CINE: CRÍTICAS BRAGATO-PIERRE

PIRATAS DEL CARIBE 4 EN 3D, LE QUATTRO VOLTE, ESTRENOS JUEVES 19 DE MAYO, BUENOS AIRES

2011-05-19T12:35:00.000-03:00

JUEVES 19 DE MAYO DEL 2011.

Solo dos estrenos en fílmico en virtud de la cantidad de salas que ocupa el lanzamiento de “Piratas del Caribe IV”.

PIRATAS DEL CARIBE IV, NAVEGANDO AGUAS MISTERIOSAS, 3D

De Rob Marshall. Con Johnny Depp, Penélope Cruz, Geoffrey Rush, Jorgelina Airaldi, entre otros. Música de Hans Zimmer. Duración: 136 minutos.

BUENA. ENTRETENIMIENTO DE PRINCIPIO A FIN

Se llega a la cuarta película de la saga “Piratas del Caribe” en otro film de puro entretenimiento, que protagoniza Johnny Depp. Recién ahora ingresa al circuito comercial y ha sido a propósito: se la quiso distanciar de las tres anteriores para lograr suspenso y buena taquilla.

En esta oportunidad, la dirigió Rob Marshall, afamado director de Chicago y Nine, por ejemplo. Y acompañan a Jack Sparrow, o sea Johnny Depp, Penélope Cruz como Angélica, una mujer de su pasado, Barbanegra a cargo de Ian McShane, dos figuras europeas, además del actor británico Sam Claflin en el rol del misionero Phillip, relacionado con Syrena, encarnado por Astrid Berges-Frisbey. Las sirenas son muchas y destacamos la presencia de la modelo argentina, nacida en Santa Fe, Jorgelina Airaldi.

El film nos remite a las conocidas aventuras de espadachines y mares embravecidos de las anteriores películas, pero siempre hay motivos para atraer al público. Esto no se puede dudar.

Vale destacar que el film se realizó en exteriores en el puerto de Greenwich, y los interiores se llevaron a cabo en los estudios ingleses de Pinewood, de gran dimensión y excelencia técnica.

Hay una lograda escena en el Salón de Banquetes del Palacio de Saint James con la presencia del rey Jorge II (Richard Griffiths), dentro de secuencias donde la acción no tiene fin y, en este sentido, el objetivo del producto está alcanzado.

Jack Sparrow debe encontrar la Fuente de la Juventud, ubicándose en 1750, cuando convergen el conquistador español Ponce de León, “nuestro” Jack Sparrow y el corsario Héctor Barbossa, al servicio del rey Jorge II. Los personajes se suman a elementos ya conocidos de la saga como la brújula y el monito de Jack.

El film es muy vistoso, atractivo, y es un gran entretenimiento, más allá de hilar fino y determinar, desde este modesto lugar, si hay o no errores de edición. Lo dejamos de lado porque la atracción es mucha. Por supuesto, al tratarse de la cuarta película de un mismo personaje, hay reiteraciones inevitables. Pero de eso se tratan las Sagas justamente, y es lo que les da identidad: la reiteración de elementos y actitudes a lo largo de los cuatro films en este caso.

Penélope Cruz ya estaba embarazada cuando filmó a mediados del año pasado y, según sus propias declaraciones, fue cuidada y no tuvo escenas de excesivo riesgo. Johnny Depp, como siempre, se siente a sus anchas en estos exóticos personajes, donde debe realmente componer a partir de determinadas líneas de la dirección actoral. Aquí hay esfuerzo, entrenamiento y composición puestos al servicio del entretenimiento puro donde algunas ausencias de guión y montajes a “todo o nada” no hacen mella en la acción de principio a fin.

Carlos Pierre

LE QUATTRO VOLETE

De Michelangelo Frammartino. Duración: 88 minutos

MUY BUENA. MEDITACIÓN CINEMATOGRÁFICA

SOBRE EL ARTE DE LA VIDA COTIDIANA. BELLA Y ATRAPANTE.

El cine-arte suele ser controvertido por lo críptico o bien por la decodificación intelectual y ardua que debe hacer el espectador. En el caso de Le Quattro Volte, basada en la hipótesis de Pitágoras de cuatro elementos de la vida (hombre, vegetales, animales, mineral), el espectador se mete de lleno en un mundo sencillo y vital, cotidiano, sin música, sin diálogos, disfrutando de secuencias muy bellas que van produciendo sosiego y alegría espiritual. Se podría pensar que la atención decae. Sin embargo, he aquí el arte del director Frammartino: haber transformado las imágenes en una ficción encantadora que solo necesita de la complicidad del auditorio para ser disfrutada. Hay una historia pero no está contada con palabras sino con imágenes.

El protagonista es un pastor anciano, no habla, solo cumple con su tarea de llevar a pastoreo a su numeroso rebaño de cabras. Vive solo y consume cenizas de la iglesia (únicos interiores) para curarse de una tos resistente.

Hay nacimientos que coinciden con su muerte y emociona la intuición de los animales que, de pronto, irrumpen en su casa y se transforman en un risueño y conmovedor cortejo fúnebre. Frammartino ubica la cámara, por momentos desde atrás del techo de la vieja casa del pastor desde donde se ve una callecita de este pueblo de Calabria. Será la testigo muda de cómo la vida continúa, se transforma, pero sigue siendo la misma, la vida cotidiana.

Una cabrita recién nacida se pierde y encuentra albergue en la base de un altísimo árbol. Con el tiempo, sin que se sepa cuánto, ese árbol será talado, participará de una fiesta popular del pueblo y finalmente será transformado en leña, en carbón, utilizándose un método ancestral que la cámara toma en detalle. Resulta aleccionador y atrapante.

Las cabras tendrán otro pastor, la callecita seguirá estando igual, sin cambios, solo una camioneta que la recorre dejando en las casas la bolsa de carbón de leña. Y la pauta de que la vida continúa, a pesar de la vida y de la muerte, está en una solitaria chimenea del pueblo que vuelve a emitir humo, gracias a la leña. Nadie habla. Todos viven la vida. La rutina de la vida.

No le hicieron falta diálogos ni complicadas premisas a Frammartino para meternos de lleno en la vida. El documental con algo de ficción, según cómo se lo mire, es para disfrutar, y atrapa de principio a fin. Sin embargo, debemos alertar a los espectadores: no es un film que pueda gustarle a todos porque es atípico. Como dijimos, no hay diálogo. Aquí todo lo hace el entramado de las secuencias que el director ha dispuesto. Se ve lo cotidiano, se ve la vida simple. Y se disfruta. Sin efectos especiales ni nada. Usted elige.

Elsa Bragato

PODER QUE MATA, QUE LA COSA FUNCIONE, MUJERES AL PODER, VIENEN POR EL ORO, ESTRENOS JUEVES 12 DE MAYO, BUENOS AIRES

2011-05-14T15:36:00.000-03:00

JUEVES 12 DE MAYO DEL 2011.-

Hay seis estrenos en fílmico. No comentaremos Winnie the Pooh ni el documental argentino De artistas y de locos, sobre los artistas del Borda.

QUE LA COSA FUNCIONE

De Woody Allen. Con Larry David, Evan Raquel Wood, Patricia Mckean, entre otros. Música de la época del swing. Duración: 92 minutos.

MUY BUENA. CUANDO LA FATALIDAD ES LO QUE FUNCIONA

Estamos ante la película número 39, de las 42 que realizó Woody Allen con la que está presentando ahora en Cannes. Nos faltaba verla: Whatever Works, o Que la cosa funcione, es el título. Otra vez en Manhattan, Woody Allen toma al protagonista, encarnado por el actor Larry David, como su alter ego, y se explaya ante cámaras hablándole directamente al espectador. Descarga su pesimismo, su misantropía, su angustia, su ateísmo.

Nada ni nadie se salva de la provocación de Boris Yellnikoff, el descarnado personaje de Larry David (tan reconocido por sus trabajos en las series Seinfeld y Curb Your Enthusiasm), hiriente y corrosivo. Todo le ha ido mal, nada funcionó ni funciona, es un derrotado profesor de física cuántica que estuvo “ahí” de ganar el premio Nobel pero lo perdió, pero se considera un genio.

Su diatriba incluye a todos: los judíos, los negros, los católicos, la música electrónica, los jóvenes. “Algo” le podría funcionar, pero parece que no: hasta tiene intentos de suicidio pero sigue vivo. Una ocasional relación con una mujer joven (Patricia Rachel Wood, la hija distanciada de Mickey Rourke en “El Luchador”) termina en casamiento, tampoco afortunado. Boris vive en un constante estado de pánico y desconfianza de los hombres, sigue analizando el Cosmos y su futura extinción y su verborragia consume su vida y la de quienes lo rodean, viviendo secuencias extravagantes a cargo de los padres de su vapuleada joven esposa.

Hay un logro en este film y es que el protagonista hable directamente con el espectador, estableciendo una complicidad propia del teatro. No hay que olvidar que este film fue un guión escrito por Allen en los 70 para ser realizado en Broadway, algo que no se concretó. Como indica el título casi como súplica: que algo funcione.

La fotografía es buena pero clásica, no hay un intento de sorprender con la narración. Los diálogos son agudos, en realidad, monólogos del protagonista donde se sintetiza todo el pensamiento de Allen, pesimista epicúreo porque no se niega los placeres pero, en el fondo, los maldice. La banda sonora es el jazz de otros tiempos. El entorno es Manhattan, tan amada por Woody Allen. Hay humor corrosivo, hay ideas, hay sustancia, y menos artificio cinematográfico, lejos de La rosa púrpura de El Cairo o de Match Point. De todas maneras, produce regocijo en el alma, nos saca una sonrisa y de vez en cuando una carcajada. Ni la mejor ni la peor película de Allen.

Carlos Pierre

MUJERES AL PODER

De Francois Ozon. Con Catherine Deneuve, Gerard Depardieu, entre otros. Música de Philippe Rombi. Duración: 103 minutos.

BUENA. LA MUJER-ADORNO ROMPE LOS MOLDES

Francois Ozon se basa en la exitosa obra teatral “Potiche”, de Barillet y Grédy, que se representara en Buenos Aires en los 70 (Mirtha Legrand). Potiche es un objeto decorativo, puede ser un jarrón bello pero sin valor ni practicidad. Es el sentido que, inicialmente, se le da a una mujer que vive a la sombra de su marido, encarnada por Catherine Deneuve. Su marido es el dueño de una fábrica de paraguas (reminiscencia de aquella maravillosa Los paraguas de Cherburgo, de Demy). Su ausencia por motivos de salud (emprende un crucero de placer) y el reencuentro de este “potiche” de mujer con el ex delegado laboral, a cargo de Gerard Depardieu, un ocasional amante años atrás, provocan el click argumental para que la historia tenga un vuelco. Es la mujer, ese potiche, quien deberá manejar la empresa y solucionar los problemas laborales, aún con sus extravagancias de ama de casa rica. El sentido de la obra responde a los cambios sociales de la década del 60, cuando la mujer iniciaba su arduo camino de liberación.

A pesar de la libre adaptación de la obra ajustándola a los actuales cánones del cine, se percibe la férrea estructura teatral. Sin embargo, no desmerece al film sino que Ozon logra una ágil y picante comedia al mejor estilo francés.

Un párrafo aparte merece la música original de Philippe Rombi con una brillante orquestación, alimentada por una gran orquesta. El triángulo prestigioso que conforman Francois Ozon, Gerard Depardieu y Catherine Denueve, sostienen esta comedia y la transforman en un entretenimiento eficaz, en momentos de virulencia visual en los cines.

Carlos Pierre

PODER QUE MATA

De Doug Liman. Con Naomí Watts, Sean Penn, Sam Shepard, entre otros. Música de John Powell. Duración: 106 minutos.

BUENA. ESCRACHE A BUSH SIN MEDIAS TINTAS

Entre la política y el amor transcurre la vida de Valerie Plame, encarnada por Naomí Watts, la agente de la CIA que descubrió la inexistencia de un plan nuclear en Irak que justificara la guerra iniciada por Bush. Su marido es Joe Wilson, a cargo de Sean Penn (siempre creíble, eficaz) ex embajador en Irak, es enviado por la CIA para corroborar aspectos de la investigación de su mujer. Ambos caen en la “trampa Bush-CIA” y son condenados públicamente de manera atroz.

Esto produce un vuelco en la trama: de ser un film de suspenso político (no policial) pasa a ser el drama de un matrimonio que ve perder sus sueños de amor por las mentiras instaladas en la opinión pública por Bush y sus seguidores.

Está claro que Sean Penn no es republicano y su filiación demócrata y su actitud antibelicista están manifestadas en cuanta película ha podido reflejarlo. Y aquí pone toda su garra en demostrar que Bush mintió, que usó a gente leal y honesta en sus trabajos, aún los de espionaje (que no nos caen bien a la mayoría), para llevar a cabo una guerra en Irak por el petróleo y no para salvaguardar el honor americano por el atentado a las Torres Gemelas. Que tanta muerte la usó en su provecho político y personal. Y que en este uso de su propio pueblo no tuvo miramientos ni para destruirlos a nivel laboral ni como personas.

La narración del film es clásica, no presenta mayores sobresaltos sino que se esmera por desentrañar el dolor de un hombre y una mujer que se ven destruidos por un poder que aniquila sin piedad. Desde este punto de vista, el film parece más discursivo que “activo”. Sin embargo, cala hondo y deja un mensaje que, aunque previsible, es bueno recordar siempre. Sí llama la atención en esta parte del mundo que se pueda hacer un film tan abiertamente condenatorio, sin que ninguno de los realizadores ni actores sufran persecución alguna en su país. Hay que aprender, entonces, que esto sí es libertad de expresión.

Elsa Bragato

VIENEN POR EL ORO, VIENEN POR TODO

Documental argentino-boliviano de Pablo D’Alo y Cristian Harbaruk. Música de Alejandro Teran, Martín Bosa, Juan P. Mendoza, Pablo D’Alo Abba. Duración: 83 minutos.

BUENA. DOCUMENTAL INTERESANTE SOBRE LA EXPLOTACIÓN MINERA EN ESQUEL

Hace una década, en Esquel, una empresa canadiense obtuvo los derechos de extracción de oro y plata en minas a cielo abierto, es decir, fragmentando la montaña con explosivos y utilizando una enorme cantidad de agua que dejan contaminada con cianuro en pleno medio ambiente. En un principio, resultó una tentación laboral para la población, que vivía por debajo de los límites de la pobreza.

No obstante, un buen día la sociedad local se despertó y, mediante un plebiscito, rechazó la instalación de la empresa, a pesar de la injerencia del poder económico-político, provocando la renuncia del gobernador.

El documental de los realizadores Pablo D’Alo Abba y Cristian Harbaruk tiene un ritmo ágil y abarcativo que lo transforma en muy atractivo para el espectador. Pudo ser un documental parcial, sin embargo, no obviaron las dos facciones en pugna dentro de la población ni los diversos aspectos de la comunidad patagónica. Solo, creemos, faltó una explicación más técnica y fundamentada de los efectos nocivos de la explotación minera a cielo abierto.

Se trata de un muy buen trabajo, multipremiado, de rabiosa actualidad para nuestro país porque sigue vigente este emprendimiento y hay varios más en otras provincias argentinas.

Carlos PIerre

AGUA PARA ELEFANTES, GNOMEO Y JULIET, RÁPIDOS Y FURIOSOS 5, COCINA DEL ALMA, CULPABLE O INOCENTE, ESTRENOS JUEVES 5 DE MAYO, BUENOS AIRES

2011-05-05T10:40:00.000-03:00

JUEVES 5 DE MAYO DEL 2011.-

Hay cinco estrenos en fílmico. Se anunciaban también algunos estrenos nacionales dentro del circuito no comercial.

AGUA PARA ELEFANTES

De Francis Laurence. Con Robert Pattinson, Reese Witherspoon, y Christoph Walts. Música de James Newton Howard. Duración: 122 minutos.

MALA. MALTRATO ANIMAL EN UN MELODRAMA APÁTICO

Robert Pattinson, el protagonista de Agua para Elefantes, basada en la novela exitosa de Sara Gruen, tiene un producto a su medida, es decir para su lucimiento. Se transforma en el amante, en el tercero en discordia de un matrimonio circense conformado por Reese Witherspoon y Christoph Waltz, deslucidos en sus caracteres como los dueños de un circo de poca monta. Todo comienza cuando un anciano concurre a un parque de diversiones y, por una situación que permite arrancar la anécdota central, recuerda su vida en un circo cuando se quedó sin padres y en la calle.

La historia entonces se ubica en la difícil década del 30. El jovencito se suma a una troupe circense, debiendo dejar su estupenda carrera como veterinario. Los conocimientos médicos le permitirán tener un trabajo.

Hasta aquí lo que se puede contar, si bien el resto es previsible. Matanzas de empleados, de animales, un romance que no cuaja, personajes apáticos y deslucidos en medio del pintoresquismo de un circo barroco.

Queremos destacar que, aunque sean ficticias, hay escenas de maltrato animal muy fuertes que desagradan y que, aún queriendo explicar la locura del grotesco personaje de Waltz, el dueño del circo que no duda en arrojar del tren a sus colaboradores si no hay dinero para mantenerlos (lo mismo hace con los animales), incomodan y generan un profundo dolor en el ánimo del espectador.

La escena del ataque de Waltz a una elefanta, si bien no se ve en detalle pero se escuchan los gritos supuestos del animal, es tan brutal que solo por eso este film vale la calificación de malo. Nada justifica una escena supuesta de este calibre. Sí se ven las presuntas consecuencias: el animal tumbado, quejoso y herido en un costado.

Por otra parte, la relación entre los personajes de Pattinson y Witherspoon es tan poco pasional que resulta apática, sin “pathos”, sin fibra pasional, no transmite nada a la audiencia.

No nos gustó nada. Nos hizo sentir mal, incómodos. Claro está, las fanáticas de Robert Pattinson verán al actor componiendo un rol diferente al de la saga Crepúsculo y tratando de crecer como tal. No la recomendamos para el público en general porque el libro de Sara Gruen es literatura y la trasposición de ese espíritu al cine no está lograda. Aquí hay lucimiento de la figura y el rostro de Pattinson. Está bien para los adolescentes, no para el público adulto que busca algo más.

Elsa Bragato

GNOMEO Y JULIET

De Kelly Asbury, el director de Shrek 2. Con las voces en inglés de James Mcavoy y Emily Blunt. Música de Elton John. Duración: 84 minutos.

BUENA. SIMPÁTICA ANIMACIÓN SOBRE LA HISTORIA DE ROMEO Y JULIETA

La tragedia de los Capuletos y Montescos atrajo siempre a muchos realizadores. Trasponer esta historia de amor y odio en un dibujo animado dirigido a los más chicos (hay animaciones para adultos) ha sido una empresa difícil pero lograda. Aquí la rivalidad de las dos famiias se traslada a dos jardines, donde hay simpáticos gnomos de yeso que conviven, pared de por medio, cuando los humanos no están.

El director Kelly Asbury, de Shrek 2), la producción ejecutiva y las canciones de Elton John, la distribución de los estudios Disney y gran parte de la realización animada a cargo de la afamada compañía Startz Animation de Canadá, configuran un sólido aval para este film.

Para suavizar el tono intensamente dramático de la obra shakesperiana, Gnomeo habla con la estatua del bardo inglés, que está ubicada en su ciudad natal, Stratford, en Inglaterra. Ésta es una secuencia muy lograda y agradable. Gnomeo le insiste a Shakespeare que debe cambiar el desenlace y el final.

Como ocurre en este género de films, aparecen animales y otros seres que les dan soporte a los protagonistas: en este caso hay un rana que es la confesora de la gnomo Juliet. Un hongo azul, a su vez, es el que le presta oídos a Gnomeo. Una pareja de flamencos los acompañan hablando con acento español y una diversidad de máquinas cortadoras del césped se comportan como “máquinas de combate”.

Para los espectadores de habla castellana es posible escuchar en la versión original en inglés las canciones de Elton John, no así las voces de los actores. El film está doblado a nuestro idioma. En síntesis, la historia de amor de todos los tiempos, eternizada por Shakespeare está recreada con gracia y mucho ingenio.

Carlos Pierre

RÁPIDOS Y FURIOSOS 5 – SIN CONTROL

De Justin Li. Con Vin Diesel, Paul Walker, Elsa Pataky, Dwayne Johnson “La Roca”, entre otros. Música de Brian Tyler. Duración: 130 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL INTENSO DE EXCELENTE REALIZACIÓN

Al parecer, las cuatro anteriores películas de esta saga han servido de preparación para esta quinta, que nos llega con el título de Rápidos y Furiosos Sin Control. Aunque el film sea considerado “pochoclero”, tiene una gran realización, una excelente narración audiovisual. Hay cámaras aéreas que nos recuerdan el estilo de Robert Wise en La Novicia Rebelde o Amor sin Barreras, y muestran en ese recorrido veloz y abarcativo desde la bellaza de la bahía de Río de Janeiro hasta la sinuosidad de las favelas.

Son vuelos que el espectador puede compartir como si los realizara junto al supuesto piloto de esa cámara-avión. Planos secuencias que han enriquecido notablemente a un film que, de no ser por esta magnificencia visual, sería uno más.

Los ex jóvenes de Rápido y Furioso son peligrosos ladrones, incluso el personaje de Vin Diesel sale de una cárcel pero ya planea un último gran robo, junto al carilindo de Walker, en Río de Janeiro.

Otro hallazgo de este film policial es la incorporación de La Roca, aquella “momia” que estremecía en films de ciencia ficción, o enternecía en un logrado personaje como un “papá toda hora” en la fantástica New York. Permite que dos forzudos estén cara a cara: Diesel y Johnson. Y si bien las secuencias son casi clishés, de eso se trata el film.

Las “picadas” son solo una anécdota dentro de la historia de robos, asaltos y enfrentamientos policiales. Pero entretienen de principio a fin con excelencia visual y musical. Que hay que destacar, por cierto, la banda sonora de Brian Tyler, acostumbrado a los superhéroes cinematográficos y sus historias.

Un combo perfecto para disfrutar a pleno, desde lo visual hasta el suspenso de un policial que no ahorra balaceras pasando por una música que estremece. Vale destacar que, en el Brasil, han considerado al film como poco alentador para la imagen del país con vistas al próximo mundial de fútbol. Mucha droga en las favelas, mucha violencia.

Pero hay otros films que la han retratado como Ciudad de Dios y Tropa de Elite, de origen brasileño, grandes películas. Aquí, un poco en broma y mucho en serio, hay acción y de la buena en medio de favelas, robos tiroteos, droga, dealers, y la majestuosidad de Río. No es poco.

Elsa Bragato

COCINA DEL ALMA

De Faith Akin. Con Adam Bousdoukos, Birol Unel, entre otros. Duración: 99 minutos.

BUENA. COMEDIA AL ESTILO ALEMÁN

Fatih Akin es un joven y meritorio realizador alemán, de origen turco, ganador de un premio del Jurado en el festival de Venecia del 2009. Nos presenta con Soul Kitchen o Cocina del Alma un film simpático pero menor a los que le conocemos (Al otro lado, por ejemplo, maravilloso ejemplo de unión de credos y razas). La comicidad es de otra índole, y se explicita en las peripecias del joven dueño del restorán, ubicado en un barrio marginal de la ciudad de Hamburgo, donde vive Akin.

El film tiene una interesante narración. Permite conocer al protagonista en diferentes instancias, desde la venta del restorán hasta las secuencias, breves, de sexo virtual con su novia, que ha viajado a Shangai. Y la anécdota que le permite relacionarsecon una kinesióloga, Anna, que lo ayudará más de lo que cree. El protagonista deberá sortear todo tipo de obstáculos para mantener su alicaído restorán con la contratación de un sofisticado chef venido a menos, la conversión del restorán en un pub de dudosa reputación, el viraje hacia una “disco” y la persecución de un comprador. Hay secuencias extravagantes, como la relación sexual en medio del pub entre un casi pordiosero y una prostituta, mientras el resto de la gente limpia, ordena o bebe algo.

Es una buena comedia, simpática, que intenta sintetizar la globalización europea en todos los aspectos de la vida: desde la utilización de internet para todas las necesidades hasta la transformación de un menú tradicional en otro sofisticado. Y las consecuencias de uno y otro paso en una Europa de mente abierta mal que le pese. El título Cocina del Alma tiene su explicación en el final más que durante la narración en sí. La Navidad, la recuperación del lugar y la visita de alguien que ha conquistado el alterado corazón del joven dueño del lugar. Agradable, con objetivos pretensiosos que terminan por complicar la trama de la comedia.

Elsa Bragato

CULPABLE O INOCENTE

De Brad Fruman. Con Matthew McConaughey, Marisa Tomei, Josh Lucas, entre otros. Música de Cliff Martínez. Duración: 118 minutos.

BUENA. POLICIAL ENTRE LOS ÁNGELES Y SAN FRANCISCO, INTERESANTE, NADA MÁS.

Dentro de las historias de abogados, este film tiene una vuelta de tuerca que le da un toque diferente: se trata de un abogado de LA que tiene su buffet en el asiento de atrás de su coche, un Lincoln Continental Seda.

Un chofer contratado es el confidente espectador de la carrera del abogado “non sanctus” que encarna Matthew McConaughey, defensor de criminales de poca monta de la ciudad. El protagonista tiene relación con una banda de motoqueros y cuento, en los pasillos tribunalicios, con soplones a sueldo que le “marcan” los trabajos a encarar.

Precisamente, uno de estos sujetos le ofrece defender a un rico empresario inmobiliario de Beverly Hills, acusado de violación y asesinato. Es el negocio de su vida pero no le resultará fácil ya que el acusado es un manipulador que ejerce todo su poder incluso para desbaratar las artimañas del abogado que necesita “saber más” para defenderlo.

Matthew McConaughey compone a este abogado inescrupuloso a cara de piedra, mantiene una relación amorosa con una mujer de fuerte carácter, a cargo de Marisa Tomei, y ambos son padres de una niña.

Las emblemáticas locaciones en Los Angeles y San Francisco (Prisión de San Quintín y Golden Gate), amplían el escenario de este drama que no se circunscribe solo a los estrados judiciales. La música original de Cliff Martínez aporta y sostiene el vértigo en el que se sumerge este abogado del ostentoso Lincoln, que da lugar al título del film. Interesante. Nada más.

Carlos PIerre

THOR, UN TREN A PAMPA BLANCA, SCREAM 4, MIS TARDES CON MARGHERITTE, ESTRENOS DE CINE JUEVES 28 ABRIL, BUENOS AIRES

2011-04-28T11:01:00.000-03:00

JUEVES 28 DE ABRIL DEL 2011.-

Hay cinco estrenos. No comentaremos “Felinos en África” porque ese tipo de documentales se ven en algunas señales de cable y las escenas de violencia animal no nos agradan.

THOR

De Kenneth Brannagh. Con Anthony Hopkins, Chris Hemsworth, Natalie Portman, entre otros. Música de Patrick Doyle. Duración: 113 minutos

MUY BUENA. CÓMIC CON PARLAMENTOS A LO SHAKESPEARE Y ESTRUCTURA DEL DANTE ALIGHIERI. DIFERENTE Y ATRACTIVO.

Kenneth Brannagh en un notable actor y realizador irlandés (lleva más de 10 films incluyendo cortos) y un gran estudioso del teatro Shakeapeare. No obstante, se ha dado el gusto de interpretar papeles diversos en diferentes géneros fílmicos. Le faltaba dirigir una película en 3 D y no dudó en aceptar el cómic de Marvel llamado “Thor”, ese guerrero vikingo desterrado por su padre enfrentando a su malvado hermano que intenta matar al progenitor.

Si se ingresa al género del cómic y además se utilizan efectos en 3D siempre se caerá en lugares comunes que son los que permiten el esplendor de esta técnica que se disfruta con anteojos bicolores. Brannagh no es la excepción. Nada más que, entre líneas, no escapará al espectador que lee y mucho la dirección actoral propia del teatro de Shakespeare en muchos parlamentos del gran Anthony Hopkins, sus modulaciones, y su postura escénica, como también reconocerá en la utilización de planos-secuencias que, tal como están plasmados en la narración audiovisual, solo pudo concretarlos quien, además de literatura inglesa, conoce la estructura de la Divina Comedia del Dante Alighieri. La cámara comienza en ese mundo virtual, dorado, espléndido y de computadora para pasar por un colchón de nubes y detenerse en las espaldas de Natalie Portman, la investigadora terrestre ubicada en Nueva México, Estados Unidos.

Solo quien conoce La Divina Comedia pudo realizar ese plano secuencia donde se unen dos reinos. El del pecado? El de la violencia? El puramente virtual junto al plenamente terráqueo? Brannagh tiene el secreto y creemos haber dado en el “clavo”.

Los diálogos también llaman la atención muchas veces, al margen de la parafernalia de los efectos en 3D: poner en boca de severos agentes del FBI frases con relación a otros superhéroes o muy actuales luego del atentado del 11 de setiembre son recursos que ha incluido Brannagh.

Enriqueció un cómic, que no deja de ser tal con sus más y sus menos, y le añadió el conocimiento de estructuras literarias jamás superadas. Hamlet y la Divina Comedia son toques que Brannagh maneja, conoce, disfruta y nos regala porque tuvo ganas.

Anthony Hopkins hace un gran papel como el rey Odín, creíble como pocas veces en performances tan elaboradas. Thor está encarnado por el joven actor australiano Chris Hemsworth, apolíneo y, si bien carilindo, con personalidad para actuar! Y, por supuesto, Natalie Portman, seguramente antes de El Cisne Negro.

Nos parece un muy buen cómic con, como ya dijimos, algunos clishés y sus más y menos, pero enriquecido por la estructura narrativa propuesta por Brannagh y por la dirección actoral donde a personajes de historieta les ha otorgado la majestuosidad de los personajes de Shakespeare. No es poco para un cómic.

Elsa Bragato

MIS TARDES CON MARGHERITTE

De Jean Becker. Con Gérard Depardieu, Giséle Casadesus, entre otros. Música de Laurent Voulzy. Duración: 82 minutos.

BUENA. CANTO A LA AMISTAD Y AL AMOR. FILM TIERNO, SENCILLO Y CONMOVEDOR

Estamos frente a un encuentro singular y emotivo entre una anciana de 95 años y un cincuentón rústico excedido de peso, casi analfabeto, en un pueblo francés. La anécdota es el encuentro en un banco de la provinciana plaza de los dos personajes indicados que se relacionan por un tácito amor entre una señora mamá y un hombre que no mantiene buena relación con la suya, surgiendo así diferentes motivos de interés cotidiano como la lectura, el amor a los animales, la charla amena sobre las cosas simples de la vida.

La actriz Giséle Casadesus, de vasta trayectoria en la Comédie Francaise, y el notable Gérard Depardieu, de innegable carisma y capacidad actoral, conforman un binomio deslumbrante, especialmente para las emociones.

El director Jean Becker, que viene de familia de realizadores (padre, hermano) transita con comodidad el difícil camino del cine. Incluso ha revelado, con infrecuente modestia, que no posee demasiada imaginación por lo que recurrió -en 11 de sus 12 películas- a la literatura como material para guionar. En este caso, se basa en la novela de Marie-Sabine Roger donde afloran textos de Albert Camus como La Peste y El Extranjero, y es un ejemplo más de la interminable lista de películas francesas que se cimentan en la literatura.

La historia está bien estructurada. No se escapan detalles del pasado del protagonista, “Germain”, que fundamentan la relación con la anciana y su devoción por cuidarla, y la que mantiene con su madre, que siempre lo criticó por ser grandote y gordote.

Un bar de pueblo, sus habitués, sus chanzas y sus historias particulares, 19 palomas (bien contadas por “Germain”)con sus nombres alrededor del banco de la plaza donde Margheritte y Germain se encuentran ocasionalmente, la novia de Germain, la madre terca, redondean una comedia muy amable y emotiva. Hay secuencias un poco extensas pero que hacen a la esencia del film, por ejemplo, la lectura de fragmentos de La Peste que Margheritte no duda en hacerle conocer a Germain, o bien la búsqueda en el diccionario de nombres y palabras frente a su gato que Germain realiza con charlas a ese “alter ego” que lo mira y acepta complaciente.

Hay climas bien logrados, a “giorno” en la plaza; con penumbra en algunos rincones del carromato donde vive Germain. La música, por otra parte, de Laurent Voulzy acompaña desde los títulos de apertura hasta los créditos finales con una orquestación bien “a la francesa” en la que no escasean los músicos, los atriles.

Pasado y presente montados ágilmente, ternura en los protagonistas, una historia sencilla que, en algunos momentos, nos toca en algo a cada uno. Para los adultos que buscan buenas películas, sin que sean las más virtuosas del firmamento cinematográfico.

Carlos Pierre

UN TREN A PAMPA BLANCA

De Fito Pochat. Documental hispanoargentino. Música de Sergio de la Puente. Duración: 79 minutos.

BUENO. UN HOSPITAL SOBRE RUEDAS PARA LOS MÁS NECESITADOS

Este documental de Fito Pochat tiene, a su favor, el mostrarnos algo que la mayoría de los argentinos desconocemos: la existencia del Tren Alma, un tren hospitalario formado por tres vagones que se adosan a una formación del Belgrano Cargas. Desde Buenos Aires, un grupo de voluntarios médicos viajan hasta esta zona del sur de Jujuy, lindante con Salta, llamada Pampa Blanca (es zona de salitres), con poco más de 3600 habitantes. La necesidad de los pueblos aborígenes o bien de los argentinos nacidos en esos parajes es absoluta. Los niños padecen todo tipo de enfermedades, los médicos tratan desde adultos a bebés, muchas veces deben derivar los casos más agudos de desnutrición, se enfrentan al Mal de Chagas, tuberculosis, desnutrición, entre tantas otras enfermedades.

El documental aspira a mostrarnos una verdad, tiene algunas secuencias muy bien fotografiadas mientras el tren se acerca al paraje, luego se torna sencillo en su narración pero no por eso deja de tener el valor de “documento”.

Mostrar qué pasa en el país en el aspecto social y médico es un deber para muchos documentalistas. A veces no se tiene el público deseado para recuperar la inversión pero aún así son documentales bienvenidos por las verdades que desnudan, con la amplitud que da el cine. Desde este punto de vista, felicitamos a Pochat por su iniciativa.

Elsa Bragato

SCREAM 4

De Wes Creaven y Kevin Williamson. Con Lucy Hale, Roger Jackson, Shenae Grimes, entre otros. Música de Marco Beltrami, Buck Sanders, John Kurlander. Duración: 111 minutos.

BUENA. TERROR CONOCIDO CON LA EFICACIA DEL 3D

Hace quince años (1996) Scream aterrorizaba con una llamada telefónica, una ya emblemática máscara y un cuchillo. El regreso, luego del último Scream en el 2000, del director Wes Creaven junto al mismo guionista, Kevin Williamson y a tres estrellas de entonces (Neve Campbey, Courteney Cox y David Arquette), con la ausencia de la protagonista Drew Barrymore, nos promete una larga hora de estremecimiento en el mismo pueblo.

La historia de este cuarto film Scream se centra en “Sidney Prescott”, convertida en una exitosa escritora que logró superar el terror vivido en su pueblo, Woodsboro. Sin embargo, el destino quiere que tenga que presentar su último libro allí, en Woodsboro, donde había vivido tanto horror. Todo está armado en el argumento de manera tal que el horror recomience como se debe en este tipo de films secuelas. Claro está, de una manera más sofisticada porque incluye el 3D.

Para quienes no vieron las anteriores “Scream”, encontrarán muchas referencias que no les dirán nada, salvo una íntima interrogación, tendrán la sensación de que algún eslabón se perdieron. Para el que ha seguido la saga, viendo la última película en el 2000, muchos elementos argumentales comenzarán a tener sentido. Hay que destacar que el tema en el género del terror es, básicamente, el mismo con gradaciones: el primer film aborda siempre el género por completo. Horror, terror, sangre y los elementos distintivos del comienzo de una saga. El segundo se centra en las secuelas del primero. El tercero se apoya en los cierres de las historias de los personajes y lugares y llega a la conclusión. No siempre se espera un cuarto film.

Los cuatro films están dirigidos a los espectadores que hacen un culto del estilo “Scream” porque fue la trilogía que renovó el género cuando prácticamente no interesaba más a mediados de los 90. Hoy se tiene la tecnología 3D para asustar más, la música efectista de Marco Beltrami, y se forma una narración audiovisual que contribuye a atemorizar a los que buscan un esparcimiento teñido de sangre.

Se considera que “Scream 4” es la película más seria y oscura de todas, aunque persistan los guiños referenciales: cuando revisan el baúl del auto de la protagonista y se encuentran las fotos que, obviamente, corresponden a los films anteriores. Hasta aparece un póster de Shakira y en una película que se transmite por televisión se observa el nombre de Robert Rodríguez en los créditos. Guiños, referencias, saludos crípticos, solo para fans del género.

Los asesinatos seriales regresan con el “esplendor” sangriento que da el 3D y la previsibilidad de la conclusión que, de ninguna manera, da por terminada la saga. Buen ojo comercial de Wes Craven y una realización que incluye a jóvenes actores como para que tengamos la certeza de que el terror continuará. Para fanáticos de Scream.

Carlos Pierre

EL HOMBRE QUE PODÍA..., UNA ESPOSA DE MENTIRA, HOP REBELDE SIN PASCUA, LA CHICA DE LA CAPA ROJA, CRUZADAS, ESTRENOS JUEVES 21 ABRIL, BUENOS AIRES

2011-04-21T14:08:00.000-03:00

JUEVES 21 DE ABRIL DEL 2011.

Hay seis estrenos, dos nacionales. No comentaremos “El gato desaparece” por no haberla visto.

EL HOMBRE QUE PODÍA RECORDAR SUS VIDAS PASADAS

De Apichatpong Weerasthakull. Con Thanapt Saisymer, entre otros. Duración: 114 minutos.

MUY BUENA. ENTRE EL CIELO Y LA TIERRA

Weerasthakull se llevó el mayor premio del festival Cannes, cuyo jurado estuvo presidido por Tim Burton, y desató polémica en las mentes occidentales de muchos críticos. Este film, de extenso título, nos ubica en el final de la vida de un hombre que padece problemas renales y debe someterse a diálisis pero es un enfermo terminal. “Boomee” es su nombre. Decide entonces ir a la frondosa jungla tailandesa y terminar sus días allí. Esta transición de la vida a la muerte está magistralmente narrada por Weerasthakull porque explicita la relación de Boomee con sus fantasmas, con los seres que ya no están como su mujer, y la convivencia con ella y otros seres extraños, humanoides que vienen del más allá. Todos conviven porque, evidentemente, es la convivencia que tiene Boomee en su mente y en su espíritu en ese momento terminal de su vida con el más allá. Todo se desarrolla terrenalmente si bien Boomee y sus cuidadores son seres de carne y hueso y el resto son fantasmas. Boomee busca el lugar para partir, de la misma manera que lo hacen los animales, de extraordinaria intuición, como las palomas, los gatos, los perros que, de no ser por los humanos, morirían en soledad. He aquí la muerte como un acto solitario no solo porque le acontece a uno mismo sino porque es un acto de ámbito privado.

El valor narrativo de Weerasthakull está en desentrañar lo críptico de una situación final enraizada con la religión budista: fue capaz de narrarlo, de explicarnos con imágenes qué pasa en el corazón de un enfermo terminal con determinadas características culturales cuando debe aceptar su muerte y, para ello, se prepara.

Como aditamento especial está la fotografía de esa jungla tailandesa, exuberante, que contrasta con la simpleza de la casa de Boomee. Nos queda, sí, una secuencia simbólica y es la inicial, la del buey que se escapa y es capturado nuevamente, tal vez una alegoría? Sobre la voluntad de escapar de la muerte, que siempre nos gana, nos recaptura. Tal vez.

Es cine-arte, se da en cinco salas solamente y es una buena oportunidad para ver un film con grandes valores artísticos frente a la mediocridad reinante tanto en el cine nacional como en el extranjero en general. Estamos dentro del “género metafísico” que en Oriente tiene notables realizadores y seguidores.

Carlos Pierre

UNA ESPOSA DE MENTIRA

De Dennis Duggan. Con Adam Sandler, Jennifer Aniston, Nicole Kidman, entre otros. Duración: 110 minutos.

REGULAR. “SITCOM” BASADA EN “FLOR DE CACTUS” SIN PASIÓN

En 1969 Ingrid Bergman era la “Flor de Cactus” que Walter Matteau conquistaba finalmente. Entonces, el personaje era un odontólogo y la recepcionista, una solterona. Ahora Adam Sandler compone a un cirujano plástico y su ayudante es una divorciada con dos hijos, papel que encarna Jennifer Aniston. Los dos actores son duchos en la comicidad y esto se nota. Sin embargo, el tono del film, ese transcurrir narrativo sin pasión, lo tornan previsible y le dan la calificación de regular.

Este cirujano plástico utiliza un anillo de casado, si bien está divorciado, para poner límites a las ansias amorosas de cualquier mujer. Una noche y nada más. Cuando todo se le complica, recurre a una esposa falsa, su asistente que es la rubia o ¿castaña? Jennifer Aniston. Los parlamentos entre Aniston y Sandler resultan simpáticos porque ambos tienen muchísimo oficio.

La aparición de Nicole Kidman como la ex, nuevamente casada, no aporta nada y, en realidad, desilusiona porque Kidman está muy lejos de ser la frágil rubia que conocimos. Se ha teñido las cejas de castaño oscuro por lo que su bellísimo rostro, con mucho botox, se ve endurecido, perfecto, sí, pero con rasgos duros. No obstante, los diálogos con Sandler y Aniston son también simpáticos.

Es decir, como remake de Flor de Cactus, un film y un título de colección, es muy pobre. Además tiene varios cambios como apuntamos. Hay oficio actoral y una dirección narrativa de taquito, a la manera de una sitcom para la tevé. He aquí el gran error. Si la ve, no la va a pasar mal. Pero desde el punto de vista cinematográfico, es un producto mediocre.

Elsa Bragato

HOP, REBELDE SIN PASCUA

De Tim Hill. Con James Marsden, Kaley Cuoco, Gary Cole, David Hasselhoff, entre otros. Duración: 95 minutos.

REGULAR. UN CONEJO BATERISTA EN LUGAR DE ARDILLAS PARA LAS PASCUAS

Ni bien se enciende el proyector, nos damos cuenta de que estamos frente a una versión unipersonal y masculina de Alvin y las Ardillas, film en el que interactuaron actores de carne y hueso y muñequitos de computación. Por lo general, este tipo de películas se estrenan para las Navidades y, es cierto, faltaba la versión específica para las Pascuas. He aquí esa versión: en lugar de Navidades, las Pascuas.

Sin el 3D, ¡finalmente!, la empresa Illumination encara una versión trajinada de una familia de conejos que viven en Rapa Nui y tiene un túnel suboceánico que los conecta directamente con Hollywood. La fábrica del conejo padre en Rapa Nui, multicolor, fantástica, tiene fuentes de confites y un ordenado “ejército” de pollitos va armando los huevos de pascua (“manía” de Hollywood de recrear símiles de los campos de concentración nazis). El heredero de la empresa es Hop quien se escurre por el túnel para buscar en Hollywood su futuro como baterista y allí se encuentra con Fred (Marsden), un treinteañero que no consigue trabajo.

Enredos en casas fastuosas y la posibilidad de que el protagonista toque la batería son ingredientes visuales y musicales agradables pero nada más. Finalmente, el “pollo” mayor se adueña de la fábrica y entre Fred y el conejo baterista deberán salvar al empresario-papá y la fábrica de huevos de pascuas para la Semana Santa.

El film le va a gustar a los más chicos, no deja de ser una versión masculina de Alvin y las Ardillas, la misma estructura con menos personajes animados, el mismo objetivo (el musical) y la novedad de pensar específicamente en Semana Santa y no en Navidad. Por lo demás, no es un film con méritos en la animación como para calificarlo de bueno o muy bueno. Para los más chiquitos, no está mal.

Elsa Bragato

LA CHICA DE LA CAPA ROJA

De Catherine HArdwicke. Con Amanda Seygried, Gary Oldman, Julie Christie, entre otros. Duración: 105 minutos.

REGULAR. MUCHA PRODUCCIÓN PARA UNA HISTORIA QUE SE DESMADRA

La ambientación de este film es fantástica. La primera toma secuencia nos recuerda a Robert Wise, esa búsqueda por cadenas montañosas nevadas para ir, en vuelo escarpado y circular, recayendo en una villa que puede ser medieval. O bien atemporal.

Luego está la luna llena y un pueblo azotado por lobizones que aparecen y matan animales y personas. La caperuza roja la va cosiendo, pacientemente, la abuela de Valerie, la siempre bella Amanda Seyfried, a cargo de Julie Christie a quien la hacen posar como “loba”: “Abuelita, ¿qué grandes ojos tienes!” y una cámara con lente de aumento enfoca despiadadamente los ojos de Christie. “Abuelita, ¡qué boca grande tienes!” y la cámara vuelve a ese primerísimo primer plano con aumento sobre los dientes de la siempre bella Christie, escenas que motivan risa. ¿Será ella el “lobo”? Confusión. Por lo tanto, es llamado un “cazalobos” a cargo de Gary Oldman, brutal, despiadado y hasta desagradable, que debe cumplir con su objetivo pero no queda nada en claro si lo cumple o qué pasa en definitiva. El símbolo está en la caperuza roja que un buen día la abuelita Christie le regala a su nieta Seyfried; presagio de dolor, de muerte. Mucho presagio, mucha nieve, mucho escenario bien armado y atractivo, pero nada más.

La película se queda en el magnífico color rojo púrpura de la capa de Valerie, en el bellísimo rostro de Seyfried, en un Gary Oldman “congelado” en el desarrollo de su personaje y en dos jóvenes que se disputan el amor de la joven, como en Crepùsculo, el anterior film de la directora. ¿El padre de Valerie? ¿Quién es ese lobo tan ficticio que habla? ¿Qué significa tanto calificado elenco para personajes sin desarrollo? Hay producción, hay fotografía, hay elenco. No hay guión.

Elsa Bragato

CRUZADAS

De Diego Rafecas. Con Enrique Pinti, Moria Casán, Nacha Guevara, Willy Lemos, Chachi Telesco, Tomás Fonzi, Carlos Belloso, Hernán Caire, entre otros. Música de Damas Gratis y Peperina en Llamas. Duración: 94 minutos.

MALA. DEMASIADO POCO PARA TAMAÑO ELENCO

Conocimos a Daniel Rafecas en Buda, luego en Paco y Rodney, y ahora llega con “Cruzadas” donde intenta la comedia dramática y picaresca sin lograrlo. Es la séptima película de Rafecas; en las anteriores, trazó con coherencia un estilo no convencional con rasgos sustentables, armónicos.

En el caso de “Cruzadas” desperdició la valiosa reunión de artistas con gran trayectoria como Enrique Pinti, Nacha Guevara, Moria Casán, Carlos Belloso, entre otros que poco y nada pueden hacer para salvar el previsible naufragio de este proyecto, plagado de lugares comunes.

Enrique Pinti es el titular y socio fundador de un megaholding mediático, que recuerda mucho al grupo Clarín. Tiene dos hijas, una de un matrimonio legal a cargo de Moria Casán y la otra, no reconocida, fruto de una relación con una mucama, encarnada por Nacha Guevara. Las dos mujeres se cruzan, se conocen, en el velatorio del padre y allí surge la participación en el holding de ambas. Moria Casán es la empresaria ambiciosa y Nacha Guevara solo tiene interés en el mundo de la cumbia.

El argumento gira en torno a la reunión de las dos hermanas cuando el mundo de la bailanta de González Catán copa la clase alta de San Isidro. Para eso, Rafecas llena la pantalla con personajes secundarios que no aportan nada a la historia en sí y con groserías y frases que hemos oído hasta el hartazgo. “Cruzadas” es un paso en falso en el repertorio singular de Diego Rafecas, cuyo mundo transcurre dentro de otras coordenadas y no de las que optó aquí para llegar a un cine más comercial.

Carlos Pierre

LOS MARZIANO, EL DERROTADO, PRUEBA DE AMOR, TORRENTE 4- 3D, ESTRENOS JUEVES 14 ABRIL, BUENOS AIRES

2011-04-14T12:15:00.000-03:00

JUEVES 14 DE ABRIL DEL 2011.

Hay cinco estrenos, cuatro en soporte fílmico y uno en DVD, AJAMI, que no comentaremos. Hay dos estrenos nacionales sobre los cinco.

LOS MARZIANO

De Ana y Daniel Katz. Con Arturo Puig,Guillermo Francella, Mercedes Morán, Rita Cortese, entre otros. Duración: 82 minutos.

BUENA. RELACIONES FAMILIARES EN UNA NARRACIÓN ASÉPTICA CON BUENAS ACTUACIONES

Ana Katz nos presenta su tercer largometraje, esta vez con grandes figuras del espectáculo nacional. De su obra anterior, nos emocionó especialmente “Una novia errante”. Ahora asistimos una comedia que intenta rescatar lo mejor del costumbrismo sin caer en clishés. Dos hermanos enfrentados por condiciones sociales y familiares, el que viene de Tucumán está a cargo de Guillermo Francella, lejos de la comicidad que le conocemos, y el que vive en un country es Arturo Puig, junto a su “paqueta” esposa Mercedes Morán. Uno tiene un problema en la vista, el otro juega al golf, situaciones que marcan la diferencia social entre ambos.

Lejos de internarnos en la narración de la anécdota argumental planteada, encontramos muy buen elenco y actuaciones. En la narración en sí, sentimos que faltó emoción y que, por eludir los clishés del costumbrismo, se quedó en la asepsia secuencial. Por eso, Guillermo Francella aparece encorsetado en la solemnidad, si bien esto no le resta mérito alguno a su perfomance, pero sí a la dirección actoral. En definitiva, resulta más entrador para el espectador el personaje de Arturo Puig, que conserva buenas razones de encono para con su hermano.

En el caso de las dos actrices, Rita Cortese nos llega al corazón como la hermana que recibe a Juan, personaje de Francella, para tratar de ayudarlo en su problema y acercarlo al hermano. Mercedes Morán es impecable, pero esta quasi perfección en la actuación la hace excesivamente distante. Lo remarcamos porque no es la primera vez que sentimos que Morán actúa sin movilizarnos.

El film es amable, correcto, y se nota que los Katz lograron un presupuesto que les permitió internarse en una historia más compleja y también mucho más costosa. Si la va a ver, no se sentirá defraudado. Nada más que a la hora de hacer la crítica no podemos dejar de lado que un buen producto también tiene que movilizarnos, hacernos sentir “algo” en el corazón.

Elsa Bragato

EL DERROTADO

De Javier Torre. Con Adrián Navarro, Romina Gaetani, Norma Argentina, Facundo Navarro, M´´onica Galán, entre otros. Guión basado en el libro homónimo de Leopoldo Torre Nilsson. Música de Pablo Memi y Eduardo Piva. Duración: 90 minutos.

BUENA. COMEDIA DRAMÁTICA SOBRE LA VIDA DE UN LUDÓPATA EN LA DÉCADA DEL 50

Javier Torre logra una ambientación perfecta de los años 50, a cargo de Catalina Motto. Hay un retrato realizado con minuciosa fidelidad de una época huérfana de objetos domésticos, formal en el trato diario y con una pátina del nihilismo existencialista de entonces. La locación de la vivienda es más que acertada, reflejando cabalmente las edificiaciones de las primeras décadas del siglo XX.

Julio es el personaje que encarna Adrián Navarro, un actor ampliamente fogueado en el cine (no solo en TV), que ve su propio deterioro y el de su vida por su ludopatía: juega a las carreras, a las cartas, dados y taba criolla. La pérdida constante en el juego lo sumerge en una pendiente psicológica difícil de remontar: maltrata a su joven esposa, a cargo de una eficiente Romina Gaetani, a su pequeño hijo, y hasta pierde el trabajo. Ni siquiera su esposa, sufrida durante años, dejará de buscar un atajo a tanta desilusión y dolor cotidiano.

El clima es opresivo y convincente. Es una comedia dramática donde los actores puede lucir sus capacidades y movilizar al espectador.

Añadimos que Javier Torre recurrió al archivo de sonido de Radio Nacional y al Archivo General de la Nación para adecuar los programas de radio, único medio informativo de las familias de entonces, a la época. Si bien nuestra calificación es “buena”, hay rigor cinematográfico y buena dirección actoral.

Carlos Pierre

PRUEBA DE AMOR

De Shana Feste. Con Pierce Brosnan, Susan Sarandon, Carey Mulligan, Johnny Simmons Bennett, entre otros. Música de Christopher Beck. Duración: 96 minutos.

REGULAR. DRAMA FAMILIAR ENMARCADO EN UN ROMPECABEZAS

Decimos que este film tiene un montaje desacertado porque se transforma, rápidamente, en un rompecabezas para el espectador que deberá saltar desde la movilizante escena de amor de los protagonistas (Carey Mulligan, gran actriz) al dolor desesperante de Susan Sarandom como la madre que perdió a su hijo.

La pareja tiene relaciones, el joven muere trágicamente, y un buen día, nadie sabe cómo, la chica (Mulligan) aparece en el hogar de su novio para decir que quedó embarazada. Sin más, el padre la acepta ante la reticencia de Sarandom que apenas puede con su vida. El hermano del joven fallecido es adicto a las drogas y supera rápidamente el dolor familiar logrando cierta amistad con la “desconocida” y su futuro bebé.

El gran problema del film no pasa por el guión sino por el montaje. No se entiende. Veamos: la aparición de la joven en la casa de su novio no se comprende. La salida al cine con el padre de su novio, un personaje que Pierce Brosnan realiza con oficio y emotividad, tiene una extensión secuencial inusitada y no aporta nada. O la visita a un centro de recuperación por parte del hermano de la víctima también es extensa y queda ahí, como un gran cabo suelto. Tampoco se comprende la rápida asimilación de la jovencita a su nuevo hogar y las decoraciones insólitas, cuanto menos, que realiza.

Se salta de situación en situación. Hay una secuencia que destacamos y que muestra, finalmente, el dolor de los padres: el arrebato de la madre de ahogarse en el mar y la salvación de su marido. Brosnan conmueve, Sarandom nos arranca el corazón.

Tampoco tiene correlato alguno la visita de Sarandom al hospital para hablar con el camionero que dio muerte accidentalmente a su hijo, y la búsqueda de frases, que le describan ese brutal hecho, para cambiar bruscamente el sentido original del film.

Muchos son los subtemas colgados: el de la recuperación del joven drogadicto, el accidente fatal contado y no filmado, la relación del padre con una profesora amable y sonriente. Y “colgar”, dejar sin desarrollo tantos subtemas, produce confusión. Son saltos narrativos que desdibujan el drama familiar transformándolo en anodino.

Destacamos a Susan Sarandom en un protagónico conmovedor. Y aportamos el dato de que es el primer film de la directora.

Elsa Bragato

TORRENTE 4 en 3D

DE Santiago Segura. Con Santiago Segura, Kiko Rivera, entre otros. Duración: 93 minutos.

MALA. GROSERÍAS DE LA PEOR CALAÑA EN 3D

Estamos frente a la cuarta película de la saga Torrentiana de Santiago Segura. Desde la primera Torrente-El brazo tonto de la Ley (1998), el actor y guionista y director Santiago Segura cosechó millones de euros en España. Y, lamentablemente, espectadores (ha estado en el BAFICI!). Encarna a un policía transformado por obra del tiempo en seguridad privada que pasa por una “crisis letal” e intenta sobrevivir en la ciudad a la espera de algún “encargo”. Una misión fracasada lo lleva a la cárcel y éste es el lugar para desarrollar una serie de groserías de la peor calaña. Especialmente si estamos viendo un film que fue incorporado al circuito comercial y no a una sala condicionada.

La escatología más barata está a la orden del día, como un teléfono que se extrae de un orificio del cuerpo, sucio y pestilente, a manera de “gracia”. Por si fuera poco, las mujeres son “vaciaderos útiles” para este maleducado del cine español que las menea desnudas para distraer al espectador. No se entiende cómo Santiago Segura es licenciado en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Creemos que se quedó dormido en varias materias. Mal gusto, pésimo cine para un circuito comercial que requiere de salas para el cine nacional, bueno o malo. ¿Cuánto dinero ha pagado la distribuidora para que Segura se pasee por los canales porteños de TV promocionando esta basura?

Carlos Pierre

EL HOMBRE QUE VENDRÁ, PASE LIBRE, ENTRE LOS ESTRENOS DE CINE JUEVES 7 ABRIL, 2011

2011-04-07T13:06:00.002-03:00

JUEVES 7 DE ABRIL DEL 2011.

Hay cuatro estrenos. No comentaremos “Río” ni “Revolución el cruce de Los Andes”.

EL HOMBRE QUE VENDRÁ

De Giorgio Diritti. Con Maya Sansa, Alba Rohrwacher, Eleonora Mazzoni, entre otros. Música de Marco Biscarini y Daniele Furlatti. Duración: 114 minutos.

MUY BUENA. LA ESPERANZA DE VIVIR EN MEDIO DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL.

El film de Giorgio Diritti ganó el David di Donatello y el premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Roma, en el 2010. Estamos frente a una película de la mejor cepa del cine neorrealista italiano, dado que Diritti trabajó con actores no siempre profesionales.

Además, el realizador es boloñés y supo rescatar la historia “boca a boca” de los lugareños de Marzabotto, donde 800 personas fueron asesinadas por la SS de Hitler.

El hecho puntual se centra en la noche del 28 al 29 de setiembre de 1944 cuando estas fuerzas especiales de las tropas alemanas llevaron a cabo una redada sin precedentes que se ha conocido como “la masacre de Mazabotto”, que vio justicia recién en el 2007.

La protagonista es una niña de 8 años (Greta Zuccheri Montanari), quien quedó muda cuando su hermano menor murió a los pocos días de nacer. Su madre queda embarazada y ese nuevo niño es el que da título al film, en medio de escenas desgarradoras.

La producción es creíble, así como Diritti hace uso de una fotografía muy exquisita para recorrer las tareas del campo, lejos del costumbrismo pero pegado a la realidad cotidiana de esos pobladores. Es también una muestra de la descarnada subsistencia al frío, al hambre y a la amenaza de muerte de las tropas alemanas.

Se trata del segundo film del realizador y escritor Giorgio Diritti (“Il vento fa il suo giro”, 2005), que nos conmueve y nos hace recordar a aquel gran cine italiano de postguerra. Para muchos críticos, el film se queda en la anécdota o bien tiene problemas de guión. Para nosotros, es una gran película, que profundiza la herida que no cierra fácilmente dejada por el hitlerismo.

Diritti tiene una paleta realista, salpicada por pequeños momentos de bonanza. La película llega al corazón de la mano de esta pequeña, muda, que nos emociona por su valeroso paso a través de esta trágica historia.

Carlos Pierre

PASE LIBRE

De Peter y Bobby Farrelly. Con Owen Wilson, Jason Sudeikis, Jenna Fischer, Christina Applegate, entre otros. Duración: 105 minutos.

BUENA. UNA “NADA” QUE HACE REIR

Cuando en un microcine, repleto de críticos, se escuchan risotadas, es dable pensar que el film será calificado como corresponde, o sea cuanto menos “bueno”, aún con elementos humorísticos que no son del agrado del argentino en general. Para nosotros, esta película con Owen Wilson a la cabeza y la dirección de los Farrelly es menos mala que muchas comedias que hemos visto. El nudo argumental toma a dos jóvenes matrimonios cuyos maridos se desviven por los cuerpos de cualquier jovencita que pasa por la calle. Las esposas deciden darles un “pase libre” de una semana para que hagan lo que quieran, sin posteriores reproches ni para ellas ni para ellos. El “pase libre” es para ambas partes, lo que generará secuencias divertidas y controvertidas.

Si bien no hay un gran desarrollo de personajes, sí lo hay de situaciones que cambiarán más a las esposas que a los maridos, atados sentimentalmente (dicho esto en el mejor de los sentidos) a sus mujeres legales.

Como siempre, hay escenas que nos pueden desagradar, pero son las menos y, en líneas generales, es una comedia que arranca risotadas especialmente en los varones. Hay gags previsibles y graciosos a la vez. Si quiere entretenerse y no pensar en nada, no está mal que elija este film. Es una comedia más.

Elsa Bragato

FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA, GANADORES DEL BIZNAGA

2011-04-04T11:59:00.000-03:00

Biznaga de Oro a la mejor película: 'Cinco metros cuadrados' de Max Lemcke.
Premio Especial del Jurado: 'Catalunya úber alles!' de Ramón Térmens.
Mejor dirección: Tom Fernández por '¿Para qué sirve un oso?'
Actriz: Begoña Maestre por 'Arriya'.
Actor: Fernando Tejero por 'Cinco metros cuadrados'.
Actriz de reparto: Geraldine Chaplin por '¿Para qué sirve un oso?'
Actor de reparto: Jorge Bosch, por 'Cinco metros cuadrados'.

Mención Especial para el actor Babou Cham por 'Catalunya über alles!'
Guión: Pablo Remón y Daniel Remón,por 'Cinco metros cuadrados' (dotado con 6.000 euros).
Guión novel: Enrique Otero y Miguel de Lira, por 'Crebinsky'.
Banda sonora: Bingen Mendizábal por 'Arriya'.
Fotografía: Gaizka Bourgevad por 'Arriya'.
Vestuario: Saoia Lara por 'Arriya'.
Montaje: Ángel Hernández Zoido por '¿Para qué sirve un oso?'
Premio de la Crítica: 'Cinco metros cuadrados' de Max Lemcke.
Premio del Público: 'Amigos', de Borja Manso y Marcos Cabotá.
Premio del Jurado Joven: 'Catalunya úber alles!' de Ramón Termens.
Premio Signis (Diócesis de Málaga y Asociación Católica para la Comunicación). 'Crebinsky', de Enrique Otero.
Premio Asecan a la ópera prima. 'Arriya' de Alberto Gorritiberea.
Biznaga de Plata al mejor documental. 'Circo' de Aaron Schock (dotado con 10.000 euros).
Segundo premio: 'Al final de la escapada' de Albert Solé (5.000 euros).
Premio Especial del Jurado. 'El casamiento' de Aldo Garay.
Mención del jurado. 'Un rey para la patagonia' de Lucas Turturro.
Premio del público. 'Al final de la escapada' de Albert Solé.

EL MECÁNICO, CACERÍA DE BRUJAS, EL MAL AJENO, NUNCA ME ABANDONES, JUEVES 31 MARZO, ESTRENOS DE CINE BAIRES

2011-03-31T12:09:00.001-03:00

JUEVES 31 DE MARZO DEL 2011.

Hay 5 estrenos, uno en DVD, Divorcio a la Finlandesa, que no comentaremos.

EL MAL AJENO

De Oskar Santos. Con Belén Rueda, Eduardo Noriega, Angie Cepeda, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 107 minutos.

BUENA. DRAMA COMPLEJO ENTRE LO SOBRENATURAL Y LA REALIDAD

La recomendación que el protagonista (un médico frío y distante) le hace a un pasante, “No mires, haz tu trabajo, pero no mires”, dentro de un hospital abarrotado de pacientes de primeros auxilios y enfermos terminales nos pinta el ambiente donde transcurre gran parte del film, producido por Alejandro Amenábar (Ágora).

El protagonista es un médico acostumbrado a manejar situaciones límites, está inmunizado ante el dolor de los demás pero también en su relación con su esposa y su hija. Dos hechos cambian su actitud: un desconocido que lo amenaza con un revólver, sin entrar en detalles argumentales, y una joven embarazada en estado de coma, que encarna la colombiana Angie Cepeda (de recordada actuación en la telenovela Las Juanas).

A partir de estos dos nudos narrativos, dentro de un guión un tanto desparejo y confuso, se mezclan los vectores argumentales: se cruzan, entonces, el melodrama con el suspenso y los elementos sobrenaturales con un “don” que esgrime la joven embarazada. En definitiva, este don no se comprende del todo.

El clima casi opresivo que se plantea agrega elementos en la vida del protagonista que sacudirán su insensibilidad con situaciones familiares casi límites. La hija padece una peligrosa infección a raíz de un piercing, y está la conciencia del protagonista a partir de un disparo y una relación con la esposa de quien intentó matarlo. Hasta aquí vemos un mix complejo.

Cuando el film transita el género del suspenso sobrenatural (impronta de Alejandro Amenábar), el interés crece superlativamente en detrimento de las relaciones amorosas del médico, que es un personaje contenido e impasible, muy bien elaborado por Eduardo Noriega (conocido en Argentina incluso por sus participaciones en el cine nacional), acompañado por la convincente Belén Rueda, Angie Cepeda y Clara Lago.

En síntesis, el film se mueve en dos andariveles, la más absoluta realidad y un deslucido atisbo de lo sobrenatural, y en definitiva se afecta la comprensión final de un producto logrado, a pesar de lo apuntado.

Carlos Pierre

NUNCA ME ABANDONES

De Mark Romanek. Con Keira Knightley, Carey Mulligan, Charlotte Rampling, Sally Hawkins, Andrew Garfield, entre otros. Música de Rachel Portman. Duración: 104 minutos.

REGULAR. RELATO LÁNGUIDO Y OPRESIVO SOBRE LOS DONANTES DE ÓRGANOS

Aunque el guión haya tenido la mano del escritor japonés Kazuo Ishiguro, autor de la novela Never Let Me Go que da origen al film, estamos frente a un producto lánguido, por momentos con belleza visual, y con un planteo moral sobre la medicina que aterra.

En principio, se nos ocurrió la idea de “monstruoso” para calificar a este film que parte del supuesto de clones humanos como donantes de órganos localizados en Hailsham, una escuela inglesa que existe y desconocemos si dio o no su permiso para ser mencionada (los edificios no coinciden según lo que se ve por internet). Aquí son internados, niñas y niños que desconocen que no tendrán la vida de cualquier ser humano sino que serán donantes que, en la tercera intervención, morirán. Solo tienen una posibilidad de semisalvación y es pedir un “aplazamiento” si se enamoran.

Es realmente un planteo ético sobre la medicina que aterra, especialmente cuando se ve a los ya adolescentes (ya tienen los órganos desarrollados para su extracción) con muletas, con cicatrices, con parches en los ojos que han donado, y resulta agobiante para el espectador comprobar la frialdad de los médicos cuando extraen los órganos y, si el paciente se muere, lo dejan abandonado en el quirófano tal como está: un pedazo de carne más. Una escena que hay que remarcar para la gente sensible.

La narración que plantea Mark Romanek es lánguida, sin “pathos”, con una relatora en off que es la estupenda actriz Carey Mulligan, ganadora de varios premios el anteaño, y que encarna a una “curadora” de pacientes hasta tanto se le indique la fecha de empezar a donar.

La pérdida de los compañeros de escuela por las extracciones de órganos, la frialdad de una medicina que debe preocuparnos, la asociación ineludible con los experimentos nazis en mujeres y niños en la Segunda Guerra Mundial (no está en el film pero se nos ocurre un desprendimiento de aquellos actos monstruosos), son pensamientos ineludibles en el espectador sensible. ¿Es ésta la medicina que queremos? Algunos entendidos indican que Ishiguro plantea dónde está el alma del ser humano. Nosotros creemos, muy humildemente, que esta película excede ese planteo y nos muestra la carencia de ética de los experimentos médicos, sin olvidarnos de los experimentos con medicamentos que todavía realiza el Primer Mundo en los países africanos de raza negra.

Languidez, horror, frialdad, crueldad con buenas actuaciones. Decididamente, pasamos un mal momento y no sacamos nada bueno de este film. Tan solo un alerta rojo que intuimos desde siempre. ¿Es ésta la medicina que nos espera? ¿Necesitamos torturar para vivir? En fin…

Elsa Bragato

EL MECÁNICO

De Simon West. Con Jason Statham, Ben Foster, Donald Sutherland, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 93 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL INTENSO, SANGRIENTO DE CABO A RABO

Esta remake de “Fríamente, sin motivos personales”, film antológico encarnado por Charles Bronson es superior a la original por el ritmo frenético y la andanada de efectos especiales con los que hoy se cuenta. Y si bien es una “remake”, Jason Statham impone su impronta a un protagónico que bien pudo quedar a la sombra del recordado Charles Bronson, quien nos estremecía son sus policiales en los 70.

La presencia de Donald Sutherland, en un papel breve pero fundamental para la trama propuesta, es también un claro indicio de que aquí West fue por todo y no simplemente por una segunda vuelta. Los breves diálogos entre Statham y Sutherland le confieren a este tremendo policial esa cuota de actuación que no suele ser frecuente en el género.

El asesino a sueldo de Statham tiene la estatura que este actor le da a sus personajes, pocos decires, una acción brutal, sin medias tintas. La aparición del hijo de Sutherland, un descarriado que asume a Statham como su mentor y maestro en el crimen, agrega la cuota de suspenso. Quién mata a quién?

Va a saltar de la butaca, y, si bien hay secuencias de diálogos y de cierta calma, solo es para conferirles ese ratito de actuación que mencionábamos, de lucimiento actoral de los protagonistas, para luego pasar a secuencias donde no queda ni un dedo sano. Nos atrapó.

Elsa Bragato

CACERÍA DE BRUJAS

De Dominic Sena. Con Nicolás Cage, Ron Perlman, Claire Foy, entre otros.

REGULAR. CAGE NO LE HACE ASCO A NADA

Nicolás Cage reaparece en la pantalla y no con su mejor actuación. Al parecer, Cage, multimillonario, no le hace asco a nada. Aquí encarna a un cruzado del 1300 que, junto a su amigo (a cargo del notable Ron Perlman), regresa a Francia y comprueba que la peste ha diezmado a gran parte de la población. Los ancianos de la iglesia creen que el “mal” está en una niña-bruja y deciden llevarla a un remoto monasterio.

Es fácil percibir que el guión es el “rejunte” de temas que ya conocemos hasta el hartazgo: las cruzadas, las brujas, la peste medieval y el demonio (aquí más parecido a un Alien que a un ser ultratumba).

El director Dominic Sena (60 segundos, Swordfish, dos buenos policiales) aporta su estilo visualmente atrevido en un intento heroico de salvar al film del naufragio por un pésimo guión. La fotografía es oscura y aterradora por momentos, y es justo decir que se trata de una ambientación lograda para la Europa del siglo XIV. Y, por supuesto, Sena se vale de su vasta experiencia como destacado camarógrafo y realizador de galardonados videos. Esta experiencia ahora la pone al servicio de un mundo devastado por guerras y enfermedades, con paisajes nevados y sombríos y demonios que andan a sus anchas.

La niña bruja, protagonizada por Claire Foy, tiene un destino cruel y no hay que presumir de mucha intuición para saber hacia dónde nos conducirá esta travesía por escarpadas montañas y puentes endebles.

Guión previsible, gastado, otra actuación más de Cage que suma así buenos cachets, y una osada dirección de Sena, dan como resultado un film de aventuras con tintes sobrenaturales. No dudamos de que este género tiene su público. Como realización cinematográfica, adolece de casi todas las bondades del buen cine.

Carlos Pierre

ONDINE, UN CUENTO CHINO, EL MUNDO ES GRANDE..., EL ABISMO..., MARTE NECESITA MAMÁS, SUCKER PUNCH, JUEVES 24 MARZO 2011, BUENOS AIRRES

2011-03-24T12:53:00.001-03:00

JUEVES 24 DE MARZO DEL 2011.

Hay seis estrenos en fílmico si bien uno de ellos será exhibido en DVD.

EL MUNDO ES GRANDE Y LA SALVACIÓN ESTÁ

Y LA SALVACIÓN ESTÁ A LA VUELTA DE LA ESQUINA

De Stephan Komandarev. Con Miki Manojlovic, Carlos Ljubek, entre otros. Música de Stefan Valdobrev. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. UN HÁLITO DE VIDA EN BUSCA DE LA MEMORIA

Precedida por más de media docena de premios y distinciones, este film búlgaro de extenso título es del artista Stephan Komandarev, quien plantea y expone con vigoroso optimismo la búsqueda de la memoria perdida y de la identidad también. Además de agregar el azar y la habilidad en los acertijos de la vida a través del juego backgammon.

Es la historia de un joven que sufrió un accidente automovilístico en Alemania, donde sus padres estaban exiliados del comunismo instaurado en Bulgaria. Un brutal choque mató a los padres y el joven sobrevivió, perdiendo la memoria.

Es, entonces, su abuelo quien lo busca y, en un viaje en tándem y backgammon, lo lleva desde Alemania a Bulgaria, pasando por diferentes países de Europa. El realizador Komandarev nos presenta dos tiempos diferentes: Bulgaria, bajo el régimen comunista de hace 30 años, y el presente del joven amnésico. Es un viaje desbordante de enseñanza de la vida gracias a un abuelo que no se deja vencer.

El serbio Miki Manojlovic realizada una actuación soberbia aportando su talento actoral para componer a este abuelo que apuesta a la vida. Recordemos que Manojlovic lleva realizadas más de 20 películas entre las que recordamos Underground, Gato Negro-Gato Blanco, y La otra América.

La narración nos plantea una travesía por Europa como el medio idóneo para la recuperación del joven: la singularidad de este viaje es que los parlamentos están dichos en los idiomas de los cuatro países productores, además de italiano e inglés.

El aporte de la fotografía es notable porque se ven paisajes estupendos y amalgama las almas de los dos protagonistas en secuencias muy emotivas. Es un film para no perder porque nos da un impulso de vida al corazón, a las ganas de ser, seguir siendo y de recuperarnos de la cotidianeidad. Venimos heridos en los corazones por tantas ficciones violentas que una historia de este tenor es un hálito de esperanza en la cartelera.

Carlos Pierre

EL ABISMO… TODAVÍA ESTAMOS

De Pablo Yotich. Con Juan Palomino, Raúl Rizzo, Dalma Maradona, entre otros. Música de Víctor Heredia. Duración: 95 minutos.

BUENA. EL NUNCA MÁS PRESENTE EN UN BUEN RELATO

Estreno oportuno es esta ópera prima de Pablo Yotich en el Día Nacional de la Memoria y Justicia. Es un film que no defrauda y augura un buen camino a su realizador por el sólido guión donde muestra los duros años de la dictadura y el presente de los que fueron sustraídos a sus familias y entregados a otras. Ahora pueden recuperar su identidad verdadera.

La historia hace hincapié en una familia donde convivían militares, sacerdotes y militantes contrarios a la dictadura impuesta por el proceso.

El disparador de la narración está en el militar que recibe la orden de detener a su hermano y a su novia embarazada bajo la mirada del sacerdote, tío de los infortunados jóvenes.

El guión alterna aquellos años del ’78 y el presente, donde el sacerdote se relaciona con su sobrina quien busca la verdadera familia.

Pablo Yotich ha sabido convocar a un elenco donde confluyen Juan Palomino, Raúl Rizzo, Alejandro Fiore, Humberto Serrano, hombres de primerísimo nivel actoral y compromiso social, junto a la juventud de Agustina Posse y de Dalma Maradona.

El plus del film está en la música de Víctor Heredia, también comprometido con la justicia social. Entre tantas películas sobre la dictadura del proceso militar y los desaparecidos, ésta está a la altura del tema, tan doloroso y todavía con muchas aristas por resolver. Las “costuras” de una ópera prima están, pero se superan por la intensidad del guión y las actuaciones.

Carlos Pierre

AMOR SIN LÍMITES (ONDINE)

De Neil Jordan. Con Colin Farrell y Alicja Bachleda, y la pequeña Alison Barry. Música de Kjartan Sveinsson. Duración: 104 minutos.

BUENA. UN CUENTO DE HADAS Y UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD

Neil Jordan es el mismo realizador de El Juego de las Lágrimas que aquí nos presenta una fábula que no será tal pero que, en el mientras tanto, nos permite soñar. La realidad se impondrá pero hay un largo trecho entre las redes del pescador Syracuse que encuentra a una “mujer pez” y la resolución.

La mujer pez se hace llamar Ondine y esconde un pasado fuerte que oculta. Hay una estrecha relación intuitiva entre la hija de Syracuse, encarnado por un muy creíble Colin Farrell y su hija en la ficción, una adorable Alice Barry.

La ex exposa de Syracuse, el alcoholismo que acecha a Syracuse, y la insuficiencia renal de la pequeña hija de los protagonistas, son ingredientes que muestran atisbos de realidad en medio de un paisaje marino por momentos idílicos. La intervención de Stephen Rea como sacerdote, gran actor inglés, pone la cuota de humor y de simpatía que la narración requiere, humor inglés, el que arranca sonrisas. Es excelente y oportuna esta participación.

No entendemos el título que se impuso a este film en castellano. Ondine es el nombre de la protagonista y no estaba mal. De todas maneras, estamos frente a una fábula que demuestra que las segundas oportunidades en la vida siempre están. Solo hay que saber verlas.

La narración tiene una insólita vuelta de tuerca que nos pone de golpe en situaciones que no tienen nada que ver con el idilio naciente entre la mujer-pez (no es sirena) y el pescador. Y quiebra un cuento de hadas que venía bien. A lo mejor, los tiempos actuales no permiten que ocurran hechos insólitos y entonces es mejor cortarlos de raíz. No estamos de acuerdo. Igual, el film nos atrapó de principio a fin y nos parece una propuesta diferente. Si no le damos el “Muy bien” es justamente por este quiebre en el guión.

Elsa Bragato

UN CUENTO CHINO

De Sebastián Boresztein. Con Ricardo Darín, Muriel Santa Ana, Ignacio Huang, entre otros. Música de Lucio Godoy. Duración: 93 minutos.

BUENA. DARÍN COMO SOPORTE DE UNA BUENA COMEDIA

Ricardo Darín es, sin caer en exageración, un Marcello Mastroianni a la criolla. Es capaz de encarnar todo tipo de roles siendo diferente en cada uno y sin perder su esencia. Es él pero es el personaje elegido. En este caso es Roberto, un tipo malhumorado, gruñón, que tiene memoria sobre un hecho histórico que le duele y manías como juntar recortes de noticias. La aparición de un chino caído como del cielo (tiene que ver con la historia que motivó el relato de Boresztein, el de la vaca que cayó del cielo, 2007), que no habla castellano y sí mandarín, y su solidaridad, aún a regañadientes, lo llevan a tener una convivencia insólita, inesperada, que es donde más gana el film y donde más disfrutamos a este Darín y a este chino auténtico, que no necesita de subtítulos para hacerse comprender. Ambos personajes, además de otros como el de Muriel Santa Ana, siempre creíble, ajustada, simpática, conforman un dúo-trío que no podrán disolver así porque sí.

Dónde pierde el film? En la previsiblidad. Todos entendemos por dónde va cada uno, qué es lo que va pasar, y en qué va a terminar. No obstante, la solvencia de Darín soluciona todo y uno queda atrapado por su “Roberto” de principio a fin. Es una buena comedia, con gags y algunos efectos que, si no nos conformaron del todo, lo dejamos pasar porque fue un momento de disfrute de un gran actor. Y la sorpresa de un chino como Huang que ya hemos adoptado.

Elsa Bragato

MARTE NECESITA MAMÁS

(animación por captura de movimiento)

De Simon Wells y Wendy Wells. Música de John Powell. Duración: 88 minutos.

MALA. ANIMACIÓN QUE ASUSTA Y GENERA CULPA EN LOS CHICOS

Ir al cine con los chicos para sufrir es realmente ilógico. Sobre todo cuando las narraciones se pueden plantear desde otro lado menos cruento como aquí y hasta como en la mismísima y consagrada Nemo. Algo sucede en las productoras de animación con las madres: nos hacen desaparecer de golpe o bien por un mordisco de un tiburón o bien por un plato volador. Éste último es el caso de Marte necesita….

Se emplea la técnica de “captura de movimiento” o sea los actores trabajan en sets sin escenografías y sus movimientos son capturados por computación. Luego se rellenan “esos puntitos” con figuras animadas. En este caso, y desde el punto de vista estético, los personajes no producen empatía con el espectador. El niño tiene fea expresión, la mamá en cuestión es insípida en sus rasgos.

Milo y su mamá tienen las peleas lógicas entre madre e hijo. Los marcianos, muy feos algunos, observan todo y deciden “abducir” a la mamá, ya que a Milo no parece importarle su presencia porque le exige orden y limpieza y está harto de sus retos. He aquí el meollo de la cuestión.

En Marte hay un sinnúmero de bebés que esperan mamás, no se explica muy bien por qué nacen tantos chiquitos de la tierra supuestamente marciana.

A partir de la abducción de la madre comienza un film rayano en lo trágico por la desesperación de Milo y patético al mismo tiempo porque no se logra transmitir emoción sino susto. Uno imagina a un chiquito de 7 años viendo el film y el sufrimiento que debe sentir o la culpa si alguna vez no ha estado de acuerdo con su mamá o se enojó con ella porque le pidió que levantara su ropa del suelo. Es decir, toda la narración del film es un largo sufrimiento y genera culpa.

No nos atrajo la estética del film, no nos gusta para nada este tipo de planteos sobre las madres, no nos gusta que nuestros hijos sufran hasta el paroxismo para no sentir culpas que, después de todo, son humanas. A las mamás se nos puede poner en papeles y situaciones menos traumáticas para nuestros hijos. Un film malo por donde se lo mire porque los chicos van a sufrir y sentir culpas.

Elsa Bragato

SUCkER PUNCH

De Zack Snyder. Con Emily Browning, Jena Malone, entre otros. Música de Tyler Bates y Marius de Vries. Duración: 109 minutos.

MALA. MÁS ARTIFICIO QUE NARRACIÓN EN UN FILM PLAGADO DE CLISHÉS PREPRODUCIDOS

Zack Snyder es el realizador de “300” y de “Ga’Hoole” donde no pudo superar su adicción al tremendismo y ubicó a las pobres lechuzas en un campo de concentración. Es decir, siempre anda a caballo entre la realidad actual y la realidad de su fantasía, que es mucha, poderosa y le juega malas pasadas como en este caso. Aquí la joven protagonista es llevada a un neuropsiquiatra por su padrastro donde le harán una lobotomía. La historia está ubicada en los 50: un poco de nervios y chau, al neuropsiquiátrico.

Allí se ve junto a otras jóvenes que sufrirán tanto como ella en espera de esa intervención, vejaciones y una seguidilla de malos tratos que no producen ni horror ni nada, solo hastío en el espectador. No hay “punch”, llegada. O mejor aún, le falta “pathos”.

En los sueños, la joven que interpreta Emily Browning, ingresa a un mundo donde hay desde robots hasta dragones, desde caballeros hasta Orcos, que ya vimos en El Señor de los Anillos. Todo es poco para Snyder: hizo un trabajo de preproducción importante que terminó por desvanecer su propia idea argumental.

Hay padecimientos de todo tipo, artificios que no cuajan con la realidad del personaje principal, insólitas luchas cuando hay un neuropsiquiátrico esperando, e idas y vueltas hacia el pasado y la realidad virtual que conforman un rejunte para nada convincente.

No nos gustó, ni siquiera por las luchas rallentadas de las que Snyder es un maestro, ni la estética del cómic que tan bien resultó en “300” ni la idea argumental ni su desarrollo.

Elsa Bragato

UN DESPERTAR GLORIOSO, SANCTUM, SOLO TRES DÍAS, LOS OJOS DE JULIA, LÍBANO, ESTRENOS JUEVES 17 MARZO, BUENOS AIRES

2011-03-17T11:14:00.003-03:00

JUEVES 17 DE MARZO DEL 2011.

Hay seis estrenos en fílmico. No comentaremos el film nacional “Familia para Armar”.

UN DESPERTAR GLORIOSO

De Robert Michell. Con Harrison Ford, Diane Keaton, Jeff Goldblum y Rachel McAdams. Duración: 107 minutos.

BUENA. TV BASURA VS TV TRADICIONAL EN CLAVE DE COMEDIA

La televisión basura no es cuestión argentina, es un tema global. Lo circunspecto, lo formal, está siendo dejado de lado por cientos de miles de telespectadores agobiados por la realidad cotidiana. Entonces, ver pavadas atómicas por televisión resulta una distracción que no siempre los críticos aceptamos como buenas, pero son distracción al fin. Esto no significa que el telespectador no desee informarse con documentales, films medulares, no. Sencillamente, luego de un día agotador, la elección es la distracción en un altísimo porcentaje.

Éste es el planteo básico, la idea del film: la seriedad circunspecta vs la televisión basura. El argumento se ubica en una telemisora que va perdiendo la batalla del rating a la mañana con su Despertar Glorioso, o Morning Glory, frente a su principal competidor. Una joven productora ejecutiva se hace cargo del programa que conducen Diane Keaton y un astro de la TV al que despide. Tiene otro conductor valioso, que es el personaje de Harrison Ford, caído en desgracia por su pésimo carácter.

El ambiente creado es exacto: una telemisora ganadora con lujo hasta en los marcos de las puertas y la perdedora en el rating, con puertas desvencijadas y oficinas de producción abarrotadas de papeles, archivos, desorden por doquier.

El elenco es de lujo. Diane Keaton está muy bien en el papel de la co.conductora que debe soportar el malhumor del nuevo conductor, a cargo, como dijimos, de un Harrison Ford que, al comienzo, no nos gustó. Seriote y con algunos toques de cirugía en la cara. Cuando su personaje se aliviana de pesadas cargas emotivas, su rostro cambia de expresión y reconocemos el viejo y querido Ford de siempre. Demasiado parco durante toda la narración.

La joven productora, que es el eje del film, encarnado por una muy eficiente Rachel McAdams, es enérgica, vital, compulsiva en su trabajo y contagia de energía a la platea. En el papel del descreído CEO está Jeff Goldblum, el ex “La mosca” y de tantos otros films, como siempre acertado, justo.

El producto apunta a mostrarnos qué pasa en la “network” de TV y, por otro lado, qué pasa con la vida de quienes están en una alocada producción perdedora.

Hay secuencias realmente muy reideras relacionadas con la búsqueda del rating y la caída lenta e inexorable hacia la televisión absurda, burda, sometiendo a sus conductores a insólitas y desopilantes coberturas.

Está lejos de la antológica “Network” que protagonizaran Peter Finch y William Holden (1976) pero está cerca de la televisión actual.

A pesar de todo, nos atrapó.

Elsa Bragato

LOS OJOS DE JULIA

De Guillem Morales. Con Belén Rueda, Lluís Homar, Julia Gutiérrez Caba, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 112 minutos.

REGULAR. TELENOVELÓN CINEMATOGRÁFICO DE TERROR

El cine español encontró una veta que es el género del terror. Está muy lejos del terror de Hollywood pero es justo reconocer que está produciendo con calidad fílmica, cinematográfica, con narraciones audiovisuales compactas. Éste es el caso de Los ojos de Julia si bien, y en definitiva, no nos convenció la propuesta. No está mal, sino todo lo contrario, pero nos pareció más un melodrama al estilo de un telenovelón mexicano que un film en sí mismo de género.

Julia padece la enfermedad de su hermana melliza (había que buscarle un “alter ego” para cumplir con el guión) y es una ceguera paulatina. La hermana murió ahorcada pero Julia no acepta el suicidio sino que investiga, a pesar de que deberá someterse a la misma operación para evitar la ceguera y correr los mismos riesgos que su hermana, incluyendo la muerte provocada o no.

Los personajes están bien perfilados. Belén Rueda carga con todo el peso de la narración, es ella y ninguna gemela quien debe asumir diferentes actitudes ante situaciones dramáticas, trágicas, terroríficas. Y este personaje contrasta, hábilmente, con el de su pareja, un hombre demasiado calmo frente a todo lo que enfrenta su esposa. ¿Sospechoso o no?

Hay intriga. Hay clishés y muchos, se mantiene la atención del espectador con una narración compacta y con efectos especiales burdos. Al asesino solo lo ve Julia aunque no lo vea, y no es un juego de palabras. Los ojos de Julia ven algo que los demás no pueden, y no son fantasmas.

Es un film de terror que no llega a las alturas de los clásicos orientales o de Hollywood. Pero tiene a su favor la solidez de la narración propuesta y la credibilidad de las actuaciones aunque la mano del productor Guillermo del Toro aquí no sea la misma que empleó en su celebrada y excelente El laberinto del Fauno. La calificamos como “regular” por cómo está planteado el tema y porque la realización, aunque efectiva, es burda como producto cinematográfico en sí. a pesar de tener elementos que hemos ponderado. El espectador va a ver un telenovelón con suspenso. Y no está mal.

Elsa Bragato

SOLO TRES DÍAS

De Paul Haggis. Con Russell Crose, Elizabeth Banks, Ty Simpkins, Liam Neeson, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 122 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL INTENSO CON MUCHA HISTORIA Y POCA BALACERA

Que un policial nos atrape de principio a fin es mucho decir porque no son pocos los que se ven semanalmente. En “Solo tres días”, Russell Crowe encarna a John, un padre de familia, que decide salvar a su mujer de una acusación de asesinato mientras se apega a su hijo Luke, encarnado por un pequeñín actor llamado Ty Simpkins. Es notable el guión de Haggis, a quien le debemos “Crash”, entre otros films taquilleros y ganadores de premios (por Crash recibió el Oscar), dado que es allí donde puso la energía: hay desarrollo de personajes, evolución de éstos, sin olvidarse del entorno narrativo, en este caso, la policía que va detrás del matrimonio y su hijo, y el plan de salvataje que el protagonista encara para su mujer, encarcelada por una aparente injusticia. Si es aparente o no deberá resolverlo el amigo lector que la vea.

Los climas que logra Paul Haggis son fantásticos porque la tensión y la adrenalina se apoderan del espectador desde el primer minuto del film. Es allí, en las primeras secuencias, donde está la clave del desarrollo narrativo. Pero no su desenlace que no se vislumbra.

Resulta además interesante la participación especial de Liam Neeson como un ex convicto que le proporciona un plan perfecto a John, convencido de la inocencia de su mujer. Breve, casi un “paneo”, pero una presencia sin duda estelar.

Pocos tiros, poquísimos, los necesarios, y un guión sólido para generar una narración policial intensa. He aquí el “quid” de este film: historia y no balaceras.

Por otra parte, la banda sonora de Danny Elfman subyuga, es justa, no es estridente, apuntala las secuencias indicadas por HAggis, refuerza los cambios del personaje de Russell Crowe quien encara un film muy interesante.Nos parece un muy buen policial, con dos subtextos a tener en cuenta: la injusticia de la Justicia en todas partes del mundo y la salvación por la via políticamente incorrecta como es, para la mayoría de los norteamericanos, Venezuela. Nada más. Hay que verla.

Elsa Bragato

SANCTUM 3D

De Alister Grierson con producción de James Cameron. Con Dan Wyllie, Rhys Wakefield, entre otros. Música de David Hirschfelder. Duración: 95 minutos.

BUENA. DISFRUTE VISUAL EN UN FILM MENOR DE CAMERON

Producida por el inquieto innovador australiado James Cameron (Titanic, Avatar), vemos en Sanctum la continuación de su avasallante estética. En este caso, se unió a su amigo Andrew Wight, quien vivió una situación semejante a la planteada en el film en 1988. Entonces, un grupo de espeleólogos y submarinistas de Australia, realizando tareas de investigación en una cueva submarina, se vieron atrapados en tales profundidades a raíz de una extraña tormenta que derrumbó la entrada de la cueva. Fueron rescatados e idearon esta hitoria que ahora se ubica en Papúa, Nueva Guinea.

A fin de otorgarle más carnadura al guión, se ficcionó una conflictiva relación entre un padre y un hijo, sumándose otros sucesos accidentales como la diferencia de criterios de los expedicionarios.

La ambientación es fenomenal. Para darnos idea de la monumental cueva donde se desarrolla el film, Cameron y sus productores recurrieron a un gran tanque de agua de 40 metros de largo por 30 metros de anche y siete de profundidad, con capacidad de más de siete millones de litros de agua.

El avance técnico que se ha alcanzado en el cine, en buena medida por la inventiva de James Cameron luego de Avatar, sumerge literalmente al espectador en las profundidades del mar no solo físicas sino emocionales, porque hay un impacto visual muy fuerte.

La ficción del film es compacta y todo tiene relación con todo: el título, Sanctum, significa Santuario y se cita al escritor inglés Samuel Coleridge, que escribiera un altisonante poema llamado KublaKhan, donde nos describe la majestuosidad de una cueva subterránea a la que jamás llegó el hombre.

Es un film para disfrutarlo visualmente, como sucedió con Avatar. La anécdota que se narra es prácticamente secundaria aunque ayude a generar tensión y emoción en el espectador. Es una aventura “Cameron” y está todo dicho.

Carlos Pierre
LÍBANO
de Samuel Maoz. Con Yoav Donat, Itay Tiran, entre otros. Música de Nicolás Becker. Duración: 93 minutos.
MUY BUENA. EL HORROR DE LA GUERRA EN PRIMERA PERSONA
La película Líbano ganó el premio mayor del último festival de Venecia. Es que su director y guionista, Samuel Maoz, vivió como conscripto el horror de la guerra del Líbano, en 1982, y logró realizar un film donde sintetizó y concentró todo el terror y el horror que vivió. Aquí están sus experiencias, de allí nuestro título de "guerra en primera persona".
En el caso del film son cuatro conscriptos israelíes dentro de un tanque. Conforman una patrulla de reconocimiento que, luego, se transformará en una patrulla en medio de una pesadilla sangrienta. Sin embargo, el director apela a la ética y no solo muestra el terror de los soldados frente a la muerte sino la muerte de los civiles que es tanto más cruenta porque no están peleando sino que están en el medio de dos bandos.
Chicos, animales, ancianos, depedazados, clamando por paz, acribillados sin razón. La guerra es eso, una sinrazón.
La singularidad del film reside en el encierro, durante 24 horas, en un tanque de estos soldados a quienes les cuesta pelear, matar, luego de apuntar en la mirilla al enemigo que no les parece tal sino todo lo contrario. Ven en esos enemigos lo que veríamos nosotros: personas iguales a uno, con tanto miedo y terror como uno.
Todos están envueltos en la misma tragedia. Por eso el soldado se niega a disparar o bien el motorista no acciona su vehículo. La retracción no solo es exterior, es también interior. Todos quieren volver a sus hogares, estar con sus familias y no vivir ese injusto infierno.
Dentro del tanque, a medida de que pasan las horas, el espíritu va sufriendo por la menesterosidad del hombre mismo, sus propias miserias corporales que debe afrontar. Aquí está el mayor logro del film. No son héroes ni los enemigos son tales.
La leyenda pintada dentro del tanque señala "el hombre es acero; el tanque es solo hierro". Sin embargo, esta historia muestra que los hombres no están hechos de acero, por suerte. Desde este punto de vista, es una película lograda y, a pesar de las fuertes escenas, impacta en el corazón.
Carlos Pierre

UN FERIADO PARTICULAR, EL CONCIERTO, INVASIÓN BATALLA LOS ANGELES, SPLICE, ESTRENOS JUEVES 10 MARZO EN BUENOS AIRES

2011-03-10T10:58:00.003-03:00

JUEVES 10 DE MARZO DEL 2011.

Hay cinco estrenos. No comentaremos el DVD titulado Divorcio a la Finlandesa, ni la comedia norteamericana Mi abuela es un Peligro 3.

UN FERIADO PARTICULAR

De Gianni Di Gregorio. Con Valeria De Franciscis, Marina Cacciotti, entre otros actores no profesionales. Música de Ratchev & Carratello. Duración: 75 minutos.

MUY BUENA. CÁLIDA COMEDIA ITALIANA

Este film de Gianni di Gregorio es una gema preciosa, rescata lo mejor del cine de comedia italiano. Hay múltiples razones: Gianni Di Gregorio, a los 58 años, dirige tardíamente su opera prima, luego de tener un largo recorrido en el mundo del cine como guionista, ayudante de dirección, durante más de 20 años. Di Gregorio se impregnó del neorrealismo italiano al punto que fue el protagonista de esta película además de su director y recurrió a actores no profesionales.

Situó la trama en el Tastevere de Roma, lugar donde nació y se crió y que conoce profundamente.

Esta comedia tiene coherencia y solidez argumental a lo largo de sus 75 minutos. Se podría haber caído en un facilismo de groseros gags, pero, contrariamente, la trama se desenvuelve ágilmente, con un andar como entre plumas, a pesar de los innumerables contratiempos que debe sortear el protagonista. Singular italiano, buen hijo, no pierde en ningún momento su heroica predisposición para llevar a buen término el extraño almuerzo del tórrido verano romano.El “Ferragosto” es un tradicional feriado de 2 días en agosto, pleno verano italiano, donde todos los negocios cierra y los habitantes de Roma salen de vacaciones, igual que el “enero porteño”.Di Gregorio compone a un solterón que cuida con altruismo a su autoritaria madre viuda. La situación económica es mala y un acuerdo con el administrador le permite recuperarse momentáneamente. No será fácil el acuerdo: cuidar de la madre del administrador, de su tía y hasta de la madre del médico de cabecera. Todos tienen que salir de Roma menos el personaje de Di Gregorio.

Las ocasionales inquilinas mostrarán sus caracteres, sus rebeldías y tendrán en jaque al protagonista. Y es aquí donde surge el neorrealismo de Di Gregorio, que ha sabido “aggiornar” con una realización sólida, sin lugares comunes. A pesar de tratarse mujeres de más de 80 años, se siente una bocanada de frescura con este film italiano tan realista y al mismo tiempo inmaterial por la afectividad que emana y que llega al espectador, por la verosimilitud de las ocurrencias de las ancianas, y porque, de alguna manera, sentimos empatía y un espejo de muchas situaciones familiares argentinas.

Nos pareció un film adulto, veraz, que hacía tiempo no se veía en la cartelera porteña. Claro está, viene precedido de premios de festivales como el de Venecia y muchos más.

Carlos Pierre

EL CONCIERTO

De Radu Miihaileanu. Con elenco ruso y francés. Música original de Armand Amar. Duración: 120 minutos.

MUY BUENA. UNA COMEDIA SOBRE LOS MÚSICOS Y LA LIBERTAD

Estamos frente a una historia de músicos, de música y de libertades truncas, que resulta una comedia diferente, adulta, simpática.

El nudo de la historia es el caso de Andrei Filipov Alexei quien, presuntamente, en la época de LEonid Brezhnev, la Rusia comunista, pasó de ser director de la orquesta del Bolshoi a limpiar los baños del famoso teatro de ballet por negarse a echar a los músicos judíos de la orquesta. La posibilidad de tocar en el Theatre du Chatelet de París, engañando a un celoso espía de la KGB, a raíz de un hecho circunstancial y causal. Y, por si fuera poco, dejar fuera del concierto a la Filarmónica de Los Angeles, nada menos. Los músicos judíos rusos y el director encuentran la posibilidad de retomar su profesión de manera “indirecta” (hay que ver el film), y viajan a París donde los esperará otra sorpresa: la hija del director devenido en ordenanza.

Para lograr esto, se echó mano a un elenco ruso y francés, que debieron congeniar sus diferencias idiomáticas en el set. Además, se hizo una adaptación del Concierto para Violín y Orquesta en Re Mayor de Tchaivosky, empresa nada fácil para no desnaturalizar una obra clásica de envergadura.

Las secuencias parisinas producen cierto bajón en el guión, los músicos se pierden por París, y tanto el espectador como el teatro Du Chatelet los esperan para el concierto, que da título al film. No obstante, es un film rítmico, apasionado, diferente, que nos ofrece un encuentro con la otra cara de la música, la de la censura, y la música como “ordenadora” de la libertad y de la unión de los pueblos más allá de las fronteras y las políticas. A nosotros, nos encantó a pesar de algunos vaivenes del guión, como apuntamos.

Elsa Bragato

INVASIÓN DEL MUNDO, BATALLA LOS ANGELES

De Jonathan Liebestman. Con Aaron Eckhart, Ramon Rodríguez, Noel Fisher, entre otros.

BUENA. INVASIÓN ET REPELIDA A SANGRE Y FUEGO

Ésta es la película pochoclera de la semana. Balaceras, despanzurramientos, y caos por doquier.

Ciertamente, el film mantiene la atención del espectador de principio a fin porque las balaceras no paran nunca y no hay forma de apelar a un “descanso visual” ni mental. El director hace un repaso de los avistamientos de OVNI registrados desde 1942, incluyendo los de Buenos Aires, para recalar en esta feroz invasión de unos ET que son como medusas envueltas en trajes metálicos que obran como escudos. Un batallón comandado por el personaje de Aaron Eckhart hace frente a estos ET que se parecen mucho a otros enemigos de los ejércitos norteamericanos en su accionar. Ahora se cuenta con rayo láser, con misiles que van directo hacia donde apuntan estos rayos, y ciertas modernidades que no bastan para que se produzca una cruel matanza de humanos y ET:

Hay escenas realmente escabrosas que marcamos para los más impresionables: por ejemplo, indicamos la del sargento Michael Nantz (Eckhart) que decide darle muerte a un ET, desprovisto de su traje metálico, metiendo sus manos, sin ninguna prevención, dentro del cuerpo aún con vida, y arrancándole el centro de energía vital, algo así como el corazón de un ET. Produce repugnancia y una sensación de horror ante tanta crueldad. Se puede pensar que, frente a un enemigo, cualquier cosa está bien para darle muerte, aún la tortura. Los parlamentos son básicos, elementales. Aquí se trata de dar muerte a estos ET que vienen con malas intenciones hacia los terrestres.

Si quiere escuchar tiros, ésta es su película. Si quiere pasar un momento con sentimientos de otra envergadura, no dude en ver o Un Feriado Particular o El Concierto.

Elsa Bragato

SPLICE

De Vincenzo Natali, producción de Guillermo del Toro. Con Adrian Brody, Sarah Polley, entre otros Música de Cyrille Aufort. Duración: 100 minutos

REGULAR. CIENCIA FICCIÓN REMANIDA, BARATA Y DESAGRADABLE

Es sin dudar un film con impronta de Guillermo del Toro, aunque muy lejos de la excelencia de El Laberinto del Fauno. Igual se las ingenia para que los seres extraños aparezcan en el film, configurando una realización de horror con un velado enjuiciamiento a los experimentos de la ingeniería genética. Una pareja de científicos, que encarnan Adrian Brody y Sarah Polley, da vida a una criatura que, en principio, provoca risa y horror. Un muñequito de computadora que nos recuerda a aquéllos pergeñados, con mucha distancia por cierto, para El Señor de los Anillos. La necesidad del matrimonio es criar a ese engendro, luego de fallar con varios pedazos de carne que explotaron en medio de una pelea salpicando de sangre hasta la platea. Es una escena por demás desagradable.

Este ser se llama Dren y se criará como una bella mujer alada que se enamora de su “padre científico”, por lo que se cae en escenas de sexo muy poco creíbles. Por su parte, hay una escena de tortura, la esposa Elsa le corta el aguijón de la cola a la adolescente alada de una manera que nos remite a los documentales sobre los brutales experimentos nazis (tema recurrente en Del Toro).

Un baño de sangre desde comienzo al fin, secuencias poco agradables más que de horror, nos llevan a calificar a este producto de regular porque, si bien tiene un buen elenco, y por eso se salva de “mala”, el guión es cursi, con gags baratos que más que miedo dan asco.Agragamos que "splice" singifica "empalme" y es lo que hacen estos científicos: empalman genes, los unen, los distorsionan.

Elsa Bragato

RANGO, INFIERNO AL VOLANTE 3D, LA REVELACIÓN, ESTRENOS 3 DE MARZO 2011 BUENOS AIRES

2011-03-03T13:27:00.001-03:00

JUEVES 3 DE MARZO DEL 2011.

Hay cuatro estrenos en fílmico en la ciudad de Buenos Aires. No comentaremos “Fase 7”, film nacional.

RANGO

De Gore Verbinski. Con Johnny Depp, Isla Fisher, Timothy Olyphant, entre otras voces. Duración: 107 minutos.

MUY BUENA. NOVEDAD EN ANIMACIÓN, SIMPÁTICA LAGARTIJA EN UN WESTERN-HOMENAJE

Es difícil encontrar en el género animación guiones que no caigan en lo ya visto. Son pocos los films animados que nos han impresionado porque no tienen golpes bajos o de fuerte emoción o bien por su creatividad. Rango es una película que nos impresionó y divirtió.

Rango es el nombre de esta lagartija que se ve envuelta en situaciones de cowboys cuando cae, buscando agua, al pueblo de Dirt, donde no hay agua justamente y sus habitantes están desesperados por la sequía, todos ellos animales extraños, vestidos al mejor estilo del farwest.

A Rango lo acompañan, como voces que van narrando sus desventuras y aventuras, cuatro lechuzas que conforman un cuarteto de mariachi, simpático, oportuno, con parlamentos divertidísimos.

Además la misma carita de este animalito nos produce empatía, recordándonos a la ardilla enloquecida por su bellota de la saga La Era del Hielo. Rango se hace el malo, el que puede enfrentar a los peores del pueblo, entre ellos, un “che”, un argentino que es un malevo (buena tipificación, sin burla alguna). La serpiente que es el mal, la tortuga vieja que amenaza a todos a pesar de su pachorra, la niña del pueblo que ve en Rango a un ser especial, y un guiño a los westerns memorables (el reloj que va marcando la hora, por ejemplo, como A la hora señalada), así como un sinfín de desaguisados de Rango que arrancan la genuina risa.

No se la pierdan. No nos queda en claro si el film es para los más chiquitos o bien para los adolescentes pero, es sin duda, una gran película de animación que divierte sin golpes bajos. Nadie se come a nadie, nadie queda huérfano. Y el héroe es un antihéroe que se maneja con buenos sentimientos. Está dentro del estilo de Madagascar o La Era del Hielo o Monsters Inc. Por su guión atractivo y sus parlamentos imperdibles. Tenga o no chicos, vaya y dese el gusto de ver Rango.

Elsa Bragato

INFIERNO AL VOLANTE 3 D

De Patrick Lussier. Con Nicolás Cage, Amber Heard, Billy Burke, entre otros. Duración: 103 minutos.

MALA. CAGE EN 3D, TACITURNO ASESINO, MÁS DE LO MISMO AMPLIFICADO

La experiencia 3D permite algunos experimentos no del todo finiquitados como Infierno al Volante o Drive Angry, algo así como Enojado al Volante o Conductor Enojado. Nicolás Cage, que debuta en el cine 3D, se pone en el papel de Milton, un abuelo que quiere salvar a su nieta de la muerte a manos de la misma secta que mató a su hija ni bien nació la beba. Enceguecido por la ira, encuentra en su camino a una mesera que sabe más artes marciales que él mismo. Salido del infierno, Milton recorre las carreteras buscando al mandamás de la secta y, mientras tanto, no le hace asco a las balaceras aún haciendo el amor con una rubia infartante que no entiende qué pasa, se resbala de la cama, desnuda, y ofrece un “show de cómic” bien estudiado por el director Lussier, el mismo de Sangriento San Valentín.

Encontramos que la narración es elemental, previsible, que se ha buscado probar el 3D con efectos de computación y se imita mucho al último Tarantino con brazos amputados, piernas destrozadas, balas en los ojos, todas escenas de trazo grueso con tinte de cómic, tal como dijimos más arriba.

Para quienes buscan acción, aquí tienen su película semanal. No es buena en su argumento, tiene personajes muy “maquietas”, es decir, sacados de un “storyboard” muy duro, inflexible. Cage ama este tipo de personajes, y parece que nada hace mella a su carrera mostrándose con un rostro adusto, enojado como en otros films, matando a piacere. Hay escenas de destripes, de explosión de órganos, puentes que se deshacen ni bien pasa el auto de este hombre maldito, mucha computadora y una historia que se deshilacha de a poco. Pero cumple su objetivo de entretener y de taparse los ojos cuando algún órgano revienta por una bala. Usted elige.

Elsa Bragato

LA REVELACIÓN

De John Curran. Con Robert De Niro, Edward Norton, Milla Jovovich, entre otros. Duración: 104 minutos.

REGULAR. HISTORIA QUE SE PIERDE Y ELENCO DESAPROVECHADO

La primera escena, ambientada en la década del 50, pinta de entrada el carácter del protagonista (Edward Norton en el papel de Stone, título en inglés del film ), quien es indiferente y maltrata a su esposa, sometida y hasta intenta arrojar a la pequeña hija por la ventana si ella lo abandona. Extorsión de un perverso.

Hay un pase de tiempo y este mismo personaje aparece como un veterano oficial de justicia a cargo de la redacción del informe que será decisivo para que un juez se expida en la liberación o no de un verborrágico recluso, encarnado por Edward Norton.

El reo había tenido participación en el incendio del hogar donde murieron calcinados sus abuelos.

Hay además un personaje determinante en la historia, y es la esposa del convicto, quien intenta seducir al oficial de justicia.

Aquí se trastocan los roles de los protagonistas, el convicto se convierte a un pseudomisticismo, su esposa no sabe si ha enamorado o no al oficial o bien si es todo un ardid y Stone-Robert De Niro saca a relucir una falsa moral religiosa.

El director John Curran (recordar “Al otro lado del mundo”) no supo valerse de tan importante grupo de actores y cayó en un trhiller que se enturbia a medida de que avanza la narración. El comienzo prometía mucho más pero se diluye con largos parlamentos que sacan al espectador del nudo de la trama.

Sí se asiste a la hipocresía religiosa, progresiva, del protagonista, que tampoco cumple con ninguno de los preceptos que dice respetar.

Compensa, en alguna medida, la endeblez del guión la magnífica realización visual, el manejo de los “tempos” con precisión. Un film que nos hace suponer mucho más de entrada y que se queda a mitad de camino.

Carlos Pierre

PREMIOS OSCAR 2011, GANADORES: LA MEJOR FIESTA EN AÑOS Y LA MÁS PREVISIBLE EN LOS PREMIOS OS

2011-02-28T02:04:00.000-03:00

Lo mismo ocurrió con el rubro Mejor Actriz: recayó en Natalie Portman por Black Swan, cuando debió caer en manos de Annette Bening o bien de la joven Jennifer Lawrence. En el rubro mejor película extranjera, ganó la favorita de estos últimos meses, el film escandinado En un mundo Mejor, dejando a Biutiful fuera de competencia. En banda sonora, se quebró un poco la previsibilidad y la estatuilla la obtuva Trent Reznor por Red Social, una de las favoritas de la crítica y del público presente en el Teather Kodak de LA. La canción elegida para el premio fue We belong together, de Randy Newman, que tuvo 20 nominaciones y éste fue su segundo Oscar, perteneciente a Toy Story 3, ganadora en el rubro Mejor Film Animado. La actriz secundaria fue Melissa Leo así como el actor secundario, Christian Bale, ambos por El Ganador (The Fighter). Aquí no tenemos objeciones. En cinco rubros técnicos se llevó los premios El Origen, tal como debía ser, mientras que en Vestuario y Arte lo obtuvo Alicia en el País de las Maravillas.

Abrió el supershow Tom Hanks, uno de los hombres amados por Hollywood y lo cerró su socio y amigo Steven Spielberg. Hanks le dio paso a Kirk Douglas, en uno de los "pases" más emotivos de la noche.

El cierre a cargo de un coro de una escuela neoyorquina volvió a emocionarnos, así como la descontracturada presencia de todos los ganadores de los Oscars en el escenario aplaudiendo al gran auditorio. Un espectáculo maravilloso solo opacado por la falta de coraje a la hora de dar los Oscars. El más ubicado fue el joven actor James Franco, de 127 horas, presentador de la premiación, quien dijo que "no abrigaba esperanzas porque todos sabían ya que el Oscar al mejor actor lo iba a ganar Colin Firth". Finalmente, no pusieron al aire el desagradable videoclip donde Anne Hathaway se burlaba de Eva Perón. Fuera de banderías políticas, no hubiese correspondido un agravio a un personaje de la historia argentina.

BIUTIFUL, 127 HORAS, AMIGOS CON DERECHOS, ESTRENOS 24 FEBRERO, BUENOS AIRES

2011-02-24T14:09:00.001-03:00

JUEVES 24 DE FEBRERO DEL 2011.

Hoy hay cinco estrenos en soporte fílmico. No comentamos los documentales Justin Bieber 3D y Dulce Espera, de Laura Linares.

BIUTIFIUL

De Alejandro González Iñárritu. Con Javier Bardem, Maricel Álvarez, entre otros. Música de Gustavo Santaolalla. Duración: 147 minutos.

MUY BUENA. RELATO ASFIXIANTE SOBRE UN BUSCAVIDAS Y SU ENTORNO SOCIO-FAMILIAR

“Biutiful”, vocablo inglés escrito con la fonética castellana, está nominada a los premios Oscar en los rubros mejor película extranjera y mejor actor protagonista. Tiene en su staff una real impronta argentina: los nietos de Armando Bo en los guiones (Nicolás Giacobone y Armando Bo), la coprotagonista Maricel Álvarez (de reconocida trayectoria teatral), la música de Gustavo Santaolalla (es el compositor que siempre elige González Iñárritu), y Juan Carlos Corazza, actor argentino radicado en España con una importante escuela de teatro, coach de Javier Bardem.

Empezamos por el título: Biutiful (beautiful, que significa “hermoso”) es irónico. Nada de lo que veremos es hermoso sino atroz. González Iñárritu localiza este drama en los bajos fondos de Barcelona, mostrando la patética vida de los inmigrantes ilegales, en este caso senegaleses y chinos.

Javier Bardem es el protagonista de este intenso y extenso drama (necesitó 3 meses de preparación y 5 de rodaje para este personaje), encarnando a un traficante de influencias relacionada con el oscuro destino de los ilegales que son sometidos como mano de obra barata, y deben trabajar en condiciones infrahumanas en talleres de costura. Las “extras” se logran con la venta de drogas en las calles, actividad oscura y peligrosa.

Hay sombras profundas que enrarecen la vida del protagonista aún más: padece un cáncer terminal y está desahuciado. Es divorciado, su ex mujer es bipolar y está preocupado medularmente por el futuro de sus hijos, una niña de 10 años y un varón de 7, a quienes les quiere dejar una buena cantidad de dinero y sus mejores recuerdos como padre.

Reconocemos en González Iñárritu a un realizador nada complaciente, abarcador de situaciones sociales complejas aunque las caras visibles sean pocos protagonistas. Los climas que logra son perfectos. Por lo tanto, Biutiful no es la excepción y tampoco es un film complaciente, nos muestra sin piedad el sórdido ambiente que rodea la pujante Barcelona, al meternos de lleno en la miseria de los inmigrantes ilegales, manejados por inescrupulosos “dealers”.

La perturbación espiritual en el espectador es la consecuencia directa de este film como de cualquier otro de González Iñárritu, desde sus Amores Perros, del 2000.

La espina dorsal de este largo relato es Javier Bardem, que realiza un protagónico antológico. El film, por su extensión, tiene altibajos, pero es innegable que es un retrato profundo de un submundo urbano, al que no le escapamos en ninguna parte del mundo.

Carlos Pierre

127 HORAS

De Danny Boyle. Con James Franco, Kate Mara, entre otros. Música de de A. R. Rahman. Duración: 94 minutos.

MUY BUENA. RELATO ESTREMECEDOR SOBRE UN HECHO REAL

“127 horas” alcanzó seis nominaciones a los premios Oscar y debería llevarse varios. Está protagonizada por James Franco y nos cuenta el caso de Aron Ralson quien, en el 2003, cayó a una grieta de un cañón de Utah, lugar que solía recorrer con frecuencia y en soledad. James Franco toma el lugar del protagonista de la historia real quien vivió 127 horas de terror, de fuerza mental y de fe hasta ser socorrido. Esa caída en la grieta significó un desafío a la muerte, que Ralson vio cara a cara. Su brazo derecho quedó apretado por un gran peñasco, le quedó menos de media botellita de agua, sus gritos no eran escuchados por los pocos turistas, pero tenía una cámara que le permitió filmar haciendo malabares con el brazo y la mano izquierdos todo lo que le sucedía.

Es un manual de supervivencia, es también un manual de coraje y el espectador no puede permanecer impasible ante escenas muy fuertes e impactantes, acompañadas por una música incidental potente y por una fotografía propia de Boyle, el mismo realizador de la notable Exterminio y de la ya antológica Trainspotting.

Es excelente la perfomance de James Franco que sostiene con su actuación notable un film de 94 minutos. No hay un segundo de respiro para el espectador quien, por momentos, se estremecerá y hasta intentará taparse los ojos. Nos parecen más que merecidas las nominaciones a los premios Oscar. Es un film para personas no impresionables por la crudeza de algunas escenas, que fueron tomadas del hecho real.

Elsa Bragato

AMIGOS CON DERECHOS

De Ivan Reitman. Con Natalie Portman, Ashton Kutcher, Kevin Kline, entre otros. Duración: 107 minutos.

REGULAR. COMEDIETA PREVISIBLE SOBRE EL SEXO SIN COMPROMISO

Hace escasos días comprobamos el esforzado entrenamiento de Natalie Portman como bailarina clásica en Black Swan. Ahora la vimos en un personaje rutinario, sin convicción, encarnando a Emma, una jovencita que no quiere una relación amorosa con compromiso y propone relaciones sexuales a Adam, rol de Ashton Kutcher, un ex compañero de la secundaria, productor de TV y mujeriego, quien acepta gustoso. El gran escollo del joven es su padre, a cargo de Kevin Klein, desmotivado o haciendo un rol de taquito, quien suele salir con sus ex novias.

El film está bien realizado por lo que podríamos calificarlo de bueno, pero la sucesión de escenas que uno las ve venir, la poca convicción de los actores para moverse en sus roles, nos llevan a ponerle un regular con ganas de “mala”.

Llama la atención en muchos films, incluso argentinos (y hasta en un reality de la TV porteña, no se nos pasó por alto) las escenas de consumo de droga, cuando se prohíbe fumar un cigarrillo común. No entendemos estos dobles mensajes. ¿Hay alguna adicción que sea buena?

En síntesis, la comedia se transforma rápidamente en comedieta. No está mal, no está bien. Anda por un camino trillado. Más de lo mismo, bien realizado. Lástima que Ashton Kutcher esté tan encasillado en niño bonito con poco en la cabeza.

Elsa Bragato

PREMIOS OSO DE ORO Y PLATA, GANADORES BERLINALE 2011

2011-02-19T22:32:00.002-03:00

- Oso de Oro para la mejor película: "Nader y Simin, Una Separación", de Asghar Farhadi.

- Oso de Plata, gran premio del jurado: "El Caballo de Turín", del húngaro Béla Tarr.

- Oso de Plata al mejor realizador: "La Enfermedad del Sueño" del alemán Ulrich Kohler.

- Oso de Plata a la mejor actriz: Otorgado en conjunto a las intérpretes de "Nader y Simin, Una Separación"

- Oso de Plata al mejor actor: Otorgado en conjunto a los intérpretes de 'Nader y Simin, Una Separación".

- Oso de Plata a la mejor contribución artística: Woyciek Staron, en cámara, y a Bárbara Enríquez, en diseño de la producción, en el filme "El Premio", de la argentina Paula Markovitch.

- Oso de Plata al mejor guión a Joshua Marton y Andamion Murataj por "El Perdón de la Sangre".

- Premio Alfred Bauer al filme más innovador para "Quién Más Que Nosotros", del alemán Andres Veiel.

- Premio a la mejor ópera prima para "Sobre el Hielo" del norteamericano Andrew Okpeaha MacLean.

Menciones especiales para "El Guardia", de John Michael McDonagh y "Sin Paternidad", de Marie Kreutzer.

- Oso de Oro al mejor cortometraje para "Pesca Nocturna" de los coreanos Park Chan-wook y Park Chan-kyong.

- Oso de Plata al mejor cortometraje para "La Noche Rota" de la coreana Yang Hyo-joo.

Fuente: Terra.com

EL CISNE NEGRO, EL GANADOR, PIRAÑAS 3D, DESCONOCIDO, SOY EL NÚMERO 4, ESTRENOS 17 DE FEBRERO, BUENOS AIRES

2011-02-17T16:00:00.001-03:00

ESTRENOS DEL JUEVES 17 DE FEBRERO DEL 2011.

EL GANADOR

De David O. Russel. Con Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Jack McGee. Música de Michael Brook. Duración: 115 minutos.

MUY BUENA. HISTORIA CONMOVEDORA, ATRAPANTE DE PRINCIPIO AL FIN

Nominada en 7 rubros a los premios Oscar y ganadora de 2 premios Globos de Oro, El Ganador se basa en una historia real, la del boxeador Micky Ward, campeón de la categoría welter junior de la Federación Mundial de Boxeo.

La vida de este boxeador de Lowell, estado de Massachussetts, es una más de la de tantos hijos de inmigrantes irlandeses que, en medio de una gran pobreza, concurrieron a alguno de los más de 30 centros de entrenamiento de la zona para superar la crisis ocasionada por el cierre de molinos y fábricas.

Pocos fueron los que accedieron al boxeo grande, con mucho esfuerzo y valor. En este caso, dos medio hermanos dignificaron el orgullo del pueblo Lowell. El protagonista, Micky Ward, vivió a la sombra de su hermano mayor, un boxeador fracasado y adicto a las drogas. Sin embargo, en momentos cruciales de la carrera de su hermano salió a entrenarlo y guiarlo. La vida de Micky Ward no fue fácil. Debió superar la férrea tutela de su madre “manager”, y supo salir de su casa y encontrar el amor de su novia.

Esta trama de boxeo, que tiene una vasta genealogía en la cinematografía norteamericana (basta con recordar a Sylvester Stallone y sus Rocky), es una apuesta de calidad del director David O. Russel (Secretos íntimos, Tres reyes, entre otros films), con una pléyade de actores: Marck Wahlberg, Christian Bale (el último Batman), Amy Adams y Melissa Leo. Todos ellos se enfrentan en un duelo actoral de altísimo nivel de principio a fin, manteniendo en vilo al espectador.

Mark Wahlberg, protagonista y productor del film, se preparó durante meses para este rol, la preproducción en sí duró tres años. Es una historia real de superación que está narrada con magia y desarrollo de personajes, con profundidad, con sabiduría. Continúa, además, la tradición de los grandes films sobre boxeo de Hollywood y le imprime un sello imborrable. Imperdible.

Carlos Pierre

SOY EL NÚMERO CUATRO

De D.J.Caruso. Con Diana Agun y Timothy Olyphant, entre otros.

BUENA. ENTRETENIDA CIENCIA FICCIÓN PARA ADOLESCENTES

Estamos frente a un thriller de extraterrestres concebido para los adolescentes. La lucha de los personajes se centra en Ohio. Y el protagonista es el cuarto alien vivo dado que murieron sus congéneres “buenos” en manos de otros aliens “malos”. El número cuatro debe ponerse a salvo yendo de pueblo en pueblo y cambiando de identidad.

Del director de “Paranoia”, D.J. Caruso, el film tiene cierta impronta a la saga Crepúsculo aunque cambie vampiros por extraterrestres o aliens. Encontramos una buena definición entre los roles de los malos, grandotes y feos, y el bueno, un adolescente lindo e idéntido a un terrestre de su edad.

En Ohio encuentra el amor y se siente como en su casa. Por suerte, otro congénere alien se asienta en el mismo lugar y lo ayuda a defenderse.

La historia resulta simpática y atractiva para los chicos aún en edad escolar, y el guión deja una puertita abierta para que se genere una saga, para que exista una película número dos.

Las escenas entre los bandos de extraterrestres son de lograda factura, hay fantásticos saltos marciales de los protagonistas y una variada andanada de efectos especiales, favorecidos por una cada vez más sofisticada tecnología.

Es un film que atrapa, como decíamos, y que hará el placer de los amantes de este género, un thriller de terror impactante, y con personajes que tienen poderes especiales para agregarle una pizca más de emoción y entretenimiento.

Carlos Pierre

PIRAÑA 3D

De Alexandre Aja. Con Elizabeth Shue, Ving Rhames, Jerry O’Connell, Adam Scott, Christopher Lloyd, Richard Dreyfuss, entre otros. Música de Michael Wandmacher. Duración: 88 minutos.

BUENA. ORGÍA DE SANGRE Y TERROR CON PIZCAS DE HUMOR… NEGRO

Aférrese al asiento y dispónganse a disfrutar de un 3D que le mostrará en su cara los tremendos dientes de estas pirañas. El argumento, sin embargo, se apiada del espectador al entrecruzar el terror y el humor, bajando la tensión que provocan estas animaciones perfectas. Todo comienza cuando un súbito temblor submarino libera a estas pirañas de su cueva, mientras un pescador está en las aguas, personaje a cargo de Richard Dreyfuss, vestido exactamente como el rol que hiciera en Tiburón. Es el gancho perfecto para introducirnos en una verdadera orgía de sangre y terror.

El director francés Alexandre Aja es un experto en films de terror y supo imprimirle a este relato sólidos elementos y logra una puesta atractiva, especialmente para los más jóvenes. A las fantásticas y muy bien producidas técnicamente escenas subacuáticas, hay que agregarles el aporte de actores muy interesantes como Elisabeth Shue, recordada por el film “Adiós a Las Vegas” (1995) por el que fuera nominada al Oscar como mejor actriz, y la aparición de Steven McQueen, nieto del muy recordado Steve McQueen, fallecido a temprana edad por un cáncer.

La producción requirió de una gran inversión para lograr tanta tecnología de punta y transformarla en un film entretenido y vistoso, a pesar de la sangre que, cada dos por tres, tiñe de rojo furioso las aguas del lago Victoria Jóvenes estudiantes, un clishé en este género, despreocupados caen en las garras de estas feroces pirañas, deseosas de carne humana fresca.

Estamos frente a un producto ideal para el formato 3D y deja un espacio abierto para continuar con esta saga de pirañas mordedoras y sanguinarias, que son las crías de otras adultas y gigantescas. Para fanáticos del género.

Carlos Pierre

BLACK SWAN O EL CISNE NEGRO

De Darren Aronofsky. Con Natalie Portman, Vincent Caseel, entre otros. Duración

BUENA. “EL LAGO DE LOS CISNES” TRANSFORMADO EN PESADILLA

Aronovsky ingresa al mundo del ballet en el Lincoln Center de New York, que fuera el predio donde se filmó Amor sin Barreras, de la mano de El lago de los Cisnes, un maravilloso ballet de Tchaivosky. E intenta analizar ese argumento a través de un personaje.

El film forma un “tándem” con “El luchador”, que interpretara Mike Rourke. En vez del sudor de los boxeadores veremos el sudor de los bailarines, el trasfondo de la preparación de un ballet, y la perseverancia para llegar a ser una estrella.

Nina está encarnada por Natalie Portman en el papel más exigido de su carrera, dado que le demandó 8 meses de duro entrenamiento físico para mostrarse como bailarina clásica. Y lo logra. He aquí el primer mérito de la película.

El segundo está en una gran secuencia cuando Nina baila como el Cisne Negro, el gran villano del Cisne Blanco o la Reina, según el argumento del tradicional ballet. La transformación de los brazos de Nina-Portman en alas de cisne negro es una maravilla visual.

La idea argumental es el mandato familiar a los hijos de ser exitoso cuando uno no lo ha sido, así como las consecuencias psicológicas en una hija, Nina, de débil temperamento, acuciada por fantasmas psicológicos muy fuertes que le impiden brillar como bailarina.

El desarrollo argumental tiene tres planos: el primero está en el hogar de Nina, el segundo transcurre en el teatro y las exigencias del director del ballet, el tercero es el desenlace que nos presenta una forma de liberación del dolor físico y espiritual.

De principio a fin, la película recurre a todos los clishés: el fantasma psicológico que persigue y que, si miramos, no está, la competencia o rival como contrafigura, la liberación sexual, el enfrentamiento con la madre, la decisión de triunfar o morir. La narración apunta al thriller a través de la pesadilla psicológica lo consigue por momentos, aunque se torna previsible.

Hay una relación lésbica, que fue la presentación de este film, entre Nina con una compañera del ballet. Marca un momento de ruptura entre la protagonista y la madre.

La actuación de Natalie Portman tiene un enorme mérito por su esforzada preparación. Es notable el nivel alcanzado por la actriz. En cuanto al carácter de Nina, su personaje, tiene tantas debilidades para enfrentar la vida que resulta ser la bailarina que jamás podría pisar un escenario. En su papel, Portman apeló a una mayor gestualidad más que a la convicción.

Por momentos, hay confusión para el espectador: ¿Nina es un “rara avis”, le salen alas o no, es su imaginación, mata o lo sueña, está enamorada o no? La narración audiovisual falla, recurre a los efectos como señales explicativas, aunque nos regale una bella secuencia con la danza del Cisne Negro y la notable habilidad alcanzada por Portman.

Esta película viene con mucha “venta anticipada”. En realidad, es un plato fuerte para los psicólogos. Y, en definitiva, es un thriller con todas sus convenciones, destacándose la preparación física de Natalie Portman. Esperábamos mucho pero mucho más.

Elsa Bragato

DESCONOCIDO

De Jaume Collet-Serra. Con Liam Neeson, Diane Kruger,

MUY BUENA. UN THRILLER PERFECTO PARA ESTAR

EN VILO

“Desconocido” nos acerca un thriller de ésos que bien pueden considerarse como antológicos por su realización actual, por el tema en sí (un biotécnico), y por las actuaciones. Todo cierra, nada es previsible hasta el desenlace, tal como debe ser.

Atrapante resulta la vida de este hombre biotécnico que encarna Liam Neeson: llega a Berlín del brazo de su esposa para asistir a una conferencia sobre sus investigaciones de la que participará un jeque árabe, filántropo de la Humanidad. Una valija olvidada en el aeropuerto será la excusa para desarrollar una trama apasionante desde principio a fin. Muchos críticos norteamericanos la calificaron como propia del maestro Hitchcock por el entramado perfecto, la tensión creciente y las grandes actuaciones.

Redondo, sin fisuras, es este thriller policial que tiene un toque a Bourne el Ultimatum y mucha modernidad en su concepción, actuación, realización, producción.

No es el primer policial de Liam Neeson, que nos desarma con cada una de sus actuaciones. Seguro, fuerte, sólido, creíble, solo se sabrá realmente qué pasa en esta historia de suspenso sobre el final, y nada se habrá previsto antes.

Desde el director hasta el consabido The End usted tendrá que atarse a la butaca y meterse de lleno en la historia para no sucumbir a sus emociones. Nos apasionó.

Elsa Bragato

PREMIOS GOYA 2011

2011-02-13T21:22:00.002-03:00

Mejor película

Pa negre – Pan negro

Mejor dirección

Agustí Villaronga, Pa negre – Pan negro

Mejor dirección novel

David Pinillos, Bon appétit

Mejor guión original

Chris Sparling, Buried – Enterrado

Mejor guión adaptado

Agustí Villaronga, Pa negre – Pan negro

Mejor música original

Alberto Iglesias, También la lluvia

Mejor canción original

Que el soneto nos tome por sorpresa

Actor protagonista

Javier Bardem

Actriz protagonista

Nora Navas, Pa negre – Pan negro

Actor de reparto

Karra Elejalde, También la lluvia

Actriz de reparto

Laia Marull, Pa negre – Pan negro

Actor revelación

Francesc Colomer, Pa negre – Pan negro

Actriz revelación

Marina Comas, Pa negre – Pan negro

Mejor dirección de producción

Cristina Zumárraga, También la lluvia

Mejor dirección de fotografía

Antonio Riestra, Pa negre – Pan negro

Mejor montaje

Rodrigo Cortés, Buried – Enterrado

Mejor dirección artística

Ana Alvargonzález, Pa negre – Pan negro

Mejor diseño de vestuario

Tatiana Hernández, Lope

Mejor maquillaje y/o peluquería

José Quetglas, Pedro Rodríguez “Pedrati”, Nieves Sánchez Torres, Balada triste de trompeta

Mejor sonido

Urko Garai, Marc Orts, James Muñoz, Buried – Enterrado

Mejores efectos especiales

Reyes Abades, Ferrán Piquer , Balada triste de trompeta

Mejor película de animación

Chico y Rita de Fernando Trueba, Javier Mariscal

Mejor película documental

Bicicleta, cuchara, manzana de Carles Bosch

Mejor película hispanoamericana

La vida de los peces de Matías Bize

Mejor película europea

El discurso del rey de Tom Hooper

Mejor cortometraje de ficción español

Una caja de botones de María Reyes Arias González

Mejor cortometraje de animación español

La bruxa de Pedro Solís García

Mejor cortometraje documental español

Memorias de un cine de provincias de Ramón Margaret

PREMIOS BAFTA 2011

2011-02-13T19:04:00.000-03:00

MEJOR PELÍCULA
'El discurso del rey'
MEJOR PELÍCULA BRITÁNICA
'El discurso del rey'
MEJOR DEBUT DE UN GUIONISTA, DIRECTOR O PRODUCTOR BRITÁNICO
Chris Morris, 'Four Lions'
MEJOR DIRECTOR
David Fincher, 'La red social'
MEJOR GUIÓN ORIGINAL
'El discurso del rey'
MEJOR GUIÓN ADAPTADO
'La red social'
MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA
'Los hombres que no amaban a las mujeres'
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
'Toy Story 3'
MEJOR ACTOR
Colin Firth, 'El discurso del rey'
MEJOR ACTRIZ
Natalie Portman, 'Cisne negro'
MEJOR ACTOR DE REPARTO
Geoffrey Rush, 'El discurso del rey'
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Helena Bohnam Carter, 'El discurso del rey'
MEJOR BANDA SONORA
'El discurso del rey'
MEJOR CINEMATOGRAFÍA
'Valor de ley'
MEJOR EDICIÓN
'La red social'
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
'Origen'
MEJOR VESTUARIO
Alicia en el País de las Maravillas'
MEJOR SONIDO
'Origen'
MEJORES EFECTOS ESPECIALES
'Origen'
MEJOR MAQUILLAJE
Alicia en el País de las Maravillas'
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
-'The eagleman stag'
MEJOR CORTOMETRAJE
'Until the river runs red'
PREMIO ORANGE WEDNESDAYS AL ACTOR REVELACIÓN
Tom Hardy
ACADEMY FELLOWSHIP
Christopher Lee
CONTRIBUCIÓN BRITÁNICA AL CINE
Saga 'Harry Potter

EL DISCURSO DEL REY, TEMPLE DE ACERO, EL RITO, ESTRENOS JUEVES 10 FEBRERO 2011

2011-02-10T13:28:00.002-03:00

JUEVES 10 DE FEBRERO DEL 2011.

Hay cinco estrenos en fílmico. No comentaremos los dibujos animados “Las aventuras de Sally en busca del pasaje secreto” ni el documental de Julián D’Angiolillo titulado “Hacerme feriante”.

EL DISCURSO DEL REY

De Tom Hooper. Con Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Cartes, Guy Pearse, entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración: 118 minutos.

12 NOMINACIONES A LOS PREMIOS OSCAR 2011

MUY BUENA. PARSIMONIOSA Y TEATRAL, CON UN EXCELENTE COLIN FIRTH

Esta realización de Tom Hooper, tan británico como el primer actor Colin Firth, ofrece, además de la consolidación de Hoope como director,, un tema interesante desarrollado dentro de los cánones de una acendrada tradición inglesa. Hooper había abordado hace un tiempo otro tema histórico, con gran repercusión, en la multipremiada “Elizabeth I”, que protagonizaran Hellen Mirren y Jeremy Irons.

En este caso, el film desarrolla la superación de la tartamudez del rey Jorge VI, quien no tenía ganas de llegar al trono. De allí el título. Agregamos que muestra un costado humano de un hombre que debe asumir la corona de su país.

En la superación de esta dificultad es ayudado por un terapeuta poco ortodoxo, un frustrado actor canadiense, a cargo del siempre notable Geoffrey Rush. Este monarca llega a serlo en un momento crucial de la historia mundial, la Segunda Guerra Mundial.

Hay tres elementos argumentales que van atrapando al espectador: el acontecimiento bélico en sí, la tartamudez del rey y el contrapunto que entabla con su singular terapeuta.

Y se establece un duelo actoral excelente entre Colin Firth, como el problematizado rey, y el actor australiano Geoffrey Rush, relación que centraliza los tres elementos argumentales que señalamos. Hay una aparición fugaz de Timothy Spall como W. Churchill y es convincente Helena Bonham Carter como la Reina Isabel.

Podemos establecer también dos momentos en el film: uno, el primero, con cierto tono teatral, y el segundo, con una mayor amplitud visual y escénica, mayor narración cinematográfica en sí, cuando el futuro monarca es coronado como Jorge VI. Tom Hooper incluye también breves pasajes documentales que muestran a Hitler y su aparato bélico, secuencias que suman interés al nudo de la trama.

La música de Alexandre Desplat vuelve a asombrar, adecuándose a los íntimos sucesos que padece el monarca, a la superación de su discapacidad. Curiosamente, se incluyó fragmentos de música alemana como la Séptima Sinfonía de Beethoven, el Réquiem de Brahms, Las Bodas de Fígaro de Mozart y otros fragmentos de Bach, para acentuar los momentos dramáticos o más ceremoniales de la historia.

Estamos ante un film sólido en todos sus aspectos, parsimonioso y teatral por momentos, que no se olvida de Shakespeare cuando el terapeuta juega con su hijo y representan escenas del genial bardo, por ejemplo. British style por donde se lo mire, resulta un producto atractivo por la problemática presentada y la interrelación con el monarca y su problema de habla. Para ver.

Carlos Pierre

TEMPLE DE ACERO

De Joel y Ethan Coen, basada en la novela de Charles Portis (1968). Con Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Hailee Steinfeld, entre otros. Música de Carter Burwell. Duración: 110 minutos.

10 NOMINACIONES A LOS PREMIOS OSCAR

MUY BUENA. RECUPERACIÓN DEL WESTERN CON UNA EMOTIVA HISTORIA

En 1969 John Wayne, un “cowboy” hecho y derecho, ganó su único Oscar por el film Temple de Acero, diferente a los papeles que había realizado hasta ese momento en el rubro. Muchos críticos norteamericanos consideraron entonces y hoy que Wayne ganó por él mismo y su trayectoria más que por su composición del rudo Rooster Cogburn, ahora encarnado por un notable Jeff Bridges.

Los hermanos Coen, que apelan a versículos bíblicos en la presentación de esta “remake”, le han otorgado a la historia una emotividad que va atrapando de a poco al espectador hasta no soltarlo hasta el final.

Es extraña la sensación: primero, uno se enfrenta al mundo de los cowboys y a una niña de 14 años, en la excelente interpretación de Hailee Steinfeld. Y se piensa que se está frente a un western más, sin tener en cuenta la versión original. Luego, la emotividad del personaje de Bridges y el convencimiento de la joven protagonista de encontrar al asesino de su padre van ganando el corazón. No sin razón y sin manejo cinematográficio: el clima que generan los Coen es subyugante. Y la pequeña historia se transforma en algo grande, que vale la pena seguir.

Hay una composición especial de Jeff Bridges, afeado y grotesco, de su personaje, al que dota de cinismo pero de una inconmensurable ternura y humanidad. Matt Damond acompaña con eficiencia siempre mientras que Steinfeld es una auténtica revelación (como la joven actriz de Lazos de Sangre).

Las balaceras, las escenas fuertes, son el “toque Coen” de que, si quieren, transforman el mítico western en algo más que sangriento. Pero se detienen a tiempo y le permiten jugar a los sentimientos. La secuencia de Bridges con la joven en sus brazos galopando con el corcel negro es apoteótica y arranca el corazón.

Es un film atrapante, emotivo, que supera con creces cualquier idea sobre un clásico de los western. Se vive en el mundo de los cowboys pero se nos regala sentimientos a granel.

Elsa Bragato

EL RITO

De Michael HAfstrom. Con Anthony Hopkins, María Cucinotta, Colin O’Donoghue, Ciaran Hinds, Rutger Hauer, Alice Braga, entre otros. Música de Alex Heffes. Duración: 113 minutos.

BUENA. NUEVA MIRADA SOBRE LOS EXORCISMOS

Dentro del género thriller sobrenatural, enrolamos a El Rito, basado en la novela El Rito y cómo hacer un moderno exorcismo, del italiano Matt Baglio, publicado en el 2009. El director Hafstrom adaptó este cuento que transcurre entre Roma y los Estados Unidos, donde un joven seminarista, a cargo del debutante Colin O’ Donoghue, enfrenta sus dudas para aceptar los votos definitivos como sacerdote. Es enviado a Roma, donde la cámara de Hafstrom se explaya en los interiores poco conocidos de El Vaticano, y debe encontrar a un sacerdote especial, jesuita, encarnado por el siempre vehemente Anthony Hopkins, experto en exorcismo.

El film tiene una primera parte atrapante, que se centra en el joven seminarista y su llegada a Roma, así como su primer encuentro traumático con el jesuita exorcista. Hay que destacar que Hopkins pudo echar mano de su Hannibal Lecter consagratorio pero no recurrió a aquellos tics que, sumados a una actuación descomunal, le valieran el Oscar. La segunda parte se diluye un poco: nos referimos a la etapa en que el seminarista regresa a su país, regresa a Roma y debe enfrentar al Demonio en el cuerpo y alma del jesuita.

Aparece una intrigante periodista pero, en verdad, ningún otro personaje fuera d e los dos centrales aportan elementos sustanciales. Es muy loable la perfomance del joven Donoghue junto al gran Hopkins. Cucinotta está demasiado delgada y es un muy secundario personaje. Y es justo decir también que Colin O’Donoghue, en su primer protagónico en cine, está estático y sin emoción en un papel donde debió transmitir desde incredulidad hasta terror. Raro, cuanto menos.

Decimos que se diluye la fuerza de la historia porque pierde fuerza al resultar reiterativos los exorcismos de los que no se ve mucho “entramado” (no aclaramos por obvias razones). Se pierde fuerza en la indecisión del joven seminarista, se pierde fuerza en el exorcismo al jesuita de Hopkins, aunque es una muy buena secuencia actoral. Hay caídas del argumento, no por elipsis sino por debilitamiento del desarrollo narrativo. No obstante, si desea verla, no saldrá defraudado: verá exorcismos no impactantes pero de práctica habitual, algo poco frecuente de conocer. Y en esta cotidianeidad de los exorcismos reside el principal atractivo del film.

Elsa Bragato

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS, EL AVISPÓN VERDE, ESTRENOS JUEVES 3 FEBRERO, BUENOS AIRES

2011-02-03T12:31:00.000-03:00

JUEVES 3 DE FEBRERO DEL 2011.

ESTRENOS DE CINE

Hay cuatro estrenos en soporte fílmico. No comentaremos el nacional “Sudor frío” ni “Lazos de Sangre”, nominada a los Oscar.

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS

De Woody Allen. Con Anthony Hopkins, Antonio Banderas, Naomí Watts, Josh Brolin, entre otros. Música de la época del swing y fragmentos clásicos. Duración: 98 minutos.

MUY BUENA. ESPEJO ZUMBÓN DE NUESTRAS VIDAS

Algunos críticos del exterior consideran que este film de Woody Allen es “más de lo mismo”. Sin embargo, corresponde a la visión del realizador sobre las relaciones humanas y el cinismo que pueden entrañar.

“Conocerás al hombre de tus sueños” es una de las frases que utilizan las pitonisas del film para embaucar a la crédula clientela. Encomendar nuestro destino a lo que nos promete la fortuna o nuestro débil corazón a terceros “fortunetellers”, es la sinrazón de la gente. Éste es el planteo de esta nueva película de Woody Allen, en tono irónico, que es uno de sus fuertes.

Como es usual en Allen, que tantas veces nos ha desnudado en pantalla o bien nos dio una compasiva palmada por nuestras actitudes, un relator, una voz en off, presenta las secuencias y va desarrollando el rol de cada una de las criaturas que anhelan y tropiezan en la calle de la vida. No podía faltar una frase de Shakespeare que resume la pasión humana como “un montón de furia y ruido…”.

El guión pertenece a W. Allen y lanza al ruedo de la incierta fortuna a cada uno de los personajes sin dejar de lado el desarrollo de cada uno de ellos.

Los ocho actores elegidos para el film, algunos muy consagrados y otros novatos, conforman este cabal entramado que nos despierta una sonrisa y, también, cierta piedad. Anthony Hopkins, Gemma Jones, Pauline Collins, Naomí Watts, Antonio Banderas, Josh Brolin, Lucy Punch (una call-girl deliciosa) y Freida Pinto, a quien conocimos en Slumdog Millonaire.

Como banda sonora, Allen se vuelca, como siempre, al swing, del que es devoto y al que nunca abandona. Agrega fragmentos de Boccherini, Mozart, Donizetti.

Allen lleva realizadas 40 películas y, aún a riesgo de ver historias parecidas, uno suscribe sus producciones antes de conocerlas. Destacamos las actuaciones de Hopkins y de Antonio Banderas.

Es un film para pasarla bien pero también para condolerse porque opera como un espejo zumbón que nos involucra. Por supuesto, nos gustó aunque encontremos reminiscencias de otros films de Woody Allen.

Carlos Pierre

EL AVISPÓN VERDE

De Michel Gondry. Con Seth Rogen, Jay Chow, Christoph Waltz, entre otros. Basado en la serie televisiva de 1966. Música de James Newton Howard. Duración: 119 años.

BUENA. UN BATMAN DEVALUADO AUNQUE SIMPÁTICO

Desde hace años viene dando vueltas el guión de El avispón verde. Finalmente llega al cine en versión 3D, superproducción y buenas actuaciones. Seth Rogen, el protagonista timido de Ligeramente embarazado, surge como héroe protagonista con buena perfomance. Un editor periodístico fallece, su hijo queda a cargo y, como es un inútil, descubre que puede ayudar a los más necesitados en la vía pública. Se vale del chofer de su difunto padre, experto en artes marciales e inventor.

No falta acción, hay un plano secuencia en el desenlace estupendamente filmado, en medio del humo, balaceras, y un ritmo frenético para que el Avispón pueda descubrir al “malo” que no es otro que el galardonado con el Oscar Christoph Waltz. Malos y buenos, como corresponde. Decimos en el título “Batman devaluado” porque este personaje tiene mucho del hombre nocturno, desde buscar un disfraz (avispón verde) hasta defender a los pobres e indefensos. Y es inmediata la comparación.

Hay buenos climas de acción, hay buenas perfomances y no ocultamos que resulta un tanto extraño ver a Seth Rogen como protagonista, papel que cumple con gran solvencia. Para pasar un rato divertido.

Elsa Bragato

PREMIOS SAC AWARD 2011, GANADORES

2011-01-31T01:10:00.000-03:00

Premio a la Carrera Sobresaliente

Ernest Borgnine, 94 años, 165 películas, un Oscar por "Marty", 1955

ACTOR TV DRAMA

Steve Buscemi por BoardWalk Empire

ACTRIZ TV DRAMA

Julianna Marguliez por The Good Wife

ELENCO TV DRAMA

BoardWalk Empire

ACTRIZ DE REPARTO, CINE

Melisa Leo por The Fighter

ACTOR DE REPARTO, CINE

Christian Bale por The Fighter

ACTOR TV COMEDIA

Alec Baldwin por 30 Rock

ACTRIZ TV COMEDIA

Betty White (89 años) por Hot in Cleveland

ACTOR EN MINISERIE O TVFILM

Al Pacino por You don't know Jack

ACTRIZ EN MINISERIE O TVFILM

Claire Danes por Temple Grandin

MEJOR ACTRIZ, CINE

Natalia Portman por El Cisne Negro

MEJOR ACTOR

Colin Firth por The King's Speech

MEJOR ELENCO DE CINE

The King's Speech