Cinema com Marden Machado

noreply@blogger.com (Marden) — Mon, 30 Jan 2012 08:47:00 +0000

FILME DO DIA:

ACOSSADO

Os franceses Claude Chabrol, Éric Rohmer, François Truffaut, Jacques Rivette e Jean-Luc Godard, antes de se tornarem cineastas, escreviam crítica cinematográfica na revista Cahiers du Cinéma. A transição do "falar sobre" para o "fazer" cinema surgiu de um desafio proposto pelo editor do periódico André Bazin. Já que eles sabiam tanto de cinema e não estavam satisfeitos com as produções francesas da época, eles deveriam então realizar seus próprios filmes. Todos aceitaram o desafio e nascia aí a Nouvelle Vague, a "nova onda", movimento que revolucionou a maneira de contar histórias em imagens e marcou toda uma geração de novos cineastas pelo mundo. Truffaut havia realizado em 1959 seu filme de estréia, Os Incompreendidos. No ano seguinte foi a vez de Godard, que dirigiu Acossado a partir de uma idéia sua que Truffaut roteirizou. A trama acompanha a personagem de Michel Poiccard (Jean-Paul Belmondo), um ladrão parisiense fã de Humphrey Bogart. Ele se envolve com uma jovem americana, Patricia (Jean Seberg), que vende jornais na rua. Michel é procurado pela polícia e Patricia o ajuda na fuga. Acossado é um filme difícil de ser classificado. Ele é tão diferente de tudo que era feito na época que pegou a todos de surpresa. Godard procurou "quebrar" as regras estabelecidas e realizou um filme que esbanja criatividade, inovação e originalidade. Um verdadeiro marco na história do cinema mundial.

ACOSSADO (À Bout de Souffle - França 1960). Direção: Jean-Luc Godard. Elenco: Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Henri-Jacques Huet, Daniel Boulanger, Liliane Dreyfus, Claude Mansard, Van Doude e Liliane Robin. Duração: 90 minutos. Distribuição: Continental.

noreply@blogger.com (Marden) — Sun, 29 Jan 2012 08:46:00 +0000

FILME DO DIA:

ERA UMA VEZ NA AMÉRICA

Era uma vez um menino italiano chamado Sergio. Filho de pai produtor de cinema e mãe atriz. Seu destino já estava meio que traçado e desde muito cedo ele começou a trabalhar com filmes. Primeiro, como auxiliar de produção, depois como assistente de direção e, por fim, como diretor. Na primeira metade dos anos 1960, Sergio Leone chamou a atenção de todo mundo ao reinventar o faroeste americano com o filme Por Um Punhado de Dólares. Nascia aí o western spaghetti. Após dirigir quatro faroestes seguidos, Leone queria mudar de gênero e tinha dois grandes projetos em mente: refilmar ... E o Vento Levou e dirigir um épico sobre os Estados Unidos. O primeiro, ficará para sempre no imaginário dos cinéfilos de todo o mundo. O segundo, ele conseguiu realizar no início dos anos 1980, Era Uma Vez na América. Ao contrário das personagens retratadas por Francis Ford Coppola em O Poderoso Chefão, os mafiosos de Leone são judeus. A história se concentra na amizade de Noodles (Robert De Niro) e Max (James Woods), que começa quando os dois ainda eram crianças e continua até a vida adulta, acompanhando a vida deles e de seu grupo de amigos. São cinco décadas da história americana recente filtrada pelo olhar aguçado de um diretor de estilo impecável. Dentre as inúmeras cenas antológicas, uma delas merece destaque por conta de sua beleza plástica e sensibilidade. Em certo momento do filme, um grupo de garotos vai até um prostíbulo e um deles carrega uma caixa de bombons. O objetivo é perder a virgindade e se tornar um homem. Um dos meninos, no entanto, pensa diferente. A longa duração da trama pode até assustar. Afinal, são quase quatro horas de filme. Porém, pode ter certeza, você não vai sentir o tempo passar. Leone era um mestre da narrativa e sabia como poucos envolver o espectador, como neste filme, que já nasceu clássico. Em tempo: a direção de O Poderoso Chefão foi oferecida primeiro a Sergio Leone, que a recusou. Os produtores queriam um diretor de origem italiana e, por fim, contrataram Francis Ford Coppola, que só aceitou o "trabalho" por insistência de George Lucas. E o resto é história.

ERA UMA VEZ NA AMÉRICA (Once Upon a Time in America - EUA/Itália 1984). Direção: Sergio Leone. Elenco: Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Joe Pesci, Burt Young, Tuesday Weld, Treat Williams, Danny Aiello, Richard Bright, James Hayden e Jennifer Connelly. Duração: 229 minutos. Distribuição: Warner.

noreply@blogger.com (Marden) — Sat, 28 Jan 2012 09:21:00 +0000

FILME DO DIA:

O EXORCISTA

Quando foi lançado nos cinemas, em 1973, o filme O Exorcista, dirigido por William Friedkin e com roteiro adaptado pelo próprio escritor do romance, William Peter Blatty, provocou fortes reações no público que foi vê-lo nas salas de exibição. Relatos de jornais da época dão conta de pessoas que desmaiaram, tiveram náuseas e até mesmo infartaram durante a projeção do filme. Mesmo que descontemos os eventuais exageros, uma coisa é certa: O Exorcista foi e continua sendo uma obra que mexe com o imaginário de todos. O diretor Friedkin desfrutava ainda o sucesso de seu trabalho anterior, Operação França, quando assumiu o projeto, que era a grande aposta da Warner para aquele ano por conta da enorme expectativa em torno do filme desde o lançamento do livro, em 1971. A história, sem trocadilho, gira em torno da possessão demoníaca de uma garota de 12 anos, Regan, vivida pela estreante Linda Blair, que ficaria marcada por este papel. Sua mãe, Chris (Ellen Burstyn) recorre ao padre Karras (Jason Miller) e este pede ajuda ao padre Merrin (Max von Sydow). Indicado a dez Oscar, terminou por ganhar apenas dois: roteiro adaptado e som. Um dos filmes mais influentes e marcantes da primeira metade da década de 1970, O Exorcista provou, e ainda prova, que é possível realizar um filme de terror adulto. A versão disponível hoje em DVD e BD é a estendida, com dez minutos adicionais e um novo tratamento de som. E continua assustador.

O EXORCISTA (The Exorcist - EUA 1973). Direção: William Friedkin. Elenco: Ellen Burstyn, Max von Sydow, Lee J. Cobb, Kitty Winn, Jack MacGowran, Jason Miller, Linda Blair, William O'Malley, Barton Heyman e Peter Masterson. Duração: 132 minutos. Distribuição: Warner.

noreply@blogger.com (Marden) — Fri, 27 Jan 2012 08:50:00 +0000

FILME DO DIA:

BOA NOITE E BOA SORTE

Segundo filme dirigido pelo ator George Clooney e, podemos dizer, seu primeiro trabalho autoral, uma vez que ele co-escreveu o roteiro, em parceria com Grant Hoslov, e retrata um período que ele não viveu, mas, conhece muito bem por conta dos relatos de seus pais. Baseado em fatos reais, Boa Noite e Boa Sorte se passa nos anos 1950 e mostra a "batalha" que foi travada entre o repórter e apresentador de um programa jornalístico de televisão, Edward R. Murrow (vivido pelo ator David Strathairn), e o senador Joseph McCarthy (que aparece em imagens de arquivo). Era uma época triste da história recente americana, mais conhecido como "macarthismo". Um período de grande paranoia em relação aos comunistas e de "caça às bruxas", principalmente a classe artística, caso alguma suspeita fosse levantada contra alguém, por menor que ela fosse. Murrow e sua equipe de colaboradores desafiou McCarthy e através de seu programa revelou as mentiras e as táticas de amedrontamento utilizadas pelo senador. Filmado em belíssimo preto-e-branco, Boa Noite e Boa Sorte resgata uma das poucas vozes que se manifestou publicamente contra a cruzada macarthista e o faz com brilhantismo técnico e muita paixão, revelando Clooney como um diretor sensível e de grande talento narrativo.

BOA NOITE E BOA SORTE (Good Night, and Good Luck - EUA 2005). Direção: George Clooney. Elenco: David Strathairn, Jeff Daniels, Alex Borstein, Rose Abdoo, Dianne Reeves, Peter Martin, Christoph Luty, Jeff Hamilton, Matt Catingub, Tate Donovan, Patricia Clarkson, Robert Downey Jr. e George Clooney. Duração: 93 minutos. Distribuição. Paris.

noreply@blogger.com (Marden) — Thu, 26 Jan 2012 07:43:00 +0000

FILME DO DIA:

PLANETA DOS MACACOS: A ORIGEM

Entre 1968 e 1973 a Fox produziu cinco filmes explorando o universo de O Planeta dos Macacos. Logo depois tivemos duas séries de televisão: uma animada e outra com atores. Em 2001 houve uma tentativa frustrada de revitalização da franquia através da "reimaginação" de Tim Burton. Dez anos depois, a Fox acerta ao decidir partir do ponto zero com este Planeta dos Macacos: A Origem. Tudo começa quando um cientista, Will Rodman (James Franco), ao pesquisar a cura para o Mal de Alzheimer, doença que acomete seu pai (John Lithgow), desenvolve um medicamento que, testado em macacos, revela-se capaz de ampliar a inteligência dos símios. Um deles se destaca, César, em interpretação assombrosa de Andy Serkis a partir do processo de captura de desempenho (aquela em que o ator veste uma roupa especial cheia de pontos eletrônicos e tem todos os movimentos capturados por um scanner e depois passados para o computador). Este novo filme, dirigido pelo quase estreante Rupert Wyatt, funciona perfeitamente em dois níveis bem distintos. Consegue ser um excelente ficção-científica de ação para um público que nada sabe sobre o universo retratado na história e também premia os fãs mais radicais que encontrarão, proporcionalmente distribuídos ao longo da trama, diversas referências aos filmes originais.

PLANETA DOS MACACOS: A ORIGEM (Rise of the Planet of the Apes - EUA 2011). Direção: Rupert Wyatt. Elenco: Andy Serkis, James Franco, Freida Pinto, John Lithgow, Brian Cox, Tom Felton, David Oyelowo e Tyler Labine. Duração: 105 minutos. Distribuição: Fox.

noreply@blogger.com (Marden) — Thu, 26 Jan 2012 06:56:00 +0000

PROMOÇÃO OSCAR 2012 – CINEMARDEN/LIGHT NEWS/CINEPLUS

Pelo quarto ano consecutivo, está de volta a promoção conjunta Cinemarden/Light News/Cineplus. Este ano, os três seguidores do blog e/ou ouvintes do programa que acertarem o maior número de indicações ganharão: 1º lugar (três meses); 2º lugar (dois meses) e 3º lugar (um mês) de filmes grátis nas salas da rede Cineplus. Para participar basta copiar a lista abaixo, destacar os indicados que você acredita que serão os vencedores nas 24 categorias e enviar para marden@pop.com.br com o título OSCAR 2012. A festa de entrega dos prêmios acontece na noite de 26 de fevereiro. Os nomes dos vencedores serão divulgados no programa Light News (da Transamérica Light de Curitiba) e neste blog no dia 27 de fevereiro. Boa sorte!

Melhor Filme

O Artista

Os Descendentes

Tão Forte e Tão Perto

Histórias Cruzadas

A Invenção de Hugo Cabret

Meia-Noite em Paris

O Homem Que Mudou o Jogo

A Árvore da Vida

Cavalo de Guerra

Melhor Diretor

Alexander Payne (Os Descendentes)

Martin Scorsese (A Invenção de Hugo Cabret)

Michel Hazanavicius (O Artista)

Terrence Malick (A Árvore da Vida)

Woody Allen (Meia-Noite em Paris)

Melhor Ator

Brad Pitt (O Homem Que Mudou o Jogo)

Demián Bichir (A Better Life)

Gary Oldman (O Espião Que Sabia Demais)

George Clooney (Os Descendentes)

Jean Dujardin (O Artista)

Melhor Atriz

Glenn Close (Albert Nobbs)

Meryl Streep (A Dama de Ferro)

Michelle Williams (Sete Dias com Marilyn)

Rooney Mara (Os Homens Que Não Amavam as Mulheres)

Viola Davis (Histórias Cruzadas)

Melhor Ator Coadjuvante

Christopher Plummer (Toda Forma de Amor)

Jonah Hill (O Homem Que Mudou o Jogo)

Kenneth Branagh (Sete Dias com Marilyn)

Nick Nolte (Guerreiro)

Max Von Sydow (Tão Longe e Tão Perto)

Melhor Atriz Coadjuvante

Bérénice Bejo (O Artista)

Janet Mcteer (Albert Nobbs)

Jessica Chastain (Histórias Cruzadas)

Melissa McCarthy (Missão: Madrinha de Casamento)

Octávia Spencer (Histórias Cruzadas)

Melhor Roteiro Original

O Artista

Missão: Madrinha de Casamento

Margin Call – O Dia Antes do Fim

Meia-Noite em Paris

A Separação

Melhor Roteiro Adaptado

Os Descendentes

A Invenção de Hugo Cabret

Tudo pelo Poder

O Homem Que Mudou o Jogo

O Espião Que Sabia Demais

Melhor Animação

Um Gato em Paris

Chico & Rita

Kung Fu Panda 2

Gato de Botas

Rango

Melhor Filme Estrangeiro

Rundskop (Bélgica)

Hearat Shulayim (Israel)

In Darkness (Polônia)

Monsieur Lazhar (Canadá)

A Separação (Irã)

Melhor Fotografia

O Artista

Os Homens Que Não Amavam as Mulheres

A Invenção de Hugo Cabret

A Árvore da Vida

Cavalo de Guerra

Melhor Montagem

O Artista

Os Descendentes

Os Homens Que Não Amavam as Mulheres

A Invenção de Hugo Cabret

O Homem Que Mudou o Jogo

Melhor Direção de Arte

O Artista

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2

A Invenção de Hugo Cabret

Meia-Noite em Paris

Cavalo de Guerra

Melhor Figurino

Anônimo

O Artista

A Invenção de Hugo Cabret

Jane Eyre

W.E. – O Romance do Século

Melhor Maquiagem

Albert Nobbs

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2

A Dama de Ferro

Melhor Trilha Sonora

As Aventuras de Tintim

O Artista

A Invenção de Hugo Cabret

O Espião Que Sabia Demais

Cavalo de Guerra

Melhor Canção Original

Man or Muppet (Os Muppets)

Real in Rio (Rio)

Melhor Som

Os Homens Que Não Amavam as Mulheres

A Invenção de Hugo Cabret

O Homem Que Mudou o Jogo

Transformers: O lado Oculto da Lua

Cavalo de Guerra

Melhor Edição de Som

Drive

Os Homens Que Não Amavam as Mulheres

A Invenção de Hugo Cabret

Transformers: O lado Oculto da Lua

Cavalo de Guerra

Melhores Efeitos Visuais

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2

A Invenção de Hugo Cabret

Gigantes de Aço

Planeta dos Macacos: A Origem

Transformers: O lado Oculto da Lua

Melhor Documentário de Longa-Metragem

Hell and Back Again

If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front

Paradise Lost 3: Purgatory

Pina

Undefeated

Melhor Documentário de Curta-Metragem

The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement

God Is the Bigger Elvis

Incident in New Baghdad

Saving Face

The Tsunami and the Cherry Blossom

Melhor Animação de Curta-Metragem

Dimanche

The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore

La Luna

A Morning Stroll

Wild Life

Melhor Curta-Metragem

Pentecost

Raju

The Shore

Time Freak
Tuba Atlantic

noreply@blogger.com (Marden) — Wed, 25 Jan 2012 02:13:00 +0000

FILME DO DIA:

KAGEMUSHA - A SOMBRA DO SAMURAI

Alguém duvida que Akira Kurosawa tenha realizado filmes verdadeiramente japoneses? Por mais estranha que pareça a pergunta, muitos japoneses pensavam que não. Cada nova produção significava ter que levantar dinheiro no Japão. Dinheiro que raramente era concedido. Felizmente, Kurosawa possuía uma legião de fãs cineastas no Ocidente que passaram a bancar seus filmes. Foi o que aconteceu com Kagemusha - A Sombra do Samurai, produzido por Francis Ford Coppola e George Lucas. Estamos aqui no Japão feudal do século XVI. Época repleta de guerreiros samurais. Um desses guerreiros, o maior deles, uma verdadeira lenda viva, é mortalmente ferido em uma batalha. Para que sua fama seja mantida, ele manda seus discípulos procurarem por um sósia seu para substituí-lo em sua ausência. Qualificar Kagemusha de épico é redundante. Quase todos os filmes de Kurosawa são épicos. O que incomodava os japoneses mais puristas em relação aos trabalhos do diretor é que ele era considerado ocidental demais. Na verdade, o que ele fazia era uma perfeita mistura entre as duas culturas, utilizando muitas vezes história inspirada nas obras de William Shakespeare e adaptando-as para um contexto nipônico. Seus conterrâneos não entendiam assim e isso dificultou muito a vida de Kurosawa, principalmente na última década de sua carreira. Kagemusha é puro encantamento. Além de bonito de se ver, tem uma história que "brinca" em vários níveis com a questão da imagem que projetamos para os outros. O dilema do "duplo" não está na história por acaso e também nunca foi utilizado de maneira tão genial. Sem esquecer que, além dessas questões tão sérias, profundas e filosóficas, o filme ainda tem incríveis e estonteantes cenas de batalhas. É, sem dúvida alguma, o melhor de dois mundos.

KAGEMUSHA - A SOMBRA DO SAMURAI (Kagemusha - Japão 1980). Direção: Akira Kurosawa. Elenco: Tatsuya Nakadai, Tsutomu Yamazaki, Ken'ichi Hagiwara, Masayuki Yui, Jinpachi Nezu, Hideji Ôtaki e Daisuke Ryû. Duração: 159 minutos. Distribuição: Fox.

noreply@blogger.com (Marden) — Tue, 24 Jan 2012 04:59:00 +0000

FILME DO DIA:

CIDADE BAIXA

A maior parte da produção cinematográfica brasileira se concentra no eixo Rio-São Paulo. No entanto, outros estados vêm se destacando nos últimos tempos. Além do Rio Grande do Sul, que já possui uma estrutura consolidada, temos três fortes pólos em desenvolvimento no nordeste: Ceará, Pernambuco e Bahia. Filmes como O Céu de Suely, de Karim Aïnouz, e Cinema, Aspirinas e Urubus, de Marcelo Gomes, e este Cidade Baixa, de Sérgio Machado, foram realizados, respectivamente, nos três estados nordestinos citados acima. O filme conta a história de dois inseparáveis amigos, Deco (Lázaro Ramos) e Naldinho (Wagner Moura). Os dois ganham a vida fazendo fretes e aplicando golpes a bordo de um barco, o Dany Boy. Certo dia, conhecem a stripper Karinna (Alice Braga) e se apaixonam por ela. Um triângulo amoroso se forma e põe em xeque a amizade da dupla. Segundo trabalho como diretor do baiano Sérgio Machado, antes ele havia dirigido o belíssimo documentário Onde a Terra Acaba, aqui ele assina o roteiro em parceria com Karim Aïnouz. Cidade Baixa é intenso, dinâmico e carregado de uma tragédia anunciada. Além disso, tem no elenco três dos melhores atores da nova geração, sem contar que foi a estréia no cinema de outro grande ator, João Miguel, que faz o papel de Edvan.

CIDADE BAIXA (Brasil 2005). Direção: Sérgio Machado. Elenco: Alice Braga, Lázaro Ramos, Wagner Moura, Harildo Deda, José Dumont, Ricardo Luedy, Olga Machado, Maria Menezes, João Miguel e Débora Santiago. Duração: 100 minutos. Distribuição: VideoFilmes.

noreply@blogger.com (Marden) — Mon, 23 Jan 2012 08:32:00 +0000

FILME DO DIA:
PSICOSE

Alfred Hitchcock, além de mestre do suspense era também um gênio do marketing. Ninguém, pelo menos naquela época e talvez ainda hoje, divulgava tão bem seus filmes como ele. Excepcional diretor, ele sabia como chegar ao seu público. Após o "fracasso" nas bilheterias de Um Corpo Que Cai e de Intriga Internacional, seus dois filmes anteriores, (ambos renderam menos que o esperado), Hitchcock queria agora algo que chocasse a audiência. Desse desejo de "dar a volta por cima" nasceu Psicose. Rodado em preto-e-branco, inteiramente em estúdio e com um orçamento de pouco mais de 800 mil dólares, o filme se tornou o mais rentável da carreira do diretor, com um faturamento superior a 50 milhões de dólares. O roteiro foi escrito por Joseph Stefano, a partir do romance de Robert Bloch, e conta a história de uma mulher, Marion Crane (Janet Leigh), que rouba 40 mil dólares da empresa onde trabalha e foge de carro pelo interior dos Estados Unidos. O cansaço e a forte chuva na estrada fazem com que ela pare em um motel, o Bates Motel, onde ela resolve passar a noite. Ao chegar lá, ela é atendida por Norman Bates (Anthony Perkins), o simpático filho da proprietária do lugar. Da mesma forma que o próprio Hitchcock, que aparecia na abertura do filme pedindo aos espectadores que não revelassem o desfecho do filme, eu também vou parar por aqui. De qualquer maneira, Psicose é um filme impecável em todos os aspectos. Um roteiro criativo, um elenco fabuloso, uma direção inspirada, uma montagem primorosa e uma trilha sonora, composta por Bernard Herrmann, marcante e inesquecível. E olha que eu nem falei da cena do chuveiro e do fato de Hitchcock ter utilizado Janet Leigh, uma estrela na época, por apenas 30 minutos.

PSICOSE (Psycho - EUA 1960). Direção: Alfred Hitchcock. Elenco: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, John McIntire, Simon Oakland, Vaughn Taylor e Frank Albertson. Duração: 109 minutos. Distribuição: Universal.

noreply@blogger.com (Marden) — Sun, 22 Jan 2012 09:09:00 +0000

FILMES DO DIA:
KILL BILL - VOLUMES 1 e 2

A idéia para o roteiro de Kill Bill surgiu em 1994, quando Quentin Tarantino estava promovendo Pulp Fiction. Primeiro veio a criação da personagem sem nome, conhecida simplesmente como "a Noiva", uma parceria entre o diretor e a atriz Uma Thurman. O projeto não andou além disso na época. Tarantino dirigiu então Jackie Brown e depois ficou seis anos sem dirigir filme algum. Nesse hiato, ele desenvolveu o resto da história e esperou o nascimento do segundo filho de Uma para iniciar as filmagens. Kill Bill é uma história de vingança. Inicialmente seria apenas um filme, porém, ficou longo demais e a Miramax sugeriu então que ele fosse dividido em duas partes, ou volumes, como terminou acontecendo. A trama começa com a Noiva (Thurman) acordando de um coma de cinco anos. Ela tem apenas um desejo: se vingar de Bill e seus comparsas, os responsáveis por sua "quase" morte. É curioso perceber que, apesar de contar uma única história, existem diferenças bem marcantes entre os volumes 1 e 2. O primeiro é mais dinâmico e colorido e Tarantino faz uso de recursos narrativos bem distintos, como o anime japonês, por exemplo, e o uso do preto-e-branco, além de fazer uma grande homenagem aos filmes de artes marciais. Já o segundo, é mais intimista e focado nos diálogos e tem como homenageado maior o italiano Sergio Leone e seus faroestes. Da mesmo maneira que havia ressuscitado a carreira de John Travolta, em Pulp Fiction, e de Pam Grier, em Jackie Brown, Tarantino ressuscita aqui a carreira de David Carradine, mais conhecido como o "gafanhoto", da série de TV dos anos 1970 Kung Fu. Ele vive Bill, aquele que a Noiva quer matar. Os dois volumes são bem violentos, porém, não se trata aqui de uma violência gratuita. Ela é sempre contextualizada e, antes de tudo, é uma violência gráfica, onde o sangue, como diria Jean-Luc Godard, não é sangue, é vermelho. Para ver um atrás do outro e prestar atenção, bem perto do fim do Volume 2, em um diálogo travado entre Bill e a Noiva, onde ele elabora uma interessantíssima teoria sobre o Super-Homem.

KILL BILL - VOLUMES 1 e 2 (Kill Bill: Vol. 1 & 2 - EUA 2003/2004). Direção: Quentin Tarantino. Elenco: Uma Thurman, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Daryl Hannah, David Carradine, Michael Madsen, Julie Dreyfus, Chiaki Kuriyama,Sonny Chiba, Chia Hui Liu, Michael Parks, Bo Svenson, Jeannie Epper e Sonny Chiba. Duração: 110 e 137 minutos. Distribuição: Imagem.

noreply@blogger.com (Marden) — Sat, 21 Jan 2012 09:50:00 +0000

FILME DO DIA:
TAXI DRIVER

1976 foi um ano difícil para a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood. Cinco filmes disputavam o Oscar de melhor de filme naquele ano: Esta Terra é Minha, Rede de Intrigas, Rocky - Um Lutador, Taxi Driver e Todos os Homens do Presidente. Qual deles você acha que levou o prêmio máximo? Como assim? Tá falando comigo? Bem, eu não tô vendo ninguém mais por aqui? Então, tá falando comigo? Agora indo direto ao assunto: Taxi Driver é o filme que transformou Martin Scorsese em Martin Scorsese. Realizado em 1976 com um custo estimado de pouco mais de um milhão de dólares, esta obra-prima do cinema mundial continua influente e assustadoramente atual. Com roteiro de Paul Schrader, o filme conta a história de Travis Bickle (Robert De Niro, em interpretação visceral), um veterano da guerra do Vietnam que tem dificuldade para dormir. Cansado de gastar dinheiro nos cinemas pornôs noturnos, ele resolve trabalhar como motorista de táxi. Bickle é uma pessoa que perdeu completamente qualquer tipo de vínculo com a sociedade. Esse comportamento fica claro na total inabilidade dele em construir um relacionamento com Betsy (Cybill Shepherd). Sozinho e insone, ele perambula por uma Nova York suja, perigosa, enfumaçada e cheia de vícios. Após conhecer Iris (Jodie Foster), uma prostituta de apenas 14 anos, ele decide fazer alguma coisa para mudar aquele quadro degradante que ele testemunha diariamente andando pelas ruas. Taxi Driver é um filme tão cheio de simbolismos e significados que nunca seriam esgotados em um único texto. Diversos livros e inúmeros cursos já tiveram ele como tema principal e acreditem, não conseguiram esgotar toda a sua riqueza. É justamente isso que faz dele uma obra fundamental. Realmente, a Academia teve uma tarefa muito difícil em 1976 e terminou por escolher Rocky - Um Lutador como o melhor filme daquele ano. Sem desmerecer o vencedor e os demais concorrentes, a história se encarregou de mostrar qual deles era efetivamente o melhor.

TAXI DRIVER (Taxi Driver - EUA 1976). Direção: Martin Scorsese. Elenco: Robert De Niro, Jodie Foster, Albert Brooks, Cybill Shepherd, Harvey Keitel, Leonard Harris, Peter Boyle, Diahnne Abbott, Frank Adu e Gino Ardito. Duração: 114 minutos. Distribuição: Sony.

noreply@blogger.com (Marden) — Fri, 20 Jan 2012 06:59:00 +0000

FILME DO DIA:
ROMANCE

A vida imita a arte ou a arte imita a vida? Parece aquela outra questão histórica que envolve o ovo e a galinha. Em Romance, dirigido por Guel Arraes com roteiro dele próprio escrito em parceria com Jorge Furtado, vida e arte se misturam e se "imitam" constantemente. Tudo começa quando um casal de atores, Pedro (Wagner Moura) e Ana (Letícia Sabatella), se apaixonam durante a montagem de uma peça de teatro inspirada na tragédia de Trista e Isolda. A partir daí, acompanhamos os altos e baixos do relacionamento dos dois, ao mesmo tempo em que somos apresentados a um outro casal, Fernanda (Andréa Beltrão) e Orlando (Vladimir Brichta). O roteiro brinca também com a velha rivalidade que existe entre atores de teatro e atores de televisão. E há espaço para debater se sucesso popular e integridade artística podem ou não andar juntos. Além de tudo isso, Romance é, essencialmente, uma história de amor e que fala muito sobre o amor. Arraes, que tem uma experiência vastíssima em televisão e que no cinema, até este filme, havia trabalhado com comédias como O Auto da Compadecida, Caramuru - A Invenção do Brasil e Lisbela e o Prisioneiro, encontra aqui um perfeito equilíbrio entre o drama e o humor.

ROMANCE (Brasil 2008). Direção: Guel Arraes. Elenco: Wagner Moura, Letícia Sabatella, Andréa Beltrão, José Wilker, Marco Nanini, Bruno Garcia, Edmilson Barros, Vladimir Brichta, Tonico Pereira e Edmilson Barros. Duração: 105 minutos. Distribuição: Buena Vista.

noreply@blogger.com (Marden) — Thu, 19 Jan 2012 06:48:00 +0000

FILME DO DIA:
ANTES DA CHUVA

Guerras são insanas. Qualquer guerra. E muitas delas acontecem por razões que os próprios envolvidos desconhecem. Algumas são movidas por questões religiosas, o que em si, já é um paradoxo. Outras começam por causa da economia. E tem até aquelas que surgem por motivos ideológicos. Não importa o que as provocou. Por mais argumentos que as partes envolvidas possam ter, guerra será sempre sinônimo de irracionalidade. É justamente uma guerra que une as três histórias que compõem o filme Antes da Chuva, trabalho de estréia do cineasta macedônio Milcho Manchevski. Em meio aos conflitos de origem étnica e religiosas entre macedônios e albaneses, um jovem monge devoto do silêncio, acolhe uma menina perseguida sob a acusação de ter cometido um assassinato. Isso acontece no segmento Palavras. Depois, em Rostos, somos apresentados a uma editora de uma agência de fotos que vive em Londres e encontra-se dividida entre o marido e o amante. Por fim, no segmento Imagens, um premiado fotógrafo volta ao seu país natal. As três histórias terminam se completando e trançando um painel preciso da intolerância provocada pela guerra, que funciona aqui, como já foi dito, como ponto de ligação de uma estrutura que parece andar sempre em círculos. Assim como as guerras.

ANTES DA CHUVA (Before the Rain - Macedônia 1994). Direção: Milcho Manchevski. Elenco: Rade Serbedzija, Katrin Cartlidge, Grégoire Colin, Labina Mitevska, Jay Villiers e Silvija Stojanovska. Duração: 113 minutos. Distribuição: Lume.

noreply@blogger.com (Marden) — Wed, 18 Jan 2012 08:11:00 +0000

FILME DO DIA:
O PICOLINO

"Heaven, I'm in Heaven, and my heart beats so that I can hardly speak. And I seem to find the happiness I seek, when we're out together dancing, cheek to cheek". Mesmo que você não entenda os versos em inglês da música, é quase impossível não cantarolar e esboçar um sorriso meio bobo e apaixonado quando ouvimos Fred Astaire cantando Cheek to Cheek para Ginger Rogers, no musical O Picolino. Dirigido por Mark Sandrich, o filme conta a história de um bailarino, Jerry Travers (Astaire), que está trabalhando em Londres para o empresário Horace Hardwich (Edward Everet Horton). Certa noite, no hotel onde Horace está hospedado, Jerry apresenta-lhe um novo passo de dança. O barulho do sapateado incomoda a hóspede do andar de baixo, Dale Tremont (Rogers), que sobe para reclamar e quando conhece Jerry, bem... o amor está no ar. Mas, como nem tudo são flores em quase todo romance, algumas confusões e mal-entendidos dificultam a vida dos dois. Típico representante da primeira leva de musicais produzidos por Hollywood, O Picolino foi realizado em um período difícil da economia americana. Filmes como este tinham como objetivo principal "desligar" completamente o espectador de sua dura realidade. E isso, ele consegue com louvor. Fred Astaire aparece sempre de smoking e Ginger Rogers desfila uma coleção inteira de vestidos. Classe é o que não falta. Para ver, rever, sonhar e dançar de rostinho colado.

O PICOLINO (Top Hat - EUA 1935). Direção: Mark Sandrich. Elenco: Fred Astaire, Ginger Rogers, Edward Everet Horton, Helen Broderick, Erik Rhodes e Eric Blore. Duração: 101 minutos. Distribuição: Warner.

noreply@blogger.com (Marden) — Tue, 17 Jan 2012 07:13:00 +0000

FILME DO DIA:
O DOCE AMANHÃ

A morte não é um tema fácil de se lidar no cinema. A linha que separa o drama do "dramalhão" é muito tênue. O cineasta canadense Atom Egoyan adaptou o romance do escritor Russell Banks e dirigiu este tocante filme. Em O Doce Amanhã, acompanhamos em uma pequena cidade do interior do Canadá, um acidente envolvendo um ônibus escolar. Vinte crianças morrem na tragédia. Um advogado, Mitchell Stephens (vivido pelo ator Ian Holm), visita as famílias enlutadas para tentar convencê-los a pedir uma indenização pelo acidente. O contato com os pais das vítimas faz com que o advogado encare um drama pessoal: o vício da filha em drogas. Aos poucos, ele descobre pequenos segredos daquelas pessoas e entende melhor a dor da perda que elas enfrentam. Egoyan (que nasceu no Egito filho de pais armênios e foi criado no Canadá), trata o tema com extrema delicadeza e não utiliza recursos fáceis para comover o espectador. O drama vivido pelas famílias já é dramático o suficiente e o diretor se limita a acompanhá-lo filtrando tudo através do olhar do advogado. Com interpretações poderosas de todo o elenco, O Doce Amanhã é uma pequena jóia perdida nas locadoras.

O DOCE AMANHÃ (The Sweet Hereafter - Canadá 1997). Direção: Atom Egoyan. Elenco: Ian Holm, Sarah Polley, Caerthan Banks, Tom McCamus, Gabrielle Rose, Maury Chaykin, Bruce Greenwood e David Hemblen. Duração: 112 minutos. Distribuição: LW Editora.

noreply@blogger.com (Marden) — Mon, 16 Jan 2012 06:50:00 +0000

FILME DO DIA:
O CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

Ao contrário da regra natural da vida, Benjamin Button nasceu velho, doente e enrugado. Com o passar do tempo, ele foi ficando mais forte, sadio e jovem. Esse é o ponto de partida de O Curioso Caso de Benjamin Button, dirigido por David Fincher em 2008 e baseado no conto de mesmo nome escrito por F. Scott Fitzgerald, adaptado pelo roteirista Eric Roth. Diferente da maioria dos filmes, não existe um antagonista em Benjamin Button. Talvez o tempo faça esse papel. O filme também pode ser visto como uma grande metáfora do Século XX, um século que começou velho, preso ainda aos rigores e atrasos do Século XIX e foi se "modernizando" e rejuvenescendo ao longo das décadas. Na verdade, se analisarmos friamente a situação da personagem-título, veremos que não existem muitas diferenças entre sua vida e a dos demais. A dele apenas seguiu em sentido contrário, no entanto, há mais semelhanças entre velhos e crianças do que podemos supor em uma rápida análise. Perfeccionista ao extremo, Fincher "capricha" nos efeitos especiais e em todos os aspectos técnicos do filme. Brad Pitt, que faz o papel principal, convence em todas as faixas etárias e encontra nas atrizes Cate Blanchett (Daisy) e Taraji P. Henson (Queenie) o contraponto perfeito. O Curioso Caso de Benjamin Button foi bastante comparado ao filme Forrest Gump - O Contador de Histórias. Nada mais natural, uma vez que o roteiro de ambos foi escrito pela mesma pessoa. No entanto, no filme de Fincher a personagem principal interage mais e se beneficia do passar do tempo. No filme de Robert Zemeckis isso não acontece.

O CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON (The Curious Case of Benjamin Button - EUA 2008). Direção: David Fincher. Elenco: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Julia Ormond, Jason Flemyng, Mahershalalhashbaz Ali, Jared Harris, Elias Koteas, Phyllis Somerville, Tilda Swinton e Lance E. Nichols. Duração: 165 minutos. Distribuição: Warner.

noreply@blogger.com (Marden) — Sun, 15 Jan 2012 09:13:00 +0000

FILME DO DIA:

ONDE COMEÇA O INFERNO

Howard Hawks é um cineasta que sempre teve domínio completo do espaço cênico em seus filmes. Se existe uma obra em sua extensa filmografia que exemplifica com perfeição esse domínio, ela se chama Onde Começa o Inferno. Composto basicamente por três cenários (a delegacia, o bar e o hotel), o filme conta a história do xerife John T. Chance (John Wayne), que prende um assassino. Até aí, nada demais, já que a lei foi aplicada. O problema surge quando um bando de renegados contratado pelo irmão do preso chega a Rio Bravo, nome da cidade e título original do filme, para libertar o prisioneiro. Chance conta apenas com a ajuda de um bêbado (Dean Martin), um velho manco (Walter Brennan) e um jovem e impulsivo pistoleiro (Ricky Nelson) para defender a delegacia e impedir a libertação do criminoso. Hawks é um dos grandes mestres do gênero western e temos aqui uma de suas obras máximas. A grande força do filme, mais do que a ação e os diálogos, que são fantásticos, está presente na impecável construção das personagens. Além disso, o diretor era muito amigo do trio principal de atores e o clima de camaradagem é visível ao longo de todo o filme.

ONDE COMEÇA O INFERNO (Rio Bravo - EUA 1959). Direção: Howard Hawks. Elenco: John Wayne, Dean Martin, Ricky Nelson, Angie Dickinson, Walter Brennan, Ward Bond, John Russell, Pedro Gonzalez e Estelita Rodriguez. Duração: 141 minutos. Distribuição: Warner.

noreply@blogger.com (Marden) — Sat, 14 Jan 2012 01:15:00 +0000

FILME DO DIA:
O SELVAGEM DA MOTOCICLETA

O diretor Francis Ford Coppola realizou ao longo dos anos 1970 quatro obras marcantes: O Poderoso Chefão - Partes I e II, A Conversação e Apocalypse Now. Na primeira metade dos anos 1980, com orçamento reduzido e utilizando um elenco jovem completamente desconhecido, ele adapta para o cinema duas obras da escritora S. E. Hinton, que são filmadas quase que simultaneamente: Vidas Sem Rumo e O Selvagem da Motocicleta. Nomes como Tom Cruise, Patrick Swayze, Matt Dillon, Rob Lowe, Ralph Macchio e Emilio Estevez estavam no elenco de Vidas Sem Rumo e ganharam destaque a partir deste filme, que retrata o universo jovem de uma maneira nova e original. Mais original ainda foi a forma com que ele realizou O Selvagem da Motocicleta, pavorosa tradução para Rumble Fish, algo como "peixe de briga". Filmado em preto-e-branco (apenas os peixinhos do aquários são coloridos), o filme conta a história do jovem Rusty James (Matt Dillon), que mora em uma pequena cidade industrial do interior dos Estados Unidos. Rusty quer encontrar seu lugar no mundo, mas não sabe como. Enquanto isso, vive à sombra da fama do irmão mais velho, o "garoto da motocicleta" (Mickey Rourke), que foi embora da cidade. Uma briga entre gangues provoca mudanças na vida de Rusty e, justo nesse momento, seu irmão reaparece. Coppola, que escreveu o roteiro junto com a autora do livro, disse à época do lançamento que fez o filme em preto-e-branco por causa do daltonismo da personagem-título. As únicas cores que ele consegue distinguir são as cores dos peixinhos do aquário. Coppola, com sensibilidade e extremo apuro visual, realiza um pequeno grande filme que, além do brilho da direção, do roteiro, do elenco e da fotografia, a trilha sonora composta pelo baterista do Police, Stewart Copeland, é soberba. Uma curiosidade: a autora do livro faz uma ponta como a prostituta do strip.

O SELVAGEM DA MOTOCICLETA (Rumble Fish - EUA 1983). Direção: Francis Ford Coppola. Elenco: Matt Dillon, Mickey Rourke, Vincent Spano, Diane Lane, Diana Scarwid, Nicolas Cage, Dennis Hopper, Tom Waits, Chris Penn, Laurence Fishburne e Sofia Coppola. Duração: 94 minutos. Distribuição: Universal.

noreply@blogger.com (Marden) — Fri, 13 Jan 2012 07:37:00 +0000

FILME DO DIA:
O VENCEDOR

Apesar das aparências, O Vencedor não é um filme sobre boxe. Seguindo os exemplos de Martin Scorsese em Touro Indomável e de Clint Eastwood em Menina de Ouro, o diretor David O. Russell utiliza o boxe como pano de fundo para um forte drama familiar de superação. Baseado em fatos reais, o filme conta a história de Dicky Ecklund (Christian Bale), uma lenda do boxe que jogou fora todo o seu talento por causa das drogas. A chance de redenção aparece na figura de seu meio-irmão Micky Ward (Mark Wahlberg), também lutador, que tem chance de tornar campeão. Russell, que entre seus trabalhos anteriores dirigiu Três Reis, é um excelente diretor de atores e também tem um domínio completo do que aparece em cena. O quarteto principal deste filme está soberbo. Não por acaso, dois deles foram premiados com o Oscar de melhor coadjuvante em 2011: Christian Bale, que emagreceu para o papel, faz uma personagem tão forte e bem construída com a qual temos repulsa e compaixão ao mesmo tempo. Melissa Leo, a mãe dos dois, está na medida certa também. Mesmo não tendo sido premiados, Amy Adams, que interpreta a namorada de Micky, e Mark Wahlberg, que além de atuar também é um dos produtores do filme, demonstra uma humildade fabuloso ao "deixar" o irmão e a mãe brilharem. Uma curiosidade: os verdadeiros Dicky e Micky aparecem durante os créditos finais.

O VENCEDOR (The Fighter - EUA 2010). Direção: David O. Russell. Elenco: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Mickey O'Keefe e Jack McGee. Duração: 115 minutos. Distribuição: Imagem.

noreply@blogger.com (Marden) — Thu, 12 Jan 2012 07:32:00 +0000

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YELLOW SUBMARINE

Em 1968 os Beatles já não excursionavam mais e, independente disso, ainda desfrutavam de enorme popularidade. Era preciso então suprir a carência do público para novos "produtos" com o quarteto. No ano anterior eles haviam realizado o especial de TV Magical Mystery Tour para a BBC, que não ficou muito legal. Por conta disso, eles resolveram apostar nesta animação musical psicodélica dirigida por George Dunning. Em clima de "era uma vez... ou quem sabe duas", viajamos para Pepperland, um lugar distante e paradisíaco onde reina a música e a felicidade. A paz é perturbada quando os implacáveis Blue Meanis declaram guerra e ameaçam destruir tudo. Para salvar o dia, ninguém melhor que John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr, à bordo, é claro, de seu fabuloso Submarino Amarelo. O visual remete, propositalmente, a Sgt. Pepper's, obra máxima e revolucionária do grupo, assim como esta animação, que se revelou extremamente avançada e inovadora para a época. Preste atenção nos membros do quarteto fabuloso. O desenho reproduz o jeito de andar e os maneirismos de cada um deles e o resultado final vem repleto de boa música e muito bom humor.

YELLOW SUBMARINE (The Beatles: Yellow Submarine - Inglaterra 1968). Direção: George Dunning. Musical Animado. Duração: 90 minutos. Distribuição: Warner.

noreply@blogger.com (Marden) — Wed, 11 Jan 2012 10:04:00 +0000

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LADRÕES DE BICICLETA

Três anos depois do lançamento de Roma: Cidade Aberta, de Roberto Rossellini, filme-marco do movimento neo realista italiano, um outro filme chamou a atenção do mundo: Ladrões de Bicicleta, de Vittorio De Sica. Antes de trabalhar como diretor, De Sica era mais conhecido e desfrutava de grande popularidade por conta de sua atuação em comédias. Os filmes que passou a dirigir eram completamente diferentes dos que ele havia feito como ator e isso pegou o público de surpresa. Em Ladrões de Bicicleta estamos na Itália pouco depois do fim da Segunda Guerra Mundial. Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) está desempregado. Todo os dias ele sai com seu filho Bruno (Enzo Staiola) para procurar emprego. Surge então uma oportunidade de trabalho, porém, é preciso que o empregado tenha uma bicicleta. Antonio tem uma e conquista a vaga. No entanto, algo inesperado acontece. A bicicleta é roubada. Pai e filho iniciam então uma incansável busca pelas ruas da cidade à procura do importante veículo de trabalho. A câmara de De Sica não perde um momento sequer. Sempre atenta, ela mostra de maneira intensa todo o desespero de Antonio, algumas vezes filtrando isso pelo olhar do pequeno Bruno. Além disso, o diretor aproveita para fazer uma sutil crítica ao domínio maciço, já naquela época do cinema americano. O trabalho de Antonio consiste em pregar cartazes de cinema. De Sica foi um dos três percursores do Neo Realismo, ao lado de Rossellini e Luchino Visconti. Ladrões de Bicicleta não é apenas um dos maiores representantes deste movimento italiano. É também um dos mais importantes filmes da história do cinema.

LADRÕES DE BICICLETA (Ladri di Biciclette - Itália 1948). Direção: Vittorio De Sica. Elenco: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Vittorio Antonucci, Giulio Chiari e Elena Altieri. Duração: 93 minutos. Distribuição: Versátil.

noreply@blogger.com (Marden) — Tue, 10 Jan 2012 07:07:00 +0000

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ZODÍACO

Antes de tudo, Zodíaco não é um filme fácil. Aliás, os filmes dirigidos por David Fincher não costumam ser fáceis. Outro ponto importante: é um policial, porém, mais do que isso, trata-se de um filme sobre obsessões. Com roteiro de James Vanderbilt, baseado no livro escrito por Robert Graysmith, Zodíaco relata uma série de assassinatos ocorridos na região de San Francisco, na Califórnia, no início dos anos 1970. Três pessoas têm suas vidas transformadas por conta da obsessão que desenvolvem em relação ao serial killer e seus crimes. Mark Ruffalo é o policial David Toschi, que conduz as investigações. Robert Downey Jr., é o jornalista Paul Avery, do jornal San Francisco Chronicle e Jake Gyllenhaal vive o cartunista do mesmo jornal, Robert Graysmith e autor do livro que deu origem ao filme. Os três tentam descobrir a identidade do criminoso e nessa cruzada terminam por sacrificar muito de suas próprias vidas. Fincher realiza uma obra com a estética dos bons policiais dos anos 1970, com cores e enquadramentos que remetem aos filmes daquele período. O elenco, essencialmente masculino, está excepcional nesta perturbadora história que ao final, deixa mais perguntas do que respostas. E isso, pelo menos para mim, é muito bom. Uma curiosidade: o assassino de Perseguidor Implacável (Dirty Harry), filme dirigido por Don Siegel e estrelado por Clint Eastwood, é inspirado no verdadeiro Zodíaco.

ZODÍACO (Zodiac - EUA 2007). Direção: David Fincher. Elenco: Mark Ruffalo, Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr., Anthony Edwards, Brian Cox, Charles Fleischer, Zach Grenier, Philip Baker Hall, Elias Koteas, John Lacy e Chloë Sevigny. Duração: 158 minutos. Distribuição: Warner.

noreply@blogger.com (Marden) — Mon, 09 Jan 2012 03:34:00 +0000

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O IMPÉRIO CONTRA-ATACA

Após o estrondoso sucesso de Guerra nas Estrelas em 1977, George Lucas tinha agora um desafio maior ainda. Ele precisava realizar uma continuação que fosse no mínimo tão boa quanto o filme original e, como assumiu integralmente a produção levantando sozinho os 25 milhões de dólares gastos na produção, seu risco era, portanto, duplo. Desta vez, era preciso agradar os fãs e os bancos que emprestaram o dinheiro. Para felicidade de todos, O Império Contra-Ataca, oficialmente o "Episódio V" da grande saga idealizado pela cineasta, não só superou o filme anterior como é, por unanimidade, aclamado como o melhor de todos os seis. Atuando como produtor e argumentista, que é o que ele sabe fazer melhor, Lucas contratou o diretor Irvin Kershner, que havia sido seu professor no curso de Cinema da Universidade da Califórnia do Sul e entregou um esboço da trama para Lawrence Kasdan, que havia sido indicado por Steven Spielberg, escrever o roteiro. Além das personagens já conhecidas, somos apresentados a Yoda (uma espécie de muppet manipulado por Frank Oz), que é o maior dos mestres Jedi, e a Lando Calrissian (Billy Dee Williams), amigo de Han Solo e administrador da Cidade das Nuvens. Claro, aparece também o caçador de recompensas Boba Fett (Jeremy Bulloch). Apesar de ser um filme de transição, uma vez que liga a história do Episódio IV ao Episódio VI, O Império Contra-Ataca consegue funcionar muito bem como uma grande e autônoma aventura espacial. Muita ação, personagens bem construídas, romance, traições, superação, além de efeitos especiais de tirar o fòlego e uma revelação espetacular que pegou todo mundo de surpresa fazem deste Episódio V um filme inesquecível. Foi graças a ele que George Lucas conquistou aquilo que todo artista almeja: independência financeira e criativa.

O IMPÉRIO CONTRA-ATACA (Star Wars - Episode V: The Empire Strikes Back - EUA 1980). Direção: Irvin Kershner. Elenco: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, James Earl Jones, David Prowse, Billy Dee Williams, Anthony Daniels, Peter Mayhew, Frank Oz, Alec Guinness, Kenny Baker e Jeremy Bulloch. Duração: 124 minutos. Distribuição: Fox.

noreply@blogger.com (Marden) — Sun, 08 Jan 2012 09:08:00 +0000

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NELSON FREIRE

João Moreira Salles é um dos maiores documentaristas do mundo e aqui ele nos apresenta um dos maiores pianistas do planeta, o brasileiro Nelson Freire. O filme acompanha o artista desde que ele se revelou um prodígio, ainda menino, no interior de Minas Gerais, na pequena Boa Esperança de Minas, onde nasceu e começou a tocar piano aos tês anos de idade. A câmara de Moreira Salles segue viajando pelo tempo e por diferentes lugares nos mostrando o dia-a-dia do pianista em sua casa, nos ensaios, concertos, recitais e nos camarins recepcionando e conversando com seus admiradores. Em um primeiro momento podemos pensar que se trata de um documentário voltado para um tipo de público bem específico, afinal, Nelson Freire não é um artista de música popular. Seu universo é o da música clássica. No entanto, já nos primeiros minutos, o diretor retira qualquer traço "elitista" que pudéssemos supor existir. Antes de mais nada, em Nelson Freire, acompanhamos a trajetória de um homem e esse fator humano é evidente em cada fotograma do filme. Temos aqui duas sensibilidades trabalhando em extrema harmonia: a de Moreira Salles, que como poucos sabe revelar coisas sem ser invasivo ou constrangedor, e a do próprio Freire, um artista tímido e de grande talento e humildade. Sem contar que a trilha sonora, composta por peças de grandes compositores como Bach, Brahms, Chopin, Rachmaninoff, Schumann, Tchaikovsky e Villa Lobos, é das melhores que existe.

NELSON FREIRE (Brasil 2003). Direção: João Moreira Salles. Documentário. Duração: 102 minutos. Distribuição: VideoFilmes.

noreply@blogger.com (Marden) — Sat, 07 Jan 2012 10:15:00 +0000

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SENHORES DO CRIME

Segundo trabalho do ator Viggo Mortensen com o diretor canadense David Cronenberg, Senhores do Crime foi realizado logo depois de Marcas da Violência. Ao invés de uma cidadezinha no interior dos Estados Unidos, estamos agora em Londres. Tudo começa quando Ana (Naomi Watts), que trabalha um um hospital, testemunha a morte de uma garota durante o parto na noite de Natal. Ao investigar o passado da jovem ela se vê envolvida com uma organização criminosa russa e recebe a ajuda do misterioso Nikolai (Viggo Mortensen), que "rouba" todas as cenas em que aparece. As obsessões de Cronenberg continuam presentes em Senhores do Crime, principalmente a obsessão pelo corpo humano, que tem seu momento maior em uma seqüência de luta dentro de uma sauna. Outro ponto forte e muito bem trabalhado no filme é o jogo de aparências de se estabelece entre as personagens. Direto ao ponto como de costume, Cronenberg não perde tempo com questões desnecessárias. Seus filmes continuam precisos em tudo, a começar pela duração, que gira em torno de 100 minutos. Mais um excelente exercício de concisão narrativa deste grande diretor.

SENHORES DO CRIME (Eastern Promises - Canadá/Inglaterra/EUA 2007). Direção: David Cronenberg. Elenco: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl e Sinéad Cusack. Duração: 101 minutos. Distribuição: PlayArte.