todo el asunto. Hazeldine, leo en Sight and Sound (enero de 2010), ha sido contratado en más de una ocasión como script-doctor por los estudios hollywoodenses. Dicho de otra manera: no tarda en dar el salto y dirigir algún proyecto importante. Por lo que ha mostrado en esta cinta, tiene con qué.

Cuatro Estaciones (Le Quattro Volte, Italia-Alemania-Suiza, 2010), de Michelangelo Frammartino. El segundo largometraje de Frammartino (opera prima no vista por mí Il Dono/2003) apareció en varias listas de lo mejor del 2001 -en la del veterano cinecrítico Jonathan Rosenbaum, en la de nuestro propio decano Jorge Ayala Blanco y en la prestigiada de la revista Sight and Sound- y con toda razón. Aunque a primera vista se trata de otra muestra más del tan en boga slow-cinema, no hay aquí snobismo de ninguna especie sino genuina e inexplicable magia cinematográfica. ¿Cómo fue realizada la ya celebérrima toma de casi nueve minutos sin corte en la que participan una procesión religiosa, una camioneta estacionada, un niño atrasado, un perro enfadoso y un hato de cabras? No lo sé ni lo quiero saber pero, en lo personal, fue el momento fílmico más asombroso del 2011, como lo apunté en mis fotogramas personales.

La cinta, escrita -¿o soñada?- por el propio Frammartino, se ubica en un pequeño pueblo de Calabria. Sin voz en off de ninguna especie, sin identificación de los seres humanos que vemos en pantalla -y menos, claro, de los animales-, seguimos, más que el ciclo de la vida (¿o de la transformación de energía?) a lo largo de todo un año. Así, somos testigos de cómo se hace el carbón vegetal que vemos humear en un inicio, cómo nace una pequeña cabra y cómo muere el anciano dueño de ese hato, cómo se corta un descomunal abeto para cierta fiesta del pueblo y cómo termina ese arbolote convertido en carbón vegetal en un horno hechizo (scarazzo le llaman en Calabria), pues en este universo impasible nada se crea ni se destruye, sólo se transforma... ¿incluyendo el alma?

El evangelio del 2011... según ustedes/XXVIII y último

2012-01-20T16:31:00.001-07:00

Pues terminó la votación. Una semana y 114 clics después, el top-5 de los lectores de este blog fue el siguiente:

1. El Árbol de la Vida, de Terrence Malick: 24 votos. Mi crítica en Reforma.

2. Presunto Culpable, de Roberto Hernández y Geoffrey Smith: 20 votos. Mi crítica, aquí

3. Medianoche en París, de Woody Allen: 16 votos. Mi crítica en Reforma.

4. Copia Fiel, de Abbas Kiarostami:13 votos. Mi crítica, aquí.

5. El Caballo de Turín, de Béla Tarr: 11 votos. Mi crítica, aquí.

Esta votación, a diferencia de años anteriores, fue más auterista que hollywoodense: obras personales de Malick, Allen, Kiarostami y Tarr y una bienvenida anomalía. Me refiero, por supuesto, a un documental mexicano que, además, fue uno de los hits taquilleros nacionales. Suena cursi pero me siento muy orgulloso de estos votantes, de estos lectores.

Caballo de Guerra

2012-01-19T09:54:00.000-07:00

Se puede señalar, con razón, las deudas que Caballo de Guerra (War Horse, EU, 2011), el más reciente largometraje de Steven Spielberg, tiene con el John Ford de Qué Verde Era Mi Valle (1941) -la visión idílica de Devon, en donde se ubica inicialmente la acción-, con el Frank Capra de ¡Qué Bella es la Vida! (1946) -el contagioso populismo de la escena de la subasta del cuaco reencontrado- y, arriesgándose a la herejía, con el Robert Breson de Al Azar Baltazar (1966) -por el papel protagónico del caballo del título.

Sin embargo, creo que no hay ir tan lejos en el tiempo ni, mucho menos, traer a colación al venerable Monsieur Bresson, quien habitó y habita en un mundo fílmico muy diferente al de Spielberg. Y es que si Caballo de Guerra merece compararse con la obra de algún maestro del cine, ¿para qué tanto brinco estando el suelo tan parejo?: el largometraje número 26 de Spielberg no es un pastiche fordiano/capriano/bressoniano sino una obra profundamente personal del propio cineasta, que abreva de algunos de los temas que siempre le han interesado.

Más aún: la puesta en imágenes a través de la virtuosa cámara de Janusz Kaminski -con todo y esos contrapicados con los cielos bellísimos al fondo-, el montaje clásico de Michael Kahn repleto de hallazgos cómicos/melodramáticos -la solicitud a gritos de otras pinzas y el corte a una decena de ellas aterrizando en el fango, el plano medio del abuelo correoso y el corte a un primer plano de la nieta con una lágrima oportunísima cayendo por la mejilla- o cierta mágica transición de escenario -el tejido que se transforma, disolvencia de por medio, en un campo arado- nos remite al Spielberg de siempre, desde la obra mayor Encuentros Cercanos del Tercer Tipo (1977) hasta la agotadora Las Aventuras de Tintin (2011) pasando por la tan atacada en su tiempo El Color Púrpura (1985).

Caballo de Guerra está basado en una novela juvenil homónima de Michael Mopurgo -adaptada también como pieza teatral de marionetas-, centrada en la vida de un valiente cuaco que nace en Devon, Inglaterra, y que termina siendo "enrolado" en la caballería de Su Majestad en la Primera Guerra Mundial. Hasta donde entiendo, el libro está narrado por el propio equino llamado Joey, recurso al que renuncia Spielberg para mostrar las vicisitudes del caballo de marras desde afuera, solicitando nuestra complicidad no sólo con el sufrimiento del cuadrúpedo, sino de los humanos quienes lo rodean: el granjero adolescente que lo cría y educa (Jeremy Irvine), el decente capitán inglés que lo usa en cierta batalla (Tom Hiddleston con apostura de héroe de matiné de los años 30/40), el par de soldados adolescentes desertores del ejército alemán (David Kross y Leonhard Carow), el anciano belga (gran Niels Arestrup) que sabe demasiado bien que no puede proteger a su frágil nietecita mandona (Celine Buckens), y así hasta regresar, nuevamente, a las manos de su dueño, en el mejor estilo del más efectivamente chantajista/lacrimógeno/populista Spielberg.

Como se trata de una cinta familiar -adjetivo que, para algunos, es sinónimo de bostezo-, Spielberg no subraya la crueldad de la guerra en general ni la estupidez de esta confusa Gran Guerra en particular, pero tampoco la esconde ni minimiza. A través de una elipsis clásica -Joey cabalgando sin su jinete-, se nos da a entender a quién han alcanzado las balas del enemigo; con una elegante encuadre -en plano general alejado y las aspas de un molino dando vueltas- se nos muestra/escamotea un terrible fusilamiento que de todas formas no queremos ver; con un mero intercambio de palabras nos enteramos de la muerte inevitable de otro personaje, porque "la guerra se lo lleva todo".

No todo, en realidad: en buena parte del cine de Spielberg siempre quedará espacio para la reconciliación, sea entre las clases sociales -el jovencito ricachón que podrá tener mucha lana pero demostrará ser noble con su plebeyo compañero de armas-, sea en el seno de la familia -el encuentro spielbergiano entre el padre alcohólico (Peter Mullan) y el hijo que ha regresado de la guerra-, sea en la infernal Tierra de Nadie, cuando un soldado británico y otro soldado alemán, saliendo de sus respectivas trincheras, arriesgan su vida para liberar al atrapado Joey mientras intercambian miradas, bromas y saludos, en la mejor escena del filme.

En el cine de Spielberg, pues, todavía hay esperanza, todavía hay decencia, todavía hay humanidad. No sé, la verdad, por qué le molesta tanto a algunas personas esto. No todas las películas pueden -ni deben- ser dirigidas por Haneke o von Trier. Digo.

Sé lo que viste el fin de semana pasado/CCXIV

2012-01-18T09:00:00.000-07:00

Caballo de Guerra (War Horse, EU, 2011), de Steven Spielberg. Como quiero escribir largo y tendido de esta película de Spielberg, sólo quiero subrayar mi desconcierto por la recepción que ha tenido este filme en un sector de la crítica. El argumento que he leído es que a algunos les molestó porque es un filme sentimental, cursi, anacrónico y manipulador. O sea, les molesta que Spielberg sea Spielberg. Ni hablar: estos colegas, supongo, llegan hasta las lágrimas con la nueva cinta de "Joe" o del último Godard. Yo también, por cierto. Aunque por otras razones. Mi crítica, mañana mismo en este blog.

Diario de un Seductor (The Rum Diary, EU, 2011), de Bruce Robinson. Sobre una novela semiautobiográfica de Hunter S. Thompson, este convencional melodrama periodístico le faltan los excesos de Fear and Loathing in Las Vegas (Gilliams, 1998) y le sobra un Johnny Depp. Desperdicio lamentable de un espléndido reparto secundario. Mi crítica, en el Primera Fila del Reforma del viernes pasado.

Tenemos que Hablar de Kevin (We Need to Talk About Kevin, GB-EU, 2011), de Lynne Ramsay. Otra cinta de la que hay que escribir in extenso. Por lo pronto, digamos que el tercer largometraje de Ramsay es un apabullante filme de horror ("moral", ha dicho el colega Miguel Cane) sobre la maternidad deseada/no-deseada/padecida/asumida. Aunque en apariencia se trata de temas muy distintos, la cinta resiste la comparación con clásicos de la talla de El Bebé de Rosemary (Polanski, 1968) y El Exorcista (Friedkin, 1973). Mi crítica, en los próximos días en este blog.

El Rapto (Rapt, Francia-Bélgica, 2009), de Lucas Belvaux. El séptimo largometraje como cineasta del actor Lucas Belvaux es un brillante thriller procedimental, exhibido antes en el 14to. Tour de Cine Francés. El poderoso presidente de una megacorporación francesa, Stanislaff Graff (Yvan Attal, soberbio) es secuestrado por un eficaz grupo de delincuentes profesionales que pide 50 millones de euros para su liberación. La familia -la pasiva mujer aguantadora, la fría (¿o cínica?) mamá, las dos hijas adolescentes- resiste no sólo la desaparición del hijo/padre/esposo, sino la crucificción mediática del personaje, un mujeriego y jugador compulsivo, mientras la paciente policía liderada por el comisario Paoli (Michel Voïta) investiga metódicamente el caso y, en el terreno de los negocios, el eterno segundón de Graff, Monsieur Peyrac (André Marcon) toma el liderazgo de la compañía en tanto el jefe siga desaparecido.

El guión escrito por el propio cineasta Belvaux nos muestra las razones de cada quien -de la mujer, de la mamá, del afable lider secuestrador, del comisario policial, de los socios de Graff y, por supuesto, del propio secuestrado- sin sentimentalizar, disculpar, condenar, victimizar ni idealizar a nadie. Queda claro que la experiencia deshumanizante del secuestro no se la quitará nunca de encima Graff y, por ello mismo, es dificil -¿imposible?- que alguien entienda -incluyendo su mujer y sus hijas- lo que le pasó. Como al inicio, Graff sigue solo, acaso sólo acompañado de su fiel y extrañado perrazo.

Plácido

2012-01-17T10:07:00.001-07:00

Plácido (España, 1961), sexto largometraje del maestro Luis García Berlanga, representó un nuevo impulso para la carrera del cineasta valenciano, quien había permanecido cuatro años sin dirigir debido a los problemas que tuvo con la censura eclesiástica/franquista por su anterior filme, Los Jueves, Milagro (1957). Plácido fue el regreso de García Berlanga al set como director y, además, acompañado con quien sería su argumentista de cabecera de ahí en adelante: Rafael Azcona.
Azcona había llamado la atención de la crítica por sus argumentos escritos para Marco Ferreri en los clásicos de humor negro El Pisito (1959) y El Cochecito (1960) y el propio García Berlanga había declarado su admiración por este par de cintas. La colaboración entre el cineasta y el argumentista era natural: los dos compartían una desencantada visión del mundo, un rechazo directo a toda muestra de religiosidad y un humor chocarrero, feroz y no pocas veces cruel.
Estamos en Burgos, siguiendo los ridículos afanes de una decena de personajes, incluyendo al Plácido del título (Cassen), un pobre diablo que de principio a fin busca completar el dinero que necesita para pagar la letra de su casa, so pena de enfrentar multas y recargos. Plácido tiene mucho trabajo ese día: en su desvencijado moto-carro, trae de aquí para allá a todo mundo, pues Burgos está revolucionado. Gracias al generoso patrocinio de "Ollas Cocinex" y de las ínclitas fuerzas vivas de la ciudad, ha surgido la cristiana iniciativa de, en plena Nochebuena, invitar a un mendigo a cenar a la casa quien, además, será acompañado por alguna rutilante estrella proveniente de Madrid.
La sátira inicia disparando a los blancos más visibles, como las infaltables "damas mejoradoras" griffithianas que parecen salir de un sketch de Monty Python ("Recojan a su pobre", "¿Qué quiere llevar a su casa, anciano o pobre de la calle?"), pero muy pronto los dardos del aegumento de Azcona y García Berlanga vuelan hacia otras direcciones, dando en el blanco siempre: hacia el ridículo "primer actor" que nadie quiere llevar a cenar a su casa ("¡Pero si yo estoy condecorado!"), hacia el desesperado y cornudo organizador Quintanilla (el gran José Luis López Vázquez) que ruega a un grupo de músicos más enjundia ("Alegría... y un poco de más afinación, si es posible"), hacia la propia familia pobretona de Plácido que no se ve a sí misma como jodida aunque lo está ("Ese desfile es pa' los pobres"), hacia el comportamientos de todos los involucrados incluyendo los desposeídos ("Por una noche seamos hermanos y generosos") y, por supuesto, hacia los ritos religiosos sagrados como primer y último reducto de la hipocresía (¡esa boda in extremis entre dos viejitos jodidos que vivían en amasiato!).
En Plácido vemos a un García Berlanga dueño de un estilo que depurará un par de años después en su obra maestra El Verdugo (1963): uso de tomas largas con la cámara fija o moviéndose elegantemente -yo conté un total de 24, con duración de uno a tres minutos- en el estilo que David Bordwell ha bautizado como tableau. Así, la mordacidad de los diálogos y el negrísimo humor casual de algunos shots (¡ese perro faldero comiendo a la mesa junto con el pobre de esa casa!) se empatan con el rigor de la puesta en imágenes y de la propia estructura argumental, pues nunca perdemos de vista los problemas que cada uno de los personajes enfrenta, sea la letra que no es pagada por Plácido, sea la sospecha de Quintanilla de que su novia Martita (Mari Carmen Yepes) le está haciendo la lucha a un actorcete llegado de Madrid, sea el cobro "a lo chino" por parte del hermano de Plácido (Manuel Alexandre), sea el muertito con el que tiene que lidiar un exasperado dueño de casa hacia el final.
En esta sociedad cruel y deshumanizada retratada por Azcona y García Berlanga, ni siquiera en Nochebuena puede encontrarse un momento de paz porque, como dice el villancico "Romance del Niño Perdido" que se escucha en el desenlace, "en este mundo/ya no hay caridad/ni nunca la hubo/ni nunca la habrá". Y amén.

Y para que el paquete sea completo, la película, aquí abajito:

El evangelio del 2011... según Alberto Acuña Navarijo/XXVII

2012-01-16T13:20:00.001-07:00

Si existiera en algún diccionario la definición de "cinéfago" tendría que venir, además de la descripción, una foto de Alberto Acuña Navarijo, mejor conocido, en tuiter, como @loungeymartinis. Acuña ve, goza y sufre todo tipo de cine, desde la obra completa de "Joe" hasta el narco-videohome más marginal, pasando por la cartelera comercial de la semana, las pink-eiga niponas o las comedias románticas sudcoreanas. De las varias presencias cinefilícas -perdón: cinefágicas- que habitan en mi TL, la voz de Acuña es inconfundible. Es un honor que Alberto me haya enviado sus top-10 de lo mejor y de lo peor del 2011 para publicarlo en este espacio.

Lo Mejor del 2011

10 – No Distance Left To Run (Will Lovelace y Dyaln Southern, 2010). Exhibida dentro de la Gira de Documentales, Ambulante (11 de Febrero – 5 de Mayo).

Ver este documental en una sala llena, en donde el 95% son fans de Blur, es una experiencia gratificante. Estoy seguro que cualquiera fue irremisiblemente vulnerable cuando la banda (previo a su reconciliación llena del exorcismo de demonios y una dolorosa expiación de culpas mutuas) está en el escenario de Glastonbury, cerrando el famoso festival, mientras el rostro de un exhausto Damon Albarn contempla a la turbamulta, visiblemente conmovido, y en voz en off éste explica: “Teníamos que reunirnos. Es que…finalmente Blur siempre fue una banda de amigos”. Fade out. Créditos. Piel de gallina. Aplausos. El tristísimo paso del tiempo haciendo mella y la vuelta al punto de origen en tan sólo 104 minutos.

9 – Balada Triste de Trompeta (Alex de la Iglesia, 2010). Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine en la Ciudad de México / Exhibida dentro del Festival 4+1 (26 – 30 de Octubre).

Debo de reconocer que la primera vez que la vi me gustó, pero había un dejo de que algo no cuadraba. Tuve que verla un par de veces más a través del año para afirmar que la primera mitad de la película, es uno de los momentos cumbres en lo que lleva de carrera De la Iglesia (inspirado, y arriesgado) y la segunda parte es una suerte de (auto) revisión de “Muertos de Risa” (1999), pero en plan aún más mala leche y desatado. Da gusto que éste haya sido su regreso triunfal. Ya veremos éste año que nos depara “La Chispa de la Vida”.

8 – Action Replayy (Vipul Amrutlal Shah, 2010). Copia pirata.

No, no me pude resistir en incluirla. Es que lo tiene TODO. Sí, dije TODO: comedia romántica, melodrama netamente bollywoodense, musicales estrambóticos, canciones estúpidamente pegajosas, estética pop art, viajes y paradojas temporales, un protagonista masculino carismático, y además es co-protagonizada por Su Majestad Imperial (pónganse todos de pie, hagan reverencias y rinda pleitesías) Aishwarya Rai. Hay rip-offs encantadores de “Back To The Future” y después está “Action Replayy”.

7 – Símbolo (Shinboru, Hitoshi Matsumoto, 2009). Copia pirata.

Ok, ok, voy a hacer un poco (sólo un poco) de trampa: esta película japonesa no pertenece al ciclo 2010-2011. Sin embargo, este año apareció el DVD. Ni hablar: con nuestro contexto de exhibición/distribución/difusión tan cuestionado, hacer este tipo de listados provocan ese tipo de raros saltos cuánticos referentes a fechas de estrenos. Pero incluirla aquí lo vale: “Símbolo” es una de las películas más inventivas, inteligentes, originales, frescas y mejor concebidas de los últimos años. Lástima que sea tan complicado tratar de explicar de qué se trata. Haré el intento: en la frontera norte de México, un luchador profesional tiene su compromiso más importante de su carrera, que es disputar junto con su compañero el campeonato nacional de parejas contra dos rivales diez años más jóvenes. A pesar de que toda su familia (su esposa, hijos y su padre) desaprueban que participe, están en la arena expectantes a las acciones (todo ello en un segmento protagonizado por actores mexicanos y hablado en español). Paralelamente a ello, un sujeto (interpretado por el propio director/guionista Hitoshi Matsumoto) despierta en un gran cuarto blanco el cual está tapizado de pequeños genitales masculinos en relieve. Sin saber a ciencia cierta el cómo y el por qué se encuentra ahí, ahora su meta es encontrar una salida viable. ¿Cómo éstas dos historias diametralmente opuestas logran confluir? He ahí el atractivo de “Símbolo”: con escasísimos recursos, logra mantener la atención del público con tal de saber la respuesta. Joyita a descubrir.

6 y 5 – Catfish (Henry Joost y Ariel Schulman, 2010) / Exit Through The Gift Shop (Banksy, 2010). Exhibida dentro de la Gira de Documentales, Ambulante (11 de Febrero – 5 de Mayo) / Copia pirata.

¿Qué tanto de lo que vemos en estos dos documentales es cierto? ¿Son dos timos quirúrgicamente planeados? Si en realidad todo es como se nos cuenta, estamos antes dos interesantes retratos de personajes con patologías serias y severas (donde confluyen frustraciones, problemas de identidad y la mitomanía), cada uno en universos particulares. Si fueron deliberadas tomadas de pelo… ¡qué buenas son! Dos obras que forman parte de una camada de híbridos donde no se trata de delimitar en qué parte inicia la ficción y cuándo termina. También se hermanan en el aspecto que uno es testigo, conforme va avanzando la película en cuestión, cómo se da el proceso creativo de lo filmado (continuando de algún modo con esa tendencia de que el autor es el personaje central y omnipresente de la historia): las dos comienzan con una idea clara, la cual es desechada a la mitad (el “twist” que despierta las sospechas del principio).

4 – El Planeta de los Simios: (R) Evolución (Rise of The Planet of The Apes, Rupert Wyatt, 2011). Estrenada el 2 de Septiembre.

Aceptémoslo: cuando nos enteramos de la intención de reactivar esta famosa franquicia, nadie daba ni dos pesos por la idea. Se pensaba que la saga estaba encriptada en otro tiempo y espacio. Y de repente llegó Rupert Wyatt a callar bocas (y muchas). Pero no sólo eso, filmó (de calle) el blockbuster del año y de paso sentó un nuevo estándar tanto para el cine de temporada veraniega como para el género de ciencia ficción.

3 – Los Amores Imaginarios (Les Amours Imaginaires, Xavier Dolan, 2010). Exhibida dentro de Distrital. Cine y Otros Mundos (27 de mayo – 5 de Junio).

De primera instancia, la segunda película del director/guionista/actor canadiense Xavier Dolan es el sueño húmedo de cualquier hipster (las referencias culteranas y pop, la estética calculadísima, la narrativa posmoderna…). Empero, estos nuevos “Soñadores” (Bernardo Bertolucci, 2003) irradian tanta empatía y los respectivos dilemas sentimentales que tienen se sienten tan sinceros, tan cercanos, que, ¿cómo demonios no emocionarse, entenderlos y apoyarlos?

2 – Cold Fish (Tsumetai Nettaigyo, Shion Sono, 2010). Exhibida dentro del 31 Foro Internacional de la Cineteca Nacional (20 de Abril – 9 de Mayo).

Cualquiera supondría que después de ese monumental trabajo conocido como “Love Exposure” (2008) irrefutable obra maestra contemporánea (en donde se combina el complejo acercamiento entre las nuevas y viejas generaciones japonesas representado en las relaciones familiares, fanatismo religioso y la formación de la identidad), Shion Sono se tomaría su tiempo para regresar. Vaya, daba la impresión que con un proyecto de esa magnitud, terminaría agotado. Todo lo contrario: en los tres años posteriores hizo cuatro películas (las dos más recientes con un margen de sólo unos meses) y si bien su novísima cinta “Himizu” / “Topo” tiene unos veinte minutos finales más bien engorrosos, en términos generales, Sono se encuentra en su mejor momento. Aquí una muestra de ello. Sus temas recurrentes (adolescentes alienados, la búsqueda de pertenencia, catarsis de sus protagonistas con lo que se replantean dónde se encuentra parados…) en servicio de una historia basada en un violentísimo caso real de nota roja. A éstas alturas ya es inocultable que Shion Sono es uno de los directores más propositivos a nivel mundial de los última década.

1 – Poetry (Shi, Chang-dong Lee, 2010). Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine de la UNAM (24 de Febrero – 3 de Marzo).

El director, novelista y ex Ministro de Cultura y Turismo, Chang-dong Lee (el cual ya había hecho dos obras que pellizcan la perfección –“Peppermint Candy” en el 2000 y “Oasis” en 2002–), rescató a la prácticamente retirada diva sudcoreana Jeong-hee Yoon para que interpretara al que, a la postre, se convertiría en el personaje más entrañable de la temporada. Chang-dong Lee no desea que nos compadezcamos del avance de Alzheimer que tiene nuestra protagonista (de hecho, la revelación es tan orgánica que parece un hecho cotidiano). Tampoco intenta regodearse en la avalancha de desgracias que trae a cuestas. Vamos, no se ensaña con ella. Es una encarnación que sólo pretende vivir decorosamente lo que el destino le ha deparado. Una belleza.

Lo Peor del 2011

10 – Esperando a Los Bitles (Diego Graue y Ricardo Marmolejo, 2011). Exhibida dentro de Distrital. Cine y Otros Mundos (27 de mayo – 5 de Junio).

De este documental había el trailer prácticamente un año antes de ser estrenada en el marco del Festival Distrital, Cine y Otros Mundos, en una función que tuvo que ser gratuita debido a que sus responsables aún no cuentan con los derechos de la música utilizada; situación que, quiero suponer, les seguirá siendo un lastre en un futuro: todo mundo sabe que obtener los derechos de un tema del célebre cuarteto es complejo por no decir engorroso. Total, que dicho trailer me llegó a entusiasmar. Si bien se tenía a una serie de personajes outsiders, esta vez no se trataba de explotar su marginalidad y regodearse en su miseria, sino presentar a un grupo de personas que a través de la idolatría quedaron varados en otro tiempo y espacio y del cual rehúsan salir. El problema es que eso es lo que se intentó llevar a cabo. Lo que se vio fue una surte de video casero de las últimas vacaciones en Inglaterra por parte del presidente del club de fans, siendo presumido ante sociedad. Vaya, hasta la interesante sub-trama de la banda que va a representar a México en el concurso anual de imitadores de The Beatles se pierde en medio de un montaje descuidadísimo. Decepcionante.

9 – Outrage (Takeshi Kitano, 2010).Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine en la Ciudad de México (4-13 de Febrero) / Exhibida dentro del Festival 4+1 (26 – 30 de Octubre).

¡Zas! Nunca pensé poner una película de Takeshi Kitano en una lista como ésta. Pero ni hablar, se está ante el punto más bajo (a la fecha) de su carrera como cineasta. Un regreso a su particular mundo Yakuza totalmente innecesario, fastidioso, rutinario e irrelevante. Y pensar que ya se está planeando la segunda parte.

8 – Todo Estará Bien (Alting Bliver Godt Igen, Christoffer Boe, 2010). Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine en la Ciudad de México (4 – 13 de Febrero).

¿Cuánto tiempo más le queda a la formulita del danés Christoffer Boe por ser explotada? Mundos alternas, onirismo, el cine dentro del cine y el rompimiento de la cuarta pared fílmica (una vez más) en una historia predecible, manida e insustancial en la que Boe trata de crear confusión entre la ficción que el guionista protagonista está escribiendo, la realidad y su trastornada psique.

7 – Chassis (Adolfo Alix Jr., 2010). Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine en la Ciudad de México (4 – 13 de Febrero).

A ver, a ver, una cosa es que pueda tolerar al ver una película de Apichatpong Weerasethakul o de Tsai Ming-liang; y otra muy distinta que quiera hacer lo propio con un desvergonzado copycat filipino. Al parecer la crítica especializada y los festivales de prestigio no han tenido suficiente con Lav Diaz y sus obras (literalmente) titánicas y maratónicas y de unos años a la fecha, todo mundo anda vuelto loco con ésta suerte de Nicolás Pereda de Manila que con justicia le da la razón a los detractores del cine de autor.

6 – Bala Mordida (Diego Muñoz, 2010). Estrenada el 27 de Mayo.

¿Diez años después y todavía aparecen hijas bastardas del cine…erm…urbano que parió “Amores Perros” (Alejandro González Iñárritu, 2000)? Como si no hubiera sido suficiente con haber exhibido en sala de cine “Don de Dios” (Fermín Gómez Lara, 2005), y lanzado esa cadena que azotó el mercado videohomero hasta no hace mucho (la trilogía que Alejandro Todd realizó en 2004, formada por “Ciudad de Perros”, “Paredes Pintadas” y “Graffiti” o la casi interminable tanda de Ignacio Rinza Oviedo, con títulos como “Gente Común”, “Perra Sociedad”, “Snuff”, “Deep Red”…) las cuales no aguantaron en lo absoluto la prueba del tiemp, llegó un realizador novel que parecería vivió como ermitaño, con una película desfasada donde las haya y pensando que nadie se iba a acordar que eso ya se había visto. “Bala Mordida” también exhibe una vez más un secreto a voces: en nuestra cinematografía con los dedos de una mano se pueden contar a los directores de casting (y hasta sobran). De ahí que todos tengamos la impresión perpetua de deja vu. Y para colmo, esa repetición se da con elencos desidiosos que se encuentran plácidos en sus zonas de confort, utilizando las mismas características y los mismos modos de actuación, mismos que alguna vez les funcionaron. Sí, Damian Alcázar está overrated.

5 – Los Hijos de la Bulldog (Oscar González Iñiguez, 2010). Copia pirata.

Y para redondear lo anterior, nada mejor que éste videohome realizado por el nuevo realizador prolífico y versátil del mercado: como cualquier director videohomero que se respete, en tan sólo dos años y medio (y a un ritmo endemoniado) ha rebasado la línea de diez películas producidas, en donde caben comedias románticas gays, neo-narcocine basado en los corridos del Movimiento Alterado, cine de terror, thrillers y sí, dramas urbanos (como éste), entre otros géneros fílmicos. Sin duda, dentro de su filmografía en constante crecimiento, ésta se encuentra entre lo peor. Tenemos a Luis Fernando Peña y Armando Hernández (ahora vueltos actores recurrentes de ésta alicaída industria) de regreso a sus orígenes “De la Calle” (Gerardo Tort, 2001) y en el camino se topan con las chicas de “Perfume de Violetas: Nadie Te Escucha” (Marisa Sistach, 2001), y a la vuelta de la esquina con “El Taquero” (Ignacio Rinza Oviedo, 2004, el cual parece el hermano de la Bulldog del título). Un cine barriobajero que da patadas de ahogado de una manera lastimosa con un compendio de lugares comunes y provocaciones infaustas. A esto se suma la analogía más desagradable, burda y corriente para representar el rompimiento del himen de una de las protagonistas. Y después ¿por qué está tan maltratada la imagen del videohome?

4 – Vete Más Lejos, Alicia (Elisa Miller, 2010). Exhibida dentro de Distrital. Cine y Otros Mundos (27 de mayo – 5 de Junio) / Estrenada el 10 de Junio.

Es de alarmarse que la hija pródiga del Centro de Capacitación Cinematográfica haya hecho ésta película. Es el epitome de un pueril método para hacer cine donde ya ni siquiera se trata (en última instancia) de vender humo al primer incauto que se deje, o volverse el hype de la temporada, sino es uno que se interesa en enarbolar el amateurismo, barrenando a su paso cualquier asomo del sentido de la estética. Digo que es de preocuparse porque ya se pudo ver réplicas en la muestra anual de trabajos que realiza la escuela en Cineteca Nacional, por lo que la tendencia parece ir en aumento (por cierto, ¿qué anda haciendo la Cineteca exhibiendo este tipo de cine y perdiendo el control de calidad?). También lo menciono porque eso hace suponer que ciertos preceptos están saliendo directamente de la institución, la cual está aprobando y viendo con buenos ojos estos trabajos. Uno hasta extraña esos días en que “Adán y Eva (Todavía)” (Iván Aviña Dueñas, 2004), incitaba a su público salir totalmente irritado de la sala como sentido de existencia. Ya se verá cuál será la regla a seguir para éste año que inicia.

3 – Perras (Guillermo Ríos, 2010). Estrenada el 4 de Marzo.

“Desnudos” (Enrique Gómez Vadillo, 2004), deberá de asumir con decoro que ha llegado una película que le ha quitado con todas las de la ley, el lugar privilegiado dentro del Salón de la Infamia. Con “Perras” se entra un universo muy estrecho en el que se rinde odas a la misoginia, donde todas las mujeres son putas, pendejas, vale madres e inescrupulosas; y no sólo eso, lo asumen con mucho orgullo (hasta interpretan canciones que sirven como apologías de su promiscuidad y falta de intelecto); todo ello mientras un director/guionista cincuentón quiere que compartamos su concepción distorsionada de la feminidad y la adolescencia. No faltan los diálogos con lo que uno piensa “No, ya en serio, díganme que esto es una broma”; las sub-actuaciones (pareciera que el elenco pactó en competir por ver quién podía hacer la voz que emulara con mayor veracidad cierto retraso mental), los temas que se sueñan como shocking y polémicos, una vuelta de tuerca que nadie le interesa, una puesta en escena plana como pocas, y para colmo, ni siquiera cumple con la función de saciar el morbo; la explotación se ausenta y, finalmente, todo es tan mojigato que lo más “atrevido” es ver a Galilea Montijo (la cual aparece haciendo un cameo en un flashforward sacado de la manga) ponerse unas medias. ¿Qué por qué siendo ahora la reina del Salón de la Infamia, no está en el número uno? Porque los primeros puestos los ocupan películas que no sólo me sorprendieron (por todas las razones equivocadas, claro está), sino, que me hicieron salir molesto de la sala, dos momentos por demás desagradables dentro de la noble actividad de la cinefagia.

2 – Los Infectados (Alejandro G. Alegre, 2011). Exhibida dentro del Festival Internacional de Cine de Horror, Macabro (19 – 28 de Agosto).

De esta película ya hablé largo y tendido en Revista Cinefagia. ¿Qué más se puede decir? Bueno, los comentarios que se generaron las semanas posteriores, realizados por el propio director y sus…erm…primos (bajísimo y deleznable el uso de alter egos para ocultarse y lanzar ataques de salva), sin que él lo pretendiera, sólo confirmó lo que yo había escrito: tenemos a un director que está mucho más preocupado en hablar de él y sus treinta mil pesos invertidos que de su propia obra. Tal vez si Alejandro G. Alegre hubiera sido más prudente sabiéndose referir en las funciones en las que presentó “Los Infectados”, respecto a lo que había grabado, cualquiera diría “Está chafa” y punto. Tal vez ni siquiera hubiera aparecido en esta lista. Las palabras, sin embargo, sólo magnificaron su podredumbre.

1 – Borrar de la Memoria (Alfredo Gurrola, 2010). Estrenada el 14 de Octubre.

Pues sí, por increíble que parezca, existió una película que superó a “Perras” y “Los Infectados”, para ser digna de encabezar la lista. Vergonzoso que éste haya sido el regreso de Alfredo Gurrola al cine después de un poco más de veinte años. Patético el guión que presentó el crítico de cine Rafael Aviña, principal responsable de éste despropósito en celuloide. Y es que mientras Gurrola se esforzó (en vano) por ser pragmático, funcional con lo poco que tenía a la mano, vaya, demostrar que lleva toda la vida en el negocio, Aviña notoriamente gozó en escribir un elogio a su propia cinefilia, sus fetiches, obsesiones, y conocimientos, dando como resultado una congestión inaudita de (auto) referencias forzadísimas durante cada escena. Un servidor no exagera: cada escena contiene al menos tres guiños (uno sólo espera que en cualquier momento, el actor que ha recitado el diálogo, se voltee viendo a la cámara y nos diga “¿Captaron? Muy chistoso, ¿no?”). No recuerdo alguna otra película que contenga tal sucesión de diálogos para el olvido (la que se lleva las palmas, por supuesto, aparece en el momento en el que la investigación del crimen que sirve como motor de la película, dirige al protagonista a un estudio fotográfico, lugar donde el dueño le muestra documentos que habían permanecido por varios años arrumbados en un archivero. Al ir sacándolos, se topan con una foto que tiene una dedicatoria… “Gracias Alfredo (Gurrola)”. Momento de pésimo gusto, sin duda). A eso habría que sumarle que el mismo guión está tan mal escrito que literalmente en la primera escena de la película ya hemos descubierto el supuesto misterio que estuvo agazapado durante cuarenta años. Una infamia por donde se le quiera ver.

Y la mejor película del 2011 fue...

2012-01-13T17:03:00.000-07:00

... por la que ustedes voten. Los lectores asiduos del blog ya conocen el proceso: cada semana se vota por la cinta de la semana que, luego, formará parte de la lista por la que se votará por la película del mes y, finalmente, por el filme del año. Así pues, gracias a este proceso de votación/eliminación, al final del año quedan 12 filmes, uno por cada mes. En esta ocasión, se puede votar por dos cintas mexicanas -Presunto Culpable y Miss Bala-, un blockbuster hollywoodense -MI4-, varias cintas de autor -Medianoche en París, El Caballo de Turín, Copia Fiel, El Árbol de la Vida-, un filme europeo contemplativo -De Hombres y de Dioses-, un encabronante documental -Dinero Sucio- y tres grandes cintas hollywoodenses de género -El Cisne Negro, 8 Minutos antes de Morir y Triste San Valentín.

Estoy seguro que no habrá unanimidad entre los lectores, pero creo que estos doce filmes, con sus logros, fallas, excesos y genialidades, representan muy bien el cine del año pasado, el que se vio en México en centenares de cines comerciales y el que se exhibió en los pequeños y necesarios circuitos culturales/festivaleros. Ya nomás queda votar -aquí, abajito, en la columna de la derecha- por una de esas doce películas para sumarla a las ganadoras de otros años en este blog: Batman, el Caballero de la Noche, Up, una Aventura de Altura y El Origen.

Pídala cantando/XLVII

2012-01-12T08:23:00.000-07:00

El lector Saúl Bass (@sabassbo) me ha pedido que rescate lo que escribí, en su momento, de la espléndida cinta sueca Déjame Entrar. Va:

Más vale tarde que nunca: finalmente, ha llegado a la cartelera comercial la inclasificable cinta de horror vampiresca Déjame Entrar (Lat den rätte komma in, Suecia-Noruega, 2008), cuarto largometraje del artesano fílmico/televisivo Tomas Alfredson.

Sobre la novela homónima de John Ajvide Lindqvist adaptada por él mismo, he aquí una singular historia de crecimiento/amistad/amor juvenil-vampírico ubicada en un pequeño pueblo sueco a inicios de los años 80. Oskar (Kare Hedebrant), un solitario niño de 12 años e hijo de padres divorciados (mamá trabajadora/histérica, papá alienado/alcohólico acaso gay), es tomado como puerquito por los abusones escolares que allá, aquí o acullá nunca faltan. En una de las noches en las que Oskar deambula por el parque cercano a su clasemediero departamento, el tímido y fantasioso preadolescente entabla amistad con una extraña niña “que huele raro”. Eli (extraordinaria Lina Leandersson) acaba de cambirse al departamento contiguo de Oskar, vive con un hosco adulto llamado Hakan (Per Ragnar) que podría ser su padre, y es aún más tímida que su nuevo amigo. Muy pronto uniremos los puntos que están sueltos: Hakan no es el papá de la niña, sino su devoto cuidador, pues Eli no es más que una vampira centenaria que necesita de sangre humana para sobrevivir.

La cinta no carece de las convenciones genéricas vampirescas clásicas: la luz del Sol como motor de destrucción, el esclavo humano que cuida de su amo chupasangre, la regla de que un vampiro no puede entrar a tu casa a menos que tú lo invites… Sin embargo, el guión de Lindqvist usa estos bien conocidos clichés sólo para señalar los límites genéricos de un relato fílmico que trata más de amor que de sangre, más de pasión romántica que de sexo, más de vida que de muerte. Pero cuidado: no estamos aquí frente a una ñoña historia de amor puro e idílico. Eli necesita sangre, no puede vivir sin ella y, llegado el momento, Oskar tendrá que decidir de qué lado se coloca él, sobre todo cuando el patético Hakan tenga que hacer mutis.

Alfredson –de quien no conozco una sola de sus películas anteriores- se descubre como un cineasta competente y funcional, aunque llega a sorprender gratamente en esa contundente escena final en la alberca, un momento fílmico magistral que resulta, al mismo tiempo, horrendo, emocionante y hasta torcidamente cómico. No vemos gran cosa, pero no necesitamos hacerlo: todo que le necesitamos saber ya lo sabíamos de antemano. Que Oskar y Eli están hechos el uno para la otra.

El cine que no vimos/XLIV

2012-01-11T17:25:00.001-07:00

Exhibida en la Cineteca Nacional dentro del festival 4+1 2011 pero sin fecha -hasta donde sé- de estreno comercial en México, Meek's Cutoff (EU, 2010), cuarto largometraje de la cineasta en ascenso Kelly Reichardt (Old Joy/2006, Wendy y Lucy/2008), terminó en varias listas de lo mejor del 2011, como en la de The Village Voice, IndieWire, Film Comment y Cahiers du Cinéma. Y con toda justicia, debo decir, por más de una razón.

En primera instancia, estamos ante un western centrado en uno de los temas menos explorados por el género: la colonización de los vastos territorios de América del Norte que no habían sido tocados por la civilización europea, en concreto, el arribo a las lejanas tierras de Oregon en 1845, un par de años antes de la guerra México-EUA en la que nuestro país perdería más de la mita del territorio. Digamos que estamos ante un filme del oeste antes de la conquista del oeste "oficial".

En segundo lugar, Meek's Cutoff es un western visto desde la perspectiva femenina y no sólo porque la directora es una mujer, sino porque el personaje central es precisamente la joven esposa (Michelle Williams) de uno de los pioneros (Will Patton). Esta pareja, acompañadas de otras dos, son guíadas por el Stephen Meek del título (irreconocible Bruce Greenwood), un vaquero correoso y racista que dice conocer esos terrenos como la palma de su mano. Parece que no es así: desde el inicio vemos que los tres matrimonios -uno de ellos con un niño preadolescente- están perdidos y saben que lo están. Cuando el grupo se topa con un indígena "cayuse" (Rod Rondeaux), Meek lo tomará prisionero y estará a punto de asesinarlo. La pequeña pero voluntariosa Emily Tetherow (Williams) pensará distinto: acaso el misterioso "salvaje" sea la única oportunidad que les queda para salir de los desérticos páramos de Oregon y encontrar agua, pasto, sombra. El edén por el que están arriesgando su vida.

El revisionismo sobre los temas y personajes del cine del oeste no es nada nuevo en el género -un buen ejemplo es el propio cine crepuscular de John Ford El Capitán Búfalo (1960) o El Ocaso de los Cheyenes (1964)- pero, a pesar de que la mujer no es un elemento extraño en el género, tampoco ocupa un lugar preponderante, a no ser como la idílica dama joven, la prostituida chica buena/mala de las cantinas o la machorra que con su pistola bien fajada se hace respetar de propios y extraños. A lo que me refiero es que no abunda en este tipo de cine una visión femenina de la colonización de esos territorios, de la precaria vida familiar, del miedo a lo desconocido, de la ausencia de civilización. Lo más cercano que recuerdo a este tipo de visión femenina "excéntrica" es La Balada de Little Jo (1993), dirigida por Maggie Greenwald, sobre la "verdadera" historia de una mujer (Suzy Amis) que, en algún pequeño pueblo del oeste, se hizo pasar por hombre para no ser molestada y vivir tranquilamente. En Meek's Cutoff el objetivo es distinto: Reichardt -y su guionista de cabecera Jonathan Raymond- es presentar los mismos temas y los mismos escenarios a partir de otra mirada: la de un ama de casa que, en realidad, no tiene aún casa, porque va en pos de ella.

La caprichosa elección del formato de composición del encuadre -el anacrónico 4:3- lo explica la cineasta como un intento de captar la mirada de las mujeres de esa época, quienes por sus característicos gorros o "bonnets" tenían una visión muy limitada, no periférica, de esos vastos territorios. Digamos que para Reichardt los paisajes fordianos en widescreen representan la mirada masculina, completa, dominante. El encuadre casi cuadrado en Meek's Cutoff representa, en contraste, la visión de una mujer preocupada por lo que tiene aquí y ahora, en este momento, frente a ella. No quiere ver lo que hay a lo lejos, sino recoger unas cuantas piezas de madera para hacer un fuego y cocinar.

Reichardt no está interesada en el destino final, sino en el camino. ¿Llegarán a la tierra prometida los siete pioneros o más bien es una trampa del indio cayuse que los lleva a una masacre? No lo sabremos: como en el cine anterior de Reichardt, Meek's Cutoff termina pero no concluye. El camino sigue abierto.

Nido de Escorpiones

2012-01-11T08:20:00.001-07:00

En el ensayo bio-filmográfico sobre Volker Schlöndorff que está en el segundo tomo del -ay- tan plagiado "World Film Directors" (Editor John Wakeman, 1988), aparece una cita del propio cineasta alemán, quien afirma que la existencia del cine se justifica sólo si funciona como un medio de expresión estrictamente popular. Más claro, imposible: si se compara la obra de Schlöndorff con la de sus contemporáneos del Nuevo Cine Alemán -digamos, Straub o, en menor medida, el propio Fassbinder-, encontramos que en sus películas no abunda la experimentación estilística ni los devaneos avant-garde. Su cine siempre ha sido técnicamente impecable, sencillo en la forma, seguro en la ejecución. Un cine para el gran público.

Tómese el caso de su opera prima, la notable Nido de Escorpiones (Der Junge Törless, RFA-Francia, 1966), basada en la novela semiautobiográfica de crecimiento juvenil Los Extravíos del Colegial Törless (1906), del autriaco Robert Musil. El debutante Schlöndorff -quien estudió cine en el IDHEC parisino y que había trabajado como asistente de dirección de Resnais, Melville y Louis Malle-, dirige con mano segura y funcional, sin manierismos de ninguna especie. La puesta en imágenes de Schlöndorff es siempre, permítanme el adjetivo, necesaria: cada movimiento de cámara, cada cambio de planos, cada vez que se cambia la perspectiva objetiva por una subjetiva, es porque resulta necesario para el filme. No hay en Schlöndorff ningún deseo de apantallar con el estilo; no hay, por lo mismo, oportunidad para la distracción.

La adaptación de la conocida novela de Musil -firmada por el propio cineasta en colaboración con Herbert Asmodi- no profundiza en el ámbito psicológico de los personajes, especialmente de su protagonista, el joven aristócrata Törless (muy justo Mathieu Carrièrre), sino que opta por una provocadora lectura político-alegórica de la trama.

Estamos en el internado semi-militarizado Príncipe Eugenio, en algún lugar del vasto Impero Austrohúngaro a inicios del siglo XX. Törless es un serio y concentrado estudiante, preocupado mucho más que el resto de sus compañeros por irresolubles dudas intelectuales. Por ejemplo: ¿de dónde salen los números imaginarios? ¿Cuál es su función? Cuando Törless lleva sus preguntas al profesor de matemáticas (Jean Launay), éste le dice que, por lo menos en estos niveles de estudio, no tiene por qué entender nada: que lo acepte y ya; que se lo aprenda y no lo cuestione. Pero Törless no puede hacer esto: ve a su alrededor y se pregunta por qué las cosas son como son y no de otra manera. Más aún: ¿habrá una forma correcta de que las cosas pasen? ¿O realmente todo da lo mismo?

Uno podría pensar que este tipo de historia daría para un filme aburrido, verboso, pedante. Nada de eso: el centro dramático de la cinta es mucho más simple y directo. Törless es testigo y cómplice más o menos pasivo de las torturas y humillaciones que dos de sus compañeros le imponen al débil y pusilánime Basini (Marian Seidowsky), quien fue sorprendido robándose un dinero. A los abusones Beineberg y Reiting (Bern Tischer y Fred Dietz) no les interesan los billetes birlados: el pecado de Basini es la excusa perfecta para experimentar con él las peores degradaciones morales y físicas. Törles asiste desde el inicio a este abyecto espectáculo y, de alguna manera, se vuelve cómplice de él aunque creemos -o queremos creer- que está en contra de estas acciones. ¿O no lo está?

En el largo y articulado monólogo final, cuando Törless comparece ante un grupo de maestros que lo interrogan sobre los abusos a Basini, nos damos cuénta de quién es realmente el "extraviado" -como dice una traducción en español de la novela de Musil- joven Törless. El muchacho se sabe intelectualmente superior no sólo frente a sus compañeros sino a los propios maestros: ha descubierto que el ser humano se define por lo que hace -¿existencialismo avant la lettre?- y que, en realidad, el mundo puede ser de una manera o de otra; que no tiene ni debe ser de una forma preconcebida. Más que un despertar de la conciencia moral, Törless se abre ante el nihilismo, ante la indiferencia. Se sabe cómplice de los abusos cometidos sobre Basini pero no le importa mucho: a través de esta experiencia ha conocido a sus compañeros y se ha conocido a sí mismo.

La alegoría es transparente: la llegada al poder del nacionalsocialismo germano liderado por Hitler fue permitido no sólo por los crueles y sádicos como Beineberg y Reiting, ni por la cobardía de quien prefería aguantar todas las humillaciones bajo la promesa de que algún día lo dejarían en paz como Basini, sino por los aristócratas e intelectuales como Törless, quienes asistieron con indiferencia, acaso con algo de curiosidad, al nacimiento del nazismo. Törless, me parece, termina siendo una suerte de versión juvenil, sólo que menos frívola, del bisexual aristócrata hedonista Maximilian von Heune (Helmut Griem) de Cabaret (Fosse, 1972), quien pensaba que los nazis podían ser controlables. Pero no, no lo fueron.

Nido de Escorpiones se exhiben hoy en la Sala Lido a las 17:30 horas.

Sé lo que viste el fin de semana pasado/CCXIII

2012-01-10T17:30:00.000-07:00

Pues este primer fin de semana después del año nuevo no quise saber mucho. Sólo vi J. Edgar (Ídem, EU, 2011), el trigésimo-segundo largometraje de Clint Eastwood que no es, ni de lejos, el desastre que algunos dicen. Mi crítica está publicada en el Primera Fila del Reforma del viernes pasado pero quiero rescatar aquí un par de argumentos.

Por una parte, Eastwood ha tomado el camino complicado de no vapulear facilonamente al fundador y director durante medio siglo del FIB J. Edgar Hoover (un espléndido Leonardo DiCaprio), sino de mostrar el contexto socio-político-policial en que se hizo del poder durante los gobiernos de ocho presidentes de la República. Es decir, señalar claramente la paradoja política/moral de que Estados Unidos necesitó en cierto momento a alguien como Hoover pero que, también, ya en otro momento, necesitaba librarse de él. Eastwood -y su oscareado guionista, el activista gay Dustin Lance Black- no tienen empacho, por otra parte, en mostrarnos a Hoover como ese patético homosexual semi-enclosetado y reprimido que destestaba/gozaba de los pecados sexuales de sus muchos adversarios políticos: King, Kennedy, la señora Roosevelt, et al. Después -o antes- de ver J. Edgar recomiendo revisar Contra el Imperio del Crimen ("G" Men, William Keighley, 1935), dinámica glorificación del naciente FBI: el perfecto programa doble.

PS. Eso sí, no se puede negar que el trabajo de maquillaje va de lo pasable a lo risible, como el caso del avejentamiento del Armie Hammer, quien encarna al amado-amante gay de toda la vida de Hoover. Hammer no parece anciano sino un ser deforme de rostro casi chamuscado.

El cliché que yo ya vi/XCVI

2012-01-09T18:04:00.000-07:00

Apenas terminando el Guadalupe-Reyes (e iniciando el Reyes-Guadalupe, que es un poco más intenso), Joel Meza propone:

Houdini hubiera ido a la papelería...: En las películas nadie se preocupa cuando es atrapado, esposado o encerrado bajo candado, ya que sólo se necesita un mísero clip o sujetador de papeles para abrir cualquier juego de esposas, cerradura o candados y en cuestión de segundos quedar libre y salir como Houdini por su casa.

Acabamos de ver a Tom Cruise hacer los honores en M:I 4, pero mi escape preferido de este estilo, por las escalofriantes consecuencias, el de Anthony Hopkins en El Silencio de los Inocentes.

Mi Felicidad

2012-01-08T13:26:00.000-07:00

Vi Mi Felicidad (Schastye moe, Alemania-Ucrania-Holanda, 2010), primer largometraje de ficción del documentalista nacido en Bielorrusia y con ciudadanía alemana Sergei Loznitsa, en los últimos días del año pasado y, cuando terminé de verla, tuve que cambiar mi lista ya terminada de lo mejor del 2011. Esta road-movie en la que el espectador es obligado a seguir por el mismo camino pero a cambiarse de auto -Scott Tobias dixit- transmite, por una parte, una desesperanza existencial abrumadora y, por otra, resulta ser un intoxicante haz de relatos en los que caben episodios diversos, un par de flashbacks, digresiones varias y un final que termina amarrando todo lo que hemos visto y sufrido. De alguna manera es como si Raúl Ruiz hubiera realizado una versión de horror de su obra maestra definitiva y última Misterios de Lisboa (2010).

En alguna ciudad de la Rusia contemporánea. Después de un ominoso prólogo que servirá como advertencia aislada de lo que a continuación veremos -el cadáver de un tipo es sepultado bajo una capa de cemento en una obra en construcción-, el joven chofer de un camión de carga, Georgy (Viktor Nemets), es detenido en un atrabiliario retén (¿mexicano?) en el que un par de guardias se dedican a extorsionar a quien se deje. En un descuido de los ojetes cuicos, el muchacho toma la carretera, no sin antes darle un aventón a un sombrío anciano (Vladimir Golovin) que le cuenta una historia de abuso que él mismo sufrió siendo un joven teniente (Aleksey Vertkov) de regreso de la Gran Guerra Patria. Este "flash-back" -y otro más, aparentemente desconectado de la trama principal que veremos en la segunda parte del filme- terminarán imponiendo el tono general de Mi Felicidad: la Rusia de antes, la de ahora, la de la ciudad, la del campo, la de la autoridad, la del hombre de la calle, es un infierno de injusticias, caos, violencia, muerte, que se alimentan una de otras, encabalgando una atrocidad del pasado con otra del presente, provocando que la injusticia perviva, soberana, en el tiempo y el espacio. Rusia como la nación que devora a sus hijos y que permite que se devoren entre ellos.

Así, a través de ocho episodios, algunos de ellos protagonizados por Georgy, otros por personajes que se va encontrando en el camino -una prostituta adolescente (Olga Shuvalova), tres ladrones, la mujer que recoge a un catatónico Georgy, un chofer parlanchín y de vuelta al retén del inicio con otras víctimas del abuso policial-, vemos el rostro deforme de una sociedad profundamente corrupta en la que la única oportunidad de sobrevivir es, acaso, el mantra que repite el chofer hablantín del final: "No interfieras, no interfieras". Pero, por supuesto, ni siquiera nadar de muertito lo puede salvar a uno en un mar infestado de tiburones.

Loznitsa prefiere la cámara en mano y la toma extendida -efectiva foto de Oleg Mutu, de la ola rumana del nuevo siglo-, lo que termina imponiendo un regusto documental, secamente realista, a esta serie de desamparos e injusticias que no finalizan ni finalizarán nunca. Sólo se extinguen en la oscuridad de la noche, esperando continuar en otro sitio, en otro lugar, mañana o pasado mañana.

¿Y con qué se come?/XI

2012-01-04T09:49:00.000-07:00

En mis fotogramas 2011, escribí que uno de mis momentos favoritos del año pasado fue el rolling-gag en Thor (Branagh, 2001). Rafa Ibarra, lector de este blog y especialista en vinos, me pregunta qué demontres es eso de rolling-gag.

Un rolling-gag (también llamado running-gag) es un chiste que se repite en varias ocasiones y en cada repetición hay una variante que hace más gracioso el chiste. En Thor, por ejemplo, el forzudo es atropellado dos veces, sometido por una descarga eléctrica y finalmente, en el hospital, cuando se empieza a poner charrascaloso, lo inyectan con alguna sustancia tumba-caballos. Cada vez que lo aplacan, el asunto se vuelve más gracioso porque, precisamente, uno ya lo espera. Como suele suceder en los thrillers, en el horror, en la comedia física, en el melodrama, la anticipación por parte del espectador -es decir, el saber nosotros más que los personajes- hace más efectiva cualquier escena.

Mi rolling-gag favorito es cuando Ken (Michael Palin), el ladrón y asesino tartamudo de Los Enredos de Wanda (Crichton, 1988), trata de eliminar a una correosa viejita para que no testifique en contra de su jefe. La susodicha doña sale a la calle con tres perritos lanudos y cada vez que K-k-k-ken intenta matarla, termina escabechándose a alguno de los chuchos. El asunto es gracioso porque Ken es un genuino amante de los animales -puede matar a la ancianita, pero no dañaría a ningún animal- así que cada vez que falla, Ken sufre y esto vuelve la escena aún más graciosa. El rolling-gag se vuelve hilarante porque, al final, uno anticipa el fracaso de Ken, lo que sucede... y no sucede.

Sé lo que viste el fin de semana pasado/CCXII

2012-01-03T11:00:00.001-07:00

El Conspirador (The Conspirator, EU, 2010), de Robert Redford. Impecable como sermón político liberal y republicano, esta cinta de época sobre el juicio a Mary Serratt (Robin Wright), una de las supuestas conspiradoras en el magnicidio de Abraham Lincoln, no pasa de ser un correcto filme bienintencionado que brilla por su reparto. ¿Qué habría hecho Wajda con una trama como ésta? Mi crítica en el Primera Fila de Reforma del viernes pasado.

Líbano (Lebanon, Israel-Francia-Alemania-Líbano, 2009), de Samuel Maoz. Vista en Guadalajara 2009, escribí de ella esto para Distrital 2010. Se estrenó comercialmente apenas el fin de semana pasado. Más vale tarde que nunca, supongo.

La Doble Realidad (La Doppia Ora, Italia, 2009), de Giuseppe Capotondi. Ganadora en Venecia 2009 de tres premios -el de la Juventud a la Mejor Cinta Italiana, la Copa Volti a la actriz Kseniya Rappoport y el Pasinetti al ascendente y ubicuo actor Filippo Timi- este bien tramado thriller engaña con la verdad. Cuando ha pasado media hora, sabemos que en mucho de lo que estamos viendo hay engaño, aunque no sabemos de dónde viene y en dónde terminará. En su última parte, la cinta vuelve a cambiar de piel, no sólo por cierta vuelta de tuerca, sino porque la trama misma nos muestra a los personajes desde otra perspectiva. Rappoport, que está en el encuadre el 95% del tiempo de pantalla, está perfecta encarnando a esta guapa mujer eslava que, como trabajadora inmigrante en Turín, se relaciona con un oscuro expolicía (Timi) que ahora trabaja como vigilante de una exclusiva villa a las afueras de la ciudad. Opera prima del director Giuseppe Capotondi, por cierto. Habrá que seguirle la pista.

El cliché que yo ya vi/XCV

2012-01-02T13:42:00.001-07:00

Joel Meza, sacudiéndose el confeti de la fiesta de fin de año, propone:

¿Qué rayos pasa?: En las películas, nadie busca nada de día y con buen clima. Siempre que hay una escena de suspenso en la que un personaje está en un lugar oscuro, generalmente buscando algo que en el mejor de los casos lo llevará a descubrir al asesino, habrá afuera una tormenta que proporcionará un conveniente y sincronizado rayo, para iluminar momentáneamente el lugar, mostrándonos por un segundo el objeto buscado o, y qué bonito cuando eso sucede, al asesino listo para atacar.

Una variante del cliché no pone en peligro inminente al héroe, pero hace que el rayo sirva para acentuar lo ominoso del hallazgo en cuestión, como lo podemos ver estos días en Las Aventuras de Tintin.

Fotogramas 2011

2012-01-01T08:39:00.001-07:00

Secuencias, escenas, imágenes, actores, momentos, milagros cinematográficos del año. Algunos de ellos en grandes filmes; algunos otros, en cintas no tan logradas pero acaso salvables por ese momento mágico, por esa actriz, por esa mirada. Como sigue:

**Bruce Willis, barbón y barrigón, en Los Realizadores.

**Elle Fanning y Stephen Dorff descansando en la piscina mientras se escucha I'll Try Anything Once, de The Strokes. En Somewhere: en un Rincón del Corazón, claro.

**Natalie Portman en El Cisne Negro.

**La escena final de Temple de Acero.

**Kato y El Avispón Verde cantando Gangsta' Paradise en El Avispón Verde.

**Paprika Steen como una fascinante actriz alcohólica y narcisista en Aplauso.

**La devastadora misantropía alleniana de Conocerás al Hombre de Tus Sueños.

**James Franco en 127 Horas.

**El rolling-gag del brazo cercenado de Crispin Glover en Hot Tub: Solteros en el Tiempo.

**Dale Dickey en Invierno Profundo. Una matriarca criminal con algo de conciencia.

**La explicación que da Julianne Moore de por qué las lesbianas gustan de ver cine porno gay masculino.Las dos escenas de las comidas colectivas. El regocijante "hola" que le dice Julianne Moore a cierta parte del cuerpo de Mark Ruffalo. Todo esto en Los Niños Están Bien.

**La escena del baile de Michelle Williams con Ryan Gosling cantando y tocando el ukelele en Triste San Valentín.

**El patito empapado de El Lugar Más Pequeño.

**El rolling-gag de Thor. Y Kat Dennings.

**La escena final de Post-Mortem. Y la escena de la autopsia, claro.

**La lucidez de los científicos entrevistados en Nostalgia de la Luz.

**El manejo de la cámara en La Casa Muda.

**La entrevista a cierto académico cínico en Dinero Sucio.

**Stellan Skarsgard en Algo Así como un Buen Tipo.

**La llegada de los amigos gays al pueblito provinciano de Una Familia Muy Normal.

**Dustin Hoffman en La Versión de Mi Vida.

**Ryan Gosling y Kirsten Dunst en Crimen en Familia.

**Sally Hawkins en Mujeres Exitosas.

**El rapport entre Fassbender y McAvoy en la precuela X-Men: Primer Generación.

**Julieta Zylberberg en La Mirada Invisible.

**Pancho Villa clavando los ojos en la cámara, o sea, en nosotros, en La Historia en la Mirada.

**"Estamos hartos de mentiras", Ed Harris a Saorise Ronan en Camino a la Libertad.

**Que el verdadero héroe de la saga de Harry Potter no haya resultado ser el maguito sino Severus Snape, lo que sospeché desde un principio y sólo con haber leído el primer libro.

**El mundo del arte contemporáneo retratado por Banksy en Exit Through the Gift Shop.

**Rachel Weisz llorando de desesperación e impotencia en Secretos Peligrosos.

**Andy Serkis como César gritando a los cuatro vientos que no, en El Planeta de los Simios (R)Evolución.

**Kristen Wiig, formidable, en Damas en Guerra.

**Daniel Aráoz en El Hombre de al Lado.

**La película de zombies que hacen los chamacos de Súper 8.

**La escena final de Miss Bala.

**El desenlace optimista de Las Acacias.

**Brad Pitt en El Árbol de la Vida y El Juego de la Fortuna. ¿Finalmente ganará el Oscar? No lo creo. Ojalá que sí.

**La fotografía de Lubezki en El Árbol de la Vida.

**Carlos Cobos en Pastorela. Digno descendiente de Óscar Pulido.

**La mirada de felicidad de Cecilia Suárez en el desenlace de Nos Vemos, Papá.

**Jessica Chastain en Al Filo de la Mentira.

**Catherine Deneuve y Gérard Depardieu bailando disco en Mujeres al Poder. La señora Deneuve cantando en el final.

**William Johnk Nielsen, el concentrado chamaco resentido de En un Mundo Mejor.

**Las transiciones visuales de Las Aventuras de Tintin.

**La huida de la cárcel rusa a ritmo de Dean Martin y el ballet entre le héroe, el villano y una maleta en MI4, la mejor cinta de acción que vi en 2011.

**Un perro terco, una procesión religiosa, una camioneta estacionada y un hato de cabras. Una toma increíble de 9 minutos en plano general alejado que hubiera puesto verde de envidia a Jacques Tati. El mejor momento de cine que vi en todo el año. En Cuatro Estaciones, de Frammartino.

El evangelio del 2011 según... metacritic/XXVI

2011-12-31T09:29:00.001-07:00

Termina el año y las diez -bueno, en este caso, doce- películas mejor calificadas por la crítica estadounidense de acuerdo con metacritic.com fueron (el número a la derecha es su calificación del 0 al 100):

1. We Were Here, de David Weissman y Bill Weber... 94

2. Jodaeiye Nader az Simin, de Asghar Farhadi... 93

3. My Perestroika, de Robin Hessman... 90

4. Poesía, de Chang-dong Lee... 89

    The Artist, de Michel Hazanavicius... 89

6. El Eje, de Clio Barnard... 88

7. Viajo Porque Preciso, Volto Porque te Amo, de Marcelo Gomes y Karim Ainouz... 87

La Leyenda del Tío Boonmee, de "Joe"... 87

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, Parte 2, de David Yates... 87

    El Juego de la Fortuna, de Bennett Miller... 87

    Autobiografia lui Nicolae Ceausescu, de Andrei Ujica... 87

    Jûsan-nin no shikaku, de Takashi Miike... 87

El evangelio del 2011 según... yo/XXV

2011-12-30T17:36:00.002-07:00

Después de ver unas 300 películas este 2011, es hora de hacer el ejercicio de elegir lo mejor del año, según mi muy discutible parecer. El lugar común (crítico) es quejarse del estado actual del cine mundial -que si el comercialismo, que si Hollywood, que si la digitalización, que si la crítica, que si el internet, que nadie hace cine como _______, etcétera- pero, por lo menos aquí, no encontrará usted ninguna de esas quejas. De hecho, revisando mi bitácora del 2011, me doy cuenta que vi unos 50 estrenos realmente notables, es decir, una de cada seis filmes de este año. Como promedio de bateo es terrible, pero como porcentaje de buen cine visto no está nada mal. Además, habría que aclarar que no todo el cine restante fue como estos estropicios fílmicos que padecí.

El 2011 se resolvió cinematográficamente para mí en noviembre, con Misterios de Lisboa, la última película de Raúl Ruiz. No sólo me pareció lo mejor del año sino la primera gran cinta de la segunda década del siglo. El segundo sitio de mi lista fue tambien fácil de decidir: la encantadoramente sentimental cinta animada El Ilusionista. De ahí en adelante, sufrí no tanto para hacer los dos top-10 que leerán a continuación sino para decidir los lugares en los que iba cada cinta.

Uno de los top-10 está formado por cintas vistas solamente en festivales y en circuitos culturales -vulgo: Cineteca Nacional y adláteres- que no han sido distribuidas en forma en las cadenas comerciales y, probablemente, nunca lo serán. El otro top-10 es de cintas que ya tuvieron su corrida comercial respectiva. No abundo por qué elegí cada cinta porque a excepción de Mi Felicidad -que revisé hace unos días en screener- todas las demás películas las reseñé/critiqué en Reforma y/o en este blog. En todo caso, un par de líneas para argumentar mi elección por Misterios de Lisboa: se trata de un fascinante haz de historias enlazadas/divergentes/convergentes/digresivas que, en un acto de magia pura, termina negándose a sí mismo. Y eso que nomás he visto la versión de cuatro horas y media. Espero en este 2012 conseguir la versión para televisión de seis horas y compararlas.

Por lo pronto, en orden de preferencia y en cuanto a estrenos comerciales se refiere:

1) La Nana, de Sebastián Silva. Mi crítica en Reforma.

2) El Planeta de los Simios, de Rupert Wyatt. Mi crítica en Reforma.

3) Temple de Acero, de los Hermanos Coen. Mi crítica en Reforma.

4) Dinero Sucio, de Charles Ferguson. Mi crítica en Reforma.

5) Triste San Valentín, de Derek Cianfrance. Mi crítica, aquí.

6) El Cisne Negro, de Darren Aronofsky. Mi crítica aquí.

7) Los Niños Están Bien, de Lisa Chodolenko. Mi crítica en Reforma.

8) De Hombres y de Dioses, de Xavier Beauvois. Mi crítica en Reforma.

9) 8 Minutos antes de Morir, de Duncan Jones. Mi crítica en Reforma.

10) En un Mundo Mejor, de Susanne Bier. Mi crítica en Reforma.

Y en cuanto al mejor cine visto en festivales y en el circuito de exhibición cultural:

1) Misterios de Lisboa, de Raúl Ruiz. Mi crítica en Reforma.

2) El Ilusionista, de Sylvain Chomet. Mi crítica, aquí.

3) Nostalgia de la Luz, de Patricio Guzmán. Cuando la vi en Guadalajara 2011, escribí esto.

4) La Ciudad de la Vida y la Muerte, de Chuan Lu. Mi crítica, aquí.

5) El Caballo de Turín, de Béla Tarr y Ágnes Hranitzky. Mi crítica, aquí.

6) Exit Through the Gift Shop, de Banksy. Mi crítica, aquí.

7) Mi Felicidad, de Sergei Loznitsa.

8) El Eje, de Clio Barnard. Mi crítica, aquí.

9) Hahaha, de Sang-soo Hong. Mi crítica, aquí.

10) Poesía, de Chang-dong Lee. Mi crítica, aquí.

Otras cintas valiosas que quedaron fuera de estos dos top-10, sin un orden en particular: Conocerás al Hombre de tus Sueños, Todo Estará Bien, El Peleador, De enda Rationella, Sun Taam, Ojalá Hubiera Sabido, Algo Así como un Buen Tipo, Una Familia Muy Normal, Medianoche en París, Aún Sigo Aquí, El Árbol de la Vida, Al Filo de la Mentira, El Juego de la Fortuna, El Hombre de al Lado, Mujeres al Poder, Carlos, Meek's Cutoff, Misión Imposible: Protocolo Fantasma.

Dos películas que vi en 2011 pero que, de haberlas visto en el año de su producción, estarían entre lo mejor de ese año. De cualquier año, de hecho: Ne Touchez Pas la Hache y Pusher 3.

Películas que aparecieron en las listas de colegas que a mí, ni modo, nunca me terminaron de convencer: Somewhere: en un Rincón del Corazón, Un Filme Socialista, La Leyenda del Tío Boonmee, Damas en Guerra, Rango, Fausto y Así se Siente el Amor.

Y, finalmente, grandes filmes que descubrí, que volví a ver después de tanto tiempo que cuentan como vistos por vez primera o que volví a ver para refrendar mi admiración por ellos: La Mujer Infiel (Chabrol), Un Asunto de Mujeres (Chabrol), Las Zapatillas Rojas (Powell y Pressburger), Los Imperdonables (Eastwood), Nanook el Esquimal (Flaherty), El Bazar de las Sorpresas (Lubitsch), El Planeta de los Simios (Schaffner), Cuerpos Ardientes (Kasdan), La Pasión de los Fuertes (Ford), La Diligencia (Ford), El Verdugo (Luis García Berlanga), Vámonos con Pancho Villa (De Fuentes), Gente Prefabricada (Tarr), La General (Keaton) y Plácido (García Berlanga).

PS. En cuanto al cine mexicano del 2011, a mediados de mes publiqué mi lista de mis cintas preferidas acá.

12 preguntas a Woody Allen

2011-12-30T08:52:00.003-07:00

Las Aventuras de Tintin

2011-12-29T07:14:00.001-07:00

Una cinta bastante entretenida, por encima del bajo promedio que nos entregó el cine animado hollywoodense este año, Las Aventuras de Tintin (The Adventures of Tintin, EU-Nueva Zelanda, 2011) es, sin embargo, una obra muy menor si se le compara con lo mejor en la filmografía de su director, Steven Spielberg. Qué remedio pero así debe ser: ante un nuevo filme de Spielberg –o de Scorsese o Allen- uno no puede olvidar que esos maestros han hecho cosas mejores. Se les exige más porque a eso nos han acostumbrado. Quién les manda.

Es fácil entender el interés de Spielberg por Tintin, el personaje de tira cómica creado por el historietista belga Georges Prosper Remi (mejor conocido como Hergé). Publicado inicialmente en 1929, Tintin vive buena parte de sus aventuras en una de las épocas favoritas del cineasta, los años 30/40. Y, por otra parte, las rocambolescas peripecias de Tintin se parecen mucho a las que vive el aventurero/arqueólogo Indiana Jones, con todo y tesoros escondidos, mapas secretos, tierras exóticas, además de peleas, balazos y corretizas.

Es decir, si Tintin no existiera, Spielberg lo habría creado. Y creo que aquí está el problema: acaso por permanecer fiel al espíritu inevitablemente episódico de la tira cómica original, el guión –atribuido a tres autores: Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish- no hace más que empujar al audaz periodista juvenil Tintin y a su fiel chucho Milú de un peligro a otro, de un escenario a otro, de una persecución a otra. No hay descanso para el espectador, es cierto, pero tampoco tiempo para interesarse en los personajes. Y aunque hay algunos destellos de buen humor por aquí y por allá –mi favorito: el administrador que le pone una estrella extra a su hotelucho que ya tiene vista al mar-, Tintin es un personaje plano y sin matices. Como héroe de acción y de aventuras exóticas, me sigo quedando con Indy. De lejos.

En el terreno de la animación, sí hay momentos notables que me hicieron recordar a otro Spielberg, ya no el de la saga indianajonesca, sino el de esa obra mayor subvalorada El Color Púrpura (1985). Como en aquel sublime melodrama femenino sobre “la sonrisa más fea del mundo” (Ayala Blanco dixit), en Las Aventuras de Tintin Spielberg experimenta con una serie de transiciones y enlaces narrativos/visuales tan imaginativos que, en efecto, sólo pudieron hacerse a través de la animación: arenas que se transforman en feroces olas del mar, el agua de un sitio que se transforma en un charquito pisado por el zapato de alguien, y así, pasando de presente a pasado, o de un escenario a otro, como en un imposible acto de prestidigitación cinematográfica. El mejor Spielberg, aunque sea por algunos momentos.

Sé lo que viste el fin de semana pasado/CCXI

2011-12-28T13:40:00.000-07:00

Las Aventuras de Tintin (The Adventures of Tintin, EU-Nueva Zelanda, 2011), de Steven Spielberg. Como cinta animada de aventuras y en 3D, la cinta está por encima del promedio -en un año flojo de la animación hollywoodense, habría que decir-; como cinta de Spielberg, no le llega ni a los talones a cualquier de estas cintas listadas. Mi crítica, in extenso, aquí mismo el día de mañana.

En un Mundo Mejor (Hævnen, Suecia-Noruega-Dinamarca, 2010), de Susanne Bier. La ganadora del Oscar 2011 a Mejor Película en Idioma Extranjero es un sólido melodrama centrado en dos chamacos de personalidades encontradas y sus respectivas familias. Las lecciones éticas planteadas -la responsabilidad profesional, el rechazo de la violencia- pueden resultar obvias pero son, también, bastante más ambiguas de lo que algunos alegan. Mi crítica en el Primera Fila de Reforma del viernes pasado.

Misión: Imposible - Protocolo Fantasma (Mission: Imposible -Ghost Protocol, EU, 2011), de Brad Bird. ¿La mejor cinta de la serie del espía Ethan Hunt/Tom Cruise? Ya alegué ayer mismo aquí que sí, creo que sí.

Octubre (Perú, 2010), de Diego Vega Vidal y Daniel Vega Vidal. Un arisco tipo solitario, una mujer y una bebé enmedio de ellos. No, no es Las Acacias (Giorgelli, 2011), aunque las dos cintas comparten su rigor estético minimalista y un humanismo sobrio y reticente. La cinta se ha empezado a exhibir a partir de este martes en la Cineteca Nacional y, acaso, vuelva a escribir de ella in extenso en los próximos días.