CINEMA CLASSIC

No, we don't want flatulence in the movie "Dolittle". Enough of the vulgarity in cinema

2023-01-14T01:56:00.004-08:00

In the film "Dolittle", directed by the director Stephen Gaghan, the producers Susan Downey, Joe Roth and Jeff Kirschenbaum instead of maintaining the elegance and irony of the stupendous version ("The Fabulous Doctor Dolittle", from 1967, played by the great Rex Harrison, by Samantha Eggar and by Anthony Newley) directed by Richard Fleischer, they remade themselves from the worst Italian comedies, inventing, no less, intestinal pain and flatulence of a dragon. Let's say "enough" to these vulgarities in cinema. It is necessary for the culturally adult public to re-appropriate cinemas and for a return to the great classic cinema

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Awarding two Golden Globes to a film like "Everything Everywhere All at Once" about martial arts and superheroes is a shame. Martial arts and superheroes are enemies of cinematic art.

2023-01-13T07:50:00.002-08:00

Two Golden Globes 2023, one for Best Actress in a Musical or Comedy film and one for Best Supporting Actor were awarded to the film "Everything Everywhere All at Once". It is shameful that prestigious and important awards are given to a commercial film about a commercial thing like the "Multiverse", about superheroes and martial arts. Rewarding a film with actors forced to jump around doing kung fu moves has nothing to do with cinematic art. Superheroes and the Multiverse are commercial stuff that has nothing to do with cinematic art. We want to see classic films like "Gone with the Wind", "Ben Hur", "The Ten Commandments", "An American in Paris", "The Guns of Navarone" in cinemas again. We don't want to see films about the Multiverse, on martial arts and superheroes. Awarding a Golden Globe to a film on the Multiverse, martial arts and superheroes is an offense to the great masterpieces of Classic Hollywood Cinema. Enough with absurdly "modernist" films. We want to return to Classic Cinema by Hollywood. Let's not go to the cinema to see films about the Multiverse, martial arts and superheroes. Let's not take our children and grandchildren to see them. Let's educate them to love directors like Cecil B. DeMille, David Lean, William Wyler.

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Premiare con due Golden Globe un film come "Everything Everywhere All at Once" sulle arti marziali e sui supereroi è una vergogna. Le arti marziali e i supereroi sono nemici dell'arte cinematografica.

2023-01-13T07:46:00.003-08:00

Due Golden Globe 2023, quello per la Migliore attrice in un film commedia o musicale e quello per il Migliore attore non protagonista sono stati assegnati al film "Everything Everywhere All at Once" (scritto e diretto da Daniel Kwan e Daniel Scheinert). E' vergognoso che siano dati dei premi prestigiosi ed importanti ad un film commerciale su una cosa commerciale come il "Multiverso", sui supereroi e sulle arti marziali. Premiare un film con degli attori costretti a saltare a destra e a manca facendo mosse di kung fu non ha niente a che vedere con l'arte cinematografica. I supereroi e il Multiverso sono roba commerciale che non ha niente a che vedere con l'arte cinematograca. Vogliamo vedere di nuovo nella sale cinematografiche film classici sullo stile di "Via col vento", "Ben Hur", "I dieci comandamenti", "Un americano a Parigi", "I cannoni di Navarone. Noi non vogliamo vedere film sul Multiverso, sulle arti marziali e sui supereroi. Premiare con i Golden Globe un film sul Multiverso, sulle arti marziali e sui supereroi è un'offesa ai grandi capolavori del Cinema Classico di Hollywood. Basta con film assurdamente "modernisti". Vogliamo ritornare al Cinema Classico di Hollywood. Non andiamo al cinema a vedere film sul sul Multiverso, sulle arti marziali e sui supereroi. Non accompagnamo i nostri figli e i nostri nipoti a vederli. Educhiamoli ad amare registi come Cecil B. DeMille, David Lean, William Wyler.

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Se Fantozzi esistesse, oggi sarebbe un nerd fanatico dei cinecomics

2023-01-06T05:10:00.001-08:00

Perché affermiamo che se Ugo Fantozzi esistesse sarebbe un nerd fanatico dei film delle serie Marvel e delle serie DC Warner? Perché i dipendenti della Mega Ditta che, nella pellicola “Il secondo tragico Fantozzi” si rivoltavano contro le proiezioni del Cineforum aziendale, che impediva loro di vedere la partita di calcio sono una specie di antenati della parte maggioritaria degli spettatori dei film delle serie Marvel e delle serie DC Warner. Fantozzi posto davanti alla proiezione del capolavoro di Sergej Ėjzenštejn gridava che la “Corazzata Potëmkin ” è una “cagata pazzesca”. Oggi, la maggioranza dei nerds fanatici dei cinecomics posti davanti a capolavori del Cinema Classico dell'Epoca d'Oro di Hollywood, come "Via col vento" (siamo certi che i nerds considerino questo capolavoro tratto da un romanzo insignito del premio Pulitzer come un "pippone"), ripeterebbero lo stessa protesta anticulturale, antintellettuale ed, in definitiva, antiartistica di Fantozzi. Crediamo, inoltre, purtropo che, probabilmente, parecchi dei nerds fanatici dei cinecomics sottoscriverebbero i tweet in ricordo dell'attore Paolo Villaggio: “Ci lascia l’unico che ha detto la verità sulla Corazzata Potemkin”; “La corazzata Potëmkin è veramente una cagata pazzesca. Aveva ragione anche in quel caso”. “Corazzata Potëmkin” a parte, comunque, sicuramente, la maggioranza degli odierni nerds fanatici dei cinecomics non trascorrerebbero i sabati e le domeniche della loro adolescenza nelle sale cinematografiche ad ammirare i film classici di John Ford, di Vincente Minnelli, di Fritz Lang, di Alfred Hitchcock, di David Lean. Fantozzi ed i suoi colleghi le domeniche le hanno passate e le passavano a sgolarsi ed a sbracciarsi davanti alle partite di calcio. Mentre, i nerds fanatici dei cinecomics passano le domeniche, e non soltanto le domeniche, piantati davanti ad una playstation, ad un videogioco (pieno, ovviamente balzelloni da arti marziali ed esplosioni a gò-gò), distaccandosene soltanto per chattare con una "fidanzata virtuale" o per guardare una partita di calcio in streaming. Rispetto a Fantozzi, la "frittatona" è diventata un bidone di pop-corn, ma, crediamo, purtroppo, che i nerds condividano il "rutto libero".

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I cinecomics sono film per chi sta nella massa, omologati come le pecore

2023-01-02T12:02:00.001-08:00

Perché affermiamo che i "cinecomics" sono film per chi sta nella massa, omologati come le pecore? Per una quanturà notevole di ragioni. La prima sta nella definizione stessa di "cinecomic" che è sempre uguale di film in film: Il cinecomic è un prodotto audiovisivo che tratta le battaglie di un individuo dotato di superpoteri contro avversari dotati anch’essi di superpoteri, ambientate in un contesto in cui scienza e magia, tecnologia e incantesimi coesistono in ugual misura, però sempre sotto il segno dell’empirismo dominante. Tali vicende si collocano su scenari di vaste proporzioni, spesso coincidenti con metropoli e grossi centri urbani.Perciò, innanzitutto, i cinecomics sono film basati su di una formula estremamente ripetitiva, da catena di montaggio, ispirata non dal Cinema, ma dalla pubblicità. Infatti un film cinecomic è un prodotto preconfezionato da un’industria che distribuisce quintali di quella sostanza sempre perfettamente identica a sé stessa. Di film cinecomic ne escono appunto tre ogni dodici mesi. Il film cinecomic non è un film da ammirare, magari su cui pensare o, anche, riflettere. Il film cinecomic non è né un film per persone colte, né per persone non colte ma curiose ed attratte dalla cultura. Il film cinecomic è un film per l'ottusità di chi si sente rassicurato e felice dallo scorrere di raffiche di effetti speciali fini a se stessi. Il film cinecomic non è un film da andare ad ammirare da solo o in coppia. Il film cinecomic è un film da vedere in gruppo sul ritmo della masticazione di bidoni di pop-corn. Il film cinecomic è un film da massa appiattita, da gregge di pecore omologato in un centro commerciale. Non è un caso che il "messaggio" lanciato dai film cinecomic sia di veicolare la massificazione e l'omologazione come "valori". Il "messaggio" dei film cinecomic è che il gruppo funziona meglio del singoli.

Quelli della serie MARVEL sono film in "franchise". ma il Cinema non è una catena di montaggio e i film non sono dei prodotti come i detersivi

2023-01-01T00:46:00.001-08:00

Innanzitutto che cos'è un "franchise"? Il termine inglese media franchise (o, più comunemente, franchise) si riferisce alla costruzione di un marchio che viene sfruttato per diversi prodotti industriali (per cui non hanno niente a che vedere con l'arte cinematografica) dell'industria dello spettacolo e dell'intrattenimento. Il franchise crea una marca, un marchio collegato ad un prodotto principale o ad un evento, come può essere un film o un fumetto, ed esso viene sfruttato per aumentare gli incassi con lo sviluppo di mercati aggiuntivi e merchandising di ogni tipo: DVD, videogiochi, gadget e prodotti di cartoleria, spin-off (è un'opera derivata sviluppata da un'opera principale, tipicamente un prodotto audiovisivo nato da una serie televisiva, un film, un fumetto o un videogioco, che mantiene l'ambientazione dell'opera originaria ma narra storie parallele focalizzando l'attenzione su personaggi diversi, spesso secondari nell'opera di riferimento) televisivi, tie-in (per tie-in si intende un'opera commerciale di intrattenimento che è stata tratta, con regolare concessione dei diritti d'autore, da un'altra opera di natura diversa, ma con la stessa ambientazione, e in buona parte con personaggi e trama analoghi), ecc. il merchandising raggruppa l'insieme di attività e di azioni aventi lo scopo di promuovere la vendita di una determinata linea di prodotti, o anche di un solo prodotto, una volta che lo stesso sia stato inserito nell'assortimento del punto vendita. Può essere riferita all'inserimento di una nuova referenza in un supermercato oppure su un portale di vendita in internet per dare impulso alla rotazione di una referenza già esistente ma con un basso indice di rotazione. Una tipica azione di merchandising, in tale significato, riguarda il controllo degli spazi e del posizionamento assegnati dal rivenditore ai prodotti di una marca rispetto ai concorrenti, ai prezzi praticati, ecc. Nel caso in cui il prodotto iniziale preveda lo svilupparsi di una storia (come nel caso di romanzi, film e fumetti), i prodotti derivati non necessariamente apparterranno allo stesso universo narrativo. Lo sfruttamento del "marchio", una volta affermato, va a volte anche ad intersecarsi con altri prodotti (nel senso più ampio del termine) già affermati, come nel caso delle attrazioni realizzate in parchi a tema già esistenti. Sulla base di queste premesse possiamo affermare che i film della serie MARVEL non sono Vero Cinema. Perché il Vero Cinema non è una catena di montaggio. Perché i film non sono prodotti come dentifricio o un detersivo. Per cui questi cinecomics prodotti in "franchise" sono una via mediana tra il film ed il detersivo. Potremmo denominarli "deter-film"?

I film della serie MARVEL non sono Cinema. Ha ragione Martin Scorsese

2022-12-31T04:41:00.000-08:00

Martin Scorsese, uno dei più grandi registi statunitensi, ha espresso (https://variety.com/2019/film/news/martin-scorsese-marvel-theme-parks-1203360075/) un’opinione forte e giustissima sui film di supereroi dei nostri anni di decadenza artistica e culturale, in particolare quelli dell’Universo Cinematografico Marvel (https://www.marvel.com/movies). "Non li guardo. Ci ho provato, sai? Ma non sono cinema. ("I don’t see them. I tried, you know? But that’s not cinema")". "Quei film non sono un cinema fatto da esseri umani che provano a trasmettere emozioni ed esperienze psicologiche ad altri esseri umani". Scorsese ha spiegato che il Cinema deve avere a che fare con l’estetica, le emozioni e la spiritualità, ed anche con quella che il grande regista ha definito "la complessità delle persone, le loro contraddizioni e a volte la loro natura paradossale; il modo in cui possono farsi male a vicenda e amarsi tra loro, oppure scoprire improvvisamente chi sono". Per Scorsese è questo ciò che differenzia completamente i film della serie Marvel dal Vero Cinema. Più sinteticamente, Scorsese ha parlato del Cinema come di una forma d’arte di valore uguale alla letteratura, alla musica ed alla danza. Ha fatto qualche esempio: "Corea in fiamme" di Sam Fuller, "È sempre bel tempo" di Stanley Donen e Gene Kelly e "Contratto per uccidere" di Don Siegel. Ha aggiunto Scorsese che quando riguardiamo certi film di Alfred Hitchcock, per esempio "L’altro uomo" e "Psyco", non è solo per essere sorpresi ed emozionati, ma per la loro qualità artistica e per quello che manca completamente ai film della serie Marvel che sono "basati su ricerche di mercato, testati sugli spettatori, esaminati, modificati, riesaminati e di nuovo modificati finché non sono pronti per il consumo", e quindi comportano che nessuno si prenda mai nemmeno mezzo rischio artistico. Scorsese sostiene giustamente che il proliferare dei film di supereroi tutti uguali sia un problema, perché sono diventati "la prima scelta se vuoi vedere qualcosa al cinema". Non è una semplice questione di offerta e di domanda, afferma, ma di un’offerta che si è troppo standardizzata e di una domanda (cioè il pubblico) che si è semplicemente adeguata. In altre parole, secondo Scorsese film di questo tipo sono stati “imposti” agli spettatori, che ormai hanno scarse alternative. La sua idea, di conseguenza, è che dovrebbero averne di più, ma che le alternative mancano perché chi fa film non vuole più puntare sulla "visione unificante di un artista". Scorsese afferma che ormai nel mercato cinematografico ci sono due campi separati: "L’intrattenimento audiovisivo e il cinema". Due campi che «a volte capita ancora che si sovrappongano» ma in cui teme che "il dominio finanziario di uno finisca per marginalizzare e persino screditare l’esistenza dell’altro". "Per chi sogna di fare film o ha appena iniziato, la situazione in questo momento è brutale e inospitale per l’arte. È semplicemente una questione di dare alla gente quello che vuole? No, non sono d’accordo. Se alla gente viene dato un solo tipo di cosa e viene venduto all’infinito solo quello, ovviamente vorrà sempre di più di quell’unica cosa". le voci di altri grandi del cinema come Francis Ford Coppola, James Cameron, Quentin Tarantino e Ridley Scott si sono unite a quella di Scorsese contro il predominio dei cinecomics della serie Marvel. Ridley Scott reputa i cinecomics "noiosi da morire, a salvarli sono solo gli effetti speciali, anche se stanno diventando noiosi anche per chiunque lavori in quel reparto". Quentin Tarantino ha dichiarato che non girerà mai un cinecomic: «Devi essere un operaio per fare queste cose, non sono un operaio e non sono alla ricerca di lavoro". Mentre, Paul Schrader ha detto che i film dells serie Marvel sono "cinema esattamente come lo sono quei video di gattini su 'YouTube'". Per gli spettatori dei film della serie Marvel, Scorsese è severo. Noi, invece, la pensiamo come Coppola. Coppola ha infatti dichiarato (https://www.theguardian.com/film/2019/oct/21/francis-ford-coppola-scorsese-was-being-kind-marvel-movies-are-despicable) che Scorsese è stato fin troppo gentile a dire che con i film della serie Marvel non si parla di cinema, visto che per lui è proprio spazzatura. Dal cinema ci si aspetta di imparare qualcosa, di avere un’ispirazione, di acquisire della conoscenza – ha detto Coppola – cosa che invece non succede in alcun modo con un film dei supereroi. Ken Loach, famoso per i suoi film d'impegno sociale, chiama i film della serie Marvel “commodities”. Così come “un hamburger”, parole di Ken Loach, preso al volo in qualche catena di fast-food un film della Marvel, ben farcito di tutti quegli ingredienti di immediato gradimento ma con pessimi valori nutrizionali, ti fornisce quel senso di soddisfazione istantanea, omologata, dozzinale. Per Ken Loach, infatti, si tratta solo di operazioni di marketing per accrescere in modo ulteriore patrimoni di aziende enormi, niente di più di questo, che di certo non è proprio l’essenza del cinema né di qualsiasi forma d’arte.

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No, le flatulenze nel film "Dolittle" non le vogliamo. Basta con la volgarità nel cinema

2022-12-30T10:49:00.003-08:00

Nel film "Dolittle", diretto dal regista Stephen Gaghan, i produttori Susan Downey, Joe Roth e Jeff Kirschenbaum invece di mantenere l'eleganza e l'ironia della versione stupenda ("Il favoloso dottor Dolittle", del 1967, interpretato dal grande Rex Harrison, da Samantha Eggar e da Anthony Newley) diretta da Richard Fleischer, si sono rifatti alle peggiori commediacce all'italiana, inventandosi, niente di meno, dolori intestinali e flatulenze di un drago. Diciamo "basta" a queste volgarità nel cinema. E' necessario che il pubblico adulto culturalmente si riappropri delle sale cinematografiche e che si ritorni al grande Cinema classico

#Dolittle #DoctorDolittle #films #cinema #volgarita #BASTAVOLGARITA

Più che una "Tempesta d'Amore" è una tempesta di banalità

2019-03-24T05:15:00.000-07:00

Tirando le somme la soap opera tedesca Tempesta d'amore (Sturm der Liebe), creata da Bea Schimdt, viene trasmessa dal 26 settembre 2005 sull'emittente Das Erste. Mentre, in Italia ha esordito il 5 giugno 2006 su Canale 5 e dal 2 luglio 2007 è trasmessa da Rete 4. Ha superato le 3000 puntate nel 2018, spalmate in 15 stagioni. Viene da dire che è andata avanti anche troppo. Ormai, Tempesta d’Amore è una presenza fissa. Va in onda tutti i giorni viene trasmessa dalle 19:55 alle 20:25, dal lunedì al venerdì, e il sabato e la domenica dalle 19:55 alle 21:20. Non sarebbe ora di finirla lì? Perché, di stagione in stagione, il canovaccio è sempre lo stesso che si ripete con precisione ossessiva e, insieme, noiosissima. Al centro della trama c’è, sempre e comunque, una coppia il cui amore è contrastato da una serie di ostacoli. Alla fine di ogni stagione l’amore trionferà e i due protagonisti usciranno di scena per fare spazio ad altri due nuovi personaggi. Non se ne può di più di questa ripetizione continua. Ma, viene da domandarsi, gli sceneggiatori non hanno la fantasia di creare delle vicende un filino più originali? Si tratta soltanto di una soap opera direte voi. Certamente, però c’è soap opera e c’è soap opera. Pensiamo agli intrighi davvero originali e ricchi di svolte impreviste e drammatiche inventati da David Lewis Jacobs per Dallas, da Richard ed Esther Shapiro per Dynasty, da Stephen Karpf e Elinor Karpf per Capitol, da da Bridget e Jerome Dobson per Santa Barbara. In Tempesta d’Amore c’è soltanto una banalissima alternanza tra gli amori dei personaggi più giovani e quelli dei personaggi meno giovani. Insomma, quello di Tempesta d’Amore è un mondo in cui non c’è mai spazio per eventi drammatici o per una rappresentazione del mondo degli affari o della politica che non sfocino nello zuccheroso o nel ridicolo. Pensiamo agli amori tra Adrian Lechner e la candida Clara o tra il maturo Werner Saalfeld e la nevrotica Doris Van Norden o, ancora alle risibili sedute del consiglio degli azionisti dell’albergo Furstenhof o dell’altrettanto risibile candidatura a sindaco del cuoco André. Vi sembrano personaggi e vicende cradibili? A noi, no. E,
l’ambientazione di Tempesta d’Amore non è meno monotona delle trame. Infatti, si svolge, sempre e comunque, al Furstenhof, ovvero il fittizio albergo a 5 stelle nel paesino immaginario di Bichelheim. Anche qui facciamo un confronto con la varietà delle ambientazioni in Dallas, Dynasty, Falcon Crest e il nostro parere nei confronti di Tempesta d’Amore non può che essere negativo. E, infine, veniamo agli attori. Sarà anche vero che il cast di Tempesta d’Amore sia stimatissimo in Germania, però ciò ci lascia perplessi. O, la Germania non è più il paese dei grandi artisti, come Bruno Ganz, come Hanna Schygulla, come Barbara Sukowa, come Margarethe Von Trotta, come Wim Wenders o gli elogi non si spiegano. E, francamente, anche qui il confronto tra Tempesta d’Amore e le soap opera statunitensi degli anni ’70 e ’80 è sfavorevole. Sarà istruttivo confrontare artisti notevoli quali John Forsythe o Charlton Heston o Barbara Stanwyck o Jane Wyman con la compagnia di attori di Tempesta d’Amore. E, pensiamo al casta davvero stellare di Falcon Crest. Oggi una soap opera germanica in cui recitino attori della qualità di Mel Ferrer, Kim Novak e Gina Lollobrigida, tra i moltissimi che erano apparsi in Falcon Crest, è fanstascienza. Per cui invitiamo, caldamente, la rete Mediaset, Rete 4 a cancellare la noia di Tempesta d’Amore e, magari, riproporre, volendo restare nel campo delle soap opera, Dynasty o Falcon Crest. O programmare, magari, uscendo dal campo delle soap opera, anche una stupenda serie televisiva, d’ambito finanziario (perciò ancora attuale oggi), come I boss del dollaro, interpretata dai grandissimi Kirk Douglas e Christopher Plummer. Per potere di nuovo applaudire dei veri grandi attori. Diciamolo, forte e cgiaro. Cancelliamo la banalità di Tempesta d’Amore dai palinsesti italiani.Qualcuno di voi lettori dirà: Si tratta soltanto di una soap opera. Certamente, rispondo, ma una battaglia per il ritorno ad una televisione che consideri prioritario il livello artistico può cominciare proprio dalla cancellazione di Tempesta d'Amore

Cristiada

2013-03-18T07:02:00.001-07:00

Titolo originale     For Greater Glory - The true story of Cristiada
Lingua originale     inglese, spagnolo
Paese di produzione     USA, Messico
Anno     2011
Durata     143 min
Colore     colore
Audio     sonoro
Genere     drammatico, storico, guerra, epico
Regia     Dean Wright
Soggetto     Michael James Love
Produttore     Pablo Jose Barroso
Fotografia     Eduardo Martinez Solares
Musiche     James Horner
Scenografia     Salvador Parra
Interpreti e personaggi

    Andy Garcia: Enrique Gorostieta Velarde
    Eva Longoria: Tulita
    Peter O'Toole: padre Christopher
    Bruce Greenwood: ambasciatore Morrow
    Oscar Isaac: Victoriano 'El Catorce' Ramirez
    Bruce McGill: presidente Calvin Coolidge
    Nestor Carbonell: Mayor Picazo
    Catalina Sandino Moreno: Adriana
    Santiago Cabrera: padre Vega
    Rubén Blades: Presidente Plutarco Elías Calles
    Eduardo Verástegui: Anacleto González Flores

Addio a Tom Bosley, l’Howard Cunningham di “Happy Days”

2010-10-20T11:02:00.000-07:00

Era il «ferramenta» più famoso del mondo, un adepto della «Loggia del Leopardo» e soprattutto l’uomo che col suo inattaccabile buonsenso metteva un freno alle sparate di Fonzie e ai sogni rock’n’roll del figlio Richie Cunningham e dei suoi amici Potsie e Ralph. Tutti lo conoscono come Howard Cunningham, una delle caratterizzazioni più efficaci del serial “Happy Days” ma Tom Bosley - scomparso ieri a 83 anni nella sua villa di Palm Spring in California per un’infezione - era un attore di lungo corso e di grande versatilità. Bosley è nato a Chicago, figlio di Dora e Benjamin Bosley. Durante la Seconda guerra mondiale entrò a far parte della Marina Militare degli Stati Uniti d'America. Mentre ancora frequentava la DePaul University, nel 1947 fece il suo debutto sul palcoscenico di Our Town nel "Fine Arts Theatre". Bosley ha effettuato anche delle performance nel Woodstock Opera House a Woodstock in Illinois, nel 1949 e nel 1950 accanto a Paul Newman. Ha iniziato interpretando il fante di cuori nel 1955 in una produzione televisiva di Alice in wonderland, però il suo debutto alla grande lo ebbe con il ruolo di Fiorello La Guardia, tre volte sindaco di New York nel musical “Fiorello” nel 1959 con cui vinse un Tony Award[2]. Nel 1994 ha ricoperto il ruolo di Maurice ne La Bella e la Bestia. Iniziò con il suo primo ruolo cinematografico nel 1963 come l'aspirante corteggiatore di Natalie Wood in Strano incontro (Love with the Proper Stranger), poi ha avuto altri ruoli nei film come La vita privata di Henry Orient (The World of Henry Orient), Divorzio stile americano (Divorce American Style), Appuntamento sotto il letto (Yours, Mine and Ours) e Gus. Inoltre Bosley ha condiviso una storia sincera sulla sua esperienza con l'Olocausto nel film documentario Paper Clips. Apparì anche in televisione nel 1960 nel programma Diagnosi: Sconosciuto (Diagnosis: Unknow) con Patrick O'Neal, nel 1962 ha interpretato l'assistente procuratore nell'episodio "L'uomo che voleva morire" nel telefilm La legge e il signor Jones (Laws and Mr. Jones). Nel 1969 è apparso nell'episodio Il virginiano (The Virginian). In Happy Days papà Cunningham, coi suoi consigli e le sue battute, era il prototipo di quei padri americani un po’ conservatori i ma al tempo stesso aperti ai giovani. TV Guide aveva classificato Bosley, nelle vesti di Howard Cunningham, al posto numero 9 della classifica dei «50 Greatest Dads of All Time Tv» nel 2004, i 50 più grandi "papà" della storia della Tv. Solo la (finta) svampita moglie Marion (lo ha ricordato così: “Sul set è stato mio marito per undici anni e un papà per tutta la squadra. Eravamo una coppia perfetta”) lo metteva sotto con battute al tempo stesso candide e taglienti; per il resto il suo faccione pacioso teneva a bada persino il ribelle machismo di Fonzie. Nei serial televisivi si faceva ricordare anche quando non era protagonista. Nella popolarissima serie “La signora in giallo” (Murder, She Wrote) è stato a lungo a fianco della scrittrice Jessica Fletcher (Angela Lansbury), nei panni dello sceriffo Amos Tupper, molto ben caratterizzato come tutore della legge di una cittadina del Maine. Tra i ruoli che lo hanno visto da protagonista i film tv “I racconti di padre Dowling” (Father Dowling Mysteries) dove interpretava un prete -investigatore sulle orme di Padre Brown, ma Bosley ha lavorato anche in “Marcus Welby” (progenitore di “Dr House”) e nel mitico (per gli americani) episodio pilota di “Night Gallery” diretto da Steven Spielberg e con protagonista Joan Crawford. nonostante il grande successo televisivo non abbandonò mai il teatro. Così come la sua carriera non si interruppe mai. Bosley è stato anche un doppiatore, è stato ospite in radio nella "General Mills Radio Adventure Theater" una serie drammatica per bambini del 1977. Ha doppiato molti personaggi dei cartoni animati tra cui Harry Boyle in "Wait Tll Your Father Gets Home" Ha dato la voce al carattere di David Gnomo e il proprietario del negozio di Mr Winkle in uno speciale di natale per Bambini. Ha doppiato anche la voce di Geppetto in I sogni di Pinocchio, uscito nel 1987. Nel 2008 ha girato il film tv “Charlie & Me” e pochi mesi fa era tornato in teatro al fianco di Jennifer Lopez in “The Backup Plan”, anche se il suo fisico era già indebolito e minato dall’infezione virale che lo ha portato via ai suoi affezionati spettatori - soprattutto giovani - che nel pazzo mondo dell’«american graffiti» ricorderanno sempre la pacata saggezza di Howard Cunningham. Il New York Times gli ha dedicato un'intera pagina: "Un uomo dalla voce calda, attore con un corpo rotondo che personificava l'autorità paterna".

Fantasma d'amore

2010-08-09T12:16:00.000-07:00

Titolo originale Fantasma d'amore
Lingua originale italiano
Paese Italia/Germania/Francia/Monaco
Anno 1981
Durata 96 min. / Argentina: 99 min.
Colore colore
Audio sonoro
Genere drammatico
Regia Dino Risi
Soggetto Mino Milani
Sceneggiatura Dino Risi, Bernardino Zapponi
Produttore Pio Angeletti,
Adriano De Micheli,
Luggi Waldleitner (non accreditato)
Fotografia Tonino Delli Colli
Montaggio Alberto Gallitti
Musiche Riz Ortolani
Scenografia Giuseppe Mangano
Costumi Annalisa Nasalli-Rocca
Trucco Corrado Cristofori, Michel Deruelle, Giulio Natalucci
Interpreti e personaggi

* Romy Schneider: Anna Brigatti Zighi
* Marcello Mastroianni: Nino Monti
* Eva Maria Meineke: Teresa Monti
* Wolfgang Preiss: Conte Zighi
* Michael Kroecher: Don Gaspare
* Paolo Baroni: Ressi
* Victoria Zinny: Loredana
* Giampiero Becherelli: Prof. Arnaldi
* Ester Carloni
* Riccardo Parisio Perrotti
* Raf Baldassarre: Luciano
* Maria Simona Peruzzi
* Liliana Pacinotti
* Adriana Giuffrè
* Julian Beck

Fantasma d'amore è un film del 1981, diretto dal regista Dino Risi, ambientato a Pavia.

Tratto dall'omonimo romanzo di Mino Milani, Fantasma d'amore è la storia di un uomo che un giorno per caso incontra sull'autobus una sua vecchia fidanzata, ricomincia una passione, finché alcuni misteriosi indizi si presentano al protagonista. Il film è interamente girato in provincia di Pavia presso luoghi tuttora riconoscibili. Questo straordinario film si avvalse delle musiche composte da un grande musicista Riz Ortolani, che per l'occasione fece venire appositamente a Roma il Re dello Swing Benny Goodman, per incidere col suo storico clarinetto (magicamente) la colonna sonora.

I quattro cavalieri dell'Apocalisse

2010-08-01T21:45:00.000-07:00

Titolo originale The Four Horsemen of the Apocalypse
Lingua originale Lingua inglese
Paese Stati Uniti d'America
Anno 1962
Durata 153 min
Colore colore
Audio sonoro
Rapporto 2,35 : 1
Genere guerra
Regia Vincente Minnelli
Soggetto Vicente Blasco Ibáñez
Sceneggiatura Robert Ardrey,

John Gay
Produttore Julian Blaustein
Casa di produzione Metro-Goldwyn-Mayer
Fotografia Milton R. Krasner
Montaggio Adrienne Fazan, Ben Lewis
Musiche André Prévin
Scenografia George W. Davis, Urie McCleary, Elliot Scott
Costumi René Hubert, Walter Plunkett
Trucco Charles E. Parker, William Tuttle
Sfondi F. Keogh Gleason, Henry Grace
Interpreti e personaggi

* Glenn Ford: Julio Desnoyers
* Ingrid Thulin: Marguerite Laurier
* Charles Boyer: Marcelo Desnoyers
* Lee J. Cobb: Julio Madariaga
* Paul Lukas: Karl von Hartrott
* Yvette Mimieux: Chi Chi Desnoyers
* Karlheinz Böhm: Heinrich von Hartrott
* Paul Henreid: Etienne Laurier
* Harriet E. MacGibbon: Dona Luisa Desnoyers
* Kathryn Givney: Elena von Hartrott
* Marcel Hillaire: Armand Dibier
* George Dolenz: Gen. von Kleig
* Stephen Bekassy: Col. Kleinsdorf
* Nestor Paiva: Miguel
* Albert Rémy: François

Doppiatori italiani

* Giuseppe Rinaldi: Julio Desnoyers

I quattro cavalieri dell'Apocalisse è un film drammatico di guerra del 1962 basato su un romanzo di Vicente Blasco Ibáñez, diretto da Vincente Minnelli.

Trama

Il patriarca Julio Madariaga (Lee J. Cobb) riunisce le due famiglie, i Desnoyers e i von Hartrott, per una cena dove Heinrich von Hartrott (Karlheinz Böhm) di ritorno da Berlino manifesta il proprio entusiasmo per Adolf Hitler provocando la dura reazione di Madariaga che in un furioso sfogo maledice il nazismo, morendo tra le braccia di Julio (Glenn Ford).

La morte di Madariaga divide nuovamente le due famiglie: i von Hartrott a Berlino e i Desnoyers a Parigi.

Con lo scoppio della II guerra mondiale Parigi viene occupata dai nazisti ed Heinrich, diventato ufficiale SS l'élite del Partito Nazista, incontra in un locale il cugino Julio, inguaribile dongiovanni e viveur dedito alla vita mondana, accompagnato da Marguerite Laurier (Ingrid Thulin) il cui marito, Etienne Laurier (Paul Henreid) è partito per il fronte. Durante la serata le continue ed insistenti avance del Generale von Kleig a Madame Laurier irretiscono Julio provocando la reazione sproporzionata di von Kleig: l'intervento di Heinrich impedisce che il cugino venga arrestato ed accusa il generale di abuso di potere.

Nel mentre Chi Chi (Yvette Mimieux), la giovane Desnoyers, entra nella resistenza parigina e viene arrestata dai nazisti insieme ad alcuni compagni. Il padre Marcelo Desnoyers (Charles Boyer) insieme a Julio riescono ad ottenere dal cognato Karl von Hartrott (Paul Lukas) e da Heinrich la liberazione della ragazza con la promessa che l'accaduto non si ripeta.

Etienne Laurier torna in pessime condizioni dalla prigionia e viene accolto da una stupefatta Madame Lurier. Intanto Julio continua la sua apparente vita mondana e gaudente ma in realtà ferito dalla notizia della morte di Chi Chi uccisa dopo essere stata nuovamente arrestata e torturata, decide che la propria neutralità non ha più senso ed entra a sua volta nella resistenza. Qui incontra Etienne Laurier che gli propone di raggiungere Heinrich in un rifugio segreto delle SS approfittando della propria parentela.

Julio accetta la missione, raggiunge ed incontra Heinrich. Durante la loro conversazione inizia un furioso bombardamento: l'automobile di Julio (fornita di segnalatore) permette agli aerei alleati di localizzare il rifugio

Curiosità

* Vincente Minnelli, inizialmente riluttante a dirigere il film, ha in seguito lavorato per la sceneggiatura spostando la storia dalla Prima alla Seconda Guerra Mondiale.
* Sempre Minnelli voleva Alain Delon e Romy Schneider per i ruoli principali che però declinarono, scegliendo in un secondo momento Glenn Ford ed Ingrid Thulin (doppiata da Angela Lansbury).
* La maggior parte del film è stato girato a Parigi, durante la primavera e l'estate del 1960.
* Economicamente fu un flop.
* Mike Bongiorno ha lavorato come comparsa, interpretando il ruolo di una delle guardie naziste al posto di blocco

Era notte a Roma

2010-08-01T10:02:00.000-07:00

Titolo originale Era notte a Roma
Paese Italia
Anno 1960
Durata 120 min
Colore B/N
Audio sonoro
Genere drammatico, guerra
Regia Roberto Rossellini
Soggetto Sergio Amidei
Sceneggiatura Sergio Amidei, Diego Fabbri, Brunello Rondi, Roberto Rossellini
Fotografia Carlo Carlini
Musiche Renzo Rossellini
Interpreti e personaggi

* Giovanna Ralli: Esperia
* Paolo Stoppa: Principe Alessandro Antoniani
* Renato Salvatori: Renato
* Sergej Fëdorovič Bondarčuk: Fyodor Nazukov
* Leo Genn
* Peter Baldwin
* Enrico Maria Salerno
* Laura Betti
* Sergio Fantoni
* Hannes Messemer
* Rosalba Neri

Tempo d'estate

2010-08-01T07:18:00.000-07:00

« Quella è Burano .... Una volta la chiamavano l'isola dove finisce l'arcobaleno ... Perché ha tutti i colori dell'iride »

(Renato de Rossi)

Titolo originale Summer madness/Summertime
Lingua originale Inglese/Italiano
Paese Gran Bretagna/USA
Anno 1955
Durata 130 minuti
Colore colore
Audio sonoro
Genere commedia sentimentale
Regia David Lean
Soggetto Arthur Laurents
Sceneggiatura H.E. Bates, David Lean
Produttore Ilya Lopert, Alexander Korda
Fotografia Jack Hildyard
Montaggio Peter Taylor
Musiche Alessandro Cicognini
Scenografia Vincent Korda
Interpreti e personaggi

* Katharine Hepburn: Jane Hudson
* Rossano Brazzi: Renato de Rossi
* Isa Miranda: Signora Fiorini
* Darren McGavin: Eddie Yaeger
* Mari Aldon: Phyl Yaeger
* Jane Rose: Signora Mcllhenny
* MacDonald Parke: Signor Mcllhenny
* Jeremy Spenser: Vito de Rossi
* Gaetano Autiero: Mauro
* Virginia Simeon: Giovanna

Doppiatori italiani

* Lydia Simoneschi: Katharine Hepburn
* Anna Miserocchi: Isa Miranda
* Flaminia Jandolo: Mari Aldon
* Dhia Cristiani: Jane Rose
* Luigi Pavese: MacDonald Parke

Trama

Jane Hudson è una donna americana non più giovanissima che arriva a Venezia per una vacanza. La donna è entusiasta del paesaggio, tanto che filma tutto, anche l'arrivo in treno. Sul traghetto che porta dalla stazione alla città, incontra i signori Mcllhenny, americani anch'essi, che stanno girando l'Europa. Per combinazione, abiteranno tutti alla pensione Fiorini. Qui Jane si trova una stanza con terrazzino e una visione mozzafiato su Venezia e la laguna. Inizia così la vacanza, girando per la città e filmando tutto e tutti. Essendo sola, però, ogni tanto si trova malinconica e triste. Un giorno, seduta a un tavolino di piazza San Marco, si accorge di essere osservata da un uomo affascinante seduto poco distante e turbata si allontana in fretta. Poco dopo entra in un negozio di antiquariato per acquistare una coppa di vetro, ed il negoziante è lo stesso uomo. Sempre più turbata, si fa accompagnare da Mauro (un ragazzino che vive di espedienti) nei dintorni del negozio ed inavvertitamente, cade in acqua. Tornata alla pensione, viene raggiunta dall'antiquario che inizia a farle la corte. Affascinata la donna, cede alle lusinghe di Renato de Rossi e inizia a uscire con lui, continuando a frequentarlo anche quando scopre che lui è sposato ma separato. Infine, temendo il logorio del rapporto, parte per tornare in America, con questo stupendo ricordo di un amore estivo.

Note

* Il film non ebbe molti consensi da parte della critica ma ebbe un buon responso ai botteghini e consenso di pubblico, soprattutto di lingua inglese
* Questo film segna il lancio definitivo di David Lean verso le mega produzioni. Dopo questo lavoro, infatti, arriveranno tra gli altri Il dottor Zivago, Lawrence d'Arabia e Il ponte sul fiume Kwai
* Nella caduta nel canale Katharine Hepburn contrasse una infezione all'occhio che non guarì mai completamente
* Sono splendide le inquadrature di Venezia e dei monumenti, assolutamente non convenzionali.
* È tratto dalla commedia "The Time of the Cuckoo" di Arthur Laurents del 1952

Colonna sonora

Una speciale menzione per la colonna sonora di Alessandro Cicognini che rielabora canzoni popolari italiane come "Sul mare luccica. (Santa Lucia)". Vi sono anche pezzi di Gioachino Rossini
Premi e nomination [modifica]

* 1956 - Nomination all'Oscar come miglior attrice protagonista per Katharine Hepburn e nomination per la miglior regia a David Lean
* 1956 - Nomination ai BAFTA Awards per il miglior film e la miglior attrice protagonista (Katharine Hapburn)
* 1955 - Vinto il NYFCC Award (New York film critics circle awards) per il miglior regista a David Lean

La cena delle beffe

2010-07-31T02:53:00.001-07:00

Titolo originale La cena delle beffe
Paese Italia
Anno 1941
Durata 86 min
Colore B/N
Audio sonoro
Genere drammatico
Regia Alessandro Blasetti
Soggetto dall'omonimo poema drammatico di Sem Benelli
Sceneggiatura Alessandro Blasetti, Renato Castellani
Produttore Giuseppe Amato
Casa di produzione Cines
Distribuzione (Italia) ENIC
Fotografia Mario Craveri
Montaggio Mario Serandrei
Musiche Giuseppe Becce
Scenografia Virgilio Marchi
Costumi Gino Sensani
Interpreti e personaggi

* Amedeo Nazzari: Neri Chiaramantesi
* Osvaldo Valenti: Giannetto Malespini
* Clara Calamai: Ginevra
* Valentina Cortese: Lisabetta
* Memo Benassi: Il Tornaquinci
* Piero Carnabuci: Fazio
* Lauro Gazzolo: Il Trinca
* Alberto Capozzi: Ser Luca
* Alfredo Varelli: Gabriello Chiaramantesi
* Luisa Ferida: Fiammetta
* Elisa Cegani: Laldòmide
* Nietta Zocchi: Cinzia
* Silvio Bagolini
* Umberto Sacripante
* Aldo Silvani
* Gildo Bocci
* Adele Garavaglia
* Margherita Bagni
* Lilla Brignone
* Carlo Minello
* Guglielmo Sinaz

La cena delle beffe è un film del 1941 diretto da Alessandro Blasetti, tratto dall'omonimo dramma di Sem Benelli.

È entrato nella storia per il primo seno nudo del cinema sonoro italiano,[1] che costò alla protagonista Clara Calamai, una delle maggiori dive dell'epoca, l'anatema delle autorità ecclesiastiche e alla pellicola il divieto ai minori di 16 anni.

È stato il film che ha dato la popolarità ad Amedeo Nazzari, che qui recita la battuta divenuta popolare «...chi non beve con me, peste lo colga!».

Inoltre questo film viene anche spesso ricordato per essere uno dei film interpretati dai due attori e giovani amanti Osvaldo Valenti e Luisa Ferida che, di lì a pochi anni, verranno uccisi dai partigiani.

Trama:

Nella Firenze rinascimentale di Lorenzo il Magnifico, gli arroganti fratelli Neri e Gabriello Chiaramantesi perseguitano da anni il pacifico Giannetto Malespini con pesanti scherzi e provocazioni di crescente crudeltà, infierendo tanto più quanto meno il rivale è capace di reagire agli insulti di cui è vittima.

Lo scontro giunge al culmine quando l'oggetto della contesa diventa la bella Ginevra. La donna, serva in casa Chiaramantesi, era stata offerta a Malespini in gesto di denigrazione, ma quando Neri la vede trasformarsi accanto al mediocre nemico in una splendida cortigiana, se la riprende con la forza, denudandola sotto gli occhi di Giannetto e liberandosi di lui facendolo buttare nel fiume.

Umiliato per l'ennesima volta, ma stavolta soprattutto privato di Ginevra, la quale per altro si è prontamente adattata alla compagnia di Neri, Giannetto decide di vendicarsi una volta per tutte dei terribili Chiaramantesi. Con l'intercessione dell'autorevole Tornaquinci, disposto ad aiutarlo a rifarsi delle tante ingiustizie subite, li invita ad una cena di riappacificazione, a cui i due presenziano come gesto di rispetto verso l'illustre ospite, a cui perfino loro portano il dovuto rispetto, ma anche di ulteriore spregio verso un nemico che sembra dimostrare nuovamente la sua debolezza. Giannetto però ha attentamente pianificato le sue mosse: prima divide abilmente gli avversari, costringendo Gabriello ad una precipitosa partenza dalla città quando insinua, a ragione, che lui sia interessato a Ginevra quanto e più del fratello Neri; poi sfrutta la presunzione di Neri sfidandolo ad una bravata che non può rifiutare.

Quando Neri irrompe in una locanda armato di tutto punto, come stabilito, viene però assalito dai presenti che lo stavano aspettando, perché è stata diffusa ad arte la falsa notizia che lui fosse impazzito ed animato da intenzioni assassine e il suo esuberante arrivo non ha fatto che confermare la voce. Mentre lui è a costretto a rifugiarsi in una torre campanaria, Giannetto, che ne ha preso gli abiti che si è tolto alla cena per mettersi in armatura, si reca a casa Chiaramantesi e riesce a entrare indisturbato nel letto di Ginevra, che solo la mattina dopo scopre con chi abbia effettivamente trascorso la notte.

Neri riesce a sfuggire alla trappola e tornare a casa, dove scopre la grande beffa orchestrata dal rivale, ma viene catturato prima che possa scatenare la propria furia vendicativa. Giannetto, facendosi forte del nome del Tornaquinci, lo fa mettere in prigione e finge di volerlo far rinsavire dalla pazzia con una cura d'urto, mettendolo di fronte a uomini, come il Trinca, e soprattutto donne, come Fiammetta, che Neri ha offeso o di cui si è approfittato. Fra loro c'è però anche la giovane Lisabetta, innamorata di Neri, che coglie questa occasione per avvicinarlo. Quando Giannetto gli offre di liberarlo, a patto che le reciproche offese vengano dimenticate, Neri rifiuta sdegnosamente e poi, con l'aiuto di Lisabetta, finge di essere effettivamente impazzito, a causa dei tormenti della prigionia.

Giannetto, convinto che Neri non sia affatto diventato inoffensivo e si tratti solo di una finzione, decide comunque di liberarlo, ma prepara un'ultima, terribile beffa, approfittando del ritorno in città di Gabriello, accorso alla notizia delle vicissitudini del fratello. Quella notte Neri si reca da Ginevra per uccidere Giannetto mentre si trova a letto con la donna, ma quando, dopo aver ucciso il nemico, se lo ritrova vivo e vegeto fuori dalla stanza, con aria beffarda, scopre inorridito di aver ucciso il proprio fratello, a cui Giannetto aveva concesso di sostituirlo per soddisfare infine il suo profondo desiderio per la donna. Neri, resosi conto del tragico errore, non può sopportare la consapevolezza del delitto commesso e stavolta perde davvero la ragione e si rivolge a Giannetto chiamandolo Gabriello, convincendosi di aver effettivamente ucciso il rivale e non l'amato fratello.

Addio a Suso Cecchi D’Amico, grande sceneggiatrice del cinema italiano

2010-07-31T02:24:00.001-07:00

Si è spenta a Roma, all’età di 96 anni, la regina degli sceneggiatori italiani, Suso Cecchi D’Amico, la collaboratrice prediletta di Luchino Visconti. Nata a Roma nel 1914 dallo scrittore Emilio Cecchi e dalla pittrice Leonetta Pieraccini. Terminato il liceo francese Chateaubriand non si iscrive all'università, poiché, non avendo sostenuto il baccalauréat con latino e greco «allora per continuare gli studi potevo solo iscrivermi a una o due facoltà, come per esempio botanica, che francamente non m'interessavano».[1] Dopo un soggiorno all'estero, in Svizzera e in Inghilterra, a Cambridge, decide di trovarsi un lavoro. Grazie all'intervento del ministro Giuseppe Bottai, «l'unico gerarca che avesse un qualche rapporto con gli intellettuali»,[2] viene assunta al ministero delle Corporazioni, poi ministero Scambi e Valute, dove lavora per quasi sette anni come segretaria personale di Eugenio Anzilotti, direttore generale del Commercio Estero.[3] È in questo periodo che stringe un'importante amicizia con un giovane di grande talento, Enrico Cuccia.[4]
Nel 1938 sposa il musicologo Fedele D'Amico, figlio di Silvio D'Amico, dal quale avrà tre figli Masolino, Silvia e Caterina. Da sola o insieme al padre esegue molte traduzioni dall'inglese e dal francese, tra le altre Jude l'Oscuro di Thomas Hardy, La via del tabacco, Vita col padre, Veglia la mia casa, angelo, le opere shakespeariane Le allegre comari di Windsor e Otello insieme al padre. Abbandona quest'attività, nella quale per altro non dimostra la facilità che avrà invece il figlio Masolino, quando comincia a lavorare per il cinema.[5]Durante la Seconda guerra mondiale, mentre il marito, membro dei cattolici comunisti con Adriano Ossicini e Franco Rodano, conduce una vita clandestina a Roma e dirige il giornale Voce Operaia, si trasferisce per sei-sette mesi a Poggibonsi, nella villa dello zio Gaetano Pieraccini, medico e politico che sarà il primo sindaco di Firenze dopo la Liberazione.[6] Terminato il conflitto, mentre il marito è ricoverato in Svizzera per curarsi dalla tubercolosi, è «costretta ad arrabattarsi in ogni modo per mantenere sé, i suoi primi due figli [...] e la casa, popolata da tate e altre donne».[7] Tra le curiose occupazioni di questo periodo, dà lezioni di buone maniere a Maria Michi e di conversazione in inglese a Giovanna Galletti, entrambe interpreti in Roma città aperta (1945). Lavora alla sua prima sceneggiatura, Avatar, una storia romantica ambientata a Venezia, ispirata a un racconto di Théophile Gautier, con Ennio Flaiano, Renato Castellani e Alberto Moravia, per Carlo Ponti, allora non ancora produttore importante. Ma il progetto viene abbandonato prima ancora di arrivare ad una sceneggiatura vera e propria, il solo Castellani porta a termine un trattamento.[8] Insieme a Castellani lavora a una storia tratta da un soggetto del commediografo Aldo De Benedetti, Mio figlio professore (1946), diretto dallo stesso Castellani e interpretato da Aldo Fabrizi e dalle sorelle Nava. Insieme a Piero Tellini scrive Vivere in pace (1947) e L'onorevole Angelina (1947), entrambi diretti da Luigi Zampa, interpretati rispettivamente da Fabrizi e da Anna Magnani, con la quale comincia a frequentarsi assiduamente, stringendo uno dei suoi rari rapporti di amicizia con attori.[9] Per il soggetto di Vivere in pace, firmato anche da Tellini e Zampa ma sostanzialmente suo, vince il Nastro d'Argento per il miglior soggetto. Partecipa insieme a Federico Fellini, quasi sempre assente alle riunioni,[10] alla sceneggiatura del film Il delitto di Giovanni Episcopo (1947), tratto da un romanzo di Gabriele D'Annunzio e diretto da Alberto Lattuada. Scrive con Ennio Flaiano la sceneggiatura di Roma città libera (1947), di Marcello Pagliero, tratto da La notte porta consiglio, un soggetto dello stesso Flaiano. Le sedute di sceneggiatura con Flaiano trascorrono «tra chiacchiere, critiche e divagazioni sul soggetto. C’era da ricavare materia per condire dieci film; e sarebbe andato tutto perduto se fosse toccato a lui cavarne il succo».[11] Scrive con Cesare Zavattini le sceneggiature di Ladri di biciclette (1948), proponendo il finale con il tentativo di furto della bicicletta,[12] delle Mura di Malapaga (1949), diretto da René Clément e premio Oscar come migliore opera straniera, inoltre collabora alla sceneggiatura di Miracolo a Milano (1951). Il sodalizio professionale con Zavattini si interrompe quando lui disconosce il film È più facile che un cammello... diretto da Zampa, di cui ha scritto il soggetto, mentre Cecchi D'Amico e Vitaliano Brancati ne hanno curato la sceneggiatura.[13]Lavora con Mario Monicelli e la coppia Age & Scarpelli alla scrittura di I soliti ignoti (1958). Le riunioni di sceneggiatura si concludono spesso con le liti tra Age e Scarpelli, da cui Monicelli e Cecchi D'Amico si tengono fuori, per non darvi importanza.[14] Collabora alla sceneggiatura del kolossal Fabiola (1949), diretto da Blasetti. Per la scena romantica tra Fabiola (Michèle Morgan) e un bellissimo gladiatore (Henri Vidal) il regista consulta decine di persone, per un totale di quarantasette versioni, e da ciascuna prende poi un gesto o una battuta. Della sua utilizza il fatto che, durante l’incontro, l’innamorato, per far stare più comoda Fabiola, le fa un cuscino con la sabbia.[15] Con Flaiano scrive per Blasetti le sceneggiature di Peccato che sia una canaglia (1955), imponendo Sofia Loren nella parte della protagonista, dopo averla vista passare per Cinecittà, «bella, eccessiva, decorativa come un albero di Natale»,[16] e La fortuna di essere donna (1956). Per Mario Camerini, definito al pari di Blasetti un regista della generazione precedente, scrive la sceneggiatura di Due mogli sono troppe (1951). Il primo lavoro da sceneggiatrice per Visconti è La carrozza del Santissimo Sacramento, «che non si fece perché lui litigò con la produzione e il progetto passò a Renoir»,[17] poi è la volta di Bellissima (1951), con Anna Magnani e Walter Chiari. Quest'ultimo interpreta un personaggio che, appena accennato nella prima versione della sceneggiatura, viene sviluppato in seguito per motivi legati alla distribuzione del film.[18] La sceneggiatura di Senso (1954), tratta da una novella di Camillo Boito, non viene interamente girata. Riferisce la d’Amico: «Non avevo ancora una grande esperienza cinematografica con Luchino e non previdi tutti gli indugi nelle scene della villa, tutti gli attraversamenti di stanze per andare a prendere una cosa. A un certo punto delle riprese il produttore Gualino mi chiamò e mi pregò di riferire a Visconti che avrebbe chiuso. Di metraggio ce n’era più della lunghezza del film e il budget era stato ampiamente superato. Così non si girarono mai le scene della Valli che attraversa in carrozza i campi di battaglia. Il viaggio della contessa Serpieri è ridotto a un’apparizione della donna in carrozza che sarebbe dovuta passare in mezzo alle truppe insanguinate».[19] Collabora con Pratolini alla stesura del soggetto di Rocco e i suoi fratelli (1960). Scrive la sceneggiatura con Pasquale Festa Campanile e Massimo Franciosa, che entrambi, meridionali, si rivelano molto utili per la psicologia dei personaggi e per il tono dei dialoghi.[20] Nella sceneggiatura del Gattopardo (1963), dietro suggerimento di Visconti, taglia tutta la parte finale del romanzo di Tomasi di Lampedusa per dare nel ballo il senso della morte del Principe e lo sfacelo della società nobiliare dei Gattopardi.[21] Per la sceneggiatura del film Vaghe stelle dell'Orsa (1965), prende spunto dalla tragedia di Elettra. Per la realizzazione del film Lo straniero (1967) è obbligata a una trasposizione fedele del libro di Camus. Prima della fase di montaggio del film Ludwig (1973), è insieme a Visconti quando il regista viene colpito da un ictus che lo rende invalido per il resto della vita. Lavora a Gruppo di famiglia in un interno (1974) e L'innocente (1976). Con Antonioni realizza I vinti (1952), ispirato a fatti di cronaca, effettuando sopralluoghi e raccogliendo materiale reperibile nella stampa e negli atti giudiziari,[22] La signora senza camelie (1953) e Le amiche (1955), vincitore del Leone d’argento al Festival di Venezia. Collabora alla sceneggiatura del film Camicie rosse (Anita Garibaldi) (1952), diretto da Rosi e Goffredo Alessandrini, con Anna Magnani, ma il film fu definito da Cecchi d’Amico un’«avventura insensata».[23] Con Francesco Rosi lavora in altri tre film La sfida (1957), I magliari (1959) e Salvatore Giuliano (1962). Con Luigi Comencini lavora al film Proibito rubare (1948), La finestra sul Luna Park (1956), Le avventure di Pinocchio (1972), scritto per la televisione, Cuore (1984) e Infanzia, vocazione e prime esperienze di Giacomo Casanova, veneziano (1969).
Nel 1994 la Mostra di Venezia le assegna il Leone d'Oro alla carriera.

Filmografia:

* Mio figlio professore, regia di Renato Castellani (1946)
* Vivere in pace, regia di Luigi Zampa (1947)
* Il delitto di Giovanni Episcopo, regia di Alberto Lattuada (1947)
* L'onorevole Angelina, regia di Luigi Zampa (1947)
* Roma città libera, regia di Marcello Pagliero (1947)
* Proibito rubare, regia di Luigi Comencini (1948)
* Ladri di biciclette, regia di Vittorio De Sica (1948)
* Fabiola, regia di Alessandro Blasetti (1949)
* Cielo sulla palude, regia di Augusto Genina (1949)
* Le mura di Malapaga, regia di René Clément (1949)
* Patto con il diavolo, regia di Luigi Chiarini (1949)
* È primavera, regia di Renato Castellani (1950)
* È più facile che un cammello..., regia di Luigi Zampa (1950)
* Romanzo d'amore, regia di Duilio Coletti (1950)
* Miracolo a Milano, regia di Vittorio De Sica (1951)
* Due mogli sono troppe, regia di Mario Camerini (1951)
* Bellissima, regia di Luchino Visconti (1951)
* Buongiorno, elefante!, regia di Gianni Franciolini (1952)
* Processo alla città, regia di Luigi Zampa (1952)
* Altri tempi - episodio Primo amore, regia di Alessandro Blasetti (1952)
* I vinti, regia di Michelangelo Antonioni (1952)
* Il mondo le condanna, regia di Gianni Franciolini (1953)
* La signora senza camelie, regia di Michelangelo Antonioni (1953)
* Febbre di vivere, regia di Claudio Gora (1953)
* Vacanze romane (Roman Holiday), regia di William Wyler (1953)
* Siamo donne - episodio Anna, regia di Luchino Visconti (1953)
* Il sole negli occhi, regia di Antonio Pietrangeli (1953)
* L'allegro squadrone, regia di Paolo Moffa (1953)
* Cento anni d'amore, regia di Lionello De Felice (1954)
* Tempi nostri - episodio Il pupo, regia di Alessandro Blasetti (1954)
* Senso, regia di Luchino Visconti (1954)
* Peccato che sia una canaglia, regia di Alessandro Blasetti (1955)
* Le amiche, regia di Michelangelo Antonioni (1955)
* Gli sbandati, regia di Francesco Maselli (1955)
* Proibito, regia di Mario Monicelli (1955)
* Graziella, regia di Giorgio Bianchi (1955)
* La fortuna di essere donna, regia di Alessandro Blasetti (1956)
* La finestra sul Luna Park, regia di Luigi Comencini (1956)
* Kean, genio e sregolatezza, regia di Vittorio Gassman (1957)
* Le notti bianche, regia di Luchino Visconti (1957)
* Mariti in città, regia di Luigi Comencini (1957)
* La sfida, regia di Francesco Rosi (1958)
* I soliti ignoti, regia di Mario Monicelli (1958)
* Nella città l'inferno, regia di Renato Castellani (1959)
* Estate violenta, regia di Valerio Zurlini (1959)
* I magliari, regia di Francesco Rosi (1959)
* Rocco e i suoi fratelli, regia di Luchino Visconti (1960)
* Risate di gioia, regia di Mario Monicelli (1960)
* La contessa azzurra, regia di Claudio Gora (1960)
* La baia di Napoli (It Started in Naples), regia di Melville Shavelson (1961)
* I due nemici, regia di Guy Hamilton (1961)
* Boccaccio '70 - episodio Il lavoro, regia di Luchino Visconti, episodio Renzo e Luciana, regia di Mario Monicelli (1962)
* Salvatore Giuliano, regia di Francesco Rosi (1962)
* Le quattro verità - episodio La lepre e la tartaruga, regia di Alessandro Blasetti (1963)
* Il Gattopardo, regia di Luchino Visconti (1963)
* Gli indifferenti, regia di Francesco Maselli (1964)
* Vaghe stelle dell'Orsa, regia di Luchino Visconti (1965)
* Casanova '70, regia di Mario Monicelli (1965)
* Spara più forte, più forte… non capisco!, regia di Eduardo De Filippo (1966)
* La bisbetica domata (The Taming of the Shrew), regia di Franco Zeffirelli (1966)
* Le fate, regia di Mario Monicelli (1966)
* Lo straniero, regia di Luchino Visconti (1967)
* L'uomo, l'orgoglio, la vendetta, regia di Luigi Bazzoni (1967)
* Senza sapere niente di lei, regia di Luigi Comencini (1969)
* Infanzia, vocazione e prime esperienze di Giacomo Casanova, regia di Luigi Comencini (1969)
* Metello, regia di Mauro Bolognini (1970)
* La mortadella, regia di Mario Monicelli (1971)
* Fratello sole sorella luna, regia di Franco Zeffirelli (1972)
* Il diavolo nel cervello, regia di Sergio Sollima (1972)
* Le avventure di Pinocchio, regia di Luigi Comencini (1972)
* I figli chiedono perché, regia di Nino Zanchin (1972)
* Ludwig, regia di Luchino Visconti (1973)
* Amore e ginnastica, regia di Luigi Filippo d'Amico (1973)
* Amore amaro, regia di Florestano Vancini (1974)
* Gruppo di famiglia in un interno, regia di Luchino Visconti (1974)
* Prete, fai un miracolo, regia di Mario Chiari (1975)
* L'innocente, regia di Luchino Visconti (1976)
* Caro Michele, regia di Mario Monicelli (1976)
* Dimmi che fai tutto per me, regia di Pasquale Festa Campanile (1976)
* Gesù di Nazareth, regia di Franco Zeffirelli (1977)
* La velia, regia di Mario Ferrero (1980)
* Lighea, regia di Carlo Tuzii (1983)
* Cuore, regia di Luigi Comencini (1984)
* Uno scandalo per bene, regia di Pasquale Festa Campanile (1984)
* Bertoldo, Bertoldino e... Cacasenno, regia di Mario Monicelli (1984)
* Le due vite di Mattia Pascal, regia di Mario Monicelli (1985)
* I soliti ignoti vent'anni dopo, regia di Amanzio Todini (1986)
* Speriamo che sia femmina, regia di Mario Monicelli (1986)
* La storia, regia di Luigi Comencini (1986)
* L'inchiesta, regia di Damiano Damiani (1987)
* Oci ciornie, regia di Nikita Michalkov (1987)
* I picari, regia di Mario Monicelli (1987)
* Ti presento un'amica, regia di Francesco Massaro (1988)
* Marco e Laura dieci anni fa, regia di Carlo Tuzii (1988)
* Stradivari, regia di Giacomo Battiato (1988)
* La moglie ingenua e il marito malato, regia di Mario Monicelli (1989)
* Il male oscuro, regia di Mario Monicelli (1990)
* Rossini! Rossini!, regia di Mario Monicelli (1991)
* Parenti serpenti, regia di Mario Monicelli (1992)
* La fine è nota, regia di Cristina Comencini (1993)
* Cari fottutissimi amici, regia di Mario Monicelli (1994)
* Facciamo paradiso, regia di Mario Monicelli (1995)
* Bruno aspetta in macchina, regia di Duccio Camerini (1996)
* La stanza dello scirocco, regia di Maurizio Sciarra (1998)
* Panni sporchi, regia di Mario Monicelli (1999)
* Un amico magico: il maestro Nino Rota, regia di Mario Monicelli (1999)
* Il cielo cade, regia di Andrea e Antonio Frazzi (2000)
* Come quando fuori piove, regia di Mario Monicelli (2000)
* Il mio viaggio in Italia, regia di Martin Scorsese (2001)
* Raul – Diritto di uccidere, regia di Andrea Bolognini (2005)
* L’inchiesta, regia di Giulio Base (2006)
* Le rose del deserto, regia di Mario Monicelli (2006)

Premi cinematografici:

* Mostra del cinema di Venezia
o 1993: Premio Pietro Bianchi
o 1994: Leone d'oro alla carriera

* David di Donatello
o 1980: David speciale
o 1986: David Luchino Visconti; miglior sceneggiatura - Speriamo che sia femmina
o 2006: David del Cinquantenario

* Nastri d'argento
o 1947: miglior soggetto - Vivere in pace
o 1949: miglior sceneggiatura - Ladri di biciclette
o 1950: miglior sceneggiatura - È primavera...
o 1959: miglior soggetto - La sfida; miglior sceneggiatura - I soliti ignoti
o 1961: miglior sceneggiatura - Rocco e i suoi fratelli
o 1986: miglior sceneggiatura - Speriamo che sia femmina
o 1987: miglior soggetto - L'inchiesta

Note:

1. ^ Suso Cecchi D'Amico, Storie di cinema (e d'altro) raccontate a Margherita d'Amico, Garzanti, 1996, p. 9
2. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 10
3. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., pp. 11-13
4. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., pp. 18-19
5. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., pp. 29-30
6. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., pp. 38
7. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 36
8. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., pp. 22-24
9. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 27
10. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 24
11. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 79
12. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 76
13. ^ Suso Cecchi d'Amico Suso, op. cit., pp. 75-76
14. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 77
15. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., pp. 103-104
16. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 115
17. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 98
18. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 100
19. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 105
20. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 148
21. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., pp. 155-156
22. ^ Suso Cecchi d’Amico, op. cit., p. 142
23. ^ Suso Cecchi D'Amico, op. cit., p. 119

Bibliografia:

* Suso Cecchi D'Amico, Storie di cinema (e d'altro) raccontate a Margherita D'Amico, Garzanti, 1996

La corona di ferro

2010-07-30T23:31:00.001-07:00

Titolo originale La corona di ferro
Paese Italia
Anno 1941
Durata 97 min
Colore B/N
Audio sonoro
Rapporto 1,37:1
Genere fantastico, avventura
Regia Alessandro Blasetti
Soggetto Alessandro Blasetti, Renato Castellani
Sceneggiatura Corrado Pavolini, Guglielmo Zorzi, Giuseppe Zucca, Alessandro Blasetti, Renato Castellani
Casa di produzione Enic, Lux Film
Fotografia Václav Vích, Mario Craveri
Montaggio Mario Serandrei
Musiche Alessandro Cicognini (direzione orchestrale di Pietro Sassoli)
Scenografia Virgilio Marchi
Costumi Gino C. Sensani
Interpreti e personaggi

* Elisa Cegani: la madre di Elsa / Elsa
* Luisa Ferida: Kavaora, madre di Tundra / Tundra
* Gino Cervi: re Sedemondo di Kindaor
* Massimo Girotti: Licinio e suo figlio Arminio
* Osvaldo Valenti: Eriberto
* Rina Morelli: la vecchia del fuso
* Umberto Silvestri: Farkas
* Stelio Carnabuci: Re Artace
* Paolo Stoppa: Trifilli
* Amedeo Trilli: un re al torneo
* Renato Navarrini: ministro del re della Rosa
* Giorgio Gentile: il re della Rosa
* Ugo Sasso: Artalo
* Primo Carnera: Klasa, il servo di Tundra
* Piero Pastore: Sestio
* Vittoria Carpi: sposa di Artalo
* Satia Benni: la vedova
* Dina Perbellini: nutrice
* Rossana Rocchi: Elsa
* Maurizio Romitelli: Arminio
* Mario Ersanilli
* Antonio Marietti
* Umberto Sacripante
* Ada Colangeli
* Jolanda Fantini
* Giovanni Stupin
* Adele Garavaglia
* Gemma D'Ambri
* Adriano Micantoni
* Alda Perosino
* Mario Mazza
* Giovanni Stupin
* Piero Carnabuci
* Renato Karninski
* Lino Bears

Doppiatori italiani

* Augusto Marcacci: Licinio
* Gualtiero De Angelis: Arminio

Premi

* Coppa Mussolini al miglior film italiano alla Mostra internazionale d'arte cinematografica di Venezia 1941

La corona di ferro è un film del 1941 diretto da Alessandro Blasetti, vincitore della Coppa Mussolini al miglior film italiano alla 9ª Mostra internazionale d'arte cinematografica di Venezia.

Si tratta di uno spettacolare kolossal fiabesco, «complesso, cupo e tormentato»,[1] dalle venature pacifiste[2] e dai molteplici riferimenti culturali, di grande successo popolare.[3]

Trama:

La spedizione che trasporta la corona di ferro, forgiata con un chiodo della croce, inviata dall'imperatore di Bisanzio al papa in segno di pace, attraversa una terra dove si è appena conclusa una lunga e gravosa guerra. Il vincitore, Licinio, è pronto ad offrire allo sconfitto Artace una pace onorevole, ma il fratello Sedemondo lo fa uccidere alle spalle con una freccia, usurpandone il trono di Kindaor e condannando il nemico all'esilio e il suo popolo alla schiavitù. Tenta poi di impadronirsi della corona di ferro, facendo sterminare la scorta dall'infallibile arciere Farkas, alle gole di Natersa, ma la preziosa reliquia si sottrae alle mire del nuovo sovrano, sprofondando miracolosamente nella terra.

Una misteriosa vecchia, che vive nella foresta, profetizza a Sedemondo che il suo comportamento sacrilego non rimarrà impunito: al fratricida nascerà una femmina, all'ucciso un maschio, e i due si ameranno tragicamente. In effetti, a Kindaor, la moglie di Sedemondo ha partorito una femmina, Elsa, e la vedova di Licinio un maschio, Arminio, ma i neonati vengono opportunamente scambiati per salvare loro la vita. I due bambini vengono cresciuti come fratello e sorella, finché Sedemondo non intuisce l'inganno e allontana Arminio facendolo portare nell'isolata valle dei leoni, ma la vecchia gli cancella il ricordo di quale sia stata la sorte del bambino, quindi il re è costretto a segregare Elsa nella reggia, protetta da tre ordini di cancelli.

Vent'anni dopo, Sedemondo bandisce un torneo, il cui vincitore potrà sposare Elsa. Nel frattempo, una frana apre un varco fra i monti che circondano la valle dei leoni e Arminio può uscire all'esterno, inseguendo un cervo. Durante la caccia incontra Tundra, figlia di Artace, di cui si innamora subito, che gli propone di combattere nel torneo, per aiutarla a conquistare la libertà del suo popolo. Lo stesso invito gli viene rivolto anche dalla vecchia della foresta.

A Kindaor, alla vigilia del torneo, Elsa esce fra la folla travestita da ancella, incontra Arminio e i due sono fatalmente attratti l'una dall'altro, come profetizzato. In un successivo incontro, nei panni di figlia del re gli chiede di non partecipare al torneo, per non arrecare dispiacere alla sua ancella. Ma quando il terribile re dei tartari Eriberto sconfigge tutti i pretendenti e poi rifiuta l'offerta di Sedemondo di rinunciare alla mano di Elsa in cambio di ricchezze e terre, Arminio non può evitare di intervenire in aiuto della donna, prevalendo sul pericoloso avversario e scoprendo con piacere che Elsa e la sua ancella sono la stessa persona e può quindi esprimerle liberamente il suo amore.

Tundra vorrebbe vendicarsi del tradimento di Arminio nei suoi confronti, ma rinuncia di fronte all'intenzione di Elsa di proporre al padre di liberare dalla schiavitù il popolo di Tundra e concedergli parte del regno. Quando però Elsa rivolge quella richiesta a Sedemondo, questi le avvelena la mente con il sospetto che Arminio in realtà ami Tundra e lei decide di rovinare qualsiasi rapporto esistente tra i due, facendo credere all'amato che l'altra abbia provato ad attentare alla propria vita.

Mentre Tundra, scacciata da Arminio, torna al suo piano originario e lancia al suo esercito il segnale per invadere Kindaor attraverso le gole di Natersa, Arminio comincia però a recuperare i ricordi dell'infanzia e, nel riconoscere sul braccio di Elsa il segno di una comune frustrata subita da bambini per mano di Sedemondo, crede che lei sia sua sorella. Elsa, disperata per quella scoperta che condanna il loro amore, fugge via verso le gole. Arminio, affrontato direttamente Sedemondo e scoperto che lui ed Elsa sono soli cugini, si lancia all'inseguimento della donna, mentre il re impazzisce nel vedere avverarsi la temuta profezia di tanto tempo prima.

Alle gole di Natersa si compie il destino dei protagonisti della vicenda. Elsa, per espiare la sua colpa nei confronti di Tundra, la protegge con il proprio corpo dalla freccia fatale scoccata da Farkas, e in punto di morte rivela ad Arminio, accorso troppo tardi per salvarla, che l'ha ingannato sulle intenzioni di Tundra. I due eserciti nemici, giunti sul posto, vengono divisi dall'improvvisa apertura di una voragine, che inghiotte il corpo di Elsa e riporta alla luce la corona di ferro, la cui apparizione fa deporre le armi ad entrambi gli schieramenti. Mentre la reliquia riprende il viaggio verso la sua originaria destinazione, Arminio e Tundra si sposano e salgono al trono di Kindaor, finalmente pacificato.

Critica:

Blasetti ha sempre presentato il film come un apologo pacifista, una favola contro qualsiasi forma di violenza, senza dirette allusioni politiche,[4] affermando di aver voluto manifestare la sua «avversione alla violenza, alla conquista, all'eroismo sterile».[5]

In una narrazione sofferta, esasperata e sovraccarica,[6] Blasetti ha sintetizzato e contaminato le più diverse ispirazioni: «ha raccolto tutto quanto la storia millenaria della fiaba gli ha portato [...] Più che una fiaba, hai qui un'officina della Fiaba»; [7] «tipico centone di miti e racconti popolari e fantastici, di epica mediterranea e di saghe nordiche, di richiami alla leggenda del Santo Graal a Marco Polo, alle favole di Andersen, a Tarzan, a Edipo re e alla tragedia greca, il film interessa più ancora per l'apertura al mondo del fantastico e dell'immaginario ottenuta grazie ad un’invenzione scenografica continuamente mutevole e all'enorme quantità di elementi e motivi simbolici sparsi per tutta l’opera [...] La contaminazione di stili e registri fa di quest'opera [...] un momento di sperimentazione linguistica ed espressiva tra i più interessanti di questa fase produttiva».[8]

Cast:

* Molti degli attori interpretano un doppio personaggio e per differenziare i due caratteri si ricorre o al trucco o, come ad esempio nel caso di Massimo Girotti, al doppiaggio: la sua voce è infatti doppiata da Augusto Marcacci per Licinio e da Gualtiero De Angelis per Arminio.

* Nella parte di Klasa, il servo di Tundra, compare sullo schermo la gigantesca figura di Primo Carnera più adatto a combattere sul ring che a ricoprire, come in questo caso, ruoli di attore cinematografico come fece in più di venti film.

* Il film è celebre anche per la scena, azzardata per l'epoca, in cui viene mostrato per pochi secondi il seno nudo della giovane attrice Vittoria Carpi. Comunemente il primo seno nudo del cinema sonoro italiano è però considerato quello di Clara Calamai nel successivo film di Blasetti, La cena delle beffe,[9] probabilmente perché la Calamai è la protagonista del film, mentre la Carpi è giusto una comparsa. La "primogenitura" è per altro rivendicata anche da Doris Duranti, rivale artistica della Calamai, per il film Carmela (1942), con la seguente spiegazione: «il mio fu il primo seno nudo ripreso all'impiedi, apparve eretto com'era di natura, orgoglioso, senza trucchi, invece la Calamai si fece riprendere sdraiata, che non è una differenza da poco».[10]

Note:

1. ^ Il Mereghetti - Dizionario dei Film 2008. Milano, Baldini Castoldi Dalai editore, 2007. ISBN 9788860731869 p. 710
2. ^ Il Morandini - Dizionario dei Film 2000. Bologna, Zanichelli editore, 1999. ISBN 8808021890 pp. 311-312
3. ^ Gianfranco Gori, Alessandro Blasetti. Firenze, La nuova Italia, 1984. p. 67
4. ^ Gianfranco Gori, op. cit., p. 65
5. ^ A. Blasetti, Trent’anni di cinema che ho vissuto, in Cinema Nuovo, anno V, n° 93, 1956, p. 242
6. ^ Gianfranco Gori, op. cit., p. 69
7. ^ Massimo Bontempelli, nel 1941, sul supplemento speciale della rivista Film Quotidiano per la Mostra del Cinema di Venezia, citato in Gianfranco Gori, op. cit., pp. 66-67
8. ^ Gian Piero Brunetta, Storia del cinema italiano 1895-1945, Roma, Editori Riuniti, 1979, pp. 504-505
9. ^ Il Mereghetti - Dizionario dei Film 2008, p. 556
10. ^ E. Lancia, R. Poppi, Dizionario del cinema italiano, Gremese editore, 2003, p. 122

Gilda

2010-07-17T23:07:00.001-07:00

Titolo originale Gilda
Paese USA
Anno 1946
Durata 110 min
Colore B/N
Audio sonoro
Genere drammatico, noir
Regia Charles Vidor
Soggetto E. A. Ellington (dall'omonimo racconto)
Sceneggiatura Jo Eisinger, Ben Hecht, Marion Parsonnet, Viginia Van Upp (non accreditata)
Produttore Virginia Van Upp
Casa di produzione Columbia Pictures
Distribuzione (Italia) CEIAD
Interpreti e personaggi

* Rita Hayworth: Gilda
* Glenn Ford: Johnny Farrell
* George Macready: Ballin Mundson
* Joseph Calleia: Obregon
* Steven Geray: Zio Pio
* Joseph Sawyer: Casey
* Gerald Mohr: capitano Delgado
* Robert Scott: Gabe Evans
* Eduardo Ciannelli: Bendolin

Doppiatori italiani

Doppiaggio del 1947:

* Tina Lattanzi: Gilda
* Stefano Sibaldi: Johnny Farrell e narratore
* Emilio Cigoli: Ballin Mundson
* Giorgio Capecchi: Obregon
* Amilcare Pettinelli: Zio Pio
* Gualtiero De Angelis: Gabe Evans

Doppiaggio (TV) del 1978:

* Vittoria Febbi: Gilda
* Pino Colizzi: Johnny Farrell e narratore

Fotografia Rudolph Maté
Montaggio Charles Nelson
Musiche Hugo Friedhofer; direzione orchestrale Morris Stoloff
Tema musicale Put the Blame on Mame e Amado Mio di Doris Fisher e Allan Roberts
Scenografia Stephen Goosson, Van Nest Polglase

Gilda è un film del 1946 diretto da Charles Vidor, con Rita Hayworth, Glenn Ford e George Macready.

Fu presentato in concorso al Festival di Cannes 1946.

Trama

« Salve! Mi riconosci? Sono Gilda, tua moglie! »

(dai dialoghi del film)

Buenos Aires, 1945: lo scaltro giocatore e baro Johnny Farrell viene assunto da Ballin Mundson, proprietario di una bisca di lusso, e diventa il suo braccio destro. Al ritorno da un viaggio Ballin torna accompagnato da Gilda, appena sposata. L'incontro tra Johnny e Gilda è piuttosto freddo; i due sembrano conoscersi ma non lo danno a vedere.

L'irrequieta Gilda sa di essere stata comprata dal marito ma non riesce a comportarsi secondo le regole; spesso Johnny è incaricato di seguirla e ricondurla al dovere. L'odio tra i due rivela un precedente rapporto d'amore deluso. Durante la festa del carnevale un uomo viene assassinato nel locale. Ballin fugge inseguito dalla polizia e mette in scena la sua morte: ha bisogno di sparire per un po' di tempo.

Johnny, convinto della sua morte, sposa Gilda, beneficiaria del testamento, ed assume le redini dell'organizzazione che si occupa, tra l'altro, del monopolio del tungsteno. Gilda appare finalmente felice ma Johnny la trascura e le rende la vita impossibile tanto da spingerla a fuggire a Montevideo. Lei cerca di ottenere l'annullamento del matrimonio ma Johnny non ne vuole sapere: è un insanabile rapporto di odio-amore. Nel frattempo il locale viene chiuso dalla polizia e Johnny decide di collaborare, consegnando ad un commissario i documenti di Ballin sul monopolio illegale del tungsteno.

Gilda intanto decide di lasciare Buenos Aires una volta per tutte e Johnny decide di seguirla per ricominciare una nuova vita insieme. Ma ricompare Ballin, intenzionato ad ucciderli perché lo hanno tradito, ma, proprio mentre sta per farlo, è colpito a morte da un cameriere del locale, molto amico di Johnny.

Ora Gilda e Johnny sono liberi di partire per proseguire la loro storia d'amore.

Produzione

Secondo dei tre film interpretati da Rita Hayworth in coppia con Glenn Ford sotto la direzione di Charles Vidor (gli altri due sono Seduzione del 1944 e Gli amori di Carmen del 1948), Gilda fu costruito essenzialmente come veicolo di rilancio per Rita Hayworth, rimasta ferma due anni per maternità (nel 1944 era nata Rebecca dal suo matrimonio con Orson Welles).

La lavorazione del film fu costellata da continui litigi tra Harry Cohn, boss della Columbia e follemente geloso di Rita, e il regista Charles Vidor, che arrivò a chiedere in tribunale la rescissione del contratto che lo legava alla casa di produzione americana[1].

Elemento chiave del film sono i numeri di danza di Rita, creati dal coreografo Jack Cole, che si ispirò alle performances di una vera spogliarellista. Le canzoni Amado Mio e Put the Blame on Mame, quest'ultima eseguita nella famosa scena dello "spogliarello" con i guanti, furono doppiate dalla voce di Anita Ellis, ma rimasero comunque indissolubilmente legati al nome e alla figura di Rita Hayworth.

Le scene più celebri, rimaste nella memoria collettiva, sono la prima inquadratura in cui compare Gilda, quando Mundson le chiede «Sei presentabile?» e lei rovescia la testa all'indietro rispondendo «Io? Lo sono più del necessario!», il già citato numero musicale con l'abito senza spalline e i guanti lunghi e, infine, la scena dello schiaffo.

Critica

Nonostante l'enorme successo di pubblico (nelle prime visioni americane Gilda guadagnò tre milioni di dollari)[1], la critica italiana fu abbastanza severa nel giudicare il film.

Tra forzature (lo scontro per il controllo di un improbabile monopolio del tungsteno) e poco credibili espedienti narrativi (le circostanze casuali in cui viene a comporsi il triangolo affettivo alla base del plot)[2][3], Gilda ripercorre molti dei luoghi del noir. A cominciare dalla voce fuori campo (quella del personaggio interpretato da Ford) cui è affidato il compito di accompagnare lo spettatore attraverso la vicenda. Come in altri film coevi dello stesso genere (Detour, La signora di Shanghai, La fiamma del peccato) il suo ruolo di razionale ed oggettiva riproduzione dei fatti entra in conflitto con l'immagine del narratore che emerge dalle immagini, introducendo nella visione elementi di spaesamento e precarietà. Progressivamente, Johnny[4] rivela una personalità disturbata, con elementi di misoginia, sadomasochismo, probabili pulsioni omosessuali.

Il tema della latente omosessualità del protagonista [5] che spesso, in tempi di Codice Hays, trovava espressione sotto forma di comportamenti misogini, resta controverso. Glenn Ford sostenne di essere stato perfettamente consapevole, con George Macready, di dover "interpretare due omosessuali"[6], ma fu smentito dal regista.[6]

Le circostanze e le responsabilità del disastroso fallimento della precedente relazione tra Gilda e Johnny restano avvolte nel mistero. Quest'ombra di un passato, ignoto allo spettatore, che grava sulle psicologie e sui comportamenti dei personaggi è un altro elemento ricorrente del noir.[7] Come l'ambientazione in paesi esotici o lontani (in questo caso l'Argentina), "in atmosfere equivoche o sensuali, dove l'eroe occidentale affonda nello smarrimento e nella tentazione della perdita di sé".[8] Fondamentale nella creazione di queste atmosfere è la bella fotografia di Rudolph Matè, che peraltro si sarebbe cimentato nel "noir" anche come regista (soprattutto in Due ore ancora).

La "dark lady"

«...una donna, perché sembra una cosa e all'improvviso, sotto i tuoi occhi, ne diventa un'altra, completamente diversa.» Così, in uno dei tanti dialoghi ambigui ed allusivi che punteggiano il film, si esprime Johnny, per denotare il genere sessuale del bastone da passeggio che l'amico Macready porta sempre con sé, oggetto all'apparenza innocuo, ma munito al suo interno di una micidiale lama di acciaio.

La figura della "dark lady", spregiudicata, infedele, dannatrice è forse il carattere più tipico e popolare del noir. Tuttavia, come nota Venturelli, non è infrequente il caso[9] di ritratti femminili la cui ambiguità è solo il prodotto di un distorto sguardo maschile. È così anche per Gilda. La sua ricerca di libertà, i suoi atteggiamenti provocatori, i suoi tradimenti, rappresentano un tentativo di risolvere il conflitto tra la persona reale e la maschera di oggetto del desiderio che le è stata imposta.[10] Rivelatore, al proposito, lo strip-tease, avvolto in un'atmosfera onirica, in cui, mentre canta (peraltro doppiata, come in tutti gli altri pezzi musicali del film)[11] Rita scatena la fantasia di pubblico e spettatori, pur togliendosi un solo guanto.

A partire dagli avvenimenti legati alla carriera dell'attrice, la cui immagine, dal cambiamento del nome, sino al colore e all'attaccatura dei capelli, fu costruita a tavolino dagli studios (soprattutto la Columbia Pictures), inevitabilmente, nel personaggio di Gilda sono stati individuati riferimenti a Hollywood, come macchina per la produzione dei sogni, e allo star-system.

Il fatto che la prima bomba atomica fatta esplodere nel dopoguerra, sull'atollo di Bikini, fosse stata soprannominata Gilda dai soldati e che Franklin Delano Roosevelt, dopo l'uscita del film, definisse l'attrice "una formidabile istituzione americana" testimoniano dell'impatto esercitato da quell'interpretazione sull'immaginario collettivo.

Fu il primo ruolo drammatico dell'attrice, che, negli anni successivi, non riuscì più a sottrarsi al personaggio della femme fatale; dal successivo La signora di Shanghai, diretto nel 1947 dal marito Orson Welles, continuando con Gli amori di Carmen del 1948 (ancora Charles Vidor) e con Trinidad del 1952, diretto da Vincent Sherman.
Riddoppiaggio televisivo [modifica]

Nel 1978 la versione italiana del film è stata riddoppiata con nuove voci per essere trasmessa dalla televisione. La direzione del nuovo doppiaggio è stata affidata a Ferruccio Amendola.

Il riddoppiaggio è il seguente:
Personaggio Interprete Doppiatore
Johnny Farrell Glenn Ford Pino Colizzi
Gilda Rita Hayworth Vittoria Febbi

Note

1. ^ a b Egle Santolini in Ciak, anno IV, n° 7, luglio 1988, pag. 130-131
2. ^ «L'assurdità dell'intrigo...» in Il Morandini. Dizionario dei film 2006, Bologna, Zanichelli editore, 2006.
3. ^ «...vicenda poco verosimile» in Fernaldo Di Gianmatteo, Dizionario del cinema americano, Roma, Editori Riuniti, 1996.
4. ^ «un nome facile da dimenticare e difficile da ricordare» come allusivamente afferma Gilda, che pure con lui ha avuto una tormentata relazione, quando l'ignaro marito la presenta all'amico.
5. ^ «Il triangolo del film è stato interpretato nelle maniere più svariate, comprese le inevitabili letture omosessuali o femministe» in Renato Venturelli, L'età del noir, Torino, Giulio Einaudi editore, 2007. Renato Venturelli, L'età del noir, Giulio Einaudi Editore spa, Torino, 2007, pag. 241.
6. ^ a b Vito Russo, Lo schermo velato, Milano, Baldini&Castoldi, 1999, pag. 101.
7. ^ Gabriele Lucci, Noir, Milano, Mondadori Electa, 2006.
8. ^ Renato Venturelli, op. cit., pag. 58.
9. ^ ad es. Veronica Lake in La dalia azzurra o Lauren Bacall in Il grande sonno
10. ^ Michele Fadda, Gild in Paola Cristalli (a cura di), Dizionario critico dei film, Milano, Istituto della Enciclopedia Italiana fondata da Giovanni Treccani, 2004.
11. ^ con l'unica eccezione della precedente versione acustica di Put the Blame on Mame, in cui l'attrice si accompagna con la chitarra davanti al custode della toilette Zio Pio

Notre Dame

2010-07-16T23:07:00.001-07:00

Titolo originale Quasimodo-The Hunchback of Notre Dame
Paese USA
Anno 1939
Durata 117 min
Colore B/N
Audio sonoro
Genere drammatico
Interpreti e personaggi

* Charles Laughton : Quasimodo/Narratore
* Maureen O'Hara : Esmeralda
* Cedric Hardwicke : Frollo

Doppiatori italiani

* Mario Besesti: Charles Laughton
* Lydia Simoneschi: Maureen O'Hara
* Sandro Ruffini: Cedric Hardwicke
* Corrado Racca: Thomas Mitchell
* Ivo Garrani: Edmund O'Brien
* Amilcare Pettinelli: Harry Davemport
* Ennio Cerlesi: Alan Marchall
* Vinicio Sofia:Walter Hamden

Fotografia Joseph H. August
Musiche Alfred Newman
Scenografia Van Nest Polglase

Notre Dame è un film del 1939 diretto da William Dieterle basato sull'omonimo romanzo di Victor Hugo, che aveva già avuto una traposizione nel 1923 e ne avrà altre due nei decenni successivi.

Trama:

A Parigi nel 1482 la zingara Esmeralda(Maureen O'Hara) arriva a Notre Dame con i suoi compagni gitani.Immediatamente,però cominciano a venir perseguitati dalle autorità politiche,che li odiano con tutto il cuore. Quasimodo(Charles Laughton) il campanaro gobbo e deforme di Notre Dame,quando vede per la prima volta Esmeralda, si innamora perdutamente e tenta di rapirla. Ma il suo piano fallisce quando interviene il suo padrone,l'arcidiacono Claude Frollo(Cedric Hardwicke) che lo condanna alla fustigazione.Ma Esmeralda, unica ad aver pena per lui,lo salva.Frollo,che ha un grande odio per gli zingari,uccide una persona e fa ricadere la colpa su Esmeralda.La zingara viene condannata all'impiccagione,ma viene salvata da Quasimodo,che la nasconde nella cattedrale.Il gobbo non ha alcuna intenzione di riportarla dagli zingari, ma vuole tenerla per sempre con sè per non sentirsi più solo. Intanto Frollo,deciso di sbarazzarsi una volta per tutte degli zingari,li attira a Notre Dame e li fa combattere con le guardie. Mentre gli zingari sono impegnati con le guardie,Frollo và nel nascondiglio di Quasimodo e tenta di uccidere sia lui che Esmeralda.quasimodo e Frollo si affrontano a corpo a corpo dove il campanaro ha la meglio. La zingara viene però portata via dagli zingariche lasciano del tutto Parigi.Quasimodo rimane di nuovo solo. "Perché non sono di pietra come te ?" chiede Quaimodo ad un gargoyle della cattedrale,mentre sullo schermo appare la scritta "THE END".

Selvaggio è il vento

2010-07-04T10:14:00.001-07:00

Titolo originale Wild Is the Wind
Paese USA
Anno 1957
Durata 114 min
Colore B/N
Audio sonoro
Genere Drammatico
Regia George Cukor
Soggetto Vittorio Nino Novarese
Sceneggiatura Arnold Schulman
Interpreti e personaggi

* Anna Magnani: Gioia
* Anthony Quinn: Gino
* Anthony Franciosa: Pietro
* Dolores Hart: Angie
* Joseph Calleia: Alberto
* Lili Valenty: Teresa
* James Flavin: il compratore
* Dick Ryan: il prete

Fotografia Charlse B. Lang jr.
Montaggio Warren Low
Musiche Dimitri Tiomkin, Ned Washington
Scenografia Hal Pereira, Tambi Larsen
Premi

* David di Donatello 1958: miglior attrice protagonista (Anna Magnani)

Il paradiso delle fanciulle

2010-07-04T08:24:00.001-07:00

Titolo originale The Great Ziegfeld
Paese Stati Uniti d'America
Anno 1936
Durata 176 min
Colore B/N
Audio sonoro
Rapporto 1,37:1
Genere biografico, commedia
Regia Robert Z. Leonard
Sceneggiatura William Anthony McGuire
Produttore Hunt Stromberg per MGM
Interpreti e personaggi

* William Powell
* Myrna Loy
* Luise Rainer
* Frank Morgan
* Virginia Bruce
* Reginald Owen
* Nat Pendleton
* Ray Bolgher
* Fannie Brice
* Leon Errol
* Stanley Morner

Fotografia Oliver T. Marsh
Montaggio William S. Gray
Musiche Walter Donaldson
Premi

* Premi Oscar 1937: Oscar al miglior film, Oscar alla miglior attrice (Luise Rainer), Oscar per la migliore coreografia

Le quattro piume

2010-07-04T03:36:00.001-07:00

Titolo originale The Four Feathers
Paese Gran Bretagna
Anno 1939
Durata 130 min
Colore colore
Audio sonoro
Genere guerra
Regia Zoltán Korda
Soggetto Alfred Edward Woodley Mason
Sceneggiatura R.C. Sherriff
Interpreti e personaggi

* John Clements
* June Duprez
* Ralph Richardson
* C. Aubrey Smith

Doppiatori italiani

* Giulio Panicali: John Clements
* Lydia Simoneschi: June Duprez
* Carlo Romano: Ralph Richarson
* Olinto Cristina: C.Aubrey Smith

Fotografia Georges Périnal
Montaggio Henry Cornelius
Musiche Miklós Rózsa

Le quattro piume è un film del 1939, diretto dal regista Zoltán Korda.

Il film si svolge alla fine del XIX secolo, durante le guerre coloniali sotto il regno della regina Vittoria. Alla vigilia di una spedizione militare in Sudan, l'ufficiale Harry Faversham decide di dare le proprie dimissioni dall'esercito. Ciascuno dei suoi tre amici più cari gli invia allora un biglietto con una piuma bianca, in segno della sua codardia. La quarta piuma gli viene consegnata dalla fidanzata che, sollecitata da lui a dire qualcosa in sua difesa, si rifiuta di rispondere e ne stacca una dal suo ventaglio.

L'ufficiale si decide così a dimostrare il suo valore. L'occasione gli si presenta quando i suoi amici vengono a trovarsi in pericolo e lui, travestitosi da indigeno, li porta in salvo.

Il film è una delle sei trasposizioni su pellicola del romanzo di Mason e, fra queste, rimane la più famosa. Girata in technicolor con un alto budget e con numerosissime comparse nei luoghi reali in cui si svolge la trama, rimane memorabile per le scene di massa girate in campo lungo con un'impeccabile direzione dei figuranti.

Il Cardinale

2010-07-03T06:41:00.001-07:00

Titolo originale The Cardinal
Paese USA
Anno 1963
Durata 175 min
Colore colore
Audio mono
Rapporto pellicola 70 mm: 2.20:1

pellicola 35 mm: 2.35:1
Genere drammatico
Regia Otto Preminger
Soggetto Henry Morton Robinson
Sceneggiatura Robert Dozier
Interpreti e personaggi

* Tom Tryon : Stephen Fermoyle
* Carol Lynley : Mona Fermoyle / Regina Fermoyle
* Dorothy Gish : Celia Fermoyle
* Maggie McNamara : Florrie Fermoyle
* Bill Hayes : Frank Fermoyle
* Romy Schneider : Anne-Marie Hartmann
* Peter Weck: Kurt Von Hartman
* John Huston: Cardinale Glennon
* David Opatoshu: Sig. Rampell (padre di Benny)
* Russ Brown: Dott. Heller
* Josef Meinrad: Cardinale Innitzer
* Ossie Davis: Padre Gillis
* Chill Wills: Monsignor Whittle
* Murray Hamilton: Lafe
* Cameron Prud'Homme: Din Fermoyle
* Loring Smith: Cornelius J. Deegan
* Vilma Degischer: Suor Wilhelmina
* John Saxon: Benny Rampell

Doppiatori italiani

* Giuseppe Rinaldi: Stephen Fermoyle
* Fiorella Betti: Mona Fermoyle
* Serena Verdirosi: Regina Fermoyle
* Pino Locchi: Frank Fermoyle
* Maria Pia Di Meo: Anne-Marie Hartmann
* Cesare Barbetti: Kurt Von Hartman
* Giorgio Capecchi: Cardinale Glennon
* Gualtiero De Angelis: Sig. Rampell
* Lauro Gazzolo: Dott. Heller
* Nando Gazzolo: Cardinale Innitzer
* Glauco Onorato: Padre Gillis
* Giulio Panicali: Monsignor Whittle
* Bruno Persa: Lafe
* Carlo Romano: Cornelius J. Deegan
* Wanda Tettoni: Suor Wilhelmina
* Massimo Turci: Benny Rampell

Fotografia Leon Shamroy
Montaggio Louis R. Loeffler
Musiche Jerome Moross
Scenografia Lyle R. Wheeler e Gene Callahan
Premi

* 2 Golden Globe 1964: miglior film drammatico, miglior attore non protagonista (John Huston)

Il cardinale è un film di Otto Preminger del 1963 ed è tratto dall'omonimo libro di Henry Morton Robinson.

Trama:

Il film è ambientato nel 1917 e parla di Stephen Fermoyle (figlio di un tranviere di Boston), studia Roma, diventa sacerdote; quindi torna a Boston e diventa vicario parrocchiale. Qui si trova di fronte la scelta di decidere la via spirituale o la via umana quando la sorella incinta deve partorire. Egli decide di salvare il bambino che nascerà. Manda poi un manoscritto al suo vescovo che lo trova ambizioso e lo manda in una piccola parrocchia povera, dove trova il parroco molto malato amico del vescovo (il cardinale di Boston). Alla morte del parroco il cardinale lo assume come segretario e lo porta a Roma per il conclave come suo assistente. Mentre è a Roma rivela al cardinale la sua crisi sacerdotale e quindi viene deciso un periodo di sospensione sacerdotale che passerà a Vienna. Lì diventa insegnante di lingue, e quasi si innamora di una studentessa; a questo punto decide di seguire la sua vocazione sacerdotale. Tornato a Roma viene promosso nella Segreteria di Stato vaticana, gli vengono affidati vari incarichi che egli svolge con successo. Consacrato vescovo assiste all'entrata dei nazisti in Austria e ritrova la giovane studentessa, arrestata dalla Gestapo. Tornato a Roma viene creato Cardinale e Arcivescovo a Boston.

Dieci anni dalla scomparsa di Vittorio Gassman

2010-07-02T10:15:00.001-07:00

Dieci anni fa si spegneva uno dei personaggi più celebri e importanti del mondo dello spettacolo italiano, il genio versatile di Vittorio Gassman, che ha dato un notevole contributo al nostro cinema, restando tutt’ora uno degli attori più amati di sempre. Vittorio Gassman - vero cognome Gassmann - (Genova, 1º settembre 1922 – Roma, 29 giugno 2000) è stato un attore e regista italiano di cinema, teatro e televisione. Genio versatile, ma con profonde radici nel mondo del teatro più "impegnato", fondatore e direttore del Teatro d’Arte Italiano Amleto di W. Shakespeare. Con Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, Nino Manfredi e Marcello Mastroianni fu anche uno dei "mostri", o "mattatori", della commedia all'italiana.[1] Soprannominato appunto "il mattatore", è considerato uno dei migliori attori italiani, ricordato per la sua estrema professionalità, versatilità e magnetismo. La sua lunga carriera da attore di teatro, cinema e televisione in Italia e all'estero comprende produzioni importanti, così come dozzine di divertissement, che gli diedero una vasta popolarità. Nato nel quartiere di Struppa, allora comune autonomo incluso dal 1926 nella Grande Genova, era figlio dell'ingegnere civile tedesco Heinrich Gassmann (Vittorio in seguito eliminerà la seconda "n" per il nome d'arte) e della pisana Luisa Ambron. Vittorio Gassman sposò soltanto attrici:
· Nora Ricci (figlia di Renzo Ricci) dalla quale ebbe la prima figlia Paola, attrice ella stessa e moglie di Ugo Pagliai;
· Shelley Winters, dalla quale ebbe la seconda figlia Vittoria;
· Juliette Mayniel, che gli diede Alessandro, anche lui attore;
· Diletta D'Andrea, dalla quale nacque Jacopo, regista.
Molto acclamato come attore, Gassman venne talvolta criticato a causa della sua vita privata, specie per i suoi divorzi (che suscitarono scandalo negli anni cinquanta e sessanta), e per il suo iniziale ateismo (in seguito sviluppò una fede molto personale). Inoltre, nelle sue dichiarazioni e interviste, espresse sovente commenti originali o poco convenzionali, talvolta con il chiaro intento di disturbare le posizioni culturali moderate: si guadagnò infatti vari nemici nel mondo dell'arte per i suoi franchi giudizi. Ancora molto giovane si trasferì a Roma, dove ottenne la maturità classica al liceo Tasso, e frequentò l'Accademia Nazionale d'Arte Drammatica, nella quale studiavano anche altre importanti figure del cinema e del teatro italiano, come Paolo Stoppa, Rina Morelli, Adolfo Celi, Luigi Squarzina, Elio Pandolfi, Rossella Falk, Lea Padovani e, successivamente, Paolo Panelli, Nino Manfredi, Tino Buazzelli, Gianrico Tedeschi, Monica Vitti, Luca Ronconi e molti altri. In questi anni si distinse anche come giocatore di pallacanestro, arrivando a far parte della nazionale universitaria: l'attività sportiva contribuì a dotarlo di un fisico atletico. Il suo debutto teatrale avvenne a Milano nel 1943, con Alda Borelli, nella Nemica di Dario Niccodemi. Si spostò quindi a Roma, al Teatro Eliseo, unendosi a Tino Carraro ed Ernesto Calindri in un trio che rimase celebre: con loro recitò in diverse opere, dalla commedia borghese al teatro intellettuale sofisticato, senza nessuna difficoltà apparente nel passare da uno stile all'altro. Fu con la compagnia di Luchino Visconti che Gassman ottenne i successi della maturità, assieme a Stoppa, Rina Morelli e Paola Borboni. Gassman interpretò Kowalski in Un tram che si chiama desiderio di Tennessee Williams, quindi recitò in Rosalinda di Shakespeare e nell'Oreste di Vittorio Alfieri. Successivamente entrò nel Teatro Nazionale con Tommaso Salvini, Massimo Girotti e Arnoldo Foà, per un Peer Gynt (Ibsen) di successo. Del 1945 è il suo debutto cinematografico, in Incontro con Laura, di Carlo Alberto Felice: la pellicola è però andata perduta, pertanto il suo primo film distribuito nelle sale rimane Preludio d'amore (1946), di Giovanni Paolucci. Ma il successo e l'apprezzamento del pubblico dovevano ancora arrivare.

Il primo grande successo cinematografico, Riso amaro (1949), di Giuseppe De Santis

Nel 1952, assieme a Luigi Squarzina, fondò e diresse il Teatro d'Arte Italiano, producendo la prima versione completa dell'Amleto in Italia, oltre a opere rare come il Tieste di Seneca o I Persiani di Eschilo. Nel 1956, anno chiave della sua carriera artistica, Gassman interpretò l'Otello con il grande attore Salvo Randone, con il quale si scambiava nei ruoli del Moro e di Iago. Poco dopo, in un programma televisivo intitolato Il Mattatore, ottenne un inaspettato successo, e il Mattatore divenne ben presto il soprannome che lo avrebbe accompagnato per il resto della vita. Per il cinema invece, oltre che protagonista, Gassman è stato anche regista di Kean (1957), L'alibi (1969) e Senza famiglia, nullatenenti cercano affetto (1972). Gli anni sessanta si rivelarono molto gratificanti per la carriera cinematografica di Vittorio Gassman, sulla scia del grande successo ottenuto nel 1958 con I soliti ignoti di Mario Monicelli. Il cinema lo aveva impegnato sino ad allora, in Italia e ad Hollywood, in ruoli cinematografici atletici e di seducenti villain (dopo il trionfo di Riso amaro, 1949); Monicelli lo rivelò anche ottimo attore di ruoli comici ed egli acquistò in breve una vasta notorietà con prodotti più popolari come La grande guerra (1959), Il sorpasso (1962), I mostri (1963) e L'armata Brancaleone (1966).

Jean-Louis Trintignant (a sinistra) e Vittorio Gassman (a destra) nel capolavoro di Dino Risi Il sorpasso (1962).

Sempre per gli schermi, Gassman ha interpretato C'eravamo tanto amati (1974), Profumo di donna (1974), Anima persa (1977), Caro papà (1979), La famiglia (1987), Lo zio indegno (1989) e Tolgo il disturbo (1990) in Italia; all'estero si è fatto invece apprezzare in Un matrimonio di Altman (1978), La tempesta di Mazursky (1982), Benvenuta di Delvaux (1983), La vita è un romanzo di Resnais (1983). Nell'ultimo decennio di vita ha continuato a lavorare per il cinema in Il lungo inverno di Jaime Camino (1992), Sleepers di Barry Levinson (1996), regalando una splendida caratterizzazione del vecchio mafioso King Benny, e La cena di Ettore Scola (1998). Fu probabilmente a lungo vittima della sindrome bipolare, della quale hanno patito anche altri grandi artisti quali Charles Baudelaire, Ernest Hemingway, Francis Scott Fitzgerald, Lord Byron, Virginia Woolf e Vincent Van Gogh. Morì per un improvviso attacco cardiaco nella sua casa di Roma. Nonostante i suoi successi cinematografici Gassman non abbandonò mai il teatro. Nell'ultima parte della sua carriera aggiunse la poesia al suo repertorio, aiutando a far conoscere in Italia alcune opere straniere. Vero perfezionista, aveva in odio la dizione imperfetta o le inflessioni dialettali, pur essendo in grado di rendere perfettamente, quando richiesto, la maggior parte dei dialetti italiani. In modo abbastanza coraggioso, accettò la sfida di dirigere l' Adelchi, una delle opere meno note e meno "facili" di Alessandro Manzoni. La tournée di questo spettacolo raccolse mezzo milione di spettatori, attraversando l'Italia con il suo Teatro Popolare Itinerante (una nuova edizione del famoso Carro di Tespi). Le sue produzioni teatrali comprendono molti dei più famosi autori del XX secolo, oltre a frequenti ritorni ai classici come Shakespeare, Dostoevskij e i grandi drammaturghi greci. Fondò inoltre una scuola di teatro a Firenze, quella Bottega Teatrale che diresse personalmente dal 1979 al 1991 e che è stata una protagonista del mondo culturale fiorentino, richiamando a Firenze moltissimi dei nomi più noti del teatro e del cinema italiano e mondiale: da Giorgio Albertazzi (per molti anni vicedirettore) a Orazio Costa, da Antonella Daviso a Ettore Scola, da Yoves Le Bretton a Siro Ferrone, solo per ricordarne alcuni. Ha coltivato anche una sua attività letteraria, pubblicando sia volumi autobiografici come Un grande avvenire dietro le spalle (1981) e Memorie del sottoscala (1990), sia opere come Ulisse e la balena bianca (1992), Mal di parole (1992) e Lettere d'amore sulla bellezza (1996) con Giorgio Soavi. Ha avuto una parentesi come doppiatore nel 1994, dando la voce al commovente personaggio di Mufasa nel film della Disney Il Re Leone (interpretato nella versione americana da James Earl Jones). Il 29 Giugno 2010, in occasione del decennale della scomparsa dell'attore, il Comune di Milano ha intitolato in suo nome una via del quartiere Adriano - Marelli.
Premi cinematografici
Festival di Cannes
· 1975: miglior interpretazione maschile - Profumo di donna
David di Donatello
· 1960: miglior attore protagonista - La grande guerra
· 1975: miglior attore protagonista - Profumo di donna
· 1979: miglior attore protagonista - Caro papà
· 1982: Medaglia d'oro del Ministro per il Turismo e lo Spettacolo
· 1984: Targa Speciale
· 1987: miglior attore protagonista - La famiglia
· 1991: David speciale
· 1996: David alla carriera
Nastri d'argento
· 1959: miglior attore protagonista - I soliti ignoti
· 1963: miglior attore protagonista - Il sorpasso
· 1975: miglior attore protagonista - Profumo di donna
· 1990: miglior attore protagonista - Lo zio indegno
· 1999: miglior attore non protagonista (insieme con il resto del cast) - La cena
· 2000: Nastro d'argento speciale
Premi teatrali
· David di Donatello 1958: Premio internazionale "Olimpo" per il teatro
Onorificenze
Cavaliere di Gran Croce Ordine al Merito della Repubblica Italiana
— Roma, 16 marzo 1994.[2]
Grande Ufficiale dell'Ordine al Merito della Repubblica Italiana
— Roma, 27 aprile 1987.[3]
Medaglia d'oro ai benemeriti della cultura e dell'arte
— Roma, 2 marzo 1999.[4]
Teatrografia
· La macchina da scrivere , di Jean Cocteau, con Ernesto Calindri, Antonio Battistella, Vittorio Gassman, Daniela Palmer, Laura Adani, Nora Ricci, regia di Luchino Visconti, prima al Teatro Eliseo di Roma 2 ottobre 1945.
· Rebecca , di Daphne du Maurier, con Laura Solari, Vittorio Gassman, Daniela Palmer, Gina Sammarco, Mario Gallina, Filippo Scelzo, Manlio Busoni, Ferruccio Stagni, Ennio Cerlesi, Luigi Squarzina, regia di Guido Salvini, prima al Teatro Quirino di Roma 20 aprile 1946.
· Tutti miei figli , di Arthur Miller, con Evi Maltagliati, Vittorio Gassman, Tino Buazzelli, Nino Manfredi, Nora Ricci, Luciano Salce, Renata Seripa, Luigi Squarzina, Maria Marchi, Pietro Carini, regia di Luigi Squarzina, prima al Teatro Quirino di Roma, 6 novembre 1947.
Filmografia
Attore
· Incontro con Laura (1945) regia di Carlo Alberto Felice
· Preludio d'amore (1946) regia di Giovanni Paolucci
· Daniele Cortis (1947) regia di Mario Soldati
· Le avventure di Pinocchio (1947) regia di Gianetto Guardone
· La figlia del capitano (1947) regia di Mario Camerini
· L'ebreo errante (1948) regia di Goffredo Alessandrini
· Il cavaliere misterioso (1948) regia di Riccardo Freda
· Lo sparviero del Nilo (1949) regia di Giacomo Gentilomo
· I fuorilegge (1949) regia di Aldo Vergano
· Il lupo della Sila (1949) regia di Duilio Coletti
· Ho sognato il paradiso (1949) regia di Giorgio Pastina
· Riso amaro (1949) regia di Giuseppe De Santis
· Una voce nel tuo cuore (1949) regia di Alberto D'Aversa
· Il leone di Amalfi (1950) regia di Pietro Francisci
· Il tradimento (1951) regia di Riccardo Freda
· La corona nera (1951) regia di Luis Saslavsky
· Anna (1951) regia di Alberto Lattuada
· Il sogno di Zorro (1952) regia di Mario Soldati
· La tratta delle bianche (1952) regia di Luigi Comencini
· Sombrero (1953) regia di Norman Foster
· Il muro di vetro (1953) regia di Maxwell Shane
· L'urlo dell'inseguito (1953) regia di Joseph H. Lewis
· Rapsodia (1954) regia di Charles Vidor
· Mambo (1954) regia di Robert Rossen
· Kean (1956) regia di Vittorio Gassman e Francesco Rosi
· Giovanni dalle Bande Nere (1956) regia di Sergio Grieco
· La donna più bella del mondo (1955) regia di Robert Z. Leonard
· Guerra e pace (1956) regia di King Vidor
· Difendo il mio amore (1957) regia di Giulio Macchi
· I soliti ignoti (1958) regia di Mario Monicelli
· La ragazza del palio (1958) regia di Luigi Zampa
· La tempesta (1958) regia di Alberto Lattuada
· Le sorprese dell'amore (1959), non accreditato, regia di Luigi Comencini
· La cambiale (1959) regia di Camillo Mastrocinque
· La grande guerra (1959) regia di Mario Monicelli
· Vento di tempesta (1959) regia di Irving Rapper
· Il mattatore (1960) regia di Dino Risi
· Audace colpo dei soliti ignoti (1960) regia di Nanni Loy
· Fantasmi a Roma (1961) regia di Antonio Pietrangeli
· Una vita difficile (1961) regia di Dino Risi
· Crimen (1961) regia di Mario Camerini
· Il giudizio universale (1961) regia di Vittorio De Sica
· Barabba (1961) regia di Richard Fleischer
· Il sorpasso (1962) regia di Dino Risi
· I briganti italiani (1962) regia di Mario Camerini
· Anima nera (1962) regia di Roberto Rossellini
· Frenesia dell'estate (1963) regia di Luigi Zampa
· Il successo (1963) regia di Mauro Morassi e, non accreditato, Dino Risi
· La marcia su Roma (1963) regia di Dino Risi
· La smania addosso (1963) regia di Marcello Andrei
· L'amore difficile (1963), episodio "L'avaro", regia di Luciano Lucignani
· I mostri (1963) regia di Dino Risi
· Se permettete parliamo di donne (1964) regia di Ettore Scola
· Slalom (1965) regia di Luciano Salce
· Il gaucho (1965) regia di Dino Risi
· La guerra segreta (1965) regia di Christian-Jaque, Werner Klingler, Carlo Lizzani e Terence Young
· La congiuntura (1965) regia di Ettore Scola
· Le piacevoli notti (1966) regia di Armando Crispino e Luciano Lucignani
· L'arcidiavolo (1966) regia di Ettore Scola
· Una vergine per il principe (1966) regia di Pasquale Festa Campanile
· L'Armata Brancaleone (1966) regia di Mario Monicelli
· Lo scatenato (1967) regia di Franco Indovina
· Sette volte donna (1967), non accreditato, regia di Vittorio De Sica
· Il tigre (1967) regia di Dino Risi
· La pecora nera (1968) regia di Luciano Salce
· Questi fantasmi (1968) regia di Renato Castellani
· Il profeta (1968) regia di Dino Risi
· L'alibi (1969) regia di Adolfo Celi, Vittorio Gassman e Luciano Lucignani
· Dove vai tutta nuda? (1969) regia di Pasquale Festa Campanile
· Una su 13 (1969) regia di Nicolas Gessner
· L'arcangelo (1969) regia di Giorgio Capitani
· Brancaleone alle crociate (1970) regia di Mario Monicelli
· Il divorzio (1970) regia di Romolo Guerrieri
· Contestazione generale (1970) regia di Luigi Zampa
· Scipione detto anche l'africano (1971) regia di Luigi Magni
· L'udienza (1971) regia di Marco Ferreri
· In nome del popolo italiano (1971) regia di Dino Risi
· Senza famiglia, nullatenenti cercano affetto (1972) regia di Vittorio Gassman
· Che c'entriamo noi con la rivoluzione? (1972) regia di Sergio Corbucci
· La Tosca (1973) regia di Luigi Magni
· Profumo di donna (1974) regia di Dino Risi
· C'eravamo tanto amati (1974) regia di Ettore Scola
· A mezzanotte va la ronda del piacere (1975) regia di Marcello Fondato
· Come una rosa al naso (1976) regia di Franco Rossi
· Telefoni bianchi (1976) regia di Dino Risi
· Signore e signori, buonanotte (1976) regia di Luigi Comencini, Nanni Loy, Luigi Magni, Mario Monicelli ed Ettore Scola
· Il deserto dei Tartari (1976) regia di Valerio Zurlini
· Anima persa (1977) regia di Dino Risi
· I nuovi mostri (1977) regia di Mario Monicelli, Ettore Scola e Dino Risi
· Un matrimonio (1978) regia di Robert Altman
· Quintet (1979) regia di Robert Altman
· Caro papà (1979) regia di Dino Risi
· Due pezzi di pane (1979) regia di Sergio Citti
· The nude bomb (1980) regia di Clive Donner
· La terrazza (1980) regia di Ettore Scola
· Il turno (1981) regia di Tonino Cervi
· Camera d'albergo (1981) regia di Mario Monicelli
· Pelle di sbirro (1981) regia di Burt Reynolds
· La tempesta (1982) regia di Paul Mazursky
· Il conte Tacchia (1982) regia di Sergio Corbucci
· La vita è un romanzo (1983) regia di Alain Resnais
· Benvenuta (1983) regia di André Delvaux
· Paradigma (1985) regia di Krzysztof Zanussi
· I soliti ignoti vent'anni dopo (1987) regia di Amanzio Todini
· La famiglia (1987) regia di Ettore Scola
· I picari (1987) regia di Mario Monicelli
· Mortacci (1989) regia di Sergio Citti
· Lo zio indegno (1989) regia di Franco Brusati
· Dimenticare Palermo (1990) regia di Francesco Rosi
· Tolgo il disturbo (1990) regia di Dino Risi
· Le mille e una notte (1990) regia di Philippe de Broca
· Rossini! Rossini! (1991) regia di Mario Monicelli
· Quando eravamo repressi (1992) regia di Pino Quartullo
· Il lungo inverno (1992) regia di Jaime Camino
· I divertimenti della vita privata (1992) regia di Cristina Comencini
· Tutti gli anni una volta l'anno (1995) regia di Gianfrancesco Lazotti
· Sleepers (1996) regia di Barry Levinson
· La cena (1998) regia di Ettore Scola
· La bomba (1999) regia di Giulio Base
Regista
· Kean (1956), con Francesco Rosi
· L'alibi (1969), con Adolfo Celi e Luciano Lucignani
· Senza famiglia, nullatenenti cercano affetto (1972)
· Di padre in figlio (1982), con Alessandro Gassman
Prosa televisiva
· Versi di Dante, letture poetiche di Vittorio Gassman, domenica ore 22, ottobre, 1955.
· Amleto , di William Shakespeare, con Vittorio Gassman, Memo Benassi, Andrea Bosic, Augusto Mastrantoni, Anna Maria Ferrero, Luigi Vannucchi, Giulio Bosetti, Mario Maranzana, Elena Zareschi, regia di Claudio Fino, trasmessa venerdì 9 novembre 1955, programma nazionale, ore 21.
· Oreste, di Vittorio Alfieri, con Edmonda Aldini, Mario Feliciani, Elena Zareschi, Vittorio Gassman, Giulio Bosetti, regia di Gassman e Silverio Blasi, trasmessa il 30 giugno 1958, nel programma nazionale.
· Adelchi, di Alessandro Manzoni, con Vittorio Gassman, Andrea Bosic, Anna Maria Gherardi, Annibale Ninchi, Antonio Salines, Carlo D'Angelo, Mario Erpichini, Nino Dal Fabbro, Orazio Orlando, Valentina Fortunato, regia di Gassman, trasmessa il 3 marzo 1961.
· Memorie del sottosuolo, con Vittorio Gassman, 3 dicembre 1970.
· L'uomo dal fiore in bocca, con Gennaro Di Napoli, Vittorio Gassman, regia di Maurizio Scaparro, 10 dicembre 1970
· I Masnadieri, di Friedrich Schiller, con Vittorio Gassman, Tino Buazzelli, Franco Becci, Lia Curci, Giovanni Cimara, Nico Pepe, Vittorio Sanipoli, Renato Cominetti, regia di Anton Giulio Majano, trasmessa il 13 febbraio 1950, nella rete rossa.
Discografia
Svariate le registrazioni realizzate per la Cetra, negli anni 50, su dischi in vinile a 33 giri, sia nel diametro piccolo 17 cm, che in quello grande 25 cm.
Si tratta in prevalenza di letture poetiche, frammenti di tragedie e antologie classiche; dagli autori greci, alla poesia italiana del 300 a Shakespeare sino ad alcuni monologhi tratti dallo spettacolo televisivo il Mattatore,
· CL 0426 - Antologia moderna - Ungaretti, Cardarelli, Palazzeschi, Montale, Quasimodo.
· CL 0401 - Dante Alighieri - Inferno canto quinto.
· CL 0437 - Dante Alighieri - Inferno canto XXVI.
· CL 0402 - Dante Alighieri - Paradiso canto XXXIII.
· CL 0457 - Elogio Olimpico - Poesie sportive.
· CL 0459 - Eschilo - Coefore - con Valentina Fortunato e Maria Fabbri.
· CL 0438 - Foscolo - Sepolcri.
· CL 0439 - Leopardi - Poesie
· CL 0440 - Leopardi - Poesie.
· CL 0458 - Manzoni - Adelchi, con Carlo D'Angelo.
· CL 0414 - Manzoni - Promessi sposi.
· CL 0416 - Manzoni - Il cinque maggio.
· CL 0441 - Mistici del '200.
· CL 0470 - Pascarella - Sonetti.
· CL 0417 - Pascoli - Poesie.
· CL 0420 - Saba - Poesie.
· CL 0415 - Shakespeare - Amleto.
· CL 0427 - Sonetti attraverso i secoli.
· CL 0443 - Gassman nel Mattatore prose varie.
· CL 0444 - Gassman nel Mattatore prose varie.
· CLV 0604 - Shakespeare - Otello.
· CLV 0607 - Irma la dolce.
· CLV 0609 - Gassman - Il Mattatore prose varie.
Note
1. ^ Per Gian Piero Brunetta i cinque attori sono i «[...] protagonisti assoluti e sempre più acclamati della scena [...]» e «i moschettieri, o "mostri" della commedia italiana [...]». (Gian Piero Brunetta, Storia del cinema italiano Vol. IV, Dal miracolo economico agli anni novanta, 1960-1993, Roma, Editori Riuniti, 1993, p. 139 e p. 141, ISBN 88-35-3788-4.) Secondo Callisto Cosulich fu con Alberto Sordi, Nino Manfredi e Ugo Tognazzi, uno dei "mattatori" della commedia all'italiana: «Gassman, Manfredi, Sordi, Tognazzi: eccoli in ordine alfabetico i quattro moschettieri». (Callisto Cosulich, Storia di un mattatore, Cinecittà News, 4/6/2004, http://news.cinecitta.com/dossier/articolo.asp?id=1108)
2. ^ Cavaliere di Gran Croce Ordine al Merito della Repubblica Italiana Sig. Vittorio Gassman
3. ^ [1]
4. ^ Medaglia d'oro ai benemeriti della cultura e dell'arte Sig. Vittorio Gassman