CinemaScope: Una mirada al 7mo Arte

L`alpagueur aka El Cazador de Hombres: Un caza recompensas a la francesa.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 08 Feb 2012 08:20:30 PST

“L`alpagueur” (1976), es un thriller del director Philippe Labro, el cual está protagonizado por Jean-Paul Belmondo, Bruno Cremer, y Patrick Fierry.

El Cazador de hombres (Jean-Paul Belmondo) es un mercenario solitario y marginal que firma un acuerdo con dos personas importantes con el fin de llevar a cabo una serie de misiones utilizando métodos particulares e ilegales, con el objeto de parar algún peligroso traficante, criminal, etc. Gracias a estas acciones su cabeza tiene precio en muchos lugares, tanto por las autoridades como por los maleantes.

A principios de los setenta, el denominado “cine polar” que englobaba a un grupo de cintas francesas fuertemente influenciadas por las producciones del film noir que se rodaron en el Hollywood de los cuarenta, comenzó a mutar al tomar ciertos elementos del cada vez más exitoso cine italiano, tanto en el aspecto narrativo, como en el técnico y el artístico. Fue entonces que cuando bajo el alero de directores como Henri Vernuil, Jacques Deray, y el director de la cinta que hoy nos ocupa, un grupo de actores franceses como Alain Delon y Jean-Paul Belmondo, entre otros, comenzaron a cimentar su fama como hombres de acción en una serie de thrillers criminales, donde por lo general interpretaban a personajes que actuaban fuera de los márgenes de la legalidad. Este es precisamente el caso de “L`alpagueur”, donde Belmondo interpreta a un solitario y misterioso caza recompensas conocido únicamente como “El Cazador” (lo que rápidamente nos trae a la memoria al personaje que Clint Eastwood interpretó en la “Trilogía del Dólar” de Sergio Leone), quien es utilizado de manera secreta por la policía para obtener las pruebas que les permitan capturar diversos criminales que se las han ingeniado para evadir la ley.

Es así como en un determinado momento del film, le es encomendada la tarea de capturar a un peligroso criminal conocido como “El gavilán” (Bruno Cremer), quien últimamente ha estado cometiendo una serie de robos con violencia, en los cuales utiliza a jóvenes con problemas como fugaces cómplices, a los cuales asesina una vez cometido el crimen. Sin embargo, en uno de estos atracos el cómplice de turno, un joven llamado Costa Valdez (Patrick Fierry), logra salir con vida, convirtiéndose en la única esperanza de la policía, y posteriormente del Cazador, para dar con el tan buscado criminal. Lamentablemente, no todo es tan sencillo como parece. No solo el Cazador tendrá que ganarse la confianza del joven, sino que además deberá ayudarlo a fugarse de la cárcel para dar con el posible paradero del Gavilán. Será la relación que se desarrolla entre el protagonista y Costa, lo que constituye el verdadero núcleo de la película. No pasa mucho tiempo antes de que se transformen en una suerte de maestro y alumno, cuyas semejanzas los terminan uniendo en un potente lazo de amistad. Ambos son hombres solitarios y amorales, los cuales no parecen tener familia ni amigos, por lo que por momentos da la impresión que la relación que establecen es la representación del único rasgo de humanidad que les va quedando.

Mientras que el personaje de Belmondo calza perfecto con el típico antihéroe presente en el spaghetti western, presentándose como un hombre motivado solo por el dinero, el cual está sumamente consciente de su efectividad, y que utiliza la ironía tan seguido como sus puños, aquel interpretado por Bruno Cremer se alza como su contraparte perfecta. El Gavilán es un tipo frío, despiadado y autosuficiente, que pareciera cometer crímenes por mero placer. Ambos son depredadores, aunque claramente pertenecen a distintas especies. Resulta curioso cómo tras la elección de jóvenes cómplices, se esconde una homosexualidad latente por parte del criminal. En todos los atracos, este busca establecer una relación de dominancia con sus cómplices, corrompiéndolos y convirtiéndolos en un mero instrumento para un fin. Sin embargo, todo esto queda en el ámbito de la mera especulación, ya que al igual que lo que sucede con la mayoría de los personajes del film, es poco lo que sabemos acerca de la vida del Gavilán, y durante el transcurso de la película tampoco son explicados sus motivos.

Básicamente, la cinta está divida en tres actos. En el primero son presentados los personajes principales, como estos llevan a cabo sus respectivas actividades, y como es encarcelado el joven Costa. Ya en el segundo acto, el Cazador debe infiltrarse en la prisión para ganar la confianza de Costa, sonsacarle la información que la policía no pudo obtener de él, y ayudarlo a escapar del establecimiento con la colaboración de un grupo clandestino que opera al interior de la prisión. Finalmente, en el tercer acto la improvisada dupla de compañeros no solo deben ingeniárselas para escapar de la policía y del grupo de criminales involucrados en la fuga de la cárcel, sino que además deben dar con el paradero del villano de turno, antes de que este cometa un nuevo crimen. Sin lugar a dudas, es durante el tercer tramo del film donde se concentra la mayor parte de la acción y el suspenso de la misma, cuyo clímax es el esperado enfrentamiento entre el Cazador y el Gavilán, donde las palabras sobran y el único método de comunicación son los puños de los involucrados.

La película en gran medida se sostiene gracias al excelente trabajo de Belmondo. Este impide que su personaje se torne unidimensional, aún cuando sus líneas de diálogo son más bien escasas. El gran mérito del actor, es la capacidad que este tiene para imprimirle ciertos rasgos humorísticos al Cazador, dotándolo de una humanidad que lo aleja de convertirse en una mera encarnación de la virilidad masculina. Esto lo complementa con un buen uso del lenguaje no verbal, lo que termina convirtiéndolo en un personaje querible. Bruno Cremer también realiza un buen trabajo interpretando al temido y escalofriante Gavilán, logrando por momentos que este se convierta casi en un personaje omnipresente, pese a que solo aparece en contadas escenas. Por otro lado, es destacable el trabajo de fotografía de Jean Penzer, quien logra dotar al film de una atmósfera gris y pesimista, lo cual es bastante propio del “polar”. Lamentablemente, no se puede decir lo mismo de la banda sonora compuesta por Michel Colombier, la cual si bien tiene algunos pasajes interesantes, en general es bastante olvidable y es muy mal utilizada por el director.

Aunque en términos generales “L`alpagueur” es una cinta entretenida e interesante, que mezcla escenas de acción con otras más inclinadas a la comedia o al suspenso, hay dos cosas que resultan criticables. La primera es que al caer en un estilo narrativo más bien episódico, Philippe Labro desvía la atención del conflicto principal, lo que por momentos le resta importancia al punto de que parece solo otra “mini-aventura” de las tantas que emprende el protagonista. Lo otro que resulta molesto, es que quedan muchas preguntas sin resolver y existen algunos agujeros en el guión que desafían la credibilidad del mismo. Si bien tanto Labro como Belmondo trabajarían en cintas superiores a la que hoy nos ocupa, de todas formas “L`alpagueur” es un buen ejemplo de esta oleada de cintas producidas en Francia durante los setenta, que supieron mezclar con éxito elementos de diversos géneros, dando como resultado historias que se desarrollaban en un universo poblado únicamente por hombres que exudaban testosterona, los cuales aprovechaban cada oportunidad para establecer su dominancia ante sus pares. Y es que precisamente en ese ambiente que Jean-Paul Belmondo logró establecerse como uno de los tipos duros más recordados de la historia del cine europeo.

por Fantomas.

Bring Me the Head of Alfredo García: Boleto directo al infierno.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Thu, 26 Jan 2012 16:50:09 PST

“Bring Me The Head of Alfredo Garcia” (1974), es un thriller/drama del director Sam Peckinpah, el cual está protagonizado por Warren Oates e Isela Vega.

Bennie (Warren Oates), un pianista norteamericano y Elita (Isela Vega), su novia prostituta, se embarcan en un viaje por México para encontrar la cabeza de un hombre por la cual existe una suculenta recompensa que puede cambiar sus vidas para siempre.

Contrario a lo que se podría pensar, durante toda su carrera, el siempre controversial director Sam Peckinpah mostró una marcada aversión hacia el género del western, en especial a los que presentaban a la venganza como un elemento primordial del relato. Era tal su odio por el género, que en una entrevista declaró que él jamás había filmado un western, sino que había realizado un montón de películas que presentaban hombres montados sobre un caballo. Tras evadir este tipo de historias durante años, a principios de los setenta, Peckinpah se decide a filmar un western contemporáneo con influencias shakesperianas, donde gran parte de los personajes están motivados por un incombustible deseo de venganza. El guión de “Bring Me the Head of Alfredo Garcia” nacería del relato que Frank Kowalski le presentó al director en 1969, que consistía en la historia de un acaudalado y poderoso tirano el cual ofrecía una suculenta recompensa por la cabeza del hombre que ha dejado embarazada a su hija adolescente. Durante tres años, Peckinpah junto a Gordon Dawson, le darían forma a un guión inclinado hacia la tragedia, y que pasaría a ser la base de una de las películas más violentas del director.

Rodar la película no sería simple. Tras el fracaso de la cinta “Pat Garret and Billy the Kid” (1973), la cual fue editada sin la autorización del director por los ejecutivos de la MGM, Peckinpah decidió refugiarse en México donde sabía que podría realizar un film violento y cruel sin que nadie se entrometiera en sus decisiones. Lamentablemente, para este entonces el comportamiento del realizador ya era bastante errático. Según el guionista Gordon Dawson, Peckinpah se mostró indiferente y falto de confianza durante todo el rodaje, lo que se terminaría reflejando en la fotografía de la cinta, la cual expresa la apatía que estaba experimentando el director. Para empeorar la situación, este último comenzó a tener una serie de problemas su pareja, y otros generados por el abuso de fármacos y sustancias como la cocaína, todo esto bajo el amparo de doctores de dudosa reputación. Cabe mencionar que sería Warren Oates, quien se obtendria el rol protagónico del film tras los fallidos intentos del director por contratar a Peter Falk y James Coburn, quien introduciría a Peckinpah al uso de la cocaína, la cual seguiría utilizando de forma recurrente los años venideros.

Como ya había mencionado anteriormente, el detonante de la serie de acontecimientos que terminaran en la muerte y el sufrimiento de una serie de personajes es la venganza, pero no la del protagonista, sino que la de un capo de la mafia quién le ha puesto precio a la cabeza del hombre que se atrevió a dejar embarazada a su hija para luego huir. Debido al interés que genera dicha recompensa, es que una serie de criminales comienzan a recorrer México para dar con el odiado galán. Es en esta búsqueda que un par de asesinos (Robert Webber y Gig Young) se topan con Bennie, un pianista venido a menos que terminará convirtiéndose en un verdadero antihéroe, que dice saber el paradero de Alfredo García. Si bien los asesinos le ofrecen un pequeño porcentaje de la recompensa (cosa que Bennie desconoce), la propuesta para él se presenta como su boleto de salida de la podredumbre en la que está inmerso. Es por esto que junto a Elita, su novia la cual no solo sabe el paradero de Alfredo, sino que además tuvo una relación en el pasado con él, decide emprender camino hacia el interior de México, sin imaginarse la serie de problemas que deberá enfrentar para dar con su tan ansiado botín.

Criminales de poca monta, motociclistas abusadores y familiares enfadados, serán parte de los personajes que se interpondrán en el camino de Bennie y Elita, cuya relación es fuertemente estudiada durante el transcurso de la cinta. Ambos son personajes dañados, lo que los ha llevado a refugiarse el uno en el otro. Durante gran parte del film, es apreciable como Elita se convierte en la fuente de humanidad de Bennie, influyendo poderosamente en la emocionalidad de su pareja, quien tras un altercado con unos motociclistas que intentan violar a su novia, comienza a mutar, dándose cuenta de lo mucho que disfruta la violencia y de cómo esta pasa a convertirse en el único camino que lo llevará a descubrir su verdadera identidad. Por otro lado, la misma escena de la “cuasi violación” sirve para establecer Elita toda su vida ha estado sometida al abuso por parte de los hombres, siendo Bennie el único que ha sido capaz de tratarla con algo de respeto, lo que a fin de cuentas es todo lo que ella necesita para ser feliz. Eventualmente, y por razones en las que no es necesario ahondar, la venganza del poderoso criminal mexicano deja de ser importante, dando paso a una cruzada de venganza llevada a cabo por el protagonista en compañía de la cabeza de Alfredo García.

Es en este punto donde el film adquiere tintes surrealistas. Bennie entabla una relación casi de complicidad con la cabeza del buscado hombre, llegando a protegerla por momentos por algo que va más allá de la simple recompensa, y que podría ser considerada como un distorcionado sentimiento de amistad. Y es que en el fondo, ambos hombres presentan una serie de similitudes que los llevarán a unirse aún después de la muerte; ambos amaron a la misma mujer, son destruidos por el mismo personaje de clase alta, y finalmente ninguno de los dos pidió sufrir las miserias que les tocó vivir. Independiente de la brutalidad, el gran número de víctimas y el número no menor de situaciones misóginas que presenta la cinta, en el fondo esta no es más que un relato que expresa el poder redentor del amor, y el precio que se debe pagar cuando se sacrifica el amor en pos de algún tipo de ganancia monetaria. Más allá de los aspectos narrativos de la cinta, es destacable el trabajo actoral de Warren Oates y Isela Vega, quienes además de exhibir una gran química, logran que el espectador empatice con sus conflictos y con su forma de ver la vida. Lo que es aún más importante, es que a través de los diálogos que el personaje de Oates mantiene con la cabeza de García, este logra que el espectador sienta que en parte conoce al personaje, pese a que en verdad nunca lo llegamos a ver vivo.

Por otro lado, también resulta destacable el trabajo de fotografía de Alex Phillips, y la banda sonora compuesta por Jerry Fielding, quienes en conjunto logran construir una atmósfera pesimista, la cual acompaña durante todo el relato a un protagonista que sabe que se ha metido a un callejón sin salida, cuyo destino final no es más que su autodestrucción. “Bring Me The Head of Alfredo Garcia” es una película que presenta varias capas de profundidad, aunque en principio no lo parezca. Al momento de su estreno, fue fuertemente criticada en el circuito norteamericano, convirtiéndose en otro fracaso de taquilla dentro de la filmografía de Sam Peckinpah. Sin embargo, este film hoy es visto desde un prisma diferente. “Bring Me The Head of Alfredo Garcia” no solo es la muestra tangible de que el director logró con éxito mutar el western clásico que el tanto repudiaba en algo completamenta distinto y contemporáneo, sino que además es la prueba de que para Peckinpah, la violencia no es un elemento cuyo objetivo es llamar la atención, sino que es un medio para transmitir un mensaje mucho más profundo. En definitiva, estamos ante una verdadera joya cinematográfica, que sigue conservando su poder de impresionar y encantar al espectador por partes iguales, invitándolos a participar en un viaje sin retorno al infierno.

por Fantomas.

Gorky Park: Asesinato en el corazón de la Unión Soviética.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Thu, 19 Jan 2012 15:14:40 PST

“Gorky Park” (1983), es un thriller del director Michael Apted, basado en la novela del mismo nombre del escritor Martin Cruz Smith, el cual está protagonizado por William Hurt, Lee Marvin, y Joanna Pacula.

Cuando se descubre un triple homicidio en las inmediaciones del Parque Gorky de Moscú, Arkady Renko (William Hurt), investigador de la milicia soviética, será el encargado de resolver un crimen cuyas ramificaciones pueden terminar conduciéndolo a su propia muerte.

En 1981, el escritor Martin Cruz Smith lanzaría su tercera novela titulada “Gorky Park”, la cual recibiría algunos premios y se convertiría en un bestseller. Viendo el potencial cinematográfico que poseía el relato, los productores Bob Larson y Hawk Koch, compraron los derechos de la novela, contrataron al director Michael Apted, y le encargaron la confección del guión a Dennis Potter, quien terminaría recibiendo el premio Edgar Allan Poe por su trabajo en este film. Por otro lado, la elección del elenco no sería sencilla. Para el papel protagónico, se pensó primero en Dustin Hoffman y Robert Redford antes de que el director optara por William Hurt. Algo similar sucedió a la hora de seleccionar al actor que interpretaría al empresario norteamericano Jack Osborne. El veterano actor Burt Lancaster ya había sido contratado para interpretar dicho papel, pero debido a problemas de salud, tuvo que ser reemplazado por el también experimentado Lee Marvin. Finalmente, a la hora de escoger las locaciones para el rodaje, a causa de la Guerra Fría, el director y su equipo de filmación debieron trasladarse a Helsinki, ya que dicha ciudad presentaba una arquitectura similar a la que se podía encontrar en Moscú.

Como había mencionado anteriormente, el film se desarrolla en Moscú, en plena época de la Guerra Fría, donde el régimen soviético constantemente amenazaba con oprimir a los integrantes de una sociedad que distaba de ser igualitaria. Es en este ambiente tenso, que se descubren tres cuerpos enterrados en la nieve en el famoso parque Gorky. Como si el hecho no fuese lo suficientemente macabro por sí solo, dichos cuerpos han sido desprovistos de sus rostros y sus huellas digitales, en un obvio intento por ocultar sus identidades. Es con este escenario que se encuentra Arkady Renko, un integrante de la milicia o policía soviética, cuyo record de casos resueltos es tan famoso como sus rencillas con los integrantes de la temida KGB. Desde el inicio de la cinta, se ve como los problemas de Renko con la KGB no solo se limitan a una diferencia en los métodos de investigación, sino que resulta evidente que estos últimos en más de una ocasión, han intervenido ciertas investigaciones para cubrir los crímenes que realizan en nombre del régimen comunista.

Precisamente, la corrupción es uno de los temas centrales del film. Renko es un policía honesto, con un gran manejo de las políticas soviéticas, lo que le permite conservarse con vida en un ambiente convulsionado por una amalgama de conflictos sociales y políticos. El protagonista es un fiel representante del obrero promedio, quien en su búsqueda por retener lo que le queda de libertad, está dispuesto a seguir ideologías que pueden atentar contra su propia seguridad. A diferencia del típico retrato del policía norteamericano renegado, Renko rompe las normas pero dentro de ciertos márgenes que sabe que no le es conveniente cruzar. Esto se debe básicamente a él no se juega una simple suspensión o una reprimenda de su capitán, sino que está en riesgo su vida. La política y la justicia no van siempre de la mano, como sucede en este caso. ¿Cómo llevar a cabo una investigación que en la que está en juego algo más que la simple captura del criminal o los criminales? Ese es uno de los dilemas que plantea la cinta, y en los que se concentra gran parte del suspenso de la misma.

En esencia, “Gorky Park” es un film de misterio, un clásico “Whodunit”, donde la identidad del asesino no es revelada hasta bien entrada la segunda mitad del relato. Sin embargo, más importante que la identidad del criminal (la cual a decir verdad, resulta bastante evidente), son los motivos que este tuvo para llevar a cabo tan horrendo crimen. De la misma forma, se juega con el grado de compromiso con los asesinatos que tiene Irina Asanova (Joanna Pacula), una joven siberiana cuyo mayor deseo es escapar de la Unión Soviética y que parece saber más de lo que aparenta. Una pieza importante en todo este rompecabezas policíaco, es Jack Osbourne (Lee Marvin), un acaudalado empresario norteamericano de moral dudosa, cuyas conexiones con el gobierno soviético y el de su país, lo convierten en un personaje peligroso. Como es de esperarse, eventualmente otros personajes se involucraran en esta trama de intriga y traiciones, como por ejemplo el personaje interpretado por Brian Dennehy, cuyo papel dentro la investigación será revelado en la primera mitad de la cinta.

En el ámbito de las actuaciones, la totalidad del elenco realiza un estupendo trabajo. Sin embargo, es William Hurt quien se destaca en una historia que no busca retratarlo como el típico héroe norteamericano. Renko es un personaje imperfecto, cuya vinculación con su trabajo llega a tal punto, que se muestra como una persona sumamente fría por momentos, cuya máxima parece ser que el fin justifica los medios. Como aparece mencionado anteriormente, el protagonista sabe que la única forma de conservar su libertad, de liberarse de la opresión a la que lo somete su gobierno, es destacándose en su trabajo, lo que lo lleva a volcar sus sentimientos de lleno en la investigación. Por otro lado, resulta destacable el trabajo de fotografía de Ralf D. Bode, y la banda sonora compuesta por James Horner, quienes en conjunto logran construir una atmósfera opresiva y pesimista, donde prima un sentimiento de constante paranoia. En una sociedad envuelta en la corrupción, donde los agentes de la KGB se esconden dentro de la población civil, nadie puede confiar en nadie. Las repercusiones que tiene el exceso de confianza y la inocencia en un ambiente así, son exploradas durante todo el transcurso de la historia, dotando al relato de un suspenso tangible y constante.

Más allá de la trama policiaca que forma el corazón del relato, “Gorky Park” retrata de manera fiel la realidad existente en la Unión Soviética en la década de los ochenta. Lo importante es que en ningún momento se condena al comunismo, sino que se hace hincapié en el hecho de que independiente de las ideologías políticas de cada uno, es la persona en sí la que tiene la capacidad de corromperse si es que el ofrecimiento es lo suficientemente atractivo. Apted mantiene un ritmo narrativo adecuado durante las casi dos horas de metraje, logrando equilibrar de buena forma el seguimiento del procedimiento policial, con un interesante estudio de los personajes involucrados. Probablemente lo más reprochable del film, sea el hecho de que pese a que casi todos los personajes son rusos, ninguno tiene el acento distintivo. En definitiva “Gorky Park” es una cinta entretenida, que ha soportado bien el paso del tiempo, erigiéndose como algo más que una simple cápsula visual de un periodo determinado.

por Fantomas.

Fritz the Cat: Sexo, drogas y animación.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Tue, 10 Jan 2012 20:54:57 PST

“Fritz the Cat” (1972), es un film de animación para adultos, basado en los personajes creados por Robert Crumb, y dirigido por Ralph Bakshi.

En plena década de los sesenta, Fritz, un gato motivado por los numerosos cambios que está experimentando la sociedad norteamericana, comienza a buscar su verdadero destino en los lugares más inapropiados, involucrándose en diversos problemas.

Mucho antes de convertirse en el “chico malo” de la animación, Ralph Bakshi, cartonista graduado en la Escuela de Arte y Diseño de Nueva York, daría sus primeros pasos en el mundo de la animación al interior de los estudios Terrytoons, para luego ser contratado por la Paramount para dirigir una serie de cortos animados experimentales. A fines de los sesenta, Bakshi crearía su propia empresa junto al productor Steve Krantz, con el fin de poder desarrollar sus propios proyectos. En su búsqueda de ideas, se topó con una historia corta protagonizada por un peculiar gato llamado Fritz, la cual apareció en uno de los números de la revista Snatch. El relato, escrito por Robert Crumb, se mostraba como una ácida sátira de la sociedad norteamericana de los sesenta, lo que rápidamente llamó la atención de Bakshi. Tras una serie de dimes y diretes con el caricaturista, el director logró que la esposa de Crumb le cediera los derechos del personaje por 50.000 dólares. Sin embargo, este solo sería uno de los primeros problemas que debería enfrentar el director antes de que su film saliera a la luz.

Con los derechos del personaje en el bolsillo, Bakshi y compañía comenzaron a buscar a un inversionista. Tras visitar varios estudios, lograron que la Warner Bros aceptara financiar el proyecto. Lamentablemente para el director, los ejecutivos del estudio no se mostraron muy contentos con el marcado contenido sexual del film, por lo que decidieron retirarse del proyecto. Eventualmente, Bakshi lograría convencer al productor del cine de explotación, Jerry Gross, para que financiara la película. En cuanto a la construcción del guión, Bakshi adaptaría las historietas “Fritz Bugs Out” y “Fritz the No-Good”, y las uniría con un segmento escrito por él mismo. Curiosamente, el segmento escrito por el director, mostraba un nivel de crudeza y violencia mucho mayor que el que exhibían las historietas de Crumb. La razón de esto era sencilla; si bien Bakshi sentía una real admiración por el trabajo de Crumb, pensaba que sus historias carecían de real profundidad, por lo que decidió incluir una serie de elementos completamente inexistentes en el cómic, como una descripción del mundo judío y ciertos problemas generados por el racismo latente en la Norteamérica de los sesenta.

Básicamente, la película se centra en las andanzas de Fritz, un joven felino universitario que vive en una superciudad de animales, cuyo comportamiento se asemeja al de los humanos. Nuestro protagonista es un personaje pretencioso, que convive con hippies y drogadictos, y que pese a jactarse de compartir sus ideales y su estilo de vida, se considera muy diferente a ellos. Para Fritz, la gran mayoría de los personajes involucrados en los movimientos revolucionarios de la época, no son más que hipócritas que se escudan en “la causa” para satisfacer sus propios placeres. Esto obviamente, convierte al felino en el mayor hipócrita de todos. Pese a involucrarse en diferentes situaciones con el pretexto de llevar a cabo un debido proceso de introspección, la verdad es que al final del día su mayor preocupación es tener sexo con cuanta chica le sea posible. Aunque obviamente Bakshi intenta satirizar todo el movimiento hippie, acusándolo de simplista y vacuo, el producto final comparte algunos de los principios culturales del movimiento. Uno de los paralelismos más importante entre el trabajo de Bakshi y el movimiento hippie, son sus ansías de romper las reglas de la época, que impedían la descripción más explícita de asuntos como el consumo de drogas, el sexo, la violencia y las relaciones interraciales, en el arte popular.

Aunque esto podía haber sido mejor aprovechado por Bakshi, lamentablemente cae en los mismos vicios que condenaron al movimiento hippie; ambos tratan estos temas de forma demasiado simplista. El sexo y las drogas que aparecen en la historia caen dentro de los parámetros del simple hedonismo, por lo que no tienen ningún tipo de consecuencia. Para colmo, si bien Fritz y el resto de los hippies son retratados como paternalistas e ignorantes en cuanto a la población afroamericana se refiere, el director cae en lo mismo que crítica, limitándose a mostrar una versión estereotipada de la cultura afroamericana. En relación a esto, cabe señalar que Bakshi encarna en la figura de cuervos a la población negra. Esto, que ya se había visto anteriormente en la cinta de Disney, “Dumbo” (1941), resulta a lo menos curioso, ya que si bien el director mostró su interés por realizar una cinta completamente anti-Disney, terminó empleando una gran cantidad de técnicas narrativas propias de la casa de Mickey Mouse.

Por otro lado, a ratos la historia se torna algo confusa, provocando que el director no logre mantener un adecuado ritmo narrativo. Existe poca cohesión entre los diversos segmentos que componen la cinta, por lo que parece que esta fuera más una compilación de aventuras episódicas, que el relato de una historia bien definida. Esto probablemente se deba a que en un principio, Bakshi planeaba realizar una serie de cortos protagonizados por el gato Fritz, lo que luego derivó en la filmación del largometraje que hoy nos ocupa. Aunque son varios los aspectos criticables del film, este presenta una serie de elementos a destacar. Por momentos, Bakshi logra retratar ciertos ambientes y personajes que se acercan bastante a la realidad, lo que le otorga cierta profundidad al relato. Curiosamente, esto sucede cuando se centra en personajes que solo actúan como un mero adorno de la historia principal, y que a través de sus diálogos realizan una descripción más profunda de los problemas de la sociedad de la época que el mismo protagonista.

Además cabe rescatar uno de los aspectos más interesantes de la película, que es el apartado visual. Son varias escenas que pueden ser vistas como verdaderos viajes ácidos, mientras que en otras se destacan los llamativos escenarios suburbanos por los que se pasea el protagonista durante el transcurso de sus aventuras. De la misma forma, la banda sonora compuesta por Ed Bogas y Ray Shanklin, la cual es una verdadera mezcla de ritmos beatniks y soul negro, se presenta como uno de los puntos altos del film. “Fritz the Cat” es un largometraje interesante que pudo ser mucho más de lo que terminó siendo. Probablemente, la razón principal por la cual esta película es constantemente recordada como una pieza de culto, es por el hecho de ostentar el dudoso honor de ser la primera cinta animada calificada “X”, lo que si bien le trajo algunos beneficios a su director, eventualmente se convirtió en una maldición, ya que no solo le trajo problemas con la crítica, sino que también mermó la ganancias que obtuvo con la producción. En definitiva, “Fritz the Cat” es una película que pese a todas sus falencias, logra presentarse como un obra interesante, producto de la época en la que fue realizada. No es precisamente la mejor obra de Bakshi, que con el transcurso de los años mejoraría bastante la factura de sus trabajos, pero de todas formas vale la pena darle un visionado aunque sea por mera curiosidad.

por Fantomas.

Queen of Blood: Femme Fatale Espacial.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Mon, 02 Jan 2012 15:51:22 PST

“Queen of Blood” (1966), es un film de ciencia ficción del director Curtis Harrington, el cual está protagonizado por John Saxon, Basil Rathbone, Judi Meredith y Florence Marly.

En el año 1990, llega al planeta Tierra una llamada de auxilio proveniente de una nave alienígena que se ha estrellado en la superficie de Marte. Una expedición terrestre es enviada al planeta rojo para buscar a los alienígenas Eventualmente dan con una única sobreviviente (Florence Marly), pero tras una serie de extraños incidentes, los astronautas deberán responder la siguiente pregunta: ¿es ella víctima o victimaria?

Durante la década de los sesenta, Roger Corman, un verdadero especialista a la hora de reducir los costos de sus producciones, comenzó a comprar los derechos de una serie de cintas rusas de ciencia ficción, con el fin de extraer algunas escenas y así fabricar nuevas películas. Corman vio una oportunidad en el hecho de que al ser la industria cinematográfica soviética el estandarte de la propaganda política del estado comunista, era común ver temas como la carrera espacial plasmados en los films rusos. Por la misma razón, estos contaban con cuantiosos presupuestos, lo que les permitía incluir efectos especiales de mejor calidad que los que exhibían las producciones hollywoodenses. Esta práctica fue aplicada en “Queen of Blood”, donde se utilizaron escenas de las cintas “Mechte Navstrechu” (1963) y “Nebo Zovyot” (1960). Obviamente, esto ayudo bastante a mejorar el apartado técnico de una producción que solo contó con un presupuesto de 50.000 dólares, y que fue rodada en tan solo ocho días.

Como ya se había mencionado anteriormente, la historia se desarrolla en el año 1990, donde la humanidad según Curtis Harrington, ya ha alcanzado niveles de desarrollo tecnológico y científico impresionantes (esto responde a un error de cálculo común de algunas cintas de ciencia ficción clásicas). Al interior del Instituto de Tecnología Espacial, conducido por el brillante doctor Farraday (Basil Rathbone), han detectado una señal alienígena la cual supuestamente proviene de una nave que transporta unos emisarios de origen desconocido, enviados para hacer contacto con la humanidad. Si bien esta noticia no tarda en ser celebrada a nivel global, pronto Farraday y su equipo de expertos se enteran que la nave extraterrestre ha sufrido un percance que los ha llevado a estrellarse en la superficie de Marte. Es ahí cuando se decide enviar una expedición de rescate, conformada por Laura James (Judi Meredith), Anders Brockman (Robert Boon) y Paul Grant (Dennis Hopper). Tras sufrir algunos desperfectos debidos a una mancha solar, una segunda expedición es enviada, los cuales no solo deben rescatar a sus colegas caídos, sino que también tendrán que descubrir la verdadera naturaleza de los visitantes de otros mundos.

Gran parte de este embrollo interplanetario, es expuesto durante la primera mitad del film sin mucha gracia. Se presenta a la mayoría de los protagonistas, el trabajo que estos realizan al interior del Instituto, y a ratos la cinta se centra en los múltiples comunicados que emite el doctor Farraday explicando la situación a la que se ven enfrentados. Es precisamente durante este segmento de la historia donde se puede apreciar la diferencia abismante que existe entre los efectos especiales que Corman tomó prestadas del par de películas soviéticas, y el apartado técnico utilizado por Harrington y compañía. Por un lado, nos encontramos con los interiores del Instituto, que con suerte cuentan con un par de equipos "tecnológicos" que presentan unas cuantas luces titilantes para dar la impresión de modernidad. Aunque sea difícil de creer, el interior del cohete enviado para rescatar a los alienígenas es aún más pobre, lo que no ayuda a otorgarle mucha credibilidad a la historia. Afortunadamente, todo mejora bastante en la segunda mitad del film.

Con la llegada de la única sobreviviente de la nave extraterrestre al cohete terrícola, comienza la parte más interesante y entretenida del film. Florence Marly, quien en un principio no estaba en los planes de Roger Corman, debido a que este prefería a una actriz más joven, realiza un estupendo trabajo interpretando a esta alienígena de rasgos vampíricos. Si bien Marly no tiene ningún diálogo en la cinta, gracias a su presencia magnética, la gran expresividad de sus ojos y el gran trabajo de maquillaje de William Condos, logra imprimirle unas buenas dosis de suspenso a cada una de las escenas en las cuales participa. Para complementar este dejo de misterio que rodea a nuestra antagonista, gran parte de las escenas de violencia ocurren fuera de pantalla, demostrando que la violencia explicita no siempre es necesaria. Una vez iniciada toda una secuencia de truculentos sucesos, dominados por una atmósfera claustrofóbica, Harrington nos tiene reservados un par de interesantes (y curiosas) vueltas de tuerca, que la dan un valor agregado a la historia.

En general, los diálogos son bastante malos, por lo que es común que los personajes remarquen obviedades o bien lleguen a las conclusiones más increíbles sin tener ningún tipo de prueba de lo que están diciendo. En el ámbito de las actuaciones, estas van desde lo aceptable hasta lo realmente terrible. Si bien John Saxon jamás se caracterizó por ser un buen actor, en esta ocasión realiza un trabajo correcto, al igual que un joven Dennis Hopper. Aunque la heroína de turno, Judi Meredith, no realiza un mal trabajo, la química entre ella y Saxon es prácticamente inexistente, lo que se contradice con el hecho de que sus personajes en el film son pareja. Basil Rathbone por su parte, si bien no realiza un mal trabajo, por momentos no logra evitar que su personaje se convierta en una simple caricatura, lo cual es una muestra del pésimo momento por el cual pasaba su carrera en ese entonces. Por otro lado, el trabajo de fotografía de Vilis Lapenieks presenta unos pocos momentos de brillantez, especialmente durante la segunda mitad del film, mientras que la banda sonora compuesta por Ronald Stein es bastante olvidable.

Si uno logra sobrepasar la primera media hora del film, y no se toman en cuenta algunos de los agujeros que presenta el guión, “Queen of Blood” se convierte en una cinta bastante disfrutable. Afortunadamente, Harrington es lo suficientemente inteligente para reconocer las falencias de su propia historia, y no la extiende más de la cuenta. Al mismo tiempo, logra con conducir con éxito el segmento más atmosférico del film, pese a que los aspectos técnicos le jugaban en contra. Aunque es bastante discutible, hay quienes opinan que esta modesta producción, casi a un nivel subliminal, pudo haber influenciado a Dan O´Bannon al momento de escribir el guión de “Alien” (1979), ya que entre un par de similitudes, se encuentra el hecho de que en ambas películas nos encontramos con astronautas que acuden en respuesta a una señal que parece ser emitida por una fuerza alienígena inteligente. Como dato curioso, cabe mencionar el film cuenta con un cameo de Forrest J. Ackerman, el director de la famosa revista Famous Monster of Filmland. En definitiva, “Queen of Blood” es una producción que logra superar todas sus falencias técnicas para alzarse como un interesante y entretenido producto del reciclaje cinematográfico y del cine de ciencia ficción serie B de los sesenta, por lo que merece ser rescatada del más completo olvido en el que suelen caer muchas de las cintas de su tipo.

por Fantomas.

Próxima "reinaguración" del blog en enero 2012.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sat, 19 Nov 2011 16:18:42 PST

Lamentablemente, por razones de tiempo este año he tenido que dejar de lado el blog. Sin embargo, tengo pensado reactivar ambos blogs (Cinemascope y Cinema Universe) en enero del próximo año. Gracias a los lectores habituales y a los nuevos lectores por la paciencia que han tenido con este atareado bloguero.

Nos leemos en breve,
Saludos
Fantomas.

Santo vs la hija de Frankestein: La fuente de la eterna juventud.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 06 Apr 2011 10:37:17 PDT

“Santo vs. la hija de Frankestein” (1972), es una cinta de aventuras del director Miguel M. Delgado, la cual está protagonizada por Santo, Gina Romand, y Roberto Cañedo.

La doctora Freda Frankestein (Gina Romand) y su asistente, el doctor Yanco (Roberto Cañedo), intentan encontrar la fórmula para un elixir que les permita alcanzar la eterna juventud. El único problema es que el ingrediente faltante es la sangre del Santo, la cual se cree que posee cualidades extraordinarias. Debido a esto, la doctora hará todo lo posible por atraer al Santo a su guarida, y convertirlo en su prisionero para la eternidad.

De todos los superhéroes cinematográficos, hay uno que con el paso de los años se ha convertido en un personaje verdaderamente representativo de su país de origen. Estamos hablando nada más y nada menos que del Santo (cuyo verdadero nombre es Rodolfo Guzmán Huerta), el mítico luchador oriundo de México, cuya fenomenal carrera abarcó aproximadamente cinco décadas, durante las cuales no sólo dominó el ring, sino que también protagonizó una serie de historietas, libros y películas. En las cerca de cincuenta cintas que estelarizó, el Santo se enfrentó a rudos luchadores, traficantes de diamantes, peligrosos mafiosos, nazis, monstruos, innumerables de científicos locos, e incluso a extraterrestres, a los cuales a base de golpes, les enseñó el verdadero significado de la justicia y el respeto por sus semejantes. En esta ocasión, el enmascarado de plata debe enfrentarse nada menos que a la hija del famoso doctor Frankestein, la cual no solo ha seguido los pasos de su padre al crear a un monstruo aterrador, sino que además ha logrado crear un suero que teóricamente otorga la eterna juventud a quien se lo inyecta.

Lamentablemente para la doctora Freda Frankestein, con el correr de los años el suero ha ido perdiendo su efectividad, lo que la obliga a inyectárselo continuamente para que su cuerpo no demuestre su verdadera edad. Lo mismo sucede con sus secuaces, los cuales en su gran mayoría son un grupo de ancianos a los cuales la doctora les facilita la droga a cambio de sus servicios. Ante semejante predicamento y tras determinar que la sangre del Santo contiene ciertos componentes que le permiten recuperarse más rápido de las heridas y envejecer más lentamente (lo cual dicho sea de paso, vendría a ser el único “superpoder” que poseería el enmascarado de plata), Freda hará todo lo posible por atraer al Santo a su guarida, como por ejemplo secuestrar a Norma (Lucy Gallardo), la novia de este, o enviar a un peligroso monstruo en su búsqueda. Cabe mencionar que el monstruo en cuestión, a diferencia de la mítica creación del doctor Frankestein, no está hecho a base de partes de cadáveres, sino que es un hombre al que se le inyectó sangre de gorila, lo que inevitablemente nos trae a la memoria otro “clásico” del cine de terror mexicano titulado, “Night of the Bloody Apes” (1969), donde ocurría una situación bastante similar.

Tras enterarse del secuestro de su novia, Santo junto a la hermana de esta, Elsa (Sonia Fuentes), va tras la pista de Freda. Precisamente, gran parte de la película se desarrolla o en la guarida subterránea de la villana de turno, o en el cementerio que se encuentra por sobre esta. Esto conlleva a que estos lugares se conviertan en rings improvisados, y que las lápidas y los instrumentos propios de un laboratorio sean utilizados como armas letales tanto por los secuaces de Freda, como por el mismo Santo. Por otro lado, el enmascarado de plata no solo se verá enfrentado a Freda y a su grupo de colaboradores, sino que también tendrá que lidiar con policías corruptos, y con el ya mencionado monstruo llamado Ursus, quien eventualmente desarrollará una suerte de relación de amistad con el héroe enmascarado. Cabe mencionar que además de ser una científica brillante, Freda posee la habilidad de hipnotizar a sus víctimas, por lo que en un momento determinado del film, el Santo se verá amenazado por su propia novia, lo que lo pondrá en una situación de la que le será difícil escapar.

Resulta curioso ver la cantidad de veces que el Santo entra y sale de la base de operaciones de Freda Frankestein, ya sea en calidad de rehén o intentando salvar a una de sus dos acompañantes. Por otro lado, también resulta peculiar el hecho de que los secuaces de la villana se muestren tan reacios a la violencia. En una escena en particular, en la cual el enmascarado de plata está a punto de ser mutilado por su novia la cual se encuentra bajo el dominio mental de Freda, uno de los criminales prefiere salir de la habitación porque según sus mismas palabras, “no soporta la sangre”. Ese tono inocente, no hace más que reflejar el espíritu con el cual fueron realizados la gran mayoría de estos films, y es lo que eventualmente genera los momentos de comedía involuntaria que terminaron convirtiendo en obras de culto a las aventuras cinematográficas del Santo. Es evidente que tanto los actores como el equipo de filmación intentan imprimirle un cierto nivel de seriedad a la producción, pero es inevitable que el marcado tono serie B de la cinta, dado principalmente por sus temáticas casi surrealistas, los poco trabajados diálogos (consecuencia directa de la improvisación en la que caían algunos de los rodajes), y lo humilde de sus sets, entre otras cosas, conviertan a la película que hoy nos ocupa en una verdadera comedía involuntaria de terror gótico.

Al menos durante toda su carrera cinematográfica, Rodolfo Guzmán Huerta supo retratar al Santo como un héroe carismático, bravo, honesto y justo, incluso con sus enemigos. A grandes rasgos, el enmascarado de plata podría ser definido como una suerte de Superman pobre, el cual posee el encanto y la sofisticación propia de un personaje como James Bond. Ya sea castigando a sus enemigos a golpes, o conduciendo su convertible en compañía de una atractiva mujer (siempre utilizando su tradicional máscara claro está), el Santo es un héroe como pocos, razón por la cual terminó convirtiéndose en un personaje de culto tanto en su tierra natal como en el resto del mundo. Gina Romand por su parte, realiza un buen trabajo como la maquiavélica y a veces aterradora Freda Frankestein. La actriz nacida en Cuba fue una colaboradora habitual de este tipo cintas, actuando no solo como la contraparte del Santo, sino que también se enfrentó a otros héroes enmascarados provenientes de México. Por otro lado, si bien la banda sonora compuesta por Gustavo César Carrión pasa casi desapercibida, resulta destacable la labor realizada por José Rodríguez Granada y Adalberto López, quienes en conjunto supieron arreglárselas para utilizar de buena manera el escaso presupuesto que manejaban, y construir unos sets realmente logrados.

Afortunadamente, en esta ocasión las escenas que muestran al Santo luchando en el ring (las cuales por lo general suelen servir de introducción y epílogo de sus films) son relativamente cortas, lo que ayuda a que la cinta presente un mejor ritmo narrativo. Difícilmente se puede considerar a una película del Santo como una “buena” obra cinematográfica desde el punto de vista técnico o temático. Sin embargo, no hay duda alguna de que se trata de producciones sumamente entretenidas, cuyo estilo único las ha convertido en verdaderas obras de culto. Y es que en gran medida las aventuras del enmascarado de plata encierran el espíritu de las cintas de horror clásicas de la Universal, conjugado con la energía impulsiva propia de las viejas seriales de la Republic Pictures. Aunque difícilmente puede considerarse a “Santo vs. la hija de Frankestein” como una de las mejores entradas en la saga del peculiar héroe mexicano, de todas formas es una película recomendable ya que logra que el espectador disfrute como un niño durante todo el transcurso del metraje, invitándolo a revisar en un futuro otras aventuras del mítico Santo.

por Fantomas.

Homicidal: El primo pobre de "Psicosis"

noreply@blogger.com (Fantomas) — Mon, 28 Mar 2011 17:09:02 PDT

“Homicidal” (1961), es un thriller psicológico del director William Castle, el cual está protagonizado por Jean Arless, Glenn Corbett, Patricia Breslin, y Richard Rust.

Emily (Jean Arless), una atractiva joven, asesina a cuchilladas a un juez de paz y se da a la fuga. Haciéndose pasar por enfermera, empieza a trabajar en la casa de una anciana muda e inválida, pero su comportamiento levanta las sospechas de Miriam Webster (Patricia Breslin), la hermana del hombre que la contrató.

Las películas de terror producidas y dirigidas por William Castle (“The Tingler” y “House on Haunted Hill”, entre otras), lograron cierto éxito debido a las artimañas que este utilizaba para promocionarlas, más que por su calidad y efectividad como obras cinematográficas. En “Homicidal”, Castle volvería a crear un verdadero circo en torno a la promoción de la cinta, al anunciar que esta contaría con un “descanso para los asustadizos”. Para obtener el financiamiento necesario para llevar a cabo este nuevo proyecto, el cual intentaba sacar provecho del film de Alfred Hitchcock, “Psycho” (1960), Castle le presentó a los ejecutivos de la Columbia lo que según él, era un plan a toda prueba para atraer a los espectadores a las salas de cine; “Durante los últimos dos minutos… Haré una pausa en la película. Luego mi voz se escuchará por los parlantes. Diré algo como, ´Damas y caballeros, si ustedes están demasiado asustados para ver los últimos dos minutos de Homicidal, por favor diríjanse a la boletería para recuperar su dinero. Deben retirarse inmediatamente. Sólo tendrán sesenta segundos para recuperar su dinero`”.

Basándose en los éxitos comerciales que había obtenido Castle con las cintas de bajo presupuesto que había lanzado anteriormente, los ejecutivos de la Columbia aprobaron la curiosa estrategia promocional, por lo que para cuando el film fue estrenado, este contaba con el ya mencionado “descanso para los asustadizos”, el cual estaba acompañado por el sonido amplificado de un latido cardiaco y un reloj que señalaba el tiempo restante para abandonar la sala. Sin embargo, durante una proyección de la cinta en una sala ubicada en Ohio, Castle entró en pánico cuando vio que durante el “descanso” todo el mundo se apresuraba hacia la boletería para pedir su dinero de regreso. Al parecer, mucha de la gente que pedía la devolución de su dinero no hacían otra cosa más que quedarse dentro de las salas de cine durante una segunda proyección del film, para así beneficiarse de la poco inteligente idea de Castle. Este pronto rectificó su error, y le pidió a los dueños de los teatros que vaciaran las salas una vez terminada la cinta, al mismo tiempo que inventó una artimaña adicional llamada “La esquina de los cobardes”, la cual recibió tanta prensa como el ya mencionado “descanso”.

Según diría el mismo Castle en su autobiografía, “Se colocaron cintas amarillas en las calles cercanas a las salas de cine, sobre las cuales se encontraba impresa la frase: `Cobardes, sigan caminando´. Dentro del teatro, se dibujaron huellas de color amarillo que marcaban el camino hacia las boleterías, en las cuales ubicamos un cartel con la frase `Rincón de los cobardes`. Ahí, una enfermera le ofrecía exámenes gratis a los cobardes, los cuales eran iluminados por una luz amarilla, al mismo tiempo que un mensaje grabado repetía `Estos cobardes están demasiado asustados para ver el final de ´Homicidal´. Véalos temblar en el Rincón de los Cobardes`”. Todo el evento era tan humillante, que muy pocas personas se atrevieron a pedir su dinero de regreso. Más allá de los trucos comerciales utilizados por Castle, “Homicidal” es recordada por ser una de las tantas cintas filmadas a principios de los sesenta que no dudó repetir la fórmula utilizada por Hitchcock en “Psycho”. Sin embargo, más allá de un aspecto puntual, el film de Castle poco tiene que ver con el del maestro del suspenso.

Advertencia de Spoiler: Lamentablemente, es imposible analizar esta película sin revelar datos importantes de la trama, por lo que si aún no la has visto, te recomiendo que solo leas el último párrafo de este artículo). La trama de esta cinta básicamente trata el clásico tema de los oscuros secretos familiares, y lo combina con alusiones que apuntan a que uno de los personajes principales se sometió a una cirugía de cambio de sexo. Con todo esto, Castle buscaba aprovechar el revuelo que había causado en los tabloides el caso de Christine Jorgensen, una de las primeras personas que se sometió a una cirugía de ese tipo. En el film, Warren, el medio-hermano de Miriam Webster, ha regresado de Dinamarca y se ha mudado a la mansión familiar junto con Helga (Eugenie Leontovich), la enfermera que lo cuidó durante su infancia y que ahora se encuentra muda e invalida, y Emily, quien está a cargo de cuidar a Helga. Tanto Miriam como su prometido Karl (Glenn Corbett), tienen la sensación de que algo raro sucede en la mansión Webster, lo que coincide con una serie de extraños incidentes entre los que se incluye el brutal asesinato de un juez de paz. Como es de esperar, Miriam pronto comenzará a hacer averiguaciones por su cuenta, lo que terminará destapando una verdad mucho peor de lo que ella podría haber imaginado.

Pese a que Castle introduce ciertos elementos dramáticos que tienen como único fin intentar ocultarle el mayor tiempo posible la revelación final al espectador, esta es evidente a muy poco de avanzado el film. El director juega un poco con la naturaleza de la relación entre Miriam y Warren, llegando incluso a sugerir que mantienen una relación incestuosa. Al mismo tiempo, Castle plantea algunas interrogantes en torno al oscuro pasado de Warren y Helga en Dinamarca, las cuales antes de la primera mitad de la cinta podrán ser descifradas por el espectador. Por otro lado, aunque las actuaciones de gran parte del elenco distan de ser destacables, suele ser bastante recordada la doble labor realizada por Jean Arless. Si bien inicialmente Castle había pensado en un hombre para interpretar a Warren y a Emily, esto cambió cuando el agente de talentos Jerry Lauren le presentó a una actriz llamada Joan Marshall. Intrigado por la apariencia y la voz profunda de la actriz, Castle le pidió al maquillador Ben Lane que la convirtiera en un hombre. Dos horas después, Marshall regresó a la oficina de Castle personificada como Warren. Según el mismo director, “el cambio fue impresionante. Mi secretaría fue incapaz de reconocerla”. Sería él quien finalmente cambiaría su nombre por Jean Arless, ya que era un nombre que sonaba bastante neutral, y que podía pertenecer tanto a un hombre como a una mujer.

Es precisamente ese look andrógino que tiene la actriz, lo que ayuda a crear un efecto especial en torno a su personaje, ya que en lo personal considero que su calidad interpretativa es algo deficiente, lo que se traduce en una marcada sobreactuación. Por otro lado, el trabajo de fotografía de Burnett Guffey resulta ser bastante irregular, mientras que la banda sonora compuesta por Hugo Friedhofer afortunadamente ayuda a crear una lograda atmósfera de misterio. Al momento de su estreno, fueron muy pocos los críticos que tomaron en serio la cinta de Castle, con la excepción de un crítico de la revista Time que ubicó a este film dentro de los diez mejores del año (lo que a todas luces es una exageración). Si bien William Castle era una suerte de “genio comercial”, es innegable que era un director algo torpe el cual no podía evitar que sus películas escaparan de ser encasilladas dentro del cine serie B, ya sea debido a la pobre calidad de los sets, a lo poco elaborado de sus efectos especiales, o las sobreactuaciones de sus protagonistas. Sin embargo, son precisamente estos elementos los que convierten a las producciones de Castle en obras sumamente entretenidas. “Homicidal” podrá ser una cinta predecible, que presenta algunos golpes de efecto que no logran el efecto deseado, pero que de todas formas logra entretener al espectador durante todo su metraje, razón por la cual considero que es un film absolutamente recomendable, el cual curiosamente llegó a ser catalogado como el mejor trabajo de este peculiar director.

por Fantomas.

The Face of Fu Manchu: El regreso de la "amenaza amarilla".

noreply@blogger.com (Fantomas) — Mon, 21 Mar 2011 15:11:08 PDT

“The Face of Fu Manchu” (1965), es un thriller de acción del director Don Sharp, el cual está protagonizado por Christopher Lee, Nigel Green, Joachim Fuchsberger, y Karin Dor.

Tras presenciar una serie de cruentos estrangulamientos en las calles de Londres, el inspector de Scotland Yard, Nayland Smith (Nigel Green), comienza a considerar la posibilidad de que el responsable sea el genio criminal Fu Manchú (Christopher Lee), aún cuando Smith asistió a la supuesta ejecución de este. Desde ese momento, el inspector tendrá que correr una carrera contra el tiempo para intentar descubrir la verdad que se esconde tras estos crímenes, y qué relación tienen con una antigua fórmula tibetana.

La creciente inmigración de trabajadores chinos a varios países occidentales ocurrida a fines del siglo XIX, daría vida a la creencia de que este fenómeno eventualmente pondría en peligro el estilo de vida occidental. Debido a esto, algunos medios de comunicación norteamericanos terminarían acuñando el término “amenaza amarilla”, para expresar su ferviente rechazo a la “inminente” invasión asiática. Dentro de este movimiento racista, el escritor británico de novelas policiacas y de misterio, Sax Rohmer, inspirado por la violencia que según él se relacionaba con la comunidad china, creó a Fu Manchú, personaje que terminaría convirtiéndose en la cara más reconocible de la mal llamada “amenaza amarilla”. Fu Manchú se caracterizaba por ser un personaje misterioso y vil por partes iguales, que representaba todas las leyendas y clichés existentes alrededor de la comunidad china. Es un genio del mal, cuya principal motivación es su odio por occidente, y que tras su primera aparición en 1913, sería fuente de inspiración para decenas de villanos asiáticos tanto literarios como cinematográficos.

Si bien entre la década del veinte y del cuarenta se realizaron una serie de cintas y seriales que retrataban a Fu Manchú como un fiel representante de la “amenaza amarilla”, ya en la década del sesenta un puñado de producciones anglo-alemanas intentaron insertar al icónico personaje en un mundo más ligado con el espionaje internacional, intentando sacar algo de provecho del creciente éxito de las cintas de James Bond. Sería “The Face of Fu Manchu”, la primera de cinco producciones que protagonizaría el actor británico Christopher Lee, la cual además se presentaba como la primera aventura a color del mítico villano. Dirigida por Don Sharp, quien participó en un par de películas de la Hammer, y escrita por el productor y guionista Harry Alan Towers, la cinta que hoy nos ocupa mezcla elementos del cine de acción de la época, con otros más propios del cine de suspenso, al mismo tiempo que intenta burlarse del concepto de la “amenaza amarilla”, teniendo la precaución de no caer de lleno en la parodia.

En un inicio la cinta se sitúa en un templo de China, donde Fu Manchú se encuentra encarcelado a la espera de su ejecución. Entre los muchos asistentes al evento, se encuentra el inspector Nayland Smith, quien durante mucho tiempo se ha dedicado exclusivamente a perseguir al connotado genio criminal. Tras la aparente muerte de Fu Manchú, la historia da un salto temporal de varios meses y cambia su locación a Londres, donde han ocurrido una serie de extraños asesinatos. Para Smith, la única persona que puede estar detrás de estos crímenes es su archienemigo, aún cuando este lo vio morir a manos de un verdugo. Sin embargo, el único que está dispuesto a escuchar sus teorías es el Dr. Petrie (Howard Marion Crawford), quien es el fiel escudero del inspector. Paralelamente, es secuestrado el Profesor Hans Müller (Walter Rilla) y es atacada la hija de este, María (Karin Dor), por razones desconocidas. Desde este momento, con la completa certeza de que Fu Manchú está detrás de estos acontecimientos, Smith junto a Carl Jannsen (Joachim Fuchsberger), colega y amigo del Profesor Müller, harán todo lo posible por detener al criminal antes de que este siembre el más completo caos en el mundo occidental.

Para beneficio del film, el director Don Sharp está plenamente consciente de las deficiencias del guión, razón por la cual se apoya bastante en las escenas de acción para mantener el interés del espectador en la historia. Apenas la cinta se torna algo tediosa o se hacen demasiado evidentes los agujeros en el guión, Sharp inserta alguna escena de acción cuyo único objetivo es arrastrar al espectador a una vorágine de adrenalina que lo haga olvidar los cuestionamientos que le provoca la poco creíble historia. Qué importa que pese a que Fu Manchú tiene como centro de operaciones los túneles del sistema de alcantarillado del río Támesis, nadie sepa dónde está, si tenemos a Carl Jannsen batiéndose a puños con un grupo de secuaces del criminal en medio de una bodega. Ligado a esto, nos encontramos con un film que reúne una serie de ingredientes propios de una producción de matiné; Un villano memorable, héroes queribles, planes extravagantes, torturas, explosiones y algo de comedia involuntaria.

En cuanto a las actuaciones, el elenco en general realiza un estupendo trabajo interpretando sus roles con aplomo, aún cuando por momentos los personajes amenazan por convertirse en simples caricaturas. Christopher Lee ya había interpretado personajes asiáticos con anterioridad en algunas cintas de la Hammer, por lo que no le resultó especialmente complicado encarnar con gracia a un villano básicamente elaborado a base de estereotipos. Nigel Green por su parte, interpreta de manera magnífica a la “mejor arma de Scotland Yard”, el único hombre capaz de igualar en inteligencia y determinación al temido Fu Manchú. También cabe destacar la labor de Karin Dor y Joachim Fuchsberger, dos actores habituales de los krimis alemanes basados en los relatos del escritor británico Edgar Wallace, quienes interpretan a dos personajes que debido a las circunstancias a las que se ven enfrentados, deben tomar un rol activo en la lucha contra Fu Manchú. Por otro lado, resulta realmente destacable la labor Frank White y Dorothy Edwards, quienes son el director de arte y la diseñadora de vestuario respectivamente. En conjunto, logran con éxito recrear el Londres de los años veinte, aún cuando el presupuesto que manejaba la producción era más bien humilde.

Lamentablemente, no se puede decir lo mismo del trabajo de fotografía de Ernest Steward y de la banda sonora de Christopher Whelen, quienes realizan una labor que se queda solo en lo correcto. “The Face of Fu Manchu” en gran medida es una cinta de 89 minutos de duración que está conformada por una serie de entretenidos episodios que mezclan acción y suspenso. Un poco ligado a esto, en lo personal no pude evitar asociar algunas escenas de acción con aquellas que solían aparecer en la serie de televisión “Batman” (1966-1968), pese a que esta última es posterior al film. Dichas escenas resultan ser bastante similares tanto en la forma en que fueron rodadas, como en lo que se refiere a las coreografías de lucha realizadas por los actores. Son varios los elementos que terminan convirtiendo a “The Face of Fu Manchu” en una cinta extremadamente entretenida, probablemente la mejor de toda la saga, la cual lamentablemente ha visto dañada su reputación por la mediocridad de algunos de los films posteriores de este clásico villano (los cuales dicho sea de paso, fueron realizados por el usualmente mediocre Jesús Franco). En definitiva, estamos ante una película absolutamente recomendable, que supera sus falencias para presentarse como un peculiar thriller de época.

por Fantomas.

Swimming Pool: Los misterios del proceso creativo.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sun, 23 Jan 2011 20:12:56 PST

“Swimming Pool” (2003), es un thriller del director François Ozon, el cual está protagonizado por Charlotte Rampling, Ludivine Sagnier, y Charles Dance.

Harta de ser considerada una simple autora de novelas policiales, la escritora Sarah Morton (Charlotte Rampling) acepta irse de vacaciones a la casa que su editor posee en el sur de Francia. Todo es paz y descanso los primeros días, pero luego se aparece Julie (Ludivine Sagnier), la hija del editor, quien complicará de manera insospechada las vacaciones de Sarah.

Luego de filmar el musical de misterio “8 Women” (2002), el director francés François Ozon deseaba realizar una cinta más íntima, que presentara menos personajes, y que fuera protagonizada por una actriz con la que él ya hubiese trabajado anteriormente. Rápidamente, el director pensó en la actriz británica Charlotte Rampling, con quien había trabajado en “Under the Sand” (2000) y con la que había desarrollado una muy cercana amistad. Fue así como Ozon comenzó a escribir un guión pensado específicamente para ser protagonizado por Rampling, quien esperó pacientemente que el director desarrollara la historia junto a Emmanuèle Bernheim. Aunque en un principio se había pensado que el personaje de la actriz interactuara con un hombre más joven, Ozon pronto cambió de opinión al considerar que sería más interesante retratar la relación entre dos mujeres diametralmente opuestas. Debido a esto, el director contrató a la actriz Ludivine Sagnier para interpretar a una joven sexy y atrevida, casi una suerte de Marilyn Monroe del sur de Francia.

La cinta se centra en Sarah Morton, una escritora de novelas policiales protagonizadas por Dorwell, un detective de su propia creación, las cuales gozan de un gran éxito en Inglaterra. Aunque todos, incluso su editor John Bosload (Charles Dance), están bastante satisfechos con su trabajo, Sarah ha comenzado a desarrollar un interés por explorar nuevos territorios literarios. Sin embargo, las presiones de su entorno y la imposibilidad de trabajar en nuevos proyectos, la ha llevado a convertirse en una mujer cínica y amargada. Con la esperanza de que logre la inspiración necesaria para elaborar su nueva obra, su editor le ofrece a Sarah hospedarse en la casa que él posee en la tranquilidad del sur de Francia. Aunque durante los primeros días de su estadía la mujer goza de una tranquilidad inalcanzable en las grandes ciudades, lo que le permite encontrarse consigo misma y encontrar la inspiración que tanto ha buscado, la inesperada llegada de Julie, la hija de su editor, rápidamente rompe todos sus esquemas. Aunque el choque entre ambas mujeres es inevitable, Sarah se siente secretamente atraída por el atrevido comportamiento de la joven, lo que eventualmente la llevara a cambiar su forma de ver la vida.

Julie se presenta como una joven increíblemente molesta y poco amigable, que exuda confianza, y que expresa su sexualidad libremente, llegando a la casa con diferentes hombres cada noche. Sarah por su parte no resulta ser mucho más empática; es increíblemente cuadrada, y su desprecio por la vida la ha llevado a intentar detener a todos aquellos que están teniendo algo de diversión a su alrededor. La dinámica que se da entre ambas mujeres resulta ser sumamente interesante. Sarah no puede evitar sentir celos de la vida que lleva Julie, quien no solo se muestra como alguien libre que no teme divertirse, sino que además inevitablemente le recuerda un pasado con menos restricciones y preocupaciones. Pese al rechazo mutuo que se da entre las mujeres en un principio, eventualmente ambas terminan mimetizándose, llegando a intercambiar sus personalidades en un determinado momento de la película. Y es que como todo artista, Sarah se ve forzada a realizar un pacto con esta nueva realidad, integrándola a su proceso creativo y modificando su estilo de vida.

La película corre a un ritmo lento, pero esto a causa de que Ozon se da el tiempo para establecer de la forma más completa posible la personalidad de Sarah. Durante las escenas que transcurren en Londres, podemos apreciar como esta se relaciona con su editor, el hecho de que ella es una solterona vive con su padre, y su gusto por la bebida. A su llegada a Luberon, el espectador puede ver con lujo de detalles como la mujer se establece en el lugar, su método de trabajo y las costumbres que ha adquirido a lo largo de su vida. Es tal la relación que existe entre la historia y el trabajo de la protagonista, que inevitablemente la película se adapta al ritmo del proceso creativo; las piezas se van ensamblando lentamente hasta la última media hora de metraje, donde el relato se torna más dinámico y donde se concentran la gran mayoría de los giros inesperados que presenta el film. Y es que precisamente durante este tramo de la cinta, la protagonista inesperadamente se ve atrapada en unas de las cruentas historias de crímenes que suelen inundar su cabeza; cuando un hombre desaparece tras tener una discusión con Julie, Sarah tendrá que resolver el misterio que esconde la muchacha antes de que todo el asunto termine involucrándolas en un problema mayor.

En el ámbito de las actuaciones, ambas protagonistas realizan un trabajo impecable. Charlotte Rampling ha demostrado en numerosas cintas que es una actriz versátil, y en esta ocasión realiza una interpretación creíble de una mujer que va en constante evolución durante todo el transcurso de la cinta. Ludivine Sagnier por su parte, se destaca como la increíblemente sexy Julie, una suerte de femme fatale que eventualmente sucumbe ante el trato casi maternal de Sarah, convirtiéndose en una niña incapaz de controlar sus emociones. Por otro lado, resulta ser sumamente destacable el trabajo de fotografía de Yorick Le Saux, y la banda sonora compuesta por Philippe Rombi, quienes en conjunto dotan a la película de una atmósfera de suspenso casi constante, por más que las acciones que se reflejan en la pantalla no escapan de lo cotidiano. Y es que precisamente la banda sonora tiende a dar pistas de lo que está por suceder en el relato, estando íntimamente relacionada con la evolución del mismo.

El sorpresivo final de la cinta terminará presentándole un reto al espectador quien tendrá que demarcar la línea que separa la fantasía de la realidad. Y es que básicamente “Swimming Pool” es un thriller inteligente que puede ser considerado como un estudio de carácter, y como un verdadero reflejo del proceso creativo donde la realidad y la fantasía se interrelacionan hasta el punto que es complicado diferenciar la una de la otra. Una cinta tan compleja como esta obviamente está repleta de simbolismos, siendo el más importante aquel que representa la piscina que sirve de escenario para varias de las escenas del film. Según el mismo Ozon, la piscina encierra una cualidad transformadora, la cual es manipulada por sus usuarias (en este caso el dúo de protagonistas) quienes lentamente van moldeando su personalidad a medida que estas se van relacionando entre sí. Al mismo tiempo, la piscina se convierte en el reflejo del universo de Julie, por lo que Sarah solo logra sumergirse en ella cuando acepta a la joven como su fuente de inspiración. En definitiva, estamos ante una película interesante, que pese a que presenta un ritmo más bien lento, nunca se torna tediosa. El final puede molestar a algunos espectadores que inevitablemente se sentirán engañados por el director, aunque a gusto personal. me pareció todo un acierto de parte de Ozon, quien se apoya en el suspenso más clásico para construir una historia más compleja de lo que en un principio aparenta ser.

por Fantomas.

Batman, Under the Red Hood: El episodio más doloroso del hombre murciélago.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 19 Jan 2011 07:54:51 PST

“Batman: Under the Red Hood” (2010), es una cinta animada de acción del director Brandon Vietti, la cual es la octava entrega de la serie de films animados basados en el Universo DC.

Cuando Red Hood (Jensen Ackles), un enmascarado mitad vigilante, mitad criminal, comienza a limpiar las calles de Ciudad Gótica con una brutalidad pocas veces vista, Batman (Bruce Greenwood) tendrá ocupar todo su ingenio para desentrañar el misterio que se esconde tras esta nueva amenaza.

En el último tiempo, la división animada de la Warner en conjunto con la DC Comics, han realizado una serie de cintas de bajo presupuesto basadas en los personajes más populares de la factoría de la DC. En esta ocasión, el guionista Judd Winick optaría por combinar dos de las historias más importantes en la mitología de Batman. Por un lado, vemos un fragmento de la serie “A Death in the Family”, que se centra en uno de los momentos más icónicos de la historia de los comics; el brutal asesinato del segundo Robin, Jason Todd, a manos del Guasón. Este trágico acontecimiento es reconocido como uno de los grandes fracasos del Caballero Oscuro. Complementando esta línea dramática, nos encontramos con una suerte de resumen de “Under the Hood” (escrita por el mismo Winick), que explora las funestas consecuencias del fracaso del hombre murciélago. Debido a las temáticas que se tratan en este film, fácilmente se puede decir que esta película es por lejos una de las más oscuras de la reciente saga de producciones animadas del Universo DC.

Es así como “Under the Red Hood” comienza con uno de los momentos más controversiales en la historia de la DC Cómics. A mediados de los ochenta, el Robin original, Dick Grayson, creció para independizarse y transformarse en Nightwing, un vigilante con identidad propia. Tras un periodo de experimentación, Batman logró encontrar a un nuevo compañero llamado Jason Todd, quien era un pequeño rufián al cual el hombre murciélago conoció mientras este intentaba robar las ruedas del batimóvil. Sin embargo, no pasaría mucho tiempo antes de que los seguidores de la historieta comenzaran a expresar el desagrado que les producía este nuevo Robin, cuya actitud dejaba bastante que desear y se contraponía al código moral por el cual se rige Batman. Fue así como los creativos de la DC decidieron intentar una maniobra riesgosa para recuperar el beneplácito de los fanáticos; ellos publicaron una historia donde la vida de Robin quedaba en peligro, y adjuntaron un número telefónico al cual llamar para decidir el destino de este. Fue así como el destino del segundo Robin se selló, y finalmente fue asesinado a manos del Guasón.

Luego de mostrar parte de los sucesos que llevaron a la brutal muerte de Jason Todd, la cinta se adelanta cinco años para centrarse en Ciudad Gótica, la cual ahora es dominada por el genio criminal Black Mask (Wade Williams), quien se las ha ingeniado para convertirse en el único líder del crimen organizado. Es ahí cuando aparece un extraño personaje llamado Red Hood, que amenaza con derrocar a Black Mask mediante una campaña sistemática de violencia y terror. Ante la creciente oleada de crímenes, un Batman aún afectado por la muerte de su compañero, tendrá que recorres las calles de la ciudad en compañía de Nightwing (Neil Patrick Harris), para detener a la dupla de villanos antes de que la rivalidad destruya por completo el lugar. Sin embargo, en sus enfrentamientos con Red Hood, Batman no puede evitar sentir algo familiar lo que lo lleva a investigar más a fondo los orígenes de esta nueva amenaza, intentando responder la siguiente interrogante: ¿Será posible que bajo la máscara roja se oculte alguien de su pasado?

Sin ahondar en detalles que pueden revelar demasiado de la trama, la historia presenta una serie de vueltas de tuerca interesantes que sorprenderán a todos aquellos espectadores que no están familiarizados con el cómic. Son varios los villanos que aparecen a lo largo de la historia (donde obviamente el Guasón ocupa un lugar importante), algunos de los cuales protagonizan los flashbacks que tienen por objetivo mostrar la evolución en la relación entre Batman y Jason Todd. Al mismo tiempo, el guión escrito por Judd Winick se encarga de enfatizar las diferencias existentes entre Batman y Red Hood, en especial a lo que se refiere a su método para erradicar el crimen de las calles. Mientras el primero sigue considerando que el miedo es la mejor arma para controlar el crimen, el segundo cree que la violencia debe enfrentarse con violencia, y que la única forma de controlar a los criminales es convirtiéndose en su líder. Por ejemplo, cuando Red Hood entra en escena durante una reunión entre los jefes de las distintas organizaciones criminales existentes en Ciudad Gótica, demuestra su torcido sentido de la moralidad cobrando una parte de las ganancias del tráfico de drogas, al mismo tiempo que prohíbe que estas le sean vendidas a menores de edad.

Tal y como se puede apreciar en gran parte de las cintas animadas de la DC, la calidad de la animación de este film es realmente destacable. Brandon Vietti y su equipo se preocupan de que tanto el diseño de los personajes como el de los escenarios donde transcurre la acción, sean llamativos y agradables a la vista. Al mismo tiempo, se puede apreciar una animación fluida que utiliza ángulos de cámara bastante similares a los que se pueden encontrar en una cinta de acción real. Por otro lado, las ventajas de que Judd Winick haya sido el encargado de adaptar su propia obra están reflejadas principalmente en la calidad de los diálogos, y en la habilidad con la que el guionista logra unir dos historias no secuenciales de forma casi perfecta. Además, pese a que el film dura un poco más de setenta minutos, la historia es perfectamente entendible para los espectadores que no han tenido la oportunidad de leer el cómic, lo que obviamente se agradece. Por último, cabe destacar que los dos personajes principales evidencian una clara evolución durante el transcurso del relato, lo que obviamente le otorga una mayor profundidad a una producción que en teoría está pensada para el público infantil.

En cuanto a los actores que prestan sus voces para esta producción, la gran mayoría del elenco realiza un estupendo trabajo. Probablemente la decisión más riesgosa fue contratar a John Di Maggio (la voz de Bender) para que le diera su voz al Guasón. Sin embargo, el actor logra salir airoso de la difícil tarea que tenía entre manos. Por otro lado, la banda sonora compuesta por Christopher Drake es bastante acorde a las imágenes que inundan la pantalla, siendo uno de los puntos altos de esta modesta pero bien ejecutada producción. “Batman: Under the Red Hood” pese a ser una cinta animada, es bastante violenta y toca temas más profundos que otros de los films del Universo DC. Es evidente que el tema principal del film es la venganza, y en ese sentido conforma un interesante díptico con “Mask of the Phantasm” (1993). Al mismo tiempo, ambas cintas se complementan al mostrar como Bruce Wayne logra balancear su vida como multimillonario y como vigilante enmascarado. En definitiva, “Under the Red Hood” es un film absolutamente recomendable, que a mi gusto es una de las mejores entradas dentro de las recientes adaptaciones animadas de los cómics de la DC.

por Fantomas.

Cul-de-Sac: No hay escape de la cruda realidad.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sun, 16 Jan 2011 22:32:56 PST

“Cul-de-Sac” (1966), es un thriller psicológico del director Roman Polanski, el cual está protagonizado por Donald Pleasence, Françoise Dorlèac, y Lionel Stander.

En un aislado castillo de Irlanda, viven George (Donald Pleasence) y su joven y hermosa mujer Teresa (Françoise Dorléac). Un día, aparecen dos gángsters que se encuentran escapando de la policía, los que eventualmente comenzaran a molestar seriamente a la pareja.

Tras estrenar exitosamente la cinta “Repulsion” (1965), el director Roman Polanski decidió rescatar un guión que había escrito tres años antes con Gerard Brach, quien también había estado involucrado en el reciente proyecto del polaco. La productora Compton Films, que antes de “Repulsion” solo hacía porno, decidió producir este nuevo trabajo del director que en un principio llevaba por título “When Katelbach Comes”. El film se rodaría en Northumberland, Inglaterra, específicamente en las inmediaciones de una enorme playa donde se ubicaba un gran castillo solitario. Aunque el papel protagónico iba a ser interpretado por el mismo Polanski, tras la rotunda oposición del productor Michael Klinger (con quien el director tendría una serie de problemas que lo llevarían a pensar en abandonar el proyecto), el rol cayó en las manos de Donald Pleasence, que el primer día de filmación apareció con la cabeza totalmente rapada. Por otro lado, Françoise Dorléac, hermana de Catherine Deneuve, se quedaría con el rol de Teresa.

La cinta se centra en la curiosa relación de George y Teresa, una pareja de recién casados que viven en un enorme castillo ubicado en una playa desértica. En aquel solitario refugio, George busca desligarse de todos los lazos que lo unen a su pasado junto a su ex esposa Agnes, al mismo tiempo que intenta convencerse de que su matrimonio con Teresa va viento en popa. Lamentablemente para él, su flamante nueva esposa ha comenzado a cansarse de su comportamiento afeminado y de su falta de poder sexual, por lo que es evidente que su relación se encuentra en un punto bastante álgido. De hecho, Polanski rápidamente se encarga de retratar al matrimonio como una complete farsa, presentando a Teresa como una esposa infiel, que envía a su marido a volar una cometa mientras ella lo engaña con Christopher (Iain Quarrier), el hijo de sus vecinos. Y es que Teresa está lejos de ser una tímida ama de casa, sino que más bien es una mujer que utiliza su feminidad para controlar a los hombres, especialmente a su esposo, tanto mental como sexualmente.

La verdad es que George es un hombre débil de carácter y fácilmente intimidable, que además es completamente dependiente de su esposa. Esto es aprovechado por Teresa, quien no duda en divertirse a costa de la poca dignidad que exhibe su marido. Arrebatándole la poca masculinidad que le queda a George, ella asume un completo control de su persona. A raíz de esta misma situación, es que a Dickie (Lionel Stander), uno de los dos gángsters que invaden el aislado santuario de la pareja, no le tomará mucho trabajo asumir el control de sus anfitriones involuntarios. Y es que a diferencia de George, Dickie exuda masculinidad, la cual expresa maltratando de manera física y verbal a sus improvisados rehenes, sin que estos siquiera lo provoquen. En cierta medida, a través de la violencia el delincuente no hace otra cosa más que expresar el desagrado que le provoca el decadente estilo de vida de George, y al mismo tiempo se desahoga de la impotencia experimentada luego de hablar con su jefe el Señor Katelbach, quien supuestamente acudirá al solitario castillo para rescatar tanto a Dickie como a su moribundo compañero Albie (Jack MacGowran).

Como es de esperarse, la llegada de la pareja de criminales no hará más que deteriorar aún más la compleja relación existente entre George y Teresa. El carácter dominante de Dickie provocará que la mujer constantemente le esté recriminando a su marido su evidente pasividad ante la situación. Entre los personajes protagónicos se establece un extraño triángulo, que deja al descubierto los deseos más oscuros de cada uno de ellos, y que al mismo tiempo establece una torcida lucha de poderes principalmente entre Teresa y Dickie, dejando a George atrapado en el fuego cruzado de dos personalidades completamente dominantes y manipuladoras. Más allá del conflicto central, en un momento del film son presentados otros personajes que provocan una serie de divertidas situaciones. Específicamente esto sucede cuando una inesperada comitiva llega de visita al castillo, obligando a Dickie a hacerse pasar por el jardinero/mayordomo del lugar. Entre los peculiares visitantes se encuentra el insoportable matrimonio conformado por Philip (Robert Doming) y Marion (Marie Kean), cuyo hiperkinético hijo termina por sacar de sus casillas tanto a Teresa como a Dickie. Como si esto fuera poco, además llega un galán que intentará conquistar a Teresa mientras Christopher, el amante de esta, ronda por la casa. Como es de esperarse, todo esto contribuirá a que eventualmente el reprimido George termine explotando por completo provocando un apoteósico y funesto final.

Las actuaciones de la totalidad del elenco son realmente geniales. Pleasence realiza un estupendo trabajo interpretando a este hombre débil y algo patético, que no tiene más remedio que ver como el mundo de fantasía que ha intentando construir se cae a pedazos. Stander por su parte, también realiza un buen trabajo personificando a un tipo duro que solo demuestra compasión por su compañero moribundo. Por último, si bien en algunos momentos Dorléac tiende a sobreactuar, de todas formas interpreta de buena manera a esta mujer egoísta y petulante que utiliza a los hombres para su propio beneficio. Es importante mencionar que el trío de actores tuvo que soportar la conocida meticulosidad de Polanski, llegando con esto a poner en riesgo su bienestar físico. Por ejemplo, Dorléac tuvo que repetir en tres ocasiones una toma en la que ella debía meterse a nadar en la playa durante por lo menos cinco minutos. Lamentablemente para la actriz, aquel día hacía un frío del demonio, lo que sumado a la baja temperatura del agua, provocó que luego de la tercera toma ella cayera al suelo y comenzara a menstruar, lo que llevó al equipo de filmación a pensar que había sufrido un pequeño infarto. Stander también sufrió a causa de la meticulosidad del polaco, llegando a filmar en más de 20 ocasiones una escena a pedido del director.

Por otro lado, la cinta cuenta con el estupendo trabajo de fotografía de Gilbert Taylor, y la memorable banda sonora de Krystoff Komeda. Aunque la película fue bien recibida en Europa, en los Estados Unidos fue duramente criticada por lo extraño que eran sus protagonistas, y por la crueldad con la que estos eran retratados por Polanski. Y es que básicamente, como explica Ivan Butler en su libro The Cinema of Roman Polanski, “el director a menudo nos invita a reírnos, provocando que nos incomodemos y nos preguntemos si aquello que estamos viendo no es más que un reflejo de nosotros mismos”. Aunque sin duda es una cinta interesante, difícilmente se puede afirmar que “Cul-de-Sac” es una de las mejores películas del polaco. Por momentos es bastante teatral, lo que sumado al “sadismo” de Polanski, pueden terminar convirtiendo a este film en un verdadero “gusto adquirido”. Sin embargo, de todas formas se trata de una producción recomendable, que refleja en gran medida los temas que llamaron la atención del director durante sus inicios en el cine.

por Fantomas.

The Changeling: Vida nueva, casa nueva.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Thu, 06 Jan 2011 20:19:07 PST

“The Changeling” (1980), es un film de terror del director Peter Medak, el cual está protagonizado por George C. Scott, Trish Van Devere y Melvyn Douglas.

John Russell (George C. Scott), un profesor de piano, se muda a una hermosa pero misteriosa mansión, para olvidar el trágico accidente que mató a su esposa e hija. Él pronto descubrirá que no vive sólo; en la casa se esconde un diabólico espíritu que lo obligará a descubrir el oscuro secreto que se esconde en el lugar.

En 1968, el escritor Russell Hunter arrendó una fastuosa mansión en Denver por la increíble suma de 200 dólares, la cual nadie más quería arrendar. A poco más de una semana de haberse mudado al lugar, empezaron a suceder extraños acontecimientos. Por momentos se escuchaba un golpeteo constante, y en otras ocasiones mientras las puertas se abrían y se cerraban sin control, las murallas comenzaban a vibrar. Tras hablar con una mujer que le aseguró que en la casa habitaban fantasmas, Hunter decidió realizar una sesión espiritista que le ayudó a revelar el misterio que escondía la casa. Basado en estas experiencias, el mismo Hunter escribiría el guión de “The Changeling”, el cual se lo vendería a la productora canadiense Chessman Park Productions. Paralelamente, el director Peter Medak estaba buscando dar el salto de la televisión a la pantalla grande, para así poder filmar algunas cintas que tuvieran algún trasfondo social. Aunque no sentía mucho apego por las historias de terror, Medak sabía que para que se le abrieran las puertas de la industria cinematográfica norteamericana, necesitaba realizar una cinta comercial exitosa.

Fue así como Medak decidió asumir la dirección de “The Changeling”, aunque lo que verdaderamente lo convenció a sumarse al proyecto fue un elemento en particular. “Lo que realmente me atrajo del proyecto fue la escena de la sesión espiritista y la escena que venía inmediatamente después de esa, donde el personaje de Scott se dedica a escuchar la grabación de la sesión”, declararía Medak en una entrevista. “Esas escenas fueron las únicas razones por las que hice el film”. La película comienza con el trágico accidente sufrido por la esposa y la hija del protagonista, quien encerrado en una cabina telefónica, no tiene más remedio que observar como su familia es atropellada por un camión que se ha salido del camino. Esto inmediatamente le otorga a Russell una carga emocional suficiente para replantearse por completo su vida, lo que eventualmente lo lleva a mudarse a una nueva ciudad. Al mismo tiempo, el dolor que le ha producido la pérdida de sus seres queridos, lo ha ayudado a estar en sintonía con el mundo espiritual, lo que sumado a su sensibilidad artística (es un destacado pianista), eventualmente lo lleva a tener contacto con los fantasmas que habitan en su nueva y siniestra casa.

De hecho, es precisamente a través de su música que Russell logra hacer contacto por primera vez con los espíritus que residen en su mansión gótica. Pese a que los sucesos paranormales que afectan al lugar comienzan a ir en escalada, tanto en frecuencia como en peligrosidad, la película no podría ser del todo enmarcada dentro del género del horror. De hecho, tras el episodio de la sesión espiritista, la cinta funciona más como un relato de misterio. Las escenas de terror propiamente tal son bastante pocas, aunque resultan ser efectivas, y la verdad es que sirven solo para introducir las interrogantes que son el verdadero eje central de la historia. ¿Qué es lo que ha sucedido en aquella mansión? Y ¿Qué es lo que realmente desean los espíritus que habitan en ella? Esas son las interrogantes que Russell y su amiga Claire Norman (Trish Van Devere), tendrán que responder durante gran parte de la segunda mitad del film, esperando con esto terminar con el horror que se cierne sobre la mansión.

Resulta por lo menos curiosa la actitud del protagonista, quien en muy contadas ocasiones demuestra temor. Es retratado como un hombre sumamente racional, impulsado meramente por su curiosidad. Y es que en parte el misterio que tiene entre manos le ha ayudado a sobrellevar su pérdida y en cierta medida, piensa que solucionando el “problema” de los espíritus, puede redimirse de lo poco y nada que pudo hacer por su familia. Ante la pasividad de Russell, será Claire la encargada de expresar una respuesta más emotiva ante lo sucedido en la mansión. Eventualmente, los sucesos paranormales se trasladan fuera de la casa, casi como si los fantasmas intentaran guiar al protagonista en su búsqueda de la verdad. Es en este momento que la historia hasta entonces sólida, amenaza con descarrilarse sin control. La efectiva sobriedad expuesta durante gran parte de la cinta se pierde por completo durante el último tramo del film, donde los hechos sobrenaturales se vuelven grandilocuentes y la hasta entonces historia de fantasmas, adquiere un tono conspirativo que no alcanza a convencer del todo.

En el ámbito de las actuaciones, el elenco en general realiza un trabajo correcto mas no destacable. George C. Scott resalta mayormente en las escenas en las que su frustración lo lleva a tener arranques de ira, pero en las escenas en las que debe expresar su sensibilidad se le nota incómodo (de hecho su actuación fue bastante criticada en su momento). Como mencionaba anteriormente, Trish Van Devere (que en la vida real era la esposa de Scott) es la encargada de contrastar la aparente indiferencia del protagonista, y en ese sentido cumple a cabalidad. Melvyn Douglas por su parte, interpreta de buena manera a quien podría ser considerado como el villano de la historia, aunque a fin de cuentas es una víctima más de una compleja conspiración familiar. Por otro lado, la cinta cuenta con la atmosférica banda sonora de Rick Wilkins, que se complementa de buena manera con el estupendo trabajo de fotografía de John Coquillon. Por último, cabe destacar la labor de Gene Grigg, cuyos efectos especiales pese a ser bastante simples, logran ser lo suficientemente efectivos como para infundirle cierto temor al espectador.

Al momento de su estreno, “The Changeling” fue considerada como una cinta algo anticuada. Sin embargo, el sadismo sin sentido reinante en el cine de terror actual ha conspirado para que el film parezca más inteligente de lo que realmente es. Si bien su minimalismo ayuda a crear una mayor sensación de intranquilidad, por momentos el horror se vuelve totalmente irrelevante, diluyéndose por completo en una historia repleta de mentiras y engaños. Pese a eso, hay que reconocer que la cinta cuenta con un guión relativamente interesante, y que Peter Medak se las arregla para mantener un ritmo narrativo lo suficientemente dinámico como para captar la atención del espectador durante todo el metraje. Considerada por algunos como un pequeño clásico y por otros como una cinta menor del género, “The Changeling” se ubica en un lugar intermedio dentro de las historias de casas embrujadas, la cual pese a las falencias que pueda presentar, de todas formas en una de las mejores cintas ochenteras de su especie.

por Fantomas.

Happy Birthday To Me: Un cumpleaños inolvidable.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Tue, 04 Jan 2011 21:51:15 PST

“Happy Birthday to Me” (1981), es una cinta de terror del director J. Lee Thompson, la cual está protagonizada por Melissa Sue Anderson, Glenn Ford, Lawrence Dane y Sharon Acker.

Luego de su regreso al instituto, Virginia Wainwright (Melissa Sue Anderson) rápidamente se integra al grupo de los alumnos más populares de la escuela. Sin embargo, lo que en un principio parecería perfecto, se ve empañado por una serie de asesinatos que involucra precisamente a este selecto grupo de estudiantes.

Tras estrenar con éxito el slasher canadiense, “My Bloody Valentine” (1981), los productores John Dunning y André Link estaban listos para probar suerte con una nueva cinta del entonces popular subgénero. Pese a ser filmada antes, el estreno de “Happy Birthday to Me” tuvo que retrasarse algún tiempo debido a una serie de problemas que la producción estaba enfrentando con los organismos de censura, lo que implicó que algunas de las escenas más explícitas fueran editadas para evitar que la cinta obtuviera una calificación X. Más allá de este pequeño inconveniente, el film rápidamente llamó la atención del público debido a los profesionales involucrados en el proyecto. En la silla del director se encontraba nada menos que el aclamado J. Lee Thompson, responsable de clásicos como “The Guns of Navarone” (1961) y “Cape Fear” (1962), entre otros. Por otro lado, liderando el elenco se encontraba Glenn Ford, un respetado actor que había trabajo con directores de la talla de Fritz Lang; y la joven Melissa Sue Anderson, que había adquirido cierta fama gracias a su papel en la serie de televisión “Little House on the Prairie” (1974-1981).

Aún cuando la cinta comienza con el asesinato de una chica llamada Bernadette (Lesleh Donaldson), la historia se centra en Virginia, quien tras sufrir un grave accidente automovilístico y pasar por un largo periodo de recuperación, regresa a la Academia Crawford, una escuela cuyos alumnos provienen de las familias más ricas del lugar. Sin mayores preámbulos, nos es informado que Virginia pertenece al llamado grupo de los “top ten”, el cual está conformado por los estudiantes más populares de la escuela. Precisamente, Bernadette era una de las integrantes de dicho grupo, siendo la primera víctima de una serie de asesinatos que involucran a este conjunto de jóvenes. Como si se tratara de una macabra coincidencia, a medida que se acerca el cumpleaños número 18 de Virginia, esta comienza a comportarse de manera extraña, lo que inevitablemente la liga con las misteriosas desapariciones de sus amigos. De esta manera la cinta nos propone la siguiente interrogante: ¿Es ella la responsable de las muertes de sus compañeros o hay alguien más detrás de todo el asunto?

Son varias las escenas que nos llevan a pensar que realmente es Virginia la responsable de los asesinatos, pero esto se contradice directamente con la fórmula utilizada por el grupo de guionistas y por el director, durante la primera mitad del film. Acercándose más al giallo que al slasher, durante la ejecución de los primeros asesinatos el director oculta el rostro del asesino, quien utiliza un par de guantes negros (los cuales forman parte de la vestimenta habitual de los asesinos del giallo). Durante la segunda mitad del film, el director cambia dramáticamente la fórmula que venía utilizando hasta el momento, revelando el rostro del responsable y jugando con la posibilidad de que parte de lo que vemos no sea real. Paralelamente, se cierne un manto de dudas en torno al trágico accidente que sufrió Virginia, cuya causa, desarrolló y desenlace, le será revelado al espectador mediante una serie de flashbacks, dentro de los cuales también se explica el procedimiento médico al cual fue sometida la en apariencia trastornada joven.

Si hay algo por lo que es recordada esta cinta, es por la originalidad de las muertes. El asesino utiliza desde una simple navaja, hasta la rueda en movimiento de una motocicleta. Probablemente la escena que más impacto causó, es aquella en la que uno de los jóvenes es asesinado con una brocheta de carne (de hecho, referencias a dicha escena fueron utilizadas para promocionar el film). La película en sí presenta un par de problemas evidentes; su excesiva duración y que la gran mayoría de los personajes son poco queribles. Con casi dos horas de duración, la cinta presenta una serie de escenas en las que se ve al grupo de protagonistas compartiendo distintas actividades, las que a decir verdad poco aportan a la trama. Afortunadamente, Thompson es lo suficientemente inteligente como para insertar una escena de suspenso o de violencia gráfica en los momentos adecuados, gracias a lo cual mantiene un buen ritmo narrativo, impidiendo con esto que el espectador pierda interés en la historia. Es precisamente este aspecto lo que compensa el problema existente con los personajes, los cuales no despiertan ni el más mínimo interés en el espectador.

En el ámbito de las actuaciones, en general el elenco realiza un trabajo correcto. Melissa Sue Anderson logra proyectar no solo la ansiedad que siente su personaje al no recordar los hechos que provocaron su trágico accidente, sino que además es capaz de jugar el rol de víctima y sospechosa de manera simultánea, ayudando en gran medida a mantener el suspenso de la historia. Obviamente su personaje es el único que es desarrollado de manera más completa, dejando al resto de los personajes relegados a ser reconocidos como simples arquetipos. Glenn Ford por su parte, interpreta al doctor encargado del tratamiento de la protagonista, y su función es básicamente transmitirle al espectador que muchas de las cosas que Virginia dice ver, solo forman parte de su imaginación. Por otro lado, la cinta cuenta con el estupendo trabajo de fotografía de Miklós Lente, quien logra dotar a la casa de la protagonista y sus alrededores de una atmósfera realmente escalofriante, y con la efectiva banda sonora de los compositores Bo Harwood y Lance Rubin.

El hecho de que la producción contara con un presupuesto superior a los tres millones de dólares y con un equipo técnico bastante experimentado, tuvo como resultado que el film fuera uno de los slashers visualmente más atractivos de los ochenta. Hay que recordar que los presupuestos para las producciones enmarcadas dentro del popular subgénero eran por lo general bastante bajos, por lo que en su gran mayoría tenían un aspecto casi artesanal. “Happy Birthday to Me” se presenta como una de las propuestas más "originales" dentro del vapuleado subgénero del slasher. Aún cuando su guión presenta algunas falencias, las cuales quedan aún más expuestas luego del sorprendente final (dicho sea de paso, cuando comenzó el rodaje el guión presentaba un final distinto al que eventualmente fue filmado. Este fue cambiado debido al deseo de los productores de insertar una vuelta de tuerca que descolocara por completo a los espectadores). La historia en general es interesante, y está bien narrada por el director. En definitiva, “Happy Birthday to Me” es una cinta recomendable, e incluso tiene los elementos necesarios para ser considerada como uno de los buenos slashers de los ochenta.

por Fantomas.

The Hand: Oliver Stone y su incursión en el horror.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sun, 02 Jan 2011 18:54:54 PST

“The Hand” (1981), es una cinta de terror psicológico del director Oliver Stone, la cual está protagonizada por Michael Caine y Andrea Marcovicci.

Un dibujante de comics (Michael Caine) pierde una mano en un desgraciado accidente que termina con su carrera e imprime una especial tensión en su matrimonio. Lenta y dolorosamente intenta acostumbrarse a su nueva realidad, pero una serie de extraños acontecimientos le dificultarán la tarea.

A siete años de haber dirigido su primer largometraje (“Seizure”, 1974), y con un Oscar bajo el brazo por el guión de “Midnight Express” (1978), Oliver Stone estaba listo para probar suerte nuevamente como director, en esta ocasión con la adaptación de la novela “The Lizard´s Tail”, del escritor Marc Brandell. En dicha novela, Brandell expresaba la frustración que le había causado su divorcio, todo en clave de terror psicológico. “The Hand” se centra en Jon Lansdale, el creador de un comic relativamente exitoso al cual le gusta trabajar recluido en una tranquila casa ubicada en el campo. Si bien su familia, compuesta por su esposa Anne (Andrea Marcovicci) y su hija Lizzie (Mara Hobel), vive con él, durante el último tiempo su esposa ha estado albergando el deseo de mudarse a Nueva York para así independizarse de su marido. Como es de esperar, esto provoca una serie de fuertes discusiones entre la pareja, las cuales tienen como consecuencia un accidente automovilístico en el cual Jon pierde una de sus manos, la cual finalmente no es encontrada. Desde ese momento, la vida del protagonista cambiará drásticamente, así como también su relación con sus seres más cercanos y su percepción de la realidad.

Aunque la ya quebrantada relación con su esposa se mantiene durante un tiempo a causa del accidente, inevitablemente la unión está ligada al fracaso. En gran medida, uno de los temas centrales de la película es la lucha de poderes existente en una relación entre un hombre y una mujer. Jon es un hombre sumamente controlador, que se ha acostumbrado a tratar a su esposa como su esclava, limitándola a satisfacer sus deseos y necesidades, siempre encerrada en el hogar familiar. El protagonista es un tipo misógino que ve a las mujeres como bellos objetos a los cuales puede controlar a sus anchas. Desde un principio resulta evidente que Lansdale es un tipo ególatra, que piensa que la vida gira en torno a él y a su trabajo, dejando en segundo plano a su familia. Es tal el amor que el protagonista profesa por su trabajo, que se niega rotundamente a aceptar el suculento sueldo que le ofrece la editorial para la cual trabaja por los derechos de su personaje, aún cuando con esto puede arreglar la difícil situación económica en la que se encuentra su familia luego del accidente.

Teniendo esto en cuenta, Stone nos plantea la siguiente pregunta: ¿Qué sucede con Jon cuando su esposa decide embarcarse en su propia aventura? Obviamente, la tensión de la pareja va en aumento, así como también va en escalada la inestabilidad emocional del protagonista. Esto no deja de ser un punto importante, ya que en cierto momento de la cinta se sugiere que la mano se mueve impulsada por la ira albergada en Jon. Es cuando este se enfrenta a situaciones estresantes, que sus deseos más oscuros salen a flote, otorgándole poder a la mano. Lo que es aún más interesante, es el hecho de que Stone juega con la posibilidad de que los sucesos paranormales no sean otra cosa más que el producto de la perturbada imaginación del protagonista, idea que refuerza filmando en blanco y negro algunas de las escenas en las que la mano entra en acción (resaltando el onirismo de la situación). Tal y como sucede en el relato de Jekyll y Hyde, “la mano” vendría a representar al alter ego del personaje de Caine, mediante el cual él realiza todos los actos que este reprime en su vida diaria.

A sabiendas que una mano asesina no es precisamente aterradora, Stone de manera inteligente la mantiene oculta durante gran parte del film, limitando su aparición a unas pocas escenas claves. De esta forma, el director no sólo impide que la historia se vuelva involuntariamente graciosa, sino que refuerza aún más la teoría de que la mano física realmente no existe, y que esta es solo una proyección mental que el protagonista utiliza para limitar sus crímenes a su subconsciente. Dicho sea de paso, las manos mecánicas utilizadas en la cinta fueron creadas por el técnico de efectos especiales italiano Carlo Rambaldi. Durante la etapa de producción de la película, comenzó a correr el rumor que de las ocho manos mecánicas que había construido el italiano, cuatro habían fallado, por lo que el director se vio en la obligación de reclutar a Stan Winston y Tom Burman. Sería el mismo Stone quien saldría al paso de dicho rumor declarando que, “hubo pocos problemas con la mecánica de las manos; era su superficie lo que requería un cuidado especial. Carlo trabajó tanto tiempo en el aspecto mecánico, que terminó dándole poca importancia al maquillaje”.

Esta película no funcionaría de la forma en que lo hace, si no hubiese contado con Michael Caine como protagonista. Aunque el actor ha declarado en más de una ocasión que solo aceptó este papel para pagar la construcción de un garaje, su interpretación es digna de un verdadero profesional. Caine retrata de manera perfecta la evolución de su personaje, quien comienza como un tipo tranquilo aunque igualmente posesivo, para terminar convertido en un hombre completamente paranoico y amargado, que no duda en expresar el odio que siente hacia las mujeres. El resto del elenco también realiza un buen trabajo, pero sin duda es Caine quien se lleva todo el peso de la historia. Por otro lado, el film cuenta con el estupendo trabajo de fotografía de King Baggot, y la atmosférica banda sonora de James Horner. Ambos elementos son de vital importancia en una cinta que se apoya bastante en el suspenso clásico, dejando a la violencia gráfica en un segundo plano (de hecho, la escena más violenta de la película es aquella en la que el protagonista pierde su mano).

Indiscutiblemente, la efectividad de “The Hand” reposa mayormente sobre los hombros de Michael Caine, quien me atrevería a decir que da vida a uno de los villanos más memorables del cine de terror de los ochenta. La historia si bien no es del todo original, presenta un par de vueltas de tuerca que resultan ser bastante interesantes, a lo que se le suma un final que queda a la libre interpretación del espectador. En más de un sentido, esta película se asemeja bastante a la cinta de Stanley Kubrick, “The Shining” (1980). Tenemos a un padre al borde de la locura, que ha comenzado a cansarse de su vida, tiene arranques violentos en contra de su esposa, y que termina viviendo en un sitio completamente aislado. En definitiva, “The Hand” es una película injustamente subvalorada, básicamente porque se aleja bastante del resto de las obras de Oliver Stone. Sin embargo, la verdad es que estamos ante una buena cinta de terror psicológico que sin duda vale la pena revisar.

por Fantomas.

Monkey Shines: Pensamientos que matan.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Thu, 30 Dec 2010 20:25:14 PST

“Monkey Shines” (1988), es un film de terror del director George Romero, el cual está protagonizado por Jason Beghe, John Pankow y Kate McNeil.

Tras sufrir un accidente y quedar cuadripléjico, Allan Mann (Jason Beghe) consigue a un mono amaestrado para que lo ayude en sus quehaceres domésticos. Sin embargo, pronto el mono comienza a comportarse de manera extraña, convirtiéndose en un peligro tanto para su dueño como para quienes lo rodean.

Tras romper la sociedad que había mantenido por un largo tiempo con el productor Richard Rubinstein (con quien había fundado la productora Laurel Entertainment), George Romero comenzó a buscar nuevos proyectos que llamaran su atención. Fue así como en 1986 conoció al productor Charles Evans, quien le entregó una copia de la novela “Monkey Shines”, del escritor británico Michael Stewart, junto con el guión de una adaptación que jamás se realizó. Entusiasmado con el relato, ya que le daba la posibilidad de alejarse por un momento del tipo de historias que había estado filmando en el último tiempo, rápidamente Romero escribió un tratamiento de 10 páginas donde detallaba las ideas que a él le interesaba rodar. Finalmente, el director le vendería el guión a la Orion Pictures, que le concedería un presupuesto de 6.7 millones de dólares, convirtiéndose en el proyecto más costoso de Romero hasta aquel entonces. Al mismo tiempo, “Monkey Shines” se convertía en la primera película que el director realizaba para un estudio importante, decisión que eventualmente lamentaría.

Básicamente, la historia se centra en Allan, un joven atleta que vive junto a su novia (Janine Turner) y que tras sufrir un accidente queda cuadripléjico, transformando su vida en un verdadero infierno. Es entonces cuando su amigo Geoffrey (John Pankow), quien trabaja en un laboratorio realizando experimentos con animales, le facilita una chimpancé llamada Ella para que le ayude a realizar parte de sus actividades de la vida diaria. Lo que Allan no sabe, es que su amigo le ha estado inyectando al animal un suero que contiene células cerebrales humanas, para que este se vuelva más inteligente. Es a raíz de dicho suero que Ella comienza a desarrollar un fuerte vínculo con su amo, el cual va más allá del simple cariño. Cuando Allan comienza a tener problemas con quienes lo rodean, específicamente con su posesiva madre (Joyce Van Patten), su molesta enfermera (Christine Forrest), y su ex novia, estos extrañamente comienzan a sufrir “accidentes” fatales. En cierta medida, la relación entre Allan y su mascota presenta ciertos paralelos con el tema de Jekyll y Hyde; el chimpancé se convierte en una extensión del protagonista, encargada de realizar todo lo que él no puede hacer.

El gran problema para el protagonista, es que sólo él cree en la teoría de Jekyll y Hyde; Allan está convencido de que es él quien está provocando que Ella actúe de manera agresiva con todos aquellos con los cuales se ha enfrascado en fuertes discusiones. Para sus familiares y amigos, estas ideas no son más que los simples delirios de un hombre que ha visto como de manera abrupta ha cambiado su vida, razón por la cual deciden no escucharlo, lo que inevitablemente provocará que algunos de ellos terminen siendo asesinados. Romero juega durante todo el transcurso del metraje con la idea de que existe un nexo telepático entre el protagonista y su mascota, pero esto jamás queda del todo confirmado. Y la verdad es que tampoco es necesario creer en esta hipótesis para que la cinta funcione. En cierta medida, Romero realiza algo similar a lo hecho por Alfred Hitchcock en “The Birds” (1963), donde no es necesario explicar la raíz del comportamiento de los animales para que este resulte aterrador. La simple idea de que lo cotidiano o lo en apariencia inofensivo puede volverse sin previo aviso en nuestra contra, ha sido un tema ampliamente tocado en el cine con distintos resultados, y en este caso Romero acierta en algunos puntos pero falla en otros.

Para retratar el nexo existente entre Allan y Ella, el director utiliza una serie de escenas en las cuales se da a entender que el protagonista está viendo el mundo a través de los ojos de su mascota. Esto no sólo se presenta como un recurso efectivo a la hora de sembrar la duda de quién es el verdadero responsable de las muertes (teniendo en cuenta la posibilidad de que el simio este actuando motivado por unos celos enfermizos), sino que además ayuda a crear una sensación de incertidumbre con respecto al accionar del animal. Por otro lado, también es un acierto el hecho de retratar a Geoffrey, el amigo de Allan, como una suerte de científico loco obsesionado con la posibilidad de desarrollar un suero que le permita a los chimpancés ser tan inteligentes como los humanos. Tan enceguecido está con sus experimentos, que no duda en utilizar a su amigo cuadripléjico como conejillo de indias, aún a sabiendas del riesgo que esto implica. En la vereda contraría, no se comprende la inclusión de la subtrama que involucra a Geoffrey y a uno de sus colegas, el cual desea robarle sus investigaciones. Pese a que a dicha subtrama se le dedican varias escenas, finalmente no tiene mayor importancia. Además resultan algo ridículas algunas escenas que pretenden otorgarle un cariz sobrenatural al simio, como aquella en la cual salta de un lugar a otro con un rayo de telón de fondo.

También resulta algo criticable el incongruente final de la historia, el cual aparentemente nació debido a la presión de los productores involucrados en el proyecto. Si bien Romero había imaginado un ejército de monos homicidas para su gran final, finalmente tuvo que ceder a las presiones y optar por un final más alegre. En el ámbito de las actuaciones, en general son bastante correctas. Jason Beghe logra que el espectador empatice con su situación, al mismo tiempo que transmite la angustia que este siente con una situación que lo ha obligado a depender de gente que sólo le complica aún más su existencia. John Pankow por su parte, realiza un buen trabajo como el científico loco/mejor amigo del protagonista, al igual que Kate McNeil que interpreta al interés amoroso de Allan y una de las potenciales víctimas de Ella. Por otro lado, la cinta cuenta con el estupendo trabajo de fotografía de James A. Conter, y la atmosférica banda sonora de David Shire. También cabe mencionar la labor de Tom Savini, quien estuvo a cargo de los efectos de maquillaje y de la construcción de un mono mecánico, el cual debía ser utilizado en aquellas escenas que eran demasiado violentas como para exponer a Boo (que es el verdadero nombre del chimpancé amaestrado que interpreta a Ella en el film).

Es importante aclarar que durante gran parte de la cinta, somos testigos de los problemas del protagonista tanto para aceptar su realidad, como para lidiar con todos quienes lo rodean. Romero dedica una gran cantidad de tiempo a describir las dificultades que un cuadripléjico tiene para desarrollar las actividades de la vida diaria, por lo que hasta cierto punto esta película podría ser encasillada dentro del género dramático. Es durante la última media hora del relato que se concentra gran parte del suspenso, el cual es mantenido de manera eficiente por Romero a base de un buen trabajo de cámara. Más allá de las posibles falencias que pueda presentar la cinta, “Monkey Shines” presenta una historia interesante con bastantes matices, un elenco talentoso, buenos efectos especiales, y una espléndida media hora final. Todo esto en conjunto, convierte a esta película en uno de los buenos trabajos de Romero fuera del mundo de los zombies. La gran pregunta es: ¿puede un pequeño mono asustar al espectador? El mismo director se encargo de responder esta interrogante algunos años atrás: “Es la situación y los personajes, y como estos van evolucionando a lo largo de la historia lo que realmente afecta al espectador”. La verdad es que en este caso, no podría estar más de acuerdo con Romero.

por Fantomas.

Tetsuo, The Iron Man: Delirante horror cyberpunk.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Tue, 28 Dec 2010 22:05:00 PST

“Tetsuo: The Iron Man” (1989), es un film de terror y ciencia ficción del director Shinya Tsukamoto, el cual está protagonizado por Tomorowo Taguchi, Kei Fujiwara, y el mismo Tsukamoto.

Un extraño hombre conocido como “el fetichista del metal” (Shinya Tsukamoto), que tiene la insana costumbre de incrustarse objetos metálicos en su cuerpo, es atropellado por un automóvil a toda velocidad. A partir de ese momento, el conductor de dicho automóvil (Tomorowo Taguchi), empezará a sufrir extraños cambios en su cuerpo, el cual pronto se verá invadido por una serie de singulares protuberancias metálicas.

En la década de los ochenta, cuando la industria cinematográfica japonesa se encontraba en su punto más flojo, comenzaron a surgir una serie de jóvenes directores que habían dedicado gran parte de sus energías al rodaje de cortometrajes y al trabajo en el teatro experimental. Entre esta camada de nuevos directores se encontraba Shinya Tsukamoto, quien para su tercer trabajo tras las cámaras, decidió adaptar una obra teatral que él había desarrollado durante su época como estudiante. Dicha obra titulada “Tetsuo”, se centraba en las desventuras de un oficinista, que tras atropellar a un hombre conocido como "el fetichista del metal”, intenta deshacerse de su cadáver en el bosque. Impulsado por la excitación propia de la situación, el protagonista da rienda suelta a sus deseos más oscuros y comienza a tener sexo con su novia mientras el cadáver los observa desde el suelo. Desde aquel momento, como si de una maldición se tratase, al personaje interpretado por Taguchi no le queda más remedio que ver como su cuerpo empieza a transformarse en un montón de metal, convirtiendo su vida en un verdadero calvario del que parece no haber escapatoria.

Si ya la premisa es bastante extraña, el desarrollo de la historia lo es aún más. Tsukamoto salta de un lugar a otro de manera frenética, sin detenerse en ningún momento para explicarle lo que está sucediendo al espectador. Luego de descubrir un pedazo de metal en su rostro, el protagonista será atacado por una mujer que experimenta una mutación en su brazo cuyo origen es desconocido (aunque todo parece indicar que "el fetichista del metal” se ha albergado en su cuerpo como un organismo parásito). Tras este pesadillezco episodio, la tasa de mutación del personaje interpretado por Taguchi comienza a aumentar de manera dramática, al mismo tiempo que este experimenta una serie de episodios de alto contenido sexual con su novia (Kei Fujiwara). Ya en lo que se podría denominar como el tercer acto del relato, un irreconocible protagonista se ve enfrentado en una batalla sin cuartel con "el fetichista del metal”, cerrando con esto una historia completamente delirante, que no desea otra cosa más que reflejar la dependencia casi “castradora” del hombre con un entorno cada vez más tecnificado.

Bajo la apariencia de una cinta de horror cyberpunk, se esconde una fuerte crítica por parte de Tsukamoto a una sociedad abducida por la globalidad tecnológica. Por un lado, “el fetichista del metal” puede ser visto como el fiel representante de una sociedad que arrastra a miles de jóvenes a encerrarse en una virtualidad más satisfactoria que el mundo real. El internet y la tecnología en general, entregan diversas herramientas con las que el ser humano puede convertirse, mutar durante un periodo determinado de tiempo en alguien más, reflejando una imagen idealizada de sí mismo a todos aquellos que también están sumidos en el mundo tecnológico. Al mismo tiempo, el director propone que es inevitable que la conducta sexual y el instinto primitivo del hombre se vean potenciados por la exposición a la ya mencionada globalidad tecnológica. Es por este motivo que no resulta extraño encontrarnos con una serie de dantescas escenas de alto contenido erótico, donde el protagonista no sólo intenta tener relaciones sexuales con su novia utilizando el enorme falo-taladro que ha crecido en su cuerpo, sino que este también imagina a la mujer siendo portadora de un falo endoscópico con el cual es literalmente ultrajado.

Al igual que David Cronenberg en alguno de sus films, Tsukamoto señala al sexo como el catalizador del deterioro o las mutaciones que sufre el cuerpo de su protagonista. Si bien durante gran parte de la cinta vemos que es la mujer quien “provoca” que se aceleren los cambios en el cuerpo del protagonista, será "el fetichista del metal” quien provoque la mutación más importante en el cuerpo del personaje interpretado por Tomorowo, otorgándole un cierto tono homosexual al relato. Recién cuando estos dos hombres se han convertido en uno, fusionando por completo la carne con el metal, logran vislumbrar su verdadero objetivo; destruir un mundo que a sus ojos es completamente decadente. Más allá de los aspectos argumentales, “Tetsuo” se destaca por su impactante estilo visual, el cual amenaza con jugar con la mente del espectador. Según el mismo Tsukamoto, el film está rodado en blanco y negro para resaltar el metal que cubre el cuerpo del protagonista. Debido a que se trata de una producción de bajísimo presupuesto, el director tuvo que suplir la falta de recursos reciclando viejos televisores, de los cuales extrajo ciertos componentes electrónicos los que finalmente adaptaba al cuerpo de los actores mediante una pasta de arcilla.

De todas formas, la falta de presupuesto no evitó que el director tomara algunas decisiones artísticas bastante riesgosas, como el hecho de utilizar la técnica del stop-motion para retratar la transformación del protagonista, lo que terminó condicionando el plan de rodaje alargándolo casi dos años. Es importante mencionar que Tsukamoto no sólo se hizo cargo de los efectos especiales, sino que también se encargó de la fotografía y la edición de la cinta. De manera inteligente, el director utiliza una serie de recursos tanto de edición como de fotografía, para dotar a la película de una atmósfera pesadillezca y surrealista, donde el espectador se ve forzado a utilizar su imaginación cuando le son presentadas una serie de peculiares imágenes en rápida sucesión, dejándole muy poco tiempo para procesarlas por completo. Todo esto va acompañado por la efectiva banda sonora industrial compuesta por Chu Ishikawa. El tema de las actuaciones resulta ser bastante difícil de analizar, debido al caos reinante en la historia. De todas formas, el elenco en general realiza un buen trabajo aún cuando tienden a sobreactuar, ya que hay que considerar que los personajes responden al mundo enfermo en el que se desenvuelven.

“Tetsuo” es un film que presenta influencias tanto del cine del ya mencionado Cronenberg, como también del trabajo de directores como Sogo Ishii y David Lynch, entre otros. A ratos la historia puede ser un poco difícil de comprender, pero mediante un par de flashbacks el espectador logra entender de mejor manera que es lo que está sucediendo. Y es que más allá de la historia, lo realmente importante de esta cinta es su impresionante aspecto visual y el mensaje que subyace bajo este. Casi exenta de diálogo y con una buena cantidad de escenas eróticas y gore, “Tetsuo” se presenta como una verdadera experiencia cinematográfica que difícilmente podrá dejar indiferente al espectador. Lo increíble es que a más de veinte años de su estreno, la cinta sigue impactando y mostrándose como un producto sumamente original. Aunque obviamente es difícil recomendar esta película a todo tipo de público, de todas formas los invito a descubrir una obra que juega con los sentidos del espectador, al mismo tiempo que lo lleva a participar en una retorcida realidad cyberpunk.

por Fantomas.

The Entity: Un violento caso basado en una historia real.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sun, 26 Dec 2010 22:21:57 PST

“The Entity” (1982), es un film de terror del director Sidney J. Furie, el cual está protagonizado por Barbara Hershey, Ron Silver y David Labiosa.

Carla Moran (Barbara Hershey), es una mujer que, de un día para otro, comienza a ser atacada por un ser invisible. Su vida colapsa, sus amigos la creen loca y debe recurrir a un grupo de científicos que intentarán descubrir que es lo que está atormentando a la mujer.

En 1978, el escritor Frank DeFelitta publicó la novela “El Ente”, la cual se basaba en las experiencias paranormales de una mujer llamada Doris Bither, quien afirmaba que un ser espectral la atacaba sexualmente de manera reiterativa. En 1974, Doris se presentó en el departamento de psiquiatría de la Universidad de California, donde rápidamente un especialista le diagnosticó un desorden mental. Sin embargo, algo no cuadraba; la mujer presentaba una serie de lesiones semejantes a las que se producen durante un ataque sexual. Tras ser sometida sin mayores resultados a sesiones de hipnosis regresiva con el especialista Kerry Gaynor, Doris eventualmente buscó la ayuda del equipo de expertos pertenecientes al laboratorio de parasicología de la Universidad, quienes recolectaron pruebas y documentaron las agresiones sufridas por la mujer. Debido a lo peculiar de la historia, esta terminó llamando la atención del director Sidney J. Furie, quien le pidió al mismo DeFelitta que escribiera el guión de la adaptación cinematográfica de su novela. Pese a que la cinta se filmó en 1981, su estreno tuvo que retrasarse más de un año debido a que los productores temían que los organismos de censura presentaran quejas a causa de la naturaleza perturbadora de los hechos que son relatados en el film.

La película comienza presentándonos a Carla Moran, una madre soltera de tres hijos, que por las noches estudia para convertirse en secretaria y así optar a una mejor calidad de vida. Sin mayores preámbulos, rápidamente somos testigos del primer ataque que sufre la mujer a manos del ser que posteriormente será reconocido como “el ente”. Desde ese preciso momento, la vida de la protagonista se convierte en un verdadero infierno. A los ataques reiterados, se une la incredulidad de sus amigos, la intranquilidad de sus hijos, y el escrutinio de los psiquiatras quienes la creen loca. Tal y como sucede en “Poltergeist” (1982), eventualmente la protagonista debe buscar la ayuda de científicos que no solo validen sus dichos, sino que además encuentren una solución para sus problemas. Y es que debido a lo fantástico de su historia, incluso el grupo de parasicólogos que asumen la tarea de investigar su caso se muestran algo incrédulos ante la situación que ella relata. Es precisamente el tema de la división entre lo real y lo meramente psicológico, uno de los ejes centrales del film.

Phil Sneiderman (Ron Silver), el psiquiatra a cargo del tratamiento de Carla, si bien demuestra una preocupación que trasciende lo meramente profesional, no puede dejar de lado los fundamentos psiquiátricos a la hora de lidiar con el problema de la protagonista. Y es que ella presenta una serie de antecedentes que dan para pensar que sus “experiencias paranormales” no son más que los delirios de una mujer cuya vida ha estado marcada por hechos traumáticos. No solo relata que su padre (un hombre ligado a la iglesia) tenía ciertas tendencias incestuosas que la hicieron huir de su hogar, sino que además su historial de relaciones amorosas es bastante desalentador. Tras quedar viuda de un hombre joven con serios problemas de drogas y alcohol, cayó en los brazos de un hombre de bastante más edad que ella, el que eventualmente la abandonó cuando quedó embarazada. Es debido a estos hechos que Sneiderman no duda en tratar a Carla como una paciente gravemente enferma, llegando al punto de sugerirle que se interne en un hospital psiquiátrico. Lo que es peor aún, el facultativo se muestra extremadamente crítico ante la posibilidad que un grupo de parasicólogos (que no son vistos más que como un conjunto de charlatanes por él) intente ayudar a la mujer.

Pese a los argumentos de Sneiderman y el grupo de psiquiatras a cargo del caso de Moran, y de la misma incredulidad inicial del equipo de parasicólogos que ayudan a la protagonista, el espectador en ningún momento duda de los dichos de la mujer. Y es que el director mediante una serie de potentes escenas, se encarga de transmitir la angustia y la impotencia que siente Carla en cada una de las ocasiones en las que es ultrajada por este ser invisible. Las escenas en las que ella es violentada por los “entes” son realmente impactantes y bastante creíbles, lo que obviamente aumenta en gran medida la tensión del film. Más allá de las escenas de “violación”, una de las escenas más recordadas de la cinta está ubicada cerca del final de la misma, y consiste en el último intento por parte de los científicos por capturar al ente. Una de las virtudes de la historia, es que escapa a las convenciones habituales de los films de casas embrujadas. El ente es omnipresente e impredecible, por lo que no existe un lugar en el que Carla esté completamente segura. Esto sin duda ayuda a mantener un grado de tensión constante durante prácticamente todo el transcurso del metraje, incluso en los momentos de aparente tranquilidad.

En el ámbito de las actuaciones, el elenco en general realiza un estupendo trabajo. Barbara Hershey se lleva todo el peso de la cinta, y lo hace de manera impecable. La actriz retrata a la protagonista como una mujer claramente desesperada por la situación que está viviendo, pero con la fortaleza interior necesaria para sobrellevar cada uno de los episodios de violencia. De hecho, los hombres de la historia no son de mucha ayuda, sino que más bien o son simples espectadores de una serie de hechos inexplicables, o al igual que el ente, intentan imponer su punto de vista con respecto a lo que acontece en la casa de los Moran, ejerciendo de esta forma un cierto control sobre la mujer. Ese es precisamente el caso del personaje interpretado por Ron Silver, quien incluso amenaza a Carla con internarla si es que no sigue sus consejos. Por otro lado, el film cuenta con el competente trabajo de fotografía de Stephen H. Burum, y la poco memorable pero efectiva banda sonora de Charles Bernstein. Por último cabe destacar el trabajo realizado por Martin Bresin y Robert Willard, cuyos efectos especiales son simples pero bastante efectivos.

Ciertamente que el mayor mérito de Sidney J. Furie y de la misma Barbara Hershey es lograr que una historia que fácilmente se podía convertir en algo burdo y ridículo, se torne realista e interesante (aunque hay que reconocer que la escena que ocurre en la casa de vidrio escapa de la sobriedad que presenta la cinta). La película dura alrededor de dos horas, lo que afortunadamente no llega a ser un problema debido a que el director logra mantener un buen ritmo narrativo durante todo el transcurso del metraje, mezclando de manera eficiente suspenso y drama. Por otro lado, en cierta forma podría considerarse que el film presenta un final abierto, ya que si bien se explica que fue de la mujer en la que está basado el relato, no tenemos certeza alguna de cómo sobrellevó los años venideros al periodo en el que se centra la cinta. “The Entity” es una de las buenas películas de terror de los ochenta, la cual lamentablemente fue subvalorada en su momento debido a que se pensó que era otra mala copia de “The Exorcist” (1973). El simple hecho de que la historia esté basada en un caso real, aumenta la capacidad de impacto de esta pequeña joya olvidada en el tiempo.

por Fantomas.

Santa Claus: Una Navidad como ninguna otra.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 22 Dec 2010 21:07:57 PST

“Santa Claus” (1959), es una cinta de aventuras del director René Cardona, la cual está protagonizada por José Elías Moreno, José Luis Aguirre, Armando Arriola y Cesáreo Quezadas.

Con la ayuda del Mago Merlín (Armando Arriola), Santa Claus (José Elías Moreno) debe impedir que el demonio Precio (José Luis Aguirre) lleve a cabo sus planes para arruinar la Navidad.

Tras el término de la Segunda Guerra Mundial, el empresario K. Gordon Murray comenzó a importar cintas mexicanas a los Estados Unidos. Aunque eventualmente adquiriría cierta fama gracias a los films de terror que distribuía, sus primeras adquisiciones estaban mayormente dirigidas a un público infantil. Fue así como dio con “Santa Claus”, una desconcertante fábula navideña del guionista y director cubano René Cardona, quien durante años había estado trabajando en diversas producciones realizadas por la industria cinematográfica mexicana. Filmada por completo en los estudios Churubusco-Azteca, los cuales eran propiedad del gobierno mexicano, la película se centra en la batalla entre Santa Claus y un demonio llamado Precio, quien ha sido enviado por el Diablo para acabar con la Navidad. En su cruzada por salvar la Navidad, Santa Claus será ayudado por el Mago Merlín y una buena parte de los niños que trabajan en su taller, junto a los cuales no sólo deberá seguir los pasos de Precio, sino que también deberá evitar que este último contamine la mente de los niños del mundo.

La cinta comienza con un número musical de alrededor de diez minutos de duración, donde rápidamente son apreciables las diferencias que René Cardona realiza en la mitología clásica de Santa Claus. Para empezar, el centro de operaciones del protagonista ya no se encuentra en el polo norte, sino que está ubicado en un castillo en las nubes. En aquel lugar, ya no son un grupo de duendes los que ayudan a Papá Noel en la fabricación de juguetes, sino que son niños de diversas nacionalidades los que se encargan de dicha labor (lo que habla muy mal de la política laboral del Sr. Claus). Además, podemos ver que Santa utiliza una serie de curiosas computadoras para monitorear el comportamiento de los niños alrededor del globo (incluso tiene una curiosa máquina que tiene una boca y que transmite las palabras que dicen los pequeños). Acto seguido, somos transportados al mismísimo infierno, donde diversos demonios danzan alrededor del fuego. Es ahí donde nos es presentado el villano de esta historia, el demonio Precio, quien de no cumplir la labor que le ha encomendado el Diablo, será condenado a comer helado de chocolate por la eternidad (lo que es cruel, ya que los demonios no soportan el frío y menos el chocolate).

Básicamente, Precio centra sus esfuerzos en corromper a una niña pobre llamada Lupita (Lupita Quezadas), a un niño rico (Antonio Díaz Conde Jr.), y a tres traviesos hermanos cuyos nombres jamás son revelados. Mientras que los dos primeros le dan más importancia a la familia y a los valores familiares (por ejemplo, Precio intenta sin éxito convencer en múltiples ocasiones a la niña para que esta robe la muñeca que tanto quiere y que sus padres no pueden comprarle), los tres hermanos terminan cayendo en las garras del demonio, realizando una serie de travesuras con las cuales intentan sabotear la labor de Santa Claus. Más allá de la trama, lo que hace tan especial a esta película es lo perturbador que resulta el mismísimo Papá Noel. A la ya mencionada explotación infantil, se le suma su risa siniestra, y su costumbre de espiar a los niños incluso cuando estos están durmiendo. Lo que resulta aún más extraño, es que él tiene la capacidad de ver los sueños de los pequeños e influir en ellos. Visto de esta manera, Santa Claus es retratado como una suerte de Gran Hermano que aprueba la esclavitud infantil, lo que obviamente se contradice por completo con la imagen hollywoodense del alegre gordinflón.

Existen otras extrañas particularidades de la versión mexicana de Santa Claus. En su castillo además de los niños que trabajan para él, viven su buen amigo el mago Merlín, y Vulcano el herrero (Ángel Di Stefani). Mientras que el primero está encargado de realizar las pócimas que le permiten a Papá Noel hacerse invisible o dormir a los niños que se despiertan cuando sienten su presencia, Vulcano es el responsable de la fabricación de una llave que le permite abrir todas las puertas del mundo. Además, cabe mencionar que en esta ocasión, Santa se transporta en un trineo tirado por unos siniestros renos mecánicos. Durante gran parte de la cinta, Santa se dedica a mostrarnos su castillo, sus costumbres, y a espiar a los niños en los cuales se centra el relato. Será recién durante la última media hora de metraje, que veremos cómo este viaja a la Tierra a repartir los regalos, y a enfrentarse con Precio, quien tiene una serie de sorpresas preparadas para su archienemigo (las cuales a decir verdad, no son demasiado elaboradas).

En el ámbito de las actuaciones, estas son más bien mediocres, aunque también hay que pensar que los actores hacen lo que pueden considerando la escasa profundidad de sus personajes. Aunque el Santa Claus de José Elías Moreno resulta simpático, inevitablemente adquiere un cariz algo siniestro debido a las costumbres antes mencionadas. Armando Arriola por su parte, interpreta a un Merlín con serios problemas de memoria, por lo que en gran medida se asemeja a un abuelo algo senil, mientras que José Luis Aguirre interpreta a un demonio bastante caricaturesco. Los diálogos distan de ser memorables, e incluso hay algunos que se repiten hasta el cansancio. Por otro lado, el trabajo de fotografía de Raúl Martínez Solares es bastante mediocre, al igual que la banda sonora de Antonio Díaz Conde, que toma prestadas una serie de canciones populares y las mezcla con música navideña. En cuanto al diseño de los escenarios, estos se asemejan bastante a los de las cintas de ciencia ficción serie B realizadas en norteamérica durante los cincuenta, lo que extrañamente le otorga un encanto especial a esta peculiar producción.

Aunque al momento de su estreno la cinta no obtuvo muchas ganancias en norteamérica, con el correr de los años adquirió el estatus de film de culto, lo que llevó a que K. Gordon Murray la exhibiera durante 30 años durante la época navideña. Y es que las diferencias culturales llevaron a Cardona a crear un Santa Claus proveniente de un universo paralelo, donde solo las buenas intenciones del protagonista se mantienen y se cambia todo lo demás. “Santa Claus” es una de esas películas que deben ser vistas por su “factor alucinógeno”, aún cuando la producción sea un completo desastre. La trama en si es casi inexistente (de hecho, da la impresión de que son pequeños episodios que están débilmente ligados entre sí), hay una buena cantidad de números musicales que dejan bastante que desear (y que son utilizados mayormente para sumarle minutos al film), e incluso se tiende a estereotipar las costumbres y las vestimentas de ciertas culturas, rozando peligrosamente el racismo. En definitiva, esta película pese a todo resulta entretenida, y es perfecta para aquellos que quieran ver algo distinto a los típicos clásicos navideños a los que estamos acostumbrados.

Les deseo una Feliz Navidad a todos y un próspero Año Nuevo!!

por Fantomas.

Tokyo Godfathers: Un extraño cuento de Navidad.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Mon, 20 Dec 2010 18:43:37 PST

“Tokyo Godfathers” (2003), es una cinta de animación del director Satoshi Kon, la cual fue escrita por el mismo Kon en compañía de Keiko Nobumoto.

Un mendigo (Gin), un travesti (Hana) y una adolescente que ha huido de su hogar (Miyuki), encuentran un bebé abandonado. El grupo decide buscar a los padres de la criatura, pero hallarlos en el enjambre humano de Tokio puede ser lo más parecido al viejo dicho de encontrar una aguja en un pajar.

“Tokyo Godfathers”, al igual que las cintas anteriores del fallecido Satoshi Kon, “Perfect Blue” (1998) y “Millennium Actress” (2001), fue realizada pensando más en los diversos festivales internacionales de cine que en el público en general. Sin embargo, la cinta que hoy nos ocupa es recordada como un trabajo atípico dentro de la corta filmografía del director. Por primera vez, Kon se alejaba de los dramas psicológicos que marcaron su obra para meterse de lleno en el mundo de la fantasía y la comedía, dejándole en claro al espectador que los elementos fantásticos de la historia están ligados directamente a la imaginación de los protagonistas. Es sabido que el director se basó en el western de John Ford, “Three Godfathers” (1948), en el cual tres forajidos se topan con una madre moribunda a quien le prometen cuidar a su bebé durante su travesía por el desierto. Básicamente, lo que hizo Kon fue actualizar este melodrama protagonizado por John Wayne, convirtiéndolo en un estudio sociológico de cómo la sociedad urbana moderna abandona por completo a las personas sin hogar.

Como mencionaba anteriormente, los primeros pasos de Kon en la comedía están protagonizados por tres vagabundos residentes en Tokio, cada uno de los cuales convive con la carga de un desafortunado pasado. Gin es un borracho de unos cincuenta años de edad, que asegura haber perdido todo por una mala apuesta; Hana es un travesti huérfano que perdió su trabajo como cantante de un cabaret luego de golpear a un cliente; y Miyuki es una adolescente que huyó de su casa luego de protagonizar un violento incidente con su padre. En plena víspera de Navidad, mientras buscan un regalo para Miyuki en un montón de basura, el peculiar trío se encuentra con una recién nacida abandonada en el frío. Pese a que en un principio piensan en llevar a la bebé a la policía, tras la insistencia de Hana, que opina que la niña es un verdadero regalo de Dios, los protagonistas deciden buscan a los padres del bebé por su cuenta, embarcándose en una serie de aventuras que les traerán más de un problema.

Aunque para Kon hubiese sido más sencillo apegarse a la historia relatada por John Ford, junto al guionista Keiko Nobumoto, el director introduce una serie de vueltas de tuerca al relato. Para empezar, la aparición del bebé desata un verdadero efecto dominó marcado por una serie de coincidencias, las cuales guían a los protagonistas a buen número de curiosas locaciones entre las que se incluyen el matrimonio de la hija de un conocido criminal, la humilde casa de un asesino latinoamericano, y el cabaret donde solía trabajar Hana, entre otros. La búsqueda de los padres de la niña se convertirá en un viaje casi catártico para los protagonistas, ya que los obliga a repasar sus propias historias, vergüenzas y verdades, viéndose eventualmente obligados a enfrentar el pasado que han intentando dejar atrás. Y es que la acción que presenta el film ocupa un lugar secundario ante el estado emocional y la relación existente entre los tres “padrinos”. Gin, Hana, Miyuki y la bebé, a quien han bautizado como Kiyoko (niña pura), forman una verdadera familia disfuncional donde cada uno de los miembros hace todo lo que está a su alcance para cuidar del resto.

Durante el transcurso de la historia, somos testigos de las múltiples discusiones del trío de protagonistas, así como también de algunos monólogos introspectivos que revelan parte de los secretos personales que ninguno de ellos se ha atrevido a revelarle al resto o a sí mismos por mucho tiempo. Como en el fondo “Tokyo Godfathers” es una película navideña, donde los protagonistas pueden ser considerados como un equivalente a los tres reyes magos, existen una serie de elementos que podrían ser enmarcados dentro del llamado realismo mágico. En múltiples ocasiones, Hana asegura que el bebé, y por ende ellos también, están protegidos por fuerzas celestiales. De hecho en el tramo final de la cinta, somos testigos de una seguidilla de “milagros navideños” que encausan a todos los involucrados por el buen camino, al mismo tiempo que los recompensan por sus actos. Básicamente, Kon nos entrega su versión de la fantasía navideña tradicional americana, en la cual los protagonistas ven como su fe es restaurada por Dios, un ángel, Santa Claus, o todas las anteriores.

Los dramas personales de los protagonistas y las oscuras y deprimentes calles de Tokio en las cuales se desarrolla la historia (que inevitablemente se convierten en un personaje más), hubiesen terminado transformando a “Tokyo Godfathers” en un verdadero melodrama si Kon no hubiese adherido algunas dosis de comedia y acción desenfrenada a la mezcla. La cinta está repleta de momentos realmente hilarantes (los cuales por lo general están centrados en la interacción entre los protagonistas) y de algunas escenas llenas de adrenalina y emoción, que ayudan a alivianar la crudeza del tema de fondo. Por otro lado, los personajes tiene la virtud de ser lo suficientemente humanos como para despertar la simpatía del espectador desde el principio del relato. Además el film se destaca por la excelente calidad de la animación, la cual es fluida y atractiva a la vista, y por el estupendo trabajo de fotografía de Katsutoshi Sugai. También resulta destacable la banda sonora compuesta por Keiichi Suzuki y los Moonriders, la cual acompaña de manera perfecta el desarrollo de la acción.

Tomando en cuenta el trasfondo de la historia, la crudeza de algunas escenas, y el tono de una buena parte de los diálogos, es evidente que “Tokyo Godfathers” no es una película destinada al público infantil. Sin lugar a dudas, estamos ante una fábula adulta que recalca la importancia de la familia y el amor por el prójimo, en un mundo donde no siempre tenemos tiempo para detenernos y pensar en las cosas que realmente son importantes en nuestra vida. En su corta carrera como director, Satoshi Kon demostró ser uno de los grandes talentos de la animación japonesa, no solo por crear historias interesantes y entretenidas, sino que además por su excelso domino del ritmo narrativo. Con una trama que atenta contra cualquier atisbo de verosimilitud, aludiendo a una serie de improbables coincidencias que finalmente terminan siendo determinantes para conseguir el desenlace esperado, “Tokyo Godfathers” se alza como una de las mejores cintas de animación de los últimos años, y como una aventura navideña sin precedentes que vale la pena revisar.

por Fantomas.

National Lampoon´s Christmas Vacation: Cuando las buenas intenciones terminan en caos.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Fri, 17 Dec 2010 17:53:19 PST

“National Lampoon´s Christmas Vacation” (1989), es una comedia del director Jeremiah Chechik, la cual está protagonizada por Chevy Chase, Beverly D´Angelo y Randy Quaid.

Clark Griswold (Chevy Chase), un típico padre de familia norteamericano, sueña con una Navidad perfecta, y justamente por eso, las cosas se salen de control hasta el punto en que la festividad se convierte en un auténtico circo.

En el año 1970, en norteamérica comenzó a publicarse la revista de humor National Lampoon, la cual se caracterizaba por presentar una serie de parodias de hechos cotidianos, junto con contenido de carácter más surrealista. Seria tal el éxito de esta publicación, que a fines de la década de los setenta, la industria hollywoodense comenzó a producir una serie de cintas que utilizaban la marca “National Lampoon”, y que además involucraban a gran parte del equipo creativo de la revista. Fue así como nació la franquicia de “Vacaciones”, la cual presentaba como protagonistas a la familia Griswold, liderada por el torpe pero bienintencionado Clark Griswald. Tras un par de exitosas entregas, la Warner Bros le pidió al director y guionista John Hughes, que escribiera el guión de una nueva entrada en la saga. Para Hughes, su participación en esta cinta se convertiría en una rara excepción en su carrera. Con respecto a esto, él declararía en una entrevista: “En la única secuela que estuve involucrado por obligación fue en la tercera película de ´Vacaciones´. El estudio me rogó que escribiera un nuevo guión, y yo sólo accedí debido a que tenía una buena historia en la cual basarme”.

Dicha historia, cuya autoría correspondía al mismo Hughes, se titulaba “Christmas ´59”, y fue publicada en diciembre de 1980 en uno de los números de la revista National Lampoon. Tal y como sucedió en las dos primeras entradas de la saga, Hughes decidió no utilizar la silla del director dejando su puesto al inexperto Jeremiah Chechik, cuya única experiencia como director la había obtenido en un par de humildes spots comerciales. A diferencia de las dos cintas anteriores, donde la familia Griswold se encontraba disfrutando sus vacaciones de verano en distintos puntos del globo, en esta ocasión Clark y compañía están concentrados en los preparativos de la fiesta de Nochebuena que han organizado en su hogar junto a su familia. Lamentablemente para Clark, sus ansías por conseguir que todo salga como él lo ha planeado, los resentimientos y discusiones que se provocan entre los diversos integrantes de la familia, la visita de un primo algo chiflado, y su inherente mala fortuna, terminan siendo los ingredientes necesarios para una fiesta verdaderamente caótica y ciertamente inolvidable.

Clark es la encarnación del verdadero espíritu navideño. Él está empecinado en convertir esta Navidad en un recuerdo imborrable para el resto de su familia, ya sea adornando la casa con cientos de luces, cortando un verdadero árbol de navidad, o realizando actividades propias de la festividad. Por supuesto que cada actividad, cada pequeño detalle del cual Clark está a cargo, termina horriblemente mal no solo perjudicando directamente a su familia, sino que también a sus molestos vecinos (Julia Louis-Dreyfus y Nicholas Guest). En gran medida, el protagonista intenta decirnos que cualquier desastre se puede superar con optimismo y con fe, razón por la cual es inevitable empatizar con su causa. Su entusiasmo por la Navidad termina siendo contagioso, y eventualmente esto le trae una gran recompensa (que como todo en este film, viene acompañada del más completo caos familiar). A modo de subtrama, durante todo el transcurso de la cinta, Clark fantasea con respecto a los planes que tiene para un supuesto bono navideño que va a recibir de la empresa para la cual trabaja. Sus fantasías no solo generan un par de divertidos gags, sino que además el bono en sí tendrá consecuencias realmente hilarantes.

Sorprendentemente, “Christmas Vacation” presenta una serie de elementos que la conectan con el clásico navideño “It´s a Wonderful Life” (1946). Al igual que el personaje interpretado por James Stewart, llega un momento en el que Clark Griswold pierde por completo la esperanza tanto en la festividad, como en sí mismo, recuperándola sólo tras experimentar un verdadero “milagro” navideño. Además, es posible ver el film de Frank Capra en la televisión de los Griswold, en la escena en la cual los abuelos llegan de visita. Finalmente, detrás de las cámaras existe otra conexión: el asistente del director fue Frank Capra III, el nieto del legendario y premiado director. Aunque hay escenas realmente memorables (como el episodio de las luces o el problema con el árbol navideño), para ser sinceros, no todos los gags que presenta el film funcionan de buena manera. Pese a que gran parte de las escenas presentan los elementos necesarios para provocar la risa del espectador, por alguna extraña razón no logran el efecto deseado. Probablemente gran parte de la responsabilidad la tenga el director Jeremiah Chechik, quien como había mencionado anteriormente, sólo había trabajado en el rubro de los spots publicitarios, razón por la cual no logra sacarle un mejor provecho al buen guión y al estupendo elenco con el cual contaba.

En el ámbito de las actuaciones, el elenco en general realiza un estupendo trabajo. Este es probablemente el rol más recordado de Chevy Chase y con justa razón. Su personaje es casi como un niño pequeño, capaz de sorprenderse con las cosas más simples de la vida. Él disfruta a su familia aún cuando en su gran mayoría son personajes molestos, y se empeña para que todo salga bien aún cuando sabe por experiencia que nada resulta como él desea. Beverly D´Angelo por su parte, interpreta de buena manera a la comprensiva y más aterrizada Ellen Griswold, al igual que Juliette Lewis y Johnny Galecki, quienes encarnan a los cínicos hijos de la pareja. Junto con el personaje de Chase, probablemente quien termina quedándose en la memoria del espectador es el del campestre primo Eddie (Randy Quaid). Aunque en el fondo es bienintencionado, su accionar dista de ser loable, razón por la cual protagoniza una buena parte de las escenas más divertidas de la película. En un aspecto más técnico, Thomas E. Ackerman realiza un trabajo correcto de fotografía, mientras que Angelo Badalamenti pone su grano de arena con una banda sonora bastante efectiva.

Uno de los problemas que tiene el film, es el poco provecho que se le saca a los invitados de Clark. Con la excepción del tío Lewis (William Hickey) y la tía Bethany (Mae Questel), que son un verdadero par de caricaturas vivientes, el resto de los familiares no alcanzan a brillar como individuos, no cumpliendo la función por la cual fueron incluidos en la historia. Más allá de los pequeños problemas que pueda presentar la película, esta resulta ser bastante entretenida y a mi gusto ha soportado realmente bien el paso del tiempo. John Hughes fue responsable de los guiones de una gran cantidad de comedias sencillamente geniales, y “Christmas Vacation” califica para ser considerada como una de las buenas comedias realizadas durante los ochenta (de hecho, este film y el original son las dos mejores entradas en la saga de “Vacaciones”). En definitiva, “Christmas Vacation” es una película bastante recomendable, la cual se disfruta aún más en plena época navideña.

por Fantomas.

Mini Especial Navideño

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 15 Dec 2010 19:37:55 PST

Como estamos cerca de la Navidad, dejaré de lado el especial de terror ochentero (del cual ya han sido publicadas 8 de las 16 entradas que lo conforman) para publicar tres reseñas navideñas. La segunda mitad del especial atrasado de Halloween espero comenzar a publicarla desde el día 26 de diciembre. Me gustaría que me dieran su opinión con respecto a la primera mitad del especial, ya que para mí es bastante importante la opinión de quienes visitan este blog.

Saludos a todos,
Fantomas ;)

The New York Ripper: Una de las cintas más controversiales de Lucio Fulci.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Mon, 13 Dec 2010 22:01:11 PST

“Lo Squartatore di New York” (1982), es una cinta de terror del director Lucio Fulci, la cual está protagonizada por Jack Hedley, Almanta Suska y Howard Ross.

Los habitantes de Nueva York están siendo aterrorizados por un asesino de hermosas mujeres. Mientras el Teniente Fred Williams (Jack Hedley) intenta descubrir la identidad del psicópata, los asesinatos que este comete son cada vez más brutales y frecuentes.

Con resultados algo dispares, Lucio Fulci sería uno de los pocos directores que intentaría revitalizar el alicaído cine de terror italiano durante la década de los ochenta. Dentro de las muchas fórmulas que aplicó el director en las películas que realizó durante este periodo, se encuentra su particular aproximación al subgénero del slasher en “Lo Squartatore di New York”. Junto con el guionista Dardano Sacchetti, con quien había trabajado anteriormente en un par de ocasiones, Fulci se encargó de escribir el guión de una de sus cintas más criticadas tanto por el público, como por la crítica especializada que venía reverenciando sus últimos trabajos. Básicamente, la historia sigue la investigación del Teniente Williams, quien está tras la pista de un misterioso asesino que está mutilando mujeres a lo largo de todo Nueva York, el cual además presenta la particularidad de hablar con una voz muy aguda similar a la del Pato Donald. Para encontrar al psicópata lo antes posible, Williams no tiene más remedio que reclutar al Dr. Davis (Paolo Malco), un psiquiatra capaz de desentrañar los patrones de conducta y la posible identidad del criminal que está aterrorizando a las mujeres de la Gran Manzana.

Para muchos, “Lo Squartatore di New York” marcaría un franco declive en la carrera del Fulci. En esta ocasión el director retoma algunos de los elementos del género del giallo, para fusionarlos con otros más propios del policial norteamericano de los setenta, y finalmente agregar a la mezcla algunas características más propias del subgénero del slasher, el cual a principios de los ochenta estaba adquiriendo una gran cantidad de seguidores. Aunque en el papel esto es a todas luces un proyecto prometedor, por momentos parecería que al momento de escribir el guión, Fulci tenía un conjunto de diversas ideas en su mente las cuales terminaron colisionando sin control entre sí, dando vida a una historia algo engorrosa por momentos, y carente de sentido en otros. Y es que no son pocos los elementos que le juegan en contra a un film que ganó cierta notoriedad por sus problemas con los organismos de censura (quedando catalogado dentro del infame grupo de los “video nasties"), los cuales prohibieron su exhibición en algunos países debido a su alto contenido sexual y su violencia gráfica.

Uno de los errores que presenta el guión, es la inclusión de una serie de situaciones y personajes que poco aportan a la historia. Por ejemplo, la escena en la que Jane Forrester (Alexandra Delli Colli) es “acosada” por un par de hombres en un bar, es completamente innecesaria ya que mediante un erotismo de bastante mal gusto, se viene a establecer algo que ya se había determinado previamente en la cinta (la marcada afición por el sexo que tiene la mujer, cuyo marido eventualmente se convierte en uno de los sospechosos de los crímenes). De la misma forma, se pueden apreciar una serie de agujeros en el guión, razón por la cual muchas de las conclusiones obtenidas por los protagonistas parecen haber sido improvisadas por los mismos. Las evidencias que recolecta tanto la policía como Fay Majors (Almanta Suska), la única víctima del asesino que logra salir con vida y que posteriormente comienza a investigar por su cuenta, distan de ser concluyentes, lo que no les impide descubrir en determinado momento la identidad del asesino y sus motivaciones. Es a raíz de esto que si bien Fulci intenta sembrar un dejo de misterio alrededor de la identidad del asesino, la trama policial está tan mal construida que termina quedando en un segundo plano ante las escenas gore que son las verdaderas estrellas del espectáculo.

Las escenas gore son abundantes y bastante impactantes, lo que no resulta extraño considerando que se trata un film de Lucio Fulci. Hay cortes, extracción de vísceras y mutilación de genitales, entre otras cosas. Curiosamente, una de las escenas más fuertes es la menos gráfica (en dicha, escena el asesino utiliza una botella rota para cortar violentamente los genitales de una prostituta). Para ser sinceros, el equipo conformado por Gianetto de Rossi y los hermanos Rochetti realiza un trabajo bastante dispar. Si bien algunas de las escenas gore llegan a verse bastante realistas, y por ende, bastante repulsivas, otras distan de lograr el efecto deseado. Por otro lado, las escenas de desnudos también son abundantes y muchas de estas pueden ser encasilladas directamente en el llamado softcore. La inclusión de dichas escenas responde al hecho de que Fulci pretende hacerle creer al espectador que los asesinatos tienen una relación directa con el sexo (esta hipótesis solo será comprobada en el último tramo del film). Es precisamente la inclinación del director a mostrar a las mujeres como meros objetos sexuales, y la marcada misoginia tanto del asesino como del mismo Fulci, lo que provocó que mucha gente asegurara que la película era obscena y ofensiva, lo que hasta cierto punto no deja de ser cierto.

En el ámbito de las actuaciones, el elenco realiza un trabajo bastante discreto. Más allá del aspecto interpretativo, el hecho de que muchos de los diálogos sean involuntariamente (o voluntariamente) cómicos, le resta seriedad y credibilidad a los personajes. Por momentos, da la impresión de que ni el Teniente Williams, ni el médico forense a cargo de la investigación, se toman demasiado en serio los asesinatos. Algo similar ocurre con el personaje interpretado por Almanta Suska. Sus repentinos cambios de ánimo y su súbito interés por descubrir la identidad del asesino no terminan de convencer. Es básicamente una heroína improvisada, aunque por lo menos logra captar la simpatía del espectador. Por otro lado, el trabajo de fotografía de Luigi Kuveiller es bastante irregular, ya que si bien logra retratar de buena forma la ciudad de Nueva York y de paso dota a la cinta de una atmósfera enfermiza, existen ciertos pasajes del film que parecieran haber sido sacados de una producción para la televisión. Algo similar ocurre con la banda sonora compuesta por Francesco De Masi, que presenta algunos pasajes realmente atmosféricos, mientras que la canción principal parece haber sido sacada directamente de una serie de televisión setentera de policías.

Uno de los aspectos que más llama la atención de la cinta, es la bizarra voz del asesino. Dicha característica se termina convirtiendo en un arma de doble filo; aunque por un lado ayudó a que la película adquiera cierta notoriedad por lo extraño que resulta presentar a un asesino cuya voz es muy similar a la del Pato Donald, por otro el director se está arriesgando ridiculizar a quien se supone que debe provocarle terror al espectador. Aunque en el tramo final del film, Fulci se asegura de explicar la razón por la cual el psicópata habla como un pato, dicha explicación parece algo forzada, razón por la cual este detalle puede ser visto más como una forma de autorreferencialismo (es cosa de recordar lo hecho por el director previamente en “Don't Torture a Duckling”, 1972). A fin de cuentas, “Lo Squartatore di New York” es otro ejemplo más de la inclinación del director por privilegiar el aspecto visual de sus trabajos, en este caso mostrando escenas de violencia gráfica en contra de mujeres, sacrificando con esto el desarrollo de los personajes y la elaboración de una historia más sólida. En definitiva, estamos ante una película que pese a no tener un guión demasiado coherente o intrigante, logra entretener al espectador ávido de sangre a base de escenas gore bastante impactantes, y un ritmo narrativo irregular pero jamás tedioso.

por Fantomas.

The Thing: Como realizar un remake de forma correcta.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sat, 11 Dec 2010 21:21:59 PST

“The Thing” (1982), es un film de terror y ciencia ficción del director John Carpenter, el cual está protagonizado por Kurt Russell, Wilford Brimley y Keith David.

En la Antártica, los residentes de una asilada base norteamericana encuentran un perro en la nieve que no es lo que parece; de hecho, es una entidad capaz de imitar a la perfección la apariencia de sus víctimas. Solos, asustados y sin poder huir, el desafortunado grupo tendrá que batirse con el monstruo que puede ser cualquiera de ellos.

A fines de los setenta, el productor David Foster conoció en una fiesta al joven productor Stuart Cohen, quien en ese entonces estaba trabajando en televisión y deseaba ingresar al mundo del cine. Unas pocas semanas después, Cohen le presentó a Foster un proyecto que no fue del agrado de este último. Decidido a trabajar con Foster, Cohen contacto al productor nuevamente para ofrecerle realizar una adaptación de la novela “Who Goes There?”, del escritor John Campbell. Rápidamente, Foster le recordó a Cohen que el productor y director Howard Hawks había adaptado aquella novela en 1951. Sin embargo, para sorpresa de Foster, Hawks había realizado una adaptación bastante libre del relato, tomando prestado alrededor del 10% de la historia original. Tras comprarle los derechos del libro a Wilbur Stark, quien había aprovechado la mala situación económica que atravesó la RKO para asegurarse los derechos de una gran número de las cintas más icónicas del estudio, Foster se acercó a los ejecutivos de la Universal para sugerirles que contrataran a John Carpenter como director del proyecto. Para Carpenter esta era su primera colaboración con uno de los grandes estudios, por lo que temía que los ejecutivos no le dejaran desarrollar sus ideas con libertad. Afortunadamente para él, Foster se aseguró de que esto no sucediera.

Si bien Bill Lancaster sería el encargado de escribir el guión del film, sería Carpenter el encargado de retocar algunos detalles, en especial el desenlace original el cual no era del gusto del director. Por otro lado, Carpenter reuniría a gran parte del equipo de filmación con el que había trabajado en “Escape From New York” (1981), y contrataría a Rob Bottin, quien había estado involucrado en la creación de los efectos especiales de “The Fog” (1980), para diseñar a las criaturas que amenazarían a los protagonistas de la historia. Bottin se convertiría en uno de los hombres más importantes del equipo de filmación, ya que gran parte de los 15 millones de presupuesto con los que contaba la cinta se invirtieron en la creación de los efectos especiales. Para Bottin trabajar en esta película significó todo un reto, ya que como las criaturas pueden imitar a cualquier ser vivo, estas debían tener un aspecto único que escapara a todos los clichés del género. Para ayudarlo en su difícil labor, este llamaría a Stan Winston, uno de los creadores de efectos especiales más respetados de la industria. Según el mismo Bottin, llamó a Winston para lograr que su equipo de trabajo sintiera algo de presión, y “porque si tenía que construir otro maldito perro mecánico se iba a volver loco”.

Tal y como se adelanta en la sinopsis, la historia de “The Thing” se desarrolla en torno a los doce miembros de una base norteamericana ubicada en la Antártica, los cuales tras tener un extraño encuentro con un par de miembros de una expedición noruega, de improviso se ven enfrentados a una amenaza casi imposible de detectar; a su base ha llegado un perro que resulta ser una criatura alienígena que puede imitar a la perfección la forma de su víctima, ya sean humanos o animales. A raíz de esto comienza a reinar la paranoia al interior de la base, siendo el piloto de helicópteros R. J. MacReady (Kurt Russell), el encargado de descubrir quién es humano y quién no, antes de que la extraña criatura acabe con la vida de todos, arriesgando incluso el futuro de la humanidad. La gran diferencia que existe entre esta película y la adaptación realizada por el director Christian Nyby (aunque se dice que fue el productor Howard Hawks quien en verdad asumió la dirección de la película) en los cincuenta, es la importancia que le dan los involucrados al peculiar visitante. Mientras que en el film original existía una pugna entre los soldados que querían destruir aquello que veían como una amenaza, y los científicos que consideraban al extraterrestre como un descubrimiento sin precedentes, en la versión de Carpenter todos los involucrados concuerdan en que la criatura es una amenaza que debe ser detenida a todo costo.

En ambas cintas existe una sensación de paranoia, pero es manejada de distinta forma por los directores. Nyby juega con la posibilidad de que la ambición de los científicos termine con la vida de todos los protagonistas, mientras que Carpenter decide utilizar una fórmula propia de un relato de misterio, ocultando la identidad de aquellos que han tenido contacto con “la cosa”, y que por ende no son más que un simple caparazón con forma humana. Mientras más tiempo pasa, los personajes se vuelven más paranoicos y violentos, al mismo tiempo que el espectador no puede evitar dudar incluso de la identidad y las intenciones del protagonista. Por otro lado, mientras el film de Nyby se apoya bastante en los diálogos, Carpenter opta por explotar los silencios, aumentando la tensión a niveles insospechados para luego sorprender con grandes dosis de horror gráfico. Es imposible quedar indiferente antes las criaturas creadas por el ya mencionado Rob Bottin. Jamás llegamos a ver la verdadera forma del monstruo, sino que somos testigos de una buena cantidad de transformaciones incompletas, verdaderos híbridos conformados por las diversas víctimas de “la cosa”, cada una más repulsiva que la otra. Las escenas en las que podemos ver al monstruo, por lo general suelen ir acompañadas de grandes dosis de sangre, lo que las hace aún más impactantes.

En cuanto a los personajes, estos son bastante creíbles aunque en su mayoría no son más que simple arquetipos. Mientras que MacReady es el héroe lacónico, el Dr. Blair (Wilford Brimley) es el hombre sabio, y Childs (Keith David) es el tipo rudo, sólo por nombrar algunos. No llegamos a saber mucho más que sus apellidos y su rol al interior de la base, y ciertamente no llegamos a conocer nada de su pasado. Aunque la unidimensionalidad de los protagonistas suele ser identificada como una de las debilidades del film, la verdad es que gracias al hecho de que cada personaje represente arquetipos clásicos del género del horror y la ciencia ficción, al espectador no le cuesta familiarizarse con cada uno de ellos, llegando incluso a imaginar su pasado y sus motivaciones. Afortunadamente, todo el elenco realiza un estupendo trabajo expresando los miedos de cada uno de los personajes, jugando bastante con la ambigüedad de sus acciones, provocando que aquello que los identifica como humanos o alienígenas sea casi irreconocible. Por otro lado, la banda sonora compuesta por Ennio Morricone si bien no es demasiado utilizada, resulta ser bastante efectiva, al igual que el trabajo de fotografía de Dean Cundey, quien ayuda bastante a aumentar la atmósfera de paranoia y opresión que presenta el film.

La secuencia en la cual se muestra al grupo de noruegos descubriendo la nave en la que ha llegado “la cosa”, es bastante similar a la escena en la que los protagonistas de la cinta original descubren la nave extraterrestre enterrada en el hielo. Si bien esto puede ser considerado como una suerte de tributo por parte de Carpenter a Howard Hawks (es sabido que Carpenter sentía una gran admiración por Hawks), también se le puede dar otra lectura; en cierta medida, el remake funciona como una suerte de secuela de la cinta original, lo que no deja de resultar interesante. ¿Es la versión de Carpenter superior al film de Nyby/Hawks? En algunos aspectos probablemente sí (en especial en el ámbito de los efectos especiales), pero es difícil comparar dos películas que pese a basarse en la misma obra, difieren tanto entre sí. Como mencionaba anteriormente, en la película original se jugaba con la idea de que la ambición del ser humano puede colaborar con la destrucción del mismo, mientras que en el film de Carpenter la amenaza se esconde entre las sombras, manipulando al hombre y sembrando la desconfianza y el caos entre los protagonistas. Al mismo tiempo, se intercambian los roles entre humanos y alienígena; mientras que en el film de Hawks “la cosa” es considerada prácticamente como una "herramienta" por los científicos que desean adquirir fama mundial, en el remake es el humano quien pasa a ser un instrumento para la criatura que quiere escapar de la Antártica y multiplicarse por el mundo. Independiente de las diferencias que presentan las cintas, podemos decir que Carpenter hizo un excelente trabajo en “The Thing”, gracias a que contó con un tremendo elenco, unos efectos especiales que han envejecido de manera sorprendente, un guión sólido e interesante, y a que supo transmitirle al espectador la sensación de paranoia y aislamiento que sufre cada uno de los personajes de este particular relato.

por Fantomas.

Poltergeist: Ellos están aquí.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Thu, 09 Dec 2010 21:16:41 PST

“Poltergeist” (1982), es un film de terror del director Tobe Hooper, el cual está protagonizado por Craig T. Nelson, JoBeth Williams, Beatrice Straight y Heather O´Rourke.

Una joven familia comienza a experimentar sucesos paranormales en su casa. Si bien en un principio los fantasmas parecen inofensivos, con el tiempo la situación se irá tornando más peligrosa, poniendo en riesgo la vida de todos los habitantes de la casa.

Existen una serie de proyectos cinematográficos que han sido desarrollados casi por mera casualidad. Este es precisamente el caso de “Poltergeist”, película cuya autoría ha sido por años un tema de discusión entre los aficionados al cine. A mediados de los setenta, el director Tobe Hooper, inspirado por el film de Robert Wise “The Haunting” (1963), comenzó desarrollar algunas ideas que se centraban en el tema de lo sobrenatural. Por otro lado, mientras rodaban “Raiders of the Lost Ark” (1981), el productor Frank Marshall y el director Steven Spielberg comenzaron a discutir la idea de realizar una película que se centrara en el tema de los fantasmas. La intención era que la historia de dicha cinta se aproximara al tema de lo paranormal de la misma forma en que “Close Encounters of the Third Kind” (1977) lo había hecho con el fenómeno de los ovnis. Fue entonces cuando Spielberg contactó a Hooper, y se encontró con la grata sorpresa de que este último también deseaba rodar una historia de fantasmas. En los pocos ratos libres que Spielberg tenía durante el rodaje de “Raiders of the Lost Ark”, este comenzó a escribir el guión de “Poltergeist” utilizando algunas de las ideas de Hooper, quien posteriormente asumiría como director del film.

El guión final sería rápidamente comprado por la MGM, y Spielberg le ofrecería a Hooper el puesto de director del proyecto. La gran polémica reside en el hecho de que durante años, se ha asegurado que fue Spielberg quien en verdad dirigió la cinta desde la silla del productor. Aunque el mismo Hooper se ha encargado de desmentir esto, también ha reconocido que Spielberg estaba participando activamente en el rodaje del film, ya sea diseñando los storyboards o planteando algunas ideas de cómo debía ser tratada la historia. No es secreto para nadie que tanto Frank Marshall como Spielberg querían que la película obtuviera una calificación PG. Esto según Marshall, se debía que bajo su prisma “las historias de fantasmas debían ser apreciadas por todo tipo de público, ya que a todos nos gusta asustarnos. Además, es bastante fácil aterrorizar ocupando un poco de sangre y gore. El arte se esconde a menudo en lo que no ves”. Esta idea se contradice directamente con lo exhibido por Hooper en las películas gracias a las cuales adquirió fama mundial, lo que hace suponer que gran parte de los rumores son ciertos.

La historia de “Poltergeist” se centra en los Freeling, una familia de clase media que vive tranquilamente en un barrio residencial, y que de un momento a otro se ven enfrentados a una serie de situaciones paranormales que tienen como consecuencia la desaparición de la pequeña Carol Anne (Heather O´Rourke). Si bien la premisa se puede enmarcar dentro del género del horror, la verdad es que durante la primera media hora, la película solo realiza una descripción de la vida en los suburbios. Nos encontramos con una familia más bien joven, donde los padres (Craig T. Nelson y JoBeth Williams) son cariñosos y atentos con sus tres hijos, al mismo tiempo que exhiben una mentalidad más bien liberal ya que en sus ratos libres fuman marihuana para relajarse. En gran medida estamos ante una familia en apariencia perfecta (ya que ciertamente no lo es), donde no existen mayores discusiones o problemas, al punto que los padres jamás cuestionan el extraño accionar de su hija más pequeña, quien no solo habla con el televisor, sino que además asegura que hay fantasmas en la casa. Lo que es aún peor, y que definitivamente le resta seriedad y suspenso al film durante su primera media hora, es la reacción inicial de la madre antes los sucesos paranormales; en vez de poner a resguardo a su familia, decide divertirse con los fantasmas utilizando a su propia hija como sujeto de prueba de un particular experimento.

No pasa mucho tiempo antes de que los acontecimientos que ocurren en la casa de los Freeling tomen un cariz mucho más macabro. Lamentablemente a mi gusto, la transición entre los sucesos paranormales más “amistosos” y lo francamente terrorífico es demasiado abrupta. De sillas que se mueven solas, rápidamente se pasa a árboles que adquieren vida propia y que de paso intentan asesinar al pequeño Robbie (Oliver Robins), y a portales interdimensionales que se abren en medio de la pieza de los niños tragándose literalmente a Carol Anne. Luego de la desaparición de la niña, los padres deciden recurrir a un grupo de parasicólogos liderados por la Dra. Lesh (Beatrice Straight), quien eventualmente deberá pedirle ayuda a una psíquica llamada Tangina (Zelda Rubinstein), la cual es la única persona que puede rescatar a Carol Anne del lugar en el que se encuentra. Evidentemente “Poltergeist” comienza explorando algunos de los temores propios de la infancia (como el miedo a la oscuridad, a las tormentas, y a los “monstruos que habitan en el closet”, entre otras cosas), para luego explotar temores más propios de la adultez, como el miedo a perder a los hijos o los logros de una vida de trabajo. Al mismo tiempo, se le intenta dar un tono más serio al tema de la parasicología mediante la inclusión de científicos que no sólo intentaran descubrir cuál es la fuente de los sucesos que ocurren en la casa de los Freeling, sino que además deben validar científicamente sus descubrimientos.

La película bien podría ser divida en tres actos; el primero considera la presentación de la familia y los primeros acontecimientos paranormales que ocurren en la casa. El segundo comienza tras el “rapto” de Carol Anne y termina con la llegada de Tangina, y el tercero abarca la actuación de la psíquica y la posterior revelación del enigma que encierra el lugar. A medida que avanza la cinta, esta va ganando en suspenso y terror, sin tener que recurrir a prácticamente ningún tipo de violencia gráfica (la única excepción podría ser la escena en donde a uno de los científicos literalmente se le derrite el rostro). En el ámbito de las actuaciones, el elenco en general realiza un estupendo trabajo, destacándose a mi gusto la labor de Zelda Rubinstein y Craig T. Nelson. Por otro lado, la película cuenta con el estupendo trabajo de fotografía de Matthew F. Leonetti, y la tremendamente efectiva banda sonora de Jerry Goldsmith (merecedora de una nominación al Oscar). Por último cabe mencionar que el trabajo de Richard Edlund, quien estuvo a cargo de los efectos especiales, es algo dispar (aunque en aquel entonces recibió una nominación al Oscar por su labor en este film). Si bien hay ciertos efectos que siguen causando una buena impresión hasta el día de hoy, existen otros que claramente han perdido su capacidad de impacto con el paso de los años.

“Poltergeist” también es conocida por la supuesta maldición que se cierne sobre esta película y sus dos secuelas. Se dice que todo comenzó cuando para la famosa escena de la piscina repleta de cadáveres, los encargados de los efectos especiales se dieron cuenta que era más barato utilizar cadáveres reales que unos de utilería. Dicha decisión se traduciría en una supuesta maldición que tendría como consecuencia el asesinato de la actriz Dominique Dunne (quien interpreta a la hija mayor de los Freeling) a manos de su novio, al poco tiempo de estrenado el film. A esto se le sumaría el fallecimiento de la pequeña Heather O´Rourke durante el rodaje de la tercera parte de la saga. Independiente de los rumores acerca de maldiciones, de la discusión de quien fue realmente el responsable de la dirección de la película (aunque es innegable que existen rasgos de la mano de Spielberg), y de los posibles defectos que puede presentar la historia, la verdad es que “Poltergeist” tiene una serie de escenas realmente aterradoras, un par de momentos inolvidables, una historia interesante, buenas actuaciones, y efectos especiales atractivos, elementos que en conjunto terminan convirtiendo a esta película en un clásico del cine de terror por derecho propio.

por Fantomas.