Cinema Falado

Filmes históricos de ficção que são gravados como documentários

2018-03-31T11:29:00.004-07:00

Cena de "A Tomada do Poder por Luís XIV", de Rosselini

Na BBC inglesa, em 1964, em lugar de criar documentários com aparência de filmes de ficção, como já se fazia há muito tempo, o diretor Peter Watkins decidiu trilhar o caminho inverso: ou seja, produzir dramas, ou narrativas dramáticas usando técnicas de documentários. O resultado então foi o clássico “Culloden”: assim se chama a história da Revolta Jacobita de 1745 na Inglaterra.

Quase ao mesmo tempo, em 1966, um dos pais e pioneiros do neorrealismo, Roberto Rosselini apresentava na RAI italiana o drama (ou docudrama) “A Tomada do Poder por Luis XIV”, filmado na França e revelando um modo fazer cinema a cores, mas de modo um tanto semelhante ao de Peter Watkins.

Nesse filme histórico, por exemplo, uma simples refeição do Rei, diante de dúzias de cortesãos, assistindo como se estivessem numa cerimônia religiosa, vale como uma sequencia inteira. Sem explicitar esse fato, a não ser para os dirigentes da TV, o filme era pedagógico e pretendia valorizar os detalhes. Acima tudo não tinha a menor pressa para terminar.

Por sua vez, o britânico Watkins, em no docudrama Culloden filma um tiroteio de canhões, quase em tempo real. Trata-se aí da última guerra civil travada na Inglaterra, ou seja, um drama central na História daquele país.

Esse é o som que ouvimos nas primeiras cenas do filme, idêntico um telejornal dos anos de 1960. Aliás, as imagens foram filmadas nos anos de 1960, mas se referem a meados do século XIII.

A história dessa guerra e de tudo o mais sobre aquela época se transformou na premiada série de TV inglesa: Outlander. O roteiro vale como um compêndio de história política e com certeza logo logo deverá influenciar a nossa dramaturgia televisiva. E quanto aos franceses?

Nesta cena de Luis 14, Roselini destaca a fala do rei, num discurso pausado e aparentemente frio. Apesar de o monarca estar, literalmente, tomando o poder. Um poder absoluto naquele reino. Certamente se fosse contada hoje em dia, essa mesma história pediria outra cena, e montada num estilo áudio visual bem diferente.

Se fosse numa novela de TV, ou melhor ainda, num seriado de TV a cabo, ninguém iria estranhar que a monarquia absolutista pudesse ser transformada numa conto de fadas...

Trata-se da super série Versalhes, que aliás vamos comentar num dos próximos programas. Versalhes é o nome do Palácio que Luiz 14 construiu e de onde governava. Mas, series como esta nos ensinam que o cinema é capaz de filmar pensamentos e palavras que moldaram o nosso mundo. Como esta, em que o Rei sol Luis 14 informava ao mundo que “letá cé moá”, ou seja, “Estado sou eu”.

Das mil caras aos mil gestos: os atores "marciais" de hoje em dia...

2017-12-19T10:03:00.000-08:00

Charlize Theron em cenas de ação de "Atômica"

Determinados atores do cinema mudo se aprofundaram na habilidade de criar personagens, isto é, na arte da caracterização. E alguns faziam dela o seu verdadeiro modo de vida. Toda a carreira de Lon Chaney (1883-1930), por exemplo, se transformou num slogan hollywoodiano feito em carne e osso. O título da biografia dele filmada em 1957 tinha exatamente esse rótulo quase inumano: O Homem das Mil Caras.

Mas ele já tinha se afastado do cinema que adotara o som como indispensável. Chaney continuaria usando a coroa de maior ator característico do cinema mudo. Mesmo assim, com a invenção do cinema falado ele tentou renovar o seu slogan para “o homem das cem vozes”.

No único filme sonoro que ele fez, que foi Trindade Maldita de 1930, Lon Chaney interpretava um ventríloquo de circo.

Após essa introdução na qual o som já antecipa o gênero do filme, fato é que o cinema procurava corporificar, ou seja, filmar a ideia de alguém capaz de fazer... não exatamente mil caras, mas mil gestos. Gestos em movimento, todos diferentes uns dos outros e com a câmara desenhando cada uma das tomadas. Isso passou a acontecer no começo dos anos 70 com os sucessos do lutador Bruce Lee.

Mais tarde esse projeto ao mesmo tempo artístico e corporal deu origem às personagens de Claude Van Dame, Dwayne Johnson e Vin Diesel. Ou seja pancadaria em lugar de estilo: um coquetel de Kung Fu, esteroides e caratê... Conforme talvez classificasse a professora Adriana Vaz, um “design de aparência” fadado a perder em potência muscular mas a ganhar em sensibilidade, técnica e intuição.

A propósito, muito apreciado nos cinemas, esteve Atômica, filme no qual Charlize Theron faz uma versão de guerreira mais agressiva e mais ambígua do que aquela gladiadora que Mila Jovovich apresentou em Resident Evil.

O diretor de Atômica chamase se chama David Leitch e hoje é o maior especialista americano em dirigir stunts, ou seja, os extras para as cenas perigosas. Em outras palavras, um dos poucos profissionais habilitados em passar para o cinema a liberdade visual e narrativa dos quadrinhos.

De fato, no mundo das heroínas femininas, onde Angelina Jolie e Marion Cottillard praticam pugilato, parece que o tempo da delicadeza está se encerrando...

Filme dirigido por Thierry Frémaux, "Lumière" enquadra os primórdios do audiovisual

2017-12-05T21:05:00.002-08:00

Poster do filme de Thierry Frémaux

Em 1922, quando o gênero documentário nasceu, junto com os primeiros fotogramas de Nanook o Esquimó, o cinema já era maior de idade fazia 27 anos. Além disso, já vestia calças compridas, ou seja, tinha se transformado na indústria, a mais importante na área do entretenimento. Charles Chaplin já tinha tocado e seduzido o mundo inteiro com a sua inventividade, quando o cinema incorporou o som e, consequentemente, a palavra à sua linguagem.

Carlitos já tinha desenhado o mapa para quem pretendesse alcançar o coração e a alma do público. Era, portanto o momento de comunicar-se também com a mente das plateias. Assim como apenas os antigos pregadores conseguiam, já era possível tocar-lhes a moral e a inteligência – ou mesno a ignorância – Resumindo, o cinematógrafo já tinha em mãos o bilhete de entrada para o infinito mundo interior de seus adoradores

Visionários como Méliès, Griffith e Eisenstein já tinham desenvolvido uma retórica para o áudio visual, ou seja, inventaram meios e modos mais atraentes, pelos quais seria possível dizer melhor e mais claramente qualquer coisa. Inclusive fábulas ou sonhos asté mesmo

Determinados sábios hoje se dedicam a elaborar uma espécie de arqueologia dessa modalidade de filmes, que constituem o agora chamado gênero documentário. Foram identificadas copiosas tendências, estilos e até movimentos, que iam se manifestando e se transformando no decorrer do último século.

Escreveram-se milhares de teses e artigos. Reuniram-se incontáveis simpósios e seminários a respeito. Até que um grupo de estudiosos desconfiou de que talvez estivesse faltando apenas uma coisa: apenas o essencial, isto é, que se verificasse o que o próprio cinema teve a dizer, no exato momento em que era inventado. Em outras palavras, no tempo em que ainda se achava nas mãos de seus criadores. Falamos dos Irmãos Lumière

Está para ser lançado em São Paulo um documentário sobre os primeiros filmes de cinema: aqueles produzidos por seus próprios inventores. Dirigido por Thierry Frémaux (aliás o atual diretor do Festival de Cannes) e produzido pelo Crítico Bertrand Tavernier, o documentário Lumiere nos prova que os elementos essenciais da linguagem cinematográfica já se achavam contidos nos primeiros filma história.

Trata-se de um compilado de 114 obras dos irmãos Lumière, os inventores do cinema, restauradas em 4 k. O resultado é um filme de uma hora e meia, composto e comentado por THIERRY FRÉMAUX. Ele dispensa a complexidade hermética das teorias e simplesmente aponta para a própria matéria dos filmes primordiais para expor o seu verdadeiro valor.

Novo filme do talentoso Aly Muritiba, "Ferrugem", estará na competição do Festival de Sundance

2017-12-02T15:03:00.003-08:00

Aly Muritiba (ao meio, de camisa cinza) comanda o jovem elenco de "Ferrugem"

Ainda hoje entre nós tem gente que muda de calçada quando passa em frente de um cinema em que um filme brasileiro esteja em exibição. Isso equivale a uma pessoa que vira a página do jornal ou revista que ameaça transmitir alguma notícia referente ao cinema nacional. Por isso, o conhecimento sobre esse tema é tão carente em nossa sociedade. Por acaso, ou por insistência dos distribuidores, os festivais e as competições internacionais de cinema tem colaborado para diminuir um pouco esse desconhecimento.

A notícia é que o trabalho mais recente do cineasta brasileiro Aly Muritiba, com o título de “Ferrugem”, acaba de ser selecionado oficialmente para a mostra competitiva do festival Sundance de 2018. Esse evento acontece a mais de 30 anos em Salt Lake City e focaliza apenas filmes que se destaquem por sua potencialidade de causar impacto artístico e criativo. Foi o que aconteceu com obras notáveis como “Cães de Aluguel” (1992), “Pequena Miss Sunshine” (2006), “Whiplash: Em Busca da Perfeição (2014), e "Para Minha Amada Morta" de 2015 (que aliás ilustra hoje a nossa trilha sonora)

Aquela foi a primeira vez que Aly Muritiba recebeu um prêmio no Festival de Sundance. Ou seja em 2015, ele foi agraciado com o Global Filmmaking Award daquele ano. No recente “Ferrugem”, do qual ainda nem temos material promocional para uma possível, estreia, Muritiba mergulha no universo jovem para contar a história de Tati.

Ela é uma adolescente cheia de vida, que gosta de compartilhar seus melhores momentos no Instagram e no Facebook e que terá sua vida virada do avesso quando algo que ela não queria compartilhar com ninguém cai num determinado grupo de whatsapp que circula no interior do colégio em que ela estuda.

Giovanni di Lorenzi e Tifanny Malaquias em cena do longa

Depois de realizar o seu primeiro filme, "Para Minha Amada Morta", o novo cineasta emergente se manifesta respeito:

O meu filme anterior falava sobre luto e sobre como imagens registradas por meio de uma câmera VHS podem ter consequências graves na vida de quem a assiste. Decidi então que o meu próximo filme seguiria investigando esse tipo de temática, mas agora situando a história no mundo adolescente. Como já fui professor de ensino médio e sou pai de um adolescente, refleti acerca das redes sociais, ou seja essa comunidade baseada nas aparências.

O filme visita esse universo habitado por autoimagens e promessas de prazer. Mostra de como isto pode acabar submetendo os jovens a uma superexposição que gera conflito de limites entre as esferas publica e privada. "Ferrugem", uma história sobre medo, insegurança e crescimento .

É com ansiedade e muita esperança que aguardamos o lançamento desse novo trabalho de promissor Aly Muritiba em 2018.

Do mesmo estúdido de "O Grilo Feliz", "Lino" é uma animação que merece atenção!

2017-11-24T14:33:00.001-08:00

Cena da animação de Rafael Ribas

No tempo em que a indústria brasileira ainda engatinhava, os empreendedores que visavam o mercado de consumo eram obrigados a recorrer a diversos expedientes para contornar a falta de credibilidade dos produtos nacionais. Isso se verificava em diversos ramos da produção, inclusive no cinema. Determinados filmes de aventura, por exemplo, eram até dublados em inglês, para fingir de americanos. É o caso do emblemático “Lino” - um longa metragem de animação nacional que estreou nos cinemas no dia 7 de setembro e, no lançamento não mostrou o passaporte de Hollywood

Vocês devem estar reconhecendo a voz de Selton Mello na dublagem da trilha sonora, mostrando que este não é o filme da vida dele, mas é sem dúvida um trabalho diferenciado...

Nos últimos meses, talvez um pouco por causa desse estratagema, o filme “Lino” obteve resultados surpreendentes, para a área da animação nacional como um todo. Agora, o filme ganha novas exibições nas salas que participaram do Projeto Brasil, acontecido ainda em meados deste mês. E o longa dirigido por Rafael Ribas tornou-se um campeão de bilheteria, tornando-se provavelmente uma das maiores animações nacional de todos os tempos. O que é ótimo acontecer neste ano em que se festeja o centenário da animação brasileira.

Com quase 300 mil espectadores e mais de R$ 4 milhões arrecadados em bilheteria, o filme é um marco para a indicar a renovação da produção dos desenhos nacionais. Com humor, crítica e inteligência, “Lino” conta a história de um rapaz que se considera o mais azarado do mundo. Cansado de um dia a dia ao mesmo tempo maçante e cheio de complicações, ele procura uma ajuda mística para mudar de vida.

Selton Mello é o responsável pela dublagem do gato

Mas esse recurso mágico dá início a uma aventura cheia de perseguições e reviravoltas inesperadas, que por sua vez procuram transformar o próprio cinema nacional de animação.

O diretor Rafael Ribas é filho do mestre Walbercy Ribas, que começou a fazer desenho animado lá em 1959. E fundou a sua empresa Start em 1966, hoje detentora de status internacional. Selton Mello dubla Lino, o protagonista, já a Dira Paes interpreta a voz de uma policial durona e Paolla Oliveira faz uma mocinha ingênua.
Produzido pelo estúdio de animação brasileiro Start Anima em coprodução com a Fox Film do Brasil. Aliás, outro trabalho recente dessa turma de É O Grillo Feliz. Esse estilo com o qual que eles trabalham alcançou um nível que lhes permite igualar em importância dentro dos roteiros o humor e a ação. E isso fascina na certa para adultos e crianças. Não falha.

Daniela Thomas, diretora consagrada com Linha de Passe, lança seu novo filme: Vazante

2017-11-12T17:58:00.000-08:00

Cena de Vazante

Vazante de Daniela Thomas será lançado em São Paulo. Depois de ser indicado para o prêmio de melhor do último Festival de Berlin, finalmente um filme gerado pelo próprio cinema brasileiro chega até nós. E chega carregado de elogios e indicações positivas. Foi filmado da localidade de Serro em Minas Gerais. Mas a diretora do filme Daniela Thomas nasceu no Rio de Janeiro e é filha do cartunista Ziraldo. A partir de 1980 ela foi fazer teatro em Nova York.

Voltando para o Brasil ela se associou a Walter Salles, para dirigir filmes como Terra Estrangeira (1996) e Linha de passe (2008). Este que deu a Sandra Corvelloni o prêmio de Melhor atriz em Cannes. Para a diretora Daniella Thomas, Vazante também teve como fonte inspiradora outros filmes, como 2001 Uma Odissséia no Espaço, de Stanley Kubrik, e Vidas Secas do paulista Nelson Pereira dos Santos, principalmente “pelo fato de ser um drama que não precisa de palavras para ser narrado”.

A língua portuguesa ocupa um lugar primordial na estrutura do filme. A primeira frase pronunciada na trilha sonora é gritada em português lusitano, que o ator lisboeta Adriano Carvalho deve ter pensado num idioma falado antigamente. De fato em sua terra, mas lá no século 19. Em seguida, vemos o primeiro conflito individual entre ele e o líder de seus escravos recém-comprados no mercado. Tratava-se aí um confronto linguístico: o patrão não entendia a língua falada pelo africano e que nenhum dos demais da fazenda conseguia decifrar.

A partir daí, os conflitos se manifestam sem parar: separando todos de, cada um, de todos os demais... Os dois irmãos que disputam uma propriedade... O capataz que odeia, despreza e ao mesmo tempo bajula o patrão com promessas de produzir alimento... O que era loucura, numa economia de mineração e raríssima agricultura

Num texto assinado, a produção de Vazante indica uma posição individual de onde pode-se ver o filme. Existe a presença de um anjo: uma criança de 12 anos obrigada a se casar com um homem de 45. Desesperado pela morte da 1ª mulher e do filho, ele não dá atenção à sua nova esposa, que ainda era uma criança. Um texto que não está no filme, mas é assinado pelo produtor diz o seguinte dos personagens: “cada um foi deslocado da sua casa original e forçado a coexistência com outros.” Em outra palavras, os portugueses estavam presos à escravidão... assim como também os escravos.

Por exercer o direito de fazer o próprio filme, um filme de cinema, e não aquele que outros em seu lugar talvez preferissem, Daniela Thomas pagou certo preço. Mas deixou outro recado na sinopse promocional do filme: “As correntes inferiores de violência e preconceito que ainda afligem o Brasil de hoje, aceleram a inevitável tragédia que, por sua vez, anuncia as marés das mudanças.”

Competente direção de Metz Pederson gera bom drama psicológico em Borg vs McEnroe

2017-11-11T14:31:00.001-08:00

Shia LeBeouf e Sverrir Gudnason protagonizam o filme

Cinema e esporte. Essa é uma parceria que atraiu multidões de espectadores e, consequentemente, milhões de ingressos. E isso acontece com todas as modalidades em prática no planeta. Mas os motivos que levam a angariar o sucesso dependem de diversas e imprevisíveis razões. Não há receitas prontas e nem causas secretas para explica-las.

Recentemente, o produtor americano Zeff Zimbalist, que já tinha feito o documentário Favela Rising, sobre a emergência do movimento Afro Regae, e concebido o ambicioso e super bem produzido docudrama Pelé, o Nascimento de uma Lenda, feito em 2016. E pelo, menos no Brasil, não teve um resultado significativo – comparado com o que rendeu na Itália e nos Estados Unidos.

Esse fato, apesar de Anibal Massaini ter feito o filme Pelé Eterno que obteve um resultado acima do mediano. Aliás, dizem que filmes a respeito de futebol realizados fora (e também dentro deste país) não costumam bom dar certo. Mas isso não acontece com todos os esportes, haja vista os filmes sobre Boxe que, volta e meia, se tornam verdadeiros blockbusters, dependendo do astro que se acha no ringe.

O filme Borg vs McEnroe tem produção da Finlândia, além da Suécia e da Dinamarca, porque o título é o relato detalhado da histórica batalha entre o tenista dinamarquês Björn Borg e o americano John McEnroe em Wimbledon no anos de 1980. No elenco temos Shia LaBeouf, no papel do americano de 20 anos, e Sverrir Gudnason, como o dinamarquês de 26 e o grande ator Stellan Skarsgård como o treinador do europeu.

Os verdadeiros Borg e McEnroe, em foto dos anos '80

A direção de Janus Metz Pedersen é competente e primorosa. Prova disso é todos nos já sabemos qual dos dois foi o atleta vitorioso naquela partida. Ou seja, num filme sobre Al Capone, por exemplo, não haverá mistério em torno da pergunta sobre a prisão ou a liberdade daquele bandido. Mas por outro lado, o suspense em torno de Björn Borg é muito forte, porque estava em jogo o seu 5º campeonato lá em Wimbledon, naquele ano de 1980.

Outro detalhe que enriquece o filme é um mérito do roteiro. Porque ficam absolutamente claras as característica psíquicas e mentais que se acham por trás dos resultados. Na verdade Borg vs McEnroe não é exatamente um filme sobre Tenis e sim, um drama psicológico que analisa e explica duas personalidades patológicas em conflito.

Homenageado por Mostra que se inicia dia 13 de Novembro, falemos um pouco do gênero de terror

2017-11-02T15:34:00.001-07:00

Cena de "A Rainha dos Condenados"

Durante as suas primeiras décadas de existência, o gênero do horror foi relativamente proscrito pelas plateias mais volumosas e também pelas mais cultas. Até que, por volta de 1950, se aproximou da cena rock e acabou explodindo nos anos 1980 e 1990 como uma nova marca da cultura pop. E agora, até 13/11, será tema de uma retrospectiva que seleciona 25 dos títulos mais importante desse gênero.

Tudo começou em 1955 com A Maldição da Aranha. Preocupada com o pai que não voltou para casa, uma moça pede ao namorado que a ajude a procurá-lo na mata. O casal chega a uma caverna e depara com uma aranha gigante sedenta por novas vítimas. De volta à cidade, os jovens precisam convencer o xerife de que a aranha existe.

Um dos melhores e mais importantes títulos nessa linha é O Fantasma do Paraíso, dirigido pelo genial Brian de Palma. É uma comédia musical de 1974, extremamente criativa e com uma trilha sonora sensacional de Paul Williams.

Black Roses de 1988 é também um terror musical. Uma banda de rock chamada Black Roses utiliza suas músicas para hipnotizar as crianças da plateia e transformá-las em criaturas demoníacas.

Heavy Metal – Universo em Fantasia é um filme de animação produzido pelos artistas que faziam os quadrinhos da revista Francesa Metal Hurlant que, logo depois passou a ser a americana Heavy Metal.

A Rainha dos Condenados de 2002 é mais uma adaptação da novela de Anne Rice. Mostra Lestat despertando após dois séculos. Revitalizado, o vampiro se torna um astro da música, mas a sonoridade de sua banda, “The Vampire” desperta Akasha, a rainha de todos os vampiros.

O brasileiro “As Sete Vampiras” feito em 1986 pelo carioca Ivan Cardoso é um filme da linha “terrir”, ou seja, a mistura entre a comédia e o horror. O elenco conta com Nicole Puzzi, Andréa Beltrão, John Herbert e Nuno Leal Maia.

Após ter sido atacada e transformada numa vampira por uma planta carnívora, ela administra uma casa de shows. Com um espetáculo misturando terror e erotismo, além de aumentar o movimento da boate, mortes misteriosas começam a acontecer.

Mais popular nos quadrinhos que nos cinemas, Vampirella influenciou o gênero como um todo. Depois de uma estadia em Marte, a anti-heroína voltou à Terra para se vingar de Vlad, que matara seu pai e destruíra o planeta Drakulon. Para isso, faz aliança improvável com Adam Van Helsing, dedicado à caça de vampiros.
(Som)
Para a próxima edição de uma retrospectiva nesse linha, recomenda-se a inclusão de O Jovem Frankenstein, que Mel Brooks fez em 1974 e Um Lobisomen americano em Londres, de John Landis em 1981.

Os filmes lançados no circuito comercial de SP na semana iniciada em 05 10 2017

2017-10-13T06:43:00.000-07:00

Ana de Armas e Ryan Gosling em Blade Runner 2049

Nesta semana, por obra pura e simples dos programadores das salas de cinema, o mercado de filmes demonstra possuir certa racionalidade interna e comprova a continuidade que parecem unir todos os espetáculos áudio visuais da história da cultura numa sequencia única de empreendimentos. São tantas e tão constantes as refilmagens, paródias, adaptações, novas versões e ressignificações – conduzindo à suspeita de que o principal assunto, aquele que mais interessa ao cinema, seja o próprio cinema.

Estreia Blade Runner 2049. É e também não é uma refilmagem, porque assume a forma de uma continuação do cultuado filme de mesmo nome feito por Ridley Scott em 1982. Tanto assim que o personagem de Harrison Ford continua o mesmo, ou seja, o caçador de androides Rick Deckard, que se encontra então desaparecido há 30 anos.

Temos um novo herói, isto é, um novo blade runer vivido por Ryan Gosling, o galã de La La Land, (que só por isso ganhou a reprovação de muitos) E, necessariamente novas e belas replicantes, além de um novo vilão, na pele de Jared Leto. E o diretor? O nome dele é Denis Villeneuve, um canadense que vale como garantia de qualidade, porque foi ele dirigiu A Chegada, o filme de ficção cientifica mais interessante do momento.

Na Praia à Noite Sozinha é novo título do coreano do sul Hong Sang-soo, que já conquistou exatos 40 prêmios internacionais para seus 25 filmes que já rodaram o mundo e estão fazendo moda. São sempre temáticas aparentemente interligadas e elencos que se repetem. Por exemplo, este último filme parece um segundo capítulo de Certo Agora, Errado antes com a participação da magnética Kim Min-Hee.

Ela faz o papel de Younghee uma atriz de cinema famosa, que se tornou mal falada por ter namorado um homem casado. Ela volta para a sua cidade natal na Corea, após viver um tempo na Alemanha. O diretor Hong Sang-soo é um caso a parte na filmografia oriental e se caracteriza pela ausência de pressa em suas narrativas, experimentando uma movimentação interiorizada e contemplativa. A sua câmara por vezes se perde encantada pela beleza da cidade de Gangneung e de sua musa Kim Min-Hee.

É lançado o docudrama Churchill, com o escocês Brian Cox, no papel do chanceler Britânico que levou os ingleses à vitória na 2ª Guerra. E com a elegante Miranda Richardson, no papel da esposa Clementine. O diretor é o australiano Jonathan Teplitzky, de carreira apenas razoável.
(som)
E Brian Cox é um ator de recursos apenas medianos, mas as compensa suas limitações com uma atuação firme e vigorosa. Não são se compara, porém, à excepcional qualidade trabalho do americano John Lithgow no mesmo papel, dentro da magistral série televisiva The Crown, criada em 2016 por Peter Morgan – ele que em 2006 dirigiu filmes sobre poderosos como O Último Rei da Escócia e A Rainha.

Por falar nisso, também chega às telas o filme de um personagem que foi durante várias décadas o rei dos desenhos animados. Falamos de Woody Woodpecker, o famoso Pica-Pau. Só que o filme mistura atores ao vivo com figuras de animação. A história é sobre um casal que pretende construir sua casa de campo justamente no lugar conde mora o nosso herói – que, todos sabemos, tem um temperamento especialmente explosivo.

A Morte Te Dá Parabéns é um filme sobrenatural e de horror, mas com uma pegada cômica. A protagonista é assassinada no dia de seu aniversário, mas fica presa em um circulo vicioso entre vida e morte. Ela precisa resolver o mistério de seu próprio assassinato, e ressuscitar várias vezes, até descobrir quem foi o responsável pelo crime. A ideia já foi usada em outros filmes. Tomara que desta vez o diretor Christopher Landon use o humor...

Chocante é uma comédia em que Tony Ramos faz o papel de um empresário que, há 20 anos, criou e divulgou uma banda juvenil que fez sucesso na época e logo foi esquecida. Agora, diversas décadas depois, os antigos integrantes do grupo tentam novamente ser lançados na vida artística.

O diretor é Johnny Araújo, que já fez coisas nesse gênero, mas as possibilidades de acerto estão no elenco principal, com gente de TV que sabe o que faz, quando faz comédia: os astros são Marcus Majella, Lúcio Mauro Filho, Bruno Mazzeo e Bruno Garcia.

Carlos (ou Cacá) Diegues terá mostra em sua homenagem durante o setembro paulistano

2017-08-30T12:47:00.002-07:00

O diretor Cacá Diegues

Entre os dias 07 e 20 de setembro os paulistas poderão assistir a uma retrospectiva completa com todos os filmes de Cacá Diégues, inclusive os curtas, os documentários e mais um programa para televisão francesa, inédito no Brasil. Tudo vai acontecer na sala Aleijadinho do Cine Caixa Belas Artes. O cineasta alagoano está completando 57 anos de uma carreira que começou em 1960, quando ele tinha apenas 20 anos de idade.

A mostra começa num debate com a participação do próprio Carlos Diegues, além dos cineastas Arnaldo Jabor e João Daniel Tikhomiroff e também dos curadores da mostra Silvia Orós e Breno Lira. A discussão vai acontecer no dia 07 de setembro, às 18h30, com entrada franca, o objetivo é discutir e conhecer um pouco mais sobre o cineasta e sua obra. As senhas deverão ser retiradas uma hora antes do início do evento que está sujeito à lotação da sala. Aliás, ao longo da Mostra o preço do ingresso ficará apenas em 10 reais.

Com essa revisão completa daquela obra, poderemos refletir sobre os motivos que explicam a sua longevidade e, quem sabe, entender como ele soube enfrentar diversas fases do cinema brasileiro sempre com uma produção de qualidade. No dia 09 de setembro, às 16h, haverá uma master class “O Brasil através de Cacá Diegues”, sobre o total da obra do cineasta, ministrado por Silvia Oroz. Além disso, ela vai ministrar um curso investigando a relação da obra de Cacá Diegues com a história do cinema brasileiro.

Ou seja, cada filme será contextualizado com aquele momento vivido pelo cinema no Brasil. Segundo a curadora Silvia Oroz, “A longa permanência de Diegues, na produção cinematográfica é um fenômeno excepcional, pois são raros neste país, os diretores com uma filmografia tão vasta e tão duradoura”.

Carlos Diegues foi um dos fundadores do Cinema Novo, ao lado de gente como Glauber Rocha, Paulo Cesar Saraceni e Gustavo Dahl. Diegues dirigiu ao todo 29 filmes, entre curtas e longas. Em 2017 ele deverá lançar nos cinemas mais um trabalho: “O Grande Circo Místico”. São 55 anos dedicados à sétima arte, numa carreira que já acumula mais de 20 Prêmios internacionais, em Festivais como Cannes, Brasília, Cartagena, Miami, Havana, Mar dele Plata, Tóquio e Montreal.
Pode-se dizer que o cinema de Cacá Diegues revela por inteiro a história da formação do país, com destaque para a participação do negro, como alicerce da construção da nossa sociedade. Mas ao longo da sua trajetória, desfilam personagens de todos os tipos grandezas e idades. Inclusive o nosso país e o próprio criador, no filme de 2003, "Deus é Brasileiro".

A animação brasileira ganha novos apoiadores e se torna uma área crescente no nosso cinema

2017-08-18T14:27:00.003-07:00

Cartaz de "O Menino e o Mundo", recente aclamada animação brasileira

O desenho animado é uma modalidade cinematográfica atualmente em expansão no Brasil. Algumas produções brasileiras estão disputando festivais ao redor do mundo e já temos faculdades de Comunicação abrindo graduações e pós-graduações nessa área – o que há poucos anos era algo impensável entre nós – mas poderá estar à disposição dos cineastas do futuro

A produtora paulista Moonshot, do experiente Roberto D´Avila, fechou contrato de coprodução com a jovem Tortuga Studios, empresa brasileira especializada em animação e live action, para o desenvolvimento de uma série de ação chamada "Alex Green". Ela será filmada em stop motion e cut-out, ou seja, a partir de material recortado . Essa terminologia típica de laboratório de informática indica que o desenho animado industrial brasileiro já está nascendo em berço tecnológico.

Com o nome emprestado de um físico famoso, "Alex Green" narra as aventura de um garoto de 13 anos que pretende se tornar um mago. Criada pela Moonshot, a série terá 52 episódios de conteúdos voltados para magia, aventuras épicas medievais e ficção científica com sotaque brasileiro.

Este projeto inaugurou o ensino verdadeiramente profissional para os alunos que estão se graduando em animação pela FAAP. A ideia é associar ensino e treinamento em técnicas de animação, de acordo com de Roberto d´Avila ao lado de Eliseu de Sousa Lopes Filho, que concebeu o curso de Animação da FAAP.

E a fila segue com a Migdal Filmes anunciando outra série brasileira de animação. É a "Condomínio", inspirada nas tirinhas de Laerte e exibida pelo Canal Brasil. Serão dez episódios de 11 minutos cada, com cinco ou seis esquetes ligados por um tema. O projeto vai retratar o dia a dia dos impagáveis moradores de um condomínio de classe média em São Paulo. A graça vem deles serem obrigados a conviver apesar das suas desavenças.

Veja alguns filmes selecionados por programas de incentivo ao audiovisual

2017-08-08T13:00:00.000-07:00

Luiz Bolognesi, que fará um workshop do Edital para Filmes Transformadores

Houve um tempo em que o sistema de produção de filmes no Brasil envolvia volumes menores e com menos gente trabalhando. Os produtores usavam as suas economias ou procuravam financiamento em bancos. Em seguida, contratavam técnicos e artistas, compravam filme virgem, filmavam, montavam, divulgavam e finalmente aguardavam o público se manifestar pelas bilheterias. Agora que existe o mecenato e os incentivos fiscais para o audiovisual, se espalha uma nervosa busca pelos editais que selecionam os agraciados para receber o patrocínio.Atualmente fala-se muito de um Edital para Filmes Transformadores, que tem o apoio da produtora e gravadora Universal. Houve uma etapa inicial que escolheu 5 finalistas. Eles participaram de um workshop com o cineasta Luiz Bolognesi que, até o fim desta semana, irá trabalhar com as equipes para o aprofundamento dos roteiros. A gravadora Universal vai oferecer como insumo o licenciamento gratuito de 80 obras musicais para serem utilizadas, nas trilhas sonoras. Essa é uma face sonora do marketing

Dos 172 inscritos participam da etapa final apenas cinco projetos, que também receberão da Coca Cola 1 milhão de reais cada. São eles:

“A Revolução Será Televisionada", de Paschoal Samora,
"Azul Calcinha", de Rafael Primot,
"Do Jeito que São", de Bianca Lenti,
"Eleições", de Alice Riff, e
"Para Além dos Tribunais", de Flávio Botelho.

Todos esses produtores são do Rio e de SP. E também prossegue o cobiçado Programa Brasil de Todas as Telas, comandado pela Ancine e pelo Banco Regional de Desenvolvimento do Extremo Sul (BRDE). O dinheiro para 6 projetos vem desse banco e de recursos do Fundo Setorial do Audiovisual, no total de R$ 5,13 milhões. Os felizardos são quatro séries para a televisão, além de um telefilme e um longa-metragem de ficção. São eles:

“Opção América" – de Adriana Dutra, Série documental do Canal Brasil, sobre imigrantes latinos.
"O Oráculo das Borboletas Amarelas" – de Tatiana Nequete, Série de ficção da Empresa Brasil de Comunicação, sobre uma menina que reage ao câncer de seu avo;
"A Cara do Futuro” - Série documental de Diego Maceiras sobre tecnologias de ponta e pesquisas inovadoras criadas no Brasil.
"Destino Incomum" – Civilizações perdidas" – Série documental de Henrique Castro Mendel, sobra locais em que, no passado, floresceram grandes civilizações.
"Um Filme de Verão" de Jo Serfaty – Telefilme documentário sobre quatro jovens moradores de favela, que poucas vezes saíram de seu bairro para circular pela cidade.
"4 x 100", de Tomás Portella – Longa-metragem de ficção, sobre os dramas e conflitos de moças que foram atletas olímpicas;

Vamos tomar nota de todos esses nomes todos, só pra ver se, um dia, 10%, ou pelo menos um esses títulos vier a ser lançado... Isso seria uma esperança de recuperação para o dinheiro público aí investido e de divulgação para todos aqueles que trabalharam nesses 11 filmes...

Os filmes lançados no circuito comercial de SP na semana iniciada em 27 07 2017

2017-07-30T08:57:00.003-07:00

Dunkirk é um filme de guerra dirigido por Christopher Nolan

Três produções francesas, numa única semana com 10 estreias, representam 30% do total de filmes novos. Além disso, esses três títulos parecem ser o melhores da safra. Isso indica uma hegemonia, que vem se mantendo ao longo do desse ano.

O Reencontro, de Martin Provost, tem como título original La Sage Femme, que quer dizer “A mulher sábia”. Ela é interpretada pela excelente Catherine Frot, que foi a protagonista da comédia Margarite, sucesso marcante de 2016. No papel de uma parteira que é uma verdadeira artista nessa arte de trazer bebês ao mundo, ela tem uma grande surpresa

Na pele de Catherine Deneuve., a antiga amante de seu falecido pai, quer conversar, 30 anos depois de ter desaparecido sem deixar rastros. Agora as duas terão de aprender a aceitar uma à outra, com a revelação de antigos segredos. Provost é um ator, roteirista e diretor que em 2013 fez o instigante Violette, sobre um caso de amor de Simone de Beauvoir

Com direção de Christian Duguay é lançado uma aventura histórica Os Meninos que Enganavam Nazistas sobre um grupinho de garotos judeus que, na França da Segunda Guerra buscavam escapar dos invasores e retomar o contato com os pais. Com mais de 30 títulos Na carreira, o canadense Christian Duguay é um dos mais importantes diretores do mercado francófono.

Numa coprodução unindo França, Inglaterra e Holanda, Christopher Nolan (autor de filmes do Batman) dirige o épico Dunkirk. Provavelmente com mais realismo do que já vimos no cinema, o filme narra a dramática Retirada de Dunkerke. Aquela foi uma sangrenta batalha que, no início da 2ª Guerra, determinou a expulsão das tropas aliadas, ou seja, franceses, ingleses e belgas que, na época, ainda se achavam em solo europeu. O diretor deve ter se superado ao fazer este docudrama. Porque ele é um cineasta que sempre esteve mais interessado em gêneros imaginativos, como a ficção científica de A Origem e Interestelar.

O cinema argentino também vem crescendo em termos de aceitação entre nos. Acaba de estrear Esteros um filme do pouco conhecido Direção de Papu Curotto. Conta a história de dois rapazes que era, companheiros na juventude na cidade argentina de Paso de Los Libres. Depois de 10 anos afastados eles se reencontram e procuram retomar a amizade.

Revelados os indicados ao 16° Grande Prêmio do Cinema Brasileiro

2017-07-14T18:18:00.003-07:00

Acaba de sair a lista dos indicados à 16ª edição do Grande Prêmio do Cinema Brasileiro, considerada a mais importante premiação do cinema nacional, porque é realizada pela Academia Brasileira de Cinema. Esta entidade corresponde ao Oscar porque é formada pelas diversas entidades de classe que reúnem as associações de técnicos de cinema no brasil, como fotógrafos, cinegrafistas, músicos, roteiristas, diretores etc.

Cinco filmes estão na disputa do tão almejado prêmio de Melhor longa-metragem de ficção: “Aquarius”, “Boi Neon”, “Elis”, “Mãe Só Há Uma” e “Nise - O Coração da Loucura”. O longa-metragem “Elis”, de Hugo Prata, encabeça a lista comm12 indicações seguido de “Aquarius”, de Kleber Mendonça Filho com 11 e “Boi Neon”, de Gabriel Mascaro com 10. Ao todo, 35 longas e 18 curtas-metragens concorrem em 24 categorias. A cerimônia de premiação, que acontece no dia 5 de setembro (terça-feira), a partir das 20h, no Theatro Municipal do Rio de Janeiro.

Sônia Braga e elenco de "Aquarius" no set de filmagem

Concorrem à estatueta de Melhor direção Afonso Poyart, por “Mais Forte Que o Mundo - A História de José Aldo”, Anna Muylaert, por “Mãe Só Há Uma”, David Schurmann, por “Pequeno Segredo”, Gabriel Mascaro, por “Boi Neon” e Kleber Mendonça Filho, por “Aquarius”.

O prêmio de Melhor atriz é disputado por Adriana Esteves (como Dilza por “Mundo Cão”), Andréia Horta (como Elis por “Elis”), Gloria Pires (como Nise da Silveira por “Nise - o Coração da Loucura”), Julia Lemmertz (como Heloisa por “Pequeno Segredo”), Sonia Braga (como Clara por “Aquarius”) e Sophie Charlotte (como Severina por “Reza a Lenda”).

Já na categoria Melhor ator estão no páreo Caio Blat (como Felipe por “BR716”), Cauã Reymond (como Ara por “Reza a lenda”), Chico Diaz (como Gomez por “Em nome da lei”), Domingos Montagner (como Corvo por “Um namorado para minha mulher”), Juliano Cazarré (como Iremar por “Boi Neon”) e Lázaro Ramos (como Paulinho por “Mundo cão”).

Andréia Horta em "Elis": longa é o recordista de indicações (12).

O voto popular abre no dia 01 de agosto, por meio do qual o público vai poder eleger seus preferidos através do site www.academiabrasileiradecinema.com.br nas categorias “Melhor longa-metragem ficção”, “Melhor longa-metragem documentário” e “Melhor longa-metragem estrangeiro”. Os filmes serão exibidos a partir do dia 10 de agosto em salas de cinema de seis cidades, em diferentes regiões do país: Será uma ótima oportunidade para quem não conseguiu assistir ou quiser rever as produções. A votação popular vai até o dia da cerimônia.

Apostando no docudrama, "Real" conta a história do plano econômico de 1994

2017-07-13T12:46:00.004-07:00

O time econômico de Itamar Franco na encenação do filme

O público do Cinema Falado provavelmente não sabe, mas eu me afastei da crítica de cinema e da TV Cultura, entre 1995 e 2003, quando trabalhei no Ministério da Cultura, durante a gestão de FHC. Para apoiar meus professores e colegas, como Francisco Weffort, José Alvaro Moises e Otaviano De Fiore, interrompi uma atividade à qual me dedico há exatos 44 anos - de modo que acompanhei de perto o que se chamou de “retomada do cinema brasileiro”, bem como a implantação da Lei do Áudio Visual e do Plano Real. Para evitar que confundissem a minha opinião como propaganda, deixei para comentar o filme "Real - O Plano Por Trás da História" agora que ele já saiu de cartaz.

O filme dirigido por Rodrigo Bittencourt e produzido por Marco Audrá, que luta para dar continuidade a empresa que foi criada nos anos de 1950 pelo seu pai, Mario Audrá. Marinho, como era chamado por todos, foi talvez um dos empresários da história do cinema nacional que mais apaixonadamente se dedicou a ele. Um produtor que entregou sua saúde, sua existência e sua alma à Cinematográfica Maristela – cujos filmes, aliás, foram todos exibidos aqui na TV Cultura, como "Arara Vermelha", "Mãos Sangrentas" e "Leonora dos Sete Mares".

Não se trata de um documentário, nem de uma obra de ficção hollywoodiana, como o cinema americano costuma fazer, digamos, à granel. É na verdade uma mistura dos dois, se encaixando numa espécie de híbrido entre essas duas modalidades. Um gênero híbrido que o monumental cineasta inglês Peter Watkins chamaria de docudrama – que ele definiu como “o tratamento dramático dos dados e das informações”. Ele fez docudramas essenciais como "War Games" em 1965, "A Comuna de Paris", em 2000, e "Eward Munch", em 1973. Detalhe é que Peter Watkins está agora com 82 anos, mora na Lituania e mantem um site pessoal na internet.

O diretor Rodrigo Bittencourt (esq,) e o ator Emílio Orciollo Neto (Gustavo Franco, dir.)

Curiosamente, a ideia do docudrama surgiu quase ao mesmo tempo, na Inglaterra e na Itália, no momento em que televisão europeia começava a se estruturar, em busca de uma linguagem própria. Enquanto o inglês Peter Watkins trabalhava adaptando fatos históricos e jornalístico para a ficção televisiva, Roberto Rosselini fazia o mesmo em seu país. Entre 1966 e 1974 ele passou para a telinha as biografias de mais de 10 personagens históricos, entre os quais Luis XIV, Santo Agostinho, Descartes, Os Médici Blaise Pascal e Sócrates

Os docudramas não são narrativas dotadas de recursos dramáticos típicos do cinema comercial, mas se preocupam com a fidelidade aos acontecimento. Elaboravam o que poderia ser visto como uma história factual, ou seja, econômica, em termos de análises e interpretações – mesmo que recorram a um protagonista para amarrar os episódios do roteiro. Isto é e um “modus operandi” muito semelhante ao que fizeram Rodrigo Bittencourt e sua equipe em “Real – o Plano por trás da História".

"Ao Cair da Noite", filme de Joel Edgerton, é um bem realizado filme de terror

2017-07-09T17:36:00.002-07:00

Filme faz jus ao título e usa muito da escuridão noturna

"Ao Cair da Noite" é um filme que, desde o título, sugere o gênero ao qual pertence – ou que pretende pertencer. O mesmo acontece com o título original: It Comes by Night – ou seja, Eles chegam à noite. Ambos significam quase a mesma coisa e se referem à ideia básica do horror que é acontecer no período da noite.

A designação dos dois títulos coincide com esse horário – assim como a maioria dos pesadelos e dos crimes. É interessante notar que esses títulos têm a ver com referencias a todos os clássicos, do cinema e da literatura – em que apenas o nome da obra já causava arrepio, como "O Que Sussurrava nas Trevas", de Howard Phillips Lovecraft. Ao simplesmente ouvi-los, almas infantis de todas as idades já se dispõem a sentir medo.

Joel Edgerton tem o papel protagonista do filme

Por isso o diretor e roteirista do filme Trey Edward Shults coloca em cena duas crianças, uma de 5 e outra de 17 anos. Elas não se acham num passeio, ou colônia de férias, mas moram no coração de uma selva, desprovida de luz elétrica e – o que é o pior – numa casa grande e velha, dotada inclusive de sótãos que irradiam as mais secretas conversas e de portas vedadas à passagem de todos. Essa localização já garante meio caminho andado para o despertar do drama. Mas, o diretor tem talento suficiente para tirar leite de pedra --tal como diriam profissionais do crime, tipo Agatha Christie, se estivesse sem o habitual apoio de dezenas de personagens, cada um com a sua psicologia individual. Ou se os filhos do "Capitão Fantástico" não tivessem conhecimento dos motivos pelos quais se escondiam no meio do mato.

O elenco comandado por Joel Edgerton se esforça para obter o máximo de efeito com um mínimo de recursos. E conseguem, porque no filme todos estão literalmente morrendo de medo por causa de uma ameaça que eles não sabem claramente o que seja. Em outras palavras, a produção se limita a apagar as luzes e decide economizar na cenografia e nos figurinos, porque basta uma máscara contra gazes para sugerir uma situação de horror - desde que as lentes e a câmara sejam de primeira qualidade, como devem ser aquelas providenciadas por Joel Edgerton, aqui acumulando a função de produtor. Mas não se assustem porque, mesmo sem um final que possa ser considerado conclusivo, "Ao cair da noite" é um bom filme de horror.

Os filmes lançados no circuito comercial de SP na semana iniciada em 29 07 2016

2017-07-02T16:40:00.001-07:00

Cena do filme "Terra Vermelha"

Novamente as estreias da semana abrem caminho para o cinema argentino. Desta vez por meio de uma coprodução com a Bélgica e o Brasil, num drama que apresenta uma problemática ecológica, mas que serve como pano de fundo para um incandescente caso de amor. Trata-se de “Terra Vermelha”.

O diretor é o argentino Diego Martinez Vignatti, cinegrafista que fez vários trabalhos para o prestigiado mexicano Carlos Reygadas. A trama é centralizada na presença de um técnico belga que trabalha para um agronegócio multinacional, no qual ele é responsável por derrubar árvores numa selva natural, para plantar pinheiros a serviço de uma fábrica de papel. Ao conhecer uma professora, que defende a população local, atingida pelo uso de agrotóxicos, ele se apaixona e tudo muda em sua vida.

Quase uma novidade em nosso mercado de cinema, é lançada a produção gaúcha “Mar Inquieto” com direção, elenco e temática pouco conhecidos entre nós. Fernando Mantelli escreve e dirige essa história protagonizada por Rita Guedes: atriz que também produz o filme. É a história de uma moça que se esconde com o marido drogado numa praia deserta, mas é perseguida pelos traficantes que cobram o dinheiro que o casal lhes deve.

Produção brasileira “puro sangue”, é o espesso e emocionalmente carregado “Introdução à música do sangue” – obra dramática do cineasta bissexto Luiz Carlos Lacerda, o popular “Bigode”. Ele que em 1987 fez uma cinebiografia de Leila Diniz e, dez anos mais tarde, apresentou “For all, o trampolim da Vitoria”— essa, uma obra histórica sobre a presença norte americana numa base militar instalada no Rio Grande do Norte

O elenco traz as atuações marcantes de Ney Latorraca e Bete Mendes, dando vida a um romance de Lucio Cardoso – escritor cultuado por líderes do cinema novo, como Ruy Santos e Paulo Cesar Saraceni. O enredo focaliza uma família do interior arcaico do Brasil que presencia a instalação da energia elétrica no lugarejo onde vivem, ou melhor, onde vegetam.

Bom, para elevar o nosso astral quilômetros acima, temos o documentário nacional “Danado de bom", de Deby Brennand. É sobre a vida, a obra e a trajetória musical de João Leocádio da Silva, que compôs mais de 3 mil músicas, cantadas por quase toda a população de artistas nordestinos, de Luis Gonzaga a Dominguinhos, passando por Elba Ramalho e Gilberto Gil

No 12° CineOP, um dos pontos altos foi a exibição da comédia "Um Caso de Polícia"

2017-07-02T16:35:00.000-07:00

Carla Crivelli, diretora de "Um Caso de Polícia"

Por incrível que isso possa parecer, um dos pontos elevados da 12ª CineOP, em Ouro Preto, foi a exibição da comédia “Um caso de Polícia”, um dos primeiros trabalhos da inesquecível Glauce Rocha. Ela faleceu aos 41 anos em 1971, depois de trabalhar em 35 filmes, entre eles “Terra em Transe” de Glauber Rocha. O filme foi dirigido por Carla Civelli, irmã do célebre cineasta italiano Mario Civelli que, entre outros cargos por ele exercidos no Brasil, foi o de diretor da Maristela – uma das mais importantes produtoras dos anos de 1950 e concorrente da Vera Cruz. Hoje em dia pouca gente sabe que Carla era diretora e produtora de filmes, além de cenógrafa e montadora.

O filme “Um caso de Polícia” permaneceu muitos anos trancado num armário, até ser resgatado e em seguida restaurado, num complexo processo empreendido pela família, em especial por sua sobrinha, a produtora Patricia Civelli. Um trabalho minucioso de filigrana, que envolveu diversas instituições dedicadas à preservação do patrimônio áudio visual. A etapa final dessa odisseia tecnológica e amorosa, mostra que o esforço valeu a pena porque “Um caso de Polícia” é, na verdade, uma surpresa mais do que agradável: é simplesmente sensacional. Exibida no Cine Vila Rica, em Ouro Preto, a obra foi aplaudida efusivamente pelo público, após ter sido brindada com uma série de inúmeras e sinceras gargalhadas.

Trata-se de um falso drama de suspense, porque gira em torno de uma moça que acredita ter descoberto uma trama assassina – num roteiro que causaria inveja tanto a Alfred Hitchcock quanto a Ernst Lubitch. Os cuidados técnicos do restauro dão a impressão de a obra ter sido filmada ontem, tal a nitidez e o brilho da imagem. No entanto, o que mais impressiona é a fluência da história, a competência e a vivacidade do elenco e, principalmente, a atualidade do humor que marca o argumento escrito por ninguém menos que Dias Gomes – naquele tempo e que ele se dedicava ao teatro e, portanto, na época da filmagem, possivelmente já sonhava com o enredo da peça “O Pagador de Promessas”, que três anos mais tarde foi passada para o cinema pelo produtor Oswaldo Massaini, com a qual conquistou a Palma de Ouro em Cannes.

Em mais uma edição o CineOP mostra seu amor pela a história do cinema nacional

2017-06-24T21:03:00.001-07:00

Evento durante o festival de Ouro Preto

O CineOP é um evento “sui generis”, porque combina o clima alegre de um festival competitivo com a concentração intelectual de um congresso de pesquisadores. No discreto, mas espaçoso Cine Vila Rica, a noite de estreia da 12ª edição do CineOP foi aquecida pela pré-estreia mundial do longa “Desarquivando Alice Gonzaga”, dirigido por Betse de Paula.

O título do filme, aliás, é uma brincadeira dessa cineasta - filha do diretor Zelito Viana e sobrinha de Chico Anísio. “Desarquivando Alice Gonzaga” tem a ver com pesquisa de filmes e com o lendário país das maravilhas. Quando menina, esta Alice desvendou mundo do cinema pelas mãos do pai Adhemar Gonzaga – um dos pioneiros da produção industrial do cinema no Brasil. Ele foi um dos fundadores da Cinédia – empresa que legou à história obras como “Bonequinha de Seda”, “Ganga Bruta” e “O Ébrio” – aliás, o maior sucesso de bilheteria do Brasil, entre outros 48 títulos.

Na qualidade de um evento comprometido com a história do cinema no país, todo o ano Ouro Preto costuma homenagear figuras que contribuíram para dar corpo e alma a essa evolução. Na noite de abertura, tivemos homenagens para personalidades com a importância da montadora Cristina Amaral. Ela foi parceira de trabalho de criadores fundamentais – casos, por exemplo, de Carlos Reichenbach, Andrea Tonacci e Carlos Adriano.

Outro homenageado em Ouro Preto foi o colecionador e pesquisador Antônio Leão da Silva Neto – ele que é autor de diversos dicionários indispensáveis para o estudo em profundidade do cinema brasileiro. Homenageou-se também e o projeto “Vídeo nas Aldeias”, de Vincent Carelli, que comemora 30 anos se dedicando a essa bela iniciativa de difusão audiovisual entre os indígenas.

Lembrando as três linhas mestras da CineOP – ou seja, as temáticas de Preservação, História e Educação – neste ano o evento seguirá a prioridade de colocar em evidência os registros e as formas de olhar daqueles grupos que, há muito tempo, tem sido ignorados pelos processos dominantes de preservação e produção. Neste momento em que as discussões sobre democracia e inclusão social vêm ganhando mais espaço, é necessário dar ouvidos ao que se diz na tribuna do 12º Cine Op....

Teve início a 12° do CINEOP, o festival de cinema de Ouro Preto

2017-06-22T20:15:00.003-07:00

Exibição durante o evento, ao ar livre

Entre os dias 21 e 26 de junho de 2017, se desenvolve a 12ª CINEOP. Este é o nome oficial do Festival de cinema de Ouro Preto, que acontece anualmente naquela Cidade histórica mineira – e de onde o programa cinema falado está transmitindo agora. Aqui haverá uma vasta programação gratuita de filmes em pré-estreias, retrospectivas históricas e mostras temáticas, além de debates e encontros para refletir sobre a produção audiovisual do país, agora tratada como patrimônio nacional.

Neste ano, a CineOP – Mostra de Cinema de Ouro Preto reafirma o propósito de ser um espaço privilegiado para discussão sobre a indústria brasileira de cinema a partir de seus aspectos históricos e estéticos, bem como as formas pelas quais o passado se manifesta no presente e aponta caminhos para o futuro.

A cidade Ouro Preto se destaca pelo fato de ser patrimônio da humanidade. No evento, ela será o palco principal da sétima arte e receberá a visita de um amplo contingente de profissionais do audiovisual: pesquisadores, técnicos em preservação, críticos, acadêmicos, jornalistas e representantes de entidades de classe. Junto com o público em geral, o propósito do Cine OP é conhecer, discutir, dialogar e pensar o cinema
como patrimônio de uma nação.

A cidade de Ouro Preto, patrimônio da humanidade

O eixo temático desta edição tem como mote uma pergunta, ou seja, “Quem Conta a História no Cinema Brasileiro?”. A programação é gratuita e vai ocupar o Cine Vila-Rica, a Praça Tiradentes e o Centro de Artes e Convenções da cidade. Neste ano, serão exibidos 76 filmes, sendo 13 longas, 4 médias e 59 curtas-metragens, vindos de 11 estados do Brasil e também de Cuba.

Entre as diversas mostras, estão programadas a Cine-Escola, sobre educação, e o Encontro Nacional de Arquivos e Acervos Audiovisuais Brasileiros, além do IX Fórum da Rede Kino. Estarão reunidos 90 profissionais, ocupando-se de debates e diversas mesas com discussões temáticas. Mais de 400 convidados já confirmaram presença em Ouro Preto.
A coordenadora do evento Raquel Hallack o define dessa forma: “O Cine Op é pioneiro em enfocar o cinema como patrimônio cultural. Ao longo de sua trajetória, ele representa um espaço único e privilegiado para problematizar possibilidades e limites da pesquisa, da difusão e da preservação de conteúdos.” Trata-se de manter em diálogo os principais setores do audiovisual e da educação. Amanhã continuaremos a transmiter direto da Cine Op. Até la...

Meio western e introspectivo, "Comeback" é marcado como o último filme de Nelson Xavier

2017-05-24T11:11:00.004-07:00

Cena cuja feição sombria traduz a melancolia do protagonista.

“Comeback” é um filme de difícil conceituação. De início parece um western, depois se transforma num drama introspectivo e melancólico. Mas a sua principal característica é ter sido o derradeiro filme de Nelson Xavier, falecido a pouco menos de um mês, aos 75 anos de idade. Ator, roteirista e inspirador de vários títulos do cinema novo, ele representou uma das mais importantes figuras da história da dramaturgia brasileira. Este filme deu a Xavier o prêmio de melhor ator no Festival do Rio 2016.

Nelson Xavier começou sua carreira no Teatro. No cinema e na TV atuou em 96 títulos, sendo, portanto um personagem presente em diversos gêneros nacionais, desde os teleteatros da TV Tupi nos anos de 1950, passando pelo cinema novo, na década de1960, por uma série de novelas na TV Globo a partir de 1970 e uma grande variedade de filmes depois disso. Alguns se mostraram especialmente marcados pela sua atuação, como por exemplo “Rainha Diaba”, “Dona Flor e seus Dois Maridos”, “Lampião e Maria Bonita”, “Narradores da Javé” e, especialmente, “Xico Xavier”, de quem não era parente, mas com quem tinha uma forte identificação religiosa.

“Comeback” é o retrato de Amador, um pistoleiro e matador aposentado. A historia de fato se passa no centro oeste, numa localidade onde mora o roteirista e diretor do filme, o goiano Erico Rassi. Falo de Anápolis, uma cidade cuja periferia parece ter sido moldada para um filme de faroeste. Amplos espaços e um clima de desolação e abandono. De fala mansa e modulada por um português corretíssimo, o filme e seu protagonista foram premiados no FESTin – Festival de Cinema Itinerante de língua Portuguesa que aconteceu em março na cidade de Lisboa.

O velho pistoleiro Amador é o último personagem de Nelson Xavier

O velho pistoleiro é solitário e amargurado, sempre se lembrando de um passado que ele considerava heroico. Tanto assim que, todas as noites, ele abria um velho álbum no qual coleciona recortes de jornal, documentando os seus antigos crimes. Sentia-se humilhado em contato com os antigos colegas de bandidagem. Até que uma dupla de cineastas meio amadores resolve procura-lo para auxiliar na feitura de um filme sobre os veteranos bandoleiros da cidade. Nesse ponto, sua memória é despertada e ele decide voltar á ativa. Ou seja, vai reagir com violência à hostilidade do mundo que o cerca.

O filme é quase uma obra minimalista, com falas curtas, pontuando diálogos econômicos e sintéticos. Trata-se do primeiro longa de ficção do diretor goiano Erico Rassi, e que deixa claro um possível futuro de filmes expressivos. Com uma boa dose de ironia e um humor cortante, o roteiro utiliza situações inesperadas para abordar a angústia da solidão, da melancolia da velhice e do autoritarismo que voltam a incomodar o personagem central. Certamente ele não seria incluído em um filme de Clint Eastwood, daqueles cujo tema é um heroísmo tardio. Mas certamente é uma referencia ao gênero western que teima em não desaparecer.

"Rei Arthur", um filme acima da média, readapta a milenar história do herói bretão

2017-05-17T09:00:00.000-07:00

Djimon Hounsou (esquerda) e Charlie Hunnam (direita) em cena do longa

O blockbuster de ocasião, ou seja, o filme mais comentado na mídia agora é “Rei Arthur: a Lenda da Espada”. Fato é que se trata de uma história extremamente antiga, há muitos séculos difundida, e que quase todo o mundo conhece. Ou, no mínimo, sobre a qual já ouviu falar alguma coisa. Livros infantis, revistas em quadrinhos filmes de cinema ou animações, adaptações curtas e mais alongadas, musicais de palco. Enfim todos nós temos alguma ideia do que seja essa aventura e o herói que a interpreta. Portanto, o grande problema do diretor e roteirista Guy Ritchie foi criar uma obra inédita sobre o tema.

O filme é de fato muito elaborado em termos de texto e linguagem audiovisual. Por isso vamos tentar agora uma espécie de aquecimento, de análise prévia sobre o que acabamos de ver sobre esse espetáculo marcado para estrear agora no dia 18.

É claro que o tema da magia precisava ocupar o primeiro plano do roteiro. Até porque a série de romances sobre ele e Camelot, chamado “As Brunas de Avalon”, é uma produção essencial e que já ocupou o espaço nas livrarias que já foi da saga Harry Potter. Mas não cabia incluir a figura barbuda do Mago Merlin, porque a total maioria dos personagens é do gênero masculino. Quase não há mulheres em cena. Então Guy Ritchie preferiu escalar uma Maga, que é o papel da diáfana espanhola, aqui muito boa no papel, Astrid Berges-Frisbey.

Cena da espada fincada na pedra: um dos pontos altos do filme

A maioria acredita que a história se passa na Idade Média europeia. OK. mas aquele prolongado período durou cerca de mil anos e teve várias fases. A partir das indicações fornecidas na tela pela arquitetura, armas e vestuário do filme, parece que tudo se passa no centro da idade Média, com armaduras reluzentes, espadas de aço e armas de fogo. Mas as referências históricas da narrativa que, se acham misturadas com lendas e ficção, a colocam no final do século 5º, ainda no fim do Império Romano. Isso, quando os Bretões enfrentavam as tribos de saxões. Mas o diretor prefere contar com os vikings, talvez porque para ele eram mais interessantes do ponto de vista visual.

O filme, porém, está acima da média das aventuras épicas e a cena da espada na pedra é uma das melhores. No entanto, os problemas mais graves estão no texto, que chama a Inglaterra de “Nação” – que na verdade só apareceu como tal no meio da Idade Média, após a invasão dos normandos no século XI. No filme é todo exagerado em termos de volume e tamanho. Os exércitos e os castelos são superdimensionados. A cidade de Londinium, que era o primeiro nome de Londres, aparece como uma metrópole majestosa, mas era apenas uma vila romana cercada por muralhas, apenas o povoado mais populoso da Bretanha.

Charlie Hunnam vive Rei Arthur

O problema do anacronismo, aliás, se manifesta algumas vezes ao longo do filme. Que, aliás conta com no mínimo dois atores que já conhecemos da série “The Game of Thrones”. Por exemplo, o tio de Arthur interpretado, por Jude Law, cumprimenta os seus guerreiros com uma saudação igual à dos nazistas. E a própria formação do herói se parece com a de Jesus Cristo, com a sua peregrinação a sós pelo deserto. Além disso, do ponto de vista físico, o ator inglês Charlie Hunnam se parece com um halterofilista ou guerreiro ninja.

"A Grande Ilusão", de S. Zaillin, é um filme muito temático para os dias correntes

2017-05-15T11:40:00.004-07:00

Sean Penn e Mark Ruffalo integram o seleto elenco do longa

Talvez o filme mais sugestivo deste momento date de 2006 – tem pelo menos mais de 10 anos – e até hoje ainda não foi lançado nos cinemas. Trata-se de “A Grande Ilusão”. Pode parecer mentira, mas esse foi um dos mais importantes filmes americanos produzidos em 2006 nos EUA e, no entanto, só foi lançado no Brasil em DVD.

O título original deste filme escrito e dirigido por Steven Zaillin é “All the King's Men” e conta com um elenco arrasador, em que o protagonista é Sean Penn. Mas veja só o nível dos coadjuvantes: Kate Winslet, Jude Law, James Gandolfini, Mark Ruffalo e Anthony Hopkins... e trazendo como atração adicional a elegância de Patricia Clarkson – que, além de atriz, é uma das melhores narradoras de documentários para TV, como "For the Love of Movie: The Story of the American Film Criticism".
A proposta é contar a história de Huey Long, um político real que tinha o apelido The King Fish (ou seja, Tubarão) por causa da ferocidade no palanque. Seus discursos eram incomparáveis e nos debates ninguém o derrotava.

Sean Penn está impecável neste seu papel de Huey Long

Na verdade, o mais importante era o conteúdo sedutor das suas propostas, geralmente inflamadas pelo uísque. Vejam, ele simplesmente prometia a abolição da desigualdade social. Nada menos do que a repartição geral da riqueza nos EUA. Pra completar, ele combinava um estilo populista, mas, ao mesmo tempo comandava a corrupção no Estado da Louisiana.

“A Grande Ilusão” é a refilmagem de um clássico de Robert Rossen que ganhou três Oscars em 1949: melhor filme, melhor atriz coadjuvante e melhor ator, para Broderick Crawford. Aliás, esses dois títulos se acham disponíveis em DVD no mercado brasileiro.

Ambos os filmes se baseiam num livro de Robert Penn Warren (1905 – 1989) premiado com o Pullitzer e considerado um dos mais importantes romances americanos: a biografia disfarçada de um populista dos anos de 1930, o qual certamente chegaria à presidência se os escândalos da sua administração não fossem revelados.

"All the King's Men" de 1949: vencedor do Oscar de Melhor Filme

Seu governo foi uma mistura de obras públicas gigantescas, feitas sem licitação e superfaturadas, com a sistemática compra de votos da oposição. O curioso é que, no começo da carreira política, ele era um trabalhador que ganhou notoriedade denunciando a corrupção das elites e, mais tarde, depois de apanhado com a mão na massa, alegou que não sabia de nada e jogou a culpa em alguns assessores. Sean Penn de 2006 está mais exuberante e, mesmo assim, mais natural que Broderick Crawford em 1949 no papel do protagonista, que morreu em 1935. Interpretando o marqueteiro do Tubarão, Jude Law realiza um dos melhores trabalhos de sua carreira.

Marcelo Gomes dirige o drama histórico "Joaquim", sobre a vida de Tiradentes

2017-05-09T08:35:00.000-07:00

Filme se passa na Vila Rica antes dos tempos de luxo

Se não for o filme comercialmente mais atrativo, “Joaquim” é sem dúvida o título mais curioso desta temporada. Primeiro por ter como base uma narrativa biográfica do alferes Joaquim José da Silva Xavier. Aquele que em seu tempo foi conhecido como o Tiradentes.

Em seu nono trabalho, o diretor é o consagrado Marcelo Gomes, autor do premiado “Cinema, Aspirina e Urubus”, de 2005. Junto com “O Baile Perfumado”, feito em 1997 por Paulo Caldas e Lírio Ferreira, são títulos que marcaram o início do ciclo ascendente dos cineastas pernambucanos. Esses que se colocam agora na linha de frente do cinema brasileiro, com obras como “Aquarius”, de Kleber Mendonça.

No papel do Mártir da Independência, temos Júlio Machado, que se tornou conhecido na TV pelo papel do jagunço Clemente, na novela “O Velho Chico”. Uma figura mais próxima de vilão do que de um herói. Um rosto marcante, mas de olhar feroz e macabro. O cabelo e a barba aparados à faca ampliam a aparência assustadora daquele militar mineiro, líder da Inconfidência. Não se trata de uma biografia detalhada, porque o roteiro se concentra no período em que ele era um policial, ocupado, em perseguir os contrabandistas das minas de ouro.

Júlio Machado vive um Tiradentes de aparência longe de idealizações

Alguns professores veteranos de história, talvez se escandalizem com o inesperado tratamento atribuído pelo diretor Marcelo Gomes à aparência e ao comportamento do Tiradentes. Especialmente à maneira brutal com que ele arrancava os dentes de quem o contratava para esse serviço. Mas também à sua ambição e a agressividade, que contrasta com aquela figura semelhante à de cristo, divulgada na maioria dos livros didáticos.

E, também, muito diferente daquele clássico do cinema novo, “Os Inconfidentes”, feito em 1972 por Joaquim Pedro de Andrade, assim como dos elegíacos poemas de Tomas Antonio Gonzaga e Cecilia Meireles. Os monumentos arquitetônicos do barroco, por sua vez, não aparecem nesta modesta reconstituição anterior ao luxo de Vila Rica.

Os atores Júlio Machado e Isábel Zuaa, o diretor Marcelo Gomes e o ator Welket Bungué

Façamos uma comparação com o atual “Sully – o Herói do Rio Hudson”, em que um piloto salvou centenas de passageiros, pousando o avião nas águas do rio. Ele atribuiu o sucesso daquela proeza ao conjunto de participantes de sua equipe. Por outro lado, no começo do filme Joaquim repete esta frase... “Aqui quem vos fala é um decatipado... Outros homens também conspiraram conta a coroa portuguesa, mas apenas eu perdi a cabeça”

"Passageiro: Profissão Repórter" é filme imperdível em mostra sobre Antonioni

2017-05-05T12:08:00.003-07:00

Jack Nicholson e Maria Schneider fazem parte do filme.

Estamos dando continuidade à analise do filme “Passageiro: Profissão Repórter”, obra prima que Michelangelo Antonioni lançou em 1975. O filme se destaca entre aqueles que formam a Retrospectiva do cineasta Michelangelo Antonioni, que se estende até 22 de maio e acontece no CCBB de São Paulo e, posteriormente, no CineSesc. O texto do comentário se baseia originalmente num artigo publicado pelo crítico, na época em que o filme foi lançado em São Paulo.

No roteiro do queniano Mark Peploe, o protagonista é Jack Nicholson, no papel de um repórter a serviço da TV britânica. Ele está no deserto do Chade procurando dar início a uma reportagem em que pesquisa a ação dos guerrilheiros locais. Mas o repórter não consegue se comunicar com esses dado o fato de suas línguas não serem a mesma. Numa cena posterior, o repórter caminha sozinho e desanimado. E tenta contato com um garoto, que permanece impassível. O diretor não cede à nossa curiosidade, até porque a proposta de Antonioni é, como sempre, questionar a comunicação entre as pessoas.

Numa representação física do drama vivido pelo personagem central, o Land Rover com o que ele se locomove atola na areia do deserto. Ele volta ao hotel e descobre que o seu vizinho de quart, acabava de morrer de enfarte. Decide então trocar de personalidade com o morto, sem ao menos saber qual seria a sua atividade profissional. Nesse ponto, Antonione fabrica uma das suas mais intrincadas soluções narrativas.

Michelangelo Antonioni e Maria Schneider em set de gravação

Enquanto Nicholson falsifica o passaporte do morto, ouve-se uma conversa entre ele e o falecido. Ele olha para um canto e, sem corte, a tela nos mostra o bate papo entre os dois. E essa conversa termina quando Nicholson desliga um gravador. Não era portanto um flash back, mas um replay.

Com a nova personalidade, o repórter vive um período de paz, antes que tudo volte a se complicar. A última cena procura exprimir o sentido global do filme. Ou seja, a ideia é de que tudo sempre recomeça. Segundo Antonioni, embora ainda não sendo conclusivo, esse plano-sequencia é essencial, e, inclusive levou 11 dias para ser filmado. Portanto não perca “Passageiro: Profissão Repórter”, de Michelangelo Antonioni