CINE: CRÍTICAS BRAGATO-PIERRE

ANIMALS, MIS MUERTOS TRISTES, TIEMPOS DE ILUSIÓN, ESTRENOS DE CINE Y PLATAFORMAS DEL JUEVES 15 DE OCTUBRE DEL 2026

2026-10-17T20:05:09.197-03:00

JUEVES 15 DE OCTUBRE DEL 2026

ANIMALS (Netflix)

Dirección de Ben Affleck, coguionista además de Mcintyre y Billy Ray. Con Ben Affleck, Kerry Washington, Gillian Anderson, entre otros. Fotografía de Robert Elswit, Música de Harry Gregson Williams. Producción de Ben Affleck, Matt Damond, entre otros. Duración. 105 minutos.

XXX – UN POLICIAL FALLIDO

Ben Affleck tiene en su haber excelentes realizaciones como director y actor. Sin embargo, en “Animals” esa presencia imponente, incluso físicamente (2 metros de estatura), no aparece. Affleck compone al candidato a la alcaldía de Los Angeles, su mujer es afroamericana, tienen un hijo de color, y de pronto el niño es secuestrado. Se empieza a sospechar del amigo de una amiga de la criada, pero el niño regresa y resulta que el secuestrado es el hijo de esa mujer amiga del ama de llaves. Pero los secuestradores quieren el dinero sí o sí. Si no se puede decir que existe una gran diferencia entre la vida de un niño rico con la vida de un niño pobre y la posibilidad de sobrevivir a un secuestro.

En el aire flota todo el tiempo la complicidad de varios miembros policiales, así como no es digerible el m atrimonio de ficción de Ben Affleck con Kerry Washington. No por el color de la piel sino porque es una pareja que no tiene química en la actuaciòn.

Interviene una especialista en secuestros. Pero nunca se sabrá si realmente tiene que ver con los malvivientes, si es ella quien los dirige, o qué sucede entre ambas partes. El final da lástima porque la actitiud del futuro alcalde de Los Angeles es la de un cobarde.

Es un telefilm, más que una producción para una plataforma. Muy pasteurizado, al estilo Netflix, con poca emoción, poco trabajo narrativo, más bien lineal y previsible, si bien quedan estas dudas que indicamos sobrevolando. Y esto no es un buen augurio, està indicando que algo pasó con el guion, que algo se “pulió” para que todo fuese al estilo de una plataforma que neutraliza en la mayoría d elos casos los momentos claves de una historia. Para olvidar pero entretenerse tambièn.

Elsa Bragato

MIS MUERTOS TRISTES

Miniserie en 4 capítulos de Netflix.

De Pablo Larrain. Con Mercedes Morán, Dolorez Fonzi, Alejandra Flechner, Carlos Portaluppi,, entre otros. Fotografía de Sergio Armstrong, Mùsica de Francis y Mauricio Duràn. Duraciòn: 201 minutos. Coproducción Argentina- Chile

XXXX – RELATO DURO SOBRE LA MUERTE Y EL MÁS ALLÁ

El director chileno Pablo Larrain siempre se caracterizó por encarar un cine que, si bien clásico en su estructura la mayoría de las veces, resultó de vanguardia por la temática. Esta miniserie no escapa a esto último: a partir de la médica Ema (Mercedes Moràn), de 60 años, y una serie de problemas en el hospital donde trabaja, surge la historia de la muerte de su madre como primera secuencia y su profunda conexión ayudándola a partir. Ema puede hablar con los muertos, lo hace con su madre, lo ha hecho en el hospital y esto le ha costado. Vive con una hija (Dolorez Fonzi) que ha perdido a su pareja y la visita su hermana (Flechner) quien tiene una hija con problemas hormonales muy serios quien se caracteriza por sus profundos quejidos haciendo el amor con seres del más allá.

Se producen una serie de hechos, Ema no los puede desconocer porque los escucha, gritos, pedidos de auxilio, y entonces sale a ayudar. Ve lo que ocurre, cómo matan a tres jóvenes, y es ella quien les da fuerza a las jovencitas para que sigan en su camino, aunque son espíritus que solo Ema puede ver. Es una condición especial que va transmitiendo a su hija quien encuentra consuelo hablando con el espíritu de su novio asesinado. Repentinamente es todo un barrio que se sensibiliza y escucha gritos y pedidos de socorro cuando, en la realidad, los hechos ya pasaron. Se desdibujan los planos de la realidad con ese más allá que, en un comienzo, solo parecía padecer de Ema. Este trabajo cinematográfico se debe a la buena mano de Larrain para traspasar de una realidad a otra sin que se perjudique el hilo narrativo ni se caiga en baches que quebrarían la atmosfera lograda.

El tema es muy diferente a cualquier guion nacional. Al menos, tratado a lo largo de cuatro capítulos que, si bien continúan la historia, tienen significado en forma independiente. Mercedes Moràn compone a una Ema que es, tal vez, el mejor papel de su carrera, hay empatía entre ese rol y ella, y esto lo sabe transmitir a través de la pantalla. El resto del elenco es de primerísima línea, una pléyade de grandes actrices y actores nacionales. Nos parece un tema necesario. Da esperanzas (aunque tambièn Larrain eche mano a alguna truclencia). Puede ser que en los sueños encontremos respuestas a tantas inquietudes sobre el más allá que, en cambio, Ema encuentra en su realidad. Es una historia diferente, muy bien actuada, gran elenco, y un tema necesario, aunque resulte duro, triste y fuerte a la vez.

Elsa Bragato

TIEMPOS DE ILUSIÓN

De Eric Toledano y Olivier Nakache. Con Luois Garregl, Camille Cottin, Simon Boubill, entre otros. Fotografía de Auguste Barbaroux, Edición de Dorian Rigal Aneres. Duración: 116 minutos. Francia

XXX – RETRATO DE FAMILIA

“Tiempos de ilusión”, ubicada en 1985, supuestamente París o alrededores, es un perfecto retrato de la vida en familia con hijos adolescentes y de la sociedad en su cotidianeidad. Vincent està por cumplir 13 años, tiene un hermano mayor, y descubre, de a poco, que sus padres se quieren pero no siempre se llevan bien. Descubre también un primer amor, y la familia de otros chicos de la escuela donde los padres se miman a diferencia de los suyos. Recibe educación hebrea, y aquí surge una pizca de xenofobia en el personaje del encargado de la casa de Vincent.

Es decir, Eric Toledano y Oliver Nakache no dejaron planteo sin cubrir, desde la escuela, el despertar amoroso ingenuo, la adultez, la xenofobia, hasta una realidad social relativa a una clase media que lucha por mantener su trabajo.

Si bien tiene unos minutos de más, el film muestra una realidad que no difiere de la actual: los padres sin trabajo repentinamente, la búsqueda, los hijos que plantean sus necesidades personales, las peleas entre hermanos, el amor, la amistad, y la falta de un empleo seguro y su búsqueda. Parece que fuese hoy pero resulta que está planteada la historia hace más de 40 años.

En la forma, es un film clásico con un elenco sólido, que hace creíble cada gesto y palabra. Es como meterse en un hogar para ver el día a día sin ser vistos. En el fondo, es lo que dijimos en el título: un retrato de lo cotidiano en la vida de un matrimonio joven con dos hijos adolescentes, qué sienten, qué les pasa, cómo se relacionan. Es un buen film sobre el alto significado que tiene mantener un hogar, vivir en familia.

Elsa Bragato

OTROS FILMS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1) STREET FIGHTER, de Kitao Sakurai, tìpido film oriental de trompadas, de furia descontrolada, donde se generan nuevos guerreros para combatir elementos del pasado, lo kármico, y el presente. Para liberar adrenalina.-

2) LA CAÍDA DE LA BALLENA, DE BRIAN DUFFIELD. un joven cae con su equipo de oxígeno dentro de las fauces de una ballena, iba en busca de su padre, y es en ese insólito y temible lugar donde se da cuenta de que ahí valen las enseñanzas que le dejó su progenitor y empieza a ponerlas en práctica. Terror claustrofóbico.

3) QUIERO TU SEXO, DE GREGG ARAKI

La crítica internacional opina que es “mucho menos punk que los primeros trabajos de este director, aunque más atrevida que casi todo lo demás”, según Peter Debrugem, de Variety. O bien en Deadline se dice que es “una comedia exagerada, atrevida y absurda, que muestra una maravillosa química de pareja poco convencional entre los dos protagonistas”.

4) LOS JUEGOS DEL HAMBRE, REESTRENO, DE GARY ROSS

Nada para agregar ante un reestreno que se transformó en una brillante saga que atrajo a miles de fanáticos. Para quienes no la vieron y para quienes quieren volver a verla en pantalla grande.

5) ESTACIÓN ZOMBIE, DE SANG HO YEON. Reestreno por cumplirse diez años de su estreno. Un grupo de viajantes de tren deben descubrir de què modo salvarán su vida entre Seúl y Busán, Corea del Sur. Son zombies muy actuales, de rápida acción. Así que hay material para estremecerse y agarrarse de la butaca. Muchos zombies, por todos lados. Lo convencional del género y algo más en la acción propuesta en su historia.

LA VIDA ES ASÍ, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 8 DE OCTUBRE DEL 2026

2026-10-12T14:33:55.935-03:00

JUEVES 8 DE OCTUBRE DEL 2026

Hay material variado, pero no de gran calidad. El film Nacional “Lo dejamos acá” con Ricardo Darín y Daniel Peretti se anuncia como estreno especial en el cine Gaumont, e ingresará a Netflix el próximo 16, que es cuando ofreceremos nuestro comentario crítico. El estreno asegurado es el film La vida es asì, los demás serán analizados para la próxima entrega del jueves 15.

LA VIDA ES ASÍ

Dirección y guion de Riccardo Milani, coguionista: Michele Astori. Con Diego Abatantuono, Pietro Ragusa, Virgina Raffaelo, entre otros. Fotografía de Simone D Onofrio y Saverio Guarna, Mùsica de Moses Concas. Duración: 118 minutos.

XXXX – UNA COMEDIA ITALIANA QUE DEVUELVE LA ESPERANZA

En la simpleza del título encontramos el parangón con lo esencial que plantea el guion: la preservación de las raíces, de la familia, del legado cultural y ecológico. Y, en el caso de Italia, la rivalidad Norte-Sur sobre la que luego haremos un agregado. En principio, un magnate de la construcción de Milán pretender levantar un Resort en una de las playas más envidiadas de la isla de Cerdeña, famosa por ellas y sus aguas límpidas, transparentes. Giacomo, del Norte, envía a su mano derecha a convencer a la única casa antigua que permanece en pie en esa zona de Cerdeña y que le arruina el negocio: es la del pastor Efisio Mulas, que vive en la casa de sus antepasados junto a su hija Francesca, mientras el otro hijo se radicó en Londres. Efisio sale todos los días a la playa junto con sus vacas que descansan en las blancas arenas. Los millones que le ofrece Giacomo no lo conmueven, y esta tozudez termina en una batalla legal a comienzos del nuevo siglo: los que luchan por las tradiciones, aunque se modernicen y los que destruyen todo en pos de una falsa modernidad.

El guion de Riccardo Milani, realizado con la colaboración de Michele Astori, es preciso, claro, una narración fluida que transmite a través de secuencias visualmente bellas gracias a la geografía del lugar, pero bien captadas para apoyar los fundamentos de Efisio y su hija Francesca. La corrupción imperante le permite a Giacomo comprar voluntades de los lugareños, incluyendo a los eclesiásticos, hasta que algo sucede y se produce un vuelco en muchas voluntades. Con un desenlace vibrante que emociona.

Esta comedia italiana nos devuelve el sentido de humanidad que se va perdiendo, el respeto por el otro, a través de un caso específico, el de un pastor y sus vacas, que se resiste a los millones para vivir con el legado familiar, sin por ello provocar una catástrofe ni nada que se le parezca a la belleza paradisiaca del lugar. Es un film que nos pone el alma contenta, necesario frente a tanta barbarie social en todos los planos. Hermosa película, de ésas que nos devuelven la esperanza en que algunas almas todavía tienen conciencia del planeta.

NR: el Norte de ITalia hay que dividirlo en Oeste y Este. En el Oeste están Milán y Turín, y la potencia económica absoluta. Del otro lado están Alto Adige, Trento, Friuli, provincias autónomas algunas que optan por preservar lo heredado aunque esto no signifique modernizarse, expandrise, así como ayudan a engrandecerse a sus bosques. Son los que no invaden el Sur de Italia, aunque permanezca la diferencia que es más virtual que real.

Elsa Bragato

1) BY ANY MEANS, de Elegance Bratton. Con Mark Wahlberg. La historia se centra en el año 1966 cuando un joven afroamericano es enviado a la zona del Mississippi para investigar una serie de asesinatos a líderes de los derechos civiles. De esta manera se ve obligado a conocer a sicarios y trabajar con ellos para dterminar quién o quiénes son los asesinos, por lo que será difícil establecer el límite entre la justicia que debe aplicar y la venganza por los crímenes.Es un muy interesante thriller porque desarrolla como ningún otro el encuentro entre un agente del FBI con un sicario, sumándosele mucha acción y tensión creciente.

2) CARS, ANIMACION REESTRENO

3) MADRE SINIESTRA, de Rob Savage. con Jessica Chastain. Es un film de terror psicológico fuerte porque la protagonista es una niña a quien una entidad malvada se le acerca y le pide de entrar en ella. La pequeña es hija de un matrimonio muy problemático que la aleja de la ternura de sus padres por lo que la malvada entidad irá ganando terreno en su corazón. El peligro se cierne sobre todos, hasta que logren reaccionar.

4) BAJO TUS PIES. de Cristian Bernard. Con Maribel Verdú. Isabel se muda con sus hijos a un nuevo edificio, muy particular en sus características, desconociendo que algunas habitantes añosas podrán darle un vuelco inesperado a su vida y la de su familia. Estamos en el género del terror que no llega a convencer del todo porque està trabajado con cierta timidez, donde se perciben los temores infantiles pero sin llegar a su eclosión en los personajes maduros. Tiene una buena puesta y algunos saltos narrativos pero hay originalidad y preocupación cinematográficas.

5) ESCONDIDA EN MI CABEZA, de Lucas Vico García Lagos, con Nicolás Furtado y Alejandra Flechner. Un joven que trabaja en un parque de atracciones conoce a un extranjero que lo invita a invertir en bitcoins. Alocado, irresponsablemente, invierte, pero tiene un accidente y puede recuperarse luego de 15 años encontrando a su madre al borde la quiebra por todo lo que tuvo que invertir en èl. Y es allì donde aquella locura nocturna lo ayuda a salvar la situación familiar. Interesante- Es una comedia tragicómica con muchos conflictos, que depende mucho de cada

6) LOS CALVOS, de Elías Gismondi y Marcos Mossello, coproducción con México y Colombia. En el pueblo Tostdo, un grupo de hombres calvos indagan sobre su falta de cabello y si es importante o no el tener pelo. Es un documental nacional.

7) LA NOCHE ESTÁ MARCHÁNDOSE YA. de Esequiel Salinas y Ramiro Sonzini. Es la vida de un proyectorista de películas que pierde su trabajo, y se queda como sereno conviviendo cada noche con sus films. Tiene una joven compañera, le presta el lugar para grabar sus videos, pero todo va cercándolo porque la precariedad va aumentando y es posible que se cierre el cine con lo que perdería su techo tambièn. Film nacional. Es un buen proyecto para hablar de lo que nos està sucediendo ahora como sociedad. Ha sido bien recibido por la crìtica, con sus más y sus menos.

ESTRENOS EN PLATAFORMAS

LOS COLORES DEL MAL; NEGRO

Guion y Dirección de Adrian Panek Film polaco de 110 minutos.

XXX – POLICIAL BASADO EN RECONOCIDA SAGA

Con el actor Jakub Gierszat como protagonista encarnando a un inspector policial que ha caído en desgracia, se desarrolla una trama policial intensa, con algunos golpes bajos pero que hacen al género. El inspector Leopold Bilski es enviado al pueblo Trulocz. Allì deberá investigar la muerte de una criatura y se enfrentará a los poderes políticos y policiales. E incluso a algunos vecinos que no lo aceptan como investigador.

Estamos frente a un libro de la escritora Malgorzata Oliwia Sobczak, best Sellers de su país, que tiene además otros “colores” ya escritos: Blanco Amarillo y Azul, que obviamente serán material cinematogoráfico para el realizador Panek. Agregamos que este director ya filmo la primera película. Los colores del mal, rojo.

Por sobre algunos cuestionamientos a su forma de encarar un guion, de plasmarlo en imágenes, creemos que Panek realiza un buen trabajo dentro del género sin esperar ganar un Oscar o el Oso de la Berlinale. Es un policial bien construido, con muchas truculencias, que atrapa y entretiene. El cine no siempre tiene que marcar una vuelta de tuerca a un determinado género. Las actuaciones, además, son convincentes. Jakiub Gierszat es uno de los mejores actores de mediana edad de Polonia, reconocido por su apostura de galán y por sus cualidades actorales. Con un guion basado en un libro aplaudido por el público y un protagonista que tiene su público, se logra un film entretenido, eficaz en sus objetivos.

Elsa Bragato

Se anuncia el estreno de “Animals” para mañana en Netflix, por lo que la comentaremos la semana próxima. Està dirigida y actuada por Ben Afleck con producción suya y de su amigo Matt Damon junto a Brad Weston. Es la historia de un secuestro, el del hijo del candidato a la alcaldía de Los Ángele, y sus padres tienen pocas horas para pagar el rescate. Están en plena campaña política por lo que no cuentan con todo el dinero. Este es el nudo de la historia porque se mostrarán hechos pasados que nunca se quisieron revelar. Affleck compone al candidato a la alcaldía de Los Ángeles, Mark Kimball. el lanzamiento del film, cuya realización se retrasó un año, serà en determinadas salas y en la plataforma Netflix, como se indicó antes.

RETRATO DE UN PIANISTA, HANGAR ROJO, VÉRTIGO 2, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 1RO DE OCTUBRE DEL 2026

2026-10-03T13:06:04.185-03:00

JUEVES 1RO DE OCTUBRE DEL 2026

Hay varios estrenos. Vamos a comentar solo a tres.

RETRATO DE UN PIANISTA

Dirección, guion y producción de José Nacci, Elena Konieczny, con el pianista Antonio Formaro, Elena Konieczny en off, Eduardo Chino Orueta, Maestro Marcelo Balat, orquesta estable del Teatro Argentino, entre otros. Fotografía de Florencia Velozo, Luciano Nacci, Arte de Santiago Canepa, Montaje de Luciano Nacci, Música de Antono Formaro. Duración: 68 minutos. Prensa: Cristina Zurutuza.

XXXX – MARAVILLOSO RETRATO DE UN MÙSICO Y SU ENTORNO

Este documental es casi un “avis rara” en la cinematografía argentina: interesarse por un músico y su cotidianeidad. Se trata del maestro Antonio Formaro, que fue recorriendo el país no solo con su arte sino encontrando pianos maravillosos. Asi nos enteramos que los pianos fueron, hasta la primera guerra mundial, franceses y alemanes, y entre estos últimos, una de sus marcas fue la Steinway. Que los pianos del siglo XIX, si eran de la madera de los bosques añosos europeos, sonaban bien pero con sonidos livianos, mientras que luego, a mitad del siglo XX, se buscaron sonidos más densos. Y da ejemplos con su virtuosismo. También le rinde homenaje al gran pianista chileno Claudio Arrau, que debutó a los 5 años y dio su primer concierto internacional a esa edad en nuestro país. En torno al maestro Formaro, además de los pianos y sus maravillosas historias, está su familia.

Forma y fondo tienen en común una historia diferente porque la vida de los músicos es distinta a la de todos. La forma atiende las opiniones del pianista a cámara, dentro de una filmación clásica, con el objetivo de ser un fiel retrato de una vida musical. El fondo nos regala una vida diferente, ensayos, orquestas, responsabilidades, estudios, conciertos. Esas ceremonias que los músicos profesionales conocen y que no siempre el público en general advierte el sacrificio que hay detrás de un recital. Es, sin duda alguna, un documental que hace honor a un gran pianista y, al mismo tiempo, le rinde homenaje a la vida tan especial de los músicos, donde las notas, los pentagramas, ocupan la intelectualidad mientras que los sentimientos se dividen entre ese arte tan acaparador y los seres queridos. Magnífico.

Elsa Bragato

VÉRTIGO 2

De Spierig Brothers. Con Harriet Slater, Arsema Thomas, Tom Britney, entre otros. Fotografía de Andrew Strahorn. Duración: 97 minutos.

XXX- CUANDO LOS EFECTOS ESPECIALES PUEDEN MÁS QUE UN GUION

Por momentos, Vértigo 2 es espeluznante debido a un trabajo de postproducción muy interesante: dos jóvenes colgadas de una montaña a la que accedieron por los caminos prohibidos tienen que regresar a tierra firme. Y les sucederá de todo un poco y siempre en situaciones límites, quedarse colgadas, un alud de piedras, un camino sobre un abismo. Jax (la bella Harriet Slater) quiere honrar a su hermana Shilot, que murió por sus aventuras extremas. Subir a esa montaña con la amiga de su hermana, Luce (Arsema Thomas=) puede ser una compensación.

Los Spierig Brothers trabajan esta narración en principio desde el thriller, casi cine catástrofe por las situaciones en las que las protagonistas viven, y lo va trasladando al policial neto, de manera imprevista. Aunque hay que reconocer que la reaparición de un personaje a tantos metros de altura resulta poco creíble. Se da en la ficción y comienza el vuelco hacia lo policial. Esto hace al thriller más interesante.

En lo formal, estamos frente a un compendio de clishés computarizados increíbles, bien engarzados, bien realizados, y actuaciones buenas si bien el terror de estar colgadas frente a un precipicio debió profundizar ese sentimiento en las la gestualidad de las protagonistas. El fondo está basado en pegarnos todo tipo de sustos, en mantenernos en vilo durante todo el tiempo de la historia, con un final sosegado, que da el respiro para que uno salga de la sala al menos con el corazón en el cuerpo, aunque se lo tenga en la boca.

Elsa Bragato

HANGAR ROJO

Dirección de Juan Pablo Sallato. Guion de Luis Eilio Guzmán. Fotografía de Diego Pequeño, Mùsica de Alberto Michelli y Matteo Marrella. Con Nicolás Zárate, Boris Queroia, Manuel Tagle, entre otros. Duración: 81 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXX- UNA VISIÓN PARTICULAR DEL DERROCAMIENTO

DE SALVADOR ALLENDE

Pocas veces a través de un trabajo fotográfico tan medido se logra tanto, se transmite tanta opresión, miedo, dolor. Hangar Rojo nos remite al 11 de setiembre de 1973, cuando el presidente chileno Salvador Allende había sido derrocado y estaba muerto. Pero esos hechos se hablan, sin que la cámara de Sallato recurra a ellos. Se centra en la vida del capitán Jorge Silva quien es el ex jefe de inteligencia de la Fuerza Aérea y tiene un hangar a su disposición. Reaparece un enemigo político quien lo obliga a destinar ese hangar a centro de tortura, el Hangar Rojo de ahora en más, con la orden de llevar a los jóvenes prisioneros al Estadio Nacional pero en el camino hacerlos correr y matarlos.

Jorge Silva está entre la espada y la pared. Es un hombre de Allende pero, si no se suma a las directivas actuales, es hombre muerto. Solo recién de pasadas muchas horas, puede volver a ver a su esposa, quien ha sufrido también la intromisión de los milicos en su oficina y está aterrada. Silva regresa, pero toma una decisión en la que se juega la vida sin por ello hacerle perder la vida a otros. En la vida real, murió en el 2024 en Londres y jamás regresó a su país.

En este film, sin duda brillante por la cinematografía, por la actuacin de Nicolás Zárate- hombre de rostro muy anguloso que logra transmitir sus sentimientos- así como ocultarlos ante sus superiores para no morir, la fotografía se transforma en un personaje más: el director trabaja en el glorioso blanco y negro, con planos cortos casi todo el tiempo, con la cámara siguiéndolo a Silva, casi pegada a su cabeza. Luego pasa al plano y contraplano con desenfoques precisos y a primerísimos planos de Silva y sus jefes ocasionales. Se genera una tensión creciente. El caminar rápido de Silva, la cámara pegada casi a su nuca, el estadio Nacional lleno de gente, los gritos de los torturados, generan un clima de opresión y angustia que representa lo que los habitantes de esta parte del mundo vivimos durante las sangrientas dictaduras militares, que partieron de la siniestra Escuela de Chicago y su plan económico a “sangre y fuego”. Gran película, gran actuaciòn de Silva, gran trabajo fotográfico, un film de ésos que se transforman en íconos de una época.

Elsa Bragato

ANNEMARIE

Dirección y guion de Mariana Sanguinetti, Fotografía de Ignacio Aveille, Montaje de Ana Godoy, Sonido y subsonido de Marcos Zoppi. Con Annemarie Heinrich, Alicia Sanguinetti, Ricardo Sanguinetti, Dennis Connors, Ursula Heinrich, Graciela Borges, Mirtha Legrand. Duración: 74 años.

XXX – PIONERA DE LAS FOTÓGRAFAS

Annemarie Heinrich, nacida en Alemania, fue la gran pionera de la fotografía, especialmente los retratos, del mundo femenino. Fue, justamente, una mujer empoderada que luchó contra el machismo de la época y fue la requerida por los artistas de varias décadas. En este film, su bisnieta Mariana Sanguinetti busca elementos para el documental en la vastísima obra de su bisabuela, recogiendo testimonios de amigos y familiares y artistas, entre ellas, Graciela Borges. Surge del documental que Annemarie (1912-2005) tuvo grandes referentes de quienes aprendió sus técnicas, como Melitta Lang, Ria Granger y Sivul Wilenski. Hoy en día sus obras integran los museos de New York, de Bélgica, de nuestro país. Es una de las grandes retratistas de todos los tiempos.

Yendo al material que se exhibe, las primeras secuencias exhiben la preparación de los salones para una exposición de los monumentales retratos. Y en verdad desalientan un poco porque el espectador quiere ver de entrada a la gran mujer fotógrafa, su familia, más que esa explicación a través de imágenes de cómo se trabaja para lograr una muestra. No obstante, esto se repara luego con una narración donde surgen muchas anécdotas sabrosas y hasta hay films de la época donde Heinrich habla, por ejemplo, agradeciendo un premio.

Es un homenaje completo que va más allá de las obras de Annemarie Heinrich: logra transmitir, y es lo más valioso, una mirada profunda sobre una personalidad femenina fuerte, decidida, luchadora, una mujer empoderada hace décadas cuando tanto su profesión como el hecho de ser mujer no eran aceptadas por la sociedad. Se siente el espíritu de lucha de Annemarie como profesional, tanto como, al mismo tiempo, fue capaz de organizar una familia. Resulta un documental esclarecedor y enriquecedor, sobre una figura fundamental del mundo artístico nacional. Y descubre para los más jóvenes una personalidad que fue clave en la difusión de los rostros de nuestros artistas. Muy interesante y también un justo tributo de la labor de una artista reconocida en todo el mundo, pero que vivió aquí y aquí desarrolló su notable obra como retratista.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS

1) SOY ELLA, DOCUMENTAL DE Cecilia Pinotti. Trata sobre la vida de La Kalo, una mujer tras del conurbano. No es el primero sobre el tema pero en este caso hay simplicidad y nobleza en el relato, es decir, se trata de dar visibilidad al tema del transgénero desde un lugar no común, mostrando la fortaleza de La Kalo así como su sensibilidad.

2) ENCANTADOR, de Josè María Cicala. Con Mario Alarcòn. Es la vida de un joven de pueblo, que cuida de su madre, trabaja en un videoclub y colecciona muñecas. Todo se trastoca cuadno empiezan a desaparecer mujeres y llega el inspector Porter. Para la crìtica es una película pequeña pero atrapante entre la mezcla de comedia ligera, policial, con mucha intriga.

ERAMOS TAN FLACOS, CAUTIVA MINISERIE, DESDE DENTRO MINISERIE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 24 DE SETIEMBRE DEL 2'26

2026-09-27T18:26:46.729-03:00

24 DE SETIEMBRE DEL 2026

ERAMOS TAN FLACOS

Dirección y guion de Carlos Castro. Música de Juan Lucesole, Carmen Sànchez Viamonte. Duración: 80 minutos.

XXX- Documental sobre los 90 y los estudiantes

Un joven que viene del interior tiene como destino la ciudad de La Plasta, es la voz en off que nos va contando sus experiencias y la atracción que ejerce en èl esa ciudad y la Universidad. Son tiempos del ex presidente Carlos Menem, de “venta” del país, de desguazamiento de los centros educativos. Y la masa estudiantil esta en guardia, con reuniones en las facultades. El joven en Off va grabando lo que puede con una vieja cámara, pero descubre, con los años, que los servicios de inteligencia, agazapados, escondidos, hicieron filmaciones, que hoy se pueden utilizar, de los estudiantes. Los perseguían con las cámaras, eran seguras víctimas después. Habìa encono con la nueva Ley de Educación Superior, cambios que se venían gestando por los apátridas desde la época del gobierno de facto de Onganía. Se habìa ya vivido La noche de los bastones Largos. El documental, para quienes tenemos canas, es un verdadero “deja vú” de aquellos otros años de oprobio.

De esta manera, se descubre que los jóvenes que salían en manifestaciones eran llevados a los ex centros clandestinos de detención. Se suponía que no les hacían nada más que tirarles del pelo y no otra aberración, pero fueron tiempos donde, con los indultos de Menem a los genocidas militares y a los capos del terrorismo como Firmenich mostraban todavía las señales de las dictaduras. Estaban ahì, presentes.

El documental es valioso porque impide olvidarse de lo que se vivió en La Plata en esos tiempos de Menem que, de democráticos, por lo visto tuvieron el nombre. El fue elegido en “santas” elecciones. Pero los métodos provinciales de Buenos Aires, a cargo del gobernador Duhalde, no parecían distar mucho de los horrores vividos, aunque con menor intensidad.

Es historia filmada, que debe tenerse en cuenta siempre por aquello de tener “memoria activa”. para que no vuelvan los nazis, los fascios, los antipueblo que suelen estar al acecho de cualquier oportunidad. Valioso desde el punto de vista histórico a pesar de que hay fallas técnicas propias de los videos de hace tantos años ya. insistimos, valioso documental.

Elsa Bragato

ESTRENOS EN PLATAFORMAS

FLOW

CAUTIVA

Miniserie argentina sobre un caso real. Dirección de Paula Hernández y jazmín Stuart. Música de Pedro Onetto. 6 episodios. Con Carolina Kopelioff, Lorena Vega, Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Valeria Lois, entre otros. Duración: 40 minutos cada episodio.

XXXX – EXCELENTE MINISERIE SOBRE LAS DEVOCIONES RELIGIOSAS

Basada en un caso real, las dos directoras, Hernández y Stuart, narran la historia de Clara, encarnada por Carolina Kopelioff, quien ingresa a un convento de clausura. Conoce a la madre superiora, Cecilia, a cargo de Rita Cotese, y también a su mano derecha, en la piel de la excelente actriz Lorena Vega. Los métodos que se emplean para dar fe de la devoción por Dios son cruentos, la vida es asfixiante para las novicias, especialmente bajo la mirada de una de las monjas superiores. Luego de 15 años, Clara escapa a su hogar y comienza a reconstruirse. Había perdido la esencia de sí misma, era una autómata.

En el primer episodio, hay un muy interesante plano secuencia inicial que cierra ese capítulo, mientras que la forma, en general, de la narración es clásica y nítida. Por momentos da la impresión de ser una miniserie española sobre el tema de las devociones religiosas. A lo largo de los capítulos se ve tanto la vida en el convento como la ayuda de la familia a Clara para que pueda ir superando costumbres tremendas como flagelos inhumanos auto infringidos.

Es una de las mejores series que hemos visto de producción nacional, de seis capítulos de 40 minutos cada uno. Y la recomendamos fervientemente.

Elsa Bragato

DESDE ADENTRO

Miniserie de Netflix. Serie de teve en cuatro capítulos. Con David Tennant, Stanley Tucci, Dolly Wells, Lydia West, entre otros. Fotografía de Tony Slater Ling. Direcciòn de Steven Moffat, su creador, junto a Paul Mcguigan.

XXX – INTENSO POLICIAL QUE APUNTA A LA INTROSPECCIÓN

Al ver el nombre de Stanly Tucci, por sobre otros grandes actores, se sabe que el producto será de calidad. No nos equivocamos con esta miniserie de corte policial si bien transcurre a partir de lasw consecuencias de asesinatos, o sea dentro de las cárceles. Se plantea a partir de presos que están sentenciados a muerte, entre ellos, el personaje encarnado por Stanley Tucci, y frente a èl diferentes personajes que también tienen sus crímenes. Uno es el caso del rol a cargo de David Tennant, quien encierra a su mujer en el sótano, es decir, el director y guionista muestra diferentes formas de violencia, siempre brutales todas.

Tucci, en todo caso, es el asesino sosegado que cumple con las visitas que llegan siempre esposado. Es, si se quiere, un thriller fuerte por momentos introspectivo. Cada personaje interpela de manera diferente al espectador y transforma la historia en un rompecabezas que hay que unir más sobre el final que en el transcurrir de la historia.

Es muy interesante, pero al mismo tiempo resulta monótona por los extensos monólogos de algunos personajes, interrumpidos por escenas de violencia contra una mujer que produce quiebres en el relato. No deja de tener cierta languidez.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS PREVISTOS

1) Avengers, endgame. de Anthony Russo y Jose Russo. Con Robert Downey Jr, entre otros. Es la cuarta película y la última. Tras Avenger Infinity War, es un reestreno con la inclusión de un adelanto exclusivo de Avengers Doomsday. Los vengadores tienen que reunir fuerzas para reconstruir un mundo devastado en las anteriores entregas. Para muchos críticos, es un cierro apoteósico de personajes muy queridos por los fans de Marvel, y el que debía darse.

2) El último gran golpe, de Derrick Borte. Con Russell Crowe. Es la historia de un poderoso dueño de un club nocturno, muy relacionado con el mundo criminal. Decide dejar todo pero un asalto de graves consecuencias basado en traiciones cambia sus planes y deberá recomenzar la lucha por la sobrevivencia.

ROMEO Y OFELIA, TRES ADIOSES, ONE PIECE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 17 DE SETIEMBRE DEL 2026

2026-09-17T12:48:06.314-03:00

JUEVES 17 DE SETIEMBRE DEL 2026

ROMEO Y OFELIA

Dirección y guion de Gustavo Postiglione. Con Guillermo Pfnening, Antonela Costa, Manuel Melgar, Camila Viale, entre otros. Fotografía de Marcos Garfagnoli, Mùsica de Gustavo Ppstigioe e I`van Tarabelli.

XXX – POSTIGLIONE FUNCIONAL A SHAKESPEARE

Conocedor de los secretos de la cinematografía, Gustavo Postiglione regresa a la pantalla grande con una narración compleja, aunque de pocos personajes. En principio el tiempo, sin determinar, puede ser pasado o presente o un futuro cercano, en la ciudad de Rosario donde se enfrentan bandas de narcos. Pero aquí Postiglione va más allá y toma elementos shakespeareanos: Romeo y Ofelia, los jóvenes, son Romeo y Julieta, que padecen las consecuencias de asesinatos entre las familias. Y, por si fuera poco, Postiglione trabaja en cuartos sin determinar su función por lo que se acerca al Dogville de Lars Von Trier (ese escenario donde los personajes solo tenían como casas una marcación de tizas, donde ocurren desde amores hasta aseinatos a mansalva. Aquí no ahorra balaceras, y, con buena cintura cinematográfica, evita el policial directo. Es el “toque”, aquello que define una secuencia y parte de la historia donde los celos de “Hamlet” y su sed de venganza también se hacen presentes. Es una historia rosarina compleja que merece atención. El espectador ingresa en un mundo minimalista cargado de pasiones, odios y sentimientos. mientras dos jóvenes se debaten entre las acciones de los adultos y el amor que se profesan.

Hay un avance, un crecimiento más que notorio en el modo de encarar un guion de Postiglione. Incluso la banda sonora le pertenece. Sin embargo, deja el audio a las voces de los actores. Su música es un fondo incidental que solo acrecienta la tensión en algunas escenas. De aquel “El asadito” filmado en una terraza de Rosario a “Romeo y Ofelio” hay un camino de trabajo intenso en este notable director Rosarino, hoy màs cercano al Dogma 95 que el cine convencional, condescendiente o banal. Aunque sobrevuele Shakespeare o las bandas narcos de Rosario, Postiglione encontró un camino de madurez conceptual y estética que aplaudimos.

Elsa Bragato

OTRAS PELICULAS PREVISTAS

1) RESIDENT EVIL, de Blach Cregger. Un mensajero se ve envuelto en una serie de entuertos para lograr salvar su vida. Acción.

2) EL ÀRBOL MÁGICO, de Ben Gregor. Una familia se muda al campo y, como en los cuentos de Narnia, en vez de un placard, descubren un árbol que los lleva a mundos increíbles.

3 ONE PIECE, LA PELICULA, Film Japonés. Es uno de los fenómenos del Manga y el Animè, y construye la aventura de Monkey Luffi y su gente. Aquello que vimos en otre género, ahora viene en pantalla grande. La película sigue a Luffy y los Sombrero de Paja cuando se ven involucrados en una aventura relacionada con el legendario pirata Woonan, conocido como el “Gran Pirata de Oro”.
La leyenda cuenta que Woonan reunió una enorme cantidad de oro antes de desaparecer y que su tesoro quedó escondido en una misteriosa isla. Tras las huellas de es ONCEa fortuna también se encuentra Eldorago, un despiadado pirata decidido a apoderarse del legendario tesoro.

TRES ADIOSES, IMPACTO MORTAL, ISLANDIA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 10 DE SETIEMBRE DEL 2026

2026-09-12T14:11:58.763-03:00

IMPACTO MORTAL

Dirección de Renny Harlin. Con Aaron Eckhart, Ben Kinsgley, Molly B, Right, entre otros. Fotografía de DJStipsen, Música de Fernando Velázquez, Duración 110 minutos. Coproducción Estados Unidos, Nueva Zelanda, España.

XXX – CINE CATÁSTROFE ATRAPANTE

Hace unas décadas, las películas con problemas aeropuertos o mecánicos de los aviones eran el “top”, así como la primera “Tiburón” que, con solo la notable música de John Williams, nos ponía los pelos de punta. Hoy son consideradas por algunos críticos como de “clase B”. Nadie duda de que son melodramones intensos que tienen los clishés del género. Pero el trabajo técnico, así como las actuaciones así como la postproducción técnica no son desechables. Al menos para nosotros.

Impacto Mortal nos muestra el brutal accidente que tiene un avión que va de Los Angeles a Shanghai en medio del Océano, y sus dos pilotos, encarnados por Aaron Eckhart y Ben Kinsgley, se ven sobrepasados por las fallas mecánicas al punto que el avión cae en medio del océano. Aguas infectadas de tiburones. En principio, los tremendos animales no aparecen. Se ven escenas de terror, pasajeros despedidos por la nave al romperse la presurización, muertos, en fin, un sinfín de momentos de enorme tensión logrados muy bien técnicamente. Está el instante lacrimoso donde una señora ochentosa da su lugar “de vida” a los más jóvenes. Pero forma parte del paquete del melodrama, y no debería llamar a risa o menospreciar todo un esfuerzo cinematográfico por alguna que otra secuencia donde afloran palabras tiernas y lágrimas rodeados de cadáveres mientras se va hundiendo esa parte del avión que aun permanece sobre la superficie del agua.

Impacto Mortal es un buen cine catástrofe, que por momentos nos pone piel de gallina, con buenas actuaciones. Ahí están comandando al elenco Eckhart y Kinsgley, actores de primerísimo nivel. Buen entretenimiento para sacarse la adrenalina en el cine y llegar ligeritos a casa.

Elsa Bragato

TRES ADIOSES

De Isabel Coixet, Fotografía de Guido Mechelotti. Con Alba Rohnwacher, Elio Germano, entre otros,. Duración: 120 minutos. Coproducción Italia, España.

XXX – LA VIDA DESPUÉS DEL AMOR

Estamos frente a otro Love Story como hace décadas. Nada mas que en manos de la catalana Isabel Coixet que sabe cómo manejar físicos y sentimientos de sus personajes. En este caso, presenta a Marta y Antonio (Alba Rohnwacher y Elio Germano respectivamente), quienes se separan. El es un reconocido chef (de allí el título en italiano, Tre Ciotole), y ella, Marta, queda a la deriva. Insomnio, pérdida de apetito, hasta que decide consultar a sus médicos y descubren una enfermedad terminal. Pero tiene tiempo de vida. Y es aquí donde se planta Coixet para no caer en el melodrama común, si bien ha partido de una idea previsible y muy vista: la mujer “abandonada” que muere de amor. Coixet echa manos de este momento, cómo encara Marta la vida. No hay muerte, no hay desencanto, hay búsqueda de vida. Encuentra un amor momentáneo, abre las ventanas y mira al cielo donde el infinito se mezcla entre azules y pájaros.

Este film, bien tratado, tiene una secuencia impactante y es el encuentro de Antonio y Marta en las márgenes de un río que atraviesa la ciudad. Allí él la abraza y juntos caen de rodillas al suelo, pero es pura ternura y no amor, algo que Antonio aclara. Para nosotros es la secuencia más importante del film, que resume el sentimiento del amor que está por encima de la convivencia. Ciertamente Coixet no supera La vida secreta de las palabras, una película del 2005 con Sarah Polley y Tim Robbins, que ganó premios en rubros técnicos incluyendo la dirección en los Goya 2006. Una enfermera sorda y un trabajador malherido de una plataforma petrolera fueron sus protagonistas. También allí trató el amor que surge y se construye en medio de grandes dificultades.

La idea en sí de Tres Adioses no es novedosa. Pero el “quid”, el secreto, está en el tratamiento narrativo que Coixet quien le da oportunidades a sus protagonistas. Viven el desamor como desunión, pero la vida tiene otros vericuetos para cada uno de ellos y hasta reencuentros. En lo formal, la historia transita, fluye, por un camino previsto, sin sobresaltos salvo el que la vida les tiene previstos a Antonio y Marta respectivamente. Pero Coixet no va más allá, no introduce la trama en lo oscuro sino que apuesta a la luz, a que la vida siempre tiene segundos maravillosos, solo que hay que saber encontrarlos. Y Marta los busca y encuentra. Conmovedora película, que aporta la novedad de la resiliencia, del encuentro con lo mejor de cada día. Da la impresión que es una búsqueda personal de Isabel Coixet en la que coincidimos.

Elsa Bragato

ISLANDIA

de Leandro Cerro. coguionista Hernán Roselli. Elenco islandés. Compañía: Runa Films. Duraciòn:97 minutos.

XXXX- LA MÚSICA COMO FORMA DE VIDA

En más de una oportunidad dijimos que la música era una forma de vida. Es una elección, un camino difícil, trabajoso pero que nutre el alma y se vive desde un lugar especial a partir de otra sensibilidad.

El director Leandro Cerro viaja a Islandia para acompañar a un joven que quedó solo tras la muerte de su padre, y vivió escuchando la música del conjunto islandés Sigur Ros. Se encuentra con un país con menos de 400 mil habitantes, ubicando su historia en el 2015. La idea es retratar a los músicos que escuchó desde chico, pero la tarea no es sencilla porque son reacios a la prensa. De esa manera va recorriendo una isla que, en principio, saliendo de su capital Reikiavik, resulta inhóspita, salvaje. Para algunos lugareños, es una tierra virgen porque ha sido poco usada.

Esta búsqueda de los músicos de Sigur Ros le permite conocer un país tan pequeño y asombrosamente cargado de festivales en cada una de las estaciones. El festival invernal es Icelan Airwaves en noviembre, mientras que otros son el Inni Pukinn, Braedslan, por nombrar solo algunos. Se produce un fenómeno inusual: así como Italia es el arte en sí mismo, Islandia parecer ser el país de la música pop por excelencia. Pero no es cualquier música, sino que está unida a la naturaleza, de ella pareciera surgir por el tipo de sonidos que los guitarristas, bajistas, pianistas, logran con sus instrumentos. Por lo que Sigur Ros se convierte en el ejemplo por antonomasia de este docuficción.

Son muchos los habitantes que se van uniendo en el trayecto del joven, que además es la voz en off, a lo largo de su búsqueda. De este modo llega a acantilados peligrosos, a caminos sinuosos muy difíciles de transitar, a campos ondulados con arándanos salvajes.

Dentro del género documental, Leandro Cerro ha logrado un trabajo diferente, que parte de los sentimientos de una familia unida a una determinada música. Y descubre que en la misma naturaleza está la música que escuchaba su padre de tan lejanas tierras. Es esencialmente una propuesta diferente, sensible, que sigue parámetros de pentagramas. Cala hondo en el corazón, es diferente buscar música a encontrar un objetivo material de cualquier índole. Nos parece excelente porque es una búsqueda de sonidos y naturaleza unidos al amor de familia. Y, en verdad, no es habitual. Además, tiene una realización prolija, con un hilo narrativo atrapante. Estamos todos tan atentos como el protagonista por encontrar a esos artistas que admiró desde siempre. Y esto produce atención, atrapa.

Elsa Bragato

ESTRENO EN PLATAFORMA NETFLIX

SUSURRAN TU NOMBRE

Dirección de James Ashcroft. Duración: 105 minutos. Con Robert De Niro.

La desaparición de su hijo obliga al joven viudo a contactarse con su padre, un experimentado inspector policial que ya tenía experiencia en casos similares al haber encarcelado al llamado “The whisper man”, el hombre del susurro, un asesino serial infanticida.

El film es entretenido y complejo a la vez desde el punto de vista narrativo. Se suceden secuencias del hijo, de su desesperación, del padre (Robert de Niro), de malandras, y la tensión es creciente. Resulta un policial bien realizado con un Robert De Niro aplicado a su rol, con la solvencia que lo caracteriza, y sin ese rictus que ha caracterizado a tantos de sus personajes. Es una historia ágil que obliga a prestar atención para no perder detalle.

Dentro del género, es un muy buen policial con el plus que le da el protagonismo de Robert de Niro que así supera a su anterior film de la misma plataforma donde no logró mayor recercusión. “Susurran tu nombre” es el gran éxito actual de Netflix.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

HECHIZO DE AMOR, DE SUSANNE BIER.

Música de Rupert Gregson Williams, Fotografía de Simon Duggan. Duración: 130 minutos.

Con Sandra Bullock, Nicole Kidmann, entre otros-Se continúa con las peripecias de las hermanas Owen que deberán destruir una maldición que quiere destruirlas a ellas y toda su familia. Secuela de la película “Prácticamente magia”.

MUTINY

De Jean Francois Richet. Co Jason Statham y Annabelle Wallis, entre otros. Duración: 95 minutos. Coproducción Reino Unido-Estados Unidos.

El agente de seguridad Cole Reed asiste involuntariamente al ase8sinato de su jefe, un supermillonario y es incriminado injustamente en ese homicidio por lo que deberá luchar con la justicia y los asesinos para limpiar su nombre y salvar su vida. Entretenimiento ya conocido pero que no deja de atraer y hacer pasar un buen momento de distracción adrenalínica.

ICE CREAM MAN

(EL HELADERO: DULCE SABOR A MUERTE)

De Eli Roth. Duración: 86 minutos.

Un pueblo, un heladero y un extraño comportamiento de los más pequeños cada vez que comen los ricos helados que compran. Algo raro pasa, porque los niños se transforman en asesinos de los adultos. Por sobre la propuesta, podemos decir que, sin llegar ese extremo, Eli Roth extrae elementos de la sociedad actual donde los mayores son descuidados y desechados por los más jóvenes. Es un film tipo “slasher” para fans de este tipo de género, que los hay y muchos.

ESA COSA CON ALAS, UNA QUINTA EN PORTUGAL, PEPITA LA PISTOLERA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 3 DE SETIEMBRE DEL 2026

2026-09-06T15:59:39.670-03:00

JUEVES 3 DE SETIEMBRE DEL 2026

PEPITA LA PISTOLERA

de Lucía Puenzo, con Luisana Lopilato, Claudio Tolcachir, Alberto Ayaka, Charo López, entre otros. Fotografía de Iván Gierasinchuk, Mùsica de Andrés Goldstein y Daniel Tarrab. Basado en hechos reales sobre idea de Lukas Jinkis y guion de Lucía Puenzo, Andrés Gelós Tatiana Mereñuk. Duración: 108 minutos.Productora ejecutiva: Luisana Lopilato a través de Live is One, su productora.

XXX – BUENA RECREACIÒN DE UN HECHO POLICIAL REAL

Lucía Puenzo lleva el cine en la piel. De esto no hay duda alguna. En este nuevo largometraje (otros fueron El niño pez, Wakolda) ingresa al submundo del malevaje y de la prostitución de Mar del Plata a partir del personaje de Margarita Di Tullio o Pepita la Pistolera, una mujer que regenteaba lugares nocturnos, y desde chica se había acostumbrado a las piñas y a usar el revólver. En 1985, ingresaron tres individuos a su vivienda, donde vivía con el padre de su último hijo, y le exigieron dinero o los violaban. No dudó Margarita en tomar un revólver y matarlos a tiros. Poco después, para mediados de los 90, se la vinculó con la banda que mató al reportero gráfico Josè Luis Cabezas.

Esta es la historia real que Lucía Puenzo lleva al cine con verosimilitud, cierta aspereza en el relato y una muy buena reconstrucción de época, así como fotografía. Dos rubros que su padre, Luis Puenzo, manejaba a la perfección.

El problema está en la protagonista, Luisana Lopilato, quien es la productora ejecutiva y se ha lanzado ya hace un tiempo como tal para hacer películas y miniseries incluso como coproductora. Una cosa es producción ejecutiva y otra es protagonismo. Lopilato no da el physique du role de Pepita la Pistolera. Es esencialmente una actriz de comedia y se nota que no hay interpretación de una “maleva” como el personaje requiere sino una mera “imitación”. Lamentamos decir esto pero es la verdad. Debió elegirse a alguna actriz de carácter, con otro físico y rostro, acorde a un personaje muy duro.

Salvo esta grave dificultad histriónica la ambientación lograda por Lucía Puenzo y su equipo son de muy buen nivel. Esto no va en desmedro de Lopilato, pero sí en ese ego tan exacerbado de poder invertir y de ser bonita al mismo tiempo como para autoelegirse como protagonista de esta fuerte historia. No se pone en duda la calidad de Puenzo, hizo un buen policial si hacemos abstracción de su protagonista.

Elsa Bragato

ESA COSA CON ALAS

Dirección y guion de Dylan Southern. Basada en la novela de Max Porter. Fotografía de Ben Fordesman BSC, Montaje de George Cragg. Música de Zebedee C. Budworth. Dibujos de Lucy Sullivan. Con Benedict Cumberbatch, Richard Bosall, Henry Boxall, Eric Lampaert, Vinette Robinson, Sam Spruell. Duración: 98 minutos. Reino Unido. Distribuye Impacto Cine.

XXXX – BUSCANDO LA RESIGNACIÓN

La muerte de la pareja es uno de los grandes dramas humanos. En este caso, un padre joven enviuda y queda al cuidado de sus dos hijos varones, pequeños, que van a la escuela primaria. El director Dylan Southern describe la sinrazón del dolor de la pérdida a través de diferentes capítulos, que van desde las lágrimas hasta las pesadillas, el miedo a que la muerte nos ande por detrás, o que inunde nuestra vida. El protagonista es Benedit Cumberbatch como Dad, y los pequeños Boxall, como Boy 1 y 2. No hacen falta nombres propios, aquí se trata de transcurrir el andarivel del dolor, “esa muerte que deshace a nuestros seres queridos” como dice la canción “La muerte” que cantan en el film, y sus distintas facetas.

En todo momento hay un cuervo, un actor que compone al ave sagrada para la realeza británica. No es producto de computación sino un actor. Su presencia es constante, es la muerte que acecha o la pesadilla que aparece luego de la pérdida de la madre y esposa. Hay que lidiar con esa sensación de miedo, vacío, desesperanza. Por eso, el director incluye al personaje “cuervo” como generador de esa terrible depresión que genera la muerte de un ser querido. Es hundirse en las sombras, es pelear con demonios oscuros, y Dad lo hace gracias a Shouther y su disciplina narrativa, Dad intenta que sus hijos no descubran esa oscuridad con alas que èl vio de frente, pero es imposible. La madre no está más.

Por sobre cualquier instante de exageración, está la búsqueda narrativa de la resignación, que siempre tarda en llegar porque no se comprende cómo un ser querido va a parar bajo tierra. Es la búsqueda de la resiliencia, de cicatrizar para poder sobrevivir. Y en esa búsqueda trabaja el director Southern, a sabiendas de que “esa cosa con alas” es oscura, está siempre, es destino. Notable trabajo de interpretación y comprensión de Cumberbatch del dolor de la pérdida al que se atraviesa siempre con el alma aterrada. Que de eso se trata el Cuervo y de eso se trata lograr la resiliencia.

Es decir que, en lo formal, Southern busca un elemento como el Cuervo en calidad de alegoría del miedo a la oscuridad eterna. Y en lo conceptual, hace transitar a sus personajes por la amplia gama de sentimientos que van desde el desgarro inicial hasta el comienzo de la resignación que se vislumbra cuando se es capaz de sonreir de nuevo. Gran tema, trabajo consagratorio de Benedit Cumberbatch.

Elsa Bragato

UNA QUINTA EN PORTUGAL

Dirección y guion de Avelina Prat. Fotografía de Santiago Racaj, Edición de Juliana Montañes, Arte de Artur Pinheiro, Mùsica de Vincent Barriere, Con Manolo Solo, María de Medeiros, Branka Katic, Rita Cabaco. Idiomas Castellano y Portugués. Duración: 114 minutos.

XXXX –EN BUSCA DE UN LUGAR EN EL MUNDO

Este segundo largometraje de Avelina Prat se sumerge en el mundo de la soledad no buscada, en la necesidad de la reconstrucción del propio yo y el entorno, en la búsqueda de ese lugar en el mundo que es único y propio. Y es un reencuentro con la identidad. Parte de Fernando (Manolo Solo), profesor de geografía, quien regresa a su hogar y no encuentra a su esposa. Aunque inicia una búsqueda, resulta imposible. Ella se marchò (se ve en el film) y èl queda solo y abandonado. Decide emprender un viaje y llega a Portugal, donde entabla una charla con un lugareño quien consiguió trabajo en una quinta del lugar, pero súbitamente muere mientras toman un café. A Fernando le queda el saco de este hombre y la recomendación para el trabajo pero con otro nombre, Manuel. Debe adquirir otra personalidad por un largo tiempo. En la quinta se encuentra con Amalia (Marìa de Medeiros), la dueña, con quien poco a poco entablará una amistad.

El tono de la narración es calmo, sin prisa pero sin pausa. Los hechos transcurren, Fernando-Manuel los acepta pero no grita, no enloquece, asume como puede un destino inesperado y decide buscar otro sitio para olvidar, a fin de superar el dolor del desprecio de su mujer. Hay en este tratamiento sin estridencias mucha humanidad, un gran sentido del espíritu humano y sus recovecos. Se trata de un alma masculina en manos de una directora mujer: se nota entonces la condición femenina de maternar, de cuidar a ese ser humano tan herido y de darle otra oportunidad, no tan previsible pero sí conveniente.

En lo conceptual. el film carece, como dijimos, de exageración. Las secuencias transcurren sin exabruptos, y están trabajadas a partir de la actuaciòn de Manolo Solo quien lleva sobre sí el sentido profundo de la historia planteada.

En lo formal, hay un muy buen trabajo fotográfico, de exteriores e interiores, con una banda sonora moderada, que surge en algún momento, sin aturdir ni buscar ser protagonista.

“La quinta de Portugal” nos muestra cómo se puede hacer cine sin melodrama, sin gritos ni exasperación de los personajes. Es un cine que busca lo esencialmente humano, el rescate de la esencia del alma como resorte para revivir, para lograr el propio lugar en el mundo.

Elsa Bragato

12ma SEMANA DEL CINE ITALIANO

del 3 al 9 de setiembre

Entre los films anunciados están Gioia y Tres adioses, films muy actuales dentro de la cinematografía italiana. En el caso de Gioia, que significa alegría, hacemos el comentario, dejando para su estreno el 17 de setiembre, la segunda, o sea Tres Adioses.

GIOA

Dirección de Nicolangelo Gelormini. Fotografía de Gianluca Palma, Música de Porarinn Guonason. Con Francesco Colella, Valeria Golino, Saul Nanni, entre otros. Duración: 108 minutos. Basado en hechos reales.

XXX – DE LA COMEDIA AL POLICIAL BRUTAL

Nicolangelo Gelormini y sus guionistas (un pool de autores del que también participó) se basó en hechos reales y en la obra teatral “Se non sporca il mio pavimento”. De este “mix” surge esta historia de amor entre una profesora del secundario, Gioia (una “afeada” Valeria Golino con sobrenariz y peluca antigua), y su alumno Alessio (Saul Nanni), quien le pide clases particulares de francés. Alessio es explotado por un “tío[U1] [U2] [U3] ” para que gane dinero como taxi boy de hombres y mujeres ricas, mientras que Gioia vive cuidando de sus padres, siendo su madre una mujer dictatorial a pesar de su creciente Alzheimer.

De estas dos personalidades, que reflejan dos formas de soledad, surge una relación desigual pero basada en la necesidad del otro, del afecto o la caricia de un tercero para sobrevivir a una sociedad que les muestra su cara más inmunda.

El trabajo narrativo de Gelormini es muy interesante porque parte de la comedia amorosa diferente hasta llegar al policial brutal, con un desenlace y un final que surgen abruptamente y sorprenden al espectador. Sin embargo, el transcurrir de la historia va asombrando por las necesidades diferentes que ambos personajes muestran: la alegría de vivir y ser reconocida como mujer para Gioia y el erotismo y la sexualidad elegidas por Alessio, no impuesta por terceros.

Es un film duro, aunque por momentos la alegría de uno y otro protagonista alivie la tensión creciente. Gelormini lleva el hilo narrativo sin altibajos, es decir, de manera nítida hasta lo que él pretende: ese final que nos deja boquiabiertos. Para ver.

Elsa Bragato

Otros estrenos

Se anuncia también el film surcoreano ZONA CERO sobre un virus que imprevistamente infecta a un grupo de personas que asisten a una conferencia. Las críticas internacionales son bastante buenas por lo que aseguran un plato fuerte de zombies y gore explotado.

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TIERRA DEL CRIMEN, LU Y PAU, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 27 DE AGOSTO DEL 2026

2026-08-29T14:34:18.653-03:00

Hay varias películas en danza cuyos estrenos están previstos para este jueves. Entre ellas, LA GUERRA DE LOS ÚLTIMOS, con dirección de Ridley Scott, SOLO POR UNA NOCHE, de Will Gruck, la reposición de HARRY POTTER Y LA PIEDRA FILOSOFAL, de la saga conocida, IDIOTS, TIERRA DEL CRIMEN, DEADS MANS WIRE, LU Y PAU, IMPACTO MORTAL (con Aaron Eckhart y Ben Kingsley) y PINOCHO DESATADO. Agregamos que el film de Ridley Scott nos habla de un mundo post apocalíptico, mientras que Impacto Mortal es realmente un film de terror a partir de un avión de pasajeros que cae en un mar rodeado de tiburones. Nosotros comentamos tres películas del listado enunciado:

TIERRA DEL CRIMEN

De Sven Bresser, con Gerrit Knobbe, Lois Reinders, Mirthe Labre, entre otros. Fotografía de Sam Du Pon, Música de Jong y Van Dinthur. Duración: 112 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXX – INTRIGAS EN LA CAMPIÑA HOLANDESA

Es curioso y diferente el matiz que va tomando esta obra de Sven Bresser sobre un campesino, Johan, encarnado por el actor amateur Gerrit Knobbe, quien se dedica al cultivo de cañas, a cortarlas, y venderlas. De pronto descubre el cuerpo de una joven brutalmente asesinada. Bresser apunta entonces al mundo psicológico de su protagonista y abandona el policial en ciernes. Este hallazgo perturba a Johan, teme por su pequeña nieta, de quien se hace cargo en sus traslados a la escuela, a la casa. Pero también revela, a través de un gran trabajo gesticular del novel Knobbe, un aspecto oscuro o al menos poco conocido del campesino quien se busca en la soledad de su cuarto el sexo virtual.

Es decir, la narración transcurre de manera muy pausada, atiende cada movimiento del protagonista, apunta a su rostro que no es inexpresivo sino que contiene algo en su mirada muy perturbador. Sería la línea policial que Bresser no ahonda, para enfrentarla a la otra línea, la real, la vida de los campesinos que se reúnen para buscar alguna mejora en el cobro de sus pesadas tareas.

Si buscamos una resolución, nos quedamos con las ganas. El film de Bresser mantiene en vilo porque justamente no va ni hacia lo policial ni hacia lo personal. Bosqueja los problemas, los presenta, pero la resolución está en la mente del protagonista y en lo que el espectador puede llegar a pensar a partir de lo que ve. Es, en este sentido, una propuesta diferente, profunda, que nos permite vernos a nosotros mismos cuando enfrentamos este tipo de noticias en la televisión o escuchamos por radio. Es el impacto de la muerte el que nos interpela pero no buscamos una solución sino que la esperamos de otros. Es lo que ocurre con Johan y es la propuesta de Bresser, comprometida con la vida y la compleja psicología humana.

Elsa Bragato

DEAD MANS WIRE

De Gus Van Sant. Con Bill Skarsgard, Al Pacino, D. Montgomery, entre otros. Duración: 104 minutos.

XXX – OTRO CASO POLICIAL, Y VAN…

Si no hay tiros, parece que Hollywood no puede producir nada confiable y exitoso. La recreación de casos policiales es una buena fuente de recursos para llenar las pantallas del mundo con sus balaceras. El caso es que, en esto, no hay cinematografía que le gane. En esta oportunidad, tomaron el hecho policial del 8 de febrero de 1977, cuando Anthony Tony Kiritsis, en Indianapolis, a sus 44 años decidió tomar una actitud definitiva: al perder sus tierras, luego de pedir 130 mil dólares de préstamo a la famosa Meridien Mortgage Company y verse literalmente “comido” por los intereses, rapto al hijo del dueño de la empresa, a Richard Hall. El sistema fue el de “una cuerda de hombre muerto”, es decir, atar al cuello de Hall una cuerda unida a una escopeta recortada que, si el joven hacía algún movimiento, el arma se disparaba matándolo al instante. Fueron 63 horas de infierno para la ciudad de las carreras de autos, se lo vio a Kiritsis salir a la calle con su rehén rodeado de cámaras y policías que, si hacían un ademán, con solo tirar de la cuerda el disparo mataría a Hall.

Es un policial clásico, trabajado fotográficamente con muchos planos cortos, o medios pero que dan la sensación de tener el rostro de Kiritsis sobre el espectador. Si bien está muy bien realizada, varias cámaras, buena edición, no deja de ser un policial más, esta vez de pocos personajes y sin persecuciones, que genera adrenalina, no mucho más.

Elsa Bragato

LU Y PAU

Dirección y guion de Nicanor Loreti. Con Jazmín Stuart, Lorena Vega, Demián Salomón, Paula Manzon, entre otros. Fotografía de Iñaki Echeverría, Música de Pablo Fuu. Duración: 74 minutos.

XXX – DOS MUJERES PARA UN POLICIAL

La primera impresión de esta película nacional nos remite a la excelente Thelma & Louise. Aunque, siendo sinceros, solo como punto de contacto con las dos protagonistas, Jazmín Stuart y Lorena Vega, quienes están todo el tiempo frente a cámaras componiendo a Lu (Jazmín Stuart) y Pau (Lorena Vega). La hermana de Lu va presa, Jesse, y para pagar su fianza porque está embarazada, deciden asaltar en tiempo récord a tres financieras. Pau es la “ladrona enmascarada” mientras que Lu es quien oficia de chofer. Un novio policía complica el panorama para las chicas que, sin embargo, no se detienen en sus objetivos. Si bien todo atraco tiene su final.

La historia está bien contada y actuada. Hay algunos altibajos narrativos, sobre todo luego del enfrentamiento con la policía que es a pura balacera, pero la propuesta resulta atractiva. También la fotografía es interesante basándose en las protagonistas y su entorno. Hay agilidad, fluidez, en las secuencias, aun cuando con habilidad el director vuelve el tiempo hacia atrás y recorremos la vida de las dos jóvenes mujeres en busca de dinero. El desenlace y el final dejan dudas: ¿baches o soluciones rápidas?; sería hilar muy fino cuando, en verdad, la narración resultó entretenida. Y para el cine nacional de estos momentos, es más que un buen resultado.

Elsa Bragato

EL FALSIFICADOR, LA MUERTE DE ROBIN HOOD, TU CORAZÓN SERÁ DESTROZADO, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 20 DE AGOSTO DEL 2026

2026-08-20T12:32:19.984-03:00

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

EL FALSIFICADOR

De Jean Paul Salomé. Fotografía de Julien Hirsch, Mùsica de Mathieu Lamboley. Con Reda Kaleb, Sara Giraudesu, Basilien Bouillon, Pierre Lottin, entre otros. Duración: 128 minutos. Coproducción Francia y Bélgica. Distribuye Le pacte.

XXXX – POLICIAL CLÁSICO DE GRAN SUSPENSO

Hábil guionista, Jean Paul Salomé ha realizado varios films siendo reconocido por Les femmes de L”ombre mientras viene avanzando sobre el cine “noir”, el de gran suspenso, una tradición dentro del cine francés. Es el caso de El falsificador, basado en hechos reales: se basa en la vida de Jan Bojanski, polaco que escapa de su país y se radica en Francia. La propuesta se inicia con el protagonista en el país galo y rápidamente va 8 años hacia atrás en el tiempo, ubicándose en Lyon, para luego plantarse nuevamente en la posguerra, mostrando aquel París de 1949. Bojanski es un notable falsificador de francos, participando de una embestida en 1951, conocida como “la de Rambouille” donde junto a sus secuaces logra robar el papel que necesita para su trabajo. Paralelamente, se casa, tiene dos hijos, y esconde su verdadero trabajo a su familia, diciéndoles que es inventor de una birome y de una cafetera, entre otras ideas.

Salomé va contando paso a paso el crecimiento de Bojanski, quien logra burlar al mismísimo Banco Francés y se convierte, durante 15 años, en la obsesión del inspector Mattei. Ni su esposa supo qué existía detrás de un placard en el lugar de “invenciones” de su marido.

Lo cierto es que Jean Paul Salomé logra aunar lo personal junto con el trabajo milimétrico de Bojanski de tal manera que no hay fisuras narrativas. Este film es compacto, es como leer la novela de Bojanski en dos horas a través de secuencias pausadas que, circunstancialmente, explotan en enfrentamientos policiales, manteniendo siempre dos líneas argumentales: la personal y la del trabajo. Van paralelas, no se unen hasta que el director da una vuelta de tuerca y entonces comienza otra etapa en la vida de Bojanski.

La banda sonora de Mattheiu Lamboley es llamativamente incidental, no molesta nunca, jamás va a la estridencia, y, en cambio, se basa en un sonido lejano de un saxo alto y un tenue piano, utilizando el recurso del pizzicato para alertar sobre un inminente peligro o una acción fuerte. Todo está milimetrado en este film, con una reconstrucción de época fantástica. Es vivir esa posguerra de la mano de Bojanski y, obviamente, de Jean Paul Salomé.

No falta la emoción que produce el padre cariñoso, así como se contrapone, fuera del hogar, con enfrentamientos policiales. El suspenso es constante. Y convierte al film en una de las muy buenas películas de época de los últimos tiempos, con rubros técnicos destacados por su perfección. Nada queda fuera de la narración que, aunque pausada, es de suspenso creciente. Dos vertientes y un policial de ésos que nos dejan ganas de seguir viendo este tipo de films.

Elsa Bragato

LA MUERTE DE ROBIN HOOD

Dirección y guion de Michael Sarnoski. Con Hugh Jackman, Jodie Comer, Bill Skarsgard, Noah Jupe, Faith Delaney, entre otros. Fotografía de Patrick Scola, Duración: 123 minutos.

XXXX –FINAL DE UN SUPERHÉROE QUE FUE MALHECHOR

Resulta extraño tener que hablar de la muerte de un superhéroe como Robin Hood, el hombre que, con su grupo de amigos, se escondía en los bosques de Nothingham para asaltar a los ricos y ayudar a los pobres.

La búsqueda de datos históricos nos permitió ubicar este tramo del final de la vida de Robin Hood que tomó el director Sarnoski para que encarnara Hugh Jackman, quien realiza uno de sus personajes más comprometidos.

Dos elementos a destacar en principio: la actuaciòn del protagonista y la fotografía lúgubre que aumenta la sensación de agonía constante de principio a fin. Sin lugar a dudas, esta propuesta se enfrenta a la versión “Robin Hood” del 2010 de Russell Crowe, que encarnaba a Robin Langstrike, soldado de las Cruzadas.

El Robin Hood de Sarnoski es todo lo contrario: es un asesino, un malhechor, ha matado a cientos de personas, pero nunca se descubre el fin, si para ayudar a los pobres o para salvar su pellejo o defender al rey. Malherido, sigue asesinando sin piedad, hasta que se desmaya y aparece en un priorato o convento abandonado donde una bella mujer lo cuida, junto a su hija Margaret y otros niños.

La oscuridad de la fotografía desaparece: es un lugar luminoso. Es decir, formalmente, el director opone la tragedia moral de Robin Hood con lo oscuro y sombrío, mientras que la abnegación amerita la luminosidad.

De acuerdo a las historias existentes, esta muerte de Robin Hood coincide con la del tercer Robin Hood encontrado. O sea que en el plano conceptual, encontramos una historia muy poco conocida de Robin Hood, seguramente un noble enojado con su rey, que manejaba maleantes en el bosque de Nothingham, siendo oriundo de York.

En lo formal es el protagonista quien lleva sobre sí la historia y permite que se sumen otros personajes. Todo depende de Hugh Jackman, en un rol de absoluto lucimiento personal. La cámara no se desprende de su rostro avejentado y de sus parlamentos cargados de arrepentimiento como de fiereza. Conviven en su alma alguna compasión junto con el instinto asesino.

Estamos frente a una novedad sobre la historia de una leyenda o bien de una historia real, que no vimos en las últimas décadas en el cine. La presencia de Robin Hood es la de un mendigo herido, que mantiene la fuerza para matar. Diferente, para concentrarse en esta expiación de pecados del personaje que tendrá un final sorpresivo.

Elsa Bragato

TU CORAZÓN SERÁ DESTROZADO

de Michael Vayinberg. basado en la exitosa novela actual de Anna Dzheyn. Con Veronika Zhurasleva, Daniel Vegas, entre otros. Fotografía de K. Postnikoy, Duración: 105 minutos. Rusia.

XXX – EL REGRESO DEL ROMANCITISMO ADOLESCENTE

Para nosotros, es una novedad este film titulado “Tu corazón será destrozado” dentro del romanticismo más empalagoso que pueda existir. El cine ruso, desde décadas, nos regaló La balada del Soldado, Asì pasan las Grullas, La dama del Perrito, entre otras biopics de sus grandes compositores. Pero una novela tan occidental enmarcada en una escuela secundaria mixta no parecía ser posible.

Gracias a una talentosa escritora como Anne Dzheyn ha sido posible conocer la historia de amor entre la rubia e ingenua Polina (Zhurasleva) y, en principio, el curso de secundario que le toca donde la ofenden y le hacen todo tipo de bullying. Hasta que un día, el fuerte y lindo de esa escuela, Bars (Daniel Vegas) le hace la propuesta de que lo siga sin chistar ni preguntar nada, la hará pasar pos u novia. Pero, claro, muy jóvenes y no siempre se pude cumplir esta lejanía de ser amigos y no darse un piquito…

Las idas y vueltas de los adolescentes conforman la típica trama de este género pero, a diferencia de otros films, aquí se ve la presencia, para bien y para mal, de las familias. Tanto padres como madres tienen algo que decirles a sus hijos, a veces no como debieran. O sea que, conceptualmente, los chicos no son huérfanos, como en muchos films yanquis, sino que dependen de familias que no siempre son lo mejor. Pero están.

Hay química entre los dos personajes protagónicas, y es uno de los grandes logros de esta historia de amor adolescente, tema que venía faltando en la pantalla grande atiborrada por las trompadas y balazos de Hollywood, espejo fiel de la política exterior de su país.

Si bien se hace larga, nos parece una buena idea y una buena producción encarar un film para adolescentes, donde el amor florece, aun cuando el desenlace no es el que esperamos, sino que tiene directa referencia con el título. Volver al cine “blanco” es realmente sanador!

Elsa Bragato

ALGUNOS OTROS ESTRENOS PREVISTOS PASRA ESTE JUEVES

1)LA NOCHE DEL DEMONIO, DE Jacob Chase. Con Lin Shaye. El terror vuelve sobre sus pasos al tomar lo sobrenatural. Es una forma de abrirle camino al mal. Una mujer se enfrente a hechos que no son brujerías sino que es como un portal del más allá que se vuelca en la realidad. El barrio apacible vivirá momentos infernales.

2)UN TRAGO DE INFIERNO, de Mariano Asseff y Pilar Boyle. Con Sergio Albornoz. Niko descubre que el miedo a la realidad tiene otros orígenes y tal vez lo que vive sea de su propio interior. Agregamos que el cine de terror nacional tiene muy buenos directores y guionistas y ha sembrado en diferentes festivales sus características.

CITRUS, YO NARCISO, EL FINAL DE LA CALLE OAK, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 13 DE AGOSTO DEL 2026

2026-08-16T14:17:08.462-03:00

JUEVES 13 DE AAGOSTO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS NACIONALES

El film de la semana es YO, NARCISO, dirigida por Adrián Suar, quien tambièn la protagoniza junto a Natalia Oreiro. La historia se basa en una joven profesora universitaria de sociología que escribe un libro sobre el narcisismo, y elige a un personaje muy especial al que considera narciso, a Marcelo Rey (Adrián Suar), hasta el apellido le va bien con sus ínfulas de ser el centro del mundo. Claro que la joven Rocío Flores (Natalia Oreiro) esconde su verdadera identidad para poder acceder a la intimidad de Narciso hasta que pasen situaciones que, narciso o no, trastocarán sus planes iniciales muy asépticos. A su vez hay lugar para figuras icónicas como Moria Casán quien hace las veces de madre de Rey, siempre especial, única y creíble. Rey tiene una ex con a que no se lleva bien (Eleonora Wexler) y una hija. Pero de pronto aparece Rocío, esta especialista en narcisos que es lesbiana y le hace creer que se está enamorando de èl.

La línea humorística y de sarcasmo se mantiene a lo largo del film aunque siempre hay un final redentor donde los personajes parecen ser “perdonados” por el guionista y el director, en este caso también protagonista. No hay duda alguna sobre el histrionismo de Adrián Suar como comediante aunque en los últimos años ha perdido un poco la espontaneidad de otrora, tal vez por el peso de sus años como gerente de Canal 13. Pero la comicidad le es innata. No así el drama. Es decir, no se pierde el momento agradable que tanto él como la muy rápida y convincente Oreiro saben generar. Sin lugar a dudas el gran problema es cómo se filma hoy en día en nuestro país. Por empezar, siempre son los mismos elencos, con excepción de los protagonistas que deben ser el “imán” para el público, y luego el estilo narrativo, que dista mucho de la complejidad de los films exteriores. Todo es muy casero, muy doméstico, muy de entrecasa, simplote, es un regreso a los 70 pero adecuado a las normas urbanas actuales donde los chistes gruesos sobre terceros están prohibidos. Es decir, podríamos generar comedias un poco menos pochocleras y, si así fuesen, con mayor complejidad visual, mayor riqueza en todo sentido. Es todo simpático pero muy pueril, para nuestro gusto.

Elsa Bragato

CITRUS

Dirección y guion de Ayelén Agûero. Fotografía de Nadia Neder, Mùsica de Tomás Di Tella, Sonido de Sidka Saavedra Vera, Edición de Julia Straface y Verónica de Cata. Con Lucía Rodrìguez, Kika Rodrìguez y Julio Lucena. entre otros. Duración: 65 minutos.

XXXX -PROFUNDA MIRADA SOCIAL SOBRE LOS TRABAJADORES RURALES

Ayelèn Agûero es egresada de la Enerc, con estudios avanzados, y està radicada en New York. Sin embargo, no olvida su niñez en Tucumán y el esfuerzo cotidiano de su familia como peones rurales. Por eso surge “Citrus” con una carga emotiva muy especial, la suya, la que vivió con su familia como trabajadores rurales, bajo la mirada despiadada por momentos de los “capangas”, o señores de la tierra. Enfoca la emoción en una niña que se preocupa por la salud del abuelo, quien se esfuerza en la recolección de los limones de los campos de Alpachiri, Tucumán. Surge las leyendas, la piedra grande a la que se le ruega por el bienestar, por la producción, por la salud… Tierra de los calchaquíes.

Es un film que va de lo general, con muy buena fotografía matizada por planos medios y largos, a lo particular, a esa adolescente que cumple con la escuela, siendo muy compañera de su abuelo. Y un amuleto que se encuentra de casualidad, casi un protagonista más, con el que intentará ayudar. Nadie es tan mayor como para no tolerar el trabajo, pero los peones hablan a la cámara y lo dicen: frío, calor, mal comidos, es un trabajo penoso y duro el del campo.

La cámara va mostrando desde los campos plagados de limoneros así como personajes claves como el capataz, el ayudante, la presión sobre los obreros para que llenen más cajones con la preciada fruta, hasta la soledad y la depresión porque no hay un peso más, los tiempos “son siempre malos” para los trabajadores..

En lo conceptual, este docuficción funciona como una expiación del dolor y la frustración de Agûero en la niñez, el sufrimiento por los suyos, cuerpos golpeados por el trabajo de sol a sol. Y aunque esté entre rascacielos de New York, la niñez marcada por el sacrificio de sus mayores quedó grabada en el alma para siempre. Esa sensibilidad de la directora se transmite a sus personajes, todos integrantes de una familia. “Citrus” no hace más que revelar el sacrificio de los que trabajan la tierra, la falta de compasión de los patrones, y las consecuencias espirituales como ocurre con el abuelo, así como la herida en el alma de los más jóvenes, como Ayelén Agüero, por impotencia, por no poder ayudar.. La narración es muy ágil, con una cámara inquieta que toma desde los campos de cultivo hasta la intimidad de la familia de los peones. Ríos que bañan piedras como limpiando el dolor de décadas, una fotografía que va desde la mirada amplia hasta el detalle de una piedra. Es un gran comienzo de Agûero en el documental porque lo dotó de una sensibilidad exquisita, de su propia vivencia; su mirada sobre la explotación a los trabajadores conmueve.

Elsa Bragato

Se agrega el documental “El punto” sobre el padre Ismale Quiles, que se ofrecerá en el cine Gaumont. Consultar los horarios.

ALGUNOS ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS

1) EL FINAL DE LA CALLE OAK, de David Robert Mitchell, con Anne Hathaway. Es ciencia ficción: toda una calle con sus moradores es transportada a otro lugar que desconocen. Entre ellos está la familia Platt que comprende bien rápido que la supervivencia es cosa personal, deben cuidarse los unos a los otros porque no saben hacia dónde van. La película encara una nueva forma de ciencia ficción, aquí no hay seres extraños de otros mundos, sino una calle bien humana trasladada a un lugar que se desconoce, como detenida en un espacio al que deberán acostumbrarse. La vida de la familia Platt ahora es diferente y es el centro de la acción, que es mucha. Los personajes deben habituarse a un mundo que los une frente a frente sin dilaciones pero que es distinto, habrá temores, sinsabores y acción, la de un suspenso diferente. En sì, el film es diferente y esto sí que es algo para aplaudir.

2) PAW PATROL, LA DINO PELÌCULA, de Cal Brunker. Los cachorros de la patrulla Canina no saben bien cómo ni por qué, aterrizan en una isla tropical donde habitan los dinosaurios. Pero estàn perseguidos por un malvado humano que, con fechorías, hará explotar a un volcán poniendo en peligro la isla misma. Allí intervendrán estos cachorros patrulleros para intentar salvar al malvado y la isla y los nuevos amigos. Una animación que varía en algo el espacio y el tiempo de los personajes de esta índole.

3) SACCHARINE, film asutraliano. De Natalie Erika James, Una joven debe bajar de peso para participar en eventos de moda pero a un costo muy alto e insólito: comer cenizas humanas. Hana, estudiante de medicina, se verá envuelta en círculos de terror por un fantasma hambriento. Para fanáticos de este tipo de cine. La película es un tanto diferente por el personaje y el tema que la afecta, pero no escapa a los momentos sangrientos si bien están matizados por diálogos sagaces, al menos no tan burdos como los habituales dentro del gènero. Este film es para amantes del gore y del terror.

4) ADOLESCENCIA, SEXO Y MUERTE EN CAMPAMENTO MIASMA, film canadiense. Este film es considerado un homenaje a los films slasher-horror de la década del 80, un tanto venidos a menos. Hay que ver si esta “resucitación” conmueva al público como para que este tipo de sagas continúen produciéndose y teniendo éxito.

CANELONES, FRANZ, ENGENDRO, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 6 DE AGOSTO DEL 2026

2026-08-07T18:32:51.391-03:00

JUEVES 6 DE AGOSTO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

FRANZ

Dirección y guion de Agneszka Holland. Coguionista: Marek Epstein. Cinematografía de Tomasz Naumiuk, Mùsica de María Jomasa y Antoni Jomasa Lazarkewicz. Ediciòn de Pavel Hrdlicka. Con Idan Weiss, Peter Kurth, Jenovefa Bokova, Ivan Troyano, entre otros. Duración. 127 minutos. Coproducción Checa-Alemania-Polonia.

XXXX – FRANZ KAFKA, RETRATO PERFORMÁTICO

Notable trabajo de preproducción y post tiene Franz, una biopic fragmentada y performática del gran escritor checo Franz Kafka, en manos de la directora polaca Agneszka Holland. Fallecido a los 40 años (1883-1924) de tuberculosis, con amores que no logró concretar en matrimonio (tres hermosas mujeres lo acompañaron en el desafío amoroso que enfrentó), Kafka padeció desde pequeño la intolerancia de su padre, productor de amianto, un hombre tirano y violento (Peter Kurth), que nunca aceptó su dedicación a las letras, aunque el escritor de La Metamorfosis intentó contentarlo. Tuvo una aliada en su hermana que, cuando Franz se tornó más vulnerable e intolerante, tampoco logró dominarlo.

Holland muestra de manera atemporal, sin perder el hilo narrativo, distintos momentos de la vida del escritor, desde su infancia, hasta alguno que otro almuerzo familiar, el trato destemplado de su padre, su madre sometida, su hermana conciliadora, y sus intentos por sobresalir como escritor si bien sus primeros escritos, que leía en reuniones literarias en alta voz, provocaron reacciones adversas. La lectura de escenas de torturas dando detalles estremecedores de las mismas, no lograron que el joven Franz atrajera al público, más bien lo alejó. De allì que casi toda su obra fuese editada post mortem por un gran amigo. Para Franz, todo era material descartable.

Esto indica la debilidad de su espíritu, cargado de pesadillas dantescas más que de pensamientos productivos. Y en esto hace hincapié el guion de Holland: Franz cargó toda la vida con la ira paterna y el desencanto que le produjo.

La historia está fragmentada, como decíamos, porque no tiene un orden estricto cronológico si bien hay un hilo conductor del tiempo que nos va llevando desde el niño al adolescente, al incipiente escritor, al hombre que visita prostíbulos, al amante frustrado, al escritor maligno, hasta su enfermedad y muerte, que devastó a su hermana.

Incluso Holland, segura de su propuesta, incluye las visitas actuales al museo Kafka para luego seguir con la biopic. Sin embargo, esta fragmentación, lejos de aligerar una vida tan dramática, se conjuga con ella, se consubstancia con el espíritu quebrado de Franz Kafka. Y lejos de alivianar la carga, le da énfasis al dolor interior que carcomió el alma de Franz Kafka. Por cierto, no es un film para salir con una sonrisa de la sala. Pero sí es una película para entender un alma torturada que no encontró su lugar en este mundo. Junto con la fotografía, muy cuidada, de gran estilo, Holland logra una biografía diferente, compleja en el articulado del guion, muy bien actuada.

Elsa Bragato

ENGENDRO

Dirección y guion de Hanna Bergholm. Con Seidi Haarla, Rupert Grint, Pamela Tola, Pirkko Salsio, Rebecca Lacey, entre otros. Fotografía de Pietari Peltola. Música de Eicca Toppinen. Duración: 92 minutos. Finlandia.

XXXX – UNA MATERNIDAD CONDENADA

El título de este film finlandés dirigido por Hanna Bergholm nos habla de un monstruo, de un alien, de un engendro de la naturaleza, expresión común para señalar a aquello que no encuadra con lo habitual. El guion se centra en la maternidad ansiada por la flamante pareja conformada por Saga y su marido inglés Jon. Deciden mudarse a una casa de la familia en medio de un bosque, a la que irán poniéndole orden. Va de suyo que cuando hay una casa en medio de un bosque lo que sucederá no tendrá ribetes magnánimos. Así que Saga y Jon nos introducen en un infierno paulatino, entroncando las leyendas nórdicas con los cuentos tradicionales como la Bella Durmiente y su corazón “frizado”. En este caso, estamos dentro de un film del género y aquí no habrá príncipes sino un parto extraño, un niño que su madre prácticamente escupe del útero bañando de sangre a todos, mientras Jon, que tiene otra mentalidad, intenta adecuarse a situaciones cada vez más brutales e inesperadas: desde los aullidos de su bebé, hasta la forma de prenderse del pecho de la madre, con tal fuerza que le destroza los pezones: más que la leche materna, el bebé beberá la sangre. Es la clave del film.

Nada hace suponer lo que vendrá y poco y nada tiene que ver con los miedos de toda mujer ante la primera maternidad, según señalan algunos críticos mal informados. Ciertamente, nadie espera dar a luz a un “engendro”, si bien hay temores de enfermedades prenatales o post. Aquí se supera todas las fantasías teniendo relación directa con el bosque y un acto sexual que la joven pareja tuvo en medio de los frondosos árboles. Pero la naturaleza nunca perdona su mal uso, el pasto es para caminar y no para hacer el amor, por lo que tomará venganza. Y no será la que el espectador supone, sino la que sabiamente oculta la guionista y directora Bergholm que logra un mix sangriento entre las más oscuras leyendas nórdicas y algún cuento supuestamente infantil. Es un increscendo que perturba, nunca se sabe què ocurrirá, y es lo que hace diferente a este film de género porque incluso no utiliza los clishés. El bebé de Rosemary puede ser el mejor antecedente, si bien hay otros films. En ambos casos, estamos frente a una maternidad condenada, a un vientre maldecido que solo traerá infortunio. La directora se dio “todos los gustos” en el final Y es literal.

Elsa Bragato

CANELONES

Dirección de Basilio Cristiano y Ana Gussoni, Con Verónica Llinás, Darío Barassi, César Bordón, Agustín Aristaràn Beatriz Spelzini, entre otros. Cinematografía de Guillermo Romero, Guion de Basilis, Hernán Casciari, Josefina Licitra, basada en un cuento de Hernán Casciari. Duración:91 minutos.

XXXX – MUY BUENA COMEDIA-THRILLER NACIONAL

Da placer ver una buena comedia dramática nacional, bien filmada, con cohesión y con la capacidad narrativa de pasar de la comedia sencilla al policial, sobrevolar la comedia dramática y regresar a la comedia inicial. Según se indica, está basada en hechos reales. Dos adolescentes tuvieron la mala idea de molestar a la mamá de un compañero, que vivía en la más absoluta soledad, haciéndose pasar por el hijo que regresaba. Y esta mujer esperó mucho tiempo hasta que decidió suicidarse. Su hijo, culpable de esta soledad de su madre en buena parte, decidió vengarse en la mamá de uno de los dos compañeros. Estos están encarnados por Darìo Barassi y Adolfo Aristarán, una dupla simpática que tiene química. Y eso se transmite porque los personajes se hacen creíbles. La mamá de Darío Barassi la compone una estupenda Verónica Llinás, notable actriz en cualquier rol que encarne. Y cae en manos del hijo vengador hasta que una vuelta de tuerca del guion va dándole resolución a cada rol.

La propuesta es muy buena, es una historia con un hilo conductor bien preciso, que se desarrolla en espacios bien fotografiados tanto interiores como exteriores. Lo formal está ampliamente cumplido mientras que lo conceptual, dentro de la idea de la historia de una venganza, también. Hay pocas comedias con tan buenos diálogos y resoluciones tanto fotográficas como de situaciones en nuestra cinematografía, por lo que aplaudimos esta producción que tiene una yapa sobre sus personajes en los créditos finales. No vamos a decirlos, hay que quedarse hasta la palabra fin. Nos devolvió la esperanza del buen cine nacional.

Elsa Bragato

EL MUNDO AL REVÉS

Dirección y guion de Agostina Di Luciano y León Schwitter. Con integrantes de la familia Escalante en su mayoría. Música de Hora Lunga. Cinematografía de Agostina Di Luciano, Luisina Guffanti y León Schwitter. Efectos Visuales de Agustín Torres. Duración: 77 minutos.

XXX- FILM PRETENCIOSO CON GUSTO A MUY POCO

Que hay luces extrañas en zonas descampadas, se sabe desde siempre. Los gauchos hablaban de la “luz mala”, luego están las luciérnagas, que pueden generar creencias en quienes están sujetos más a las mitologías pueblerinas que a las realidades. Es lo que sucede en este film que, para algunos, es un documental dado que la mayoría de los que trabajan pertenecen a una misma familia.

El que ve un día una luz extraña, fuerte, es el abuelo de la familia, de mediana edad, y junto a su nieto trata de averiguar de qué se trata. Al mismo tiempo, dos vecinas del pueblo descubren, al abrir las puertas de un placard, una pared de ladrillos a la vista. Para cada personaje son elementos “sobrenaturales” y comienzan a buscar respuestas.

No obstante, no hay un hilo conductor que permita un desarrollo coherente del tema propuesto, que es muy pretencioso: lo sobrenatural en la vida cotidiana. Es el “más allá de la física” aristoteliano. Pero sin resoluciones de ningún tipo. Se puede rescatar como núcleo del docuficción una reunión familiar donde se manifiestan las inquietudes de sus integrantes sobre estos hechos. Pero nada más. Es muy poco para tamaña propuesta, quebrándose el hilo narrativo al saltar de una familia a otros personajes, unos que buscan y otros que rezan.

La puntuación se debe por el rescate que hacemos de la postproducción, del trabajo técnico en sí, y de una fotografía que intenta ayudar en esa búsqueda de una respuesta a lo sobrenatural. Gusto a poco, casi a nada.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1) EL DÌA D, BAJO PRESIÓN, de Anthony Maras. Es otro film sobre hechos de la Segunda Guerra Mundial que siempre resultan interesantes, aun con desniveles de guion. En este caso, el centro es el meteorólogo que debió dar el pronóstico para el notable desembarco de las tropas aliadas el 6 de junio de 1944. Una situación más desconocida hasta ahora que llega el cine. Con sus más y sus menos, el cine resulta ser el medio ideal para la información de hechos trascendentales como en este caso.

2) LA INVITACIÓN, de Anthony Maras.Se bassa en la obra de teatro de Cesc Gay titulada Los vecinos de Arriba que le permitió al mismo autor hacer el film Sentimental en el 2020. Un matrimonio decide invitar a una pareja de vecinos y a partir de este encuentro surgen los temas que hoy movilizan a las sociedades conyugales: el amor, la lealtad, la vida, la amistad, dentro de un andarivel de emociones que van desde la alegría hasta la tristeza. Resulta una comedia, para algunos, aguda y simpática a la vez, y para otros, una comedia que deja poco. Es cuestión de gustos.

3) ATEEZ, LIGHT THE WAY IN CINEMAS. Se tr4ata de un grupo masculino surcoreano formado por ocho jóvenes. Debutaron en octubre del 2018 con un mini álbum, siendo consagrados como “lideres” de los jóvenes de su país por el Ministerio de Cultura coreano. En este caso, los integrantes del grupo musical buscan a sus fanáticos, en medio de situaciones extrañas. Öbviamente es un film musical, por sobre las aventuras que el reconocido grupo viva en la ficción.

LA TIERRA EXPLOTA, LOS DOMINGOS, SPIDER MAN, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 30 DE MARZO DEL 2026

2026-08-02T19:10:33.629-03:00

JUEVES 30 DE JULIIO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA HOY

SPIDER MAN, BRAND NEW DAY

Film de la saga Spider Man, dirigido esta vez por Destin Cretton, con Tom Holland, Zendaya, Mark Ruffalo entre otros. Es decir, un elenco de primer nivel. Spider ya ha crecido, vive solo, ha salido de la memoria de sus seres queridos y se encuentra combatiendo el crimen en New York (alguna similitud con Batman hay…), una ciudad muy diferente a la que conoció. Luego de 4 años, las amenazas de la ciudad son cada vez mayores y esto es tambièn un problema pasra la propia vida y condición especial de Spider Man. Las aventuras van increscendo. Es la “mitología Marvel” que vuelve con sus personajes siempre buscando el bien pero a través de un brutal castigo al mal. Esto implica el “estilo Hollywood” o sea trompadas, autos que vuelan, edificios que caen y trompadas por doquier. El personaje es tradicional y gusta.

LOS DOMINGOS

Dirección y guion de Arauda Rioz de Azúa Cinematografía de Apuesta Rourich, Música de David Cerrejón. Con Blanca Soroa, Juan Minujin, Miguel Garcés, entre otros. Duración: 110 minutos. España.

XXX – RETRATO DE UNA VOCACIÓN

Alauda Ruiz de Azúa toma una idea muy acorde con la profunda religiosidad que, en general, muestra el pueblo español más que otros: una joven de 17, Ainara (Blanca Soroa), siente que debe tomar los hábitos de monja de clausura, tiene un joven sacerdote como guía espiritual, y una monja que la escucha y, de alguna manera, la orienta hacia la vida no mundana. En cambio, para su familia, Ainara no está para aislarse del mundo sino para ir a la universidad.

Una de las secuencias más reveladoras es la extensa charla de Ainara con una tía suya, dado que es huérfana de madre. Está criada por su padre y rodeada por la familia. Que tome los hábitos no es algo que comprendan fácilmente.

He aquí el meollo argumental: las idas y venidas de una familia que entiende la fe pero no ese “casamiento con Dios” o ese tipo de “amor” que confiesa sentir la jovencita. Tampoco Airana tiene un convencimiento absoluto. Siente “el amor de Dios”, pero tambièn la necesidad de probar el mundo terrenal incluso teniendo sexo con un amigo.

Formalmente, es una historia que va creciendo a través de la protagonista: es ella y nadie más quien va hilvanando la trama mientras a su alrededor los adultos se plantean su futuro y se lo hacen saber conformando el soporte narrativo. O sea estamos frente a una historia clásica, con una fotografía que busca encuadres diferentes, basándose en colores densos y oscuros y una puerta, por ejemplo, por donde la claridad es absoluta. Este contraste es una muy buena síntesis de la vida de Ainara: la luz de la vida común y la oscuridad del convento.

Hay solidez argumental, consolidada por una fotografía acorde. Un elemento fundamental es ls naturalidad de los diálogos y hechos. No hay situaciones forzadas: solo el transcurrir de los dìas de una familia que intenta comprender la decisión de la joven. Todo dentro de un devenir pausado pero constante, una acción familiar cotidiana, común, que no deja de inquietar.

Elsa Bragato

LA TIERRA EXPLOTA

Dirección, guion y producción de Juan Pablo Lepore. Montaje de Lepore y Bernardo Blanco. Fotografía de Danilo Galgano, Cámaras de Danilo Galgano, Catriel Marmo, Juan Manuel Ferraro, Bernardo Blanco, Juan Pablo Lepore. Voz en off de Juan Pablo Lepore. Música de Renato Siracusano. Apoyo del INCAA y del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y la Ciencia. Duración:84 minutos.

XXXX – LOS VENDEPATRIA QUE NOS DESTRUYEN

No hay título que pueda justificar lo que se ve en este documental, gracias a la investigación y dirección de Juan Pablo Lepore: entre el fracking que utiliza agua y elementos tóxicos para extraer gas y petróleo hasta la deforestación y forestación con especies foráneas, desde la agricultura que fumiga con tóxicos a las escuelas, la expropiación a la fuerza de las tierras de los pueblos autóctonos, aquéllos que estuvieron y están desde antes de que llegaran los europeos a estas tierras, hay una narración pormenorizada que da escalofríos. Lo mismo Europa y Estados Unidos hacen en África, donde los grandes laboratorios alemanes han probado sus medicamentos en poblaciones indígenas sin importarles sus vidas o muertes.

Lepore toma a cuatro luchadoras zonales: a Jelly Luján que inició la lucha de los pueblos de La Rioja para impedir que cinco empresas y los funcionarios cómplices llegaran a los altos cerros y los destruyeran, envenenando las aguas potables, o sea matando a sus pobladores. Otro caso es el de la maestra rural Mariela Leiva quien fue docente de la escuela rural nro 44 República Argentina, de Concepción del Uruguay en Entre Rìos: por su lucha, a la que se sumaron sus colegas, hoy hay sentencia firme contra el productor agrícola y el aviador. Otro tanto pasa en Mendoza, donde Guni Cañas emprendió la lucha salvando el agua de las vertientes de la provincia, con movilizaciones multitudinarias que lograron la reposición de la ley 7722 de preservación del líquido vital. Hoy están a salvo el preciado líquido en los glaciares y en cerros altísimos como hay en La Rioja, lugares donde los pueblos han impedido la llegada de los violadores de la naturaleza. Otro tanto ocurre en Misiones, donde Miriam Samudio, junto a sus compatriotas, lucha contra la empresa Arauco, de capitales chilenos, que suplanta la flora autóctona por pinos, provocando alergias y problemas pulmonares, y expropiando tierras indígenas.

¿Qué nos dice todo esto? Que el cine es una de las expresiones que permite defender el agua de la israelí Mekorot, empresa de aguas de Israel que firmó contrato con 12 provincias: maneja el agua, la distribuye a las empresas y le pone precios imposibles de pagar, como ha hecho en Palestina desde 1967. Esas aguas que tiene bajo “su mando” sirven para extraer minerales que van “hacia los Estados Unidos” para las empresas de armamentos.

¿Es posible que no reaccionemos en todo el país, que no haya una ley popular (la Justicia por lo visto ha intervenido poco de oficio) que condene definitivamente a los traidores a la patria que nos gobiernan desde hace décadas? Esa es la tremenda denuncia que hace Lepore. Por eso, este documental es de visión obligatoria y de difusión ineludible. Sin olvidarnos de las primeras denuncias cinematográficas que hizo el gran Pino Solanas sobre estos temas. Al parecer, los gobiernos se apoyan entre sí para hacer rico al hemisferio norte destruyendo la mitad del planeta. Nuestra tierra explota, sangra. Y el cine lo muestra para que hagamos algo. Notable documental.

Elsa Bragato

DICIEMBRE, EL AMOR QUE PERMANECE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 23 DE JULIO DEL 2026

2026-07-23T13:48:06.105-03:00

JUEVES 23 DE JULIO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS NJACIONALES PREVISTOS

DICIEMBRE

Documental dirigido y guionado por Lucas Gallo. Montaje de Fernando Epstein Marcos Frachia. Sonido de Daniel Yafaliàn. Duración: 105 minutos. Coproducción Argentina y Uruguay.

XXXX -DE LA CRISIS SOCIAL DEL 2001

Luego de pasar por varios festivales, incluso siendo el film de apertura de algunos de ellos, Lucas Gallo logra exhibir su documental “Diciembre”, que toma material grabado en noticieros entre el 1ro de diciembre del 2001 y el 3 de enero del 2002, cuando las políticas de Cavallo llevaron al infierno económico a los argentinos, cuando el país estalló en las calles durante el gobierno de Fernando de la Rúa, cuando cinco presidentes se sucedieron en una semana, a lo sumo en quince días, sin dar respuesta a la salvaje apropiación del Estado de los ahorros de los argentinos, al uso tiránico de sus sueldos dándolos en cuentagotas, a un desmadre que incluyó un megacanje y un robo a mano alzada de los políticos al pueblo, al punto que el dinero que no se daba porque quedaba en los bancos, éstos, con casas madres en el exterior, los giraban para sus arcas.

Gallo fue a los archivos de Crónica TV, un canal (trabajamos en sus medios gráficos) que no buscaba estética cinematográfica para transmitir, sino que ponía las cámaras en la calle y lo que mostraba era la realidad cruda y cruel. En esos archivos encontró el material suficiente como para armar una narración con estilo propio que, en secuencias sin mayor aparente hilación, fueron mostrando las “tertulias” de De la Rúa con el ex presidente Carlos Menem y el gobernador de la provincia de Buenos Aires Carlos Ruckauf, arengando sobre cómo subsistir a la expropiación, al cierre de los bancos, a la miseria que llevó a asaltos a los negocios, y a la intervención salvaje de los uniformados que dejaron al menos 36 muertos en las calles de Buenos Aires.

Para Lucas Gallo la realidad cinematográfica se nutre de los archivos periodísticos, del accionar de los políticos y de la memoria. Sobre todo de esta última que nos permite, a quienes pasamos aquellas circunstancias, a reconstruir sensaciones y sentimientos de miedo, de horror, de desesperación. Y eso es lo que muestra Gallo con su mirada sobre ese Diciembre 2001 que tuvo su epicentro el 20 de diciembre, el pueblo en la calle y la muerte frente a frente. No parece que el rumbo económico del actual gobierno libertario sea diferente, pero ya no quedan aquellos personajes que batallaron hasta morir por la verdad. En nuestra memoria están los rostros de artistas como Nito Artaza golpeando las persianas bajss de los bancos y clamando por su dinero, o del periodista deportivo Horacio García Blanco que debía continuar con un tratamiento contra el cáncer y al no tener su dinero falleció sin la medicación. Su caso fue paradigmático. Este documental, basado en el magnífico archivo de Crónica TV, debe exhibirse no solo en salas sino en los colegios secundarios. Es de visión obligatoria, aunque duele un montón.

Elsa Bragato

EL AMOR QUE PERMANECE

Dirección y guion de Hlynur Palmason. Cinematografía de Hlynur Palmason, Música de Harry Hunt. Arte de Arni Jonsson, Vestuario de Nina Gronlund. Con Saga Garoardsottir, Sverrir Gudnason, Ida Meklen, Kristinn Gudmundsson, entre otros. Duración: 109 minutos. Coproducción de Islandia, Dinamarca, Francia y Suecia. Distribuye Zeta Films.

XXX- LA FRAGILIDAD DE SER

El estilo suave, moroso, de Hlynur Palmason, director nacido en Islandia en 1984, ganador de varios premios por sus films, en el caso de “El amor que permanece” traduce el sentir de su entorno a partir del protagonismo de un matrimonio que está por separarse, padres de tres hijos. “Anna” y “Magnus” (Saga Garoardsottir y Sverrir Gudnason respectivamente) se aman pero no saben convivir. En principio, el director toma un año en la vida de esta pareja si bien las estaciones no están bien delimitadas (seguramente por el clima bastante inhóspito de Islandia y de las tierras nórdicas), en la que va plasmando las reacciones de los niños, la de la mascota de la familia Panda, y la actitud de “Anna” con algunos animales. La mayor de los hijos considera que su madre, artista plástica, es una “emocional” que no comprende nada, mientras que enfrenta al padre por la matanza de un gallo, mostrando más interés ecológico que necesidad del rearmado de la familia. Magnus logra solo de a ratos la convivencia, y la misma provoca desazón en los hijos, que se acentúa por las largas permanencias de Magnus en alta mar pescando arenques.

El film resulta por momentos difuso o tal vez blando en la concepción de la crisis tanto d elos adultos como de los menores. Palmason busca secuencias con imágenes algunas muy duras para balancear ese tipo de flaqueza del guion, otras veces intenta reflejar el sentimiento de sus protagonistas dentro de un manejo narrativo parsimonioso. He aquí donde la historia pierde fuerza y hablamos de “blandura o flaqueza”. Hay situaciones absurdas porque no tienen resolución ni motivos para estar como la creación de una suerte de muñeco, cuyo destino es incierto y luego confunde, al que los niños juegan disparándole flechas. Y alguien saldrá herido.

como representar el dolor cargado de rabia de todos ellos ante situaciones cotidianas que no pueden manejar. A “Anna” no le va bien con sus cuadros, a “Magnus” no le va bien con su pasión por Anna quien demuestra una inestabilidad emocional profunda dañando la relaciòn intrafamiliar.

Paciencia, comprensión, se requiere para llegar al final de un film diferente, diversidad que se acentúa porque en Islandia no se vive como en la Argentina. Los paisajes son desangelados, y Palmason lo refleja a la perfección. Ni siquiera podemos confirmar que la escena final sea trágica o cómica, nos deja sobre ascuas pero al mismo tiempo golpea, perturba. La música incidental, con un piano por sobre el resto de los instrumentos es suave pero constante y enfatiza el agónico amor de esta pareja que quiere convivir pero que encuentra un escollo más en Anna que en Magnus. De allí el título: el amor permanece, está, por sobre la naturaleza frágil y equívoca de sus protagonistas adultos. Interesante propuesta.

Elsa Bragato

ALGUNOS ESTRENOS IINTERNACIONALES PREVISTOS

OTROS ESTRENOS PREVISTOS

EL GRAN VIAJE es otro de los títulos para este jueves. Es la historia de cuatro amigos “semillas” o astillas pertenecientes al mismo diente de león que son expulsados al Cosmos luego de una gran explosión nuclear. Tendrán aventuras “siderales”, diferentes. Entre constelaciones, meteoritos y planetas. Animación francesa dirigida por Momoko Seto, realizada en Francia. Su título original es Planetes. Duración: 75 minutos.

LA ODISEA, RETAZOS DE MEMORIA, COLORES PERDIDOS, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 16 DE JULIO DEL 2026

2026-07-15T19:12:39.787-03:00

LOS PRINCIPALES ESTRENOS DE CINE DE ESTA SEMANA

LA ODISEA

https://youtu.be/iuS9JkUjnQY?si=aQrefrsrA51EKanP

Dirección, guion y producción de Christopher Nolan.

La película de esta semana es la superproducción norteamericana e inglesa de Christoppher Nolan titulada “La Odisea”, basada en el tradicional poema del griego Homero. Narra las vicisitudes que vivió el guerrero Odiseo, rey de Itaca, para regresar junto a su mujer, Penélope, luego de la guerra de Troya. Este largo camino de regreso le demandó 10 años, en los que fue viviendo extrañas aventuras con personajes como el cíclope Polifemo, las Sirenas y la diosa bruja Circe.

El drama de la postguerra interfiere con la vida familiar que espera el regreso de Odiseo, allí surgen diálogos muy “a la americana”, personajes que enfrentan al hijo de Odiseo recordándole que su madre podría haber tenido amantes. Por supuesto, es el toque de “melodrama” que siempre gustó al público norteamericano. En nuestras tierras se aprecian más los desarrollos técnicos y actorales que diálogos un tanto triviales.

El film se rodó entre febrero y agosto de 2025, casi un año después de haber sido elegido como protagonista Matt Damond, en el rol de Odiseo. Y en sistema IMAX totalmente de 70 mm, siendo el primer film realizado de principio a fin con esta tecnología. Demandó una inversión de 250 millones de dólares, que, por el tenor de la propuesta, es lo habitual. Pensemos que la primera película de Harry Potter hace muchos años ya requirió de 150 millones de dólares más otra cifra equivalente en publicidad y marketing en general.

La Odisea fue rodada en diferentes lugares, comenzando por estudios para pasar a exteriores en Marruecos (Teatro Real en Marrakech, Ait Ben Haddou, Essaouira, Dakhla), Grecia (Plyos, Castillo de Methoni, Peloponeso, playa de Voidokilia), Italia (Islas Eolias, Favignana, Sicilia), Escocia (Moray Firth, Buckie), Islandia (no fueron precisadas las locaciones) y el Sahara Occidental.

En la trama sobresalen las aventuras de Odiseo tanto como los pretendientes de Penélope, su mujer. El principal enemigo de Odiseo es Antínoo, encarnado por Robert Pattinson, que pretende quedarse con la mujer y el reino de Odiseo.

Otros aspectos técnicos son los siguientes: Fotografía a cargo de Hoyte Van Hotenma, Montaje de Jennifer Lame, Mùsica de Ludwif Goransson. Duración: 172 minutos.

Principales protagonistas: Matt Damond como Odiseo, Anne Hathaway como Penélope su mujer, Tom Holland como Telémaco su hijo, Zendaya como Atenea la diosa de la guerra que protege a Odiseo, Lupita Nyong”o como Helena de Esparta y Clitemnestra, esposas de Menelao y Agamenón respetivamente, Charlize Theron como Calipto o sea la ninfa exiliada en una isla, John Bernthal como Menelao o rey griego de Esparta, John Leguizamo como Fumeo o fiel sirviente de Odiseo, Benny Safdie como Agamenón o rey griego de Micenas, Mia Goth como Melanto o sierva de Penélope, entre otros.

Recordemos que la exuberancia tecnológica de Hollywood y, en este caso, Inglaterra, se estrellan en los diálogos supuestamente cotidianos de los personajes. Ha sido así siempre, hasta en la impactante “Gladiador”. Pero está lo visual y el protagonista, tomado de una historia de la mitología griega en lugar de la mitología de Marvel para dar un ejemplo. Es un gran paso el de Nolan buscando temas que hacen a la historia del mundo Occidental y alejándose, en este caso, del mundillo hollywoodense.

(Informe de Elsa Bragato para Actoresonline.com)

LOS LAGOS

Dirección, guion, producción, cámara y fotografía de Diego Gachassin. Sonido directo de Gino Geisi, Matías Reynoso, Luciana Basevich, Montaje de Fernando Vega y Diego Gachassin, Música de Germán Cantero, Asistencia y corrección de color de Bruno Gachassin Poncet. Operador de drone: Federico Batan. Con Agustín Lagos y Tomás Lagos, entre otros. Duración: 90 minutos. Docuficción.

XXX -LOS HERMANOS SEAN UNIDOS

Realizando una multitarea además de dirigir, Diego Gachassin nos ofrece un docuficción (los documentales lisos y llanos se han transformado en películas con personajes) sobre los hermanos Lagos, ambos dedicados a la cura de enfermedades, pero de manera diferente. Agustín vive en Catamarca donde construye casas de adobe, ayuda en “constelaciones” para averiguar el origen de las enfermedades de sus clientes-pacientes, mientras que Tomás trabaja en cuidados paliativos, en eso que, en algunos países, se llama “el buen morir”.

Gachassin no explica la separación de los hermanos, por qué uno vive en el Noroeste y otro en la capital o en el Sur, nada nos dice qué pasó entre ellos. Hay una secuencia inicial donde los dos hermanos están supuestamente junto a sus familias y Agustín explica lo que hace. En Catamarca se ve algo de sus orientaciones para curar pero Gachassin pone énfasis en contar cómo el protagonista se somete a técnicas orientales de autosanación y hasta filma ejercicios de yoga en un grupo a cielo abierto.

Lo mejor de este docuficción es el reencuentro de los hermanos en el Sur, cuando Tomás hará una carrera a la que asiste Agustín, y ambos, a orillas de un lago, hablan de frente sobre lo que los separa, si es posible remediar esa lejanía entre ambos, por sobre el lugar donde vivan. Es ahì donde está el meollo del film que se ha dilatado hasta el desenlace.

Nada hay que reprochar a la postproducción, a la filmación in situ, fuese en el Noroeste o en el Sur. Las técnicas son irreprochables. Pero, una vez más, encontramos pobreza en el guion, al menos una historia que se resuelve a los saltos, y que parece más un largometraje inacabado sobre una familia que un documental sobre las actividades de curación de dos hermanos. Los diálogos, con excepción de la secuencia indicada, son muy simplotes, elementales, y monocordes porque los actores no le dan énfasis sino que parecen recitarlos sin entusiasmo. En sí, el docuficciòn siempre tiene algo de rescatable y es esa charla de dos hermanos que bien podría haber sido el inicio del film para ubicarnos en tiempo y forma.

Elsa Bragato

RETAZOS DE LA MEMORIA

Dirección de Juan Pablo Tobal Clariá. Fotografía de Augusto Caro Ramíerez, Juan Pablo Tobal Clarià, Diego Elvio D”Angelo, Sonido de Carlos Segovia y Joaquín Santos, Montaje de Luciano Juncos, Mùsica de Horacio Burgos, Intérprete de Diego Cortez. Duración: 77 minutos.

XXXX – EL MUNDO SECRETO DE LA AMAZONIA COLOMBIANA

Resulta muy interesante, atrapante por momentos, este film de Juan Pablo Tobal Clariá, especializado en identidades culturales y lenguas indígenas con trabajos en serie como “Guardianes de la lengua”, que fuese nominada a Mejor Serie Latinoamericana en Premios Tal. En este caso, se acompaña a Jeison Castillo (también coguionista) a su ingreso al Parque Nacional Serranía de Chiribiquete, en la Amazonia colombiana, guiado en un bote por Gory Londoño, “sabedor” de la zona. Jeison va con la intención de enseñar arte a los niños de esa población indígena. Esto obliga a una convivencia con toda la comunidad y, en principio, a desconocer ciertos conceptos sobre la naturaleza y los seres invisibles que le traerá problemas. De pronto, se verá inmerso en un camino de sanación donde los indígenas le hacen saber que son ellos, sus pueblos, los que han salvado al mundo por respetar a los animales, a los bosques, a los seres invisibles.

El film resulta muy atractivo visualmente, en especial durante las primeras secuencias, por el viaje lento y calmo sobre un río interior de la Amazonia hasta llegar a la tierra donde la población lo espera. Son otros tiempos, otros conocimientos, otros respetos por el entorno que no existen en las ciudades. Tobal Clariá utiliza todo tipo de tomas, desde planos largos hasta close up cuando tres adultos de la población se sientan a hablar en su dialecto sobre la situación de Jeison Castillo y sus desconocimientos porque la naturaleza no lo perdonará.

El transcurrir de ese bote inicial le da el tono a la narración: es calma, no hay arrebatos, se va cumpliendo paso a paso con gran riqueza visual y conceptual a la vez. Se habla del conocimiento que hemos perdido o nunca tuvimos los ciudadanos sobre esos bosques que parecen despoblados y que, sin embargo, están cargados de vida en ésta y otra dimensión. Es una película diferente, alejada de los lugares comunes de historias consabidas: Tobal Clariá nos descubre un mundo que existe, nos rodea y que debemos conocer.

Elsa Bragato

EL CLUB DE LA PESCA

De Gastón Horacio Revol Molina. Con Adrián Azaceta, Paula Brasca, Iván Espeche, Matías Benedetti, Fernando Cangi, entre otros. Duración: 93 minutos. Año 2024.-

XXX-EMBROLLO NARRATIVO

Gastón Revol Molina ubica la historia de un matrimonio en crisis en una clase social alta. Rodrigo (Adrián Azaceta) es constructor, o eso parece, y su mujer es Valentina (Paula Brasca) acostumbrada a codearse con artistas, a partir de su nivel social y de su actividad de escritora. Por ahí aparece un cuadro de Modigliani y un joven que dice ser “merchant”, único punto de unión con la melange narrativa que se vivirá después. Si la narración se hubiera quedado en el devenir de un matrimonio con problemas económicos serios que obligan a Rodrigo a involucrarse con gente “pesada”, con un intento de la pareja por recomenzar, hubiese sido un film más, pero coherente. El caso es que la narración se tuerce intempestivamente al descubrirse que la mucama tiene un cuadro supervalioso. Y la historia de amor, o melodrama cotidiano, se pierde porque la acción se desplaza hacia la compra del cuadro en la casa de la mucama y su marido que aparenta ser mudo. Surgen personajes de la nada, el experto de arte que habla en francés e inglés, un toque de “clase media alta” que no aporta nada como se verá después, mientras Valentina desaparece de escena. Del melodrama romántico, dentro de un tono inexpresivo y frío, se pasa al thriller. Hay muchos hilos sueltos, hasta un irse a negro de la cámara que confunde y queda la impresión de que la historia del cuadro, seguramente buscada como conflicto que aporte otras líneas argumentales, cae del cielo, se incrusta en un drama socioeconómico y romántico y lo destruye. Muchos subtemas que opacan hasta sacar de escena la propuesta del matrimonio que debe superar su crisis.

Elsa Bragato

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También se anuncia el estreno de la animación nacional “Colores perdidos”, de Roberto De Biase, que dura 82 minutos y es apta para todo público. Cuenta la historia de Juliàn, de 9 años, que se da cuenta que el famoso Cerro SieteColores los perdió. Junto a sus abuelos y una brújula mágica hará un viaje especial para tratar de que el cerro recupere sus colores.

DOS PIANOS, TRIAL, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 9 DE JULIO DEL 2026

2026-07-09T18:34:00.534-03:00

JUEVES 9 DE JULIO DEL 2026

CRÍTICAS DE ALGUNOS ESTRENOS NACIONALES E INTERNACIONALES

LOS CAMINANTES DE LA CALLE. Se previó su estreno la semana pasada, por lo que nos remitimos a la crítica de la semana pasada ya publicada.

Es justo aclarar para nuestros amigos lectores que este tipo de idas y vueltas en los estrenos nacionales surge de la intervención estatal en el Cine y el INCAA en especial. Se perdió el listado completo de estrenos semanales nacionales.

Elsa Bragato

DOS PIANOS

Dirección y acción de Arnaud Desplechin. Cinematografía de Pablo Guillhame, Mùsica de Gregoire Hetzel. Con Francois Civil, Nadia Tereszkiewicz, Charlotte RampLing, Hipolito Girardot, Alba Gala Bellup, entre otros. Duración: 116 minutos.

XXX- ENTRE CONCIERTOS Y AMORES

El realizador Arnaud Desplechin plantea un melodrama poco habitual en las demás cinematografías uniendo música, infidelidad, pasión. Centra la acción en un pianista que regresa a su ciudad para reencontrarse con su mentora, Elena (Charlotte Rampling). Elena desea dejar por edad y cansancio los conciertos y tiene reservado ese lugar a su discípulo, Mathías Vogler (excelente Francois Civil). El regreso de Mathías no lo encuentra en su mejor estado de ánimo sino que su alma aun está atravesada por dolores y desengaños del pasado. Sin embargo, sigue el mandato de Elena hasta que este presente, donde parece retomar su camino profesional, se ve casualmente interceptado por un niño en un parque que es idéntico a él cuando era pequeño, algo que corrobora con una foto de su niñez. Y empieza a buscar a su primer gran amor, Claude (bella Nadia Tereszkiewicz). Cuando la encuentra, el desencuentro trastoca el alma de Mathías, discuten, se aman, y recupera al hijo que le fuese negado por Claude cuando estuvieron juntos clandestinamente.

Desplechin trabaja con un protagonista al que somete a un doble sufrimiento: el de su pasión por la música que se ve tan entorpecida y su amor por Claude y el hijo que descubre. Es decir, el realizador profundiza en las vicisitudes de la vida humana: lo cotidiano, lo familiar, puede ser un ariete en la vida de un artista, trastocar su carrera porque resulta casi imposible desentenderse de lo que se vive en un hogar con la ceremonia de subirse a un escenario.

Sabe mostrar esa dicotomía espiritual que existe, que es común aunque no habitual en muchos artistas: el drama de una familia destruida conviviendo con la responsabilidad profesional. Dónde se hace pie, de qué manera. ¿Puede un mecenas con sus imposiciones que el discípulo se centre en el arte alejándose de los problemas de su corazón?

La película duele porque Francois Civil dota a su personaje de ese matiz melodramático a través de una gestualidad verosímil, honesta. Difícil separar la figura del actor del personaje, logro tanto de Civil como del director y su marcación.

La fotografía es rica, colorida, trabaja en interiores y exteriores fluidamente, es una narración clásica que apela al desarrollo de sus personajes de la manera más explícita posible, mostrándolos en sus debilidades, en sus cotidianeidades, en sus fortalezas y en sus desesperaciones. Amor y música en un film francés que no defrauda.

Elsa Bragato

TRES NOCHES AL AÑO

Dirección de Juan Alejandro Cassareto. Guion de Julia Bastanzo Paximada. Edición de Juan Guzmán Bonavento. Mùsica de Julio Manuel Vázquez, Duración de 70 minutos. Misiones, Argentina.

XXX- RESCATE DE UNA PASIÓN: EL CARNAVAL

A “Tres noches al año”, como cualquier documental donde se trabaja con entrevistados, hay mirarlo de pe a pa y luego sacar algunas conclusiones sobre su realización.

Cassareto toma cuatro localidades de la provincia de Misiones (Concepción de la Sierra, Apóstoles, San Javier y San Ignacio) que, de un tiempo a esta parte, transformaron sus vidas al encontrar en la realización del Carnaval, con sus ropajes y carrozas especiales, un motivo de ingresos y esencialmente una pasión de vida. Se entrevistaron más 20 de personas que van ofreciendo sus respectivos puntos de vista, o sea por qué esta actividad les da sentido a sus vidas. Incluso hay un testimonio opuesto a tanto trabajo para esta singular festividad: un sacerdote, representando a la comunidad del rito ortodoxo, no comprende el afán de estas poblaciones por el Carnaval. Pero ellos, sus habitantes, lo dicen con claridad: es una pasión. Cómo nació esa pasión? ¿Por proximidad con Brasil, por ejemplo? No parece ser el caso. Una de las entrevistadas lo explica: debían encontrar una ocupación para sus hijos; allí, en esos pueblos, no hay pubs ni lugares de reunión para los jóvenes. Los mayores les encontraron un quehacer: el Carnaval. Las chicas comenzaron a bordar y armar los trajes mientras que los varones buscaron instrumentos, aprendieron a tocarlos, ensayos y arreglos musicales de los que más saben de música y, de ser posible, agregar otro instrumento el año siguiente. De a poco, este objetivo sano para dar una ocupación a los más jóvenes se transformó en un medio de vida y en una pasión. Muchas veces, las intendencias que se encargan de las luces y sonidos, tienen un presupuesto acotado y no llega dinero a los bolsillos de las comparsas. Pero esto no amedrenta a nadie.

En verdad, el documental describe la vida cotidiana de cuatro pueblos para los que el Carnaval no es pecado sino alegría y trabajo durante todo el año. Se esfumará tanto esfuerzo en tres noches. Pero valieron la pena porque todos reconocen que son felices cumpliendo este objetivo.

Cassareto elabora bien el plan narrativo sin explicaciones sino hurgando con la cámara en el pleno accionar de la gente, en los lugares donde trabajan, y los entrevista de manera espontánea, en sus casas, en sus trabajos. Es un vivo retrato de qué es el Carnaval para estos cuatro pueblos a través de una descripción puntual y completa planteada sobre un hilo narrativo sin pausas.

Nota de Redacción: el carnaval no se reconoce como tal antes del 1200. Se atribuye su creación a las fiestas paganas de los griegos y romanos, por ejemplo, a las del Dios Baco. Existían entonces festividades plenas de descontrol y alimentación prohibida como ser la carne. También se indica que “Carnem-vale” refiriéndose a la prohibición de comer carne puede ser uno de los orígenes del nombre mientras que otros estudiosos lo dan a “carrus navalis”.En síntesis, es una fiesta pagana en la que se consume todo lo prohibido por la Iglesia Católica a partir del llamado “miércoles de ceniza” que marca el período de introspección previsto ante de la Semana Santa.

Elsa Bragato

TRIAL

Dirección y guion de Ernesto Aguilar. Con Clara Kovacic, Lara Lusnich Augusto Olcese, Antonio Mayans, entre otros. Fotografía de Leandro Díaz del Campo, Edición de Martín Senderowicz, Música de Ernesto Aguilarm Duraciòn: 72 minutos. Coproducción de Argentina y España. Presentada en el Festival Internacional de Cine de Terror de Sitgez, España.

XXX – TERROR ERÓTICO EN UN FILM SANGRIENTO

La producción cinematográfica de Eduardo Aguilar, que presentó un film la semana pasada, es abundante, siempre con bajo presupuesto, tres o cuatro actores y su propia imaginación apoyada por sus conocimientos musicales y cinematográficos. En este caso, toma elementos del llamado “cine erótico europeo” de los 70 sin caer en los excesos de entonces. Nos cuenta en Trial (significa Juicio en inglés) la vida de Wendy que está muy bien casada, es feliz pero tiene pesadillas que la remiten a un pasado oscuro, de sectas, violaciones y hasta del nacimiento de una hija. No sabe si es cierto o no. A su esposo le miente su nombre, siendo el real Tarria. Estos sueños espantosos tienen como epicentro a una adolescente que luego se sumará a la historia de la protagonista hasta de manera incestuosa.

El film està hablado en inglés, con precisión y claridad. Las actuaciones son buenas dentro de lo que el género exige. Por ejemplo, la protagonista, Clara Kovacic se maneja a la perfección con el idioma sajón. Su pareja está a cargo del actor Augusto Olcese quien tendrá un crecimiento exponencial en la trama. Recordemos que estamos hablando de terror erótico por lo que todo se orienta hacia las sectas y la necesidad de ver sangre.

El manejo del hilo narrativo que propone Aguilar es, en este caso, muy bueno. Es correcto decir que sus personajes adolecen de cordura, están encerrados en círculos de gran malignidad. Ciertamente la protagonista Tarria tiene mucho que mostrar a través del personaje, así como su esposo, el muy eficiente Olcese, sumándose todos a un increscendo maléfico que inunda la historia con una base de banda sonora trabajaba con instrumentos electrónicos, constante, sin ser estridente, pero machacona.

La fotografía sobresale por sobre cualquier otro aspecto. Es minimalista por lo que se ve pero tiene encuadres y un manejo del color realmente excelentes. En definitiva, los elementos que construyen esta historia son siempre los mismos: sectas, violaciones, sangre por doquier, velas que iluminan tétricamente, cuerpos desnudos, y, en todo caso, un elogio a la muerte no natural. En nuestro caso, la repetición de clishés, aunque estén muy bien filmados, no nos resulta atractivo y nos deja poco sabor. Aguilar en esta oportunidad no se privó de nada.

Elsa Bragato

TRES NOCHES AL AÑO

Dirección de Juan Alejandro Cassareto. Guion de Julia Bastanzo Paximada. Edición de Juan Guzmán Bonavento. Mùsica de Julio Manuel Vázquez, Duración de 70 minutos. Misiones, Argentina.

XXX- RESCATE DE UNA PASIÓN: EL CARNAVAL

A “Tres noches al año”, como cualquier documental donde se trabaja con entrevistados, hay mirarlo de pe a pa y luego sacar algunas conclusiones sobre su realización.

Elsa Bragato

ALGUNOS ESTRENOS INTERNACIONALES

1) MOANA, de Thomas Kall. Disney. Cuanta la historia de Moana que quiere devolverle a su pueblo la prosperidad y se aventura fuera de su isla junto al poco querido semidios Maui. El título en Europa es Vaiana por una razón comercial (Moana es el nombre de un producto cosmético). La realización es fantástica visualmente mientras que el texto nos lleva al bien y el mal, como siempre. La niña quiere ayudar a su pueblo mientras, por distintas circunstancias queda unida al semidios malvado. Pero aquí no hay que mirar mucho con quién se està sino ayudar al pueblo ano sucumbir ante un océano que cobra una vida especial.

2) EVIL DEAREN LLAMAS, de Sebastien Vanicek. Es una franquicia que agrega un producto más. Una viuda decide buscar consuelo con sus suegros, pero lejos està de imaginar que no será una familia normal sino infernal.Se enfrentará a monstruos, personas endiabladas capaces de descuartizar, de pulverizar cuerpos humanos, cortar manos, sin que medie respiro para el espectador. Obviamente es un film para amantes del género porque quienes no lo son se van a sentir muy incómodos. Es el subgénero llamado “slasher” y tanto gore no siempre es fácil de digerir. Como dijimos, para fanáticos. Es además un producto de la saga Evil Dead Rise (2023), terror sobrenatural gore.

EL AFINADOR, LOS CAMINANTES DE LA CALLE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 2 DE JULIO DEL 2026

2026-07-05T14:45:52.558-03:00

JUEVES 2 DE JULIO DEL 2026

EL AFINADOR

De Daniel Roher. Con Leo Woodall, Dustin Hoffman, Lior Raz, Joan Reno, entre otros. Cinematografía de Lowell A. Meyer, Mùsica de Marius De Vrios, Will Bates, Duraciòn: 109 minutos. Canada.

XXXX. EL CAMINO DE LA MÚSICA AL CRIMEN

Atrapante e imprevisible película que lanza como protagonista al joven Leo Woodell con un hábil sustento actoral a través de la presencia de Dustin Hoffman a quien papeles aparentemente secundarios o pequeños siempre los transforma en sustanciales.

“Hary Horowitz” es un afinador de pianos ya veterano que tiene un joven ayudante, Niki, quien padece de hiperacusia y, sin embargo, tiene desarrollada la capacidad para detectar los sonidos perfectos de las 88 notas del piano. Ha sido un hábil pianista pero por ese problema de salud decidió abandonar esa carrera y trabajar con Horowitz. Sin embargo, ser afinador tiene otra cara que ni èl mismo sospecha: sus oídos son privilegiados para detectar las claves de las cajas de seguridad de particulares y oficinas donde se guardan suculentos botines en dólares. Esta otra cara transforma la comedia simpática en un policial de intensidad creciente, especialmente cuando el viejo Horowitz tiene que ser internado por su Alzheimer y Niki queda a cargo de la empresa. Alguien, una joven oriental pianista, será su punto débil al movilizar su corazón y el secreto de una eventual redención.

La propuesta del director Roher, apuntalado por el coguionista Roher, es una narración con clímax creciente aunque no abandona cierto tono menor que le impide caer en el melodrama común. En todo caso, està expandiendo la posibilidad del policial neto al entrecruzar una historia de amor de gran pureza con el oscuro mundo del crimen.

La fuerza de este film, muy bien realizado en aspectos técnicos y actorales, reside en este entrecruzamiento de lo romántico con lo delincuencial. Sin perder cierto tono menor que rodea toda la actuación de Niki por lo que no cae en el melodrama común. Es el “noir siglo XXI” del realizador Roher, que propone el misterio, el crimen, a partir de un personaje y de un hecho impensados: un afinador.

Gran película a la que hay que encontrarle el sabor a medida que transcurre. Atrapa, conmueve, perturba, sin darnos pistas de su final, lejos de lo que se pueda imaginar el espectador. La recomendamos. Es una de las muiy buenas realizaciones vistas en lo que va de este año, rubros impecables y originalidad van de la mano. Elsa Bragato

LOS CAMINANTES DE LA CALLE

Dirección y guion de Juan Martín Hsu con el coguion de de Marcelo Pitrola. Con Victoria Almeida, Chien Min Leo, Andrés Alberto Tan He, entre otros. Cinematografía de Rodillo Romano, Mùsica de Jorge Miranda y Mowat. Duración: 90 minutos. Coproducción de Argentina y Perú.

XXX –EXTRAÑA ESPERA DEL TIRO DEL FINAL

La globalización ha permitido compartir todo tipo de personajes y acciones, desde las más enriquecedoras hasta el crimen organizado. Es el caso de la mafia china, que se instaló en la provincia de Mendoza en 2010, con consecuencias a lo Al Capone (de acuerdo a las películas vistas) que fueron creciendo en peligrosidad. En este film de Juan Martín Mau, se observa el accionar iniciático de la mafia china en la ciudad de Mendoza basándose en la recopilación de hechos reales.

Las mafias no perdonan, exigen dinero a cambio de una falsa seguridad y terminan matando. El cìrculo es igual en todos lados.

En el caso de “Los caminantes de la calle” como se autodenomina esta específica mafia el tratamiento que le da el director Hsu es llamativo por la lentitud que no significa precisamente detallismo, o cierta necesidad de puntualizar algo. Esta tranquilidad en la concatenación de las secuencias y lo que nos muestran le quita emoción y cierto atractivo a un género que, como el policial, exige rapidez en los hechos. Creíble o no, porque todo puede ser, es extraño ver a las víctimas esperar que les llegue el tiro del final sin hacer nada, mirando de frente al matador. Es cuanto menos una forma poco común de explicar con imágenes este tipo de asesinatos. Hablada en cantonés, puede ser que este idioma obligue a trabajar las secuencias de esta manera: el asesino apunta con parsimonia a sus víctimas.

No hay duda alguna sobre la realización en los rubros técnicos. La cuestión pasa por cómo se nos cuenta una historia policial que parte de inmigrantes. La adaptación a tierras lejanas no debiera ser a los tiros, pero las mafias del mundo tienen este accionar (“Promesas del este”, de Cronenberg, 2007, con Viggo Mortensen). No obstante matar, prostituir, lo que llega a las pantallas tiene una celeridad que, en esta película, cuyos rubros técnicos son inobjetables, no existe, con excepción de la primera secuencia de muerte. Rara, en verdad, reflejando un problema social existente solo en Capital Federal y, sin embargo, està extendido en varias provincias argentinas.

Elsa Bragato

LA CASA DE OSCAR

Dirección y guion de Ernesto Aguilar. Con Gastón Biagione, Valeria Galarza, Carlos Benincasa. Pablo Cavè, Danetela Legui, Florencia Prícolo. Fotografía y cámara de Leandro Díaz del Campo y Ernesto Aguilar. Mùsica de Gonzalo Pérez, Duración: 61 minutos. Filmada en Moreno, localidad de la provincia de Buenos Aires, 2019.

XX – POBREZA FRANCISCANA PARA UN POLICIAL

Si bien debemos apoyar las producciones independientes y siempre lo haremos, también éstas deben ofrecer guiones que tengan algo que contar y, cuando lo cuentan, debe ser de manera que atraiga y no que uno vea por dónde viene el hilo argumental y a los 20 minutos sepa qué va a pasar. Es el caso de La casa de Carlos, tomando a tres policías supuestamente independientes, sin uniformes, que persiguen a un asesino serial. Pero las expresiones y la gestualidad de uno de los dos hombres (dos hombres y una mujer participan de esa búsqueda es una oficina sin ninguna identificación policial) así como sus pesadillas ya nos empiezan a dar demasiados indicios.

La casa de Carlos, justamente, es el epicentro de las secuencias finales donde el protagonista presenta ataques que, al no ser médicos, no podemos describir pero es evidente que son de insania mental. Y allì se descubre en imágenes lo que venimos suponiendo desde el principio.

El film data del 2019, está rodado en la localidad de Moreno, provincia de Buenos Aires, y sin embargo resulta claustrofóbico porque las secuencias se desarrollan en interiores no aprovechándose, salvo en contadas ocasiones, los exteriores. Hay muy poca inversión, se puede comprender, pero para competir en las salas donde hay films extranjeros del género por lo menos hay que darle al guion una impronta menos previsible y celeridad en la acción. El dinero no siempre es el culpable, pero se nota su carencia cuando el guion es el que padece de una pobreza franciscana, como decían las abuelas salvándose en este caso la fotografía, la cámara, pero no así la cinematografía o sea ese aspecto general que engloba el concepto o la razón de ser de una película. En verdad, no nos conformó, y lo lamentamos.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS

- MINIONS & MONSTRUOS, dirigida por Pierre Coffin es la película en principio anunciada como superestreno internacional. Entre las voces de los Minions y Monstruos están las de Christoph Waltz, Jeff Bridges como Elwood, Trey Parker, entre otros. Se trata de la secuela de Mions, The Rice of Gru, del 2022. En este caso, la historia retrocede en el tiempo y presenta a tres de los Minions que quieren convertirse en famosos directores de cine. Estos muñequitos animados siempre divierten aun cuando no son del todo buenos y alguna maldad dejan por el camino. Con el elenco que ha puesto sus voces en la banda original, o sea sin doblaje, habrá seguramente momentos de intensidad y otros de sana diversión.

LOS COLORES DEL TIEMPO, TRISTÀN Y LOS DÍAS POR VENIR, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 25 DE JUNIO DEL 2026

2026-06-26T18:10:12.891-03:00

JUEVES 25 DE JUNIO DEL 2026

Esta sección aclara que en el cine Gaumont debido a las últimas indicaciones de las autoridades gubernamentales se exhiben uno o dos días las películas nuevas argentinas, por lo que su programación es aleatoria. Al mismo tiempo, indicamos que los títulos extranjeros previstos para estreno los días jueves pueden sufrir modificaciones y pasar a otra fecha.

ALGUNOA ESTRENOS NACIONALES PREVISTOS

TRISTÀN Y LOS DÍAS POR VENIR

Docuficció de Martina Matzkin y Gabriela Uassoul, con Tristán Miranda, entre otros. Fotografía de Ana Paula Montenegro, Sonido de Andrés Costa Carbajal, Mùsica de Maria Vila y Julia Somma, Duración 62 minutos. Coproducción Argentina, Uruguay y Francia.

XXX- EL DÍA A DÍA DE UNA TRANSFORMACIÓN

Durante siete años las dos directoras, Matzkin y Massoul, siguieron el caso de Tristán a quien habían conocido durante el casting del docuficción anterior “El nombre del hijo”. Por supuesto, basadas ambas documentalistas en el interés por las identidades travestis trans. El caso de Tristán las conmovió y decidieron seguirlo paso a paso: su conversión en varón. Y el entorno que tenía hace siete años, político y social muy diferente al de hoy cuando el gobierno en 2025 modificó incluyendo restricciones a los cambios producidos hormonalmente. De haber sido ahora, Tristán sería hoy frustración pura.No lo es. Logró su objetivo con el apoyo incondicional de su madre. Asi como el documental contó co el apoyo de instituciones y organizaciones sociales vinculadas al colectivo trans.

Este paso a paso se ve inscripto dentro de una estupenda descripción de la cotidianeidad. Desde lavarse el pelo, hasta tomar el café en familia, la primera inyección hormonal, las indicaciones médicas, la presencia de la mamá dando ánimo, la aparición de incipiente barba. Y la aceptación de su entorno sin tapujos, sin preguntas. Alguien sintió que su cuerpo era el equivocado y siguió el camino para adecuarse al mismo. Con total normalidad.

Por sobre el caso de Tristán, dentro de nuestro estilo de comentarios-críticas, está el “còmo” se logó, el quehacer cinematográfico puro: y en este caso reside en la descripción, como indicamos antes, de la realidad cotidiana, una narración que no pierde ritmo, que tampoco es acelerada o saltea pasos, sino que talla a Tristán en la vida diaria, como un sobrerelieve.

Creemos que es el valor audiovisual más notable de este docuficción, independiente del protagonista: la narración es perfecta, no hay altibajos, se mantiene en un mismo tono monocorde que permite, casi linealmente, plantar sobre el mismo el discurrir de la historia. Es un tallado perfecto sobre lo cotidiano.

Elsa Bragato

LOS COLORES DEL TIEMPO

de Cedric Klapisch, coguionista: Santiago Amigorena. Con Suszanne Lindonn, Abraham Wapler, Vincent Macaigne, Julia Platon, entre otros. Fotografía de Alexis Kavyrchine. Mùsica de Robin Coudert. Duración: 124 minutos, Francia.

XXXX- EL ARTE DE LA NARRACIÓN EN DOS NIVELES

Difícil postproducción, o armado de una historia que se manejó en dos niveles: el pasado, ubicado en el siglo XX, especialmente en la Belle Epoque parisina, y el presente. La historia comienza cuando un grupo de jóvenes recibe la herencia de una casa en la que van encontrando recuerdos, cartas, cuadros, que les revelan un pasado misterioso. El quid está en cómo estas nuevas generaciones resuelven la unión con los antepasados, les interesa, hasta dónde, los emociona, lo harán parte de su vida. He aquí donde Klapisch centra una magistral dirección narrativa y actoral al tratar el “descubrimiento” de los jóvenes de “Adele”, la veinteañera que dejó la Normandía natal para ir a buscar a su madre a un burdel parisino en la década del 20 del siglo XX. Y cómo tambièn ella se enamoró y descubrió que podía ser la hija de un gran pintor impresionista.

La complejidad narrativa está resuelta magistralmente porque no hay flashback ni “negros” que nos indiquen un paso del tiempo: así como estamos en el aquí y ahora o sea en el asombro de las generaciones jóvenes y sus tribulaciones económicas y amorosas, pasamos a la secuencia siguiente con una elegante Adele que descubre a su madre en un burdel de los años 20 del siglo XX, un todo permitido para las mujeres, transformadas en objetos de placer, y asumidas como tales por ellas mismas.

Este doble juego narrativo resulta fascinante: de pronto se entreveran los nuevos con los de antes, se pasean por salones de antaño a veces sin que el resto se dé cuenta, otras en un mano a mano. Es un puzzle del guion que asombra tal como está desarrollado.

Nada parece quedar fuera de la perfección: desde el encuentro de madre e hija, hasta estas nuevas generaciones que deciden aceptar el legado de sus antepasados y, con el mismo, recomenzar sus vidas en todo caso enriquecidas por el ayer. Klapisch juega con sus actores y los lleva a limites como la experiencia de todos con ayahuasca (el hongo alucinógeno) para que se permitan “vivir” ese pasado.

La propuesta de Cedric Klapisch es también ejemplar: no se pueden negar las raíces, más cercanas o lejanas, hay que aceptarlas y, en todo caso, junto a ellas, trazar el camino propio. Excelente, armoniosa narración, un film querible, simpático y entrador.

Elsa Bragato

BARRIO TRISTE

Dirección y guion de Stillz. Música de Arca, Con Juan Pablo Baena, Samuel Velázquez, Tomás Tinoco Higuita, Bryan Erlin García, entre otros. Cinematografía de Stillz, Duración: 88 minutos. Colombia, coproducción con Estados Unidos, EDGLRD.

XXX – DEL REALISMO TRÁGICO AL REALISMO MÁGICO

Con una banda sonora estridente, ensordecedora por momentos, Stillz nos sumerge en el robo de una cámara de exteriores de televisión por un grupo de inadaptados. Es un barrio muy pobre de Colombia cuyos vecinos denunciaron la aparición de extrañas luces sobre el pavimento.

A partir de este robo, se inicia un recorrido a los saltos por callejuelas, baños inmundos, la risa de los jóvenes sin futuro que lastima al escucharlas, subibaja de callecitas destruidas, que van describiendo el lugar de crianza de los jóvenes ladrones, drogadictos, que no saben qué hacer con sus vidas y que apenas se plantean algún proyecto, o sueño tal vez, cuando alguien en off les hace preguntas. Surgen las respuestas como el lado positivo de quien las responde, y allí està lo que quieren pero saben que no será fácil de lograr, es decir, una vida diferente. Se asiste, por sobre todo, a una narración muy fragmentada por estos episodios. La historia se ubica en la década del 80 en Medellín siendo la cámara el nuevo juego que encuentran para sobrevivir: son ellos quienes registran la miseria del lugar, de se barrio triste del que no saldrán. Hasta llegar a una luz poderosa, metáfora o de una droga o de un maleficio: es el portal que permite cambiar de género al director. Del realismo trágico del barrio pasa al realismo mágico. Solo así se comprende esta historia de jóvenes, frenética, chillona, y conmovedora, ubicada en un presente rabioso del que no se ve que el futuro asome. Stillz dejó una frase sin terminar… inacabada.

Elsa Bragato

NEGRO CHE, NEGRO USTED, QUINCE AÑOS DESPUÉS

Documental musical de Alberto Masliah Es el largometraje documental de un disco colectivo conjuntamente con un recital protagonizado por artistas afrodescendientes en homenaje a Pocha Lamadrid, figura fundamental del activismo afroargentino. El candombe, su retumbar por las calles, es propio de la ciudad de Montevideo por su población africana, que ha sobrevivido y tiene su propio barrio en la orilla vecina. Algo que aquí no ocurrió porque los africanos fueron esclavizados y aniquilados. En 1984 sobrevivía la última africana, descendiente de los originales, en la ciudad de Chascomús (nota de revista FLASH).

Elsa Bragato

ALGUNOS ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1) SUPERGIRL, es la contracara de Superman, criado en la tierra por una linda familia, y Supergirl, criada en un fragmento de Krypton. Está lejos de ser la dulce hermanita del hombre que veía más allá de las paredes. Promete acción dentro de loa mitología de héroes y super héroes generados por Hollywood.

2) JACKASS, BEST AND LAST, Johnny Knoxville y su pandilla regresan prometiendo que harán su última aventura en cine. Con este film se intenta rescatar lo bueno y lo malo de las cuatro anteriores películas (ésta es la quinta de la saga), para divertir desde la risa inteligente hasta la más tonta. De acuerdo a la primera afirmación, esperamos que no regresen más a la pantalla. Aunque sea cuestión de gustos, apelemos a lo mejor.

OJOS EXTRAÑOS, REESTRENO DE ALFHAVILLE, ESTRENOS DEL JUEVES 18 DE JUNIO DEL 2026

2026-06-22T18:28:01.960-03:00

JUEVES 18 DE JUNIO DEL 2026

UNA DIRECTORA EXTRAORDINARIA

Direcciòn y guion de Fabiana Urricelqul. Com Analía Malvido,Luciana Dulitzkh, entre otros. fotografía de Marina fiorini. Mùsica de Nicolás Reverso.

XXX – MUY MODESTA HISTORIA

La directora Fabiana Urricelqui tomó un caso real para elaborar su guion: el de la directora del Colegio Nacional de Pehuajó quien, en el 2018, entregó las llaves para la reconstrucción de los baños escolares pero empezaron las clases y los alumnos tuvieron que usar baños químicos. Empezó entonces una lucha contra la burocracia y los intereses políticos que, aunque parezcan que no están, existen y molestan y perturban las gestiones.

Nada se pude decir de los rubros técnicos en los que el cine nacional ha avanzado notablemente. Pero sí se puede hablar y mucho sobre el guion y el punto de vista a partir del que se cuenta esta historia. Que las actuaciones sean correctas, que los planos sean los adecuados, no nos dicen nada cuando no hay un sentido cinematográfico sino una historia secuencial a la manera de un cuento contado en familia. Es una realización modesta al extremo por la concepción cinematográfica y no porque haya más luz, o menos luz, o una secuencia no sea lo extensa que debió ser. Falta un sentido cinematográfico más amplio, una concepción que rebase los lìmites de la historia barrial. Salvamos al film porque hay honestidad en su planteo, pero no nos conforma para nada como producción nacional que está denunciado, como lo està, un hecho tan grave de desprecio por lo institucional desde una intendencia o un gobierno. El cine requiere de algo más que saber secuenciar un relato: requiere de concepción cinematográfica para lo que no es necesario tener efectos especiales a lo George Lukas.

Elsa Bragato

OJOS EXTRAÑOS

Dirección y guion de Yeo Siew Hua. Con Lee Kang Sherig, We Chien Ho, entre otros. Fotografía de Hideho Çurata, Mùsica de Thomas Foguenne, Duración 126 minutos.

XXXX –PROFUNDA CONCEPCIÓN DEL THRILLER

Yeo Siew Hua logra un thriller no convencional sobre la desaparición de la hija pequeña de una pareja, mientras están comprando en un supermercado. Aunque esto no queda muy en claro lo cierto es que la pareja empieza a vivir el infierno de la pérdida, al mismo tiempo que reciben videos de alguien que los filma en su vida cotidiana. Recurrir a la policía les da cierta seguridad con más cámaras, con mayor vigilancia, pero esos videos siguen apareciendo sin que nadie dé con el voyeur. Alguien los envía, no se sabe quièn.

La narración de Yeo Siew Hua es desconcertante e inquietante al mismo tiempo. Pocos diálogos, secuencias puntillosas, silencios que dicen mucho, y una historia que se va hilvanando en las sospechas mutuas más intuidas por el espectador que explicitadas por el guion, en el desgarro de una pareja que, padeciendo la pérdida de la hija, inicia el camino de la autodestrucción.

Es un thriller policial muy intenso, basado en actuaciones superlativas donde la gestualidad nos habla del trabajo de cada actor para llegar al alma de su personaje. Por eso los diálogos son mínimos, mientras la mirada de los actores cumple el rol de las palabras. No hay nada seguro en este thriller, solo una tensión creciente que el director maneja con silencios extensos y medios planos, con miradas de perplejidad y la desesperación por respuestas que no aportan nada.

La inquietud es creciente, un misterio a resolver que perturba al espectador con un final que desconcierta derivado más hacia los adultos incapaces de asumir sus propios errores. Podemos hablar de un final abierto sin equivocarnos. En verdad, dentro de los thrillers es uno de los mejores de los últimos años porque no se necesitó de lo “gore”, de los balazos, de nada más que un guion bien planteado y actuaciones trabajadas a partir del silencio y del concepto de la actuaciòn como alma del personaje. Excelente.

Elsa Bragato

ALFHAVILLE (reestreno)

De Jean Luc Godard. Con Anna Karina, Eddie Constantine, Akim Tamiroff, Jean Louis Comolli, Michel Delahayhe, entre otros, Fotografía de Raoul Coutard, Música de Paul Miskaki, Duración: 99 minutos. Francia, 1965- Distribuye Zeta Films

XXXX – LA NOUVELLA VAGUE REGRESA CON UNA OBRA CUMBRE

La Nouvelle Vague fue el movimiento cinematográfico de los últimos años de los 50, que surgió de un grupo de directores muy relacionados con los movimientos revolucionaros de esos años, y creadores de los famosos Cahiers du Cinema. Francois Truffaut, André Bazin (fundamental para el movimiento), Agnés Varda, Jean Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer, Claude Chabrol, entre otros, formaron parte del mismo. Así como Lars Von Trier generó su revolución con el Dogma 95, La Nouvelle Vague hizo lo propio al presentar a los personajes de manera verosímil, sin artilugios.

Alfhaville llamó la atención dentro del movimiento: Godard venía de filmar Sin Aliento, un film icónico, y luego Vivir su Vida, siempre con su musa y compañera durante años Anna Karina, actriz danesa que se sumó al movimiento. La presentación de Godard fue diferente: un film de ciencia ficción dentro de un realismo a la francesa (no el neorrealismo italiano), de personajes que hablaban del amor sin tapujos, en los que uno podía identificarse con historias diferentes a las conocidas. Godard enfrentó al movimiento con este film: “Lemmy Caution” es el agente secreto enviado a Alfhaville, que está manejada por una computadora Alfha 60, sistema informático que maneja a toda su población. Ingresar al hotel que se le asignó ya es un síntoma de lo que vendrá: una “chaperona” que sueña con bañarse junto a él, mientras una música estridente matiza las secuencias desde el comienzo, y el personaje sin decir agua va saca un revólver y dispara, o se siente perseguido y con un cuchillo hace de las suyas. El mundo que plantea Godard se adelantó y mucho al que estamos viviendo. Podríamos decir que fue un visionario. No vivimos en una ciudad perdida en el Cosmos pero sí en ciudades computarizadas donde todos estamos, de una u otra manera, vigilados. Casi como el GH que creó George Orwell hacia fines de los 40.

Por fuera de las situaciones que viven los personajes, hay una unión entre esta propuesta y el presente que llama la atención. Ciertamente, en los 60 (el film fue estrenado en 1965) Godard dio un shock cinematográfico al movimiento al que pertenecía descubriendo un agente secreto en una ciudad ficticia, en la que debe matar a su creador, Von Braun, mientras su hija (Anna Karina) intenta distraerlo.

No vamos a analizar este film que fue y es otro de los grandes iconos del cine de todos los tiempos. En todo caso, festejamos que se reestrenen películas que formaron a las nuevas generaciones y que, en el caso de la Argentina, tuvo y tiene enorme influencia. “Alfhaville” sigue vigente en muchos más aspectos que la mera referencia cinematográfica.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PASRA ESTE JUEVES

1) VIDAS IMAGINARIAS, de Federico Cardone. Con Malena Garay, María Pilar Mestre, entre otros. Se entrevistaron a Sofía Criach, Daniel Eduardo Politino y Oscar Guillén. Fotografía de Mariano Donoso y Mariano Cocolo, Arte de Darìo Ezequiel, Mùsica de Andrés Ceccarelli. Duración: 80 minutos.

Hacemos una breve síntesis dado que el film se estrenó fuera de los días habituales de estreno en el cine Gaumont. La intervención del gobierno en el INCAA ha producido un desmadre inconcebible en estrenos de films nacionales. Digamos que Federico Cardone es una figura central del panorama audiovisual de Mendoza donde realizado una intensa gestión cultural y docente unida a su labor creativa. Además, es el director artístico del Festival Graba Y se sintió atraído por la figura de Antonio Di Benedetto, de quien los vecinos decían que caminaba por las calles escribiendo. Esa dualidad, caminar y escribir o pergeñar un cuento o una historia, resultó poco comprensible para Cardone quien terminó por encontrar una razón para la literatura: quizás sea que nos ayuda a movernos. Esto se puede tomar tanto física como intelectualmente,[U1] [U2] [U3] [U4] Cardone se basa en una protagonista, Vera, quien quiere filmar la vida de Antonio Di Benedetto. La narración se divide entre ficción y documental, y, para la mayoría de los críticos, si bien hay una interesante profundización del tema o sea la vida de tan elogiado escritor, es lo que posiblemente le reste solidez a la propuesta. Pero no hay duda de que Cardone afrontó un tema con total seguridad y no siguiendo patrones comunes por lo cual, en este sentido, su producción cobra un valor adicional favorable.

2)CRIATURAS BIZARRAS, una serie de Julián Cortizo. Se trata de cinco episodios de 10 minutos cada uno, aproximadamente, está auspiciado por Flow y se podrá ver desde el 18 de junio próximo por esa plataforma. Se presenta como una sátira al tercer mundo y su estilo de vida actual donde está claramente expresado el abuso de los medios informativos, la deshonestidad política, la corrupción en su grado máximo, la falta de seguridad, entre otros estigmas sociales que padecemos, a través de los personajes de Gordo Morrón, Alien, Canario, Leio, Tito, Terly y Primo. Alguno de ellos “pega” de lleno con nuestras realidades y en protagonistas de la historia actual. Las voces son de Marito Falcón Ramiro Dunogetn, Julián Cortizo, Diego Romero, Gonzalo Alvarez y Lucía Cortizo, y la participación de Víctor Hugo Morales.

3)Toy Story 5, de Andrew Stanton. Con las voces originales de Tom Hanks, Tim Allen, Keanu Reeves, Greta Lee, Wallace Shawn, Joan Cusack, Penélope Cruz, Tom Hanks, Tim Allen, Keanu Reeves, Greta Lee, Wallace Shawn, Joan Cusack, Penélope Cruz. Cuando Woody, Buzz, Jessie y la pandilla se encuentran con un recién llegado de alta tecnología, sus aventuras dan un giro inesperado mientras compiten por demostrar que los juguetes más valiosos de la vida no se limitan a códigos y chips. Sin lugar a dudas, es el estreno de la semana, esperado por largo tiempo. En verdad, es una crítica abierta al impacto de la tecnología en los juegos infantiles, a partir de una pequeña protagonista que vive inmersa en su Tablet. Como siempre, Toy Story parece representar, a través de sus distintos films, los problemas de la sociedad mundial, los abandonos, los equívocos, los egoísmos, y el altruismo- Para los seguidores de la saga, es un imperdible.

ENCUENTRO COLEMAN, FAMILIA, EN EL CINE, EL DÍA DE LA REVELACIÒN, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 11 DE JUNIO DEL 2026

2026-06-15T15:10:07.843-03:00

JUEVES 11 DE JUNIO DEL 2026

ENCUENTRO COLEMAN

Documental de Ana Negri y Florencia Nussbaum. Con Claudio Tolcachir, elenco actual, duración: 90 minutos.

XXX – LA OBRA QUE SE METE EN EL CUERPO

Claudio Tolcachir decidió escribir “La omisión de la familia Coleman” hace más de 22 años y abrir una sala, Timbre 4, en el fondo de un PH. En este documental de Negri y Nussbaum, el autor teatral se pregunta sobre el éxito inesperado de esta obra de teatro independiente que lleva unos 22 años en escena y que ha recorrido el mundo con éxito, “porque no hay una estructura familiar, no hay una familia común”. En cambio, Tolcachir trabaja con lo que no hay, y son los sentimientos de unión familiar. Hay dejadez, hay abandono, hay ruindad, que es en definitiva la expresión del alma de los personajes.

La pregunta sería a quién se omite, y a través de las expresiones de los actores se va comprendiendo que hay cancelaciones, como hoy se dice, u omisiones que puede ser la del padre, pero no está determinada. O bien la omisión de una escenografía convencional. O la omisión de sentimientos

Los documentalistas salen de los escenarios, se ubican en espacios vacíos, o alguna cocina, para hablar con los actores, las actrices, con el mismo Tolcachir. Y no hay una respuesta precisa sobre el éxito de esta obra que es un clásico del teatro contemporáneo argentino. Pero tiene aspectos que la empatizan con todos.

Hay dos aspectos fundamentales, uno lo rescata una de las actrices: si bien nadie se explica por qué la unión, por qué la espontaneidad en la actuaciòn, lo cierto es que “la obra se te mete en el cuerpo” y asì formaron, a lo largo de décadas, una familia extraña en el escenario y una familia en la vida.

La omisión no está definida, puede ser un pariente como el alma misma, es decir, bien se puede pensar en que es tanto una figura, la del padre, como la de sentimientos de solidaridad, porque lo que se ve es egoísmo, individualidad. Tolcachir tocó fibras muy profundas a través de personajes que, en apariencia, son una ruindad, pero en el fondo nos está mostrando la miserabilidad espiritual de cualquier mortal. Los documentalistas ahondaron en estos aspectos ofreciendo una mirada inteligente sobre una obra que nos habla de los sentimientos que omitimos, sean personas o pura alma.

Elsa Bragato

FAMILIA

De Francesco Costabile. Con Francesco Greghi, Barbara Ronchi, Francesco di Leva, Tecla Insolia, entre otros. Fotografía de Giuseppe Maio. Mùsica de Valerio Vigliar. Duración: 125 minutos. Italia.

XXXX -INTENSO DRAMA SOBRE LA VIOLENCIA INTRAFAMILIAR

Francesco Costabile se basó en las memorias de Luigi Celeste, quien purgó su crimen durante 9 año. Su hermano, en cambio, es lo opuesto, sueña con ser padre, tener familia.

La propuesta se basa, como se indicó, en memorias y, en forma especial, en la frase de Luigi indicando “No siempre será así”. Costabile simplificó el concepto en la palabra “Familia”, que describe a la perfección y en detalle las consecuencias de la violencia intrafamiliar generada por un padre que tiene vedado acercarse a la mujer y los dos hijos. Pero que no cumple, que la madre cae una y otra vez en sus redes, que vuelve a ser golpeada brutalmente, los niños son separados de la madre por la justicia, el padre purga cárcel, el hijo mayor tambièn, mientras que el menor, Gi, acuña un rechazo profundo por el progenitor, un golpeador nato, un misógino de armas tomar.

Lo que aquí vale es el tratamiento de la historia que hace Costabile, una narración pausada pero intensa, basada en un elenco de excelencia: los dos hijos, de pequeños y ya grandes, el padre abusivo, la madre vulnerada en sus fuerzas. Son actuaciones memorables que retratan, por un lado, los caracteres diferentes para enfrentar al padre que vuelve una y otra vez, así como Costabile describe el clima agónico, asfixiante que aun en las secuencias de cenas familiares, impuestas por las situaciones que los personajes viven, hay una atmósfera densa, de peligro, de que algo está por estallar.

No en vano este film tiene innumerables premios internacionales y fue elegido por Italia, en su momento, para representar al país en los Oscars. Memorable película, de visión obligatoria, aunque haga doler el alma.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos

1)En el cine, de Matías Szulanski

2) Argentina Sangra por las barrancas del Río Paraná, de Andrés Cedrón, reestreno desde el miércoles 10.

3) El día de la revelación, de Steven Spielberg

En este nuevo film, el gran Spielberg vuelve sobre temas que conoce muy bien afirmando que se basa en hechos reales: seres extraterrestres, el terror de la población donde se desarrolla la historia, todo está narrado, contado, con la perfección de un maestro del cine. Para los incrédulos, es un film simplista; para los que se animan a tener cierta apertura mental y espiritual, Spielberg sabe de qué hable, y lo hace de manera concreta aunque se nutra de conocimientos proféticos. Es para fans de Spielberg y para reconocerle, siempre, el enorme talento, inigualable en muchos aspectos, de este director de cine que renovó los contenidos de Hollywood.

4)Letras robadas, de John Carney. Dos artistas que no tienen la fama de antes, la recuperación del éxito de uno por el otro, nos permiten transitar por una comedia muy agradable, diferente aunque clásica, donde la música tiene mucho que ver, que hacer, con el alma de los personajes. El director Carney está consubstanciado con los cantantes y compositres. Algo diferente, sentimental, agradable, sin que por ello pierda, en algunas secuencias, la justa dramaticidad.

5) Zero A.D., Alejandro Monteverde, Un tirano ordena la muerte de un niño porque teme que tenga más poder que èl. Por lo poco que se ha podido ver, es una versión siglo XXI del nacimiento de Jesús, que sigue danto temas para películas donde su presencia es tomada como alien o bien, como en este caso, como un ser sobrenatural. Resulta interesante.

6) Vidas Imaginarias, de Federico Cardone. Las maldiciones no duran para siempre, al menos eso piensa Vera, una joven que intenta hacer una película sobre el escritor Antonio Di Benedetto. Todo empieza con su primer cuento en un zoológico durante una noche de eclipse. Una trama extraña y precisa que contiene la clave de su vida. Interesante.

MADRES JÓVENES, SCARY MOVIE, EL PEQUEÑO NINJA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 4 DE JUNIO DEL 2026

2026-06-07T18:51:13.769-03:00

JUEVES 4 DE JUNIO DEL 2026

MADRES JÓVENES

Dirección y guion de Jean Pierre Drdenne y Luc Dardenne. Fotografía de Benoit Dervaux, Edición de Marie Helene Dozo, Arte de Julien Denis, con Babette Verbeek, Elsa Houben, Janaina Halloy, Lucie Laruelle, Samia Hilmi, Jef Jacobs, Gunter Duret, Christelle Cornil, India Hair y Joely Mbundu. Duración: 104 minutos.

XXXX – LA VIDA DE MUJERES EN LA LUCHA

Tratándose de un producto de los hermanos Dardenne, uno se asegura sensibilidad y profundidad en la propuesta. En este caso, , analiza con cámara dúctil y discreta la vida de cinco madres jóvenes, que son Jessica, Perla, Julie, Ariane y Naima. Todas viven en un refugio para madres jóvenes, adolescentes que enfrentaron la vida sin experiencia y hoy son madres. Buscan lo que cualquier ser humano: una vida digna, mejor, para ellas y en especial para sus hijos. El tema nos toca a todas las sociedades por igual, con mayor o menor calidad social, pero la soledad de una mujer adolescente que es madre resulta igual allí que en la China o aquí. Los Dardenne no van más allá de lo que los personajes le permiten, ofreciendo uno mirada conmovedora de situaciones más espirituales que económicas de la situación de estas aun adolescentes.

El aspecto narrativo esencial es la sencillez con que el tema es tratado, en forma individual y grupal, un detalle no menor para que las historias sean verosímiles y nos lleguen al corazón. Los Dardenne tiene la flecha justa siempre que nos golpea allí, donde duele, donde surgen los sentimientos. Y es inevitable en el caso de estas chicas y sus bebés. En principio es el primer film coral de los famosos cineastas belgas y nos confrontan con una realidad que conocemos y que “superamos” como podemos porque, en verdad, nada se puede hacer en forma individual. Asì como es la historia coral, así debería ser la unión socio-estatal para darles una salida digna a estas jóvenes. Porque ser madre sin saber por qué, cuidar de una vida humana que se engendra en el propio cuerpo, luego de atravesar infancias difíciles, puede ser un trauma no superado como un trauma que se transformará en bendición.

Es una historia que nos toca a todos, coral o individualmente. Porque es parte de las sociedades actuales con más frecuencia que antes, tal vez porque somos más millones, tal vez porque la información hoy vuela. Gran película de los Dardenne, que, entre otros productos, ya golpeó el corazón con “El hijo”. Para ver con alma generosa, abierta.

Elsa Bragato

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1) AMOS DEL UNIVERSO, de Travis Knight. Volvemos a las mitologías de Hollywood y para ello hay que tener datos anteriores. No es nuestro caso porque tanta invasión de historias y personajes que nada tienen que ver con nuestra idiosincrasia nos producen rechazo. Pero hay público para todo. Por eso contamos que el príncipe Adam, de diez años, aterriza en la Tierra en una nave espacial, separándose de la llamada España del Poder que es el cordón umbilical con su planeta Etemia. Dos décadas después encuentra la Espada y puede así regresar a su planeta para defenderlo de las fuerzas malignas de Skeletor. Historias cósmicas que no aportan nada nuevo a lo ya hecho por grandes directores pero que distraen, son pasatistas.

2) SCARY MOVIE 6, de Michel Tiddes. Se trata de la sexta saga de este film, 26 años después de escapar de un asesino muy familiar por sus características, los Cuatro Originales están en la mira y esto obliga a reñirse y enfrentar al malvado. En líneas generales, ni siquiera este film puede considerar final de la salga. Sin duda, quedan hilos colgando, invisibles, que permiten que en algún momento los caminos de los protagonistas se entrecrucen. En Hollywood el final es solo cuando el actor principal se muere o bien la saga no atrae más. Pero, tambièn es cierto que llegan a aburrir.

3) EL PEQUEÑO NINJA, EL ORIGEN. Anders Matthesen El film tiene el sello de Dinamarca, país donde se realizó. Un joven adolescente perdió interés por las aventuras ninja. Si bien tiene un amigo ninja con poderes mágicos. Algo sucede para que este amigo ninja lo incite a recuperar el interés por la lucha y a defenderse, en todo caso, de los enemigos como solía hacerlo. Más de lo mismo, siempre con luchas, poderes especiales. A veces nos preguntamos, y creemos que con razón, dónde hay una historia de humanos, cotidiana, profunda.

4) LOS BOBOS, de Basovih Marinaro y Sofía Jallinsky. Este film es el tercero de esta dupla, pareja en la vida real, que son “locales” en el festival de Gijón, al decir de quienes han podido asistir al mismo, y que trabajan dentro de una línea de terror-horror que a veces no es digerible sino que puede fastidiar al público. Al parecer, en Gijón no ocurre nada raro: se acepta el manejo del horror de estos directores al que trabajan con fruición. En verdad, la pareja es única en el manejo de este tipo de “noir” que pasa los límites aceptables o comunes. En este caso, mediante un sistema de electroshock casero, logran idiotizar a personas incluso a pedido de gente con dinero. Es decir, los “poderosos” se sacan de encima, lobotomizan, a quienes los molestan con aumentos, y demás. Es un retrato de nuestras sociedades, si miramos más allá de la imagen, donde la codicia por el dinero es superior al respeto por la existencia. Pero, mientras tanto, vemos imágenes que pueden resultar espantosas.

MAYO 2026, PELÌCULAS PREVISTAS DE ESTRENO DURANTE ESTE MES,, JUEVES MAYO 2026

2026-05-06T12:50:00.001-03:00

ALGUNAS PELÍCULAS PREVISTAS PARA LOS JUEVES DE MAYO

l)LAS OVEJAS DETECTIVES, de Kyle Balda. Se unen animación con actores de carne y hueso. Un pastor les lee cuentos de detectives a su rebaño creyendo que no lo entienden. Pero cuando ocurre algo grave, serán las ovejas que, gracias a lo que aprendieron, inicien la investigación que darà con los malvados. Es un mix de humanos y animación muy atractivo

2)BILLIE EILISH, DE James Cameron. Filmada en vivo la gira de esta artista contemporánea, en un 3D inmersivo. Para disfrutar a pleno. Es un concierto para pantalla supergrande codirigido por la misma artista, Billie Eilisch, junto al gran Cameron.

3)EL ÚLTIMO VIAJE A CHINA, de Alejandro Maci (se anunció hace dos semanas y presentamos un sucinto resumen. Tiene producción de Pablo Echarri) Con Soledad Silveyra y Carlos Perciavalle. Nos cuenta el reencuentro de dos “hijos artísticos” de China Zorrilla que no volvieron a unirse hasta ahora. Si bien se pude calificar de documental, es algo más, tiene un toque diferente que el público va a apreciar en forma inmediata.

4)MORTAL COMBAT 2, de Simón McQuoid. Ciencia ficción en esta segunda parte al por mayor. Ahora habrá que luchar contras las fuerzas oscuras a morir para salvar a la tierra. Están todos los efectos especiales imaginables que permiten saltar de la butaca, taparse los ojos, pero sentirse atrapado sin salida por lo que la pantalla muestra. Este género es de puro entretenimiento por lo que no hay mucho más que agregar. Es cuestión de gustos: la mitología creada por Hollywood o un buen libro de mitología greco-romana. Cuestión de gustos.

5) IRON MAIDEN, BURNING AMBITION, de Malcom Venville. Recordemos que Iron Maiden fue telonero de Joe Cocker en el estadio de Vélez cuando este ultimo se presentó en el país luego del suceso del film “Nueva semanas y media” con su tema como banda sonora absoluta. En esta oportunidad, se explora el alcance del heavy metal creado por Iron Maiden y la influencia cultural del artista y su grupo dentro del rock y de los parámetros musicales y sociales del periodo de mayor influencia de su mùsica.

JUEVES 14 DE MAYO DEL 2026.-

1) EXIT 8, de Genki Kawamura. Un hombre queda atrapado y debe encontrar la salida 8, como indica el título; pero se equivoca y las reglas son muy duras: debe volver al inicio hasta encontrar esa salida de forma directa. Este tipo de argumentos acrecienta la tensión y la atracción por el film. Y en este sentido los orientales son expertos. Como solemos decir, para espíritus fuertes.

2) ESTELARES, NUESTROS DÍAS EN MI MEMORIA. de Gonza López, localizada en la ciudad de La Plata a la que se considera “ciudad de la música” por su teatro y sus orquestas. En este caso, recorre la vida musical del conjunto Estelares, matizado no solo con su mùsica sino tambièn con entrevistas.

3) LO HABRÁS IMAGINADO, film nacional de Victoria

Chaya Miranda con Diana Lamas, Carlos Portaluppi, Osmar Núñez y Mario Pasik. Està dentro del subgénero del thriller político, con varios galardones en el exterior en dirección, actuaciòn masculina y mejor actriz. Nos habla de la vida de Abril que, en vísperas de Navidad, aparecen su tìo Angel y Guille, un viejo amigo. En verdad, no será un encuentro semi familiar agradable dado que los nuevos personajes buscan datos para una investigación judicial paraestatal. El horror de otros años no terminò: aùn hay que desenterrarlo porque, al parecer, las familias ejemplares no existen. Y la de Abril no lo fue.

JUEVES 21 DE MAYO DEL 2026.-

1) STAR WARS: The Mandalorian and Grogu. De Jon Favreeau, con Pedro Pascal y Sigourney Weaver. Es continuación de la serie The Mandalorian. El imperio ha caído, todos vagan por el cosmos, mientras La Nueva República busca salvarse del asedio de los malvados y contrata a un experto como es Din Djarin y su joven ayudante Grogu. Si comparamos los títulos y los contenidos, la ciencia ficción gana por lejos a las historias de vida. Hollywood se centra en las luchas cuerpo a cuerpo y en salvar la Tierra, planeta al que està hostigando con sus guerras. Hollywood toma la “esencia” de estos hechos reales y os transforma en ciencia ficción. A quien le guste, todo bien.

2) HOKUM: LA MALDICIÓN DE LA BRUJA, de Damián Mc Carthy, con Adam Scott. Un escritor, Ohm Bauman, decide aislarse en una casa solitaria para esparcir las cenizas de sus padres. Repentinamente se ve envuelto en sonidos y sombras extrañas, una casa embrujada o al menos visitada por seres de otros planos. Vivirá entonces una pesadilla. Esto se transmite al público, especialmente al afecto, al fanático, del terror paranormal. No falta nada, se reiteran gags, pero no se hace mella al género propuesto.

3) LA CHICA DE COLONIA. de Ida Fluck, basado en su propio guion. Narra la historia de Vera Grandes, el gran ídolo de los jóvenes de la escena musical de colonia en los años 70. El film ha recibido diversas críticas, entre las que la consideran poco lograda y la mayoría, como una divertida biopic que puede ser o no muy fiel a los hechos pero que no deja de ser entretenido, además de rescatar a una valiosa figura del mundo de la música de aquellos años.

JUEVES 28 DE MAYO DEL 2026.-

1) AMARGA NAVIDAD, DE Pedro Almodóvar

Se considera una obra maestra del genial Pedro Almodòvar, ya presentada en festivales. Trata la vida de Elsa, una publicista que pierde a su madre cerca de las fiestas. apoyándose en su pareja, Bonificio. Sin embargo, la depresión la va consumiendo hasta que decide hacer un viaje con una amiga suya. Vendrán otras consecuencias porque cada decisión tiene su acción.

2) EMILY, DÓNDE ESTÁS?, de Alicia MacDonald.

El título en inglès es “Buscando familia” y es más correcta que en castellano. Un joven mùsico recibe el número de telèfono equivocado de la chica que le gusta e inicia una búsqueda que terminará por revolucionar el Campus. En materia de comedias ligeras y románticas, el cine inglés siempre ha dado muestras de muy buen gusto. En este caso, si bien no son nombres famosos, no hay excepción.

3) ZONA DE RIESGO, se reitera este título que fue previsto hace un mes y del que dimos cuenta en su momento.

EMI, CUATRO ESTRELLAS, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 7 DE MAYO DEL 2026

2026-05-06T12:20:00.001-03:00

JUEVES 7 DE MAYO DEL 2026.-

(Se ofrecen los títulos previstos de estreno. Pero esto no asegura que a último momento se cambie el cronograma de exhibiciones)

UNA Y MIL VECES

(se estrenó el miércoles 29 de abril)

Dirección de Ernesto Fontàn. Guion del mismo Fontán junto a Marcos Coria y Bruno Scarponi. Fotografía de Bruno Scarponi, Mùsica de Juan D’Eramo. Duración:70 minutos.

XXXX – RECUPERANDO LA MEMORIA SOBRE LA REVOLUCIÒN SANDINISTA

El 19 de julio de 1979 se derrocó a la brutal y sanguinaria dictadura de Anastasio Somoza en Nicaragua. Nadie sabe, muy pocos recuerdan, que hubo una brigada de 50 uruguayos, u “hermanos orientales”, que formó parte de la lucha armada contra el dictador. He aquí este muy buen documental de Fontán que rescata ese momento histórico. Resulta un material atrapante por las historias que los sobrevivientes de esa brigada dan frente a cámaras, entre ellos Guillermo Romano, Víctor Estradet, Ernesto Souto, Fernando Mazzeo, Miguel Angel Ortiz, algunas de las esposas de estos luchadores, sin olvidarse de Marcos Couteris, que falleció en combate.

Muchos empezaron en las universidades para luchar contra la falta de democracia que, por momentos, se observaba en el Uruguay, para pasar luego al grupo Tupamaros. O sea a la clandestinidad. Por sobre las luchas, todos coincidieron en que iban hacia el real “patio de atrás” de los Estados Unidos, siendo el Caribe una zona muy sensible para el paìs del Norte. Nicaragua no escapó a esta designación y tuvo las consecuencias de la intervención solapada de los Estados Unidos. Muchos de estos combatientes, entre un vino, un mate y un asado, recuerdan que fueron a la vez exiliados de su propio país una vez que asumió la última dictadura, que fue parte del llamado Plan Cóndor u Operación Cóndor, plan sistemático para combatir el comunismo en América Latina durante la llamada Guerra Frìa que duró hasta 1980. Chile fue el primer país en caer bajo las consignas de la “escuela de Chicago” luego le siguieron, Paraguay y Uruguay y nuestro país. Todo orquestado. Un golpe a sangre y fuego para imponer el liberalismo a ultranza que hoy se vive con ese mismo rigor de los 70 pero con vendepatrias en los gobiernos de falsos “guantes blancos”. Es decir, al luchar en Nicaragua contra una dictadura brutal sintieron que tambièn lo hacían por su propia patria, la República Oriental del Uruguay.

El documental se filmó para rescatar a ese grupo de uruguayos combatientes porque ni siquiera el propio pueblo lo sabe. A nivel cinematográfico, encontramos solidez narrativa, una cámara inquieta que no se queda sobre determinados rostros o paisajes, sino que es ágil, que recorre, que se mueve, dando fluidez a la narración. Y es también un relato en sí mismo sólido, con inserts muy valiosos de la época, porque el relato de los sobrevivientes no tiene fisuras ni titubeos. Todo se confabula para transformarlo en un muy buen documental que rescata un fragmento de la historia de las Américas, siempre luchando por la libertad de sus pueblos.

Elsa Bragato

EL GRAN ARCO

Dirección y guion de Stephane Demoustler, Fotografía de David Chambille, Mùsica de Olivier Marguerit, edición de Damien Maetraggi, basada en la novela “La grande arche”, de Laurence Cossè, con Claes Bang, Sidse Babett Knudsen, Xavier Dolan, Swann Arlaud, Miche Fau. Duración: 105 minutos. Francia.

XXX – UN HECHO REAL QUE CONMOCIONÓ A FRANCIA

“El gran arco” viene precedida de altos y bajos en la crítica internacional, si bien logró premios en rubros técnicos en los César, nominaciones en el festival de cine Francés en nuestro país, en el de Londres, siendo el film de clausura de la Selección Oficial del festival de Gijón. A partir de estos elementos, se podría decir que estamos frente a una obra maestra que desarrolla un hecho real: el pedido del presidente Francois Mitterrand en 1983 de realizar un Gran Arco de la Defensa a través de un concurso internacional. Lo gana un joven arquitecto danés que solo ha construido su casa y varias iglesias entre católicas y protestantes. Se sorprende por ganarlo y esta sorpresa sacude también al gabinete de Mitterrand: ¿quièn lo conoce? A partir de este momento, con sagacidad cinematográfica, el director Demoustler logra una suerte de documental trabajado como relato clásico, parsimonioso, un paso a paso en la ejecución de este gran arco que, dada su ubicación, puede tapar el Arco de Triunfo de París, un icono de la Ciudad Luz, y ensuciar la visual de la Torre Eiffel Es decir, el proyecto, ideado en una maqueta a partir de datos de la realidad, choca con la realidad misma. Mitterrand no quiere perder esa vista de París, pero también quiere el Arco de la Defensa (en la vida real, el 14 de julio de 1989 el presidente Mitterand inauguró el Gran Arco de la fraternidad en el barrio llamado de la Defensa, de París).

El valor del film, por sobre el caso real, está en el tratamiento del personaje que encarna Claes Band como arquitecto danés: hay en él pesadumbre y complejidades espirituales e intelectuales, sus ilusiones parecen frustrarse ante una realidad que supera su maqueta, y en definitiva, es el artista que sufre las presiones del medio político y social, alcanzando excelentes matices en su interpretación. El danés representa a ese sector de artistas que, aunque se le reconocen todas las virtudes, son castigados con ninguneos de toda índole. Es el artista que sufre por su obra, aunque el director matiza con secuencias donde sobresale la sátira al pedido presidencial y otras de gran ironía a las pretensiones políticas.Puede aburrir, puede agobiar por la lentitud, pero es un film especial, una fusión entre una narración clásica con un documental, sin que se vean sus costuras. Es un film para quienes están relacionados con el arte y para quienes aman el cine detallista, puntilloso y bien realizado como es este caso.

Elsa Bragato

CUATRO ESTRELLAS

Dirección de Pablo Stigliani. Guion de Ulises Puiggrós. Con Ulises Puiggrós, Romina Escobar, José Sesán Ana Celentano, Mila Jaimes, María Fernanda Callejón y la presentación de Vera Peinado. Arte de Mirella Hoikman. Duración:80 minutos.

XXX – CONMOVEDOR RELATO SOBRE CUATRO MUJERES O CUANDO LA VIDA SE ENCARA DESDE EL CORAZÓN

La historia de “Cuatro estrellas” está ubicada en la década del 90 en un PH del barrio de Constitución. Y nos retrata la vida de cuatro prostitutas que han logrado formar una suerte de familia donde impera la ternura, entre ellas, una mujer trans (soberbio trabajo de Ulises Puiggrós) que canta en un cabaret y luego ejerce la prostitución. Para quien esto suscribe es un film sobre la prostitución por varias escenas explícitas de sexo. Aunque hay que reconocerle otro tono: el clima de resiliencia, de ternura, que existe entre las cuatro, una de ellas muy jovencita que esconde un secreto a revelarse con la aparición de la excelente Ana Celentano (algo así como nuestra Juliette Binoche). De las cuatro quedarán tres porque una morirá supuestamente por exceso de droga. El dolor las invade y también una cuota de traición cuando Marcela (Callejón) se va del PH para trabajar en la prostitución VIP.

En verdad, el director Stigliani toma el texto de Puiggrós y lo encara desde el mejor lado: la capacidad de unirse de cuatro personas que no son familia pero tienen necesidad de una. Se comprenden, generan un clima de hogar. Si bien es una historia sobre marginales, Stigliani no se queda en ese concepto sino que bucea en el corazón de estas mujeres, la que esconde un gran secreto, la que traiciona por necesidad, las que aceptan sus destinos. No parece haber salida salvo el que ellas mismas se puedan dar. Es la familia sustituta, la que no es de sangre la que las ayuda a vivir y sobrevivir en una ciudad de furia, sin posibilidades laborales, durante un período donde el país se puso en venta y se olvidó de la gente. Destacamos el trabajo de Puiggrós en el rol de la cantante trans, papel que pudo llevarlo a la exageración pero que estilizó con una cuidada interpretación. Finalmente, “Cuatro estrellas” tiene el mérito tanto del director Stigliani como del mismo Puiggrós en calidad de guionista de plasmar el lado humano, o sea, el darse cuenta de que la verdadera vida se encara desde el corazón.

Elsa Bragato

EMI

Dirección y guion de Ezequiel Enriquez Mena. Con Benicio Mutti Spìnetta, Sofia Palomino, Alejandro Scaravelli, Miriam Odorico, Mara Bestelli, Luis Ziembrowski, entre otros. Fotografía de Gustavo Schiaffini, Arte de Betania Cappato, Vestuario de Macarena Pazos, Montaje de Ezequiel Enriquez Mena y Pablo Riera, mùsica Original de Luciano Supervielle. Duración: 93 minutos. ^Productoras Rita Cine y El cielo Cine.

XXX – LA FAMILIA COMO EJE DE LA HISTORIA

La propuesta de “Emi”, protagonista encarnado por Benicio Mutti Spinetta (dos apellidos que lo lanzan por el buen camino del arte) es la reconstrucción de la vida personal de este joven cuyo nombre es título del film. Vive con sus padres, es homosexual aceptado por sus seres queridos, y trabaja en un taller de reparación de motos. El film produce intriga desde el comienzo porque, si bien Emi, de lindísimos 18 años, es parco y serio, da que pensar que su alma y su corazón van por otros caminos.

El realizador Enriquez Mena nos sorprende. Por un lado, Emi tiene padre y madre, pero adoptivos, por lo que hay algo en él que lo inquieta y lo obliga a buscar lo verdadero, a los padres biológicos.

El error de concepción del tema es no plantearlo desde el inicio. Como la mayoría del cine nacional actual, es secuencial, no hay un clima general que desde el comienzo nos indique la angustia que tiene Emi, sino que tenemos que amoldarnos, como espectadores, al paso a paso de la historia hasta descubrir algo que hace cambiar el espíritu de Emi y, por consiguiente, tendrá consecuencias en el hogar de sus padres, o sea las personas que lo criaron.

La cuestión que, en alguna nota, ha planteado el director Enriquez Mena sobre dónde está la familia, si acaso debe ser solo la biológica o bien está en la que uno se va armando a lo largo de la vida, se contradice con su guion. Emi, su protagonista, busca lo biológico porque es un atavismo del que no puede escapar nadie. La necesidad la marca la consanguinidad, y esto es ineludible. Emi lo demuestra.

Desde el punto de vista narrativo, el film cuenta con un largo plano secuencia donde el protagonista va en moto con otra persona, solo los detiene un semáforo, pero no corta la ubicación de la cámara que continúa con el mismo tipo de toma.

Es un film parsimonioso, depende del enorme carisma de Benicio Mutti Spinetta, porque recae sobre él el peso de la historia. El resto actúa en planos secundarios. Ciertamente, tiene una hechura fílmica de solidez narrativa incuestionable que permite seguir los pasos de Emi aunque su vida parezca transcurrir sin sobresaltos. Hay que indagar en su mirada o esperar el desenlace para empezar a comprender que la película trata de algo más que la mera descripción de un tiempo en la vida del protagonista, tan parco y serio: es su búsqueda personal de la familia biológica. Aunque no se ofrezcan más explicaciones que este hecho, es suficiente para darle entidad al núcleo familiar en el que vinimos al mundo por sobre las personas que vamos sumando a nuestro propio universo social.

La familia biológica, la aceptación de la homosexualidad, fueron bases para que la Asociaciòn de Cronistas de cine le otorgara el máximo galardón en la Competencia Oficial de Argentina del reciente BAFICI.

Elsa Bragato

SUEÑOS DE OSLO

Dirección y guion de Dag Johan Haugenud. Con Ella Overbye, Selome Emnetu, entre otros. Fotografía de Cecilie Semec, Música de Anna Berg. Una joven estudiante, Johanna, se enamora de su profesora mucho mayor que ella. Va escribiendo en una especie de diario íntimo sus sensaciones, la necesidad de amarla. Se arma algo así como un “catálogo sobre la sexualidad” y el sexo que la crítica indica como algo muy personal de Dag J. Haugenud. Estos escritos, más algunas escenas que indican cierto acercamiento entre las partes, son descubiertos por la mamá y la abuela de la joven. ¿Se pueden publicar o simplemente son el descargo de la jovencita? ¿Hay posibilidad de concretar tanto deseo? El guion se pierde en muchas disquisiciones sobre el sexo, las diferentes sexualidades, pero ciertamente se está mostrando la necesidad de concretar una relación lésbica.

EL DESPRECIO, MUJERES AL FINAL DE ESTE VIAJE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 30 DE ABRIL DEL 2026

2026-04-30T18:38:00.002-03:00

JUEVES 30 DE ABRIL DEL 2026

EL DESPRECIO

de Jean Luc Godard, con Brigitte Bardot, Jack Palance, Michele Picooli, Franz Lang, Giorgia Moll, entre otros. Basada en la novela del mismo nombre en italiano de Alberto Moravia. Fotografía de Raoul Coutord, Mùsica de G. Delereu, Duración: 103 minutos.

XXXX – LA OBRA CUMBRE DE GODART EN CINEMASCOPE

Jean Luc Godard, fallecido en el 2022, es uno de los grandes maestros de la Nouvelle Vague francesa. El otro grande es Jacques Trouffaut, ambos trabajando en los famosos Cahiers du Cinema. Más este último que Godard.

Esta película, El desprecio, fue la única que el francés realizó con dineros de Hollywood y en cinemascope. Sufrió un gran tormento durante la realización de esto que es “cine dentro del cine” por las ínfulas de la gran Brigitte Bardot en su momento de esplendor, porque Jack Palance se querìa ir, y porque Godard solo tenía buen trato con su admirado Fritz Lang, el alemán que se exilió mientras su mujer se transformó en la cineasta de Hitler.

La historia es extremadamente parsimoniosa, especialmente en estos tiempos tan veloces que vivimos. Hay pausas que hoy no se admiten en ninguna película. La propuesta es que la pareja que componen Bardot y Piccoli intervengan en la realización de una película que tiene a un productor millonario, que encarna Jack Palance. Al mismo tiempo, Godard no abandona sus inquietudes personales por lo que se produce un “mix” que, por momentos, resulta difícil de seguir: Bardot viene a ser la encarnación de la mujer que Godard està perdiendo en la vida real, la bella Anna Karenina, por lo que la francesa usa la peluca de cabello negro carré que Anna lució en Vivir su vida, film clásico de la Nouvelle Vague. Godard quiere filmar al público, quiere mostrar algo más novedoso que una simple historia de un escritor, Piccoli, obligado a reescribir un guion que no gusto al productor yanqui, cuando vio algunas escenas en la sala de proyección privada de Cinecittà, ni tampoco quiere abandonar sus principios cinematográficos como el de “El cine es una invención sin ningún futuro” que dijera Lumiere, el creador de este tipo de audiovisual, hoy poderosa industria internacional.

El Desprecio muestra la vida íntima de un matrimonio que se desgasta, que quiere subsistir pero no puede. La protagonista Bardot caerá en brazos del productor norteamericano, y ambos decidirán su futuro que no es el que se espera sino un desprecio por todo lo que han vivido y por los que van dejando.

El “tempo” interno lo marca la época, los 60, donde se trabajaba con colores intensos y Hollywood se daba el lujo de contratar a artistas europeos como a sus directores para sus superproducciones. La experiencia, que hoy es más aclamada que entonces, dejó muy poco satisfecho a Godard y no la volvió a repetir. Podríamos hablar de planos largos, de cámaras fijas, de personajes tomados a la distancia, pero no es lo que hace a la esencia de esta película.

Al espectador le queda una historia lánguida, interpretada por nombres que han hecho historia en el cine internacional, que se interpelan y se agobian mutuamente. Una curiosidad es el desnudo inicial de Bardot, que fue exigido por los productores yanquis: un film de la Briggite sin su cuerpo desnudo no podía existir. Si uno saca de El desprecio esos minutos iniciales, el film cobra el sentido existencialista que Godard intentó esforzadamente darle.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

MUJERES AL FINAL DE ESTE VIAJE

Documental de Paola Nucci. (o Diario de rodaje)

XXX – SOBREVIVIENTES DEL HORROR

Paola Nucci quedó conmovida con el caso de Marita Verón en Tucumán, a cuyas audiencias asistió. Como se sabe, nunca más se supo de la joven a pesar de los ingentes esfuerzos de su madre. A partir de esta experiencia traumática, dolorosa, advirtió que podía reunir a diferentes mujeres que habían logrado escapar a sus proxenetas para que contaran sus historias de manera espontánea. Que cada una hiciera un “corto”, y también de esta manera ir logrando una superación de las brutalidades sufridas.

A lo largo del documental, o diario de cine, varias mujeres van contando sus vivencias, los maltratos físicos, las violaciones, los abortos, la muerte de otras compañeras por palizas brutales, en síntesis, horrores que muchas jovencitas desde sus 13 años (una de las mujeres cuenta que en La Rioja un juez pedía que le llevaran a una nena de 13 años) viven engañadas por un amor, un joven que les endulza los oídos, les promete una vida mejor y las trasladan a Tierra del Fuego, “donde la prostitución no está prohibida”, así afirman, o a La Rioja o a Tucumán, puntos mencionados en la narración.

El documental se va armando a partir de las reuniones improvisadas con un grupo de mujeres que lograron escapar al infierno, dónde se sientan, què quiere cada una contar; hay una marcada espontaneidad que, por momentos, puede resultar desprolija pero que, al final, nos demuestra que es la única manera posible de haber tenido semejantes testimonios.

Elsa Bragato

CANCIÓN PARA MI TIERRA

De Mauricio Albornoz Iniesta, con participación de diferentes pueblos afectados por los agroquímicos, abogados ambientalistas, mùsicos como León Gieco, Abel Pintos, La Mona Giménez, La Renga, Lito Vitale, Fenna della Maggiore, Juan Carlos Batlietto, Aterciopelados, mensajes de Rubèn Blades, entre otros. Canciones de Ramiro Lezcano. Duración: 93 minutos.

XXXX – QUE NUNCA SE CALLE EL CANTOR

Un maestro de música rural, Ramiro Lezcano, observa en sus alumnos diferentes inquietudes. E inicia una búsqueda de la raíz de las mismas. Entre palabras los chicos, y bien claritos los peones rurales, le van pintando el panorama desolador del que nadie da cuenta: los agroquímicos están matando a los pobladores, ya hay numerosos casos de cáncer infantil.

Pero Ramiro tiene solo una guitarra. Sin embargo, suficiente para transformar sus conocimientos en el medio de protesta más convincente que siempre surte efecto: recordemos que el rock nacional fue el ariete que socavó el relato feroz y mortal de la última dictadura cívico militar.

De a poco fue logrando que sus alumnos escribieran frases que luego unió en una letra, surgiendo la canción “Carancho de metal”. En Buenos Aires se contactó con los grandes, con los consagrados: Lito Vitale, León Gieco, tuvo el apoyo de Abel Pintos, de Juan Carlos Baglietto, La Renga que participó, Javier Calamaro, el mensaje de Rubén Blades, entre otros. Se buscó un lugar amplio del pueblo, se formó a los alumnos de manera que armaran un gran coro infantil, y se produjo lo que se dio en llamar un “Woodstock ambiental”.

Como siempre, la música es el vehículo esencial para alertar sobre los males que aquejan a los pueblos por los poderosos. Todo lo que comemos chicos y grandes, estemos en los campos o en la ciudad de Buenos Aires, está envenenado por los agroquímicos. Todos estamos en la misma, y por suerte la voz del cantor, en este caso la de Ramiro Lezcano, no se calló, buscó otras voces y logró una queja a puro canto como solo lo pueden lograr los músicos populares. Podríamos hablar de los planos, de las entrevistas, sin embargo, en este caso, vale el camino desde el inicio hasta llegar al monumental evento entre el pueblo, el canto de los chicos y los artistas, un hecho conmocionante. Lo dijo Guarany, lo repetiremos hasta el cansancio: que el cantor nunca se calle. Y agregamos que no debemos olvidar el valor social y de libertad que tuvo el rock nacional frente a la dictadura feroz del 76. ¡Viva la música como voz de los pueblos!

Elsa Bragato

PLATA O MIERDA

de Toia Bonino y Marcos Joubery.

XXX – LA MIRADA DETRÁS DE REJAS

El título nos lleva a un mundo de todo o nada. Es una cosa o la otra, desagradable. Cuenta el caso de Marcos, que está preso y logra ir filmando con un celular que obtuvo de “contrabando” distintas situaciones. De a poco esas filmaciones se las pasa a Toia, una conocida suya. Está muy lejos de las superproducciones de tiros, violencia de todo tipo: es un diario íntimo experimental que pudo tomar forma de documental ficcionado. El encierro es desesperante, Marcos lo sufre de una manera especial y lo retrata.

Aun dentro de su carácter experimental, Plata o Mierda viene logrando el consenso de la crítica (se presentó en la competencia oficial argentina del BAFICI). A veces este tipo de cine que es elemental por lo minimalista y la carencia de recursos técnicos suele descartarse. Sin embargo, como en este caso, suelen ofrecer historias que perturban, que inquietan, que nos muestran el otro lado de las cosas, en este caso de las rejas. Y el valor cinematográfico reside en lo que narran, no en los aspectos técnicos. Estos se superan cuando la historia nos llega al corazón.

Elsa Bragato

LA FRECUENCIA KIRLIAN

Dirección de Cristian Ponce. Guion de Herrán Bengoa y Critian Ponce, Fotografía de Franco Cerana, Mùsica de Marcelo Cataldo, Arte de Herrán Bengoa, Ilustraciones de Ivana Calamita, Mateo Quinteros, Federica Suárez. Géneros: Thriller y Terror en animación, con Nicolás Van de Moortele, Casper Uncal, María Dupláa, Letizia Bloisi, Ciro Herce, Milagros Moline, Jorge Alonso. Duración: 93 Minutos.

XXX – EL TERROR Y LA ANIMACION PUEDEN IR DE LA MANO

Si bien nos llega este film que combina actores de carne y hueso con animaciones (en la mayor parte de la narración) titulado La Frecuencia Kirlian, se trata de una serie que es muy conocida especialmente por el público fan del género. Une diferentes tópicos, extraídos del terror tanto como de la animación en sí: la última noche de un pueblo llamado Kirlian, un Cometa se acerca y destruirá todo. Como elemento que une está el programa radial que dura hasta las 24 horas, donde van apareciendo personajes de carne hueso como la maestra Gladys Mournier que es la primera en hablar por la radio a las 23 horas, siguiéndole luego el constructor de un “barrio embrujado” que se llamado Julio Vergara, una jovencita, el dueño de la radio opositora, frente a u micrófono que maneja diestramente un extraño ser humano con una máscara de calavera que esconde algo más.

La historia es atrapante, pero en muchos momentos, se suman tantos personajes y situaciones que la destrucción del pueblo por el cometa, idea original que se dice varias veces, desaparece. Ocurren sí cosas extrañas: un comisario que pone orden y mata al mismo tiempo, la extracción del hígado de un jovencito, el miedo d e los padres a que sus hijos salgan, un personaje femenino (en realidad andrógino) que por momentos narra la historia, y la llegada, entre otros, de Abel, actor de carne y hueso, que busca a Caín. Mucho, mucho, mucho, algo así como la Biblia y el Calefón.

Es necesario indicar que todo lo que se habla frente al micrófono se traduce en animaciones. Solo quienes van a la radio son “de verdad”. El resto son personajes de animación que van concretando tanto lo que los eventuales relatores vieron como lo que ellos van sintiendo.

En síntesis, el género atrapa pero la narración suma personajes y sub historias por lo que se pierde el hilo argumental y no se sabe si el pueblo efectivamente desaparece con la llegada del cometa o todo se debe al monstruoso conductor radial. Es una suerte de puzle de terror para fanáticos del género, además ya conocen la historia y la forma de trabajar de este equipo, preciso, pocos técnicos y mucha creatividad.

Elsa Bragato

EL DIABLO VISTE A LA MODA 2

de David Frankel. Con Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci, Justin Therous, entre otros. Fotografía de Florian Ballhaus, Mùsica de Theodore Shapire. Duración: 119 minutos.

XXX – LA MODA FEMENINA Y UNA VUELTA DE TUERCA

Poco aporta esta segunda parte de “El diablo viste a la moda”, que se estrenara hace 20 años. Tiene a sus mismas protagonistas: Meryl Streep como Miranda Pruestly y Anne Hathaway como Andy. Algunas cosas cambiaron: el personaje de Emily Blunt, Emily Charlton, regresa con más poder que antes. En este caso, es Andy quien ha logrado superar a la diabólica Miranda, estando al frente de una revista nupcial, a punto de casarse, hasta que reaparece en su vida Miranda Priestly y la tensión con ella en lo personal y en lo profesional.

La solidez narrativa está en que estas historias se basan en la trilogía escrita por Lauren Weisberger, que aportan características esenciales a los personajes en la ficción cinematográfica. El mundo de la moda tiene, dos décadas después, aspectos muy diversos tanto para la poderosa Miranda, que ahora encuentra en su ex asistente Emily a una fuerte competidora, como para Anne, que toma una decisión impensada, a pesar de lo vivido. Los recursos del mundo han cambiado y hay que defender los productos logrados. La cuestión està en el “còmo” cada una de ellas encara el desafío socioeconòmico.

El film fue tachado de “feminista” en los Estados Unidos, sin tener en cuenta el valor actoral de sus protagonistas, el acompañamiento inefable de Stanley Tucci, siempre eficiente. Y estas críticas que hoy se dejan de lado fueron las dudas que se plantearon tanto en la ficción como en la preproducción. Quiénes valen más, si estas mujeres luchando por una posición en un medio periodístico que, en general, manejan los hombres, o sus valiosos aportes creativos.

Es un film de corte clásico que, por lo menos, saca a Hollywood de la mitología espantosa de Marvel, de los tiros y de las persecuciones, metiéndose en la vida de mujeres empoderadas. Sin mucho de novedad, pero atrapante siempre.

Elsa Bragato

ESTRENO DEL 23 DE ABRIL

INSTANTE

de Daniel Silveira, Pablo Bustos y Alvaro Galarza Lima. Con Manuela Viale, Pablo Yotich, Magui Bravi y Alejandro Fiore y elenco. Es un film interesante porque demuestra que, en un segundo, o en un “instante”, la vida nos cambia. Aquí se entrecruzan, en ese segundo impensado y jamás previsto, dos historias y eso cambiará para siempre el destino de ellas, con sus altibajos o sea sus más o sus menos. Se destaca la estética del film (Arte de Lucas Pèrez). Tal vez el amor no debe buscarse cuando uno quiere, y sin embargo, aparece cuando se lo necesita. Interesante!

SE ANUNCIA EL ESTRENO PARA ESTE MIÉRCOLES 29 DEL DOCUMENTAL UNA Y MIL VECES, de Ernesto Fontan. Se reconstruye la vida de los 52 exiliados uruguayos que se unieron al Frente Sandinista de Liberación Nacional por decisión personal. Y en el Centro Cultural 25 de Mayo, el documental del mismo realizador sobre el 40 aniversario de la catástrofe nuclear de Chernobil.

HOLA CHAU, MUJERES AL FINAL DEL VIAJE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 23 DE ABRIL DEL 2026

2026-04-27T16:47:00.001-03:00

JUEVES 23 DE ABRIL DEL 2026

HOLA! CHAU

de Jorge Weller. Se ofrecen funciones en el cine Gaumont a las 17 horas en sala 1. Con Pablo Rosenberg, Coral Malz, Dana Semo, Kevin Rubin, Shahar, Tavoch, Noe Umansky. Fotografía de Boaz Yehonatan Yacov, Música de Bentsi Gafni y Lior Perla, Idiomas: español y hebrero, Duración 85 minutos.

El cineasta argentino Marcelo, de 53 años vive e Israel en una casona donde está toda la familia: su esposa, hijos, yerno, nieto, suegra, cuidadora de la suegra y un perrito hiperactivo. Como si fuera poco, se suman parientes de la Argentina, su hermana menor y su padre ciego. Es decir, un montón de gente en un ambiente pequeño y cada uno con un problema psicofísico para atender. Se generan entonces situaciones insólitas que por momentos hacen estallar los nervios y en otras ocasiones pueden ser, con el tiempo, momentos queribles.

Esta conjunción de familias y mascotas en Israel es posible llevarla al cine gracias a que el director Jorge Weller está radicado hace años en ese país teniendo en su haber más de 50 películas además de otros trabajos en el campo audiovisual. Como ocurre en el mundo entero, dentro de esas cuatro paredes transcurren los problemas familiares comunes a todas las idiosincrasias del mundo. La sonrisa y la tristeza afloran por igual. En todo caso, depende de la sensibilidad de la audiencia la aceptación o no de lo que en pantalla ocurre (E.B.)

MUJERES AL FINAL DEL VIAJE (se estrenó el jueves pasado)

de Paola Nucci. Fotografía de Mauricio Asial, Sonido de Lucìa Palenzuela, Camarógrafo: Mauricio Asiar, duración: 73 minutos. Filmada en Tucumán. Documental.

En este documental, la realizadora Paola Nucci, a partir del interés que despertó en ella el caso de Marita Verón en Tucumán y el largo juicio, comenzó a asistir a las historias de mujeres víctimas de trata. Repentinamente, ellas encuentran en un taller de cine una forma de expiación, de contar lo que sufrieron, haciendo cortos con sus vivencias trágicas. Y, de manera espontánea, se produce una relación casi de familia entre todas y al mismo tiempo una forma de resiliencia que les da una segunda oportunidad de ser ellas mismas en la vida.

LA BALLENA ASESINA

Dirección y guion de Jo Anne Brechin. Con Virginia Gardner, Mel Jarnson, Mitchell Hope. Duraciòn: 90 minutos. Australia.

XXX TERROR ACUÀTICO

Si no son los tiburones, el turno es para las Orcas, habitantes de nuestros mares del Sur a las que no se les asigna un alma asesina. Pero, al parecer, a los efectos de generar productos atractivos para el cine, estas orcas pueden ser lo peor del mundo, diabólicas famélicas de seres humanos.

La película de Jo Anne Brechin se inscribe en el “terror acuático” un subgénero que desde siempre llamó la atención, desde aquella primera “Tiburón” de los 70 con la banda sonora del maestro John Williams. Un grupo de científicos ingresa mar adentro con la idea de estudiar el comportamiento de las Orcas, que se mueven en grupos para sus ataques, a diferencia de los tiburones. La fotografía tiene mucho que ver en la atracción terrorífica del film: desde las aguas quietas, mansas, del océano hasta la aparición repentina de algunos de estos seres gigantescos que parecen monstruos, todo se confabula para que la hora y media sea una tensa espera de un peligro que, por momentos se intuye, y otros es fáctico, real (gracias a la tecnología)

La novedad estriba en la relación que la narración establece entre el ser humano y la naturaleza, en este caso, las gigantescas Orcas (las mismas de los parques acuáticos de Disney o hasta hace poco en San Clemente o bien en Mar del Plata). Quién ataca a quién, y el motivo del ataque. Busca el aspecto psicológico de ambas partes de la naturaleza: la humana y la de las personas no humanas. No obstante, hay que ser sinceros y decir que resulta previsible dentro del género porque no hay nada nuevo bajo el sol. Y esto tampoco le quita mérito al susto que uno se lleva que es el contrato que la película suscribe silenciosamente con el público,

Elsa Bragato

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1) MICHAEL, de Antoine Fuqua

Es, en verdad, un homenaje a Michael Jackson, quien fuera líder, desde pequeño, de los Jackson Five. Narra sus comienzos y su intenso afán por convertirse en una estrella del pop, algo que logró, además de escándalos y una muerte que resulta hasta hoy muy dudosa. En este caso, se trata de un producto mediocre. O sea la falta de una búsqueda superadora de la vida del gran Michael Jackson. Tiempo y millones perdidos que a Hollywood no parecen hacerle mella.

2) ZONA DE RIESGO, de David Mackenzie.

Si bien es un film de acción para entretener, tiene características diferentes a otras: un grupo de obreros de construcción encuentran una bomba de la Segunda Guerra Mundial, se produce un caeos, evacuación de la ciudad, y la aparición de ladrones que aprovechan la confusión y el miedo reinante para hacer de las suyas. Pero, como suele suceder, los malos no ganan en este tipo de películas.

3) EL ÚLTIMO VIAJE A CHINA, de Alejandro Maci

Con Soledad Silveyra y Carlos Perciavalle. Es una biopic sobre la gran China Zorrilla con quien tanto Silveyra como Perciavalle trabajaron, además este último ha sido su compatriota. Es un viaje al pasado, un reencuentro pendiente en un lugar con muchos secretos compartidos. Vivieron en un paraíso especial pero la muerte de la gran actriz marcó el fin de una era. Interesante propuesta.

4) EL MAGO DEL KREMLIN, de Olivier Assayas.

Con Paul Dano, Jude Law, Alicia Vikander, Jeffrey Wright y Tom Sturridge. En principio se ofrece en algunas salas pero es un producto destinado a plataformas digitales. En líneas generales, el film pone acento en momentos históricos puntuales de la ex URSS, exponiendo claramente cómo se ensalzaba a Yeltsin, por ejemplo, o bien como se posponía el resurgimiento de alguna figura política que pudiera opacarlo. Hasta llegar a la Guerra con Ucrania.

DAVID ANIMACIÒN BÌBLICA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 16 DE MARZO DEL 2026

2026-04-19T14:17:00.001-03:00

JUEVES 16 DE ABRIL DEL 2026.-

DOSSIER 137

(Esta película estuvo prevista para el jueves pasado por lo que se encontrará otro comentario crítico nuestro. Aquí resumimos un poco más la idea del film)

de Dominik Moll. Con Lea Drucker, Stanislas Merhar, entre otros. Fotografía Patrick Ghiringhelli, Mùsica de Olivier Margherit. Duración: 118 minutos.

XXXX – DURO RELATO SOBRE EL ACCIONAR POLICIAL

Allá como acá. El film de Dominik Moll retrata, o “espeja”, el brutal accionar policial durante una revuelta en París que nos remite a los “miércoles de los abuelos” en la Plaza de los Dos Congresos. Stephanie (Lea Drucker) es una agente de policía a la que se le asigna la investigación de un caso de un joven herido durante una revuelta por la policía. Aparece, inevitablemente, para nosotros, el caso del fotógrafo Pablo Grillo, herido brutalmente por nuestros efectivos policiales. En esa situación se encuentra Stephanie, que busca los elementos para hacer justicia por el joven tan mal herido.

El relato es atrapante si bien es seco, frìio, se remite solamente a las entrevistas de la agente de policía, a la citación por ella de parte de sus superiores, a la investigación con otras autoridades, hasta que encuentra un motivo irrebatible para dar con el colega agresor. Sin embargo, surge inesperadamente un hecho: el joven herido vive en el mismo barrio que la agente y esto conspira contra la equidad.

Es cierto que la narración no tiene ningún elemento fuera de las entrevistas que pueda considerarse una atracción aunque fuese visual. Pero la intensidad del relato es tal que atrapa, atrae, a través, sin duda alguna, del trabajo de Lea Drucker. Es una historia que corta el aliento, que impide salir del drama que encierran esas entrevistas en busca de la verdad. Nos pareció una gran película porque solo utiliza tres elementos: la protagonista, las entrevistas y el joven herido por la policía. Relato fuerte, sin vueltas, seco, duro, que nos interpela: ¿se sigue aceptando la brutalidad policial o las autoridades empiezan a ocuparse de los excesos?

Elsa Bragato, actoresonine.com

27 EDICIÓN DEL BAFICI

Entre el 15 y el 26 de abril, Buenos Aires se convierte en el centro del cine independiente del mundo. En esta oportunidad, se seleccionaron unas 327 películas, que se dividen en diversas competencias como la Argentina, la Internacional, también está la sección comedias y de documentales, y nombres de prestigiosos directores argentinos como Raúl Perrone, Matías Szulanski (abre el festival), Juan Villegas, Renzo Cozza, entre otros, además de figuras internacionales con sus operas primas. Cita de honor a excelentes precios (5000 pesos) con descuentos para jubilados y estudiantes.

DAVID, animación de Ophil Cunningham.

XXXX – MUSICAL QUE RESCATA UN MOMENTO HISTÓRICO

Cuenta la historia de un joven pastor que se enfrenta a Goliat y con su valor puesto a prueba intenta desterrar al gigante y el miedo que aterroriza al pueblo. Pero es tan solo uno d elos objetivos. El joven es ungido rey, debe salvar a su pueblo que es Israel y entonces, pasado el tiempo, se enfrentará a Goliat. Es un pastor que canta bellas melodías. En verdad, el musical es hermoso como tal, por su música y por los valores que exalta. Y porque los paisajes creados para esta animación nos dan calma, paz. Muy bien realizada, con melodías encantadoras. Para todo público.

Elsa Bragato. Actoreosonline.com

OTROS ESTRENOS PREVISTOS

1) LA POSESIÓN DE LA MOMIA, de Lee Cronin.

Es una reversión de “La momia”. Una jovencita desaparece de su hogar durante 8 años y al volver a la familia se producirán desencuentros de índole paranormal y brutales.

2) RISA Y LA CABINA DEL VIENTO, de Juan Cabral. Con Diego Peretti y Joaquín Furriel, entre otros. Cuenta la historia de Risa, una nena de 10 años, quien descubre un teléfono público, de los de antes, que le permite hablar con el más allá. Cada vez que logra un contacto, deberá resolver el pedido que le hacen. Distribuye Digicine.