CINEBLOGYWOOD

Zombies, tueuse et aliens : des comics qui sortent des cases

2026-10-18T17:52:54.606+02:00

Petite sélection de comics qui s'affranchissent d'un récit ou d'un protagoniste traditionnel ou bien qui revisitent une histoire qu'on pensait connaître, comme celle de Walking Dead par exemple.

Robert Kirkman et Ryan Ottley : Rick Grimes 2000 (Delcourt)

Série d'abord BD puis TV à succès, Walking Dead nous a plongés au coeur d'un monde post-apocalyptique dans lequel des communautés tentent de survivre face à des zombies, voire d'autres communautés d'humains. Le scénariste Robert Kirkman a su nous tenir en haleine en s'attachant autant aux personnalités et à la psychologie de ses personnages (qu'il n'a jamais hésité à malmener) qu'en nous proposant des séquences d'action bien gore. Dans cet album, on découvre que la prolifération des morts-vivants est en fait la conséquence... d'une invasion d'extra-terrestres ! Un double axel du what the fuck que l'auteur réalise avec jubilation et sans complexe. On retrouve les protagonistes de la série (Rick, Michonne, Tyreese, Andrea, Negan...) équipés de sabres laser ou de membres mécaniques. Et tout ce petit monde affronte zombies comme aliens, sans oublier de s'en prendre aux uns et aux autres. L'humanité est ainsi faite. Evidemment, les combats sont sanglants et le dessinateur Ryan Ottley (coauteur d'Invincible avec Kirkman) prend un malin plaisir à représenter les visages broyés, le sang qui gicle, les viscères qui explosent. Et le tout, en couleurs, contrairement à la saga originelle (découvrez les premières planches). Un gros kiff.

Matteo Scalera : Le Quatrième père 1/2 ( Astrolabe)

Sophie est bien décidée à partir en vacances en camping-car avec sa copine. Mais voici que son raté de frère Danny et sa fille Tammy viennent taper l'incruste. Et pour couronner le tout, une bande de criminels implacables sont à leurs trousses. Ou plus exactement, aux trousses d'un SDF qui débarque mal en point et prétend être le père disparu de Sophie et Danny. C'est que ce vieillard moribond a été dans sa jeunesse... un super-héros ! C'est le début d'un roadtrip qui se transforme en quête des origines. L'Italien Matteo Scalera connaît son sujet, pour avoir notamment travailler sur Deadpool et Hulk. Il signe ici un récit ancré dans un réalisme sombre et nimbé de mystère. Son dessin est aussi précis que l'étude des caractères. Vivement le deuxième tome !

Bruno Seelig : Black Orion (Morgen)

Voici une bande dessinée que vous lirez forcément deux fois de suite. Et pour cause, l'auteur, brésilien, nous fait une "Nolan" en déroulant un récit à rebours. La première lecture déconcerte, d'autant que chaque chapitre développe deux histoires à chaque planche. Il y a l'histoire principale, celle qui met en scène deux adolescents, leur protecteur "mi-Freddie Mercury, mi-Pablo Escobar", une foultitude d'entités diverses et pas de ce monde. Il sera question de courses-poursuites multi-dimensionnelles, de réalité altérée, de cocaïne spatiale et du sort de notre bonne vieille planète Terre. Je vous avais dit qu'une seule lecture ne suffirait pas. D'autant que le premier chapitre est celui de la fin. Et que chaque planche débute par un bandeau qui raconte une autre histoire. Bref, Black Orion est une BD audacieuse, délirante, un chouïa complexe, que Seelig met en scène avec inventivité et dans un style indie et un déluge de couleurs. Le lecteur adorera ou sera largué dans une autre dimension.

James Tynion IV et Elsa Charretier : La Fille au blouson léopard (Delcourt)

"C'est l'histoire d'une love story. Mais pas ce genre de love story". Mal en point sur un banc, la bouche en sang, Zara prévient d'emblée le lecteur. Ecrivaine au bout du rouleau, elle tombe sur une jeune femme qui arbore une veste au motif léopard dans le métro. Elle est jolie et blessée au bras. Elle la raccompagne chez elle. Un loft immense, avec une vue incroyable et une chatte acariâtre. Comment Jasper - c'est le prénom de "Miss peau de bête" - peut-elle se payer un tel appart à New York ? Zara va le découvrir très vite : Jasper est une tueuse professionnelle aussi compétente dans son métier qu'elle est excentrique dans la vie. Evidemment, devenir la girlfriend d'une hit woman, c'est se retrouver au coeur d'emmerdes qui déboulent en rafale. De balles, évidemment. Comme à son habitude, James Tynion IV soignent ses personnages et déroule une histoire d'amour atypique où la générosité et la passion n'empêchent pas la manipulation et l'égoïsme. Le récit est enlevé, drôle, truffé d'action. Elsa Charretier l'illustre avec dynamisme, dans un esprit pop (découvrez un extrait).

Anderton

Festival Lumière : Lyon, capitale des classiques du cinéma

2026-10-15T09:43:18.405+02:00

Lyon, patrie des frères Lumière, est devenue au fil du temps la capitale des films de patrimoine – ces fameux classiques… Preuve en est cette 18ᵉ édition du Festival Lumière qui bat son plein, et qui cette année réunit trois univers qui n’ont rien à voir… ou presque.

Coen Brothers, Prix Lumière 2026

Après, notamment, Clint Eastwood, Martin Scorsese ou Wong Kar-wai, Joel et Ethan Coen reçoivent cette année la plus haute distinction du festival. Au programme : une grande rétrospective, de Blood Simple à Inside Llewyn Davis, en passant par Fargo, The Big Lebowski ou No Country for Old Men. Les dates à retenir :

vendredi 16 : master class aux Célestins, puis cérémonie au Centre de Congrès ;
samedi 17 : nuit géante à la Halle Tony Garnier, avec quatre films, un dortoir derrière l’écran et des viennoiseries au petit matin ;
dimanche 18 : The Big Lebowski en séance de clôture. Frances McDormand sera à leurs côtés pendant le festival.

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Ettore Scola, "nous l’avons tant aimé"

Le maître de la comédie à l’italienne, entre rire, mélancolie et regard politique. Une rétrospective pour (re)voir Une journée particulière (avec Sophia Loren et Marcello Mastroianni), Affreux, sales et méchants, La Terrasse ou Nous nous sommes tant aimés. Ou le plus rare La Plus belle soirée de ma vie (1972), qui rassemble aux côtés d’Alberto Sordi une brochette de vétérans du cinéma français : Charles Vanel, Pierre Brasseur (décédé au cours du tournage), Michel Simon, Claude Dauphin.

Norman Jewison, entre deux Hollywood

Un cinéaste touche-à-tout, de Dans la chaleur de la nuit à L’Affaire Thomas Crown, d’Un violon sur le toit à Éclair de lune en passant par Rollerball. On connaît davantage ses films que son nom ! Du spectacle, de l’émotion et un vrai regard humaniste caractéristiques du cinéaste canadien, et dont nous avions déjà parlé ici.

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Et ce n’est pas tout !

Agnès Jaoui, Tonie Marshall, Clara Bow, Les Diables ressuscités, Metropolis en ciné-concert, les 60 ans de Un homme et une femme, enfin une réédition de Les Mois d’avril sont meurtriers avec Jean-Pierre Marielle, Tsui Hark, Abel Ferrarra, Todd Haynes, Zhang Zihi…. Une semaine pour un festin lyonnais à découvrir autour d’un mâchon lyonnais, bien sûr !

Travis Brickle

Livres de cinéma : attention, danger !

2026-10-08T06:17:06.719+02:00

On parle beaucoup de la fragilité du cinéma. On parle moins de celle des livres qui racontent le cinéma. Pourtant, les deux combats sont liés : sans livres, sans auteurs, sans éditeurs, sans lecteurs, une partie de la mémoire du cinéma risque de disparaître. On en parle beaucoup sur Cineblogywood, parce que l’édition est vivace, riche, stimulante.

Carlotta, une certaine idée de la cinéphilie

Depuis près de 30 ans, l’éditeur vidéo bien connu Carlotta Films défend une certaine idée de la cinéphilie : faire découvrir ou redécouvrir des œuvres, des cinéastes et des territoires du cinéma, en salles comme en vidéo, en VOD, à la télévision, dans les festivals… Depuis près de dix ans, cette aventure se prolonge aussi dans l’édition, avec notamment de fabuleux ouvrages signés Sam Wasson consacrés à Chinatown, de Roman Polanski, ou le tournage de Coup de cœur, de Francis Coppola. En novembre 2026 paraîtront ainsi quatre ouvrages : sur l’histoire de la vidéo, sur Georges Lautner, sur George Lucas et Francis Coppola, et sur Jamie Lee Curtis.

Quatre livres, quatre univers

Or, comme le rappelle Vincent Paul-Boncour, co-fondateur et directeur de Carlotta Films, "toutes nos sorties, aussi diverses, variées et passionnantes soient-elles, ne rencontrent malheureusement pas suffisamment l’intérêt du public et des professionnels, malgré les qualités reconnues et remarquées de ces ouvrages. Les résultats ne sont pas là, et surtout les publier coûte cher - beaucoup plus qu’il y a quelques années. Papier, impression, transport, diffusion : à chaque étape, les coûts augmentent, tandis que le marché du livre et les librairies traversent eux-mêmes une période particulièrement difficile".

Alors, faut-il renoncer ? Non.

Un livre, c’est une rencontre

Parce qu’un livre de cinéma n’est pas seulement un objet que l’on pose sur une étagère. C’est un espace de transmission. C’est une rencontre avec un auteur, un cinéaste, un acteur, une œuvre. C’est parfois la porte d’entrée vers un film que l’on ne connaissait pas. Et, pour les passionnés, c’est aussi une façon de prolonger l’expérience du cinéma bien après la dernière image.

C’est pourquoi Carlotta Films lance aujourd’hui une campagne de financement participatif sur Ulule pour permettre à ces quatre livres d’exister, mais aussi donner une chance à l’édition de cinéma de continuer.

Soutenir la campagne, précommander un ou plusieurs ouvrages, choisir la collection complète ou simplement contribuer : chaque geste compte. Ne serait-ce que pour soutenir un auteur, un éditeur, un traducteur, un maquettiste, un imprimeur, un diffuseur, un libraire... et surtout des lecteurs.

En novembre, quatre nouveaux rendez-vous nous attendent :

VIDÉO, VIDÉOS, de Jérôme Wybon — 5 novembre
GEORGES LAUTNER, L’ŒIL DU PROFESSIONNEL, de Sylvain Perret — 5 novembre
LE PARADIS PERDU DE LUCAS ET COPPOLA, de Pierre-Simon Gutman — 17 novembre
JAMIE LEE CURTIS, DÉ)JOUER LES GENRES, d’Hélène Valmary — 26 novembre

Parce que soutenir un livre de cinéma, c’est aussi soutenir la mémoire, la curiosité et la transmission.

Soutenez ces différents projets sur Ulule

Travis Brickle

BD - Montefiore, pur sang ne saurait mentir

2026-10-04T17:24:05.527+02:00

Chaque été, une immense ferveur s'empare de Sienne, en Toscane : les habitants des 17 contrade (quartiers) affichent leurs drapeaux, souvent à l'effigie d'un animal, et supportent le cheval monté à cru qui va les représenter lors de la spectaculaire course (le palio) qui se déroule sur la Piazza del Campo. Pour y avoir assisté une fois, je peux vous garantir que c'est un incroyable spectacle. Montefiore, l'album signé Pierre-Henry Gomont et publié chez Dargaud, raconte l'histoire d'une famille engagée dans cette compétition équestre.

Tout pour la course

Alors qu'ils rejoignent la foule amassée pour regarder le palio, Angelo et Andrea apprennent stupéfaits que le jockey vainqueur de l'épreuve n'est autre que leur oncle, dont il n'avait jamais entendu parler. Celui-ci les invite à venir passer l'été au sein de l'élevage de chevaux familial. D'abord réticent, leur père accepte. Les deux frères rencontrent pour la première fois leur grand-mère et découvrent progressivement quelques secrets familiaux. Leurs journées sont rythmées par les soins donnés aux chevaux et les cours d'équitation, avec d'autres jeunes tout aussi compétitifs qu'eux. C'est alors qu'on leur confie le dressage d'un magnifique mais farouche destrier, Hermès.

Famiglia e palio

Pierre-Henry Gomont signe un magnifique récit qui mêle saga familiale, avec ses mystères, ses mensonges, ses mesquineries et trahisons, et aventure adolescente, toute en exaltation, compétition et innocence, forcément perdue. A travers les fougueux Angelo et Andrea, on vit un été au coeur d'une Italie solaire. Cavalcades dans les collines, plongeons dans la grande bleue, coups durs et coups d'éclat... Les sentiments sont aussi grands que les paysages, les uns superbement peints, les autres dépeints avec nuance (découvrez les premières planches). De son style élancé, vif, Gomont retranscrit la passion des personnages, leur énergie, ainsi que l'ardeur et les mouvements des chevaux. Ode à la jeunesse et à l'Italie, Montefiore est une bande dessinée qui touche au coeur.

Anderton

Monty Python en Provence : baraque, stars et rosé de la discorde

2026-10-03T12:59:34.700+02:00

George Clooney, Brad Pitt et Ridley Scott sont les stars étrangères les plus connues pour avoir acquis une résidence en Provence. Ce ne sont pas les seules. Plus discret, Eric Idle, l'un des membres du Monty Python, raconte dans Une brève histoire du thym (Actes Sud) comment il s'est installé dans le Var dans les années 1970. Un livre drôle, émouvant et bien entendu solaire.

Thyme is on his mind, yes it is

Au début des années soixante-dix, Eric Idle est l'un des comédiens les plus populaires du Royaume-Uni. L'émission Monty Python's Flying Circus les ont élevé, lui et ses compères Terry Jones, Michael Palin, John Cleese, Graham Chapman et Terry Gilliam, au rang de pop stars. Un succès qui intervient après des années de travail acharné, sur les planches et à la BBC avant bientôt le cinéma. En 1971, Eric voit rouge et décide d'aller se reposer avec sa femme en Provence. Une expédition : il faut traverser la Manche en bateau puis toute la France en voiture à une époque où les autoroutes sont rares. Arrivé dans le Var, l'Anglais habitué au ciel gris et pluvieux de son île natale découvre une région où tout le charme, nature, senteurs, cigales, cuisine et même ses habitants qui ont le bon goût de ne pas le connaître et de lui foutre une paix royale. Coup de coeur et coup de bol : une amie britannique résidant sur place lui trouve un terrain entre Cotignac et Entrecasteaux. Une colline offrant une vue magnifique et surplombée d'une baraque en ruine, sans eau ni électricité et sans voie d'accès. Qu'importe, Eric casse sa tirelire. Le voici propriétaire en Provence !

Mas mas mia

De cette bicoque délabrée, le Monty va en faire un magnifique mas provençal... après cinquante ans de travaux acharnés. Chaque nouveau contrat, chaque succès est réinvesti dans son domaine. Le tas de pierre est isolé, électrifié, équipé, agrandi, doté de l'eau courante puis d'une piscine et même de dépendances. La garrigue est domptée, des arbres et plantes odorantes plantés, leurs fruits sont même récoltés et parfois vendus (comme une huile d'olive extra vierge à l'étiquette grivoise). Les beautiful people et amis d'Idle accourent pour profiter des lieux - Ron Wood, David Bowie, Robin Williams, Harrison Ford et bien d'autres. Une carte postale qui ne doit pas faire oublier une entreprise complètement timbrée qui a surmonté de nombreuses épreuves : des travaux interminables, des incendies, un divorce, des deuils...

Life of Eric

Idle a appris à coopérer et vivre avec des artisans fantasques, des voisins méfiants, des chasseurs sans gêne, des bestioles envahissantes mais aussi des habitants généreux et respectueux de sa vie privée, de nouveaux amis fidèles avec lesquels il a bu des coups (à base de rosé dit "de la discorde"), chanté au clair de lune, observé les étoiles, ri aux éclats et parfois pleuré. A chaque fois qu'il est retourné dans sa chère Provence, Eric a rechargé ses batteries (et parfois son générateur), vidé son esprit (et souvent sa piscine), écrit des sketchs ou des chansons, appris le français (et la patience), fait la sieste et la fête.

Take a walk on the bright side

Une brève histoire du thym est un livre qui fait du bien. Evidemment, il est écrit avec beaucoup d'humour et on rit à chaque page. Dès le titre, le ton est donné et c'est flagrant en anglais : A brief history of thyme est un clin d'oeil à l'ouvrage de Stephen Hawking, A brief history of time. Un jeu de mot qui n'est pas complètement gratuit puisque Eric Idle est passionné d'astronomie. En atteste sa chanson The Galaxy Song dans Le Sens de la vie :

D'ailleurs le titre original est précédé de Idle in Provence, qui peut aussi se traduire par Paresseux en Provence. Joyeux luron, le Monty Python signe un récit également tendre et émouvant. La mélancolie affleure parfois et la gravité s'invite à l'occasion d'un drame. Mais Chaud must go on : le soleil de Provence apaise et guérit les blessures. On remercie Idle d'avoir partager ses souvenirs et son album de photos, en partie reproduit dans l'ouvrage. On en viendrait presque à vouloir venir lui rendre visite mais a priori, il n'a pas ouvert de chambres d'hôtes. On vous laisse tranquille, Mr Idle. Thank you for your thyme!

Anderton

BD : meurtre à Hollywood

2026-09-26T19:58:04.633+02:00

Double crime à Hollywood. Une ancienne actrice et un réalisateur soupçonné mènent l'enquête. Dans La Femme au portrait, BD publiée chez Dargaud, Nicolas Tellop et Antonio Lapone nous emmènent dans le Los Angeles des années 1940 et signent un hommage à la grande époque des studios.

Un meurtre sur un plateau

Le tournage de La Femme au portrait est arrêté. Un veilleur de nuit a été retrouvé mort sur le plateau et le tableau au coeur du film a été volé. Sans lui, la production ne peut reprendre. Pour le retrouver, le producteur fait appel à Miss X, une ancienne actrice devenue détective privée. Yeux revolvers, langue bien pendue, elle mène l'enquête avec l'arrogant et acariâtre réalisateur du film, Ernst Spieler. Un duo qui provoque des étincelles.

Hommage à Hollywood

Cet album de bande dessinée est une déclaration d'amour au "vieil" Hollywood. Celui de l'époque où les studios régnaient en maîtres. On y retrouve des producteurs bedonnants, des divas de l'écran, tout un peuple de techniciens, des malfrats, des flics désabusés. Tellop et Lapone convoquent Hitchcock et Fritz Lang (dont le réalisateur Spieler est inspiré), citent Sunset Boulevard et Le Faucon maltais, rendent hommage au film noir des années 1940, font un clin d'oeil à L'étrange créature du lac noir.

Le scénariste déroule un récit riche en rebondissements et fausses pistes, soignant les répliques aiguisées que s'échangent les deux enquêteurs mal assortis. Quant au dessinateur, il fait revivre Los Angeles et l'univers des studios de la grande époque. Costumes; décors, architecture... De son trait précis, tranchant, jaillissent les lignes et courbes élégantes de l'époque (découvrez les premières planches). Il rend bien l'ambiance d'une ville clinquante, dont les arrière-cours sont aussi sombres que les mentalités de certains de ses habitants.

Anderton

Heart of the beast : l'odyssée sauvage de Brad Pitt et Uber

2026-09-22T14:36:26.595+02:00

Après George Clooney, Edward Norton et Leonardo Di Caprio, Brad Pitt partage l'affiche avec un nouveau partenaire de jeu : Uber. C'est un berger allemand et je vous assure que cette association vous marquera autant que celles avec les acteurs susnommés. Heart of the beast sort ce mercredi au cinéma et c'est un film à ne pas manquer.

Heart of the beast, un survival d'un nouveau genre

James Belmont vient poser son petit hydravion dans un coin reculé de l'Alaska. A ses côtés, son chien Odin. Au programme : quelques jours au grand air, loin de tout et de tous. L'occasion de se reconnecter avec la nature sauvage et d'oublier. Car James et Odin sont deux vétérans de l'armée américaine revenus fracassés de leurs missions au Moyen-Orient. Fracassés dans leurs corps et dans leurs têtes. Mais le camping vire au cauchemar quand le mauvais temps provoque la chute de l'appareil au milieu de la forêt boréale. Blessés, privés d'une grande partie de leurs équipements et de leur nourriture, l'ex-soldat et son chien doivent rejoindre au plus vite la civilisation pour échapper à la mort.

Compagnons de déroute

J'ai beaucoup aimé le film de David Ayer (Fury, déjà avec Brad Pitt, déjà sur l'horreur de la guerre), qui m'a rappelé l'excellent Arctic (Joe Penna, 2019). S'il rejoint la longue liste des films américains qui évoquent le traumatisme des vétérans (Voyage au bout de l'enfer, Rambo, Né un 4 juillet, American Sniper...), Heart of the beast l'aborde à travers celui d'un chien et de son maître. On découvre les deux protagonistes dont on comprend rapidement à leurs cicatrices qu'ils sont des rescapés mais c'est bien Odin qui est revenu du champ de bataille avec les plus grandes blessures (et les prothèses pour les compenser). C'est le berger allemand qui fait des cauchemars pendant la nuit et permet d'aborder avec originalité le syndrome de stress post-traumatique (PTSD en anglais). Original et encore plus poignant.

Brad Pitt et Uber, un duo jamais cabot

La réussite du film tient d'abord à son duo d'acteurs. Brad Pitt (également coproducteur) est formidable en vétéran mutique, qui ne semble (sur)vivre que grâce à l'existence de son compagnon canin. Hormis quelques rires et une poignée de phrases, le comédien fait tout passer par ses regards, ses silences et son engagement physique. Il m'a fait penser à une autre grande prestation "physique" d'un autre immense acteur : Robert Redford dans All is lost (J.C. Chandor, 2013). Comme son mentor, Pitt est hypnotisant. On le voit penser et on se laisse emporter dans cette odyssée sauvage grâce aux émotions qu'il parvient à faire passer par sa présence et son comportement. On a même l'impression que Pitt s'efface au profit de son compagnon de jeu à quatre pattes : le chien n'est pas un prétexte, il est au coeur de l'histoire. Odin est Ulysse. Ensemble, ils ont réussi à créer une relation qui nous semble authentique et rend ce film bouleversant. Deux autres êtres humains sont au générique : J. K. Simmons, formidable en baroudeur qui est aussi sympathique qu'inquiétant, et Anna Lambe, qui réussit la lourde tâche de conclure le film avec émotion et espoir.

David Ayer, maître de guerre

David Ayer s'y connaît en film d'action, aussi bien en tant que scénariste (Training Day, Fast and Furious) que réalisateur. Dans Heart of the beast, il met en scène les séquences d'action avec l'efficacité, l'énergie et la tension nécessaires pour tenir le spectateur en haleine. Et jamais il n'oublie ses protagonistes : comme je l'ai écrit, la relation entre James et Odin est retranscrite avec beaucoup de sincérité. Ceux qui ont possédé ou possèdent un chien s'y retrouveront ; les autres n'auront aucun mal à comprendre le lien unique, fort, qui rend cette histoire crédible.

Aussi étonnant que cela puisse paraître, Heart of the beast est un thriller poignant.

Anderton

BD : dans la gueule de Jaws

2026-09-17T10:00:00.000+02:00

Il est des films dont les tournages épiques feraient de bons films. Les Dents de la mer (1975) est l'un d'eux. Hollywood et son barnum qui débarquent dans une petite ville de la côte Est, des requins mécaniques qui ne fonctionnent pas, un planning qui explose, des tensions croissantes au sein de l'équipe, un jeune réalisateur sous pression... En attendant de découvrir une hypothétique adaptation au cinéma ou en série TV, l'histoire de la production de ce film culte est racontée en bande dessinée par Mahi Grand chez Dargaud. Le titre : Les dents de l'enfer* !

Romancing the shark

L'histoire du tournage de Jaws est devenue aussi culte que le film lui-même. Elle a été de nombreuses fois racontée, y compris par les protagonistes eux-mêmes lors d'interviews ou dans le cadre de bonus DVD. Carl Gottlieb, le scénariste du film, a même écrit un carnet de bord sur cette expérience, The Jaws Log, dont je recommande chaudement la lecture. Mahi Grand s'est abreuvé à ces multiples sources (qu'il cite en fin d'album) pour construire son récit. Mais il ne s'est pas arrêté là : il y a ajouté une bonne dose de fiction, inventant une petite amie au cinéaste ou l'envoyant chez le psy pour évoquer son désarroi. "Hérésie !", hurleront certains ; "licence artistique", prévient d'emblée l'auteur.

Et je dois dire que ce choix osé m'a séduit. Après tout, même lorsqu'il s'agit de revenir sur des faits réels, les cinéastes ne se privent pas de prendre quelques libertés avec la vérité. Y compris Steven Spielberg. Et puis, ces ajouts - dûment signalés - contribuent à la réussite de ces "chroniques d'un tournage apocalyptique" (sous-titre de l'album).

L'art et la méthode de Mahi Grand

Au-delà des inventions de l'auteur, on retrouve au fil des pages toute la mécanique d'une production progressivement grippée par l'eau salée (spoiler alert) mais aussi par les ego des talents, producteurs, techniciens, habitants du coin. Contrairement aux trois requins mécaniques, les anecdotes connues jaillissent au bon moment. Mahi Grand les met en scène avec talent. J'aime beaucoup son dessin souple et expressif (découvrez les premières planches).

Qu'on soit cinéphile averti ou simple curieux, on dévore (bien sûr que j'allais la faire) cet album avec plaisir. Et pour le prolonger, j'invite le lecteur à se faire aussi les dents sur Les mâchoires de la peur de Jérôme Wybon et Toni Cittadini, autre album de BD publié fin 2025 chez Huginn & Muninn et qui aborde le même sujet, dans une approche aussi documentée que passionnante.

*Le tournage des Dents de la mer n'a pas été adapté sur petit ou grand écran mais il l'a été sur les planches. Créée et co-interprétée par Ian Shaw (fils de Robert Shaw, le captain Quint du film), la pièce de théâtre The Shark is broken a été jouée à Broadway en 2023.

Anderton

NFL : Spider-Man et Hulk se mettent au football américain

2026-09-16T15:29:19.325+02:00

C'est reparti pour une nouvelle saison de NFL, youpi ! Au cours de la première semaine, deux super-héros Marvel ont fait des apparitions remarquées sur les terrains de football américain : Spider-Man et Hulk.

Un Detroit Lion se transforme en Spider-Man

Avant le coup d'envoi du match entre les Detroit Lions et les New Orleans Saints, Derrick Barnes, linebacker des Lions, a enfilé le costume de Spider-Man et pris la pause avec son fils de deux ans, également revêtu du costume de Spidey. Plus tard au cours du match, Barnes a célébré une action en reprenant la pause comme ce bon vieux Tisseur. Cute !

Hulk chez les Washington Commanders

Moins mignon, Tyler Owens, joueur des équipes spéciales des Washington Commanders, a fait une action renversante. Littéralement. Il a renversé deux joueurs des Philadelphia Eagles avant de réaliser un placage monstrueux sur le retourneur de kick. Tellement impressionnant qu'un petit malin a publié une vidéo dans laquelle Owens est remplacé par Hulk.

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Raise Hail !

Anderton

Carolco : plus dure a été la chute

2026-09-13T19:35:45.400+02:00

Carolco. Un nom qui ne veut rien dire de l'aveu même d'un de ses fondateurs mais une ambition énorme. En un peu plus de dix ans, le studio indépendant créé par Andrew G. Vajna et Mario Kassar a imposé sa loi à Hollywood avant d'exploser en vol. Julien Dupuy et Jérémy Fauchoux reviennent sur cet American Dream contrarié dans Carolco Un rêve hollywoodien, disponible en vidéo chez L'Atelier d'images.

Kassar et Vajna, le duo de choc

C'est l'histoire de deux producteurs audacieux : Mario Kassar et Andrew G. Vajna. Le premier, d'origine libanaise, est la caricature du producteur des années 1980 (lire Box-office, la biographie de Don Simpson par Charles Fleming chez Sonatine): flambeur mais doté d'un flair certain pour dénicher les futurs blockbusters. Le second, d'origine hongroise, est plus austère et plus strict quand il s'agit de sortir le chéquier. Les deux font la paire ! En 1976, ils fondent Carolco avec une ambition forte : faire la nique aux majors.

Blockbusters et films d'auteur

Le premier succès intervient en 1982 - Rambo (First Blood) - et lance une juteuse franchise. Sylvester Stallone (Rambo 2 et 3, Haute sécurité, Cliffhanger) puis Arnold Schwarzenegger (Double Détente, Total Recall, Terminator 2) et Jean-Claude Van Damme (Universal Soldier) rejoignent l'écurie Carolco. Les stars sont aussi derrière la caméra : James Cameron, Walter Hill, Costa-Gavras, Alan Parker, Adrian Lyne, Peter Hyams, Oliver Stone, Roland Emmerich, Richard Attenborough...

Trop vite, trop loin

Les succès s'enchaînent. La petite boîte indépendante fait de l'ombre aux studios historiques. Kassar vit la vida loca. On pense à la séquence "Push It To The Limit" dans Scarface (qui n'est pas une production maison).

Mais comme Tony Montana, Kassar perd le sens de la réalité. Son flair s'émousse, les budgets s'envolent. Après la baraka, c'est la baraque qui n'est plus tenue. En 1995, deux grosses productions coulent Carolco : L'Ile aux pirates de Renny Harlen et Showgirls de Paul Verhoeven. Et si le logo avait annoncé la catastrophe à venir ? La courbe lumineuse qui révèle le C du studio évoque finalement une mèche de dynamite qui finit par exploser. Bon, peut-être que je m'emballe.

En tout cas, malgré l'apport financier de partenaires (dont Canal+), la banqueroute intervient en 1995. A Los Angeles, la concurrence pousse un long soupir de soulagement et s'empresse de "recruter" les talents que Carolco a été incapable de garder : la Fox sort Independence Day de Roland Emmercih en 1996 puis, avec Paramount, Titanic de James Cameron en 1997. Deux succès planétaires qui auraient pu sauver le studio de Kassar et Vajna... Hollywood, ton univers impitoyable.

Insiders à la barre

Dupuy et Fauchoux signent un documentaire passionnant, ponctué d'images d'archives et de témoignages de première bourre par des anciens de la maison, des partenaires (Pierre Lescure), le scénariste Joe Eszterhas (Basic Instinct) et les réalisateurs Paul Verhoeven, Adrian Lyne, Costa-Gavras, Roland Emmerich et Peter Macdonald. En bonus, on découvre comment l'illustrateur Gil Jouin a réalisé la belle affiche du documentaire.

Anderton

Les Secrets de la Saint-Jean : que vaut la série d'Arte ?

2026-09-05T15:42:18.839+02:00

Disponible sur Arte, Les Secrets de la Saint-Jean (Pubertat) est une formidable série espagnole qui nous plonge au coeur d'une communauté catalane ébranlée par une agression sexuelle au sein d'un groupe d'adolescents.

Une série sur le désir et le consentement

La série en six épisodes nous plonge au coeur d'une communauté jusqu'à lors unie au sein d'une colla castellera, une équipe qui bâtit des tours humaines - une tradition de Catalogne (la série est d'ailleurs réalisée en catalan). Les castellers (membres de l'association) réunissent plusieurs générations, dont quatre adolescents, quatre amis dont la vie bascule la nuit de la Saint-Jean à la suite d'une agression sexuelle. Passé le choc, parents et enfants se déchirent, entre honte et déni, courage et incompréhension tandis que des traumatismes enfouis rejaillissent. Personne n'en sort indemne.

Un thriller psychologique cru et prenant

Créée, écrite et réalisée par Leticia Dolera, également co-interprète, Les Secrets de la Saint-Jean est à la fois un thriller psychologique et un coming of age qui abordent frontalement son sujet. La jeunesse y est montrée avec délicatesse mais sans fard. La séduction, l'éveil à la sexualité, l'addiction aux réseaux sociaux et au porno en ligne n'empêchent pas ces ados de vivre dans une forme d'innocence. Le spectateur est plus d'une fois interpellé par leurs comportements et par ceux de leurs parents. Il est amené à se questionner sur notre responsabilité collective face à une agression sexuelle et son impact ainsi qu'à la manière d'y faire face et d'aider les victimes. La justice restaurative est d'ailleurs finement décrite. Crue et nimbée de poésie, Pubertat vise juste. Son sixième et dernier épisode bouleverse en même temps qu'il offre une lueur d'espoir.

Anderton

Troubles : thriller vénéneux et hitchcockien

2026-09-03T10:00:00.000+02:00

Hitchcockien en diable, vénéneux, Troubles (Shattered, 1991) est le premier film américain du réalisateur Wolfgang Petersen. Il sort dans une belle édition vidéo signée L'Atelier d'images. Tentons d'y voir plus clair.

Le retour à la vie d'un miraculé

Une voiture file dans la nuit, perçant le brouillard de ses phares. La route de montagne est sinueuse, la vitesse trop élevée. Un virage mal négocié et c'est la sortie de route. Plus tard à l'hôpital, Judith se réveille avec des blessures légères. En revanche, Dan, son mari, est défiguré. Et amnésique. Judith le soutient dans sa lente rééducation tandis qu'une lourde opération chirurgicale lui permet de retrouver figure humaine. Retour dans la splendide villa du couple. Dan se remet peu à peu. C'est alors qu'il découvre des photos qui font voler en éclat ce bonheur retrouvé.

Un thriller hitchcockien

Pour son septième long-métrage, le réalisateur allemand Wolfgang Petersen tente l'aventure américaine. Acclamé pour Le Bateau (1981), il a aussi signé L'Histoire sans fin (1984), grand succès au box-office, et un étonnant film de science-fiction Enemy (1985) - tous trois tournés principalement en Allemagne. En traversant l'Atlantique, il change de genre et opte pour le thriller, adaptant le roman Cauchemar sous plastique de Richard Neely sur lequel il avait mis la main.

L'action qui se déroule à San Francisco, le personnage principal déboussolé et obnubilé par la recherche de la vérité qui lui échappe, la présence de deux femmes - une blonde et une brune - nimbées de mystère... voilà qui rappelle Sueurs froides (Vertigo) d'Alfred Hitchcock. Avec une touche de sexe et de violence qui place Petersen dans une approche à la Brian De Palma. On pense aussi à Basic Instinct qui sortira un an plus tard et je ne peux m'empêcher de penser que la séquence de l'accident est inspirée par celle des Choses de la vie (1970) de Claude Sautet. L'hommage à Hitch se retrouve autant dans certains plans que dans la photo de Laszlo Kovacs (Easy Rider, SOS Fantômes, Mask) et le score envoûtant d'Alan Silvestri (Retour vers le futur).

Le réalisateur instaure une ambiance où flotte un mystère aussi épais que le brouillard de la Bay Area. On est pris par le récit qui avance au rythme de l'enquête menée par Dan et de ses souvenirs. Lesquels jaillissent et se mettent en place comme les pièces d'un puzzle. Ou comme les éclats de verre (Shattered, le titre original, fait référence à ces bris de glace, de visage, de souvenirs) qui, une fois réassemblés, reconstituent un miroir dans lequel Dan peut enfin découvrir la vérité. La mise en scène est efficace, marquée mais sans esbrouffe.

Une belle brochette d'acteurs

Tom Berenger (Traquée, Platoon, randonnée pour un tueur) prête à Dan son visage anguleux, à la fois beau et vaguement menaçant. Loin des rôles de durs qu'il a souvent interprétés, il campe avec beaucoup de sensibilité un personnage paumé, traumatisé mais avec suffisamment de présence pour qu'on s'attache à sa quête. Il livre là une de ses meilleures compositions. Autre figure des années 1980-1990, Greta Scacchi joue Judith, personnage complexe qu'elle va faire radicalement évoluer au cours du film. Dans la peau d'un détective qui gère une animalerie (ou l'inverse), Bob Hoskins apporte sa gouaille et une dose d'humour à ce thriller tendu. Opposition de styles avec Tom Berenger mais le duo fonctionne bien. Egalement à l'affiche, Joanne Whalley - à l'époque, Joanne Whalley-Kilmer car alors marié à Val Kilmer -, vue dans Willow et Kill Me Again, joue "la brune" mais là encore, les apparences sont trompeuses.

Une solide édition vidéo

L'Atelier d'images a soigné l'édition vidéo. Beau master du film et des bonus qui raviront les cinéphiles, notamment une bonne présentation du film par Marc Godin, qui analyse également une scène dont il fait ressortir toute la richesse cachée, de la mise en scène au jeu des acteurs. Le Blu-ray offre un bel écrin à ce diamant noir qu'est Troubles.

Anderton

BD : serial killers en embuscade

2026-08-30T16:35:10.405+02:00

Les tueurs en série fascinent, dans les médias comme au cinéma ou dans les séries. Normal que la bande dessinée s'y intéresse aussi. La suite de l'excellent Beneath the trees where nobody sees est très réussie tandis que Dust to Dust nous emmène sur les traces d'un mystérieux assassin pendant la Grande Dépression.

Patrick Horvath : Beneath the trees where nobody sees - Rite of Spring (Ankama)

Succès critique et public mérité pour Beneath the trees, sorti l'an dernier. Patrick Horvath a imaginé un monde à la Richard Scarry, peuplé d'animaux mignons, qu'il a peint à l'aquarelle. S'en dégage une douceur et une délicatesse qui tranchent (pun intended) avec l'horreur du propos... et des images : Samantha Strong, la serviable ourse qui tient la quincaillerie de Woodbrook, a pour passion le meurtre. Elle kidnappe ses victimes dans la grande ville voisine puis les découpe méthodiquement dans les bois.

Dans le premier album, elle devait faire face à un copycat qui avait décidé d'agir à Woodbrook. Dans cette suite, c'est l'arrivée de la soeur d'une victime qui vient bousculer le quotidien de Samantha. Horvath fait monter la tension jusqu'à un final éclaboussant. Prenant, mignon et gore, ce nouvel album est une franche réussite. We want more !

JG Jones et Phil Bram : Dust to Dust (Delcourt)

Contrairement à son nom, New Hope a perdu tout espoir. Pendant l'entre-deux guerres, cette bourgade paumée de l'Oklahoma traverse deux tempêtes : l'une économique (la Grande Dépression), l'autre climatique, le Dust Bowl, une sécheresse sans précédent. Et comme si les habitants ne souffraient pas assez, une troisième "plaie d'Egypte" s'abat sur la contrée : un mystérieux tueur en série enchaîne les assassinats. Le shérif Meadows est sur le coup mais il doit lutter contre le maire, une famille de brutes et de vieux démons : l'alcool dans lequel il se réfugie pour tenter d'oublier le traumatisme de la première guerre mondiale. Pour autant, il peut compter sur l'aide d'une photojournaliste (dont les traits sont ceux de Cate Blanchett) venue faire un reportage sur place.

Dans une ambiance qui évoque Les Raisins de la colère, Bonnie & Clyde et Seven, les auteurs racontent une Amérique au fond du trou, minée par la crise, rongée par la ségrégation, qui délaisse ses boys revenus traumatisés de la guerre en Europe. Un récit complet sans concession que JG Jones, le dessinateur de Wanted, illustre à l'aquarelle dans une nuance de tons sépia (découvrez les premières planches).

Anderton

Angoulême 2026 : Voilà c'est fini, coup de coeur, Valois de diamant et palmarès complet

2026-08-29T18:37:09.550+02:00

Jeudi au Festival du film francophone d'Angoulême, Gustave Kervern a présenté en compétition son nouveau film, Voilà c'est fini qui se déroule dans son île natale, Maurice. Auréolé du prix Jean Vigo (ex-aequo avec L’Inconnue d’Arthur Harari), le long-métrage a été récompensé du Valois de diamant et c'est mon gros coup de cœur de la semaine.

Voilà c'est fini, tragicomédie à Maurice

Voilà c'est fini, c'est une histoire d’amour entre Pierre (Loïc Mandere), employé d’hôtel à l'île Maurice, et Louise (Suzanne Lindon), touriste française. Une "tragi-comédie" dont les dialogues sont pour leur bonne moitié en créole mauricien. Léa Drucker et Mathieu Amalric sont également au casting de ce premier film réalisé par Gustave Kervern sans son compère Benoît Délépine.

Un film intelligent et caustique

J'ai vu un film extrêmement intelligent, caustique, dont chaque plan porte un message, une écriture passant du dit en voix off, avec des textes remarquables, aux non-dits d'une subtilité rare. C'est un film "à part", portant autant de messages que de questionnements, le tout avec un style tour à tour percutant, féroce, et drôle tout à la fois. Comme je l'espérait, il a remporté le Valois de diamant. Sortie prévue en 2027. J'irai le revoir. Voilà du grand cinéma !!!

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Festival d'Angoulême 2026 : palmarès complet

Valois de diamant : Voilà c'est fini de Gustave Kervern
Valois de la musique : Rafiki Fariala et Lillo Morealle pour Congo Boy de Rafiki Fariala
Valois du scénario : Khalil Cherti et Simon Serna pour Ce qui nous mène à toi de Khalil Cherti
Valois de l'acteur : Diego Murgia dans La Frappe de Julien Gaspar-Oliveri
Valois de l'actrice : Monia Chokri dans Si tu penses bien de Géraldine Nakache
Valois de la mise en scène : Julien Gaspar-Oliveri pour La Frappe
Valois René Laloux (meilleur court-métrage d'animation) : Le Jour où j'ai léché un caillou de Flavie Eliézer, Chloé Bernuchon, Goli Atefi, Maud Kolasa, Nathan Jauze et Marie Pijollet
Valois du public : Les Filles d'Abraham de Hanaël El Yousfi
Valois des étudiants francophones : Ce qui nous mène à toi de Khalil Cherti
Mention spéciale pour les actrices Melissa Guers, Ava Baya et Gabrielle Cohen dans Les Filles d'Abraham de Hanaël El Yousfi
Valois Rothschild Martin Maurel décerné à un producteur ou une productrice par un collège de distributeurs Cynthia Pinet de Petites Poupées Productions pour Muganga de Marie-Hélène Roux

Message diffusé avant chaque film projeté au Festival d'Angoulême

Retour sur le prix Jean Vigo

"Célébration du cinéma indépendant depuis 1951, [le Prix Jean Vigo récompense] l'audace et l'originalité des cinéastes français", indique le site du Prix. Jean-Luc Godard, Maurice Pialat, Xavier Beauvois, Alice Diop y ont été distingués au fil des décennies.

Melina M.

L'équipe de CINEBLOGYWOOD accueille une nouvelle rédactrice, kalosórisma ! A priori, Melina M. rédigera des chroniques tous les jours de la semaine mais jamais le dimanche !

La Grazia : fin de règne et l'espoir malgré tout

2026-08-26T15:22:17.428+02:00

Derniers jours du président de la République. Je ne parle pas de la situation politique française mais de la trame de La Grazia, le beau film de Paolo Sorrentino qui est sorti en vidéo chez Pathé. A (re)découvrir pour au moins trois raisons.

1) La Grazia, quand le crépuscule laisse planer l'espoir

Mariano De Santis s'apprête à quitter le palais du Quirinal. Son mandat de président de la République s'achève et le voici pris d'une forme de mélancolie alors qu'il fait le bilan de sa carrière et de sa vie. Il ne peut s'empêcher de penser à sa femme, dont il ne se remet pas de la mort. Sa fille, qui travaille à ses côtés, tente de le faire sortir de son espèce de léthargie en l'encourageant à prendre des décisions fortes : promulguer une loi sur l'euthanasie et accorder la grâce à deux personnes condamnées pour avoir tuer leur conjoint. Profondément catholique, juriste pointilleux, De Santis rechigne à agir.

Paolo Sorrentino nous amène au coeur du pouvoir. Oubliez les ors de la République. Le Palais du Quirinal semble figé dans le passé et plongé dans la pénombre. Meubles et décorations au style pesant, immenses salles vides et froides, couloirs qui n'en finissent plus. Le président y erre, profondément seul, malgré les gardes du corps et le personnel qu'il croise ici ou là. Un décor déprimant qui illustre l'état d'esprit du maître des lieux. Obnubilé par un traumatisme personnel qui le ronge, il est incapable de se projeter vers l'avenir. Et pourtant, De Santis va être interpelé, bousculé, amené à se remettre en question. Et sa petite lumière intérieure va briller de tout son éclat. Le spectateur partager les questionnements du président, notamment les choix éthiques auxquels il est confronté. Avec lui, il comprend peu à peu que rien n'est définitif, que la légèreté, la grâce peuvent se manifester même au fond de l'abyme.

2) Toni Servillo, la grâce incarnée

Monstre sacré, monstre tout court (pour reprendre la thèse du livre d'Hélène Frappat), Toni Servillo excelle à nouveau à camper un personnage dont il nous fait ressentir les émotions et les tourments, avec la nuance et la justesse qu'on lui connaît. Son accablement, sa solitude mais aussi ses éclats d'humour, en une mimique. Le comédien a été justement récompensé par la Coupe Volpi de la meilleure interprétation masculine à la Mostra de Venise 2025. Dans le rôle de la fille du président, Anna Ferzetti joue à merveille une autre sorte d'enfermement intérieur, d'où elle fait jaillir parfois emportements et pleurs. Le duo incarne merveilleusement la relation complexe entre un père et sa fille, deux juristes, deux cérébraux, qui se diront leur amour en silence lors d'un bouleversant et fugace rapprochement. Les autres comédiens sont tous bons, preuve en est qu'au-delà de son art de la mise en scène, Sorrentino est un grand directeur d'acteurs.

3) Le regard de Paolo Sorrentino

A chacun de ses films, Paolo Sorrentino adapte sa réalisation. La mise en scène baroque et enlevée de Parthénope laisse place à des plans davantage figés, en phase avec le sujet. La caméra n'est pas immobile mais elle est moins expansive. Et comme à son habitude, avec l'aide de sa directrice de la photo Daria D'Antonio, le cinéaste compose des plans de toute splendeur, dont se dégage un humour inattendu et une poésie qui touche au coeur. Certains plans semblent répondre à ceux de La Grande Bellezza ou d'Il Divo. Cette fin de règne nous fait également penser aux errements du pape incarné par Michel Piccoli dans Habemus Papam (Nanni Moretti, 2011). Et puis, Sorrentino, c'est aussi l'art de mettre en musique ses images, de la musique classique au chant militaire, en passant par le rap - notamment le morceau, Le Bimbe Piangono de Guè Pequeno (qui apparaît dans le film).

L'édition de Pathé accompagne le film de la conférence de presse donnée par l'équipe lors de la Mostra de Venise en 2025. L'occasion d'entendre chacun expliquer son travail, sa démarche.

Anderton

BD - Delcourt sort les flingues

2026-08-23T17:48:39.261+02:00

Deux albums de bande dessinée, deux genres très différents, deux récits où les protagonistes font cracher les armes à feu, un même éditeur : Delcourt. Blood & Thunder réinvente le duo de justiciers tandis que Le Massacre du gang Enfield revisite l'histoire sanglante du Far West.

Robert Kirkman, Benito Cereno, E.J. Su : Blood & Thunder 01

Un dangereux alien s'évade d'un quartier de haute sécurité au sein d'un vaisseau-prison. Il débarque sur un satellite où humains et extra-terrestres coexistent selon une organisation sociale très inégalitaire. Evidemment, les descendants des Terriens occupent les fonctions et les espaces les plus importants tandis que les autres espèces s'entassent dans les autres niveaux et font les sales boulots. L'évasion de l'alien met les forces de sécurité sur les dents. Le commissaire Amundsen (qui ressemble beaucoup à l'acteur Leslie David Baker, qui interprète Stanley Hudson dans The Office) fait alors appel à Akeidama Bledsoe, une chasseuse de primes surnommée Blood pour sa chevelure flamboyante et ses méthodes qui ne font pas dans la nuance. La Miss part à la recherche du criminel alien avec son fidèle partenaire, Thunder, un fusil doué de la parole et d'une intelligence artificielle.

Scénariste de Walking Dead et créateur de toute une galaxie de comics (Invincible notamment), Robert Kirkman a imaginé cette nouvelle série de science-fiction boostée à l'action. Benito Cereno a développé une histoire qui fait la part belle aux courses-poursuites et affrontements sanglants donc tout en créant un monde futuriste très hiérarchisé, entre humains et extra-terrestres mais aussi Terriens et humains nés dans les colonies. Un background bien foutu qui contribue à l'intérêt de ce premier tome trépidant et traversé par quelques réflexions pertinentes sur la société, l'accès à la culture, la diversité... Le récit est mis en scène par E.J. Su, dont j'apprécie le dessin souple, alerte, expressif (découvrez les premières planches). A suivre !

Chris Condon et Jacob Phillips : Le Massacre du gang Enfield

C'est un western crépusculaire et violent, à la Sam Peckinpah, que signe le duo d'auteurs. L'album s'ouvre sur une fête foraine qui a planté les piquets de ses tentes en Oklahoma, à la naissance du XXe siècle. L'une des attractions est le cadavre momifié de Montgomery Enfield, un hors-la-loi dont le gang a mis à sac la région de Fort Lehane (hommage à Dennis Lehane, l'auteur de Mystic River et Shutter Island ?), au Texas. Pour savoir comment il vécut, comment il est mort, flashback. 1875. Le bandit et ses complices dévalisent une banque pour la troisième fois en trois mois. Pas un coup de feu. La confrontation avec le banquier est presque bon enfant. Les voleurs s'en vont avec leur butin. Sauf qu'un peu plus tard, le banquier est découvert horriblement mutilé. Le capitaine Ely, Texas Ranger, décide alors de se débarrasser une fois pour toutes du gang Enfield (découvrez les premières planches).

Condon et Phillips racontent l'histoire de l'Ouest sauvage, où la justice est rendue à coups de revolvers et de pendaisons publiques. Les gentils sont des salauds et les salauds nous apparaissent moins méchants que leur réputation. Des personnages entiers, des affrontements sanglants. Le dessin de Jacob Phillips (apprécié dans la série Newburn) va droit au but, avec un côté sombre et sale qui sied au récit. Son art de la mise en couleurs (Phillips est aussi coloriste) permet de conférer à chaque séquence l'ambiance adéquate. Un one-shot qui vise juste. En pleine tête.

Anderton

Une affaire turque : un thriller implacable et humaniste

2026-08-04T04:16:08.136+02:00

On ne choisit pas sa famille. Et on ne se coupe pas facilement de ses racines. Illustration dans Une affaire turque, qui sort ce mercredi au cinéma. Mais plutôt que le drame social, le réalisateur Hüseyin Aydin Gürsoy a opté pour le thriller. Une grande réussite.

Descente aux enfers

Déterminé, efficace, Mathieu est un ambitieux avocat d'affaires qui trace sa route dans un prestigieux cabinet parisien. Derrière cette machine bien huilée, se cache Mustafa, un fils d'immigrés turcs qui entretient des relations tendus avec son père parce qu'il s'est affranchi de la culture familiale. Alors qu'il accepte à contrecoeur de rendre visite aux siens, Mathieu est sollicité par sa soeur pour défendre un jeune turc du quartier, victime d'une agression raciste. Une affaire qui pourrait en solutionner une autre, à son cabinet. Mais la solution imaginée par Mathieu l'entraîne dans une spirale infernale.

Mécanique implacable et plongée au sein de la communauté turque

Je ne l'avais pas vu venir, ce thriller. Et il m'a scotché. Par sa mécanique implacable, qui broie progressivement un jeune homme brillant dont l'avenir s'annonçait radieux. Et par sa description aussi précise que nuancée de la communauté turque de France, déchirée comme tant d'autres entre volonté d'intégration et respect de la culture d'origine, avec en prime une opposition entre première et deuxième générations.

Efficacité et humanisme

Hüseyin Aydin Gürsoy filme cette histoire avec efficacité et sensibilité, à hauteur d'hommes et de femmes. Et il est bien aidé par d'excellents comédiens : Lionel Erdogan dans le rôle de Mathieu fend progressivement l'armure de son personnage pour révéler tous ses déchirements intérieurs. Charles Berling est parfait en avocat faussement bonhomme et Lubna Azabal en consoeur a priori incorruptible tandis que Metehan Aygun incarne un jeune Turc lui aussi écartelé, comme le reflet inversé de Mathieu. Poignant.

Film politique, Une affaire turque ? Assurément. Un film social aussi mais sans jamais sacrifier à l'intrigue qui prend le spectateur aux tripes et ne le lâche plus.

Anderton

Police Flash 80 : flics, voyous, Sardou et coupe mulet

2026-08-02T20:31:01.974+02:00

Avec Police Flash 80, Jean-Baptiste Saurel nous transporte à une époque où les flics portaient des blousons en cuir, décapsulaient leurs bières avec leurs flingues et menaient leurs interrogatoires à coups de bottin. Désormais disponible en vidéo chez Pathé, la comédie avec François Damiens, Audrey Lamy et Thomas Ngijol joue à fond la carte du rétro et du pastiche et ça fait le job.

Voilà la brigade de choc

Johnny Lansky était un sacré bon flic. A l'ancienne. Le genre à détourner le regard et empocher le pognon. Sauf qu'il est devenu un peu trop gourmand et que ça n'a pas plu à Luc Le Timal, animateur respecté de la MJC du quartier et dealer à plein temps. Le flic a été retrouvé mort. Son partenaire, Yvon Kastendeuch, n'a pas eu le temps de faire son deuil qu'il a été propulsé à la tête d'une unité destinée à mettre un terme au trafic de drogue. Cinquante francs de salaire en plus et quelques tickets restau l'ont convaincu d'accepter sa nouvelle mission et ses nouveaux coéquipiers : Guilaine Reblot-Bernard, une brillante policière à cheval sur le règlement ; Roberto Torticelli, le roi du déguisement, et Marfoud Alaoui, le spécialiste du minitel et de la prise péritel. Pas simple pour Kastendeuch, fan de Sardou, adepte de la combine et de la procrastination.

Rétro rigolade

Police Flash 80 reconstitue les années 80 dans le moindre détail. De la bouteille de viandox au calendrier des PTT, du troquet qu'on dirait sorti d'un film de Sautet aux vêtements trop larges et aux couleurs trop criardes en passant par les coupes de cheveux où la frange épaisse le dispute aux bouclettes jusqu'en bas de la nuque. Chaque élément des décors et costumes nous ramène quarante balais en arrière. C'est vrai aussi pour les bagnoles, la bande-son et même les noms des protagonistes : Johnny Lansky est un hommage plus qu'appuyé à la série David Lansky, dont le personnage principal était interprété par Johnny Hallyday. Quant à Kastendeuch, cela rappelle aux plus anciens le patronyme d'un joueur de football qui mit ses crampons au service du FC Metz.

On baigne dans un jus vintage et souvent ringard qui fait tout de suite sourire. Faut dire que le look 80's, c'est comme le viandox ou le survêt fluo justement, ça n'a pas bien vieilli. Et là où on se marre vraiment, c'est quand le film joue et se joue de tous les codes et comportements de l'époque - sans filtre -, qui passent bien mal à la lumière plus tamisée de la nôtre. Et puis voir un policier se pointer avec un fax pour annoncer une nouvelle urgente, cela fait forcément marrer.

François Damiens s'embrouille

Au pinacle de la beaufitude, se tient fièrement Yvon Kastendeuch. François Damiens l'incarne avec son talent habituel. Bidoche en avant, bêtise crasse assumée mais sans jamais le priver d'une humanité qui jaillit ici ou là, dans un regard ou quelques mots a priori anodins que le comédien rend sensibles et touchants alors qu'on ne s'y attendait pas. Yvon le dinosaure est confronté à une "jeune" génération de collègues à la fois plus professionnelle et plus respectueuse (de la loi, des autres) mais qui n'échappe pas pour autant à la marque de son temps. Guilaine Reblot-Bernard est une flic qui ne s'en laisse pas compter sur le terrain ; à la maison, elle est renvoyée par son mari à son rôle de femme au foyer. Audrey Lamy interprète ses contradictions avec beaucoup de nuances. Même Luc Le Timal (dont le blase est en soi tout un poème pour la communauté antillaise), le méchant à la personnalité très marquée, échappe à la caricature grossière grâce au jeu de Thomas Ngijol, qui a également cosigné le scénario. A côté de ce trio, on retrouve Xavier Lacaille (Torticelli), Brahim Bouhlel (Alaoui) et Philippe Rebbot (le commissaire) qui donnent vie à des personnages hauts et en couleurs.

L'édition DVD de Pathé propose en bonus un entretien avec l'équipe du film et une journée sur le tournage. Je me suis bien marré devant cette comédie qui cherche à faire marrer et atteint pleinement son but. J'aimerais bien retrouver cette fine équipe à l'écran. Affaire à suivre...

Anderton

Chers parents : Famille, je vous aide ?

2026-07-17T10:14:00.000+02:00

Naître dans une famille heureuse, c'est un peu la loterie. Et gagner à la loterie peut paradoxalement faire exploser ce bonheur aléatoire. C'est le postulat de Chers parents, comédie mordante désormais disponible chez M6 Vidéo.

Chers parents, pauvres enfants

Jeanne et Vincent sont des parents heureux. Retraités de l'Education nationale, ils vivent dans une belle maison au pied des Alpilles où ils aiment recevoir leurs enfants, Pierre, Louise et Jules. Il les ont d'ailleurs invités pour leur annoncer une grande nouvelle. Ils vont partir au Cambodge pour y ouvrir un orphelinat. Un projet rendu possible par un sacré coup de chance : ils ont gagné au loto. L'étonnement des enfants fait place à la joie avant de virer à la colère. Car Jeanne et Vincent n'ont pas l'intention de partager le magot avec leurs rejetons.

Une histoire de famille

Chers parents, c'est l'histoire d'une famille et aussi une histoire de famille puisqu'Emmanuel Patron, le réalisateur, et son épouse Armelle Patron ont coscénarisé le film à partir de la pièce de théâtre qu'ils ont créée en 2021. Ils ont d'ailleurs confié deux petits rôles aux comédiens qui ont interprété Jeanne et Vincent sur les planches : Frédérique Tirmont et Bernard Alane (que de souvenirs, Hibernatus ! Mon Oncle Benjamin !).

Au fil des cinq années de représentations et de tournées, les Patron ont eu le temps d'affiner leur matériau de base, d'en tester les répliques, d'assurer la tenue de chaque scène et d'en maîtriser le rythme. Le film séduit justement par son tempo enlevé et ses dialogues qui font mouche. Les personnages sont bien brossés, interprétés par un formidable casting : André Dussolier en papa gâteau au sourire canaille, Miou-Miou qui transpire la bonté et la fermeté maternelles, Arnaud Ducret en grand frère plein d'assurance, Pauline Clément en soeur qui en manque cruellement, Thomas Solivérès en chouchou irresponsable (et ça tombe bien parce que c'est aussi notre chouchou - lire l'entretien que Thomas Solivérès nous avait accordé pour la sortie des Gamins).

Pour 250 briques, t'as plus rien

Avec jubilation, les Patron font exploser ce modèle de réussite économique et social. L'argent pourrit les gens, comme l'a si bien résumé le Suprême NTM. Les masques tombent, les failles de chacun deviennent des gouffres desquels jaillissent envie, mesquinerie et méchanceté. Pour autant, pas question ici de vitriol, juste un bon cru qui aurait tourné vinaigre. Les Patron se sont bien gardés de tomber dans la caricature : ce billet de loterie agit comme un révélateur mais n'efface pas complètement l'amour qui a uni la famille. On lâche des mots durs mais on les regrette aussitôt. J'ai aimé cette approche nuancée. Une férocité bienveillante, qui n'empêche pas l'émotion de s'exprimer. C'est ce qui rend ces personnages touchants bien qu'ils soient appâtés par le gain. Ou justement parce qu'ils le sont. Mais qui ne le serait pas ?!

Pas de numéro complémentaire

L'édition vidéo propose le strict minimum. A savoir : le film. Il y avait pourtant de quoi proposer des bonus intéressants, notamment comment on adapte une pièce de théâtre au cinéma. Et j'aurais aimé voir les comédiens partager leur expérience du tournage, car c'est une belle équipe qu'on avait envie de retrouver. Tant pis. Reste l'essentiel : le film, une comédie mordante et touchante à la fois.

Anderton

L'Odyssée : l'épopée d'Homère à l'assaut des salles Imax

2026-07-15T10:00:00.000+02:00

Après le triomphe critique et commercial d'Oppenheimer en 2023 (7 Oscars, 1 milliard de dollars de recettes), Christopher Nolan revient avec un projet d'une tout autre ampleur : une adaptation XXXL de L'Odyssée, le poème épique attribué à Homère. Finalement assez peu adapté au cinéma – le péplum de Mario Camerini avec Kirk Douglas datant déjà de 1954 – comment ce récit fondateur de la culture européenne se fond-il dans l’univers des studios hollywoodiens ?

Casting 4 étoiles pour un mythe fondateur

Matt Damon, pour le troisième fois interprète de Christopher Nolan, incarne Ulysse (Odysseus), le roi d'Ithaque, dont le retour de la guerre de Troie se transforme en dix années d'épreuves face aux dieux, aux monstres et aux tentations. Pour préparer le rôle, l'acteur, âgé de 55 ans, a retrouvé la forme physique de ses années lycée. Face à lui, Anne Hathaway prête ses traits à Pénélope, l'épouse fidèle qui attend son retour, tandis que Tom Holland interprète leur fils Télémaque.

L'ensemble du casting donne la mesure de l'ambition du projet : Robert Pattinson, Lupita Nyong'o (dans le double rôle d'Hélène de Troie et de Clytemnestre), Zendaya en déesse Athéna, Charlize Theron en magicienne Calypso, ainsi que Jon Bernthal, Benny Safdie, Samantha Morton en diabolique Circé, John Leguizamo, Mia Goth ou encore Elliot Page (dans les pas d’Achille-Brad Pitt de Troie, qui avait été initialement proposé à… Christopher Nolan) complètent une distribution pléthorique. Le rappeur Travis Scott fait également une apparition remarquée, qui permet d’établir un parallèle entre le rap et la poésie orale, deux formes d'art qui se rejoignent dans leur fonction narrative et rythmique.

Prouesse technique inédite

Le tournage, qui s'est déroulé de février à août 2025, a mené l'équipe en Italie, en Islande, en Grèce, au Maroc et en Écosse, avec quelques scènes complémentaires tournées dans les studios Universal en Californie.

La grande particularité du film tient à son dispositif technique : il s'agit du premier long métrage entièrement tourné en Imax. Pour les puristes, rappelons que l’Imax, créé par une société canadienne, est un procédé qui consiste à tourner avec des caméras 70 mm et des bobines horizontales, destiné aux salles à l’écran immense. Tout cela pour une qualité d’image optimale et un format étendu (1,43), plus carré, qui complète le bas et le haut de l’écran. Et un son plus pointu.

Fidèle à sa réputation, Nolan a privilégié au maximum les effets spéciaux et les scènes live, plutôt que les images de synthèse, dans la continuité de son approche sur Dunkerque, Tenet ou Oppenheimer. Et le résultat est là : vous n’êtes pas près d’oublier les scènes maritimes ou l’incendie de la ville de Troie !

Homère dans le texte ?

Le récit adopte la structure non linéaire du poème original, avec ses nombreux retours en arrière racontés par Ulysse lui-même, tout en maintenant une narration fluide et limpide, même avec des dialogues parfois un peu trop…contemporains dans les termes. L’important n’est pas là : toutes les grandes étapes du mythe sont bien présentes. Nolan parvient même à en renouveler l’imagerie, à l’instar du célèbre cheval de Troie ou du Cyclope, qu’il tire vers le film gore. Mention spéciale à Circé et la transformation des compagnons d’Ulysse, scène que n’aurait pas reniée le David Cronenberg d’avant Crash.

Si l’émotion reste comme souvent le point faible des films de Nolan, Interstellar mis à part, il faut louer la remarquable prestation de Matt Damon, notamment dans l’épisode des sirènes, dans lequel il pousse un cri déchirant qui vous fera frissonner.

D’une ambition rare

D'une ambition rare (combien de fois L’Odyssée avait-elle été adaptée au cinéma ?), le film est porté par une seconde partie intense et bourrée de scènes d’actions, et qui fait la part belle aux échos qu’entretient le texte avec notre contemporain : les vertus du courage, l’attention à porter à la nature sans laquelle l’humain n’est rien, l’importance de l’équilibre à trouver entre sa sphère privée et sa destinée, le poids de la fracture du temps dans nos destinées. Certes, le film pourra paraître parfois un peu pompier ou maladroit – comme souvent chez Nolan. Mais l’élan de la mise en scène, la force de l’interprétation, l’audace de son casting, la partition du compositeur suédois de Sinners Ludwig Göransson, composée de nappes synthétiques intemporelles, le respect de la narration originelle combinant flash-backs et enchâssement des récits, emportent largement l’adhésion.

Film matrice

Le 13e long métrage de Christopher Nolan s'inscrit dans une filmographie où chacun des douze films précédents semblait infusé par le texte d’Homère : le travail sur le temps et la mémoire (Memento, bien sûr !), le récit qui se replie sur lui-même (mais oui, Tenet !), l’idée du retour (Interstellar, pour sûr !). Et là, il s’agit pour le cinéaste britannique, seul maître à bord, avec James Cameron, du blockbuster d’auteur, de livrer ce que seuls les cinéastes les plus obsessionnels créent un jour : leur film matrice, à partir duquel découlent tous les autres, passés et futurs.

Travis Brickle

Pour prolonger l'expérience en lecture

Lecteur d'Homère, amateur de mythologie grecque ou fan de Nolan désireux de prolonger l'expérience du film, L'odyssée de l'Odyssée est pour toi ! Christophe Ono-dit-Biot raconte les aventures d'Ulysse et la manière dont les a chantées l'aède. Et ça aide à (re)découvrir une oeuvre palpitante, enthousiasmante (COdB revient plusieurs fois sur le sens premier de l'enthousiasme), d'une telle richesse qu'elle ne cesse de nous surprendre.

Avec une érudition accessible à tous, humour, passion et dans un style vivant, l'auteur détaille, décrypte, développe. Il tord le cou à l'hydre des idées reçues (Ulysse, noble héros... tu parles), revient au texte pour mieux proposer d'audacieuses analogies, invoquant Cavafy et Nolan, évoquant Brassens et Ulysse 31. Il partage sans pédanterie aucune son savoir et surtout son amour pour un poème fondateur.

Anderton

Le Chant des forêts et le silence de la montagne

2026-07-06T10:55:00.000+02:00

Et si on prenait le temps de ralentir un peu et d'apprécier la beauté de la nature qui nous entoure ? Une beauté fragile, fugace, à découvrir autant par le regard qu'avec l'ouïe. C'est ce que nous proposent deux oeuvres magnifiques : Le Chant des forêts, que Blaq Out sort en vidéo, et La Montagne d'encre, un album de BD publié par Dargaud.

Le Chant des forêts, la transmission selon Vincent Munier

Depuis quelques décennies maintenant, le photographe Vincent Munier nous invite à nous émerveiller devant la beauté de la nature. Dans une autre vie, alors journaliste, il y a vingt ans de cela, j'ai eu le plaisir de l'interviewer sur son approche. J'avais été frappé par son humilité, aussi bien sur son travail que sur sa place et celle de l'homme au sein de l'écosystème terrestre. Il n'a pas changé. Le générique de fin du Chant des forêts fait défiler les noms des "protagonistes" par ordre d'apparition : les Munier, père, grand-père et fils, y apparaissent aux côtés des oiseaux, mammifères et insectes croisés au cours de leurs sorties dans les bois. La nature n'est pas qu'un spectacle, insiste le photographe-réalisateur dans un entretien éclairant proposé en bonus, elle est aussi le lieu où tous les êtres vivants ont leur place et doivent apprendre à vivre ensemble.

C'est cette idée simple et pourtant trop souvent oubliée que Munier veut nous transmettre. Son film est aussi l'illustration d'une autre transmission : celle d'un père, amoureux et protecteur de la nature, à son fils photographe et à son petit-fils. Car pour Vincent, Michel n'est pas uniquement un géniteur, c'est un guide dont il veut nous faire profiter de la sagesse. Et c'est vrai que l'homme sait traduire en mots simples l'émotion d'une rencontre avec le règne animal, l'émerveillement devant un paysage préservé des appétits de l'homme et les enjeux de préserver la part sauvage de notre planète. Nous sommes comme le jeune Simon, qui accompagne son père Vincent et son grand-père Michel : nous buvons les paroles du sage, intégrons les conseils de l'artiste et découvrons de nos grands yeux, avec les oreilles grandes ouvertes, la beauté de la nature. Trois générations qui commentent, questionnent ou font silence, instaurant un émouvant dialogue avec la forêt des Vosges qu'ils chérissent.

La nature est un tout

Spectateurs, nous voici immergés dans une forêt qui "chante" : craquements des arbres, souffle du vent, grognements, feulements et chants des bêtes sauvages, qui semblent se répondre. Des bêtes qui ne se laissent pas facilement voir. On les devine à travers les feuillages ou la brume. Silhouettes fugaces, trop lointaines ou trop proches, que la caméra ne parvient pas à saisir. Jusqu'à ce que le miracle se produise : le cerf imposant, le lynx au regard envoûtant, le grand tétras si rare nous apparaissent dans toute leur splendeur.

Pour autant, Munier ne s'intéresse pas uniquement à ces "stars" des forêts. Il pose son regard sur la mousse d'un arbre mort, le fil d'une araignée qui danse entre deux plantes, l'envol d'un insecte, la course d'un écureuil, les mains de son père qui se referment sur une tasse fumante. Il filme la brume qui jaillit de la montagne, donne à voir les particules dorées de l'air au coucher du soleil. Munier est un peintre tantôt impressionniste, tantôt pointilliste. C'est aussi un poète. Son Chant des forêts est un hymne à la beauté du vivant.

La Montagne d'encre, les sensations de Nicolas Debon

Nicolas Debon a aussi décidé de partager sa fascination pour les paysages d'une montagne de l'est de la France. Avec ses pinceaux, ses crayons, il reproduit la nature aux différentes saisons. Sous sa main, des arbres sortent du brouillard, une tempête de neige brouille un massif de conifères, une roche révèle les incroyables détails de sa forme. Les ondulations des gouttes de pluie sur un lac, les ailes d'un papillon, le vol d'un corbeau. Autant de sensations, d'instantanés foudroyants de beauté. Magnifique travail sur les couleurs ou le noir et blanc. Chaque case est un ravissement (découvrez les premières planches).

Avec La Montagne d'encre, le dessinateur livre un long poème qui semble répondre au film de Vincent Munier. Les deux artistes chantent un monde aux portes de nos villes qu'ils nous invitent à admirer et à entendre, encore plus qu'à écouter.

Anderton

Le Cuirassé Potemkine : 5 bonnes raisons de revoir la version Pet Shop Boys au cinéma

2026-06-29T10:18:00.000+02:00

Cent ans après sa sortie, Le Cuirassé Potemkine, le chef-d'œuvre de Sergueï Eisenstein, revient dans les salles françaises, distribué par Potemkine Films – qui d’autre ? Et il ne revient pas seul : il est accompagné d'une partition signée par le duo pop britannique Pet Shop Boys, disponible en parallèle de la version originale avec la musique originale d'Edmund Meisel. Voici cinq raisons de retourner (ou d'aller pour la première fois) à la rencontre de ce monument du cinéma muet.

Une partition en harmonie avec l’architecture du film

Neil Tennant et Chris Lowe n'ont pas simplement composé une musique d'ambiance pour accompagner les images. Leur partition mêle textures synthétiques, pulsations électroniques et envolées orchestrales. Le résultat évoque par endroits le travail de Vangelis sur Blade Runner : tension suspendue entre beauté et menace, qui finit par se libérer dans des crescendos d'une grande intensité dramatique. La musique suit les cinq actes du récit et épouse chaque rupture du montage d'Eisenstein, sans en contredire l’architecture en 5 actes.

Une commande inédite sur grand écran en France

Cette partition n'est pas une nouveauté absolue : elle a été composée dès 2003-2004, à la demande de l'Institute of Contemporary Arts de Londres, et créée le 12 septembre 2004, en plein conflit irakien, devant 25 000 personnes sur Trafalgar Square, le film projeté sur écran géant pendant que Tennant, Lowe et l'orchestre jouaient en direct. Vingt ans plus tard, c'est l'occasion pour le public français de découvrir (ou redécouvrir) cette rencontre entre pop électronique britannique et cinéma soviétique des années 1920, cette fois dans les conditions d'une vraie salle de cinéma.

Et qui pourra rappeler à certains d’entre vous le sort funeste qu’avait réservé le maestro du disco Giorgio Moroder à Metropolis, le film de Fritz Lang, dans une version tronquée et colorisée en 1982. Mais ici, point de colorisation – hormis celle du drapeau soviétique hissé en tête de mât du cuirassé – ni de version remontée ou raccourcie.

Centenaire d'un film qui a changé la grammaire du cinéma

Le Cuirassé Potemkine sort en URSS le 24 décembre 1925, pour le vingtième anniversaire de la révolution de 1905. Le deuxième film de Sergei M. Eisenstein, alors âgé de 27 ans, retrace la mutinerie des marins d'Odessa et sa répression sanglante par l'armée tsariste. Il s'est imposé dans l'histoire du cinéma par la radicalité de son montage, devenu une référence absolue, étudiée dans toutes les écoles, et par la puissance de séquences entrées dans la légende — au premier rang desquelles le massacre de l'escalier d'Odessa, citée à maintes reprises au cinéma – notamment Les Incorruptibles, de Brian de Palma.

Voir ce film aujourd'hui, sur grand écran, c'est se confronter directement à la source d'un langage visuel que le cinéma entier a ensuite intégré à sa propre grammaire. Voir devancé : j’en veux pour preuve ce plan sur la foule dévalant un escalier monumental d’Odessa, filmé subitement en mode portrait, d’une étonnante modernité, préfigurant à lui seul les formats TikTok de nos chères têtes blondes...

Une œuvre longtemps interdite

Le film est arrivé en France pour la première fois le 12 novembre 1926, avant d'être interdit et censuré pendant 27 ans. Cette ressortie célèbre donc aussi une œuvre qui a longtemps payé pour sa charge politique et sa radicalité formelle. La revoir aujourd'hui, en version restaurée, permet de mesurer à quel point ce qui a pu effrayer les censeurs reste, un siècle plus tard, une expérience de cinéma d'une intensité rare.

Un film à la rage et l’émotion intactes

Sous la propagande soviétique et l'idéologie de commande, il y a dans Potemkine une colère plus universelle : celle de ceux qu'on écrase, et qui ne se démode pas. Et une émotion tout aussi universelle : vous ne pourrez pas ne pas pleurer une énième fois la mort du héros Vakoulintchouk – présentant une étrange ressemblance avec Staline - avec la foule d’Odessa, sublimée par une série de gros plans de visages sur hommes et femmes qui réclament justice pour leur camarade. Les questions d'oppression, de résistance collective et de rapport de force entre le peuple et le pouvoir conservent aujourd’hui des échos et des résonances avec notre XXIe siècle.

La partition des Pet Shop Boys, avec sa mélancolie propre aux révolutions qui savent d'avance ce qui les attend, donne à ce chef d’œuvre, parfois alourdi de sa réputation de film-qu’il-faut-absolument-avoir-vu-dans-sa-vie une résonance inattendue pour un public de 2026.

Travis Brickle

BD : L'île des riches, The White Lotus selon Christin et Titwane

2026-06-28T15:52:00.744+02:00

Bientôt les grandes vacances ? Pour les grandes fortunes, c'est tous les jours les vacances. En atteste un lieu de villégiature très exclusif, perdu au milieu de l'océan Pacifique. Le regretté Pierre Christin, scénariste notamment des aventures de Valérian et Lauréline, a imaginé une satire sur l'univers des ultrariches, que Titwane a mis en image dans un album de BD corrosif : L'île des riches (Dargaud).

Une BD caustique sur les milliardaires

C'est en hélicoptère que Sinclair débarque sur une île peu connue au coeur de l'océan Pacifique. Son propriétaire, Herr Zwingli, lui fait la visite. Selon un mécanisme de bail emphytéotique, les plus grandes fortunes du monde y ont construit de somptueux palaces - ici, un riad marocain, là un palais chinois, plus loin une villa art déco. Une usine marémotrice souterraine et une ferme solaire offshore fournissent l'énergie ; des cargos livrent régulièrement les matériaux et produits qu'une armée d'employés assemblent, ordonnent, concoctent pour les habitants. Envoyé par son patron pour négocier l'acquisition d'une résidence, Sinclair est émerveillé par cette débauche de luxe. Mais au cours de sa visite, l'homme de main remarque que ce petit paradis est traversé par de vives tensions. En revanche, il est inconscient d'un danger qui menace l'existence même de l'île : une éruption sous-marine qui provoque un gigantesque tsunami.

La dernière histoire de Pierre Christin

Comme l'explique François Le Bescond, directeur éditorial chez Dargaud, dans une postface, cet album est "le dernier totalement imaginé par Pierre Christin". En mai 2023, le scénariste exhume de ses tiroirs un script maudit, codéveloppé avec son assistante Stella Lory et qu'il n'a jamais finalisé. Le Bescond le convainc de le reprendre. Le projet prend forme. Un dessinateur est identifié : Titwane, illustrateur et auteur d'ouvrages sur des enquêtes immersives, au sein du porte-avions Charles de Gaulle, de la brigade des mineurs, de la brigade criminelle... (découvrez son site). Christin guide le dessinateur "dans les réglages fins de la physionomie des personnages" [Christin apparaît d'ailleurs sous les traits d'un des résidents de l'île], "et dans le découpage des première pages", précise Le Bescond. Mais il ne verra pas l'album imprimé : il disparaît le 2 octobre 2024.

Après Palmer dans le rouge, de Pétillon et Manu Larcenet, c'est la deuxième fois en quelques mois que Dargaud publie un album posthume d'un grand monsieur de la bande dessinée.

L'insulaire de la peur

On retrouve dans L'île des riches l'humour mordant de Christin, son art de brosser des personnages marquants et de s'inspirer de la réalité pour mieux la transformer en fiction. On y croit à ce "ghetto pour milliardaires" et on assiste à la catastrophe annoncée avec un amusement trop teinté de dégoût pour être complètement jubilatoire. Tout est si vrai, tristement vrai. Pauvre monde.

Le dessin de Titwane est à la fois réaliste et ce qu'il faut de décalé pour aller dans le sens de la satire, avec le bon équilibre entre humour et même poésie. A la laideur des caractères et des comportements, il oppose la beauté de la faune et de la flore, qu'il sublime de ses belles couleurs peintes (découvrez les premières planches).

Références sur petit et grand écrans

Une île réservée aux ultrariches. L'idée a également été abordée dans la BD Billionaire Island de Mark Russell et Steve Pugh (Urban Comics). En tournant les pages, on pense aussi aux séries L'île fantastique et The White Lotus ainsi qu'aux films Sans filtre, The Impossible et même Jurassic Park !

Christin peut afficher son sourire un peu narquois de son éden à lui. L'album est une grande réussite.

Anderton

Los Tigres : plongée dans un thriller étouffant

2026-06-26T15:32:22.786+02:00

Andalou, Alberto Rodriguez raconte sa région d'origine loin des images de carte postale qu'elle suscite spontanément. Certes, le soleil est éclatant mais il illumine les vices et turpitudes de l'humanité qui y a élu domicile. Avec Los Tigres, que Le Pacte sort en vidéo, le cinéaste signe un thriller tendu qui nous fait découvrir l'univers des plongeurs professionnels.

Frère et soeur à la dérive

Enfants d'un célèbre plongeur professionnel local, Antonio et sa soeur Estrella exercent le même métier que leur père : ils interviennent souvent sur des navires et équipements de l'industrie pétrolière, au large du port de Huelva. Un travail dur qui leur permet tout juste de vivre. D'ailleurs, Antonio peine à payer la pension alimentaire de son ex-épouse, qui menace de lui interdire de continuer à voir ses filles. Lors d'une mission, il découvre un chargement de cocaïne caché dans un compartiment immergé d'un pétrolier. Il imagine de voler la cargaison et de la revendre pour sortir de ses problèmes financiers. Estrella refuse avant de se raviser et d'imaginer un plan pour que le vol ne soit pas découvert.

Implacable Rodriguez

Après l'excellent La Isla minima, retour en Andalousie pour Alberto Rodriguez. Sous le soleil implacable, sa terre devient le théâtre de ce qui s'annonce comme une tragédie grecque. Car on ne croit pas au miracle et cette cocaïne providentielle charrie évidemment son lot de dangers. Pas d'extravagance dans la mise en scène, ni de rythme effréné dans le montage : Rodriguez instaure une tension qui va crescendo avec des plans d'apparence simple mais terriblement efficaces. Sa réalisation est implacable.

Plongée en apnée

Le film vaut également par la description d'un métier rarement montré au cinéma, dont on découvre la pénibilité, en même temps que le mode de vie qu'il implique. En forme ou pas, il faut plonger. Le matériel n'est pas toujours parfait. L'équipage forme une sorte de famille, entre solidarité et engueulades. En dehors du bateau, le cinéaste décrit avec justesse la vie de ces forçats de la mer, un prolétariat dur au mal car il n'a pas le choix. L'Andalousie se révèle comme une terre aride, écrasée de soleil, au littoral tantôt abandonné, tantôt défiguré par les usines et infrastructures industrielles.

Un formidable duo d'acteurs

Déjà à l'affiche de La Isla minima, Antonio de la Torre nous avait emballé dans Une Vie secrète et El Reino. Econome en gestes, il impose son regard perçant et une présence qui dégage autant de bienveillance que de menace. Dans le rôle d'Antonio, il est encore une fois formidable, alternant force de caractère et faiblesse touchante. Barbara Lennie, à l'affiche d'Autofiction de Pedro Almodovar (Festival de Cannes 2026), joue sa soeur Estrella avec toutes les nuances qui rend cette relation véridique : elle materne et bouscule son frangin, avec lequel elle partage un traumatisme ancien.

Le Pacte accompagne ce thriller prenant de bonus intéressants : des entretiens avec le réalisateur et les acteurs ainsi qu'un making of sur un tournage forcément compliqué.

Anderton

Comics : du nouveau pour Batman, Superman & co

2026-06-21T18:42:53.645+02:00

L'univers des super-héros ne cesse de se réinventer, n'en déplaise à ceux qui pensent qu'il s'y passe toujours la même chose. Illustration avec deux albums DC Comics, publiés par Urban Comics, qui rebattent les cartes : Batman Prime tome 1 Ennemi public n°1 et DC KO tome 1.

Matt Fraction et Jorge Jimenez : Batman Prime tome 1 Ennemi public n°1 (Urban Comics)

Ce premier tome est un événement en soi puisqu'il s'agit d'un relaunch, c'est-à-dire d'une relance de la série. Et il s'agit seulement de la quatrième depuis la création du Dark Knight, en 1939. Matt Fraction parvient à apporter du neuf tout en s'inscrivant dans la continuité de la saga. L'action se déroule toujours à Gotham, bien sûr, mais le scénariste en donne une topographie très précise, au-delà des buildings rutilants et des ruelles sombres. Bruce Wayne, le riche héritier, enfile toujours son costume de justicier pour combattre le crime mais le costume a évolué, et comporte de nouveaux équipements qui nous sont présentés à chaque fois que le héros en fait usage.

Un héros qui ne peut plus compter sur l'aide de la police : James Gordon est redevenu un simple flic tandis que le nouveau commissaire, Vandal Savage, a déclaré Batman hors-la-loi. Quant aux familles se criminels, elles sont unifiées sous l'autorité du mystérieux Minotaure. Pour couronner le tout, Wayne doit gérer les relations conflictuelles entre son fils Damian et son jeune protégé Tim.

Ce premier tome met en place l'histoire et nous fait découvrir les personnages qui vont le peupler. L'ambiance est moins sombre que dans certaines aventures précédentes, l'humour est même présent ici ou là. Wayne/Batman n'est pas un guerrier infaillible ni imbattable. Les séquences d'action sont très réussies. Le dessin de Jorge Jimenez, souple, élégant, détaillé, et sa mise en page dynamique, très cinématographique, nous emporte dans une nouvelle épopée flamboyante (découvrez les premières planches). Relance validée !

Scott Snyder, Joshua Williamson, Javi Fernandez, Xermanico : DC KO tome 1 (Urban Comics)

Après le relaunch, place au crossover. DC Comics imagine une saga réunissant plusieurs de ses personnages iconiques et comme l'indique le titre, il va être question de castagne ! Darkseid, l'ennemi absolu, le super vilain des super vilains, vient anéantir la Terre. La Ligue de Justice a une semaine pour désigner son champion, celui qui affrontera Darkseid dans un duel sans merci. Et ce champion sera celui qui aura vaincu tous les autres. Ses alliés, ses amis.

Snyder et Williamson orchestrent ce crossover qui, précise l'éditeur, répond à la question ultime, "régressive mais si jouissive : qui est le plus fort de tous !?". Superman, Batman, Wonder Woman, Lex Luthor... ? Disons-le tout net : le récit est dense et rythmé par des combats dantesques, violents, au cours desquels personne ne retient ses coups (découvrez les premières planches). Un tableau digne de la Coupe du monde permet régulièrement de connaître les vainqueurs et les perdants, les morts et les survivants. Et comme dans un Mondial, il y a des surprises, des déceptions, des occasions de s'enthousiasmer. Cette méga-battle royale se poursuivra dans deux autres tomes.

A noter qu'Urban Comics poursuit la publication de Exquisite Corpses, une autre battle royale infernale au coeur de l'Amérique : des grandes familles font affronter leurs hérauts (une belle bande de psychopathes) dans des combats à mort au sein d'une petite ville dont les habitants ne peuvent s'échapper. On en est au sixième et avant-dernier tome et c'est toujours aussi jubilatoire.

Anderton