cinema falado

"A História no Cinema": preciosa coletânea de filmes de Roberto Rosselini em DVD

2013-05-18T18:10:00.002-07:00

Lançada pela Versátil uma caixa com três DVDs de Roberto Rosselini sob o título de “A História no Cinema”. É na verdade uma amostra da maneira como o mestre do neorrealismo concebia o filme histórico. Em julho de 1963, numa entrevista para a revista “Cahiers du Cinema” nº 145, ele declarou que daí em diante só faria filmes didáticos. De fato, em seguida ele praticamente abandonou o cinema para se dedicar à TV pública, onde realizou uma dúzia de obras desse gênero. A primeira foi o surpreendente “A Tomada do poder por Luiz XIV” (abaixo) de 1966, um dos discos desta antologia. Nela está incluída a experiência precursora desse ciclo, que foi “Viva a Itália” (acima) de 1961, que mostra a conquista da Sicília por Giuseppe Garibaldi. Seu ponto alto, no entanto, é a minissérie em 3 episódios “A Era dos Medici” de 1973, sobre o Renascimento em Florença.

Nesse projeto, Rosselini coloca em prática o que poderia ser chamado de “estética da televisão”, ou seja, um estilo originado pelas limitações técnicas e financeiras da indústria televisiva daquele tempo. Na emissora estatal não era mais possível reconstituir batalhas campais, nem os bombardeios sobre a cidade de Palermo, que aparecem em “Viva a Itália” (abaixo) – uma superprodução planejada para homenagear o centenário da unificação italiana. O mais marcante naquele filme épico e patriótico é a preocupação em manter os princípios do neorrealismo que o próprio cineasta havia ajudado a fundar 15 anos antes, com “Roma Cidade Aberta” (1945). Dessacralizado, o herói é reconduzido à sua condição humana e, na qualidade de personagem, é colocado no mesmo patamar da plebe que lutava ao lado dele. Nesta outra obra da coletânea, o diretor procura manter a âncora no realismo, permitindo que Garibaldi brilhe com algumas de suas frases célebres, ainda que o foco da ação permaneça no coletivo.

Em “A Era dos Médici”, como quase tudo o que se fazia na TV da época, a ideia era sempre maior que os recursos disponíveis. Assim, em lugar de grandes astros, temos figurantes falando com a voz de dubladores profissionais. Em vez de investir em cenografia, recorre-se a locações nos majestosos monumentos históricos de Florença. E aí, sem tecnologia para a criação de paisagens sonoras, usa-se muita música ambiental para sugerir os climas emocionais. Há uma curiosa passagem em que a edição mantém o som de um coro de monges rezando em latim, como fundo de uma discussão filosófica sobre arte e política. Não dá muito certo, por causa das limitações técnicas na mixagem da época. Mas a concepção é surpreendente.

Sem equipamento para longos travellings de câmara, aproveita-se repetidamente o movimento das panorâmicas e do zoom. Além disso, boa parte da narrativa fica mais na fala dos personagens relatando os acontecimentos uns para os outros, do que na reconstituição física dos fatos. Num determinado diálogo, por exemplo, Rosselini aborda a transformação do conceito de “usura” pela noção de lucro – então uma novidade. Um príncipe católico definia o imposto como uma “multa pelo pecado da usura”. Trata-se, portanto, de um cinema mais épico do que dramático, mais sociológico do que psicológico.

A sofisticação exibida na série “A Era dos Médici” ficava por conta do luxo dos figurinos. Note-se, por exemplo, a variedade de roupagens dos religiosos na cena do Concílio de Trento. O requinte da direção se manifesta também no gestual das figuras que se diferenciava radicalmente do atual – algo que a maioria dos filmes históricos americanos ignora por completo. O costume das mesuras para com indivíduos de status mais elevado, os modos de usar as mãos em função das roupas, e até o hábito de tirar as botas ao entrar em ambientes fechados ajudam a colorir o painel cultural da época. Rosselini se preocupa até com a atitude corporal do “homem do renascimento”, que recusava a especialização do conhecimento e experimentava a maior variedade possível, sem diferenciar a arte da ciência ou o trabalho do lazer.

Mesmo com todas essas dificuldades, Rosselini consegue explicar as transformações econômicas e culturais que ocorreram no século 15º da Renascença italiana – como o contato com as civilizações orientais e a consequente retomada da arte clássica e da filosofia dos antigos gregos. A ascensão social e política da burguesia são descritas junto com o enfraquecimento das nobres corporações e seus segredos guardados a sete chaves, como o da fabricação da seda subtraído dos chineses. Vemos como estas associações de artesãos recorriam até à violência na tentativa de frear o seu declínio – oferecendo um curioso palpite sobre a origem medieval da Máfia e da Maçonaria, com vendetta e tudo. Mostra-se a centralização dos núcleos políticos, ou seja, das cidades-estados, acompanhada pelo mecenato que valorizava as artes, numa inédita associação entre riqueza, saber e poder.

Um detalhe que pode escapar aos contemporâneos é que, ao lado dos intelectuais e artistas, os heróis do filme são os mercadores – a classe social que então se achava à frente das grandes transformações históricas. Rosselini exibe essa “burguesia a cavalo” em belíssimas externas, com um fervor épico digno de Eisenstein, se este pudesse ter filmado em cores. Outro pormenor que não escapa ao mestre: no século XV, portanto, cem anos antes da Reforma, os negociantes florentinos eram muito mais éticos e sérios que os ingleses – famosos por serem dados a ardis e falcatruas.

Nessa magnífica aula sobre a passagem do mundo medieval para o moderno, torna-se clara a ligação entre o avanço no conhecimento da geometria e da cosmologia, as grandes navegações que aconteceriam no século seguinte e a ideia de que o homem é o centro do universo. Em suma, Rosselini (abaixo) filma o humanismo renascentista, concretizando a sua proposta de cinema científico e didático que, afinal, encontrou melhor abrigo na televisão do que no mercado cinematográfico. Desapontado com os caminhos estéticos do cinema, que se aproximava cada vez mais da indústria e do comércio, Rosselini preferiu agir no sentido de civilizar esse meio gelado de comunicação que era a TV, ajudando-a a se abrir um pouco mais para a arte e o conhecimento.

Os filmes lançados na semana 17 maio de 2013

2013-05-16T13:50:00.002-07:00

Com o "Homem de Ferro 3" ocupando a maioria das salas, as oito estreias de semana ficam se acotovelando na disputa do pouco espaço que resta. Para piorar, hoje chega O MASSACRE DA SERRA ELÉTRICA – A LENDA CONTINUA (acima *) em 3D, com aquela historinha de sempre e aquele banho de sangue do qual muita gente gosta. Para compensar, entretanto, Hollywood nos manda um desenho animado encantador. Pode levar as crianças e a família inteira por que todos vão amar essa aventura que acontece num mundo em que os homens têm o tamanho de uma formiga. Engraçado e cheio de mensagens ecológicas, o filme é REINO ESCONDIDO (abaixo ***)e a direção é do competente Chris Wedge, o criador da série “A Era do Gelo”.

Outra indicação é o excelente TERAPIA DE RISCO (abaixo ****), do mago Steven Soderbergh com Jude Law, Catherine Zeta-Jones e a estrelinha Rooney Mara. É um espetáculo de suspense que atualiza o estilo consagrado por Hitchcock, adicionando uma crítica cortante à industria farmacêutica que vem lucrando cada vez mais com a depressão e outros males psíquicos do mundo moderno. Grande atuações e um roteiro primoroso.

Temos um documentário nacional e sério que é RAÇA, de Joel Zito Araújo – o cineasta brasileiro que mais entende desse assunto. Outra produção doméstica é GIOVANNI IMPROTTA (abaixo **), o 1º filme dirigido por José Wilker, infelizmente uma comédia superproduzida, mas sem a menor graça. Sinto dizer, mas o filme argentino 2 MAIS 2 deve ser mais engraçado porque foi o filme de maior sucesso por lá em 2012.

Se nada disso interessou há ainda FINALMENTE 18 - uma comédia erótica americana e CONFISSÕES DE UM JOVEM APAIXONADO (abaixo **) um drama de época francês mal cotado, cuja única credencial é a premiada atriz Charlotte Gainsbourg.

Beto Martins, fotógrafo do documentário “Rio Doce-CDU” recebe Menção Honrosa no Cine PE

2013-05-04T16:50:00.001-07:00

No depoimento de uma benzedeira que vende ervas sagradas numa barraca do mercado da Encruzilhada em Recife, aparece uma informação notável, do ponto de vista antropológico: com ou sem intenção de comprar alguma coisa, as pessoas vêm fazer oferendas a uma variante de Exu, a estátua da Pomba Gira que fica na loja. Eis aí uma manifestação espontânea de fetichismo afro-brasileiro, ou seja, um elemento do candomblé se infiltrando numa prática de umbanda. Esse processo de sincretismo poderia ser explicado também pelo nome do local em que a imagem se encontra, ou seja, a encruzilhada como alusão direta ao orixá dos caminhos e da comunicação. O fato enfatiza a irrefreável plasticidade da cultura, ao mostrar a mudança de um significado tradicionalmente atribuído a um objeto, por força do lugar em que ele se encontra, isto é, um ponto pelo qual passam diariamente milhares de passageiros, ávidos por referências afetivas para pontuar o seu trajeto com um mínimo de emoção.

Esse presente do acaso para o repertório do cinema é um dos grandes momentos do filme “Rio Doce-CDU” da pernambucana Adelina Pontual, que registra num tempo próximo ao do real o trajeto de uma linha de ônibus que cruza bairros populares de Recife e Olinda. A sinopse do filme não se estende muito além do que diz essa frase – o que não diminui o seu interesse enquanto tema, até porque há poucos símbolos a exprimir melhor a vida democrática do que esse meio de transporte que pertence a todos. O trabalho apresentado no Cine PE 2013 deu Menção Honrosa do júri oficial a Beto Martins, seu diretor de fotografia. Respeitosa e talvez algo intimidada por essa avalancha de realidade que a viagem proporciona, a diretora se limita a seguir essa máxima do cinema-verdade válida desde os anos de 1960 que é se comportar “como uma mosca na parede”. Com outros exemplos recentes, como “Garapa” (2009 – José Padilha), percebe-se que esse modo de construir documentários como faziam Robert Drew (“Primárias” na foto abaixo) e Don Allan Pennebaker (“Dont Look Back”) na década de 1960 ainda permanece sendo praticado.

Provavelmente sem querer, entretanto, Adelina Pontual faz de seu filme um espetáculo para poucos, ou seja, para os que vivem em Recife e entendem por completo a fala corrente dos habitantes. Durante e exibição no Cine PE, por inúmeras vezes ouvia-se as risadas da plateia sem que fosse possível compreender o motivo do riso, porque o significado do que fora dito escapava aos forasteiros. Dentro dos parâmetros éticos do cinema-verdade – também chamado pelos francófonos de “en directe” – não se admite que o diretor peça ao entrevistado para repetir a tomada, nem que diga novamente a mesma frase mais pausadamente. Não há nada contra, porém, em acrescentar legendas, como às vezes acontece em filmes portugueses, ou como se faz na França ao exibir-se documentários "en directe" do canadense Pierre Perrault (1927-1999) quase sempre filmados num dialeto local de difícil entendimento.

Uma excelente safra de novos curtas-metragens surpreende e brilha no Cine PE

2013-05-01T12:38:00.000-07:00

O Programa Cinema Falado está aqui em RE acompanhando o 17º Cine PE, o maior festival de cinema do país, colocando em competição a mais recente e inédita safra de filmes brasileiros. Nesta fornada de novidades, além dos filmes de longa metragem o festival possibilita também a avaliação dos curtas produzidos atualmente. É importante observar com atenção esse formato que permite a prática de todos os gêneros já existentes e a criação de outros até então insuspeitados. Esse e o caso deste que até agora foi o mais aplaudido do evento: “Iris” (foto acima) do iniciante paulista Kiko Mollica, apoiado pelo roteiro do criativo, experiente e sempre bem humorado Jose Roberto Torero. Trata-se de um filme que começa como uma peça de mistério quase abstrata, se transforma em comédia familiar e em seguida se transfigura em história de horror. A novidade, porém, é que toda essa variedade desenvolvida em apenas 14 minutos é inteiramente narrada em câmara subjetiva do protagonista. Para complicar, esse personagem é praticamente cego e o que vemos na tela é uma imagem escura e desfocada. Mas o público entende tudo e morre de rir.

Outro destaque são os filmes paulistas de animação, cada vez mais sofisticados em termos de forma e conteúdo: “Cadê meu Rango?” (foto acima), do iniciante George Damiani, e o já conhecido e aplaudido “Linear” de Amir Admoni. Notável também, especialmente pela surpreendente encenação e pelo apuro técnico é o mineiro “Os Contratadores”, de Evandro Rogers, seguindo uma linhagem de criatividade e excelência formal que em Minas tem se manifestado. Uma encenação inventiva e angustiante que remete para uma espécie de inferno metafísico. (foto abaixo)

Há também o intrigante "Aluga-se" da paulista Marcela Lordy -- um filme que era para ser um documentário e que se transformou em ficção, sobre o tema da especulação imobiliária. Também de São Paulo, o simpático "O fim do filme" (foto abaixo) de Andre Dib é uma brincadeira romântica construída a partir de um contato de locadora que conta o fim do filme para os clientes. Do Rio de Janeiro, chama atenção o documentário poético "Confete", de Jo Serfaty e Mariana Kaufman que, pela linha do confete, documenta o alegre carnaval de rua do bairro de Santa Tereza.

Além deste, o carioca Eduardo Souza Lima mostrou "Três no Tri", encantadora reportagem sobre um fotografo veterano, autor de uma foto famosa batida durante campeonato de 1970 no México. E finalmente "Sagatio, Histórias de Cinema" (foto abaixo), do pernambucano Amaro Filho, uma instrutiva biografia de um iluminador que trabalhou na Vera Cruz e veio para o cinema do nordeste. Difícil escolher qual o melhor destes filme curtos que refletem a diversidade de talentos e pontos de vista do novo cinema brasileiro.

No Cine PE, a oportuna redescoberta de Mazzaropi pelo documentário

2013-04-30T13:30:00.001-07:00

O Programa Cinema Falado está aqui em Recife acompanhando o 17º Cine PE, o maior festival de cinema do país, colocando em competição até o dia 02 a mais recente e inédita safra de filmes brasileiros. Em matéria de documentário, até agora vimos duas obras concebidas e dirigidas por jornalistas: “Orgulho de ser brasileiro”, de Adalberto Pioto, e “Mazzaropi” do crítico de cinema Celso Sabadin. Com todo certeza o melhor entre os dois é este que se volta para o cinema brasileiro, analisando a contribuição daquele que foi ao mesmo tempo cômico e empresário – um dos mais bem sucedidos de todos os tempos, o caipira paulista Amácio Mazzaropi. Entre os entrevistados muita gente que traballhou ou tinha amizade pessoal como o criador do Jeca, como Selma Egrei, Hebe Camargo e Ronie Von (foto abaixo).

Algumas avaliações se apressam em classificar como “clássico” este primeiro longa de Sabadin como documentarista. Na verdade, ele se diferencia muito daquele estilo que se formou já na década de 1920 (com cineastas como Flaherty e Grierson) e se manteve quase inalterado até os anos de 1960, quando a tecnologia trouxe a portabilidade, ao diminuir o tamanho do equipamento para captação do som e da imagem. “Mazzaropi” é, de fato, um trabalho autoral (assim como é autoral uma tese acadêmica) construído a partir de uma pesquisa histórica, seguido de uma infernal caçada em busca das melhores imagens de arquivo, neste país que não cuida da sua memória e de uma criteriosa escolha dos depoimentos mais significativos. Isso, além de um exercício de modéstia e elegância ao se posicionar, assim como os célebres cineastas do “cinema-verdade”, à sombra dos entrevistados, sem tentar impor seu ponto de vista, nem aparecer à custa deles.

No Cine PE, uma comédia engraçada e inteligente: "Vendo ou Alugo", de Betse de Paula

2013-04-29T14:00:00.001-07:00

O Programa Cinema Falado está em Recife, acompanhando o 17º Cine PE, o maior festival de cinema do país, colocando em competição até o dia 02 a mais recente e inédita safra de filmes brasileiros. Com uma plateia de mais de 2 mil pessoas, é possível perceber de modo imediato a receptividade de cada filme junto ao público. Em matéria de ficção, até agora vimos duas comédias: “Giovani Improtta” de José Wilker e “Vendo ou Alugo”, de Betse de Paula. Sem a menor sombra de dúvida, o melhor deles é o dessa talentosa diretora brasiliense, irmã de Marcos Palmeira, e produzido por Marisa Leão que tem se mostrado vitoriosa em praticamente todas as iniciativas – desde épicos políticos dos anos de 1980, como “O Homem da capa preta” e os blockbusters cômicos da atualidade, como “De pernas pro ar”.

Desta vez a ousadia de Marisa é enfrentar as evidentes dificuldades de uma comédia montada sobre o movediço terreno dos indicadores sociais contemporâneos – como a violência urbana, que inclui a chamada guerra contra o tráfico – e construída a partir de personagens extraídos diretamente do mundo real e que, mesmo assim, sejam capazes de provocar o riso de qualquer um. Esta é, aliás, a essência das tradicionais chanchadas dos anos 1940 e 1950 que Marisa Leão recupera neste projeto do qual, sabiamente, ela participa também como roteirista junto com a diretora, para focalizar com o máximo de humor e senso crítico as encrencas de uma família de quatro mulheres interpretadas por Marieta Severo e Sílvia Buarque (mãe e filha na vida real), além de Natália Timberg e a jovem Bia Morgana (filha da diretora na vida real). Ou seja, temos sim vida inteligente na comédia brasileira.

No Cine PE, lembramos de Paulo Vanzolini

2013-04-29T07:15:00.002-07:00

Acompanhando o 17º Cine PE, o maior festival de cinema do país, que coloca em competição a mais recente e inédita safra de filmes brasileiros. Todo o mundo por aqui está consternado com a morte de PauloVanzolini, também porque o compositor foi uma das estrela no Cine PE de 2009, quando “O Homem de Moral” (disponível em DVD) foi lançado e premiado. Esse "Um Homem de Moral" do título é Paulo Vanzolini. Ricardo Dias é o diretor desse documentário sobre o autor de "Volta por Cima", "Ronda" e "Boca da Noite". Entre as 52 canções que o zoólogo compôs, o filme apresenta 27, a maioria delas desconhecidas do público. Todas lindas e emocionantes, concebidas numa linha só dele, que se aproxima de Noel e Adoniran. Numa entrevista de arquivo, o criador de "Trem das Onze", declara que o Vanzolini faz música parecida com a dele, "só que mais fina e intelectual". A coluna mestra do documentário são as gravações dessas músicas, a cargo de diversos cantores. Alguns mais famosos que outros, como Chico Buarque, Paulinho da Viola, Miucha, Paulinho Nogueira, Martinho da Vila e Inezita Barroso. Mostra-se uma espécie de making of de cada uma e ouve-se o pensamento do compositor sobre elas, ou uma curiosidade que tenha acompanhado a sua concepção. Mas o que faz esse trabalho ultrapassar a dimensão de show musical ilustrado são as imagens que Ricardo Dias desenvolveu para comentar algumas delas, com destaque para fotografias inéditas de Thomas Farkas e surpreendentes sequências da cidade de São Paulo, mostrada pelo cinegrafista Carlos Ebert de ângulos nunca antes revelados. O filme foi elaborado num período de 10 anos e representa uma oportunidade para entrar em contato direto com a poesia e a imaginação de Vanzolini. Essas nunca vão desaparecer da memória do povo

"Coração do Brasil": um documentário sobre o Brasil e a passagem do tempo sobre ele

2013-04-17T18:54:00.001-07:00

Frequentemente o gênero documentário gera obras tão empolgantes quanto as mais elaboradas peças de ficção. Alinhavando os fatos documentados com suspense e fartas surpresas, esse é o caso do longa-metragem "Coração do Brasil" de Daniel Solá Santiago. Protagonista do filme, o sertanista Sérgio Vahia de Abreu (na foto abaixo, à esquerda) é um ancião que, por meio do cinema, viveu uma das mais vibrantes aventuras que um homem contemporâneo poderia experimentar. O filme refaz uma expedição dos irmãos Villas-Bôas ao centro geográfico do Brasil, realizada há mais de 50 anos. À frente dessa aventura se acham três integrantes da jornada original: o já citado Sérgio Vahia de Abreu, o cacique Raoni, que em 1958 era apenas um guia da selva, e o documentarista inglês Adrian Cowell, que morreu ano passado.

O centro geográfico do país se localiza no Mato Grosso, no Parque Nacional do Xingu, que é uma das principais conquistas dos já falecidos irmãos Orlando e Cláudio Villas-Bôas. A tentativa de retorno àquele local tão simbólico é empreendida com o apoio de mapas, além de informações históricas e orais. Imaginem um velho explorador se locomovendo de bengala pela selva, em busca de seu passado e encontrando uma forte resistência dos índios da região a esse novo contato com os brancos. Os nativos chegam a impedir que determinados rituais sejam filmados pela equipe e outros exigem pagamento em dinheiro. Repleta de emoção e descobertas, a estrutura de “Coração do Brasil” combina imagens da expedição atual com filmagens da viagem original – o que faz do tempo e sua implacável passagem o principal tema do filme.

CORAÇÃO DO BRASIL

Brasil – 2012 – 86 min. – Livre

gênero documentário

esreia 19 04 2013

Distribuição Pandora Filmes

Direção Daniel Solá Santiago

COTAÇÃO

* * * *

ÓTIMO

Decepção com novos títulos de horror e de ficção científica: "Mama" e "Oblivion"

2013-04-16T15:29:00.005-07:00

Estão em cartaz dois novos filmes de gênero. Histórias que seguem os cânones, ou seja, as linhas costumeiras de determinadas modalidades consagradas pelo mercado. Um deles é “Mama” (acima e abaixo), uma produção espanhola que tem o aval do produtor Guillermo Del Toro, o respeitado criador de “O Labirinto do Fauno”, obra que marcou com sua qualidade o cinema fantástico atual. Mas, neste caso, o desempenho de Jessica Chastain de “A Hora mais Escura” é o melhor que “Mama” tem para oferecer. Ele começa bem, apresentando, com um clima macabro bastante sugestivo, duas meninas, de 10 e de 7 anos que há 5 se achavam perdidas numa floresta. Mas em pouco tempo, apesar da competente direção de arte, o roteiro vai sendo preenchido com tantos clichês que se transforma numa historia de fantasmas, das mais banais.

As limitações de “Oblivion”, estrelado por Tom Cruise (abaixo) são de natureza semelhante. O desenho de produção de Darren Gilford, que desenhou “Tron” de 210, causa impacto inicial positivo, ao mostrar o nosso planeta já devastado por uma guerra interplanetária e habitado somente por guardiões que vivem em torres que se erguem até a estratosfera. Eles têm a função de defender as naves que sugam a água do planeta para enviar a uma lua de Saturno para a qual os terrestres foram obrigados a migrar. O perigo reside nos saqueadores alienígenas que ainda se acham na Terra abandonada por seus habitantes. E nas lembranças do passado que insistem em se manifestar. O adjetivo "científica" não aparece atoa na designação do gênero. "Oblivion", porém, parte da absurda premissa de que a cultura, ou seja, o comportamento apreendido e o conhecimento adquirido possam ser transmitidos geneticamente, como ainda acreditam alguns racistas.

Lançada em DVD coleção de três obras fundamentais do mestre Howard Hawks

2013-04-14T17:19:00.001-07:00

Falecido aos 81 anos em 1977, Howard Hawks é um dos mais elogiados diretores da historia do cinema americano, ainda que não tenha sido premiado pela Academia. Os críticos internacionais, especialmente os franceses do “Cahiers du Cinema”, o colocam no mesmo nível de John Ford e Orson Welles. Brilhava tanto na densidade dos drama policiais quanto em comédias sofisticadas, verdadeiras pérolas de criatividade e leveza. Sua imensa versatilidade lhe permitiu se exercitar em quase todos os gêneros e, talvez justamente por isso, foi considerado mais um artesão do que um autor. Formado em engenharia mecânica, ele lutou na 1ª Guerra na Força Aérea, antes de começar a trabalhar em cinema atuando em quase todas as áreas de produção e criação, até se iniciar na direção, ainda em 1926 ainda na época do cinema mudo.

Hawks fez 47 filmes, mas a Versátil acaba de lançar uma caixa com algumas de suas obras mais significativas. Com elas podemos ter uma ideia do seu impressionante ecletismo: “À Beira do Abismo” (acima) de 1946, policial clássico com Humphrey Bogart e Lauren Bacall – argumento de Raymond Chandler e roteiro de ninguém menos que William Faulkner.

De 1952, “O Rio da Aventura” (acima) é um faroeste de primeira linha, com Kirk Douglas numa expedição montada para desbravar o rio Missouri que, em 1832, era habitado por índios hostis. E finalmente “Terra dos Faraós” de 1955, um drama épico ambientado no antigo Egito, em que as batalhas se entremeiam às intrigas palacianas na trajetória de um monarca que constrói uma pirâmide onde pretende ser enterrado, junto com o seu tesouro. Uma coleção indispensável.

"Sob a Névoa da Guerra", exibição e debate dia 09 de abril, no MIS-SP

2013-04-08T19:15:00.000-07:00

Em harmonia com o Festival Internacional de Documentários "É Tudo Verdade" que acontece na cidade até o dia 14, o 1º Ciclo de Cinema e Política promovido pelo Núcleo de Pesquisa em Políticas Públicas e pela Pró-Reitoria de Cultura e Extensão da Universidade de São Paulo, será exibido e debatido no Museu da Imagem e do Som de São Paulo SOB A NÉVOA DA GUERRA, Oscar de melhor documentário em 2004. Hoje ás 7 da noite, com entrada franca, o filme será debatido por Sergio Adorno, diretor da FFLCH da USP, e Antonio Pedro Tota, professor de História Contemporânea da PUC-SP, com mediação minha e participação de J A Moisés

The Fog of War: Eleven Lessons from the Life of Robert S. McNamara

(EUA, 2004, 107 min. 12 anos)
Direção de Errol Norris.

Oscar de melhor documentário; Melhor documentário pela National Film Board (USA),

Debatedores: Sérgio Adorno (coordenador do Núcleo de Estudos da Violência da USP)
e Antonio Pedro Tota (professor de História Contemporânea da PUC-SP)

Personagem central deste documentário, Robert McNamara foi secretário de Defesa dos governos John Kennedy e Lyndon Johnson. Presenciou, portanto, algumas das crises políticas internacionais mais agudas e cruciais do século XX. Com esse filme somos levados a encarar o fato de que na democracia contemporânea, gravíssimas decisões ficam perigosamente a cargo de poucos indivíduos. Neste caso, o protagonista revela como o mundo escapou de uma 3ª guerra mundial e nuclear “por mera sorte” e não por conta da racionalidade da diplomacia ou da política norte-americanas.

Com trilha sonora original de Philip Glass, o filme ganhou o Oscar de melhor documentário. A expressão "névoa da guerra", popularizada por Carl von Clausewitz em seu livro Da Guerra(1832) indica a nuvem de incerteza que envolve um conflito complexo como é uma guerra, logo antes de eclodir. O filme mostra a trajetória de Robert Mcnamara, secretário de defesa dos Estados Unidos entre 1961 e 1968, por meio de imagens de arquivo, de gravações da Casa Branca e, principalmente, de uma entrevista com McNamara aos 85 anos de idade. A entrevista aborda a participação de McNamara como um dos "Whiz Kids" durante a Segunda Guerra Mundial e como presidente da Ford. O destaque, porém, é para o seu envolvimento na Guerra do Vietnam, enquanto secretário de defesa dos presidentes John Kennedy e Lyndon Jonhson . Dessa época, são mostrados impressionantes trechos de gravações de reuniões secretas no salão oval da Casa Branca.

Durante uma palestra na universidade de Berkeley na California, Morris disse que teve inspiração para criar o filme após ler o livro de 2001 escrito por McNamara “Reduzindo o risco de conflito, matança e catástrofe no século 21”. A ideia de organizar o filme em “11 lições” se originou do livro de McNamara In Retrospect: The Tragedy and Lessons of Vietnam, de 1996 (“Em retrospecto: a tragédia e as lições do Vietnam”). Morris estruturou o filme em função das lições que McNamara menciona durante aquela entrevista, que durou mais de 20 horas. Essas lições atribuem uma estrutura a “Sob a névoa da guerra”. Elas, no entanto, não foram explicitamente criadas por McNamara e, após a conclusão do filme, McNamara respondeu a Morris complementando as 11 lições do filme com outras 10 lições escritas por ele próprio.

McNamara conta como se destacou na escola e a sua habilidade para cálculos e mensurações estatísticas. De como graças a isso ele e a equipe de calculistas sob o comando do Major-General Curtis Lemay melhoraram a eficiência do bombardeio ao Japão durante a IIª Guerra Mundial, calculando uma melhor altura de voo para o lançamento das bombas incendiárias que em 1945 devastaram Tóquio e outras cidades. Depois da guerra McNamara foi para a presidência da Ford, onde usou seus conhecimentos matemáticos para melhorar o desempenho da produção e das vendas da companhia. Entrou para o governo no posto de Secretário da Defesa em atenção a um convite do presidente Kennedy. Dessa época McNamara fala da crise com Cuba, no início dos anos de 1960, e afirma que Fidel Castro lhe confidenciara, décadas depois, que já havia mísseis atômicos na ilha, não detectados pelos americanos.

Será "A Hospedeira" de Stephenie Meyer o crepúsculo do gênero ficção-cientifica?

2013-04-01T17:05:00.002-07:00

Não que isso seja uma característica objetiva e desejável, mas a ficção científica tem se apresentado como uma modalidade literária masculina, até porque a imensa maioria de seus escritores é constituída por homens, apesar de uma das fundadoras do gênero ter sido Mary Shelley, a autora de “Frankenstein” (1831). Depois de ter colorido de rosa as histórias de vampiros e lobisomens na série “Crepúsculo”, Stephenie Meyer tenta reproduzir essa proeza ao publicar “A Hospedeira”. A mentalidade que preside a organização dessa trama parece proveniente dos romances franceses de Madame Delly, pseudônimo dos irmãos Jeanne Marie e Frédéric Petitjean de la Rosiére. Eles publicaram mais de uma centena de livros de leitura fácil, muito populares numa época em que o hábito da leitura começava a ganhar espaço entre as mulheres jovens de classe média também no Brasil. Esses livros foram lançados entre 1930 e 1960, na coleção chamada Biblioteca das Moças.

Ou seja, se baseiam num ponto de vista supostamente feminino que – no mínimo há meio século – nada mais tem a ver com as jovens de hoje. A ideia do filme veio, no entanto, do clássico “Vampiros de Almas” (1956) de Don Siegel, no qual invasores alienígenas se apossavam dos corpos dos humanos: um dos filmes mais apavorantes na história do gênero. No começo do filme, os invasores interplanetários já tinham praticamente atingido a meta de conquistar a humanidade, mas, alguns terráqueos resistiam à ocupação. Uma dessas rebeldes permaneceu viva, mesmo depois de ser possuída por uma alma extra-terrestre. Ou seja, as duas ocupam o mesmo corpo e estabelecem um conflito, amenizado pelo fato de terem se apaixonado por dois rapazes diferentes. A cenografia kitsch que lembra a do brasileiro “Nosso Lar” e oferece momentos de comicidade, com certeza involuntária.

A HOSPEDEIRA

The Host

EUA, 2013, 125 min, 12 anos

estreia 29 03 2013

gênero romance/ fantasia

Distribuição: Imagem Filmes

Direção: Andrew Niccol

Com Diane Kruger, Saoirse Ronan e William Hurt

COTAÇÃO

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REGULAR

O trabalho de Bryan Singer em “Jack – o caçador de gigantes" não impressiona

2013-04-01T16:27:00.003-07:00

É quase impossível reconhecer a presença de Bryan Singer na direção de “Jack – o caçador de gigantes” – uma tentativa de fazer um filme de cinema a partir de um conto de fadas de irlandês amplamente conhecido: a história de João e o pé de feijão, na qual feijões encantados geram uma árvore que dá acesso a um mundo de gigantes instalado acima das nuvens. Mesmo sem ter uma temática ou um estilo que o identifique em termos de autoria, esse realizador de 48 anos já mostrou um trabalho maduro e inteligente em títulos como “Os Suspeitos” (1995), “Operação Valkíria” (2008) e a própria série “X Men” (2003 e 2011) baseada nos quadrinhos de Stan Lee e Jack Kirby.

Agora ele se comporta mais como diretor de trânsito, lutando para fazer com os atores de carne e osso consigam contracenar com centenas de figuras de animação que dominam a tela. Apesar do empenho de atores como Stanley Tucci, perfeito como vilão, e Ewan McGregor movendo-se com entusiasmo sob uma armadura de cavaleiro medieval, ao enredo faltam dinamismo e concisão. Algumas passagens importantes da história original foram cortadas, provavelmente, para reduzir a duração do filme. Isso se percebe pela cena em que o herói entra num quarto em que o gigante guarda a riqueza produzida pela galinha dos ovos de ouro, bem como a harpa mágica, que aparece de relance.

Mas há um aspecto curioso nesta história à qual o roteirista de quadrinhos Bill Willingham tem dado a devida importância, na série “João das Fábulas”, já nas bancas de jornal. O protagonista é tratado por ele como um malandro sem escrúpulos nem moral, porque consegue vencer o gigante seduzindo a sua esposa e roubando-lhe a galinha e a harpa mágicas antes de assassiná-lo.

JACK – O CAÇADOR DE GIGANTES

Jack, the Giant Slayer

EUA, 2013, 114 min, 10 anos

estreia 29 03 2013

gênero aventura/ fantasia

Distribuição: Warner Bros.

Direção: Bryan Singer

Com Nicholas Hoult, Ewan McGragor, Stanly Tucci, Eleanor Tomlinson

COTAÇÃO

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REGULAR

Em "A Caça", o dinamarquês Thomas Vinterberg discute o mito da inocência infantil

2013-04-01T15:31:00.001-07:00

Injustamente, uma garotinha acusa de assédio sexual um adulto que, em seguida, tem a sua vida destroçada. Em “A Caça”, o personagem é interpretado por Mads Mikkelsen, ganhador do prêmio de melhor ator em Cannes com a atuação neste filme do dinamarquês Thomas Vinterberg, indicado para a Palma de Ouro em 2012. O mesmo tema ocupa posição central em “Desejo e Reparação”, do inglês Joe Wright, vencedor do BAFTA e do Globo de Ouro em 2008. Naquele mesmo ano, “Dúvida” do americano John Patrick Shanley abordava assunto semelhante e concorria a cinco Oscars. Na verdade, a figura do inocente injustiçado aparece em muitos outros enredos de cinema. O fato de Hitchcock ter usado a rotina do “innocent bystander” em dezenas de roteiros comprova uma potencialidade dramática que remonta à base da cultura judaico-cristã, na imagem do cordeiro de Deus.

O cinema de Thomas Vinterberg, entretanto, permanece integrado a uma opção estética explicitada desde sua participação no Dogma95, como um dos fundadores daquele movimento que recusava esquemas cristalizados de dramaturgia, bem como qualquer forma de artificialismo. Em “Festa de Família” (1998) que foi o primeiro sucesso de público obtido pelos “monges cineastas”, ele já desnudava o mito da harmonia social na civilização nórdica, ao revelar a podridão escondida na elite do país. Em “A Caça”, no lugar de um vasto grupo de personagens, ele concentra o foco nos parcos habitantes de uma vila do interior, como quem recorre a uma maquete para deixar mais claro determinados aspectos de uma construção.

É que vemos também em o “Amante da Rainha”, outro projeto recente com o mesmo Mads Mikkelsen: drama político e sentimental sobre o Reino da Dinamarca, tal como aquela nação atravessou o período do despotismo esclarecido, na segunda metade do século XVIII. Se acrescentarmos a estes títulos outros exemplos, como “Em um mundo melhor”, Oscar de melhor filme estrangeiro de 2011, poderemos concluir que o cinema do país de Hamlet, em lugar da ideia do “bom selvagem” proposta por Jean-Jacques Rousseau, optou pela metáfora do homem como “lobo do homem”, criada pelo dramaturgo romano Plauto (século III A.C.) e popularizada pelo filósofo Thomas Hobbes (século XVII).

A CAÇA

Jagten

Dinamarca, 2012, 115 min, 14 anos

estreia 22 03 2013

gênero drama/ social/ psicológico

Distribuição Califórnia Filmes

Direção Thomas Vinterberg

Com Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Annika Wedderkopp

COTAÇÃO

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ÓTIMO

Quarta feira, dia 27, às 19 horas no MIS-SP, debate após exibição de "Leões e Cordeiros"

2013-03-25T15:13:00.000-07:00

LEÕES E CORDEIROSLions for Lambs(EUA – 2007, 92 min. 14 anos) Direção de Robert Redford. Com Tom Cruise, Meryl Streep, Peter Berg,
Andrew Garfield, Michael Peña e Robert Redford.

DEBATEDORES:
Jaime Pinsky (historiador) e Miguel de Almeida (jornalista)

A partir de um mesmo momento histórico, isto é, a chamada Guerra do Afeganistão, o enredo permite observar diferentes formas de pensar a política: como ideologia (uma dupla de jovens combatentes alistados voluntariamente); como estratégia eleitoral ou de conquista do poder (um candidato à presidência da república); como objeto de análise jornalística ( uma repórter que entrevista esse político) ou como matéria de pesquisa científica (um professor universitário e seu discípulo).

Diretor bissexto, Robert Redford vem filmando de um modo cada vez mais sério e engajado em causas públicas. Depois deste, em 2010 ele faria o excelente “Conspiração americana” sobre um erro judiciário que ocorreu no julgamento dos assassinos do presidente Abraham Lincoln. Desde o ano 2000, Robert Redford estava sem dirigir filmes. Foi preciso um processo de convulsão política como o que os Estados Unidos vêm atravessando há décadas, para estimular o ator, militante do cinema independente, ativista de causas humanitárias e mecenas da criação cinematográfica a se colocar novamente na posição de diretor.

Trata-se de uma obra abertamente intelectual, no sentido que o pioneiro Eisenstein atribuía a esse adjetivo. Um filme que não se ocupa apenas de coisas, porque discute ideias. Não se limita a relatar eventos, mas coloca em questão princípios éticos e morais. No roteiro escrito pelo mesmo Matthew Michael Carnahan de “Intrigas de Estado”, observa-se praticamente uma única ação desenvolvida em tempo real, um único conflito de posturas que ocorre ao mesmo tempo em três pontos diferentes: numa montanha do Afeganistão, no gabinete de um senador republicano e na sala de um professor de ciência política em Berkeley.

Todos os personagens colocam seus pontos vista com lógica racionalidade, levando-nos a questionar a secular e discutível diferenciação entre as noções de “esquerda” e “direita”. A dualidade contida no título “Leões e Cordeiros”ultrapassa – em complexidade de conteúdos e simbolismo – essa tradicional dicotomia originada na Revolução Francesa do século XVIII, quando os representantes da nobreza e do “terceiro estado” escolheram os lugares que ocupariam no salão da Assembleia Nacional.

Em cada um dos locais de filmagem, há sempre dois personagens em confronto: no Afeganistão, dois jovens universitários que se ofereceram como voluntários para lutar na guerra enfrentam um batalhão de talibãs que os prenderam numa emboscada. Em Washington, o senador Tom Cruise, candidato à presidência da republica, explica para a jornalista Meryl Streep uma nova estratégia militar contra o terrorismo. E na universidade, o professor Redford procura convencer seu melhor aluno a não abandonar o estudo de política. Essas dimensões se articulam num mesmo debate em que se defrontam todas as dúvidas e certezas experimentadas pelos cidadãos americanos e seus líderes, desde Thomas Jefferson.

O melhor filme brasileiro em cartaz continua sendo “A Busca”, de Luciano Moura

2013-03-25T14:18:00.004-07:00

Trata-se de uma produção paulista de qualidade técnica e artística bem acima da média atual. Por trás dos acertos que marcam este projeto acha-se Fernando Meirelles e cuidado com que ele cerca suas realizações. Esta já foi por alguém chamada de “aquele filme argentino feito em São Paulo”. Esse comentário um tanto venenoso, porém, não se encontra totalmente fora da realidade. Assim como geralmente ocorre no cinema argentino, de fato, este longa-metragem de estreia de Luciano Moura não está preocupado em elaborar denúncias, discursos ou teses sobre a nossa realidade social, apesar de se mostrar fiel a ela. Parte de uma proposta dramática simples, mas humana o bastante para manter a nossa atenção em torno de um pai desesperado que parte numa busca frenética, quase alucinada, do filho adolescente que foge de casa.

Wagner Moura, aliás, sem qualquer parentesco com o diretor – responsável pelas séries televisivas “Antônia” e “Os Filhos do Carnaval” – interpreta com o máximo de entrega esse pai que percorre os mais desencontrados ambientes, seguindo pistas de modo geral inconsistentes, munido apenas de coragem e intuição. O dado de originalidade na historia é que o garoto, sem recursos para fugir de motocicleta ou de automóvel, usa um cavalo como meio de transporte. Quem resumir o enredo do filme poderá considerá-lo simples demais: um médico que sai pelo mundo à procura do filho desaparecido.

Na verdade, entretanto, essa sinopse é apenas o fio condutor para uma série de pequenos episódios, todos originais e surpreendentes, que formam essa trajetória. Eles funcionam praticamente como um conjunto de curtas metragens, com relativa autonomia uns dos outros, cada um deles montado a partir de personagens fortes e situações inesperadas. É o caso do parto de emergência que o protagonista é obrigado a fazer, ao encontrar um grupo de jovens que acampara perto de uma rave. Ou da briga quase mortal com um camponês que vestia uma camiseta idêntica à que o menino usava no dia da fuga.

A principal qualidade dessa narrativa, porém, é que o personagem vai se alterando ao longo dela, até o momento final em que ele se encontra capaz de compreender o nó, o pântano em que a sua vida se estacionara. E, portanto, partilhar conosco a essência desse drama que passa ser inteligível por todos nós, ao ultrapassar o limite de uma desgraça pessoal e mostrar a amplitude desse sofrimento que atinge a humanidade por inteiro. Ou seja, o conflito sem fim entre pais e filhos e todas as dores e asperezas – inevitáveis na passagem da infância para a maturidade. No conjunto da encenação, tudo funciona: desde o roteiro de Elena Soarez (“Casa de Areia” e “Eu, tu, eles”) até a cenografia, a música, os figurinos e o trabalho dos coadjuvantes. Com destaque para a sensível Mariana Lima (“Sessão de Terapia”) no papel da mãe, e de Lima Duarte, numa atuação especialmente notável e emocionante.

A BUSCA

Brasil – 2012 – 96 min. – 12 anos

Distribuição: Paris Filmes e Downtown Filmes

Direção: Luciano Moura

Com Wagner Moura, Mariana Lima, Lima Duarte e Brás Antunes

COTAÇÃO

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ÓTIMO

Hoje às 19:00, no MIS-SP, debate após a exibição de "Tudo pelo Poder" - entrada franca

2013-03-18T15:11:00.001-07:00

TUDO PELO PODER

The Ides of March (EUA, 2011, 102 min. 12 anos) - dia 19/03/2013
Direção de George Clooney, com Ryan Gosling, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Phillip Seymour Hoffman, Paul Giamatti e George Clooney.

Melhor roteiro pelo Instituto Australiano do Filme;
Melhor filme pela National Film Board (USA);
Prêmio Brian do Festival de Veneza para o melhor filme em favor
da democracia e direitos humanos.

DEBATEDORES

Edison Nunes - professor de Ciência Politica da PUC-SP

Renato Janine Ribeiro - Professor de Ética e Filosofia Política da USP

Mediação: Luciano Ramos e José Álvaro Moisés
Curadoria: Luciano Ramos

Uma campanha eleitoral vista pelo lado de dentro é o que este drama nos oferece, com todos os percalços que ela pode sofrer numa sociedade democrática, mas complexa como os Estados Unidos. O roteiro assume a aparência de uma “fábula moral”, em que um assessor de um candidato à presidência precisa decidir se sucumbe à próprias ambições profissionais ou se preserva a integridade de sua alma. Em lugar de Mefistófeles que produzia as tentações de Fausto, temos aqui Maquiavel sob a forma de vários personagens.

O filme é um admirável trabalho autoral de George Clooney, produzido em parceria com Leonardo di Caprio. Além disso, Clooney também escreve o roteiro, dirige e interpreta um dos papéis principais neste drama que tem como tema o maquiavelismo e a desonestidade envolvidos numa campanha presidencial. Ele faz o papel de um candidato democrata, cujo discurso assumidamente populista é cativante demais para ser verdadeiro. Se o nazista Joseph Goebbels afirmava que “uma mentira mil vezes repetida torna-se verdade”, o filme prova que, ao contrário, quando exaustivamente repetida, a mentira torna-se evidente.

O protagonista da história, porém, não é o candidato, mas um de seus mais jovens e idealistas assessores, interpretado por Ryan Gosling (“Drive”, 2011). Durante a maior parte do filme, ele se coloca em conflito com o veterano e pragmático coordenador da campanha vivido pelo craque Phillip Seymour Hoffman (“O mestre”, 2012) e também com personagem de Paul Giamatti (“O ilusionista”, 2006) – o calejado assessor de outro político que disputa a indicação pelo partido para concorrer à presidência.

Pode parecer uma reedição do clássico “A Grande Ilusão” de 1949 e refilmado em 2006 com Sean Penn, que aborda um assunto semelhante, mas este “Tudo pelo Poder” discute questões bem mais contemporâneas. Por exemplo, as alianças espúrias e as concessões aos adversários de ideologia, firmadas com o objetivo de chegar ao poder, como o título brasileiro já explicita. No entanto o título original “Os idos de março” sugere com mais precisão o cerne da trama.
Essa expressão tem origem na Roma antiga e significa o dia 15 de março, no qual o demagogo e usurpador Julio Cesar foi assassinado pelos senadores, pondo fim a uma ditadura corrupta e de base populista na república romana. Em suma, o filme propõe uma identificação entre o personagem de Clooney e o astuto manipulador político que foi Julio Cesar. Na verdade, a premissa do roteiro é que os corruptos acabam caindo, mais cedo ou mais tarde, de um modo ou de outro.

Hoje às sete da noite no MIS-SP, debate após a exibição de "Intrigas de Estado".

2013-03-11T18:49:00.002-07:00

INTRIGAS DE ESTADO
State of Play (EUA / UK – 2009, 127 min. 14 anos)
Direção de Kevin MacDonald.
Com Russel Crowe, Ben Affleck, Helen Mirren, Rachel McAdams e Jeff Daniels.

Melhor ator para Russel Crowe, pelo Instituto Australiano do Filme

Refilmagem de minissérie inglesa de Paul Abbot agraciada com o Prêmio Edgar Allan Poe, premiada pelo BAFTA e pela Royal Television Society em 2004

DEBATEDORES
Suzana Singer - ombusdman da Folha de São Paulo
Fernando Limongi - chefe do Departamento de Ciência Política da USP
Mediação de José Álvaro Moisés e Luciano Ramos

A trama narra um caso de tentativa de manipulação de um órgão da grande imprensa por um senador dos Estados Unidos. De forma por vezes insidiosa e outras vezes direta, o filme mostra como esse papel de controle se manifesta por meio das relações de poder. Mesmo afetadas, neste caso as instituições democráticas são visíveis sob a forma de personagens individuais: o protagonista é um repórter que tenta exercer o seu ofício, apesar das dificuldades pessoais e das limitações enfrentadas pela empresa jornalística para quem trabalha.
Sob a aparência de um enredo de suspense premiado pela associação de escritores americanos de mistério, em que um jornalista reedita a figura do típico (anti) herói do drama policial dos anos 1940, o chamado film noir, estamos diante de uma obra estruturada sobre as limitações ao direito à informação que ainda se manifestam – mesmo em países que se consideram democráticos. O filme não se aprofunda na mecânica da ilegalidade governamental de maneira geral, mas tece uma trama muito bem informada e esclarecedora das suas ligações com as diversas esferas da sociedade americana. E, além disso, apresenta um modo pelo qual a imprensa poderia enfrentar um arranjo montado por corruptos de dentro e de fora do estado. O protagonista é um repórter veterano interpretado por Russell Crowe. Ele investiga o assassinato da assistente de um congressista vivido por Ben Affleck e que, por acaso, é seu amigo de juventude.

Aliás, o desenho desse jornalista neste filme não mistifica a profissão, ou seja, não tenta atribuir-lhe um charme que ela de fato nunca teve, e o coloca sempre pressionado: pelos superiores, como a editora Helen Mirren (preocupada com as vendas) e pelos subordinados, como a redatora novata Rachel McAdams, que adoraria ocupar-lhe o espaço na publicação. Aos pouco ele começa a entrelaçar pistas que o levam a um esquema corporativo montado por políticos, lobistas e assassinos. Quando, porém, o jornalista se aproxima da verdade, ele precisa decidir entre arriscar o emprego e a vida ou se render às conveniências do sistema.

O filme é dirigido pelo competente Kevin MacDonald de “O Último Rei da Escócia”, mas o elemento criativo da equipe é o hábil escritor Tony Gilroy, do já clássico “O Advogado do Diabo”. Este é o seu trabalho mais recente como roteirista e traz em sua carne as cicatrizes ainda abertas da realidade presente. O filme termina com imagens de uma rotativa imprimindo um jornal, mostrando que a trama toda acabou estampada em suas páginas. “Intrigas de Estado” pode ser visto como uma homenagem ao jornalismo e uma escolha ética e estética de elaborar ficção a partir do que se publica (ou deveria ser publicado) nos jornais.

"César deve morrer": o cinema dos Taviani trabalha a permanência da tragédia

2013-03-08T17:41:00.001-08:00

O cinema não para de se inventar se reinventar. Ao registrar a montagem de uma peça de teatro por um grupo de presidiários, os octogenários irmãos Taviani (“Pai Patrão”, 1977) nos oferecem uma nova reflexão a respeito do sentido do espetáculo como elemento essencial da natureza humana. Que mistério tem esse exercício de fingir para os demais que somos outras pessoas, justamente para exprimir o que de fato somos? Numa prisão de segurança máxima, os detentos se inscrevem nos testes para integrar o elenco da tragédia “Julio Cesar”, de Shakespeare. No processo de encenar um texto escrito por um inglês no século XVI, aqueles criminosos italianos têm a oportunidade de viajar ao tempo de suas próprias origens, fincadas na tradição romana do século I A.C.

Ao serem autorizados pelo diretor cênico a se expressarem em seus próprios dialetos locais – sicilianos, napolitanos etc – os voluntários recebem a mensagem implícita de que, mesmo na pele de senadores ou generais da antiga Roma, eles jamais deixam de manifestar suas verdadeiras identidades. O filme leva o título de “Cesar deve morrer” e não se resume à documentação daquela experiência teatral. Os irmãos Taviani acrescentam conteúdos pessoais ao material filmado, abrindo espaço para a intimidade emocional dos intérpretes.

Confrontados com aquilo que foi o assassinato político de um suposto tirano pela elite da república, eles percebem que se acham também condenados à sua condição de seres humanos – o que implica no inevitável enfrentamento do livre arbítrio. Ou seja, as grades os impedem de sair da prisão, mas não lhes protegem da própria consciência. Antes de ouvir as sentenças que os condenaram, todos eles foram julgados. E agora é a vez de julgarem aqueles personagens que eles trouxeram de volta à vida, por meio da exposição de aspectos profundos das suas personalidades.

CÉSAR DEVE MORRER

Cesare Deve Morire

Itália, 2012, 76 min, Livre

estreia 01 03 2013

gênero/ drama/ documentário

Distribuição: Europa Filmes

Direção: Paolo & Vittorio Taviani

Elenco: Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri

COTAÇÃO

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ÓTIMO

"O Quarteto" revela o talento de um novo, porém idoso diretor: Dustin Hoffman.

2013-03-08T16:56:00.002-08:00

Quem admira o ator Dustin Hoffman vai gostar de ver este filme em que ele estreia como diretor.Trata-se de uma produção inglesa que focaliza uma casa de repouso para músicos e cantores líricos aposentados. De modo geral, a linha é humorística, até pela presença no elenco do competente cômico Billy Connoly e da sempre pernóstica Maggie Smith, se esmerando em sua fleuma tipicamente britânica, no papel de uma diva de ópera – ela que foi uma das professoras de Harry Potter e, recentemente, brilhou em “O Exótico Hotel Marigold”.

Há um drama que se desenvolve quando alguns artistas super veteranos decidem apresentar o empolgante e difícil quarteto do Rigoletto, num festival em homenagem a Giuseppe Verdi. Essa apresentação poderia saldar as dívidas do asilo e garantir a sua continuidade, mas a estrela interpretada por Maggie Smith não se acha disposta a enfrentar o público novamente, agora com a voz já enferrujada. Por outro lado, a maioria do numeroso elenco de apoio, ou seja, os moradores da instituição é composta por músicos de verdade que, volta e meia, aparecem mostrando seus talentos sonoros ainda intactos.

Como vemos, a trama é simples e despretensiosa, mas com ela, Hoffman prova que é capaz de dirigir. Sabe conduzir emoção, que se mostra especialmente intensa nas passagens musicais, controla o eventual ímpeto expressivo dos atores e revela talento para a edição – fato, aliás, que se percebe logo na primeira sequencia, e na manutenção de um ritmo de narrativa que vai se adensando ao longo do filme. Há o detalhe de que tudo no enredo gira em torno da música o que não permite que o clima desabe para a melancolia que pode rondar as histórias que os protagonistas têm mais de 70 anos.

O QUARTETO

Quartet

Reino Unido – 2012 – 100 min. – 12 anos

estreia 08 03 2012

gênero / Comédia/ Música

Distribuição: Diamond Films

Direção: Dustin Hoffman

Com Maggie Smith, Billy Connoly, Michael Gambon, Tom Courtenay

COTAÇÃO

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BOM

O Programa Cinema Falado, no OSCAR!

2013-02-23T16:37:00.001-08:00

Amanhã, durante toda a cerimônia do Oscar, estarei ao vivo na Rádio Estadão (FM 92,9 e AM 700) comentando os prêmios. Vou levar o notebook e ficarei plugado. Aguardo a participação de vocês...

"O amante da rainha": um caso de amor impossível e uma ideologia inviável

2013-02-06T18:28:00.001-08:00

Na segunda metade do século 18, as monarquias da Europa foram afetadas pela difusão das ideias racionais do iluminismo. Os textos de Voltaire, Diderot e Rousseau se espalhavam como vírus por todas as nações e classes sociais daquele tempo. Chegaram até o Brasil, para servir de combustível ideológico na Inconfidência Mineira e outras revoltas contra o colonialismo. No velho continente elas funcionaram como estímulo para o chamado “despotismo esclarecido”, em que vários monarcas reformaram os seus regimes absolutistas aplicando, ou fingindo aplicar, aqueles ideais que já tinham se transformado em lei nos sistemas políticos da Inglaterra e dos Estados Unidos. Diversas tentativas de modernizar o chamado “antigo regime” foram instituídas em Áustria, Prússia, Rússia, Portugal, França e até na Dinamarca.

Esse é o tema de “O amante da rainha”, dirigido pelo jovem e promissor Nikolaj Arcel, o roteirista de “Os homem que não amavam as mulheres” (2009), tão bem sucedido que foi refilmado em Hollywood dois anos depois com Daniel Craig. Interpretado pelo carismático Mads Mikkelsen – que foi herói em “Depois do casamento” (2006) e vilão em “Cassino Royale” (2006) – o personagem central é um médico alemão e iluminista que ganha a confiança do rei Cristiano VII da Dinamarca e se transforma numa espécie de primeiro ministro reformista, mas acaba se tornando politicamente vulnerável ao se envolver afetivamente com a rainha Caroline Mathilde, de origem inglesa e, portanto, de mentalidade mais aberta a antenada com o seu tempo.

O papel é da encantadora atriz sueca Alícia Vikander, que veremos em breve no elenco de “Ana Karenina” (2012) de Joe Wright e Tom Stopard. Além de uma tocante história de amor impossível e de uma reconstituição de época científica, em sua precisão e total ausência de charme, o filme revela em detalhes a mecânica das articulações palacianas e a arquitetura do poder em movimento. Numa monarquia de pequeno porte como aquela, as regularidades da política descobertas por Maquiavel ficam mais fáceis de serem observadas. Assim como as leis da física se mostram mais visíveis numa maquete de laboratório. Seria o caso de amor entre a rainha e o médico plebeu tão inviável quanto a utopia do Iluminismo segundo a qual o absolutismo monárquico poderia ser reformado pela força da razão?

O AMANTE DA RAINHA

En Kongelig Affære

Dinamarca, 2012, 137 min, 14 anos

estreia 08 02 2013

gênero docudrama/ história

Distribuição Vinny Filmes

Direção Nikolaj Arcel

Com Mads Mikkelsen, Alicia Vikander, Mikkel Boe Folsgaard

COTAÇÃO

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Ó T I M O

"O vôo" traz Denzel Washington concorrendo ao Oscar, numa poderosa atuação.

2013-02-06T16:45:00.004-08:00

“O voo” tem a competente direção de Robert Zemeckis, da série “De volta para o futuro”, e Denzel Washington no papel de um piloto de aviação comercial alcoólatra. Este é um dos papéis mais fortes de sua carreira, porque vem calcado na ambiguidade e marcado pela negação de qualquer maniqueísmo – o que certamente justifica a sua indicação para o Oscar 2013, na categoria melhor ator. Se não fosse a arrasadora presença de Daniel Day Lewis na competição, poderíamos supor que Washington apresentaria a melhor chance de vitória. O charme pessoal do astro de “Dia de Treinamento” (2001) se mostra intacto, mas agora a serviço do mascaramento de uma série de falhas de caráter.

O filme tem outro indicado ao Oscar, que é o jovem roteirista John Gatins, bastante hábil em manter o equilíbrio entre os aspectos negativos e positivos que marcam a trajetória do personagem central. Tão difícil quanto pilotar um avião quebrado é escrever um roteiro a partir de um protagonista desprovido de vontade própria como este. De um lado, ele se comporta como herói, ao conseguir a proeza de controlar um avião em queda provocada por uma série de defeitos mecânicos e, assim, salvar dezenas de vidas – menos a da comissária com quem passara a noite anterior. De outro, revela-se escravo do vício, ainda que orgulhoso o bastante para sequer reconhecer esse fato.

Durante o fatídico voo, ele se achava completamente alcoolizado, mas disfarçara a embriagues cheirando cocaína. Essa figura controversa procura obter alguma identificação com o público ao alternar gestos de grandeza – como proteger uma atriz viciada em heroína de alguém que a brutalizava – com atitudes covardes, como planejar a fuga do país e da investigação sobre o acidente num velho monomotor Cessna guardado na fazenda do pai. O suspense do filme se concentra na possibilidade dele definir-se de vez como um calhorda, ou assumir a sua verdadeira condição humana.

O VÔO

Flight

EUA, 2013, 138 min, 14 anos

estreia 08 02 2013

gênero drama/ moral/ suspense

Distribuição Paramount Pictures

Direção Robert Zemeckis

Com Denzel Washington, Don Cheadle, Kely Reilly

COTAÇÃO

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B O M

“Os Miseráveis” traz para o cinema o musical baseado no romance de Vitor Hugo.

2013-02-03T11:29:00.003-08:00

Indicada para 8 Oscars, a mega produção “Os Miseráveis” é a adaptação para o cinema de um musical da Broadway baseado em obra imortal de Vitor Hugo. O diretor é Tom Hooper, que fez “O Discurso do Rei” e o elenco tem figuras carimbadas como Hugh Jackman, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Russel Crowe e Sacha Baron Cohen. Detalhe: o espetáculo é totalmente cantado, do princípio ao fim, menos duas ou três frases durante o filme inteiro. No começo a gente estranha, mas depois vai se acostumando com o estilo e acaba admirando as belas atuações e as imagens impressionantes, além de perceber que esse modo de contar a história tem tudo a ver com a carga emocional do romance. De um lado ele coloca os miseráveis de uma França do século XIX e, de outro, o estado, na pessoa de um inspetor de polícia interpretado por Russel Crowe.

Faz parte do enredo a revolução francesa de 1830, na qual pela primeira vez na história, os ideais socialistas foram colocados. Naquele ano, uma onda revolucionária atingiu vários países da Europa (Polônia, Bélgica, Itália, Alemanha, Espanha e Portugal) e chegou até o Brasil, influenciando a derrubada de Dom Pedro I que foi levado a abdicar do trono, com a instalação de uma monarquia constitucional no país. Sabiamente Tom Hooper se inspirou na pintura romântica da época, principalmente em Delacroix e Gustaff Wappers (abaixo), para compor os blocos de personagens em sua encenação das atividades revolucionárias, como na passagem das barricadas de Paris.

De resto, temos o desafio de associar as linguagens do cinema e do teatro de ópera que são geralmente inconciliáveis. No palco de um teatro, o artista precisa projetar a voz e enfatizar os gestos, para atingir até o espectador sentado a última fila. Já no cinema é a lente da câmara e o microfone que amplificam a imagem do cantor ou ator, aproximando-a da plateia. Diretor e artistas saem ilesos dessa complicação e, especialmente Anne Hathaway, conseguem desenvolver interpretações dramaticamente excepcionais.

OS MISERÁVEIS
Les Misérables

Reino Unido, 2013, 157 min, 10 anos

estreia 01 02 2013

gênero musical/ drama/ história

Distribuição: Paramount

Direção: Tom Hooper

Com Hugh Jackman, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway

COTAÇÃO

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Ó T I M O

Prêmios para os melhores: no Festival de Tiradentes e a escolha dos críticos.

2013-02-03T11:11:00.003-08:00

A Associação Brasileira de Críticos de Cinema, Abraccine, anuncia os ganhadores no seu segundo prêmio anual de Melhores Filmes do Ano. “Febre do Rato”, do pernambucano Cláudio Assis, ganhou na categoria melhor Longa Brasileiro; o iraniano “A separação”, de Asghar Farhadi, melhor Longa Estrangeiro; e “O duplo”, de Juliana Rojas, Melhor Curta. Fundada em julho de 2011, a Abraccine conta com 90 associados, em 15 estados do país. Além de participar com júris próprios em diversos festivais nacionais, a entidade tem por missão promover formas de pensamento crítico, reflexão e debate sobre o Cinema.

"Os Dias com Ele", que é o longa-metragem de estreia da carioca Maria Clara Escobar foi o grande vencedor da 16ª Mostra de Cinema de Tiradentes (abaixo). Trata-se de um documentário que foi eleito o Melhor Filme pelo Júri da Crítica e pelo Júri Jovem. A novidade na premiação nesta edição da Mostra de Cinema de Tiradentes é uma parceria inédita com a Divisão de Promoção do Audiovisual do Ministério das Relações Exteriores que possibilitou a concessão do Prêmio Itamaraty no valor de R$ 50 mil para o vencedor. Em nove dias de programação, a 16ª Mostra de Cinema de Tiradentes reuniu cerca de 35 mil pessoas, o que atesta a vitalidade deste que vem se tornando o mais importante evento de cinema de Minas Gerais e um dos mais sérios do Brasil.

cinema falado

"A História no Cinema": preciosa coletânea de filmes de Roberto Rosselini em DVD

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Beto Martins, fotógrafo do documentário “Rio Doce-CDU” recebe Menção Honrosa no Cine PE

Uma excelente safra de novos curtas-metragens surpreende e brilha no Cine PE

No Cine PE, a oportuna redescoberta de Mazzaropi pelo documentário

No Cine PE, uma comédia engraçada e inteligente: "Vendo ou Alugo", de Betse de Paula

No Cine PE, lembramos de Paulo Vanzolini

"Coração do Brasil": um documentário sobre o Brasil e a passagem do tempo sobre ele

Decepção com novos títulos de horror e de ficção científica: "Mama" e "Oblivion"

Lançada em DVD coleção de três obras fundamentais do mestre Howard Hawks

"Sob a Névoa da Guerra", exibição e debate dia 09 de abril, no MIS-SP

Será "A Hospedeira" de Stephenie Meyer o crepúsculo do gênero ficção-cientifica?

O trabalho de Bryan Singer em “Jack – o caçador de gigantes" não impressiona

Em "A Caça", o dinamarquês Thomas Vinterberg discute o mito da inocência infantil

Quarta feira, dia 27, às 19 horas no MIS-SP, debate após exibição de "Leões e Cordeiros"

LEÕES E CORDEIROSLions for Lambs(EUA – 2007, 92 min. 14 anos) Direção de Robert Redford. Com Tom Cruise, Meryl Streep, Peter Berg, Andrew Garfield, Michael Peña e Robert Redford.

DEBATEDORES:Jaime Pinsky (historiador) e Miguel de Almeida (jornalista)

O melhor filme brasileiro em cartaz continua sendo “A Busca”, de Luciano Moura

Hoje às 19:00, no MIS-SP, debate após a exibição de "Tudo pelo Poder" - entrada franca

Hoje às sete da noite no MIS-SP, debate após a exibição de "Intrigas de Estado".

"César deve morrer": o cinema dos Taviani trabalha a permanência da tragédia

"O Quarteto" revela o talento de um novo, porém idoso diretor: Dustin Hoffman.

O Programa Cinema Falado, no OSCAR!

"O amante da rainha": um caso de amor impossível e uma ideologia inviável

"O vôo" traz Denzel Washington concorrendo ao Oscar, numa poderosa atuação.

“Os Miseráveis” traz para o cinema o musical baseado no romance de Vitor Hugo.

Prêmios para os melhores: no Festival de Tiradentes e a escolha dos críticos.

LEÕES E CORDEIROSLions for Lambs(EUA – 2007, 92 min. 14 anos) Direção de Robert Redford. Com Tom Cruise, Meryl Streep, Peter Berg,
Andrew Garfield, Michael Peña e Robert Redford.

DEBATEDORES:
Jaime Pinsky (historiador) e Miguel de Almeida (jornalista)