CINE BAIRRO

1° MOSTRA GODARD " DE CINEMA EM HOMENAGEM AOS 50 ANOS DO MOVIMENTO NOUVELLE VAGUE

2010-12-30T11:35:00.005-03:00

1° MOSTRA GODARD " DE CINEMA EM HOMENAGEM AOS 50 ANOS DO MOVIMENTO NOUVELLE VAGUE

NESSES DIAS 03.10 E 17 DE JANEIRO DE 2011 A CIDADE DE JOÃO PESSOA E REGIÃO VIZINHA VAI PODER CONFERIR UMA MOSTRA DE CINEMA DE UM DOS MAIORES DIRETORES VIVO DA HISTÓRIA DO CINEMA,ESTAMOS FALANDO DE "JEAN LUC GODARD" Reconhecido por um cinema vanguardista e polêmico, que tomou como temas e assumiu como forma, de maneira ágil, original e quase sempre provocadora, os dilemas e perplexidades do século XX. Além disso, é também um dos principais nomes da "Nouvelle Vague".

ESSA MOSTRA É UMA COMEMORAÇÃO AOS 50 ANOS DO MOVIMENTO CONHECIDO COMO "NOUVELLE VAGUE" um movimento artístico do cinema francês que se insere no movimento contestatário próprio dos anos sessenta.

Sem grande apoio financeiro, os primeiros filmes conotados com esta expressão eram caracterizados pela juventude dos seus autores, unidos por uma vontade comum de transgredir as regras normalmente aceitas para o cinema mais comercial e GODARD FOI UM DOS GRANDES NOMES DESSE MOVIMENTO UM DOS FUNDADORES E DURANTE 3 SEGUNDAS OS CINEFÍLOS E AMANTES DO CINEMA PODERÃO DE FORMA GRATUITA TER UMA AMOSTRA DE 3 PRINCIPAIS FILMES DE GODARD QUE SÃO:

DIA 03 DE JANEIRO...................ACOSSADO

( TUDO COMEÇOU COM DEBATE E FALA SOBRE GODARD,LOGO APÓS SHOW COM A BANDA NUVENS PSICODÉLICAS)

DIA 10 DE JANEIRO...................O PEQUENO SOLDADO ( COMEÇAREMOS AS 19HS COM A FALA DE:

Carlos Adriano Ferreira de Lima
Historiador, professor da Universidade Estadual da Paraíba.
Membro de grupo de pesquisa sobre audiovisual, estética e literatura.
Autor de artigos e palestras sobre cinema.

LOGO DEPOIS O FILME POLITICO DE GODARD "O PEQUENO SOLDADO"

ENCERRAMOS A NOITE COM O SHOW DA BANDA " SEMENTES DAS ESTRELAS" ONDE VÃO FAZER MUITO RAUL SEIXAS.

DIA 17 DE JANEIRO...................JE VOUS SALUE MARIE

O ENCERRAMENTO DESSA FANTASTICA VIAGEM A UMA PARTE DA OBRA DO FRANCÊS JEAN LUC GODARD em HOMENAGEM AOS 50 ANOS DA NOUVELLE VAGUE termina com a exibição de um polemico filme e show com as bandas NUVENS PSICODÉLICAS E FASES DA LUA

ALEM DA EXIBIÇÃO DESSES FILMES O PUBLICO PRESENTE SERÁ PRESENTEADO COM :

RODAS DE DEBATES

POCKET SHOW MUSICAL (sempre ao termino de cada exibição)

A ENTRADA É FRANCA E COMEÇA SEMPRE AS 19 HORAS

O LOCAL É FACIL DE SE ENCONTRAR:

Centro Cultural Casa de Lauro Pires Xavier
Rua Rodrigues de Aquino, 280 - Centro
Parahyba (RUA por tras da academia de comercio epitacio pessoa)

***

A CURADORIA DESSA MOSTRA É DO REALIZADOR PARAIBANO THIAGO RODRIGUEZ,QUE TAMBEM É COORDENADOR DO PROJETO CINEBAIRRO NA CIDADE DE BAYEUX DESDE 2004 ONDE LEVA EXIBIÇOES DE FILMES E OFICINAS, ALEM DE REALIZAÇÃO DE CURTAS .

PARA MAIORES INFORMAÇÕES É SO LIGAR PARA O TELEFONE:

83 87058573 e falar com THIAGO RODRIGUEZ OU POR:

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ESPECIAL CINEMA EM SUPER-8 (1° parte)

2010-12-24T00:24:00.002-03:00

Então pessoal, é hora de começar os trabalhos, e nada melhor do que um pacote especial para começar, o especial CINEMA EM SUPER-8 surgiu de um bate papo com um diretor de cinema amigo meu premiadissimo chamado DIEGO BENEVIDES, onde ele me contava que tinha adiquirido um antiga filmadora SUPER-8,depois desse papo já corri pra ir atras de uma pra mim e já esta encomendada, assim que chegar eu posto a minha foto com ela pra vocês.Eu querendo saber mais sobre o tema encontrei alguns textos traduzidos por "LAURA VISCONTI" e é partindo desses textos que começo esse especial que é uma viagem ao mundo das imagens em SUPER-8, espero que se apaixone.

"A história dos filmes realmente 'feitos em casa' começou em 1923. Apesar de filmes em 35mm serem padrões para lançamentos cinematográficos por décadas, a película larga emperrava, era cara e perigosa, devido à sua natureza inflamável.

Por anos, a Eastman Kodak Company trabalhou para desenvolver um sistema de equipamentos cinematográficos e películas que seriam suficientemente fáceis de serem usados pelos fotógrafos amadores, e ainda assim, com um preço aceitável. O resultado foi a câmera de 16mm 'Cine Kodak' e o projetor 'kodascope'. A câmera pesava em torno de 7 pounds e tinha de ser manivelada à mão a duas rotações por segundo durante as filmagens. Um tripé vinha incluso no pacote e tudo custava em torno de U$335.00! Isso numa época em que o novo automóvel da Ford podia ser comprado por U$550.00.

Deste modo, fazer filmes em casa não era um hobby barato, mas era capaz de proporcionar resultados excitantes e de alta qualidade. Por volta de 1932, quando a América estava prestes a enfrentar a Grande Depressão, um novo formato, o 'Cine Kodak Eight', surgiu. Utilizando um formato especial de película 16mm que tinha o dobro do número de perfurações em ambos os lados, a pessoa que estava filmando corria a película pela câmera em uma direção, aí recarregada e expunha o outro lado do filme, da mesma forma que uma fita K7 é usada hoje em dia.

Já que a janela de 8mm é um quarto do tamanho da de 16, este método reduziu a quantidade de filme necessária para dar o mesmo tempo de filmagem - 4 minutos - como o comprimento padrão de 100 pés do filme de 16mm. Depois da revelação, o laboratório tinha que cortar a película no sentido do comprimento e abaixo do centro, e juntar uma ponta com a outra, o que rendia 50 pés de filme em 8mm finalizado, que se traduzia por 3 minutos de filmagem a 18 quadros por segundo, enquanto que esta mesma medida em 16mm representa menos de dois minutos. O sucesso da película de 8mm foi quase imediato e em aproximadamente 15 anos os filmes em 16mm se tornaram quase que exclusivamente um formato utilizado por cinegrafistas profissionais.

Na década de 50, câmeras caseiras de 8mm eram comuns em festas de família, eventos especiais ou férias. Nos anos 60, começaram as pesquisas para se chegar a um sistema melhor de produtos para filmes caseiros e que também tivesse utilidade em aplicações áudio visuais. Os cientistas da Eastman procuraram simplificar mais ainda o processo de se fazer um filme enquanto melhoravam a qualidade do que era filmado. Tornou-se necessário que os cientistas criassem um novo produto, que não fosse muito diferente das tecnologias já existentes. Na verdade, as melhores qualidades dos formatos antigos deviam ser consideradas.

Assim, para facilitar ainda mais a vida do cineasta amador, foi introduzido no 8mm o cartucho, que fazia desnecessário o carregamento do filme no escuro. O conceito de câmera cinematográfica com carregamento por cartucho existe desde 1936, quando foi apresentado com a câmera de 16mm Cine-Kodak Magazine. Nesta época, no entanto, o cartucho do filme era feito por plástico moldado por injeção, ao invés de metal, o que precisava de trabalho manual e corria o risco de esmagar o filme. O tamanho 8mm foi mantido por razões econômicas, mas com muitos avanços significativos:

Carregamento por cartucho eliminava a oscilação do filme. Não era preciso que houvesse a sacudidela que acontecia durante o carregamento, e todo o filme, de 50 pés, podia ser rodado sem interrupção. Ao invés de fabricar as formas "Daylight" e "Tipo A" (Tungstênio) do novo filme, cada câmera de Super 8 tinha um filtro próprio, tornando possível a fabricação só de produtos "Tipo A", que poderia ser usado em ambos os tipos de luz. A perfuração (furos tipo roda dentada) foi reduzida em tamanho, permitindo uma área mais ampla para a impressão do filme que era mais ou menos 50% maior que a padrão do filme de 8mm. Foi justamente essa mudança na medida da perfuração, do fotograma e na introdução do cartucho que tornou o formato 8mm em Super-8. Maximizar a largura do filme foi um conceito originado na França por Pathe, com o sistema de câmera de 9.5mm.

A perfuração também foi movida para um ponto adjacente ao centro da janela do filme, tornando as cenas estabilizadas mais simples. Os formatos 16mm e 8mm padrão tem a perfuração no canto da janela para reduzir a obscuridade da imagem no começo e no fim do rolo causados durante o carregamento do filme. Como o Super 8 é um filme carregado por cartucho, isso não representava mais um problema. Virtualmente todas as câmeras de Super 8 teriam um medidor de luz próprio, uma característica surgida no começo dos anos 50 em câmeras de 16mm e em 1960 em câmeras de 8mm.

O próprio cartucho dava informações para a câmera sobre a velocidade (ISO) do filme e informações sobre filtro no caso dos produtos preto e branco. Entalhos precisos eram feitos em pontos específicos na extremidade do cartucho, ativando interruptores mecânicos ou elétricos na maioria das câmeras de Super 8. A maioria das câmeras de Super 8 eram fabricadas com motores movidos à bateria, eliminando a necessidade de um sistema mecânico de corda de transportes.

Em Abril de 1965, este revolucionário novo formato foi apresentado, e enquanto o mercado mudou nos últimos 30 anos, novas gerações de cinegrafistas, com projetos de filmes e aplicações que não existiam em 1960, passaram a aceitar o filme pequeno. Muitos dos grandes cineastas e fotógrafos de hoje começaram suas carreiras há décadas, no balcão da foto-ótica local, comprando um cartucho de filme Super 8.

Desde seu começo, como meio de se fazer filmes em casa nos anos 60, filme em Super 8 continua vivo e bem, e tornando possível para virtualmente qualquer um trazer para tela o 'olhe e sinta' do filme real.

Como estudantes de artes, muitos dos cineastas profissionais de hoje em dia criaram seus primeiros filmes em Super 8. Trinta anos depois, este meio de pequeno padrão ainda é uma maneira fácil e barata para estudantes e entusiásticos trabalharem em resolução cinematográfica e profundidade de cor que ainda hoje não foram superados pelas últimas tecnologias em vídeo. Não surpreendentemente, a magia do Super 8 achou até um caminho nos melhores vídeos-clips e comerciais de hoje em dia."

ESTAMOS DE VOLTA E DE CARA NOVA

2010-12-23T22:21:00.003-03:00

Depois de uma parada basica aqui no blog do CINEBAIRRO de quase um ano, estou de volta e fico feliz que o BLOGGER nos proporciona novas ferramentas para melhor visualização do nosso blog.
o ano de 2010 está terminando e pra 2011 o PROJETO CINEBAIRRO vem com tudo e quem sabe será o ano de nossa produção cinematografica com carater profissonal, estou terminando o roteiro do nosso mais novo curta intitulado O HOSPICIO um terror que faço uma homenagem ao grande GEORGE A.ROMERO,estamos contactando com uma produtora profissonal e logo logo as novidades vão aparecer.
Esse ano de 2010 foi um ano proveitoso em relação a minha formação, bons livros, terminei meu curos UNIVERSITARIO hoje sou um professor de História formado,foi um ano de muitos filmes bons e descorbertas incriveis,por exemplo a do Diretor XAVIER DOLAN canadense e seus filmes maravilhosos.
desejo a todos um 2011 cheio de realizações e nao deixem de nos acompanhar:

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ABRAÇO A TODOS

Onde vivem os monstros (Spike Jonze, 2009)

2010-03-03T10:43:00.002-03:00

Onde vivem os monstros (Spike Jonze, 2009)

por Marcus Vinícius Freitas

À noite, Max usou sua roupa de lobo e fez travessuras de um tipo e de outro
sua mãe o chamou de “MONSTRO” e Max disse “EU VOU DEVORAR VOCÊ!”
então ele foi mandado para a cama sem comer nada.

(Tradução livre da introdução de “Onde Vivem Os Monstros”, de Maurice Sendak)

Eu ainda lembro algumas passagens da minha infância, a aurora da vida. Tinha brinquedos até (Comandos em Ação e Forte Apache serão eternamente queridos), mas usar a imaginação era muito mais divertido. Em poucos segundos lá estava eu, no meio do espaço sideral tentando chegar a um planeta desconhecido. Também me via no meio de uma floresta cheia de animais e plantas perigosas, ou então a bordo de um navio cruzando os sete mares pelo mundo. Resumindo, era possível visitar os lugares mais legais do universo pelo simples fato de ser uma criança, voando pelas asas da fantasia. Bons tempos que não voltam mais.

Max é assim também, passa o dia inteiro brincando. É um garoto arteiro, imperativo, que não para um minuto. Quando não corre para cima e para baixo atrás do cachorro, está montando iglus e um arsenal de bolinhas na neve. Mimado, bagunçou e sujou todo o quarto da irmã, simplesmente por ela não ter brincado com ele. Bastou ver a mãe dividir a atenção com um namorado para armar um escândalo antes da janta, trajando sua inseparável fantasia de lobo. Depois de tomar um baita sermão da sua progenitora, Max sai correndo de casa e acaba embarcando para outro mundo…

O mais incrível de Onde Vivem os Monstros é saber que a obra original é praticamente ilustrativa e contém apenas dez sentenças. Isso mesmo, o livro de Maurice Sendak possui dez frases, exatas 338 palavras distribuídas em 40 páginas. O talentoso Spike Jonze (Adaptação, Quero Ser John Malkovic) contou com a ajuda de Dave Eggers e do próprio Sendak para criar um roteiro a partir dela. O resultado foi melhor que a encomenda, Spike aperfeiçoou a história e criou uma fábula sensível e cativante sobre amizade, companheirismo e, principalmente sobre a inerente imaginação de uma criança.

Antes de tudo, é importante saber a importância do original, um clássico da literatura infantil norte-americana. Foi vencedor da Caldecott Medal em 1964 (o maior prêmio para livros ilustrados), um ano após seu lançamento. No Brasil, chegou oficialmente apenas em outubro de 2009, com mais de quatro décadas de atraso (um abraço para as editoras), impulsionado pela adaptação cinematográfica e o jogo para PC e consoles.

De fato, a obra é muito famosa nos Estados Unidos. Uma rápida procurada no YouTube e milhares de trabalhos escolares e acadêmicos irão aparecer. É possível encontrar até um vídeo com Barack Obama, o atual todo-poderoso presidente americano, lendo-o para crianças e declarando ser um de seus preferidos (veja clicando aqui). Vai ver ele esqueceu que os pequeninos ainda não votam, mas valeu a intenção.

Outra oportuna curiosidade: Onde Vivem os Monstros foi o tema do primeiro teste misturando a animação tradicional com computação gráfica, dirigido por John Lasseter. Legal, mas e quem foi esse cara? Somente um dos fundadores da mais bem sucedida fábrica de sonhos de Hollywood e atual sinônimo de animação, a Pixar Animation Studios.

Esclarecida a magnitude do livro, voltemos ao filme. Depois de navegar por agitados mares, Max chega numa ilha habitada por monstros. Apesar da envergadura e dos dentes afiados, os anfitriãs aparentam um semblante simpático. Após tentarem devorar Max, eles se impressionam com o poder de lábia do baixinho e o declaram como novo rei do lugar.

Mesmo sendo “apenas” vozes, Jonze contou com um elenco de peso para dublar os monstros: James Gandolfini (Família Soprano), Forest Whitaker (O Último Rei da Escócia), Paul Dano (Sangue Negro) e Chris Cooper (que trabalhou com o diretor em Adaptação). A mãe de Max é interpretada por Catherine Keener (O Virgem de 40 Anos).

A parte musical ficou a cargo de Karen O., vocalista do Yeah Yeah Yeahs. Ela juntou várias crianças nos backing vocals e formou a Karen O. and the Kids, banda encarregada da excelente trilha sonora. Mesclando diálogos com melodias divertidas e entusiasmantes (pelo menos na maioria) as faixas dão um toque especial nas sequências. Logo dará uma vontade de ouvi-la excessivamente, principalmente Rumpus, All Is Love, Heads Up e Food Is Still Hot, as melhores músicas do álbum. A faixa do trailer, Wake Up do Arcade Fire, infelizmente ficou de fora da trilha. Uma pena, pois sua letra combinava perfeitamente com a idéia do filme.

Apesar das turbulências e dúvidas que estariam à vista, o foco é na bela amizade entre Max e Carol (voz de Gandolfini), um dos bichos. É bonito ver a relação entre os dois. É tudo simples, verdadeiro e ao mesmo tempo ingênuo, tão cheio de amor. Sim, amor, pois antes de significar romance, paixão ou sexo, essa palavra é a expressão do sentimento que induz a conservar a pessoa ou a coisa (ou monstro) pela qual se sente afeição. Até no dicionário vem antes. O exemplo de companheirismo é deveras emocionante e irá fazer muito marmanjo sair chorando do cinema.

Quem merece uma menção especial é Max Records, o ator mirim que interpreta seu xará. Seu personagem é a alma do filme, é o motivo de tudo. Na verdade nem parece uma atuação, de tão natural que é. Para o garoto, ou melhor, para qualquer um preservar as amizades é tão instintivo quanto à curiosidade, o desejo de desbravar o desconhecido. Se não fosse por isso, ainda estaríamos impressionados com o descobrimento da roda e do fogo. Não adianta, guri tem de ser arteiro mesmo, ele quer mais é sair descobrindo o mundo por si próprio. É da nossa natureza, no fundo todos somos monstros selvagens. Talvez seja essa a lição mais contundente da história.

Convenhamos, não seria bom ficar eternamente uma criança? Tenho certeza que Jonze concordaria comigo. Mas o relógio biológico não tarda e entramos na adolescência, depois ingressamos na idade adulta e assim por diante. É a lei que rege os humanos. Uma pena não poder ficar com nove anos para sempre. Aliás, esse é o segredo para ver Onde Vivem Os Monstros: tire todo o gelo e a amargura que os anos de vivência incutiram no seu coração e veja o filme com os olhos de uma criança. Não é difícil, basta usar sua imaginação.

ANALISANDO O FILME "ACOSSADO" DE JEAN-LUC GODARD

2009-12-29T13:08:00.002-03:00

O filme “Acossado”, de Jean-Luc Goddard, modificou os padrões cinematográficos da época - como a unidade da montagem e do roteiro, a continuidade dos diálogos e a sutileza dos cortes. O filme instaura a quebra narrativa, prioriza cenas ágeis, utiliza ângulos de câmera fora do comum, testa edições elípticas e introduz cortes rápidos – o que influenciou bastante o cinema americano dos anos 60 – mas, ainda assim, mantém espaço para a reflexão. No entanto, é importante frisar que o aspecto mais relevante deste filme não está no seu conteúdo, mas na sua forma inovadora – o “modo” de contar a história.

A metalinguagem é outra característica marcante da obra, que, por diversos momentos, faz referências a outros filmes, atores, diretores e diversos elementos do mundo do cinema. É como se a obra não estivesse tão preocupada em ‘contar uma história’, e se ocupasse mais da experimentação das diversas possibilidades fílmicas, através de um ousado roteiro e de uma montagem inovadora - que chega a gerar algum estranhamento ou repulsa na apreciação. Até então, nada igual tinha sido feito no cinema.

O filme propõe uma ruptura com o modelo tradicional da narrativa literária e defende que o cinema tem que explorar as múltiplas possibilidades do formato do filme, e não as gastas estratégias poéticas da literatura.

Acossado provou aos cineastas da época que era possível cortar um plano-sequência e mostrar o que estava cortado. Era possível mostrar o mesmo plano duas vezes. Era possível experimentar, criar e sair dos eixos do cinema clássico. O cinema foi tratado ineditamente como um material plástico maleável, cuja forma ultrapassava os limites da imaginação. Pela primeira vez, percebia-se conscientemente que o cinema é um instrumento de expressão artística, sem limites, e que o apreciador deve obedecer às condições de fruição específicas que o formato exige.

Um outro aspecto inovador importante é a introdução do anti-herói como protagonista do filme (não há o maniqueísmo do bem x mal), e a quebra dos perfis tradicionais do ‘herói cinematográfico’. Michael Poiccard, protagonizado por Jean-Paul Belmondo, era um ladrão moralmente condenável, não tinha características admiráveis e nem mesmo era bonito - principalmente quando comparado ao estilo de beleza greco-romana exaltada pelos filmes de Hollywood. E assim, Poiccard era perfeito como ‘herói’ da Nouvelle Vague, como um homem comum, um homem contemporâneo. O estilo do filme tem um profundo efeito na história do cinema e abre caminhos para uma estética mais livre e pessoal.

INDICADOS AO GLOBO DE OURO 2010

2009-12-15T15:28:00.002-03:00

SAIU A NOMEAÇÃO PARA O GLOBO DE OURO 2010 QUE ACONTECE DIA 17 DE JANEIRO DE 2010, O GLOBO DE OURO É UMA ESPECIA D PREVIA PARA OS OSCARS, GERALMENTE QUEM LEVA UM PREMIO NO GLOBO DE OURO QUASE SEMPRE É PREMIADO NO OSCAR TAMBEM.

CONFIRAM A LISTA DOS FILMES, ATORES, ATRIZES, SERIES E PROGRAMAS DE TV INDICADOS:

1. MELHOR FILME - DRAMA

AVATAR
Lightstorm Entertainment, Twentieth Century Fox

THE HURT LOCKER
Voltage Pictures, Summit Entertainment

Inglourious Basterds
The Weinstein Company / Universal Pictures, The Weinstein Company

PRECIOSO: baseado em livro PUSH por Safira
A Lee Daniels Entertainment / Smokewood Entertainment Group Produção;
Lionsgate

Up In The Air
Paramount Pictures, Paramount Pictures

2. MELHOR ATRIZ EM Filme - Drama

EMILY BLUNT
The Young Victoria

SANDRA BULLOCK
O lado cego

HELEN MIRREN
The Last Station "

Carey Mulligan
UMA EDUCAÇÃO

Gabourey SIDIBE
PRECIOSO: baseado em livro PUSH por Safira

3. MELHOR ATOR EM UMA Filme - Drama

Jeff Bridges
Crazy Heart

GEORGE CLOONEY
Up In The Air

COLIN FIRTH
A Single Man

MORGAN FREEMAN
INVICTUS

TOBEY MAGUIRE
BROTHERS

4. MELHOR FILME - COMÉDIA OU MUSICAL

(500) Days Of Summer
Watermark Pictures, Fox Searchlight Pictures

NA RESSACA
Warner Bros Pictures, Warner Bros Pictures

It's Complicated
Relativity Media, Scott Rudin Productions, Universal Pictures

Julie & Julia
Columbia Pictures, Sony Pictures Releasing

NOVE
The Weinstein Company / Relativity Media / Lucamar Productions / Marc Platt Productions, The Weinstein Company

5. MELHOR ATRIZ EM Picture Motion - COMÉDIA OU MUSICAL

SANDRA BULLOCK
DA PROPOSTA

MARION COTILLARD
NOVE

JULIA ROBERTS
DUPLICITY

MERYL STREEP
It's Complicated

MERYL STREEP
Julie & Julia

6. MELHOR ATOR EM UMA IMAGEM PROPOSTA - COMEDY OU MUSICAL

MATT DAMON
O INFORMANT!

DANIEL DAY-LEWIS
NOVE

ROBERT DOWNEY JR
SHERLOCK HOLMES

Joseph Gordon-Levitt
(500) Days Of Summer

Michael Stuhlbarg
A Serious Man

7. BEST ANIMATED FEATURE FILM

NUBLADO COM POSSIBILIDADE DE ALMÔNDEGAS
Columbia Pictures e Sony Pictures Animation, Sony Pictures Releasing

Coraline
Laika, Inc.; Focus Features

MR FANTASTIC. FOX
American Empirical Picture; Twentieth Century Fox

THE PRINCESS AND THE FROG
Walt Disney Pictures / Walt Disney Animation Studios, Walt Disney Studios Motion Pictures

UP
Walt Disney Pictures / Pixar Animation Studios, Walt Disney Studios Motion Pictures

8. MELHOR FILME ESTRANGEIRO
BAARIA (ITÁLIA)
Medusa Film; Summit Entertainment

Rotos (ESPANHA)
El Deseo SA; Sony Pictures Classics

A MAID (CHILE)
(LA NANA)
Forastero; Elephant Eye Films

Um profeta (ONU PROPHETE) (FRANÇA)
Chic Films, Sony Pictures Classics

A fita branca (ALEMANHA)
(DAS WEISSE BAND - Eine Deutsche KINDERGESCHICHTE)
Wega Films, Sony Pictures Classics

9. MELHOR ATRIZ EM UMA papel suportando em um FILME

PENÉLOPE CRUZ
NOVE

Vera Farmiga
Up In The Air

Anna Kendrick
Up In The Air
Mo'nique
PRECIOSO: baseado em livro PUSH por Safira

JULIANNE MOORE
A Single Man

10. MELHOR ATOR EM UMA papel suportando em um FILME

MATT DAMON
INVICTUS

Woody Harrelson
O MENSAGEIRO

Christopher Plummer
The Last Station "

Stanley Tucci
The Lovely Bones

Christoph Waltz
Inglourious Basterds

11. BEST DIRECTOR - MOTION PICTURE

KATHRYN BIGELOW
THE HURT LOCKER

JAMES CAMERON
AVATAR

CLINT EASTWOOD
INVICTUS

Jason Reitman
Up In The Air

QUENTIN TARANTINO
Inglourious Basterds

12. BEST SCREENPLAY - MOTION PICTURE

Neill Blomkamp, Terri TATCHELL
Distrito 9

Mark Boal
THE HURT LOCKER

Nancy Meyers
It's Complicated

Jason Reitman, Sheldon Turner
Up In The Air

QUENTIN TARANTINO
Inglourious Basterds

13. BEST ORIGINAL SCORE - MOTION PICTURE

MICHAEL GIACCHINO
UP

Marvin Hamlisch
O INFORMANT!

JAMES HORNER
AVATAR

ABEL KORZENIOWSKI
A Single Man

KAREN O, Carter Burwell
ONDE A Wild Things Are

14. BEST ORIGINAL SONG - MOTION PICTURE

"CINEMA ITALIANO" - NOVE
Music & Lyrics by: Maury Yeston

"I Want To Come Home" - Everybody's Fine
Music & Lyrics by: Paul McCartney

"I See You" - AVATAR
Música: James Horner, Simon Franglen
Lyrics by: James Horner, Simon Franglen, Kuk Harrell

"DO TIPO WEARY (Theme From Crazy Heart)" - Crazy Heart
Music & Lyrics by: Ryan Bingham, T Bone Burnett

"Winter" - Brothers
Música: U2
Letra: Bono

15. Best Television Series - Drama

BIG LOVE (HBO)
Anima Sola e Playtone em associação com a HBO Entertainment

DEXTER (SHOWTIME)
Showtime Presents, John Goldwyn Productions, a companhia Colleton, Clyde Phillips Productions

HOUSE (FOX)
Universal Media Studios, em associação com salto e Toe Films, Shore Z Productions and Bad Hat Harry

MAD MEN (AMC)
AMC

TRUE BLOOD (HBO)
Your Face Goes Here Entertainment em associação com a HBO Entertainment

16. MELHOR ATRIZ EM UMA SÉRIE DE TELEVISÃO -- DRAMA

GLENN CLOSE
DANOS

Janeiro JONES
MAD MEN

Julianna Margulies
The Good Wife

ANNA PAQUIN
TRUE BLOOD

KYRA SEDGWICK
THE CLOSER

17. MELHOR ATOR EM UMA SÉRIE DE TELEVISÃO - DRAMA

Simon Baker
THE MENTALIST

MICHAEL C. HALL
DEXTER

JON HAMM
MAD MEN

HUGH LAURIE
HOUSE

Bill Paxton
BIG LOVE

18. BEST TELEVISION SERIES - COMÉDIA OU MUSICAL

30 Rock (NBC)
Universal Media Studios, em associação com a Broadway Vídeo e Little Stranger Inc.

ENTOURAGE (HBO)
Alavancagem e mais próximo do Hole Productions em associação com a HBO Entertainment

ALEGRIA (FOX)
Twentieth Century Fox Television

Modern Family (ABC)
Twentieth Century Fox Television

THE OFFICE (NBC)
Universal Media Studios, Deedle Dee Productions, Reveille LLC

19. MELHOR ATRIZ EM UMA SÉRIE DE TELEVISÃO -- COMÉDIA OU MUSICAL

Toni Collette
ESTADOS UNIDOS DA TARA

COURTENEY COX
COUGAR TOWN

EDIE FALCO
Nurse Jackie

Tina Fey
30 ROCK

Lea Michele
ALEGRIA

20. MELHOR ATOR EM UMA SÉRIE DE TELEVISÃO -- COMÉDIA OU MUSICAL

ALEC BALDWIN
30 ROCK

STEVE CARELL
THE OFFICE

DAVID DUCHOVNY
CALIFORNICATION

Thomas Jane
HUNG

Matthew Morrison
ALEGRIA

21. BEST MINI-SERIES OR MOTION PICTURE MADE FOR TELEVISION

Georgia O'Keeffe (Lifetime Television)
Sony Pictures Television

Grey Gardens (HBO)
Specialty Films e locomotivas em associação com a HBO Films

Into The Storm (HBO)
Scott Free e Rainmark Produção Films em associação com a BBC e da HBO Films

Little Dorrit (PBS)
Masterpiece / BBC Co-produção

Taking Chance (HBO)
Motion Picture Corporation of America e Dawn Civil Pictures em associação com a HBO Films

22. MELHOR ATRIZ EM MINI-SERIES OR MOTION PICTURE MADE FOR TELEVISION

Joan Allen
GEÓRGIA O'KEEFFE

DREW BARRYMORE
GREY GARDENS

Jessica Lange
GREY GARDENS

ANNA PAQUIN
O CORAÇÃO corajosa Sendler IRENA

SIGOURNEY WEAVER
Prayers for Bobby

23. MELHOR ATOR EM UM MINI-SERIES OR MOTION PICTURE MADE FOR TELEVISION

Kevin Bacon
Taking Chance

KENNETH BRANAGH
Wallander: UM PASSO ATRÁS

CHIWETEL EJIOFOR
ENDGAME

BRENDAN GLEESON
Into The Storm

JEREMY IRONS
GEÓRGIA O'KEEFFE

24. MELHOR ATRIZ EM UMA papel suportando em um SERIES, MINI-SERIES OR MOTION PICTURE MADE FOR TELEVISION

Jane Adams
HUNG

Rose Byrne
DANOS

Jane Lynch
ALEGRIA

Janet McTeer
Into The Storm

CHLOE SEVIGNY
BIG LOVE

25. MELHOR ATOR um papel de apoio de uma série, MINI-SERIES OR MOTION PICTURE MADE FOR TELEVISION

MICHAEL EMERSON
LOST

Neil Patrick Harris
HOW I MET YOUR MOTHER

William Hurt
DANOS

John Lithgow
DEXTER

JEREMY PIVEN
ENTOURAGE

EM BREVE COLOCAREI TRAILER DOS FILMES INDICADOS E SEUS CARTAZES

O CINEMA NOIR

2009-12-11T15:31:00.002-03:00

O filme noir (lê-se nuá) é um dos gêneros cinematográficos “de época” mais admirados e populares do final do século vinte, apesar de o termo noir ser desconhecido à época na qual os filmes foram produzidos. Basicamente, ele significa “filme escuro” – uma variação do termo francês do século 19 “novela escura” – referindo-se a qualquer número de dramas policiais carregados psicologicamente dos anos 1940-50. Na época em que foram feitos, os filmes eram relacionados simplesmente a gângsteres ou mistérios, sem qualidades aparentes separando-os de outras produções. Os críticos franceses originalmente usaram a designação film noir para definir filmes dos anos 1930, tais como La Chienne (Jean Renoir) – mais tarde refeito em Hollywood por Fritz Lang sob o nome de Scarlet Street; porém, ele se aplicava igualmente bem a uma particular gama de filmes americanos e foi aceito pela crítica nos EUA a partir do final dos anos 50 para definir um tipo de gênero – especificamente um sub-gênero do filme policial. Hoje, há verdadeiros festivais de filmes noir na programação dos cinemas e redes de TV, uma grande ironia para um gênero que foi definido com um termo que os produtores e críticos da época provavelmente não teriam compreendido.

O desenvolvimento do filme noir foi gradual, chegando algum tempo após o ciclo de filmes clássicos de gângsteres em Hollywood. Os filmes policiais dos anos 1920-30 tinham seu lado psicológico – por exemplo, The Last Mile, Sabotage e The Petrified Forest – nos quais a motivação dos criminosos era tão fascinante quanto seus crimes. Mesmo The Roaring Twenties, com James Cagney, no final do ciclo de filmes de gângsteres da Warner Bros, apresentou um anti-herói cuja psicologia o levou a aceitar a morte – após sobreviver à Primeira Guerra Mundial, aos primeiros conflitos entre gângsteres e ao fim da “Proibição” (período no qual o governo americano proibiu a comercialização de bebidas alcoólicas). Alguns outros poucos filmes, em especial M (Fritz Lang), estrelando o então jovem Peter Lorre, focava mais na psicologia da mente criminosa do que na história da caçada do criminoso de uma criança. Contudo, estes trabalhos relativamente sofisticados foram exceção mais do que regra e a maioria dos filmes policiais dos anos 30 foram, na melhor das hipóteses, tiroteios bem feitos amarrados a material policial extravagante.

O filme noir como gênero definido começou no início dos anos 40, com filmes que lidavam com o lado sinistro de uma psicologia idêntica entre perseguidores e criminosos, a ponto de em The Big Sleep (1946), de Howard Hawks, a seqüência de crimes que suportam a trama ser difícil de discernir. Por outro lado, o primeiro filme genuinamente noir, segundo muitos críticos, foi I Wake up Screaming, de H. Bruce Humberstone, baseado numa novela de Steve Fisher e estrelando Victor Mature, Betty Grable e Laird Cregar. O título pode dar calafrios na espinha, mas os elementos verdadeiramente noir residem no sadismo pesado do personagem de Cregar, um policial obsessivo e homicida que atormenta os dois suspeitos (Mature, Grable) pelo assassinato de uma atriz. O filme conta a história do crime e da investigação, mas sua verdadeira força está na habilidade em fazer com que o espectador se sinta tão ameaçado quanto os dois suspeitos – eles se encontram encurralados numa intricada teia legal e psicológica tecida pelo policial. O espectador sente cada choque, à medida que os fios da teia são puxados bruscamente e tensionados fortemente, assim como os próprios personagens. Torna-se claro após alguns minutos de filme que estamos na presença de algo perigoso e doentio; mesmo nos dias de hoje, assistir a esse filme é uma experiência indescritível. Apesar de ninguém tentar rivalizar conscientemente com I Wake Up Screaming, ele foi padronizado filme noir padrão – a selva de pedra habitada por personagens que parecem perdidos ou feridos psicologicamente e cercados por armadilhas que são mais imaginárias do que reais, com a lei e a justiça sempre excedendo seus limites no sentido de destruí-los. I Wake Up Screaming acrescenta o elemento necessário para representar a lei como uma força sinistra e ardilosa simbolizando a injustiça.

The Maltese Falcon (1941), de John Huston, é também freqüentemente citado como um dos pioneiros do filme noir, mas sua psicologia é mais fraca que a do filme de Humberstone. Sam Spade, personagem vivido por Humphrey Bogart, entretanto se movimenta por um mundo reconhecidamente noir, repleto de homens e mulheres obsessivos com temperamento homicida, policiais cuja dedicação beira ao sadismo, mulheres cuja sexualidade é pessimamente controlada – e utilizada conscientemente para fins de destruição – e, no centro de tudo, um herói que luta constantemente contra seus piores impulsos. Um outro filme do mesmo período que parece definir o nascimento do gênero foi This Gun for Hire (1941), de Frank Tuttle, baseado em “A Gun for Sale”, de Graham Greene, e estrelando Alan Ladd, Veronica Lake e o onipresente Laird Cregar. A estória de um matador de aluguel era fora do convencional para os padrões de Hollywood, mas Ladd trouxe tanta humanidade e desespero para seu personagem que as platéias acharam irresistível – e essa mistura de psicose e honradez tornou-o o mais extraordinário anti-herói de Hollywood, contrastando bem com o personagem patético e caprichoso de Laird Cregar e o empresário traidor de Tully Marshall. As origens do filme noir durante esta época, tendo como fundo o início da Segunda Guerra Mundial, não foram uma mera coincidência.

A chegada da Guerra à Europa degradou o humor do povo americano tal como a Grande Depressão, em todos exceto nos piores dias, não tinha feito. Os EUA sobreviveram à Depressão, mas subitamente o mundo parecia estar se tornando mais ameaçador do que tinha sido durante aqueles dias agitados – os líderes da Alemanha democraticamente eleitos planejavam conquistar a Europa e o extermínio de milhões, e os outros líderes comparáveis na cena internacional eram os ditadores da URSS e Japão; Inglaterra e França estavam paralisados; e os EUA, cuja participação prévia na política internacional durante a Primeira Guerra Mundial terminou em desastre para o Presidente e o Congresso, estavam incapazes de agir. Para tornar pior as coisas, havia o fato do início da Segunda Guerra coincidir com o fim dos últimos vestígios do desemprego da Grande Depressão. O filme noir foi uma reação ao mundo que se desenhava em 1941. Na época, os filmes estavam mais preparados para um novo tipo de herói e um novo leque de personagens. A imposição do Código de Produção (Production Code), censurando o conteúdo dos filmes a partir de 1933, teve o efeito de limpar e clarificar as superfícies externas dos personagens e das tramas, mais do que seus autores, atores e diretores poderiam ter gostado. Atores como James Cagney, Humphrey Bogart e mesmo John Wayne (dê uma olhada em sua representação como Ringo Kid em Stagecoach) tinham trabalhado para trazer algum lado obscuro para sua representação, mas somente de uma maneira muito limitada. Geralmente, os filmes se tornaram menos abrangentes após oito anos de censura auto-imposta.

Quando o filme noir apareceu durante o início dos anos 40, mostrando lados do comportamento humano anteriormente ignorados, o público respondeu mais entusiasticamente. A Guerra também ajudou em outro aspecto – muitos dos trabalhos que se seguiram não teriam passado pelos censores nos anos 30, mas após a entrada da América na guerra, os padrões se perderam à medida que a indústria cinematográfica reconheceu que o mundo era um lugar mais violento e perigoso. E uma nova geração de escritores chegou em Hollywood para se aproveitar disso. O trabalho do autor Cornell Woolrich, em particular, serviu como ponto de referência para estes dramas psicológicos obscuros. Uma pessoa profundamente atormentada, porém um escritor talentoso que sofria de depressão crônica e uma obsessão por sua própria mãe e que era homossexual, Woolrich foi um dos mais populares escritores de ficção policial no início dos anos 40; seu trabalho foi extensamente publicado em revistas assim como em novelas. Sua estória "Black Friday" e novellas como "Phantom Lady" e "The Night Has A Thousand Eyes" tornaram-se a base para muitos filmes importantes durante os primeiros anos daquela década; além disso, ele criou o texto que subseqüentemente foi adaptado ao cinema como Rear Window, de Alfred Hitchcock.

Ao nível mais popular, Daniel Hammett (The Falcon Maltese) e Raymond Chandler (The Big Sleep, Farewell my Lovely) estavam em demanda como nunca e nos anos 40 eles finalmente viram as personalidades sinistras de seus personagens levadas às telas razoavelmente intactas. O filme noir foi o primeiro gênero no qual o perigo com o qual os personagens se defrontavam era mais psicológico do que físico. A platéia parecia responder bem a esse fenômeno, e o sucesso de This Gun for Hire e I Wake up Screaming, em particular, anunciou uma era de dramas policiais sinistros e mistérios habitados por personagens estranhos e obcecados: Phantom Lady, Deadline At Dawn, The Woman In the Window, Scarlet Street, Murder My Sweet, The Lost Weekend, The Strange Love of Martha Ivers, Pitfall, Dead Reckoning, The Dark Corner, Edge of Doom, Force Of Evil, Kiss of Death, The Asphalt Jungle, They Live By Night, D.O.A. Os títulos por si só falam a respeito desses filmes. Uma típica trama noir poderia envolver uma pessoa que comete um pequeno e aparente sem importância ato de indiscrição – estando bêbada, fazendo um favor para um estranho ou falhando ao realizar uma tarefa para um estranho – e acaba se encontrando num dilema de vida ou morte. Em Dark Corner, Mark Stevens se vê perseguido, agredido e preso por um detetive particular por um assassinato que não cometeu, tudo a pedido de um homem (Clifton Webb) que mal sabe ou se lembra de sua própria motivação pervertida por vingança. Em Deadline At Dawn, o único filme dirigido pelo renomado diretor de teatro Harold Clurman, o marinheiro Bill Williams, durante uma visita a Nova Iorque, acorda após um porre e descobre que a mulher com a qual estava – e que estava tentando roubá-lo - foi estrangulada e ele pode ficar comprometido por vários indícios e testemunhas. Em Pitfall, Dick Powell, investigador de uma companhia de seguros, dá atenção para uma mulher aparentemente carente e vulnerável (Lizabeth Scott) e isto o envolve em uma fraude, uma chantagem e um assassinato. Finalmente, em D.O.A., talvez o mais sinistro dos filmes noir, o empresário Edmond O´Brien percebe que lhe foi dado um veneno letal, de efeito prolongado, que o matará em 24 horas e ele gasta este tempo tentando descobrir o porquê do envenenamento; ao final, descobre que foi assassinado somente porque documentou uma conta de venda para um homem que nunca vira antes, o que tornara-o uma testemunha em potencial num caso de fraude e assassinato.
Em outros exemplos do gênero, os personagens são tudo, menos inocentes. O filme Laura (1944), de Otto Preminger, por exemplo, o qual também é um dos mais românticos noir feitos, todos os envolvidos na trama (exceto por um mordomo) são potenciais suspeitos do assassinato e têm motivos para tanto. Mesmo o policial, interpretado por Dana Andrews, está tão absorvido por seu trabalho que ele não percebe a selvageria e o sadismo que movem suas ações e motivações. Andrews, Preminger, e a estrela do filme, Gene Tierney explorariam novamente esse personagem em 1950, no filme Where The Sidewalk Ends, no qual Andrews representa um policial que inadvertidamente se envolve num assassinato – ironicamente, um dos poucos crimes que ele é acusado e que não é culpado!

Um outro exemplo brilhante do gênero é Force of Evil (1948), de Abraham Polonsky, o único que não nasceu em Hollywood. Filme de uma produtora independente chamada Enterprise Studios, em Force of Evil estrelava John Garfield como um empresário bem-sucedido de Wall Street tentando comandar um sindicato que planeja quebrar o “jogo-do-bicho” local e transformá-lo em uma loteria legal, mas, para isso, ele precisa arruinar a vida de seu irmão – com o qual está brigado – , um pequeno “bicheiro”. Garfield é destruído quando ele tenta salvar o bem-estar financeiro de seu irmão, o que custa a vida deste (brilhantemente interpretado por Thomas Gomez) no processo. A Força da Maldade mencionada no título original é o capitalismo e a ganância do sistema. Em The Asphalt Jungle (1950), de John Huston, todos são culpados e ou são pegos ou mortos – saber disso não diminui a importância do filme, pois o modo como eles são pegos ou mortos é do que realmente trata o filme. Mesmo Samuel Goldwyn, conhecido por fazer filmes para atingir o maior público possível (The Best Years of Our Lives, Hans Christian Andersen, etc.), produziu um filme noir, Edge of Doom, o qual provou ser um dos mais sombrios e bizarros exemplos do gênero. Farley Granger, que trabalharia muito melhor em Side Street, interpreta um garoto pobre de Boston que mata acidentalmente um padre e passa o resto do filme tentando escapar de sua responsabilidade e sua perseguição por outro padre (Dana Andrews).

A importância do filme noir diminuiu durante os anos 50, algum tempo após o final da Guerra Mundial que deu origem ao seu nascimento. A longevidade do gênero, contudo, pode ser atribuída primeiro à sua flexibilidade – ao contrário dos westerns, os filmes policiais nunca saem de moda e as diferentes manifestações do crime oferecem uma rica seleção de matéria-prima. Ao final dos anos 40, à medida que a delinqüência juvenil estava se tornando um assunto prioritário, a Universal produziu City Across The River (basedo no best seller “The Amboy Dukes”, de Irving Shulman), sobre gangues de rua na região de Brownsville do Brooklyn. E nos anos 50, mesmo o “Terror Vermelho” (a paranóia anti-comunista) manifestou-se no filme noir, em um dos melhores thrillers policiais da década, Pickup On South Street (1953), de Samuel Fuller, no qual um batedor de carteiras (Richard Widmark) se encontra metido com espiões inimigos e agentes do F.B.I quando ele rouba a bolsa de uma mulher que contém um valioso pedaço de microfilme - Thelma Ritter, a qual, apesar da produção "B", recebeu uma indicação ao Oscar.

O ciclo do film noir deu origem a várias partituras musicais marcantes, compostas por maestros como David Raksin (Laura) e, principalmente, o lendário Miklos Rozsa (Double Indemnity, The Lost Weekend, Naked City). O interesse pelo gênero somente diminuiu quando a televisão acabou com o mercado deste tipo de baixa produção, e o “tiro de misericórdia” foi dado quando o filme colorido se tornou padrão em Hollywood. Era muito difícil, senão impossível, filmar estórias da natureza do noir em cores sem o ambiente sinistro que a fotografia em preto-e-branco propiciava – a cor, tal como usada naqueles dias, tirava a concentração e, por questão de necessidade, criava imagens muito brilhantes. O filme noir, contudo, não desapareceu inteiramente como gênero e campo de estudo. Na França, diretores como Jean-Pierre Melville (Bob Le Flambeur) e Jean-Luc Godard (Breathless) foram profundamente influenciados pelo gênero americano. Jules Dassin também fez um clássico filme noir, Riffifi. Ocasionalmente, um filme como Cry Terror de Andrew e Virginia Stone ou Key Witness, de Phil Karlson – ambos datando do começo dos anos 60 – emergiriam de Hollywood, mas foram apenas uma exceção e nenhum atingiu o sucesso esperado, de modo a trazer um interesse maior.

Como a qualidade dos filmes de Hollywood piorou, cinéfilos e estudantes de cinema crescentemente se voltaram aos gêneros mais antigos e descobriram o filme noir. Além disso, a total fixação americana pelo filme noir data a partir dos anos 60, à medida que expectadores e estudantes – procurando por algo mais do que A Noviça Rebelde ou mesmo a série de filmes de James Bond poderiam oferecer – começaram a levar a sério estes velhos filmes policiais e estudando-os em modos que teriam surpreendido seus produtores. Nos anos 70 e 80, qualquer um podia encontrar a influência do filme noir em bons mistérios como The Midnight Man (1974), de Burt Lancaster e Roland Kibbee, Blade Runner (1982), de Riddley Scott e A Honra do Poderoso Prizzi (1985), de John Huston; nos anos 90, filmes como Reservoir Dogs (1992), de Quentin Tarantino, ajudaram a preservar o gênero.
O Que é Afinal um Filme Noir?

Há sete elementos de um filme noir que Raymond Borde e Etienne Chauteton apontaram em Panorama du Film Americain (extraído e traduzido em Film Noir Reader, editado por Alain Silver e James Ursini). São eles:

UM CRIME;

A PERSPECTIVA DOS CRIMINOSOS, NÃO DA POLÍCIA;

UMA VISÃO INVERTIDA DAS TRADICIONAIS FONTES DE AUTORIDADE, TAL COMO A CORRUPÇÃO POLICIAL;

ALIANÇAS E LEALDADES INSTÁVEIS;

A “FEMME FATALE” (FÊMEA FATAL): A MULHER QUE CAUSA A RUÍNA E/OU MORTE DE UM BOM HOMEM;

VIOLÊNCIA BRUTA;

MOTIVAÇÃO E MUDANÇAS EM COMPLÔS BIZARROS.

Paul Schrader observa a dificuldade em definir film noir em Film Comment (também reimpresso em Film Noir Reader), porém o limita em um período específico – de The Maltese Falcon (1941) até Touch of Evil (1958). Ele argumenta que o noir é literalmente preto. Cenas noturnas, iluminação de alto contraste e sombras fazem parte do estilo noir. Além disso, o filme noir trabalha com tempo não-linear, disjuntivo.

Apesar destas duas tentativas de definir o filme noir sejam úteis, elas igualmente são limitadas. A diferença entre filme noir e policial, segundo Borde e Chaumeton, é muito pequena. Filmes como The Naked City e Crossfire foram estruturadas a partir de uma perspectiva do policial, ainda que não haja limites para a violência bruta e a perversão dos assassinatos em Crossfire. Borde e Chaumeton também negligenciam o elemento de transgressão moral/perversão que torna um noir verdadeiramente obscuro. Além disso, o argumento de Schrader que o gênero noir está morto é prematuro. Filmes recentes como Bound, Dark City e virtualmente qualquer coisa de John Dahl não são meramente homenagens ao filme noir, mas versões contemporâneas deste. A seção “Film Noir” do Internet Movie Database lista filmes de 1927 (The Underworld) até o presente. Uma estatística destes indica um pico primário de 1945 até 1951, e outro pico de 1951 até cerca de 1958 com um ressurgimento nos anos 1990.

Entretanto, Schrader está correto ao afirmar que definir o noir é quase impossível. Quantos elementos noir são necessários para se fazer um noir? Um? Três? Sete? Então, um noir pode ter apenas um único elemento, enquanto que outro filme que possua três não seja considerado um noir.

O que segue é uma outra tentativa de preencher a lacuna de definições do filme noir em complemento às definições dadas acima:

1. Perversão/transgressão moral. Um grande exemplo é William Bendix usando termos afetuosos como “docinho” e “querido” enquanto tortura Alan Ladd, em The Glass Key;

2. Destino. Freqüentemente, os protagonistas do noir se metem em encrenca por causa de traços de personalidade (Double Indemnity e Criss Cross) ou circunstâncias além do seu controle (Detour).

3. Traição/Ilusão. Todas as relações humanas estão sob risco no mundo noir – a relação entre cônjuges (Pitfall, Woman in the Window), entre patrões e empregados (Phantom Lady), entre clientes e investigadores particulares (The Maltese Falcon, The Big Sleep), entre amantes (Criss Cross) e mesmo entre pais e filhos (Mildred Pierce). Toda relação presumidamente baseada na verdade e mesmo no amor tem o potencial de se transformar em traição por dinheiro ou sexo, ou ambos.

FORUM PERMANENTE DO AUDIOVISUAL PARAIBANO DEBATE SOBRE FIBANCIAMENTO DO ESTADO PARA O CINEMA PARAIBANO

2009-06-03T15:29:00.009-03:00

FORUM PERMANENTE DO AUDIOVISUAL PARAIBANO

EM 03 DE JUNHO DE 2009

ASSUNTO: PRÊMIO LINDUARTE NORONHA DE INCENTIVO AO CINEMA PARAIBANO

POR: RODRIGUEZ

NA NOITE DESSE DIA 03 DE JUNHO REPRESENTANTES DO CINEMA PARAIBANO SE REUNIRAM NO CENTRO DA CAPITAL PARA MAIS UMA REUNIÃO DO FURUM PERMANENTE DO AUDIOVISUAL PARAIBANO, EM PAUTA ESTAVA UM POSSIVEL FINANCIAMENTO DE 200 MIL REAIS VINDO DO GOVERNO DO ESTADO DA PARAIBA.

O PRESIDENTE DA ABD-PB CARLOS DAWLING FOI QUEM MEDIOU A MESA, UM REPRESENTANTE DO GOVERNO DO ESTADO ESTAVA CONVIDADO MAS NÃO COMPARECEU.

O PRESIDENTE DA ACADEMIA PARAIBANA DE CINEMA WILLIS LEAL FOI BASTANTE ENFATICO QUANDO PRECISOU QUE O VALOR DO FINANCIAMENTO NÃO DEVERIA AGRACIAR APENAS PRODUÇOES CINEMATOGRAFICAS MAS TAMBEM DEVERIA SERVIR PARA A PRESERVAÇÃO DO ACERVO CINEMATOGRAFICO PARAIBANO, BEM COMO PARA FINANCIAR FESTIVAIS EM TODO O ESTADO.

A PRESENÇA DE LUCIO VILAR FOI IMPORTANTE PARA ESCLARECIMENTOS SOBRE ESSE POSSIVEL FINACIAMENTO QUE VIRIA EM FORMA DE UM EDITAL QUE FAVORECERIA 9 PRODUÇOES DE CURTA METRAGEM A 20 MIL REAIS CADA UMA E MAIS TODA A DIVULGAÇÃO; LUCIO VILAR DIZ QUE INICIALMENTE O VALOR DESSE FINACIAMENTO SERIA DE 180 MIL, MAS DEPOIS DE LONGAS CONVERÇAS O GOVERNO DECIDE QUE FICARIA ACERTADO 200 MIL MESMO.

DEPOIS DE EXPLANAÇOES GERAIS É ABERTO UM MOMENTO PARA QUE OS PARTICIPANTES SE COLOCASEM A RESPEITO,NO GERAL TODOS DECIDIRAM QUE 200 MIL REAIS SERIA POUCO PARA ABRANGER AREAS COMO PRESERVAÇÃO DO ACERVO AUDIOVISUAL PARAIBANO E PARA REALIZAÇÃO DE FESTIVAIS EM TODO O ESTADO, PARTINDO DESSE PONTO SE COGITOU UMA AUDIENCIA COM O REPRESENTANTE DO GOVERNO DO ESTADO JÁ QUE O MESMO NÃO SE FEZ PRESENTE NESSA NOITE.

AGORA É AGUARDAR....

Lars Von Trier diz que é o melhor diretor do mundo

2009-05-18T19:02:00.002-03:00

"Lars Von Trier" diz que é o melhor diretor do mundo

Extraido da materia de Orlando Margarido

O diretor dinamarquês Lars Von Trier evitou a maioria das perguntas que questionavam a qualidade e até mesmo a existência de seu novo filme mostrado ontem na competição em Cannes. "Não sou obrigado a responder sobre isso, não vejo a razão", replicou diversas vezes ao jornalista que pediu uma explicação ao cineasta sobre o motivo de ter realizado Anticristo.

Ante a insistência do jornalista, que justificava que por estar no Festival de Cannes Von Trier devia uma explicação à imprensa, foi necessária a intervenção do mediador da mesa. Houve algumas tentativas, também frustradas, de voltar a tal questão, mas o realizador se manteve vago e sempre na defensiva.
Mas também houve manifestações de apreço, que quase sempre morriam na mesma atitude monossilábica do diretor. Quando respondia, era para dizer banalidades como "eu não me preocupo com a audiência quando faço um filme" ou "foi a mão de Deus que me fez escolher essa história e realizar esse filme agora".
Há razão para os ataques um pouco mais hostis do que é habitual nessas coletivas com os diretores em competição. O trabalho de Von Trier é singular tanto por um aspecto mais amplo do cinema como específico no que diz respeito a sua obra. Singularidade essa pelo ponto de vista negativo.
Anticristo nem chega a suscitar polêmica pelo material que apresenta tamanha sua aura enigmática - para os que procuram ao menos analisá-lo - e seu puro constrangimento - como preferem outros.
E o que levou Von Trier a dedicar o filme ao cineasta russo Andrei Tarkovsky (1932-1986). "Para mim ele era deus", comentou. "A primeira vez que vi um filme dele, The Mirror (O Espelho), entrei numa espécie de êxtase. Encontro entre meu trabalho e o dele uma relação religiosa." Em seguida, ele lembrou que Tarkovsky assistiu ao seu primeiro filme (provavelmente referia-se a O Elemento do Crime) e detestou. "Mas isso não me preocupou."
A entrevista seguiu morna até que uma nova pergunta fulminou o realizador com a questão de ter feito um filme que a maioria da platéia não entendeu. "Não tenho que explicar nada; fiz o filme porque sou o melhor diretor do mundo." Reconhecendo a própria pretensão e as risadas que provocou na platéia, Trier recuou. "Bom, sei que muitos diretores pensam o mesmo de si; não estou certo de que seja o melhor, apenas sinto isso."

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-15T16:19:00.005-03:00

os filmes que serão exibidos no festival de cinema de Cannes, que acontece de 13 a 24 de maio na Riviera Francesa. São várias mostras, e uma delas, a “Um Certo Olhar” terá participação do brasileiro Heitor Dhalia, com o filme À Deriva.

CONCORRENTES A PALMA DE OURO

"EM COMPETIÇÃO"

Los Abrazos Rotos (Espanha), de Pedro Almodovar

Fish Tank (Inglaterra), de Andrea Arnold

Un Prophete (França), de Jacques Audiard

Vincere (Itália), de Marco Bellocchio

Bright Star (Nova Zelândia), de Jane Campion

Map of the Sounds of Tokyo (Espanha), de Isabel Coixet

A l’Origine (França), de Xavier Giannoli

Das Weisse Band (Alemanha), de Michael Haneke

Taking Woodstock (Taiwan/Estados Unidos), de Ang Lee

Looking for Eric (Inglaterra), de Ken Loach

Spring Fever (China), de Lou Ye

Kinatay (Filipinas), de Brillante Mendoza

Soudain le Vide (França), de Gaspar Noe

Bak-Jwi (Coréia do Sul), de Park Chan-wook

Les Herbes Folles (França), de Alain Resnais

The Time That Remains (Palestina), de Elia Suleiman

Bastardos Inglórios (Estados Unidos), de Quentin Tarantino

Vengeance, (Hong Kong), de Johnnie To

Visages (Malásia), de Tsai Ming-Liang

Antichrist (Dinamarca), de Lars von Trier

"FORA DE COMPETIÇÃO"

The Imaginarium of Doctor Parnassus (Estados Unidos/Inglaterra), de Terry Gilliam

Agora (Espanha), de Alejandro Amenabar

L’Armee du Crime (França), de Robert Guediguian

O MESTRE DO CINEMA Francis Ford Coppola TEM UM FILME SOBRE MAFIA QUE FICOU DE FORA DA COMPETIÇÃO MAS QUE SERÁ EXIBIDO EM CANNES ESSE ANO, CHAMA-SE TETRO.

Nada ali realmente aconteceu, mas é tudo verdade." A explicação, para lá de ambígua, é a chave para compreender a história por trás de "Tetro", novo filme de Francis Ford Coppola, exibido pela primeira vez nesta quinta-feira (14) durante a mostra paralela Quinzena dos Realizadores, em Cannes. Rodado na Argentina, o longa é uma espécie de épico familiar que carrega diversas semelhanças com a própria trajetória de vida do diretor de "O poderoso chefão".

Assim como Angelo Tetroccini, protagonista do filme interpretado por Vincent Gallo, Coppola é filho e sobrinho de grandes músicos e compositores; tal qual em "Tetro", as questões de família são impossíveis de se dissociar de sua arte; e como o escritor genioso e frustrado do papel prinicipal, o cineasta nunca quis receber os créditos por aquilo que não fosse seu:

"Na abertura do 'Chefão', eu punha 'de Mario Puzzo'. Em 'Drácula', era 'de Bram Stoker'. 'O homem que fazia chover' era 'de John Grisham'... Sempre sonhei em ter algo 'de Coppola'. Escrever é a parte mais difícil do processo", disse o diretor em um debate promovido logo após a sessão. De fato, "Tetro" é um dos seus raros filmes em que Coppola leva também o crédito de escritor. "Depois de 'O fundo do coração' (1982) contraí uma dívida enorme no banco. Dos meus 40 aos 50 anos, precisei fazer um filme por ano só para pagar esse empréstimo. Recebia o roteiro e filmava. Só consegui pagar tudo em 'Drácula' (92)."

"Tetro" conta a saga de dois irmãos, Bennie e Angelo, que se reencontram em Buenos Aires anos depois que o último, mais velho, abandona a família em Nova York. Angelo quer ser escritor de romances, mas a personalidade sempre competitiva do pai o impede de seguir adiante. Bennie - vivido pelo ator estreante Alden Ehrenreich - idolatra o irmão e faz de tudo para tentar uma reaproximação, apesar da resistência de Angelo, que desde que deixou NY quer cortar todos os laços com o passado. Caberá à Miranda (Maribel Verlú), namorada de Angelo e simpática ao caçula, o papel de mediar a conturbada relação entre os dois. Quase todo registrado em preto-e-branco nas ruas do bairro típico portenho La Boca, "Tetro" vai ganhando complexidade à medida que o roteiro avança. Alterna ares de produção independente, algo de cômico aqui e ali, a momentos grandiosos de tragédia teatral, quando ganha cores, bailarinos e uma dramaticidade que destoa propositalmente do restante das cenas. Pela presença marcante da família em ambos os filme, uma jornalista comparou "Tetro" a "O poderoso chefão". "A diferença principal está na quantidade de mortes por facas, estrangulamentos e armas de fogo", brincou Coppola diante da sugestão. "Quando fiz o 'Chefão', eu nunca havia conhecido um mafioso. Nunca conheci um mafioso. Por isso, fiz eles se parecerem com pessoas da minha família. Fui fiel a meus pais e tios. Em 'Tetro', transplantei Nova York e a Itália para a Argentina."

Semanas antes da première desta quinta, uma polêmica se formou em torno da participação ou não de Coppola em Cannes. Chamado para ser exibido fora da competição, o diretor declinou o convite e acabou preferindo a exibição na Quinzena, que é promovida pelos críticos, sem ligação formal com o festival.

"A situação foi parecida com o que aconteceu com 'Apocalipse Now' (1979). Na época que recebi o convite para vir, eu não tinha acabado o filme e eles propuseram de passar fora de competição. Eu disse que só traria para competir. Este ano, me disseram que já havia muitos grandes diretores e filmes de outro país, por isso as vagas eram poucas. Fizeram a mesma proposta, ofereceram uma sessão de gala. Mas 'Tetro' é um filme independente, não me sinto confortável em vestir um smoking e desfilar ao lado de tanta gente importante. Achei o convite da crítica mais apropriado", ironizou. Além dos atores Verlú e Ehrenreich - Gallo não foi à sessão pela manhã -, Coppola estava acompanhado da esposa e do filho Roman durante a entrevista. Culpa de suas raízes italianas, explica o diretor: "não gosto de me separar da minha família. Desde pequenos, sempre levava meus filhos ao set. Quando estava filmando 'Apocalipse', eles passaram cinco meses comigo nas Filipinas. Também já comprei uma câmera para a minha mulher, ela acabou pegando gosto e fez seu documentário. Esse foi sempre o meu truque para mantê-los por perto."

ACOMPANHE TUDO SOBRE CANNES NO SITE OFICIAL DO FESTIVAL :

www.festival-cannes.com

ASSISTA A O VIDEO OFICIAL EM:

http://www.youtube.com/watch?v=Jshi2Cvexmc&feature=related

ASSISTA A O TRAILER DE 3 FILMES DE CANNES:

Bastardos Inglórios DE TARANTINO

http://www.youtube.com/watch?v=i_7D7TG-Irc

ANTICRISTO de LARS VON TRIER

http://www.youtube.com/watch?v=xTzzfFdxaY0

TETRO de FANCIS FORD COPPOLA

http://www.youtube.com/watch?v=XJ_XTIsMKig

2 ° ENCONTRO PARAIBANO DE CINECLUBISMO

2009-05-04T18:45:00.002-03:00

NOS DIAS 01 A 03 DE MAIO DE 2009 FOI REALIZADO EM JOÃO PESSOA DENTRO DA PROGRAMAÇÃO DO 4° CINEPORT (FESTIVAL DE CINEMA DE PAISES DE LINGUA PORTUGUESA) O SEGUNDO ENCONTRO PARAIBANO DE CINECLUBISMO, ORGANIZADO PELA ABD-PB NO HOTEL IMPERIAL, FORAM DIAS DE GRANDE DISCUSSÃO EM TORNO DA ESTRUTURAÇÃO ORGANIZADA DE UMA REDE INTEGRADE DOS CINECLUBES EXISTENTENTES NA PARAIBA E DOS QUE PRETENDEM CRIAR SEUS CINECLUBES.
ESTIVERAM NO ENCONTRO REPRESENTANTES DE CINECLUBES DA CAPITAL AO SERTÃO DO NOSSO ESTADO.

OS GTs E MESAS REDONDAS TAMBEM FORAM DE EXTREMA IMPORTANCIA PARA OS PARTICIPANTES QUE POR FIM REDIGIRAM UMA CARTA QUE AFIRMA A LUTA DOS CINECLUBES PARAIBANOS NA ESTRUTURAÇÃO DE UMA REDE E DA DIVULGAÇÃO DO AUDIOVISUAL PARAIBANO.

DIA 09 DE MARÇO DE 2009 O CINE BAIRRO ESTÁ DE VOLTA !!!!

2009-03-01T11:44:00.003-03:00

DIA 09 DE MARÇO DE 2009 O BAIRRO DE TAMBAY NA CIDADE DE BAYEUX-PB SERÁ MAIS UMA VEZ PALCO PARA UM DOS MAIORES PROJETOS CULTURAIS DA CIDADE DE BAYEUX, FOI O PROJETO CINE BAIRRO QUE LEVOU O NOME DA CIDADE PARA TODO O ESTADO DA PARAIBA E PARTE DO BRASIL, FOI PIONEIRO NA REALIZAÇÃO DE CINEMA CURTA METRAGEM NA CIDADE E ISSO SEM CONTAR QUE O OBJETIVO PRINCIPAL DO PROJETO É O DE LEVAR CINEMA GRATUITO PARA TODOS OS QUE NÃO TEM ACESSO A 7° ARTE,ACREDITAMOS QUE ARTE NÃO SE COMPRA NEM SE VENDE, ARTE TEM QUE SER PARA TODOS E SERVIR PARA A MODIFICAÇÃO DAS MENTALIDADES....

POR ISSO VOCE É NOSSO CONVIDADO PARA AS 19 HORAS SE FAZER PRESENTE LÁ EM TAMBAY ONDE NA OCASIÃO ESTAREMOS FAZENDO O LANÇAMENTO DO NOSSO CURTA METRAGEM "CORAÇÃO REVOLUCIONARIO ( REVOLUTIONARY HART) "

"CORAÇÃO REVOLUCIONARIO" LEVA PREMIO NO II JAMPAVIDEO

2007-09-03T14:11:00.000-03:00

CORAÇÃO REVOLUCÍONARIO LEVA UM DOS PRINCIPAIS PREMIOS NO II JAMPAVIDEO "MELHOR ATOR" PARA THIAGO RODRIGUEZ.

O NOSSO CURTA "CORAÇÃO REVOLUCIONARIO" LEVOU NA NOITE DA ULTIMA SEXTA FEIRA DIA 31 DE AGOSTO, UM DOS PREMIOS PRINCIPAIS DO II JAMPAVIDEO FESTIVAL DE CURTAS METRAGEM PROMOVIDO PELO SEC-PB.
"THIAGO RODRIGUEZ"LEVOU O TROFÉU DE MELHOR ATOR PELA ATUAÇÃO MAJESTOSA EM UM CURTA DE ROTEIRO DELE E DIREÇÃO DE "DERY ALVES"
ESTAMOS FELIZ E DEDICO ESSE PREMIO A TODOS QUE ACREDITARAM E EM ESPECIAL A DOIS CARAS: DERY ALVES QUE DIRIGIU O CURTA E TAMBEM FILMOU PASSANDO POR CIMA DAS ADVERSIDADES QUE ENFRENTAMOS, DE PEGAR UM ROTEIRO COMPLEXO ESCRITO POR MIM EM 2004 E AGRADEÇO TAMBEM AO GRANDE ATOR "LEONARDO MEDEIROS" NO QUAL ADIMIRO COMO ATOR NACIONAL(FILMES:CABRA-CEGA E NÃO POR ACASO) E AO PESSOAL DO BAIRRO DE TAMBAY NA CIDADE DE BAYEUX QUE SEMPRE ACREDITOU NO NOSSO PROJETO(FAMILIA, AMIGOS) ESSE PREMIO É PRA TODOS VCS E SAIBAM QUE MESMO SEM GRANDES RECURSOS E CONCORRENDO COM QUASE 40 CURTAS PARAIBANOS QUE POR SINAL SÃO DE MUITA QUALIDADE. CHEGAMOS E CONTINUAREMOS A CAMINHAR EM BUSCA DO SOL, OUTROS VIRÃO!!!!!

QUEM QUISER O CURTA PARA EXIBIÇÕES EM CINECLUBES É SÓ LIGAR:
83 88136984 (THIAGO) OU cinebairro@hotmail.com

e quem for da cidade de BAYEUX é so ir na casa de DERY e marcar uma locação gratuita
(83) 32323637 (DERY)

PERSONA DO CINEASTA "INGMAR BERGMAN"

2007-08-17T16:51:00.000-03:00

PERSONA
de Ingmar Bergman

O FILME COMO UM FILME

O filme conta a história de Elizabeth Vogler, uma atriz que surta durante a apresentação da tragédia Electra, como conseqüência, Elizabeth repousa em uma clínica psiquiátrica. A médica responsável conclui que sua estadia na clínica não surte resultado e assim a manda junto com uma enfermeira, Alma, para sua casa de praia esperando que o isolamento fosse uma maneira de curar o estado da Sra. Vogler que enclausura-se em si mesma e recusa-se a falar.
Elizabeth é atriz, uma profissão na qual a pessoa é obrigada a incorporar vários personagens e personalidades. Esta aquisição causa a perda ou desconhecimento de sua persona original. Assustada, Elizabeth, cansada de mentir, se fecha em um mundo silencioso afim de encontrar a sua verdadeira persona.
Alma é enfermeira calma e introvertida que fala a penas o necessário, no entanto ao chegarem a casa de praia verifica-se uma inversão de papeis. Alma acolhe a personalidade da atriz antes extrovertida e Elizabeth assume a personalidade de Alma caracterizada por sua introspeção que se comunica apenas através de gestos e olhares.
Em determinado momento, Alma lê uma carta de Elizabeth a qual revela suas confidências gerando o conflito do filme. Há uma discussão entre ambas e suas personalidades confrontam-se acontecendo assim uma fusão de personas transmitindo a idéia de que há apenas uma pessoa.

POESIA VISUAL / O Imaginário Bergman

O filme abre com uma poesia imagética que simboliza, de forma metafórica, o ciclo da vida. O nascimento é representado pelo início do funcionamento de um projetor de cinema. Duas pequenas resistências deste projetor, que em contato entram em incandescência, nos remetem ao fogo da vida. As imagens iniciais projetadas pela máquina mostram as pequenas mãos de uma criança e um desenho animado onde o personagem utiliza suas mãos para molhar o rosto. Bergman, em vários outros momentos do filme, irá utilizar as mãos como representações da identidade humana. Neste momento, as jovens mãos indicam o período da infância, enquanto o movimento de levar as mãos ao rosto, utilizado na animação, mostra a formação da identidade de um indivíduo.
Na seqüência seguinte, grades e neve caracterizam o momento que a identidade está formada. A delimitação de um perímetro e a idéia de confinamento expressam os mecanismos de preservação desta identidade. Esta reclusão ocorre com o intuito de manter afastada qualquer influência exterior que não seja desejada, porém a utilização do som de água gotejando mostra que, por mais fechada esta identidade esteja, ela não fica totalmente vedada e algo externo pode acabar invadindo seu interior. Outra interpretação que pode ser feita para o gotejar, é de que algo fugiu de seu curso natural e tal fato ocorre na vida das personagens do filme, quando ambas passam por uma gravidez indesejada ou
quando a enfermeira Alma resolve contar para sua paciente a respeito de uma orgia que viveu.
O plano seguinte desta composição poética mostra um carneiro sendo sacrificado, o que simboliza as renúncias que devem ser feitas ao longo da vida, na tentativa de preservar sua identidade. Logo em seguida, duas mãos são crucificadas numa alegoria a uma punição que esta identidade irá sofrer. A crucificação também pode ser interpretada como o momento em que o indivíduo abandona sua identidade e busca desenvolver uma nova. A postura da personagem Elizabeth de não falar mais, é uma tentativa de formação dessa nova identidade.

A ANÁLISE

Persona é um filme de dualidades:rosto-máscara, realidade-aparência, eu-outro, real-imaginário, silêncio-palavra, vida-morte, criança-adulto, interior-exterior, mar-terra, chuva-sol, dia-noite, luz-sombra, claro-escuro, preto-branco, corpo-alma, filme-realidade.
Persona apresenta duas personas de uma mesma pessoa.Persona, segundo a linha psicanalítica de Jung, é a mascara com a qual nos apresentamos ao mundo. E através dela nos relacionamos com os outros. A persona inclui papéis sociais, tipo de roupa e estilo de expressão pessoal. O termo persona deriva da máscara usada pelos atores no teatro grego.
A persona pode ter aspectos positivos e negativos. Ela serve para proteger o Ego e a psique das diversas forças e atitudes sociais que nos invadem. Nesse caso, o indivíduo adota conscientemente uma personalidade artificial ou mascarada, contrária aos seus traços de caráter, para se proteger, se defender ou para tentar se adaptar ao seu círculo.
Quando estamos isolados, em silêncio, sozinhos, nossa persona se manifesta de modo distinto de quando estamos na rua, no trabalho. Há assim uma persona para o convívio social e outra para quando estamos sozinhos.
No filme, há duas individualidades em confronto, duas personalidades e angústias: Alma e Elizabeth. Ela parece viver com sua persona de isolamento, sem comunicação, enquanto Alma demonstra a persona do convívio social.
A atriz que toma subitamente consciência da mentira em que vive, e rejeita a própria voz. Ela não quer mais mentir, não quer criar mais personas, pois ao se comunicar ela já cria uma mentira do que ela é. Ela não quer faltar à verdade.
Pode-se dizer que Alma e Elizabeth formam duas personas de uma mesma pessoa. Há primeiro uma comparação com as mãos, que podem significar a individualidade, depois as duas faces, por fim a junção. A simbiose se concretiza na tela pela fusão das duas faces num mesmo rosto. Elizabeth se apodera da personalidade de Alma, formando as duas mentes de um mesmo ser.
Como um psicólogo, a senhora Vogler ouve Alma atenciosamente durante a estadia na praia. Deixa que fale de si e ao mesmo tempo aprenda a se conhecer, como numa sessão psicanalítica. Despida de seu uniforme de enfermeira, sua persona se transforma, dando lugar a outra. Mas Elizabeth também passa a conhecer Alma e estudar sua persona. Há aqui uma troca de papéis: a enfermeira faz o papel de paciente, e esta por sua vez faz o papel da médica. Elas primeiro trocaram suas máscaras e depois subitamente dividiam a mesma máscara.
Segundo a teoria psicanalítica de Freud, há uma identificação de Elizabeth com Alma: a primeira quer se tornar parecida com a segunda. Como as duas são muito diferentes, elas parecem se completar, como se Elizabeth fosse o Superego, evitando mentir, e Alma fosse o Id, totalmente instintiva. Assim elas se completam, formando o Ego da atriz.
Na cena em que aparecem as duas meias faces estoura a esquizofrenia de Alma, sua linguagem se desagrega e ela percebe que a outra mulher se projeta nela, com ela. As palavras param de existir e a agressividade de Alma atinge um nível tal que ela não utiliza mais as palavras. Elizabeth, que agora é atriz e enfermeira, apresentando-se como Alma: essa luta de personalidades, para tentar entender seu novo papel, gera a esquizofrenia. Elizabeth não tem o texto completo de seu papel e fica buscando palavras para se expressar com esta persona. Mas, como todo ator, ela se alimenta de seu personagem, como um vampiro, um parasita, no filme explicitado pela cena em que chupa o sangue de Alma.
O filme também trata da questão realidade/ilusão. A todo instante, o diretor tenta nos lembrar de que estamos assistindo a um filme. O projetor que olha diretamente para nós, a película que se rasga, a imagem da atriz no estúdio. Somos lembrados de que isso não é realidade: uma ilusão, uma mentira. A ilusão também aparece quando, assim como alma, não sabemos se Elizabeth aparece ou não durante a noite. Se ela grita ou não de medo. A única cena em que Elizabeth fala é aquela em que alma ameaça jogar água fervente da panela. O medo a faz reagir. Diante dessa nova situação, Elizabeth desfaz-se da primeira persona e estabelece uma nova para se defender. Nessa parte do filme, Elizabeth não é mas ela – é ela e alma. E com duas personalidades dentro de uma pessoa, estabelece-se um conflito.
Pode ser dito que o filme aborda a questão do conflito. Elizabeth tem um conflito interno que gera sua atitude de não mais falar. Este por sua vez acaba criando um conflito externo com Alma, que reage com agressividade. Os fatores externos tentam se infiltrar: a chuva na casa representa Elizabeth tentando ultrapassar a persona de Alma.
Os indivíduos, na vida real, têm de conviver com a “troca” de personas para adaptar-se e ser aceito em diversos meios sociais. Uma atriz (utiliza-se a palavra no gênero feminino em virtude do papel vivido por Liv Ullman) convive com esta troca e tem de interpretar inúmeros personagens e, por conseguinte, diferentes personalidades.
Na obra de Bergman, pode-se compreender o súbito mutismo de Elizabeth como uma perda ou um possível esquecimento de sua identidade, a questão
principal do filme. Afim de evitar maiores explicações à sociedade, já que é uma pessoa pública, a atriz esconde-se dentro de si mesma rejeitando qualquer forma de diálogo, provavelmente para que não precise mentir ou desculpar-se. Sua recusa à comunicação oral, então, transforma-se num escudo protetor.
O silêncio de Elizabeth incita a fala de Alma, a enfermeira encarregada de assisti-la, que inicialmente é introvertida. Tenta deixar o caso da atriz alegando não ser experiente o bastante para tratar de alguém em boas condições físicas e mentais. Ao permanecerem sozinhas na casa de praia da médica, a individualidade de ambas é confrontada e, a prestativa Alma, passa a falar desconcertadamente, a fazer confissões a Elizabeth as quais não condizem com seus princípios e com a forma que sua personalidade nos é apresentada.
A assimilação de Alma para com a personalidade até então, enigmática de Elizabeth, acaba por favorecer a troca de papéis: a atriz anteriormente analisada passa a analisar a enfermeira, nutrindo-se de sua resistência ao diálogo, quanto mais fechada em seu silêncio, mais obtém informações de Alma.
A inversão de papéis origina a real troca de personalidades, fato que nos remete novamente a Jung ao tratar da “sombra” no plano do inconsciente. Constitui-se ao material rejeitado pela persona do indivíduo como desejos, tendências, memórias ou experiências. Quanto mais forte a persona maior o repúdio a estes materiais. As pessoas que, por determinado motivo não reconhecem suas “sombras”, tendem a projeta-las em outros ou deixam-se dominar por ela sem que percebam.
É possível que Alma desconheça a sua “sombra” e, influenciada por Elizabeth, revele atos do passado, os quais são incompatíveis com sua persona. Ao longo da história, quando as personalidades fundem-se, Alma projeta a sua “sombra” em Elizabeth insultando-a constantemente.
A “sombra” de Elizabeth é revelada por Alma quando esta relembra sua aversão por seu filho. São memórias indesejáveis, à persona da atriz que, domina a personalidade da enfermeira.
A transformação em imagens da revelação do objeto de desejo de Elizabeth (a personalidade de Alma, pois projeta nela a sua própria) é vista no momento em que esta suga o sangue do braço da enfermeira.
De acordo com o método Stanilslavsky, o ator tem de ser o parasita da personagem para o seu êxito futuro e verossimilhança. O ato da senhora Vogler (já que interpretava um papel diante de Alma, ou melhor, utilizava uma de suas personas) nutre-se literalmente do produto que o outro possui e , no caso de Alma, não quer ceder.
Bergman nos remete durante todo o filme a questões teatrais e cinematográficas. Ainda no âmbito do teatro, Elizabeth deixa de falar enquanto interpretava Electra de Sófocles. O autor certamente não optaria por esta tragédia por mero acaso.
A personagem Electra é rejeitada pela mãe, nutre ódio pela mesma e tem grande amor pelo pai, por quem deseja vingar a morte. Elizabeth tem um filho somente para saciar o desejo daqueles a sua volta – e também para representar mais um papel de “mulher completa” – tenta livrar-se sem sucesso do feto e a criança possui um amor doentio pela mãe. Este fato pode aludir ao complexo de Édipo freudiano pelo fato do bebê ser do sexo masculino.
As semelhanças são invertidas: Elizabeth é a mãe que não deseja o filho, enquanto Electra é a filha rejeitada pela mãe. Resgatando novamente as teorias da personalidade de Jung, é possível interpretar o filho da atriz como sua “sombra”, já que foi recusado por sua persona.
Em se tratando de objeto de desejo, este muda na evolução da história para as duas protagonistas. Elizabeth quer encontrar sua identidade, busca pela verdade. Alma deseja ser Elizabeth, manifesta sua vontade quando diz “poderia me transformar em você se tentasse” logo após revelar uma orgia que viveu numa praia.
Justamente o relato dessa orgia marca a transposição de personalidades, no momento em que Alma descobre que uma parte muito íntima de sua vida e, que ela havia compartilhado com Elizabeth, estava sendo banalizada numa carta escrita pela paciente e direcionada para sua médica. Tal descoberta é representada com a mesma interferência sonora do gotejar, recurso utilizado anteriormente na poesia visual, e que caracteriza a fuga de uma parcela muito importante de sua vida: o “vazamento” de algo que até então se encontrava muito interiorizado na personalidade da enfermeira.
As duas estabelecem uma grande proximidade sugerindo, inclusive, uma paixão entre as duas, mostrada com muita sutileza pelo diretor (fato que torna ridículo e apelativo o título “Quando Duas Mulheres Pecam” em português). A ligação intensifica-se e ocorre a inversão de personas: Alma passa a agir como Elizabeth, dizendo, tudo o que a persona da atriz jamais aceitou.

REPRESSÃO NO DESEMPENHO

De acordo com o termo persona, o indivíduo cria uma forma de se apresentar ao mundo; seja através de atitudes, seja através de pertences pessoais. Relacionamo-nos socialmente através dessa máscara. No Capitalismo, o Princípio da Realidade sofre uma atualização. O indivíduo não mais busca sua felicidade e prazer livremente; o Princípio do Desempenho, criado pelo filósofo Herbert Marcuse, destaca a competitividade na luta pela sobrevivência como mais um obstáculo nesse objetivo. Enfim, as personalidades das pessoas estavam se modificando.
Atualmente, nota-se uma supervalorização da persona em relação ao Ego. A estrutura psíquica se altera de acordo com a máscara social. No filme de Ingmar Bergman, a personagem de Liv Ullman, a atriz Elizabeth Vogler, também sofre essa repressão da sociedade, contudo, seu Ego é prejudicado com a escolha
entre sua carreira e a presença de um filho. Acaba se decidindo ter um filho e fazer com que o período de gravidez se torne um novo patamar em sua carreira e, assim, enriquecer sua persona; impressionando a todos, menos ela mesma.
Com o nascimento de seu filho, Elizabeth sente desprezo e repulsa em relação àquela criatura que surgira de seu pseudo-amor e de seu corpo. Criara uma vida somente para alimentar sua sede de sucesso e bem estar social. Seu status quo se elevara. Elizabeth se tornara um modelo indentificatório para as massas como havia planejado, mas a que preço? Tal abalo, leva-a a perder sua verdadeira identidade perante as inúmeras personas que decide viver como atriz. Algum tempo depois, durante uma interpretação de "Electra", decide parar de falar, como se isso cessasse todas as mentiras que viveu e que poderia viver. Parte então para uma busca de seu verdadeiro eu.
Internada num hospital psiquiátrico, Elizabeth Vogler se fecha em seus pensamentos, mas tudo muda com a entrada da enfermeira Alma na cena, pois essa companhia acaba por atrasar a reconstituição da estrutura psíquica da Sra. Vogler. Ao permanecer sozinha, o Ego supera a persona, já que não há relacionamentos sociais. Por se tratar de uma profissional 'ouvinte passiva', a enfermeira tem a oportunidade de revelar seu Ego à sua paciente. Esta a estuda com um papel, uma nova personalidade que naturalmente acabará absorvendo.

outro texto sobre o filme

http://cinematografo.com.br/trabalhos/persona-bergman,jung_e_kierkegaard.pdf

35º Festival de Cinema Gramado traz novidades

2007-08-07T20:45:00.000-03:00

O Festival de Cinema de Gramado 2007, que acontece entre os dias 12 e 18 de agosto na Serra Gaúcha, traz algumas novidades em sua 35ª edição, a começar pela duração do evento, que se entendeu em um dia em relação aos anos anteriores.

Lista dos filmes selecionados no Festival de Gramado

A assessoria do 35º Festival de Cinema Gramado divulgou a lista dos selecionados para o evento neste ano, que acontece entre os dias 12 e 18 de agosto na Serra Gaúcha. Onze filmes vão participar da mostra competitiva, entre longas nacionais e estrangeiros, e 13 filmes integrarão a mostra de curtas nacionais.

O Brasil concorre ao Kikito (prêmio máximo do Festival) com Castelar e Nelson Dantas no País dos Generais, de Carlos Prates; Condor, de Roberto Mader; Deserto Feliz, de Paulo Caldas; Olho de Boi, de Hermano Penna; Otávio e as Letras, de Marcelo Masagão e Valsa para Bruno Stein, de Paulo Nascimento.

Confira a lista:

Longas brasileiros
- Castelar e Nelson Dantas no País dos Generais, de Carlos Prates
- Condor, de Roberto Mader
- Deserto Feliz, de Paulo Caldas
- Olho de Boi, de Hermano Penna
- Otávio e as Letras, de Marcelo Masagão
- Valsa para Bruno Stein, de Paulo Nascimento

Longas latinos
- Cocalero, de Alejandro Landes
- El Baño del Papa, de Enrique Fernández e Cesar Charlone
- O Cobrador, de Paul Leduc

Curtas em 35mm
- A Peste de Janice, de Rafael Figueiredo
- A Psicose de Valter, de Eduardo Kishimoto
- Alphaville 2007 D.C., de Paulinho Caruso
- Balada do Vampiro, de Estevan Silvera e Beto Carminatti
- Cine Zé Sozinho, de Adriano Lima
- O Livro de Walachai, de Rejane Zilles
- O.D. Overdose Digital, de Marcos DeBrito
- Oficina Perdiz, de Marcelo Díaz
- Passo, de Alê Abreu
- Perto de Qualquer Lugar, de Mariana Bastos
- Saliva, de Esmir Filho
- Satori Uso, de Rodrigo Grota
- Sete Vidas, de Marcelo Spomberg e Zé Mucinho

Mostra gaúcha
- A Peste de Janice, de Rafael Figueiredo
- Acerto de Contas de Luiz Rangel, de Luiz Rangel, Ivan Elias Oliveira e Luciana Amorin
- Casa Textor, de Marcos Holsbach de Souza
- Original O Filme, de Gustavo Tissot
- Os Vampiros Também Amam, de Nico Fagundes e Rosalinda
- Placebo, de Marcelo Restori

"BAIXIO DAS BESTAS" NOVO FILME DE CLÁUDIO ASSIS

2007-07-24T20:29:00.000-03:00

Sinopse

O Baixio das Bestas é o lugar símbolo das confluências humanas. Uma pequena comunidade entranhada dentro de uma cultura secular e paralisada em sua autoridade e em sua moral: a decadente cultura latifundiária. Pequenos centros urbanos que cercam o nosso vilarejo irradiam a idéia de futuro. Uma tosca idéia de possibilidades. Um pobre conceito de riqueza.

Nesse cenário se passa a história de Auxiliadora, Seu Heitor e Cícero. Ela, uma menina de 13 anos explorada pelo velho avô, Seu Heitor, um moralista ambíguo, que em tudo vê falta de autoridade mas ganha dinheiro explorando sua neta. Por sua vez, Cícero, um jovem de uma conhecida família local, que assiste ao drama de Auxiliadora e cria por ela uma paixão insustentável.

Do enfrentamento de Seu Mário e Cícero será decidido o destino de Auxiliadora. A menina de olhos brilhantes e encabulados que está no meio da disputa. Qual a saída? Qual o desejo?

Armando uma arena de combate no meio do canavial, o Baixio das Bestas serve como centro nervoso da ação. Aqui o que interessa não é constatar uma situação, mas problematizar as relações e sugerir narrativas a partir delas. É humanizar as questões e aprofundar o cotidiano desse núcleo. É dimensionar a existência além da aparência das coisas e fraturar a cômoda situação de espectador passivo diante dos fatos.

O profeta da degradação

Cláudio Assis, autor de 'Baixio das Bestas', diz que cinema não é só para se comer pipoca e beber Coca-Cola

Márcia Carvalho
Da Redação

Em torno de um engenho de cana desativado, uma adolescente é explorada sexualmente pelo avô, enquanto jovens da classe média do local se reúnem num cinema abandonado para barbarizar mulheres. O cenário de decadência e estagnação determina a ação dos personagens de Baixio das Bestas, que estréia hoje em Belém, às 20h30, no Cine Estação. Entre eles está a paraense Dira Paes, que interpreta uma prostituta, e ainda Caio Blat e Matheus Nachtergaele. O filme é de Cláudio Assis, o Lampião do cinema brasileiro. Indigesto, provocativo e não afeito a regras, o diretor pernambucano agitou o cenário do cinema nacional quando estreou em 'Amarelo Manga' (2002), anti-cartão postal de Recife com personagens atípicos, mas impregnados de realidade.

Na próxima semana, Cláudio Assis começa a filmar o documentário 'Eu vou de volta', sobre famílias que se iludem e embarcam rumo ao Sul Maravilha. 'Vamos acompanhar pessoas ainda iludidas, e outras desiludidas', antecipa o cineasta em entrevista exclusiva, por telefone, do Rio de Janeiro. Em 2008 será a vez da ficção 'Febre do Rato', sobre os poetas marginais, fechando sua trilogia iniciada com 'Amarelo Manga', que conquistou cerca de 40 prêmios. Polêmicas à parte, 'Baixio das Bestas' já tem seis vitórias, no Brasil e no exterior. Se o mundo não tem mais remédio, Cláudio Assis é o profeta da degradação humana.

Diretor diz que persegue a reflexão

Para pensar - Cláudio Assis contesta críticas de que criou um fetiche da violência brasileira

Quem não quer se molhar, não sai na chuva', diz Cláudio Assis, ao responder às críticas dos que o rotulam como um cineasta da sordidez brasileira.

No novíssimo cinema brasileiro, o desencanto venceu a esperança?
Como desencanto? Num País em que o presidente do Congresso é ladrão comprovadamente, o irmão do presidente fica impune... Não tem desencanto, é a realidade. 'Baixio das Bestas' é um filme atualíssimo. Você viu o que os garotos da Barra da Tijuca fizeram? São os agroboys, é assim que acontece. Não tem desencanto, não tem nada, é a vida. Ou a gente reage ou está fadado a ver nossas famílias se f...

O crítico Ismail Xavier qualificou o filme como 'uma estação no inferno', mas as imagens têm uma beleza extraordinária. Qual a contribuição do diretor de fotografia Walter Carvalho?
Sempre trabalhei com o Walter Carvalho. Ele contribui tanto de uma forma técnica quanto intelectual. É importante o olhar do fotógrafo, assim como a presença do ator. É um conjunto de coisas que a gente preza. Sem dúvida, ele é um grande parceiro, quem trabalha com ele sabe disso. E num filme como 'Baixio', que é uma opção mais radical, de querer fazer, mais do que uma estética qualquer, vale a relação de amigos mesmo.

Em Brasília, onde o filme saiu vencedor, houve aplausos e vaias. 'Baixio' é mesmo um filme sem meio-termo?
É um filme para se pensar, não é um filme de triângulo amoroso. Hoje o cinema brasileiro está viciado em triângulo amoroso. A Globo Filmes pede isso, quer que se faça. A vaia não é culpa dessas pessoas, mas de todo um sistema que favorece isso, que deseduca o olhar. As pessoas não têm paciência, acham que cinema é só para comer pipoca e beber Coca-Cola. Filmes como 'Baixio' e 'Cão sem Dono' fazem com que as pessoas pensem. Cinema é pra gente refletir sobre nós mesmos, para que a gente mude. É como um livro, um poema. Mas acho ótimo que tenha vaias, o filme não foi feito para agradar todo mundo. Acho que hoje não existe mais cinema de arte, como fizeram Felinni, Pasolini, Bergman, Buñuel. O que existe é uma deseducação da platéia - e no Brasil mais ainda, onde o cinema custa de R$ 18 a R$ 20. Então mesmo quem quer se educar não tem condições. Infelizmente essa é a nossa realidade.

Como você responde às críticas de que fetichizou a violência?
Isso é conversa! Estivemos há 15 dias no Recife, onde o filme está em cartaz há sete semanas, para um debate com organizações governamentais e não-governamentais, como Conselho Tutelar, Casa de Passagem, e foi sensacional. Elas pediram que eu cedesse o filme para debate nas comunidades da periferia. Pra que resposta melhor? Esses idiotas maltratam as mulheres e depois ficam me acusando. Estou denunciando e eu sou o réu? (risadas). Que engraçado!

A crítica o vê como o melhor cineasta brasileiro especializado em personagens e situações sórdidas. Você não tem medo de ficar rotulado?
Eu não tenho medo, não. Quem não quer se molhar não sai na chuva. Estou falando de uma coisa verdadeira, na qual eu acredito, os atores acreditam, as pessoas sérias e honestas acreditam e respeitam. Não quero agradar, fazer concessão. Se você não tem personalidade, não encontra respeito. No cinema não tenho medo de nada e nem de ninguém. Que me rotulem! Um dia vão perceber que são idiotas.

Dira Paes também esteve em 'Amarelo Manga' e agora em 'Baixio'. Qual a sua relação com a atriz?
Você já viu a Rolling Stone dessa semana? Tem uma entrevista com ela, linda e maravilhosa. A Dira é uma deusa, que representa a mulher brasileira de forma belíssima. É uma pessoa verdadeira, inteligente, muito séria e de uma generosidade maravilhosa, que vai fundo no personagem. Ela fez uma crente em 'Amarelo' e agora uma prostituta em 'Baixio'. Amo as duas, não sei qual é a mais linda. Só tenho elogios para a Dira, sou até suspeito para falar.

Você defende a criação de salas de cinema menores, na periferia, para a exibição de filmes que não se encaixam no circuitão comercial. Acredita que o governo Lula fará isso?
Só não faz se for bobo. Se não fizer a gente vota no Morales (risos). Tem que ter alguém de coragem que faça cinema a R$ 1. Não dá para continuar assim, com três filmes ocupando 80% das salas. 'Homem-Aranha 3' expulsou 'Baixio', expulsou 'Cartola' e diversos filmes brasileiros. Aqui não tem dono da casa. Veja o BNDES incentivando sala de cinema de shopping center. Quem ganha R$ 350 não vai nesse cinema e está certíssimo em comprar DVD pirata, porque você compra o filme a R$ 5 e ele é teu. No Brasil somos forçados a fazer isso, somos forçados a ser escrotos.

Serviço: 'Baixio das Bestas', de Cláudio Assis (18 anos). EM CARTAZ NO MAG SHOPPING SALA 01 EM JOÃO PESSOA

NASH LAILA A MAIS NOVA ESTRELA DO CINEMA NACIONAL

2007-06-09T18:50:00.000-03:00

Começo com uma auto-definição da atriz, "eu não sei, a cada dia, o que vou amar no dia seguinte."e o mais é nada".

Nash Laila é Pernambucana e mora na bela cidade de Olinda, ela vem do teatro e no meio de dezenas de aspirantes a atriz de cinema ela se destacou e vejam que foi a amiga dela que fez a inscrição para o teste do filme "DESERTO FELIZ" do diretor Paraibano Paulo Caldas o mesmo de "O BAILE PERFUMADO"

Nash faz Jéssica a personagem principal, uma menina de 14 anos que mora com a mãe (Magdale Alves, de Amarelo Manga) e o padrasto Biu (Servilio de Holanda, do curta Entre Paredes, de Eric Laurence). Abusada sexualmente por ele, Jéssica verá no Recife uma fuga lógica e possível da sua vida.

o filme conta com um elenco de nivel como:

João Miguel (cinema, aspirinas e urubus)

Peter Ketnath (cinema,aspirinas e urubus)

Aramis trindade (o alto da compadecida,lisbela e o prisioneiro)

Hermila Guedes(o céu de suely )

magdale Alves (amarelo manga)

Além de muitas surpresas nesse filme que já vem arrancando aplausos por onde passa.

Nash Laila diz que seu nome veio de algum filme visto pelo pai, muito embora o diretor de fotografia carioca Roberto Feijão acredite tratar-se de uma homenagem a Crosby Stills Nash & Young, banda ícone do rock norte-americano, anos 60. "E Layla deve ser a de Eric Clapton", sugere. Ele diz que a atriz egressa do teatro, no seu primeiro filme, "tem a capacidade de crescer quando vista pela lente da câmera, com uma naturalidade espantosa".

O Brasil deve ficar de olho e esperar pela atuação dessa fantastica atriz que destacamos em nosso blog, Nash é em poucas palavras...

A visão de dante ao chegar no céu, um misto de brasilidade e carga dramatica de atrizes brilhantes, essa que chamo de pequena, o mundo agora é teu Nash Laila!!!

PRIMEIRO SANHAUARTE

2007-06-08T05:53:00.000-03:00

O dia 08 de junho de 2007 será marcado para sempre na história cultural da cidade de Bayeux-PB, foi o dia em que um grupo de guerrilheiros culturais deram o grito de socorro pela recuperação da velha ponte do rio sanhauá,local onde a cidade de João Pessoa nasceu, nas margens do mangue onde esse grandioso evento ocorreu.

poetas, artistas plasticos, musicos, cineastas e principalmente a população que quer ver a velha ponte como um ponto de cultura onde por lá seus ilustres artistas possam dizer a o estado da Paraiba que do mangue brota uma escência chamada arte.

Fica aqui o aplauso para os seus realizadores,

"JORNAL BAYEUX AGORA,

CINE BAIRRO,

CASA DE CULTURA LÚCIO LINS E O FOLIA DE RUA"

O CINEMA NA PARAIBA

2007-06-05T05:41:00.000-03:00

A exemplo de outros estados, o cinema chegou à Paraíba trazido por um ambulante europeu. Nicola Maria Parente realizou as primeiras projeções em agosto de 1897, na capital do Estado, durante a tradicional Festa das Neves. Em 1902, Mário Quineau, diretor da empresa Nordeste Brasil, passou a exibir regularmente no Teatro Santa Roza. O incipiente mercado se estabilizou e tomou algum impulso a partir de 1907, quando os primeiros filmes de ficção chegaram a capital e o interior viu surgir suas primeiras salas de exibição. As primeiras produções locais apareceram em 1918 pelas mãos de Pedro Tavares, fotógrafo do governo do Estado, que registrou por pouco tempo, além de obras governamentais, os principais acontecimentos da época.
O cinema paraibano ganhou vulto com a obra de Walfredo Rodriguez, que realiza em 1923 o documentário Carnaval Paraibano e Pernambucano, e inicia em 1924 Sob o Céu Nordestino, considerado seu mais importante trabalho. Concluído em 1928, veio a se constituir, na opinião de críticos e cineastas, num marco etnológico dentro do cinema brasileiro, por retratar pioneiramente e sem exoterismo a cultura popular nordestina. Tal feito rendeu-lhe o título de Pai do Cinema Paraibano. Da obra restaram alguns fragmentos, utilizados por Wladimir Carvalho em Homem de Areia.
Com a introdução do som, cessou a atividade cinematográfica no Estado, havendo lenta retomada com a criação, pelo governador José Américo de Almeida, do Serviço de Cinema Educativo em 1955, cujos filmes estavam a cargo de João Córdula, e com o movimento cineclubista. Com a criação do primeiro cineclube, 1952-1953, iniciativa de José rafael de Menezes e dos padres Antônio Fragoso e Luís fernandes, surgiu um pólo aglutinador das discussões teóricas e estéticas em torno de um cinema paraibano. Como conseqüência, aparece em 1955 a Associação dos Críticos Cinematográficos da Paraíba (ACCP), contemporânea da Universiidade Federal da Paraíba (UFPB).
O final da década de 50 foi marcado, sobretudo pela constituição de uma nova cinematografia, embrião imediato do chamado cinema novo. Foi o momento da realização de Aruanda (1959-1960), de Linduarte Noronha, e da deflagração do Ciclo do Documentário Paraibano, que durou de 1959 a 1979. Aruanda representou a afirmação do cinema paraibano no panorama nacional e impulsionou a produção no Estado, especialmente a documental. Despontal nomes como Wladimir Carvalho (O País de São Saruê, Conterrâneos Velhos de Guerra), João Ramiro de Melo (Romeiros da Guia, O Sósia da Morte), Ipojuca Pontes (Poética popular, os Homens do caranguejo) e muitos outros. Linduarte ainda realizou ,mais dois filmes: o curta documental O Cajueiro nordestino (1962) e o longa ficcional O Salário da Morte (1970).
A década de 60 contabilizou considerável aumento da produção de filmes, levando-se em conta as dificuldades para obtenção de equipamentos, recursos e profissionais especializados. A maior parte dos filmes foi feita por equipes integradas por no máximo quatro pessoas. As dificuldades iriam se acentuar com o tempo e nos aos 70 os principais protagonistas do ciclo deflagrado em 1959 migrariam para outros estados. Em movimento contrário, a cultura e a literatura paraibanas atrairiam, na mesma época, cineastas do Sul do país, resultando em três longas-metragens de ficção: Menino de Engenho, de Walter Lima Jr., feito em 1965 a partir da obra de José Lins do Rego; Soledade, filmado por Paulo Thiago em 1976 com base em A bagaceira, de José Américo de Almeida; e Fogo Morto, rodado por Marcos Farias no mesmo ano, adaptação da obra homônima de José Lins do Rego.
O movimento local se reanimou com a realização da VII JORNADA BRASILEIRA DE CURTA-METRAGEM, em 1979, durante a qual se discutiu a criação de um pólo cinematográfico paraibano, o que nunca aconteceu, apesar do prometido financiamento da EMBRAFILME e do governo do Estado.O que de concreto a jornada produziu foi a criação do Núcleo de Documentação Cinematográfica (NUDOC). Graças a um convênio de cooperação técno-cultural feito entre a UFPB e o Centro de Formação de Cinema Direto de Paris (Association Varan), que previa a implantação de um ateliê de cinema direto de João Pessoa e o estágio dos alunos locais na capital francesa, o NUDOC conseguiu comprar equipamentos áudio-visuais, tornando-se co-produtor de vários filmes realizados no Estado nos anos 80. O projeto, que tinha a sua frente o diretor do Comitê de Filme Etnográfico da França, Jen Rouch, consistia na aquisição de um sistema completo de produção em bitola Super-8. A proposta acabou por dividir os cineastas locais, que acreditavam as metas estabelecidas pos Rouch divergiam das propostas traçadas pela geração documentarista dos anos 60. Estes viam no NUDOC a possibilidade da retomada da produção em bitolas mais profissionais. Foi nesse clima de desencontros consensuais que a Paraíba inaugurou a fase chamada de superoitista.a bitola amadora dinamizou o processo de produção, permitindo aos novos cineastas uma experimentação mais intensa da ficção. Pouco antes, a cidade de campina Grande havia se tornado um razoável pólo de produção e discussões cinematográficas. Esta girou em torno da criação do Cinema de Arte e contou com nomes como Bráulio Tavares, José Umbelino Brasil e os irmãos Rômulo e Romero Azevedo. Aquela teve em Machado Bittencourt e na sua CINÉTICA FILMES LTDA, um dos raros estúdios cinematográficos do país especializados em 16 mm, uma base segura para realização de diversos curtas experimentais e dois longas de ficção, Maria Coragem (1977) e O Caso Carlota (1981). Machado foi ainda um dos fundadores da Fundação nordestina de cinema (FUNCINE), fechada com a extinção da EMBRAFILME em 1990.Ao longo dos anos 80, com o apoio da FUNAPE, órgão vinculado à UFPB, realizaram-se ainda alguns curtas documentais e semidocumentais na mesma bitola 16 mm. Cinema Paraibano 20 Anos (1983) e Nau Catarineta (1987), ambos de Manfredo Caldas; Parahyba (1985), de Machado Bittencourt; 24 Horas (1986), de Marcus Vilar, Itacoatiara - a Pedra no Caminho (1987, de Torquato Joel; Carnaval Sujo (1987-19880, Palácio do Riso (1989) e Reino de Deus (1989), este da cineasta Vânia Perazzo, em co-produção com a Bulgária. Vilar, Joel e Perazzo foram formados pelo Ateliê Varan de Paris.
A década de 90 apresenta novamente uma queda acentuada na produção. O único filme apresentado é Viagem a São Saruê, de João de lima e Everaldo Vasconcelos, iniciado em 1987 e concluído em 1995.

Fonte: RAMOS, Fernão; MIRANDA, Luiz Felipe. Enciclopédia do cinema brasileiro. São Paulo, Editora Senac, 2000.

CINE BAIRRO TERMINA SEU SEGUNDO CURTA METRAGEM

2007-06-04T19:49:00.000-03:00

O cine bairro acabou de filmar seu segundo documentario que se chama

"CORAÇÃO REVOLUCIONARIO, um curta de ficção em video digital que conta a história de jonas, um jovem que viveu no tempo da ditadura militar brasileira.

Jonas está preso em seu quarto enquanto seus camaradas lutam por um Brasil melhor e socialista.

Angustia e loucura tomam conta dessa emocionante produção do Cinebairro, interpretada por Thiago Rodrigues e dirigido por Dery Alves.

RE-ESTREIA DO CURTA:

DIA 09 DE AGOSTO DE 2007

LOCAL: SESC CENTRO

HORA:12:00 E AS 19 hs
ENTRADA FRANCA

CONTATOS COM O CINE BAIRRO

2007-06-03T12:33:00.001-03:00

FONES:83 88494805(THIAGO) ou 88065636 (DERY)

E-MAIL cinebairro@hotmail.com

O CINE BAIRRO

2007-06-03T11:37:00.000-03:00

ESTAMOS EM 2007 E A QUATRO ANOS ATRAS SURGIU O PROJETO CINE BAIRRO

A ideia surgiu das cabeças maravilhosas desses 3 amigos(Jonathan, Thiago e dery) jovens da cidade de Bayeux que fica no estado da Paraiba.

A proposta do cine bairro é a de levar cinema nacional para as comunidades carentes de sua cidade, eles colocam centenas de cadeiras em praça publica locam um projetor multimidia e levam a magia do cinema para crianças , jovens e adultos que podem ter a certeza que o projeto veio para tentar resgatar a cultura na sua cidade e do seu estado.

Em 2007 o cine bairro produz o primeiro documentario feito na cidadede Bayeux que fala sobre a vida de um pescador de caranguejos, o documentario chama-se :DA LAMA AO CAOS e agora em junho de 2007 menos de 1 ano eles ja estão em fase de conclusão o seu mais novo curta, agora de ficção chamado:CORAÇÃO REVOLUCIONARIO que se passa no periodo da ditadura militar, o cine bairro está sempre nos festivais de cinema pelo brasil seja enviando material ou até mesmo fazendo contato com atores e diretores do Brasil e do mundo.

e por falar em contato...

No dia 14 de maio de 2007 o projeto fez uma exibição histórica, lançou com exclusividade para todo o estado da Paraiba o filme O CHEIRO DO RALO na comunidade de Tambay na mesma cidadede origem do projeto, lá os amantes do cinema e em especial do ator Selton Mello que protagonizou o personagem LOURENÇO, tiveram uma supresa, pois o cine bairro consegue do ator Selton Mello um video exclusivo onde ele fala do projeto cine bairro e se desculpa por não poder estar lá.

Esse video vcs podem assistir aqui basta clicar no link:

http://www.youtube.com/watch?v=zds3zM0mr5g

O cine bairro está ai e vai apartir de agora com esse blog poder divulgar suas exibições e seus projetos.