Cinemaniática

El gran hotel Budapest - The Grand Budapest Hotel

2014-10-14T04:58:00.000+14:00

Foto de portada: Ralph Fiennes como Monsieur Gustave H. Por: Martin Scali/Twentieth Century Fox

Cuando la vi por primera vez, hace ya unas semanas, salí del cine con una especie de euforia que me duró varios días. Mucho tiempo había pasado desde que una película, además de provocarme ataques continuos de risa, me conmoviera e inspirara a volver a escribir. Esa es parte de su magia.

Todo se lo debemos a ese genio llamado Wes Anderson, a su creatividad tan peculiar, a su manera particular de imaginar y plasmar mundos con historias y personajes que muchos quisiéramos que existieran. Son lugares que trascienden el tiempo, donde habitan seres extravagantes, puros y encantadores. Sus historias siempre se pasean entre la aventura, el absurdo y un toque de drama. Pero todas, absolutamente todas, aun la más disparatada, las vivimos como si fueran realidades contundentes.

El gran hotel Budapest no es la excepción. Esta es una historia relatada en 3 épocas distintas, en la ficticia Republica de Zubrowka. En su corazón, está el magnífico Ralph Fiennes, quien interpreta a M. Gustave, el encantador y excéntrico concierge del hotel en los años 30, quien se verá envuelto, junto a su lobby boy (Tony Revolori), en las andanzas más atropelladas, incluyendo el robo de una renombrada obra de arte, escapar de prisión y conjurar a una cofradía secreta, todo esto, mientras somos testigos de una historia de amor.

En el más puro estilo cinematográfico de Anderson, la cinta está minada de breves –y fabulosas- intervenciones de algunos de sus colaboradores frecuentes: Owen Wilson, Bill Murray, Edward Norton, Tilda Swinton, Jason Schwartzman y Adrien Brody, por nombrar algunos. Anderson le da a cada uno su momento, y de ninguna manera sentimos que estos personajes y sus apariciones, por breves que sean, no sean importantes. Si acaso, nos queda esa curiosidad por saber más de ellos, quiénes son y si los veremos de nuevo, quizás en otras historias.

El gran hotel Budapest hace honor a un pasado idealizado, en el que la belleza, la amabilidad, la lealtad, el honor y la humanidad eran los motores de una sociedad que estaba a punto de conocer el horror de la guerra. Aun con su humor irónico, uno que otro improperio y ese toque cómico que raya en lo absurdo, Anderson supo colar la dosis perfecta de melancolía y nostalgia, que le dieron a esta hermosa película el equilibrio perfecto para hacerla trascender más allá de la sala de cine.

El Exótico Hotel Marigold - The Best Exotic Marigold Hotel

2012-07-20T11:36:00.001+13:00

Si tú te cuentas entre los "mayores y bellos" te felicito, tú calificas para ser un huésped del Exótico Hotel Marigold, la nueva y deliciosa película del director John Madden (Shakespeare in Love, The Debt).

Marigold se vende en su brochure como una suerte de destino perfecto ubicado en Jaipur, India, destinado a quienes están listos para iniciar una nueva etapa en su vida y disfrutar de la exótica gastronomía y paisajes nunca vistos. Verdad que no suena nada mal en papel? La cosa es que cuando los primeros huéspedes llegan, no todo es color de rosas (o curry?).

Siete personajes encarnados por algunos de los mejores actores de Gran Bretaña son los responsables de hacer nuestra estadía en Marigold la más maravillosa posible, a pesar de la falta de puertas, el calor agobiante, las comidas picantes, la falta de servicio telefónico e incluso, las barreras que derivan del idioma, del miedo a estar solos de las diferencias culturales y de las dificultades inherentes al cambio. Una sorpresa gratificante de esta película es tener la oportunidad de ver a muchos de estos actores interpretar roles atípicos y comprobar cuán versátil e infinito es su talento. Desde Judi Dench, hasta la siempre magnífica Maggie Smith, Tom Wilkinson, Celia Imrie, Bill Nighy, Ronald Pickup y Penélope Wilton, no hay desperdicio señores. Es simplemente un placer ver a estos titanes, incluso en una película tan inofensiva como esta.

Cada uno de los personajes trae su propio "equipaje" al hotel y cada uno encuentra la respuesta a ese propósito que los empujó a salir de su cascarón. Es una prueba difícil para un guionista balancear estas historias sin restarle peso a ninguno de los protagonistas -incluyendo la del chico local, interpretado por Dev Patel (Slumdog Millionaire)- pero afortunadamente Ol Parker está a la altura de la tarea. El Exótico Hotel Marigold tiene de todo: romance, humor, lágrimas, misterio, drama pero sobre todo, chorros y chorros de optimismo.

Si piensas que nunca es tarde para realizar un sueño, para buscar ese amor perdido, para empezar de nuevo, para maravillarte y sorprenderte con las pequeñas cosas que la vida ofrece, Marigold es el destino para ti. Deja el cinismo a un lado, ten el valor de visitarlo y no te defraudará.

Mis favoritos sentimentales para el Oscar 2012

2012-02-24T12:10:00.000+14:00

Este domingo 26 es la entrega del Oscar y aunque ya tenemos una idea bien clara de quiénes serán los ganadores, hoy quiero compartir mis favoritos sentimentales:

Mejor Película: Tengo un empate técnico/sentimental entre Medianoche en París y Hugo. Son dos películas que miran al pasado, que lo honran y en el caso de Hugo, que demuestra el profundo amor por el cine que siente Scorsese.
Mejor Director: Martin Scorsese o Woody Allen. Dos veteranos que no temen innovar, siempre aprendiendo.
Mejor Actor: Brad Pitt. Me encantó su actuación en Moneyball. Sutil pero sentida.
Mejor Actriz: Viola Davis, aunque creo que ella merece una mejor película. Esperemos que el premio se las garantice.
Mejor Actor de Reparto: Christopher Plummer por Beginners. Es magnífico.
Mejor Actriz de Reparto: Berenice Bejo, El Artista. Peppy es la típica "chica de al lado", la que uno siempre ama, no importa el por qué.
Mejor Película Animada: Me habría encantado que ganara Tintín, si la hubieran nominado. La verdad, de las cintas animadas que pude ver, ninguna me convenció en un 100%.
Mejor Guión Original: Medianoche en París. Viajes al pasado en una carroza al llegar la medianoche? Gracias Woody.
Mejor Guión Adaptado: Moneyball. Sorkin es un genio con las palabras.
Mejor Cinematografía: El Arbol de la Vida. Emmanuel Lubezki. Siempre he admirado su trabajo y parte de la experiencia de disfrutar esta película se lo debemos a su fotografía espléndida.
Mejor Dirección de Arte: Hugo o Harry Potter.
Mejor Vestuario: Hugo.
Mejor Edición: El Artista.

Mejor Partitura Musical: Tinker Tailor Soldier Spy, de Alberto Iglesias.

Mejores Efectos Especiales: El Origen del Planeta de los Simios.
Mejor Película Extranjera: Una Separación. BRUTAL.

Las categorías que faltan en este listado no están descartadas por menosprecio, sino por la sencilla razón que no soy capaz de opinar en algunas que son muy técnicas (Mejor Edición de Sonido, ah?) y en otras, simplemente no tuve la oportunidad de ver a ninguna de las nominadas (como pasa con las de cortos animados, documentales, etc).

A disfrutar la premiación!

Historias Cruzadas - The Help

2012-02-11T11:42:00.000+14:00

Historias Cruzadas narra la historia de dos grupos de mujeres en la década de los 60: las adineradas amas de casa (todas de raza blanca), y las criadas (de raza negra), que les servían a ellas y sus familias. Segregación, opresión, desigualdad y racismo en su máxima expresión es quedarse corto cuando se trata de describir las relaciones de estas mujeres.

La joven e idealista Skeeter (Emma Stone) es una periodista recién graduada que regresa a su ciudad para darse cuenta que no encaja ni en el mundo del periodismo, ni en el de su antigua vida, donde las criadas son marginadas hasta para usar el baño. La líder de esta nueva humillación es Hilly (Bryce Dallas Howard), una especia de esposa Stepford con mucho poder y maldad corriendo por sus venas. Indignada, Skeeter decide rebelarse contra Hilly y toda la comarca de señoras, redactando un libro de historias vistas desde la perspectiva de las "criadas".

Pero encontrar voluntarias no es fácil, ya que abrir la boca puede suponer la pérdida del trabajo para muchas de estas mujeres. Pero siempre hay alguien que da el primer paso, y en este caso le toca a Aibileen (Viola Davis), criada de muchas familias adineradas, madre sustituta de muchos niños blancos que probablemente crecieron para convertirse en imagen y semejanza de sus desafortunados padres. Aibileen, junto a la mas irreverente Minny (Octavia Spencer) son la punta de un iceberg gigantesco, repleto de historias de humillaciones, burlas, vejaciones, y pare usted de contar.

Hay un adjetivo perfecto que los norteamericanos usan para describir películas como Historias Cruzadas: feel-good movie. Y de eso se trata, de hacerte "sentir bien" cuando observas este tipo de películas basadas en "la vida real": en las que las injusticias, el dolor y los estigmas sociales abundan. Películas con temáticas incómodas cuyos finales felices y perfectos pretenden sugerir que tales injusticias ya no existen.

No me malinterpreten, la intención de la película basada en una novela de Kathryn Stockett, es noble y al fin y al cabo, se trata de entretenimiento. Historias Cruzadas tiene la gran fortuna de contar con un reparto de actrices maravillosas, encabezadas por Viola Davis, cuyo personaje Aibileen es el más interesante, el más digno, si tuviera que buscarle un adjetivo. Lamentablemente, la cinta sufre del uso de estereotipos, de melodrama empalagoso y de chistes que siempre son simpáticos pero disminuyen la seriedad de la historia que se trata de vender. Como bien dijo Roger Ebert: ''es una historia que lidia con el dolor, pero no es lo suficientemente dolorosa''. Y no es que yo vaya al cine solo a buscar drama y miseria, pero hay historias como esta que merecen menos condescendencia y más contundencia.

La Chica del Dragón Tatuado - The Girl With The Dragon Tattoo

2012-02-09T07:17:00.001+14:00

Versionar una película no es tarea fácil. Muchos han tratado y fracasado rotundamente. No se trata de contar la misma historia, sino de hacerlo de una manera que -aun conociendo la trama- nos enganche, nos motive a revisitar personajes, lugares y momentos.

Afortunadamente el director David Fincher supera con creces la prueba en la adaptación americana de la novela de Stieg Larsson, Los Hombres que no Amaban a las Mujeres, ahora titulada La Chica del Dragón Tatuado. Con su impecable estilo cinematográfico y su habilidad comprobada para narrar suspenso, Fincher nos lleva de regreso a los pálidos paisajes de Suecia y a reencontrarnos con los ya famosos personajes de Larsson, Mikael Blomkvist y la inolvidable Lisbeth Salander.

La historia -con cambios menores- es la misma: el periodista Mikael Blomkvist, acusado de calumniar a un empresario financiero, recibe una llamada de Henrik Vanger, un magnate que le ofrece un trabajo inusual: investigar la muerte de su sobrina Harriet, quien desapareció en 1965 y cuyo asesino -de acuerdo con Vanger- lo ha estado atormentado durante 40 años.

La adaptación del guionista Steve Zaillian es más fiel a la novela, aunque suaviza la temática Nazi y exalta la relación personal de los dos protagonistas. Daniel Craig es un buen Mikael Blomkvist, más heroico y capaz que como se percibe su rol en la novela. Por su parte Rooney Mara es una Lisbeth más vulnerable y menos agresiva que su contraparte tanto en papel como en la cinta sueca, donde Noomi Rapace catapultó a Salander como uno de los personajes de cine más interesantes de la última década. Dicho esto, Mara hace un gran trabajo con Lisbeth, mostrando sus heridas físicas y emocionales y esa cualidad de heroína/mártir que es tan irresistible como atemorizante. El reparto hace su trabajo eficazmente, siendo el único punto débil -a mi juicio- Yorick van Wageningen como Nils Bjurman. No se trata de comparar una película con otra pero el actor de la versión sueca, Peter Andersson, me pareció más acertado en su interpretación.

David Fincher captura con perfección el tono glacial y misterioso que el thriller demanda, manteniéndonos a distancia mientras somos testigos de los sucesos pavorosos y sórdidos que solo las mentes enfermas son capaces de maquinar.

Medianoche en París - Midnight in Paris

2011-12-09T12:24:00.001-10:00

Surrealista como Dalí, apasionado como Hemingway, alocado como Zelda Fitzgerald, embriagante como Cole Porter. Woody Allen los engloba a todos (y a muchos más) en su creación más fresca y burbujeante, Medianoche en París.

Ambientada en la ciudad de la luz, cuna y hogar de grandes artistas y pensadores, Medianoche en París es una fantasía encantadora que nos hace viajar a la Era Dorada, evocando esa desgastada frase "todo tiempo pasado fue mejor" y nos da una merecida pero sutil lección sobre el por qué no debemos aferrarnos a semejantes premisas.

Para Gil Pender (Owen Wilson) es toda una aventura. El escritor -exitoso pero insatisfecho con su trabajo- se encuentra de vacaciones en París con su prometida Inez (Rachel McAdams). La cultura, la historia y la belleza que lo rodea parecen infectar a nuestro protagonista, hasta transportarlo en las noches al París de la década de los 20, donde conoce y se relaciona con sus ídolos artísticos. La chispa creativa se enciende. Gil se mueve entre la fantasía y la realidad, mientras progresivamente descubre ciertas cosas sobre sí mismo y su trabajo y como suele suceder, debe tomar decisiones que afectarán el rumbo de su historia.

Wilson se luce como el escritor inseguro y digamos que hasta ingenuo, con ecos lejanos a esas personalidades que Woody Allen ha retratado a lo largo de su carrera, aunque con un toque más sincero, tierno y romántico. La falta de cinismo hace de Gil un personaje adorable y por ello somos capaces de aupar su escape de la realidad sin ningún cuestionamiento.

La ciudad del amor jamás se vio tan deslumbrante. Allen captura cada uno de sus ángulos, sus cambios de estaciones, de clima, temperamentales como los sentimientos humanos. Porter canta a lo lejos Let's Do It, Let's Fall In Love y uno no puede sino sucumbir a su voz y a esta infecciosa, dulce, ilógica, divertida, romántica invitación que Allen nos hace a perdernos entre los callejones que han albergado a tantos seres atormentados, amantes, neuróticos, insatisfechos, inseguros, eternamente enamorados.

El Juego de la Fortuna - Moneyball

2011-11-29T12:38:00.001-10:00

El hombre que desafía al sistema. El que se atreve a hacer lo que nadie había intentado jamás. El pionero, el que se lo juega todo por su sueño. El que piensa diferente. De ellos hay muchos en el mundo pero hoy hablaremos de Billy Beane, el protagonista de Moneyball.

En 2002 y luego de 11 derrotas, el equipo con la menor nómina en las Grandes Ligas obtuvo un récord de 20 victorias seguidas. Los Atléticos de Oakland y su gerente general, Billy Beane, hicieron historia. Moneyball nos cuenta cómo lograron esta hazaña.

Todo empieza con una epifanía: hay que pensar diferente. El esquema tradicional de selección jamás jugará a su favor. Beane sabe que con los salarios que su equipo paga, ninguna estrella se quedará por mucho tiempo en su club. Y si hay algo que Billy detesta es perder, lo detesta tanto que no es capaz de ver un juego en el estadio, ni siquiera escucharlo por la radio. Lo detesta desde que fue una prometedora figura del juego 20 años atrás, y nunca pudo cumplir con la expectativa generada por sus habilidades.

Billy no la tiene fácil. Pero tiene voluntad. Y ganas de ganar.

Entonces aparece Peter Brand (Jonah Hill), un economista recién graduado de Yale con la cabeza llena de números, el corazón lleno de amor por el béisbol y unas ideas aparentemente descabelladas sobre cómo se deben reclutar los talentos en el juego. Parte de su magia reside en la relación de Peter y Billy y en la tierna sinceridad con la que nos infectan de amor por el béisbol.

Y es de esa manera inesperada, combinando estadísticas, negociaciones, algo de neurosis y algo de comedia como Moneyball nos engancha, nos fascina y nos conmueve. Gracias a los talentos combinados de Steve Zaillian y Aaron Sorking en el guión, a la fabulosa y sutil interpretación de Brad Pitt, a la grata sorpresa que Jonah Hill nos obsequia, tenemos ante nuestros ojos un juego perfecto que Bennet Miller dirige con destreza. Realista, humano, dulce y amargo, donde a veces ganas y a veces pierdes. ¿Cómo no vas a enamorarte del béisbol, después de haber visto Moneyball?

CÁPSULAS: La Versión de Mi Vida - Barney's Version, Win Win

2011-10-20T13:28:00.001-10:00

Hoy me voy con un doblete de Paul Giamatti.

La primera cinta es Barney's Version. Giamatti encarna a Barney Ponofsky, uno de esos personajes imperfectos, depresivos y políticamente incorrectos que el actor sabe cómo hacerlos interesantes y hasta encantadores, a pesar de sus múltiples defectos. No sé si definirla como un drama con matices de comedia o una comedia con matices dramáticos y bien poco que importa. Basada en una aclamada novela de Mordecai Richler (que no he leído), la película abarca 40 años de la vida emocional de un hombre imperfecto, las mujeres que lo amaron y los hombres que de una ú otra manera marcaron su vida: su padre Izzy (Dustin Hoffman) y su mejor amigo Boogey (Scott Speedman). Como ya dije, Barney no es precisamente una monedita de oro, sin embargo nos atrapa con su apasionada y sincera manera de abordar la vida.

Entre décadas, esposas, países y escenarios diversos, somos testigos de una retahíla de recuerdos y momentos, unos más conmovedores que otros. Giamatti se apoya en un excelente reparto que brinda el balance necesario a su Barney, desde Rosamund Pike, Speedman y el magnífico Hoffman, que parece lucirse más en estos pequeños papeles. El guión es rico e ingenioso y el humor judío es simpático pero no excesivo. A ratos la película se siente algo larga, sin embargo vale la pena darle una oportunidad a Barney y su historia, a ratos dulce, trágica, temperamental y graciosa. Como la vida misma pues.

La segunda cinta, también protagonizada por Giamatti, es Win Win. Un poco más modesta que la vida Barney, Win Win nos regala una historia dulce y peculiar sobre unos personajes en busca de una segunda oportunidad. Mike Flaherty (Paul Giamatti) es un abogado decente con serios problemas económicos, abrumado por la presión de mantener a su familia, luchando para sobrevivir en medio de la crisis. Hasta que se presenta una oportunidad para aliviar un poco sus problemas, una oportunidad que implica tomar una decisión no muy ética. Pero Mike la toma, y las consecuencias no se hacen esperar. A su vida llega un chico llamado Kyle (Alex Shaffer), cuyo pasado no es el más feliz, y es ahí cuando la historia de estos dos despega.

El guión nos presenta una serie de relaciones de manera observadora, sin prejuicios o conclusiones, manteniendo su foco en las relaciones que se desarrollan entre los personajes, mostrándonos sus debilidades y virtudes sin santificar o satanizar. En algunos segmentos, la historia se va un poco a los extremos en sus planteamientos, pero el director Tom McCarthy los maneja con humor y ternura sin apegarse mucho a las convenciones de este tipo de comedias. Es una película sencilla, humilde y cálida sobre un grupo de personas cuyas luchas se sienten reales, tratando de hacer lo mejor que pueden y tomar las decisiones correctas.

Submarine

2011-09-09T04:24:00.000-11:00

¿Cuántas películas sobre el primer amor hemos visto? Infinitas. Unas mejores, otras no tanto. Y sin embargo, a veces tenemos la fortuna de tropezarnos con pequeñas joyas como Submarine, y en esos momentos vemos que sí existen maneras diferentes, geniales y originales de contar la misma historia.

Oliver Tate (Craig Roberts) es nuestro protagonista. Un adolescente inseguro, neurótico y romántico que ve su vida como una película, imagina su propia muerte y sabe cuándo sus padres han tenido sexo con sólo ver la luz del baño. En las cínicas narraciones de Oliver podemos ver sus dilemas, temores, sueños, su absoluta incapacidad y torpeza para lidiar con los problemas cotidianos y total enamoramiento de Jordana (Yasmin Paige), la chica hermosa e inalcanzable del sobretodo rojo que disfruta intimidando a otros compañeros de clase e incluso un poco de piromanía. El inusual romance de estos dos sirve de excusa para explorar temas que van desde la pérdida de la inocencia, la muerte, las dinámicas familiares, el sexo y la traición, siempre desde la óptica exagerada, pesimista y melodramática del joven Oliver.

El actor y ahora director Richard Ayoade (The It Crowd) le da a Submarine una personalidad tan refrescante y a la vez tan cinematográfica que es inevitable no enamorarse de su estilo apasionado, decorado con deliciosas referencias a otras historias. Una combinación arrebatadora de imaginación, color, música y fotografía.

Melancólica, hilarante a ratos, Submarine no es una comedia romántica típica. La cinta destila un aura de soledad y tristeza que si bien la hace parecer un poco distante, esconde en el fondo una tremenda dulzura que nos permite disfrutar de sus personajes peculiares y sus vidas. Es una conmovedora apología de las relaciones humanas y de nuestra constante búsqueda de la felicidad, capaz de encontrar con humor y algo de mordacidad, un poquito de sorpresa en las cosas más comunes y cotidianas.

CÁPSULAS - Corazones Rotos - Blue Valentine, En algún lugar del corazón - Somewhere, Conocerás al hombre de tus sueños - You Will Meet a Tall Dark Stranger

2011-09-05T11:38:00.000-11:00

Algo de drama, algo de arte y algo de comedia.

Corazones Rotos, del director Derek Cianfrance, es una mirada agudamente dolorosa y triste a la desintegración de una relación. Cindy y Dean (Michelle Williams y Ryan Gosling) son la pareja cuyo matrimonio se desmorona ante nuestros ojos. Entre flashbacks que nos llevan al inicio de su historia, cuando todo es alegría, emoción, promesas, nos vamos al presente, cuando 10 años y la vida han pasado. Cuando la manera como se perciben ha cambiado y lo que queda es desesperanza, indiferencia y hasta resentimiento.

Las actuaciones desgarradoras de Williams y Gosling nos mantienen enganchados en este drama que nos asfixia y cachetea con su cruel realidad, donde vemos como el tiempo -inexorable y corrosivo- acaba con la ingenua y seductora ilusión falsa del cuento de hadas. ¿Quién en su sano juicio no se enamoraría de un hombre que te da una serenata con un ukulele, recitando "Siempre lastimas a quien amas"? Pero tristemente a veces ni el encanto, ni la bondad, o el amor son suficientes para seguir adelante.

Muchos ya habrán visto En algún lugar del corazón, de Sofía Coppola, y muchos la deben haber detestado. Es una película con diálogos escasos, una trama casi inexistente y escenas que difícilmente tengan sentido. Eso es más que suficiente para volvernos locos. Y sin embargo, la disfruté enormemente. Es cine de autor en su máxima expresión. Pareciera como si Coppola hubiera colocado bajo un microscopio a su protagonista de turno -un actor de Hollywood llamado Johnny Marco (Stephen Dorff)- y nos dejara ver por un huequito como transcurre su vida, una que no se parece a la imagen glamorosa y de ensueño que las revistas o la televisión nos vende. De hecho es una vida bastante patética, poco interesante.

Johnny Marco parece tenerlo todo, pero es obvio que su alma está vacía. No parece capaz de sentir placer alguno, o motivación o interés. Su vida, llena de privilegios y éxitos, es disfuncional y solitaria. La única conexión de Johnny con la vida es Cleo, su hija de 11 anos (Elle Fanning), una chiquilla lista y adorable que acepta y quiere a su papá sin condiciones o expectativas. Coppola captura tiernamente esta relación, no con diálogos que nos expliquen mucho, pero por medio de sus recursos visuales. Una cámara fija presenta escenas, una tras otra, que quizás no tengan mucho sentido, pero que nos dan una idea de cuál es la realidad de la vida de las estrellas de cine, una realidad extraña, inusual, llena de ritos, reglas y costumbres que no podemos entender. Lo interesante de toda esta nada reside en ver (ver, solo ver) cómo Johnny trata tímidamente de dejar de ser un espectador de su propia vida, y convertirse en un elemento activo de la misma, aunque la película no ofrece una respuesta clara al respecto.

Finalmente está Conocerás al hombre de tus sueños, del director Woody Allen, una especie de comedia sin el humor característico de otros filmes del cineasta. Su reparto incluye esta vez a Anthony Hopkins, Gemma Jones, Antonio Banderas, Naomi Watts, Josh Brolin y Freida Pinto. Unos personajes cuya característica común es que están insatisfechos con sus vidas, y creen que en la realización de sus sueños reside la solución para acabar con la infelicidad que los embarga.

No es un trabajo particularmente profundo ni de los mejores de Allen, pero la película es honesta y simple en la presentación de su premisa: los seres humanos tropezamos, caemos y a veces salimos ilesos mientras vamos por la vida desesperados en busca de respuestas y de la felicidad eterna. Los resultados de esta búsqueda son obvios, porque la vida es como es y difícilmente cambia. La reflexión sobre la importancia de ser felices con lo que tenemos y no con lo deseamos, resuena ensordecedoramente mientras la película se burla sutilmente de lo tontos que a veces podemos ser los seres humanos.

Super 8

2011-08-22T11:08:00.004-11:00

Una de las quejas más comunes que solemos emitir los cinéfilos es que "ya no hacen las películas como antes". Y en efecto, desde hace más de una década, con la incursión -o mejor dicho avalancha- de la tecnología en el cine, la moda cada vez más cansina de las secuelas, precuelas y cualquier otra "ela" que algún ejecutivo mediocre y ávido de ganar dinero fácil decida poner en producción, poco espacio queda para las películas donde predominaban los personajes, no los efectos, donde existía esa cualidad de sorpresa, misterio y maravilla. En mi caso, estoy hablando del cine de los 80, del cine de Spielberg, de Lucas y otros. Estoy hablando de nostalgia.

Y fue precisamente nostalgia lo que sentí cuando vi Super 8, el más reciente filme del director J.J. Abrams (Lost, Star Trek). Lo primero que quiero decir es que si ustedes no son el tipo de personas que disfrutaron películas como Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, Los Goonies, E.T., Cazadores del Arca Perdida, La Noche de los Muertos Vivientes, Stand By Me, etc., no tienen nada que buscar en Super 8. Esta es una historia que se ha contado cientos -no- miles de veces. Y sin embargo, creo que es muchísimo mejor que cualquiera de las demás películas que he visto esta temporada vacacional. Así de buena es.

La cinta está desarrollada en 1979, antes que existiera Internet, los teléfonos celulares, las computadoras y toda esa parafernalia tecnológica que abunda en las historias contemporáneas. Cuando los juguetes eran cubos de Rubik, un modelo del X-Wing, un Atari o unos walkie-talkies. Cuando hacías una película de zombies en una vieja Super 8 para participar en el festival local y revelar tu película se tardaba 3 días, si el tonto que te atendía en el estudio te hacía un favor.

Ese es el escenario en el que nos encontramos. En un pueblito de Ohio llamado Lillian, durante la filmación de su película, unos niños son testigos de un accidente de tren inusual y catastrófico. El incidente desencadena una serie de eventos misteriosos, incluyendo desapariciones, descubrimientos y revelaciones más que extrañas. Para Joey, Alice, Charles, Cary, Preston y Martin, será un verano inolvidable.

Ya contar más no es necesario. Tanto si ya conocen el desenlace o de qué estamos hablando, es completamente irrelevante. La magia de Super 8 reside en su planteamiento. En la presentación de sus personajes y cómo poco a poco vamos construyendo junto a ellos sus relaciones, sus afinidades, descubrir a su lado por primera vez el amor, el miedo, el dolor, el valor. En la manera como durante más de una hora Abrams extiende el misterio y la intriga del "monstruo", jugueteando con nosotros como más de una vez lo hizo Spielberg, generando esa especie de furor y terror que solo lo desconocido puede causarnos.

Con su película, Abrams rinde un homenaje innegable a esa primera etapa del director que encantó a millones, un homenaje que se respira en cada rasgo de Súper 8: el amor por el cine; el encuentro con una aventura inigualable; las horas ociosas en compañía de amigos, las familias rotas, con adultos siniestros, casi desdibujados y figuras paternas ausentes, inconexas; la amenaza latente de algo peligroso que nos acecha, el acopio del valor y de superar obstáculos en grupo. Abrams lo usa todo y usa mucho más, una veces con mayor éxito que otras, con un ojo atinado sobre todo a la hora de dirigir a sus jóvenes talentos.

Para el tercer acto, Super 8 se desinfla un poco al caer en la rutinaria secuencia de acción acostumbrada en los blockbusters veraniegos. No sé si sea la opción más inspirada pero tampoco creo que arruine la fantástica experiencia que vivimos con estos chicos. Regresar, aunque sea por un rato, a esa esencia romántica del cine fantástico atrapada en una época donde los efectos no importaban más que los personajes, donde conectarnos con la historia no dependía de ver en pantalla a una creación extravagante que necesita de una pantalla azul. Regresar a esa juventud inocente, cursi, graciosa y sentimental donde todo es posible, todo nos maravilla y todo nos une. Para cada quien, significará algo diferente, y eso es razón más que suficiente para darle una oportunidad.

Y quedarse hasta el final de los créditos.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte II - Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2

2011-07-17T11:31:00.001-11:00

Parece mentira que hayan pasado 10 años desde que Harry Potter lanzara su hechizo en la gran pantalla. Lo que se inició como un nuevo despertar de la lectura infantil se transformó en un fenómeno de masas sin precedente que hoy día ya forma parte de la cultura (para bien o para mal). Libros, juguetes, películas y hasta un parque temático. Su huella en la historia está asegurada, tanto por sus seguidores como por sus detractores, y tal como en el 2007 alcanzamos un punto culminante con la publicación del séptimo y último libro de la saga, hoy con su versión cinematográfica nos tocó nuevamente decir adiós.

¿Qué les puedo decir de esta película que ustedes ya no supongan o adivinen? No mucho, los cimientos de la historia ya fueron marcados en la primera parte, y esta cinta sólo da el cierre apropiado a todas esas acciones que se pusieron en movimiento desde la culminación del sexto episodio. Es el momento de la confrontación final entre "el niño que vivió" y Voldemort, es tiempo de que la profecía enunciada 18 años atrás se cumpla. Es la hora de que sólo una fuerza prevalezca por siempre.

La historia de Harry Potter es una que ya hemos visto pero que no parece cansarnos, la de un héroe con una misión descomunal: librar al mundo del mal que lo amenaza; un héroe lleno de conflictos, debilidades, que debe someterse una y otra vez a difíciles pruebas, que debe sufrir el dolor, la muerte y la culpa, pero que también goza la fortuna de experimentar las emociones más ricas del ser humano: el amor, la lealtad y la amistad incondicional. HP representó un proceso de crecimiento y madurez no sólo para sus tres protagonistas, sino para los personajes de apoyo que lo acompañaron durante 7 episodios. El temeroso se hizo valiente, el cobarde se hizo más cobarde, el sabio completó su ciclo y el villano, pues, el villano se encontró con su destino.

Siete películas, unas mejores que otras, nos llevaron a este clímax. Dos horas y media de batalla, donde vimos justicias, injusticias, despedidas, revelaciones y sorpresas (para quienes no conocían el desenlace). Un nostálgico desfile de recuerdos asaltó mi memoria mientras los ya conocidos acordes de la música de John Williams volvieron a sonar por última vez. Los talentos más renombrados de Gran Bretaña regresaron -aunque fuera por breves segundos- para rendir honor a su fanaticada y ayudarnos a decir un hasta luego agridulce, porque cuando pasas una década conociendo y preocupándote por el destino de unos personajes, por más ficticios que estos sean, llegado el temido momento de dejarlos ir, no lo haces sin evitar sentir un pequeño dolor. Afortunadamente, esas horas de disfrute vividas en miles de páginas, en cientos de escenas siempre estarán ahí para reconfortarnos. Y eso, señores, es verdadera magia. Hasta siempre, Harry.

Los Agentes del Destino - The Adjustment Bureau

2011-07-04T16:23:00.002-11:00

¿Existe la libre voluntad? ¿Estás en control de tu vida o existe una fuerza mayor que toma las decisiones? La eterna diatriba vuelve a la palestra en el film Agentes del Destino. Y no hay mejor razón que el amor para descubrir cuál de las dos verdaderamente se impone en esta historia.

Al parecer, el universo sí tiene un plan maestro. Cada ser humano nace con un objetivo, una misión. Pero en el caso de David Norris (Matt Damon), el plan incluye conocer al amor de su vida, la bella Elise Sellas (Emily Blunt) pero no la parte de "vivieron felices para siempre".

Un senador con un brillante futuro y una prometedora bailarina se conocen bajo las circunstancias más inusuales y surge una conexión. Un momento que cambia la vida de ambos. Un beso. Pero la perspectiva de un romance es opacada por algo más grande. El destino. Un alguien, llamado "The Chairman" a quien jamás hemos visto, ha trazado nuestro camino, y para asegurarse de que se cumpla, una legión de agentes en fedoras y abrigos está desplegado en la Tierra, presto a intervenir y reajustar el plan de cada ser humano.

Los Agentes del Destino, basada en una historia corta de Phillip K. Dick, tiene una carga teológica y filosófica que aunque sirve de trasfondo para desarrollar la trama, no se convierte en su eje central. La película, abundante en acción y fantasía, nos cautiva con una premisa más sencilla: podrán estas dos personas, claramente hechas la una para la otra, desafiar los planes ya delineados para ellos e imponer su voluntad?

No recuerdo haber visto una conversación de escasos cinco minutos que pudiera motivarme a conocer el desenlace de una historia. Esa escena, que pone en movimiento al film, está perfectamente ejecutada. La clave reside en la buena química de Matt Damon y Emily Blunt. Porque más allá de una historia que seguramente tiene algún agujero en su guión, de su ingeniosa propuesta (puertas que te trasladan a diferentes puntos geográficos de la ciudad), quienes nos importan son David y Elise. Sin hacer a un lado a los agentes, simpáticos ejecutores de órdenes, ni buenos ni malos, son nuestros protagonistas, con su romance cliché, con cada obstáculo que superan, cada risa, confesión y esa picardía en sus miradas, quienes nos mantienen por casi dos horas vociferándole a ese ser invisible que somos nosotros quienes tenemos el control de nuestra fortuna, y que él, aunque lo tilden de infalible, de vez en cuando también se equivoca.

Reverón

2011-06-22T16:35:00.001-11:00

El placer que me causa hoy comentarles lo buena que es Reverón no se compara a nada. He visto películas venezolanas de diversos géneros, he reido y me han impactado muchas historias. Pero Reverón me cautivó de principio a fin.

¿Qué les puedo decir de la cinta que ya no sepamos? Nada. La cinta transcurre entre los años 1924 y 1954 en La Guaira, cuando el pintor inicia su relación con Juanita, su musa y compañera; vemos el desarrollo de su pintura durante el denominado periodo blanco, sus amistades y afectos más cercanos, su aislamiento progresivo y la enfermedad mental que lo atormenta y los objetos que se convirtieron en protagonistas de ese mundo singular: El Castillete.

Como el lienzo en blanco que espera cobrar vida a través de las manos de un artista, Reverón encuentra en el director Diego Rísquez al candidato ideal para pintarnos la historia de un hombre capaz de deslastrase de su pasado y forjarse un mundo propio donde sólo tienen cabida su musa, su arte, el contacto con la naturaleza y sus demonios internos.

Siendo Rísquez un cineasta con un aprecio obvio por la pintura y la fotografía, no es de extrañarse ver cómo logra traspasar esa pasión a la pantalla con escenas capaces de despertar en nosotros las reacciones más emotivas y sensoriales, las mismas que experimentamos cuando observamos una obra de arte que nos afecta sobremanera.

Y si Rísquez es el hombre adecuado para este trabajo, es imposible excluir a Luigi Sciamanna de esta ecuación audiovisual. Reverón no es nada sin su impactante actuación, una que no se excede en histrionismos o grandes discursos. El encarna al genio, al artista, al amigo, al ser atormentado. El hombre y el mito. Su mirada, sus gestos, los movimientos cuando toma el pincel, cuando tiene pesadillas o se sumerge en sus fantasías son los estímulos que transportan a Reverón hacia otra dimensión y la convierten en una experiencia inolvidable. Una que espero que todos los venezolanos vayan a disfrutar.

Nunca Me Abandones - Never Let Me Go

2011-06-21T12:31:00.002-11:00

Nota: Si Usted no ha visto esta película y no le gustan los "spoilers", mejor no lea este comentario.

Si tuviera que señalar un rasgo común de las novelas de Kazuo Ishiguro, diría que sin importar la historia, los destinos de sus personajes se sienten ineludibles. No percibo espacios para sorpresas o giros inesperados, pero no por ello la narrativa es menos interesante. Al contrario, uno quiere ver con desespero cuál será el desenlace, aunque esté latente a lo largo de la lectura.

Y sus versiones cinematográficas -Lo que Queda del Día (The Remains of the Day) y Nunca Me Abandones (Never Let Me Go)- trasladan perfectamente esa cualidad al celuloide. Son historias impregnadas de nostalgia y melancolía; conmovedoras e inevitables.

Parte historia de amor, parte historia de ciencia ficción, Nunca Me Abandones es la historia de Kathy (Carey Mulligan), Tommy (Andrew Garfield) y Ruth (Keira Knightley). La cinta nos remonta a las vivencias de su infancia en la escuela privada Hailsham. Pero desde el momento que posamos los ojos en esta privilegiada institución, está claro que hay "algo" diferente en ella. Los estudiantes no pueden ir más allá de la cerca de madera, no se enseña el pensum tradicional y el mayor énfasis del colegio está en conservar a sus alumnos sanos y en el mejor estado físico posible.

Hasta que una maestra habla de más y le dice a los estudiantes cuál es su destino: vivir hasta los 30 años y donar sus órganos hasta que eventualmente mueran. Los estudiantes de Hailsham son clones y por tanto no son considerados humanos. Y ellos, -hasta cierto punto ingenuos de lo que eso significa- simplemente siguen su destino sin ninguna objeción. Kathy, Tommy y Ruth continúan en su mundo, protagonistas de un triángulo amoroso/amistoso, hasta que un día dejan la escuela y se van a vivir a Las Casitas, una comunidad rural donde continúan transitando el camino que fue diseñado para ellos desde su creación.

Otros eventos tienen lugar, los cuales permiten a este trío percatarse de la difícil realidad que les ha tocado asumir.

Nunca Me Abandones es una historia provocadora, plena de ideas sobre lo que significa ser "humano"; sobre la moral y la ética, sobre la generosidad y la resignación, la crueldad y la represión. A través de los ojos de Tommy, Kathy y Ruth, vemos el mundo bajo otro prisma, el de unas vidas conscientes de la carga que les ha tocado, en agonía continua. Nunca Me Abandones es un film triste y por momentos desolador, que deshumaniza a los seres humanos y reflexiona sobre el valor inestimable de la voluntad y la libertad. La vida no es cuestión de destino, es cuestión de decisiones.

127 Horas - 127 Hours

2011-05-14T06:48:00.002-11:00

Una suerte de experto deportista extremo, Aaron Ralston se prepara para un fin de semana escalando las montañas de Utah sin ninguna compañía. Sale de casa sin que nadie se entere de sus planes, dónde irá y qué va a hacer. Y en un giro dramático a lo que sería un escape sin mayores novedades, un resbalón deja a Ralston colgando en una estrecha grieta, sostenido únicamente por una roca gigantesca que le ha atrapado un brazo. Sin la esperanza de ser encontrado y contra todas las probabilidades de sobrevivir, se inician 127 horas cruciales para Aaron.

Confrontar la adversidad le da al ser humano una nueva perspectiva. Para muestra está el protagonista de 127 Horas (James Franco). Un experto escalador, un deportista nato que vive la emoción y la adrenalina de brincar de un risco a otro, montar bicicleta volando por el aire o lanzarse de clavado a los pozos subterráneos de las montañas que tanto ama, él está ciertamente preparado mejor que nadie para la prueba que la vida le lanza. 127 horas aislado del mundo, consciente de que si no toma medidas extremas su destino está sellado. Y Aaron, debo decir, lo asume lo mejor que se puede. Pero en esas 127 horas, entre sueños, lamentos, delirios y reflexión, Aaron gana mucho más de lo que pierde.

La propuesta cinematográfica del director Danny Boyle no ofrece nada nuevo en 127 Horas. Es un collage de sus trabajos pasados, un poco de Trainspotting, algo de The Beach, otro de Slumdog Millionaire. Es una mirada complaciente, entretenida y electrizante llena de momentos, alucinaciones y segmentos dignos de un video musical. El logro de 127 Horas es permitir que por 94 minutos, el espectador esté interesado en conocer el desenlace de Ralston, y para mí eso tuvo más que ver con la interpretación de James Franco que con la fotografía, la música, el guión y la dirección, elementos todos que hacen de esta producción una trampa seductora, pero que en el fondo son simples artificios de un cineasta que no sale de su zona de confort.

El Escritor Fantasma - The Ghost Writer

2011-05-06T11:57:00.005-11:00

A sus 74 años, el director Roman Polanski continúa con pulso fiel el camino que inició hace casi 4 décadas. Maestro en el manejo del suspenso, del fim “noir”, su nueva producción El Escritor Fantasma es de las mejores películas que adornan la cartelera y sin duda una de las mejores del 2010.

La cinta está protagonizada por Ewan McGregor, quien es contratado como "escritor fantasma" para reeditar las memorias del ex primer ministro de Gran Bretaña Adam Lang (Pierce Brosnan). El escritor original fallece bajo circunstancias que podemos catalogar más que extrañas y McGregor sospecha que en el manuscrito dejado por su predecesor se encuentra la clave de su muerte y otras verdades turbias sobre la vida política de Lang y su círculo cercano.

Las conspiraciones se respiran en cada recoveco de la mansión solitaria y escabrosa del Primer Ministro. Polanski nos sumerge en un viaje de descubrimientos, intrigas y manipulación, utilizando el terror psicológico con impecable técnica y persuasión. Cada personaje está diseñado para causar desconfianza. El ambiente que se transpira en cada escena es asfixiante y agobiante. Polanski evoca a Hitchcock una y otra vez, y lo hace estupendamente.

Existen similitudes entre la historia y la vida real, desde el parecido del perfil del Primer Ministro Lang con Tony Blair y otras referecias políticas más obvias. Pero no se confundan, el foco de la película es el fantasma y su búsqueda de la verdad, el resto es una cortina de humo para confundirnos y luego darnos la estocada final: pues resolver un misterio es una minúscula parte cuando estamos librando una batalla contra los titiriteros que controlan el poder.

Los Hombres que no Amaban a las Mujeres - Män Som Hatar Kvinnor

2011-02-26T11:06:00.007-10:00

Cada cierto tiempo, la literatura nos obsequia un personaje que rompe esquemas, que nos deslumbra y que se convierte en referencia obligada cuando pensamos en algún arquetipo. Y así Stieg Larsson nos ha regalado a la heroína de la década, Lisbeth Salander: Una especie de punk gótica, genio de la informática, con memoria fotográfica, fumadora voraz, inteligente, arisca, introvertida e incluso antisocial. Ella es la protagonista del thriller sueco Los Hombres que no Amaban a las Mujeres.

Salander (interpretada por Noomi Rapace) es una analista de investigación en una firma de seguridad. Uno de sus trabajos es indagar a fondo sobre Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist), el periodista editor de la revista Millenium sentenciado a seis meses de prisión por difamar a un magnate en uno de sus reportajes.

Blomkvist, antes de cumplir condena, es reclutado por un multimillonario llamado Henrik Vanger (Sven-Bertil Taube), quien le pide que investigue la misteriosa desaparición de su sobrina Harriet 40 años atrás. Harriet desaparece bajo circunstancias sospechosas y Vanger presume que algún miembro de su no tan honorable familia pudo haberla asesinado.

Seducido por la idea de apartarse del escándalo que lo rodea, Blomkvist comienza la investigación del caso, buscando pistas que lo lleven a descifrar el asesinato de Harriet y en su búsqueda, su camino y el de Lisbeth se cruzan. Así nace una de las mejores duplas cinematográficas de los últimos tiempos. Es una delicia ver interactuar a dos personajes tan diferentes como la noche y el día. La justicia se convierte en su denominador común.

Los secretos, las posturas morales de los hombres -muchas veces hipócritas- y la misoginia son llevados a otro nivel en este thriller donde las pistas muchas veces nos despistan, donde más allá del misterio central, nos cautiva el misterio de la chica tatuada y atormentada y el destino del periodista idealista obsesionado con la verdad.

La atmósfera casi claustrofóbica del film, con su isla remota, clima invernal y unos personajes bastante siniestros hacen de Los Hombres que no Amaban a las Mujeres un suspenso interesante y efectivo. Algo crudo en algunas escenas de violencia, pero sin rayar en lo morboso. Hay acción, buen ritmo y dos protagonistas con una dinámica interesante y compleja. Recomendada.

El Discurso del Rey - The King's Speech

2011-02-20T08:04:00.006-10:00

Superar un obstáculo, confrontar un miedo o sobreponerse a un impedimento son de los argumentos más explotados en el cine, unos a veces con mejor éxito que otros. La clave está en encontrar ese gancho que cree el nexo perfecto entre historia y audiencia.

Y eso es lo que El Discurso del Rey hace. Sin emplear muchos artilugios: un reparto de actores más que brillantes, un guión que balancea historia, sentimentalismo y lugares comunes de manera simple pero que funciona y entretiene.

Albert (Colin Firth), príncipe de Inglaterra y segundo en la línea de sucesión posee desde su niñez un impedimento para hablar y contrata a través de su esposa Elizabeth (Helena Bonham Carter) los servicios de Lionel Logue (Geoffrey Rush), un terapista poco convencional para ayudarlo a superar su tara.

Pero más allá de una simple cura del lenguaje, de un trato médico-paciente, entre Bertie y Lionel surge una relación atípica que entre terapia física y muchas veces, psicológica, permiten que el inseguro Bertie alcance ese potencial atrapado y encuentre su voz, la voz del líder que guiaría a su pueblo durante uno de los momentos más difíciles de la historia.

No existe un solo instante en el que no dudemos el curso que tomará la trama. Pero eso no disminuye el impacto emocional que nos deja, pues El Discurso del Rey se enfoca en sus personajes, sus relaciones y cómo esa dinámica íntima y a veces tierna cambia la vida de dos seres humanos completamente diferentes, tanto en rango social y político, como en personalidad.

El director Tom Hooper y su guionista David Seidler mantienen el foco en los protagonistas y no en el marco histórico, tocando las teclas exactas para recordarnos esos años previos a la Segunda Guerra Mundial, los delirios del hermano mayor de Edward (un excelente Guy Pearce) y los prejuicios y barreras sociales de la época. Pero sin perder de vista que el centro de la historia está en la relación de Bertie y Lionel.

Firth se crece en su papel de monarca, rígido y aristócrata, sin embargo vulnerable y deseoso de aprobación. Rush, uno de los mejores actores de carácter desde siempre, es más casual y cercano, algo peculiar pero exigente y duro cuando la ocasión lo amerita. Dos grandes que acompañados por Bonham Carter -cuya calidez y dulzura me desarmó por completo- hacen de El Discurso del Rey una experiencia realmente gratificante y reconciliadora con este tipo de cine llamado por muchos "prefabricado", pero que cuando es bien hecho, aunque sea manipulador y blablabla, te reconforta el corazón.

El Cisne Negro - Black Swan

2011-01-18T13:12:00.007-10:00

“Todos sabemos la historia. Una chica virginal, pura y dulce, atrapada en el cuerpo de un cisne. Desea libertad pero sólo el amor verdadero puede romper el hechizo. Su deseo se hace casi realidad cuando conoce a un príncipe, pero antes de que él pueda declararle amor verdadero, su lujuriosa hermana, el cisne negro, le tiende una trampa y lo seduce. Devastado, el cisne blanco salta desde un precipicio y en la muerte, alcanza la libertad”.

Ese es el prólogo que el director Thomas Leroy (Vincent Cassel) ofrece a su cuerpo de bailarinas minutos antes de someterlas a una audición para seleccionar a la protagonista de su nuevo montaje de El Lago de los Cisnes. Y como una especie de augurio, es el parlamento que engloba el drama psicológico del director Darren Aronofsky, El Cisne Negro. Es un film ambicioso e intenso, donde la perfección, los celos, las rivalidades, se retuercen hasta formar un amasijo de tormentosas consecuencias para Nina Sayers (Natalie Portman).

Ella es una bailarina obsesionada con la perfección, cuya dedicación y rigurosidad no da cabida para la posibilidad de una vida normal. Carente de amistades o de algún interés romántico, su único placer proviene de dominar su técnica, ensayar hasta lograrlo y satisfacer a su madre (Barbara Hershey) y a su director.

Cuando Nina es seleccionada para el rol que ha estado preparándose toda su vida, realidad y fantasía comienzan a disolverse, empujando su mente y sus acciones a mundos y emociones nunca explorados, como una pesadilla y un sueño que se vive simultáneamente.

Entre las secuencias de ballet y las del distorsionado mundo de Nina, Aronofsky muestra los contrastes de un mundo lleno de belleza exterior pero plagado de rivalidad y celos profesionales, de cuerpos perfectos y delicados pero llenos de moretones; de seres inseguros que al subirse a un escenario son capaces de transformarse en todo lo que no son fuera de el.

La pesadilla psicológica va pavimentando el camino a un clímax dramático e intenso –con ayuda de los acordes de Clint Mansell- que sin embargo no es del todo inesperado. El guion de El Cisne Negro no es exactamente el punto fuerte de este film que se ve devorado por los artificios audiovisuales empleados por su director y por las envolventes actuaciones de su reparto, en especial Portman, quien se convierte en ese ser frágil e inseguro, incapaz de registrar otro mundo a excepción del que existe en su mente atormentada.

La Red Social - The Social Network

2010-11-29T13:27:00.009-10:00

_____ quiere ser tu amigo en Facebook es quizás una de las frases que han signado esta década. A raíz de la creación de la red social surgió una nueva manera de relacionarnos. La metamorfosis en las relaciones humanas tiene un antes y un después de Facebook.

Y el origen de este fenómeno es la excusa perfecta para la más reciente cinta del director David Fincher, La Red Social.

¿Por qué digo una excusa? Porque no vamos a ver una historia sobre lenguajes de programación, ecuaciones matemáticas sobre cómo millones de personas se conectan a una red y comparten fotos, mensajes o videos. No.

La Red Social es la eterna historia de la aspiración individual por pertenecer a un grupo, del poder que se obtiene con "la exclusividad", de ganadores y segundones, de rechazo y de aceptación, de amistad y traición.

Lo genial de la cinta es la manera como está narrada, un duelo intelectual entre su creador, Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), y los abogados de su ex mejor amigo, Eduardo Saverin (Andrew Garfield) y sus enemigos, los gemelos Winklevoss (Armie Hammer).

Camos al pasado y se nos permite echar un vistazo a la experiencia universitaria -exclusiva y elitesca- de Harvard, donde mentes brillantes conviven con otras presiones, la tradición, el clasismo, los privilegios, la cultura de ganar, de ser el primero, de entender que en el mundo nadie recuerda al que llega en segundo lugar.

En dos horas de rapidísimo diálogo concebido por Aaron Sorkin, Fincher se las arregla para plasmar una especie de thriller legal con toques de drama y comedia, bajo una paleta fotográfica de marrones y azules, fría como una pantalla de computador, como su protagonista.

Los acordes musicales de Trent Trenzor y Atticus Ross nos acompañan cómplices en esta historia donde palabras van y vienen como balas de ametralladora, absorbiéndonos en un mundo tan exclusivo como uno de esos clubes sociales de Harvard, donde tenemos el chance de observar como pocos poderosos deciden el destino de muchos, a veces sin saber a ciencia cierta las consecuencias, los cambios y el impacto que sus decisiones tendrán en el mundo, y en ellos mismos.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 1 - Harry Potter and the Deathly Hallows: Part I

2010-11-23T06:47:00.005-10:00

12 años atrás inicié un romance indefinido con un mundo mágico. En papel, Harry Potter se convirtió en una de mis fantasías escapistas favoritas. No podía esperar el lanzamiento de un nuevo episodio para descubrir los secretos y misterios del joven con la cicatriz de rayo, el elegido, el niño que vivió.

Su transferencia al celuloide, si bien ha sido exitosa desde los estándares comerciales, siempre me dejó con un sabor agridulce, porque a excepción de la tercera y la quinta cinta, el resto de las películas nunca alcanzaron el nivel de emoción que los libros me brindaron.

Por eso me alegra sobremanera decir que Harry Potter y las Reliquias de la Muerte no tiene este problema. Lo que no quiere decir que sea perfecta, pero después del Prisionero de Azkabán y la Orden del Fénix, es la mejor película de la saga.

La historia la sabemos ya. Harry Potter debe vencer a Voldemort y para ello, debe localizar los Horcruces que contienen pedazos de su alma y destruirlos uno a uno. En compañía de Ron y Hermione, Harry inicia su misión, descubriendo secretos, aliados y enemigos, mientras el puño de Voldemort, sediento de poder y la necesidad de aniquilar a Potter, hace estragos en el mundo mágico y en el de los Muggles.

Lejos de Hogwarts y sus guardianes, el trío enfrenta por primera vez el mundo adulto: frío y abrumador. Esta madurez recién adquirida no parece gran cosa cuando vemos a los chicos en la inmensidad de los paisajes rurales donde buscan refugio del ojo vigilante de Voldemort. No es de extrañar entonces que víctimas de este ostracismo voluntario, otra clase de maldad aflore, la de los celos, la inseguridad y la envidia.

Muchos se quejan de la poca acción y de las escenas taciturnas en medio de los parajes ingleses. Pero el silencio y la contemplación son palabras clave en Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Ante la misión abrumadora que les espera, pasamos un buen rato viendo a Harry, Ron y Hermione sin decir mucho, contemplando el vacío, en reflexión. Y así debe ser, pues lo que está en juego es la existencia misma de su mundo y de sus seres queridos.

En ese ambiente cuasi-apocalíptico fotografiado por Eduardo Serra, el director David Yates se las ingenia para insertar momentos de desahogo, bien sean cómicos o de acción: El escape de los 7 Harrys, la boda de Bill y Fleur, la infiltración en el Ministerio de la Magia, la historia de las Reliquias de la Muerte, ejecutada en una animación fantástica.

Los personajes secundarios parecieran desfilar en pantalla sin ninguna otra meta que dar apoyo al trío protagonista; pero en Harry Potter ningún personaje es trivial. Cada quien aporta su grano a la historia y a los hechos. Hay un sabor a El Señor de los Anillos que se hace contundente en la búsqueda de Voldemort por la varita más poderosa; o en el guardapelo, especie de Anillo que corrompe los pensamientos de Harry y Ron, sobre todo en este último, capaz de imaginar su peor miedo y la escena más innecesaria de la película (faux pax para Yates y Kloves).

Existe otra cara de Harry Potter que muchos no ven, y es la crítica aguda a la política. Más allá de la fantasía, vemos la corrupción, el ansia de poder y las ideologías extremas que nos provocan sentimientos de rechazo: una especie de nazismo despacha desde el Ministerio de la Magia, impulsado irónicamente por Voldemort (un “sangre sucia”). La visión es espeluznante, y quizás pase como un elemento “más” de la historia. Pero está ahí por algo.

La primera parte de este episodio Harry Potter concluye en un punto donde la esperanza parece abandonar a nuestros héroes y el mal parece avanzar sin mayores obstáculos. Pero confío en que antes de que Harry nos abandone por siempre, nuestro apetito por esa épica confrontación final será satisfecho, con la ayuda de un poco de magia, que nunca cae mal.

Atracción Peligrosa - The Town

2010-11-03T09:39:00.003-10:00

Anualmente en Boston ocurren 300 robos de banco. Y Charlestown, un vecindario de unos 2.5 kilómetros cuadrados, ha producido más ladrones armados que cualquier otro lugar de Estados Unidos. Con este preámbulo llega a las pantallas una historia sobre el crimen y las segundas oportunidades llamada Atracción Peligrosa (The Town), dirigida por Ben Affleck (Good Will Hunting, Pearl Harbor, Hollywoodland).

Como buena representante del género, la película inicia con un robo. Cuatro enmascarados entran a una oficina y someten a los empleados y clientes a su terror. “Nadie saldrá herido” es la promesa de Doug MacRay (Affleck) pero su compañero Jem (Jeremy Renner, The Hurt Locker) es de los que prefiere disparar primero y preguntar después. La pandilla secuestra a la gerente del banco, Claire Keesy (Rebecca Hall, Vicky Cristina Barcelona), para luego dejarla libre. Cuando los atracadores se enteran de que Claire vive en Charlestown y ante el temor de ser descubiertos, Doug planifica un encuentro accidental con ella que eventualmente se transforma en un romance. Y de esa relación nace en Doug el deseo de aspirar a una vida mejor. Pero dejar atrás los errores y la violencia no es fácil. Menos cuando el FBI está pisándote los talones y tus amigos no te dejan olvidar el pasado.

Las calles de Boston son terreno familiar para Ben Affleck. De ellas salió su guión ganador del Oscar de 1997 En Busca del Destino (Good Will Hunting) y su primera aventura como director, la magnífica cinta Gone Baby Gone. Con Atracción Peligrosa, el actor y director nos acerca a un micro mundo de delincuentes, mafias y círculos viciosos donde el crimen y las drogas hacen estragos. Affleck tiene buen ojo para el drama y esta vez lo complementa con escenas de acción que si bien son más de lo mismo no restan importancia a la historia.

Affleck saca el máximo de sus actores, especialmente de Jeremy Renner, que le crispa los nervios al más aplomado y Chris Cooper (Adaptation, American Beauty) y Pete Postlthewaite (In The Name of the Father, Romeo y Julieta) que juegan pequeños pero contundentes roles en la historia. Atracción Peligrosa nos muestra la cultura del crimen y ese honor entre ladrones que tanto se ve en los libros. Redimirse es posible, pero difícilmente escaparás de las consecuencias de tus acciones. Todo tiene un precio

Kick Ass

2010-10-13T09:24:00.002-10:00

Un comic book que no se parece a ningún otro. Una historia de súper héroes que se burla de los buenos, los malos, los nerds y los feos. ESO, señores, es Kick Ass.

No estamos hablando de extraterrestres con poderes, mutantes o enmascarados millonarios con gadgets que pelean contra el crimen en mundos fantásticos. Kick Ass mezcla lo increíble del mundo de los héroes con realidad, mucha violencia y comedia. Ridiculizando su género hasta más no poder, Kick Ass expone sus absurdas premisas recargada de acción, venganza y color (y cero diálogos PG-13, hay un banquete de groserías).

La historia inicia con un adolescente llamado Dave Lizewski (Aaron Johnson), el típico nerd cuyo único poder es ser invisible para el resto del mundo. Un día, Dave se pregunta por qué no existen súper héroes en la vida real e ingenuamente decide convertirse en uno llamado Kick Ass. Una compra rápida por Internet provee a Dave de su disfraz y de esta manera el chico se lanza al ruedo de la lucha contra el crimen.

La grabación de una golpiza lo convierte en una sensación de Internet y pronto Kick Ass es todo un fenómeno que no pasa desapercibido por el señor del crimen Frank D’Amico (Mark Strong), quien decide que es hora de acabar con la popularidad de Kick Ass. Pero D’Amico no es el único que se interesa en el inexperto héroe. Un dúo más profesional de superhéroes llamados Big Daddy (Nicolas Cage) y Hit Girl (Chloe Grace Moretz) también le echan el ojo y cuando la confrontación de fuerzas se hace inevitable, Dave aprende lo que significa ser un verdadero héroe.

El consenso popular nos dice que los héroes son símbolos del bien, la justicia y bla bla bla. Pero en Kick Ass, ese argumento rodó por las escaleras. Si acaso, los súper héroes son una pila de sadomasoquistas paranoicos al borde de la locura, vengativos y más adictos a la violencia que los propios criminales que persiguen. Nada de preceptos nobles como “the greater good” o cosas por el estilo.

En Kick Ass abunda la violencia gráfica como en una película de Tarantino. Como si temiera perder nuestra atención, el director Matthew Vaughn (Layer Cake) nos atiborra con elementos tarantinescos, del animé japonés, del humor negro y las típicas comedias adolescentes americanas para narrar su historia a un ritmo vertiginoso, explotando descaradamente a la joven Chloe Grace Moretz y desafiando cualquier concepto de lógica o coherencia.

El resultado es una cinta audaz, divertida y tan desfachatada que cuando vemos a una niña de 11 años recibir de su propio padre un entrenamiento cruel con chaleco antibalas, lo primero que pasa por nuestra cabeza es soltar una sonora carcajada. En el cajón del olvido quedó la vergüenza.

CÁPSULAS: The Rebound & The Private Lives of Pippa Lee

2010-10-08T11:37:00.003-10:00

Víctima de las preferencias de una de mis panas cinéfilas llegaron a mis manos dos cintas cuyas historias giran alrededor de personajes femeninos. Hoy comparto con ustedes mis apreciaciones de ellas:

The Rebound: dirigida por Bart Freundlich (ajá, el esposo de mi querida Julianne Moore) y protagonizada por Catherine Zeta-Jones y Justin Bartha, esta comedia ligera nos cuenta de las aventuras de una recién divorciada (Zeta-Jones) que se relaciona con un chico 15 años menor que ella (Bartha). Una propuesta nada original y burda de las peripecias de dos personajes tratando de encontrarse a sí mismos mientras llevan adelante una relación que nace de su propia desorientación. Las actuaciones no son un desperdicio del todo pero los chistes de mal gusto abundan en esta historia que irónicamente es un reflejo de uno de sus personajes, un joven perdido queriendo ser adulto pero sin la madurez suficiente para dominar la situación.

The Private Lives of Pippa Lee: Esta cinta de Rebecca Miller tiene un reparto no menos que espectacular: Robin Wright Penn, Blake Lively, Alan Arkin, Keanu Reeves, Maria Bello, Winona Ryder y Monica Bellucci. La historia de Pippa Lee es la historia de Wright Penn: la de una mujer con una vida de ensueño, madre de dos hijos y esposa devota de un hombre que le lleva 30 años; Pippa Lee es amiga, confidente, la perfecta vecina, amable y perfecta. Pero al iniciar una nueva etapa de su vida en un suburbio de retirados, su mundo casi idílico comienza a descoserse como un vestido viejo y mientras los retazos de la persona que Pippa solía ser despiertan y amenazan con poner patas arriba su existencia de figurita de porcelana. Este es un rol hecho a la medida para Wright Penn, quien brilla con luz propia en este mezclote de sátira, drama y comedia. La historia derrocha personajes coloridos y fuertes personalidades femeninas, desde la errática madre de Pippa interpretada por Maria Bello, su tía Trish (una divina bohemia y lesbiana Julianne Moore) y la muy divertida Winona Ryder como la neurótica Sam (te extranaba Winona). Las Vidas Privadas de Pippa Lee es un accidentado viaje emocional donde exploramos las relaciones de madres e hijas, amantes, amigos y esposos, sus errores, tragedias y hasta los misterios del sonambulismo. Recomendada.