Cine para gourmets

Reto 14

2012-01-27T12:00:00.000+01:00

¡Viernes!, ¡Por fin ya es viernes.....!
Y para celebrarlo, en este reto nos vamos de FIESTAAAAAA

.

De momento no hay más pistas, pero a medida que avance el reto, se irán dando en forma de mas fotogramas.

Como siempre, hay 3 puntos para el primero que acierte, 2 para el segundo y 1 para cada uno de los demás que enviéis la respuesta correcta antes de las 23:59 del domingo (CET)

Recordad que las respuestas tenéis que enviarlas a través del siguiente formulario para ser consideradas correctas y que hasta la finalización del reto, queda activada la moderación de comentarios.

Fotograma adicional #1

Fotograma adicional #2

Y entonces llegó el capitalismo...

2012-01-25T10:25:00.000+01:00

Hace muuuucho mucho tiempo (tres días como quien dice), en un mundo muy lejano (la Tierra mismamente), había una sociedad que se inventó una forma rara de comunicación a distancia. La llamaron Internet.

Dentro de ese mundo de internet proliferaron todo tipo de actividades y acciones, desde sustituir la carta a la tía Jacinta por algo conocido como "correo electrónico", hasta crear una enciclopedia libre y colaborativa que llamaron Wikipedia. También desarrollaron programas para compartir archivos, los "p2p", de los que los más exitosos fueron el emule y el torrent y cuya principal característica, de la que venía su nombre genérico, era que permitían compartir contenidos entre usuarios finales, sin intermediarios, "par a par".

En poco tiempo las redes p2p crecieron como la espuma y millones de personas se encontraban compartiendo de forma libre contenidos principalmente culturales: música, películas, libros... Había unos a los que llamaban "uploaders" (subidores, para entendernos), que eran los que más activamente proveían de contenidos a las redes, pero todos colaboraban en su difusión y mantenimiento, porque los programas premiaban a los que más colaboraban y penalizaban a los que no lo hacían. La gente ya no dependía de que una editora decidiese publicar tal o cuál obra, o de que un programador viese negocio en poner tal o cuál película en un cine o en una cadena de televisión, se acabó el ostracismo al que los mercados habían condenado a determinadas zonas geográficas, de repente obras olvidadas volvían a ver la luz y se difundían a los cinco continentes.

Entonces los mercaderes de las industrias culturales empezaron a temer por su boyante negocio y comenzaron una cruzada contra las redes p2p, acusándolas de piratas y de querer acabar con la cultura. Pero hete aquí que para entonces esas redes de usuarios ya eran mucho más que eso, eran una comunidad. Ya no solo subían o descargaban archivos de forma individual, sino que habían creado foros, páginas web, blogs, se comunicaban entre ellos, se conocían e intercambiaban ideas, opiniones, formaban grupos... No sólo eso, sino que creaban contenidos, hacían prolijas entradas sobre las obras que se ofrecían, sesudos análisis sobre los autores, se establecían interesantes debates en los foros... Y más, se recuperaban obras que los mercaderes habían decidido no poner a disposición de los mortales, se hacían traducciones de subtítulos para que personas de todas partes pudiesen gozar de una película, se colaboraba entre gentes muy diversas en la obtención de materiales, el ripeo, la edición...

Ahí precisamente estaba la fuerza que los hizo invulnerables a todos los ataques que les vinieron desde los mercaderes: ya no eran sólo individuos, eran una comunidad. Millones de personas comprometidas en poner su tiempo, su esfuerzo y su trabajo desinteresado al servicio de una idea: hacer accesibles todos los contenidos culturales a todo el mundo, sin condiciones de origen, ubicación o capacidad económica. Algún loco llegó incluso a pensar en que eso era lo más parecido a la mítica biblioteca de Alejandría que podía imaginarse. Esa comunidad, que se creía solo virtual, insospechadamente llegó incluso a adquirir corporeidad en algún país de la periferia terráquea cuando el gobierno de turno intentó aprobar una ley que la intentaba perseguir, salieron juntos a la calle y dieron lucimiento a un anodino acto público.

Conviene señalar aquí que dos eran los pilares que sostenían la filosofía de esa comunidad: la voluntad de compartir y la absoluta carencia de ánimo de lucro, dos conceptos revolucionarios por mal vistos en la dirigencia de ese tiempo.

Pero entonces otros avispados mercaderes vieron todo aquello con ojos de avezado emprendedor, y donde había una comunidad ellos intuyeron millones de potenciales consumidores esperando el gran producto, el megaproducto: la des- carga directa. Pusieron en marcha empresas con servidores potentísi- mos donde la gente podía subir los archivos y todo aquel que quisiese, descargarlos a velocidades vertigi- nosas. Todo era mega: mega- velocidad, megacapacidad, mega- disponibilidad. Es cierto, se perdía la independencia de las redes p2p, donde los individuos no dependían de nadie y compartían directamente, pero quién se podía resistir a tanto mega... y además gratis, y además sin límites. Así, poco a poco la comunidad fue teniendo bajas y las huestes de la descarga directa fueron aumentando. Ahora ya sí, había subidores puros y otros que solo descargaban, en los foros fueron desapareciendo hasta los agradecimientos más mínimos, no había tiempo, todo era rapid-rapid-rápido...

Poco a poco esas empresas fueron descubriendo su verdadera cara y empezaron a entorpecer las descargas gratuitas: tiempos de espera cada vez más largos, códigos de reconocimiento, limitaciones de cantidad de megas descargados... Su objetivo: que la gente pagase por descargar. Y lo consiguieron, mucha gente empezó a comprarles cuentas premium para poder tener todo ya, abandonando lo que hasta entonces había sido su proyecto por viejo y lentoooooo: el p2p. Después, algunas empresas convirtieron a los usuarios también en negociantes, ofreciéndoles dinero en función de la cantidad de descargas que tenían sus archivos. Para entonces el ambiente en muchos foros estaba ya bastante enrarecido: robos de enlaces, denuncias entre usuarios... Sí, el capitalismo se había infiltrado en la comunidad y había impuesto su ley.

A partir de aquí es historia reciente y por tanto conocida. El FBI de la potencia planetaria llegó para completar el trabajo, detuvo a un multimillonario gordo y chabacano dueño de Megaupload, la mayor empresa de descargas de la humanidad, y le cerró la página. Éste por otra parte debe andar mondándose de la risa viendo cómo salen fervorosamente en su defensa algunos de los otrora radicales anticapitalistas de Anonymous, o cómo en un foro de la policía de ese país periférico que mencionábamos antes se rasgan las vestiduras. En pocos días todas las páginas de descarga directa empiezan a quitar una tras otra todos los enlaces a archivos de obras culturales y así, en cuestión de horas, lo que se había tardado años en construir se disuelve como un azucarillo.

En el día de hoy se puede decir que la humanidad ha vuelto a la prehistoria y que como entonces, conseguir ver una película de Dziga Vertov, por decir algo, es una azar que depende de la voluntad de otros y de la rentabilidad que pueda haber detrás de ello.

El futuro evidentemente es imprevisible, aunque es de suponer que la maquinaria del dinero tendrá previsto un sustituto rápido, quizá legal y seguro más caro, para llenar el enorme hueco de negocio dejado por las páginas cerradas y que sirva para saciar la avidez de consumo que han sabido generar una vez más. La incógnita es si todavía está latente esa potente comunidad que se creo en torno a las redes p2p, si será capaz de sacar sus propias enseñanzas de lo sucedido en todo este tiempo, recomponerse y dar la espalda a nuevos agentes externos que pretendan conducirla por el camino correcto... para ellos.

Vosotros, queridos lectores planetarios, la mula, el torrent, o lo que queráis inventar, diréis...

Pd.: Una nota para los autores, que igual por aquí pasa alguno. Quizá convendría también pararse a pensar, ser inteligentes y colaborar en la posible construcción de esa comunidad...

Plane Crazy (1928), un corto de Mickey Mouse

2012-01-23T12:00:00.000+01:00

Señores pasajeros, abróchense los cinturones, que despegamos para viajar hasta 1928 con el fin de disfrutar de un cartoon clásico protagonizado por Mickey Mouse y su querida Minnie.

Este corto se lo queremos dedicar muy especialmente a nuestro amigo A. (Para que luego no digas que no nos acordamos de ti y que no te "regalamos" nada) :-)

Reto 13: sin supersticiones.

2012-01-20T12:00:00.001+01:00

Un nuevo reto acude a nuestro blog y ya sabéis que tenéis que averiguar a qué película corresponde el siguiente fotograma:

El que la haya visto la va a reconocer al instante y el que no... ...a tirar de Google ;-)

Como siempre, hay 3 puntos para el primero que acierte, dos para el segundo y uno para cada uno de los demás que enviéis la respuesta correcta antes de las 23:59 del domingo (UTC+1)

Recordad que las respuestas tenéis que enviarlas a través del siguiente formulario para ser consideradas correctas.

"Después de discutir", de Leonard Michaels

2012-01-16T18:55:00.000+01:00

Tras exprimir las neuronas con el reto del fin de semana, ¿qué os parece si leemos un relato para relajarnos? Os propongo una breve historia del escritor neoyorquino Leonard Michaels (1933-2003). Dedicado a todos los que hayáis utilizado el cine alguna vez como medio de reconciliación con otros o con vosotros mismos. Espero que os guste:

Después de discutir

Algunas veces, después de pelearnos, íbamos al cine. Era como ir a la iglesia. Entrábamos, encontrábamos un lugar, nos poníamos de cara a la luz y dejábamos que la vida cotidiana se esfumara mientras sucumbíamos a la vasta imaginación comunal. En los cines de sesión continua de la calle cuarenta y dos nos sentábamos en gayola entre fumadores y tipos que comían palomitas, tipos con dedos que hurgaban, tipos con bocas que no paraban de masticar. Otros chupaban chocolate, lamían helados, hacían ruido con las envolturas de los caramelos. Borrachos y chiflados hablaban con la pantalla. Los vagabundos escupían al suelo. Era el cine más honesto que existe, un lugar para la gente de Manhattan que no dormía, como el zoo pero, dentro del anonimato masivo, un sentimiento privado. Podíamos ir juntos al cine aunque veinte minutos antes hubiéramos estado jurándonos odio eterno mientras nos mirábamos fijamente a los ojos. En el silencio desolado que seguía a nuestras discusiones yo decía “¿Quieres ir al cine?”, Sylvia se arreglaba el vestido, se miraba la cara en el espejo del baño, agarraba su abrigo de piel y cuando cruzábamos la puerta para salir se ataba el cinturón. Me encantaba ver su rapidez, especialmente la de sus manos, cuando se entregaba a algo. Nos lanzábamos al metro sin ni siquiera saber a qué hora comenzaba la película. Siempre había dos películas. Al menos, veíamos una desde el principio. Sentados en gayola, rodeados por los fumadores y los que comían, yo me sumergía en la felicidad de las criaturas y después me daba cuenta de que mi brazo se cerraba sobre el hombro de Sylvia y que ella apoyaba su cabeza en mi brazo. Nuestros malos pensamientos eran aniquilados por los enormes rostros del amor que brillaban en la pantalla. Después, de vuelta al mundo de la calle, la electricidad nos golpeaba los ojos, las multitudes nos arrastraban, el tráfico quería matarnos, y los malvados pájaros del matrimonio sobrevolaban nuestras cabezas, amenazándonos con descender, pero nos íbamos a casa, pronto estaríamos en la cama, escondidos, comprometidos con la oscuridad del otro.

Reto 12... El retorno

2012-01-13T12:00:00.000+01:00

Tras el parón de estas semanas de fiestas y más fiestas retomamos el reto semanal. Como suele ser habitual, tenéis que averiguar a qué película corresponde el siguiente fotograma. Si se necesitan pistas, irán llegando.

¿Fácil? ¿Difícil? No lo se. Supongo que depende de si la habéis visto o no. Como todas...

Como siempre, hay 3 puntos para el primero que acierte, dos para el segundo y uno para cada uno de los demás que enviéis la respuesta correcta antes de las 23:59 del domingo (UTC+1)

Como siempre, activo la moderación de comentarios. Recordad que las respuestas tenéis que enviarlas a través del siguiente formulario para ser consideradas correctas.

Suerte y ¡a jugarrrrrrr!

Añado un fotograma que espero que os vaya aclarando algo:

Como parece que andáis un poco despistados, os dejo otro fotograma:

A ver si os ayuda.

Nueva pista. En esta ocasión, pista musical:

Venga, que con esto ya está bastante fácil.

CINEFÓRUM DE SOBREMESA (porque el cine nos alimenta...)Hoy: Los Edukadores, (Hans Weingartner, 2005)

2012-01-09T12:00:00.001+01:00

Para la presentación del cinefórum de esta semana hemos decidido embarcarnos en una novedad: realizar nuestro propio making off. Pero lo cierto es que al ser la primera vez no nos hemos atrevido a hacerlo solos, de modo que llamamos a Hans Weingartner, quien dirigió 'Die fetten Jahre sind vorbei* (Los Edukadores)' allá por el 2005, para que nos echase una mano. Muy amable Hans, quien también fue el responsable del guión junto con Katharina Held, se ha ocupado de estructurar a la perfección la entrada y ofrecernos las opiniones que guían su desarrollo. Esperamos que os guste y que pueda servir para producir un fructífero debate por aquí o en tertulias familiares.
* Traducción literal: Los años de abundancia han pasado.

Empezamos:

'Los edukadores' es una película directamente relacionada con los últimos diez años de mi vida y con querer formar parte de un movimiento político sin encontrar uno que funcione de verdad. Creo que vivimos una época en que los jóvenes anhelan un cambio político, pero no saben por dónde empezar. Es posible que la sociedad haya alcanzado tal punto de individualismo que no deja sitio para el dinamismo colectivo.

LA FUERZA DEL GRUPO

Los jóvenes saben que hay fuerza en un grupo. Si uno está solo, está perdido. El primer paso de la resistencia es conseguir ser libre. El segundo paso es encontrar aliados, unirse a personas que comparten las mismas necesidades y los mismos valores. En 'Los edukadores', Jan, Jule y Peter forman un grupo así. Los celos no pueden separarlos. Al principio, fue difícil para los actores creer que Peter podía superar la traición de Jule y de Jan. Pero, para él, la amistad significa mucho más que los rancios valores burgueses. Peter ama a Jule, pero la chica no le pertenece. Se da cuenta de que cuando ella se enamora de Jan, un amor maravilloso, sostenido por una rebelión conjunta, un rechazo compartido de las ataduras sociales. Sigue siendo amigo de ambos.
Reconozco que es una visión muy idealista de la amistad, pero es lo que siento. En la mayoría de películas alemanas, los personajes que forman parte de un triángulo amoroso acaban yendo cada uno por su lado. La gente lo llama realismo, pero no tiene nada de realista.

RESISTENCIA POÉTICA

Jan y Peter son “edukadores”. Entran en las casas de los ricos y recolocan las posesiones de sus dueños. No roban nada, no hacen daño a nadie. Pero atacan la vida de otras personas. Allá donde van, generan el caos, pero es un caos con sentido. “Edukar” es una forma divertida de vengarse de los ricos. Jan y Peter son activistas y llevan a la práctica una forma de resistencia poética.

UN JOVEN ENFADADO

Cuando tenía veinte años era como ellos. Era un chico enfadado que gritaba “¡Revolución!”, “¡Cambiemos el mundo!”. No luchábamos por los desamparados ni por un partido. Simplemente nos parecía que el sistema no funcionaba. Era igual de malo para los explotados que para los explotadores. No sólo era injusto, era alienante para todos.
Mis amigos pensaban como yo, pero ninguno de nosotros encontró un grupo político al que unirnos. No queríamos que nos dieran órdenes; como Jule, queríamos ser libres.

NO HAY RESPUESTAS CLARAS

Durante este periodo, era un okupa en Berlín. Un buen día, aparecieron cientos de policías. Tiraron las pocas cosas que tenía por la ventana, nos trataron como si fuéramos animales peligrosos y destruyeron el edificio.
Para mí, fue una experiencia traumática y me prometí a mí mismo que incorporaría la política a una película. Siempre me ha interesado el cine sociopolítico. Admiro a Michael Moore, Mike Leigh y Costa-Gavras. 'Los edukadores' es una película sobre la necesidad de un cambio político, pero no da respuestas claras porque no las hay.

LA SOCIEDAD DE LA ABUNDANCIA

Mi vida ha cambiado desde entonces, pero mis ideas básicas son las mismas, y mis personajes, Jan, Peter y Jule, las comparten. Pensamos que nadie mira el mundo desde un punto de vista crítico. Nadie dice “Despertad, esto es perverso, hay que pararlo”.

La verdad es que sólo el 10% de la población mundial forma parte de la sociedad de la abundancia. El 90% restante es pobre y pasa hambre. Cultivamos suficiente trigo para abastecer a todos los habitantes del mundo con 2.000 calorías diarias, pero la distribución de alimentos es injusta. El 90% pasa hambre mientras el 10% de la población mundial está a régimen. Todo el mundo es infeliz.
Esto podría ser un paraíso, pero para la gran mayoría es una mierda.

POR LA GENTE, NO POR LOS BENEFICIOS

Espero que 'Los edukadores' haga entender a la gente lo que hacen los enormes conglomerados. Construyen un sistema económico en el que el ser humano no significa nada, el dinero lo es todo.

DIVERTIDO

A pesar de todo, la idea de “edukar” es divertida. La película tiene mucho humor y alegría. Leí en alguna parte que un niño se ríe 150 veces al día, mientras que un adulto sólo lo hace 10 veces al día. Quiero que la gente se ría. Quiero que vayan a ver la película y lo pasen bien.

LA GENERACIÓN DEL 68

También quiero que la gente piense en sus padres. No lo digo por falta de respeto a la generación del 68. Liberaron a la sociedad e introdujeron un sinfín de reformas, pero los rebeldes de ayer se han convertido en los conservadores de hoy.
Hardenberg, el hombre de negocios cincuentón de la película es el perfecto ejemplo de un antiguo radical reformado. Se ha convertido en una de las personas contra las que luchaba. En mi opinión, es algo muy común. La vida cambia con el tiempo. Las personas se vuelven fatalistas. Dirigen sus energías hacia nuevos objetivos, fines más egoístas. Adquieren responsabilidades tremendas. Ya no son los mismos. No es que rechacen las ideas de antes, simplemente reniegan de ellas sin darse cuenta.

PRISIONEROS DE SUS POSESIONES

Otro tema de la película es deshacerse de los temores. Es importante poner fin a la ansiedad, dejar de preocuparse por la seguridad. La libertad es más intensa que la seguridad, también es más emocionante. Las recompensas son mayores.

Tengo una noción muy particular de lo que significa el ser humano. Creo que los seres humanos son nómadas, necesitan ser libres. Hoy en día, muy pocos lo son. La mayoría, como Hardenberg, son prisioneros de sus posesiones. Alguien dijo una vez: “Lo que posees acabará por poseerte”.

UNA HISTORIA CONTADA A TRAVÉS DE LOS ACTORES

En una película como 'Los edukadores' todo gira alrededor de los actores. La cámara debe seguirles como si determinaran la forma de cada toma. Deben sentirse libres y poder moverse a sus anchas. La colocación de la cámara no debe ser determinante para ellos. Esta idea encaja con la idea de libertad, espontaneidad y ligereza que tiene la película.

BUSCANDO A JAN, JULE Y PETER

Escribimos el papel de Peter pensando en Stipe Erceg después de verle en la película de un amigo. Daniel Brühl llegó mucho más tarde, cuando un proyecto anterior fracasó. Para nosotros, fue una suerte. Stipe y Daniel estan perfectos juntos. Daniel es un gran actor. Además, nos llevamos bien y tenemos los mismos gustos. Eso facilita mucho las cosas.
Fue mucho más difícil encontrar a alguien para el papel de Jule. Tardé ocho meses en encontrar a Julia Jentsch y cuando le propuse el papel me dijo que acababa de firmar otro contrato. Tuvimos que adelantar el rodaje dos semanas y dividirlo en dos periodos. Fue horroroso, pero sabía que teníamos el reparto perfecto, que los actores encajaban de maravilla. Julia es sensible y frágil, pero también es fuerte. Tiene una gran fuerza interior que mantiene a raya deliberadamente durante la primera mitad de la película para liberarla después. Nadie podría haber interpretado a Jule como ella.

ENCONTRAR A HARDENBERG

Escogí a Burghart Klaussner para el papel de Hardenberg, el hombre de negocios, casi inmediatamente. Me di cuenta de que la energía y las vibraciones entre nosotros era buena. Prefiero reescribir un papel para que encaje mejor con un actor antes que descartar a un actor que me gusta porque no es idóneo para el papel. Doy total libertad a los actores. Ellos llevan el peso de la película. Era una experiencia nueva para Burghart, pero no tardó en lanzarse y usar todo el espacio que le daba.

TECNOLOGÍA DIGITAL

Rodamos con material digital, sin luces artificiales. Iluminar lleva tiempo y dinero, da igual que se ruede en 35 mm o en DV. Hay películas sensibles de 35 mm, pero son muy caras. También fue muy importante decidir que toda la película se rodaría cámara en mano. Nos permitió explorar el espacio más a fondo y los actores podían moverse libremente. Acabamos con una película muy ágil en la que los actores y el equipo bailan unos alrededor de otros.

ANTE TODO, COSAS SIMPLES

Intenté diseñar este rodaje exactamente como mi primer largometraje, reduciendo las complejidades técnicas al mínimo para poder centrarme en los actores. Además, mantuvimos el presupuesto realmente bajo deliberadamente. Cuanto más dinero, mayor presión. Con un equipo técnico restringido, me fue posible diseñar la agenda que quería – no siempre, pero casi. La gran ventaja de un rodaje de este tipo es la rapidez. Se puede poner una idea en práctica casi al momento. Tiziano dijo que “no había arte sin improvisación”, y estoy de acuerdo con él.
Hay que dejar espacio para el azar y saber aprovecharse del momento. Mis mejores ideas siempre me vienen durante el rodaje, por eso necesito un equipo flexible.

REVOLUCIÓN

Los jóvenes están hechos para ser rebeldes. La mayoría de revoluciones fueron hechas por jóvenes simplemente porque tienen la energía necesaria. Son energía pura. La sociedad necesita esa energía para su desarrollo y su renovación. Alguien debe cuestionar todo lo cuestionable para que sólo quede lo bueno y lo malo cambie. Pero, ¿dónde está la energía ahora? Quiero que el espectador salga del cine con ganas de usar su energía revolucionaria.

No os quedéis parados, ¡rebelaos! Se pasa bien.

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Gracias, Hans, por tus palabras.

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¡Atención, que cuento el final! ¡Spoiler como la copa de un pino!

Una nota sobre el final de la película: en la versión que se puede encontrar en España, el final es un tanto ambiguo pero parece apuntar a que el empresario los traiciona. Sin embargo, al parecer se recortaron algunos planos y en la versión original alemana queda claro que el empresario ayuda a los jóvenes a escapar y pone los medios para cumplir el plan de Jan de destruir el control de los satélites de televisión en Europa. Así, la llegada de los polícías al piso de los jóvenes formaría parte de un plan conjunto entre éstos y Hardenberg, y la nota se podría referir al empresario pero de una forma totalmente diferente a la que sugiere la versión española.

Fin del spoiler

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Somos conscientes de que disfrutar por completo de esta entrada lleva tiempo. Obviamente sois libres de hacer lo que queráis, pero queremos animaros a que vayáis viendo poco a poco los vídeos insertados, porque creemos sinceramente que merecen la pena.

El texto del director Hans Weingartner, está extraido del dossier de prensa de Golem.

Para acabar, os dejamos un breve poema de Bertolt Brecht:

Über die Gewalt.

Der reißende Strom wird gewalttätig genannt, aber das Flußbett, das ihn einengt, nennt keiner gewalttätig.

(Traducción: "Sobre la violencia. Al río que todo lo arranca lo llaman violento, pero nadie llama violento al lecho que lo oprime").

En el próximo cinefórum hablaremos de... Cero en conducta

Dentro de dos semanas, es decir el día 23 de enero, os proponemos seguir hablando de jóvenes que se rebelan. Esta vez de la mano del malogrado Jean Vigo y su mediometraje 'Cero en conducta (Zéro de conduite, 1933)', la tercera y penúltima de sus películas.

Como es habitual, os dejamos algunos enlaces. No muchos, que ya os hemos puesto mucha tarea con los vídeos de arriba:

- En Cine y Educación se le dedica un merecido espacio a esta película.
- También Alfredo le dedica una entrada más que recomendable en 39 escalones.
- En The Criterion Collection encontramos un Film Essay de B. Kite.
- Por último, para no perder las costumbres, podéis echar un vistazo a los comentarios de Filmaffinity y a Wikipedia.

Aunque, como siempre, os recomendamos buscar la mejor copia posible, esta vez sí que la hemos encontrado online en V.O.S.

Svankmajer es visitado por los hermanos Quay

2012-01-04T01:54:00.000+01:00

Svankmajer, según Arcimboldo

Hace un tiempo ya que en este espacio le dedicamos una entrada al genio checo. Y es bien sabido que en nuestras cocinas, las técnicas del stop-motion nos son muy queridas. Pues bien, siguiendo con los hermanos Quay, a la que hace dos días le dedicamos una primera entrada, hoy os traigo una muestra de su obra. Se trata de un homenaje a Svankmajer titulada El gabinete de Jan Svankmajer (The Cabinet of Jan Svankmajer, 1987), de los hermanos Quay. En él, vemos una figuración de Svankmajer -transfiguración de El bibliotecario, de Arcimboldo-, que se mueve a placer por la estancia repleta de objetos. Un muñeco, supongo que la figuración de un aprendiz -los propios Quay, me aventuro a pensar- asiste al repertorio iconográfico que el bibliotecario le muestra. Estructurado en nueve capítulos de azarosa disposición y con el valor transgresor de un humor radical, entraremos en un panteón surrealista donde Breton, Carroll, Lautreamont, Kafka, Poe o Arcimboldo decoran el taller de Svankmajer (que se simultanea en los siglos XVI y XX). De la mano de este muñeco visitante, jugaremos con el objetuario (~~perdón por el palabro~~) que los adictos a Svankmajer reconocemos al instante: los cajones (acuérdense de Alice), los huesos, los mapas, las piedras... ¡Que lo disfruten!

Hermanos Quay (Violent Unknown Event)

2012-01-02T00:57:00.001+01:00

The Falls (1980)

Mi descubrimiento de esta pareja de gemelos idénticos -reconozco- ha sido bastante tardía, y todavía estoy embaucado en este deleite que recomiendo ingerir poco a poco. Afortunadamente, las tubipáginas (esta, esta o esta otra) están repletas de sus trabajos, e IMDB contiene una escrupulosa lista de su producción que me ahorra reproducirla.

El objetivo de esta entrada era otro. Su anecdótica aparición en el primer largometraje de Peter Greenaway (a quien también dedicamos una entrada hace un tiempo), en el que encarnaban a una pareja de gemelos idénticos aquejados de VUE (Violent Unknown Event). No examinaremos aquí la película de Greenaway, suerte de documental enciclopédico ficticio y futurista, pero sí resaltaremos el encuentro que tuvieron a principios de los 80 con el realizador galés quien se inspiró en ellos para la conformación de la pareja protagonista de la película A Zed & Two Noughts (ZOO, 1985).

Selección de Noticias Breves

2011-12-28T08:00:00.000+01:00

Hoy os traemos una recopilación de noticias que hemos encontrado por ahí. Esperamos que resulten de vuestro interés.

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Steven Spielberg, tras el éxito obtenido con 'The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn (Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio, 2011)', se plantea llevar a la gran pantalla una versión de Snoopy y sus amigos. Al parecer es un fan incondicional de las tiras creadas por Charles M. Schulz y quiere agradecer de este modo los buenos momentos que ha pasado leyéndolas.

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Lars von Trier tiene en mente rodar la continuación de 'The breakfast Club (El club de los cinco, 1985)', película que dirigió John Hughes. En el reparto estarán, entre otros aún por confirmar, Stellan Skarsgård y Charlotte Gainsbourg interpretando a dos de los chavales originales en su reencuentro. También aparecerá Udo Kier como director del instituto. El equipo permanecerá aislado hasta que finalice el rodaje (como en otras ocasiones) y es probable que gran parte del metraje se ruede con teléfonos móviles como si lo grabaran los protagonistas. Aunque todavía no se sabe gran cosa sobre la banda sonora, hay quien se la juega a que constará de temas de jóvenes grupos daneses.

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Martin Scorsese va a recopilar en un pack en DVD todos los documentales dirigidos por él así como sus intervenciones en diversos documentales de otros compañeros de profesión. En total serán 91 DVDs y un libro de 2054 páginas con la transcripción de sus intervenciones.

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Béla Tarr va a rodar una película inspirada en un haiku de Konishi Raizan:

¡Verde, qué verde...!

Verde brota la hierba.

Campo de nieve.

Se ha sabido que se filmará en blanco y negro y que se prevé que durará unas 6 horas.

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También se apunta a la vuelta a los 80 Nicole Kidman, quien según algunas fuentes quiere dar el salto a la dirección con un remake de 'BMX Bandits (Los bicivoladores)', película dirigida en 1983 por Brian Trenchard-Smith que hizo conocida a la actriz fuera de las fronteras australianas. Nicole Kidman haría un cameo en la nueva versión como madre del que fue su personaje en la película original.

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Se han localizado en un sótano de una vieja casa de Wellington unos rollos que contienen una película hasta ahora desconocida de Ed Wood de 1971. Según parece, mezcla documental y ficción para hacer un repaso de la evolución de la ciencia ficción en el cine hasta ese momento.

Quienes la han visto aseguran que es de lo mejor que se ha realizado sobre esa temática. Incluso alaban las partes de ficción. Por supuesto, en este documental aparece un joven y por aquel entonces poco conocido Martin Scorsese.

CINEFÓRUM DE SOBREMESA (porque el cine nos alimenta...)Hoy: La vida de Brian, (Terry Jones, 1979)

2011-12-26T12:00:00.141+01:00

Y ahora algo completamente diferente...

Todo empezó en el año 1976 D.C., año 3 A.B, en Amsterdam y entre vapores etílicos. Los Monty Python ya eran por entonces estrellas en las televisiones de Inglaterra y Estados Unidos y su primer largo, 'Monty Python and the Holy Grail (Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores)', estrenado tan solo dos años antes, les había granjeado un éxito internacional. Y precisamente se encontraban en la capital holandesa en su promoción, cuando tuvieron una visión, probablemente facilitada por el abuso de las drogas hasta altas horas de la noche: ¿por qué no rodar ''Jesucristo: Un deseo de Gloria''?

Ya de vuelta en Londres, con la iluminación a cuestas, comenzaron con la documentación para el proyecto que tan exhaustivamente quedó reflejada en su Antiguo Testamento. Vieron unas cuantas películas de romanos, releyeron los Evangelios y llegaron a la conclusión de que no había que centrarse en Jesucristo, porque ¿qué tiene de gracioso Jesucristo? Es un tipo supermajo, que dice cosas supermajas pero, como dicen ellos, lo realmente gracioso son sus seguidores, que en los siguientes dos mil años no han parado de matarse y torturarse por no ponerse de acuerdo sobre cómo dijo tal cosa o cómo hay que interpretarlo.

Finalmente un cónclave Pythonico consiguió la fumata blanca: se orientarían hacia la situación de Judea en la época de Jesucristo y la moda de los mesías, relacionada con el final del milenio (no sabemos qué milenio, la verdad) Ya se sabe qué pasa con el "mineralismo", que la gente bebe más de la cuenta, le da por pensar en coas raras, y nunca le viene mal descubrir un mesías en el casual compañero de barra...

Paralelamente un tenebroso acontecimiento anunciaba negros nubarrones para su proyecto. "Gay News" había publicado un poema de un tal James Kirkup titulado ''El amor que se atreve a decir su nombre'', en el que un centurión meditaba sobre las heridas de Jesucristo. A la señora Mary Whitehouse, autoproclamada guardiana inglesa de la moral cristiana, líder de la Asociación Nacional de Espectadores y portavoz del grupo cristiano de presión Festival de la Luz, le ofendió tanto este poema que interpuso una demanda por libelo blasfemo contra la publicación y su redactor jefe, Dennis Lemon. La demanda, primera por blasfemia que se cursaba en Inglaterra desde hacía cincuenta y cinco años, consiguió la condena del redactor jefe a nueve meses de cárcel, dieciocho meses de suspensión y a una multa de 500 libras, así como 1000 libras para ''Gay News''. La sentencia calificaba la publicación de irreverente, calumniosa, profana, envilecedora y una libertina profanación de la religión cristiana, una perfecta definición de lo que los Monty Python se traían entre manos.

"Perdidos" en Barbados, ¿llegarán a buen puerto o naufragarán?

Como el ambiente en Inglaterra no estaba para mucha juerga, los Python se fueron a Barbados durante 15 días para montar el guión, según dijeron, "sin frenos o presiones familiares". Ya veis, los humoristas también tienen su propia batería de excusas... El caso es que el trabajo allí fue muy productivo (por primera vez todos juntos y aislados, no quiero ni pensarlo), las ideas fluían a toda velocidad y volvieron a Londres con el guión acabado.

Ahora solo faltaba el pequeño detalle de encontrar quien pusiese dos millones de libras, algo que no parecía muy fácil para una película que se prometía polémica. Pero el buen humor de los Python es legendario, así que ni cortos ni perezosos le mandaron el guión a EMI, con tan buena suerte que cayó en manos de Micheel Deely, que también tenía muy buen humor y que les dijo que contaran con ellos. Y así, la leyenda iba superando las pruebas que El Señor ponía en su camino.

Para las localizaciones no tardaron en decantarse por Túnez, básicamente porque da el pego a la perfección y porque en Monastir, donde finalmente rodaron, tenían ya un tinglado perfectamente montado para todo tipo de películas bíblicas, con sus templos, sus tabernáculos y esas cosas de cristianos. Pero la razón principal es que por allí abundan los árabes, y ya se sabe que un árabe y un judío solo se diferencian por su gorrillo y por el calibre de su armamento. Comenzaron la preproducción, hicieron el vestuario y los decorados pero, ¡aaaamigo!, tenían que decidir el reparto, y en concreto la delicada elección de su mesías. La batalla entre Graham Chapman, muy bien posicionado por su papel como Arturo, y John Cleese, empeñado en hacer de Brian porque quería tener un papel "que durara hasta el final" fue encarnizada. Textos apócrifos de dudosa credibilidad cuentan que cada uno sacó todo su arsenal milagrero para llevarse el gato al agua, llegando Cleese a ofrecer favores sexuales a Terry Jones, pero finalmente el primero fue el elegido.

Todo parecía encarrilado, realmente se podía llegar a pensar que Dios estaba de su parte. Febrero de 1978, las maletas preparadas para salir a Túnez a iniciar el rodaje y entonces Bernard Delfont, presidente de la sección espectáculo de EMI, envía un telex a Deely diciendo: "He echado un vistazo al último guión de los Monty Python. Me asombra que no sea la comedia descerebrada que se suele asociar con sus películas. Es obscena y sacrílega. A EMI no le puede interesar producir este tipo de películas. Cada cuatro palabras sueltan unos tacos insultantes. Eso no corresponde con la imagen de Monty Python. Me resulta muy embarazoso y es una situación muy grave". Micheel Deely intentó convencer a su superior de las bondades cinematográficas de la obra y de su ausencia de tintes blasfemos, pero lo único que consiguió de él fue una frase mítica que hoy se analiza en todas las catequesis: "no quiero que la gente vaya diciendo que me cachondeo del puto Jesucristo".

Ante tan considerable prueba los Python decidieron profundizar en su fe y mandaron a Eric Idle y al productor John Goldstone a hacer las américas en busca de fortuna, algo que como todos sabemos es muy practicado por los británicos hasta nuestros días. Fueron a Nueva York y luego a Los Ángeles y en todas partes se les recibió con entusiasmo, pero nadie quería tocar ese guión. Entonces ocurrió un milagro, a Eric Idle se le apareció San George Harrison redivivo y le dijo: "Hijo mío, yo soy el único, auténtico y verdadero fan de los Monty Python, así que no llores más por esos estudios de Dios, yo financiaré la película". Y lo hizo, que es lo que tienen los santos, que tienen poderes. Hipotecó su casa y sus oficinas de Londres y fundó la productora Handmade Film.

¡Andando! ¡Que empieza el rodaje!

Y por fin, en septiembre del 78 empezó el rodaje. La codirección de 'Los caballeros...' entre los dos Terrys había provocado algunas tensiones, así que decidieron que mejor sería que cada uno se encargara de una tarea, no se fuera a montar la de Dios es Cristo. Así, Terry Jones dirigiría la película y Terry Gilliam se encargaría de la dirección artística.

Como los Python trabajaban una y otra vez el guión, a la hora del rodaje no se les hacía difícil sacar adelante las escenas, ya que tenían bastante claro qué tenían que hacer. De hecho, la primera escena que rodaron, la de la lapidación, se rodó de un tirón. Contando con su habitual rapidez, decidieron que ya que tenían que pasar una temporada en Túnez (al final fueron cuarenta y un días de rodaje) sería pecado no aprovechar el magnífico clima de finales de verano en el Mediterráneo. Y con esta intención anunciaron al equipo: ''Hemos decidido que todos nos tomemos dos horas para comer. Así podremos comer decentemente y darnos un baño''. Claro, el equipo encantado ¡En un hotel de lujo y con dos horas a mediodía! Pero a los tres días habló la voz de la conciencia encarnada en forma de operador de cámara para decir que eso no podía ser ya que, sorprendentemente, tenía muy poca luz de día y que ésta se le acababa a las cinco y media. Vamos, que si paraban esas dos horas no terminarían de rodar en la vida. El descanso se redujo a una hora, pero a pesar de este disgusto los ánimos fueron buenos y el rodaje fluido.

Entre actores y resto del equipo eran 70 personas, por lo que necesitaban un médico. Daba la casualidad de que Graham Chapman se había formado como médico muchos años antes, así que ejerció como tal durante el rodaje. Así, igual que Jesucristo iba por ahí sanando gente, Chapman curaba y cuidaba al equipo.

Los Python interpretaban múltiples papeles pero no podían hacer todos, así que se trajeron a Túnez una pequeña compañía de repertorio para representar personajes diversos. Estaban Terence Bayler, Charles McKeown, Andrew MacLachlan, Carol Cleveland, John Young, Gwen Taylor, Chris Langham y Bernard McKenna. A medio rodaje, Spike Milligan, un tipo con gran influencia en los Python que era la estrella de The Goon Show apareció en Monastir. Spike estaba visitando los campos de batalla de la guerra mundial, donde había luchado. Cuando llegó no encontró hotel porque, ¡sorpresa! estaba ocupado por los Python. Spike visitó el rodaje e hizo un cameo. Después de comer, cuando había que grabar sus primeros planos Spike había desaparecido.

Las escenas que requerían multitudes fueron algo más complicadas, ya que la mayoría de los extras no comprendían el inglés. Afortunadamente contaba con la ayuda de un ayudante de dirección tunecino. Aunque también recurrió a métodos menos ortodoxos, como en la escena de la liberación de Brian, donde para hacer que se rieran los figurantes llevaron a un cómico tunecino para que contara chistes. Pero no funcionó. Al final, el ayudante de dirección les pidió que hicieran lo mismo que Jones, quien soltó una carcajada, se tiré al suelo y rodó agitando las piernas hacia arriba.Y así hicieron.

Una de las cosas más difíciles fue encontrar un buen final para la película. La decisión de ponerle música a la crucifixión no fue fácil. Primero tuvieron que decidir si podían acabar con gente crucificada. Y se dijeron que sí, ¿por qué no? Lo de la canción se le ocurrió Eric Idle, que pensó que tenía que ser una canción alegre, como las de Disney, con un silbidito. Fue directo a casa y en veinte minutos ya tenían su final.

Nobody expects...

El rodaje terminó y Terry Jones fue a Londres para hacer el montaje. 'La vida de Brian' tenía que estrenarse unos meses después. Cuál sería su sorpresa cuando al llegar descubrieron que tenían un traidor en sus filas. Alguien había enviado once páginas del guión, la parte del leproso, a Mary Whitehouse y al Festival de la Luz y se dispararon sus sensores cristianos. Lanzaron una malintencionada campaña que decía: ''Recemos por el fracaso de 'La vida de Brian'". Por si Dios estaba a otras cosas y no escuchaba sus súplicas, escribieron también una carta al Comité lnglés de Censura exigiéndoles que pensaran en las consecuencias de permitir la proyección de la película, concluyendo con la lapidaria sentencia: "No necesitamos recordarles las consecuencias de calumniar a Dios, a Jesucristo o a la Biblia". El Comité lnglés de Censura se negó a emitir la autorización a menos de asegurarse de que la película no podría ser demandada por blasfemia. Los Python, con su abogado, John Mortimer, basaron su estrategia en explicar al tribunal que Brian y Jesucristo eran dos personajes diferentes (cosa bastante evidente, porque la canilla no se le parece), que Jesucristo aparece como un personaje al margen.

Los propios Python se autocensuraron un poco. Por ejemplo, eliminaron casi todas las apariciones de un personaje llamado Otto, un nazi judío. Aparte de que con Otto se metían en temas que consideraban demasiado conflictivos y que se apartaban del resto del guión, frenaba la acción. Lo único que queda en la película definitiva es su breve aparición al frente del escuadrón suicida en la crucifixión de Brian.

Una vez terminada la película los Monty Python pusieron rumbo a Estados Unidos, ya que habían decidido estrenar allí, lejos de sus enemigos cristianos ingleses. El estreno mundial tuvo lugar en Nueva York, el 17 de agosto de 1979. Las críticas en general fueron positivas. La película causó sorpresa entre el público pero no en mal sentido.

Pero de repente alguien se quejó. Y quien menos se esperaban: la Asociación de Rabinos de Nueva York. El rabino Abraham Hecht declaró que la película era blasfema, sacrílega y una incitación a la violencia. Se quejaban del uso que se le daba al chal de las oraciones en la lapidación. Un detalle al que los Python no habían concedido la más mínima importancia ya que no sabían de qué iba el tema y simplemente pensaron que era un disfraz más. El caso es que al final, en un insólito rasgo de unanimidad religiosa, todos se unieron para protestar contra la película. Por ejemplo, en el Variety Magazine se publicaron dos columnas de protestas de los protestantes, dos columnas de protestas de los católicos y otras dos de los judíos. También se organizaron marchas y manifestaciones en protesta contra la película, algunas de ellas compartidas por diversos grupos religiosos.

'La vida de Brian' estaba ya en el ojo del huracán. Michael Palin, Graham Chapman y Terry Jones fueron invitados al programa de la NBC "The Tomorrow Show" para hablar de las reacciones a la película. Las manifestaciones sólo sirvieron para aumentar su popularidad e incrementar la demanda. La idea inicial era estrenar la película en doscientos cines de todo el país. Al final se estrenó en seiscientos. Algunos estados, sobre todo los fundamentalistas, la prohibieron, lo que avivó aún más las llamas. Y claro, en lnglaterra estaban con la antena puesta a ver qué pasaba y se empezaron a contar cosas. Ya había varios grupos con las uñas fuera cuando la película se estrenó el 8 de noviembre de 1979. Un día después, John Cleese y Michael Palin participaron en "Friday Night, Saturday Morning" un programa de debate de la BBC 2 presentado por Tim Rice. Tenían que hablar de la película con Mervyn Stockwood, el obispo de Southwark, y con Malcolm Muggeridge, un neocristiano miembro del Festival de la Luz y buen amigo de Mary Whitehouse. Michael Palin y John Cleese fueron bien preparados viendo lo que se les venía encima y, cuál fue su sorpresa cuando se dieron cuenta de que mientras ellos se lo estaban tomando en serio y rebatían argumentando todo, Stockwood y Muggeridge se dedicaban a actuar para el público. Según Palin: "Nos dijeron que ganamos por portarnos mejor que los cristianos. Pero yo salí temblando. El obispo Stockwood se me acercó y me dijo: "parece que ha ido bien". Comprendí que para él, para ellos era un juego. Se lo tomaban mucho menos en serio que nosotros. Se atizó un par de whiskys y se marchó." A los pocos días parodiaron el debate dándole la vuelta en "Not the nine o'clock news". Rowan Atkinson interpretaba a un obispo que había hecho una película basada en la vida de John Cleese:

El Comité lnglés de Censura decidió ser generoso, como manda el Señor, y concedió el certificado AA (para mayores de catorce años) a la película. Y, contra todo pronóstico, se pudo emitir sin cortes de censura. Y todo esto a pesar de que los miembros del Festival de la Luz pedían que se prohibiera sin miramientos, mientras lanzaban rayos y truenos contra los pecadores Python. Las aguas se habían abierto, pero aún salpicaban por algunas zonas. La decisión final de si se permitía la proyección o no la tenían los ayuntamientos. El Festival de la Luz les escribió a todos exigiendo su prohibición. Y, efectivamente, 'La vida de Brian' se prohibió en varios lugares. Pero muchos ciudadanos no pasaron por el aro y en los pueblos en los que se prohibió, la gente organizaba grupos para ir a donde pudieran verla. ¿Que iban a las calderas de Pedro Botero de cabeza? ¡Pues qué se le va a hacer!

Algunos países, como lrlanda, Sudáfrica y Noruega la prohibieron totalmente. Los noruegos tuvieron que ir a Suecia para verla. Allí los cines proclamaban: ''¡Una película tan graciosa que la prohibieron en Noruega!''.

En 2004 se reestrenó a la vez que Mel Gibson revolvía ~~las tripas~~ conciencias con 'The Passion of the Christ (La Pasión de Cristo)'. Y, como era de esperar, las reacciones no tuvieron nada que ver con las del momento de su estreno. No hubo protestas, se recibió con agrado y los críticos los trataron bien. Quizá porque sentaba bien algo de este tono para contrarrestar la película de Mel Gibson. Quién sabe... Respecto a 'La Pasión...' de Gibson, Eric Idle opina: "En realidad, el único error de Mel es no incluir la canción. Hasta ese punto maneja muy bien la sangre y los higadillos. Pero sin canción...".

Estrenos, reestrenos, varias ediciones y reediciones primero en VHS, luego en DVD, más tarde en Blu Ray, libros, ... Los Monty Python no han cejado en su empeño de hacernos llegar el mensaje de Brian desde que nació. La última (que yo recuerde): en 2009 se reunieron varios componentes del grupo en el Royal Albert Hall para celebrar el 40 cumpleaños de los Monty Python. Allí se representó un oratorio cómico basado en las andanzas de Brian titulado: 'Not the Messiah (He's a very naughty boy)', que se puede encontrar en DVD.

En el próximo Cinefórum hablaremos de... Los Edukadores

El siguiente cinefórum inaugura el nuevo año de esta sección. Os esperamos el 9 de enero para comentar 'Die Fetten Jahre sind vorbei (Los edukadores)', dirigida en 2004 por Hans Weingartner.

Ya sé que en estas fechas no apetece estudiar, pero para los más aplicados aquí dejamos unos enlaces:

- Como siempre, en Filmaffinity podéis ver las críticas de otros aficionados al cine.

- También se puede encontrar algún dato interesante en Wikipedia.

- Golem nos ofrece un dossier de la película.

- Y aquí, un estudio realizado por Claudia Kozac.

- Podéis leer otros dos artículos en cineismo y en terra.

- Y por último un enlace que confirma que todo se puede ver desde múltiples ángulos. ¿Qué opinarán de 'La vida de Brian'?

De nuevo, lamentablemente no hemos encontrado la película en V.O.S., así que recomendamos que intentéis localizar otra copia para verla en mejores condiciones.

400

2011-12-22T10:15:00.001+01:00

22 de diciembre. El país se levanta con los bolsillos llenos de décimos de lotería. 400.000 euros al décimo. Se dice pronto... Unos más, unos menos, pero raro es quien no juega nada: no vaya a ser que le toque a Fulanito... ¿Y si toca en el bar donde tomo café por la mañana?... ¡Cómo no comprar una participación a esos muchachos tan ilusionados con el fin de curso!... En fin, lo más probable es que esta noche nuestros décimos y participaciones estén en la papelera. Con la suerte que tenemos... ainssss... 400.000 euros en los tiempos que corren. ¡Con lo bien que nos venían! 400.000... 400... 400...

¡¡¡400!!! ¡¡¡Si a eso venía yo!!! ¡¡¡Esta es nuestra entrada número 400!!!

Comenzamos este camino el 23 de marzo de 2009 sin saber muy bien dónde nos metíamos ni lo que nos iba a deparar esta aventura. Sin saber si en dos días recularíamos o si seguiríamos andando. Si íbamos a estar solos o nos íbamos a encontrar con algún amigo. Dos años y 9 meses después podemos decir que el camino no se nos ha hecho nada pesado y que queremos seguir recorriéndolo junto a vosotros. Porque 400 entradas después tenemos claro que lo mejor de este blog sois vosotros, los que nos acompañáis: algunos hablando, comentando, otros en una compañía silenciosa. Tanto unos como otros nos animáis a seguir recorriendo múltiples géneros y estilos, comentando las más variadas películas, conociendo un poco más a directores tan diferentes como Kurosawa (con quien inauguramos el blog), Murnau, Vidor, Hathaway, Ophuls, Truffaut... ¡Espera, espera...!

¡¡¡Truffaut!!! ¡¡¡400!!! ¡¡¡Los cuatrocientos golpes!!!

Parece mentira que de 400 entradas no hayamos dedicado ninguna a esta película. Sobre todo teniendo en cuenta que se encuentra entre las favoritas de algunos miembros del Grupo. Truffaut reflejado en la figura de Antoine Doinel. En este caso, su película debut, un jovencísimo Antoine Doinel, un jovencísimo Truffaut. Reflejo de esa etapa en la que ya no eres tan niño pero aún no eres adulto, cuando todos los acontecimientos se viven de una forma mucho más intensa si cabe. Un niño -no tan niño- que sale de una infancia no demasiado feliz y que acabará en un reformatorio (Truffaut sabía de lo que hablaba). Antoine Doinel lo dice todo con su mirada: melancolía, soledad, tristeza, vivacidad, rabia... Antoine Doinel se siente incomprendido. En su casa. En la escuela. Busca evadirse. Escapa de los lugares que le oprimen. También se refugia en la lectura (adora a Balzac) y, cómo no, en el cine. Huidas físicas y mentales. Antoine Doinel no puede estar encerrado. Y vuelve a escapar. Corre hacia el mar. Corre y corre. Y lo seguimos. Corre y corre alejándose de todo y de todos. Corre, libre. A lo mejor su libertad dura poco, pero ¡qué le importa! ¡Si un segundo de libertad verdadera vale un mundo! Búsqueda de una vida nueva, búsqueda de la felicidad. Y, de repente, el mar. Ese mar que se descubre ante sus ojos, ante nuestros ojos espectadores y expectantes. Un mar que a la vez que te muestra un horizonte infinito, infinitas posibilidades, te deja atrapado y te hace pequeño. Y nos topamos con su mirada. De nuevo su mirada: triste y profunda; también rebelde y valiente.

A propósito del final, señalaba Truffaut:

"No se puede poner un final optimista porque la vida no es optimista; tampoco se puede poner un final pesimista porque sería un desastre comercial. Es necesario un final que incluya los dos. De ahí el final de 'Los 400 golpes' y el de casi todas mis películas. Hago finales ambiguos, siempre pensando un poco en Chaplin. Es su idea de marchar por la carretera y cruzarse con los policías, es la idea de la libertad amenazada. Creo que es la verdadera solución."

Final ambiguo. Un poco como este final de año que tenemos a la vuelta de la esquina. Un poco como cualquier final de año. Dejamos atrás un año que a lo mejor no ha sido todo lo bueno que deseábamos. Y se abre uno nuevo, incierto, impredecible. A lo mejor no es todo lo bueno que deseamos (ojalá sí lo sea), pero estaremos aquí escribiendo, hablando y disfrutando de una buena película, de un buen libro, de vuestra compañía, con vuestra compañía. Siguiendo nuestro camino, deseando alcanzar otras 400 entradas más y volver a celebrarlo todos juntos.

Gracias.

Sobre el reto y las navidades... Y de paso, dos cortos navideños

2011-12-20T12:00:00.000+01:00

Pues otro año más tenemos las navidades encima. Tras mirar el calendario, viendo cómo caen las fiestas, hemos decidido suspender el reto de los viernes hasta el viernes 13 de enero. Sí, amigas y amigos, tres semanas sin reto para dejar a las neuronas que descansen de tanto pensar y así ayudar a que las tengáis a tope para afrontar los excesos de champán y atracones familiares (en todos los sentidos que conlleva la expresión).

Confieso que es una época que no me gusta demasiado, pero ¡qué narices!, ya que no nos queda más remedio que aguantar lo que se nos viene encima, vamos a aprovechar para recordar un par de cortometrajes relacionados con estas fechas. Muy diferentes y muy alejados en el tiempo y en el espacio.

Empezamos con Władysław Starewicz, nacido en Moscú de padres polacos, trabajó en Lituania, Rusia y Francia. Uno de los pioneros de la animación en general y del stop-motion en particular. Os proponemos ver 'Rozhdyestvo Obitatelei Lyesa (La Navidad de los insectos)', de 1913. Todo un clásico, una joya indiscutible.

Por su parte, Rodrigo Blaas es el responsable de 'Alma', de 2009, trabajo de animación digital. Blaas nació en España, pero su carrera se ha desarrollado sobre todo en Estados Unidos (trabaja en Pixar). Espero que os guste.

Alma from Rodrigo Blaas on Vimeo.

Reto 11

2011-12-16T12:00:00.000+01:00

Después de esta aburrida semana sin una mísera fiesta, con amenazas de nuevas bajadas de sueldo y aumentos de jornada laboral, por fin ya es viernes y toca reto. Hoy, una típica de tarde de sábado... bueno, eso antes, cuando ponían buenas pelis, que ahora... Vamos allá.

Ya sé, es muy, muy fácil, con dos de los protas en el fotograma, pero es que me he levantado de buenas.

Como siempre, moderación de comentarios activada, formulario abajo para que mandéis vuestras respuestas, tres puntos para el primero en acertar, dos para el segundo y uno para todos los demás, hasta las 33.59 h del domingo. No creo que necesitéis pistas, pero si se da el caso irán llegando.

Pues venga, a por ello y suerte.

CINEFÓRUM DE SOBREMESA (porque el cine nos alimenta...)Hoy: Anatomía de un asesinato, (Otto Preminger, 1959)

2011-12-12T12:00:00.025+01:00

- GCPG, ¿jura sobre este retrato de Otto Preminger decir la verdad, toda la verdad y nada más que la verdad sobre lo que se le pregunte acerca de 'Anatomy of a murder (Anatomía de un asesinato, 1959)'?

- Hombre, la verdad en función de los datos de los que dispongo...

- ¿Sí o no?

- Venga, sí, que si no, no arrancamos.

- Para empezar, ¿sabe de qué hemos venido a hablar aquí?

- Claro, de 'Anatomía de un asesinato', película dirigida en 1959 por Otto Preminger.

- Concrete un poco más, por favor.

- Drama judicial cuyo guión fue escrito por Wendell Mayes a partir de una famosa novela del mismo nombre escrita en 1958 que había sido un éxito de ventas. El autor de la novela es Robert Traver, seudónimo de John D. Voelker, juez retirado que había ejercido en la Corte Suprema de Justicia de Michigan. Voelker se basó en un caso real de asesinato ocurrido en 1952 en el que él había ejercido de abogado de la defensa.

- ¿Cree que hay algo que pudiera influir en que Preminger se interesara en una historia de temática judicial?

- Sí, bueno, Preminger era hijo de un importante magistrado, Markus Preminger, que trabajó como fiscal general del Imperio y principal defensor de los intereses del emperador Francisco José I. Además, el mismo Otto, aunque no llegó nunca a ejercer, se licenció en derecho en la Universidad de Viena.

- ¿Podría decirme a grandes rasgos algo sobre cómo cree usted que aborda Preminger la película?

- Considero que hace una aguda disección de cómo funcionaba la maquinaria del sistema jurídico americano. Rueda, como es habitual en él, con gran precisión. Le gustan las tomas largas y cuida hasta el extremo la composición y combinación de los diferentes planos.

- ¿Algo más?

- No sé... ¡Sí! Evita deliberadamente los flashbacks. Refuerza con las imágenes la ambigüedad del sistema judicial que tan bien refleja el guión, de tal modo que deja al espectador con dudas incluso después de haber acabado la película.

- ¿Actor principal?

- Desde el principio, Preminger tuvo claro que quería a James Stewart para interpretar al ex-fiscal Paul Biegler, claro alter ego del autor de la novela Jon Volker. Una anécdota: al padre de James Stewart le dijo un vecino que había visto a su hijo en una película indecente. Ofendido y avergonzado fue al cine local para intentar que retiraran la película y al periódico local para que publicaran que nadie debía verla. No consiguió ni lo uno ni lo otro. Todo esto sin ver la película, a lo que se negó. Pero un buen día fue a verla sin decírselo a nadie. Entonces llamó a James Stewart y reconoció que tenía que retirar muchas de las cosas que había dicho... Pero jamás entendió que sacaran unas bragas.

- ¿Unas bragas?

- Sí. Parte de la controversia que surgió en torno a la película se debió al uso de palabras como "zorra", "anticonceptivo", "bragas", "penetración", "violación", "puta" y "esperma". Las bragas, además, se muestran en el juicio de forma explícita.

Hubo problemas para su exhibición en varios lugares. En España, por ejemplo, se cambiaron todas las referencias a las bragas y cuando se pasó años más tarde por televisión se hizo con un doblaje latinoamericano que utilizaba la palabra "pantaleta" para dicha prenda.

- ¿El resto de actores eran tan conocidos como Stewart?

- No, ni mucho menos. El papel de Laura Manion iba a ser interpretado por Lana Turner, que accedió a hacerlo con la condición de llevar solamente modelos diseñados por su modisto personal, Jean Louis. Cuando Otto Preminger objetó que esos vestidos no eran adecuados para el personaje, Turner rechazó el papel. Columbia estaba dispuesta a ceder a las demandas de la actriz, pero Preminger resistió y no la quiso a sus órdenes. Ese papel también fue rechazado por Jayne Mansfield. Al parecer, Otto Preminger se había fijado en Lee Remick, que estaba dando sus primeros pasos, como posible candidata para el papel de Laura, ya que le había impresionado en 'A Face in the Crowd (Un rostro en la multitud)'. A las pocas semanas, la llamó para decirle que había dado el papel a Lana Turner, y le ofreció interpretar un pequeño papel, el de Mary Pilant, pero Remick lo rechazó. Al final, cuando llamaron a Lee Remick para ver si quería finalmente hacer el papel de Laura, pensó que era una broma y colgó. Hubo que volver a llamarla para convencerla de que era verdad que era la elegida para el papel.

El papel del teniente Manion, el acusado de asesinato, lo interpreta un poco conocido por aquel entonces Ben Gazzara.

El papel del ayudante del fiscal general, Claude Dancer, lo consiguió George C. Scott, actor de teatro que había hecho alguna aparición en televisión, pero que apenas había trabajado en cine. Le habían ofrecido un pequeñísimo rol en 'Anatomía de un asesinato', pero cuando Preminger le preguntó si lo aceptaba dijo que no, que él quería hacer el papel de Dancer. Para sorpresa de Scott, Preminger aceptó.

- ¿Y qué me puede decir del actor que hace de juez?

- Pues que no era actor. Spencer Tracy y Burl Ives rechazaron ese papel al considerarlo secundario. Finalmente lo interpretó Joseph N. Welch, que era un abogado de Boston en la vida real. No tenía ninguna experiencia como actor, pero era conocido por haber defendido a la Armada en un juicio que fue televisado contra el senador McCarthy en 1954. Fue Welch quien le espetó a McCarthy la histórica: "Ha hecho bastante. Al fin y al cabo, ¿tiene Ud. sentido de la decencia? ¿No tiene sentido de la decencia? ¿Ha perdido el sentido de la decencia?". Welch aceptó el papel con la condición de que su esposa estuviera en el jurado.

Por otra parte, ya que hablamos del jurado, se contactó con los miembros del jurado del juicio original para que participaran en la película. Con la excepción de algunos que se habían mudado o habían muerto, la mayoría aparece en la película. Los que no asistieron fueron reemplazados con residentes locales.

- ¿Lugar de rodaje? ¿Localizaciones? ¿Pudieron influir en las actuaciones, en el desarrollo del rodaje?

- Pare, pare, vamos poco a poco. El rodaje tuvo lugar en diversas localizaciones de la península superior de Michigan (Big Bay, Marquette, Ishpeming y Michigamme). La "biblioteca de leyes" del juzgado se rodó en en la Carnegie Public Library de Ishpeming, Michigan. El Tribunal del condado de Marquette se utilizó en las escenas desarrolladas en el juzgado. Algunas escenas se rodaron en la Posada Thunder Bay, en Big Bay, Michigan, cerca de la Taberna Lumberjack, el lugar donde tuvo lugar el asesinato cometido en 1952 que inspiró la novela. Esta taberna todavía existe. Se puede ver la marca del contorno del asesinado, pero dicen las malas lenguas que es una restauración, no la marca original.

El que varias localizaciones coincidieran o estuvieran próximas a las del asesinato real parece que ayudó a dar más realidad a todo. Al menos, James Stewart en 'Otto Preminger: Anatomía de un cineasta', asegura que a él le ayudó a meterse en su papel.

- ¿Puede señalar algo de interés acerca de la banda sonora?

- ¡¡¡BUENÍSIMA!!!

- No grite, por favor.

- Perdón, que me dejo llevar. La banda sonora la compusieron Duke Ellington y Billy Strayhorn y está interpretada por la orquesta de Duke Ellington. Se grabó entre el 29 de mayo y el 1 y 2 de junio de 1959.

Se considera a 'Anatomía de un asesinato' como una de las primeras películas que basa su banda sonora en el jazz. Duke Ellington hace un cameo como "Pie-Eye", el dueño del bar de carretera donde Paul Biegler y Laura Manion tienen un encontronazo.

- Imagino que la película llevó su tiempo...

- Bueno, no se hizo en dos días pero, al parecer, fue todo bastante fluido. Se dice que el rodaje se completó en dos meses y que sólo un mes después de finalizada la filmación ya estaba lista para los pases previos. El estreno oficial tuvo lugar en Estados Unidos el 1 de julio de 1959.

- ¿Obtuvo 'Anatomía de un asesinato' algún reconocimiento?

- Sí, obtuvo numerosas nominaciones y consiguió varios galardones, pero como son muchos datos, los traigo aquí.

- ¿Sabe algo acerca del pase por televisión de la película?

- Si, algo he oído. Otto Preminger demandó a Columbia Pictures y su subsidiaria para televisión Screen Gems cuando vendieron 'Anatomía de un asesinato' dentro de un paquete de 60 películas para ser pasadas por la televisión por diez millones de dólares. En Nueva York, ABC interrumpió los 160 minutos del filme 13 veces con 36 anuncios y se le quitó metraje, como media hora, para adaptarla a los tiempos televisivos. Preminger estaba furioso porque su película había sido mutilada y los llevó a juicio en un caso que fue muy publicitado, pero finalmente perdió.

- ¿Algo que añadir?

- No quiero dejar de mencionar la fotografía en blanco y negro a cargo de Sam Leavitt. También creo que es obligatorio hacer referencia a los estupendos títulos de crédito diseñados por Saul Bass.

- ¿Quiere llamar a alguien a declarar?

- Si no es mucho pedir, me gustaría que todos los lectores que pasen por aquí y que lo deseen dejen sus opiniones en los comentarios para que este tribunal los tenga en cuenta. Gracias.

En el próximo Cinefórum hablaremos de...
La vida de Brian

Pues sí, si por algo son recordadas las fiestas que se nos vienen encima, es por esa cogorza que el que más y el que menos se ha pillado alguna vez en Fin de Año y por el nacimiento de Brian. Podíamos habernos puesto posmodernos y pasar completamente de la Navidad en el Cinefórum del día 26, pero eso no iría bien con nuestro espíritu respetuoso con las tradiciones, así que nos espera una sesión mística de la mano de los Monty Python, y con esta magistral comedia dirigida en 1979 por Terry Jones.

Ya sabemos, todos la conocéis, pero por si queréis detalles os dejamos algunos enlaces de interés:

Lo primero pasaros por la Wikipedia, que siempre podréis añadir algún dato interesante que se haya escapado.

Nada menos que 153 críticas en Filmaffinity, así que podéis estar leyendo de aquí hasta la fecha del Cinefórum.

Por supuesto, tampoco los de Criterion quieren faltar a la cita y nos ofrecen un comentario de George Perry.

Un par de compas blogueros para ir completando: 39 escalones y Blog de Cine.

Y para los estudiosos, el guión de la película, eso sí, en inglés.

Y hablando del idioma de Shakespeare, recuerdo que cuando se estrenó la película en España, los distribuidores tuvieron el buen gusto de no doblarla y ofrecerla sólo en inglés con subtítulos. Después, el vídeo se encargó de matar a la estrella del celuloide, y ahora no hemos podido encontrarla nada más que doblada. Un hecho lamentable que conviene evitar a toda costa, pero que de cualquier forma os ofrecemos con la nariz tapada:

Reto 10

2011-12-09T12:00:00.001+01:00

Creo que hoy es viernes... Si, es el tercer viernes de esta semana y si no me he equivocado al contar, este es el viernes que toca reto. Como ya tenemos bastante lío con los tres viernes de la semana, el reto de hoy va a ser muy fácil.

Curiosa imagen, ¿verdad?. En ella podemos observar a uno de los protagonistas de la película, lamentablemente, de espaldas. De momento no hay más pistas.

Como siempre, podéis enviar vuestras respuestas a través del formulario, tenéis de plazo hasta las 23:59 hrs. (CET) del domingo.

Queda activada la moderación de comentarios hasta que concluya el reto.

Pista adicional.

Por si alguien todavía tiene dudas, creo que este fotograma le será de gran ayuda.

Y otra mas:

Una vista aérea de una pequeña localidad, si bien y como no podía ser de otra forma, a la derecha de la imagen hay un edificio en ruinas. La explicación está en el título de la película de la cual, esta es continuación.

Happy Hour:

Falta poco mas de una hora para que termine el reto y aún tengo puntos que repartir. Espero que con esta nueva pista ya no haya dudas sobre que película se trata.
Tengo puntoooos, Que están de oferta, oiga.

"Dreams of a Rarebit Fiend", Pesadillas de Winsor McCay

2011-12-07T12:00:00.000+01:00

Winsor McCay nació para dibujar. Aunque su padre quiso que se dedicara a los negocios, el joven Winsor se negó. Tras trabajar haciendo caricaturas en un dime museum de Detroit, se trasladó a Chicago, donde diseñó carteles y programas para la National Printing and Engraving Company. Trabajó también para el dime museum de Cincinatti. Allí comenzó a a colaborar en diversos periódicos locales encargándose de las ilustraciones. Entre 1899 y 1903 también puso su arte a disposición del semanario humorístico Life.

Su primera tira de prensa, "Tales of the Jungle Imps of Felix Fiddle", se publicó entre enero y noviembre de 1903 en el Cincinnati Enquirer. Este trabajo hizo que James Gordon Bennett se fijara en él y le ofreciera ir a Nueva York para colaborar en el New York Herald y el Evening Telegram. Para estas publicaciones creó algunos títulos memorables, como "Little Sammy Sneeze", "Little Nemo in Slumberland" (ambos aparecieron en el New York Herald) o el que nos ocupa, "Dreams of a Rarebit Fiend", que se publicó en el Evening Telegram entre el 10 de septiembre de 1904 y el 25 de junio de 1911, firmado con el seudónimo Silas. La carrera de McCay continuó de forma fructífera, desarrollando en paralelo su faceta como historietista y como cineasta.

Tanto "Little Nemo" (que en 1911, renombrado "In the Land of Wonderful Dreams", pasó al New York American y otros periódicos de William Randolph Hearst) como "Dreams of a Rarebit Fiend" se basan en el mundo de los sueños. El primero, más infantil, se centra en lo bonito y placentero del mundo onírico. El segundo, dirigido al público adulto, en el mundo de las pesadillas y los sueños incómodos.

De "Dreams of a Rarebit Fiend", cuya traducción literal sería "Sueños de un entusiasta del Rarebit", se puede encontrar una selección de aventuras editada por Laertes Cómic bajo el título "Pesadillas de Cenas Indigestas". Winsor McCay describe las pesadillas que se pueden sufrir si uno se acuesta después de haber cenado Welsh Rarebit en grandes cantidades. Aborda los temores de la clase media urbana, recurriendo y refiriéndose en algunas historias a acontecimientos sociales y políticos de la época, desde un punto de vista ácido, irónico y en ocasiones crítico. Altamente recomendables. Algunas, obviamente, han quedado un poco anticuadas, pero todas tienen un valor incuestionable y muchas son verdaderas joyas.

En 1906, Edwin S. Porter realizó una primera adaptación cinematográfica, de seis minutos de duración.

En 1921, el propio Winsor McCay, pionero en esto del cine y la animación, hizo tres películas de animación basadas en sus "Pesadillas": 'Dreams of the Rarebit Fiend: The Pet', 'Dreams of the Rarebit Fiend: The Flying House' y 'Dreams of the Rarebit Fiend: Bug Vaudeville'.

A lo mejor alguno se pregunta qué es eso de Welsh Rarebit. Pues bien, básicamente es una comida considerada "de taberna" que consiste en una tostada de pan con una mezcla de queso, cerveza y otros ingredientes horneada. Os dejamos un par de recetas para que los "cocinillas" os lancéis a por el delantal:

INGREDIENTES

6 rebanadas gruesas pan, 400 gr. queso cheddar rallado, 60 gr. mantequilla, 2 huevos, 3 dl. cerveza, 2 cucharas de café de Mostaza, 1/2 cuchara de café de paprika, sal y pimienta

PREPARACIÓN

Poner las rebanadas de pan en una bandeja de horno. Batir los huevos. Fundir la mantequilla y verter 20 cl. de cerveza, añadir el queso rallado y obtener una pasta homogénea. Añadir los huevos y salpimentar. Cocer 2' y retirar del fuego. Agregar dos cucharadas de mostaza, paprika y la cerveza restante. Incorporar al preparado de queso. Repartirlo sobre las rebanadas de pan e introducir 2' en el horno bajo el grill.

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INGREDIENTES

4 rebanadas de pan de molde grueso sin corteza 125 grs de queso cheddar rallado grueso 1 cucharadita de mostaza 1 huevo poco batido 1 pizca de pimienta blanca 2 cucharadas de cerveza mantequilla a temperatura ambiente

PREPARACIÓN

Precalentar el horno a 200ºC. Mezclar el queso con la mostaza y la pimienta. Agregar el huevo y la cerveza. Dejar reposar un rato. Untar cada tostada con mantequilla y cubrir con el preparado de queso. Llevar al horno y dejarlas hasta que el queso esté dorado. Listas para comer.

¡¡¡Buen provecho!!!

Solución al reto: A través de la noche

2011-12-05T00:33:00.001+01:00

La respuesta es 'All Through the Night (A través de la noche, 1941)', dirigida por Vincent Sherman.

Considerada una película de segunda categoría, sus toques de comedia hacen que se pueda ver como una especie de parodia de las películas tipo de cine negro. No es la mejor película del mundo, pero es, sin duda, muy entretenida.

La protagoniza Humphrey Bogart, que se mostró encantado de poder meterse en la piel de un personaje más amable y divertido de lo que era habitual, lo que se contagia a través de la pantalla. En el "lado oscuro" destaca Peter Lorre, como siempre, pequeño pero matón (en todos los sentidos).

Y arropándolos, encontramos un buen montón de inmensos actores y actrices, como Conrad Veidt, Kaaren Verne y Judith Anderson, entre otros.

La trama arranca cuando alguien asesina al panadero que prepara la tarta de queso preferida de Gloves (Humphrey Bogart). A partir de ahí, Gloves se ve inmerso en una aventura que lo enfrenta a un grupo de espías nazis.

Aquí tenéis el trailer:

Ya tenéis el Ranking actualizado a vuestra disposición.

Reto 9

2011-12-02T12:00:00.000+01:00

Aquí estamos un viernes más. El primero de diciembre. Desde luego, el tiempo pasa volando... Pero a lo que vamos: el reto semanal.

He tenido un problema: salí de casa con mis fotogramas en el bolsillo y ha empezado a llover. Por más que he intentado protegerlos, les ha caído una gotaza a cada uno en medio y me los ha distorsionado. Espero que se vayan secando a lo largo del día... Según se vayan viendo mejor, os los iré poniendo.

Una pista: son dos actores muy conocidos y muy reconocibles (al menos en circunstancias normales).

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Anexo 1

Parece que he conseguido secar un poquito los fotogramas. De momento muy poquito, pero bueno...Algo es algo.

Para que no os quejéis, os dejo otro fotograma. Aunque me tenéis que perdonar, que tengo el día torpe... Éste se me ha caído al suelo y se me ha roto en varios pedazos....

FIN DEL ANEXO 1

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Anexo 2

Creo que ahora, los que todavía no habéis identificado a los actores de los fotogramas, sí que los reconoceréis.

Ánimo, que un punto nunca viene mal.

FIN DEL ANEXO 2

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Anexo 3 y último

Sobran las palabras...

FIN DEL ANEXO 3

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Sé que vosotros no tenéis la culpa de mis desgracias, así que aquí va una pista extra. No pertenece a la peli, pero lo que sale tiene cierta relación con ella.

Con esto seguro que adivináis el título de la película que buscamos. Y si no, ya irán saliendo pistas.

Como siempre, para que las respuestas sean consideradas válidas, tenéis que enviarlas a través del siguiente formulario.

Tengo 3 puntos para el primero en acertar, 2 puntos para el siguiente y 1 punto para todos los demás que acertéis hasta las 23:59 h. del domingo.

Nota: Queda activada la moderación de comentarios hasta la finalización del reto.

La sombra de Malcolm Sutherland, una paradoja autorreferente

2011-11-29T13:16:00.000+01:00

Malcolm Sutherland es un ilustrador y animador canadiense. Nació en Calgary (Alberta), y estudió Grabado en el ACAD. Después se trasladaría a Montreal en 2002 para dirigir un corto animado para la NFB. Allí estudió Cine en la Universidad Concordia.

Su producción (ilustraciones, cómic y animaciones) tienen un corte experimental que lo aleja del gran público. Dispone de un par de sitios web (enlace 1 / enlace 2) donde podemos rastrear parte de esta producción. Ya que las fuentes habituales (IMDB, Filmaffinity o Wikipedia) ofrecen poca o ninguna ayuda, vale la pena que indaguemos por Youtube y Vimeo.

Como muestra, os traemos su cortometraje más conocido, Umbra (2010). Para explicarlo, voy a recurrir a un dibujo, unos versos y una teoría.

M. C. Escher, Ascending and descending

El conocido dibujo de Escher, los ¿monjes? que dan vueltas subiendo (o bajando) en el plano real, pero sometidos a una geometría no euclidiana, siempre llegan al mismo sitio. Lo real y lo ilusorio actúan al mismo tiempo, como si las fronteras entre uno y otro se desdibujaran, o estuvieran sometidas a una lógica trascendental.

Jorge Luis Borges escribió:

Acaso un dios me engaña.

Acaso un dios me ha condenado al tiempo, esa larga ilusión.

[…]

Quizá no tuve ayer, quizá no he nacido.

Acaso sueño haber soñado.

Por último, un somero análisis sobre las paradojas. Concretamente, las autorreferenciales, aquellas en cuya arquitectura cíclica comparece la idea de infinito. Una paradoja autorreferente concluye en un doblez de interpretación, a la vez verdadera y falsa. La más conocida, la del mentiroso, afirma: Soy un mentiroso. Si digo la verdad afirmando que soy un mentiroso, la proposición sería falsa. Si por el contrario, he mentido al decir que soy un mentiroso, lo que dice la proposición sería correcto, lo que invalida a su vez la afirmación.

A mí me gusta mucho la paradoja de Russell (popularizada como la del barbero), que en definitiva viene a decir que si un conjunto contuviese a todos los conjuntos que no se contienen a sí mismos, ese conjunto debería ser elemento de este conjunto, lo cual es absurdo, y viceversa. Si no estuviera contenido en este conjunto, éste sería incompleto, pues faltaría un elemento.

Si aquel dibujo, esa cita borgiana y las paradojas autorreferentes logran o no explicar el cortometraje de Sutherland, como cabría esperar, no es verificable. Espero, al menos, que disfruten con su visionado, como quien halla placer en la tortura, visión en la ceguera, o destellos en la podredumbre.

Solución al reto: Shijie, de Jia Zhangke

2011-11-27T23:50:00.001+01:00

Jia Zhangke (n. 1970) es uno de los directores más representativos de la denominada "sexta generación" del cine chino (Jia Zhanke, Zhang Yuan, Zhang Yang, Lou Ye,Wang Xiaoshuai). Atrás van quedando los dramas rurales entendidos bajo el prisma de la Revolución Cultural, o las épicas del sable con las que Yimou ha cosechado tantos éxitos comerciales. A Zhangke lo reconocemos por su realismo sucio, por su antirromanticismo, por su tendencia a la panorámica de las grandes realidades urbanísticas de la nueva China, en la que las historias humanas apenas logran percibirse o se muestran insignificantes. Zhangke Lograría un gran reconocimiento internacional con su película Naturaleza muerta. La película que nos ha ocupado en la ocasión de este reto ha sido su predecesora, Shijie (El mundo), donde se dan muchas de las claves de este gran director, que procuraré enumerar sin pretender ser exhaustivo:

China 1. La China moderna y deslumbrante, la que se promociona en el mundo. La China capaz de construir un parque temático, el que da título a esta película, en el que está "resumido" todo el mundo. Lujo.
China 2. La que muestra Zhangke, la de la pareja protagonista viviendo en una habitación en la que no invitaría yo a vivir ni a las ratas. La China real, la que se esconde tras las luces, la que respira, come, fornica, desea y ama. Miseria.
La globalización. Lo está cambiando todo. Y en el caso chino, a una velocidad de vértigo. Zhangke es testigo de estos cambios, y muestra a personajes desnaturalizados, reconvertidos, desorientados, estúpidos en muchas ocasiones, y deslumbrados por el capitalismo.
Urbanismo. Las grandes obras urbanísticas le sirven al director para mostrar estos grandes procesos de cambio en el que las historias humanas parecen tan insignificantes.
Documentalismo. Ausencia de artificio, gusto por la composición pero no por la manipulación de los decorados, Zhangke consigue, desde la ficción, una mirada documental sobre los hechos que relata.

Reto 8

2011-11-25T12:00:00.004+01:00

Por fin es viernes y ya toca descansar un poco. Pero antes, si os apetece, podéis estrujaros un poco las neuronas tratando de descubrir a qué película corresponde el siguiente fotograma.

Sois unos linces, lo sé, y a nadie se le escaparán los detalles del fotograma, así que de momento, no hay ninguna pista.

Aquí tenemos un segundo fotograma, que seguro que os aclara muchas dudas a aquellos que vais un poco despistados...

Ahí va el tercer fotograma, seguro que sabéis dónde estamos ya...

Seguro que ya no queda ninguna duda...

El director de la película combina unos breves sketch animados que introducen los diferentes capítulos de la misma:

Para que sean consideradas válidas, vuestras respuestas deben enviarse a través del siguiente formulario.

El primero en acertar se llevará 3 puntos, el siguiente 2 puntos, y a partir de ahí, un punto para todo aquel que acierte el fotograma. Admito respuestas hasta las 23:59 h. del domingo.

Nota: Queda activada la moderación de comentarios hasta la finalización del reto.

CINEFÓRUM DE SOBREMESA (porque el cine nos alimenta...)Hoy: La Torre de los Siete Jorobados, (Edgar Neville, 1944)

2011-11-21T12:00:00.000+01:00

'La Torre de los Siete Jorobados' tiene su origen en una novela de Emilio Carrère. La historia de la concepción y publicación de la novela se cuenta de varias maneras. Según algunas fuentes, ésta empezó a publicarse en forma de folletín, por entregas, en el periódico La Nación, pero quedó inconclusa. Apareció como libro en 1920 (ó 1924 según otros), tomando como base aquellas entregas folletinescas y fragmentos de otros trabajos del propio autor. Carrère, a pesar de elaborar la base, la dejó mal rematada cuando se la entregó al editor. Éste encargó a Jesús de Aragón que la completara y le diera la forma definitiva.

También hay quien dice que fue en 1925 cuando Carrère, acuciado por deudas de juego y amores mercenarios, vendió al editor Manuel Palomeque el manuscrito de 'La torre de los siete jorobados' y que cuando éste lo iba a llevar a la imprenta vio que las tres cuartas partes de los folios estaban en blanco. El editor encuentra al escritor jugando al billar. Palomeque pide explicaciones, obteniendo como respuesta que qué esperaba a cambio de la miseria que había pagado. Es entonces cuando el editor recurre a Jesús de Aragón, a quien ofrece publicar una novela si comlpleta el relato de Neville. Carrère se encargaría de las correcciones para su reedición tras el gran éxito de público obtenido.

Cuando Emilio Carrère fue entrevistado por José Santu- gini en Cinegramas en 1935, el escritor confesó que la novela suya que le parecía más adaptable al cine era, precisamente, 'La Torre de los siete jorobados': “[…]Por su emoción, su enredo y sus complicaciones folletinescas, es precisamente por lo que la creo cinematografiable. Sería la primera película de terror, de misterio, de trucos pinto- rescos que se realizase en España. Entre policiaca y sobrenatural, con algo de humorismo y castizos escenarios madrileños de arriba y del subsuelo, porque la mitad transcurre en los subterráneos que existen en la Morería y en el viejo solar de la Casa del Pecado Mortal.[…]”

El guionista estuvo de acuerdo y desde ese mismo momento le empezó a rondar por la cabeza la idea de llevar a la gran pantalla la novela. Santugini convenció en 1944 a los productores para llevar a cabo la adaptación cinematográfica del libro. Carrère y el productor Germán López firmaron el contrato de cesión de derechos de adaptación el 9 de marzo de 1944.

Santugini se encargó de elaborar el guión en su mayor parte. De hecho, la publicidad del rodaje atribuye el guión a Santugini en solitario. Edgar Neville apareció en escena más tarde, poco antes de empezar a rodar. Solamente después del rodaje empiezan a aparecer los dos nombres asociados al guión. El crédito final reza: “Adaptada y dialogada por José Santugini y Edgar Neville, según la novela de Emilio Carrère”.

El guión se presentó a la censura previa en mayo de 1944. Obtuvo el visto bueno, pero Antonio Fraguas recomendó suavizar la naturaleza sobrenatural de algunos pasajes. Dada la inminencia del inicio de la producción, Neville se encargó de redactar las modificaciones necesarias.

El 23 de mayo, seis días antes de comenzar el rodaje, Neville hace llegar a la Censura el texto de una nueva escena a modo de prólogo en la que se hace ver que el protagonista duerme inquieto para dar a entender que todo es una pesadilla. A la Censura le parece poco y se añade también un epílogo en que se vuelve a ver a Basilio en la habitación intentando volver a dormir para seguir con su sueño, la fecha de la nota que acompaña a esta secuencia es el 29 de mayo, el mismo día que empezó el rodaje (se extendió hasta el 22 de julio). También se añadió la escena de Napoleón. Escribió Neville a la Censura: “Con el principio, este final y la escena de Napoleón, no creo que a nadie le quepa duda de que es un sueño. Sin embargo, como esto, sobre todo al principio, quita fuerza a la acción, ya que nadie toma en serio un sueño, os lo pasaré en censura sin estos aditamentos y sólo en el caso que lo juzgaran imprescindible, se añadiría”. Finalmente, en la versión final, de estas modificaciones de guión sólo quedó la escena de Napoleón y una conversación entre los camareros del restaurante.

La producción fue desde mayo a noviembre de 1944, época harto complicada para el cine. Había serias dificul- tades materiales debido a las penurias económicas de la época y a la situación de los países del Eje, que eran quienes suministraban a España negativo de cámara. Además, el suministro eléctri- co sufría cortes continuos durante el día, lo que obligó a planificar gran parte del rodaje por la noche.

En los estudios CEA de la Ciudad Lineal de Madrid, se construyeron los interiores y la ciudad subterránea. Neville no era muy dado a rodar en exteriores, pero para 'La Torre de los Siete Jorobados' rodó más de ocho días en las calles y plazas del Madrid de los Austrias.

'La Torre de los Siete Jorobados' fue el último trabajo en el campo de la producción cinematográfica de Germán López, Fernando Roldán y Luis Júdez, encargados de la financiación y explotación de la película. El presupuesto declarado fue de 1.200.000 pesetas (el coste medio de una película española en aquella época era de millón y medio).

Obtuvo una calificación oficial 2ªA, la cual es bastante pobre, que comprometió la recuperación de la inversión por parte de los productores, basada en aquel momento en la rentabilidad de las licencias de importación y doblaje. Neville decía que no recibió ni un céntimo por su trabajo, a pesar de que según el presupuesto le correspondían 75.000 como director y 75.000 como guionista.

De la fotografía se encargó Enrique Barreyre. Los deco- rados y efectos visuales son obra de Pierre Schild, Fran- cisco Escriñá y Antonio Simont. Por un lado se re- crearon interiores de casas, casinos y cafés art decó de finales del XIX, mientras que en la ciudad subterránea destacaban elementos mudé- jares y un espíritu cercano al cine de terror de la Universal. La imagen más famosa de la película es la escalera de caracol que lleva a los abismos de Madrid. Pierre Schild, el encargado de maquetas y trucajes, fue el responsable, experto en la materia que introdujo en España las técnicas de glass-shot y matte-shot.

El papel de Basilio Beltrán, el héroe de la película que nos ocupa, recayó en Antonio Casal, que en el momento del rodaje era considerado el mejor galán cómico del cine español. Como principal villano, el Doctor Sabatino, tenemos a Guillermo Marín, que llevaba 25 años pisando las tablas de escenarios teatrales, con gran reconocimiento. Aunque tuvo más éxito en teatro que en cine, su solvencia fue requerida por diversos directores, entre ellos Neville, Rafael Gil o José Luis Sáenz de Heredia. El polivalente Félix de Pomés (ejerció el periodista, fue pintor, licenciado en derecho, comenzó las carreras de medicina y farmacia, boxeador, futbolista, tirador de esgrima, doblador de cine, director y actor) es el encargado de interpretar al difunto Robinsón de Mantua, al que transmite su imponente porte y su elegancia. Su sobrina en la película, Inés de Mantua, la interpreta la que en la vida real era su hija: Isabel de Pomés.

En los papeles secundarios cabe destacar a Julia Lajos como Doña Magdalena, la voraz madre de “La Bella Medusa” (interpretada por Manolita Morán). También en una breve pero entrañable aparición, tenemos a Antonio Riquelme, como el cantarín y algo “pasado de rosca” ar- queólogo Don Zacarías.

La música corrió a cargo de José María Ruiz de Azagra, forjado en la revista y la zarzuela. Cosa rara, ya que Neville prefería trabajar con José Muñoz Molleda. Azagra comenzó a realizar música para películas en 1935, participando en más de 50 obras hasta 1956. Azagra tuvo un claro referente cinematográfico: el cine fantástico que Hollywood estaba produciendo en aquellos mismos momentos. Aunque también introdujo en el filme piezas más “castizas”. En las escenas desarrolladas en el mundo exterior solo escuchamos la música que escuchan los protagonistas, es decir, solo hay música diegética. En la ciudad subterránea, por el contrario, la banda sonora se basa en música extradiegética. Esto ayuda a separar un mundo del otro.

En 'La Torre de los Siete Jorobados' podemos encon- trar multitud de referencias: Nosferatu, El gabinete del doctor Caligari, el Doctor Mabuse, El Fantasma de la Ópera, La Bella y la Bestia, Metrópolis, Blancanieves y los Siete Enanitos...

'La Torre de los Siete Joro- bados' se estrenó el 23 de noviembre de 1944 en Madrid en una única sala: el Capitol. Solo estuvo siete días en cartel en el momento de su estreno. El 13 de diciembre llegó a los cines Alcázar de Barcelona y Pathé de Sevilla. Por lo que parece, no convenció a los exhibidores.

La crítica, en cambio, en su gran mayoría, dedicó muy buenas palabas a la cinta de Neville. Os dejamos un fragmento de una reseña que Alfredo Marqueríe escribió para la revista “La Codorniz”:

“¡Hombre…! A esto no hay derecho. De modo que nos pasamos la vida diciendo que nuestro cine es malo, que vivimos de la imitación del extranjero, que nuestros argu- mentistas, nuestros guionis- tas, nuestros directores no tienen imaginación para ele- var los temas a categoría fantástica. Y, de pronto, José Santugini y Edgar Neville se ponen de acuerdo para dejarnos mal. Y cogen una novela de Emilio Carrère, que es ese señor de capa y sombrero ancho, con la barba cerrada y una gran cachimba en la boca, que escribe unos versos muy bonitos y que inventa historias estupendas. Y después de coger la novela, con el permiso del autor, claro, la transforman en un guión de cine emocionante, interesante y divertido al mismo tiempo. Y después contratan a Guillermo Marín, que interpreta un papel de médico jorobado, que es algo serio, y a seis jorobados más, que aunque no son médicos son monederos falsos, y a Isabel de Pomés y a Antonio Casal y a otros artistas excelentes. Y hacen construir unos decorados que para sí los quisiera Rambal, con trampas, cuevas, galerías subterráneas, minas, pasadizos y todo eso. Y hacen surgir a otro personaje que se filtra por las paredes y por los espejos como si tal cosa, y le dice a Casal el número de la ruleta donde va a caer la bolita y acierta siempre. (¡Vaya un fenómeno! Más imponente que Fassman). Y con un ritmo rápido y una cámara manejada por Barreyre soberbiamente y una música de fondo de Azagra que pone los pelos de punta, hacen ‘La Torre de los Siete Jorobados’, que es un peliculón de los buenos, buenos.[…]”

(El Espectador Marqueríe: “El cine desde la butaca”, publicado en “La Codorniz” el 10 de diciembre de 1944).

Como remate, una curiosidad: pocos meses después de estrenarse la película se hizo una adaptación a cómic protagonizada por el famosísimo Roberto Alcázar (ese intrépido aventurero español que siempre llevaba una bandera patria encima) y su inseparable compañero Pedrín. Esta aventura se tituló “El Torreón de los Jorobados”. Impresionante.

Nota: Este Cinefórum está elaborado a partir de algunos textos del libreto que acompaña a la estupenda edición en DVD que ha lanzado Versus Entertainment, así como de los extras de dicha edición.

En el próximo Cinefórum hablaremos de...

Anatomía de un asesinato

El 5 de diciembre os esperamos a todos para hablar de 'Anatomy of a murder (Anatomía de un asesinato), tremendo drama judicial dirigido en 1959 por Otto Preminger. Una de esas películas con las que merece la pena reencontrarse cada cierto tiempo; o descubrirla si no se conoce, claro.

Esta vez no os vamos a poner muchos deberes. Os dejamos aquí cuatro enlaces contados: Filmaffinity, Wikipedia en su versión en inglés, una reseña de Claqueta y otra de Blog de Cine.

Si no tenéis una opción mejor, la podéis ver en el vídeo de abajo doblada. Pero como siempre, os recomendamos buscar una copia de mejor calidad y a ser posible en V.O.S. para disfrutar plenamente de las enormes actuaciones que nos ofrecen los actores en esta película.

Anatomia de un asesinato from cineculturalclub on Vimeo.

El reto: La solución

2011-11-21T00:26:00.002+01:00

La solución al reto de esta semana es "El mundo según Barney" dirigida por Richard J. Lewis en 2010 e interpretada por Paul Giamatti, Rosamund Pike y Dustin Hoffman.

La película narra, mediante "flashbacks" los tres matrimonios del protagonista, Barney Panofsky y se caracteriza por unas soberbias interpretaciones de Paul Giamatt y Rosamund Pike y está basada en la novela del mismo nombre de Mordecai Richler

Paul Giamatti interpreta el papel de de Barney Panofsky, un productor de televisión muy aficionado a las Hockey, al alcohol y las mujeres. A lo largo de la película nos cuenta la historia de sus tres matrimonios y de las circunstancias en las que se producen y las causas de los fracasos. Barney es, sin lugar a dudas, un tipo muy especial. Rosemund Pike, ex-chica Bond, interpreta a su tercera esposa. De su papel sólo hay que decir "Si, yo también me hubiera enamorado de ella". A pesar de que la actuación de Giamatti ha sido elogiada por la crítica, personalmente me quedo con con Rosamund Pike, pues creo que aporta a su personaje muchos mas detalles y matices de los que aporta Giamatti. Confieso que no he leído la novela y por lo tanto, no estoy capacitado para comparar el personaje de Barney, pero en la película echo en falta más detalles que me revelen como es realmente Barney y qué es lo que pasa por su cabeza, si es que realmente pasa algo, mientras que el personaje de Miriam rezuma sentimientos, integridad, nobleza.

En resumen, a mi juicio es una película muy recomendable que cobra fuerza a medida que avanza.

Y para no desvelar demasiados detalles de la trama y estropear la película a aquel que no la haya visto, simplemente comentar que en esta película vuelve a aparecer, puesto que también lo hizo en un capítulo de C.S.I, esa leyenda urbana de que un bucear es absorbido por un hidroavión de extinción de incendios y lanzado en mitad de un monte en llamas. Este es un hecho imposible. Sería posible si el avión cargara el agua del mar a través de las mismas compuertas que utiliza para soltarla, pero este no es el caso. El hidroavión carga el agua a través de una tomas situadas en el fuselaje y que en el caso del CL-215/415, tienen un diámetro que oscila entre 4 y 10 pulgadas dependiendo de la versión. El agua no se almacena directamente en la bodega, como puede fácilmente deducirse de dicha leyenda, sino que se almacena en uno depósitos situados en la bodega. La imagen del reto muestra un hidroavión que se dirige a cargar agua a un lago cercano y en ella puede apreciarse con toda claridad cómo las compuertas de descarga están cerradas.

Reto 7.

2011-11-18T12:00:00.002+01:00

Como cada semana, cada vez que llega el viernes, llega nuestro reto semanal. Esta semana hemos querido recuperar una de nuestras viejas tradiciones y por ello, hoy os traemos un "avioncito".

Se trata de un Canadair CL-215, conocido cariñosamente como "botijo". Nuestro Ejército del Aire posee varias unidades asignadas al 43 Grupo dedicados a la lucha contra incendios. Valga este reto como un pequeño homenaje a todos aquellos pilotos, tanto militares como civiles, que todos los veranos se juegan la vida y, a veces la pierden, luchando contra los incendios forestales que asolan nuestro país.

Y como pista de nuestro reto, simplemente diré que el avión no es el protagonista de la historia. Es más sale muy poco, sin embargo, si es una parte fundamental en el desenlace de la historia. Sobre este desenlace hablaremos con mas tranquilidad una vez finalizado el reto.

Como siempre, para que las respuestas sean consideradas válidas han de enviarse utilizando el formulario.

Esta semana tengo un montón de puntos. ¿Que cuanto cuesta, que cuanto vale un punto? Pues en mi mano no valen nada y por eso los regalo. Tenéis hasta las 23:59 hrs del domingo para conseguir alguno.

Ánimo y mucha suerte a todos.

Nota: Queda activada la moderación de comentarios hasta la finalización del reto.

Segundo fotograma:

En este fotograma se puede ver uno de los coche mas bellos de todos los tiempos: el Jaguar Type-E. Este coche encabezó el ranking del Daily Telegraph de los 100 coches mas bellos de todos los tiempos en 2008 y desde 1996 forma parte de los fondos permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York por su belleza y prestaciones.

Aviso a los aficionados a los motores de búsqueda (Alberto.......): Tened en cuenta la nacionalidad de la película.

Tercer fotograma:

Y seguimos con los coches. En esta ocasión podemos apreciar un Citroën DS, también conocido en España como Citroën "Tiburon". El Citroën DS se lanzó en 1955 y supuso un gran avance. Fué diseñado por el ingeniero aeronáutico André Lefèbvre y el carrocero italiano Flaminio Bertoni. El DS es conocido por su diseño futurista y su tecnología innovadora, como la suspensión hidroneumática con corrector automático de altura. A juzgar por los faros delanteros, que son dobles, es muy probable que se trate de una unidad de las últimas series, que incorporaban cuatro faros delanteros, dos de ellos direccionales. Como curiosidad hay que resaltar que para el mercado estadounidense hubo que cambiar esas ópticas tan caracteristicas por cuatro faros independientes del tipo sealed beam (Bombilla y faro fabricado en una sola pieza) ya que los faros con bombillas reemplazables no estuvieron aprobados hasta 1983, lo que me induce a pensar que, o bien esa normativa no afectaba al país vecino, o por el contrario, ese coche llegó después de cuando indica la película y ha sido un error utilizarlo en ella.

Cuarto fotograma:

Ya está bien de coches y aviones en este reto. El cuarto fotograma es un poco mas normal. También arroja alguna pista. Si, son las manos del protagonista. Supongo que los del C.S.I serían capaces de leer las huellas dactilares...