CINEMA PARA DESOCUPADOS

Crítica: Sucker Punch - Mundo Surreal

2011-04-01T23:50:00.008-03:00

Sucker Punch
EUA, Canadá , 2011 - 110 min.
Direção:
Zack Snyder
Roteiro:
Zack Snyder, Steve Shibuya
Elenco:
Emily Browning, Abbie Cornish, Jena Malone, Vanessa Hudgens, Jamie Chung, Carla Gugino

Fetiche nerd-mor garante ótimas cenas de ação, mas peca por se levar muito a sério

Em seus primeiros filmes, o americano Zack Snyder trabalhou com histórias de outras pessoas. E não eram quaisquer pessoas. Primeiro, em Madrugada dos Mortos (2004), refilmou o clássico de George E. Romero. Depois, adaptando duas clássicas HQs, 300 (2006) – de Frank Miller – e Watchmen - O Filme (2009), de Alan Moore. Fã de todos esses nomes, Snyder tratou bem o material que tinha em mãos, conseguindo relativo sucesso e ganhando o respeito dos fãs, que se encheram de expectativa com Sucker Punch, o primeiro trabalho de história original do diretor.

Escrito em parceria com Steve Shibuya, a trama do longa gira em torno de Baby Doll (Emily Browning), órfã que, acusada de assassinato pelo padrasto, vai parar em uma instituição para doentes mentais, onde, em alguns dias, passará por uma lobotomia.

Diante do destino trágico, Baby Doll cria um mundo alternativo em sua mente, no qual o manicômio em que está é, na verdade, um cabaré/prostíbulo de luxo e as outras internas, assim como ela, estão ali sendo exploradas e não tratadas.

Existe, ainda, um desdobramento desse mundo imaginário, que surge todas as vezes que a garota é intimada a dançar. Nesse mundo, ela conhece seu mentor, vivido por Scott Glen, que, em um templo budista, diz que, para fugir do manicômio, serão precisos cinco coisas: um mapa, uma chave, uma faca, fogo e, finalmente, um propósito.

Assim, sempre que começa a dançar, Baby Doll é transportada para esse segundo mundo imaginário, no qual, com a ajuda das outras meninas (Abbie Cornish, Jena Malone, Vanessa Hudgens e Jamie Chung), todas lindas e com pouca roupa, lutará contra samurais, orcs, robôs, autômatos nazistas e etc, sempre em busca dos tais itens necessários para a fuga.

É claro que não há absolutamente nenhum sentido nisso tudo, mas não precisa ter. Estamos na mente fértil de uma adolescente e mais importante que algum nexo é o que Snyder pode criar com todos esses mundos imaginários.

É com essa ampla possibilidade criativa que Snyder usa e abusa dos elementos que o fizeram famoso. O visual rebuscado, presente desde Madrugada dos Mortos, e as sequências de ação cheias de pirotecnia e câmeras lentas encontram seu ápice – a luta com os samurais e a sequência no trem são provas cabais que Snyder sabe muito bem criar cenas de ação instigantes.

O bom uso da trilha sonora, outra forte marca do diretor, porém, não é tão marcante quanto em outros trabalhos, e, se funciona nas cenas de ação, fica devendo nas mais dramáticas.

No entanto, o maior problema de Sucker Punch é o terceiro ato, que vai de encontro a tudo até ali proposto. Diante da estrutura esquemática criada por seu texto, Snyder e Shubuya tentam sair do previsível e acabam errando feio, passando, de maneira pseudo-intelectual, uma desnecessária lição de moral.

Sucker Punch não é um filme ruim. Seu sofrível terceiro ato não compromete tudo construído pelos dois primeiros. Só não gaste muito tempo pensando no final. Principalmente se isso desviar sua atenção da cena de dança que vem com os créditos.

Crítica: Melinda e Melinda

2011-03-22T23:29:00.003-03:00

Melinda and Melinda
EUA, 2005 - 99 min.
Direção:
Woody Allen
Roteiro:
Woody Allen
Elenco:
Will Ferrell, Neil Pepe, Radha Mitchell, Chloë Sevigny

Um passatempo leve e inteligente

Em Melinda e Melinda (2004), Woody Allen põe em pauta uma interessante questão: Essencialmente, a vida é uma comédia ou uma tragédia? É sobre tal indagação que um grupo de amigos, dentre os quais dois escritores de teatro – um de comédias e outro de tragédias – discute em um restaurante nova-iorquino.

O que seguia para ser um típico filme de Allen, repleto de diálogos eruditos de teor existencialista, logo se transforma quando um dos amigos dá a seguinte ideia: desenvolverá uma simples premissa a partir da qual os cada um dos escritores deverá dar sua opinião e dizer se se trata de uma comédia ou uma tragédia. A premissa é: uma convidada indesejada, Melinda (Radha Mitchell), chega de surpresa em um importante jantar que acontece na casa de amigos.

As duas versões (uma essencialmente cômica e outra essencialmente trágica) se intercalam de maneira aleatória, bem como os comentários daqueles que as idealizam.

Das duas, a mais divertida, naturalmente, é a cômica, que conta com um Will Ferrell mais contido, como em Mais Estranho que a Ficção (2006) e Estranha Família (2005), interpretando o alter-ego de Allen. O mais interessante, porém, não é qual dos contos é o melhor, e sim como elementos presentes nas duas histórias (um diálogo, uma olhada no espelho) acontecem de maneira diferente, tudo em razão da predominância do cômico ou do trágico.

Foi essa a maneira que Allen pensou para nos dizer algo que até parece óbvio: não existe uma forma definida da vida. A tragédia e a comédia da vida estão nos olhos de quem as vê. E, mais otimista do que em filmes como Igual a Tudo na Vida e Tudo Pode Dar Certo (nos quais chega a conclusões semelhantes), conclui que isso de nada tem importância, pois a vida é uma só e devemos aproveitá-la enquanto há tempo.

Melinda e Melinda é um filme leve e despretensioso (e esquecível também), que, com todo o seu minimalismo, ao fim, faz o público pensar, e faz isso de maneira simples e direta, sem muita enrolação. Afinal, como diz um dos personagens: "viemos aqui para uma noite divertida e relaxante".

Crítica: Trovão Tropical

2011-03-08T15:09:00.002-03:00

Tropic Thunder
EUA , 2008 - 107 min.
Direção:
Ben Stiller
Roteiro:
Ben Stiller, Justin Theroux e Etan Cohen
Elenco:
Ben Stiller, Jack Black, Robert Downey Jr.

Hollywood rindo de si mesma

Quem vê o título, o orçamento (92 milhões de dólares) e algumas cenas isoladas de Trovão Tropical pode ter a impressão que se trata de um filme de guerra comum. Impressão essa que fica abalada no exato momento em que o nome de Ben Stiller aparece na tela. O ator (aqui também co-produtor, co-roteirista e diretor) é o principal responsável por esse filme-paródia – que não fica apenas no campo dos épicos de guerra, mas se estende para toda a indústria de cinema dos Estados Unidos.

Na hitória, conhecemos os superastros Tugg Speedman (Stiller), Jeff Portnoy (Jack Black, careteiro como nunca) e Kirk Lazarus (Robert Downey Jr.), todos protagonistas de uma grande produção hollywoodiana chamada Trovão Tropical, que adapta a autobiografia do ex-combatente Quatro Folhas (Nick Nolte).

Com orçamento estourado, egos em conflito e muitos atrasos, o diretor estreante Damien Cockburn (Steve Coogan), aconselhado pelo próprio Quatro Folhas, resolve filmar na marra: abandona os atores na selva e promete fazer tudo no maior estilo “guerrilha”. Mas, é claro, as coisas não saem como esperado e os astros em conflito passam a enfrentar perigos reais na selva vietnamita.

Apesar de estereotipados (o óbvio em uma paródia), os personagens são ótimos – mérito dos atores. Principalmente Stiller e Downey Jr. (inusitadamente indicado ao Oscar). Stiller faz o típico ator de ação que sonha em ser reconhecido pela Academia, mas que sofre para conseguir soltar algumas lágrimas em cena. Downey Jr., por sua vez, é um laureado e metódico ator australiano (uma clara referência a Russel Crowe), que, para entrar no personagem, chega até a fazer uma cirurgia de mudança de cor (!). Além desses dois, tem ainda Tom Cruise, irreconhecível como o produtor Les Grossman, que rouba a cena todas as vezes que entra em tela.

Além de bom texto e atores, Trovão Tropical conta ainda com um eficiente trabalho técnico. A direção de Stiller, aliada à fotografia de John Toll (O Último Samurai) e a trilha de Theodore Shapiro recriam muito bem todos os clichês dos filmes de guerra – O Resgate do Soldado Ryan que o diga. Toda essa pompa técnica torna ainda mais engraçado o que vemos na tela, principalmente nas cenas de resgate que acontecem no início e no fim.

Trovão Tropical é um filme que ri de si mesmo – afinal, todos ali são oriundos da Hollywood que tanto esculacham, talvez daí sua maior graça. Para quem é adepto do politicamente correto e alheio aos bastidores de Hollywood, vai parecer grotesco e gratuito. Para quem não é, também - a diferença é que esses vão se divertir com isso tudo.

Oscar 2011: Apostas e comentários

2011-02-25T19:27:00.002-03:00

Quem deve ganhar e quem eu gostaria que ganhasse o prêmio da Academia

Neste domingo acontecerá a maior e mais esperada premiação de cinema dos Estados Unidos: O Oscar. E como todos estão lançando suas listas de apostas, lançarei também a minha, visando as principais categorias apenas e complementando com alguns comentários. Se quiser ver minhas apostas do ano passado, clique aqui. Então, sem mais demora, vamos lá:

MELHOR FILME: O Discurso do Rei

O Discurso do Rei tem tudo para levar o prêmio de melhor filme. Não é o melhor fillme, mas tem mais a cara de Oscar. Levou grande parte dos prêmios dos sindicatos, incluindo o Directors Guild of America (o sindicato dos diretores) e o Producers Guild of America (que, seria o correspondente à categoria de melhor filme do Oscar). Uma pena, pois a Rede Social e Bravura Indômita (para não falar outros da lista) são bem melhores. Torço para A Rede Social.

MELHOR DIRETOR: Tom Hooper (O Discurso do Rei)

Nessa categoria, alguns falam da possibilidade de David Fincher ganhar, como que uma forma de compensação pela derrota em melhor filme. Gostaria que assim fosse, mas acho improvável. Dificilmente o vencedor do sindicato de diretores diverge do vencedor do Oscar - o número de votantes em comum é enorme. O trabalho de Hooper não é ruim. Talvez, sem sua direção O Discurso do Rei se tornasse bem mais chato do que em alguns momentos é. Apesar disso, David Fincher ou os irmãos Coen seriam um melhor destino para a estatueta despida.

MELHOR ATOR: Colin Firth (O Discurso do Rei)

Categoria que normalmente é de fácil previsão está mais fácil do que nunca nesse ano. Colin Firth arrastou tudo o que era possível por seu trabalho em O Discurso do Rei. E não é pra menos, o inglês de 50 anos, indicado ano passado, faz um trabalho incrível, vivendo o rei gago George VI. O interessante é que todos os outros indicados apresentam trabalhos dignos de premiação, e não apenas de indicação.

MELHOR ATRIZ: Natalie Portman (Cisne Negro)

Outra categoria quase certa. A bailaria com problemas psicológicos Nina tem tudo para dar a Natalie Portman sua primeira estatueta. Não sei até que ponto é o melhor trabalho de Portman, prefiro muito mais sua personagem em Closer, mas o fato é que a Academia adora caretas e cara de choro - e nisso Portman dá show aqui. Annette Bening corre por fora pelo papel da lésbica "pai" de família que interpreta em Minhas Mães e Meu Pai (um dos meus filmes preferidos da lista), mas dificilmente atrapalhará a festa de Portman e dos indies desse mundo.

MELHOR ATOR COADJUVANTE: Christian Bale (O Vencedor)

Outra coisa que Hollywood adora são personagens que requerem uma grande mudança física no ator. É o caso do ex-lutador de boxe e viciado em craque vivido por Bale, que vem levando tudo o que é prêmio por esse papel. Sem dúvida a atuação de Bale é maravilhosa, mas outros ótimos trabalhos figuram na lista. Como o de Geoffrey Rush por "O Discurso do Rei" e Mark Ruffalo, por Minhas Mães e Meu Pai. De todos, o que mais gostei foi Ruffalo.

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE: Melissa Leo (O Vencedor)

A veterana Melissa Leo encontrou sucesso na carreira depois dos 50. Depois de anos de tabalho sem muito reconhecimento, a novaiorquina foi indicada ano passado por Rio Congelado e agora chega como grande favorita por seu trabalho de mãe dominadora em O Vencedor. No entanto, apesar de tudo, Leo cometeu uma tremenda gafe que comprometeu seu favoritismo (entenda mais aqui). O fato é que a jovem Hailee Steinfeld (apenas 14 anos) ganhou força com isso. Sem dúvida, prefiriria que a vencedora fosse Steinfild. A garota está demais interpretando a pequena e falastrona Mattie Ross em Bravura Indômita.

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL: Christopher Nolan (A Origem)

O inglês Cristopher Nolan deve levar seu primeiro Oscar esse ano. Para muitos injustiçado por não está presente na lista dos cinco diretores, Nolan recebeu a premiação do WGA, sindicado de roteiristas de Hollywood, o que o credencia a favorito na disputa. Sem dúvidas, Nolan foi o que teve mais trabalho pra escrever o roteiro, porém, ao meu ver, isso não o torna o melhor. Mas, apesar de gostar de Stuart Blumberg e Lisa Cholodenko por "Minhas Mães e Meu Pai", se o Oscar for para Nolan estará em boas mãos.

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO: Aaron Sorkin (A Rede Social)

Vencedor quase certo. O atual e inteligente roteiro de Sorkin, também vencedor do WGA, pode ser um dos únicos prêmios do antes favorito A Rede Social. Da lista, outro trabalho notável é o dos irmãos Coen, que adaptam tão bem o livro de Charles Portis. O prêmio indo para qualquer desses dois já estaria em boas mãos.

MELHOR ANIMAÇÃO: Toy Story 3

Única animação presente no rol dos dez melhores filmes, Toy Story 3 deve levar facilmente o Oscar de melhor animação, e manter a hegemonia da Pixar. Gosto dos filmes da Pixar, mas ainda não os troco pelas animações de Hayao Miyazaki e seu estúdio Ghibli.

Enfim, escrevi mais do que gostaria, mas aí estão minhas apostas para as principais categorias do Oscar. Infelizmente, a maioria dos meu palpites não são aqueles que eu gostaria ver ganhando, mas, mesmo assim, vejo melhores vencedores esse ano que no ano passado. E vocês, em quem apostam?

Crítica: Caça às Bruxas

2011-02-22T23:57:00.001-03:00

Season of the Witch
EUA , 2011 - 98 min
Direção:
Dominic Sena
Roteiro:
Bragi F. Schut
Elenco:
Nicolas Cage, Ron Perlman, Christopher Lee

Nicolas Cage em mais um filme sem propósito

Poucos são os atores que conseguem por características próprias ou elementos comuns em todos os seus personagens sem se tornar canastrões. Desse seleto grupo fazem parte nomes como Bill Murray, Jeff Bridges e... Nicolas Cage. No entanto, diferentemente de Murray e Bridges, que apresentam certo critério na escolha de seus projetos, Cage aceita o que aparece pela frente – vai ver é por causa de suas inúmeras dívidas que, vez ou outra, estampam os jornais.

O resultado é que a cada cinco trabalhos de Cage, quatro são tremendas bombas (dos últimos, só se salvam Kick-Ass - Quebando Tudo e Vício Frenético). E, se você viu o trailer de Caça às Bruxas, já deve imaginar de qual grupo ele faz parte.

O filme do diretor Dominic Sena, o mesmo de 60 Segundos, é ruim, bem ruim, mas encontra sua "salvação" em um elemento recorrente nos filmes trash (mesmo não sendo exatamente um): o humor involuntário. Grande parte desse humor é devido a Nic Cage, que, sem hesitar, apresenta novamente as suas já conhecidas expressões faciais – só o que muda mesmo é a peruca da vez.

O longa, um suspense sobrenatural de época, conta a história dos cavaleiros Behmen (Cage) e Felson (Ron Perlman, mais conhecido como o Hellboy), que, depois de vários anos lutando nas Cruzadas, já não querem fazer parte de toda aquela matança, dão uma de traidores do movimento e abandonam o exército.

Sem muito lugar para ir e com cuidado para não serem identificados – traidores nunca são bem vindos –, os dois acabam em um vilarejo onde vêem de perto a devastação que a peste negra vem causando na Europa. Não demora e eles logo são descobertos e presos. Entretanto, um moribundo cardeal (Christopher Lee, irreconhecível) faz uma última proposta aos dois guerreiros: escoltar uma (suposta) jovem bruxa (Claire Foy, atriz mais conhecida por trabalhos para a TV inglesa), que, segundo a lógica montypythiana utilizada pela Igreja, é a responspavel por toda aquela desgraça.

O roteiro de Bragi F. Schut até tenta gerar algum mistério em torno da personagem de Foy (se ela é mesmo uma bruxa ou não) e o diretor Dominic Sena faz o mesmo para criar suspense: tudo em vão. A inépcia dos dois (a história nunca envolve e, com exceção de algumas cenas no início, o suspense é inexistente) somada à presença de Cage, que, involuntariamente, é cômica, leva o filme a um resultado totalmente diverso daquele que ele se propõe. Parece que estamos diante de um filme-paródia.

No fim das contas, o que era pra ser um suspense/terror mais parece uma comédia pastelão. Para quem procura alguns sustos ou uma história que cause um mínimo de medo, uma tremenda frustração. Para quem só quer se divertir com a nova peruca do Nicolas Cage, pode ser interessante.

Crítica: Superbad - É Hoje

2011-02-05T11:39:00.001-03:00

Superbad
EUA , 2007 - 114 min.
Direção:
Greg Mottola
Roteiro:
Seth Rogen e Evan Goldberg
Elenco:
Jonah Hill, Michael Cera, Christopher Mintz-Plasse

Um divertido "bromance" adolescente

De uns tempos para cá, os “bromances” ganharam força em Hollywood. O termo (combinação aglutinada de brother e romance) representa aquele forte sentimento de amizade que surge entre os homens e que, geralmente, é declarado na forma de um “te considero para caramba, cara”.

Superbad – É Hoje, 2007, é um dos primeiros dessa nova safra de comédias sobre amizade masculina que, diferentemente de suas opositoras românticas, tem como principal público alvo os homens. É o que se pode ver em filmes como Eu Te Amo, Cara, Se Beber Não Case (leia a crítica), O Dia da Transa e o recente Um Parto de Viagem.

Em Superbad, a amizade em questão é a dos “losers” Seth (Jonah Hill) e Evan (Michael Cera). Amigos desde os oito anos e bem próximos de terminar o colegial, os dois tentam ignorar o fato de que vão se separar no próximo verão – irão para universidades diferentes.

Ao invés de lidar com isso, eles dedicam toda atenção (principalmente Seth) a última possibilidade de conseguir algum sucesso com as garotas antes da faculdade. E para alcançarem tal objetivo precisarão da ajuda de Fogell (Christopher Mintz-Plasse, O Red Mist de Kick-Ass), “nerd” clássico, que com sua identidade falsa – na qual responde pelo discreto nome de McLovin –, comprará algumas bebidas alcoólicas para a dupla. É nessa odisséia adolescente que consiste o filme.

A química entre Hill e Cera é incrível. O primeiro faz o tipo “gordo pervertido” e tem, de longe, as melhores falas (como aquela em que discorre sobre seus desenhos na infância ou do formato do seu pênis na calça jeans mais apertada). Cera, por sua vez, faz o mesmo personagem de Juno, Scott Pilgrim, e Nick & Norah: o nerd calmo e sentimental. Se, por um lado, demonstra pouca (ou nenhuma) versatilidade do ator, por outro, resulta em algo que ele sabe fazer muito bem.

Enquanto foca apenas nesses dois personagens, o roteiro escrito em parceria por Seth Rogen e Evan Goldberg é eficientíssimo. No entanto, o filme perde ritmo a partir da criação de uma trama paralela protagonizada por McLovin e os dois policiais que o tem sob “custódia”.

Os momentos brilhantes de Hill e Cera passam a dividir espaço com outros de puro tédio, que em nada contribuem à trama. Os policiais, um deles interpretado pelo próprio Rogen, são chatos e caricatos, seguindo aquele esgotado estereótipo norte-americano de “tira babaca”. As piadas perdem a graça. É praticamente outro tipo de humor (um bem pior). E a atuação afetada de Mintz em nada ajuda nesse aspecto.

Mas isso não faz de Superbad – É Hoje um filme ruim. É apenas um contra em meio a tantos prós. A forma natural e sutil com que o diretor Greg Mottola (do bom Férias Frustradas de Verão) trata a relação de amizade entre a dupla protagonista e o timing cômco desta superam esses pequenos problemas . Não é o filme ideal para se assistir com a namorada. Os amigos seriam a melhor escolha. Nem que seja para, ao final do filme, trocar o “eu te considero para caramba” por um “eu te amo” – mas sem muito contato físico, é claro.

Crítica: Um Lugar Qualquer

2011-01-29T01:52:00.008-03:00

Somewhere
EUA , 2010 - 98 minutos
Direção:
Sofia Coppola
Roteiro:
Sofia Coppola
Elenco:
Stephen Dorff, Elle Fanning, Chris Pontius

Sofia Coppola não precisa de palavras para dizer algo

Um Lugar Qualquer marca a volta de Sofia Coppola às comédias dramáticas – gênero que a tornou famosa e que não era visitado pela moça desde Encontros e Desencontros (leia mais aqui).

Não que isso signifique uma quebra ontológica em relação ao seu filme anterior, Maria Antonieta, já que Coppola, apesar de vagar por cenários diferentes em seus trabalhos (da frança pré-revolucionária ao Japão contemporâneo), mantém a mesma essência em todos eles: o retrato de alguém inadequado ao meio em que vive.

Aqui, conhecemos Johnny Marco (Stephen Dorff – tão inusitado quanto Bill Murray em Encontros e Desencontros), um famoso ator de filmes de ação e sua vida repleta de extravagâncias, da qual ele tem pouco ou nenhum controle. Apesar das festas e do hedonismo exacerbado, Johnny vive em um completo tédio, a ponto de adormecer enquanto duas gêmeas lindas dançam ao som de My Hero do Foo Fighters. Assim como faz com sua Ferrari nas horas vagas, Johnny anda em círculos dentro daquele universo que, ironicamente, é o que o faz existir, que o torna o que ele é.

Mais uma vez Sofia utiliza do artifício feminino para tirar seus protagonistas do limbo existencial em que estão presos, e a relação paternal que era metafórica em Encontros e Desencontros ganha ar literal com a entrada de Cleo (Elle Faning, irmã da Dakota), filha de 11 anos de Johnny e que passará alguns dias na luxuosa suíte na qual ele mora. Nesses poucos dias junto de Cleo, Johhny perceberá que ainda existe salvação para si, e que é justamente sua filha, alguém que, de fato, precisa dele, a chave de tudo.

Sofia filma tudo isso sem nenhuma pressa, com pouquíssimos diálogos, abusando do caráter contemplativo de sua câmera. Observamos o dia-a-dia dos dois calmamente (o videogame, o ping-pong, a patinação no gelo, o violeiro no hotel), sentindo o que eles sentem, sem a necessidade de nenhum diálogo.

É justamente nesse aspecto que o filme pode se tornar chato para alguns, que, acostumados com o cinema dinâmico e explicativo típico de Hollywood, talvez não tenham paciência para a sutileza de Coppola. Uma pena, pois Um Lugar Qualquer é cinema de primeira qualidade.

Crítica: Amor Sem Escalas

2011-01-21T15:44:00.011-03:00

Up In The Air
EUA , 2009 - 109 min.
Direção:
Jason Reitman
Roteiro:
Jason Reitman e Sheldon Turner
Elenco:
George Clooney, Anna Kendrick, Vera Farmiga

Jason Reitman apresenta um trabalho oportuno e bem feito.

Um filme pode ser considerado sob dois diferentes pontos de vistas. O ponto de vista ideológico, no qual tenta defende-se algum tipo de valor ou ideia. E o ponto de vista objetivo, do qual todo o valor ideológico é extraído, e o filme é visto como mero entretenimento.

Algumas obras trazem suas ideologias escancaradas para todos verem. Outras são mais sutis, deixando tudo nas entrelinhas. Amor Sem Escalas faz parte do primeiro grupo. Sua ideologia é bem clara. Trata-se de um alento, uma mensagem de esperança para os americanos que, naquele momento, viviam uma arrasadora crise econômica.

O roteiro se baseia no livro de Walter Kirn, lançado em 2001, mas que se enquadra perfeitamente no cenário econômico da época. Nele conhecemos Ryan Binghan (George Clooney), um executivo que ganha a vida de forma peculiar. Ele trabalha para uma empresa que presta serviços a outras demitindo funcionários em larga escala. Sob o eufemismo de Conselheiro de Transições de Carreira, Ryan passa o ano inteiro viajando, vivendo mais tempo nos hotéis e aeroportos do que em casa.

Mas isso não é um problema para ele. Ryan é um daqueles solteirões convictos e adora levar a vida sem muitos vínculos pessoais – como ele mesmo diz, devemos “esvaziar nossas mochilas” para sermos felizes. No entanto, essa maneira de pensar se transforma à medida que duas mulheres entram na vida dele.

A primeira delas é Alex Goran (Vera Farmiga), uma mulher com um estilo de vida semelhante ao de Ryan. Assim como o personagem de Clooney, ela passa mais tempo em aeroportos do que em casa, e os encontros só acontecem quando coincide dos dois estarem perto entre uma viagem e outra. A segunda é a jovem Natalie Keener (Anna Kendrick), nova na empresa e criadora de um novo mecanismo de demissões que, para o desespero do protagonista, não exige que viagens sejam feitas: tudo será via internet.

É com a entrada dessas duas na história que Ryan começa a repensar seu moderno estilo de vida, que abre mão de antigos valores, que, segundo a ideologia do filme, são importantes, como o casamento, os amigos e a família. O diretor e co-roteirista Jason Reitman (Obrigado Por Fumar, Juno) trata essa transformação com muita sutileza, fugindo muito bem dos clichês em que poderia esbarrar - que são vários.

No fim das contas, a mensagem construída por Reitman pode até parecer piegas (apesar do filme nunca chegar a esse ponto) e conservadora, mas é extramente oportuna. Nada melhor para os americanos do que alguém dizendo que os valores da vida moderna, incluindo aí o tão sonhado sucesso profissional, vem bem atrás do carinho dos amigos e da família.

Não se engane com título nacional, Amor Sem Escalas é uma comédia dramática (e não romântica). As atuações são bilhantes (principalmente a de Kendrick). A trilha sonora e o roteiro também. É verdade que funciona melhor para o público norte-americano, que sofreu e ainda sofre os efeitos da crise econômica, mas isso não o impede de ser apreciado por qualquer outro público, nem que seja por mero entretenimento.

O Globo de Ouro 2011

2011-01-16T15:55:00.003-03:00

Mais do que um simples "termômetro" do Oscar, prêmio da HFPA acontece hoje.

Hoje (16/01) acontece no hotel Beverly Hilton na Califórnia a 68ª entrega dos Golden Globes - prêmio concedido pela Associação de Correspondentes Estrangeiros de Hollywood (entenda mais sobre o prêmio nesse texto).

Além de laurear os melhores do cinema e da televisão, o Globo de Ouro é conhecido também como um dos termômetros do mais importante prêmio do cinema norte-americano: o Oscar. Mas, diferentemente da premiação concecida pelos sindicatos, que possuem muitos votantes em comum com o prêmio da Academia, o Globo de Ouro é votado por jornalistas e funciona não como um indicador direto dos premiados, mas dos indicados.

Os membros da Academia, não tem tempo para assistir a todas as produções cinematográficas do ano (afinal, eles trabalham fazendo cinema, e não assistindo). Cabe, então, aos jornalistas da área - que, em razão do trabalho, assistem a quase tudo lançado por lá no ano - "selecionar" aquilo que, de fato, vale a pena ser visto.

Nesse sentido, podemos observar que o Globo de Ouro exerce uma influência bem maior do que um mero "termômetro" do Oscar. Influência essa que a jornalista brasileira (e votante) Ana Maria Bahiana definiu muito bem em seu texto de hoje no UOL Cinema ao dizer que os Golden Globes tem "a capacidade de desenhar o campo para cada disputa, abrindo espaço para o talento, a qualidade e a originalidade que de outra forma poderia passar despercebido no maior mercado audiovisual do mundo".

Deixando de lado essas questões, o fato é que a cerimônia do Globo de Ouro é muito mais descontraída e divertida de se assistir que a do Oscar, apesar dos esforços desse para tornar a sua premiação menos cansativa e burocrática. Para os Globos desse ano, falando de cinema, os grandes favoritos são A Rede Social e o inglês O Discurso do Rei, nos dramas, e Minhas Mães e Meu Pai, nas comédias.

O apresentador será mais uma vez o comediante britânico Rick Gervais e Robert De Niro é o homenageado da vez. A TNT transmitirá a premiação desde a chegada dos convidados até a entrega dos troféus, a partir das 22h, enquanto o E!, além da chegada dos convidados, a partir das 21h, mostrará, também, a festa pós prêmio, às 2h.

Crítica: Viagem a Darjeeling

2011-01-09T14:52:00.010-03:00

The Darjeeling Limited
EUA , 2007 - 91 min.
Direção:
Wes Anderson
Roteiro:
Wes Anderson, Roman Coppola e Jason Schwartzman
Elenco:
Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman

O barco de Zissou dá lugar a um trem, mas Wes Anderson continua falando de famílias

Lá pelo meio de Viagem A Darjeeling um dos personagens diz: “Gostaria de saber se nos três seríamos amigos na vida real. Não como irmãos, mas como pessoas”. É a prova cabal que Wes Anderson sabe mesmo o quanto as relações familiares são complicadas. Mas isso não precisava ser provado: o norte-americano sempre gostou de abordar o tema “família” em seus filmes, como fez em Os Excêntricos Tenenbaums (2001) e em A Vida Marinha com Steve Zissou (2004, leia a crítica). Em Viagem a Darjeling ocorre o mesmo - e tão bem quanto nos filmes anteriores.

Aqui, acompanhamos Francis (Owen Wilson), Peter (Adrien Brody) e Jack Whitman (Jason Schwartzman), três irmãos que não se viam desde o enterro do pai, a um ano atrás. A pedido de Francis, que recentemente sofreu um acidente que quase lhe custou a vida, os três reúnem-se novamente para uma viagem espiritual pela índia, a bordo do trem Darjeeling Limited, onde pretendem recuperar e reforçar os laços fraternos a muito tempo rompidos, além de encontrar a mãe (Anjelica Huston) que vive como missionária.

Se em Zissou Anderson usava o barco Belafonte para vagar lateralmente pelos cômodos com sua câmera, aqui, tal trabalho é feito sobre o Darjeling Limitada. Vagão por vagão, janelinha por janelinha, Anderson passeia com seu jeito todo peculiar de filmar, com enquadramentos simétricos, close-ups, e câmera movimentando-se na direção do personagem que fala.

Por falar em personagens, os daqui continuam tão bons quanto o dos trabalhos passados – ajudados pelo ótimo trabalho do trio principal. Eles não são tão esquisitos quanto os outros, é verdade, mas mantêm o mesmo poder de fácil identificação que nós faz ver um pouco da nossa família e nós mesmos na tela. Afinal, quem nunca pensou em fugir quando as coisas não iam bem ou ouviu aquela mesma musica pra relembrar uma ex-namorada?

Além do longa de 91 minutos, existe um curta metragem de 13 minutos que precede a exibição do filme. Intitulado Hotel Chevalier, o curta retrata o encontro acontecido antes da viagem entre o personagem de Schwartzman e sua namorada, interpretada por Natalie Portman. Filmado e escrito pelo próprio Anderson, Hotel Chevalier ajuda a entendermos um pouco mais do personagem e de alguns diálogos do filme vindouro.

Viagem a Darjeeling não é tão "ame-o ou deixe-o" como os outros trabalhos de Wes Anderson. O humor agridoce e os diálogos inusitados permanecem, mas a história não parece se passar em uma realidade alternativa como nos dois antecessores. Um excelente filme que trata de forma um pouco mais realista e menos esquisita (apesar de ainda ser) as famílias disfuncionais que Anderson tanto utiliza em seu cinema. Indicadíssimo.

Crítica: O Grande Truque

2010-12-31T15:16:00.011-03:00


4/5

The Prestige
EUA, UK, 2006 - 129 min.
Diretor:
Christopher Nolan
Roteiro:
Christopher Nolan, Jonathan Nolan
Elenco:
Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine

Um truque de mágica muito bem executado

Christopher Nolan, atualmente, é “O Cara” em Hollywood. O diretor, responsável pela revitalização do Batman nos cinemas, emplaca um sucesso atrás do outro. Seu último filme, A Origem (leia a crítica aqui), foi a quarta maior bilheteria do ano (faturou aproximadamente 825,4 milhões de dólares). Isso sem falar que é tido como nome certo entre os futuros indicados ao Oscar.

Em 2006, entre os dois filmes do Homem-Morcego, Nolan lançou O Grande Truque, que pode não ser Cult como Amnésia (2000) nem um autêntico blockbuster como Batman - O Cavaleiro das Trevas (2008), mas é um de seus melhores filmes.

A história, passada na Londres do final do século XIX e início do século XX, mostra-nos dois mágicos, Alfred Borden (Christian Bale, o Batman) e Robert Angier (Hugh Jackman, o Wolverine). Os dois ilusionistas, inicialmente amigos, desenvolvem entre si uma rivalidade exacerbada, que evolui ao ponto de levá-los a uma obsessiva e inacabável disputa para ver quem é o melhor.

No elenco, além de Bale e Jackman, estão Michael Caine (que viria a se tornar figura freqüente nos filmes do diretor), Rebecca Hall e Scarlett Johansson (dupla de Vicky Cristina Barcelona) - esta última em um papel pequeno e desinteressante. O camaleônico David Bowie e o "Gollum" Andy Serkis fazem uma pequena, mas importante, participação, como o cientista Nikola Tesla e seu empregado Alley, respectivamente. Tesla, para os menos entendidos, de fato existiu e foi um importante cientista do campo da eletricidade.

O roteiro dos irmãos Nolan, baseado no romance de Christopher Priest, apresenta uma história não-linear, com diferentes linhas narrativas que se cruzam e que, de hora em hora, mudam a nossa opinião a respeito de quem é o vilão e quem é o mocinho da história.

Se em A Origem temos sonhos dentro de sonhos, aqui o texto traz narrativas dentro de narrativas. São três no total, uma nascendo de dentro da outra e alternando-se para contar a história. Escrito parece complicado, mas, na tela, não é. Mérito da coesão do texto dos irmãos que, aliado a uma excelente montagem, não deixa o público se perder, construindo uma narrativa de fácil compreensão, apesar da sua estrutura complexa – virtude essa não presente em A Origem.

No início do filme, aprendemos que um truque de mágica é composto por três momentos distintos. A Promessa, na qual o mágico apresenta um objeto comum à platéia. A Virada, onde algo de extraordinário é feito sobre o objeto antes comum e, por fim, o Grande Truque, que é o momento principal da mágica, no qual ela encontra o seu desfecho, levando a platéia ao delírio.

O Grande Truque é como uma dessas mágicas, e Nolan, o mágico em questão, executa cada passo de forma tão envolvente e hábil que é preciso um final típico de Hollywood (daqueles explicadinhos) para que entendamos a sua grandiosidade.

Crítica: O Mundo Imaginário do Doutor Parnassus

2010-12-23T19:10:00.005-03:00


3/5

The Imaginarium of Doctor Parnassus

França, Canadá, UK, 2009 - 122 min.

Diretor:

Terry Gilliam

Roteiro:

Terry Gilliam, Charles McKeown

Elenco:

Heath Ledger, Christopher Plummer, Tom Waits, Andrew Garfield

O mundo imaginário de Terry Gillian

O norte-americano Terry Gilliam, homem por trás de clássicos como Monty Python em Busca do Cálice Sagrado (1975) e Brazil - Filme (1985), é conhecido pelas imensas dificuldades que enfrenta para finalizar seus projetos – isso quando consegue finalizá-los.

Com seu mais recente filme, O Mundo Imaginário do Doutor Parnassus (2009), não poderia ser diferente. Mais ou menos na metade das filmagens, Gilliam perdeu um de seus principais atores, Heath Ledger - vítima do uso abusivo de medicamentos.

Mas, com a imaginação que lhe é peculiar, Gilliam encontrou não só uma maneira de salvar o filme como, também, de homenagear o falecido amigo. Para isso, chamou Jude Law, Johnny Depp e Colin Farrell para substituir o ator nas cenas que ainda não haviam sido filmadas. Como isso foi possível? Ora, estamos falando de um filme de Terry Gillian...

Na história, conhecemos dr. Parnassus (Christopher Plummer), um homem de mais de dois mil anos que viaja mundo afora com seu pequeno circo itinerante, do qual fazem parte seu fiel, e pequeno, parceiro Percy (Verne Troyer), o jovem Anton (Andrew Garfield, de A Rede Social) e a bela Valentina (Lily Cole), filha de Parnassus. O velho senhor tem um longo histórico de apostas com Nick (Tom Waits), o Diabo, que está de volta para cobrar um de seus prêmios: Valentina, que logo completará 16 anos.

Angustiado com a iminente perda de sua filha para o tinhoso, Parnassus encontra em Tony (Ledger, Depp, Law e Farrel), um moribundo desmemoriado que junta-se à trupe, uma esperança de salvar Valentina, já que, com seu aparecimento, é feita uma nova proposta pelo Diabo: aquele que mais rápido conseguir 5 almas, fica com a moça.

É no imaginarium, espelho mágico de Parnassus, que acontecem as disputas pelas almas. O espelho cria um mundo novo de acordo com a imaginação de quem o adentra – possibilitando até que alguém se transforme em quatro.

É nele que o filme ganha um ar “terrygilliano”. A londres suja e úmida do mundo real dá lugar a um lugar cheio de criaturas e situações surreais que facilmente nos remetem às animações criadas pelo diretor em sua época de Monty Python.

Mas não é esse o principal do filme. Na verdade, o tom onírico é só uma conseqüência (e das boas) da presença de Terry Gilliam por trás das câmeras. As principais virtudes de O Mundo Imaginário... são a história e os personagens (todos bem construídos e interpretados).

O último filme de Heath Ledger tende a ser apreciado por um público restrito, afinal, Terry Gilliam será um eterno cult. Seus trabalhos são como o imaginarium do filme, e nem todos estão preparados para adentrar a sua mente insana.

Crítica: Skyline – A Invasão

2010-12-18T12:21:00.020-03:00

2/5

Skyline

EUA, 2010, 94 min.

Direção:
Colin Strause, Greg Strause

Roteiro:

Joshua Cordes, Liam O'Donnel

Elenco:

Donald Faison, Eric Balfour, David Zayas

Um filme B com efeitos especiais de filme A

Hoje em dia, é possível produzir um filme com efeitos especiais de ponta sem que rios de dinheiro sejam gastos. Distrito 9 é um bom exemplo disso: Na ficção científica produzida por Peter Jackson foram gastos “meros” 30 milhões de dólares - quantia baixíssima para uma produção do gênero.

Com essa tendência de barateamento técnico, é natural que filmes de segunda linha passem a apresentar bons efeitos especiais, o que em parte, pode tirar sua essência de filme B. Mas não é isso o que acontece em Skyline – A Invasão (cujo orçamento foi apenas de 10 milhões de dólares), que, no começo, até disfarça, mas logo mostra sua real natureza trash – e é ai que o filme fica divertido.

Na história, Jarrod (Eric Balfour, o Eddy de The OC) e sua namorada Elaine (Scottie Thompson) vão passar um final de semana em Los Angeles, na cobertura do seu milionário amigo Terry (Donald Faison, da série Scrubs). Depois da festa, os amigos são acordados por estranhas luzes vindas de fora das janelas, e que atraem , misteriosamente, aqueles que as olham diretamente. Daí para descobrir que se trata de uma invasão alienígena é um pulo.

Os irmãos Colin Strause, Greg Strause (os culpados por Aliens Vs. Predador: Requiem) não escondem a preferência dada ao aspecto técnico em detrimento dos demais. Só assim para escalarem um grupo de atores tão ruins. Isso sem falar do roteiro extremamente superficial, que não cria um mínimo de identificação entre os personagens e o público. Ou seja, um desastre.

No entanto, em determinado momento (na metade, aproximadamente) a natureza trash do filme, antes maquiada pelos efeitos de ponta, começa a aparecer. Personagens começam a desenvolver super-poderes (com direito a um espancamento de alien com placa de cimento); cérebros passam a ser devorados e pessoas, cuspidas do interior de aliens. Isso sem falar da cena final, que, com chave de ouro, sela essa metamorfose trash – tal qual aquela sofrida pelo personagem de Jeff Goldblum, em A Mosca.

Essa transformação não salva Skyline – A Invasão, que continua sendo um péssimo filme, mas, mesmo que involuntariamente, o torna um pouco mais divertido.

Para os irmãos Strause , Skyline representou não só mais um filme ruim no currículo, mas uma possível ação judicial tendo a Sony Pictures como autora. Já que a empresa de efeitos especiais da qual os dois fazem parte, a Hydraulx, está prestando serviços para a Sony em um filme nos mesmos moldes, chamado Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles - o que pegou um pouco mal para os irmãos.

Deixando o aspecto jurídico de lado, Skyline – A Invasão, apesar de ruim, é capaz de entreter e, até mesmo, divertir, mesmo que faça isso involuntariamente. Um filme B, escondido entre alguns efeitos especiais, mas que, no fim das contas, não engana ninguém.

Crítica: Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos

2010-12-09T22:19:00.010-03:00

3/5

You Will Meet a Tall Dark Stranger
EUA , 2010 - 98 minutos

Direção:
Woody Allen

Roteiro:
Woody Allen

Elenco:
Gemma Jones, Naomi Watts, Josh Brolin, Anthony Hopkins, Antonio Banderas

Woody Allen e a insignificância da vida

Em seus últimos filmes, Woody Allen apresentou o que o crítico Marcelo Hessel chamou de crônicas comportamentais. São filmes singelos, focados nos dramas cotidianos, quase que banais, dos personagens, e que terminam com algum tipo de conclusão moral ou filosófica – sempre fornecidas pelo narrador, seja ele personagem ou não.

Foi assim em Vicky Cristina Barcelona, foi assim em Tudo Pode Dar Certo e é assim em Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos – o mais fraco dos três.

Na história do novo filme, somos rapidamente apresentados a vários personagens, cada um deles com seus “pequenos” dramas pessoais. Alfie (Anthony Hopkins) já não agüenta mais viver com a esposa Helena (Gemma Jones), que parece não acompanhar o seu estilo de vida jovial, e a troca pela jovem Charmaine (Lucy Punch). Sally (Naomi Watts), filha de Alfie e Helena, também não vai bem em seu casamento com o escritor frustrado Roy (Josh Brolin), o que a faz investir na relação com Greg (Antonio Banderas), seu chefe e dono de uma galeria de Arte. Roy, por sua vez, vive com a angústia de não conseguir emplacar outro livro de sucesso e encontra na jovem Dia (Freida Pinto) um consolo.

Com tantos e diferentes personagens, Allen mostra que aquilo que está dizendo acontece e se aplica, de fato, a todas as pessoas. O neurótico diretor ilustra seu pensamento com um trecho de Macbeth, famosa tragédia shakespeariana : “Fora! apaga-te, candeia transitória! A vida é apenas uma sombra ambulante, um pobre cômico que se empavona e agita por uma hora no palco, sem que seja, após, ouvido; é uma história contada por idiotas, cheia de fúria e muita barulheira, que nada significa”.

Ou seja, não devemos nos preocupar tanto com os nossos problemas, afinal, a vida não significa muita coisa. E, no fim das contas, todos nós encontraremos o estranho moreno e alto a que o título original se refere (piada perdida com a adaptação nacional).

Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos não é um trabalho melhor que os dois anteriores de Allen - Vicky Cristina Barcelona tem melhores personagens e Tudo Pode Dar Certo é bem mais divertido. No entanto, mantém a perspicácia típica dos trabalhos do cineasta. Os diálogos são ótimos e a mensagem, mais uma vez, passeia entre o otimismo e o pessimismo. Como seus últimos filmes, esse não irá marcar a extensa carreira do diretor, mas, ainda assim, vale a pena assistir.

Crítica: Scott Pilgrim Contra o Mundo

2010-12-03T12:25:00.005-03:00

4/5

Scott Pilgrim versus the World

EUA, Inglaterra, Canadá , 2010 - 112 min.

Direção:

Edgar Wright

Roteiro:

Edgar Wright, Michael Bacall, Brian Lee O'Malley

Elenco:

Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead, Jason Schwartzman

A linguagem pop elevada à potência máxima

Quando teve seu painel apresentado na principal sala do primeiro dia da Comic-Com 2010, conhecida como a maior feira nerd do ocidente, Scott Pilgrim Conta o Mundo (adaptação para o cinema da HQ de Bryan Lee O'Malley) empolgou todos os presentes, causando grande expectativa em relação à sua estréia.

No entanto, quando finalmente estreou, o filme que parecia um sucesso certo, foi um fracasso de público, não conseguindo nem mesmo pagar o seu custo. Uma pena, pois o filme do diretor Edgar Wright (o mesmo de Todo Mundo Quase Morto, 2004), além de extremamente divertido, apresenta uma maneira nova de adaptar para as telas os quadrinhos e os games.

Na história, Scott Pilgrim (Michael Cera, que mais uma vez interpreta a si mesmo, coisa que ninguém pode fazer melhor) é um roqueiro “pós-adolescente” de Toronto que se apaixona pela estadunidense Ramona Flowers ( Mary Elizabeth Winstead, de À Prova de Morte), mas, para que possa ficar com a garota de cabelos coloridos, Pilgrim terá de enfrentar seus Sete Maléficos Ex-Namorados, que são vividos por atores dentre os quais estão Jason Schwartzman (Três é Demais), Chris Evans (Quarteto Fantástico) e o ex-superman Brandon Routh.

O ritmo que Writght emprega ao filme é frenético. A edição é surtada: os diálogos, às vezes, começam antes mesmo da cena da qual fazem parte chegar – como na conversa entre Scott e sua namorada teenager (vivida por Ellen Wong) na loja de discos. A tela está sempre lotada de informações, sejam elas placas com características dos personagens ou onomatopéias, no caso de alguém bater na porta ou o telefone tocar.

Writght domina muito bem a linguagem pop que se propõe a usar e a eleva à potência máxima – sendo justamente essa característica um dos principais fatores que levaram Scott Pilgrim Contra o Mundo fracassar nas bilheterias.

Afinal, agradar às pessoas da Comic-Com com um filme nesses moldes é compreensível, levando em consideração que a maioria ali está familiarizada com todos os elementos loucamente maximizados por Wright, mas querer que o grande público compre a idéia de inexplicáveis batalhas épicas envolvendo super-poderes e personagens com mais de uma “vida” é forçar a barra demais – apesar de eu adorar tudo isso no filme.

Scott Pillgrim é um filme corajoso, que inova ao criar uma estética visual, por incrível que pareça, nunca antes utilizada em adaptações de quadrinhos ou videogames. É um filme que funciona apenas para um grupo específico de pessoas, mas que faz isso de maneira grandiosa.

Exceções de Adam Sandler

2010-09-28T22:00:00.021-03:00

Nem só de filmes ruins com Rob Schneider é composta a filmografia do ator

Semana passada, estreou por aqui Gente Grande - mais um dos filmes sem graça de Adam Sandler no qual ele interpreta a si mesmo. Esses filmes (que se tornam piores quando contam com a participação de Rob Schneider e roteiro do próprio Sandler) são a regra na carreira do comediante oriundo do Saturday Night Live.

Mas, como toda boa regra, essa também comporta exceções. São filmes nos quais Sandler sai do estereótipo moldado por ele mesmo, surpreendendo nem que seja só pela sua presença no filme.

É o caso de Embriagado de Amor (Punch-Drunk Love, 2002) que pelo título e a participação de Sandler como personagem principal pode frustrar muita gente. O filme de Paul Thomas Anderson (Magnólia, Sangue Negro) não é o que parece, e é um dos mais estranhos já feitos no âmbito das comédias românticas (que trilha sonora é aquela?)

Nele, Sandler vive o problemático Barry (papel que lhe rendeu um Globo de Ouro), o irmão mais novo de sete irmãs, que, no que seria um dia comum, presencia um acidente de carro, tem um piano largado na frente de sua casa e conhece Lena Leonard (Emily Watson), o amor de sua vida.

O filme conta com ótimos diálogos ("Eu amo tanto você que queria arrancar os seus olhos e chupá-los...") e situações non sense de altíssimo nível - como se a premissa já não fosse o bastante. Um bom e esquizito filme.

Em 2004, Adam fez Espanglês (Spanglish), do vencedor do Oscar James L. Brooks, onde contracena com Paz Vega (Lúcia e o Sexo) e Téa Leoni (Dirigindo no Escuro). O filme é mais um daqueles que são vendidos por aqui como comédias românticas, mas, na realidade, não o são. Vale a pena ser conferido (nem que seja para admirar a beleza espanhola de Paz Vega).

Mas se em Embriagado de Amor e Espanglês Sandler mantinha a essência humorística, no drama Reine Sobre Mim (Reign Over Me, 2007) ele sai um pouco desse caminho, não sendo nem mesmo o escape cômico do história, esse ficando a cargo do talentoso Don Cheadle.

Na trama, Sandler vive um pai de família que perdeu a mulher e as filhas no atentado terrorista de 11 de setembro. Don Cheadle vive o dentista Alan, amigo dos tempos de faculdade, que vai tentar salvar o personagem de Sandler do estado de choque em que se encontra desde fatídico dia. O filme tira o foco da destruição material causada pelo atentado e o direciona para as consequências emocionais que o evento causou na família das vítimas.

Sandler não cai na caricatura - o que é notável diante do personagem que enfrenta - e emociona em muitos momentos (a cena em que seu personagem se desculpa e beija o rosto da mãe de sua falecida mulher, como diria Nasi, "não dá pra segurar").

Esses são três filmes que (somados ao recente Tá Rindo do Quê?) comprovam que Adam Sandler tem seus bons momentos como ator e pode sim fazer filmes interessantes. O estranho é entender o porquê de sua preferência pelas já sem graça comédias que o tornaram conhecido.

Crítica: Amor à Distância

2010-09-19T15:33:00.033-03:00

Going the Distance
Estados Unidos, 2010 - 102 min
Direção:
Nanette Burstein
Roteiro:
Geoff LaTulippe
Elenco:
Drew Barrymore, Justin Long

Uma autêntica e, pasmem, boa comédia romântica

Para muitos, comédia romântica é sinônimo de filme ruim. É difícil contra-argumentar esse tipo de pensamento, já que, todos os anos, inúmeras comédias românticas são lançadas seguindo uma fórmula pré-concebida, que esquece qualquer tipo de aspecto artístico para lembrar apenas de interesses comerciais. O público tem sua parcela de culpa: É ele quem lota as salas de cinemas para assistir aos "enlatados", sob o falso pretexto de diversão descompromissada.

Mas, vez ou outra, aparece alguém para mostrar que é possível produzir uma comédia romântica descompromissada, leve, que não faça feio nas bilheterias nem subestime a inteligência do espectador.

Recentemente, temos o exemplo de 500 Dias com Ela, que traz todos os elementos típicos das comédias românticas subvertidos dentro de uma gigantesca roupagem "indie". Mas Amor à Distância é um melhor exemplo de boa comédia romântica, pois não subverte ou cria nada. Trabalha com a mesma fórmula que tanto estamos acostumados a ver.

O filme, dirigido pela documentarista Nanette Burstein, trata de um tema muito em pauta e de fácil identificação hoje em dia: os relacionamentos à distânca (como o título já entrega...). Erin (Drew Barrymore) é uma aspirante a jornalista de São Francisco; Garret (Justin Long) um frustrado produtor musical de Nova York. Os dois desenvolveram um relacionamento enquanto ela estagiava em um jornal da cidade dele. Com o fim do estágio, a moça teve de voltar para a sua cidade e, descumprindo o que haviam combinado inicialmente, os dois decidem manter o relacionamento, mesmo morando em cidades diferentes.

Da estrutura narrativa aos personagens secundários (e Drew Barrymore também), tudo é bem típico das comédias românticas. Mas se é assim, o que faz de Amor à Distância um filme diferentes do "enlatados" citados no começo do texto?

A simples (mas valiosa) capacidade de navegar por um determinado gênero sem cair na banalidade. O roteirista Geoff LaTulippe utiliza cada um dos cânones das comédias românticas, só que de forma divertida e interessante, o que, na essência, eles são mesmo - desde que bem trabalhados. Aqui, não nos deparamos só com a vontade de agradar a um público fácil, tal intenção existe, é claro, mas somada à outra: a de fazer um bom filme.

Amor à Distância pode não ser o filme do ano, mas é mais um que colabora com a ideia de que diversão descompromissada não é diversão burra. E, em tempos como os de hoje , isso deve ser valorizado.

Crítica: Chico Xavier

2010-09-13T14:42:00.020-03:00

Chico Xavier
Brasil, 2010 - 125 min
Diretor:
Daniel Filho
Roteiro:
Marcos Bernstein
Elenco:
Nelson Xavier, Tony Ramos, Cássia Kiss

O filme merece o apelo que tem?

Antes de começar a tecer meus comentários acerca do filme, lembre-se que este é um blog de cinema e que não tem nenhum intuito de fazer apologia a nenhuma religião, todos os comentários serão baseados unicamente nos meus (humildes) conhecimentos sobre a sétima arte. Dito isto, comecemos.

A história de Chico Xavier é conhecida e admirada por grande parte dos brasileiros e até mesmo no mundo, não somente aos espíritas mas até mesmo aqueles que simpatizam com a figura do médium. Coube então ao diretor Daniel Filho (Se Eu Fosse Você 1 e 2) colocar nas telas, junto ao roteiro de Marcos Bernstein, a trajetória da vida deste ser que, para os mais fervorosos foi um santo e para os mais céticos, no mínimo, uma pessoa diferente, intrigante. A direção de Daniel, conhecido por ser um diretor um tanto marqueteiro ou que dirige apenas filmes sem muito conteúdo, consegue colocar a película em nenhuma das duas categorias. De fato o filme cria um vínculo com quem o assiste, a história é contada com uma eficácia que poucos diretores nacionais possuem, não fica andando em círculos e é objetiva mesmo com pouco mais de duas horas de metragem. Por isso a mensagem chega ao público com tamanha facilidade e essa é uma das razões pelo filme ser bastante cultuado.

O começo do filme, no entanto, é um tanto pesado no tocante da atuação: há a clara impressão de pouca naturalidade por parte dos atores, somando isso a alguns defeitos técnicos, principalmente na parte do som (no começo achava que era um defeito na sala de cinema, depois ao ver em DVD confirmei) onde nem sempre o som corresponde ao que está sendo visto, faz o filme começar com uma péssima impressão. O diretor comete exageros nas primeiras seqüências, e são esses exageros que resultam nessa falta de naturalidade. Na comédia, Daniel Filho consegue explorar o máximo dos seus atores, no drama isso não acontece com tanta freqüência. Porém esses defeitos são remediados, os atores mostram firmeza e segurança nas suas performances ao decorrer do filme, destaque para Tony Ramos e Christiane Torloni que fazem o casal Orlando e Glória, eles têm seu filho assassinado e possuem certo medo da mediunidade. O casal forma a única história paralela à figura central do filme e transbordam em emoção na seqüência final. Os elementos ficcionais que são inseridos também mostram eficiência e contam com emoção as tantas histórias de famílias que foram amparadas por Chico.

O personagem de Chico, representado em três fases por três atores: Matheus Costa na infância, Ângelo Antônio na fase adulta e Nelson Xavier como idoso, merece uma análise a parte. A transposição temporal entre cada fase é feita com perfeição e o personagem evolui a cada transposição, não só no que corresponde a figura real de Chico Xavier, mas também aos atores. O que incomoda durante o filme é a visão paternalista, quase messiânica que se deu a ele, mesmo em momentos que desgastariam emocionalmente qualquer pessoa e com sensações ruins das mais diversas, Chico jamais perdia a serenidade, bondade e calma. É um tanto controverso analisar isso, eu não conheci Chico Xavier, mas será que ele era tão calmo, bondoso e paternalista assim que não haviam momentos de tristeza ou explosão? Isso tira a humanidade do personagem, deixa-o menos palpável.

Há também as mancadas: a cena do avião é, no mínimo, carregada de vergonha alheia. Não sei se pela comicidade da situação ou porque o ator André Dias não conseguiu entrar no espírito (e falo isso sem trocadilhos) do personagem Emmanuel. O fato é que a cena chega a ser constrangedora, mesmo com o próprio Chico falando dela durante os créditos.

Outro ponto bastante positivo é que ele trata o espiritismo com sobriedade e seriedade, sem fazer ‘firulas’ ou engrandecer a religião. Fascina, faz as pessoas ficarem curiosas, não pelo apelo mas sim pela história contada. O fato é que Daniel Filho consegue acertar mais do que errar, Chico Xavier é um bom filme, mas não é uma maravilha cinematográfica. Fica aqui o questionamento: será que mesmo sem o apelo religioso citado, Chico Xavier é um filme que merece todo esse apelo do público? A crítica é unânime: o filme tem seus pontos positivos, mas nem de longe é o melhor que o cinema nacional produziu. Acredito que o público, ao ver um filme principalmente de cunho religioso, devia livrar-se destes mesmos preceitos e ser mais crítico.

Nosso Lar, que vem como uma sequência de filmes sobre o médium (uma espécie de trilogia sobre Chico Xavier, que será sucedido por As Mulheres de Chico Xavier), também será analisado por mim em um futuro próximo, afinal também está cotado para ser um dos filmes candidatos ao Oscar.

Crítica: Encontros e Desencontros

2010-09-04T19:27:00.034-03:00

5/5

Lost In Translation
Estados Unidos, 2003 - 105 min
Diretor:
Sofia Coppola
Roteiro:
Sofia Coppola
Elenco:
Bill Murray, Scarlett Johansson

"For relaxing times, make it Suntory time"

Quando, em 1990, Sofia Coppola apareceu como Mary Corleone na terceira parte de O Poderoso Chefão, a impressão que se teve foi que a moça só estava ali por causa do seu papai Francis. E, de fato, era isso mesmo. Até Framboesa de Ouro a moça recebeu. Atuar não era com ela, mas dirigir (e escrever) sim. Ela lançou essa suspeita com Virgens Suicidas (1999) – sua estréia na direção – e confirmou com Lost In Translation, seu trabalho seguinte, chamado de Encontros e Desencontros, por aqui.

No filme, Sofia conta a história de Bob Harris (Bill Murray, em seu melhor trabalho no cinema), um decadente ator em plena crise da meia-idade e Charlotte (Scarlett Johansson, linda e talentosa), uma jovem recém formada em Filosofia que ainda não sabe bem o que fazer.

Os dois estão hospedados no mesmo hotel em Tóquio. Ele para participar de alguns comerciais (“ao invés de estar atuando em alguma peça”, como mesmo diz), e ela acompanhando seu marido (Giovanni Ribisi), com quem casou a pouco tempo. Em comum: o fato de estarem perdidos na vida.

É a relação dos dois o ponto central do filme. Como um encontra no outro uma ligação, por mais passageira que seja, com o mundo, e Tóquio aparece como metáfora perfeita para o sentimento de “deslocamento” dos dois.

Do chuveiro mais baixo ao templo budista, o choque cultural é imenso – e engraçado. Não tem como não rir dos olhares incrédulos e cínicos que Murray faz com cada situação. Sofia acerta ao tratar com sutileza a diferença cultural. A capital japonesa não se transforma em uma caricatura. Ela só é... Diferente.

A relação de companheirismo criada entre o dois personagens centrais é bonita e delicada, algo que transcende o físico (só há um único beijo entre os dois no filme). E esse é um dos diferenciais do relacionamento: não vemos duas pessoas procurando um grande amor ou algo do tipo. São só duas pessoas solitárias que não querem se separar.

O filme foi bastante elogiado pela crítica e arrastou algumas indicações e prêmios importantes – como o de Melhor Roteiro Original do Oscar –, e hoje é Cult. Sofia Coppola, apesar de ter poucos filmes em seu currículo, já se mostra uma diretora madura. Seu novo filme, Somewhere – o quarto da carreira – é grande favorito na disputa do Festival de Veneza 2010. Enfim, ainda bem que ela desistiu de ser atriz.

Crítica: Persépolis

2010-08-29T12:48:00.008-03:00

Persépolis

(Persepolis, 2007)

Roteiro: Marjane Satrapi (quadrinhos, romance, roteiro), Vincent Paronnaud (roteiro)
Direção: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
Elenco: Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve

Uma animação fantástica que toca e inspira a quem a assiste

Ao ver um filme de animação, acabamos por mudar os olhos de uma forma mais preconceituosa e por vezes até arrogante. Subestimamos o valor do cinema de animação como os mais novos olham com desdém ao cinema mudo, não conseguem vislumbrar que por trás de um filme de ‘desenho’, que demorou meses e as vezes até anos para ser feito, existe uma mensagem maior do que aquela que salta de cara aos olhos. Poderia citar um monte de filmes de animação que realmente elevam o cinema ao status de arte, mas eu acho que Persépolis é o exemplo perfeito, pois é daquelas obras que você jamais esquece. É como ver um quadro de Picasso e perceber que ele é singular pela forma que as tintas estão dispostas, é como ouvir Beethoven e sentir uma emoção e um prazer em cada nota, fechar os olhos e viajar pelo piano forte ou o violino suave. Persépolis não é o melhor filme do mundo, mas com certeza vai te marcar de uma forma singular.

A obra é o retrato animado dos quadrinhos lançados por Marjane Satrapi que conta sua trajetória em meio as guerras e revoluções que assolavam o Irã na década de 80. É a trajetória de uma menina que queria levar uma adolescência como gostaria que fosse. Porém vivia em uma sociedade em que as meninas tinham que cobrir sua cabeça dos pés as cabeças, não podiam namorar e nem utilizar coisas que lembrassem a cultura ocidental. Marjane só queria usar um tênis Nike, depilar as pernas e poder escutar Iron Maiden, e ela achava (com razão) que isso era ela querendo ser ela mesma e não sendo mais um daqueles robôs.

O pensamento de Marjane se externa no filme não pelas suas falas ou ações mas sim pelo jeito que ela retrata sua vida e o seu país no filme, como ele é quase todo em flashback a maior parte dele é em preto, branco e cinza, os funcionários do regime são todos homens barbudos e de fisionomia idêntica, os policiais, as freiras do internato, todos são retratados de uma forma semelhante pois para ela são como um bando de alienados que se vestem e se comportam da mesma maneira e que juram lutar por algo que os valha quando na verdade são paus mandados de um governo que busca para o povo uma falsa identidade. Seus pais, vendo que sua filha não cresceria decentemente ali mandam Marjane para a Áustria.

Lá ela conhece pessoas novas e tem seus maiores conflitos internos, conhece homens e se desilude com eles, dorme na rua, consome drogas e quando vê que aquilo não é para ela, decide voltar para o Irã. E lá se depara com uma situação ainda pior, 1 milhão de pessoas mortas nas revoluções, amigos em situação pior do que ela, o país em busca de identidade e que não deixa seus cidadãos irem em busca da sua, apoiados em uma moral religiosa que simplesmente não procede na maneira de tratar homens e mulheres em igualdade.

Persépolis te prende de uma forma indignante, não só porque você fica indignado com as injustiças e opressões, mas porque você se mostra solidário com a situação de Marjane durante o filme e por vezes até se identifica de forma pesada. De alguma forma ou de outra você se reconhece em determinada situação do filme, sabe o que ela passa. Persépolis é um filme que poderia retratar a vida de qualquer pessoa em qualquer país, independente das dificuldades que ela enfrenta. Cenas marcantes te fazem ir junto dela como a engraçadíssima cena em que ela canta Eye of the Tiger do Scorpions (mais engraçado é ela cantando naquele sotaque francês), quando ela desfigura o namorado que a traiu e ao falar com Deus quando é pequena e quando tenta se suicidar. Marjane é a personagem central e principal, porém existe uma figura central e a qual as ações de Marji estão direta ou indiretamente ligadas: sua avó materna. Ela é o fio condutor da linha de pensamento de Marji, ela ampara, corrige e mostra o caminho que a garota deve seguir. Por vezes ela pensa no que a avó faria ou diria, muito pela sua ligação. Essas coisas estão ainda mais presentes e marcantes quando ela lembra das coisas que a avó fazia, como quando ela dizia que colocava jasmins no sutiã e ficava na memória de Marjane toda vez que ela se despia e caíam as flores de jasmim dos seios. Quem teve infância com a avó ou foi intimamente ligado será profundamente tocado.

De um ponto de vista técnico a animação é completamente diferente dos desenhos americanos ou japoneses, a direção de animação fica por conta do francês Vincent Paronnaud e é singular na forma do traço e na forma de animar. É tão única que se o filme fosse feito por atores reais não seria tão bem retratado.

Persépolis é o filme que não precisa só estar na sua cabeça, mas também na sua estante.

Crítica: O Último Mestre do Ar

2010-08-22T20:01:00.018-03:00

O Último Mestre do Ar
(Last Airbender, The, 2010)

Direção: M. Night Shyamalan
Roteiro: M. Night Shyamalan
Elenco: Noah Ringer, Dev Patel, Nicola Peltz, Jackson Rathbone

Um filme de aventura/fantasia comum, só que com um foco diferente

Avatar: A Lenda de Aang, animação da Nickelodeon, ganhou uma adaptação em live action para os cinemas sob o comando de M. Night Shyamalan. O controverso diretor, acostumado a roteiros originais e tramas de mistério nas quais predominam o diálogo, trabalha aqui com material adaptado, muitos efeitos especiais e cenas de ação – sem falar de um público consumidor bem mais novo.

Mas Shyamalan, apesar do material pouco característico, consegue empregar o seu estilo ao filme. O misticismo e as questões interiores são supervalorizadas em detrimento da ação, o que pode decepcionar muita gente, inclusive fãs, mais acostumados e ávidos por um cinema mais espetaculoso. Em O Último Mestre do Ar (nome que o filme recebeu por causa do outro Avatar) tem ação, as cenas de lutas são interessantes (como no desenho), bem filmadas, mas não é isso que Shyamalan quer mostrar.

Ele quer mostrar o drama pessoal do garoto Aang. Ele é o Avatar, o único dentre todas as Nações que consegue manipular os quatro elementos e comunicar-se com os grandes espíritos. Tem para sim a missão de equilibrar a relação entre as quatro Nações existentes (a Tribo das Águas, o Reino da Terra, a Nação do Fogo e os Nômades do Ar). É uma trama profunda e dramática que, no desenho, ganha grande inserção cômica para não se tornar pesada para o público predominantemente infantil. Aqui, Shyamalan esquece um pouco o lado cômico e aposta na espiritualidade.

Acostumado a roteiros que devem esconder e não expor, o indiano se atrapalha um pouco ao introduzir o expectador nessa complicada história. É muita informação para se dar em tão pouco tempo.

O elenco também não ajuda. É o pior grupo de atores que Shyamalan já trabalhou em toda a sua carreira. Não só as crianças, mas também os adultos. Todos são péssimos atores. Com destaque (negativo, é claro), para Aasif Mandvi, o Comandante Zhao, e o protagonista Noah Ringer, que parece ter saído do elenco mirim das novelas da globo.

Em um filme que poderia se tornar um show de pirotecnia, Shyamalan dá segundo lugar à ação e foca nos dramas internos. O que não necessariamente torna o filme bom, é apenas um diferencal. Na verdade, seus defeitos são bem evidentes: a falta de ritmo, os atores, o roteiro. O filme foi tido como uma bomba pelos críticos norte-americanos. Eles, é claro, exageram nos defeitos quando se trata de Shyamalan, que já não dá mais ouvidos. Melhor assim.

Crítica: A Origem

2010-08-14T20:25:00.027-03:00

A Origem

(Inception, 2010)

Direção:

Christopher Nolan
Roteiro:

Christopher Nolan
Elenco:

Leonardo DiCaprio, Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ken Watanab

Assim como seu diretor, A Origem é bom, mas nem tanto

A expectativa em torno de A Origem era imensa. O filme nem havia estreado e já era um dos assuntos mais comentados no mundo (leia-se internet). Ora, mas tal expectativa tem fundamento: A Origem é o novo filme de Christopher Nolan, diretor de Amnésia e de Batman – O Cavaleiro das Trevas.

Apesar da carreira relativamente curta, Nolan já é endeusado por alguns, é “o único a fazer cinema inteligente em Hollywood”, “gênio”, “vanguardista” e tudo mais aquilo que dizem quando um talento assim surge.

Mas vamos com calma. Nolan é bom, mas não como dizem. Ao seu A Origem se aplica a mesma idéia. É bom. Mas nem tanto.

A história nos mostra Cobb (Leonardo Di Caprio, sempre bem), um especialista em invasões de sonhos que, junto de sua equipe, invade a mente de suas vítimas e rouba ideias nelas contidas, normalmente segredos industriais.

Impedido de entrar nos EUA, Cobb, ainda afetado pela morte da mulher (Marion Cotillard), vê a chance de voltar para junto de seus filhos quando Saito (Ken Watanabe) propõe um trabalho diferente para ele: não roubar, mas gerar uma idéia.

Então ele e sua equipe, composta por Arthur (Joseph Gordon-Levitt), Eames (Tom Hardy), Yusuf (Dileep Rao), a novata Ariadne (Ellen Page) e o próprio Saito, que quer fiscalizar o trabalho de perto, todos com tarefas bem definidas, partem com tudo planejado para o trabalho, mas, é claro, em algum momento (que não tarda) tudo começa a dar errado.

A Origem não é inovador nem revolucionário. Na verdade, trabalha com fórmulas já conhecidas, inclusive de outros filmes de Nolan. A estrutura é a mesma dos filmes de assalto. O tema, conhecido de outros filmes (Matrix, Paprika, só para citar dois). Mas, se é assim, por que todo esse alarde em torno de A Origem?

A resposta é formada por três partes: (a) Nolan é um diretor que sabe usar as expectativas a seu favor (ao contrário de Shyamalan), (b) Resultado de um incrível trabalho de promoção – que apostava no mistério – e, o principal, (c) O filme tem lá suas qualidades – técnicas principalmente.

Esse é um daqueles filmes que se deve assistir em uma tela gigante, com um sistema de som anabolizado. O impacto visual é imenso (uma cidade é dobrada na nossa frente!). Os efeitos visuais e sonoros, as cenas de ação (sempre muito bem dirigidas por Nolan), tudo isso mais a robusta trilha sonora de Hans Zimmer dão ao filme um ar de grandioso.

Isso mais um roteiro bem elaborado (complicado mas não complexo) dão a falsa a impressão que A Origem é uma obra-prima. É um bom filme (bem dirigido, escrito e atuado), mas que não é tudo o que acham e dizem. Com o tempo, quando essa aura santa sobre Nolan se dispersar, vai perder um pouco o seu valor. Num processo que chamo de cult às avessas.

Crítica: Noivo Neurótico, Noiva Nervosa

2010-07-25T12:53:00.082-03:00

Noivo Neurótico, Noiva Nervosa
(Annie Hall, 1977)
Direção:
Woody Allen
Roteiro:
Woody Allen, Marshall Brickman

Elenco:
Woody Allen, Diane Keaton

Décadas após o seu lançamento, clássico de Woody Allen continua atual

Alguns filmes têm a incrível capacidade de permanecerem sempre atuais. O tempo passa, mas o filme não se torna datado, e, justamente, por isso tem sua fórmula usada repetidas vezes por outros. Um exemplo clássico desse caso é (o também clássico) Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, de Woody Allen.

Dirigido, co-escrito e estrelado por Allen, o filme começa com o personagem central, Alvin Singer (Allen, com seu jeito peculiar de falar) conversando com a platéia – artifício muito usado pelo diretor – sobre si, sobre seu relacionamento recém-terminado com Annie (Diane Keaton) e como vem mentalmente montando pedaços dessa relação, buscando entendê-la. É dessa forma que tudo prossegue, como uma reunião aleatória de trechos desse relacionamento, indo e voltando no tempo, mostrando como foi a vida do casal.

O filme é muito bem escrito, sendo composto, como é normal nos textos de Allen, por diálogos rápidos e divertidos, tratando de forma profunda e inteligente o relacionamento entre os dois personagens, mas de uma maneira leve, descontraída.

É, também, inventivo na forma como nos conta a história. Tela divididas, personagens quebrando a quarta parede, “viagens no tempo” e até um trecho em animação são alguns dos artifícios usados por Allen, que, somados a uma edição dinâmica, dão ao filme um ar moderno. Uma cena em especial é muito famosa: aquela onde os personagens de Allen e Keaton conversam e vemos, sobre as falas, o que eles estão pensando.

Keaton (a melhor das musas de Allen) teve o papel escrito especialmente para ela (Annie Hall é um apelido seu), e por isso, talvez, esteja tão à vontade interpretando a si mesma. O jeito atrapalhado e o figurino unissex composto por gravatas, coletes e camisas largas fizeram muito sucesso entre as mulheres da época.

Entre muitos outros prêmios, Noivo Neurótico, Noiva Nervosa recebeu 4 Oscars – Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Atriz e Melhor Roteiro Original. Foi o único trabalho de Allen a receber tantos Academy Awards (ele só receberia outro, pelo roteiro de Hanna e Suas Irmãs), talvez pela atitude do diretor, que não compareceu à cerimônia, pois tinha, como em todas as segundas-feiras, de tocar clarinete com sua banda de Jazz em um pequeno bar...

Clássico das comédias românticas, tem influência incrível sobre a maioria dos filmes sobre casais e discussões de relacionamentos que vemos por aí. Antes do Amanhecer, Prova de Amor, 500 Dias com Ela (crítica aqui) e o brasileiro Apenas o Fim (crítica aqui) são filhos legítimos de Noivo Neurótico, Noiva Nervosa. Um filme de 1977, mas que está longe de se tornar velho.

Crítica: À Prova de Morte

2010-07-21T17:20:00.022-03:00

2/5

À Prova de Morte
(Death Proof, 2007)

Direção: Quentin Tarantino
Roteiro: Quentin Tarantino
Elenco: Kurt Russell, Rosario Dawson, Sydney Tamiia Poitier

A segunda parte de Grindhouse é um "Tarantino menor".

Em 2007, foi lançado nos cinemas Grindhouse, projeto de Quentin Tarantino e Robert Rodriguez que prestava uma homenagem aos filmes de terror dos anos 70. Normalmente, tais filmes eram exibidos em cinemas de péssima qualidade (ou nos conhecidos drive-in) em sessões duplas. Logo, Grindhouse – a homenagem – é formada por dois filmes: Planeta Terror (escrito e dirigido por Rodriguez) e À Prova de Morte, escrito e dirigido por Tarantino.

Grindhouse foi um fracasso de bilheterias nos EUA. O público não conseguiu entender a proposta do projeto, que era reproduzir o clima das sessões de antigamente – com direito a trailers falsos e estética de filmes de baixo orçamento. O fiasco fez com que o filme fosse “cortado” e lançado de forma separada no resto do mundo.

O primeiro, Planeta Terror, chegou aqui ainda em 2007. À prova de Morte, que até mudou de distribuidora, só chega agora, com anos de atraso. O que soa até ingênuo: Ora, com o filme aí dando sopa na internet, será que alguém ainda não o viu?

À Prova de Morte conta a história da DJ local Jungle Julia (Sydney Tamiia Poitier, filha de Sidney Poitier – o primeiro ator negro a receber um Oscar de Melhor Ator) e suas duas amigas, que desejam apenas uma boa noite de diversão. As três estão sendo seguidas de perto por Stuntman Mike (Kurt Russel), um dublê que, entre outras diversões, adora levar belas garotas para o seu carro à prova de morte, onde as mata de forma brutal.

O começo do filme é promissor. A estética é interessante (os riscos e as manchas que dão ao filme um ar trash), os diálogos, os personagens. Mas logo tudo perde a graça, principalmente após a cena-clímax do acidente de carros (que é muito bem filmada). Se o filme acabasse ali, seria ótimo. Mas não, ele continua e se arrasta (a cópia brasileira, que é igual a européia, tem quase 30 minutos a mais que o original de Grindhouse), os personagens se tornam chatos; os diálogos, pretensiosos. Tudo só não se torna uma chatice completa porque Tarantino cria outra ótima cena-clímax, de novo envolvendo carros.

Com À Prova de Morte, Tarantino presta mais uma homenagem aos filmes que tanto gosta – motivo pelo qual é tão odiado e amado. Mas se em filmes como Kill Bill e Bastardos Inglórios essa homenagem se transformou em obra-prima, aqui ela se apresenta como um filme razoável.

Crítica: Jerry Maguire - A Grande Virada

2010-07-11T14:35:00.040-03:00

4/5

Jerry Maguire - A Grande Virada
(Jerry Maguire, 1996)
Direção:
Cameron Crowe
Roteiro:
Cameron Crowe
Elenco:
Tom Cruise, Cuba Gooding Jr., Renée Zellweger

Um divertido e emocionante passeio sobre o que é o sucesso.

Tom Cruise é um ator extremamente carismático. Mesmo interpretando anti-heróis ou qualquer outro tipo de personagem incorreto, ele necessita de pouco mais de uma cena para trazer a platéia para o seu lado. É verdade que, desde quando assumiu de vez a Cientologia e pulou no sofá da Oprah, sua popularidade vem diminuindo – seu mais novo filme (Encontro Explosivo) está sendo um fracasso de bilheteria nos EUA. Mas, mesmo assim, o ator ainda é referência nesse quesito (carisma, não fracasso de bilheterias...). Tudo isso que falei é evidente em Jerry Maguire – A Grande Virada.

O filme, outro ótimo trabalho do diretor/roteirista Cameron Crowe (Quase Famosos), conta a história do personagem-título (Cruise) um agente esportivo de grande sucesso e pouco escrúpulo que, em meio a uma crise de consciência, escreve um memorando, ou melhor, um “planejamento de metas”, defendendo a diminuição do número de clientes e uma maior aproximação desses. Que os atletas sejam tratados de forma mais humana, mesmo que isso signifique menos lucro para os agentes.

O resultado é certo: Maguire é demitido da empresa na qual trabalha e perde todos os seus clientes. Sua vida, pessoal e profissional, vai do céu ao inferno em poucos dias. As únicas coisas que lhe restam são um peixe, a contadora e mãe solteira Dorothy Boyd (Renée Zellweger) e o jogador decadente Rod Tidwell (Cuba Gooding Jr., em sua melhor interpretação no cinema) – o único cliente que confiou em Maguire.

É dessa forma que Maguire, mesmo a contragosto, acaba executando todas as lições de aproximação e humanidade que concebeu em seu “planejamento de metas”. Criando com Tidwell, antes só um cliente de segunda categoria, uma relação não apenas profissional, mas de amizade, ao mesmo tempo em que cria com Dorothy uma ligação bem diferente daquelas que já criou em sua vida.

A transformação (de agente sem caráter a herói) passada por Jerry Maguire é muito bem retratada por Cameron Crowe, que sabe como poucos misturar drama e comédia sem cair no caricato.

Mas, apesar de bem escrito (o roteiro foi indicado ao Oscar) e dirigido, o filme não funcionaria sem o carisma de Cruise, que conquista a platéia desde a primeira cena. O ator, indicado ao Oscar por esse papel, está bem à vontade, demonstrando talento tanto nas cenas cômicas como nas dramáticas.

Outro destaque é Gooding Jr. (premiado com o Oscar). O ator está hilário como o ganancioso jogador de futebol (americano) que pede de forma singela, em uma das melhores cenas do filme: “me mostre o dinheiro, me mostre o dinheiro”. É uma pena que a carreira de Gooding Jr. tenha seguido um rumo tão irregular.

Jerry Maguire – A Grande Virada é um filme que fala do fracasso e do sucesso, da maneira que devemos encarar os dois – tema que seria revisitado por Crowe, mais tarde, em Tudo Acontece em Elizabethtown (leia a crítica). Um bom filme, levado não só pelo talento do seu diretor e roteirista, mas também pelo carisma (e talento) de seus atores, principalmente de Cruise.