Cine para gourmets

Cineforum: Million Dollar Baby

2013-11-28T21:20:00.000+01:00

La carrera cinematográfica de Clint Eastwood por la historia del cine ha sido meteórica. Ha ido pasando de hacer películas de puro entretenimiento a construir películas que hoy por hoy son verdaderas obras maestras. Desde principios de los años 70 fue alternando su carrera de actor con la de director. En sus orígenes ligado al genero del western en la que sentó cátedra y que culminó con todo un homenaje a su carrera con Sin Perdón.

Nadie hubiese pensado en él para convertirse en uno de los mejores directores del cine estadounidense de principios del siglo XXI. A partir de su éxito en el cine del oeste le permitió embarcarse en algunos proyectos que resultados ser magníficos a la vez que duros largometrajes, como Mystic River o la película que hoy nos ocupa "Million dollar baby".

La primera vez que Clint Eastwood vio rodar un combate de boxeo para el cine fue en 1955. Precisamente él como actor secundario, se tuvo que enfundar unos guantes para una breve escena de una comedia protagonizada por la entonces popular mula Francis, que llevaba el título de Francis in the Navy. Casi 50 años después, el actor volvió al ring. En Million Dollar Baby asumió numerosos retos. Entre otros rodar una película protagonizada por una boxeadora, cuando el subgénero del boxeo ha sido un territorio prácticamente vedado para la mujer, y abordar un tema tan polémico como la eutanasia.

Eastwood no hace una película de boxeo, hace una película sobre la vida mostrándonos la parte más sombría del ser humano con pasados oscuros y vidas lóbregas como la suya y la de su colega Freeman (desafortunadamente no interviene mucho pero cuando lo hace es para hacerlo magistralmente y con fuerza) entre los cuales presenciamos unos diálogos desgarradores y absolutamente magníficos, vidas opacas sólo iluminadas por una estrella que se está abriendo paso después de haber luchado contra su mísero pasado. En Million Dollar Baby la vida no es un camino de rosas, al igual que en la realidad, y Clint lo sabe mejor que nadie, hay pocos con su capacidad de trazar historias tan realistas que lleguen directas al corazón humano, historias que calan muy hondo mostrándonos el lado más cruel de la realidad.

Inspirándose en un libro de relatos de F.X. Toole, Rope Burns, el guionista Paul Haggis construyó un sólido guión que le permitió al actor y realizador trabajar con una enorme seguridad. Para el papel principal seleccionó a Hilary Swank, una camaleónica actriz que después de haber ganado un Oscar por su transformación en "jovencito" en Los chicos no lloran, se sometió un severísimo entrenamiento para poder aparecer ante las cámaras como una autentica púgil, ensanchando su cuerpo hasta con 12 kilos de musculatura. Para Hilary, el proceso anterior al rodaje fue muy duro. Para posibilitar su transformación física tuvo que realizar sesiones intensivas de entrenamiento de hasta cinco horas diarias y una terrorífica dieta hipercalórica.

Como ya hiciera en "Sin perdón" Eastwood también quiso apoyarse en su amigo Morgan Freeman, que se encargaría de darle magníficas réplicas desde su papel del fracasado boxeador Eddie. Con la ayuda de Tom Stern, el director trabajó de forma extraordinaria en la fotografía y la luz para hacer mas expresiva la narración. De este modo mientras la imagen ganaba luminosidad y el color al tiempo que la carrera de Maggie se disparaba de forma triunfal, se deprimía progresivamente hacia la oscuridad una vez la chica veía truncada su futuro, en un juego de luces y sombras impresionante. Asumiendo el control de hasta el más mínimo detalle de la película. Eastwood hasta se permitó el lujo de componer e interpretar personalmente la banda sonora. El soberbio resultado de la película entusiasmó por igual a público y crítica, a pesar de que hubo quien intentó cuestionar la calidad de la producción a causa de su implacable y arriesgado mensaje final. En cualquier caso Million Dollar Baby acaparó un gran número de premios internacionales. Recibió siete nominaciones a los Oscars y consiguió cuatro estatuillas: mejor película, director, actriz protagonista y actor de reparto.

Nuestras mejores secuencias: Una noche en la opera

2013-11-13T15:45:00.002+01:00

Después de rodar sopa de ganso, los hermanos Marx finalizaban su contrato con la Paramount. Y el joven genio de la Metro, Irving Thalberg, se anticipó a cualquiera para hacerse con los servicios de los cómicos. A la hora de firmar contrato, Zeppo Marx en menos gracioso, se quedó fuera de la formación. Groucho, Chico y Harpo acordaron hacer varias películas para el estudio, al tiempo que la Metro les garantizaba la esponsorización de sus giras cómicas. Y el primer trabajo que los hermanos Marx hicieron con Thalberg fue "Una noche en la ópera", para muchos la mejor película de estos alocados personajes. A partir de un a idea original de James Kevin Mcguines, varios empleados del estudio colaboraron en la creación del guión. Incluso hay quien asegura que la celebre estrella del cine mudo Buster Keaton hizo algunas aportaciones a la historia. Los hermanos Marx también añadieron numerosos elementos de su propia cosecha. Y según parece algunos de los momentos mas hilarantes de la producción, como la famosa escena del camarote y el absurdo dialogo entre Groucho y Chico sobre "la parte contratante" estaban inspirados en algunos gags que los cómicos ya habían utilizado durante sus primeras actuaciones en público.

En su ultima etapa Paramount, la películas de los hermanos Marx habían perdido algo de público. Thalberg estaba seguro de saber lo que fallaba: El publico femenino. Las mujeres no soportaban el ritmo enloquecido de sus comedias, sus gritos, sus carreras. Era imprescindible, en opinión del productor, realizar una serie de cambios en sus producciones para reconquistar al publico femenino. "Yo haré con vosotros una película que provocará la mitad de las risas y será el doble de buena", llegó a afirmar Thalberg con toda seguridad. El productor, que supervisó personalmente el desarrollo del guión, limitó el numero de gags, incluyó algunos números musicales que sirvió para relajar un poco a los espectadores ordenó que toda la trama girase alrededor de una historia romántica. Él se mostró seguro de que con la música y el tono romántico las mujeres volverían a congraciarse con los hermanos Marx. Para la banda sonora de la película se incluyeron algunos fragmentos de las óperas I Pagliacci, de Ruggerio Leoncavallo e Il Trovatore, de Giuseppe Verdi. Asimismo se compusieron algunos temas expresamente para la cinta. Uno de ellos, "Alone", con música de Nacio Herb Brown y letra de Arthur Freed, se convirtió en una de las canciones mas conocidas de 1935 y fue todo un éxito de ventas.

Irving Thalberg, demostró una vez más que poseía una magnifica intuición. La reordenación que le dio a la carrera de los hermanos Marx fue todo un éxito. Una noche en la ópera triunfó en la taquilla y proporcionó a los humoristas enorme popularidad. Desde entonces la película se encuentra entre las mejores obras del cine de humor y es, como acertadamente indicó algún crítico, un infalible remedio para combatir estados depresivos.

CINEFORUM: El Graduado

2013-11-01T12:48:00.001+01:00

El graduado nació como un pequeño proyecto del que ni siquiera sus propios artífices esperaban grandes resultados. La película se hallaba inspirada en la novela de Charles Webb en la que se reflejaban los problemas que tiene un muchacho a la hora de plantearse su futuro después de su graduación en la universidad. La obra la había escrito su autor siendo apenas un veinteañero con la intención de plasmar en ella sus propias inquietudes. El productor Lawrence Turman pagó 20000 dólares por los derechos del libro y se lo pasó a su amigo Mike Nichols a quien le atrajo sobre todo la posibilidad de profundizar en los encuentros sexuales de un joven y una mujer madura, en la adaptación empleó seis meses.

Por improbable que parezca hoy, El graduado escandalizó a muchos espectadores por su atrevimiento cuando se estrenó en 1967, un año en la que la aireada revolución sexual luchaba aun por imponerse. Nunca una película de Hollywood de primera fila había arrojado una mirada tan sincera sobre el sexo en los barrios residenciales, o tomado como protagonista a un trio romántico tan improbable, un graduado con demasiado tiempo libre, un ama de casa alcohólica que está decidida a tirarselo y su hija, la típica chica buena ignorante de que su principal rival sexual es su depredadora madre. Si alguna película acabó de liquidar el "mamaísmo" decimonono fue esta.

El equipo creativo de "El graduado" era tan fresco como su tema y estilo. Mike Nichols había impresionado con su anterior y única película, la adaptación a la pantalla de la obra de Edward Albee ¿Quien teme a Virginia Wolf? (1966). El graduado le ofreció una oportunidad todavía mejor de plasmar detalles sardónicos visuales y diálogos ingeniosos y punzantes, que había afilado con Elaine May en la innovadora comedia que les había convertido en sinónimos de sofisticación urbana.

El reparto de "El Graduado" no creó excesivas complicaciones. Anne Bancroft se hizo con el papel de la seductora señora Robinson, que fue rechazado por Patricia Neal, y Doris Day, mientras que la joven Katherine Ross obtuvo el de su hija en la ficción. Con el personaje de Benjamin surgieron algunas dudas. En un principio Nichols estaba dispuesto a buscar a un actor atractivo. Pensó incluso en Robert Redford, pero no lo tenia del todo claro, por lo que se decidió a hacer un casting. A el se presentó un muchacho bajito, con cara de despistado, que enseguida llamó la atención de Katherine Ross. Ambos interpretaron una escena y consiguió el papel. Se llamaba Dustin Hoffman. Al productor le preocupó la elección puesto que el chico tenia ya 30 años de edad, solo cinco menos que Anne Bancroft. pero se tranquilizó bastante al ver unas cuantas pruebas en las que desde luego, Hoffman aparentaba tener muchos menos años que la mujer que le iba a seducir. Durante todo el rodaje la relación entre Mike Nichols y su protagonista fue bastante difícil. El director creó a propósito un clima de tensión entre ellos, convencido de que le convenía al personaje central de la película. Dustin no opinaba lo mismo. De hecho estaba convencido de que sus relaciones eran malas porque el realizador estaba arrepentido de haberle confiado el papel. Posiblemente la inseguridad y la presión que sintió Hoffman durante todo el trabajo, si tuvo una buena traducción en el resultado del largometraje.

Dustin Hoffman se convirtió en una estrella gracias a su encarnación de Benjamin Braddock, el recién graduado asustado por el materialismo de sus frívolos padres. forma parte de la leyenda de la película que Nichols aconsejara a Hoffman encarnar el papel sin actuar, la torpeza natural del comportamiento de Ben es fundamental para el atractivo emocional del filme. En una película con muchos momentos míticos tal vez el que ha obrado mas efecto en la cultura pop estadounidense es aquel que Ben oye la receta de un amigo de la familia aconseja para lograr la felicidad profesional y económica: "plásticos" a la cual reacciona con una mezcla de miedo, odio y perplejidad.

Reseñar a modo de apunte dos secundarios no mencionados anteriormente, Norman Fell como el casero con miedo paranoico a lo que los conservadores de los años setenta llamaban "agitadores extranjeros", tambien Richard Dreyfuss como huésped de la pensión y Buck Berry como empleado de hotel.

Turman y Nichols tuvieron la feliz idea de contratar a una pareja de cantautores para que incluyesen algunos de sus temas en la película. Simon y Garfunkel, demostrando estar en el momento mas creativo de su carrera, contribuyeron al éxito de El graduado con temas tan populares como "The sound of silence" o "Mrs Robinson". Sin que nadie lo esperase "El graduado" pasó a ser una película de culto entre el publico joven, que se sintió absolutamente identificado con el personaje desorientado de Benjamin y con las ácidas críticas que la película incluía sobre las costumbres sociales de los adultos.

En un momento en que la juventud mundial estaba dominada por un sentimiento de malestar, la cinta de Nichols surgió casi como sibolo de rebeldía. Por ese motivo "El graduado" terminó liderando las listas de las producciones mas vistas en 1967, obteniendo unas recaudaciones superiores a los 40 millones de dólares. La cinta fue nominada a 7 Oscars, aunque solo consiguió una de ellas que fue a manos de Mike Nichols por su labor como director, Dustin Hoffman no tuvo premio. A pesar de ello, su espléndido trabajo encarnando a Benjamin Braddock le abrió de par en par las puertas de Hollywood.

Nuestras mejores secuencias. Hoy "Apocalypse Now".

2013-10-15T16:45:00.003+02:00

John Millius pensó en adaptar a comienzos de la decada de los 1970 la novela "El corazón de las tinieblas" de Joseph Conrad. El guionista decidió trasladar la acción de la obra a la guerra del Vietnam. Francis F. Coppola se interesó por producir el proyecto y le ofreció la dirección del mismo a George Lucas. Este sin embargo tenía una oferta mejor de la Fox, para hacer la guerra de las galaxias. Coppola no se acobardó y decidió hacer la película él mismo bajo el título Apocalypse Now.

El rodaje comenzó en Filipinas el 20 de Marzo de 1976, con un presupuesto de 12 millones de dólares, Harvey Keitel fue contratado como protagonista y Marlon Brando aceptó hacer una intervención estelar en el papel del enigmatico coronel Kurtz. Al mes y medio de empezar, Keytel abandonó despues de tener duros enfrentamientos con el director. Coppola le sustituyó por Martin Sheen, que en pleno proceso de separación de su mujer estaba abusando de la bebida. En Mayo el ciclón Olga destruyó todos los decorados de la cinta,. El equipo tuvo que huir a Manila para ponerse a salvo. Mas de un millón y medio de dólares en pérdidas. Pero Coppola ya se lo había tomado como algo personaly decidió seguir adelante, aunque para ello tuviera que empeñar toda su fortuna familiar.

El rodaje prosiguió entre enfermedades tropicales y accidentes de escasa relevancia. Martin Sheen sufrió un colapso nervioso primero y un infarto después, que estuvo a punto de acabar con su vida. El actor tuvo que ser hospitalizado durante varias semanas. Para acabarlo de arreglar, Marlon Brando se presentó en el lugar del rodaje con una idea muy clara de como tenia que ser su actuación. Entre sus extravagancias destacó la de no cambiarse de ropa durante dos meses para sentirse bien en su papel. Medio enfermo y completamente extenuado, Coppola acabó la película en Mayo de 1977. Impresionado por la experiencia que habia vivido declaró: "Apocalypse Now no es una película. No trata del Vietnam. Es Vietnam". Al finalizar el accidentado rodaje, el presupuesto de la cinta habia ascendido hasta los 30 millones de dólares.

Por curioso que parezca, rodajes tan terribles como el de Apocalypse Now o el de otras películas mencionadas anteriormente han terminado dando como resultado películas de extraordinaria calidad. pero este fenómeno no se cumple en todos los casos.

CINEFORUM "La dolce vita"

2013-09-14T18:37:00.000+02:00

A finales de los años 50 y principios de los 60, Federico Fellini era ya considerado con uno de los realizadores italianos con mas caché, por ello muchos productores intentaban seducirle con ideas novedosas e historias originales y sobre todo con algo de lo que habia escaecido hasta entonces medios, muchos medios.

Giuseppe Amato le ofreció la posibilidad de hacer una película basada en la banalidad de la vida de los burgueses italianos y mas concretamente de los romanos, de su mala vida, de su gusto por lo insano, sus rarezas y sus noches de alchol y desenfreno que no llevan a nada sino a su propia autodestrucción, seres en definitiva poco fructíferos.

Con la idea en la cabeza Fellini frecuentó la Via Venetto, así como diversos locales nocturnos para captar el ambiente, así fue conformando el guión y empezó a tantear a los actores para el reparto de su película. Como había dinero, al principió le sedujo la idea de traerse actores de moda en Hollywood, asi sonaron nombre como el de Paul Newman o Burt Lancaster para el papel principal, al final fue consciente de que seria difícil entenderse con ellos se contrato a Marcello Mastroianni. En el elenco de actores no faltaron actrices de relumbrón por entonces como al actriz francesa Anouk Aimee y el galan norteamericano Leo Barker, exmarido de Lana Turner que despues de su fallido intento de sustituir a Johnny Weissmuller en el personje de Tarzan se habia instalado en Italia.

Pero la revelación indiscutible de la pelicula fue la actriz sueca Anita Ekberg, su sola presencia atrajo a multitud de espectadores a las salas de cine solo para ver su esplendorosa figura. Su baño en la Fuente de Trevi habia alcanzado popularidad en toda Europa, era una de las escenas mas sensuales vistas hasta el momento. El rodaje no fue tan sensual ni sexy... Anita mojada, estaba helada y tiritaba de frio, mientras docenas de fotografos saltaban a su alrededor. Marcello contó en una ocasión alguna cosilla en relacion a la famosa escena, "me tuve que tomar una botella de vodka para poder hacerla", y es que parece ser que no era oro todo lo que relucia en cuanto a la relacion que mantenia Marcello y Anita. Fellini confesó años mas tarde que Mastroianni le dijo en confianza que la Ekberg no le parecia nada del otro mundo, que le recordaba a un soldado alemán que en la guerra durante una redada habia tratado de hacerle subir a un camión.

El rodaje de la pelicula fue complicadisimo, ya que el reparto internacional elegido por Fellini provocó un efecto de Torre de Babel, solo Mastroianni hablaba italiano. La Ekberg y Barker hablaban en inglés y Anouk Aimee e Yvonne Fourneaux se expresaban en francés. Este retrato de la burguesía más desarticulada y banal, el mundo de las estrellas y los paparazzis fue muy bien interpretado en el festival de Cannes donde ganó la Palma de oro.

Esta película considerada por muchos como la obra cumbre de Federico Fellini, no asomaba a las vidas alegres excentricas y caprichosas de la burguesía romana del año 1959, para convertirlos en blanco de sus críticas satíricas y presentadolos como unos parásitos de la sociedad. La película la calíficaria como ciertamente sombría, lúgubre en ocasiones lejos de los tonos que deberian componer las escenas de las fiestas de los burgueses.

Pero la película en si es toda un exceso que va mas alla de la satira y el enloquecimiento de los escesos de una sociedad cada dia mas trivial. La redundancia de escenas, el constante martilleo machacante de escenas que nos transmiten la misma idea, la hace redundante pero no por ello superflua en mi opinión ese exceso no juega a favor del resultado final de la cinta de Fellini que siendo buena no llega ser sublime. Quizas tengan razon aquellos que le achacan un exceso de metraje, pero esto en Fellini suele ser normal.

Lo que si resulta incontestable es el intento de Fellini de establecer estilos de vida, aquellos mismo que intenta demoler, la vida en la calle de los personajes, la moda de los cafés en la via Venetto o via Condottti, todo es ironía del maestro para contra la dulce vida de los romanos acaudalados.

La cinta en su dia provocó airadas criticas en su contra, importunó a los defensores del realismo crudo como única forma de cine humanista y eficaz, hoy en dia felizmente esto está superado. La película de Fellini se nos muestra como un ramillete de historias argumentales, repleta de fiestas, excesos y situaciones triviales a la vez que extravagantes, no existe un argumento ferreo pues, algunas de estas piezas argumentales tienen un componente estético formidable, como la escena de la superestrella de Hollywood Sylvia (Anita Ekberg), en la Fontana di Trevi. Pero esta escena tiene una lectura más profunda, habla de la vergüenza de Mastoianni, la humillación que sufre, lo incomodo que debe sentirse al verse atraido y enamorado inexorablemente por la belleza de la estrella, en cambio Sylvia no le presta su atención lo trata como recadero banal, y le envia a por leche en plena madrugada, para un gato vagabundo al que olvida cuando Marcello regresa y nada más ver y escuchar el agua y la grandiosidad de la fuente, con la expresión "Ohh my goodness".

Nos retráta el declive, perversión y volubilidad de una sofisticada pero en proceso de degeneración aristocratica, y, desde luego, los parásitos que les rodean, la expresión paparazzi procede del personaje de la pelicula paparazzo que personifican el enjambre de periodistas que revolotean alrededor de las estrellas haciendoles el juego y mendigando fotografias e historias sensacionalistas con las que alimentarse.

Mastroianni personifica el escritor serio, elegante y responsable, pero que su caida en desgracia es inevitable, que se dedica mas a hacer de "niñero" de famosos que de periodista y se convierte en un ser serio, humillado e incapaz de generar emociones en su interior.

Un clásico que hay que saber interpretarlo desde un nivel de análisis que nos lleve a replantear cuánto de esta etapa de la historia de Italia hay hoy en la sociedad que nos toca vivir y comparemos cuan parecidos son las situaciones, solo que con distintos personajes.

Nuestras mejores secuencias

2013-09-08T23:59:00.002+02:00

En el año 1992, cuando las grandes productoras se habian olvido del género del western que tantos existos les habian reportado y tan suculentas recaudaciones les habian hecho embolsarse, Clint Eastwood se atrevió a dirigir y protagonizar "Unforgiven" o "Sin perdón" como es conocida en nuestro país.

Se me haria dificil por no decir imposible extraer una secuencia de alguna de las mejores películas de Eastwood, son tantas y algunas de ellas magistrales, pero como habia que elegir me apresuré a cortar esta de "Sin perdón". La película es una obra de artesanía, como se podia esperar de Clint, quien despliega todos sus conocimientos sobre un genero que mantuvo vivo durante veinte años cuando ya habia pasado de moda.

El personaje de Clint, el curtido William Munny , un asesino retirado, reformado gracias al amor de una buena mujer que murió hace tiempo y que lo dejoó solo al frente de su granja y con dos hijos.

Sin perdón resulta fascinante, oscura y a la vez absorbente, además constituye una revisión de la mitología del viejo Oeste. El tiroteo final seguro que le hubiese gustado a sus amigos Sergio Leone y Don Siegel.

Disfrutad de la secuencia.

Podeis sugerirnos vuestras secuencias favoritas mandándonos un email: grupocineparagourmets@gmail.com.

Nuestras mejores secuencias.

2013-08-26T18:03:00.000+02:00

Este verano mientras leía un libro dedicado al guionista Rafael Azcona, busqué algunas referencias sobre sus películas y estas me llevaron inevitablemente a Luis Garcia Berlanga, ya que sus carreras están íntimamente ligadas. Esta revisión me llevó a visionar algunas de las pelis del famoso director valenciano. Una de estas noches calurosas de agosto volví a ver "La Vaquilla", si otra vez. Se ha hablado mucho de "Bienvenido Mr Marshall", de "El Verdugo" y hasta "La escopeta nacional" como mejores películas del genial cineasta. Me he estado preguntando ¿por qué muchos críticos en este país la siguen considerando una obra menor y a mi cada revisionado me parece mas cercana a la obra maestra?. El mismísimo Carlos Boyero la define como "decepcionante", tal vez los críticos pasan por alto esos larguísimos planos secuencias sin cortes o ese sentido del humor irónico que en mas de uno de los episodios desembocan en la carcajadas mas irreverentes.

Quizás esta "chabacanería" presentada en forma de coral como casi siempre en Berlanga, solo esconde autocrítica, desprecio a la sociedad del momento histórico, donde los personajes muestran lo peor que una ideología política y social puede hacer con nuestras mentes.

Con este homenaje en forma de secuencia, por cierto he elegido esta pero podría en el caso de "La Vaquilla elegir dos docenas, solo quería reivindicar el valor del cine español en forma de comedia satírica donde creo que pocos países nos superan.

Podeis enviarnos sugerencias sobre vuestras secuencias favoritas al siguiente correo:

grupocineparagourmets@gmail.com.

Nuestras mejores secuencias

2013-08-19T18:45:00.001+02:00

La secuencia elegida esta semana para nuestra recién estrenada sección, corresponde como ya habies comprobado a la inolvidable película de Fred Zinnermann "Solo ante el peligro".

Secuencia memorable en la que no hay dialogo, ejemplo pragmático de como con solo el elemento musical (Dimitri Tiomkin) y la sucesión de planos pueden decir muchísimo mas que la palabra.. Varios relojes indican que están a punto de dar las doce: Todo el mundo le aconseja al shérif Will Kane (Cooper) que se vaya del pueblo, pero el heroico Marshal se ve obligado a afrontar sus responsabilidades.

Solo ante el peligro se desarrolla a tiempo real. Uno puede pulsar un cronometro al comienzo de la proyección y comprobará que cada minuto y cada segundo coinciden con aquellos en que transcurre la historia 84 minutos ni mas ni menos.

El momento se va acercando poco a poco al tiempo que la balada que hace las veces de tema principal "Do not forsake me oh my darling" insiste en la situación en la que el marshal comprueba como le van fallando todos aquellos que se suponían que iban a ayudarle.

Para mi es como ya os digo es una de las secuencias favoritas, espero que la disfrutéis.

Podeis mandar vuestras secuencias favoritas comentadas o sin comentar al correo grupocineparagourmets@gmail.com.

Nuestras mejores secuencias

2013-08-12T18:33:00.004+02:00

Buenos días a todos, espero que las vacaciones hayan sido o estén siendo buenas y lo que es mas importante, reparadoras. Hoy os quiero presentar una nueva sección de nuestro blog que en principio queremos que sea semanal, se trata de poner y comentar las mejores secuencias que recordéis o recordemos. Queremos hacer participativa la sección por lo que os pedimos que nos mandéis vuestras sugerencias sobre secuencias o escenas que os gusten o que en su momento os hayan hecho reír, llorar o sentir algo especial, si queréis comentar algo sobre ellas también podéis hacerlo en el correo de sugerencia o bien como siempre en los comentarios de la entrada. Hoy para abrir boca tenemos una doble ración, de un lado la famosísima secuencia de “La dolce Vita” de Fellini, cuando Anita Ekberg entra en la Fontana di Trevi y pide a Marcelo que entre con ella a bañarse, eso si antes le pidió en plena noche que buscase un vasito de leche para un gatito vagabundo que había encontrado callejeando por las callejuelas, como muestra más de la extravagancia de la burguesía romana (en este caso americana).

Y como segunda ración además de la secuencia, queremos que sirva a modo de recomendación si aún no la habéis visto, se trata de una película hispano argentina, dirigida por Marcos Carnevale que se llama Elsa & Fred. La película está coprotagonizada por la actriz uruguaya China Zorrilla y por el añorado Manuel Aleixandre. La película es ciertamente conmovedora, con un guión firme y bien contado, con toques de humor constantes, dentro de una historia de amor en la tercera edad, cuenta cosas que son verdades sinceras y hará brotar en nosotros las ganas de vivir una vida divertida y alocada.

El correo el de siempre grupocineparagourmets@gmail.com , las secuencias a ser posible de una duraciónn no superior a 2 minutos y medio aproximadamente.

Aprovecho para adelantaros que en unos días tendremos en nuestro Cineforum la película de Federico Fellini “la Dolce Vita”.

After Life... Un recuerdo

2013-08-10T10:05:00.001+02:00

Has muerto. ¿Y ahora qué? ¿La nada, el limbo, el infierno, el paraíso? ¿Cuál es el premio por una vida virtuosa, el castigo por una vida de maldad? ¿Qué apariencia tendrás cuando hayas muerto? ¿Podrás redimirte? ¿Un retorno expiatorio, la reencarnación? Y los sentimientos, ¿es cosa de este mundo? Nuestros odios, nuestras pasiones, ¿se quedarán aquí con tu cuerpo fenecido?

After Life (1998) es el segundo largometraje de ficción del aclamado director Hirokazu Koreeda. ¿Y después de la vida, qué? Koreeda nos pone en la piel de un grupo de recién fallecidos, que son recibidos por un grupo de personas (de momento, poco sabemos de ellas) con la intención de ayudarlos. Este grupo de "consejeros" les explican a los recién llegados que pasarán juntos una semana, tiempo durante el cual deberán elegir un recuerdo, sólo uno, con el que "vivirán" el resto de su existencia.

Así que vamos a responder algunas preguntas:

Pasen primero por ventanilla...

Has muerto. Hoy es lunes, y entras junto a otros fallecidos a un viejo edificio. Estás desorientado. Te recibe un pequeño grupo que os reúne a todos en una habitación. Uno a uno, os van llamando aparte. Es tu turno. Te recibe un chico joven que te explica que él también está muerto, y que su tarea aquí es la orientarte. Te da un plazo de tres días para meditar sobre tu propia vida. Transcurridos esos tres días, deberás decirle con cuál de todos los momentos de tu vida te quedas... Piénsalo bien, sólo debes elegir uno. El resto de la semana, él se dedicará a recrear ese momento con la mayor exactitud posible y lo plasmará en una película.

Puede ser que decidas no elegir... ¡es una opción! ¿Quién en su sano juicio descartaría todos los buenos momentos de una vida para quedarse sólo con uno? Recuerdas una canción de Rush que decía:

"if you choose not to decide, you still have made a choice"

Es absurdo quedarse con un único recuerdo

Puede ser que no tengas ni un sólo momento tan significativo en tu vida que merezca la pena ser recordado ad infinitum. Que tus actos sean una fuente de remordimientos, o que tu vida sea de una pasmosa mediocridad. ¿Quién querría recordar una y otra vez lo ruin que fuiste en vida, o tu anodina existencia?

No hay nada que quiera recordar. ¿No es eso lo más parecido al infierno?

Puede ser que la senectud haya hecho mella en tu cerebro, y no estás capacitado ya para decidir.

Puede ser, tal vez, que lo tengas claro... ¡Afortunado tú!

Cuando era pequeña...

Koreeda nos muestra un amplio abanico de posibilidades.

La misión de los "consejeros" (¿ángeles? Sin duda, no), es confeccionar una película con el recuerdo elegido, un momento condenado a repetirse una y otra vez. Pondrán todo su empeño, con los medios a su alcance, para "captar" las sensaciones de ese recuerdo: una brisa fresca en un día de calor, la vista del ala del avión, la vez que permaneciste sentado en el parque con el/la que iba a ser tu gran amor.

¿Quién iba a suponer que el final de todo era ver una película?

Y una vez proyectada, los recién fallecidos se irán, con la memoria de esa película, al... ¡paraíso! Atrás quedan los consejeros, dispuestos a recibir a un nuevo grupo de fallecidos, sintiendo como un fracaso las indecisiones de la semana anterior.

¿Y nosotros? ¿No hay un paraíso para nosotros?

¿Paraíso?

El Chef, la receta de la felicidad

2013-07-13T01:45:00.000+02:00

El chef, la receta de la felicidad, o lo que es lo mismo, Ratatouille en versión francesa y sin dibujos animados, es una comedia ligera, ideal para disfrutar en una calurosa noche de verano, aprovechando que el tema de los Chef está de moda.

Jacky Bonnot (Michaël Youn) es un joven aspirante a cocinero que sueña con triunfar en las cocinas de un gran restaurante, pero ni siquiera logra conservar sus trabajos de cocina y se ve obligado a aceptar otros trabajos. Alexandre Lagarde (Jean Reno) es un acomodado Chef con tres estrellas Michelin cuyo restaurante se ve amenazado por el grupo empresarial al que pertenece y por el heredero de este grupo, detractor de la cocina tradicional y partidario de la cocina molecular. En plena crisis creativa y acuciado por los problemas con su hija, a la que no dedica el tiempo que debería y que come comida basura, Alexander conoce a Jacky y juntos intentarán salvar el restaurante, una estrella Michelin y el matrimonio de Jacky, dando lugar a una serie de situaciones cómicas manejadas con exquisita precisión . Entre estas situaciones cabría destacar la breve intervención de Santiago Segura como representante de la cocina molecular.

Dirigida en 2012 por Daniel Cohen, es una película sencilla, honesta, divertida, fácil de digerir y sin personajes complicados. Los actores cumplen su tarea con eficacia y ni el director ni el guión se meten en más complicaciones de las necesarias. Puede considerarse una muestra del cine comercial francés actual, que busca acercarse al gran público y poco a poco se aleja de las complicaciones de la Nouvelle Vague.

Es una variación de la vieja receta "Reputado chef en apuros logra salvar la cara gracias a un novato" que tantas veces se ha utilizado, pero su sencillez y sobre todo, su honestidad, pues no aparenta ser más de lo que es, la convierten en un producto ideal para pasar un rato agradable y sin complicaciones, alejado de las actuales superproducciones de Hollywood.

Los ladrones

2013-07-06T00:01:00.001+02:00

Me gustaría comenzar este comentario con una cita del libro de memorias de David Mamet, "Una profesión de putas", pues me parece bastante descriptiva del tipo de película a la que nos vamos a enfrentar:

"No es al tema de la obra a lo que respondemos, sino a su acción: el desarrollo de las acciones del protagonista y el apoyo concomitante de los personajes secundarios, un apoyo que se expresa por medio de las acciones pertinentes"

"Los ladrones" es una película escrita y dirigida por André Téchiné en 1996, dos años después de su aclamada Los juncos salvajes. Un ruido en mitad de la noche despierta a Justin. Su madre llora la muerte de su padre, Ivan, un ladrón de coches que opera en los alrededores de Lyon y cuya banda lidera su padre. Al funeral acude también su hermano Alex (Daniel Auteuil), que es policía en Lyon, con su novia Juliette (Laurence Côte). Juliettte es una joven cleptómana con una personalidad autodestructiva y hermana de Jimmy (Benoît Magimel), uno de los miembros de la banda de ladrones de coches. Marie (Catherine Deneuve) es una profesora de filosofía, separada de un médico y enamorada de Juliette.

A lo largo de la película el director describe las complicadas relaciones personales y emociones de este grupo tan heterogéneo de personajes con una narrativa un tanto particular, ya que la película está estructurada en varios capítulos, cada uno de ellos narrado desde el punto de vista de uno de los personajes, sin que exista una continuidad en el tiempo entre ellos, saltando de un periodo de varios meses antes de la muerte de Ivan a los días posteriores o a unos días antes. Esta estructura puede llegar a complicar la comprensión de la historia al espectador, pero como ya he dicho antes, la historia es simplemente la justificación a un exhaustivo retrato de los personajes, cada uno con una personalidad muy compleja y condicionada por el entorno.

Según consta en el libro "André Téchiné: La estrategia de la tensión" de Kent Jones, la película se rodó en dos partes separadas varios meses entre si, por un lado para reflejar los cambios de estación y por otro, para adaptarse a las agendas de los protagonistas. Durante ese tiempo, Téchiné reescribió gran parte del guión original aún no rodado. La película recibió también un cambio en el final con respecto a la versión estrenada en el Festival de Cannes, ya que en el montaje original, Justin corría a por un arma que había escondido y simulaba disparar, lo que daba lugar a interpretar que Justin acabaría convertido en un gangster.

Cine y Slot (Scalextric, para entendernos...)

2013-06-13T22:42:00.000+02:00

Desde las primeras persecuciones de los coches de policía en las películas de cine mudo hasta hoy, los coches en el cine han pasado a tener, en muchos casos, un papel protagonista en las películas. Este protagonismo, en muchos casos, ha sido aprovechado por la industria juguetera para realizar reproducciones de estos coches dirigidas al público infantil. También se han realizado reproducciones de estos coches, realizadas con gran calidad y exactitud, dirigidas al sector del coleccionismo. Reproducciones a gran escala, recreando con todo lujo de detalles los vehículos de las películas. A medio camino entre ambas, pueden situarse las reproducciones para "slot" y a estas reproducciones son a las que va dedicada esta entrada. "Slot" es el nombre genérico del Scalextric de toda la vida, el cual es una marca registrada de "Fábrica de Juguetes" en España y de "Hornby" en el resto del mundo. La gran ventaja que tiene el slot es que podemos disfrutar del los vehículos en su estado natural, es decir, en movimiento y reproducir las carreras y persecuciones que hemos visto en las películas.

Si hablamos de persecuciones, hay que empezar por hablar de Steve McQueen y Bullitt. La que posiblemente sea la persecución mas famosa de la historia del cine ya tiene su réplica en slot gracias al fabricante Pioneer, que recientemente presentó ambos modelos, el mítico Ford Mustang GT-390 de Bullit y el Dodge Charger R/T de los asesinos. Ambos modelos están perfectamente reproducidos. Dentro de cada coche van los personajes correspondientes decorados, en la medida de lo posible dada la escala, como en la película. Así pues, en el coche de los asesinos se puede ver al conductor con las gafas negras y al acompañante escondiendo el arma bajo la gabardina.

Otra película mítica de Seteve McQueen relacionada con el mundo del motor es "Le Mans". El fabricante español Fly Model Cars (ahora Fly Slot Cars) lanzó una edición especial dedicada a este actor y piloto compuesta por tres referencias que incluían los dos Porsche 917 que condujo como piloto.

Posteriormente completó la colección los Ford GT40 y Porsche 917 y que se utilizaron en rodaje, los cuales incluyen las cámaras sujetas a la carrocería.

Como la película se rodó durante la carrera real, uno de los Porsche que participaba en el rodaje terminó en las primeras posiciones, estando a punto de ganar, cosa que no sucedió porque tenia que parar cada 2 horas (en lugar de cada 6) para cambiar los rollos de película con los que estaba filmando.

La saga Bond siempre ha sido una fuente de inspiración a la hora de realizar réplicas para slot. Tanto el fabricante alemán Carrera como Hornby ha lanzado al mercado reproducciones del mítico Aston Martin DB5 utilizado por James Bond en muchas de sus películas. La primera reproducción de este coche data de los años 60 y es una de las piezas más cotizadas por los coleccionistas, llegándose a pagar cantidades superiores a los 2000 euros por la pareja.

Hornby, además, ha lanzado ediciones especiales del famoso Aston Martin correspondiente a las películas "Goldfinger", "Goldeneye" y "Casino Royale".

Posteriormente ha sacado sets en los que el Aston Martin aparece acompañado por otro coche protagonista de las últimas películas de la saga Bond.

El Fabricante alemán Carrera, también hizo su correspondiente edición del Aston Martin de "Goldfinger", pero en este caso, en lugar de acompañarlo del coche de "los malos", lo acompaño de un precioso Ford Mustang descapotable, conducido por la "chica Bond"

Hornby parece estar especializado en este tipo de reproducciones, pues también han pasado por su catálogo los tres minis de la película "The italian job", tanto en su versión original como en el remake, el coche de Batman y recientemente ha lanzado "las motos" de Star Wars.

Películas de dibujos animados como "Cars", también han tenido su réplica en el mundo del slot de la mano de Carrera, que ha reproducido a los principales protagonistas de esta película.

Las series de televisión también han pasado por su catálogo. Así pues, existen las reproducciones del mítico Ford Torino de Starsky y Hutch. y del Dodge Charger de "Dukes of Hazzard".

De este último, el fabricante Pioneer, responsable del Mustang 390 de Bullitt, está preparando su propio lanzamiento, que vendrá acompañado, por primera vez en los coches de slot, por el Dodge Mónaco de la policía.

Si se confirma este lanzamiento, sería un detalle que se animaran a reproducir el famoso "Bluesmovil" de los Blues Brothers.

No podemos terminar este pequeño repaso, en el que, sin duda, faltan coches y películas como Transformers o "The Fast and the Furious", sin mencionar a la revista española "Mas slot", que está realizando una serie de reproducciones artesanales en resina de coches míticos de películas entre los que se encuentran "Blade Runner", "Los cazafantasmas" y "Regreso al futuro" entre otras. Sin duda alguna, esta es la colección más interesante de todas cuantas trata este artículo

The Man From Earth

2013-06-06T00:51:00.000+02:00

Cuando oímos "película de ciencia-ficción", automáticamente pensamos en una película de naves espaciales, con fantásticos decorados, actualmente renderizados por miles de ordenadores, maravillosos efectos especiales y presupuestos absolutamente galácticos. Normalmente, y como ya hemos expuesto en este blog en otras ocasiones, estas películas suelen tener mucho de ficción y poco de ciencia. Con "The man from Earth" nos encontramos, pues, ante un producto atípico: No hay decorados. Toda la acción transcurre en un habitación con un sofá, una caja a modo de mesa y unas sillas. Tampoco hay efectos especiales. La iluminación proviene de una chimenea y una pocas velas. Y tampoco hay acción ni luchas, salvo las que cada uno mantiene interiormente contra la razón y sus propias creencias.

La historia comienza mientras el profesor de universidad John Oldman (David Lee Smith) está preparando la mudanza para trasladarse a otro ciudad. Sus amigos y colegas de la universidad se reúnen es su casa, en una especie de fiesta improvisada, para despedirle. Todo comienza como una conversación banal entre amigos y compañeros que le preguntan por los motivos de su marcha, hasta que John les pregunta "¿Qué pasa si un hombre, desde el Paleolítico superior sobrevive hasta el día de hoy?". Inicialmente, suponen que John está trabajando en un libro de ciencia-ficción y debaten sobre la idea. A medida que la película avanza, John lentamente revela que él es el 'cavernícola', menciona que se le dio la oportunidad de navegar con Cristóbal Colón en el siglo XV. La charla se torna mas seria cuando les revela que en realidad él es un hombre de Cro-Magnon que nació hace 14.000 años y que no envejece, permaneciendo su aspecto inalterado y aparentando tener siempre 35 años. Por este motivo debe cambiar de residencia cada diez años, antes de que sus conocidos descubran que no envejece. Cada uno de sus amigos le formula preguntas relativas a su especialidad. El biólogo trata de explicar el proceso celular por el cual no envejece. El paleontólogo le interroga sobre sus primeros años de vida. John cuenta que fue sumerio durante 2000 años, luego babilonio bajo el mando de Hammurabi y llegó a ser discípulo de Gautama Buda. Posteriormente fue etrusco en Roma y debido a la corrupción imperante, intentó trasmitir las enseñanzas de Buda en Oriente Medio. Preguntado por sus vivencias durante la época bíblica, cuenta cómo fue crucificado y gracias a las enseñanzas budistas pudo hacerse pasar por muerto, despojando de toda mitología y adorno a la religión cristiana, lo que le provoca unos momentos de gran tensión con su amiga Edith, experta en Teología y literatura cristiana.

El guión de la película lo concibió Jerome Bixbi durante los años 60 y lo escribió en su lecho de muerte en 1998. Después de su muerte le entregaron el guión a Richard Schnekman para hacer la película, que contó con un presupuesto de 56.000 dólares.

La película estuvo ausente de los circuitos habituales de distribución y se ha convertido en una película de culto gracias a las redes de intercambio P2P, llegando a pasar del puesto 11.235 al número 5 en la clasificación de IMDb en tan sólo dos semanas, provocando que el productor agradeciera su distribución a los canales Torrent.

El estado de la cuestión

2013-04-19T12:39:00.000+02:00

Queridos amigos:

En vista de la escasa participación de estos últimos retos, estamos replanteándonos si continuar con él o cancelar esta sección. Por ello, esta semana no publicaremos ningún reto, a la espera del resultado del debate que estamos manteniendo los administradores del blog y los comentarios que nos puedan llegar de nuestros lectores.

Que paséis una feliz semana :)

Reto 13

2013-04-12T11:48:00.001+02:00

Si la película de la semana pasada fue relativamente moderna, la de esta semana es relativamente antigua, vamos, que es en blanco y negro.

Al igual que la semana pasada, en este fotograma también sale el protagonista de la película. Vale que si se le viera la cara sería mas fácil, pero entonces no sería un reto. Los especialistas en cogote pueden empezar a trabajar...

Fotograma adicional.

Como siempre, tenéis hasta las 23:59 hrs. (C.E.T) del domingo para mandar respuestas. Para hacerlo, utilizad el formulario que pongo abajo. En Asunto ponéis Reto 12 y en el Apellido vuestro alias, que si no no sé a quién le tengo que dar los puntos.

Si os diera problemas el formulario, podéis enviar las respuestas directamente a este correo:

grupocineparagourmets @ gmail.com

Mucha suerte a todos.

Reto 12

2013-04-05T12:23:00.001+02:00

Después del paréntesis de Semana Santa, volvemos con un nuevo reto. En teoría, y para seguir con esa "vieja" tradición inagurada hace dos o tres semanas, este reto debía ser con peli antigua, pero no tengo ninguna imagen a mano, así que para no romper la "tradición", digamos que la peli antigua fue la que tocaba en Semana Santa.

Si os diera problemas el formulario, podéis enviar las respuestas directamente a este correo:

grupocineparagourmets @ gmail.com

Pues venga, a ver si hay suerte.

Reto 11

2013-03-22T12:00:00.000+01:00

Pues aquí estamos, otro viernes más, con otro reto para aficionados al cine. Como la semana pasada pusimos una peli de cine clásico, ésta hemos optado por una de cine moderno. Ahí va.

¿A que me ha quedado bonito el fotograma? Si la habéis visto, no tendréis problemas en reconocerla. Si no lo habéis hecho, no creo que lo consigáis en la vida con esta imagen, así que me tocará dar pistas o poner otro fotograma. Eso sí, pedídmelo, porque si no pienso que no hay nadie esperando y me vuelvo perezoso :-)

Ya sabéis, tenéis hasta el domingo para mandar respuestas y yo voy dando puntos según vayan llegando las acertadas. Para hacerlo, utilizad el formulario que pongo abajo. En Asunto ponéis Reto 11 y en el Apellido vuestro alias, que si no no sé a quién le tengo que dar los puntos.

Si os diera problemas el formulario, podéis enviar las respuestas directamente a este correo:

grupocineparagourmets@gmail.com

Pues venga, a ver si hay suerte.

Fotograma adicinal:

Solución al Reto: 'El tercer hombre' / Entrevista a Carol Reed

2013-03-18T00:23:00.000+01:00

Como muchos de vosotros habéis adivinado, la solución al reto de esta semana era 'The third man (El tercer hombre)', película de 1949 dirigida por Carol Reed. Del guión se encargó Graham Greene quien, como dije en los comentarios del reto, desarrolló la trama en forma de novela para planificar el guión a partir de ella. Podemos destacar entre sus intérpretes a Joseph Cotten, Alida Valli, Orson Welles y Trevor Howard. Quiero mencionar también la magnífica fotografía de Robert Krasker, así como la inolvidable música de Anton Karas.

Un gran clásico que recomiendo descubrir en caso de no conocerlo, o revisitar de vez en cuando en caso de que ya lo hayáis disfrutado alguna vez.

Bueno, aquí os dejo una entrevista sobre 'El tercer hombre' realizada a Carol Reed por Charles Thomas Samuels. Fue publicada en Encountering Directors, en octubre de 1971. En el año 2000, con traducción de Gian Castelli, se publicó en el número monográfico Carol Reed, editado por la Filmoteca Española.

ENTREVISTA A CAROL REED

C.T.S.: Ha afirmado usted que gran parte de la maestría de The Third Man reside en sus exteriores. Si de usted dependiera, ¿rodaría siempre en exteriores?

C.R.: Sí. Tuve que enfrentarme a una poderosa oposición para viajar a Viena con The Third Man. En aquella época, uno no se llevaba a los actores de viaje. Pero ahí tenemos un ejemplo de hasta qué punto este negocio está dominado por el dinero. Si tienes cinco semanas para rodar exteriores, sabes que tienes que conseguir rodar todos tus planos en ese período. Teníamos una unidad diurna y una nocturna. Los actores que utilizábamos de noche no trabajaban de día, y viceversa. Trabajábamos de ocho de la tarde a cinco de la madrugada. A las cinco, nos íbamos a la cama, nos levantábamos a las diez, trabajábamos con la unidad de día hasta las cuatro y luego volvíamos a acostarnos hasta las ocho. De ese modo conseguíamos hacer el doble de trabajo en la misma cantidad de tiempo. Resulta un poco agobiante, pero es mejor eso que no conseguir todo lo que quieres y tener que arreglarlo luego en el estudio. [...]

C.T.S.: Aunque varias de sus películas son extraordinarias, rara vez huyen de los métodos habituales... con una excepción. A usted le gustan los finales desdichados. ¿Se trata de una rebelión consciente contra las fórmulas comerciales?

C.R.: Uno siempre tiene que hacer lo que le gusta, y confiar en que lo que le gusta sea, además, comercial. Solía recibir numerosas críticas por los finales tristes de mis películas. En cierta época se pensaba que todas las historias debían terminar con un beso para que la gente se marchara contenta, pero opino que no tenían ese efecto. Una película tiene que terminar como deba terminar. Creo que nada en esta vida tiene un final “correcto”. [...] Graham Greene quería que Joseph Cotten adelantara a Valli con ese coche; así, la película podría terminar con la pareja caminando por la carretera. Pero yo insistí en que ella pasara de largo.

C.T.S.: ¿De quién fue la idea de contratar a Orson Welles para el papel de Harry Lime?

C.R.: Mía. Una noche estaba cenando con Orson. Acababa de recibir la sinopsis de Graham Greene, y pensé que estaba bien, por lo que le dije a Orson que había en ella un papel maravilloso para él. Quiso leerlo, pero le dije: “Escucha, el guión no está listo todavía, pero estoy seguro que te gustará, y eso que no apareces hasta aproximadamente la mitad”. Y él repuso: “Personalmente, preferiría aparecer al cabo de las dos terceras partes”. Al cabo de una semana, me llegó la revisión de Greene, y la acepté. Por entonces, David Selznick quería que rodara Tess of the DUrbevilles lo que no me apetecía mucho. Tenía un guión que a los dos nos parecía bastante malo, por lo que le pedí que lo hiciera revisar y que entretanto me dejara seguir con The Third Man, ya que se trataba de algo que podíamos despachar con facilidad. Le dije que quería a Orson Welles y a Cotten, de quien sabía que tenía un contrato con Selznick, al igual que Valli. “Cuenta con Cotten y con Valli”, dijo él, “pero no con Orson”. [...] Selznick quería a toda costa que Noël Coward hiciera el papel de Harry pero, claro está, eso hubiera sido un desastre. Seguíamos discutiendo sin llegar a ninguna conclusión. Cuando empecé a rodar la película, Selznick aún seguía insistiendo en Noël. Sin embargo, a Alexander Korda, el productor, no le importaba, por lo que al final conseguí a Orson. [...]

C.T.S.: ¿No intentó dirigirse a sí mismo?

C.R.: Sólo me puso dificultades en lo referente a la fecha de inicio del rodaje, contándome lo ocupado que estaba con esto y lo otro, así que le dije: “Escucha, vamos a estar cinco semanas rodando exteriores. Cualquiera de esas semanas es tuya, con tal de que nos avises con dos días de antelación. Y resérvame una de las próximas siete semanas para las tomas de estudio”. Se atuvo a ello. Una mañana, se bajó del tren en Viena y a las nueve de la mañana ya habíamos rodado su primer plano. “¡Dios mio!”, dijo, “¡Así se hacen las películas!”. Atravesó caminando el Prater, le espetó un par de frases a Cotten y yo le dije: "Vuelve al hotel y desayuna; tenemos que empezar a rodar en las alcantarillas. Enviaré a alguien a recogerte”. “¡Muy bien! ¡Estupendo!” Total, que baja a las alcantarillas y dice: “Carol, yo no puedo hacerlo. No puedo trabajar en una alcantarilla. ¡Soy de California! ¡Mi garganta! ¡Tengo tanto frío!” Le dije: “Escucha, Orson, podíamos haber rodado el plano en el tiempo que estamos perdiendo con esta conversación. Todo cuanto tienes que hacer es ponerte ahí, mirar atrás, ver que te persigue la policía, volverte y echar a correr”. “Carol”, me dijo, “por favor, busca a otra persona para rodar esta parte. ¡No puedo trabajar en estas condiciones!” “¡Orson, Orson, lo tenemos todo preparado! Quédate ahí un momento”. “¡De acuerdo, pero daos prisa!” Y entonces, desvió la mirada, se volvió y echó a correr internándose en las alcantarillas. De repente, oí una voz que decía, “¡No cortéis! ¡Vuelvo!” De modo que vuelve corriendo a través de la corriente, se detiene bajo una cascada que le cae sobre la cabeza (¡todo esto fuera de campo!) y se pone a hacer toda clase de cosas, hasta que sale de allí chorreando. “¿Qué tal ha estado eso?”, pregunta. “¡Fantástico! ¡Espléndido!”, dije yo. “De acuerdo. Estaré en el hotel. Llamadme cuando haga falta”. Con Orson, todo tenía que ser un drama. Pero nunca hubo discusiones de ningún tipo.

C.T.S.: ¿A quién se debe la maravillosa idea de la presentación de Harry, descubierto por culpa del gato?

C.R.: ¡Dios mío, los gatos! Todo eso se improvisó. [...] Me preocupaba la escena de Harry en el vano de la puerta. No quería que Cotten se limitara a pasar junto a él y verle, porque entonces el público no sabría quién era el hombre de la puerta. Así que cuando Cotten le lleva flores a Valli, yo puse un gato en su cama; un gato con el que Cotten intenta jugar sirviéndose del cordel que envolvía el paquete. Pero el gato da media vuelta y salta de la cama.

C.T.S.: Al igual que Valli, que tampoco reacciona.

C.R.: Exacto. Luego, el gato sale por la ventana. Mientras jugaba con él, Cotten, siguiendo mis indicaciones, le decía “¡Gato malo!” Y entonces le hacía decir a Valli: “Sólo le gustaba Harry”. A continuación, miramos por la ventana y vemos a un hombre que desciende por la calle y se introduce en el vano de una puerta. Que nosotros sepamos, puede ser cualquiera. Pero el gato, al ir hacia él y jugar con el cordón de su zapato, nos revela que se trata de Harry. [...]

C.T.S.: A menudo, el diablo se representa con forma de gato, o acompañado por un gato. ¿Fue algo así lo que le sugirió la escena?

C.R.: No. Sencillamente, me gustaba la idea de un gato enamorado de un villano: ¡qué encanto no tendría el tipo! Además, quería que Cotten le gritara a Harry sin saber lo que ya sabía el público, es decir, quién hay realmente en el vano.

C.T.S.: Otra decisión brillante de la película es la música de cítara. ¿Cómo se decidieron por Karas?

C.R.: Durante los rodajes de exteriores. [...] Mientras los chicos descargaban, yo iba a una tienda y les compraba vino. Cerca de allí había un diminuto local donde tomar cerveza y salchichas, con un patio en el que había un tipo tocando la cítara para que le echaran monedas. Yo nunca había oído el sonido de una cítara hasta entonces, pero me pareció un instrumento atractivo, y me pregunté si no podríamos emplear ese único instrumento a lo largo de toda la película, especialmente si tenemos en cuenta que la cítara es típica de Viena. Una noche, le dije a Karas que viniera a mi hotel. Estuvo tocando unos veinte minutos. Luego, llevé la grabación de aquello al estudio por si la música (tal y como sucede a veces) no hubiera encajado con el diálogo, pero en general pareció que iba bien. Karas se vino a vivir a Londres. Yo tenía una moviola con un duplicado de la película, lo que nos permitía acoplar su música a fragmentos de la acción. Una noche me pidió que volviera con él para escuchar una nueva melodía que había compuesto, lo que luego dio en llamarse el “Tema del Tercer Hombre”. “¿Por qué no has tocado eso antes?”, le pregunté. “Hace quince años que no lo toco”, dijo él, “porque cuando tocas en un café nadie se molesta en escucharte... y para esta melodía hace falta esforzarse con los dedos. Prefiero Viena, Viena, y esa clase de cosas que puedes estar tocando toda la noche y comiendo salchichas el mismo tiempo”. Al final, resultó que había compuesto la melodía él mismo, pero que había estado a punto de olvidarla. Lo que ha vuelto locos a otros intérpretes de cítara, pues no comprendían cómo podía hacerlo, es que primero tocaba la melodía y luego, con un auricular, la regrababa añadiendo terceras. Ningún citartista hubiera podido hacerlo por las buenas.

C.T.S.: Otro rasgo notable de The Third Man, por más que ya se advierta en Odd Man Out (Larga es la noche), es la afición que demuestra por los planos inclinados. ¿Se trata de un efecto deliberado?

C.R.: Confío en que no se note. Con ello pretendo conseguir que el público se sienta incómodo. [...] Recuerdo que William Wyler, después de ver la película, me regaló un nivel. “Carol”, me dijo, “la próxima vez que ruedes una película, hazme el favor de instalarlo sobre la cámara, ¿quieres?"

Reto 10

2013-03-15T12:00:00.000+01:00

Bueno, bueno, bueno. De nuevo es viernes, así que aquí estamos con un nuevo reto.

Tenéis que adivinar a qué película corresponde el fotograma.
Quien primero acierte se llevará 3 puntos, 2 puntos quien mande la solución en segundo lugar y 1 punto para todos los demás.

Para que no os quejéis os pongo un fotograma donde aparece el protagonista.

Creo que es bastante fácil, pero irán apareciendo pistas a lo largo del fin de semana por si a alguien se le atasca.

Como siempre, podéis probar suerte hasta las 23:59 del domingo. Queda activada la moderación de comentarios hasta el domingo por la noche.

Aquí tenéis el formulario. Poned en el Asunto Reto 10 (o algo de ese estilo fácilmente identificable) para que lo encuentre sin problemas y vuestro alias donde pone Apellido.

Si os diera problemas el formulario, podéis enviar las respuestas directamente a este correo:

grupocineparagourmets@gmail.com

¡¡¡¡Mucha suerte!!!!

Otro Fotograma

Reto 9

2013-03-08T13:41:00.000+01:00

Esta semana tenemos preparado un retito muy facilito para que los mas rapidos del Oeste cinematografico tambien tengan la oportunidad de sumar unos puntitos.

Si os diera problemas el formulario, podéis enviar las respuestas directamente a este correo:

grupocineparagourmets@gmail.com

El contrato del dibujante (1982)

2013-03-07T00:05:00.000+01:00

El otro día un amigo me pedía explicaciones de esta pasión que siento por Greenaway. Obviamente, él no la tiene. Y ya se sabe, Greenaway es uno de esos directores que levantan pasiones, perfectamente comprensibles, y también odios inexplicables.

Pues bien, vamos a tratar de explicar qué hay en la película de Greenaway, que a mí me apasiona, y que él no ve.

Posiblemente, todo lo que escriba a continuación esté lleno de spoilers.

El guión: La acción transcurre en una mansión rural, propiedad del señor Herbert. Su mujer, durante una ausencia de éste, contrata a un dibujante, el señor Neville para que haga seis dibujos de la mansión. Éste acepta, añadiendo como cláusula del contrato que deben mantener relaciones sexuales. Durante la realización de estos dibujos, aparecen objetos que no están en sus sitios habituales, relacionados con el señor Herbert, y que presagian su muerte.

Una vez terminados los dibujos, la señora Talmann, hija del señor Herbert, le propone al dibujante otro contrato, en los mismos términos que el de su madre. Seis dibujos en los que seguirán apareciendo indicios de la muerte del señor Herbert, como finalmente ocurre.

Al terminar los dibujos, el señor Neville abandona la mansión. Volverá a ella más tarde, y algunos cambios se habrán producido. Descubre, además, que la señora Talmann está embarazada, y puesto que su marido es estéril, él es el padre. El dibujante les propondrá a las damas realizar un último dibujo, el número trece, en el mismo lugar donde se encontró el cadáver del señor Herbert. Dibujo que quedará inacabado, pues se produce un asesinato. Y fin. ¿Genial, verdad?

¿Guión? Ya sé que no se trata de un guión muy tradicional. De hecho, la idea de la película no se forjó a partir de un guión, estrictamente hablando, sino de unas localizaciones, unos diálogos inconexos unos con otros, una música, unos dibujos... Ni siquiera los personajes eran "de carne y hueso", sino que funcionaban como arquetipos. Y como tales, su funcionamiento debe interpretarse en código de artificiosidad. Lo adivinaremos las pelucas, completamente exageradas. El ropaje: el señor Neville vestirá de negro cuando los habitantes de la mansión visten de blanco durante la primera parte; en la segunda parte de la película, ocurrirá al contrario. La afinidad: no existe. Ningún personaje es un héroe. Ninguno despertará nuestra simpatía. La música: el minimalismo de Nyman forja un duro contraste con la época que se recrea (la película está ambientada en el año 1694, durante el barroco tardía), época que se caracterizó igualmente por luchas incesantes entre católicos y protestantes. La cámara estática (sólo utiliza un ligero travelling en las escenas de las comidas). El lenguaje hablado, extremadamente literario, redunda en esta idea de que asistimos a una película antinatural.

¿Es esto lo que no gusta? Tal vez. Si queremos ver luz natural, diálogos acordes al desarrollo de una acción, escasa contemplación intelectual, estructura literaria sobre la que asienten los demás elementos fílmicos, resolución afirmativa de los enigmas planteados, etc., si queremos ver todo eso en una película, repito, tal vez no nos guste esta película ni, en general, el cine de Greenaway. Pero así como no le pedimos a un pintor que "repita" la fórmula de Velázquez o Goya, ¿por qué exigimos del cine que repita los modelos de Hitchcock o Wyler?

Pero, aparte de todas las consideraciones intelectuales de la película, por las que profesaremos mayor admiración o aversión, está el componente plástico, fundamental en Greenaway. Cada fotograma es un cuadro. Podemos imaginarnos este aspecto museístico del director galés como la llave maestra que abre su cine al entendimiento. Imaginemos que entramos en cualquier museo. Imaginemos que todas las imágenes que allí se reúnen, en realidad inconexas unas de otras, cuentan una historia que está por descubrir. Imaginemos que eso puede ser el guión de una película.

Reto 8

2013-03-01T12:00:00.000+01:00

Probamos nuevo formulario, a ver si éste no nos da tantos problemas.

Se trata de adivinar a qué película corresponde el fotograma. Creo que es muy fácil.

¿Normas? Las clásicas: 3 puntos para el primer acertante, 2 para el siguiente, y 1 punto para todos los demás.

Poned en el Asunto Reto 8 para que lo encuentre fácilmente y vuestro alias donde pone Apellido.

Queda activada la moderación de comentarios hasta el domingo por la noche.

Si os diera problemas el formulario, podéis enviar las respuestas directamente a este correo:

grupocineparagourmets@gmail.com

Reto 7

2013-02-22T12:15:00.001+01:00

De nuevo, como cada viernes, regresamos con nuestro tradicional reto. Después de la película un tanto "extraña" de la semana pasada, esta semana me gustaría que fuera un poco mas sencilla.

La verdad es que, mirando la imágen, es tan sencilla que al final he tenido que tapar algunos trozos para añadir un poco de interés al reto. El hecho de que haya tres trozos tapados me invita a modificar un poco las normas del reto:

Este fotograma permanecerá durante todo el día de hoy. Todos aquellos que acierten hoy se llevarán tres puntos.
El sábado se descubrirá uno de los cuadros ocultos. Todos aquellos que acierten con dos cuadros ocultos se llevarán dos puntos.
El cuadro que se descubrirá el sábado se escogerá por votación popular entre los participantes.
El domingo se mostrará el fotograma completo. Todos aquellos que acierten con el fotograma completos se llevarán un punto.

Podéis mandar tantas respuestas como queráis hasta el domingo a las 23:59 h. utilizando para ello el siguiente formulario:

Pincha en la imagen para enviar las respuestas

Si os diera problemas el formulario, que a veces pasa, podéis enviarlas directamente a este correo:
grupocineparagourmets @ gmail.com

Poned en el asunto Reto para que lo encuentre fácilmente y vuestro nombre junto con la respuesta.

Queda activada la moderación de comentarios hasta el domingo por la noche.

Polemizando sobre los Goya

2013-02-19T13:03:00.002+01:00

Como casi todos sabéis el pasado domingo se celebro la 27 edición de los premios Goya, en ella un año más la academia de las artes y las ciencias cinematográficas española eligió las películas y profesionales que intervinieron en ellas para galardonarlos.

A pesar del año de recortes y profunda crisis económica, todos reconocían que había sido un año excelente en cuanto a recaudación se refiere, en cuanto a la calidad de las películas ya es otro cantar.

Uno que es curioso y a la vez devorador de todo tipo de cine, se puso frente al televisor habiendo visto al gran parte de las películas nominadas y por supuesto las cuatro nominadas a la mejor película, Blancanieves de Pablo Berger, Lo imposible de Juan A. Bayona, Grupo 7 de Alberto Rodríguez y El artista y la modelo de Fernando Trueba.

A mi la gala en general me resultó demasiado larga, abusando del aspecto crítico hacia los recortes del gobierno del PP y en general algo alocada. Ahora bien hubo momentos que si me parecieron ingeniosos y divertidos, el monologo de la gran Concha Velasco por ejemplo o la intervención de maestro José Sacristán.

La conducción de la gala corrió un año más a cargo de Eva H, en su haber diría que estuvo mejor que el año pasado, pero eso no es merito porque el año pasado estuvo mal esto siendo muy benevolente, este año se propusieron copiar lo que hizo Santiago Segura en la gala del año pasado convirtiendo su intervención de 5,28 minutos en lo mejor de la ceremonia, es decir una especie de monologo dirigiéndose a los cuatro directores de las mejores películas e intentando buscar con chistes ingeniosos lo esperpéntico de cada una de ellas, con todos mis respetos ni el guión ni Eva H estuvieron a la altura de Santiago Segura.

Este año parece ser que los académicos habían decidido que ganase la película de Pablo Berger, Blancanieves, los premios mas importantes del año, parece que estos señores ven mal que una película con mucho presupuesto pero excelentemente realizada como la de Jota Bayona pudiese llevarse los premios, ¿Qué diría la gente por ahí?. Pues ahí precisamente es donde creo que fallaron los premios, es incomprensible que se lleve el premio a la mejor película Blancanieves y el mejor director Juan A. Bayona, es como ir todos los domingos a ver al Real Madrid pero ser socio del Atleti. Y es que creo que estos señores no tenían la conciencia muy tranquila, en el fondo sabían que la peli de Bayona es muy superior en cuanto a técnica y también en cuanto aspectos interpretativos y de guión, no vale que Boyero diga que “el guión es tan real que se hace imposible de creer” o que “la música es machacona y que abusa de ese recurso para hacer que los sentimientos sean mas expresos”. Otros críticos dicen que la película tiene mucho presupuesto y claro así…. Pues mi opinión es que la mejor película de este año era lo imposible, con esto no quiero decir que sea una obra maestra ojo”, ¿Qué tiene mucho presupuesto?, pues si y Titanic también lo tenia y a la mayoría nos pareció un peliculón y los americanos la premiaron en los Oscars. ¿Qué el guión no es creíble? Hombre Boyero no me jodas pero si la película es un hecho real contado por los supervivientes. ¿Qué abusa de la música?, si claro como un tal Spielberg, no sé si os suena, revisen E. T. El extraterrestre y verán lo que es abusar de la música para potenciar los sentimientos.

En definitiva y no quiero aburriros con este ladrillo, que somos todo lo contrario a los franceses, en antichovinismo, si vemos algo bien hecho pero hecho en España y por españoles pues a destriparlo. Mucho me temo que Jota Bayona en unos años será un director de éxito pero reconocido fuera antes que en su país. Me gustó su intervención cortísima en la recogida de su Goya como mejor director, dándole caña sibilinamente a los medios y a los académicos que se habían jactado de criticar que la película tenia mucho presupuesto.

Un saludo.