CINENPUNTA

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Tue, 26 Aug 2025 19:19:00 +0000

LANZAMIENTO DEL LIBRO

"EJERCICIOS CRÍTICOS SOBRE CINE"

PRELUDIO

"El cine es la música de la luz”Abel Gance "Esta música de la luz siempre ha sido y será la esencia del cine” Walter Ruttmann

Acerca de la significación y trascendencia del fenómeno cinematográfico en el siglo XX, y hasta nuestros días, se ha escrito mucho, se sigue escribiendo, y se seguirá escribiendo por mucho tiempo más. No muchos han tomado conciencia de esto. Un análisis exhaustivo del hecho cinematográfico nos llevaría a sustentar la sostenida y total implicancia social que éste tiene en nuestra civilización. Más, hoy en día desconocer el cine como elemento de expansión cultural es negar una realidad, que, por su vitalidad y energía, así como por su poder comunicacional, está incorporada a lo más profundo del hombre contemporáneo. En este sentido otros estudios y estudiosos han ido más allá, y lo han tratado como lengua, con características propias y leyes peculiares; es decir no sólo como medio expresivo, dentro del arte contemporáneo, sino como la representación de la escritura de una lengua natural y total, vital, con profundas raíces en el hombre, en su entorno, sus sentimientos y en su razón. Comprender y examinar esta lengua viva; detenerse a vislumbrar sus alcances, su expresividad; desentrañar su especificidad, su real y peculiar naturaleza; incorporarla en toda su dimensión hasta transformarla en una herramienta integradora dentro de la comunidad, es quizá uno de los mayores desafíos en la hora actual. No podemos dejar de lado la irrupción explosiva de la imagen electrónica desafiando y pretendiendo desplazar la imagen fílmica dentro de nuestra cultura. Así y todo, no podemos negar un hecho: ha modificado el modo tradicional de ver el cine, y lo que antes fue masivo en las salas cinematográficas hoy ha penetrado en los hogares, transformando modos y hábitos en el seno de la familia. Por último, esta significación hace que debamos considerar atentamente estas palabras de Marshall MacLuhan: “La angustia crítica en que viven hoy todos los hombres es, en gran parte, el resultado de esa zona interfacial que existe entre una cultura mecánica, fragmentada y especialista en decadencia, y una nueva cultura integral que es completa, orgánica y macroscópica. Esta nueva cultura no depende en absoluto de las palabras.” “El verdadero hombre de cine es aquel para quien un dato cualquiera, aunque sea completamente abstracto o puramente moral o sentimental, se traduce de inmediato y se expresa soberanamente por hechos fílmicos, por las sombras, luces y formas que se mueven en la pantalla.” Etienne Soubiau El carácter integrador del cine, su capacidad de generar estímulos creativos y éticos, frente al desafío que impone el tratar de explicar y esclarecer la obra cinematográfica como producto artístico y prodigio cultural, sin duda de extraordinario desarrollo en el siglo XX, son los grandes objetivos que hoy plantea toda actitud humanista al momento de analizar el fenómeno. El film como elaboración colectiva es una faceta ampliamente reconocida a la hora de interpretar el hecho estético. Las distintas voluntades que pone en marcha, director, guionista, montajista, escenógrafo, fotógrafo, productor, actores, músicos, etc., demuestra este rasgo integrador, y ensambla las fantasías y las potencialidades imaginativas con el sólo fin de lograr una obra artística, atractiva y enriquecedora, tanto para el grupo como para el espectador, destinatario al fin y razón de ser del fruto fílmico. Por otra parte, el proceso creador plasma imágenes en movimiento que no se agotan en sí mismas, sino que, consciente o inconscientemente, portan ideas, sentimientos, una carga semántica transformadora de honda racionalidad y compromiso vital. Este fuerte y vigoroso proceso dinámico pone en juego actitudes y conductas propias del trabajo en equipo, donde la solidaridad, el respeto por el otro, los distintos puntos de vista, y la sana pero ferviente discusión alrededor de una idea, alimentan el aporte individual y grupal. Por último, el cine ha sido y es considerado, por los grandes teóricos, “el arte total”, hacia el cual confluyen todas las otras artes. Este carácter globalizador es el que, quizá, lo defina en su peculiaridad cultural e industrial, y por qué no, educativo, ya que le otorga un rasgo trascendente dirigido al hombre en su individualidad y como ser social, en la medida en que es capaz de plasmar en imágenes una cosmovisión y una manera de inserción en el mundo.

EPÍLOGO

Expresar algo a la manera de un epílogo sobre “el cine”, entendido éste como una de las manifestaciones más completas y complejas del ser humano, reflejo de su ser y su conciencia, de su lugar en el mundo; producto de su relación con los otros hombres, de su interacción, vital e integral con la tierra (como madre), y consecuencia de su permanente búsqueda estética, o de la belleza como valor universal, es casi imposible. Siempre habrá aportes y consideraciones que abordar, y siempre habrá nuevas miradas para tener en cuenta que van a modificar nuestra última percepción sobre el fenómeno y su incidencia sobre la sociedad. Pero, también, la dialéctica de la realidad, las permanentes acciones interculturales (interpersonales o no), la constante expansión de las comunicaciones con su derivaciones antropológicas, económicas y políticas, con estrecha incidencia sobre el comportamiento cotidiano de los hombres, y su pensamiento, han incidido en forma directa sobre la creación cinematográfica.

El lenguaje del cine ha sido, sin duda, el mayor afectado. Los elementos y loa herramientas gramaticales, así como su semántica ha tenido que ajustarse a las nuevas tecnologías, a las nuevas formas de la realidad, a los nuevos y cambiantes instrumentos de conectarse entre los humanos, a las nuevas estructuras de la cotidianeidad y a las lógicas que de ella se derivan, sin duda. Los poderosos factores políticos y económicos que han surgido en el mundo, la nueva organización mundial del poder, las modificaciones producidas en los escenarios bélicos y de conflicto por razones étnicas y territoriales, han dejado y mantienen una permanente impronta en la forma de hacer el cine. Significa que no hay nada que esté exento o sea independiente de -hoy más que nunca- los distintos modos que va presentado la sustantividad del entorno, considerado éste en sus aspectos esenciales para la vida. Ni la imaginación, ni los mecanismos conscientes o inconscientes del acto creativo han dejado de recibir esa tremenda carga de realidad que genera la sociedad en forma continua y permanente.

Si bien en algunos aspectos ciertas temáticas se han mantenido a través del tiempo, o desde los orígenes del cine, como ser el sentido último del hombre sobre la tierra, ola educación como valor universal y como derechoinclaudicable, éstos en manos de los hermanos Tavianni noestán construidos cinematográficamente de la mismamanera que en el cine de Tarkovski o de Fincher. Por dossencillas razones, porque los separan estructuras culturalesmuy diversas, y porque el desarrollo socioeconómico de lasregiones y sus situaciones, en cuanto a origen y progreso oregresión, han determinado distintas miradas y formas deabordar dichos temas. Lo que significa también que lacreación cinematográfica es bastante más de lo que creemosun producto significativamente cruzado por esospoderosos factores de la nueva organización mundial.Hollywood es y seguirá siendo ejemplo de lo que estamosdiciendo. Si recorremos las nuevas producciones que se hanlanzado en estas últimas décadas todas ambientadas enregiones muy conflictivas como los Balcanes, la ex UniónSoviética, o el Medio Oriente y Asia, demostraremos hastaqué punto el cine estadounidense es fiel a esta concepción “globalizante” que remarca la potencia del séptimo arte como herramienta cultural de penetración y sojuzgamiento.

Este contexto, este entorno, este escenario, estos factores, esta concepción del mundo, esta manera de hacer cine, estos temas, estos tópicos narrativos, estas formas y estructuras semánticas, el conservadurismo conceptual y sustancial, la innovación gratuita y vacía, las falsas posturas de renovación estética, todo al servicio de un proyecto y modelo de poder, es lo que nos ha llevado a concebir estos ejercicios críticos para una geografía del cine, entendida la disciplina geográfica como una de las prácticas del hombre más genuina y transparente para abarcar las múltiples y esenciales problemáticas sobre nuestro planeta en el que tendremos que caminar por los siglos de los siglos, y como compromiso vital sobre el futuro de la humanidad toda sin fronteras territoriales ni paredones étnicos en el horizonte.

CONTRATAPA

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sun, 16 Jun 2024 15:42:00 +0000

EL ABUELO TUCUMANO

(Fe y Esperanza)

A mi madre

“Mi abuelo nació en Tucumán…” Así comenzó uno de mis hijos un trabajo para el último año de la escuela primaria en nuestra ciudad natal. Nunca voy a olvidar ese trabajo, a mis hijos revoloteando a su alrededor, ni a mi padre.

Yo vivo en una ciudad pegada al mar, luego, si uno pudiera subirse a un cerro muy alto vería campo, mucho campo, puro campo, cortado a unos cien kilómetros por un muy bello cordón serrano; pero lo fundamental es la pradera. Lo que nos marcó, a mí, mi familia, y a mis padres.

Su rostro era el de un tucumano. Sus ojos marrones, su negro pelo azabache, su andar pausado, sus suaves ademanes y sus gestos más característicos eran, sin duda, el de un provinciano sin más ni más.

Murió a los noventa y tres años. Si uno tuviera que contar su vida no sabría cómo empezar. Cuándo nació, si el miserable transcurrir de su niñez, si la sacrificada e indiferente adolescencia, su incipiente adultez o cuándo logró formar por fin, verdaderamente, su familia. Es difícil, desde esta perspectiva elegir un punto de vista justo, íntegro y humano. Así era mi padre, justo, íntegro y humano.

Los surcos de su piel, su cetrino rostro, no demostraron nunca los sufrimientos ni las angustias de su vida. El suave deslizamiento de una nube sobre un cielo calmo se podría comparar con el apaciguado transcurrir de su existencia, al menos mientras estuvo a nuestro lado, o sea mientras su vital savia movió sus apacibles músculos y su sencilla mente.

Así de sencillo fue mi padre. Tan sencillo que jamás lo vi sentado escribir un papel, o leer, con la actitud del ilustrado, un libro de alguna importancia. Sin embargo, transmitió sapiencia. Si algún rasgo sobresaliente puedo comunicar, describir, para sus nietos, fue la no-sabiduría, porque no fue un abuelo sabio o un sabio abuelo. Sin embargo, supo vencer el dolor, o el infortunio, a los avatares o a los cambios malos, como un verdadero sabio. Sólo aplicando una fórmula muy sencilla que pocos usan: con fe y esperanza, además, ése fue su mejor dicho ante los otros y la adversidad.

Creo que la tierra era su mejor lugar para vivir. Llevaba la tierra en sus entrañas, así como el mar lo lanzó al mundo y lo formó para ese mundo. Porque el mar fue su segunda tierra, así como suena, contradictorio, absurdo e imaginario.

Dije que no fue un sabio. Quienes lo conocieron, como lo conocí yo, no lo recuerdan por haber emitido sabias palabras en su larga permanencia en este mundo. Lo recuerdan por su vital instrucción llena de imágenes y recuerdos ancestrales, de su terruño, y de su particular contacto con el océano.

Cuando se paraba frente a las olas, en aquellas playas angostas y pobretonas, su cabeza adquiría la postura de un animal en acecho, y sus ojos, cristalinos, recorrían toda la verde azulina línea del infinito horizonte oceánico. Porque, estoy seguro, veía más allá de lo que un hombre común puede ver, y olfateaba el salitroso aire con sus poros bien abiertos, así era su contacto con el mar.

Su humildad no lo llevó más allá de aquellas estrechas playas, no de transparentes verdes ni de diáfanos azules, sólo de grises teñidas y restos de vegetales marinos. Sólo le interesaba avistar el pájaro, el repentino salto de algún pez, o la tenue reverberación salina de las calmas aguas costeras. Tal era su sagaz mirada, tucumana y libre.

Sus nietos, sus hijos (mi hermano y yo), bebieron sus simples y tímidas enseñanzas, no de grandilocuentes palabras o librescas recomendaciones, más bien de sus elementales señales de generosa y desinteresada dedicación. Por eso no fue un sabio. A mí me enseñó, al menos, de sólo verlo, que la sabiduría consistía en la trascendente comunicación del silencio, la paz, la fe y la esperanza. Nunca dejé de recordar esta experiencia.

Tenía una especial relación con el sol, así como las pequeñas y puntillosas siluetas del insecto, en el verano sureño, terminan absorbidas por la amarillenta luminiscencia de los fantasmales faroles, en aquellas noches, él en las tardes, atraía el rayo del supremo astro, lo atraía y lo diluía con su particular piel, hecha para la resistencia a fuerza de trabajo y meditación. Nunca supo explicarnos tanta resistencia.

Hablaba, si, de su pueblo natal. Contaba historias, pequeñas, que mezclaba con su periplo norteño, donde diversos pueblos y regiones cobraban un protagonismo que ningún ser humano, que nosotros supiéramos, supo reemplazar. Apenas conocimos a su familia, a nuestra familia tucumana. Pero, algo quedaba, flotando, después de sus relatos, quedaba una sensación de simpleza, de esencialidad y formas de vida originarias que ningún antropólogo hubiese podido imaginar. Y esa era la razón de su no-sabiduría. Lo elemental absorbía cualquier forma de racionalidad, se fundía con los bosques y las selvas, los valles, los cerros, los ríos cantores y cristalinos, y la condición salvaje de la vida en las entrañas de lo vernáculo, autóctono y territorial. ¿Cómo explicarnos, a nosotros, desde la pampa, semejantes vivencias? El mar nos invadía en ese momento, y él se mezcló, se asimiló y adoptó para sí y su familia la salubridad, el murmullo del oleaje, la furia de la sudestada y el aroma de un indomable océano.

No nos explicó la vida. Para él todo transcurría indefectiblemente. Y el fenómeno era que yo observaba sus movimientos, su andar cansino, su trato generoso y solidario, su consideración hacia los demás, y su eterna bondad. Todo eso yo no lo escuché de sus labios finos, duros y expresivos, pero lo vi trajinar innumerables veces, y afrontar con sus únicos recursos tucumanos lo adverso de la vida cotidiana.

Sus manos, cabe una mención especial para sus manos. Fueron perdiendo lentamente esa habilidad tan particular que tenía para asir el martillo, la pala, la escoba o el cuchillo en la mesa. Pero por sobre todo lamentó no poder encarnar el anzuelo. Eso nos conmovió a todos. Quizá las únicas enseñanzas que impartió, cuando pudo, fueron acerca de la forma de encarnar bien y lanzar la caña de pescar. Jamás lo escuché incursionar otros temas que no sea la pesca. Me refiero con énfasis y entusiasmo.

La razón de la existencia de mi madre fue estar junto a él. Tuvo hijos y enfrentó enfermedades en esa inquebrantable condición. También falleció a su lado. Sería extenso explicar el significado de su presencia en su vida, por lo que reservaré esa historia para otra ocasión

Tuvo algunos amigos, sí, pero no les dio mucha importancia. La amistad, entendida como el culto incondicional a ciertas personas no estaba en su humano horizonte. Lo querían, muchos lo querían, pero él podía prescindir de esa carga afectiva, y quizá nadie se dio cuenta de ello. Yo trataba de entenderlo, y era muy difícil para mí penetrar ese sistema de relaciones tan especiales. Los compromisos no eran compromisos, eran actos de generosidad, de amor o de indiferencia, nada más.

Transmitía conocimientos, muchos aprendieron por ejemplo carpintería porque él tuvo la paciencia o la facultad del maestro para lograr que ese cúmulo de experiencias no cayera en saco roto, y lo lograba. Jamás dio una clase de nada, sus palabras tenían la propiedad de ser aprehendidas, asimiladas o acogidas como el saber supremo en esa materia.

Así vivió, impartiendo intuiciones, formas de vida, actitudes vitales, modos de comportamiento, de ver y comprender, de actuar frente a ciertas situaciones, de amar, de relacionarse con los demás, de sentir, y de reaccionar.

Así murió, querido, amado, recordado por su amor al prójimo, por haber transmitido fe y esperanza a raudales, pero, por sobre todo ¿por qué?, porque fue un sabio.

Héctor Correa

Punta Alta, 13 de diciembre de 2005

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Tue, 11 Jun 2024 15:08:00 +0000

El desprevenido rosaleño

Al desprevenido rosaleño que miraba la oscuridad de las calles que bordean el parque a su izquierda. De él hablo. Blanquecinos postes con ciegos ojos rectangulares -opacos- miraban las pocas estrellas que aparecían y desaparecían detrás de oscuras nubes invernales. Las sombras arbóreas se mecían y acompañaban una leve brisa fría. Ya se acercaba la medianoche. La calle esperaba que esos ojos escrudiñaran el parque buscando el porqué de esos estridentes ruidos taladrando sus oídos. Ahora solo unas metálicas siluetas se perfilaban en las intrincadas callejuelas internas.

El desprevenido rosaleño esperaba que esas siluetas con brillos que se movían en círculos tuvieran vida. Nada indicaba otras señales, todo estaba en silencio. De vez en cuando a lo lejos se escuchaba un leve ronroneo, sin importancia. Los pilotes, erguidos, semejaban siluetas adormecidas, los ingenieros de la empresa de electricidad le habían explicado su capacidad lumínica y sus propiedades solares. Hoy eran esqueléticos y paralíticos restos decorando la oscura senda peatonal. Caminaba diariamente mientras esquivaba otros peatones y ciclistas, pero no de noche.

De pronto aparecieron los fragmentos, esparcidos entre los árboles. Fragmentos por doquier y su memoria explotó. La moto se había deshecho, solo pedazos de metal y a lo lejos se veían las ruedas que se habían desprendido. Fue repentino, recordaba o creía recordar, dos masas que se le cruzaron en la calle. Supo más adelante que penetraron descontroladas en el interior del prado dejando los cuerpos de los conductores en el camino. Como había perdido la conciencia, en este momento solo recortes volvían al lugar. Ya no estaban los surcos de los hierros horadando el pasto del borde que miraba estupefacto. Sentía que todavía su olfato percibía el estruendoso rozamiento de las partes. Y un rechinamiento metálico le había quedado como una suerte de mortal sonido que volvía en forma permanente como un corte sobre su cuerpo herido difícil de cicatrizar.

Las motos se perdieron en el campo, no las volvió a ver. Solo fantasmagóricas sombras las habían conducido. Al desprevenido rosaleño le producía un frío estremecimiento esas imágenes. De todas maneras, salía y recorría esa senda, y cuando volvía a su casa el camino no se disipaba con facilidad. Su máquina aún estaba guardada, algunas partes retorcidas y sus inservibles ruedas eran a veces como agujas sin anestesia. Eso eran esas máquinas rodantes cuando inconscientemente se lanzaban por las sendas rugiendo, gruñendo, aullando, buscando presas, rompiendo la aletargada quietud de la noche, por las mansas ondulaciones del campito.

Casas, construcciones, habitantes, humanos -como el desprevenido rosaleño- resistían estos embates, como espectadores pasivos y mansos. Miraban añorando un vergel que nunca fue o no quiso ser. Al caer el sol, al cesar el escaso o ya casi nulo canto de aves que una vez tuvo, los ojos del desprevenido roaleño se movían como buscando la tenue luz que la luna reflejaba sobre las indiferentes hojas. Al ponerse el sol y aparecer las diminutas estrellas sí las bestias comenzaban su estridente andar. Ya era inevitable.

Quisieron confiar cuando les prometieron interponer recursos para terminar con esas fieras. Habían explicado a los dirigentes que esas alimañas producían un daño físico y existencial. Que sus madrigueras allende el parque, sobre una periferia marginal, guardaban sus ejes, rayos y cilindros, en un liviano sueño presto a salir al menor toque. Que eran incontrolables frente a la fuerza del humo y los escapes. No entendieron esas razones ni tampoco las irreductibles del temeroso ciudadano.

Más adelante, cuenta el desprevenido rosaleño, una masa informe, de voraz lengua, de múltiples caños y engranajes, se había levantado, justo donde se posaba incólume una estatua ecuestre, con la triste figura -cervantina- montada de un jinete que casualmente fue el único en encontrar con su brazo un horizonte que hoy, los que quedan, como el desprevenido rosaleño, no pueden alcanzar.

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Mon, 20 May 2024 22:56:00 +0000

TRILOGÍA ROSALEÑA

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Tue, 16 Apr 2024 18:27:00 +0000

Trilogía rosaleña

Los tres cuentos que componen la trilogía rosaleña representan un clima, un ambiente, y un período tenso y confuso de la vida en esta pequeña ciudad del sudoeste bonaerense. Sus habitantes y ambientes son, en la ficción, como se describen, materia de relatos, de fantasías y estados de ánimo que pudieron haber prevalecido en algún momento. El autor imagina las situaciones y los protagonistas y luego los vuelca sobre el "papel", por así decirlo.
Lo único que pretende es que tengan valor literario, que despierten cierta consciencia, y se transformen en objeto de crítica. Por último, se incorporan a este blog, teóricamente sobre cine, dada una pretenciosa actitud abarcativa, enriquecedora e ilustrativa. Nada más.
Héctor Correa
Abril de 2024

UN DÍA, UN FINAL

Una trágica consecuencia

Apoyó con calma y lentitud su cabeza sobre la almohada. Sus ojos derramaron unas tenues y casi opacas lágrimas. Eran órganos sin brillo ya, no reflejaban nada, ni podían detenerse en un punto fijo. Su cabello había sido, en otras épocas, su orgullo. Negro azabache le decían; encandilaba, más por su abundancia que por su tonalidad salvaje e incontrolable. Hoy, apenas, una mota de un débil fulgor, se vislumbraba entre islas rosadas de piel y manchas dispersas. Su madre, que ahora lo miraba tensa y temerosa, nunca dejó de alabarle la perfecta forma de su cráneo, su recta nariz y su redondo mentón apenas sobresaliente, con pómulos aterciopelados y apenas tocados por una discreta y poca abundante barba. Volvió su rostro hacia su amigo y clavó su vista en aquellos ojos que alguna vez había admirado. Ahora lo miraba de otra manera. Habían andado caminos juntos, muchos caminos. Sentía que lo observaba, que lo indagaba, que le preguntaba sobre cosas que alguna vez se habían interrogado. Y en este momento, esa perspectiva lo vaciaba, lo diluía en gratos recuerdos. Giró de nuevo su cabeza y apenas pudo vislumbrar un tenue rayo de un sol ¿atardecer, amanecer? que se inmiscuía imperceptible a través de la ventana, una ventana blanca, vidriosa, tornasolada por múltiples reflejos de soles pasados, que no volvería a ver. Sus labios se entreabrieron, quisieron decir algo, no pudo. La anciana, ladeó el rostro, se acercó aún más, y una lágrima se mezcló con la otra lágrima del hijo. Ambos rozaron sus párpados, y sus pensamientos junto con ellos; así reemplazaron las palabras por los gestos, de veinte años atrás; las caricias del nuevo mundo, o del viejo ya, en este instante. Lo había traído, pensó ella, y ese silencioso mensaje golpeó el cansino rostro, y el agotado músculo de la raída figura, acostada, esperando.

Uniformes gotas de una fría transpiración recorrían su frente. De vez en cuando una temblorosa mano rozaba con un paño y secaba lo que apenas alcanzaba a secar. Un estremecimiento repentino alertaba a los presentes, y secas y espantadas miradas se cruzaban sobre el lecho enfermizo, como alertas sombras vigilantes a la espera de un alocado milagro. El negro pájaro del poema acechaba, y silencioso dejaba hacer al tiempo, a la vana esperanza y al vacío.

La dura calma temblaba sobre la comisura de sus labios ya cansados. Ecos de un profundo alarido de inconciencias pasadas iban dejado huellas que el claro día no dejaba evadir. La madre y el amigo inconstante, presenciaban, y caminaban a su alrededor como fantasmales guardianes. Apenas oían las puertas del establecimiento que se cerraban o se abrían al compás de tenebrosos latidos y sibilantes susurros inconclusos.

Por momentos, una pétrea calma, trituraba el silencio hospitalario, y el espacio que le había sido adjudicado tensaba aún más los pensamientos de los únicos seres queridos que lo rodeaban. Era así, pensó. ¿Y por qué? También pensó. Todo había sido un error, la noche aquella, el querer ignorar, el dejar hacer, y la insospechada consecuencia. Todo se había complotado, había conspirado para que ahora él tuviera que estar ahí. La claridad se iba perdiendo, se iba esfumando, junto con todos ellos. El sol ya no entibiaba, el rayo no se vislumbraba, ni las sombras eran sombras reales, alargadas, y fantasmales. Sus ojos se movían cada vez con más lentitud, la madre se inclinaba cada vez más, y su amigo se notaba tan cansado como él.

La cama chirriaba cada vez que se movía, y las amarillentas sábanas caían adormecidas a los costados, entretanto varios cables se entrecruzaban suministrándole el poco aliento que se iba diluyendo con el transcurrir de los minutos o las horas.

De vez en cuando algún personaje abría la puerta y la cerraba rápidamente. Adivinaban, sospechaban con certeza, la oscurecida espera, la incapaz espera, la falsa espera, o la equivocada espera, según él. El último rayo de sol incendiaba vano un costado de su almohada. Todo era último, siguió pensando. Extrañaba la presencia de su hasta ayer novia. ¿Dónde estaba? se dijo. Era joven, vital, y un brillante cabello le caía rodeándola, como una luz etérea. La había perdido, se le cruzó como una dolorosa flecha insensata.

-Te acomodo un poco más- esbozó su madre. La miró, qué lindo nombre tenés, Ivana, murmuró. Tendió débilmente su mano para tocarla y la dejó caer inconclusa. Inconclusa mi vida, imaginó, y su memoria trajo imágenes lejanas de pequeños corriendo, empujándose y riendo. Su calma y despreocupada adolescencia emergió, como emerge el somnoliento día, dejando atrás la apática estrella o la indiferente luna. Fui feliz en esos tiempos, quizá vuelvan algún día, sus labios mascullaban, a la vez que buscaba la descreída mirada del amigo.

Fijó por un momento su ojo sobre el amarillento círculo del mortecino haz que pretendía hender la blanca pared frente a su cama, ¿qué le recordaba?

La idea había sido clara para ella, clara y persistente. Había surgido de la fatídica tarde, en el consultorio de aquel médico amigo de la familia, cuando les mencionó la infame palabra o la infausta sigla, con la certidumbre del insoslayable porte, ojos de fuego, boca pérfida, manos perniciosas, y palabra exterminadora. Ella, se tambaleó, recordaba, se apoyó angustiada sobre su hombro y su mano apretó la de él. No importa, dijo, igual nos casaremos. Ahora, estas palabras resonaban abismales, atemporales e insondables. Una sombra, inasible, se iba irguiendo, se esparcía en ese mortal ámbito inconsciente y tornaba aún más incomprensible la actitud que embargaba semejante decisión. Pero, era así como sentía el extraño mensaje de la cercana muerte. Algo la impulsó, pensó. Mientras, su amigo seguía su brazo y le acomodaba la cabeza una vez más.

La claridad del día se iba apagando, como se apaga la débil llama del candelero y se esfuman los fantasmales hilos amarillos sobre un horizonte que ahora no podía ver, ni apenas imaginar.

Desde aquel día muchos días más fueron transcurriendo hasta este día. La madre, su madre, seguía con su clara mirada todos los movimientos de su cuerpo, aún los más imperceptibles. Afuera, algo que ya no podía ver, vigilaba, no era ya ella intuía. No sabía nada, no había tenido noticias suyas desde ya hacía varios meses. La esperaba, aunque algo le decía que ya no podía esperar más. Volvió a su mente, afiebrada, el perfumado aroma de su piel, y lo hizo retornar a momentos alegres, displicentes e indolentes. Ya no recordaba dónde la había conocido, su memoria se iba perdiendo en densos laberintos de instintivos recuerdos superficiales, ya inconsistentes. Sólo la sombra, seguía impertinente y obsecuente su presencia, como una compañía necesaria e indeseable a la vez. Volvió a mirar a su madre, y su grandiosa imagen abarcó toda su existencia, o lo que quedaba de ella.

Madre y amigo cruzaron sus miradas, llenas de una complicidad punzante.

Él oyó, o creyó oír, ya en la penumbra del día que se iba, voces femeninas y voces pequeñas, agudas, sibilantes, murmurantes, silenciosas, y lo confundían. El último rayo de sol luchaba a brazo partido por no irse. Lo notaba en las alargadas sombras, y en la somnolencia que lo invadía.

Cerró la puerta detrás de sí, y sintió que una punzante daga, llena de odio, rencor y maldad atravesaba dolorosamente su cuerpo, cansado, golpeado y desgastado, sin saberlo. Su madre le había dado la noticia del hijo que recién su novia había alumbrado.

Héctor Correa

Punta Alta, 28 de noviembre de 2005

LA ENTREVISTA

Una historia paleontológica

A Luis

Apoyó sobre la pequeña mesa el grabador. Un reflejo plateado iluminaba una libreta de apuntes que no pensaba utilizar. A través del amplio ventanal, por donde se filtraba ese rayo, el oleaje emitía un suave sonido de viejos y antiquísimos arrullos. Miraba detenidamente cómo el sol iba manchando de rojizo oro la arena. Hacía frío afuera, algunos veraneantes caminaban evitando mojar sus pies, y sus rostros iban coloreándose de viejos ocres milenarios. Del otro lado, antiguos tamariscos lanzaban retorcidos brazos como decadentes y desgastadas brujas ya marchitas, ya moribundas, castigadas por el paso del tiempo.

Miraba a su interlocutora y veía rasgos que más que rasgos eran señales de ancestrales imágenes de seres que habían merodeado el lugar, dejando indelebles muestras y signos oscuros, perdidos, ocultos debajo de torrentosos lechos y arenas deslucidas. Algunas flemáticas gaviotas planeaban sobre las olas que impávidas se arrastraban dejando surcos temporales que pronto se desvanecían rápidamente en el océano lejano, infinito. De vez en cuando algún gaviotín se mezclaba solitario, revoloteaba y desaparecía como un rayo frente a la ventana. El sol se tornaba cada vez más indiferente en la solitaria tarde pehuense.

Mientras hablaba de aquellos seres antiguos, sus manos se tocaban e invocaban lejanas tierras y parientes más lejanos aún. Un filoso sonido de la brisa marina se filtraba por alguna rendija y ambientaba el relato con quejumbrosos ecos ya perimidos. Su voz resonaba en la pequeña habitación, describía ansiosa las especies y las inquietas mandíbulas, las poderosas garras, y las filosas pezuñas. El médano, decía, había tocado lo más remoto del suelo que rodeaba la casa, y milenarias aves habían surcado, agudas, el cielo azul y la árida luna.

Sus ojos, reflejaban un abismal surco por donde habían transcurrido quién sabe qué ignotos entes, de extrañas formas, inmensas extremidades e insaciables mandíbulas. El reflejo se hacía cada vez más intenso a medida que el relato avanzaba por lugares de insondables senderos y antiquísimas pisadas. Su rostro, veía el periodista, iba inclinándose cada vez más y se acercaba a la oscura mesa, y sus pies se movían debajo inquietos, a veces rasguñando el piso, y trenzaba sus manos, manos añosas, pero a la vez tersas y dolientes.

El sol proyectaba pequeñas sombras que amarillas, brillantes hilachas rompían y penetraban; y pequeñas sombras animadas se movían rápidamente sobre las paredes, como seres curiosos e inquietos ante la presencia del entrevistador. Sólo ella pensaba indiferente, ante esa vertiginosa danza, cada pregunta, y su relato iluminaba su rostro, sus ojos y sus labios que poco a poco emitían sonidos no invocados.

-Mira por la ventana-, le pidió, -observa esos surcos al costado del aislado y solitario eucalipto, salgamos afuera-. Y caminaron hacia el árbol acercándose un poco más a la playa, donde el ondulante océano, ahora doblegado en múltiples ondas, iba y venía temeroso. Un súbito reflejo tornasolado surcó sobre lo insondable y le hizo trastabillar. Sólo atinó a proteger el grabador. Todo sucedió con mucha rapidez, pensó, había presenciado un suceso nada común. Un hálito indescriptible iba dominando esa conversación con aquella mujer. La bruma del atardecer le iba quitando ese mágico brillo a sus ojos a medida que le contaba y describía innumerables sentidos ya desaparecidos, y su voz perdía el cristalino encanto con el que había iniciado su prehistórico relato. La brumal aura iba desfigurando su silueta, y sus pasos se tornaban cada vez más etéreos sobre la fría arena. A medida que se internaban y las inmensas garras se descubrían, más sensación percibía él de moles que cobraban vida, y gritos toscos, brutos y desgarradores se mezclaban con el sordo rumor del océano. Ella, segura, avanzaba señalándole extrañas marcas, desgastadas y a veces imperceptibles, mientras que nuestros pies se impregnaban de la salitrosa vertiente añosa y zigzagueante.

Sinuoso, el camino iba tornándose cada vez más pesado, y sobre el fondo, la arena parda, acompañaba el atemporal ir y venir del perenne oleaje. Caracoles, pequeñas piedras, restos de animalejos marinos y angostos canales configuraban un lecho atávico, heredero de un sinfín de movimientos costeros, de rondas salvajes y hambrunas insensatas. Así se deslizaba ella y yo la seguía, ignorante, sin conocer que gráciles sombras fluían por la rastreada senda.

Sobre el horizonte una oscura bandada cruzaba la rojiza cinta que se extendía de este a oeste. El sol luchaba por desvanecerse y desaparecer para el hombre. Así también había sido miles de años atrás. Una leve sensación de infinitud cruzó por mi mente al verla a ella moviéndose, ligera, incorpórea, por sobre el oleaje. Su figura se esfumaba, sus contornos se diluían, sus pasos ya no rompían las tranquilas aguas, y sus cabellos ya no ondulaban por la fresca brisa del sur. Noté que sus pisadas iban coincidiendo con la rastrillada, la dirección era la misma, un lejano resplandor la guiaba hacia el salitroso espacio de un ancestral destierro, y se perdía transparentándose en el grisáceo bramar de olas cada vez más grandes. Ya no podía seguirla, me retrasaba, mis pies se tornaban cada vez más cargados y mis ojos se iban cubriendo de un velo nebuloso, vago y borroso.

Después, no sé que pasó después. Me encontraron arrastrándome por la orilla como buscando cosas perdidas hace millones de años. Ella no volvió, se confundió con el imperecedero horizonte, con sus huellas, sus sempiternos animales y el anhelado hombre desaparecido.

Héctor Correa

Punta Alta, 15 de diciembre de 2005

ABSA

Giré el picaporte y escuché un herrumbroso ruido. Apenas se movía, lo que me obligó a empujar con más fuerza hasta que la puerta se abrió y pude sacar una mano y luego la cabeza. Lo que vi no me extrañó puesto que había escuchado con anterioridad sonidos de trabajos, golpeteos y gritos de trabajadores. Era media mañana y el sol iluminaba la vereda sucia y polvorienta.

Los árboles eran silenciosos espectadores de la gente que se movía yendo de un lado a otro con palas, martillos, picos, taladros gigantes, máquinas excavadoras, sobre la vereda y la acera. Todos miraban hacia abajo, mis ojos los observaban y seguían sus tareas, sentía que a pesar de esos movimientos frenéticos estaba solo, no percibían mi presencia.

Escrudiñaba a la izquierda y un polvo amarillento no permitía ver más allá de unos pocos metros, lo mismo hacia la derecha. Sólo veía el reflejo de unos cascos y unos rostros irreconocibles rompiendo el piso, las baldosas y el asfalto. Era ABSA. La luz solar, como dije, tenía tonos también naranja, azulinos y verdosos. Como no había viento, flotaba la nube polvorienta en donde el rayo lumínico atenuado rebotaba una y mil veces.

Intenté caminar por dentro de este torbellino de operarios y empleados entre la poca visibilidad y los escombros desparramados sobre la vereda y la calle. No tenía un destino claro, en realidad no me percataba qué sucedía o qué iba a suceder. Pasaban delante de mí, me esquivaban, se detenían como buscando algo y continuaban sin un rumbo determinado, en realidad era caótico el ambiente y a lo lejos no se veía mucho, sólo una nube de polvo flotando y dominando el horizonte.

A lo lejos, muy a lo lejos, unos automóviles están estacionados de frente y cubiertos de ese polvo. Uno de ellos parecía el Vento, luego distinguí a medida que me acercaba su color azul, y determiné que era el mío. Me acerqué más pero un sonido extraño me detuvo, venía de atrás. Es ruido de cascada me dije, y era cierto, una enorme masa de agua bajaba de la escalera, se deslizaba como una corriente desenfrenada y terminaba esparciéndose por la vereda y el asfalto. Una sensación horrible me apretó el pecho, no entendía cómo se producía semejante cataclismo. Miré hacia arriba y el fuerte chorro de agua se desprendía del tanque de agua de mi casa. Caía y provocaba la cascada.

El agua corría por la acera, chocaba con árboles enormes caídos y mi auto. Miré hacia adelante, los obreros se habían detenido y me miraban azorados, veían mi estado de pánico y consternación. Les grité que necesitaba ayuda, que todo se estaba inundando, les señalaba el agua que salía a borbotones y no se detenía. Pedía por uno de ellos, con gestos desesperados con mis brazos y manos, señalando lo incomprensible. Tenía el Vento azul enfrente para el traslado de la gente y las herramientas. Teníamos que llegar sí o sí y detener semejante desastre.

Subimos al auto y lo hice andar no sé hacia dónde. Veía una calle delante y la tomé, luego se transformó en una carretera y comenzamos a subir una pendiente sin asfaltar y a los costados comenzó a elevarse una pared rocosa transformando la ruta en un camino montañoso con un abismo a un lado que la convertía en difícil y peligrosa. No terminaba, no tenía fin, solo el polvo multicolor en el horizonte. Estábamos ascendiendo una colina escabrosa, luego otro trecho la descendíamos, era sinuosa, interminable y cada vez más intransitable. Pensaba aterrorizado en el escape de agua, en el río infernal que se estaría formándose en el interior y en los alrededores de mi casa. Esa sensación terrorífica iba acentuándose cada vez más. De tanto en tanto alguna extraña sombra se cruzaba por ese camino que no daba señales de tener fin. Pozos y canales se formaban delante lo que me obligaba a esquivar en forma continua. Mis acompañantes no hablaban y sus rostros permanecían indiferentes lo que aún acentuaba mi desconcierto. Los árboles, grandes árboles, reposaban abatidos y paralizados, eran grandes espectadores, como petrificados sobresalían de la ladera chorreante. Me observaban cómo subía las cuestas y sorteaba las piedras y canales…Un instante fue el estruendo del auto en la fosa, mi cuerpo se dobló primero hacia delante y luego hacia atrás mientras golpeaba mi cara sobre el volante, el resto de los ocupantes no profirió ningún sonido, y quedaron estupefactos mirando hacia arriba, el cielo, con un azul atenuado por una bruma que reposaba sobre el camino como queriendo apoderarse del auto. El techo había saltado, se había desprendido. Me paré sobre el asiento y saqué dolorido mi cabeza escrudiñando la soledad y la irracional postura que habíamos tomado luego del salto.

Un pesado y catastrófico silencio cayó de la ladera. Tardamos en rato en despabilarnos y tomar conciencia de lo que había acontecido. Repentinamente volví a ver mi casa y la escalera tapada por el agua que corría a raudales. Volví a asomarme por techo abierto y lo vi caído, doblado sobre el borde del camino. Salí, lo tomé y entré en un pánico confuso. Debía colocarlo de nuevo para poder continuar el viaje. Busqué herramientas y le pedí a mis compañeros que me ayudaran. Seguían mirándome con ojos perdidos. Entonces, les pedí que me buscaran los tornillos y las tuercas. Encontramos algunos y comenzamos a trabajar. Nos faltaban herramientas adecuadas, con las manos apenas podíamos apretar y todo se tambaleaba y volvía a desprenderse. El agotamiento comenzaba a vislumbrarse, la desesperación iba haciendo su trabajo. Un ambiente opresivo, una brisa tenue y fría anunciaba algo, no sabíamos qué todavía. El lodo se deslizaba a nuestro lado y los hombres giraban sobre sí mismos, desorientados. En algún momento deberíamos volver se me ocurría.

El poder del polvillo no alcanzaba a despejar la continuidad del camino. Era casi imposible encajar el techo del Vento. Los hombres que me acompañaban no hablaban, pero sí intentaban encontrar los restos y me miraban, cuando lo hacían, azorados, como buscando orientación. No había posibilidad de continuar el viaje, no sabía si la senda no guardaba otro peligro, más fosos y canales. Flotaba una insoportable sensación de zozobra y se sentía la representación de los inexplicable en el horizonte desconocido. Todo el ambiente nos decía, así y todo, que había que seguir. ¿Cómo conseguir esa ayuda que nos obligó a emprender semejante trayecto? Pero delante había algo que todavía nos pedía un último esfuerzo. ¿Qué era? No sabíamos. El motor aún funcionaba y el techo estaba en su lugar, en forma precaria, pero estaba y nos cubría. Subimos y arrancamos. Un fondo oscuro interminable y vacío se abrió delante, creo haberlo vislumbrado repentinamente.

Recordé lo que había visto cuando asomé mi cabeza, los obreros y operarios rompiendo la vereda y la calle, los escombros y el polvillo formando una nube densa, espesa y tenebrosa. Nada más.

Héctor Correa

Punta Alta, 1 de abril de 2024

"AMADEUS" de Milos Forman en la Biblioteca Mercedes de San Martín de la Sociedad de Fomento del Barrio Parque San Martín

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Wed, 23 Nov 2022 18:05:00 +0000

NOVO CINEMA PARADISO. El amor al cine y la muerte como desilusión

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Fri, 16 Mar 2018 20:32:00 +0000

EL AMOR AL CINE
LA MUERTE COMO DESILUSIÓN

El relanzamiento del cine club "Dos Miradas", en la instalaciones de la Unión del Comercio, Industria y Agro de Punta Alta, que tan solidariamente las ha cedido, como inicio de una nueva etapa en el desarrollo cinéfilo y cultural de tan noble institución, es la conjunción de dos concepciones afines para un fin concreto y bien determinado hacia la gestación de una cultura superadora de ideas ya anacrónicas sobre el sentido y el destino de nuestra comunidad.

"Novo Cinema Paradiso", la versión mejorada por el autor de la película original, realizada en 1988 por el gran realizador italiano Giuseppe Tornatore es quizá la mejor elección del Cine Club para el inicio de este nuevo ciclo de su corta pero rica vida, por supuesto, gracias a los amigos cinéfilos de Punta Alta, y otros rincones, que han ido visitando sus sesiones cinéfilas.

He aquí algunos datos para su comprensión y actualización informativa sobre el film.

TÍTULO ORIGINAL: Nuovo Cinema Paradiso

AÑO: 1988

DURACIÓN: 123 min.

PAÍS: Imagen

DIRECTOR: Giuseppe Tornatore

GUIÓN: Giuseppe Tornatore

MÚSICA: Ennio Morricone

FOTOGRAFÍA: Blasco Giurato

REPARTO: Philippe Noiret, Jacques Perrin, Salvatore Cascio, Agnese Nano, Brigitte Fosey, Marco Leonardi, Antonella Attiu, Enzo Cannavale, Isa Danieli, Leo Gullota, Jomime Maggio, Leopoldo Trieste

PRODUCTORA: Coproducción Italia-Francia; Les Films Ariane / Cristaldifilm / TFI Films / RAI

PREMIOS:

1989: Premios Oscar: Mejor película de habla no inglesa

1990: 5 Premios BAFTA, incluyendo mejor película de habla no inglesa. 11 nom.

1989: Globo de Oro: Mejor película extranjera

1989: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado

1989: Premios César: Mejor modorro. Nominada a Mejor Película Extranjera

1988: Premios David di Donatello: Mejor música. 5 nominaciones

SINOPSIS: Cinema Paradiso es una historia de amor por el cine. Narra la historia de un niño de un pueblecito italiano, en el que el único pasatiempo es ir al cine. Subyugado por las imágenes en movimiento, Salvatore cree ciegamente que el cine es magia; pero, un día, Alfredo, el operador, accede a enseñarle al pequeño los misterios y secretos que se ocultan detrás de una película. Salvador va creciendo y llega el momento en el que debe abandonar el pueblo y buscarse la vida. Treinta años después, recibe un mensaje, en el que le comunican que debe volver a casa. (FILMAFFINITY)

Punta alta, 16 de marzo de 2018

Hector Correa

YO, DANIEL BLAKE. Seguridad social, una dudosa realidad

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sun, 23 Jul 2017 14:58:00 +0000

YO, DANIEL BLAKE

Título original: I, Daniel Blake

Año: 2016

Duración: 100 min.

País: Reino Unido Reino Unido

Director: Ken Loach

Guion: Paul Laverty

Música: George Fenton

Fotografía: Robbie Ryan

Reparto: Dave Johns, Hayley Squires, Briana Shann, Dylan McKiernan, Kate Rutter, Sharon Percy, Kema Sikazwe, Steven Richens, Amanda Payne

Productora: BBC / BFI / Sixteen Films

Premios:

2016: Festival de Cannes: Palma de Oro

2016: Premios BAFTA: Mejor film británico. 5 nominaciones

2016: Premios Goya: Nominada a Mejor película europea

2016: Premios César: Mejor película extranjera

2016: Premios David di Donatello: Mejor film de la Unión Europea

2016: Premios del Cine Europeo: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película

2016: Festival de San Sebastián: Premio del público

2016: British Independent Film Awards (BIFA): Mejor actor. 5 nominaciones

“No acaricies mucho a un círculo porque se volverá un círculo vicioso”

“La cantante calva”

Eugene Ionesco

Dos aspectos de la película. Uno de ellos, quizá el más impactante, la cuestión de la seguridad social en el mundo desarrollado, o mejor dicho, en países como el Reino Unido, está mal, es inhumana, displicente y expulsora. El PAMI y ANSES, ambos de nuestro país, no están lejos de este panorama. Los afiliados y beneficiarios son tratados con indolente corrección, pero los métodos y sistemas, o sea, la lógica de los procedimientos no los benefician. Pero este no es el tema de esta nota, se trata de Daniel Blake, un carpintero de 59 años, con problemas cardíacos, tratando de iniciar los intrincados trámites para una pensión por discapacidad, o bien una ayuda para desempleados.

El otro aspecto que merece ser mencionado, formal desde el punto de vista narrativo, pero sustancial desde la mirada de la esencia de esta historia destinada a mostrarnos cómo se maltrata y a veces se manda a la muerte a un hombre, como tantos que transitan y pululan por la gran ciudad, en medio de contradicciones y mecanismos legales que evaden o ignoran el riesgo de muerte del individuo con problemas que teóricamente debiera ser ayudado a resolver. El hecho es que la seguridad social no remedia nada.

Pero para describir esta dura realidad su director, Ken Loach, apela, en cuanto al recurso narrativo, a Ionesco y a Kafka, al menos en las dos primeras partes. En el arranque de la historia, Daniel gira vanamente sobre las dificultades burocráticas, insensatas y absurdas de la supuesta seguridad social; en la segunda el desaliento de las permanentes y continuas dificultades y requisitos empieza a invadir el ánimo del protagonista que ve la solución cada vez más lejos, casi ya inalcanzable. Estas dos partes de la desatinada y kafkiana historia, conforman por sí mismas ejemplares fábulas acerca de la irracionalidad y deshumana condición que muchos sistemas y personajes imprimen a sus acciones frente a la vulnerabilidad de enfermos y afiliados de esos engranajes. Por supuesto, podemos seguir hasta el infinito, con ejemplos de casos reales, y colmar esta historia hasta hacerla el verdadero manual del desaliento y la impotencia. El valor estético y narrativo del film, está en su discreto y medido tratamiento, pero lleno de verosimilitud y realismo, valores frecuentes en el cine de Loach. Otras obras, de su filmografía, han incursionado con mucha valentía y autenticidad, en cuestiones que sobresalen por la inclemencia de las sociedades más evolucionadas del planeta.

El tratamiento “neorrealista” y directo, no precisamente muy metafórico, de víctimas y protagonistas de hechos desgraciados, trágicos, marcó una forma cinematográfica de contar con crudeza y sin tapujos la realidad de nuestro mundo, en especial el Reino Unido, o la Europa colonialista e imperial. País que fue la cuna del "British Social Realism", también llamado “free cinema”, un movimiento cinematográfico, con realizadores, como Karel Reisz, Tony Richardson, Lindsay Anderson, Joseph Losey, Richard Lester, entre otros, a principios de los años 50 del siglo pasado, que se percató de la artificiosidad y banalidad del cine hecho en Hollywood, y la necesidad de retratar los años de pena y sufrimiento de la post guerra, llenos de ira y violencia.

Sobre este legado, y en el actual contexto social, cultural y político, Ken Loach hace su cine. Sus personajes transitan este mundo como pueden y enfrentando instituciones con sus peculiares relaciones humanas que son ni más ni menos producto enfermizo y tragicómico de la decadencia y el disparate social. Las relaciones interpersonales que se entretejen, la solidaridad que a veces emerge, y la desconfianza e ignorancia emocional, configuran hombres y mujeres anónimos, casi siempre, al borde del colapso y las acciones más disparatadas. Es que para Loach no hay salida sobre estas bases político-institucionales, ya que pergeñan una cultura y una psicología individualista donde la salida tiene que ver más con un trágico final que sobre el “happy end” al que nos tiene acostumbrados la gran industria del cine que ha inundado nuestras pantallas, al menos las pocas que quedan.

Por supuesto, el neorrealismo italiano es el padre de este movimiento. Quizá uno de los más importantes de todos los tiempos, De Sica, Rosellini, Visconti, Rossi, y otros directores, crearon verdaderas obras maestras sobre los devastadores efectos que produjeron sobre la sociedad de gran parte del mundo, las monstruosas guerras mundiales del s. XX. Hasta tal punto, que hasta el cine norteamericano alteró conceptual y formalmente su gran industria protectora del sueño americano.

El cine del Reino Unido no fue ajeno a este fenómeno, y “Yo, Daniel Blake” es un fiel reflejo, duro y cruel, tan duro y tan cruel como “Ladrones de bicicletas” o “Roma, ciudad abierta”.

Hector Correa

Punta Alta, julio de 2017

MANCHESTER JUNTO AL MAR (Manchester by the Sea )

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sun, 11 Jun 2017 20:06:00 +0000

MANCHESTER JUNTO AL MAR

Título original: Manchester by the Sea

Año: 2016

Duración:135 min.

País: Estados Unidos

Director: Kenneth Lonergan

Guion: Kenneth Lonergan

Música: Lesley Barber

Fotografía: Jody Lee Lipes

Reparto:

Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan, Eri-ca McDermott, Matthew Broderick, Gretchen Mol, Kara Hayward, Susan Pourfar, Christian J. Mallen, Frankie Imbergamo, Shawn Fitzgibbon, Richard Donelly, Mark Burzenski, Mary Mallen

Productora: Amazon Studios / K Period Media / B Story / CMP / Pearl Street Films

Premios

2016: Premios Oscar: Mejor actor (Casey Affleck) y guion original

2016: Globos de Oro: Mejor actor drama (Affleck). 5 nominaciones inc. mejor película

2016: Premios BAFTA: Mejor guion original y actor (Affleck). 6 nominaciones

2016: Premios César: Nominada a Mejor película extranjera

2016: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año

2016: Premios Independent Spirit: Mejor actor (Casey Affleck)

2016: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor guion, actor y actriz secundaria

2016: Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor guion, actor y actriz sec.

2016: National Board of Review (NBR): 4 premios incl. mejor película y actor (Af-fleck)

2016: Premios Gotham: Mejor actor (Affleck). 4 nominaciones

2016: 3 Critics Choice Awards: Guion original, actor (Affleck) actor joven (Hedges)

2016: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película

2016: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director/película

2016: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guion original

2016: Sindicato de Actores (SAG): 4 nominaciones inc. mejor reparto y actor (Af-fleck)

2016: British Independent Film Awards (BIFA): nom. mejor película intern. indepen-diente

2016: Festival de Gijón: Mejor actor (Affleck) y Premio Especial del Jurado

2016: Satellite Awards: Mejor película (ex-aequo) y director. 7 nominaciones

Si bien sólo recibió dos premios en la 89.ª entrega de los Oscar, año 2016, al mejor guion original, y a Casey Affleck, al mejor actor, como Lee Chandler, protagonista del film, la obra irrumpe como una magnífica realización que excede a los premios y al Oscar mismo. Lo que nos avisa sobre la relativa consideración que debemos tener a la hora de valorar este suceso, tan enraizado e incorporado en la gran producción del cine norteamericano, y por qué no en la cultura del americano medio.

Dicho esto, los planos semánticos y estéticos, emergen sucesivamente como para hacer un merecido esfuerzo y así poder disfrutar del film. Planos que no son compartimientos estáticos, sino que van entretejiéndose, mezclándose y enriqueciendo, modelando la historia y sus personajes.

Manchester-by-the-Sea es un pueblo muy pequeño, con apenas 6000 habitantes y se encuentra ubicado en el condado de Essex, Estado de Massachusetts. Establecido en 1626-27, incorporado como ciudad en 1645. Probablemente denominado así en honor de Edward Montague (1602-1671), conde de Manchester, aunque puede haber sido nombrado por Manchester, Inglaterra. Antes de 1645, era parte de Salem llamada 'Jeffreys Creeke'. En realidad deberíamos llamarla Town of Man-chester-by-the-Sea, su verdadero topónimo.

Sobre este minúsculo lugar de los Estados Unidos se desarrolla gran parte del cuento cuyo título explicamos brevemente y da vida a la película.

La población original fueron puritanos del s. XVII quienes fundaron Massachusetts, aunque hoy en día conviven diversas iglesias así como etnias, pero en su mayoría son anglo sajones. Este estado tiene 14 condados, y Town of Manchester-by-the-Sea se encuentra en Essex, uno de ellos.

No nos vamos a introducir en la historia, ni en la cultura o la geografía de esta región, tan importante como extensa ya que es uno de los siete estados más grandes del país, y tiene, también centros culturales, educativos y científicos, como la Universidad de Harvard, por citar algo, tan querido a nosotros.

Y ¿por qué entonces, Lonergan, tituló su film de esta manera?

Dos films –entre otros-, ya considerados clásicos, “Manhattan” de Woody Allen y “Paris.Texas” del alemán Win Wenders, incursionaron de la misma manera, no en la mera locación, fueron más allá, sus historias estuvieron penetradas por esos “lugares”, uno el de la inmensa urbe, y el otro por el camino, el tránsito vívido y existencial de los personajes que caminaron por sus calles y el desierto del sur norteamericano.

El film no se dedica a mostrar o describir el espacio en el que se desenvuelven los actores, el entorno comprende a ellos, los abarca y los complementa emocionalmente. El mar, su puerto, las calles, la nieve, son o constituyen elementos narrativos que se diluyen en el mismo drama, en la culpa o el conflicto, en las idas y venidas, las viviendas, o las caminatas por la ciudad. Nos ayuda a entender la historia, la psicología y la naturaleza de las relaciones encontradas hasta su máxima expresión.

Kurosawa (Derzu Uzala, 1975) creaba una tormenta de nieve para clarificar o describir mejor la conflictividad del hombre y sus interrelaciones. El neorrealismo de De Sica, un hombre y su bicicleta (Ladrones de bicicletas, 1948), para introducirnos en el drama de la posguerra. Eastwood unos puentes (Los puentes de Madison, 1995) en el condado -del que fue su alcalde- para mostrar la duda existencial de la mujer (Francisca) en un espacio rural anodino y rutinario. O la ciudad después de la guerra, su tenebrosas calles y las existencias degradadas de una gran urbe para que Elia Kazan nos enseñe el drama cotidiano de hombres y mujeres desorientados y descreídos. Sólo una narración atenta e inteligente del contexto territorial o urbano puede integrar esos mundos para lograr una fábula profunda. De eso se trata esta película, de ahí su título y su hondura. Sus otros films –pocos, apenas tres-, ya apuntaban, en ese sentido.

El premio a la mejor película lo recibió “Moonlight”, del cual vale la pena destacar su originalidad narrativa y temática, en un mundo un tanto apático sobre ciertos temas en los diversos e infinitos mundos narrativos. Y volveremos en su oportunidad. Pero, sobre este otro, apenas galardonado, caben muchas más reflexiones, ya que los lugares y espacios, como en la novela de s.XIX, y principios del XX, funcionan y determinan, con una dinámica vital, las conductas y el desarrollo de las historias. “Cumbres borrascosas” (Emily Brontë, 1847) es un excelente ejemplo.

En realidad Manchester by the Sea es la historia de un retorno, de una ciudad como Boston a este pueblo, de un regreso casi forzado, lleno con una carga de recuerdos personales, familiares y de los que surgen de sus calles, bares y otros relacionados con el mar. El mar está ahí. Sus aguas son un asunto mítico que se involucra quieras o no en esta historia, depresiva historia, complicada historia, conflictiva historia.

¿Cómo se resuelve, cómo hace Lonergan para definirla y terminarla?. No voy a contar el final, sólo hay que verla. Vale la pena.

La complejidad de Lee Chandler está determinada por su historia y por su trágica condición de un hermano muerto recientemente, un conflictivo sobrino a quien debe cuidar y un divorcio con un hijo que debe asumir en medio del pequeño pueblo y de un mar emocionalmente insondable. Esto es, en definitiva, “Manchester by the Sea”. No es mucho, pero su riqueza se encuentra en estas profundidades humanas, y, presumo, en muchos de nosotros, empapados por el mismo oleaje que baña las calles de sus pequeñas vidas.

Héctor Correa

Punta Alta, 10 de junio de 2017

EL CINE Y LA CULTURA EN CNEL. ROSALES

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Mon, 24 Apr 2017 14:23:00 +0000

LA NUEVA PROVINCIA: EL CINE Y LA CULTURA EN CNEL. ROSALES

Para ver la nota publicada seguir este link:

http://www.lanueva.com/punta-alta-impresa/900953/correa-el-cine-implica-abrir-una-gran-ventana-al-mundo.html

UN DISPARADOR MUY POSITIVO

Correa: "El cine implica abrir una gran ventana al mundo"

24/04/2017 09:00 Héctor Correa dijo que es un espacio trascendente y vital: el comercial o de autor. “Dejaremos de estar aislados de las grandes expresiones del hombre y del arte en general”, afirmó.

Claudio Falzoni / cfalzoni@lanueva.com
Héctor Correa manifestó que revalorizar el cine, la sala cinematográfica, implica darle importancia a un espacio que fue y sigue siendo trascendente y vital.
“Hace a la comunicación, la educación, al arte como esparcimiento, a la vida comunitaria y a la riqueza formativa individual”, expresó uno de los responsables del Cine Club “Dos Miradas” al ser consultado por “La Nueva.” sobre el anuncio que realizó el intendente comunal sobre el regreso del cine a la ciudad a instancias de un grupo empresario.
Dijo que ello atañe a las características de una sala para la proyección de cine comercial.
“Es cine de entretenimiento, con películas que circulan en el medio de la industria comercial, nacional y extranjera. Implica abrir una ventana al mundo. Existe otro aspecto, aún más profundo, que va de la mano de este tipo de salas: la cultura de la comunidad que coadyuve a la iniciativa en el `arte' cinematográfico. Esto implica un positivo disparador de otras actividades colaterales o afines. Tienen que ver con el cine como actividad artística como el arte por excelencia”.
Dijo que con su llegada la ciudad dejará de estar aislada de las grandes expresiones del hombre y del arte en general.
Correa recordó que en la década del sesenta se crearon el Cine Club Punta Alta, el Jazz Club Punta Alta y se generaron algunos emprendimientos deportivos (softbol y rugby) de cierta significación social por sus características que escapaban a los deportes tradicionales.
“Más adelante, el Círculo de Ajedrez de Punta Alta marcó el hito socio-cultural más trascendente por su proyección en el terreno ajedrecístico y por el premio Alfil”, comentó.
Recordó que allí se promocionaban e incentivaban actividades enriquecedores: las mesas redondas donde se debatían los temas relaciones con el distrito de Coronel Rosales, para el habitante rosaleño, la música, la pintura y la cerámica, entre otros.
“En 2009, en el Bar Central, surgió el germen de cine club. Fue organizado por el Grupo del IV Diálogo, Movimiento de los Focolares, al margen de todo apoyo oficial. En el 2012, nació el Cine Club 'Dos Miradas' que se mantuvo en actividad durante cuatro años”, expresó.
Aquí cabe mencionar que si contara con un espacio físico en la ciudad el Cine Club “Dos Miradas” podría retomar su valiosa actividad.
Si bien no reunía a un masivo grupo de espectadores, sí aportaba un enriquecedor debate entre los asistentes. Los valiosos y profundos aportes de Héctor y Luis Correa eran un toque de distinción para crear el clima apropiado en la sala. Luego se intercambiaban opiniones y hasta se precisaban los detalles que tenían un gran significado en el desarrollo de las películas.

EL CIUDADANO ILUSTRE. Un viaje kafkiano al terruño

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Tue, 14 Feb 2017 19:17:00 +0000

EL CIUDADANO ILUSTRE

Un viaje kafkiano al terruño

". . . Si en todas partes del mundo el hombre es hijo de la tierra, en Las Hurdes la tierra es hija de los hombres"

· Miguel de Unamuno ·

Las Hurdes empieza donde acaba la fantasía del sueño. Parajes inundados de naturaleza, color y vida, que dan a la comarca una singularidad difícilmente irrepetible e inigualable. Entre valles y colinas, el sol y el agua dibujan paisajes de coloridos intensos en cada una de las estaciones, llegando a su máximo esplendor al eclosionar la primavera. Largos y espesos son los silencios que se extienden por la historia de esta comarca. Esto hace que sea un lugar de leyendas y tradiciones que sus gentes se resisten a perder en pro de una historia pasada y una identidad propia.

Ficha técnica:

Título original: El ciudadano ilustre.

Año: 2016

Duración: 118 min.

País: Argentina

Director: Mariano Cohn, Gastón Duprat

Guion: Andrés Duprat

Música: Toni M. Mir

Fotografía: Mariano Cohn, Gastón Duprat

Reparto: Oscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván Steinhardt, Manuel Vicente, Marcelo D'Andrea, Gustavo Garzón, Emma Rivera

Productora: Aleph Media / Televisión Abierta / A Contracorriente Films / Magma Cine

Premios

2016: Festival de Venecia: Mejor actor (Oscar Martínez); nominado a Mejor film

2016: Premios Goya: Mejor película hispanoamericana

2016: Festival de Valladolid - Seminci: Espiga de Plata y Mejor guión

2016: Festival de La Habana: Sección Oficial de largometrajes a concurso

2016: Premios Sur: 9 nominaciones incluyendo mejor película y director

Cuando Luis Buñuel crea "Las Hurdes", en 1933, y sienta las bases del surrealismo antropológico en el género documental, no sólo le presta atención a las medievales condiciones de vida de sus pobladores, sino y en especial, a la resistencia que presentan ante la posibilidad de perder historias pasadas y una identidad propia.

En esta historia de Duprat y Cohn, quizá el tema o el asunto que se observa y se destaca, no sea tanto el retorno del Premio Nobel de Literatura, Mantovani, como su efecto sobre los pobladores de este pequeño pueblo rural, ¡ojo! hablamos de una pequeña población de la extensa llanura pampeana bonaerense, y esto en alusión al origen de uno de sus realizadores, que, por otra parte es el autor del guión. Los que vivimos, nacimos y nos criamos, en un poblado así, de estas características, aún aquellas cercanas al Atlántico, reconocemos que así fueron y así son los caseríos que se encuentran desparramados por toda esta pampa, hoy semiabandonada, cuando no hace muchos años era surcada por el ferrocarril y no sólo por el transporte automotor. O sea, eran más prósperas y no tan conservadoras. Salas, que dicen que existe, en el norte de la provincia, es un cabal exponente de este proceso desertificador desde el punto de vista humano.

Las Hurdes (Cáceres), de Buñuel, es una pequeñísima aldea, totalmente aislada, del norte español, pobre, atrasada y muy misteriosa. Salas, un pequeñísimo poblado del norte de la Provincia de Buenos Aires, Argentina, con modos y costumbres, algunas extrañas, y profundamente conservador, pero muy precario desde el punto de vista moral y cultural. El film va adentrándose paulatinamente en ese estilo de vida como va cocinando algo extraño entre Mantovani y ciertos habitantes que pasaron de algún modo en una época remota de su vida, puesto que el protagonista nació y creció en el lugar.

Hasta aquí lo que todos hemos visto de la película. Los rasgos y perfiles pueblerinos que hemos hasta sentido de esta historia y del lugar donde se desarrolla.

Creemos que conceptualmente la obra tiene otro costado, aún más profundo y terrible. La complejidad que se va apoderando del cuento, primero con “La invitación”, que es su primer capítulo, por la cual se conecta la autoridad municipal para que realice el viaje desde España, luego con “Salas”, segundo capítulo, “Irene”, tercer capítulo, “El Volcán”, cuarto capítulo, y “La cacería” quinto y último capítulo, junto con el prólogo –la premiación en Estocolmo-, van conformando un verdadero laberinto físico y emocional, donde se mezclan aspectos tenebrosos encarnados en personajes aberrantes, y situaciones absurdas, ridículas y desagradables, incomprensibles desde su punto de vista (de Mantovani), pero muy naturales para los habitantes de Salas. Esta mirada, un tanto aturdida, donde los hechos o las acciones de los personajes están recubiertos de los rasgos típicos del teatro del absurdo, y el clima clasustrofóbico del pequeño pueblo transitado por personajes sacados de una galería psiquiátrica, donde el protagonista entra en conflicto existencial para entender las ridículas situaciones, tal como Kafka elaboró a través de Sr. K, ayuda a creer que “El ciudado Ilustre” se entienda como un obra metafórica, simbólica, llena de miradas irónicas y tragicómicas. No sabemos si lo kafkiano emerge por una decisión de hacer una obra crítica de la realidad de ciertos sectores impregnados de hipocresía y falsa apariencia, o bien, volvemos a caer en el costumbrismo y en la pintura local por una mera intención de mostrar lo grotesco de una sociedad decandente en vías de desaparecer. No hay duda que lo kafkiano se encuentra en ambas, donde lo real y lo ficticio se mezclan y entrecruzan permanentemente. Si esta es la intención, tenemos antecedentes extraordinarios en Haneke ("La cinta blanca. Una historia infantil alemana", 2009), en Polanski (Venus in Fur, 2013), en los hermanos Coen (Fargo, 1996, No es país para viejos, 2007) y en Lars von Tier (“Dogville”, 2003). Todos films, por citar algunos, que de una u otra manera se insertan en la problemática del origen histórico de los grandes holocaustos, la violencia, y la hipocresía de los grandes discursos morales que han pasado a la historia. Otros ejemplos: ”… informó el secretario de Seguridad Interior, John Kelly, sobre los arrestos hechos por agentes del ICE en Los Angeles, Chicago, Atlanta, San Antonio y Nueva York”. Según Kelly, esas personas "representaban una amenaza a la seguridad pública, a la seguridad de nuestras fronteras y la integridad del sistema migratorio de nuestro país".

Si esta película, desde este ángulo, y como obra cinematográfica, logra transmitir estas preocupaciones universales del hombre contemporáneo, es decir, si utilizó las herramientas estéticas y narrativas con el fin de reflejar los grandes males del mundo, del hombre como individuo, de la sociedad toda, independientemente del lugar donde se sitúe la historia y la profundidad existencial de los personajes; si los autores tuvieron como objetivo esta intención, la de describir en imágenes, habría que adentrarse en cuestiones técnicas, semánticas y del lenguaje propio del cine que, quizá, no hayan estado a la debida altura para abordarlos y así convertirse en una obra maestra. Nuestro propósito se centró en proporcionar algunas pautas, en llamar la atención sobre ella para que el espectador no la pase tan facilmente por alto, ni la ignore sólo por ser argentina.

Héctor Correa

Punta Alta, febrero de 2017

CIUDAD DE LAS ESTRELLAS, LA LA LAND. UNA HISTORIA DE AMOR EN LA ERA TRUMP

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Mon, 06 Feb 2017 16:38:00 +0000

CIUDAD DE LAS ESTRELLAS, LA LA LAND. UNA HISTORIA DE AMOR EN LA ERA TRUMP

UN GÉNERO MUSICAL CASI OLVIDADO

Mientras Hollywood otorga su máximo galardón -el Oscar-, a un film blandito como “La La Land”, Trump, recientemente elegido presidente de los Estados Unidos, toma toda clase de medidas antistablishment, de corte duro y xenófobo, negando así el giro “progre” de le era Obama. ”La única coincidencia de May con el resto del bloque consistió en deplorar las declaraciones de Trump sobre la construcción de un muro en la frontera con México, las restricciones al ingreso a Estados Unidos para los viajeros procedentes de siete países mayoritariamente musulmanes, los comentarios favorables a la tortura y sus críticas a la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN), a la cual calificó de "obsoleta".” (Ver el siguiente link: http://www.lanacion.com.ar/1981703-europa-en-alerta-por-la-ofensiva-de-trump?utm_source=n_os_nota1&utm_medium=opinionS&utm_campaign=NLExt).

O nos detenemos y analizamos sin prejuicios la película, como producto de la historia del start system, o de la comedia musical al menos, o la ubicamos dentro de una situación histórico-política más amplia y nos detenemos en qué momento va a ser premiada y las connotaciones que tiene dicha circunstancia.

No es, ni nunca lo fue, inocente desligar una cosa de la otra. La obra cuenta una historia sencilla. Mia (Emma Stone) y Sebastián (Ryan Gosling) se conocen en Los Angeles. Ambos buscan trabajo, cada uno aspira a desarrollar sus sueños (la música y el teatro). Pero no va a ser tan fácil, ni para uno ni para el otro en la “ciudad de las estrellas”. Por fin sobre el final logran llegar al éxito, pero a costa de dejar por el camino su vidas, sus aspiraciones personales, sus afectos y su mutuo amor. La película fue escrita y dirigida por Damien Chazelle (31 años), estadounidense, de padre francés y madre norteamericana. Podríamos adentrarnos aún más en su biografía, pero sería largo y tedioso semejante labor. Mejor es mencionar el trabajo minucioso o meticuloso sobre la historia de la comedia musical que realiza para confeccionar un guion atractivo y elegante, con una discreción meritoria a la hora de utilizar la música y los bailes. Quien iba a pensar que en unos pocos meses tanto Emma como Ryan realizarán pasos de baile al mejor estilo Ginger Rogers, Fred Staire o Leslie Caron y Gene Kelly. Pocos, medidos, pero dotados de esa cualidad que sólo el cine del género musical supo imprimir a sus actores y bailarines. Lo mismo con el canto. Esta síntesis argumental se refiere a la comedia musical. Suave y melancólica evocación, en el medio del caos Trump. Contraste espeluznante si tenemos en cuenta hacia donde puede encaminarse la mayor potencia mundial, y sus consecuencias a nivel planetario, tanto para Europa como unidad, como para continentes hispanoparlantes como el nuestro, con Méjico a la cabeza.

La verdad es que la visión que tuvo y tiene Hollywood de América Latina, no es muy distinta que la que manifiesta sin tapujos Trump. El cine norteamericano está lleno de films, algunos famosos musicales, donde se citan países latinos en sus aspectos turísticos y subalternos, ni más ni menos como el patio trasero de la gran potencia. Y nos preguntaremos, entonces, qué tiene que ver esta mirada con “La La Land: una historia de amor”. Es que la película, que presuntamente va a ganar el Oscar, está asentada, semánticamente y culturalmente sobre esta concepción. Y tiene dos raíces, una es “el sueño americano”, en este momento revalorado por el actual presidente, y otro por el llamado “american system”, también hoy reivindicado. Aunque nunca abandonados, ambos aspectos, más la doctrina del “Manifest Destiny”, se constituyen en los pilares en los cuales se fundó el cine, y toda la cultura norteamericana.

Las luchas de Mia y Sebastian para alcanzar sus metas, aún perdiendo, no manifiestan otra cosa que estas claves tan caras para el americano medio, prototipos temáticos sobre los cuales giró el sistema del género cienematográfico hollywoodense. Los personajes desafían un sistema pero triunfan gracias a ese sistema. Este es el tema, en la comedia, el drama, el western, el policial negro, el bélico, etc. Si la globalización en todos los órdenes, de la que Obama fue cabal expresión, cultural, económica y étnica, atemperó estos fundamentos, algo o alguien deberá volver a ponerlos en su lugar, ya que son la esencia de este país y de su poderío. Quizá sea Trump.

La realidad es que la maquinaria sigue su marcha, pese a quien le pese. El género del lejano oeste y su conquista seguirá exhibiéndose por el mundo y nadie se acordará si Méjico, su región, y el río Grande, tuvieron un papel mítico o épico en ese cine. Y se producirán obras como Babel, o el género negro seguirá mandando delincuentes peligrosos a refugiarse en ese país de habla hispana al sur de E.E.U.U. La comedia hará sus obras mientras presidentes demócratas o republicanos estén en el poder preservando una cultura y una visión del mundo que no ponga en peligroso las bases esenciales de un estilo de vida.

Claro la percepción de Chazelle incluso toca films míticos como “Casablanca (1942)”. Recordemos que llega hasta el norte de África (Marruecos), Michael Curtiz, su director, con Humbrey Bogart, un típico y excelente actor hollywoodense de la década del cine negro norteamericano, quizá el más grande, síntesis de la encricijada socio-económica de la sociedad norteamericana de antes de la 2da. Guerra Mundial. Éste es un capítulo aparte de la historia del cine de la gran industria cinematográfica. Incluso inspirador de movimientos como la Nouvelle Vague francesa. Tal fue el espectro cultural en cual se alimentó el director de “La La Land” para hacer su film. El espectador deberá adentrar con cierta profundidad en su mirada para vislumbrar estos espectos. Incluso “Los paraguas de Cherburgo” (Jacques Demy, 1964) según algunos críticos.

Luz, color, música, personajes desencantados, una historia que roza una crisis existencial, son los condimentos narrativos del joven realizador, quien elabora un film nostálgico y sutil, para contarnos que aún este género puede ser evocado como añoranza de un ser querido aún no perdido del todo.

Héctor Correa

Punta Alta, febrero 2017

"SONRISA"

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sat, 20 Aug 2016 23:48:00 +0000

"SONRISA" DE CHARLES CHAPLIN

"Sonrisa" es una canción basada en un tema instrumental utilizado en la banda sonora de la película de Charlie Chaplin 1936 "Tiempos modernos".

Chaplin compuso la música, mientras que John Turner y Geoffrey Parsons agregaron las letras y el título en 1954. En las letras, el cantante le está diciendo al oyente que sonría y que siempre existe un mañana brillante, justo mientras sonríen.

La canción fue originalmente cantada por Nat King Cole, en 1954. También fue interpretada por la hija de Cole, Natalie, en su álbum de 1991.

Este es el tema, compuesto por el propio Chaplin, con el que finaliza Tiempos Modernos

sonreír aunque tu corazón es dolor......

Cantada por Nat King Cole

Letra de John Turner y Geoffrey Persons

Música de Charlie Chaplin

Letra:

Sonreír aunque tu corazón es dolor

Sonreír a pesar de que se está rompiendo

Cuando hay nubes en el cielo, lo conseguirás

Si tú sonríes a pesar del miedo y la tristeza

Con la sonrisa tal vez mañana

Verás el sol y lo verás venir brillando para ti

Ilumina tu cara con alegría

Oculta todo rastro de tristeza

Aunque una lágrima puede estar siempre tan cerca

Es el tiempo que debes seguir intentándolo

Sonríe, ¿de qué sirve llorar?

Encontrarás que la vida todavía vale la pena

Si tú sólo sonríes

Es el tiempo que debes seguir intentándolo

Sonríe, ¿de qué sirve llorar?

Encontrarás que la vida todavía vale la pena

Si tú sólo sonríes

UNA OBRA DE ARTE HECHA ANIMACIÓN

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Mon, 08 Aug 2016 00:32:00 +0000

DESTINO

"Destino" es un cortometraje de animación de menos de 7 minutos de duración que Walt Disney le encargó a Salvador Dalí en 1948, y que está basado en la canción “Destino”, del mexicano Armando Domínguez. Tenía que combinar ballet y dibujos, y debía formar parte de un largometraje de relatos breves, pero el proyecto quedó inconcluso tras 20 segundos realizados. No fue hasta el año 2003 en el que se retomó el proyecto, mucho después del fallecimiento de ambos, y gracias a los bocetos e instrucciones que había dejado el propio Dalí.

Sinopsis:

Con siete minutos de duración, "Destino" cuenta la historia de amor entre Chronos, la personificación del tiempo, y una mujer mortal. Las escenas muestran a la mujer bailando sobre los paisajes surrealista tradicionales de Dalí, mientras intenta encontrarse con Chronos, personificado a través de una pirámide de piedra. Los protagonistas buscan encontrarse también a sí mismos, y para eso deben sufrir una metamorfosis, superar sus propios obstáculos. No hay diálogo, pero la banda sonora incluye la música del compositor mexicano Armando Domínguez, interpretada por Dora Luz.

Una canción de amor perdido y vuelto a descubrir, una mujer ve y experimenta transformaciones surrealistas. La cara de su amante se derrite apagado, ella luce un vestido de la sombra de una campana y se convierte en un diente de León, hormigas arrastran fuera de una mano para convertirse en franceses, andar en bicicleta. Sin olvidar las tortugas con las caras a sus espaldas que chocan para formar una bailarina, o el juego de béisbol extraño. De la fusión de relojes y reloj de arena, a la figura en los cómics, el personaje cubierto de globos oculares, el estilo y temas o Dalí son claramente reconocibles a lo largo.

Director: Dominique Monfery

Writers: Salvador Dalí (story), John Hench (story)

Stars: Jennifer Esposito, Dora Luz | See full cast and crew

Cita:

José Tomás Franco. "Cine y Arquitectura: "Destino", una colaboración entre Walt Disney y Salvador Dalí" 17 ene 2015. Plataforma Arquitectura.

Jonathan Ricardo Allende dijo:

Una obra de arte hecha animación

La mayoría piensa que este material audiovisual corrió en gran parte por Salvador Dalí, pero hay que ser justos y honestos con la contribución real que aportaron las personas que desarrollaron este cortometraje.

La idea fue una colaboración entre Disney y Dalí ( No sé quien la tuvo, pero los dos la desarrollaron).

El Guión fue una coproducción entre John Hench y Salvador Dalí, pero con mayor jerarquía de Hench.

La Dirección originalmente se tenía pensado que fuera Disney el encargado de esta, pero fue Monfréy Dominique quien la desarrolló cincuenta y cinco años después, en el año dos mil (El proyecto originalmente comenzó en mil novecientos cuarenta y cinco, pero debido a la Segunda Guerra Mundial se pospuso por cincuenta y cinco años y se publicó en el año dos mil tres).

La animación fue realizada por un equipo de 25 animadores supervisados por el animador Monfréy Dominique, quien se inspiró en el estilo gráfico de Dalí,pero cabe aclarar que Hench ya había realizado un corto antes.

La música fue compuesta por Armando Dominguez e interpretada por Dora Luz.

BARAKA. LA UNIDAD CON LA NATURALEZA Y EL HOMBRE.

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sat, 05 Dec 2015 16:42:00 +0000

UN DOCUMENTAL PARA NO OLVIDAR

Este es un fragmento apropiadamente seleccionado del documental "Baraka" del realizador Ron Fricke realizado en 1992

"La geografía, como disciplina del hombre estrechamente vinculado a la tierra o a su entorno, le ha dado al cine una dimensión que impregnó de esencialidad a la narración cinematográfica, para lo cual el realizador debió, y debe tener en su debida cuenta ahora más que nunca, el lugar, la espacialidad, y la integración total hombre-naturaleza, dándole a la obra su correcta proporción y equilibrio como obra de arte. No habría film sin esa capacidad para establecer relaciones con la naturaleza, relaciones muy especiales, muy humanas y sensibles."(www.cinenpunta.blogspot.com.ar)

Ficha técnica

Título original: Baraka

Año: 1992

Duración: 100 min.

País: Estados Unidos

Director: Ron Fricke

Guión: Ron Fricke, Genevieve Nicholas, Mark Magidsen, Bob Green

Música: Varios

Fotografía: Ron Fricke

Productora: Magidson Films

Género: Documental

Sinopsis:

Aclamado documental sobre la naturaleza del planeta Tierra. Rodada en 24 países diferentes, trata de captar la esencia de la naturaleza y la cultura de la humanidad y sus costumbres, al tiempo que señala las formas en las que el ser humano se relaciona con su medio ambiente. La aparente fragilidad de la vida humana es contrastada con la grandeza de sus obras, subrayándose la desigual relación entre hombre y naturaleza. Baraka no tiene argumento lineal, ni personajes ni diálogos, pero, en medio de estos enormes contrastes, la espiritualidad de la humanidad surge como el elemento más importante que la distingue de otras especies. Un mundo más allá de las palabras. (FILMAFFINITY)

Críticas

"Delicada y esplendorosa rareza (...) poema visual ancho, dolorido y ambicioso, frontal y fraternal (...) mirada aterrada y esperanzada a la tierra. Una mirada al mismo tiempo herida y enamorada"

Ángel Fdez. Santos: Diario El País

Acerca de este extraordinario documental:

http://cinenpunta.blogspot.com.ar/search/label/CINE%20Y%20NATURALEZA

http://cinenpunta.blogspot.com.ar/search/label/GOODFREY%20REGGIO

CONSIDERACIONES SOBRE EL CINE COMERCIAL Y EL CINE DE AUTOR

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Tue, 09 Jun 2015 19:01:00 +0000

CONSIDERACIONES SOBRE EL CINE COMERCIAL Y EL CINE DE AUTOR

Cinencuentro

Sobre ir al (multi)cine y ver películas, en el Perú

Escrito por Laslo Rojas

Lunes, 8 junio 2015

Luego de leer esta entrevista al gerente general de Cineplanet, la empresa de multicines más grande del Perú, y los comentarios que se hicieron al respecto en distintos medios online, como en el blog En Cinta del amigo Alberto Castro, algunas ideas se me vinieron a la cabeza, algunas reflexiones sobre lo que significa ver películas en estos días, en un país como el Perú.

Multicines en Lima, Peru (Foto: Agencia Andina)

Para comenzar, pienso que nos estamos equivocando si esperamos que el multicine como lo conocemos actualmente sea una especie de templo del cine, un lugar donde el visionado de ese objeto sagrado llamado película sea lo más importante. Si eso fue así en algún momento del pasado, dudo mucho que lo volvamos a vivir. (Y probablemente las personas de mi generación, treintañeros para abajo, nunca vivimos tal época dorada). Considero además que esta palpable realidad no es necesariamente algo malo, es simplemente… distinto. Intentaré explicarme en las siguientes líneas.

Con los años de experiencia que tengo como espectador/consumidor, considero que el visionado de la película dentro de un multicine no es lo principal para el negocio de la exhibición. La película se ha convertido más bien en la excusa perfecta para atraer público a estos establecimientos cuyo principal (y válido) negocio es vender popcorn y otros snacks. Estos son los productos que, así lo entiendo, les ofrecen la mayor rentabilidad a las empresas exhibidoras, así que desde el punto de vista empresarial, se entiende porqué le dan tanta preponderancia a la venta de esos productos, por encima incluso de la experiencia del visionado de la película.

Por ejemplo, sobre la cada vez más extendida práctica de vender popcorn dentro de la misma sala, e incluso durante la proyección de la película: Es poco probable que las empresas exhibidoras (los multicines) estén haciendo esto si saben que van a mortificar y espantar a su público, sus preciados clientes. Todo indica que el público en general –no nosotros, “los cinéfilos”- le da más importancia a comodidades como esa venta delivery que a la proyección inmaculada y sin interrupciones de una película. El público quiere ver la película, sí, pero al parecer no les molesta perderse unos minutos del filme para atender al vendedor de canchita. (Por cierto, tampoco les molesta salir un toque al baño, o chequear su celular. Elaboraré sobre esto último más adelante).

“Ir al cine” se ha convertido, pues, en una experiencia que se desarrolla alrededor de la proyección de la película, pero que no se limita a eso, para nada, sino que incluye el consumo de otros aditamentos, comidas, bebidas, así como servicios extras, proyección en 3D, salas con sillones especiales con efectos de movimiento, sonoros, etc. Y todo esto por supuesto, compartido con nuestros amigos o familiares. “Ir al cine” es una experiencia social. Lo sigue siendo, en todo caso.

Sin embargo a mí me gusta pensar que en la actualidad “El Cine” no se limita al multicine. Para mi “Cine” es ver una película en esa sala oscura, con sillones grandes y olor a popcorn, como también lo es ver un blu-ray en un buen TV LED, darle play a ese archivo de video que descargué o que elegí en el app de Netflix en mi laptop o tablet.

Como decía, ver una película ha sido siempre una experiencia social. Es cierto, al ver la película está uno y las imágenes, esa es la relación inicial que se establece, de uno a uno, aparentemente solitaria dirían algunos. Pero al mirar estas imágenes se dispara también la necesidad de compartir nuestras sensaciones sobre lo que acabamos de ver. Antiguamente uno esperaría a que terminara la proyección, para luego conversar sobre el filme con los amigos, tomando un café. En ocasiones, se llegaba a comentar algo, brevemente y en voz baja durante la misma proyección. Así de fuerte es la necesidad de compartir la experiencia de ver una película.

En nuestros días esto es así: Uno sigue queriendo compartir estas sensaciones con los demás, utilizando entre otras cosas las herramientas con las que contamos hoy, léase el smartphone. Pero las normas sociales que ha establecido desde siempre una sala de cine no son compatibles con estas recién adquiridas costumbres: mantenerse callado y quieto a oscuras, durante dos horas seguidas, es un reto para más de uno. Aquí es cuando aparece como opción ideal el visionado de una película en la comodidad de tu hogar.

Al ver una película en casa, uno puede interrumpir el visionado a voluntad, para ir al baño, prepararse algo de comer, o chequear Facebook en el celular sin molestar a nadie, o repetir esa última escena que te gustó tanto o que no lograste entender completamente. Ventajas notables que, como todos sabemos, no se pueden conseguir en un multicine.

Desde hace ya un buen tiempo, realizar alguna de estas actividades durante el visionado de una película dejó de ser para mí un pecado mortal. Esto fue algo que sentí validado cuando, al ver películas en casa junto a amigos que son mucho más tradicionalistas que yo al respecto (del tipo de los que aman el celuloide y extrañan los cines de barrio), noté que incluso ellos, puristas entre los puristas, no tenían reparos en revisar sus smartphones durante los tiempos muertos de la película rumana de turno. Ningún cinéfilo murió por hacer esto, ni modificó su valorización final de la película.

Viendo nuestro cine

Viaje a Tombuctu

Respecto a la discusión sobre el maltrato que recibe el cine peruano de parte de los multicines: Me parece que desde hace un par de años, las empresas exhibidoras han dejado de considerar al “cine peruano” como una categoría única. Para los multicines las películas peruanas ahora son o “películas de géneros comerciales” o “el otro cine”, tal como subdividen al resto de películas de otras latitudes. Para bien o para mal.

Desde la aparición de Asu Mare, los multicines se dieron cuenta que podían considerar a una película de “cine peruano” como “película comercial”, con las posibilidades de negocio que eso significaba para todas las partes involucradas, productores, exhibidores, distribuidores, etc. (E incluso con ventajas respecto a los blockbusters gringos: aca sí tienen a las estrellas de los filmes locales a su entera disposición, para promocionar día y noche sus productos/películas en medios masivos, una herramienta de marketing que Hollywood explota sin piedad).

Mientras tanto, el resto de películas nacionales, las “cintas de autor” que les dicen, continuarían recibiendo el trato que reciben todas las otras películas de intéres del cine mundial que logran asomar por nuestro país. Así, lo que por estos días sufre la peruana “Climas” (ser exhibida solo en cinco salas, en 16 funciones al día), lo sufrieron en su momento las estadounidenses “Boyhood” y “Foxcatcher”, o la japonesa “Like Father, Like Son”, por mencionar solo algunos estrenos recientes de películas de primerísimo nivel.

Retomando un poco la idea inicial de este rant: No creo que el multicine sea el lugar ideal para esperar ver ese “otro cine”, el peruano o de otras procedencias. El multicine y su público no son compatibles con ese cine distinto, que requiere mayor atención del espectador. Una “película de autor” sufre en ese ambiente rodeado de blockbusters y cajas de popcorn. Me que parece en vez de esforzarnos en lograr el preciado estreno de estas películas en multicines, deberíamos comenzar a crear más salas alternativas a este circuito comercial, algo que cineastas como la directora de “Climas” también propone, imitando lo que se hace en grandes ciudades del mundo.

Otros espacios ideales para ese “cine distinto” son las nuevas pantallas, que ya no son tan nuevas, y las cuales considero tan Cine (en mayúscula) como las pantallas del multicine o de la sala independiente. Me refiero a la proyección casera en todas sus variantes, en televisores, en computadores, en tablets.

Sí, siempre escucharemos a los que exigirán y desearán ver aquel esperado nuevo filme portugués o turco en “el cine”, en pantalla grande, con sonido Dolby, a oscuras y sin interrupciones mundanas. ¿Pero qué si estás condiciones tan específicas no se llegan a dar nunca? ¿Se deja de ver aquel venerado filme, y se queja uno eternamente? ¿O nos adaptamos a los tiempos que corren, tomamos las herramientas con las que contamos, y vamos moldeando un nuevo estándar de visionado de películas?

Más que “renunciar y resignarse” a no tener nuestras películas favoritas proyectadas en pantallas gigantes en un sistema inventado hace más de un siglo, creo que debemos buscar opciones y así renovar la experiencia de ver cine. Porque al final de cuentas lo más importante siempre han sido las imágenes, las historias, y el feeling de verlas, oírlas y compartirlas, mucho más importante que el soporte, el ecran, la pantalla o los pixeles.

Carlos dice:

8 junio 2015

“La película se ha convertido más bien en la excusa perfecta para atraer público a estos establecimientos cuyo principal (y válido) negocio es vender popcorn y otros snacks. Estos son los productos que, así lo entiendo (…)”

Esto es desmentido por el gerente de Cineplanet en la entrevista. ¿Hay alguna fuente que confirme este parecer? Personalmente, no me parece apropiado argumentar parte de un artículo de acuerdo a lo que el autor “así lo entiende”.

Laslo Rojas dice:

9 junio 2015

Lo que el gerente de Cineplanet dice en la entrevista es que el mayor porcentaje de sus ingresos brutos (del “ticket”) proviene aun de las entradas al cine. Lo que no dice aquí es qué lado del negocio les es más RENTABLE, si la venta de snacks o la venta de entradas.

Respecto del negocio del popcorn en la industria de los multicines recomiendo que lean el libro “Cultura Mainstream”, en particular estas páginas: “…la rentabilidad del cine no reside tanto en las entradas como en las concesiones, cuyos ingresos conservan íntegramente el exhibidor”

Aquí el libro completo http://es.scribd.com/mobile/do.....Mainstream

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Punta Alta, 09 de junio de 2015

UNA VEZ MÁS EL REALITY SHOW

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sun, 15 Mar 2015 15:48:00 +0000

Espectáculos

Domingo 15 de marzo de 2015

Entrelíneas

La tragedia detrás del show

Por Marcelo Stiletano | LA NACION

En los años 80 pasó por la televisión argentina un éxito grande en frasco bien pequeño. Se llamaba El país que no miramos y sus emisiones de escasos minutos condensaban con mucha destreza la historia y el retrato de algún lugar, paraje, reducto o hito de la Argentina, de esos que pasan inadvertidos ante nuestros ojos hasta que la pantalla nos revela su condición de secreto bien guardado.

Tres décadas después quizá valga la pena retomar aquel título y aplicarlo a otro tiempo histórico y mediático, aunque el punto de partida mismo de esta idea se nos haga intolerable. La televisión que no miramos es lo que aparece en medio de la bruma y del dolor de un accidente incomprensible, el que cobró diez vidas en un paraje casi inaccesible de la provincia de La Rioja.

Allí, en la tarde del martes pasado, chocaron en el aire dos helicópteros en plena tarea de filmación de un reality show llamado Dropped, éxito indiscutido del género en Francia. En el hecho murieron diez personas, entre ellas, tres deportistas muy queridos en ese país, campeones en sus especialidades y triunfadores olímpicos. También perecieron cinco integrantes del equipo de producción y los dos pilotos argentinos.

Dropped es uno de los muchos ejemplos de una televisión que no miramos sencillamente porque se produce en la Argentina para ser exclusivamente vista en otros países. Por cuestiones de costos o de características de producción, nuestro país funciona como escenario de programas que probablemente jamás llegarán a los hogares argentinos, pero que en otros países serán vistos por millones de personas. Así viene ocurriendo desde hace algunos años con un rango amplio de reality shows que van desde los espantosos juegos de Fear Factor (cuya razón de ser es el regodeo morboso en los miedos y las fobias de los participantes) hasta los desafíos deportivos extremos de El conquistador del fin del mundo.

Dropped pertenece por definición a esta última categoría, tal vez el desprendimiento más exitoso del género más joven de la TV, surgido en 1999 con el primer Gran Hermano. Producido por el gigante europeo Zodiak Media (dueño de 45 productoras en 15 países y un archivo de programación propia de más de 20.000 horas) a partir de un formato original de origen sueco, este gran éxito de la televisión verdad en Francia invita a un grupo de famosos (por lo general estrellas deportivas) a instalarse dentro de un helicóptero con los ojos tapados, sin saber dónde serán depositados (de allí el título del programa, en inglés). Sólo pueden quitarse la venda al llegar a tierra firme y descubrir que sólo están rodeados por naturaleza pura. Sin mapas ni ayudas tecnológicas deberán salir en busca de un enchufe para cargar el teléfono, primer símbolo de reencuentro con la civilización. El que llega primero, gana.

En ese trámite estaban la nadadora Camille Muffat, la regatista Florence Arthaut y el boxeador Alexis Vastine cuando se produjo el impacto entre las dos máquinas en el cielo riojano. Se preparaban para descender y exponer (más allá de su preparación) toda la debilidad de un ser humano privado de recursos frente al poder de la naturaleza. En este sentido, Dropped se aproxima peligrosamente a las retorcidas fórmulas de Fear Factor.

Los cruces entre ambas dimensiones (la exploración del límite máximo de la resistencia humana y el sensacionalismo morboso) se fueron haciendo cada vez más constantes, por más que sus responsables y muy probablemente buena parte de la propia audiencia se resistan a aceptarlo. Allí están como prueba algunas de las ideas más extremas que la TV reciente se animó a poner en el aire en la búsqueda del máximo realismo posible.

Tal vez el más crudo e incomprensible de todos los programas sea Born in the Wild, un reality documental que acaba de lanzar en Estados Unidos el canal Lifetime (la première fue el 3 de marzo) y que sigue al detalle a un grupo de mujeres embarazadas y resueltas a dar a luz en medio de la naturaleza y sin ningún tipo de ayuda médica.

Una versión igual de incómoda de este modelo, pero un poco más frívola y provocativa, es Naked and Afraid, que desde 2013 produce Discovery y que obliga a una pareja a sobrevivir en algún lugar cercano al estado puro de naturaleza completamente desnuda y sin otra ayuda que un mapa y un solo ítem a elección. La experiencia transcurrió en lugares como Tanzania, la selva amazónica, las islas Maldivas, Borneo y hasta la zona selvática montañosa ubicada en el límite entre la Argentina y Bolivia.

También hay nudistas voluntarios en el reality show de supervivencia más popular de Italia, L'isola dei famosi, que este año cumplió sus 10 temporadas consecutivas. Cada año una decena de famosos se instala en una isla (por lo general ubicada en algún lugar de América Central) y quien llegue más lejos en los desafíos de supervivencia (deben construirse su propia casa y procurarse el alimento, entre muchos otros objetivos) obtendrá la mayor recompensa.

Este año, el elenco de figuras de L'isola dei famosi contó con nuestra conocida Charlotte Caniggia y un detalle inesperado: la francesa Catherine Spaak, recordada protagonista de Il Sorpasso, apenas llegada a la isla de este año, en Honduras, tuvo su "bautismo" con una furibunda tormenta y decidió abandonar el programa sin esperar ni siquiera el primer capítulo. Ya de regreso en Roma, al enterarse de la tragedia de sus coterráneos en La Rioja, dijo: "Yo fui muy criticada por la prensa porque me fui. La verdad es que tenía miedo de morir. Y acerca de lo ocurrido en la Argentina sólo voy a decir una cosa: se trata de una tragedia anunciada".

El testimonio de Spaak se sumó al debate que se desató casi al mismo tiempo en Francia, en Italia y en el mundo anglosajón luego de la tragedia de La Rioja. En medio de ese hervidero no dejan de conocerse reproches a las productoras francesas de este tipo de programas, que al parecer están empeñadas en sacar el máximo provecho del atractivo de la TV verdad con el mínimo costo posible. Y no fueron pocos los que recordaron el infausto antecedente de Koh-Lanta, equivalente francés de Survivor, el más longevo de los reality shows de su tipo. El 22 de marzo de 2013, Gérald Babín, uno de los participantes, murió de un infarto en Camboya. Poco después se suicidó el médico oficial del programa.

Detrás del gran show de la realidad televisada, concebido para que nada se oculte a nuestros ojos, siempre aparece algo que no queremos mirar..

La Nacion Digital

LA TELEVISIÓN ARGENTINA Y LAS VACACIONES. LA ESTRATEGIA MEDIÁTICA DEL MÍNIMO ESFUERZO

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sun, 11 Jan 2015 14:47:00 +0000

Espectáculos

Domingo 11 de enero de 2015

Entrelíneas

Toda la televisión de vacaciones

Por Marcelo Stiletano | LA NACION

La TV nos recuerda a cada momento que estamos en verano. Por si no llegamos a darnos cuenta después de largas horas en la calle, expuestos al pegajoso contacto con una sensación térmica que se empecina en mantenerse en lo más alto, cada vez que llegamos a casa y encendemos el aparato alguna voz nos dice, palabras más, palabras menos, que estalló el verano.

Pero en verdad ese mensaje debería leerse a la inversa de lo que estamos acostumbrados. La televisión en este caso no emite una consigna desde el interior de la pantalla hacia un supuesto receptor. Habla para adentro. Porque el que está de vacaciones es el propio medio.

Tan acostumbrada está nuestra TV a la autorreferencialidad que ese dato se transformó directamente en el eje de todos sus comportamientos. Esa atracción fatal hacia el ombliguismo es tan irresistible que para quienes hacen televisión en la Argentina no poner el mínimo esfuerzo durante las fiestas de fin de año resulta algo natural. Pensar en lo contrario, además de incomprensible, es casi herético.

Por eso, aplicando otro giro asombroso e inexplicable a las prioridades que deberían regir el comportamiento de un medio masivo sin necesidad de regulaciones escritas, la TV resolvió por decreto que el televidente debe estar al servicio de ella. Y en vez de redoblar esfuerzos para acompañar a quienes están solos y necesitan sobre todo a fin de año la cercanía de quienes se jactan de brindar un servicio público, decidió que era el momento de tomarse vacaciones. Que tiene el derecho, después de un arduo y desgastante esfuerzo anual, de cerrar todas las puertas y dejar la pantalla por largos días en piloto automático. Otro servicio público que cada vez que resulta interpelado por un cliente necesitado de explicaciones entrega por toda respuesta la impersonal voz surgida de una cinta grabada. "Nos comunicaremos a la brevedad", les faltó decir.

Bochorno interminable

El bochorno estuvo lejos de culminar en un "festejo" de Año Nuevo en pantalla con imágenes desgastadas de fuegos artificiales que vaya uno a saber en qué década ya superada se emitieron por primera vez. Un despropósito que quedó todavía más en evidencia ante la elemental comparación, en vivo y en directo, con el despliegue técnico y humano exhibido desde los canales internacionales por emisoras públicas y privadas conscientes del deber elemental que la TV tiene de celebrar la llegada del nuevo año cerca de la gente.

En realidad, lo ocurrido en Año Nuevo fue el inmejorable prólogo para el primer capítulo del libro del año escrito por nuestra televisión. Un volumen que por el despliegue visto en los últimos días tendrá escritas pocas palabras y contará con bastantes espacios en blanco. Porque la mayoría parece no haber regresado aún de sus vacaciones.

En ese papel en blanco sólo aparecen notas borroneadas en idiomas extranjeros. Quizá por primera vez en la historia de nuestra TV de aire asistimos, en el horario central, a una batalla por el rating librada entre los dos canales líderes con dos novelas extranjeras como estandartes. Por el lado de Telefé, la brasileña Rastros de mentiras. Por el lado de El Trece, la turca Las mil y una noches. Tal vez se trate de un nostálgico regreso a aquellos tiempos (décadas atrás) en los que la programación se reforzaba con las series extranjeras más notorias, hoy instaladas en otros espacios. O tal vez sea el resultado de un nuevo cuadro de situación (baja de encendido, cambios de hábitos en los televidentes, nuevas opciones en otras plataformas) que desconcierta a los canales de aire y los deja sin respuestas. O mejor, sin espíritu creativo.

Desde otra mirada, un poco más optimista, podría decirse que esta suerte de apertura al mundo expuesta en el prime time veraniego resulta provechosa. Siempre es bueno aprovechar las buenas lecciones llegadas desde el exterior cuando el ámbito doméstico no tiene demasiado para decir.

Pero en verdad no parece surgir de este cuadro una admisión del poco halagüeño cuadro de situación que afronta la TV local y mucho menos un aprendizaje de los errores. Si faltan reflejos en la pantalla es porque el medio se mueve con demasiada modorra, algo lógico si consideramos el período XL de vacaciones con el que nuestra TV decidió "autopremiarse". Y la demostración más contundente del cuadro la ofrecen hoy los equívocamente llamados canales de noticias, que en verdad deberían modificar su ubicación actual dentro de las tipologías televisivas.

Hoy, esas señales funcionan como grandes muestras de variedad o miscelánea, como si en algún punto anhelaran mimetizarse en esencia y en propósitos con los canales de aire. En la mayoría de ellos el concepto de noticia aparece distorsionado o, por lo menos, mal entendido, dato que queda en evidencia cuando se produce (y de esto hay innumerables ejemplos en las últimas horas) el viraje dramático que viaja sin escalas desde las trágicas calles de París a las burbujeantes playas de la costa atlántica bonaerense.

Y aquí vale de nuevo la comparación. La masacre del semanario Charlie Hebdo ocurrió en la mañana del miércoles último. Esa misma noche, la pantalla de CNN Internacional nos mostraba a uno de sus periodistas estrella, Anderson Cooper, en vivo y desde la calle, a pocos metros del lugar de la tragedia, en diálogo con algunos testigos clave. Se había tomado el primer avión para estar donde la noticia lo exigía ¿Dónde están, en cambio, los expertos en asuntos internacionales de las señales locales de noticias? ¿Qué análisis o evaluaciones del hecho que mantiene en vilo al mundo pueden hacerse sin voces rigurosas y especializadas? En la televisión local, la conjetura o la duda surge después del pronunciamiento más temerario y apresurado sobre cualquier cuestión. Se trate del asunto más delicado de la política internacional o del hecho de la crónica roja doméstica que conmueve en el momento a la opinión pública, y al que se consagran horas y horas de transmisión ininterrumpida.

Lo mismo ocurre cuando la TV, en un arriesgado salto mortal, nos deja llenos de dudas por lo que ocurre en París y cambia la pregunta o la consigna. Ahora hay que recorrer las playas para preguntarles a los que descansan si el verano estimula la infidelidad o llenar la pantalla de consignas francamente incomprensibles, cargados de onomatopeyas o abreviaturas ("Sábado para pile y licuadito", decía uno anteayer). En el más amplio sentido de la palabra, nuestra TV está de vacaciones..

Miembro de GDA.

EL CINE Y LA INDUSTRIA CULTURAL AMERICANA

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Tue, 18 Nov 2014 17:06:00 +0000

Cineastas internacionales alertan de la 'colonización' de la industria cultural americana

Los directores Camilo Cavalcante, de Brasil; Alexandre Powelz de Alemania; y el actor franco-argelino Nabil Asli, han explicado las dificultades para sacar adelante una película "de autor"

Cineastas de Brasil Argelia y Alemania, competidores de la sección oficial del Festivas de Cine Independiente de Ourense (OUFF), han alertado de la "colonización" de las salas de cine a cargo de las series de televisión, además de la ya constatada de las películas americanas, en concreto las del ámbito estadounidense.

En un encuentro con los medios de comunicación, los directores de cine Camilo Cavalcante, de Brasil; Alexandre Powelz de Alemania; y el actor franco-argelino Nabil Asli, han explicado las dificultades para sacar adelante una película "de autor" o de contenido "social" independiente respecto al circuito comercial, sobre todo las económicas y la falta de lugares de exhibición.

En ese sentido, Cavalcante ha detallado que los cineastas independientes se encuentran con que las salas imponen el cine más comercial "en el que ya no sólo hay colonización del cine americano, como siempre, sino el de las series de televisión que la gente quiere ver en cine con los mismos personajes y guión", y según Asli y Powelz, lo mismo ocurre ya en Francia y el Alemania.

Autor: Ziraldo

PELÍCULAS SIN PÚBLICO

En el caso concreto de Argelia, según ha señalado Asli, hay pocas salas de cine "en general, ni siquiera para el comercial", así que las dificultades de financiación "generalizadas para este tipo de cine, en cualquier parte del mundo", se ven ampliadas por la seguridad de que sólo se podrán ver las películas de temática social en festivales y salas fuera del país.

Por su parte, Cavalcante ha detallado que la película 'La historia de la eternidad' con la que compite en el OUFF tardó 13 años en reunir la financiación necesaria. "Así que sólo hace falta paciencia y persistencia", ha añadido y ha explicado que precisamente en su región, en Pernambunco, hace seis años inició su andadura el concurso anual público Funcultura, para destinar dinero a proyectos cinematográficos "así que resulta algo más fácil" pues se puede concurrir varios años para aspectos diferentes de una película.

En Alemania, según ha apuntado Powelz, el proyecto de su película 'Sin tí' (Ohne dich) hay apoyo en los diferentes estados y "lo complejo es decidir a cuál acudes en busca de financiación porque eso implica que luego tienes que grabar allí". Ha detallado, además, que el proyecto de su primera película, la que compite en el OUFF, surgió en 2009, por lo que consideró "relativamente fácil" conseguir los fondos en su país para una primera película "y además nadie te dice lo que tienes que hacer ni hay presiones en ese aspecto", agregó.

Por su parte, el actor argelino de 'La prueba', Nabil Asli, ha comentado que la financiación de películas en Argelia "es difícil como en todas partes", pero lo peor es la distribución. "Allí no hay salas de cine y cada año pueden hacerse unas mil películas que nadie del país podrá ver así que sólo queda recorrer festivales y ésta que protagonizo ya estuvo en 20, hasta en Líbano o Dubai", ha abundado.

PODER DE ESCOGER

Por otra parte, los tres cineastas se presentaron para dar a conocer las películas que representaron en el encuentro con los medios de comunicación. Celavante, ha explicado de su película, grabada en una pequeña comunidad de Prenambunco, que es una "tragedia fabulada" sobre los sueños, "en un tiempo en el que el mundo es escéptico y cínico en el que las personas confunden sueños con consumo".

En ese sentido, ha dicho que habla del alma humana y de las relaciones personales de forma franca, directa y honesta a partir de tres mujeres con edades entre los 15 y los 70 años y sus "amores en bruto".

Según el director, su película supone una contradicción pues habla del poder de la mujeres y de su capacidad de decisión "para abrir la puerta a un hombre o no", en un país en el que las mujeres son maltratadas. "Así provoco a la sociedad brasileña, que aún es muy machista", ha apostillado.

Powelz ha centrado su primer largometraje en tres mujeres que se conocen después de haber sufrido alguna pérdida, rodada en Stuttgart, ciudad que le ha recordado a Ourense "porque ambas parecen estar metidas en una olla, y transmiten la sensación de que algo se está cociendo en ellas y a veces se sale para fuera". Sus historias de mujeres muestran, según ha sostenido, que en situaciones dramáticas "ellas tienen más recursos y reacciones más interesantes" que los hombres, que suelen escoger "las reacciones más simples".

Según el cineasta alemán, su país "parece abierto e igualitario" pero en realidad son las mujeres las que tienen que decidir entre tener hijos o trabajar "y tienen que optar por retrasar la maternidad, lo que origina una sociedad envejecida, por esa falta de igualdad".

Por su parte, el actor argelino interpreta a un hombre estéril "tema casi tabú y poco presente en la cinematografía de Argelia, pues se considera a las mujeres las culpables de no poder tener hijos", lo que supone un tema complejo que aún se complica más por el entorno familiar del hombre, cuya esposa era viuda y tenía ya dos hijas, y porque aparece, en otra ciudad, una mujer que dice estar embarazada de él. Asimismo, ha destacado de la película la visualización de un ser humano "en situación de debilidad y sintiéndose solo".

La sección oficial del 19 OUFF cuenta con diez largometrajes en competición, que se suman a las proyecciones de otras secciones como la de documentales, películas inéditas en Ourense, panorama de Galicia, cine y vino y sesiones especiales, durante toda la semana hasta el día 23, en el que la clausura será con la proyección de 'Shimbare', dirigida por Álex Sampayo.

17/11/2014

La Región | Diario de Ourense y su provincia, fundado en 1910.

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CINEASTAS INTERNACIONALES ABORDAN TEMAS COMO LA RELIGIÓN, EL SEXO, LA POLÍTICA Y LOS VICIOS

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Tue, 14 Oct 2014 17:12:00 +0000

Vargas Llosa y Peter Gabriel trabajan para la película "Words with Gods"Vargas Llosa será el curador de las nueve historias que dan vida a "Words with Gods"

MEXICO.- El Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa y el músico británico Peter Gabriel se suman al equipo de Guillermo Arriaga para su película "Words with Gods".

Arriaga anunció el viernes la incorporación del escritor peruano como el curador de las nueve historias que dan vida a "Words with Gods" ("Hablar con Dioses"), mientras que el ex vocalista del grupo Génesis será el encargado de componer la música de entrada del filme, además del tema musical de cierre para los créditos y un cortometraje que acompaña a la cinta.

"Estamos muy agradecidos con la enorme generosidad de Mario Vargas Llosa y Peter Gabriel, quienes aceptaron gustosos formar parte de este proyecto que nos llena de tanta ilusión", dijo el escritor y cineasta mexicano en una rueda de prensa en la Ciudad de México.

"Nunca nos imaginamos que terminaríamos yendo al cine con Vargas Llosa, mucho menos que terminaríamos desayunando en la casa en Londres de Peter Gabriel. ¡Es en verdad un lujo!", añadió.

"Words with Gods" forma parte del proyecto encabezado por Arriaga "The Heart Beat Of The World", una iniciativa fílmica surgida en 2011 en Latinoamérica que incluye cuatro largometrajes dirigidos por un grupo de reconocidos cineastas internacionales que abordan los temas de religión, sexo, política y vicios.

Arriaga, postulado a un Oscar al mejor guion original por "Babel" (2006) y ganador del premio al mejor guion en Cannes por "Los tres entierros de Melquiades Estrada" (2005), relató que buscaban a una persona que hallara la forma perfecta de entrelazar las nueve historias de este filme mexicano.

"Queríamos que esa persona fuera un intelectual, así que elegimos a Mario (Vargas Llosa). Hablamos con él, luego nos reunimos, vio la película dos o tres veces. Después de ver las imágenes, se fue a su casa y por la noche me llamó para decirme que ya lo tenía resuelto", dijo el también director.

"No queríamos traer a un editor que sólo juntara las historias, debía haber una razón de ser, una lógica de por qué un corto y luego otro, y Vargas Llosa fue en definitiva esa persona que tanto buscábamos", agregó el productor Alex García, socio de Arriaga en este proyecto junto con productor el argentino Lucas Akoskin.

Arriaga recordó que el primer encuentro con Peter Gabriel sucedió en noviembre de 2011, cuando el británico visitó la capital mexicana para ofrecer un concierto en el Auditorio Nacional.

"Peter nos recibió en su hotel y se enganchó de inmediato con la idea de participar en la película. Platicamos durante horas, nos enseñó canciones, videos. De hecho, la película arranca con un video que hizo él", dijo.

El escocés Lorne Balfe, conocido por su trabajo en películas como "Sherlock Holmes: A Game of Shadows", "Kung Fu Panda 2" y "The Bible", fue el encargado de la música incidental de "Words with Gods", que se encuentra en plena etapa de postproducción.

Arriaga, cuyos créditos como guionista también incluyen "Amores Perros" y "21 Gramos", explicó que "Words with Gods" es un filme que abordará las diversas religiones en el mundo de forma respetuosa.

"La idea de hacer esta película es acercar a los seres humanos. Hay temas que nos han dividido y la religión ha sido uno de ellos. La religión tiene que ser un punto de encuentro, no de lejanía. Buscamos mostrar que aunque pensamos de manera distinta, no significa que no podamos entendernos", señaló el también autor del libro "El búfalo de la noche".

El proyecto cuenta igualmente con la colaboración del director español Álex de la Iglesia, el brasileño nacido en Argentina Héctor Babenco, el iraní Bahman Ghobadi, el israelí Amos Gitai, el serbio Emir Kusturika, la india Mira Nair, el japonés Hideo Nakata y el australiano Warwick Thornton.

"Buscamos que cada director que participa tuviera una cercanía con la religión que retrata en su trabajo. Mario Vargas Llora ordenó las historias de acuerdo al origen histórico de cada religión, le dio una cronología", comentó Arriaga. "Era difícil organizarlo, complicado, y casualmente ese orden también le dio cierto balance editorial".

Arriaga se sumó a la lista de realizadores que participan en "Words with Gods", donde abordará el tema del ateísmo. Adelantó que el cortometraje que dirigió, protagonizado por Demián Bichir, se filmó en formato de 35 mm, con locaciones en el estado mexicano de Veracruz. Las ocho historias restantes se rodaron en Australia, Brasil, India y Japón.

Sobre el actor mexicano nominado a un Oscar por su trabajo en "Una vida mejor" (2011), dijo que "el compromiso que mostró Demian fue mucho, porque lo puse a subir y bajar un cerro bajo una temperatura de 6 grados, recién había llegado de Tokio".

Los títulos de los otros tres largometrajes que forman parte de "The Heart Beat Of The World" son "Encounters", que estudiará el sexo como identidad, expresión y diferencia; "Into the Bloodstream", que reflexionará sobre la relación del individuo, las culturas y las sociedad con las sustancias que se ingieren, inhalan, beben o fuman; y "Polis", que sumergirá al espectador en la sustancia de la vida política.

14 de octubre de 2014

DIÁLOGO SOBRE CULTURA Y RELIGIONES

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sun, 12 Oct 2014 20:53:00 +0000

Busca Arriaga diálogo sobre cultura y religiones - Grupo Milenio

11 de octubre de 2014

Busca Arriaga diálogo sobre cultura y religiones

El cineasta presentó la cinta 'Words with Gods' en el Festival Internacional de Cine de Chicago.

Guillermo Aarriaga presentó la cinta ‘Words with Gods’ en el Festival Internacional de Cine de Chicago. (CuartOscuro )

EFE 10/10/2014

Chicago

El director y guionista mexicano Guillermo Arriaga presentó Words with Gods en el quincuagésimo Festival Internacional de Cine de Chicago, una película que fue creada para despertar en el público "un diálogo sobre cultura y religiones".

"De niños siempre nos dijeron que no se podía hablar en la mesa sobre religión, sexo, política o drogas", declaró a Efe en un a entrevista telefónica.

"Pero esos temas han sido superados, ya no podemos pelearnos sino que debemos encontrar puntos de encuentro para que nadie se a rechazado o muerto por su religión, preferencia sexual o política", agregó.

En su opinión, "tenemos que conocernos unos a los otros y dialogar", y con ese concepto ideó tres años atrás una antología qu e reunió a nueve directores y a más de mil personas.

"Fue un esfuerzo de una diversidad nunca vista en el mundo cinematográfico", expresó el cineasta que tiene en su haber produc ciones exitosas como Amores perros (año 2000), 21 gramos (2003) y Babel (2006).

En Words with Gods se abordan durante dos horas las relaciones entre las diferentes culturas y religiones, a cargo de "directores admirados por su visión autoral", pero también comprometidos o cercanos a lo que iban a tratar.

Al australiano Warwick Thornton le correspondió la espiritualidad aborigen, filmada en el desierto; el argentino -brasileño Héctor Babenco filmó sobre la religión umbanda en la ciudad de San Pablo y Mira Nair, de la India, lo hizo sobre el hinduísmo en Mumbai.

El director serbio Emir Kusturica abordó el cristianismo ortodoxo en las montañas de su país; Bahman Ghobadi, de Irán, se enf ocó en la fe islámica en Turquía, y el israelí Amos Gitai trabajó sobre el judaísmo y la integración multicultural en Israel.

El curador del proyecto fue el escritor peruano Mario Vargas Llosa, quien según Arriaga fue incorporado como "un pensador" pa ra ayudar a que los diferentes segmentos tuvieran "peso y sentido".

"Nadie mejor que un gran contador de historias, que le otorgó demás a nuestro trabajo un marco de análisis y crítica", dijo A rriaga sobre el ganador del Premio Nobel de Literatura de 2010.

El rodaje de la película en nueve países demandó un año y tres meses, a lo que se agregaron animaciones realizadas por la artista visual Maribel Martínez y la música compuesta por el inglés Peter Gabriel, de quien Arriaga destacó su "enorme humildad y generosidad".

Words with Gods se presentó recientemente fuera de competencia en los festivales internacionales de cine de Venecia y Río de Janeiro, y después de Chicago se verá el mes que viene en Los Cabos.

Arriaga dijo que antes de llegar a la difusión comercial de la película se realizarán exhibiciones para líderes religiosos, p olíticos, activistas sociales y universidades.

"Queremos crear una plataforma distinta, un boca a boca durante seis meses, para que la gente vaya a verla con un ánimo disti nto y salga con ganas de discutir y dialogar en el café o durante una cena", concluyó.

Insertado desde http://www.milenio.com/hey/cine/Guillermo_Arriaga-Words_with_Gods-Festival_Internacional_de_Cine_de_Chicago_0_388161485.html

VIOLENCIA. EL NARCOTRÁFICO VISTO DESDE DIVERSAS DISCIPLINAS

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sat, 11 Oct 2014 23:30:00 +0000

Confabulario retrata los perfiles de la violencia

Redacción| El Universal

CIUDAD DE MÉXICO | Viernes 19 de septiembre de 2014

Violencia. El narcotráfico visto desde diversas disciplinas.

Cine, narcocorridos y la despolitización de la novela policiaca mexicana en el número de este domingo

El tratamiento de los asuntos del narcotráfico en diversas disciplinas artísticas en México es el tema del próximo número de Confabulario, el suplemento cultural de EL UNIVERSAL.

Oswaldo Zavala, profesor-investigador de The City University of New York, escribe un ensayo sobre el fenómeno de "despolitización" de la novela policiaca mexicana reciente que trata asuntos del narcotráfico, en la que, a juicio del estudioso, no se registra críticamente la interacción y complicidad de narcos y autoridades.

Anna Kingsley, especialista de estudios latinoamericanas de Royal Holloway-University of London, presenta la trayectoria de la artista conceptual Teresa Margolles (Culiacán, 1963), quien ha utilizado restos de escenas en los que se han cometido actos violentos ligados con el narcotráfico para crear sus obras, por lo que se le ha acusado de transgredir normas éticas para tener éxito en el mercado del arte.

Ignacio M. Sánchez Prado, catedrático de Washington University at St. Louis, Misuri, analiza cuatro películas mexicanas producidas en la última década que han tratado el asunto del narco: Miss Bala, Heli, Salvando al soldado Pérez y El Infierno, y señala cómo estos filmes manejan una perspectiva pensada para las clases medias del país, en contraposición con las películas de los años setenta y ochenta que trataban el asunto del contrabando pero con una óptica dirigida a públicos provenientes de las clases bajas.

José Manuel Valenzuela Arce, investigador del Colegio de la Frontera Norte, presenta los cuatro momentos históricos del narcocorrido, y el diferente tratamiento que este tipo de música ha dado a la vida ligada al contrabando de droga, al tiempo que utiliza el concepto de la banalidad del mal, acuñado por Hannah Arendt, para analizar las letras de los corridos más recientes.

En la sección de crítica de artes, Mauricio Matamoros Durán reseña la película Días de venganza (Oldboy), dirigida por Spike Lee, basada en el filme de culto del cineasta coreaba Chan-wook Park, e Iván Martínez comenta el concierto de la Orquesta Philarmonia de Londres, y el del Trío Guarnieri de Praga, que tuvieron lugar la semana pasada en el Auditorio Nacional en el Palacio de Bellas Artes, respectivamente. Juan Hernández reseña el montaje de la obra Santificarás las fiestas, de Conchi León, que corre temporada en el Centro Cultural del Bosque de la ciudad de México.

cvtp

NOBEL DE LITERATURA 2014

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sat, 11 Oct 2014 23:11:00 +0000

PATRICK MODIANO

Por Agencia EFE

El flamante Nobel de Literatura 2014, el francés Patrick Modiano, es un conocido amante del cine. Cuatro de sus obras se han convertido en películas, además ha sido jurado en el Festival de Cannes y ha participado enl a escritura de guiones como el de Lacombe Lucien, de Louis Malle. Su colaboración con Malle en 1974 en una historia de la ocupación alemana en Francia durante la Segunda Guerra Mundial (temar ecurrente en sus novelas) le valió una nominación a los premios Bafta del cine británico.

Modiano también es el autor del guion de Bon voyage (2003), otra historia sobre los franceses bajo la ocupación alemana, que escribió junto alrealizador del filme, Jean-Paul Rappeneau.

Han sido sus dos incursiones más destacadas en un mundo, el del cine, que se intuye además en una forma de escribir incisiva y en la que se dejan ver ecos de una estrecha relación con el mismo, tal vez heredada de su madre, la actriz belga Louisa Colpeyn.

La figura de su madre se ha visto reflejada tanto en sus novelas como en sus personajes en el cine, con mujeres frágiles y heridas,tratadas con una gran delicadeza, como la Silvia de Domingos de agosto.

Pero también personajes oscuros y complejos como los protagonistas de películas como Bon Voyage, interpretados porGérard Depardieu, Isabelle Adjani o Virgine Ledoyen.

Una carrera en la que cine y literatura se han entremezclado porque son sus dos grandes pasiones, como ha reconocido muchas veces.

Los primeros contactos de Modiano con las salas de cine, cuandotenía 14 ó 15 años, coincidieron con la explosión de la "nouvelle vague", con filmes como Los cuatrocientos golpes, uno de sus primeros recuerdos cinematográficos, recordaba el escritor en una entrevista en 1990. La Dolce Vita y otros trabajos de Federico Fellini son películas que también impresionaron a Modiano, un espectador exigente que sólo por el título decidía si le interesaba participar "en el misterio del cine".

Un misterio que lo atrajo siempre y que lo llevó acolaborar en otros largometrajes, tanto adaptando sus propias obras como con historias de otros. En 1983, el realizador egipcio Moshé Mizrahi llevó al cine sunovela Una juventud, y en 1994 Patrice Leconte adaptó VillaTriste, que en su paso a la gran pantalla se convirtió en El perfume de Yvonne.

Modiano escribió el guión de Le fils de Gascogne (1995) junto a Pascal Aubier, realizador del filme, y adaptó al cine su obra Domingos de agosto, que dio como resultado la película Te quiero, dirigida por Manuel Poirier.

En 2006, Mickhael Hers estrenó Charell, basada en Tan buenos chicos, y Benoit Jacquot prepara ahora la adaptación de Joyita.

En colaboración con Catherine Deneuve, escribió un libro sobre Francoise Dorelac, la hermana fallecida hermana de la famosas actriz francesa.

CINE CLUB DOS MIRADAS Y EL CONCEJO DELIBERANTE DE CNEL. ROSALES

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Thu, 14 Aug 2014 15:20:00 +0000

En este link se pueden ver más detalles al respecto:

http://cineclubdosmiradas.blogspot.com.ar/2014/08/el-cine-club-dos-miradas-considerado-de.html

EL FUTURO DEL CINE Y EL MUNDO ASIÁTICO SEGÚN LA OPINIÓN DE CRISTOPHER NOLAN

noreply@blogger.com (Cinenpunta) — Sun, 20 Jul 2014 22:38:00 +0000

Entrelíneas
Muerte y resurrección del cine

Por Marcelo Stiletano

Faltan algo más de tres meses para el estreno global y simultáneo de Interstellar. El 6 de noviembre llegará a los cines argentinos esta fantasía espacial de Christopher Nolan, que de nuevo, como viene ocurriendo desde Memento, recuerdos de un crimen, y sobre todo a partir de su trilogía sobre Batman y El origen, despertará con toda seguridad fascinaciones y enojos al mismo tiempo.

Antes de que vuelva a hablarse de la destreza visual del realizador y de que a la vez reaparezca la desconfianza de muchos frente a sus disquisiciones filosóficas, Nolan se anticipó con otra invitación a la polémica, esta vez escrita y con su firma. En un artículo de opinión publicado el 7 de este mes en The Wall Street Journal, se enfrenta a quienes ya declararon la muerte del cine y augura su resurrección.

La nota se conoció en un contexto que parece darles la razón a los escépticos. En el verano boreal, momento en que Hollywood espera los mayores ingresos del año, la taquilla se desplomó con una baja del 20 por ciento respecto de igual período de 2013, con números todavía más calamitosos en el crucial fin de semana del 4 de julio.

Buscando culpas todos miran en primer lugar a Transformers 4, que encabeza la lista de franquicias, secuelas y continuaciones que no estuvieron a la altura de las expectativas. Fracasaron allí también otras apuestas a gran escala, como las nuevas aventuras del Hombre Araña, Godzilla y Cómo entrenar a tu dragón 2.

Pero al mismo tiempo, desde el otro lado del globo terráqueo, asomó con los mismos actores (y distintos números) la mirada más optimista del cuadro. Gracias sobre todo a la nueva aventura de Transformers, cuyo multimillonario presupuesto se vio respaldado en gran parte por capitales chinos, el gigante oriental compensa las pérdidas con un aumento del 22 por ciento en un año de sus ingresos por boletería. ¿También en el cine, como en tantas otras actividades, el eje de mayor influencia se irá desplazando inexorablemente hacia el Pacífico y hacia el mundo asiático?

En su análisis, Nolan también pone el foco en los números. Lo primero que señala es una verdad de Perogrullo: los estudios procuran minimizar costos y maximizar ganancias. Y esta dirección es la que los lleva, por ejemplo, a deshacerse definitivamente del soporte fílmico y cambiarlo por el digital. La diferencia de costos entre uno y otro, por pantalla, va de los 600 a los 80 dólares. De hecho, el artículo aparece acompañado de un cuadro en el que Hollywood calcula una ganancia del 5 por ciento anual, de aquí a 2018, gracias sobre todo a los ingresos en concepto de entretenimiento hogareño. Nolan nos dice que los ejecutivos de las grandes corporaciones del entretenimiento hoy tratan a las películas como torrentes de datos. De esta manera, a juicio del director, las películas recorrerían infinitas rutas virtuales bajo la acotada definición de "contenidos", mención que a primera vista aspiraría a jerarquizar sus valores, pero que en el fondo no hace más que "trivializar esas diferencias formales que siempre han resultado importantes para los creadores y para el público". Esos contenidos pueden llevarse, verse y escucharse en toda clase de plataformas móviles y pantallas, desde celulares y relojes hasta surtidores de estaciones de servicio. "Nos quieren hacer creer que los cines deberían reconocerse como una más de estas plataformas, aunque con pantallas más grandes y asientos con posavasos", explica.

No todo es igual, quiere decirnos Nolan. Y agrega: "La industria apunta hacia ese futuro bastante desalentador, un futuro que, aunque llegara, no duraría. El cine no se puede definir únicamente por la tecnología, ya que dejaríamos de lado otros elementos fundamentales muy poderosos: la atemporalidad, el viaje hacia otros mundos, la experiencia compartida de esas historias".

Conviene detenerse en este último punto, porque para Nolan (y no sólo para él) es el elemento crucial, el nudo de un planteo que desde una evaluación poco auspiciosa se proyecta hacia dimensiones mucho más optimistas. Dice el director que la experiencia cinematográfica que vivimos dentro de una sala es distinta, pero tal vez no lo suficiente como para darnos cuenta. Lo que señala es que, naturalmente, siempre estaremos dispuestos a invertir nuestro dinero en compartir las obras pensadas por los estudios y los realizadores para ser vistas, experimentadas y compartidas en un espacio común, el de las salas de cine (theatrical experience). "Muchos nos quejamos de los espectadores que molestan en las salas, pero a la vez sentimos una punzada de decepción cuando nos encontramos con un cine vacío, ¿verdad?", se pregunta.

Para Nolan, lo mejor está por llegar. "Los cines del futuro serán más grandes y más bellos que nunca. Invertirán en formatos novedosos que ya no se podrán clonar en nuestros hogares. Y así el público disfrutará de un producto exclusivo y los estudios volverán a entender el valor económico de sus historias y la importancia de escalonar la venta de sus productos", completa, en una suerte de renovada apología de un concepto que parecía envuelto en una crisis irreversible frente a esa tormenta perfecta generada por la piratería y el streaming: la idea de la primera ventana de una película en el cine y sólo en el cine.

Aplicando a su razonamiento la idea del tiempo circular que aparece en algunas de sus películas, Nolan vaticina esta suerte de relanzamiento desde un concepto circular del tiempo aplicado a la historia del cine. Dice que algo similar ocurrió cuando la televisión amenazaba por primera vez la hegemonía del cine y éste le respondió "con las pantallas panorámicas y el sonido multipista". Y que algo parecido pasará de aquí en adelante.

Tal vez Nolan aparezca envuelto en un optimismo exagerado y difícil de sostener. Pero en el camino encuentra más de un aliado. A. O. Scott, el gran crítico de cine de The New York Times, acaba de sugerir en su análisis de la magnífica El planeta de los simios: confrontación, que la interpretación de Andy Serkis como César, el líder de los primates, contribuirá como pocas a redefinir el sentido de la actuación cinematográfica en esta era digital. "La expresividad de su rostro y su lenguaje corporal son tan precisos que resulta casi imposible decir dónde termina su arte y dónde comienzan los exquisitos artificios creados como efectos especiales por la empresa Weta", señala Scott. Agregaría Nolan que sólo es y será posible apreciar ese virtuoso ida y vuelta en una sala de cine. Tal vez tenga razón...

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