Cine Rugoleor

Un hombre soltero (Tom Ford, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Wed, 21 Dec 2011 16:31:00 +0000

Un hombre soltero (Tom Ford, 2.009)

Calificación:

Crítica:

6,809

Público:

6,912

España:

6,109

Rugoleor:

5,868

Ficha:

Título Original:	A Single Man
Director:	Tom Ford
Guionistas:	Tom Ford, David Scearce
Intérpretes:	Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode, Ginnifer Goodwin, Jpn Kortajarena, Nicholas Hoult, Paulette Lamori
Productores:	Tom Ford, Andrew Miano, Robert Salerno, Chris Weitz
Fotografía:	Eduard Grau
Música:	Abel Korzeniowski
Montaje:	Joan Sobel
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.009
Duración:	102 minutos
Edad:	13 años
Género:	Drama
Distribuidora:	Aurum Producciones, S. A.
Estreno:	12-02-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	110.286
Recaudación:	668.678,42 €
Visitas:	0
Calificación única:	6,531 (400.398 valoraciones)
Puesto / Total:	17 / 42

Sinopsis:

Ambientada en Los Ángeles en 1.962, en el punto álgido de la crisis de los misiles cubanos, “A Single Man” es la historia de George Falconer (Colin Firth), un profesor universitario británico de 52 años que lucha por encontrarle sentido a su vida tras la muerte de su compañero sentimental, Jim (Matthew Goode). George rememora el pasado y no consigue ver su futuro mientras lo seguimos a lo largo de un único día, en el que una serie de sucesos y encuentros lo llevan en última instancia a decidir si la vida tiene sentido después de Jim. George recibe consuelo de su amiga más íntima, Charley (Julianne Moore), una belleza de 48 años que también lucha con sus propias dudas acerca del futuro. Un joven estudiante, Kenny (Nicholas Hoult), que está intentando aceptar su auténtica naturaleza, acecha a George porque ve en él a un espíritu afín.

Comentario:

Diseñador de la casa Gucci, Tom Ford, debuta tras la cámara en esta esteticista propuesta en torno al dolor de la pérdida amorosa. La película se presentó en Venecia, donde Colin Firth consiguió la Copa Volpi por su papel de George, un profesor universitario que, ayudado por la pelirroja Julianne Moore, trata de dar un sentido a su vida tras la muerte de su amante. El film es también un fresco sobre la minoría gay en Estados Unidos a principios de los años sesenta, años antes de la liberación sexual.

Crítica:

15-02-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Amores de diseño

Talentosas nuevas estrellas del mundo del cine figuran en la ficha técnica y artística de “Un hombre soltero”: debut como director del afamado modisto americano Tom Ford (artista de la firma Gucci, entre cuyas clientas figuraban Madonna, Lady Di, Sharon Stone y Gwyneth Paltrow); debut asimismo en la gran pantalla del supermodelo bilbaíno Jon Kortajarena (ha desfilado, entre otros, para Calvin Klein); y semidebut del fotógrafo catalán Eduard Grau (iluminador del filme experimental “Honor de caballería”). Tres artistas de la más rabiosa actualidad que, en esta ocasión, se proponen dar una visión muy especial de una crónica amorosa, plasmada con cierta delicadeza.

Sin tratar de convencer a nadie sobre su opción sexual, ni reírse de forma estrafalaria de nada ni de ninguno, “Un hombre soltero” describe la búsqueda de amores fugitivos por parte de George, un maduro profesor inglés, angustiado tras la muerte de su joven pareja, Jim. Algo que le llevará a conocerse mejor a sí mismo y alcanzar una especie de redención personal. Enmarcada en la California de los años 60, la película de Tom Ford muestra de forma concisa, el dolor por una pérdida irreparable, pespunteada con calor humano y sentido del humor.

Pero donde brilla el primerizo director es en la dirección de actores: el otras veces limitado Colin Firth interpreta con matizada elegancia su bien diseñado personaje, logrando la interpretación de su vida. Por su parte, Julianne Moore, en el complejo papel de una mujer divorciada y alcohólica, consigue describir con sutil intensidad su amorosa relación con George; mientras que Jon Kortajarena da vida a un estilizado chapero con aspecto de Montgomery Clift; un recién llegado que no corre sino que vuela hacia el trono del más cotizado modelo internacional, reconvertido en actor. Un chaval que no va de farol, de aspecto noble y viril, dotado de una sensibilidad a flor de piel y la capacidad de volver con su prometedora interpretación a la pureza emocional de un niño.

Historias de San Valentín (Garry Marshall, 2.010)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Sun, 18 Dec 2011 16:35:00 +0000

Historias de San Valentín (Garry Marshall, 2.010)

Calificación:

Crítica:

5,681

Público:

5,835

España:

5,072

Rugoleor:

5,818

Ficha:

Título Original:	Valentine’s Day
Director:	Garry Marshall
Guionista:	Katherine Fugate
Intérpretes:	Jessica Alba, Julia Roberts, Jessica Biel, Bradley Cooper, Jamie Foxx, Jennifer Garner, Anne Hathaway, Patrick Dempsey, Ashton Kutcher, Shirley MacLaine, Kathy Bates, Taylor Swift, Eric Dane, Topher Grace
Productores:	Mike Karz, Wayne Allan Rice, Josie Rosen
Fotografía:	Charles Minsky
Música:	John Debney
Montaje:	Bruce Green
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.010
Duración:	125 minutos
Edad:	Todos los públicos
Género:	Comedia, Romántica
Distribuidora:	Warner Bros Entertainment España, S. L.
Estreno:	12-02-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	430.621
Recaudación:	2.690.299,07 €
Visitas:	0
Calificación única:	5,748 (1.050.073 valoraciones)
Puesto / Total:	37 / 40

Sinopsis:

"Historias de San Valentín" presenta las historias entrelazadas de un variado grupo de habitantes de Los Ángeles que se mueven entre el romance y los corazones rotos en un día de San Valentín. Tanto las parejas como quienes están solos experimentan lo bueno y lo malo de encontrar, mantener o poner fin a relaciones en el día del amor. Una oficial del ejército en Iraq (Roberts) consigue permiso para pasar unos días en Los Ángeles. En el mismo avión de vuelta a casa coincide con un hombre gay (Cooper) cuyo amante es un jugador de fútbol. El dueño de una floristería (Kutcher) propone matrimonio a su novia (Alba), aunque se da cuenta de que está enamorado de una de sus mejores amigas (Garner), que a su vez descubre que su novio está casado. Una mujer jubilada y feliz (MacLaine), madre de la oficial, cuenta el gran secreto de su pasado a su marido. Una joven mujer (Hathaway) que trabaja para la agencia de talentos más grande de la ciudad, ha quedado con un trabajador de correos. Para una publicista desafortunada en el amor (Biel), el día de San Valentín es solo un día más.

Comentario:

Garry Marshall recluta de nuevo a Julia Roberts en uno de los capítulos de esta comedia romántica de relatos cruzados cuyo título define a la perfección su carácter y que imita la fórmula de otros éxitos del género como “Love Actually”. A la protagonista de “Pretty Woman” le acompañan en esta apología del romanticismo las guapas Jessica Biel y Jessica Alba, los galanes Patrick Dempsey, Ashton Kutcher y Bradley Cooper, además de las veteranas Shirley MacLaine y Kathy Bates, y nuevas promesas como Taylor Swift.

Crítica:

14-02-2.010 – JOSU EGUREN

Caduca mañana

Y seguimos con las matrimoniadas, esta vez en su fase larvaria, cuando ninguno de los dos tórtolos imagina el calvario que sucederá al flechazo. Salvando las distancias, Garry Marshall sufre un síndrome similar al de Victor Fleming: nadie recuerda su nombre, pese a ser el autor de una de las películas mas taquilleras de la Historia. Marshall lleva veinte años tratando de repetir el éxito de “Pretty Woman”: con y sin Julia Roberts, alterando la edad de sus protagonistas o volviendo a encamarlos, pero nada. Cómo quien huele la sangre, ahora vuelve el día de San Valentín para repetir la fórmula, fragmentándola en microrelatos, por si acaso alguno cuaja, y de paso le da tiempo a acumular en los créditos el mayor número de estrellas por metro cuadrado. Tenemos variedad de nombres, razas, edades y sexos, para todos los gustos, y un esquema inmutable: chico conoce chica, flirtean -a veces con roces- y se enamoran. Los nostálgicos echarán de menos a Jorge Rigaud, las adolescentes esperarán el 'petting' de la pareja Swift/Lautner, y el resto (espectadores juiciosos que se han visto obligados a comprar una entrada) tendrán que disimular las arcadas sin aspavientos, con la misma sonrisa fingida con la que se han envainado las tarjetas de felicitación románticas (amigos, no sabéis lo que os queda).

Con la superioridad moral que le da al que escribe recordar que su primera experiencia romántica la vivió con “Muerte en Venecia”, sólo puedo compadecerme de los espectadores que perderán la virginidad con este fiasco. Podría ser peor, evidentemente, pero Marshall vuela raso, con un diseño de producción y una fotografía que superan por poco el nivel de los telefilmes “Hallmark”. Resulta curiosa la facilidad con la que algunos actores se embarcan en estos minicastings donde, lejos de escurrir el bulto, quedan perfectamente retratados. Se salvan Anne Hathaway y Topher Grace, los pedazos menos ñoños de una tarta hiperazucarada. El resto caduca mañana.

El hombre lobo (Joe Johnston, 2.010)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Thu, 15 Dec 2011 17:23:00 +0000

El hombre lobo (Joe Johnston, 2.010)

Calificación:

Crítica:

6,162

Público:

6,245

España:

5,412

Rugoleor:

6,466

Ficha:

Título Original:	The Wolfman
Director:	Joe Johnston
Guionistas:	Andrew Kevin Walker, David Self
Intérpretes:	Benicio Del Toro, Anthony Hopkins, Emily Blunt, Hugo Weaving, Geraldine Chaplin, Max von Sydow, Art Malik
Productores:	Sean Daniel, Benicio Del Toro, Scott Stuber, Rick Yorn
Fotografía:	Shelly Johnson
Música:	Danny Elfman
Montaje:	Walter Murch, Dennis Virkler, Mark Goldblatt
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.010
Duración:	104 minutos
Edad:	13 años
Género:	Drama, Suspense, Terror
Distribuidora:	Universal Pictures International Spain, S. L.
Estreno:	12-02-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en Estados Unidos
Espectadores:	687.909
Recaudación:	4.263.965,22 €
Visitas:	0
Calificación única:	6,202 (1.663.329 valoraciones)
Puesto / Total:	30 / 38

Sinopsis:

Lawrence Talbot es un noble torturado que vuelve a las tierras de la familia después de la desaparición de su hermano. Allí descubre que algo brutalmente salvaje ha asesinado a varios campesinos del pueblo. Mientras encaja las piezas del rompecabezas, descubre que existe una maldición que convierte a los hombres en lobos con la luna llena.

Comentario:

El responsable de títulos como “Jumanji (1.995)” y “Océanos de fuego (2.004)”, Joe Johnston, se alía con Benicio Del Toro para esta nueva versión cinematográfica de la leyenda del licántropo. El actor de origen puertorriqueño da vida al célebre monstruo, la parte oscura de Lawrence Talbot, un famoso actor que, a finales del siglo XIX, regresa de Estados Unidos a su Inglaterra natal. Allí, deberá hacerse cargo junto a su padre, interpretado por Anthony Hopkins, de investigar la extraña muerte de su hermano.

Crítica:

13-02-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Gato por lobo

El escritor y cineasta inglés Clive Barker lo avisó en su momento: no se trata de engañar al público, sino de conseguir que se sienta amenazado. Ahora bien, el convencional realizador Joe Johnston recupera al mítico hombre lobo, pero hace un cine de terror que no parece cine de terror; en realidad, es un terrorífico, un 'spatterpunk' (etiqueta que David J. Schow inventó en 1.986 para la literatura de los asesinos en serie) cinematográfico, con salpicaduras, poco imaginativo y bastante cochambroso. De modo que con “El hombre lobo” nos da gato por lobo y no logra que el espectador se sienta amenazado por el Mal.

La trama transcurre en un tenebroso lugar llamado Blackmoor, donde un noble, Lawrence Talbot, es acosado por una ancestral maldición familiar. Singular personaje encarnado con garra por el oscarizado Benicio del Toro, dispuesto una vez más a expresarse por medio de su mirada, de su cuerpo y de su cara trágica. Impactante interpretación la suya, capaz de arrastrarnos a otra dimensión, ya que se trata de un licántropo marcado como el casquillo de una bala de plata después de recibir el golpe del percutor.

Sin embargo, Joe Johnston y sus colaboradores se muestran incapaces de innovar en este maravilloso mito del fantástico, y nos enjaretan un producto en sintonía con los tiempos que corren. O sea, aparatoso, ruidoso, rimbombante, con un cierto aire gótico venido a menos y unos multimillonarios efectos especiales que no tienen el encanto de otras versiones más modestas y artesanales, incluidas las de Paul Naschy. Un dicho latino dice que el arte verdadero oculta el artificio. En “El hombre lobo” todo resulta artificioso, sin el aliento incisivamente poético que la historia exigía. Así que es dudoso que este artefacto narrativo pueda resultar atractivo para las nuevas generaciones, puesto que la tensión narrativa o cuando menos la espera del 'ahora viene lo bueno' no se mantiene a lo largo de la proyección, en un filme que, como la zancada del cangrejo, avanza siempre de lado.

Todo incluido (Peter Billingsley, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Wed, 14 Dec 2011 16:55:00 +0000

Todo incluido (Peter Billingsley, 2.009)

Calificación:

Crítica:

5,600

Público:

5,723

España:

4,689

Rugoleor:

5,989

Ficha:

Título Original:	Couples Retreat
Director:	Peter Billingsley
Guionistas:	Jon Favreau, Vince Vaughn, Dana Fox
Intérpretes:	Vince Vaughn, Malin Akerman, Jason Bateman, Jon Favreau, Kristin Davis, Kristen Bell, Faizon Love, Kali Hawk, Jean Reno, Temuera Morrison
Productores:	Scott Stuber, Vince Vaughn
Fotografía:	Eric Alan Edwards
Música:	A. R. Rahman
Montaje:	Dan Lebental
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.009
Duración:	113 minutos
Edad:	13 años
Género:	Comedia
Distribuidora:	Universal Pictures International Spain, S. L.
Estreno:	29-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en Estados Unidos
Espectadores:	315.543
Recaudación:	1.950.618,15 €
Visitas:	0
Calificación única:	5,694 (809.961 valoraciones)
Puesto / Total:	35 / 37

Sinopsis:

Cuatro parejas realizan el sueño de su vida viajando a una isla paradisíaca. Una de ellas va con la intención de solucionar sus problemas matrimoniales, y las otras tres tienen la intención de divertirse con las motos de agua, relajarse en el spa y pasarlo bien en general. Pero no tardan en descubrir que la participación en la terapia de pareja que ofrece el hotel no es opcional. La oferta de grupo tiene un precio...

Comentario:

Cuatro parejas amigas viajan a una idílica isla Las vacaciones prometen y todos están dispuestos a disfrutar de lo lindo con las distintas actividades que les ofrece el resort. Todas menos una, que ha insistido en el viaje para poder asistir a una terapia de pareja. Lo que los demás no esperan es que esta terapia no es opcional sino obligatoria para todos los visitantes de la isla. La circunstancia destapará los problemas de más de una relación. Vince Vaughn encabeza el cartel de una comedia romántica de amplio reparto.

Crítica:

12-02-2.010 – JOSU EGUREN

Matrimoniada tropical

La crítica más acertada que puede dedicársele a “Todo incluido” aparece encajada en el metraje, pero llega tarde. Cuando llevamos sufrida hora y cuarto de situaciones absurdas una de las intérpretes secundarias coge y se larga. A la francesa, Kali Hawk agarra sus maletas y deja aparcadas a tres parejas de cuarentones que tratan de resolver sus problemas matrimoniales en una isla paradisíaca. Tiene veinte años y ganas de divertirse, y no le apetece tragar con una terapia que no ha contratado por mucho que Vince Vaughn se esfuerce en hacernos creer de que su guión tiene gracia. Como espectador hubiese tomado el mismo camino, pero el papel de crítico masoquista me obligó a apurar la enésima comedia de parejas hasta el final.

Entre cabezada y cabezada escucho una carcajada y me pregunto ¿a quién, en su sano juicio, puede hacerle gracia esta bobada? A usted no, salvo que aún no haya superado esa fase en la que las hormonas le invitan a aplaudir los gags de contenido sexual, o le apetezca soportar cómo cuatro hombres adultos filosofan sobre la nada. Las mujeres escapan por otro lado, todo lo lejos que pueden llegar tres floreros con patas, para esperar a que sus maridos maduren y acepten con resignación pasar el resto de sus vidas casados. Toda la película tiene un tufo a moralina insoportable, con Vaughn sermoneando a la tropa a cada paso, y Jean Reno en el papel de un Mago de Oz/Capitán Stubing excéntrico que tiene como misión redescubrirnos las virtudes de la vida en pareja. De Peter Billingsley se puede decir poco, como mucho podríamos elogiar la funcionalidad de su puesta en escena, aunque su rendición prematura a los pies del tándem Favreau/Vaughn delata su condición del realizador mercenario.

Con excepción de algunas medianías -una competición de Guitar Heroes y un par de buenos diálogos-“Todo incluido” es extremadamente pesada. Le falta ritmo, algún giro imprevisible, y otros actores que sepan ocupar con sus gestos las lagunas de un guión parco en comicidad.

OSS 117: Perdido en Río (Michel Hazanavicius, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Tue, 13 Dec 2011 17:51:00 +0000

OSS 117: Perdido en Río (Michel Hazanavicius, 2.009)

Calificación:

Crítica:

6,122

Público:

6,367

España:

5,237

Rugoleor:

5,739

Ficha:

Título Original:	OSS 117: Rio ne répond plus
Director:	Michel Hazanavicius
Guionistas:	Michel Hazanavicius, Jean-François Halin
Intérpretes:	Jean Dujardin, Louise Monot, Alex Lutz, Rüdiger Vogler, Ken Samuels, Reem Kherici, Pierre Bellemare
Productores:	Eric Altmeyer, Nicolas Altmeyer
Fotografía:	Guillaume Schiffman
Música:	Ludovic Bource
Montaje:	Reynald Bertrand
Nacionalidad:	Francia
Año:	2.009
Duración:	100 minutos
Edad:	Todos los públicos
Género:	Acción, Aventuras, Comedia
Distribuidora:	Kiss Comunicació, S. L.
Estreno:	05-02-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en Francia
Espectadores:	1.929
Recaudación:	12.413,00 €
Visitas:	0
Calificación única:	6,455 (80.204 valoraciones)
Puesto / Total:	19 / 36

Sinopsis:

Doce años después de El Cairo, OSS 117 vuelve para una nueva misión. Tras la pista de un microfilm comprometido para el Estado francés, el más célebre de los agentes galos debe formar equipo con una seductora teniente coronel del Mosad.

Comentario:

Si el Reino Unido tiene a 007, Francia a OSS 117. Cuando han pasado doce años de su misión en El Cairo, el espía Hubert Bonisseur de la Bath (Jean Dujardin), más conocido como OSS 117, viaja a Brasil con el objetivo de recuperar un microfilm con información comprometida para su país. No trabajará solo, sino que deberá hacer equipo con la irresistible agente del Mosad (Louise Monot). Comedia, acción y romance bajo el Cristo de Corcovado para esta nueva versión fílmica del personaje de las novelas de Jean Bruce.

Crítica:

11-02-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Un espía en Copacabana

Tontorrona secuela de “OSS 117: El Cairo, nido de espías”, resuelta en el mismo tono paródico a lo James Bond y sucedáneos (Flint, Matt Helm, etc.), pero sin pizca de gracia. Asimismo, el embolado se basa en el afrancesado personaje de Hubert Bonniseur de la Bath, creado por el prolífico escritor galo Jean Bruce en 1.949, cuya primera incursión cinematográfica data de 1.956, con el filme “OSS 117 N'est pas mort”, dirigido por Jean Sacha y protagonizado por Yvan Desny. A partir de ahí, “OSS: 117: Perdido en Río” vuelve a incidir en las insustanciales aventuras del metepatas agente protagonista, chulesco y bien 'maqueao', dispuesto a armarla en Copacabana, en la bahía de Guanabara, en Corcobado, en Ipanema o en otros hermosos lugares de Brasil.

Encarnado con hortera desparpajo por el histriónico actor Jean Dujardin, la película del destajista Michel Hazanavicius incluye la tira de situaciones grotescas, personajes estrambóticos, abundancia de estereotipos ridículos y el obligado despelote de lindas 'garotas' brasileiras, en un conjunto de mero consumo, trufado de chistes y juegos de palabras, que en muchos casos se pierden en la versión doblada, pergeñando al fin intrascendentes gansadas, destinadas al público poco exigente.

Siguiendo las pautas de otros títulos del mismo estilo, su máximo responsable ha filmado una especie de “Austin Powers, la espía que me achuchó” más o menos pasota, pero sin el toque desmelenado e incluso surrealista del imprevisible espía inglés. De manera que estamos ante un 'slapstick' o astracanada, una superguindez de mucho cuidado, buscando en todo momento la risa fácil y la complicidad por parte del espectador. Porque es bien sabido que el exceso, en cualquier rama de la bellas artes, siempre es un arma de doble filo, ya que ese pasarse de rosca desequilibra de tal forma el producto que éste se convierte irremediablemente en un mero compendio repetitivo de peripecias irreflexiva y torpemente expuestas.

Luna caliente (Vicente Aranda, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Sun, 11 Dec 2011 16:17:00 +0000

Luna caliente (Vicente Aranda, 2.009)

Calificación:

Crítica:

5,828

Público:

4,807

España:

4,275

Rugoleor:

5,850

Ficha:

Título Original:	Luna caliente
Director:	Vicente Aranda
Guionista:	Vicente Aranda
Intérpretes:	Eduard Fernández, Thaïs Blume, Emilio Gutiérrez Caba, José Coronado, Héctor Colomé, Mary Carmen Ramírez, Carla Sánchez
Productores:	Vicente Aranda, Rodolfo Montero de Palacio
Fotografía:	Joaquín Manchado
Música:	José Nieto
Montaje:	Teresa Font
Nacionalidad:	España
Año:	2.009
Duración:	91 minutos
Edad:	18 años
Género:	Drama, Suspense
Distribuidora:	Paramount Spain, S. L.
Estreno:	05-02-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	60.365
Recaudación:	396.836,41 €
Visitas:	0
Calificación única:	5,479 (214.258 valoraciones)
Puesto / Total:	33 / 33

Sinopsis:

Juan cree haber observado en Ramona cierto tipo de insinuaciones, de forma que se atreve a entrar en su habitación en mitad de la noche. Ramona ha imaginado una relación romántica pero, instintivamente, sin poderlo remediar, él procede a una violación que nada tiene de romántico. El resultado es un cambio radical en ambos, de tal magnitud que los dos dejan de ser lo que han sido hasta el momento para entrar en una zona irracional donde los instintos son el eje de la conducta.

Comentario:

El veterano Vicente Aranda volvió a escandalizar a la audiencia con esta historia de amour fou entre una joven, Thaïs Blume (“Sin tetas no hay paraíso”) y su violador, interpretado por el polifacético Eduard Fernández. Se trata de la tercera adaptación que se lleva al cine de la novela del argentino Mempo Gardinelli –las anteriores son dos desconocidas en nuestro país-, aunque Aranda se aleja del texto original para ambientar los hechos en 1.970 en España, durante el Proceso de Burgos contra miembros de ETA.

Crítica:

10-02-2.010 – JOSU EGUREN

El último tango de Aranda

Sin rodeos. El cine de Vicente Aranda no le interesa a nadie, o casi, porque él sigue convencido de que la crítica ni quiere ni sabe entender la profundidad de su discurso, y seguirá filmando hasta que la salud le respete. Aparcada su relación de amor-odio con el autor de “El amante bilingüe”, le toca el turno a la “Luna caliente” de Giardinelli, una novela que Aranda reubica en el Burgos tardofranquista de los 70. El primer accidente geográfico de la cinta es el monte de Venus de Thaïs Blume, un pubis depilado que puede descolocar a quien no conozca la filmografía del barcelonés, pero que al espectador curtido le sonará a lo de siempre. El segundo es la vulgaridad de una trama anodina que recurre al fraseo de citas literarias para volar más alto. Y el tercero es un trío de intérpretes que en el mejor de los casos funcionan como marionetas descolocadas.

El subconsciente es un terreno prohibido para el cine de Aranda, a pesar de que se empeña en activar resortes mentales con un carrusel de escenas sexuales de alto voltaje. Quédense con sus palabras: “Luna caliente” es la metáfora de una España 'violada por la dictadura'. Lo que sí se escucha con claridad es el eco de Jekyll y Hyde en el personaje de Eduard Fernández, un poeta que regresa desde el exilio para contaminarse con el ambiente malsano que se respira en un país enfermo. Con el proceso de Burgos en la recámara y los aplausos que la intelectualidad de izquierdas le dedicó a los atentados de ETA, Aranda trata de demostrar que la violencia es capaz de engendrar monstruos, aunque no consigue trazar un paralelismo efectivo entre el análisis sociopolítico y los extraños derrotes dramáticos de sus personajes.

A Thaïs Blume, que debería ser el motor de la trama, se le notan demasiado las costuras, y Eduard Fernández parece un cruce desafortunado entre el Marlon Brando 'bertolucciano' (sin la coartada gráfica de Francis Bacon) y el pijoaparte de Juan Marsé. Otro tango, el anteúltimo, en la carrera de un director que se perdió hace demasiado tiempo.

Tiana y el sapo (Ron Clements, John Musker, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Fri, 09 Dec 2011 16:36:00 +0000

Tiana y el sapo (Ron Clements, John Musker, 2.009)

Calificación:

Crítica:

6,686

Público:

7,092

España:

6,156

Rugoleor:

6,568

Ficha:

Título Original:	The Princess and the Frog
Directores:	Ron Clements, John Musker
Guionistas:	Ron Clements, John Musker, Rob Edwards
Intérpretes:	No hay actores (Animación)
Productor:	Peter Del Vecho
Fotografía:	Animación
Música:	Randy Newman
Montaje:	Jeff Draheim
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.009
Duración:	97 minutos
Edad:	Todos los públicos
Género:	Animación, Comedia, Familiar, Fantástica, Musical, Romántica
Distribuidora:	The Walt Disney Company Iberia, S. L.
Estreno:	05-02-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en Estados Unidos
Espectadores:	1.559.823
Recaudación:	9.359.245,08 €
Visitas:	0
Calificación única:	6,638 (2.965.614 valoraciones)
Puesto / Total:	16 / 32

Sinopsis:

Tiana es una joven afroamericana que vive en la Nueva Orleans de los años 20. Un día se topa con un príncipe convertido en sapo que busca recuperar su forma humana.

Comentario:

John Musker y Ron Clements, directores de “La Sirenita (1.989)”, vuelven a primera línea de fuego de la factoría Disney con esta historia que reivindica la animación artesanal frente a la cada vez más potente deriva digital del género. Homenaje a Nueva Orleans y a la fértil cultura del delta del Mississippi, la película sigue a una joven princesa afroamericana que vive en el elegante y espléndido Barrio Francés de la ciudad. En ese escenario pantanoso y repleto de misterio, vivirá un inolvidable romance con un sapo.

Crítica:

09-02-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Un beso robado

Tiene su encanto esta recomendable película de Walt Disney, centrada en la historia de Tiana, una muchacha afroamericana, protagonista de un bonito cuento de hadas con truco final, enmarcado en la Nueva Orleans de los tiempos del jazz. Una cinta animada que recupera la vertiente creativa tradicional, en la que tampoco faltan las canciones y los personajes cargados de mojo y vudú. Así, el público infantil disfrutará de lo lindo con las peripecias de una princesa de mentirijillas, acompañada por un sapo parlanchín y toda una serie de seres pintorescos -incluido un cocodrilo cantarín dispuesto a imitar al mismísimo B. B. King y una enamoradiza luciérnaga-, que camelarán al público adulto.

El único problema que el crítico ve en “Tiana y el sapo” es que, al tratarse de una cinta de animación 'dibujada a mano', las nuevas generaciones pueden echar en falta el impacto visual del 3D. Harán mal, porque esta revisitación de uno de los más populares cuentos de los hermanos Grimm atesora un humor zumbón, en el que se incluyen los imprescindibles elementos mágicos, con el fin de ampliar el punto de partida. En ese sentido, es obligado reconocer el buen gusto de Ron Clements y John Musker, autores en su día de joyitas al estilo de “La Sirenita” y “Aladdin”.

Tras la devastación provocada por el huracán Katrina, en agosto de 2.005, se recupera aquí el sabor característico de una ciudad tan emblemática como Nueva Orleans. Porque el ambiente, el colorido, la musicalidad, el paisaje y el paisanaje propio de la capital de Luisiana están realzados por el dinamismo de la escenografía y la brillante construcción de los personajes, así como por el cuidado puesto en los detalles visuales y argumentales de una película en la que cada plano parece fruto de muchas decisiones previas. Confiemos en que a estas alturas no haya todavía gente que piense que el cine de animación es un cine exclusivamente infantil. Sin olvidar que un beso legal nunca vale tanto como un beso robado.

Loca obsesión (Phil Traill, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Thu, 08 Dec 2011 17:11:00 +0000

Loca obsesión (Phil Traill, 2.009)

Calificación:

Crítica:

5,665

Público:

6,013

España:

5,214

Rugoleor:

6,052

Ficha:

Título Original:	All About Steve
Director:	Phil Traill
Guionista:	Kim Barker
Intérpretes:	Sandra Bullock, Bradley Cooper, Thomas Haden Church, Ken Jeong, DJ Qualls, Katy Mixon, Keith David, Howard Hesseman, Beth Grant
Productores:	Sandra Bullock, Mary McLaglen
Fotografía:	Tim Suhrstedt
Música:	Christophe Beck
Montaje:	Rod Dean, Virginia Katz
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.009
Duración:	101 minutos
Edad:	Todos los públicos
Género:	Comedia, Romántica
Distribuidora:	Hispano Fox Film, S. A.
Estreno:	05-02-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	6.151
Recaudación:	35.542,33 €
Visitas:	0
Calificación única:	6,508 (47.888 valoraciones)
Puesto / Total:	20 / 31

Sinopsis:

Cuando la excéntrica, pero adorable, Mary acaba en el escenario con Steve, el cámara del canal de noticias, se enamora perdidamente. Pero él no... Así que Mary decide seguir a Steve por todo el país en busca de noticias para acabar enredada en ellas. Pero a pesar de la lluvia mediática en la que se ha sumergido, Mary llegará a descubrir su propio lugar en el mundo... y al hombre de sus sueños.

Comentario:

Apadrinada por los responsables de “Miss Agente Especial (2.000)” y “Amor con preaviso (2.002)”, Sandra Bullock se atreve con la comedia inspirada en los hermanos Farrelly o Judd Apatow en esta película sobre un amor que ralla lo delirante. Interpreta a Mary, la clásica tonta del pueblo que tras una cita a ciegas con Steve (Bradley Cooper), un cámara televisivo que está de paso por la población, se enamora y decide seguirlo por todo el país, ayudada por un periodista rival de Steve, interpretado por Thomas Haden Church.

Crítica:

08-02-2.010 – JOSU EGUREN

Doblete

Con el Razzie a la peor actriz prácticamente asegurado, a Sandra Bullock le falta recoger el Oscar para completar una hazaña que sólo está al alcance de las más grandes: lograr el doblete. Se lo merece. Pocas actrices simplifican tanto la tarea de un crítico como la protagonista de “Loca obsesión”. Todo es cuestión de reciclar los adjetivos que le dedicamos a su anterior trabajo, y ladrar comentarios más hirientes; total para nada, porque Sandra Bullock cabalga como la reina indiscutible de la comedia, casi sin oposición, y sabiendo que cuenta una legión de 'fanboys' dispuesta a tragar lo que le echen.

Despistando al cinéfilo con un título original que sugiere un guiño en clave paródica al clásico melodrama de Leo Mankiewicz (“All About Eve” vs “All About Steve”), Phil Traill dirige una no menos clásica comedia de enredos en la que Bullock pone en juego un repertorio limitado que poco o nada recuerda a los que desplegaban las vedettes por antonomasia de la 'screwball comedy': Barbara Stanwyck, Myrna Loy y Carole Lombard. Bullock es Bullock, todo pasa por aceptar sus enormes limitaciones para el gag físico, y disfrutar, si se puede, de ese híbrido entre noñería e ingenuidad que caracteriza todas y cada una de sus apariciones. La misión imposible de Phil Trail es convencernos de que su tropa puede evolucionar hacia un tipo de humor más elaborado, el de la marca Apatow, pero cada vez que pisa terrenos desconocidos desanda el camino recurriendo a las humoradas groseras (cuando no aberrantes). Patético. Todos los intentos de Haden Church por dignificar el guión se topan con la figura incólume de Sandra Bullock, o con el desinterés de su director por afilar la crítica hacia los 'mass media'. Todo es atrezzo, cada frase, situación o intérprete secundario está supeditado al brillo de la estrella. A la Bullock le viene grande el papel de mujer alocada y fracasa como 'follower' de personajes como la Poppy de “Happy-Go-Lucky” y Pee-Wee Herman.

Precious (Lee Daniels, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Wed, 07 Dec 2011 16:18:00 +0000

Precious (Lee Daniels, 2.009)

Calificación:

Crítica:

6,944

Público:

7,236

España:

6,504

Rugoleor:

6,622

Ficha:

Título Original:	Precious
Director:	Lee Daniels
Guionista:	Geoffrey Fletcher
Intérpretes:	Gabourey Sidibe, Mo’Nique, Mariah Carey, Lenny Kravitz, Susan L. Taylor, Paula Patton, Sherri Shepherd
Productores:	Lee Daniels, Gary Magness, Sarah Siegel-Magness
Fotografía:	Andrew Dunn
Música:	Mario Grigorov
Montaje:	Joe Klotz
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.009
Duración:	107 minutos
Edad:	13 años
Género:	Drama
Distribuidora:	Filmax Pictures, S. L.
Estreno:	05-02-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	347.472
Recaudación:	2.141.018,91 €
Visitas:	0
Calificación única:	6,903 (958.985 valoraciones)
Puesto / Total:	11 / 30

Sinopsis:

Claireece ”Precious“ Jones tiene 16 años, es obesa y analfabeta y espera su segundo hijo de su propio padre ausente. Vive en Harlem, el reino de los invisibles, de los sin voz, con su madre, una reclusa cruel que mira la televisión sin cesar y la somete a los más denigrantes abusos. Forzada a abandonar la escuela a causa de su embarazo, Precious acaba en un instituto para casos desesperados. Y allí, en el último escalón de aquellos que ya han bajado todas las escaleras, está la señorita Rain, una maestra joven, combativa y radical a través de la cual Precious tendrá la posibilidad de recuperar su voz y su dignidad descubriendo un nuevo mundo en el que puede al fin expresarse de una manera que nunca antes había imaginado.

Comentario:

Aupada en el Festival de Sundance de 2.009 y producida por la todopoderosa Oprah Winfrey, “Precious” se ha convertido en el sleeper indie del año. Su premisa no puede ser más aterradora: Precious Jones (Gabourey Sidibe) es una estudiante adolescente obesa y analfabeta, embarazada de su padre por segunda vez, y cuyo primogénito sufre síndrome de Down. Pese al martirio psicológico de su madre (Mo’Nique, en un papel que le ha valido el Oscar como Mejor Actriz Secundaria), luchará por superar las adversidades.

Crítica:

07-02-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Un precioso fenómeno

Premios a tutiplén para esta valiente película independiente norteamericana, centrada en la desdichada vida de una chica analfabeta y con muchos kilos de más, cuerpo visible de uno de los títulos más reveladores de la temporada. El cúmulo de desgracias que asolan su precaria existencia, esclava de su madre y embarazada por segunda vez de su padre, están representadas de forma emocionante por la actriz Gabourey 'Gabby' Sidibe, máxima favorita a la mejor actriz en la próxima entrega de los Oscar. Una joven de 26 años estudiante de psicología y teleoperadora en el barrio neoyorquino de Harlem. 'Precious' se convierte así en un precioso fenómeno y en un digno esfuerzo creativo.

Es cierto que las torrenciales tragedias que asfixian a la protagonista resultan en ocasiones muy atosigantes; sin embargo, forzoso es reconocer la cruda autenticidad e innegable verosimilitud que se desprende de las vivencias y los sueños de Precious, dispuesta al fin a embarcarse en una historia de superación personal que debe verse, que debe saborearse. Así pues, un precioso fenómeno, en toda la extensión de la palabra, es el elemento catalizador de la película, realizada con ritmo y gancho por el máximo responsable de “Shadowboxer”.

Todo está contado desde una perspectiva melodramática, afroamericana, marginal pero también esperanzadora. Así, el doloroso discurrir de Gabourey Sidibe es vertido en realistas imágenes mediante un guión preciso y una escenografía que acierta a equilibrar los claroscuros de la historia y la encauza a través de un personaje inolvidable. Una oronda muchacha, que queda más allá de sus profundas encarnaciones; pulveriza unas, trasciende otras, las que precisamente se quedan en lo anecdótico. Porque ella nos ofrece la imagen más tierna y más íntima del verdadero amor, comunica al espectador el misterio de un ser humano presente en un gran cuerpo por medio del estremecimiento de una sensibilidad cuyo secreto nunca se pierde.

La carretera: The Road (John Hillcoat, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Sun, 04 Dec 2011 16:23:00 +0000

La carretera: The Road (John Hillcoat, 2.009)

Calificación:

Crítica:

7,006

Público:

7,283

España:

6,100

Rugoleor:

6,667

Ficha:

Título Original:	The Road
Director:	John Hillcoat
Guionista:	Joe Penhall
Intérpretes:	Viggo Mortensen, Robert Duvall, Guy Pearce, Charlize Theron, Garret Dillahunt, Kodi Smit-McPhee, Molly Parker, Michael K. Williams
Productores:	Paula Mae Schwartz, Steve Schwartz, Nick Wechler
Fotografía:	Javier Aguirresarobe
Música:	Nick Cave, Warren Ellis
Montaje:	Jon Gregory
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.008
Duración:	110 minutos
Edad:	13 años
Género:	Aventuras, Drama, Suspense
Distribuidora:	Wide Pictures, S. L.
Estreno:	05-02-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:
Recaudación:
Visitas:	0
Calificación única:	7,117 (952.518 valoraciones)
Puesto / Total:	6 / 28

Sinopsis:

En un gris invierno nuclear, un padre y su hijo viajan hacia la costa buscando un lugar seguro donde asentarse. Los pocos seres humanos que quedan se han vuelto locos o son caníbales.

Comentario:

El australiano John Hillcoat (“The Proposition”) lleva a la gran pantalla la aplaudida novela de Cormac McCarthy, galardonada con el premio Pulitzer, en la que Viggo Mortensen encarna el papel de un sacrificado padre que vaga junto a su hijo a lo largo y ancho de un escenario postapocalíptico, magníficamente fotografiado por Javier Aguirresarobe, resto de un desastre ecológico. En su viaje hacia el mar, sortearán todo tipo de peligros y amenazas, mientras tratan de mantener íntegros sus códigos éticos.

Crítica:

06-02-2.010 – JOSU EGUREN

La humanidad en peligro

Cualquier lector que haya completado con éxito todos los tramos de “La carretera” puede imaginar que su adaptación exige la cooperación de un director capaz de aplacar sus pretensiones autorales. “La carretera” es uno de los últimos clásicos instantáneos de la literatura moderna, que sólo puede ser leído de un tirón a pesar de los escasos atisbos de esperanza que Cormac McCarthy introduce en su poema épico. John Hillcoat lo entiende así, y respeta tanto el punto de vista del escritor como su intención de no violentar la intimidad que surge en la relación de sus personajes.

La música de Nick Cave es la banda sonora de un paisaje apocalíptico en el que un padre y un hijo tratan de sobrevivir a un desastre de orígenes desconocidos que ha difuminado casi por completo todas las virtudes que se le atribuyen a la raza humana. Viggo Mortensen, soberbio en la composición de su personaje, es el padre, un hombre que ha de sopesar los pros y los contras de sobrevivir en un mundo desolado en el que para alimentar el cuerpo hay que racionar al máximo cualquier acceso de humanidad. Y Kodi Smit-McPhee es su hijo, el portador de la llama de la esperanza, un papel que el debutante resuelve sin mostrar signos de vulgaridad. ¿Somos los buenos, padre? Esa pregunta es la que los mantiene unidos y la que frena su tentación de recurrir a la práctica del canibalismo, la que impide que sean derrotados.

Hillcoat no cede al chantaje de los primeros planos, los emplea con desigual acierto, tanto cuando encuadra a sus protagonistas de carne y hueso como cuando centra su atención en la naturaleza devastada, su tercer personaje. A partir de ahí elabora metáforas efectivas pero poco arriesgadas, que emulan la prosa del escritor, aunque no tiene el mismo éxito cuando trata de imitar la fragmentación del relato por medio de 'flashbacks'. En cualquier caso, Hillcoat ha conseguido agitar el fantasma de un mundo completamente deshumanizado. Está cada vez más próximo, notamos su aliento en forma de catástrofes.

Chéri (Stephen Frears, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Fri, 02 Dec 2011 16:32:00 +0000

Chéri (Stephen Frears, 2.009)

Calificación:

Crítica:

6,574

Público:

6,212

España:

6,108

Rugoleor:

6,663

Ficha:

Título Original:	Chéri
Director:	Stephen Frears
Guionista:	Christopher Hampton
Intérpretes:	Michelle Pfeiffer, Rupert Friend, Kathy Bates, Frances Tomelty, Felicity Jones, Tom Burke, Iben Hjejle
Productores:	Andras Hamori, Bill Kenwright, Thom Mount, Tracey Seaward
Fotografía:	Darius Khondji
Música:	Alexandre Desplat
Montaje:	Lucia Zucchetti
Nacionalidad:	Reino Unido, Francia, Alemania
Año:	2.009
Duración:	94 minutos
Edad:	13 años
Género:	Comedia, Drama, Romántica
Distribuidora:	Alta Classics, S. L. Unipersonal
Estreno:	29-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	72.245
Recaudación:	432.677,07 €
Visitas:	0
Calificación única:	6,232 (221.478 valoraciones)
Puesto / Total:	22 / 26

Sinopsis:

A principios del siglo XX, París es el centro del mundo. Los artistas, la moda, el teatro, la música... y las cortesanas, esas mujeres tan bellas y experimentadas en el arte del amor que llegan a ser mantenidas con gran confort por los hombres poderosos de la época. Léa de Lonval (Michelle Pfeiffer) es una cortesana que ha conseguido llevar una vida agradable y ya no ejerce como tal. Una mañana va a almorzar con su antigua compañera Madame Peloux (Kathy Bates), que está acompañada por un joven que resulta ser su hijo, Chéri (Rupert Friend), como ella le llama. Madame Peloux tiene grandes proyectos para él, pero Chéri debe convertirse primero en un hombre. Le pide a Léa que le enseñe, ella acepta y lo que comienza siendo un travieso flirteo se convierte en un apasionado amor que dura seis años. Pero la madre, Madame Peloux, planifica en secreto el matrimonio de Chéri con Edmée (Felicity Jones), la hija de otra cortesana rica, Marie-Laure (Iben Hjejle). Al acercarse la inevitable separación, Léa y Chéri intentan afrontar lo mejor posible la difícil situación, pero cuanto más tiempo pasa más conscientes son de que el amor que les une tiene unas raíces muy profundas.

Comentario:

Basada en la obra de Colette, “Chéri” reúne a tres viejos amigos, el director Stephen Frears, el músico Alexandre Desplat y a la actriz Michelle Pfeiffer, en una película sobre la vejez. Estamos al principio del siglo XX y Léa, una mujer que se ha hecho rica trabajando como prostituta para hombres ricos, acepta iniciar al joven Chéri en los secretos del sexo. En pleno proceso de enseñanza, Léa se enamora de su pupilo. Pero su amor se ve torpedeado cuando él se compromete con una chica bella, de buena familia y joven.

Crítica:

05-02-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Las fiestas galantes

Relamida película de época del otras veces inspirado realizador británico Stephen Frears, que no resiste la comparación con otra cinta suya de reconocido prestigio: “Las amistades peligrosas”. En “Chéri” describe las fiestas galantes y los amoríos difíciles de una cortesana con un larguirucho joven, en el París de finales del siglo XIX. Toda una serie de relatos de Colette sirven de base a la anécdota, donde las represoras costumbres de la época también cuentan. Flojito punto de partida y descafeinada escenografía para un relato romántico un tanto empalagoso, carente de la pulsión dramática y existencial que atesora la película antes citada, con lo cual todo el invento se va al garete.

Asimismo, llama la atención que un guionista -y en ocasiones director- tan reputado como Christopher Hampton (“Carrington”) se hiciera cargo del libreto de “Chéri”, vista y comprobada la falta de enjundia de los sentimentales hechos descritos, filmados sin convicción ni nervio alguno por el galardonado autor de “Mi hermosa lavandería”. Es, lo que podríamos llamar, un título 'alimenticio' con sabor a película de sobremesa, programada en muchas televisiones del mundo, proclive a las siestas más placenteras.

Por lo demás, la vertiente publicitaria y comercial del filme -como no podía ser de otro modo- se llama Michelle Pfeiffer, convertida aquí en una elegante señorona, cuyas hormonas todavía chisporrotean con los rescoldos de la pasión. Su labor interpretativa, de una innegable corrección, no hace olvidar ni de lejos su palpitante presencia en el título que 21 años atrás compartió con Stephen Frears. A su lado hace el ridículo más de la cuenta el larguirucho recién llegado Rupert Friend, un estilizado sujeto con aspecto de poeta arruinado, incapaz de hacer creíble los encendidos arrebatos sexuales que provoca en 'la Pfeiffer'. Llamativo error de 'casting' para una cinta carente de la sensualidad, de la ironía y de la rebeldía consustancial a la sofisticada autora de “Gigi”.

Krabat y el molino del diablo (Marco Kreuzpaintner, 2.008)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Tue, 29 Nov 2011 17:15:00 +0000

Krabat y el molino del diablo (Marco Kreuzpaintner, 2.008)

Calificación:

Crítica:

6,630

Público:

6,315

España:

6,153

Rugoleor:

6,693

Ficha:

Título Original:	Krabat
Director:	Marco Kreuzpaintner
Guionistas:	Michael Gutmann, Marco Kreuzpaintner
Intérpretes:	David Kross, Daniel Brühl, Christian Redl, Robert Stadlober, Paula Kalenberg, Hanno Koffñer
Productores:	Jakob Claussen, Nick Hamson, Lars Sylvest, Bernd Wintersperger, Thomas Wöbke
Fotografía:	Daniel Gottschalk
Música:	Annette Focks
Montaje:	Hansjörg Weissbrich
Nacionalidad:	Alemania
Año:	2.008
Duración:	115 minutos
Edad:	13 años
Género:	Drama, Fantástica, Suspense
Distribuidora:	Flins y Piniculas, S. L.
Estreno:	29-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	29.064
Recaudación:	172.647,08 €
Visitas:	0
Calificación única:	6,348
Puesto / Total:	18 / 25

Sinopsis:

Krabat es un adolescente huérfano a quien una voz en sueños le insta a dirigirse a un viejo molino, donde le iniciarán a él y otros aprendices en el arte de la magia negra. Pero todos los seres demoníacos exigen un alto precio por lo que ofrecen: el alma, la libertad e incluso la vida. ¿Cómo defenderse de alguien que controla tu pensamiento, tu voluntad e incluso tus sueños? Krabat no se resigna a acabar como sus compañeros...

Comentario:

Basada en una exitosa novela alemana adaptada anteriormente por Karel Zeman, “Krabat y el molino del diablo” narra las aventuras del joven Krabat, que llega a un molino donde un hombre lo iniciará en el universo de las artes oscuras. Junto a sus compañeros del molino, descubrirá los terribles secretos que esconde su mentor. “Krabat” ofrece una respuesta continental europea a fantasías como las de Harry Potter y está protagonizada por jóvenes talentos del cine germano como Daniel Brühl y David Kross (“El lector”).

Crítica:

04-02-2.010 – JOSU EGUREN

Aroma de cuentacuentos

Más tarde o más temprano, alguien tenía que caer en la tentación de readaptar “Krabat” (recomiendo la versión de Karel Zeman), un clásico de la literatura juvenil que lleva arrasando en las librerías alemanas desde hace décadas. La novela de Otfried Preußler lo tiene todo: un marco histórico interesante (la Guerra de los 30 años), acción, subtramas amorosas y, lo más importante, magia negra. Por así decirlo, es el complemento perfecto para los lectores que hayan agotado la saga de ‘Harry Potter’ y busquen un modelo literario algo más evolucionado. No en vano, Preußler filtró en el texto una cierta analogía entre sus personajes y los miembros de las juventudes hitlerianas; aunque la lógica obliga a que Marco Kreuzpaintner soslaye los análisis antropológicos y cargue todo el peso de la narración en los elementos estrictamente fantásticos.

Como siempre que se adapta una novela de éxito, el director parte con el hándicap de tener que satisfacer a un público potencial que antes o después le echará en cara la elisión de sus tramos menos cinematográficos; de ahí que Kreuzpaintner haya editado lo menos posible, recurriendo a la voz en ‘off’ para ventilar sus pasajes más farragosos. El efecto de esta operación es inmediato: media hora perdida en la presentación de unos personajes que no aciertan a desarrollar todas sus posibilidades dramáticas. Es lo de menos. Kreuzpaintner se siente como un Peter Jackson de saldo y así ejerce; dando protagonismo a la sección cosmética y aprobando con apuros la asignatura de efectos especiales.

El conjunto tiene cierto empaque; hay que reconocer que “Krabat” no es un dinero mal invertido (doce millones de euros), y seguramente llamará la atención por su estética tenebrosa y aroma de cuentacuentos. El final es otro cantar. El director ataja invocando el poder del amor puro, adoptando una pose casi didáctica que solamente aspira a hacer mella en los espectadores más tiernos.

En tierra hostil (Kathryn Bigelow, 2.008)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Fri, 28 Oct 2011 15:52:00 +0000

En tierra hostil (Kathryn Bigelow, 2.008)

Calificación:

Crítica:

7,650

Público:

7,673

España:

7,707

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	The Hurt Locker
Directora:	Kathryn Bigelow
Guionista:	Mark Boal
Intérpretes:	Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Ralph Fiennes, Guy Pearce, David Morse, Christian Camargo, Evangeline Lilly
Productores:	Kathryn Bigelow, Mark Boal, Nicolas Chartier, Greg Saphiro
Fotografía:	Barry Ackroyd
Música:	Marco Beltrami, Buck Sanders
Montaje:	Chris Innis, Bob Murawski
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.008
Duración:	122 minutos
Edad:	13 años
Género:	Acción, Bélica, Drama, Suspense
Distribuidora:	DeA Planeta, S. L.
Estreno:	29-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	510.003
Recaudación:	3.215.001,54 €
Visitas:	0
Calificación única:	7,449
Puesto / Total:	4 / 24

Sinopsis:

Irak. Sumido en el caos de la guerra, un escuadrón de artificieros debe actuar en una ciudad en la que cada persona es un enemigo potencial.

Comentario:

Cuando el jefe de una unidad de artificieros muere en plena operación, es sustituido por Will, un hombre sin miedo que parece haber desarrollado una fuerte adición por la adrenalina y el riesgo propias de la guerra. Con la invasión de Irak como telón de fondo y con actores poco conocidos (a excepción de los pequeños papeles interpretados por Ralph Fiennes y Guy Pierce), “En tierra hostil” se alzó con el Oscar a la Mejor Película y al Mejor Director, siendo Kathryn Bigelow la primera mujer en conseguir este galardón.

Crítica:

03-02-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Vivir y morir en Bagdad

Al igual que la galardonada “Redacted”, de Brian De Palma, “En tierra hostil” muestra la Guerra de Irak bajo la batuta directiva de la inteligente realizadora Kathryn Bigelow, de la que tan grato recuerdo atesora este crítico durante su paso por el Festival de San Sebastián en el año 2.000. La bella cineasta filma a ras de suelo el conflicto bélico iraquí, desde el punto de vista de toda una serie de artificieros yanquis expertos en desactivar bombas-trampa, que produce una constante tensión entre los miembros del equipo encargado de tan peligrosa misión. Lo cual da paso a un filme de hazañas bélicas, tratado de forma distinta a lo habitual, poniendo el acento en la angustia experimentada por esos artificieros, convertidos en antihéroes con todas sus consecuencias.

Nada de psicología barata en la descripción de los estados de ánimo de los protagonistas, nada de ribetes sentimentaloides en lo tocante a las motivaciones personales de los arriesgados protagonistas, nada de falsa modestia, ni tampoco de delirios de grandeza en la consecución de sus fines, nada de reflexiones políticas, moralistas o ideológicas. De lo que se trata aquí es de mostrar situaciones al límite en tono semidocumental, con un brío visual de alta graduación y una eficacia demoledora.

“En tierra hostil” se convierte así en una película física donde las haya, que incluye secuencias de la más pura acción, dura y sin concesiones a la galería, capaz de mostrar la crueldad de la guerra como fruto de la debilidad y necedad de los pueblos. Y lo hace con una garra, una inmediatez y una vibración humana que dicen mucho en favor de su autora. Así pues, algunas de las misiones encomendadas a este escuadrón en las afueras del infierno en que se ha convertido la legendaria ciudad de Bagdad (patria del singular polímata Abdul Latif al-Bagdafi), producen verdadero impacto, sin que jamás resulten falsas o gratuitas, por mor de un conflicto bélico, donde sobrevivir es la única gloria posible.

La cuarta fase (Olatunde Osunsanmi, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Thu, 27 Oct 2011 16:41:00 +0000

La cuarta fase (Olatunde Osunsanmi, 2.009)

Calificación:

Crítica:

S/C

Público:

S/C

España:

S/C

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	The Fourth Kind
Director:	Olatunde Osunsanmi
Guionista:	Olatunde Osunsanmi
Intérpretes:	Milla Jovovich, Will Patton, Corey Johnson, Elias Koteas, Enzo Cilenti, Daphne Alexander, Hakeem Kae-Kazim
Productores:	Paul Brooks, Joe Carnahan, Terry Robbins
Fotografía:	Lorenzo Senatore
Música:	Atli Örvarsson
Montaje:	Paul Covington
Nacionalidad:	Estados Unidos, Reino Unido
Año:	2.009
Duración:	99 minutos
Edad:	13 años
Género:	Ciencia Ficción, Misterio, Suspense, Terror
Distribuidora:	Aurum Producciones, S. A.
Estreno:	29-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	167.034
Recaudación:	1.026.730,00 €
Visitas:	0
Calificación única:	S/C
Puesto / Total:	12 / 22

Sinopsis:

La psicóloga Abbey Tyler observa que varios de sus pacientes relatan encuentros con alienígenas. Investigando el fenómeno, descubre varios sucesos extraños en la región desde los años 60.

Comentario:

A caballo entre el terror y la ciencia ficción, “La cuarta fase” narra la historia de una mujer que se traslada a Alaska para investigar unos extraños sucesos. Bajo la hipnosis a la que los somete la doctora, los lugareños afirman haberse encontrado, en pleno sueño, con extraterrestres. Antes de dormir dicen haber visto un búho en sus ventanas. La investigación llevará a la terapeuta hasta unas décadas atrás. Al estilo de “Blair Witch Project” o “Paranormal Activity”, la película combina ficción con documental.

Crítica:

02-02-2.010 – JOSU EGUREN

Mondo Alien

Merecida matrícula de honor para la campaña de marketing viral que ha precedido al estreno de “La cuarta fase”; suspenso para el híbrido entre falso documental y ficción terrorífica de Olatunde Osunsanmi. “La cuarta fase” no responde a las expectativas, pocas, que despierta el género 'mockumentary', sobre todo entre los espectadores curtidos en trolas del calibre de “Blair Witch Project” o “Mondo Cane”, pero es posible que parte del público, el más sugestionable, tenga fe en las abducciones marcianas tuneadas con dramillas familiares.

A los escépticos se nos hace difícil creer que los extraterrestres aterricen en un pueblo de Alaska (anoten 'el culo del mundo' en el GPS), algo imposible de obviar para quienes sostienen la teoría de las civilizaciones atlantes, más aún si el guión no explica los avistamientos, dejando todo el peso de la justificación teosófica en manos de los espectadores (manadas de adolescentes hiperhormonados.

“La cuarta fase” es un típico caso de ufología barata, engordada intelectualmente con las simpáticas tesis de Daniken, y escenificada siguiendo el patrón diseñado por William Blatty, con Milla Jovovich en el papel de una exorcista-psicóloga que sintetiza los roles de Merrin y Karras. Eso sí, nadie puede discutir la generosidad de sus decibelios, aunque la primera escena indica que todo es un pufo, no se si orquestado para asaltar la taquilla o con la intención de que deletreemos sin faltas el apellido Osunsanmi. Sin duda el peor cameo que he sufrido en mi vida, y el primer palo en las ruedas de todo el metraje. Un consejo Olatunde: si quieres que te creamos, no te rías y aguanta con dignidad un primer plano. Algo que podría aprender de Elias Koteas, un actor que va camino de convertirse en el nuevo Lance Henriksen. Recomendable para fans del 'exploitation' alien, cinéfilos desnortados y espectadores que se han quedado a las puertas de “Avatar”.

La mujer sin piano (Javier Rebollo, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Wed, 26 Oct 2011 17:17:00 +0000

La mujer sin piano (Javier Rebollo, 2.009)

Calificación:

Crítica:

S/C

Público:

S/C

España:

S/C

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	La mujer sin piano
Director:	Javier Rebollo
Guionistas:	Lola Mayo, Javier Rebollo
Intérpretes:	Carmen Machi, Jan Budar, Pep Ricart, Nadia de Santiago, Esperanza de la Vega, Tomás del Estal, Luis Antonio Espinosa
Productores:	Damián París, Stefan Schmitz, María Zamora
Fotografía:	Santiago Racaj
Música:	Varios Artistas
Montaje:	Ángel Hernández Zoido
Nacionalidad:	España, Francia
Año:	2.009
Duración:	93 minutos
Edad:	7 años
Género:	Comedia, Drama
Distribuidora:	Avalon Distribución Audiovisual, S. L.
Estreno:	29-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	9.370
Recaudación:	58.440,20 €
Visitas:	0
Calificación única:	S/C
Puesto / Total:	19 / 20

Sinopsis:

Rosa es un ama de casa para la que no hay nada comparable a la satisfacción de ver el plato humeante servido con puntualidad a la hora de la comida. Una noche escapa de su vida.

Comentario:

Rosa es víctima de su rutina. Ama de casa, vive sola con su marido taxista, pues el hijo de ambos ya se ha emancipado. Una noche, Rosa decide romper con todo, hace la maleta y deja atrás el hogar. En plena escapada, conoce a un extraño. “La mujer sin piano” narra esta jornada en la vida de Rosa. Javier Rebollo ganó la Concha de Plata al mejor director en el Festival de San Sebastián por una película que supone un radical cambio de registro en la carrera de Carmen Machi, sobre todo conocida por su papel de “Aída”.

Crítica:

01-02-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Noche sin fondo

Filme minimalista donde los haya, “La mujer sin piano” se centra en el retrato durante 24 horas de la vida de una mujer doméstica, laboral y sexual, situada en el Madrid contemporáneo. Está dirigida por el autor de “Lo que sé de Lola” con una cámara dispuesta a atrapar los tiempos muertos, donde parece que no pasa nada, potenciando la vertiente subterránea de los sentimientos, de las emociones, de los avatares que rodean la vida de los protagonistas. Empezando por Carmen Machi, en su primer papel protagonista en la gran pantalla, y terminando por el músico y escritor checo Jan Budar. Un título a contracorriente, insólito en el panorama del cine español actual y aún mundial, que exige paciencia por parte del público espectador.

Una suave tristeza vertebra las imágenes de esta irregular película intimista, desarrollada a media voz, prestando cierta atención a los silencios, a las miradas, a ese polvillo especial que flota entre los intersticios de una austera crónica urbana, filmada como si del viaje a una noche sin fondo se tratara. Argumento y escenografía muy poco convencionales, donde la peculiar personalidad de Javier Rebollo prima sobre cualquier otra consideración.

Se trata asimismo de una película difícil, que uno calificaría de arte y ensayo, compleja y de inequívoco afán autoral, ambiciosa y no siempre conseguida, que ahora sale al encuentro de espectadores, consciente de que no es plato para todos los gustos. Sin embargo, “La mujer sin piano” es un esfuerzo creativo distinto a lo habitual, donde la protagonista parece estar en una fase resignada de su vida, donde ya no espera nada ni tiene grandes ilusiones. Porque debajo de la película discurre un rasposo pesimismo, con lo cual se demuestra que el realizador Javier Rebollo es un optimista bien informado. Un título, en resumidas cuentas, marcado a fuego por el rostro desencantado de Carmen Machi. Una actriz de belleza tenebrosa y temperamento apasionado, contenida aquí hasta el último suspiro.

Invictus (Clint Eastwood, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Tue, 25 Oct 2011 16:53:00 +0000

Invictus (Clint Eastwood, 2.009)

Calificación:

Crítica:

S/C

Público:

7,563

España:

7,544

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	Invictus
Director:	Clint Eastwood
Guionista:	Anthony Peckham
Intérpretes:	Morgan Freeman, Matt Damon, Marguerite Wheatley, Patrick Lyster, Tony Kgoroge, Patrick Mofokeng, Julian Lewis Jones
Productores:	Clint Eastwood, Robert Lorenz, Lori McCreary, Mace Neufeld
Fotografía:	Tom Stern
Música:	Kyle Eastwood, Michael Stevens
Montaje:	Joel Cox, Gary Roach
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.009
Duración:	135 minutos
Edad:	Todos los públicos
Género:	Biográfica, Deporte, Drama, Histórica
Distribuidora:	Warner Bros Entertainment España, S. L.
Estreno:	29-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	1.224.718
Recaudación:	7.695.779,01 €
Visitas:	0
Calificación única:	7,374
Puesto / Total:	6 / 19

Sinopsis:

Tras salir de la cárcel y recién investido presidente de Sudáfrica, Nelson Mandela apuesta por la convivencia de blancos y negros. Un partido de rugby puede ser la gota que culmine un larguísimo trabajo iniciado entre rejas.

Comentario:

Dirigida por Clint Eastwood “Invictus” se basa en la novela del antiguo corresponsal en Sudáfrica y cronista deportivo John Carlin. La película cuenta los primeros años del mandato de Nelson Mandela y su voluntad de terminar con el Apartheid uniendo a blancos y negros a través de la pasión por un deporte, el rugby, y un evento, la final de la Copa del Mundo. Morgan Freeman encarna al mandatario sudafricano y Matt Damon al capitán de una selección que empezó perteneciendo a la clase dominante y terminó aunando a todo el mundo.

Crítica:

31-01-2.010 – JOSU EGUREN

Eastwood reblandecido

Cualquier otro director hubiese maleado “Invictus” como un pastiche sentimentaloide, poniendo el acento en los destellos épicos y cargando las tintas en un final previsible. Objetaríamos y la película seguiría su curso, arrasando en taquilla. Dios ha querido que “El factor humano” de John Carlin no caiga en las manos sudorosas de Ron Howard, sino en las de un maestro capaz de acoplarla en su filmografía; porque “Invictus” puede que sea un filme menor dentro de la carrera del americano, casi (con perdón) un encargo, pero como buen autor ha sido capaz de explotarlo haciendo emerger sus temáticas preferidas.

Ya en su primer 'masterpiece' la trama giraba en torno a la venganza (“El fuera de la ley”), un tema que Eastwood ha pulido en sucesivas reinterpretaciones, dando a luz a hijos tan aventajados como “Mystic River”, por eso debe extrañarnos que el personaje central de esta obra sea el líder de uno de los pueblos más moralmente legitimados para revolverse contra sus verdugos. A Eastwood le interesa la forma en la que Mandela gestionó el odio y su capacidad para transformar un gesto instintivo en una llamada a la unidad de un pueblo que estaba al borde de la guerra civil. Mandela eligió el deporte, no el fútbol extendido entre la población negra, sino el equipo de rugby más odiado por quienes sufrieron el 'apartheid': los Springbook. Como proyecto de tesis Mandela eligió el suicidio, en un momento personal complicado y con un gobierno en el que algunos amenazaban con desestabilizar lo que no lograron 27 años de torturas. Eastwood retrata los claroscuros con excesiva tibieza, casi postrándose a los pies de un personaje al que no le aprieta las tuercas con una dureza excesiva. Ese es el pero, o la deuda/homenaje que tiene con Morgan Freeman, el único Mandela posible más allá de la mímesis física. La épica de la derrota quedó atrás, pero “Invictus” sigue siendo un ejemplo de narración modélica, a la vez que el Eastwood más añejo, conciliador y optimista.

La naranja mecánica (Stanley Kubrick, 1.971)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Mon, 24 Oct 2011 17:28:00 +0000

La naranja mecánica (Stanley Kubrick, 1.971)

Calificación:

Crítica:

8,273

Público:

S/C

España:

S/C

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	A Clockwork Orange
Director:	Stanley Kubrick
Guionista:	Stanley Kubrick
Intérpretes:	Malcom McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, John Clive, Adrienne Corry,Warren Clarke, Aubrey Morris, Michael Gover, Miriam Karlin
Productor:	Stanley Kubrick
Fotografía:	John Alcott
Música:	Wendy Carlos
Montaje:	Bill Butler
Nacionalidad:	Reino Unido, Estados Unidos
Año:	1.971
Duración:	137 minutos
Edad:	18 años
Género:	Ciencia Ficción, Crimen, Drama
Distribuidora:	Warner Bros Entertainment España, S. L.
Estreno:	29-01-2.010 (Reestreno)
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	5.365 (Reestreno)
Recaudación:	32.773,30 € (Reestreno)
Visitas:	0
Calificación única:	S/C
Puesto / Total:	14 / 18

Sinopsis:

Alex, un individuo violento y con fuertes impulsos de golpear y atacar sexualmente, va a ser sometido a un nuevo tratamiento. Se trata de Ludovico, un método que el gobierno a decidido aplicar para reinsertar a los delincuentes y criminales.

Comentario:

Las aventuras de un joven cuyos principales intereses son la violación, la ultra-violencia, y Beethoven. Alex tiene sus propios métodos para divertirse y descargar su tremenda agresividad y lo consigue disfrutando a expensas de la tragedia y la desgracia de los demás. La historia de Alex, desde sus comienzos como delincuente sin moral hasta convertirse en un civilizado ciudadano integrado en la sociedad tras someterse a un tratamiento capaz de eliminar sus instinto violentos.

Crítica:

30-01-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Tratamiento de choque

Estreno en versión original de este clásico de Stanley Kubrick, basado en la novela homónima de Anthony Burgess, desarrollado en la Inglaterra del futuro, cuando el país se ha convertido en un lugar extraordinariamente violento. Alex es un joven criminal que, ante la perspectiva de pasar 14 años en la cárcel, acepta someterse a un revolucionario tratamiento de choque anti-violencia, que le convierte en alguien completamente diferente. Peliagudo asunto, tratado con una violencia más conceptual que física. Tengamos en cuenta que el autor de “Senderos de gloria” siempre denunció a los que piensan que la individualidad es como un monstruo que debe ser estrangulado en la cuna, para que los que te rodean se sientan cómodos.

El actor Malcolm McDowell interpreta a dicho personaje con una mezcla de aniñada inocencia e inquietante perversidad, rodeado por toda una serie de personajes demenciales, convertidos en peligrosas caricaturas o en seres grotescos, enmarcados en chillones decorados interiores, en los que se insertan artefactos culturales: desde desnudos de fibra de vidrio a sillas uteriformes de plástico. En ese ambiente, Alex perpetra un asesinato con una pieza faliforme de escultura contemporánea del más puro 'arte pop'.

Pero la imagen memorable y aterradora por excelencia es una especie de terapia pavloviana de aversión a la que someten al protagonista, ya convicto, manteniéndole los ojos abiertos a la fuerza con un cruel artilugio prendido de los párpados de sus ojos. A partir de ahí, surge la pregunta de si la violencia de las autoridades gubernamentales con Alex no es tan deplorable como la que él mismo ha cometido en su entorno vital. “La naranja mecánica” se convierte así en un ambicioso filme intemporal, que resiste con gallardía el demoledor paso del tiempo, que logra representar con brío visual la sustancia de nuestra época, marcada por un lenguaje empobrecido y estereotipado, de una banalidad espeluznante.

Rompedientes (Michael Lembeck, 2.010)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Sun, 23 Oct 2011 17:19:00 +0000

Rompedientes (Michael Lembeck, 2.010)

Calificación:

Crítica:

S/C

Público:

S/C

España:

S/C

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	Tooth Fairy
Director:	Michael Lembeck
Guionistas:	Lowell Ganz, Babaloo Mandel, Joshua Sternin, Jeffrey Ventimilia, Randi Mayem Singer
Intérpretes:	Dwayne ‘The Rock’ Johnson, Ashley Judd, Julie Andrews, Billy Crystal, Seth MacFarlane, Alex Ferris, Brandon T. Jackson, Maya Washington
Productores:	Jason Blum, Mark Ciardi, Gordon Gray
Fotografía:	David Tattersall
Música:	George S. Clinton
Montaje:	David Finfer
Nacionalidad:	Estados Unidos, Canadá
Año:	2.010
Duración:	103 minutos
Edad:	Todos los públicos
Género:	Comedia, Familiar, Fantástica
Distribuidora:	Hispano Fox Film, S. A.
Estreno:	22-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	348.303
Recaudación:	2.076.266,82 €
Visitas:	0
Calificación única:	S/C
Puesto / Total:	14 / 16

Sinopsis:

Derek Thompson es un jugador de hockey cuyo apodo, ‘Hada de los dientes’, viene dado por su costumbre de dejar sin dientes a los adversarios. Cuando Derek echa abajo los sueños de un chico, es condenado a trabajar, convirtiéndose en una verdadera hada de los diente durante una semana.

Comentario:

Un jugador de hockey es conocido por su agresividad sobre la pista de hielo, condición que le hace tener el apodo de Rompedientes. Sin embargo, fuera de la cancha, es un auténtico trozo de pan. Cuando Rompedientes comete la imprudencia de desilusionar a un niño, le cae un importante castigo: convertirse en un hada durante unos días. La encargada de vigilarlo en esta ardua tarea es una hada veterana interpretada por Julie Andrews. El elenco lo completan Ashley Judd y Billy Crystal, dos secundarios de lujo.

Crítica:

28-01-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

El ratoncito Pérez

La nota discordante de toda una serie de títulos de valía proyectados en nuestras salas de estreno en fechas recientes la da Rompedientes: infantiloide comedieta con rivetes semifantásticos, protagonizada por el fortachón Dwayne 'The Rock' Johnson (“La momia”, “El rey escorpión”, “La montaña embrujada”), cuya anécdota se centra en las desventuras de un deportista reconvertido en una suerte de ratoncito Pérez, capaz de premiar con una mágica moneda la caída de los primeros dientes de la gente menuda. Costumbre muy arraigada también en nuestra cultura, que aquí se reelabora con la pretensión de ponerla al día de cara a los pequeños de la casa.

Pero el resultado es tan absurdo y tontorrón que maldita la gracia de semejante embolado, reservado a espectadores poco exigentes. Por otra parte, es obvio que el tío cachas Dwayne Johnson pretende tomarse a pitorreo a sí mismo, un poco en la línea de Arnold Schwarzenegger en “Junior”, lo cual está muy bien. Sin embargo, el problema de una cinta como la presente es que todo resulta ridículo, repetitivo, sin sustancia, por mucho que enjareten alas a los personajes principales -curiosa coincidencia con la infinitamente superior “Ricky”'-, quizás con la intención de insuflar alguna originalidad al tinglado.

Todo lo demás resulta anodino, incluidos una planificación televisiva, un ritmo que se cuartea acá y allá, un trabajo de cámara plano hasta lo insufrible y unos intérpretes a la deriva en sus respectivos papeles, incluidos la veterana Julie Andrews y el 'showman' Billy Crystal, incapaces de superar el pie forzado del que parten, puesto que vagan como zombies por unas situaciones inverosímiles, sucediéndose sin ton ni son sus disparatadas peripecias, en una desbocada competición por superar la mayor memez. Comercialoide producto, por tanto, firmado por el rutinario realizador Michael Lembeck (“Santa Claus 2 y 3”), incapaz de atrapar los sueños e ilusiones de los niños que pierden sus dientes de leche, y de hacerlos lo más felices posible.

Transporter 3 (Olivier Megaton, 2.008)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Sat, 22 Oct 2011 21:53:00 +0000

Transporter 3 (Olivier Megaton, 2.008)

Calificación:

Crítica:

S/C

Público:

S/C

España:

S/C

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	Le Transporteur III (Transporter 3)
Director:	Olivier Megaton
Guionistas:	Luc Besson, Robert Mark Kamen
Intérpretes:	Jason Statham, François Berléand, Natalya Rudakova, Robert Knepper, Jeroen Krabbé, Alex Kobold, Eriq Ebouaney, David Atrakchi
Productores:	Luc Besson, Steve Chasman
Fotografía:	Giovanni Fiore Coltellacci
Música:	Alexandre Azaria
Montaje:	Camille Delamarre, Carlo Rizzo
Nacionalidad:	Francia, Reino Unido
Año:	2.008
Duración:	104 minutos
Edad:	18 años
Género:	Acción, Aventuras, Crimen, Suspense
Distribuidora:	DeA Planeta, S. L.
Estreno:	23-01-2.009
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	473.848
Recaudación:	2.1814.228,46 €
Visitas:	3
Calificación única:	S/C
Puesto / Total:	15 / 15

Sinopsis:

Vuelve Frank Martin, el especialista en entregas de alto riesgo. Esta vez su misión consistirá en llevar a Valentina, la hija secuestrada de Leonid Vasiley, un importante político ucraniano, desde Marsella hasta Odessa, en el Mar Negro.

Comentario:

Continúa la saga producida por Luc Besson inaugurada con “Transporter (Corey Yuen, 2.002)” y siempre protagonizada por el bueno de Jason Statham, alias Frank Martin. Aquí tiene que transportar dos bolsas y una bella ucraniana (Natalya Rudakova, descubierta en plena calle por el propio Besson) de Marsella a Odessa. Como siempre, no será fácil. Una franquicia que se marcó como objetivo llegar a las marcas alcanzadas por la saga Bourne, líder absoluta en el sector.

Crítica:

25-01-2.009 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Desde Ucrania con dolor

El ex 'enfant terrible' del cine francés Luc Besson (“Nikita”) es el productor de la serie “Transporter”, de nuevo con el extraduro Jason Statham metido en la piel del especialista Frank Martin, dispuesto esta vez a sacar adelante una movida de mucho cuidado, relacionada con un encargo explosivo que le lleva de Francia a Ucrania. Amigos y enemigos se ven las caras en esta violenta descripción de situaciones al límite de lo posible, filmadas por el recién llegado Olivier Megaton con munición de fogueo, como si de un cómic gansteril se tratara, donde héroes y villanos se confunden en una partida criminal que delata influencias no siempre bien asimiladas de los 'polar' (filmes policiacos) franceses clásicos.

Porque ya es hora de que aclaremos que no existen temas agotados, sólo imaginaciones agotadas. Entre las que se cuenta la de este efectista 'clipper' galo, Olivier Megaton, capaz de dar una vuelta de tuerca más a las intrigas del hampa, con un 'transportista' ajustado al nuevo milenio, Jason Statham, un poco en la línea del ya de capa caída Bruce Willis, sobreviviendo en un mundo mucho más casposo, mugriento y sórdido. También mucho más amoral, postpunk, postmoderno y posthecatómbico,que el modelo del que parte.

Todo ello barato y eficaz, en su empeño por dar ejemplo de cómo emplear unos recursos económicos más bien escasos. De ahí que “Transporter 3” vaya más allá, haciendo de esas evidentes carencias un estilo propio, rasposo y contrapuesto a otras películas del mismo estilo rodadas por la poderosa industria del cine yanqui. Y, para colmo, incluye una brutal pelea -que nos recuerda en cierto modo a la de “Desde Rusia con amor”-, como corresponde a un producto adrenalínico, virilote y de una formulación visual tan movida como aparatosa, incluido montaje-choque, dentro de sus pragmáticos márgenes palomiteros.

La herencia Valdemar (José Luis Alemán, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Fri, 21 Oct 2011 17:40:00 +0000

La herencia Valdemar (José Luis Alemán, 2.009)

Calificaciones:

Crítica:

S/C

Público:

S/C

España:

S/C

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	La herencia Valdemar
Director:	José Luis Alemán
Guionista:	José Luis Alemán
Intérpretes:	Daniele Liotti, Óscar Jaenada, Laia Marull, Silvia Abascal, Rodolfo Sancho, Paul Naschy, Jesús Olmedo, Eusebio Poncela, Jimmy Barnatán, Norma Ruiz, Ana Risueño, Luis Zahera
Productores:	Miguel Ángel González, Íñigo Marco
Fotografía:	David Azcano
Música:	Arnau Bataller
Montaje:	Frank Gutiérrez
Nacionalidad:	España
Año:	2.009
Duración:	100 minutos
Edad:	13 años
Género:	Misterio, Suspense, Terror
Distribuidora:	Universal Pictures International Spain, S. L.
Estreno:	22-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	164.974
Recaudación:	1.018.723,79 €
Visitas:	0
Calificación única:	S/C
Puesto / Total:	11 / 14

Sinopsis:

Luisa Llorente, una experta en la valoración de mansiones antiguas, desaparece sin dejar rastro tras recibir el encargo de ir a tasar la misteriosa mansión Valdemar. La compañía para la que trabaja contrata los servicios del detective Nicolás Tramel para que la encuentre.

Comentario:

Inspirada en la literatura gótica y con el título que alude directamente a la obra de Edgar Allan Poe, “La herencia Valdemar” transcurre en una mansión donde la tasadora de bienes Luisa desaparece. La organización para la que trabaja Luisa contrata al detective privado Tramel, quien a su vez había perdido a un amigo en las mismas circunstancias, y a la doctora Cerviá. Esta le explica a Tramel la historia trágica de los Valdemar, dueños de la vivienda a finales del siglo XIX y amantes del espiritismo.

Crítica:

27-01-2.010 – JOSU EGUREN

El caso de José Luis Alemán

Si hubiese que juzgar a José Luis Alemán por sus intenciones, “La herencia Valdemar” aprobaría con nota; y daríamos por buena su ópera prima asumiendo como valores propios del filme todo de lo que presume en el 'press-book'. Pero aquí no basta con amagar, hacen falta pruebas, o al menos un caudal mínimo de argumentos que nos permitan reconocer los mimbres de una clásica narración cinematográfica. El resultado final es pobre, y desconcertante, quizá también porque se trata de la primera parte de un díptico, aunque lo que los espectadores perciban sea el muñón gangrenado de una fantasía inacabada. Medios y ganas le sobran, no en vano debuta sin subvenciones (primer misterio), pero se excede al sobreexponer su lado más 'freak' cuando pasa por la batidora a H.P. Lovecraft, Bram Stoker, Alastair Crowley, Lizzie Borden y Edgar Allan Poe (¿por qué no Maupassant y Maachen?), en un ejercicio de estilo, un tanto cutre, que recuerda las dramatizaciones milenaristas de Iker Jiménez.

Rebobinando. La primera parte es potable, una herencia legítima de los estilemas acuñados por la Hammer, con viaje en tren, mansión tenebrosa y personajes arquetípicos que recuerdan una época en la que el terror se cocinaba a fuego lento, pero una vez reducidos los ingredientes del potaje místico la trama se desfonda, pide a gritos un desenlace, o al menos que se resuelva en corto, y a modo de capítulo autoconclusivo, alguna de las líneas argumentales que se desvelarán más tarde (segundo misterio).

Queda la nostalgia, el amor por un cine añejo que no se expresa en imágenes, y el buen hacer de un grupo de artesanos que subrayan la teatralidad de la puesta en escena. Paul Naschy contamina con sus modos a un reparto propenso al amaneramiento, mal dirigido, falto de química y descompensado. En resumen, Alemán ha querido dirigir en trance guiado por el espíritu de Terence Fisher, sin saber que el cine no entiende de escrituras automáticas (tercer misterio).

Ricky (François Ozon, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Thu, 20 Oct 2011 17:04:00 +0000

Ricky (François Ozon, 2.009)

Calificaciones:

Crítica:

S/C

Público:

S/C

España:

S/C

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	Ricky
Director:	François Ozon
Guionista:	François Ozon
Intérpretes:	Alexandra Lamy, Sergi López, Mélusine Mayance, Arthur Peyret, André Wilms, Jean Claude Bolle-Reddat, Julien Haurant, Eric Forterre
Productores:	Chris Bolzli, Claudie Ossard, Vieri Razzini
Fotografía:	Jeanne Lapoirie
Música:	Philippe Rombi
Montaje:	Muriel Breton
Nacionalidad:	Francia, Italia
Año:	2.009
Duración:	91 minutos
Edad:	7 años
Género:	Comedia, Drama, Fantástica, Misterio, Romántica
Distribuidora:	Wanda Visión, S. A.
Estreno:	22-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	5.446
Recaudación:	32.324,06 €
Visitas:	0
Calificación única:	S/C
Puesto / Total:	12 / 13

Sinopsis:

Cuando Katie, una mujer común, encuentra a Paco, un hombre común, ocurre algo mágico y milagroso: una historia de amor. De esta unión nacerá un bebé extraordinario: Ricky.

Comentario:

“Ricky” arranca con una madre soltera que trabaja en una fábrica. Un día conoce al español Paco, interpretado por Sergi López, con el que empieza a salir. Sus vidas parecen anodinas hasta que conciben a Ricky, un niño muy especial que desde bebé se comporta de manera extraña. Para sorpresa de todos, a Ricky le comienzan a crecer algo en la espalda: unas alas con las que puede volar. Parábola sobre la libertad y la magia en un entorno propio del cine social, la película se presentó en el Festival de Berlín.

Crítica:

26-01-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

El miedo a volar

Tras “8 mujeres”, el cineasta galo François Ozon nos sorprende ahora con “Ricky”, un cuento fantástico no exento de hondas reflexiones vitales, cuyo detonante argumental es el nacimiento del bebé de una pareja de trabajadores, dotado de la singular facultad de volar. Insólita premisa que da paso a una de las películas más originales, inquietantes y hermosas de la temporada, que enriquece una cartelera cinematográfica realmente espectacular y que induce al aficionado a empacharse con un banquete de buen cine. Así que, como decía el castizo, en ocasiones es saludable aplicar la ley del pobre: antes reventar que sobre. Sea como fuere, una madre y su hijo forman la esencia del filme, a través del cual se pone en la picota la sobreprotección familiar en general y maternal en particular.

A una criatura que de repente le surgen alas se contrapone el deseo de cortárselas por parte de su progenitora, en un intento por regresar a la 'normalidad' institucionalizada, por obligar al fruto de sus entrañas a permanecer anclado en la rutina diaria, sin escapatoria posible. Algo que supone cercenar de cuajo los deseos de libertad, las ansias de volar de cada cual con sus propias alas, ya que la libertad es incompatible con el amor, porque el que ama es siempre un esclavo. Tremendo asunto enmarcado en un engañoso núcleo cotidiano, que se resquebraja por momentos.

La película incluye asimismo la pertinente crónica social en un deambular por la cuerda floja de la siempre comprometida vida en pareja, trufada de un cruel sentido del humor, donde los malos tratos también cuentan. Película camuflada de sutil fábula contemporánea, con muchos matices ocultos, contada con cierta ligereza y dividida en dos partes bien diferenciadas. Y a pesar del distanciamiento que supone el evitar el cuerpo a cuerpo por parte de su inspirado autor, en no chapotear a fondo en un mundo en descomposición, el espectador puede apreciar con toda precisión la dolorosa evolución que sufren los personajes.

Sobrepasando el límite: Noise (Henry Bean, 2.007)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Wed, 19 Oct 2011 16:19:00 +0000

Sobrepasando el límite: Noise (Henry Bean, 2.007)

Calificaciones:

Crítica:

8,075

Público:

7,930

España:

8,119

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	Noise
Director:	Henry Bean
Guionista:	Henry Bean
Intérpretes:	Tim Robbins, Bridget Moynahan, William Hurt, Margarita Levieva, Gabrielle Brennan, María Ballesteros, William Baldwin, Eric L. Abrams
Productores:	Henry Bean, Susan Hoffman
Fotografía:	Andrij Parekh
Música:	Phillip Johnston
Montaje:	Julie Carr, Lee Percy
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.007
Duración:	91 minutos
Edad:	7 años
Género:	Comedia, Crimen, Drama
Distribuidora:	New World Films International, S. A.
Estreno:	22-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	3.695
Recaudación:	22.625,05 €
Visitas:	0
Calificación única:	8,026
Puesto / Total:	6 / 12

Sinopsis:

David Owen es un empresario de mediana edad que se vuelve loco con el constante ruido de su ciudad, Nueva York. Entonces decide iniciar una cruzada para destruir esos artefactos que hacen su vida imposible.

Comentario:

David Owen vive en Nueva York, donde sufre a diario la pesadilla de todo habitante de una gran ciudad: el estruendoso e incesante ruido. Harto de tanta molestia, David decide actuar. Se convierte entonces en una suerte de superhéroe y sale cada noche para luchar contra el ruido. Sus acciones irán arrastrando a gente, que se sumará a una causa que apuntará desde su vecino hasta los altos mandatarios políticos. “Sobrepasando el límite” está protagonizada por Tim Robbins y dirigida por Henry Bean (“The Believer”).

Crítica:

25-01-2.010 – JOSU EGUREN

Superhéroe de barrio

No sé si gracias a la casualidad, o a la cagalera que produce entre algunas distribuidoras la cercanía de los Oscar, pero el caso es que esta semana se estrena “Noise”, de tapadillo y sin alharacas, como quien suelta lastre, a plomo. El segundo largometraje de Henry Bean merece mejor trato; lleva dos años y pico metido en un cajón y sigue en forma, aunque hay que reconocer que no es pasto de centro comercial, ni pienso para adolescentes, ni siquiera lleva gafas. ¿De qué va? Si alguna vez ha estado tentado de abatir a un tuno, o sueña con martirizar a esa vecina ruidosa del tercero (mi caso), aquí encontrará a su 'vigilante'. Un tipo con los modales de un Charles Bronson de cuello blanco que se enrola en una cruzada contra la contaminación acústica, a la que culpa de arruinar su vida familiar y sus relaciones sexuales.

A Henry Bean le atraen los personajes obsesivos, la ficción con cierto barniz semi documental y darle la vuelta a esas historias de corto recorrido que por una cara son comedias y por el otro dramas. Apelando al manido, aunque efectivo, recurso del 'what if' Bean coloca a su protagonista en situaciones extremas; parte la pantalla para proponernos una doble opción: la prudencia que aconseja el cálculo resultadista o la salida de tono quijotesca. Claro que a Tim Robbins le va más lo segundo, porque en el fondo es un Batman sin capa, un antihéroe con doble identidad, Némesis (el alcalde) y guarida secreta.

A brochazos, firmes y gruesos, Bean analiza los resortes del poder (en la era post 11-S), el peso específico del individuo en la sociedad, y las actitudes incívicas a las que nos empuja la vida moderna. Como diría Ben Parker: un gran poder implica una gran responsabilidad; “Noise” nos anima a asumir el riesgo. Y aunque hinche el metraje con una premisa muy corta, y provoque mucho menos de lo que alardea, al final se agradece su tono desenfadado, los 'huevos de pascua' que trufan la pista sonora, y a Tim Robbins en plena forma.

Nine (Rob Marshall, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Tue, 18 Oct 2011 17:07:00 +0000

Nine (Rob Marshall, 2.009)

Calificaciones:

Crítica:

7,727

Público:

7,061

España:

7,292

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	Nine
Director:	Rob Marshall
Guionistas:	Michael Tolkin, Anthony Minguella
Intérpretes:	Nicole Kidman, Kate Hudson, Daniel Day-Lewis, Penélope Cruz, Marion Cotillard, Sophia Loren, Judi Dench, Fergie, Stacy Ferguson, Elio Germano
Productores:	John DeLuca, Rob Marshall, Marc Platt, Harvey Weinstein
Fotografía:	Dion Beebe
Música:	Andrea Guerra
Montaje:	Claire Simpson, Wyatt Smith
Nacionalidad:	Estados Unidos, Italia
Año:	2.009
Duración:	120 minutos
Edad:	7 años
Género:	Drama, Musical, Romántica
Distribuidora:	Wide Pictures, S. L.
Estreno:	22-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	422.726
Recaudación:	2.586.710,01 €
Visitas:	0
Calificación única:	7,666
Puesto / Total:	11 / 11

Sinopsis:

El director de cine Guido Contini se encuentra en Venecia en mitad de una profunda depresión. Varias mujeres le atormentan, entre ellas su esposa, su amante, su madre, su musa, su diseñadora de vestuario y confidente y hasta una periodista americana que le persigue.

Comentario:

el director de “Chicago”, Rob Marshall, se rodea de un importante elenco para un nuevo musical. En esta ocasión, realiza una adaptación de una obra teatral, inspirada a su vez en “Fellini 8 1/2”, de Federico Fellini. Guido Contini (Daniel Day-Lewis) es un director de cine en plena crisis creativa. El inminente rodaje de una película para la que aún no tiene guión no es su único quebradero de cabeza: hombre rodeado de mujeres, deberá lidiar con todas las féminas de su vida. Penélope Cruz fue nominada al Oscar por el film.

Crítica:

24-01-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Mujeres soñadas

Todo, desde el estilizado trabajo del director y coreógrafo Rob Marshall, hasta la interpretación del chispeante como un vino de Lambrusco Daniel Day-Lewis, o la presencia de la excelsa veterana Judi Dench e, incluso, el mismo argumento de “Nine”, centrado en una lujosa revisión en clave musical de la obra maestra de Federico Fellini “Ocho y medio”, queda eclipsado por la presencia de cinco seductoras mujeres, protagonistas de este homenaje al autor de “Amarcord”, “La strada” o “Las noches de Cabiria”, que parte de las andanzas de Guido Contini: un famoso director de cine empeñado en combinar su profesión con una vida íntima marcada por su turbulenta relación con las mujeres.

Marion Cotillard interpreta a su esposa, utilizando un 'charme' muy francés y el encanto propio de una voz ligeramente rota; Penélope Cruz encarna a la amante con un salero que es canela fina; Nicole Kidman da vida a la ambiciosa primera vedette con sus mejillas como dos manzanas, sonrisa con dientes de perlas y labios de rubí; Sophia Loren, vívida y carnal, con el cuerpo todavía suelto y juguetón, es la fantasmal mamá muerta del director; y la más modosita Kate Hudson se convierte en una dicharachera periodista, haciendo equilibrios dentro de un dos piezas mareante.

Mujeres soñadas que emplean a fondo su poder de seducción, al tiempo que ensayan varias formas de ejercerla. Desde quien cultiva la ingenuidad hasta la que juega a ser inalcanzable, desde la que se muestra inmune a los embistes masculinos a la que utiliza la infalible táctica del halago, o esa otra capaz de conducir al protagonista a los abismos de la pasión. Actrices reales, en una película filmada con espectacularidad, si bien ningún número resulta especialmente memorable. Se trata, en cualquier caso, de un marchoso 'revival' en la línea de “All That Jazz (Empieza el espectáculo) (Bob Fosse, 1.979)”, con el que los amantes del cine musical tienen una cita ineludible.

Up in the Air (Jason Reitman, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Mon, 17 Oct 2011 16:33:00 +0000

Up in the Air (Jason Reitman, 2.009)

Calificaciones:

Crítica:

7,478

Público:

7,452

España:

7,469

Rugoleor:

S/C

Ficha:

Título Original:	Up in the Air
Director:	Jason Reitman
Guionistas:	Jason Reitman, Sheldon Turner
Intérpretes:	George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrick, Jason Bateman, Sam Elliott, Tamala Jones, J. K. Simmons, Danny McBride, Zach Galifianakis
Productores:	Jeffrey Clifford, Daniel Dubiecki, Ivan Reitman, Jason Reitman
Fotografía:	Eric Steelberg
Música:	Rolfe Kent
Montaje:	Dana E. Glauberman
Nacionalidad:	Estados Unidos
Año:	2.009
Duración:	108 minutos
Edad:	7 años
Género:	Comedia, Drama, Romántica
Distribuidora:	Paramount Spain, S. L.
Estreno:	22-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	780.717
Recaudación:	4.961.147,39 €
Visitas:	0
Calificación única:	7,506
Puesto / Total:	7 / 9

Sinopsis:

Ryan Bingham es un experto en recortes financieros y consumado viajante de negocios que, tras pasar años viajando en avión, ve peligrar su modo de vida cuando su jefe amenaza con llamarle permanentemente desde la carretera, justo cuando a conocido a la mujer de sus sueños, otra viajera habitual.

Comentario:

Ryan (George Clooney) es un hombre de éxito que se dedica a la delicada tarea de despedir a gente. Su vida consiste en ir de un sitio a otro. Su rutina es la de los aeropuertos, aviones y hoteles. Este modo de vida se ve amenazado cuando la joven Natalie aterriza en su empresa con un plan de despidos por internet. Ambos emprenden un viaje en el que conocen a Alex, una mujer que parece compartir los mismos ideales que Ryan. “Up in the Air” se hizo con el Globo de Oro al Mejor Guión adaptado y con seis nominaciones para los Oscar.

Crítica:

23-01-2.010 – JOSU EGUREN

En el limbo

No debe ser fácil superar la resaca de un 'hype' como “Juno”, ni vivir a la sombra de uno de los apellidos más influyentes de Hollywood, pero Jason Reitman ha logrado que su discurso sea reconocible, aunque no difiere en exceso de las tesis esgrimidas por otros cronistas amargos como Sam Mendes. Reitman destaca en la (re)creación de personajes, desde los simples hasta los complejos, y en la habilidad con la que maneja el tiempo de la narración en situaciones precarias.

No sobran ejemplos de directores capaces de dibujar sonrisas partiendo de las profundidades del drama, ni guiones que, encajados en los engranajes de la industria, sean capaces de lanzar críticas severas al sistema. Sin embargo, “Up in the Air” equilibra géneros aparentemente muy alejados y compensa la fragilidad de una trama mínima sometiendo al espectador a un vaivén emocional constante. Reitman no desvía la mirada en los momentos más duros, ni ofrece al espectador válvulas de escape inmediatas, prefiere que experimentemos la evolución psicológica de sus personajes en primera persona. Su intención es la de que empaticemos con Ryan Bingham, un ejecutivo que se gana la vida despidiendo a trabajadores en serie, y lo logra sin recurrir a atajos excesivamente emotivos, eludiendo además la tentación de recurrir a los suculentos giros caprianos.

De esa determinación por asomarse al limbo existencial de Ryan Bingham surgen los mejores momentos del metraje, los que justifican las tópicas y típicas escaramuzas que amenazan con cristalizar en una comedia romántica (apuesto tan exitosa como “Pretty Woman”). La solitaria inmadurez de un hombre sin ataduras afectivas, que sólo se siente cómodo en las alturas y viaja ligero de equipaje, aparece descrita como un claro síntoma de una sociedad enferma. La receta de Reitman es homeopática: calor, hogar y el amor de una familia; aunque su mérito está en reconocer que hay metástasis tan profundas que no cabe la posibilidad de forzar un 'happy ending'.

Hierro (Gabe Ibáñez, 2.009)

noreply@blogger.com (Angel Rueda) — Sun, 16 Oct 2011 16:36:00 +0000

Hierro (Gabe Ibáñez, 2.009)

Calificaciones:

Crítica:

5,994

Público:

5,816

España:

5,184

Rugoleor:

5,431

Ficha:

Título Original:	Hierro
Director:	Gabe Ibáñez
Guionistas:	Jesús de la Vega, Javier Gullón
Intérpretes:	Elena Anaya, Bea Segura, Andrés Herrera, Mar Sodupe, Miriam Correa, Javier Mejía, Kaiet Rodríguez
Productores:	Álvaro Augustín, Jesús de la Vega
Fotografía:	Alejandro Martínez
Música:	Zacarías M. de la Riva
Montaje:	Enric García
Nacionalidad:	España
Año:	2.009
Duración:	89 minutos
Edad:	7 años
Género:	Misterio, Suspense
Distribuidora:	Paramount Spain, S. L.
Estreno:	15-01-2.010
WEB Oficial:	Web Oficial de la película en España
Espectadores:	44.076
Recaudación:	270.818,88 €
Visitas:	73
Calificación única:	6,080 (269.491 valoraciones)
Puesto / Total:	30 / 32

Sinopsis:

Viajando en un ferry en dirección a la isla donde pasarán sus vacaciones, María pierde a su hijo Diego. Meses después, lucha por superar el dolor de la pérdida, por continuar su vida. Entonces recibe una llamada inesperada: han encontrado el cadáver de un niño, por lo que debe volver a la isla.

Comentario:

Tras trabajar en los efectos especiales de películas como “El día de la bestia”, Gabe Ibáñez debutó con este film sobre una madre y su hijo pequeño, que parten de vacaciones a la isla de Hierro. En el ferry, el niño desaparece y la madre regresa desconsolada a Madrid. Un día la llaman: han encontrado el cadáver y tiene que ir a reconocerlo. De vuelta a las Canarias, la madre vivirá una aterradora pesadilla. “Hierro” cuenta con el guionista de “El rey de la montaña” y supone el primer papel protagonista de Elena Anaya.

Crítica:

21-01-2.010 – JOSU EGUREN

La isla desnuda

Dime con quien andas... Gabe Ibáñez debutó con la película “Hierro” a orillas del Festival de Cannes, apadrinado por los apellidos 'ilustres' de Fresnadillo y Bayona. Aspirando a lo mismo, supongo, y con la ventaja de que los diseños de producción casposos que hasta ayer caracterizaban el cine español hoy empiezan a conjugarse en pretérito. El elogio de la forma de Ibáñez es prometedor, su interior frágil. No filma como un debutante pero hay truco, lleva toda la vida rodando anuncios publicitarios y con “Maquina” se destapó como un realizador escéptico con la avalancha de sketches de humor que superpueblan los festivales de cortometrajes. Javier Gullón pone la coartada: un guión con reminiscencias al ‘J-Horror’; y el director se aplica en la creación de atmósferas con las que atormentar la psique torcida del personaje interpretado por Elena Anaya.

Su isla es todo un catálogo de paisajes duros y fríos, casi gélidos, volcánicos, que contrastan con la fragilidad anatómica de una madre coraje -en una suerte de remoto homenaje al “Stromboli” roselliniano-, y al mismo tiempo es un paradójico ejemplo de minimalismo barroco. La rugosidad del terreno no se refleja en la historia, ya vista, a pesar de que al primer contacto, el tráiler, es mucho menos escarpada de lo que parece. ¿Tópica? Tampoco tanto, pero sí poco arriesgada, impersonal y abiertamente inclinada hacia un esteticismo algo estéril.

Lo interesante de “Hierro” debería ser el choque brutal entre sus caracteres centrales, olvidándonos del resto: la isla salvaje y desconocida, y una madre que trata de encontrar a su hijo desaparecido en una tierra inhóspita. Sin embargo, su director se decanta por ilustrar el manual de bolsillo del 'thriller' psicológico. No habrá acertado de pleno, pero da la impresión de que podemos confiar en él, siempre y cuando pula su estilo y encuentre la forma de mantener fija la atención del espectador sin recurrir a los golpes de efecto. Parece fácil.