CinemaScope: Una mirada al 7mo Arte

The Night of the Big Heat: La última entrada en la "trilogía alienígena" de Terence Fisher.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Tue, 10 Nov 2009 21:33:13 PST

“Night of the Big Heat” (1967), es una cinta de ciencia ficción del director Terence Fisher, la cual está protagonizada por Christopher Lee, Patrick Allen, y Peter Cushing.

En la británica isla de Fara se están alcanzando máximos de temperaturas, mientras el resto del país está en pleno invierno. Debido al elevado calor, las líneas de teléfono no funcionan, los aparatos eléctricos estallan y la conducta de la gente se ve afectada. Pero lo que en un principio parece ser obra del clima, en realidad es fruto de una invasión extraterrestre, la cual ha elegido la isla de Fara como campo de pruebas de una potencial ocupación.

Como he mencionado en dos artículos anteriores, durante la década del sesenta el director Terence Fisher realizó tres películas de ciencia ficción fuera de la Hammer; “The Earth Dies Screaming” (1964), para la Lippert Films; y “Island of Terror” (1966) y “Night of the Big Heat”, para la Planet Films. Las cintas que componen la llamada “trilogía alienígena” de Fisher, presentarían planteamientos similares y guardarían numerosos puntos en común. En los tres films la acción se desarrolla en pequeños pueblos rurales aislados del resto del mundo, los cuales de un momento a otro, se ven amenazados por entidades de naturaleza desconocida. Además, las tres cintas fueron realizadas con escasos presupuestos y un evidente rechazo por parte de su autor, el cual llegó a declarar “estos films no están entre mis favoritos. ¡Intervenciones extraterrestres en nuestra vida diaria, con un montón de humo y luces raras y nada más en la mayoría de las ocasiones! ¡No hay nada fantástico en eso! No me interesa el futuro. Al contrario, prefiero volver la vista atrás hacia aquellos tiempos en los que la superstición era... más fuerte que nunca, cuando la vida diaria era fantástica”.

“Night of the Big Heat” sería la última incursión de Fisher en el género de la ciencia ficción. El film adapta la novela del mismo nombre de John Lymington, seudónimo que utilizaba el escritor inglés John Newton Chance. Curiosamente, esta novela ya había sido adaptada anteriormente por Peter Graham Scott en 1960, para la serie de televisión “Tv Play of the Week”. En esta ocasión, Fisher nuevamente reclutaría a Peter Cushing, uno de sus colaboradores habituales el cual había participado en su anterior cinta para la Planet Films, “Island of Terror”, aunque a diferencia de dicho film, esta vez Cushing interpretaría a un personaje menor. El gran protagonista de esta película es Patrick Allen, quien interpreta a Jeff Callum, un escritor que ha últimamente ha tenido problemas para continuar con su trabajo, y que de un momento a otro se verá enfrentado a una doble amenaza que puede destruir por completo su vida.

Y es que precisamente la película presenta dos tramas claramente demarcadas. Por un lado tenemos la ocupación de la ínsula por parte de seres de otro mundo y los efectos de esta en el lugar, mientras que por otro lado tenemos la historia de un triángulo amoroso, compuesto por Jeff Callum, su esposa Frankie (Sarah Lawson), y Angela Roberts (Jane Merrow), la amante de Jeff quien ha llegado a la isla con la intención de quedarse con él. Lamentablemente, el componente melodramático de la historia logra dejar por momentos en segundo plano al relato fantástico propiamente tal, entorpeciendo a ratos el ritmo narrativo de la cinta. Es por este motivo, que pese a que la cinta presenta a un científico interpretado por Christopher Lee, la verdad es que la historia prácticamente no se detiene a explorar demasiados conceptos científicos referentes a los supuestos invasores, sino que se concentra en el violento asalto que los habitantes de la isla de Fara sufren a mano de los supuestos habitantes de otros mundos, con el objetivo compensar las pequeñas lagunas narrativas que se forman a causa de la prioridad que se le da al componente romántico.

Al tratarse de una cinta de bajo presupuesto, es evidente que los efectos especiales que presenta esta producción son bastante precarios. Sin embargo, Fisher se las arregla para utilizar esto a su favor. El director se preocupa de ocultar la apariencia de los misteriosos atacantes hasta el último tramo del film, intrigando de esta forma al espectador. Debido a esto, durante gran parte de la película, el director sugiere la presencia de estos seres mediante un particular sonido, que sirve para advertirle a los protagonistas y al espectador que el peligro es inminente. Mientras que los monstruos de “Island of Terror” succionaban la totalidad de la estructura ósea de sus víctimas, los invasores de “Night of the Big Heat” queman por completo a sus víctimas, las cuales en ocasiones incluso llegan a sufrir una suerte de combustión espontánea. Esto se debe a que supuestamente, estas criaturas están compuestas de pura energía, por lo que irradian grandes cantidades de calor (lo que obviamente le da sentido al título del film).

Las actuaciones son en general bastante correctas. El elenco entero realiza un buen trabajo, sobreponiéndose a algunos malos diálogos y a situaciones un poco forzadas. Cushing y Lee con su sola presencia logran darle un poco más de calidad a la cinta, siendo las pocas escenas en las que participan juntos algunas de las más entrañables del film. La banda sonora de Malcolm Lockyer por otro lado cumple con la doble función de remarcar la atmósfera que peligro constante que presenta el film, mientras que en otras instancias deja patente que estamos lidiando con una tormentosa historia romántica. Por otro lado, la fotografía de Reginald H. Wyer presenta algunos problemas de continuidad bastante típicos de la británicas época, donde la noche se convierte en día sin previo aviso. Hay que considerar que gran parte de la historia se desarrolla de noche, por lo que este error puede ser evidenciado en múltiples ocasiones. Por último, cabe mencionar que gran parte de la cinta se desarrolla al interior de un bar, al cual se le saca el máximo provecho posible. “Night of the Big Heat” es probablemente la peor de las cintas que componen la “trilogía alienígena” de Fisher, lo que no significa que estemos ante una mala película. Como había mencionado anteriormente, es el relato del triángulo amoroso lo que en gran medida merma el resultado de la cinta.

La importancia que Fisher le da a este elemento del film, probablemente se deba a que en más de alguna ocasión, el director mencionó que su mayor ilusión era rodar una historia romántica. Lamentablemente, en esta ocasión se queda a medio camino entre un relato de ciencia ficción, y una historia romántica, la cual es tratada desde un punto de vista bastante misógino. Sin embargo, de este triangulo amoroso y de la evidente tensión sexual que este desata, surgen algunas de las buenas ideas presentes en el guión, como aquella de que el calor es el gran responsable de la alteración del comportamiento que empiezan a sufrir los habitantes de la isla. Pese a ser un film menor en la filmografía de Fisher, “Night of the Big Heat” presenta varios elementos que lo convierten en una producción entrañable, más allá de los defectos que esta pueda presentar. Como dato curioso, cabe mencionar que los distribuidores franceses aprovecharon el título de la cinta y parte de su contenido, para rodar con un equipo completamente diferente, una serie de insertos porno para su exhibición en Francia. Al parecer, esta era una práctica bastante habitual en aquellos años. Esto dio pie a una simpática anécdota, que tuvo como protagonistas a Jesús Franco y a Christopher Lee. Según ha declarado en alguna entrevista el director madrileño, residente en París por aquella época, tras tener la oportunidad de ver este remontaje porno, llamó por teléfono a Lee, con el cual ya había trabajado anteriormente, para comentarle en tono jocoso: “Chris, ya he visto la cosa esa porno que has rodado”. Ironías del destino, sería Franco y no Lee, el que años después desarrollaría su carrera dentro de los parámetros del cine para adultos.

*Aunque parece que he puesto un afiche equivocado, la verdad es que en los Estados Unidos la cinta fue estrenada bajo el nombre de "Island of the Burning Damned".

por Fantomas.

Perfect Blue: El precio de la fama.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sun, 08 Nov 2009 19:16:42 PST

“Perfect Blue” (1997), es un thriller animado del director Satoshi Kon, el cual está basado en la novela del mismo nombre del escritor Yoshikazu Takeuchi.

Mima es la cantante de un famoso grupo musical japonés. Ante las bajas ventas de sus discos, el manager decide apartarla, dándole un papel en una serie de televisión. Al poco tiempo comienzan a suceder una serie de hechos que la llevan a replantearse su vida y su carrera. Cuando la serie empieza a emitirse por la televisión, Mima comprueba que la trama comienza a reproducirse en la vida real. Sueño y realidad se confunden hasta el punto de cuestionarse su propia identidad, lo que la tiene al borde la locura.

Cuando la adaptación con actores reales de la novela “Perfect Blue”, del escritor Yoshikazu Takeuchi, se vino abajo luego del terremoto que azotó la ciudad de Kobe en 1995, y que terminó afectando gravemente al estudio en donde esta iba a ser filmada, el dibujante de manga, Satoshi Kon, vió como se le presentaba la oportunidad de dirigir su primer largometraje. Con un presupuesto menor, los productores decidieron filmar una adaptación animada de la novela, con la ayuda de Kon, quien anteriormente había trabajado en parte del guión de la cinta “Memories” (1995), del aclamado director Katsuhiro Ôtomo. Kon, junto al guionista Sadayuki Murai, se encargarían de adaptar de manera bastante libre, los escritos de Yoshikazu Takeuchi. Cabe señalar que si bien la novela “Perfect Blue” fue publicada en 1991, cuatro años después fue reescrita por el autor, y sería publicada bajo el nombre de “If it´s a dream, wake up”. Según el mismo autor, la cinta de Kon presentaría características de ambas novelas, aunque curiosamente el director declaró que solo Sadayuki Murai había leido el trabajo de Takeuchi.

De hecho, gran parte de las diferencias que presenta la cinta con las novelas serían obra del director. Kon declararía en una ocasión: “Yo nunca leí la novela, y la verdad es que no encontré muy interesante el primer guión. Cuando hablé con los productores les dije: ´Si ustedes quieren que me apegue a este guión, yo no quiero participar en este film. Pero si aceptan que realice algunos cambios, participaré en el film´Cuando ellos accedieron a lo que les pedí, acepté el trabajo. La única condición era que mantuviera tres elementos en la historia: un ídolo, el horror, y el acosador. Más allá de eso, pude realizar todos los cambios que quise, por lo que cambié muchas cosas, incluyendo la trama en si”. Algunos años después, sería Yoshikazu Takeuchi el encargado de escribir una adaptación más fiel a su novela, la cual sería filmada con actores reales y sería dirigida por Toshiki Sato.

Lo primero que llama la atención de esta cinta de animación, es la crudeza con la que se relata el cambio de carrera de la joven Mima. El modesto éxito obtenido con su banda musical Cham, ha servido para surja un pequeño grupo de fieles admiradores de la joven, los cuales no harán más que espantarse con el brusco cambio de carrera de Mima. Aunque inicialmente su pequeño rol en el drama psicológico televisivo titulado, “Double Bind”, es poco comprometedor, ella termina siendo coercionada por su avaricioso manager, el cual la empuja a borrar la imagen inocente que el público tiene de ella, para obtener un papel de mayor importancia en la serie. Para esto, tendrá que filmar una cruda escena de violación para la serie que terminará afectándola más de lo que ella se imagina. Por supuesto que esta nueva imagen desata la ira de algunos de sus fans, lo que coincide con unos violentos y misteriosos asesinatos que comienzan a afectar a algunos de los involucrados en la serie de televisión.

Pero este no es el único problema de Mima. Además ha descubierto que existe un sitio en internet llamado “Mima´s Room”, el cual es manejado por un fanático que describe con lujo de detalle el día a día de la joven. Angustiada por esto, y por el hecho de que su imagen es manipulada sin escrúpulos por aquellos que guían su carrera, la protagonista comienza a experimentar lo que aparentemente es un transtorno de identidad disociativo, el cual se vuelve cada vez más grave a medida que avanza la serie televisiva en la cual está trabajando. Es aquí donde nace una de las principales interrogantes de la cinta: ¿Quién es realmente Mima? ¿Es la estrella de pop, la actriz, una joven tímida que le gusta estar encerrada en su casa, o simplemente ninguna de estas descripciones corresponde a su verdadera personalidad? El director juega con el trastorno psicológico de la protagonista, sembrando la duda en el espectador de si es ella quien realmente está cometiendo los asesinatos, o si tan solo es una víctima más de la maquinaría de la industría del consumo.

La idea de que el cine animado solo está dirigido hacia un público más infantil se rompe por completo con esta cinta. Si bien es cierto, el anime en general presenta temáticas más adultas en comparación con la animación occidental, “Perfect Blue” es un film que está por completo dirigido a un público adulto. Kon no duda en mostrar escenas de desnudos, cruentos asesinatos, y una escena de violación la cual pese a ser una “actuación” y presentarse mediante una animación, termina siendo bastante impactante. Al mismo tiempo nos encontramos con un film plagado de momentos surrealistas, donde al espectador va a tener tantas dificultades como la protagonista para distinguir la realidad de la fantasía, aunque al mismo tiempo el director evita caer en excesivas complicaciones. Claramente una de las interrogantes de la cinta es la identidad del asesino, algo que el director maneja de buena manera hasta el momento en el que finalmente se revela su identidad.

En su primer largometraje, Satoshi Kon no solo dirige una cinta con una animación sumamente cuidada, sino que también se las arregla para construir un thriller que bien podría haber salido de la mente de Dario Argento. La banda sonora de Masahiro Ikumi es un perfecto complemento para las crudas imágenes de film, ayudando a crear una atmósfera de paranoia constante. Durante sus 81 minutos de duración, la cinta presenta un ritmo narrativo bastante adecuado, evitando por completo que el espectador caiga en el aburrimiento. Lo importante es que la historia está perfectamente estructurada, donde la motivación de los personajes no solo es realista y creíble, sino que además el director se toma el tiempo para exponer en detalle los conflictos personales de la protagonista. Además presenta las suficientes dosis de supenso como para mantener en constante alerta al espectador. Tal vez lo más relevante de este film, es que Kon por algunos momentos logra que nos olvidemos que se trata de una cinta animada, superando con creces a algunas películas de temáticas similares que son interpretadas por actores de carne y hueso. Sin lugar a dudas, “Perfect Blue” es una cinta de estupenda factura, que aparece como una buena opción al momento de buscar algo diferente dentro del mundo del cine animado.

por Fantomas.

The Cincinnati Kid: Cuando tu vida depende de un juego de cartas.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Fri, 06 Nov 2009 19:47:35 PST

“The Cincinnati Kid” (1965), es un drama del director Norman Jewison, el cual está protagonizado por Steve McQueen, Edward G. Robinson, Ann-Margret, y Karl Malden.

Eric “The Kid” Stoner (Steve McQueen) es un joven y ambicioso as del póquer. La única forma de alcanzar la cima es derrotar al legendario Lancey Howard (Edward G. Robinson), el viejo maestro a quien todos temen. Ambos terminarán enfrentados en una maratónica partida de póquer donde se apostará mucho más que dinero o fichas.

La historia de un joven apostador que desafía al rey indiscutido de las mesas de póquer en Nueva Orleans, donde el actor Steve McQueen tuvo la oportunidad de capitalizar su imagen como un rebelde solitario, debio haber sido plasmada por el director Sam Peckinpah. Inicialmente, el proyecto que lograría reunir al productor ejecutivo Martin Ransohoff, y al siempre controversial Sam Peckinpah, sin duda parecía prometedor. Según el escritor David Weddle, quien escribió la biografía, “If They Move...Kill ´Em!: The Life and Times of Sam Peckinpah”, “cuando Ransohoff comenzó a buscar un director para Cincinnati Kid, su co-productor, John Calley, le insistió que viera el film, ´Ride the High Country´. El productor le hizo caso, y quedó gratamente impresionado. Ransohoff pensaba que Cincinnati Kid era una suerte de western, por lo que pensó que Sam sabría como llevar la cinta. Él estaba interesado en realizar una suerte de duelo con un mazo de cartas. En ese sentido, Cincinnati Kid era casi un western romántico”.

Sin embargo, esta sería una producción problemática desde el inicio. Primero, en la novela original escrita por Richard Jessup, la historia se desarrollaba en St. Louis, escenario que fue cambiado por la colorida Nueva Orleans. Este sería uno de los tantos cambios que sufriría el guión original, el cual sería reescrito en numerosas ocasiones, primero por Paddy Chayefsky, luego por Ring Lardner Jr., y posteriormente por Terry Southern y Charles Eastman. Steve McQueen por su parte, quien sin duda era el actor adecuado para el papel, fue particularmente demante. Él insistió en realizar las escenas de riesgo, y en que la película necesitaba una secuencia de lucha. Además se mostro en completo desacuerdo con el hecho de que Paddy Chayefsky estuviera a cargo de escribir el guión, lo que explica en cierta forma la gran cantidad de guionistas que participaron en la confección de la historia.

En cuanto a la selección del elenco, el proceso fue aún más problemático. Spencer Tracy, quien originalmente había sido seleccionado para interpretar a Lancey Howard, renunció a último minuto debido a desacuerdos salariales, pese a lo mucho que deseaba trabajar con Peckinpah. Para reemplazarlo, los productores contrataron a Edward G. Robinson, quien participa en algunas escenas con su antigua co-estrella en la Warner Brothers, Joan Blondell. Mientras que Peckinpah estaba satisfecho con la contratación de Robinson, Blondell, y gran parte del elenco secundario, se opuso terminantemente a que fueran contratadas Ann-Margret y Sharon Tate para los papeles femeninos protagónicos. Ransohoff, quien en ese momento estaba teniendo una relación sentimental con Tate, eventualmente terminó reemplazándola con Tuesday Weld, pero se rehusó a despedir a Ann-Margret. Las diferencias creativas entre los dos hombres pronto llegaría a un punto de quiebre.

Según Weddle, “Ransohoff pensaba que el centro de la historia era el triángulo amoroso que los guionistas habían construido bajo su supervisión (el personaje de McQueen debe decidirse entre el amor de una “buena” mujer, y su lujuria por una mujer “malvada”). Lamentablemente para él, Peckinpah comenzó a centrarse en el violento mundo en el que el “Kid” habitaba (Nueva Orleans durante la gran depresión), en la sangre fría que requería su profesión, y en los efectos que todo esto estaba teniendo en su personalidad. Él incluso llegó a decirle al productor que quería filmar todo en blanco y negro. Como Ransohoff no quería realizar una cinta completamente realista, lo que se sumaba a los problemas anteriores que había tenido con Peckinpah, tras solo cuatro días de filmación terminó despidiendo al director debido a sus diferencias creativas.

Ransohoff inmediatamente contrató a Norman Jewison, quien dirigió la cinta sin mayores contratiempos. Tiempo después del estreno, Ransohoff declaró que la verdadera razón por la cual Peckinpah fue despedido, fue debido a que el director pasó una cantidad increíble de tiempo filmando una escena de desnudo que involucraba al actor Rip Torn. Más allá de los conflictos internos, “The Cincinnati Kid”, más que centrarse en un juego de cartas, se centra en la lucha entre la juventud y la experiencia. Lancey Howard es un hombre que encuentra respeto donde quiera que va. En el gran señor del póquer, un hombre de mundo, que a logrado todo lo que ha querido durante su vida. El Kid por otro lado juega en una liga completamente diferente; se enfrenta en antros sórdidos a rivales de segunda, que no están dispuestos a perder un par de dólares. La juventud y su deseo de gloria, lo han llevado a dejar de lado las cosas importantes de su vida, para centrarse solo en destronar a Howard, por lo que en el duelo con él, no solo están en juego miles de dólares, sino que también está en juego el sentido de su vida.

La vida de Kid se verá influenciada por variados personajes entre los que se encuentran su novia, Christian (Tuesday Weld), una chica ingenua y sencilla que intenta por todos los medios que él abandone la vida que lo está separando cada vez más de ella. En la vereda contraria se encuentra Melba (Ann-Margret), la esposa de Shooter (Karl Malden), del mejor amigo de Kid, quien responde al prototipo de mujer fatal, la cual es capaz de pasar por encima de todo el mundo si con eso logra obtener algún beneficio. Por último esta el ya mencionado Shooter, un hombre cálido y bienintencionado, pero que su cobardía lo lleva a realizar actos con lo que no está de acuerdo. La película está dividida en dos partes, donde en la primera se nos explican los motivos del protagonista que lo llevaron a escoger la vida que lleva, mientras que la segunda se centra en el tenso juego de póquer. La cinta en sí es una metáfora de como los estándares de felicidad impuestos por la sociedad, rara vez concuerdan con los pensamientos personales. Cuanto estará dispuesto a perder el Kid por obtener el reconocimiento de sus pares, es la gran interrogante que plantea la cinta.

Las interpretaciones son simplemente increíbles. Desde Steve McQueen, pasando por Edward G. Robinson y llegando hasta Ann-Margret, todo el elenco realiza un estupendo trabajo imprimiéndole realismo a sus personajes y a la historia. La película presenta una cuidada fotografía obra de Philip H. Lathrop, donde la ciudad de Nueva Orleans es bellamente retratada. Por otra parte, la cinta cuenta con la estupenda banda sonora de Lalo Schifrin, donde el tema principal del film que es interpretado nada menos que por Ray Charles, es simplemente inolvidable. Norman Jewison mantiene un buen ritmo narrativo durante todo el transcurso de la cinta, y se preocupa de que el duelo entre los dos hombres, el cual es propio de un western, exhude tensión. “The Cincinnati Kid”, es una gran cinta que presenta un estilizado realismo, detalladas subtramas, y una complejidad dramática que atrae sin problemas al espectador. Aunque uno pueda cuestionarse que tan diferente hubiese sido el film con Peckinpah en la silla del director, hay que reconocer que Jewison hizo un estupendo trabajo digno de reconocimiento al que prácticamente no se le pueden realizar objeciones (tal vez el único detalle criticable es una pelea de gallos utilizada para demostrar la naturaleza de Melba).

por Fantomas.

La Coda Dello Scorpione: Misterio en Atenas.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 04 Nov 2009 20:57:22 PST

“La Coda Dello Scorpione” (1971), es un giallo del director Sergio Martino, el cual está protagonizado por George Hilton, Anita Strindberg, Alberto de Mendoza, y Ida Galli.

Kurt Baumer muere en un accidente de aviación. Su esposa, Lisa Baumer (Ida Galli), es la única beneficiaria de un seguro de un millón de dólares. Sin embargo, poco después de cobrarlo ella es asesinada. El principal sospechoso es Peter (George Hilton), un investigador de la compañía de seguros que estaba tratando de esclarecer las causas del siniestro aéreo. Cuando comienzan a aparecer más cadáveres y a escasear las pistas, el comisario Stavros (Luigi Pistilli) confía en llegar al asesino a través del dinero del seguro, el cual ha desaparecido.

Aunque no es tan conocido como Dario Argento o Mario Bava, Sergio Martino fue una figura importante dentro del mundo del giallo, dirigiendo cintas como “All the Colours of the Dark” (1972), “Torso” (1973), o la que hoy nos ocupa, que dicho sea de paso, fue el segundo giallo filmado por el director. En esta ocasión, nos encontramos con todos los elementos propios del género, como el asesino enmascarado y la investigación de los asesinatos por parte de una pareja de civiles, entre otras cosas. Sin embargo, a diferencia de la mayoría de los giallos, Martino prefiere trasladar la acción de Roma, a Londres y Atenas. La verdad es que este no es el único punto en el que este particular giallo logra separarse del resto de las cintas del género. Los guionistas Ernesto Gastaldi y Eduardo Manzanos Brochero optan por utilizar la estratagema utilizada varios años antes por Alfred Hitchcock en “Psycho” (1960), donde la supuesta protagonista es asesinada antes de que finalize la primera mitad de la cinta, lo que ayuda a que el espectador no pueda dar nada por sentado durante el transcurso del relato.

La historia, que comienza con la misteriosa muerte del empresario Kurt Baumer quien fallece en un accidente aéreo (el cual en términos de efectos especiales deja bastante que desear), parece indicar que la investigación de la policía va a rondar en torno al extraño accidente. Sin embargo, a los pocos minutos de iniciada la cinta, la trama de un brusco giro cuando su esposa es asesinada. De un momento a otro, la investigación policial deja de lado el accidente para centrarse en el asesinato de la mujer, y en los motivos que tuvo el asesino para cometer el crimen. Aunque no existe una gran gama de sospechosos, Martino se encarga de incluir elementos distractores que ayudan a acrecentar el misterio principal. Por ejemplo, durante el transcurso del film, en numerosas ocasiones el director nos situa en un pequeño departamento en el cual vive una aeromoza y un hombre de identidad desconocida, que perfectamente puede estar involucrado en los violentos crimenes.

En el ámbito de los crimenes, en general los asesinatos están bien orquestados, donde el asesino utiliza una gama de alternativas para acabar con la vida de sus víctima. Dichas escenas son bastante estilizadas, al punto que Martino logra construir imágenes que son perturbadoras y atrayentes a la vez. Los mejores ejemplos de esto, son las escenas del asesinato del personaje interpretado por Janine Reynaud, quien exhala su último aliento mientras tiene su cara pegada a una de las ventanas de su casa, mientras el asesino continua apuñalandola; y el delirante asalto nocturno que sufre la joven reportera interpretada por Anita Strindberg, en su departamento el cual está bañado en una atmosférica luz verde. Como muchas de las cintas del género, la gama de colores y contrastes que maneja Martino y su director de fotografía Emilio Foriscot, resultan efectivos a la hora de incrementar la atmósfera inquietante que reina en el film. Además existen unas pequeñas dosis de gore, en la que se destaca una sangrienta escena en la que una de las víctimas pierde violentamente uno de sus ojos.

La trama en general es bastante líneal, presentando unos poco agujeros en el guión, los cuales la verdad no resultan ser demasiado importantes, y que probablemente aquellos espectadores familiarizados con el género del giallo sabrán perdonar. Los guionistas se las arreglan para mantener en secreto la identidad del asesino, pese a que a medida que transcurre el film, los sospechos comienzan a ser asesinados uno tras otro, lo que probablemente ayudará a los espectadores más avezados a encontrar la respuesta del enigma antes de que esta sea revelada. Lo que si puede resultar algo críticable, es que a ratos Martino y compañia parecen estar más interesados en centrarse en la relación amorosa de los protagonistas, que en la investigación en si. De hecho, hasta cierto punto, los asesinatos parecen ser una suerte de obstáculo que el director debe sortear con tal de contar la historia que tenía planeada desde un principio.

En el ámbito de los efectos especiales, si bien existen algunos que dejan bastante que desear, como por ejemplo la ya mencionada escena de la explosión del avión, a lo que se suma una escena gore con un pésimo trabajo de maquillaje, al punto que la prótesis utilizada es de un color claramente distinto al color de la piel del actor, quebrando por completo la ilusión que deseaba crear el director, en su gran mayoría logran ser efectivos. Por otro lado, nos encontramos con varias escenas sumamente interesantes en el aspecto visual, como por ejemplo una tensa escena de persecución que incluye una escalera de caracol; la inusual escena filmada en un extraño ángulo, donde la cámara se mueve como si se tratara de un péndulo; o el climático final que se desarrolla en medio del océano. Complementando muchas de estas escenas cuidadosamente orquestadas, se encuentra la más que adecuada banda sonora de Bruno Nicolai, que se encarga de acrecentar la tensa atmósfera que rodea a la cinta.

Las actuaciones en general resultan ser correctas, donde la pareja protagónica interpretada por George Hilton y Anita Strindberg, resulta tener una gran química pese a lo precipitada que resulta ser la relación entre sus personajes. Alberto de Mendoza por otro lado, quien interpreta al misterioso agente de la Interpol, John Stanley, logra que su personaje resulte ser interesante para al espectador en especial por la aparente ambiguedad de su accionar. “La Coda Dello Scorpione” es un giallo que aunque no es de los mejores de su director, resulta ser un film interesante. Pese a las posibles fallas que pueda presentar su guión (algo bastante común en el género del giallo), estamos frente a un giallo inteligentemente relatado, con la suficiente cantidad de sorpresas para mantener interesado al espectador promedio, que probablemente se sorprenderá con el desenlace de la historia. Con fuertes influencias de la ya mencionada “Psycho”, y con alguna referencia a la cinta “Blow Up” (1966), de Michelangelo Antonioni, Martino construye un film con buenas dosis de suspenso el cual vale la pena ver.

por Fantomas.

Escape to Victory: Fútbol, pasión de multitudes.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 04 Nov 2009 20:58:09 PST

“Escape to Victory” (1981), es un drama bélico/deportivo del director John Huston, el cual está protagonizado por Michael Caine, Sylvester Stallone, Max Von Sydow, y Pelé.

Segunda Guerra Mundial, año 1943. Un oficial alemán visita el campo de concentración de Gensdorff. Un grupo de prisioneros se encuentra jugando al fútbol, cuando al Mayor Karl Von Steiner (Max Von Sydow), que fue jugador antes de la guerra, se le ocurre organizar un encuentro entre una selección alemana y un grupo de los prisioneros. Los aliados en un principio se niegan, pero comprenden que puede ser una ocasión única para escapar del lugar, por lo que terminan aceptando el reto

Tras la invasión alemana de la URSS en 1942, algunos jugadores del entonces recientemente disuelto Dynamo de Kiev formaron una pequeña liguilla con la intención de intentar olvidar las penurias que atravesaba la población soviética bajo el control de los nazis. Durante un tiempo, se dedicaron a jugar entre ellos, hasta que los alemanes comenzaron a interesarse en la liga, al punto de que formaron equipos compuestos por soldados destinados en las bases de Kiev para enfrentarse con los equipos locales. Tras ganar varios partidos, en agosto de 1942, el nuevo Dynamo se enfrentó a un plantel de pilotos de la Luffwaffe. Pese a las amenazas de las autoridades alemanas de tomar represalias si no se dejaban ganar, el combinado del Dynamo venció por 5-3 al equipo germano, sin imaginar nunca las consecuencias que esto les traería. Debido a la humillación sufrida, los alemanes además de prohibir la liga, detuvieron a nueve de los jugadores, de los cuales cuatro serían fusilados por las tropas nazis, y el resto sería enviado a campos de concentración.

Este episodio real, sería la base de “Escape to Victory”, cuyo guión sería escrito por Evan Jones y Yabo Yablonsky. Los acontecimientos se ordenarían de la siguiente manera: Un grupo de prisioneros aliados es escogido para jugar un partido contra una selección nazi. Dicho evento, sería utilizado por los alemanes como propaganda en honor al Führer. Para asegurar un resultado favorable, los alemanes propondrían un pacto díficil de rechazar; si los aliados se dejaban ganar, serían puestos en libertad en la frontera Suiza, pero si por el contrario se le ocurría ganar el encuentro, serían inmediatamente fusilados. La historia se cerraba con la victoria de los aliados y el consecuente final trágico. Sin embargo, la productora Lorimar estaba más interesada en filmar una cinta de aventuras con un final feliz, que un drama deportivo como el propuesto inicialmente. Por esta razón, el guión tuvo que ser reescrito por Jones y Yablonsky, los cuales agregaron un intento de fuga por parte de los prisioneros involucrados en el partido de fútbol, el cual estaría respaldado por la resistencia francesa, además de otorgarle un tono más optimista a la historia.

Era evidente que los productores no deseaban tomar más riesgos en una cinta que ya presentaba una historia riesgosa, en el sentido que se centraba en un deporte que tenía un reducido número de seguidores en norteamérica. Con la intención de que el público se identificara un poco más con el relato, los productores contrataron a Sylvester Stallone, quien interpretaría a Robert Hatch, un soldado norteamericano que por circunstancias del destino, terminaría convirtiéndose en el guardameta de la selección aliada. Más allá de esta pequeña imposición, el director John Huston tuvo total libertad para seleccionar al resto del elenco, el cual contó con actores profesionales, entre los que se encontraban Michael Caine y Max Von Sydow, y un gran número de futbolistas profesionales como Pelé y Bobby Moore, entre otros, con lo que se buscaba darle más realismo a las escenas del partido de fútbol. Además, como gran parte de estos jugadores se encontraban retirados, sus físicos eran más acordes a los de un grupo de prisioneros que no disputaban un partido desde hacia años.

La película comienza con el clásico intento de fuga de uno de los prisioneros, algo que es bastante típico en las cintas ambientadas en los campos de prisioneros durante la Segunda Guerra Mundial. De hecho, los guionistas hicieron lo posible por trazar algunos paralelos entre esta historia, y clásicos como “The Great Escape” (1963), incluyendo el ya mencionado plan de fuga, un grupo de oficiales que estaban encargados de planear dicho intento, y un oficial norteamericano rebelde e impulsivo encarnado en la figura del personaje de Stallone, el cual intentaba evocar en parte al personaje interpretado por Steve McQueen. Sin embargo, la historia claramente se centra en el proceso de selección de los prisioneros que formarán parte del equipo de fútbol, y el posterior desarrollo del partido, donde los jugadores tendrán que decidir entre fugarse o intentar exaltar los valores de la resistencia, el honor, y la lucha por la libertad, revirtiendo un resultado desfavorable. También se plantea la idea del deporte como un instrumento de control de masas, más que como un actividad recreativa y gratificante. Para los nazis, este partido no tiene otro objetivo más que intentar transmitirle al mundo el supuesto apoyo de todos aquellos que están bajo su dominio.

En el ámbito de las actuaciones, tanto Michael Caine como Max Von Sydow realizan un buen trabajo interpretando al capitán y entrenador de la selección aliada, y al Mayor Karl Von Steiner respectivamente. Lo que si me parece pertinente mencionar, es que en lo personal la reacción del Mayor con el famoso gol del personaje de Pelé, me resultó bastante irrisoria, aunque dudo que ese haya sido el objetivo del director. De los jugadores profesionales que participan en el film, el que más protagonismo tiene es Pelé, y la verdad es que su actuación deja bastante que desear. No solo no es creíble, sino que sus diálogos tampoco son demasiado memorables. En lo que a Stallone se refiere, su personaje resulta ser bastante molesto y además está mediocremente interpretado. Es sabido que el ego del actor significó más de un dolor de cabeza para gran parte del equipo de filmación. Durante un buen tiempo insistió que debía ser su personaje quien marcara el gol del triunfo, debido a que según él, era el actor más importante del film. Tras convencerlo de lo absurdo que era que el guardameta (que durante el transcurso de la cinta constantemente confunde las reglas del fútbol con las del fútbol americano) fuese quien marcara el gol que definiría el pleito. Finalmente para aplacar el ego del actor, se agrego la famosa escena en la cual ataja un tiro penal.

Pese a las dificultades que supone filmar un partido de fútbol, Huston realiza un buen trabajo, entregando un par de escenas que de seguro han quedado grabadas en la retina de muchos cinéfilos: aquella del gol de “chilena” de Pelé, y la ya mencionada escena del penal que tiene al personaje de Stallone como protagonista. La película presenta el correcto trabajo de fotografía de Gerry Fisher, y la adecuada pero no demasiado memorable banda sonora de Bill Conty. Lo que si resulta destacable la selección de locaciones para el film, el cual se rodó en las modestas calles del Budapest de principios de los ochenta, los cuales conservaban una estética muy similar al Paris ocupado por los nazis. Además, en la capital húngara se encontraba el estadio del MTK, el cual era una vetusta construcción que imitó a la perfección al recinto de Colombes en donde se disputa el partido en cuestión. “Escape to Victory”, no es una cinta perfecta, pero sin duda es una entrada curiosa dentro del cine ambientado en la Segunda Guerra Mundial, la cual cubre sus falencias con momentos de verdadero suspenso y una historia en general entretenida.

por Fantomas.

Porco Rosso: Las aventuras de un cerdo aviador.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 04 Nov 2009 20:58:20 PST

“Porco Rosso” (1992), es una cinta animada del director Hayao Miyazaki, la cual está basada en el manga del mismo Miyazaki, “The Age of the Flying Boat”.

Marco Pagot, más conocido como Porco Rosso, es un ex piloto de la Primera Guerra Mundial que ahora trabaja como caza recompensas en el Mar Adriático. Una maldición le hace lucir en su cara rasgos de cerdo, y las atrocidades que ha visto le han convertido en un ser solitario descreído de todo. Pero una nueva aventura le dará la oportunidad de reconciliarse con su pasado y revivir al héroe que lleva dentro.

“Porco Rosso” originalmente iba a ser un corto de menos de una hora de duración, el cual iba a ser filmado para la Japan Airlines, y que estaba inspirado en el manga escrito por Hayao Miyazaki titulado, “The Age of the Flying Boat”. Sin embargo, al poco tiempo que Miyazaki empezó a trabajar en el proyecto, comenzó a contemplar la posibilidad de realizar un largometraje que presentara un buen número de batallas y humor slapstick, al más puro estilo de uno de sus trabajos anteriores, “The Castle of Cagliostro” (1979). Este cambio de perspectiva surgió en gran medida, debido a la presión de los fanáticos que le pedían al director que volvería a ese tipo de historias. Mientras desarrollaba el proyecto, Miyazaki se dió cuenta que la historia de “Porco Rosso” no podía ser manejada de manera frívola, por la sencilla razón de que él no podía trabajar en algo que no lo motivara mayormente. Es por este motivo que Miyazaki optó por construir un relato que combinara su amor por la cultura italiana, por los porcinos, y por los aviones, además de incluir algunos mensajes políticos y religiosos.

Aunque la mayoría de los trabajos del director combinan algunas de sus predilecciones personales con elementos comercialmente llamativos, el mismo Miyazaki considera que este proyecto en particular es probablemente demasiado personal e incluso autoindulgente. A raíz de esto, evidentemente persisten algunos temas recurrentes del director, como por ejemplo la desilución, la nostalgia, y la crisis de la mitad de la vida. “Porco Rosso”, es una de las pocas películas de Miyazaki en la cual se especifica la época y el lugar en el cual se desarrolla la historia. La historia se centra en la figura de Marco Paggot (cuyo nombre fue dado en honor a un animador italiano que trabajó con Miyazaki a principios de los ochenta), el cual es un héroe de la Primera Guerra Mundial, y que tras el conflicto bélico se instaló en una isla del Mar Adriático. Además existen referencias al ascenso del fascismo en Italia y a la depresión postguerra sufrida en Europa durante la década del veinte, lo que convierte a “Porco Rosso” en la cinta del director que se “apega” más al mundo real.

La historia parece estar fuertemente influenciada por algunos elementos de la era dorada de Hollywood, presentes tanto en las comedias y los melodramas románticos de George Cukor, como en la magnífica cinta de aviación de Howard Hawks, “Only Angels Have Wings” (1939). Al mismo tiempo, “Porco Rosso” presenta diálogos ágiles, heroinas autosuficientes, y un relato bien cohesionado. En el mundo descrito por Miyazaki, la amistad, la caballerosidad, el idealismo, y el amor son más que solo palabras. De hecho el amor es un elemento importante en el film, precisamente por el triángulo amoroso que se da entre Marco, la dueña de un café llamada Gina, y la joven ingeniera aeronáutica llamada Fio. Gina es una mujer madura que ha perdido demasiadas cosas como para no saber que es realmente importante en su vida. Su café es una suerte de refugio para los valores de un mundo pasado los cuales ella representa, como por ejemplo la nobleza y una increíble fuerza interior. Fio en cambio, es una hermosa joven que está comenzando a convertirse en una mujer. Su inocencia y la confianza en sí misma son una inspiración para todos quienes la rodean, en especial para Marco.

La principal interrogante del film es, ¿por qué Marco se convirtió en un cerdo?. Aunque dicha interrogante no es respondida de manera directa por el director, si se entregan algunas pistas que pueden clarificar las razones de esta maldición tan curiosa. En un momento de la cinta, Marco relata su participación en la Primera Guerra Mundial, incluyendo la trágica muerte de todos sus compañeros en una batalla, entre los cuales se encontraba uno de sus mejores amigos, que también era el antiguo marido de Gina. Precisamente, durante esa batalla, Marco termina presenciando como sus camaradas comienzan su viaje al mundo que nos espera luego de nuestra muerte. Tras esta experiencia, Marco se convence de que él no merecía sobrevivir, al punto que menciona que “la gente buena es la que termina falleciendo”. Es por esto que uno puede entender que es el mismo Marco el que ha lanzado la maldición que lo ha conventido en un cerdo. No es más que un castigo gatillado por su sentimiento de culpa, el cual al mismo tiempo expresa un rechazo por aquellas ideologías que lo empujaron a participar en la guerra. Completando esta idea, es importante mencionar que desde la perspectiva del budismo, el cerdo simboliza la imperfección humana, lo que calza perfectamente con la idea que Marco tiene de sí mismo.

“Porco Rosso” además presenta la fascinación de Miyazaki por los objetos mecánicos de todo tipo, donde evidentemente los aviones ocupan un lugar especial en la cinta, pasando a ser casi un personaje más. De hecho gran parte de los aviones que aparecen en el film fueron dibujados tomando como base una serie de modelos reales, siendo la única excepción el avión de Marco, el cual mezclaba el diseño de un avión italiano llamado, Savoia-Marchetti S.M.79, con las ideas de Miyazaki de como debía ser el interior de la nave. Gran parte de las escenas más memorables de la cinta involucran a los distintos aviones que aparecen durante el transcurso de la historia. Un buen ejemplo es la secuencia inicial que implica el secuestro de un grupo de inquietas niñas por parte de una banda de piratas conocidos como Mamma Aiuto, o la lucha entre Marco y el piloto estadounidense contratado para acabar con el protagonista, llamado Donald Curtis (el cual debe su nombre a un modelo de aviones fabricado por la compañia de Glenn Curtiss, y es una suerte de homenaje a la figura del actor Errol Flynn).

En “Porco Rosso” no existen los villanos. Incluso los personajes antagónicos se manejan por códigos de honor y respeto hacia sus pares. Tal vez el gran villano de la cinta es la maquinaria fascista reinante en Italia, la cual es fuertemente criticada por el protagonista y por su amigo el maestro Piccolo, el dueño de un taller de hidroaviones. Los hombres del film en general, podrían ser definidos como niños con el físico de un adulto, los cuales necesitan la guía de alguien más maduro, que en este caso son Gina y Fio. Como es de esperar en los trabajos de Miyazaki, la animación es impresionante tanto a nivel de diseño de personajes y escenarios, como por la fluidez con la que esta se mueve. Como de costumbre, dichas imágenes son acompañadas por la espectacular banda sonora de Joe Hisaishi. La historia deja algunas interrogantes en el aire, destacándose su final abierto, que según Miyazaki, pretende estimular la imaginación del espectador. La mezcla de un humor caricaturesco, animación vigorosa, algunos temas políticos, una historia romántica y ciertos elementos fantásticos, da como resultado esta maravillosa cinta, que demuestra porque el trabajo de Hayao Miyazaki es constantemente elogiado por los entendidos y por los fánaticos del cine de animación en general.

por Fantomas.

The Devil´s Advocate: Ten cuidado con lo que deseas.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 04 Nov 2009 20:58:37 PST

“The Devil´s Advocate” (1997), es una cinta de terror psicológico del director Taylor Hackford, la cual está protagonizada por Keanu Reeves, Al Pacino, y Charlize Theron.

Kevin Lomax (Keanu Reeves) es un brillante y joven abogado, lleno de ambición y grandes sueños. Por eso acepta sin pensarlo mucho un puesto en la importante firma legal dirigida por el enigmático John Milton (Al Pacino), el cual parece esconder un oscuro secreto.

El proyecto de “The Devil´s Advocate” es más antiguo de lo que uno podría pensar. Al poco tiempo después de que el escritor Andrew Neiderman publicara la novela del mismo nombre en 1990, el director Larry Cohen, un habitual del cine serie B, se lanzó a la tarea de adaptar la novela de Neiderman. Luego de que el proyecto estuviera congelado por varios años, tiempo en el cual la Warner pensó en contratar a Joel Schumacher como director y a Brad Pitt como protagonista, el guión terminó llegando a las manos del director Taylor Hackford. Sin embargo, a los ojos de Hackford, el guión era “demasiado serie B”, por lo que le encargó a los guionistas Jonathan Lemkin y Tony Gilroy, que reescribieran por completo el guión, resultando lo que se puede ver en el film. Luego de que el director barajara nombres como Edward Norton, John Cusack y Robert Redford, para los papeles protagónicos, finalmente terminaría contratando a Keanu Reeves y a Al Pacino.

La verdad es que gran parte de “The Devil´s Advocate” podría considerarse más bien un drama judicial que de una cinta de terror. Kevin Lomax es el “abogado del diablo” en el sentido de que, como abogado defensor, por lo general le toca defender a hombres que no pueden justificar sus actos. Hasta alrededor de los 58 minutos de metraje, la cinta se centra en las penas y alegrías del matrimonio conformado por Kevin y Mary Ann (Charlize Theron), desde el momento en que Kevin acepta la proposición de mudarse a Nueva York, e integrarse a un prestigioso bufete de abogados. Debido mayormente a la influencia del hipnótico John Milton, Kevin no tardará en cambiar radicalmente su personalidad, dejando de lado el ámbito familiar, para centrarse en los logros personales y en la defensa de hombres claramente culpables. La falta de ética a favor del éxito profesional, no es una conducta extraña para Lomax, ya que su nuevo trabajo se lo debe en gran medida al hecho de que en el juicio que abre la cinta, optó por silenciar sus principios para así poder defender con éxito a un pedófilo.

Lomax inevitablemente comienza a obsesionarse con su trabajo. y con una de sus compañeras de trabajo, la cual es interpretada por Connie Nielsen. Al mismo tiempo, nos encontramos con que Mary Ann no puede manejar la frustración de no poder tener un hijo, lo que se suma al hecho de que su matrimonio está cada vez más deteriorado. Es en ese momento cuando la esposa de Lomax comienza a tener algunas alucinaciones, las cuales le hacen afirmar que las mujeres de algunos de los abogados de la firma, son en realidad demonios. El director maneja de manera inteligente la condición psicológica de Mary Ann. Debido a su nuevo estilo de vida, el cual le ha traído más penas que alegrías, y a la frustración que siente por no poder tener un hijo, perfectamente todo podría tratarse de un ataque de nervios. Sin embargo, como mencionaba anteriormente, cerca de los 58 minutos de metraje, ocurre el primer suceso que podría ser considerado como sobrenatural, lo que en cierta forma refuerza los dichos de Mary Ann. Cuando uno de los abogados del bufete, Eddie Barzoon (Jeffrey Jones), comienza a tener problemas con John Milton, este es asesinado brutalmente por un par de mendigos, cuyos rostros por momentos se asemejan a los de dos demonios.

Es durante la segunda mitad de la cinta donde la historia se vuelve interesante. Una vez que ya nos es mostrada la verdadera naturaleza de John Milton, el relato se mete de lleno en el campo del horror. El estado psicológico de Mary Ann comienza a deteriorarse rápidamente, al mismo tiempo que sus alucinaciones comienzan a ser cada vez más escalofriantes (siendo la más destacable aquella en la que un bebé supuestamente está sosteniendo los ovarios de Mary Ann). Al mismo tiempo, se dejan en evidencia algunos oscuros secretos, que cambiarán para siempre la vida del joven abogado. Si hay algo que se maneja de manera inteligente durante el transcurso del film, es la noción de que si Lomax es el verdadero responsable de todo lo que le sucede, o es más bien obra del Diablo, el cual opera desde la sombras utilizando a los humanos como marionetas en su siniestro juego. En el grandilocuente discurso final de John Milton, este insiste en el hecho de que el hombre goza del libre albedrío, y es ese mismo libre albedrío el que ha causado que la vida de Lomax se haya caído a pedazos. Aunque no deja de tener razón, uno no podría asegurar a ciencia cierta que el protagonista no haya recibido un pequeño empujón al momento de realizar cada una de las elecciones que lo llevaron a enfrentarse a una situación que escapa de su comprensión.

La calidad de las actuaciones es bastante variada. Si bien Keanu Reeves no es precisamente un gran actor, su falta de expresividad termina por favorecerlo en esta cinta. Al Pacino realiza un estupendo trabajo interpretando a la encarnación del Diablo en la Tierra, teniendo algunos de los mejores diálogos de la cinta, mientras que Charlize Theron proyecta de buena manera la desesperación y el terror de su personaje al darse cuenta de que no tiene a nadie a quien recurrir. Andrzej Bartkowiak realiza un interesante trabajo de fotografía, donde mediante el uso de fotografía en cámara rápida, retrata el paso del tiempo en la historia. La banda sonora de James Newton Howard, es la gran responsable de darnos la sensación de que algo anda mal con el nuevo trabajo y las nuevas amistades de los Lomax, aún cuando en la pantalla todo parezca normal. Especialmente durante la segunda mitad del metraje, se puede percibir una atmósfera inquietante, que va aumentando a medida que nos vamos acercando al final.

“The Devil´s Advocate” puede ser vista como una mezcla entre un relato de John Grisham, y una cinta de terror al más puro estilo de “Rosemary´s Baby” (1968). Aunque en esta ocasión se nos presenta de manera más frontal al Diablo y sus acólitos, durante gran parte de la cinta el espectador solo puede suponer que algo anda mal. Entre los diálogos aparecen un par de citas bíblicas, las cuales en cierta forma pueden ser tomadas como advertencias de lo que finalmente terminará ocurriendo. El film posee un ritmo narrativo irregular, que como mencioné anteriormente, mejora bastante durante la segunda mitad de la historia. Durante la última media hora, el personaje de Al Pacino realiza una serie de complejas preguntas filosóficas, que le imprimen algo más de profundidad al relato, el cual por momentos pierde un poco de consistencia. De todas formas, “The Devil´s Advocate” es una buena cinta, que vuelve un poco a la idea del horror psicológico, el cual en ocasiones logra mejores resultados que el horror gráfico. Si bien hay un par de escenas violentas, estas no son extremadamente gráficas. Con un final inesperado y de cierta forma abierto, esta cinta se alza como una de las buenas entradas del “terror demoníaco” de los noventa, siendo una obra que sin duda vale la pena revisar.

*Con esto pongo fin al especial de octubre. A modo de complemento he subido un artículo del Diablo en el cine en el blog Cinemauniverse.

por Fantomas.

Angel Heart: Una historia de detectives con tintes sobrenaturales.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 04 Nov 2009 20:58:48 PST

“Angel Heart” (1987), es un thriller escrito y dirigido por Alan Parker, el cual está protagonizado por Mickey Rourke, Robert De Niro, y Lisa Bonet.

Harry Angel (Mickey Rourke), un detective privado, es contratado por un estudio de abogados para realizar una investigación para uno de sus clientes, el señor Louis Cyphre (Robert De Niro). Se trata de buscar a un famoso cantante de los años treinta llamado Johnny Favorite, que desapareció durante la guerra de forma misteriosa. Durante su investigación, Angel se topará con una serie de personas brutalmente asesinadas, lo que lo hará temer por su propia vida.

A mediados de los ochenta, el director Alan Parker adaptaría la novela “Falling Angel”, del escritor William Hjorstberg, la cual era una historia de detectives que presentaba algunos elementos sobrenaturales. Magia negra, asesinatos, y tabúes sexuales, son algunas de las cosas con las cuales el detective Harry Angel se topará durante su investigación. Tras terminar el guión, Parker comenzaría a conformar el elenco de la cinta. Para el rol protagónico, el director había pensado en Al Pacino, Jack Nicholson, y Robert De Niro, antes de contratar a Mickey Rourke. Por otro lado, tras considerar brevemente a Marlon Brando para el papel de Louis Cyphre, Parker terminaría contratando a Robert De Niro. Lo que nadie podría adelantar, serían los problemas que causaría la contratación de Lisa Bonet como Epiphany Proudfoot, una joven madre soltera involucrada con rituales vudú. Bonet era conocida por haber trabajado en “The Cosby Show”, por lo que su participación en escenas de sexo empañó de cierta forma el estreno de la cinta y los resultados de la misma.

La cinta ambientada en la década de los cincuenta, comienza presentándonos a Harry Angel, un detective desaseado que parece haberse levantado del lado equivocado de la cama, el cual necesita encontrar un trabajo de manera urgente. Es así como aparece Louis Cyphre, quien le ofrece una gran cantidad de dinero al detective para encontrar a un antiguo cantante famoso que tiene una deuda pendiente con él. Aunque pareciera tratarse de un trabajo sencillo, Angel no tardará en darse cuenta que la figura del cantante esconde un oscuro secreto el cual intenta ser cubierto mediante una serie de macabros asesinatos, los cuales si bien no son presentados de manera gráfica, si son bastante brutales. Es así como durante el transcurso de la historia, el espectador seguirá cuidadosamente al detective mientras este rastrea a las personas que alguna vez conocieron a Johnny Favorite, entre los cuales se encuentran un doctor adicto a la morfina, un guitarrista que alguna vez trabajó junto al cantante, y una mujer de la alta sociedad con un marcado interés en el ocultismo, entre otros.

Eventualmente, el detective conocerá a Epiphany Proudfoot, la hija de la amante de Johnny Favorite antes de la Guerra. Epiphany, es una sexy muchacha de 17 años, la cual luego de la muerte de su madre pasó a ocupar su lugar como sacerdotisa vudú. Entre ambos personajes existe una evidente tensión sexual, la que terminará volcándose en la tan bullada escena de sexo de la película. Si bien dicha escena es gráfica y violenta, es estrictamente necesaria ya que es una de las tantas pistas que el director arroja dentro de la historia para que el espectador intente dilucidar el misterio oculto tras la accidentada investigación de Angel. En dicha escena, las paredes de la habitación de hotel del detective de un momento a otro comienzan a llenarse de sangre. Esto sin duda pareciera advertir que estamos ante una unión prohibida, dominada por fuerzas oscuras e invisibles, que terminará acercando al detective a una verdad que probablemente era mejor que permaneciera oculta.

Y es que Alan Parker nos presenta una película llena de simbolismos que oscilan entre lo sutil y lo grotesco. Hay más de una referencia religiosa presente en la cinta (novicias, iglesias, y distintos tipos de imágenes relacionadas con el catolicismo), además de iconografía satánica y vudú (como la estrella de cinco puntas invertida, una serie de amuletos, los personajes vestidos de negro los cuales ocultan su rostro, y el sacrificio de gallinas). Además, el director presenta objetos comunes como ventiladores y ascensores, como si estos fuesen augurios de la presencia de un siniestro ángel exterminador, y del descenso de las almas al infierno respectivamente. Al mismo tiempo, a medida que los cuerpos se comienzan a apilar, Angel comienza a tener una serie de extraños sueños que parecen tener relación con el caso. Estas imágenes las cuales no parecen tener mucho sentido en un principio, son algunas de las pistas más importantes que presenta el film. De la misma forma, muchos de los diálogos entre los que se incluyen las metafóricas frases de Cyphre, son partes de las claves que se nos entregan para intentar develar que sucedió con Johnny Favorite. Para aquellos espectadores relacionados con este tipo de historias, probablemente será sencillo descubrir el gran secreto de la historia, mientras que el espectador promedio se verá sorprendido por el inesperado giro final.

Las actuaciones en general son estupendas. Mickey Rourke interpreta de buena manera a este detective que debido a sus necesidades económicas, termina involucrándose en un asunto que puede acabar con su cordura y también con su vida. Lisa Bonet también realiza un buen trabajo, el cual lamentablemente es opacado por la ya mencionada escena de sexo. Quien sin duda se roba la película es Robert De Niro y su interpretación del mismísimo Diablo. Según el mismo actor, se inspiró en el director Martin Scorsese al momento de interpretar su papel. La actuación de De Niro es tan realista y escalofriante, que Alan Parker declaró en una ocasión que evitaba al actor durante sus escenas, otorgándole libertad de acción, debido a que se sentía intimidado por su papel. La cinta presenta una cuidada fotografía, obra de Michael Seresin, la cual logra que las calles de Nueva York y Nueva Orleáns parezcan haber sido sacadas de una cinta de terror. Llama la atención saber que el director había pensado en un principio filmar la cinta en blanco y negro, pero el estudio no se lo permitió. Tal vez es por este motivo que la estética de la película sea totalmente monocroma. Por otro lado, durante el transcurso del film se evidencia una inquietante atmósfera, la cual es reforzada por la estupenda banda sonora de Trevor Jones.

“Angel Heart” es una cinta presenta una interesante mezcla de géneros. Si bien comienza como una típica historia de detectives, en la más pura tradición de los relatos de Raymond Chandler, lentamente comienza a mutar en una cinta de terror sobrenatural, convirtiéndose en una propuesta interesante. En muchos sentidos fue una película innovadora para la época, y hoy en día puede verse su influencia en cintas de corte similar. Si bien es una lástima que “Angel Heart” sea famosa por la razones equivocadas, también resulta lamentable que el director haya tenido que cortar algunas escenas debido a la presión del estudio y de los organismos censores de la época. Esto llevó a que existieran tres versiones del film, las cuales varían en la crudeza de algunas escenas, y en la inclusión de flashbacks que relatan lo acontecido con Favorite durante la Guerra. Pese a su ritmo pausado y al hecho de que puede parecer que quedan algunos cabos sueltos, “Angel Heart” es una cinta destacable que presenta más virtudes que defectos, y que merece algo más de reconocimiento que el que tuvo al momento de su estreno.

por Fantomas.

Rosemary´s Baby: Nunca confies en los extraños.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 04 Nov 2009 20:59:07 PST

“Rosemary´s Baby” (1968), es una cinta de terror psicológico del director Roman Polanski, la cual está protagonizado por Mia Farrow y John Cassavetes.

Rosemary (Mia Farrow) y Guy Woodhouse (John Cassavetes) se mudan a un elegante departamento en un edificio antiguo. Al principio todo va bien: la carrera de Guy comienza a mejorar, la pareja de al lado es muy hospitalaria y Rosemary se descubre embarazada. Pero con el tiempo comienza a tener terribles sospechas sobre todos quienes le rodean. Un par de muertes pueden ser accidentales o esconder una conspiración que incluye a su propio esposo.¿Se estará volviendo paranoica o ese feto encierra más de lo que ella cree?

Antes de que fuera publicada la novela “Rosemary´s Baby” del escritor Ira Levin, el director y productor William Castle había logrado comprar los derechos del relato, gracias a la intervención Marvin Birdt, el agente del escritor. Para Castle, un director conocido por utilizar distintos trucos publicitarios para promocionar sus películas, esta era su oportunidad de realizar una cinta de horror adulto con un considerable presupuesto, para así lograr el tan ansiado respeto de sus pares, algo que había estado buscando por años. Sin embargo existía un problema; Castle se había gastado todo su dinero en la compra de los derechos de la novela, por lo que tuvo que buscar un socio que financiara el proyecto. Fue ahí cuando apareció la Paramount, la que además de exigir el cincuenta por ciento de las ganancias, postuló a Roman Polanski como director de la cinta. Pese a que esto significó una gran decepción para Castle, este terminó aceptando el trato y ocupando el puesto de productor.

El proceso de selección del elenco de “Rosemary´s Baby” presentó más de alguna dificultad. Polanski quería que la actriz Tuesday Weld interpretara el papel protagónico, mientras que Castle había pensando en Mia Farrow. Ambos hombres querían a Robert Redford para el rol de Guy Woodhouse, pero las negociaciones con el actor se terminaron cuando los abogados de la Paramount demandaron a Redford debido a un problema contractual relacionado con al cinta “Blue” (1968), de Silvio Narizzano. Richard Chamberlain, Robert Wagner y James Fox, fueron mencionados también como posibles protagonistas. Laurence Harvey había mostrado un marcado interés por el rol, mientras que Jack Nicholson había realizado una prueba de cámara. Mientras tanto, Polanski intentaba convencer a Warren Beatty para participar en el film. Finalmente, sería contratado el actor John Cassavetes. Por otro lado, para los roles de Minnie y Roman Castevet, Polanski había sugerido a Alfred Lunt y Lynn Fontanne, los cuales eran una famosa pareja de actores de Broadway. El director incluso intentó convencer a Castle para que interpretara el papel del Dr. Sapirstein, rol que eventualmente ocuparía Ralph Bellamy (Castle tendría un pequeño cameo en el film, durante la escena en la que una aterrada Rosemary, intenta contactar a su antiguo médico desde una cabina telefónica). Afortunadamente, es difícil imaginar un mejor elenco que el que terminó participando en el film, especialmente en el caso de Mia Farrow, cuya interpretación significó ser una sorpresa para gran parte de la crítica y del público.

La verdad es que Polanski estaba particularmente interesado en la novela de Levin, y le entusiasmaba la idea de adaptarla cinematográficamente, sin embargo de acuerdo a su autobiografía “Roman”: “un aspecto de ´Rosemary´s Baby´ me molestaba. El libro era un thriller sorprendentemente bien construido. Sin embargo, al yo ser un agnóstico, no creía en Satán como el mal encarnado más que en un Dios personal; esto sin duda entró en conflicto con mi visión racional del mundo. Por el bien de la credibilidad de la historia, decidí que era mejor abarcar el relato con cierta ambigüedad, dando a entender que las experiencias sobrenaturales que experimenta Rosemary bien pueden ser causadas por su propia imaginación. La totalidad de la historia, vista a través de mis ojos, puede ser considerada como una cadena de siniestras coincidencias, o un producto de una febril imaginación. Es por ese motivo que un hilo de ambigüedad deliberada corre a través del film”.

Precisamente esa ambigüedad de la que habla Polanski, es lograda mediante el uso de un montaje casi subjetivo, en el cual la cámara acompaña en todo momento a la protagonista, para que de esta manera, el espectador solo conozca con certeza aquellas cosas que Rosemary va descubriendo durante el transcurso de la historia, dejando un halo de duda acerca de que si esos descubrimientos son reales, o no son más que el producto de la imaginación de una cada vez más consternada protagonista. El hecho de que la acción se desarrolle en su mayoría dentro del departamento de los Woodhouse, ayuda a construir una atmósfera opresiva y paranoica, donde tanto Rosemary como el espectador no pueden más que imaginar lo que sucede fuera de las puertas del departamento. El director mediante una serie de acontecimientos, logra sugestionar al espectador y convencerlo de que algo malo está sucediendo alrededor de Rosemary. Es precisamente esto lo que ha llevado a que esta cinta sea considerada como uno de los clásicos indiscutidos del cine de terror; no vemos nada de sangre, nada de monstruos, ni nada de sustos, al menos de manera explícita. Solo vemos a la protagonista, la cual mediante sus reacciones echa a correr la imaginación del espectador.

Demás está decir que las actuaciones son geniales. Mia Farrow logra transmitir la angustia que le produce a su personaje toda la situación que está viviendo, mientras que John Cassavetes realiza un buen trabajo al momento de interpretar el cambio repentino de actitud que tiene Guy Woodhouse. Por otra parte, tanto Ruth Gordon como Sidney Blackmer, quienes encarnan a Minnie y Roman Castevet, logran que sus personajes resulten ser amigables y siniestros a la vez, razón por la cual su sola presencia ayuda a aumentar la tensión de las escenas en las que participan (de hecho, Ruth Gordon ganó un Oscar por su participación en esta cinta). Por otro lado, la banda sonora de Krzysztof Komeda es sencillamente perfecta, y es sin duda una de las bandas sonoras más recordadas del cine de terror. La fotografía de William A. Fraker por su parte, ayuda a intensificar la sensación de que algo anda mal en el embarazo de Rosemary, al mismo tiempo que logra que incluso los escenarios más iluminados resulten tenebrosos y amenazadores. No existe un lugar que parezca completamente seguro, ni las calles de Nueva York, ni evidentemente el departamento de la pareja protagónica.

Pese al hecho de que “Rosemary´s Baby” fue fácilmente la cinta más exitosa en la carrera de William Castle, él no pudo evitar sentir que el film estaba maldito. No solo se le había negado la posibilidad de dirigirlo, sino que también tuvo que sufrir la frustrante experiencia de trabajar con Polanski. La peor parte fue haber sufrido un severo caso de cálculo biliar inmediatamente después de terminada la producción. Castle fue sometido a varios meses de doloroso tratamiento, y eventualmente tuvo que ser sometido a una cirugía. Durante su lenta recuperación, se enteró que el compositor Krzysztof Komeda, había muerto debido a una caída accidental, y poco después de ser dado de alta, recibió la noticia de que la esposa de Polanski, Sharon Tate, junto a cuatro personas más había sido asesinada por la secta de Charles Manson. A esto se sumaba el hecho de que se dice que el líder de la Iglesia de Satán, Anton LaVey, colaboró como consejero de Polanski durante la época en que este estaba recopilando información para confeccionar el guión, y que además participó en la escena donde Rosemary es supuestamente abusada sexualmente (esto obviamente fue negado por todas las partes involucradas). En definitiva, “Rosemary´s Baby” es una de las mejores películas de terror de la historia, cuyo guión, obra de Roman Polanski, recibió una merecida nominación al Oscar. Como sucede con muchas de las grandes películas del género, Polanski logra que lo cotidiano se transforme en algo espeluznante, por lo que no existe lugar alguno que nos de una sensación de seguridad, razón por la cual para el espectador, es imposible anticipar lo que va a suceder en esta atrapante historia.

por Fantomas.

Häxan: Las brujas y el Diablo en la Edad Media.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 04 Nov 2009 20:59:20 PST

“Häxan” (1922), es una cinta muda escrita y dirigida por Benjamin Christensen, la cual está protagonizada por el mismo Christensen, Clara Pontoppidan, y Oscar Stribolt.

Mezclando el documental y la ficción dramática, la película descubre la relación de los hombres de la Edad Media (su actitud y la proliferación de brujos y brujas) con algunas situaciones actuales. Un repaso al mundo del ocultismo, la magia negra y la brujería, a través de varios siglos, para dibujar un panorama fascinante y estremecedor.

“Häxan” es probablemente una de las cintas menos convencionales realizadas durante la época del cine mudo. El film de Benjamin Christensen es un semi-documental acerca de la brujería y los horrores humanos que la rodean. Después de encontrar una copia del libro Malleus Maleficarum (probablemente el tratado más importante que se haya publicado en el contexto de la persecución de brujas durante el Renacimiento) en una librería de Berlín, Christensen pasó dos años (desde 1919 a 1921) estudiando manuales, ilustraciones y tratados acerca de las brujas y la cacería de las que estas fueron victimas. El director luego obtendría fondos de la Svensk Film, para reformar los estudios Astra en Dinamarca, lugar donde finalmente filmaría la cinta que terminaría siendo la película muda más costosa de la historia del cine escandinavo.

A través de los siete capítulos que conforman el film, Christensen nos irá relatando la historia de la brujería en Europa, específicamente durante la Edad Media, realizando al final un paralelo con ciertos hechos de la actualidad. Hace cientos de años, existía una fuerte creencia en el Diablo y en su influencia en la sociedad, lo que quedó plasmado en distintos formas de arte a través de los años. Durante los oscuros años de la inquisición, la población europea estaba fuertemente comprometida con el cristianismo y aceptaba que la Tierra era el centro del Universo. Lamentablemente, la fe en Dios no ayudó a prevenir que ridículas supersticiones inundaran la mente de la sociedad de la época, sino que todo lo contrario, terminaron incrementando su miedo al Diablo y a sus supuestos lacayos. El primer capítulo de la cinta, es precisamente una suerte de clase que intenta explicarnos mediante ilustraciones, lo que se creía que era el infierno y el accionar de las brujas. Es así como se nos presenta un infierno en el que pequeños demonios se encargan de atormentar a aquellas almas que han caído en sus dominios, ya sea quemándolas en ardientes calderos, o dejándolas a merced de un siniestros dragones.

Ya desde el segundo capítulo hacia adelante, la cinta rápidamente evoluciona a una serie de dramatizaciones donde la brujería es obviamente el tema central. Es así como el director nos muestra su visión de como las brujas se juntaban en guaridas secretas, utilizando calderos en los cuales realizaban sus pociones mágicas, y como estas supuestamente funcionaban. Más temprano que tarde, aparece el Diablo (Benjamin Christensen), en una de sus formas más genéricas, con largos cuernos y enormes garras, seduciendo a hermosas doncellas durante sus sueños. Desde este punto, la audacia del director comienza a sufrir una franca escalada. Podemos ver monjas corriendo de un lado a otro completamente descontroladas, brujas besando literalmente el trasero del Diablo, y diversas escenas mostrando las lascivas conductas de las brujas. A diferencia de otras cintas en las cuales los demonios y las brujas, y los sacerdotes con las monjas, son presentados como representantes del mal y el bien respectivamente, en “Häxan” la línea divisora entre religiosos y herejes es bastante más delgada, presentando por momentos a las “brujas” como víctimas y a los religiosos como crueles victimarios.

Una vez que el fantasmagórico mundo de la brujería es establecido, Christensen comienza a retratar las horribles historias de persecución de las brujas. Es así como el espectador debe asistir a los terribles actos de tortura a los que eran sometidas aquellas mujeres que se pensaba que eran brujas. El director no solo nos muestra algunos de los instrumentos de tortura utilizados en aquellos tiempos por los inquisidores, sino que también mediante una dramatización nos relata la secuencia de acontecimientos que van desde el momento en que una mujer es acusada de brujería, hasta cuando esta es sentenciada a la hoguera. En este contexto, Christensen establece que en aquellos oscuros años un simple aspecto envejecido y taciturno era suficiente para condenar a la hoguera a una vieja costurera que nunca le ha hecho mal a nadie. Al mismo tiempo, el director nos muestra como fue que esta barbarie se extendió con tanta facilidad en los países cristianos europeos. La anciana despechada por haber sido condenada injustamente, se vengará de la familia que la acusó, incriminándolos también a ellos, prolongando con esto el cruento accionar de los inquisidores.

A medida que transcurre la cinta, uno termina dándose cuenta que los inquisidores y los integrantes de la Iglesia Católica, no están demasiado alejados de los satanistas que persiguen. En las escenas de tortura y enjuiciamiento de las brujas, se evidencia como los encargados de dictar las sentencias parecían sentir una cierta cuota de placer con el sufrimiento de las mujeres señaladas como seguidoras del Diablo. Por otro lado, en una de las secuencias de la cinta, somos testigos de cómo un joven monje termina pidiéndole a uno de sus compañeros que lo azote con un látigo para acallar los lujuriosos pensamientos desatados en su mente por la visita de una joven doncella al monasterio. Este es uno de los tantos ejemplos que presenta el film, de que los miembros de las órdenes religiosas son tan proclives a caer presa de las “fuerzas satánicas” como los campesinos ignorantes. Lo mismo sucede en otra secuencia, en la cual supuestamente el Diablo penetra un convento, hechizando a una de las monjas, la que terminará cometiendo actos sacrílegos antes de “contagiar” al resto de las monjas del convento, las cuales terminaran perdiendo por completo su cordura.

En el último capítulo de la cinta, Christensen terminara ligando la brujería con algunos trastornos psicológicos actuales. Es así como se explica que trastornos tales como el sonambulismo, la cleptomanía y la piromanía, probablemente pudieron ser tomadas como signos de posesión demoníaca en la Edad Media. Si bien este capítulo resulta ser interesante, en cierta medida quebranta la mística lograda por el director en los anteriores episodios. El gran mérito de “Häxan” es que integra hechos, ficción, realidad objetiva, alucinaciones, y distintos niveles de representación, en un interesante discurso en primera persona. En los intertítulos, el director constantemente deja en claro que mucho de lo que estamos viendo nace de su propia interpretación de los hechos que estudió durante dos años. En el aspecto visual, “Häxan” resulta ser una cinta impresionante para la época. El film cuenta con la cuidada fotografía de Johan Ankerstjerne, la cual además de construir una atmósfera onírica, termina transformando escenas relativamente simples en algo bastante especial. “Häxan” debido a su tono juguetón y a su mirada más bien subjetiva, presenta algunos problemas como documental, funcionando mejor como una cinta de terror. De todas maneras, se trata de un film realmente sorprendente que bajo su estudio acerca de las brujas y las fuerzas demoníacas, se esconde un discurso moral que habla acerca de la discriminación y el lado más oscuro de la mente humana, que sigue siendo aplicable hasta el día de hoy.

por Fantomas.

The Omen: El Anticristo camina entre nosotros.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Tue, 20 Oct 2009 22:04:18 PDT

“The Omen” (1976), es un film de horror/suspenso del director Richard Donner, el cual está protagonizado por Gregory Peck, Lee Remick, David Warner, y Harvey Stephens.

Luego de que Kathryn (Lee Remick) da a luz a un niño muerto, su marido, el diplomático Robert Thorn (Gregory Peck), sin que ella se dé cuenta de nada, acepta la propuesta que le hace un sacerdote del hospital: hacerse cargo de otro recién nacido cuya madre acaba de fallecer y educarle como si fuera suyo. Poco a poco, sin previo aviso, comienzan a suceder cosas extrañas e inexplicables, todas relacionadas con el pequeño: una niñera que se suicida, un ataque de histeria en una iglesia, una serie de fotografías que presagian futuras muertes. Al final, aterrado por los acontecimientos, Robert acaba convenciéndose de que su hijo Damien (Harvey Stephens) podría ser el mismísimo Anticristo anunciado en las Profecías del Apocalipsis.

Tras el éxito de “The Exorcist” (1973) de William Friedkin, fueron lanzadas una serie de películas que abordaban el tema del Diablo y sus discípulos. Una de las más recordadas, es precisamente la cinta que hoy nos ocupa. La idea original de “The Omen” se le atribuye a Robert Munger, quien acabaria siendo asesor religioso del film. En una comida con el productor Harvey Bernhard, Munger realizó la siguiente reflexión: ¿Qué ocurriría si el anticristo hubiera nacido en la actualidad y fuese un niño? Emocionado por el tremendo potencial de la idea, Bernhard inmediatamente escribió un borrador de diez páginas que le entregó al guionista David Seltzer. Tras un periodo de documentación de tres meses, Seltzer redactaría en cuatro semanas el guión de “The Omen”, el que sería rechazado por todos los grandes estudios hasta que cayó en las manos del director Richard Donner, quien terminaría hablando con Alan Ladd Jr., que en aquel entonces era el encargado del departamento creativo de la Fox. Una semana después, comenzaría el proceso de preproducción de la cinta.

Al igual que otras películas que han lidiado con temas demoníacos, “The Omen” tiene la reputación de ser una “cinta maldita”. Diversos sucesos avalan esta teoría, como por ejemplo: un rayo golpeó el avión en el que viajaba Gregory Peck mientras se dirigía a Londres a filmar la cinta. Al poco tiempo después, otro rayo golpearía al avión en el que viajaba el guionista David Seltzer. Los Rottweilers utilizados en el film terminarían atacando a sus entrenadores, y el hotel donde se hospedaba el director Richard Donner, fue objeto de un atentado terrorista. Además, un día después de que terminaran las filmaciones en el zoológico, uno de los guardias del lugar fue asesinado por un león. Tal vez la coincidencia más escalofriante, fue que David Warner, cuyo personaje muere decapitado por un vidrio en el film, más tarde sufriría un accidente automovilístico junto a su esposa, quien sufriría un destino similar a causa de un vidrio. Más allá de estas extrañas coincidencias, resulta curioso que muchas de las cintas que tocan tópicos relacionados con el Diablo parecen arrastrar oscuras maldiciones, las cuales terminan despertando el morbo del espectador, ayudando a acrecentar su interés por el film.

“The Omen” es una película que seduce al espectador desde el inicio mediante una oscura trama, en la cual un trágico acontecimiento desatará el efecto dominó que terminará destruyendo el mundo en el que se desenvuelve la familia Thorn. Todos los acontecimientos que rodean la muerte del primogénito de Thorn, establecen la atmósfera inquietante que domina la historia. Una vez que la familia Thorn se muda a Londres, el oscuro inicio parece diluirse dando paso a una placentera cotidianidad, la cual queda plasmada mediante una secuencia de fotografías que retratan el crecimiento del pequeño Damien. Sin embargo, la oscuridad retornará durante la fiesta que celebra los cinco años del infante. En una escena que se asemeja bastante a la escena del cumpleaños de la cinta, “The Birds” (1963), de Alfred Hitchcock, Donner utiliza a un amenazador perro negro para dar la sensación de que algo anda mal. Esta sensación será reafirmada con la macabra muerte de lo que parece ser una niñera trastornada, lo que dará inicio a una serie de extraños acontecimientos.

La verdad es que a partir de ese momento, bien podríamos decir que las fuerzas del Mal parecen haber sido desatadas. Además de la presencia del Rottweiler, aparece la siniestra señora Baylock (Billie Whitelaw), quien oficiará de niñera del pequeño. La naturaleza de la señora Baylock nunca es revelada lo que la convierte en una figura bastante aterradora. Si bien podría ser parte de una secta satánica, también podría ser un demonio que se esconde utilizando una forma humana. Será ella la encargada de desatar la maldad que se esconde en el interior del pequeño Damien. Tras su llegada, comienzan a ocurrir extraños fenómenos. El primero ocurre durante una visita a un safari-zoo, donde unos mandriles parecen volverse literalmente locos con la presencia de Damien, lanzándose iracundos contra el vehículo en el que se encuentra junto a su madre (en dicha escena, los mandriles realmente se descontrolaron, por lo que la cara de terror de la actriz Lee Remick es real). A esto se le sumarán la descontrolada reacción de Damien cuando intentan que ingrese a una Iglesia, y una serie de fotografías que parecen presagiar el trágico destino de los involucrados en la historia.

Todos los trágicos “accidentes” que suceden alrededor de Robert Thorn y su familia, son manejados con una interesante ambigüedad. ¿Se trata de macabras coincidencias o hay algo oculto entre las sombras que maneja el destino de los involucrados en la trama? Lo mismo sucede con la supuesta naturaleza demoníaca de Damien. Si bien Donner busca que el espectador crea en la existencia del Diablo (cosa que logra con creces), al mismo tiempo trata de estipular que perfectamente todo puede producto de la imaginación de los protagonistas, quienes se han visto mentalmente afectados por lo extraños sucesos a su alrededor. Esta sensación de ambigüedad es remarcada con el protagonismo que toma el fotógrafo Keith Jenning (David Warner) y del sacerdote Brennan (Patrick Troughton), donde el primero parece ser un burdo estafador, mientras que el segundo parece ser un fanático religioso evidentemente desequilibrado. El director no solo juega con la mente de los protagonistas, sino que también con la del espectador, presentado a una amenaza omnipresente que en cualquier momento puede decidirse a acabar con aquellos que amenazan sus planes. Es gracias a esto, y a la noción de que la encarnación del mal es nada menos que la figura de un “inocente” niño, que Donner consigue que la cinta presente una tensión constante, atrapando al espectador de principio a fin.

Las actuaciones juegan un papel importante al momento de dotar de credibilidad al film. Todo el elenco realiza un estupendo trabajo, en especial Gregory Peck quien se lleva en gran medida el peso de la cinta. Cabe destacar la química que se produce entre la dupla encargada de llevar la investigación acerca de la verdadera naturaleza de Damien, compuesta por Peck y David Warner. Durante dicho tramo del film, pese a que el espectador está enterado de más cosas que los protagonistas, el ritmo del relato no decae gracias a los toques de terror que el director intercala con la investigación internacional que llevan a cabo Thorn y compañía. Mención aparte se lleva la interpretación del pequeño Harvey Stephens, que gracias a su participación en el film se transformó en uno de los rostros más amenazadores que se han visto en el cine de terror. Por otra parte, la fotografía de Gilbert Taylor es espléndida, al igual que la banda sonora de Jerry Goldsmith, la cual además de marcar la atmósfera de cada una de las escenas en las que es utilizada, es uno de los trabajos más conocidos del compositor, por el cual obtuvo un premio Oscar.

Aunque no presenta una gran cantidad de muertes, las pocas que aparecen en “The Omen” son lo suficientemente ingeniosas y macabras como para satisfacer a los fanáticos del cine de terror. Si bien el director hace un estupendo uso de escenarios realmente escalofriantes como por ejemplo el cementerio etrusco donde Thorn y Jennings esperan encontrar a la verdadera madre de Damien, al mismo tiempo Donner es capaz de dotar de un aire amenazador a escenarios completamente inocentes, incluso a plena luz de día (un buen ejemplo de esto la escena en el parque protagonizada por el sacerdote). “The Omen” es la mezcla perfecta entre horror y thriller psicológico, y entre lo real y lo sobrenatural. A más de tres décadas de su estreno, sigue manteniendo la capacidad de aterrar al espectador mediante una historia completamente creíble. Las posteriores secuelas y el reciente remake no lograron hacerle justicia al film original, el que a mi gusto es posiblemente la mejor película de terror demoníaco de todos los tiempos.

por Fantomas.

The Black Cat: Karloff y Lugosi en un enfrentamiento hasta la muerte.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Mon, 19 Oct 2009 00:10:07 PDT

“The Black Cat” (1934), es un film de terror del director Edgar G. Ulmer, el cual está protagonizado por Béla Lugosi y Boris Karloff.

Una pareja de recién casados (Julie Bishop y David Manners) que se encuentran disfrutando de su luna de miel, conocen a un misterioso hombre llamado Vitus Werdegast (Béla Lugosi), que ha pasado los últimos quince años en prisión. Tras tener un accidente automovilístico, los tres tendrán que pernoctar en el hogar del arquitecto Hjalmar Poelzig (Boris Karloff), un antiguo conocido de Vitus que esconde más de algún oscuro secreto.

En 1934, tras conseguir la aprobación de la cabeza de los Universal Studios, Carl Leammle Jr., el director Edgar G. Ulmer comenzó a trabajar en la película que reuniría por primera vez a las dos más grandes estrellas del cine de terror de la época, Béla Lugosi y Boris Karloff. La idea que sería la base del film se gestó mientras el director trabajaba en “The Golem” (1920). En ese entonces, Ulmer conocería al novelista Gustav Meyrinck quien estaba contemplando una obra basada en Doumond, una fortaleza francesa que fue destruida por los alemanes durante la Primera Guerra Mundial. El comandante de dicha fortaleza, se decía que era un hombre extraño que tuvo que ver como todos sus compañeros fueron asesinados, y que terminaría volviéndose loco tres años después de dicho suceso. Ulmer y el guionista Peter Ruric, tomarian este relato, y lo combinarian con unos reportes realizados por una joven pareja, los cuales supuestamente habían tenido un encuentro con el culto satanista del británico Aleister Crowley, dando de esta forma vida al guión de “The Black Cat”, cuya única similitud con el relato del mismo nombre del escritor Edgar Alan Poe, es precisamente el título.

Aunque Ulmer gozó de una cierta libertad creativa durante la realización de la cinta, la Universal le cedió solo un tercio del presupuesto utilizado por otros films de horror de la época ($96.000 dólares), como por ejemplo “Dracula” (1931) o “Frankenstein” (1931), y le dió un plazo de quince días para filmar la cinta. Gracias a la habilidad de Ulmer para crear films de increíble factura técnica con escasos presupuestos, “The Black Cat” parece haber sido realizada con el doble del presupuesto con el que realmente contó. Aunque Lugosi y Karloff tienen la misma cantidad de minutos en pantalla, la Universal le pagó a Karloff $7.500 dólares por participar en la cinta, mientras que a Lugosi solo le pagó $3.000. Resulta irónico que Lugosi, la primera gran estrella del género del horror, haya pasado a segundo plano durante la realización de este film. Resulta incluso más irónico, el hecho de que David Manners haya recibido un sueldo mayor al de Lugosi, pese a haber trabajado cuatro días menos que el mítico actor.

Al inicio del film, el personaje de Lugosi explica como ha ido a parar a la cárcel; durante la guerra, el fuerte que defendía junto a sus compatriotas, fue destruido por el ejército enemigo, provocando una matanza indescriptible. Una vez capturado por los invasores, él sería enviado durante 15 años a una prisión, lugar donde su alma sería destruida por completo. Precisamente, el escenario donde se desarrolla la historia, el Castillo Poelzig, fue construido sobre las ruinas del fuerte donde fue tomado prisionero el Dr. Werdegast. Como si se tratara de una macabra coincidencia, Werdegast y la pareja de recién casados que lo acompaña, son víctimas de un accidente automovilístico en las cercanias del hogar de Poelzig, por lo que no les queda más remedio que buscar ayuda en el sinietro caserón. Una vez que el grupo se encuentra confinado entre las paredes del Castillo de Poelzig (quien no solo es el responsable de la muerte de los antiguos compañeros de Werdegast, sino que además se quedó con la esposa y la hija de este último), comenzará una batalla mental entre los dos hombres, donde la joven pareja de amantes es utilizada como peones en un mortal juego de ajedrez entre el sinietro Poelzig y el vengativo Werdegast.

En gran medida, el elemento clave de la historia es la muerte. Durante todo el transcurso de la cinta, existen distintas referencias a la muerte, algunas más gráficas que otras. El personaje de Karloff por ejemplo, tiene ciertas tendencias necrofílicas que quedan en evidencia una vez que somos testigos de la macabra colección de cuerpos femeninos que esconde en el sótano de su casa. Su comportamiento es perversamente erótico al momento de describir a los cuerpos que componen su galería en honor a la muerte y a la perversión. El climax de la obsesión de Poelzig con la posesión de los muertos, ocurre durante su celebración de la Misa Negra. Religiosamente, Poelzig prepara el ritual estudiando los “Ritos de Lucifer”, para luego aparecer tras un altar satánico, vistiendo una larga toga, con la cual recibe a sus compañeros ocultistas, los cuales se disponen a sacrificar a una mujer en honor a su oscuro maestro. En cierta medida, Poelzig no es más que la encarnación del Diablo. De hecho, es él quien en un pasaje de la cinta afirma que es la “encarnación viviente del mal”.

Durante prácticamente todo el transcurso de la historia, existe una lucha de poderes entre Poelzig y Werdegast, la cual concentra gran parte de la tensión que presenta el film. El personaje de Lugosi si bien podría ser considerado como el héroe de la historia, no es un personaje completamente inocente. Consumido por la venganza y los fantasmas de sus antiguos camaradas, terminará mostrando el lado más perverso de su personalidad en el tramo final de la cinta, cuando intenta llevar a cabo su cruenta venganza al mismo tiempo que trata de ayudar a la joven pareja a escapar. En gran medida, el castillo de Poelzig es un pasaje al infierno, donde todo aquel que pone un pie al interior de ese lugar, no solo desata sus más oscuros deseos, sino que termina compartiendo el destino de los cientos de hombres que algunas vez habitaron ese lugar. La atmósfera onírica e inquietante que rodea el castillo, es lograda gracias al estupendo diseño de producción realizado por el mismísimo Ulmer, el cual optó por dotar de un diseño futurista al tenebroso lugar. Dicha atmósfera es complementada por la banda sonora de Heinz Roemheld, la cual es utilizada de manera prácticamente continua, creando la sensación de que nuestros protagonistas se encuentran en constante peligro.

“The Black Cat” fue producida poco antes de que el famoso Código de Producción tomara control de la industría cinematográfica. Gracias a esto, Ulmer pudo incluir una serie de referencias al satanismo que probablemente algunos años después hubiesen sido censuradas. Pero además, el director toca temas tan controversiales como la violación, el incesto, y la ya mencionada necrofilia. Cuando el primer corte de la cinta fue visto por por los jefes del estudio, ellos quedaron realmente sorprendidos con los horrores que Ulmer había creado. Al mismo tiempo, Lugosi no estaba satisfecho con el hecho de que nuevamente le había tocado interpretar a un personaje tan malvado, el que no se diferenciaba en gran medida con su contraparte. Por este motivo, Ulmer accedió a filmar nuevas escenas las cuales tenían como objetivo retratar al personaje de Lugosi como una persona más humana, el cual se preocuparía de salvaguardar a la joven interpretada por Julie Bishop. Sin embargo, Ulmer también aprovecharía estos cambios impuestos, para filmar gran parte de las escenas más controversiales del film, como la ya mencionada misa negra.

Las actuaciones en general son estupendas. Lugosi interpreta con maestría al Dr. Werdegast, un hombre que se debate entre el bien y el mal, y entre la sanidad y la cordura. El actor es capaz de transmitir con sus ojos, lo mismo que transmite a través de sus potentes monólogos. Karloff por su parte, domina todas las escenas en las cuales participa, demostrando que su personaje no busca redención alguna. Su vestimenta y su maquillaje ayudan a dar la impresión de que estamos frente al verdadero señor de las tinieblas (tal vez por esa razón esta cinta fue titulada como “Satanás” en España). Como dije anteriormente, Ulmer realiza una cinta de gran calidad con un escaso presupuesto. Con una fotografía que toma prestado bastante elementos del expresionismo alemán, “The Black Cat” es una estupendo film de terror, que durante sus 65 minutos de duración, logra atrapar al espectador en una vorágine de muerte y locura.

* Aunque técnicamente no aparece el Diablo en esta cinta, decidí incluirla en el especial de Halloween por sus referencias al satanismo.

por Fantomas.

The Exorcist: Solo la fe nos salvará.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Fri, 16 Oct 2009 21:15:50 PDT

“The Exorcist” (1973), es una cinta de terror del director William Friedkin, la cual está protagonizada por Ellen Burstyn, Linda Blair, Jason Miller, y Max von Sydow.

Mientras la actriz Chris MacNeil (Ellen Burstyn) se encuentra filmando una cinta en Georgetown, su hija Regan (Linda Blair), una niña de doce años, comienza a tener bruscos cambios de personalidad que parecen no tener respuesta. Desesperada, su madre recurre donde el sacerdote Damien Karras (Jason Miller), quien se encuentra en medio de una crisis vocacional, para que este acepte realizarle un exorcismo a la niña.

En 1971, el escritor William Peter Blatty publicaría la novela, “The Exorcist”, la cual estaba basada en un extraño incidente que tuvo lugar en Mt. Rainer, Maryland, en 1949. Al parecer, durante sus días de estudiante en la Georgetown University, Blatty encontró unos periódicos que presentaban un par de reportajes acerca de un supuesto exorcismo que se le había efectuado a un adolescente. Los hechos que rodearon este caso y otro incidente de posesión demoniaca ocurrido en Earling, Iowa, en el año 1928, serían la base que utilizaría Blatty para escribir su exitosa novela. Sería el mismo Blatty quien se encargaría de escribir el guión de la cinta, que sería dirigida por William Friedkin, pese a que este no era la primera opción de los ejecutivos de la Warner Bros. El estudio intentó obtener primero los servicios de Stanley Kubrick, Peter Bogdanovich, John Boorman, y Arthur Penn, quienes se negaron por distintos motivos, los cuales iban desde el desinterés por dirigir una cinta de horror, hasta la noción de que la historia presentaba demasiada crueldad infantil.

En cierta forma, todos estos directores se evitaron una gran cantidad de problemas al negarse a participar en la cinta. “The Exorcist” no solo causó una gran controversia debido a su temática, provocando que comunidades religiosas, críticos de cine, y espectadores debatieran acerca del contenido del film, sino que también estuvo plagada de problemas tras las cámaras, las cuales dificultaron bastante el proceso de filmación. Por ejemplo, Jack MacGowran, quien interpreta a Burke Dennings, murió una semana antes de completar sus escenas para la película, lo que explica su destino en la historia. El hermano de Max von Sydow por otra parte, falleció la misma semana en la que el actor había arribado a Nueva York para filmar sus primeras escenas. El hijo de Jason Miller por su parte, sería atropellado en la playa por un motociclista, quedando gravemente herido. A todo esto se sumó el incendio que terminó con gran parte de los sets que constituían la residencia de las protagonistas (misteriosamente solo se salvó la habitación de Regan), y las lesiones que sufrieron las actrices Linda Blair y Ellen Burstyn mientras filmaban la película. Todos estos problemas, llevaron a algunos de los involucrados en el film a pensar que había caído una maldición sobre la cinta, lo que llevó a Friedkin a llamar a un sacedorte para bendecir el set (Esta fama de cinta “maldita” también la ostenta “Rosemary´s Baby”, del director Roman Polanski).

Más allá de estas extrañas coincidencias, Friedkin tendría muchos problemas con varios miembros del elenco y con parte del equipo de filmación. El compositor Lalo Schifrin sería despedido antes de terminar su trabajo, siendo reemplazado por Jack Nitzche, quien utilizaría algunos elementos del album de Mike Oldfield, “Tubular Bells”, para confeccionar la banda sonora. La legenda del jazz, Ken Nordine, demandaría al director por no pago de los efectos de sonido que él realizó para la cinta. En cuanto a William Peter Blatty, él sería excluído del trabajo post-producción por el director, luego de una fuerte discusión. Además, el escritor tendría una fuerte disputa con su antigua vecina, Shirley MacLaine. Aparentemente, Blatty se inspiró en MacLaine al momento de construir el personaje de Chris MacNeil, y quería que ella fuera quien la interpretara en la cinta. Desafortunadamente, MacLaine terminaría rechazando el papel, por lo que este recaería en la actriz Ellen Burstyn. Más tarde, algunos críticos comenzaron a sugerir que la relación entre Regan y su madre, estaba basada en la relacion entre MacLaine y su hija Sachi. Apenas la actriz se enteró de esto, acusó a Blatty de explotar su amistad.

“The Exorcist” es una de las vacas sagradas del cine de terror; recibió diez nominaciones al Oscar, ganando el galardón en dos categorías: mejor guión adaptado y mejores efectos de sonido. Por años se ha señalado que la cinta no solo marcó la pauta para los films que posteriormente tratarían el tema de la posesión demoniaca, sino que también presenta el inolvidable trabajo de maquillaje de Dick Smith, los estupendos efectos especiales de Marcel Vercoutere, un puñado de buenas actuaciones, una excelente fotografía de Owen Roizman, momentos de verdadera tensión, y la representación del mal como una fuerza que escapa a nuestra comprensión o imaginación. De la misma forma, la cinta presenta una serie de escenas potentes y potencialmente controversiales, como por ejemplo la famosa escena de la masturbación con el crucifijo. También resulta destacable el uso de imágenes “subliminales” por parte de Friedkin, la cuales ayudan a construir la atmósfera inquietante que ronda la casa de las protagonistas. Sin embargo, hay algunos elementos que terminan por jugar en contra del resultado del film, los cuales me parece importante mencionar.

Aunque en general el estilo seudo documental que utiliza Friedkin en el film ayuda a imprimirle credibilidad al relato, es inevitable que a ratos la cinta caiga en la comedia involuntaria. Esto sucede mayormente en las escenas en las cuales la ya poseída Regan, comienza a decir groserías dirigidas hacia la madre del Padre Karras (de hecho, algunas de esas frases ha sido utilizadas en algunas parodias de este film). Otra cosa que me molesta es que el Diablo parece no tener un plan. Su único interés pareciera ser divertirse a costa del cuerpo de la pequeña Regan, llegando incluso a someterse de manera casi voluntaria al exorcismo, pese a que claramente tiene el poder para liberarse de sus ataduras y acabar con sus enemigos. Esto claramente limita al villano, cuyo poder pareciera reducirse a las cuatro paredes que conforman la habitación de la niña. Lo otro que me resulta incomprensible, es el papel que juega el Lt. Kinderman (Lee J. Cobb) en la historia; no solo su participación es completamente irrelevante, sino que además sus escenas rompen la atmósfera creada por el director (dicho sea de paso, tampoco entiendo del todo la razón por la cual Kinderman tiene la manía de invitar sacerdotes al cine).

Con respecto a la secuencia inicial del Padre Merrin (Max von Sydow) en las excavaciones arquelógicas en el norte de Iraq, aparte de evidenciar cierta xenofobia por parte del director, poco tiene que ver con el resto de la historia. Aunque es cierto que es ahí donde se estipula que probablemente se ha desenterrado algo maligno, y que aparecen algunas imágenes que en cierta forma adelantan algunos pasajes de la historia, probablemente su finalidad sea señalar al Padre Merrin como el “objetivo” del Diablo (cosa que se confirmará posteriormente en la cinta). Por último, si bien Friedkin se preocupa de hacer hincapié en el hecho de que Chris MacNeil es atea, y que el Padre Karras (quien también es psiquiatra) tiene su fe quebrantada, lo que lo lleva a pensar más como médico que como sacerdote, presenten tanta resistencia a la idea de que a Regan le sucede algo que no tienen una explicación médica. Incluso una vez comienzan a suceder ciertas cosas que no tienen una explicación lógica, ambos personajes se niegan a pensar de que algo sobrenatural está afectando a la niña.

Más allá de los defectos mencionados los que evitan que “The Exorcist” sea una película redonda, a lo que se suma el excesivo desarrollo de personajes, que por momentos mina el ritmo narrativo del film, y la sensación personal que la espeluznante banda sonora es desaprovechada por el director, quien la utiliza en muy contadas ocasiones, es justo decir que el film presenta más virtudes que defectos. En lo personal, encuentro destacable que algunas de las escenas con mayores niveles de tensión sean aquellas que describen los exámenes médicos a los que es sometida Regan, demostrando que incluso algunas actividades “cotidianas” pueden ser aterradoras. Y es precisamente ese el punto más alto del film, el transformar lo cotidiano en algo espeluznante, y el retratar el mal como algo tangible y dolorosamente real. “The Exorcist” difícilmente puede ser considerada como la “película más terrorífica de la historia” como alguna vez se le llamó. Lo que si es innegable es que se trata de un clásico del género del horror, que ha servido de referente para muchos otros directores, y que con los años no ha perdido su capacidad de sorprender a los espectadores, grabando en su retina imágenes que ha estas alturas, permanecen en el inconsciente de un buen puñado de seguidores del género y cinéfilos en general.

por Fantomas.

Faust: El destino de la humanidad depende del alma de un solo hombre.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Thu, 22 Oct 2009 16:50:44 PDT

“Faust” (1926), es una cinta muda del director F. W. Murnau, la cual está protagonizada por Gösta Ekman, Emil Jannings, Camilla Horn.

El Diablo (Emil Jannings) y Dios disputan la Tierra. Para dirimir el asunto, acuerdan que, si el Diablo puede perder el alma de un hombre en particular, un viejo alquimista llamado Fausto (Gösta Ekman), el triunfo será suyo. Fausto, predeciblemente, acepta las promesas de juventud y gloria que le ofrece el Diablo y, por un tiempo, se dedica a gozar su nueva condición. Pero cuando se enamora de una bella joven llamada Gretchen (Camilla Horn), pone a todos en una encrucijada: ¿será esta su caída definitiva o su última oportunidad de redención?

Pocos clásicos del horror tienen la distinción de haberse inspirado en una amalgama de obras de primer nivel. El “Faust” de Murnau toma elementos de la novela “Fausto”, de Johann Wolfgang von Goethe; de la obra teatral “The Tragical History of Doctor Faustus”, de Christopher Marlowe; de la pintura “An Alchemist at Work”, de Pietr Brueghel; del “Faust” de Rembrandt, y de otros mitos propios del folklore alemán. Aunque algunos eruditos, entre los que se encuentran el historiador alemán Siegfried Kracauer, han argumentado que el film de Murnau distorcionó el arquetipo temático de la historia, removiendo sus temas más importantes, otros piensan que el director logró entregarnos una versión refrescante de este relato, el cual ha sido abordado en numerosas ocasiones por diferentes autores.

Inicialmente el largometraje, cuyo guión fue escrito por Hans Kyser, iba a ser dirigido por Ludwig Berger, pero el productor Erich Pommer terminaría confiándole el proyecto a Murnau, quien venía de estrenar con éxito el film “The Last Laugh” (1924), y que desde un principio había mostrado un marcado interés por participar en la cinta. La verdad es que tanto “Faust” como “Metropolis” (1927), de Fritz Lang, formaban parte del apoteósico plan de Erich Pommer y del estudio alemán Universum Film AG (Ufa), que intentaba crear un mercado internacional para el cine alemán. Completadas con solo cuatro meses de diferencia, estas prestigiosas y costosas producciones presentaron a un reparto internacional, y fueron realizadas con el fin de demostrar la sofisticación técnica que poseía la industría cinematográfica alemana. Sin embargo, “Faust” sería la última cinta alemana de Murnau; luego que el film fuera estrenado, el director se mudó a Estados Unidos seducido por la propuesta del fundador de la Fox Film Corporation, William Fox, quien le había ofrecido la dirección de otro clásico, “Sunrise: A Song of Two Humans” (1927). Irónicamente, Murnau fallecería en un accidente automovilístico poco después del estreno de dicha cinta.

Antes de comenzar las filmaciones, Murnau tuvo que lidiar con algunos cambios en el reparto. En un principio se suponia que la legendaria actriz Mary Pickford sería la encargada de interpretar a Gretchen en la versión americana del film. Sin embargo, la madre de la actriz se rehusó a que esta interpretará a una madre que asesinaba a su hijo. Además se pensó en Lilian Gish, otra famosa actriz del cine mudo, para interpretar el mismo papel, pero debido a la reputación de actriz conflictiva que había forjado durante su carrera, Murnau prefirió no contratarla. Finalmente, el director contrataría a la joven Camilla Horn, a quien había conocido durante la filmación de “Tartufo” (1925), donde trabajaba como la doble de Lil Dagover. En cuanto al protagonista, John Barrymore fue la primera opción del director para interpretar a Fausto, sin embargo se terminaría inclinando por el actor sueco Gösta Ekman, a quien había visto en la cinta, “Ven dömer” (1922). Más allá de las dificultades para conseguir a parte del reparto, el mayor desafío que tendría que enfrentar Murnau sería el desarrollo de la compleja concepción visual de la cinta. El director pasó dos años preparando el proyecto antes de comenzar el proceso de filmación, el cual le tomó otros nueve meses. Murnau era un director minucioso, al punto que planificaba cada gesto y movimiento que debian realizar sus actores, lo que le trajó algunos problemas con Emil Jannings, quien pese a ser su amigo, tenía fama de ser un tipo profundamente antipático, vanidoso, arrogante y tiránico.

La narrativa de “Faust” resulta llamativa debido a sus temas contradictorios, la ironía trágica y un buen número de escenas épicas. La historia presenta a un protagonista que se debe debatir entre el placer carnal y las obligaciones intelectuales, la salud y la enfermedad, y el bien y el mal, no existiendo los puntos intermedios. Pese a las buenas intenciones iniciales de Fausto, cuyo mayor deseo es ayudar encontrar una cura para la plaga que ha estado azotando el pueblo donde reside, se trata de un hombre corrompible, que terminará cediendo a las tentadoras propuestas de poder y reconocimiento que le ofrece el Diablo. Es ahí donde recide la mayor contradicción de la historia; con el fin de hacer el bien, Fausto debe abrazar el mal y entregar su alma al Diablo. En gran medida, Fausto nos recuerda que nuestro deseo por alcanzar nuestro sueños y metas puede ser manejado de manera errónea. ¿Qué estas dispuesto a ceder con tal de obtener lo que deseas? Esta pareciera ser la gran interrogante que plantea la cinta, cuya moraleja podría ser que nunca es tarde para enmendar nuestros errores, y que no todo aquello que reluce es oro, por lo que debemos actuar con plena convicción de que lo que estamos haciendo es lo correcto.

Además, la cinta puede ser interpretada como una crítica al modelo capitalista que comenzaba a surgir en aquel entonces en Europa, el cual no era visto con buenos ojos por una buena cantidad de personas (solo es cuestión de ver el resultado del contrato entre Fausto y el Diablo). Más allá de los mensajes más o menos evidentes, que se esconden en el relato, llama la atención la facilidad que tiene Murnau para intercalar varios géneros cinematográficos en la cinta. Existe una serie de secuencias que obedecen a los estándares propios de una cinta de terror de la época, como por ejemplo escena donde Fausto realiza el ritual de invocación del Diablo, o las muchas escenas donde Mefistófeles acecha al protagonista desde las sombras, controlando cada uno de los movimientos de quien no es más que un peón en este gran juego celestial que tiene con Dios. En otras ocasiones, Murnau nos presenta algunas secuencias propias de una comedia, como por ejemplo todas aquellas que involucran a Marthe Schwerdtlein (Yvette Guilbert), una lujuriosa mujer que intentará atrapar al Diablo para convertirlo en su pareja, tras lo cual el director se mete de lleno a la parte más trágica de la historia, que se centra en las desventuras que debe pasar Gretchen por haberse enamorado de Fausto. Incluso la historia presenta algunos elementos fantásticos, como por ejemplo aquellas escenas en las que Fausto junto al Diablo vuelan sobre la capa de este último en busca de nuevos horizontes.

Las actuaciones en general son estupendas. El Fausto de Gösta Ekman logra ganarse la simpatía del espectador, mientras que el Mefistófeles de Emil Jannings es sin duda memorable; gracias a sus expresiones, su maquillaje y su lenguaje corporal, logra dar la impresión de que realmente es el Diablo, siempre acechando desde las sombras y manipulando a los humanos con el fin de lograr sus siniestros planes. Sin duda uno de los puntos más altos de la cinta es el aspecto visual. Murnau, junto al director de fotografía Carl Hoffman, y los escenógrafos Robert Herith y Walter Röhrig, nos entregan una serie de composiciones visuales que se asemejan bastante a cuidadas pinturas, donde cada uno de los elementos, desde los rostros y los cuerpos de los actores, pasando por los escenarios, y cada uno de los fenómenos naturales como la nieve, el fuego, y la luz, fueron recreados considerando cada uno de los aspectos del efecto visual que estos producían. Existe una serie de efectos especiales que resultan ser bastante interesantes considerando la época en que fueron realizados, y una serie de imágenes como el encuentro entre el Arcángel y el Diablo, que quedan inmediatamente grabadas en la retina del espectador.

Aunque existe más de una banda sonora, la versión de la cinta que pude ver contaba con las composiciones de Timothy Brock, las cuales acompañan a la perfección las distintas imágenes, reforzando la atmósfera onírica que presenta el film. “Faust” es una verdadera obra maestra del cine fantástico y de terror, donde se evidencia la meticulosidad del director a la hora de lidiar con todos los elementos que conforman esta clásica producción. Se sabe que existen cinco versiones de esta cinta: hay dos versiones alemanas, una francesa, una que fue preparada por la Ufa para ser lanzada en Europa, y otra preparada por Murnau para la MGM y el mercado norteamericano. Dichas versiones diferirían en la forma en que fueron filmadas algunas escenas, cambiando los ángulos de las tomas, la vestimenta de los actores, y el número de actores involucrados, entre otras cosas. Creo que es la versión norteamericana la que mayor circulación ha tenido, y es probablemente con la que se van a topar en el caso que decidan ver esta cinta, la cual recomiendo incluso para aquellos que se muestran algo reacios a ver cine mudo.

por Fantomas.

The Ninth Gate: Literatura demoníaca.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Mon, 12 Oct 2009 00:23:31 PDT

“The Ninth Gate” (1999), es un thriller del director Roman Polanski, el cual está protagonizado por Johnny Depp, Lena Olin, Frank Langella y Emmanuelle Seigner.

Dean Corso (Johnny Depp) es un mercenario de libros raros de muy pocos escrúpulos. De eso se aprovecha Boris Balkan (Frank Langella), un coleccionista apasionado por los textos demoniacos, que le encarga buscar por toda Europa dos copias de las tres existentes de un libro llamado “Las Nueve Puertas del Reino de las Sombras”, que se supone fue escrito por el mismísimo Diablo. Aunque parece un trabajo sencillo, pronto Corso se verá inmerso en un peligroso juego, lleno de tentaciones, aterradoras sorpresas, violencia y muertes inesperadas.

A fines de los noventa, Roman Polanski recibió un guión de Enrique Urbizu, el cual era una adaptación de la novela “El Club Dumas”, del escritor Arturo Pérez-Reverte. Al director le gustó tanto el guión de Urbizu, que terminó leyendo la novela, la cual hasta ese momento desconocía por completo. Polanski se mostró bastante interesado en la novela, debido a que presentaba unas buenas dosis de suspenso, era entretenida, y contenía a un buen número de personajes secundarios interesantes, por lo que la novela podía convertirse en una cinta sumamente atractiva. El problema es que la novela de Pérez-Reverte contenía una serie de subtramas que se entrelazaban complicando un poco el entendimiento de la historia, por lo que Polanski decidió simplicar el relato con la ayuda de su colaborador habitual, John Brownjohn. De esta forma, la historia pasó a centrase en la búsqueda de Corso por autentificar una copia de “Las Nueve Puertas”.

Polanski declaró en su momento que el abordó la realización de esta cinta con una cierta cantidad de escepticismo debido a que él no cree en lo oculto. Esto no deja de ser curioso teniendo en cuenta que el director ya había lidiado con el tema del culto al Diablo en, "Rosemary´s Baby" (1968). Solo quería divertirse con el género filmando una película de misterio en la cual un libro se convierte en el personaje principal. En cuanto al protagonista, Johnny Depp se involucró en el proyecto durante el Festival de Cannes de 1997, cuando el actor estaba promocionando la cinta con la que debutó como director; “The Brave” (1997). Aunque Polanski había pensado en un actor de más edad para interpretar a Corso, debido al gran interés que mostró Depp por participar en la cinta, este terminó por sumarse al proyecto. El elenco lo completarían Frank Langella, quien sería contratado luego de que Polanski lo viera en el remake de “Lolita” (1997), del director Adrian Lyne; la experimentada actriz Lena Olin; y la actriz y cantante Emmanuele Seigner.

Desde el inicio de la película, Polanski se encarga de establecer la personalidad del protagonista; un tipo sin escrúpulos, capaz de casi cualquier cosa por conseguir sus objetivos, donde su máxima motivación es el dinero. A medida que avanza en su investigación, Corso comienza a involucrarse de manera más personal con el misterio que esconde el siniestro libro. En ese sentido, Polanski intenta retratar de la manera más completa posible, las personalidades de cada uno de los personajes que interactuan en la historia. Es así como pese a la escasa cantidad de escenas que participa, Balkan puede ser descrito como un hombre obsesionado por la mitología que rodea al Diablo, y cuyo ego lo lleva a pensar que solo él es digno de “interactuar” de manera personal con Lucifer. Por otro lado, el personaje de Lena Olin puede ser descrito como una mujer frívola, cuyo interés en el libro parece responder a su deseo de continuar celebrando lascivas fiestar en honor a Satán. El único personaje cubierto por un halo de misterio durante toda la cinta, en la chica interpretada por Emmanuelle Seigner, cuya verdadera identidad ha sido motivo de discusión entre los espectadores.

Polanski declararía en una de sus entrevistas: “el libro es el personaje principal”. Esto queda demostrado en ciertas sutilezas que presenta la cinta. No solo la trama se mueve en torno al misterio que encierra el libro, sino que el director también se preocupa de plantar las nueves puertas de las que habla el libro (junto con sus ilustraciones) en distintas partes del film. Es así como por ejemplo, la muerte del amigo de Corso se asemeja a una de las ilustraciones del libro, mientras que la escena en que unos andamios por poco aplastan al protagonista, corresponde a una de las interpretaciones de otra de las ilustraciones del libro. Aunque todas las referencias pueden ser un poco díficiles de distinguir en un primer visionado, si uno ve la cinta con detenimiento, es posible descubrir las pistas que siembra Polanski las cuales pueden ayudar en alguna medida a desentrañar el secreto de “Las Nueve Puertas”.

En cuanto a la identidad de la chica, existen varias teorías al respecto. La más aceptada, es que la chica es un enviado del mismísimo Diablo, quien por una razón desconocida, ha decidido reclutar a Corso entre sus líneas. Por este motivo la chica se encarga de cuidarlo y enseñarle el camino correcto durante el transcurso de la historia. Sin embargo, existe una teoría que en lo personal me parece más interesante; la chica es un demonio cuya misión es despertar al mismísimo Lucifer de su letargo terrenal. En otras palabras, Corso es el Diablo atrapado en la Tierra, quien tras vivir tantos años entre humanos, ha olvidado quien realmente es. Lo que la chica hace en realidad, es ayudarlo a encontrar su verdadera naturaleza, a abrazar su mal interior. Esto va ligado con el tan críticado final abierto que tiene la cinta, el cual parece reírse del espectador negándose a entregar una explicación lógica de lo sucedido con Corso y el libro. Bajo el prisma de esta última teoría (¡Spoiler!, recomiendo pasar al próximo párrafo si aún no has visto la película), la luz enceguecedora con la que termina la cinta, no es más que la trasformación de Corso en un ser espiritual.

Polanski logra imprimirle a la cinta una sensación de constante amenaza que resulta bastante efectiva, lo que ayuda a captar la atención del espectador durante todo el transcurso del metraje. Si bien es cierto que el film posee un ritmo narrativo más bien pausado, en ningún momento la historia se vuelve tediosa. Esta es relatada desde el punto de vista del protagonista, por lo que el espectador no sabe mucho que él acerca de las intrigas que se ciernen a su alrededor. En vez de presentar violencia gráfica, Polanski opta por insertar algunos momentos de verdadera tensión en la línea de lo hecho por Alfred Hitchcock. A mi gusto, lo más críticable de la cinta, es lo pobre de sus efectos especiales y la inclusión de escenas en las cuales el personaje de Seigner levita, lo termina rompiendo la atmósfera siniestra de la historia.

En cuanto a las actuaciones, son en general correctas. Si bien no es el mejor papel de Depp, el actor logra construir un personaje creíble inspirado en los detectives de las novelas de Dashiell Hammett. De hecho, Polanski ha reconocido que la cinta es una suerte de parodía del género de detectives dominado por Hammett o Raymond Chandler. El film además cuenta con una estupenda banda sonora de Wojciech Kilar, y una buena fotografía de Darius Khondji. “The Ninth Gate” ha sido una película ampliamente críticada, principalmente porque escapa a los parámetros habituales de su director, y porque por lo general es comparada con la excelente, "Rosemary´s Baby". La verdad es que el film es una buena entrada en el “cine demoniaco”, que de haber sido filmada por otro director probablemente hubiese sido tratada de mejor manera. En definitiva, se trata de una película recomendable, que invita a pensar al espectador, y que probablemente no deje conforme a aquellos que desean que todas sus dudas sean respondidas por el director sin dejar espacio para las libres interpretaciones.

por Fantomas.

The Mephisto Waltz: Tu alma pronto será mia.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Fri, 09 Oct 2009 21:47:33 PDT

“The Mephisto Waltz” (1971), es una cinta de terror del director Paul Wendkos, la cual está protagonizada por Alan Alda, Jacqueline Bisset, Barbara Parkins, y Curd Jürgens.

Cuando Myles Clarkson (Alan Alda), un músico convertido en periodista, entrevista a un solitario y excéntrico pianista llamado Duncan Ely (Curd Jürgens), sin saberlo se involucra junto a su esposa Paula (Jacqueline Bisset) en el corazón de una secta diabólica que quiere utilizarlo como el nuevo cuerpo del moribundo pianista.

Luego de haber visto el telefilme de horror “Fear No Evil” (1969), del director Paul Wendkos, el productor Quinn Martin comenzó a trabajar en su propia cinta de terror la cual sería distribuida por la 2oth Century Fox. Para esto, Martin contrataría a Wendkos, quien había realizado un estupendo trabajo en “Fear No Evil”. De lo primero que se percató el director, es que le iba a resultar sumamente complicado llevar a la pantalla grande el extenso guión de Ben Maddow, el cual era una adaptación de la novela “The Mephisto Waltz”, del escritor Fred Mustard Stewart. Además presentaba temas que a su opinión, eran bastante complejos como el de la transferencia de almas, el cual de no ser tratado de forma correcta, podía empujar la historia hacia el completo ridículo. De hecho, Wendkos declararía en una ocasión, “Cuando tú estás tratando temas como la transferencia de almas, es difícil retratar ese tipo de material extrasensorial. La verdad es que no existe forma de entender esto del todo. Es por esta razón que nosotros utilizamos una serie de dispositivos estilísticos que pudieran ayudar a la audiencia a entrar en el terreno de lo paranormal”.

Inicialmente, el proyecto iba a contar con un gran presupuesto, pero como la cabeza de la 20th Century Fox, Darryl F. Zanuck, estaba a punto de ser despedido, finalmente Wendkos y compañia tuvieron que trabajar con un presupuesto considerablemente menor al inicial. Para ese entonces ya habían contratado a Alan Alda como el periodista con aspiraciones de convertirse en un gran pianista; y a Jacqueline Bisset como la esposa de este. Wendkos sabía que era un riesgo contratar a Bisset debido a que es su personaje quien se lleva gran parte del peso de la historia, y ella era una actriz sin mucha experiencia, que además jamás se había enfrentado a un reto de este tipo. Alan Alda por otro lado, era un actor que venía del teatro, por lo que su preparación era bastante diferente a la de Bisset. Alda tuvo que entrenar algunas secciones de las melodías que su personaje toca en el piano, para lograr crear la ilusión de que es él quien realmente toca el instrumento. Así que las veces en que la cámara lo muestra tocando el piano, es realmente el actor quien ejecuta las piezas musicales. Pese a que en un principio Wendkos gozó de cierta libertad para escoger al reparto, luego tuvo que soportar que Zanuck escogiera a gran parte del elenco, en el cual se incluyeron varios amigos del cada vez menos influyente ejecutivo, que no eran del agrado del director.

“The Mephisto Waltz” se caracteriza por ser una cinta que contiene una buena cantidad de imágenes potentes entre las que se pueden destacar un funeral atendido por adoradores del Diablo, numerosas secuencias oníricas bastante bizarras, un perro atacando sexualmente al personaje de Bisset, y la peculiar fiesta de año nuevo en la casa de Duncan Ely. Precisamente, la secuencia de la fiesta es una de las más controversiales del film, ya que retrata conductas incestuosas, además de contener desnudez y un alto contenido erótico, todo esto acompañado por la psicodélica música de la época. La escena que tenía por objetivo evidenciar la completa decadencia del grupo de satanistas, curiosamente no tuvo problemas con los organismos censores. De todas maneras, Wendkos había filmado una secuencia menos controversial anticipándose a la reacción de los organismos de censura.

Otra de las escenas más recordadas de la cinta, tanto por su atmósfera como por su contenido, es la misa negra que celebra el personaje de Bisset. La verdad es que la actriz no estaba muy entusiasmada con dicha escena. Wendkos recordaría en una ocasión, “Cuando Jackie Bisset tuvo que invocar al Diablo, ella estaba realmente asustada. Todos los actores que habían sido educados con una formación católica, estaban bastante asustados con la idea de realizar una misa negra”. Fue tal el impacto de la actriz con dicha secuencia, que comenzó a tener pesadillas relacionadas con la historia de la cinta, lo que terminó ayudándole al momento de imprimirle más credibilidad a su personaje. Lo mismo sucedió con la escena en la que el aterrador perro de Duncan intenta atacarla. Dicha escena tenía por objetivo representar el deseo del Diablo por poseer el cuerpo del personaje de Bisset, creando algunos paralelos con la historia relatada en la cinta de Roman Polanski, “Rosemary´s Baby” (1968).

El mayor problema del guión reside en el hecho de que todo el tema del intercambio de almas se trata con demasiada simpleza. En la cinta, basta con colocar un misterioso líquido en la frente de la persona que deseas utilizar como vehículo de tu alma, y el trabajo está hecho. El proceso es bastante sencillo a decir verdad. “The Mephisto Waltz” es una de las pocas películas de las que tenga memoria, en las que se toca el tema del incesto tan abiertamente. Por otro lado, muestra la insatisfacción del personaje de Bisset con su matrimonio, lo que la lleva a aceptar rápidamente el brusco cambio en la personalidad de su marido. En general se trata de una historia de obsesión con la figura de Duncan Ely por ambos lados; la obsesión de una hija por su padre, en el caso de la hija de Ely, Roxane (Barbara Parkins); y la obsesión de una mujer con la nueva y envolvente personalidad de su marido, en el caso de Paula. Al mismo tiempo, el cuerpo del personaje interpretado por Alan Alda se convierte en el objeto de deseo (por distintos motivos) de todos los involucrados en la historia.

Las actuaciones son algo disparejas. Mientras que Alan Alda y Curd Jürgens entregan interpretaciones convincentes, la poca experiencia de Jacqueline Bisset queda en evidencia en algunos pasajes de la cinta. La atmósfera inquietante lograda gracias a la excelente banda sonora de Jerry Goldsmith, es a ratos interrumpida de manera abrupta por la inclusión de música psicodélica, que parece un poco fuera de lugar. El trabajo del director de fotografía William W. Spencer por otro lado, es más que correcto, ya que logra unas escenas oníricas de gran calidad, y le imprime una atmósfera de constante amenaza a la cinta. La primera hora de metraje por su parte, avanza de manera lenta, cosa que mejora considerablemente en el segundo tramo del film. Si bien no llega al nivel de cintas de temáticas similares como “Rosemary´s Baby”, “The Mephisto Waltz” es una buena entrada en el cine de “posesiones diabólicas”, donde nos encontramos con una historia interesante, la cual no es demasiado complicada y que además presenta algunas vueltas de tuerca inesperadas, convirtiéndola en una cinta absolutamente recomendable.

por Fantomas.

Prince of Darkness: La ciencia y la religión se unen contra un enemigo en común.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Thu, 08 Oct 2009 00:10:36 PDT

“Prince of Darkness” (1987), es una cinta de terror del director John Carpenter, la cual está protagonizada por Donald Pleasence, Jameson Parker y Victor Wong.

En una iglesia abandonada en el centro de Los Ángeles, descansa un misterioso tubo de cristal cuyo contenido ha permanecido encerrado durante siglos. Cuando un sacerdote (Donald Pleasence) y un equipo de científicos encabezados por el Profesor Howard Birack (Victor Wong), ingresan al lugar, el líquido contenido en el tubo comienza a despertarse y a luchar por salir al mundo exterior, para causar lo que podría ser el fin de la humanidad.

Luego del fracaso de “Big Trouble in Little China” (1986), y cansado del control ejercido por los ejecutivos de los estudios, el director John Carpenter formaría una alianza con la modesta Alive Films por dos cintas, la cual además de asegurarle una completa libertad creativa, le otorgaba un presupuesto de tres millones de dólares por film. La primera de esas cintas sería “Prince of Darkness”, la cual marcaría el regreso del director al género del horror. La idea central del film nacería luego de que Carpenter mostrara cierto interés por algunas teorías físicas y atómicas. Sería el mismo quien afirmaría, “pensé que sería interesante crear una suerte de poder maligno y combinarlo con la noción de materia y anti-materia”. Con esto en mente, Carpenter comenzaría a desarrollar lo que sería el guión de “Prince of Darkness”.

Aunque Carpenter es quien escribió el guión, en los créditos aparece como guionista Martin Quatermass. Esto no es más que un homenaje del director al guionista británico de cine y televisión, Nigel Kneale, cuya creación más famosa es el científico Bernard Quatermass. A esto se suma el hecho de que los protagonistas de la historia, son alumnos de la Kneale University. Además, la historia de “Prince of Darkness” presenta algunos paralelos con algunos de los guiones escritos por Kneale, repitiéndose la presencia de un mal ancestral visto en “Quatermass and the Pit” (1967); los mensajes provenientes de un futuro indeterminado presentes en uno de los episodios de la serie de televisión, “First Night” (1963); y la investigación científica de lo sobrenatural presente en el telefilme, “The Stone Tape” (1972). Sin embargo, Kneale estaba lejos de sentirse halagado por la situación, debido a que no deseaba que la gente tuviera la impresión de que él había participado en la confección de la historia. El guionista había quedado bastante molesto la labor como productor de Carpenter durante la realización de “Halloween 3: Season of the Witch” (1982), debido a las múltiples modificaciones que había sufrido su guión a manos del director del film, Tommy Lee Wallace, al punto que pidió que sacaran su nombre de los créditos.

La cinta comienza con la muerte de un sacerdote perteneciente a una vieja secta católica conocida como “La hermandad del Sueño”. En sus manos, encuentran una llave que abre las puertas del subterráneo de una vieja iglesia abandonada en medio de la ciudad de Los Ángeles. Será el sacedorte interpretado por Donald Pleasence quien descubrirá que en aquel lugar, dentro de un recipiente sellado, existe un fluido que parece ser la esencia del mismísimo Diablo. Esperando entender y detener a esta inusual amenaza, el sacerdote acude a un renombrado profesor de física cuántica en busca de ayuda. Es así como durante la primera media hora de metraje, Carpenter se dedica a presentarnos los personajes principales de la historia, además de establecer algunos lazos afectivos entre ellos que más tarde tomarán mayor importancia.

Intentando entender la existencia de Dios y el Diablo, el Profesor Birack menciona que cada partícula tiene un opuesto o una antipartícula. Por lo tanto, si existe un Dios, lo lógico sería que existiera un anti-Dios. Esta dualidad se ve reflejada en la relación entre Birack y el sacedorte, donde ambos representan dos visiones completamente diferentes acerca del mismo problema. Complementando esta idea de dualidad, nos encontramos con que la encarnación del príncipe de la tinieblas pretende utilizar espejos para conectar nuestro mundo con el infierno, como si se tratara de las dos caras de una misma moneda. A medida que avanza la historia, ciencia y religión comenzarán a complementarse. Esto responde a una razón bastante simple: en una sociedad en que la fe es cada vez más escasa, la Iglesia necesita objetivizar la existencia del mal para captar la atención de los creyentes y los no creyentes. Paradojalmente, la ciencia se transforma en un instrumento llamado a renovar la fe de la humanidad en aquello que no es tangible ni cuantificable.

Por otra parte, existe un mensaje más sútil que no muchas veces es mencionado. La cinta fue estrenada en medio de la polémica existente por el virus del sida. Uno podría pensar que Carpenter construyó parte de la historia basándose en lo que se sabía de la enfermedad en aquel entonces. De partida, la fuerza maligna es un fluido que se transmite de persona en persona, usualmente de boca en boca, algunas veces con ciertas connotaciones sexuales. Por otro lado, en los ochenta el sida era visto principalmente como un virus que atacaba a la comunidad homosexual. Por lo mismo, resulta curioso que el patrón de transmisión del fluido en la cinta sea generalmente entre personas del mismo sexo. Probablemente, esto responde al intento de Carpenter por reflejar la paranoia existente en la sociedad norteamericana con respecto al virus del sida, gatillada en gran medida debido al desconocimiento de los mecanismos de acción de la enfermedad.

Si bien en la primera hora de metraje no ocurren demasiadas cosas que llamen la atención del espectador, desde el momento en que los científicos llegan a la iglesia abandonada con toda su maquinaria, la cinta se torna bastante más interesante. Carpenter maneja bastante bien la atmófera opresiva del lugar, dotando al film de una sensación de constante peligro, lo que se intensifica cuando descubrimos que el fluido tiene el poder de dominar a los humanos a su antojo como si de zombies se tratara. Lamentablemente, uno termina sintiendo que se le podría haber sacado más provecho a esta situación. Los zombies son bastante estáticos, convirtiéndose en meros guardias de la reencarnación del príncipe de las tinieblas. En vez de perseguir a sus presas, se quedan pacientemente esperando que estos en su desesperación, cometan algún error. Por otra parte, salvo un par de asesinatos y el uso de un hacha por parte del personaje de Pleasence, la violencia que presenta la cinta se reduce a una trifulca entre los sobrevivientes y los poseídos, la cual no resulta mayormente llamativa.

Teniendo en cuenta que gran parte de los personajes son brillantes científicos, uno se imagina que probablemente estos no cometerán el error de deambular solos por los tenebrosos pasillos de la iglesia esperando ser la nueva víctima de la entidad. Lamentablemente, eso es precisamente lo que sucede. El gran problema de la cinta es que cuesta identificarse con los personajes. Poco importa lo que suceda con ellos al final de día, en especial con el molesto personaje interpretado por Dennis Dun, cuya función no termina de queda clara. En el ámbito de las actuaciones, si bien no son mediocres, tampoco resultan demasiado especiales. Si cabe mencionar la curiosa participación del cantante Alice Cooper como el líder de los vagabundos que asedian la iglesia. Él además escribiría una canción para la cinta titulada, “Prince of Darkness”. En cuanto a la banda sonora, la cual fue compuesta por Carpenter y Alan Howart, es bastante efectiva al momento de elevar la tensión del film.

Pese a sus falencias, “Prince of Darkness” es una cinta bastante entretenida una vez que logra capturar la atención del espectador, no lo suelta hasta el final del relato. El problema es que uno queda con la sensación de que Carpenter tenía los ingredientes necesarios como para realizar una película bastante mejor. Por ejemplo, la noción de que los personajes están recibiendo un mensaje del futuro a través de sus sueños es bastante interesante, así como también la idea de que Jesús fue un extraterrestre que buscaba desterrar al Diablo a otro plano dimensional. La cinta tiene buenos momentos, como por ejemplo la metamorfósis de la mujer llamada a ser el nuevo cuerpo del hijo del Diablo, y el climático final que deja abierta la interrogante acerca del destino de la humanidad. Si bien no es la mejor cinta de Carpenter, cumple con presentar algunas de las constantes del director, siendo una entrada más que digna dentro de su filmografía.

por Fantomas.

Lisa and the Devil/The House of Exorcism: Las dos versiones de la producción más problemática de Mario Bava.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Mon, 05 Oct 2009 22:09:46 PDT

“Lisa and the Devil” (1972), es una cinta de terror de escrita y dirigida por Mario Bava, la cual está protagonizada por Telly Savalas, Elke Sommer, Sylva Koscina, y Alessio Orano.

Lisa Reiner (Elke Sommer), es una turista que mientras se encuentra de vacaciones en Toledo, ve un fresco medieval que retrata como el Diablo se lleva a los muertos. Poco después, ella visita una pequeña tienda donde se encuentra con un hombre calvo (Telly Savalas) quien se asemeja bastante al Diablo del fresco. Aterrada, se termina perdiendo en las laberínticas calles de la ciudad. Eventualmente, ella se encuentra con una pareja de aristócratas cuyo auto tiene problemas, y juntos se terminan refugiando en una oscura y tenebrosa mansión, donde vive una condesa ciegas (Alida Valli), su hijo Maximilliam (Alessio Orano), y su mayordomo Leandro, quien resulta ser el mismo hombre calvo de la tienda. Durante el transcurso de la noche, en la vieja mansión reinará el horror y la muerte, cambiando para siempre la vida de Lisa.

Tras filmar “Baron Blood” (1971), el director Mario Bava se asociaría nuevamente al productor Alfredo Leone, quien le otorgaría una completa libertad creativa al director en su próximo proyecto, cuyo título tentativo era "Lisa and the Devil". Junto con esto, dicho proyecto contaría con un presupuesto de un millón de dólares, y con la estrella de su anterior film, Elke Sommer. Pese a las garantias con las que contó al momento de filmar la cinta, y tras haberla exhibido con éxito durante el Festival de Cannes de 1972, Bava no pudo asegurar un contrato de distribución para la película (aunque existió un distribuidor que ofreció la ridícula suma de $6.000 dólares por los derechos de distribución en los Estados Unidos). Eventualmente, Leone decidió que era necesario realizarle algunos cambios a la cinta para convertila en un producto atractivo, y así poder recuperar la inversión realizada.

Tras leer las reacciones del público que había tenido la oportunidad de ver “The Exorcist” (1973), Leone comenzó a presionar a Bava para que este viajara a Londres y viera la película. El productor quería sacar provecho de esta reciente fascinación por las posesiones demoniacas, por esa razón, Leone escribió unas secuencias nuevas en las cuales el personaje de Elke Sommer tendría que someterse a un exorcismo. Así fue como nació una nueva versión de la cinta titulada, “The House of Exorcism”. Aunque inicialmente Bava no estuvo de acuerdo con el plan de Leone, argumentando que la cinta original era demasiado hermosa como para editarla, tras percatarse de que no tenía demasiadas alternativas terminó accediendo a los deseos del productor. Mientras tanto, Leone llamó a su amigo Robert Alda para que interpretara al sacedorte encargado del exorcismo. El proceso de filmación no fue sencillo; Bava se rehusó a participar en las escenas más morbosas, como por ejemplo aquellas en que la protagonista vomitaba sapos entre otras cosas, y un par de escenas de desnudos. Leone en cambio, afirmó que Bava organizó las cámaras y supervisó los ensayos de los actores encargados de las nuevas escenas, antes de abandonar la producción, tras lo cual el tuvo que asumir el rol de director del film.

Para comprender a cabalidad los cambios entre una versión y otra, es preferible describir las características de la cinta original. En “Lisa and the Devil”, Bava opta por utilizar un estilo narrativo no lineal, donde se sugiere que pasado, presente y futuro se fusionan en este bizarro relato. Por ejemplo, en varios pasajes de la cinta se sugiere que Lisa es la reencarnación de una mujer llamada Elena. Sin embargo, nosotros sabemos que Elena tenía probablemente la misma edad que Lisa cuando murió, y que todos aquellos que conocieron a Elena parecen no haber envejecido un ápice. Si la historia estuviera ligada a un orden cronológico, Elena habría estado viva cuando Lisa nació. Por lo tanto, ¿como puede reencarnarse una persona cuando aún no ha muerto? Más tarde en la historia, Bava mediante una serie de flashbacks ubicados temporalmente a lo menos cien años antes de los eventos actuales, entrega algunas respuestas que generan aún más preguntas, como por ejemplo: ¿En que época se desarrolla la historia de “Lisa and the Devil” realmente?; Si los personajes han estado muertos por más de cien años, ¿Estamos ante una bizarra historia de fantasmas?, y si es así, ¿como es que los dueños de la mansión saben utilizar elementos electrónicos modernos?. Si es que el espectador logra encontar una respuesta satisfactoria para una de estas preguntas, probablemente se encontrará con nuevas interrogantes que presentarán una difícil solución.

Bava construye una macabra atmósfera que domina a esta historia de tintes oníricos, donde abundan los momentos aterradores sumamente cuidados y otros que destilan una perversidad pocas veces vista en la filmografía del director. Es así como nos encontramos con una escena en que un charco de sangre que salpica la pantalla, tiñiendo el lente de la cámara de rojo; y con una escena de violación en la que el esqueleto del antiguo amor del violador parece burlarse de su accionar. La locura reina en esta historia donde la realidad es una masilla que se puede moldear a favor del completo caos. Una historia donde Bava presenta a un grupo de personas atormentadas por los espíritus de aquellos que alguna vez amaron, donde estos espíritus están representados por siniestros maniquies repartidos por toda la mansión. “Lisa and the Devil” es una cinta en la que no faltan los simbolismos, los que en su mayoría hacen referencia a esta inexistencia de lógica tiempo/espacio, encarnados en los muchos los relojes rotos que aparecen en el film.

Toda la mística lograda en “Lisa and the Devil” por Bava, es completamente destruida por Leone en “The House of Exorcism”. La historia de esta nueva versión se compone de la siguiente forma: En vez de perderse en las calles de Toledo tras su visita a la misteriosa tienda, Lisa comienza a tener convulsiones en la vía pública, y a actuar de manera errática una vez que es recogida por una ambulancia. En el mismo lugar de los sucesos, es asistida por un sacerdote (Robert Alda), quien decide acompañarla al hospital. Desde ese momento, las escenas de la cinta original se insertan como si estas fueran parte una vívida pesadilla experimentada por la mujer poseída por el Diablo. Las escenas filmadas por Leone apelan a los clichés de las cintas de posesiones diabólicas: vómitos, patadas, gritos, y objetos voladores, son parte del repertorio demoniaco de Lisa. Demás esta decir que estas escenas causan más risa que miedo. Leone además agrega un par de escenas de sexo, y un final que termina por sepultar esta horrible reedición, considerada como el mayor agravio recibido por Bava durante su carrera.

En cuanto a las actuaciones, son en general correctísimas. Elke Sommer logra que su personaje capte la atención del espectador, en gran medida gracias a que ella se ve tan desconcertada como nosotros con todo lo que sucede a su alrededor. Telly Savalas por su parte realiza un excelente trabajo personificando a Leandro, este lobo en piel de oveja. El actor logra que esta supuesta encarnación del Diablo resulte ser un personaje siniestro, que claramente sabe más de lo que aparenta. Precisamente es su personaje, el encargado de entregarle al espectador algunas pistas que ayuden a revelar lo que realmente está sucediendo en la historia. Por otra parte, la fotografía de Cecilio Paniagua es cautivante e inquietante a la vez. Bava y Paniagua aprovechan al máximo cada rincón de la lugubre mansión y sus alrededores, dando la sensación de que los personajes están sometidos a una amenaza constante. Esto es complementado por la estupenda banda sonora de Carlo Savina, la cual se encarga de elevar la tensión de algunas escenas, al mismo tiempo que intenta establecer estamos presenciando una verdadera pesadilla.

“Lisa and the Devil” es tal vez la película más personal de Mario Bava. Claramente aprovechó la libertad creativa que le fue otorgada en un inicio, para realizar una cinta experimental enmascarada como un film de terror. Con el fin de disfrutar de mejor manera esta verdadera experiencia cinematográfica, es mejor dejarse llevar por la historia sin cuestionarse demasiado. La cinta contiene un par de violentos asesinatos, una buena dosis de comedia negra, y un par de momentos inquietantes bellamente diseñados. El final del film (como la historia en sí), queda a libre interpretación del espectador, lo que invita a revisar más de una vez la cinta con el fin de encontrar detalles que probablemente no se captaron en su primer visionado. En definitiva, “Lisa and the Devil” es una pequeña joya, que pocas veces es mencionada cuando se recuerda la filmografía de Mario Bava, y que la verdad merece un poco más de reconocimiento. En cuanto a “The House of Exorcism”, yo recomiendo evitarla a toda costa, aunque si a alguno le produce cierta curiosidad, es preferible que primero vean la versión original y luego revisen ese bodrío perpetrado por Alfredo Leone.

*Advertencia: Ambos trailers presentan una gran cantidad de Spoilers.

por Fantomas.

El blog cumple dos años y octubre temático.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sun, 25 Oct 2009 23:46:04 PDT

A fines de septiembre, “Cinemascope” cumplió dos años de vida, durante los cuales he intentado ir mejorando el contenido del blog en general. La verdad es que estoy bastante orgulloso con el resultado hasta ahora, con la recepción que ha tenido el blog, y con el hecho de que gracias a este hobby he podido conocer a otros bloggers con sitios de cine sumamente interesantes. Gracias a todos por el apoyo brindado durante estos dos años, que espero que se conviertan en varios años más.

Por otro lado, por primera vez le dedicaré el mes de octubre a la fiesta de Halloween. Van a ser en total 12 películas que postearé durante este mes, las cuales van a estar centradas en el Principe de las Tinieblas (algo acorde con la celebración) y sus apariciones cinematográficas, tras lo cual volveré a los artículos habituales. El martes 6 de octubre subo la primera reseña.

Nuevamente gracias por el apoyo, y para quienes aún no lo conocen los invito a visitar mi otro blog:

http://cinemauniverse.blogspot.com/

por Fantomas.

The Angry Red Planet: Un delirante viaje a Marte.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sat, 03 Oct 2009 00:20:57 PDT

“The Angry Red Planet” (1960), es una cinta de ciencia ficción del director Ib Melchior, la cual está protagonizada por Gerald Mohr, Naura Hayden, y Les Tremayne.

El X1, el primer cohete tripulado lanzado a Marte, es recuperado en órbita después que su misión se había dado por perdida. Sólo dos sobrevivientes han regresado con vida, y una de ellos, la doctora Iris Ryan (Naura Hayden), es sometida a tratamiento farmacológico para superar la amnesia que el shock le ha provocado. Ryan comienza a relatar los sucesos de la misión, desde el descenso en Marte hasta el descubrimiento de la flora y fauna que puso en peligro la vida de los astronautas.

Dentro de las tantas cintas de ciencia ficción de bajo presupuesto que se realizaron durante los cincuenta y los sesenta, de vez en cuando uno suele encontrarse con algunas películas bastante peculiares, siendo una de ellas “The Angry Red Planet”. Esta producción fue perpetrada por la dupla conformada por Ib Melchior y Sid Pink, quienes durante la década de los sesenta se dedicaron a filmar algunas cintas de ciencia ficción de bajo presupuesto, entre las que se encuentran “Reptilicus” (1961) y “Journey to the Seventh Planet” (1962), bajo el alero de la American International Pictures. Aunque las misiones a Marte eran un tema común de las cintas de ciencia ficción de la época, pocos films fueron capaces de relatar una historia tan alucinógena como la de esta cinta.

La película comienza de buena manera, casi como si fuese una suerte de documental, donde se relata el proceso de intercepción del cohete, y como este es controlado por los científicos de la Tierra. Dicha secuencia es manejada de buena manera, donde el director mantiene el suspenso con respecto al destino de los ocupantes de la nave. Cuando la nave aterriza, uno no sabe muy bien con lo que se pueden encontrar una vez que abran la escotilla de la nave; y cuando finalmente uno de los sobrevivientes es retirado en una camilla con algo gelatinoso y verde en una de sus manos, se siembran aún más dudas con respecto a lo sucedido en el planeta rojo. Uno podría deducir que toda la secuencia inicial tiene dos objetivos puntuales; por un lado, mediante el tratamiento documental que se le da a la llegada de la nave, donde además se insertan imágenes de una misión real, el director intenta otorgarle a la historia un cierto dejo de verosimilitud científica acerca de lo que acontece. Al mismo tiempo, intenta emular parte de lo visto en la mágnifica “The Quatermass Xperiment” (1955), del director Val Guest.

Lo verdaderamente delirante comienza una vez que la doctora Iris Ryan comienza a relatar lo sucedido en la misión a Marte. Es en este momento cuando la cinta deja en evidencia de que se trata de una producción que pese a carecer de un gran presupuesto, le sobra creatividad. Es ahí cuando conocemos a los integrantes de la tripulación del cohete, la cual está compuesta por el Coronel Thomas O´Bannion (Gerald Mohr), un tipo que parece haber sido sacado directamente de una cinta de gangsters; el profesor Theodore Gettell (Les Tremayne), el personaje más serio de la tripulación; el ingeniero Sam Jacobs (Jack Kruschen), quien parece más interesado en leer sus historietas de ciencia ficción que en la misión en si; y finalmente la ya mencionada doctora Iris Ryan. Durante el transurso de la cinta, el director pretende que el espectador crea que se está desarrollando una suerte de romance entre la científica y el coronel, aunque por la forma en que él intenta conquistarla, probablemente hoy sería acusado de acoso sexual.

Una vez que la tripulación aterriza en Marte, podemos ver la razón por la cual "The Angry Red Planet" pese a ser una cinta menor dentro del género, sigue siendo recordada como un film de culto. Al momento de filmar las escenas en Marte, el director de fotografía Stanley Cortez utiliza un proceso conocido como CineMagic. La premisa básica de dicho proceso consistía en que tanto los actores como los decorados dibujados por el artísta Alex Toth, se sometían a una "solarización" con el fin de que todo se viera como si se tratara de un negativo rojo. El resultado de esto, termina siendo que la película adquire un tono casi surrealista durante las escenas que relatan las correrías de la tripulación en Marte. Esto es reforzado con la aparación de monstruos increíbles como la ameba gigante, y un extraño ser que parece ser la cruza entre una araña y un murciélago. Aunque este último es claramente una marioneta, es por lejos lo más recordado de la cinta.

A diferencia de la gran mayoría de las cintas de ciencia ficción norteamericanas de los cincuenta, donde los marcianos representaban a los rusos y al peligro de una guerra inminente, en “The Angry Red Planet” el mensaje de advertencia cambia de tono. En vez de advertirnos acerca del peligro que supone el comunismo, recalca la idea de que el verdadero peligro reside en la desconfianza del hombre, la que a la larga terminará destruyendo nuestro planeta. Luego de años lidiando con el tema de la Guerra Fría, esta película parece reflejar la frustración de gran parte de la sociedad norteamericana con un conflicto que no va a traer beneficio alguno. Por otro lado, llama la atención el doble discurso que la cinta presenta con respecto a la figura de la mujer. Durante gran parte del film, prácticamente todos los hombres involucrados en la historia realizan comentarios sexistas que recaen en la figura de la doctora Iris Ryan. No solo es el objeto de deseo de gran parte de la tripulación, sino que también es tratada como histérica por el capitán de la nave. Sin embargo, será ella la responsable de encontrar una solución que combata con la extraña sustancia que ha comenzado a atacar el cuerpo de Thomas O´Bannion, convirtiéndose en la verdadera heroina de la cinta.

Las actuaciones en general dejan bastante que desear. Nora Hayden no resulta ser una actriz muy expresiva, y cuesta trabajo creer que ella es una científica brillante. El personaje de Gerald Mohr por otro lado, parece una mala imitación de Humphrey Bogart, mientras que el aporte de Jack Kruschen es casi nulo. Probalemente es Les Tremayne el único que logra que su interpretación resulte más creíble. Los decorados en general son bastante minimalistas, donde el interior de la nave esta compuesta solo por dos cuartos, algunos sillones de oficina, un par de osciloscopios, y unos cuantos paneles con luces titilantes. La banda sonora de Paul Dunlap resulta ser correcta, al igual que la fotografía de Stanley Cortez. Aunque “The Angry Red Planet” es una cinta plagada de errores propios de una producción de bajo presupuesto, termina siendo un film sumamente entretenido, donde obviamente el tramo más interesante de la historia resulta ser la estadia en Marte de los astronautas. Además, pese a la simpleza del guión, el director logra insertar un par de interrogantes que resultan efectivas a la hora de mantener la atención del espectador una vez que los sobrevivientes regresan del planeta rojo. Gracias a sus errores y sus virtudes, “The Angry Red Planet” es hoy considerada como una cinta de culto, y con justa razón.

por Fantomas.

Scanners: Cuando los pensamientos matan.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Wed, 30 Sep 2009 23:17:07 PDT

“Scanners” (1981), es una película de ciencia ficción escrita y dirigida por David Cronenberg, la cual está protagonizada por Jennifer O´Neill, Stephen Lack, Michael Ironside, y Patrick McGoohan.

Los scanners son un grupo de individuos con increíbles poderes psíquicos, gracias a los cuales pueden leer la mente de las demás personas e incluso llegar matar. Cuando una misteriosa compañia llamada ConSec se entera de que un scanner rebelde llamado Darryl Revok (Michael Ironside), está formando una organización que busca dominar el mundo, el doctor Paul Ruth (Patrick McGoohan) recluta a un scanner marginal llamado Cameron Vale (Stephen Lack), para que localize a Revok y ponga fin a su plan antes de que sea demasiado tarde.

Luego de filmar tres películas donde los protagonistas son personas comunes y corrientes que se ven involucrados en mundos de pesadilla cuya manifestación son mutaciones físicas (“Shivers”, “Rabid”, y “The Brood”), David Cronenberg cambiaría la fórmula centrando la historia de esta película en hombres especiales cuya mutación es a nivel mental, los cuales tienen dificultades para vivir en sociedad. Ambientada en un futuro indeterminado, “Scanners” es considerada como una cinta de ciencia ficción con algunos toques de horror, combinación de géneros que no resulta extraña si revisamos la filmografía de este director. De hecho, el mismo Cronenberg declaró en una ocasión: “Todos mis films de horror poseen elementos de ciencia ficción, por lo tanto es inevitable que mis films de ciencia ficción tengas algunos elementos del cine de terror”.

Esta no sería la primera vez que Cronenberg abordaría una historia en la que se toca el tema de los poderes mentales; en 1969, el director filmó un corto experimental llamado “Stereo”, que también lidiaba con el tema de la telepatía. Según el director, “ambas cintas usan la telepatía como metáfora de una cierta sensibilidad especial, además de ejemplificar la complejidad de las relaciones humanas. Además Scanners agrega la idea del telépata como un extraño, un hombre alejado del resto de la sociedad no por su poder, sino por la imposibilidad de lidiar con las consecuencias de este”. Pese a contar con alrededor de cinco millones de dólares de presupuesto, Cronenberg solo tuvo dos semanas para coordinar el proceso de pre-producción. Por este motivo, el director solo pudo escribir un borrador del guión, el cual tuvo que ir modificando a medida que filmaba la cinta, razón por la cual se explica que la historia presente algunas falencias.

“Scanners” establece una intrigante teoría conspirativa que involucra al Dr. Ruth, a la oscura compañia ConSec, y a una extraña droga llamada Ephemerol, cuyo efecto es suprimir los poderes de los llamados scanners. Existe un halo de misterio que envuelve las investigaciones del Dr. Ruth y su curiosa cercanía con su más nuevo discipulo. Cameron Vale es un scanner cuyo desconocimiento de su poder lo ha llevado a creer que en un hombre con problemas mentales. Por ese motivo a decidido aislarse del mundo que lo rodea, optando por vivir en la calle lejos de la civilización que tanto le atormenta. Es esa la realidad de Vale cuando el Dr. Ruth lo convoca para detener a la creciente amenaza encarnada en la figura del poderoso scanner Darryl Revok. Sin embargo, a medida que avanza la historia nos daremos cuenta que las intenciones del Dr. Ruth y ConSec distan de ser tan nobles como aparentan.

Como ya había mencionado anteriormente, las inmensas facultades psíquicas de estos fenómenos de la ciencia, los terminan arrastrando a situaciones de marginalidad social, siendo incapaces de llevar una vida normal. Este don o maldición depende de como se quiera ver, los lleva a ocultarse del resto de la sociedad, e incluso de sus pares. Son seres incomprendidos, amargados y angustiados, por la noción de saberse diferentes y saber que jamás podrán encajar en los parámetros establecidos por la sociedad. Por otra parte, mientras algunos intentan aunar sus esfuerzos pacíficamente, otros pretender utilizar su posición privilegiada para someter a la sociedad a su dictado, motivados por sus ansias de venganza, delirios de grandeza o por su simple afán de control total, destruyendo a todo aquel que se interponga en su camino. Con respecto a esto, en una entrevista el actor Stephen Lack menciono que cuando leyó el guión, inmediatamente pensó en el comic de la Marvel, “X-men”, debido a que en el fondo, la temática del comic con la de la cinta es bastante similar. En ambas se presenta a un grupo de personas diferentes al común de la gente, las cuales deben decidir entre trabajar para lograr vivir en armonía con el resto, o luchar contra aquellos que desde su punto de vista, son nada más que seres inferiores.

Como es habitual en el trabajo del realizador, nos vemos involucrados en un mundo extraño y enfermizo, en el que ocurren sucesos inquietantes, fantásticos y terroríficos, y del cual los protagonistas parecen no poder escapar. Cronenberg se encarga de crear una serie de escenarios que producen una sensación de constante amenaza, entre los que se encuentran los escalofriantes laboratorios de ConSec, y el bizarro taller de uno de los scanners. La cruzada de Cameron Vale será dominada por la paranoia de saber que ha ingresado a un mundo en el que nada es lo que parece y donde no se puede confiar en nadie. Sin saberlo, se ha situado en medio de dos poderosas organizaciones rivales dirigidas por siniestros personajes ocultos en las sombras. Por muy inverosímil que parezca la enrevesada trama, Cronenberg logra imprimirle cierto grado de credibilidad a la historia, ayudando a que de esta forma el espectador se involucre más en el relato.

Al mismo tiempo, Cronenberg evita catalogar a sus personajes como buenos o malos, sino que más bien maneja a personajes impredecibles y perfectamente corrompibles. Lamentablemente, la película sufre por un protagonista que no alcanza a capturar por completo la atención del espectador, en gran medida por la mediocre actuación de Stephen Lack. Lo mismo sucede con el interés amoroso del protagonista, interpretado por Jennifer O´Neill, quien no aporta demasiado a la trama. Esto es compensado por el "mad doctor" de turno, interpretado por Patrick McGoohan; y el demente Darryl Revok, interpretado por Michael Ironside. Son estos personajes los que detonan los momentos de mayor tensión de la cinta, siendo los protagonistas meros títeres en una lucha de poderes. La inquietante atmósfera construida a través de los escenarios en que se desarrolla la historia, es complementada por la estupenda banda sonora de Howard Shore. Otro de los puntos altos de la cinta lo constituyen los estupendos efectos especiales, siendo la escena de la explosión de la cabeza de uno de los scanners, una de las más recordadas del film.

Con “Scanners” el director David Cronenberg nuevamente diserta acerca de las metamorfosis tanto físicas como mentales, que el ser humano esta llamado a sufrir durante el transcurso de su vida, y las consecuencias que estas acarrean. A ratos la cinta sufre algunas lagunas que pueden llegar a minar la atmósfera construida o el grado de interés del espectador en la historia, siendo estas compensadas con algunos momentos de acción explosiva. La cinta además presenta un final abierto y ambiguo, que puede generar múltiples interpretaciones. Ciertamente “Scanners” no es una de las mejores cintas de Cronenberg, pero sin duda es un film disfrutable, provocador por momentos, y cuya temática generó una serie de secuelas que lamentablemente no alcanzaron el nivel de la cinta original.

por Fantomas.

I Confess: El lazo de Hitchcock con la religión.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sun, 11 Oct 2009 14:50:40 PDT

“I Confess” (1952), es una cinta de suspenso del director Alfred Hitchcock, la cual está protagonizada por Montgomery Clift, Anne Baxter, Karl Malden y Brian Aheme.

Otto Keller (O. E. Hasse) y su esposa Alma (Dolly Haas) trabajan como cuidador y ama de llaves respectivamente, en una iglesia católica en Quebec. Mientras asalta una casa donde trabaja esporádicamente como jardinero, Otto es sorprendido por el dueño y lo asesina. Lleno de remordimiento, el criminal vuelve a la iglesia y le confiesa al Padre Michael Logan (Montgomery Clift) su crimen. La policía no tiene muchas pistas y una serie de eventos terminan poniendo al sacerdote, quien no puede revelar el secreto de la confesión, como principal sospechoso del crimen.

En 1947, un sobrino del dramaturgo Paul Anthelme había heredado los derechos de la obra de teatro, “Nos deux consciences”, la cual posteriormente le vendió al agente literario Louis Verneuil. Este último escribió un guión adaptando la obra, el cual eventualmente le vendería a Alfred Hitchcock y su compañia la Transatlantic Pictures. Cuando la Transatlantic fue disuelta, los derechos fueron vendidos a la Warner, con la idea de que en algún momento el director se interesaría en llevar la historia a la pantalla grande. Antes de que esto sucediera, se habían escrito a los menos tres borradores que Hitchcock había rechazado antes de abandonar por completo el proyecto. En 1952, preocupada por la inactividad profesional del director, su esposa Alma le sugirió a su marido que retomara el proyecto que había dejado botado algunos años atrás.

Cuando Hitchcock revisó los borradores, no tardó en entusiasmarse nuevamente con la historia. Esto sucedió debido a que el director había sido educado en las tradiciones del catolicismo romano, por lo que la historia de un sacerdote que no puede revelar la identidad de un asesino que, bajo el secreto de confesión, le ha contado sobre su crimen, despertó un interés cultural y personal de Hitchcock por la historia. Para el director, “I Confess” significaba una oportunidad de explorar más detenidamente el sentimiento de culpa que ya había tocado con anterioridad en otras de sus cintas. Mediante esta historia Hitchcock no solo podía exponer su necesidad de confesar las culpas a otros, sino que también sirvió testimonio del lugar que ocupaba Alma en la vida del destacado director.

Tras haber seleccionado la ciudad de Quebec como el escenario donde se desarrollaría la historia, debido a que esta era una ciudad rica en tradiciones de catolicismo francés, donde abundaba la iconografía religiosa, los hábitos sacerdotales y las imágenes de Cristo crucificado, Hitchcock y su esposa comenzaron a buscar al guionista que desarrollaría la historia. Finalmente terminaron contratando a William Archibald, quien hasta el momento solo había trabajo en el teatro. Ya que el antagonista de la historia era un refugiado alemán que trabaja como sacristán en una iglesia de Quebec, Hitchcock deseaba a alguien que fuera capaz de manejar adecuadamente los temores y actitudes del personaje. Tras ver la obra teatral “Flight into Egypt” de George Tabori, la cual trataba acerca de los apuros de los refugiados europeos, pensó en el director de la obra como el indicado para revisar los diálogos del guión escrito por Archibald. Para ese entonces, el guión presentaba una historia bastante diferente a lo que era la obra teatral original.

Aunque la base del argumento de “I Confess” es el sentimiento de culpa del sacristán que lo lleva a confesar su crimen a su esposa y al sacerdote que lo ha empleado, Hitchcock reconoce que la culpabilidad tiene derivaciones muchos más complejas, ya que el hombre asesinado estaba chantajeando a una vieja amiga del sacedorte, ahora casada. Es por esta razón que la confesión del sacristán es una de las tantas confesiones que aparece en la cinta (confesiones de culpabilidad, de amor, de pasado silencioso y de pasión reprimida), las cuales se hallan equilibradas en el personaje principal. Por otra parte, existe una clara identificación de Hitchcock con el temeroso y reservado Otto Keller, quien se muestra atormentado por la culpabilidad de haber traicionado la confianza de sus seres queridos, y por el dolor que le ha ocasionado a su esposa, quien curiosamente se llama Alma. Tanto Keller como Hitchcock, demuestran ser dos hombres tímidos los cuales son sumamente dependientes de sus esposas (algunos años más tarde, Hitchcock valoraría públicamente la ayuda que había recibido de su esposa Alma durante toda su carrera), por lo que resulta evidente que el personaje es una suerte de alter ego del director.

Montgomery Clift sería el encargado de interpretar al Padre Michael Logan, un hombre atrapado entre la religión y su instinto de autopreservación. Pese a ser un actor talentoso y popular, Clift era al mismo tiempo un hombre infeliz y trastornado, dependiente del alcohol y de su maestra de interpretación Mira Rostova. Clift insistía en la aprobación de Rostova antes de filmar una escena, lo que le trajo más de algún problema con el director, agregando considerables dosis de tensión al proceso de filmación. Esto se sumó a que el actor se encontraba constantemente bajo los efectos del alcohol, lo que no facilitaba las cosas. Debido a que al director no le gustaba la confrontación directa, utilizó a Karl Malden como intermediario, debido a que era una persona a la que Clift admiraba y escuchaba. Aunque a Hitchcock no le gustaba el accionar de Clift, ni tampoco su interpretación del personaje, si sentía cierta fascinación por la vida personal del actor.

Si bien la historia es sumamente interesante y contiene momentos de verdadera tensión, Hitchcock más tarde se daría cuenta que la idea de utilizar una doctrina católica como la clave de un juicio por asesinato podría no ser entendida por las audiencias no católicas. Y la verdad es que no se equivocó: al poco tiempo de su estreno aparecieron críticas que señalaban que les parecía ridícula la idea de que un sacerdote arriesgara su vida con tal de respetar el secreto de confesión. Las actuaciones que presenta la cinta son en general excelentes. Pese a sus problemas, Montgomery Clift interpreta a la perfección a un sacedorte con una fe inquebrantable. En algunos momentos, uno llega a pensar que el Padre Logan es un personaje casi masoquista, que opta por el camino más díficil para solucionar sus problemas, a sabiendas del sufrimiento que este puede provocarle. Anne Baxter por su parte (quien fue contratada luego de que el estudio despidiera a Anita Björk por algunos aspectos de su vida personal), interpreta de manera perfecta a una mujer que sufre por la injusta acusación de la que es víctima su amor de juventud. El resto de los actores realiza un trabajo sólido, impriéndole realismo a la historia.

“I Confess” además presenta una estupenda fotografía de Robert Burks, y la igualmente maravillosa banda sonora de Dimitri Tiomkin. La cinta es un espléndido ensayo sobre la culpa, y como esta se traspasa entre los diferentes personajes que interectúan en la historia. El film logra mantener la atención del público con una tensión casi permanente, un par de revelaciones inesperadas, y un ritmo narrativo más que adecuado. Considerada injustamente como otra de las obras menores del director, esta película sin duda va a dejar satisfechos a los seguidores de Hitchcock y a los amantes del cine de suspenso por igual.

por Fantomas.

Ghost in the Shell 2: Innocence: ¿Qué es lo que nos convierte en humanos?

noreply@blogger.com (Fantomas) — Mon, 12 Oct 2009 01:28:10 PDT

“Ghost in the Shell 2: Innocence” (2004), es una cinta de animación escrita y dirigida por por Mamoru Oshii.

Es el año 2032 y la línea entre los hombres y las máquinas casi se ha velado más allá de la distinción. Los seres humanos se han olvidado de que son humanos y aquellos que han dejado de serlo, coexisten con los cyborgs y las muñecas (robots sin elemento humano ninguno). Como detective para la unidad antiterrorista secreta del gobierno conocida como Public Security Section 9, Batou está investigando el caso de un robot femenino creado específicamente para tener relaciones sexuales, el cual ha asesinado a algunos de sus dueños. Mientras que Batou cava más en la investigación, más se cuestiona acerca de la naturaleza del hombre y su propia naturaleza.

Ambientada a continuación de la aclamada “Ghost in the Shell” (1995), está cinta comienza algunos años después de los eventos del film original. El mundo donde se desarrolla la historia se caracteriza por presentar a humanos y a cyborgs (parte hombre y parte máquina en distintos grados) conviviendo tranquilamente. En este futuro, la línea divisora entre organismo y máquina es bastante delgada. Es aquí donde entra el personaje de Batou, un cyborg completamente mecanizado que pese a su naturaleza, logró asimilar los acontecimientos sucedidos con su compañera Motoko Kusanagi en la primera cinta (relacionados con el desarrollo de un alma por parte de un cyborg), otorgándole un cierto dejo de “humanidad”. Por otra parte, su actual compañero llamado Togusa, posee un cuerpo casi en su totalidad orgánico donde solo su cerebro es sintético. Sin embargo, es lo más parecido a un humano en la famosa Sección 9.

Durante la primera parte de la cinta, la historia funciona como un relato policial para más tarde comenzar a tocar tópicos más complejos. Una oleada de asesinatos a comenzado a afectar a varios miembros de la elite política y financiera de la ciudad. Dichos asesinatos, han sido perpetrados por unas muñecas completamente mecanizadas llamadas “gynoides”, las cuales sin razón aparente han atacado a sus amos. Al igual que la primera cinta, “Innocence” describe como el rápido avance de la tecnología gradualmente comienza a borrar los vestigios de lo que nosotros conocemos como humanidad, y las almas que nos distinguen como humanos. En este mundo en constante evolución, la obsesión del ser humano por recrearse a si mismo, ha derivado en que las nociones de amor y espíritu se hayan vuelto obsoletas. Es en este contexto que durante el transcurso de la cinta vemos los intentos de Batou por mantener su lado humano, su fantasma (o alma), pese a que todo indica que él es incapaz de desarrollar algo parecido a lo que nosotros conocemos por alma.

La idea de lo real y lo irreal cruza toda la película. Oshii se encarga de aclararnos de que no todo lo que vemos es real, y que la realidad es un concepto que necesita ser revisado. Al mismo tiempo, el director explora la valoración cada vez menor que se les da a los sentimientos, en aras de logros personales o económicos. En la sociedad futurista de la cinta, vemos como los humanos sienten la necesidad de convertirse en cyborgs con el objetivo de incrementar su capacidad sensorial y su entendimiento de las cosas. Tomando la idea de Descartes, “primero pienso, luego existo”, la posesión de un alma parece estar demasiado sobrevalorada en una sociedad regida por los logros y la tecnología. En este mundo donde todo puede ser reemplazado y mejorado, todo aquello que no sirva a un propósito inmediato tiende a ser desechado. ¿Puede tener significado algo que no puede ser reconocido o representado por una computadora? y ¿Es posible reducir la espiritualidad o la moral a la simple lógica de un algoritmo?, son dos de las preguntas que Oshii nos plantea a lo largo de la cinta.

Por otra parte, en un momento de la cinta, existe una discusión acerca de lo que nos caracteriza como humanos, lo que se entrecruza con nuestra noción de lo que es real o irreal. Para esto se utilizan como ejemplo a la muñecas: una muñeca a los ojos de un adulto es un objeto completamente inerte. Sin embargo, a los ojos de un niño, se convierten en seres “reales” desde el momento en que les asignan una personalidad virtual y se vuelven en el objeto de su afecto. A su vez, las muñecas de la cinta o gynoides, vienen a reflejar uno de nuestros más grandes miedos; que en realidad todos nosotros no seamos más que caparazones vacios, no existiendo nada que nos convierta en seres especiales. Esa es la lógica a la que se ve enfrentado Batou. ¿Es él un simple robot capaz de razonar o algo más? En ese sentido, la mascota de Batou juega un papel importante en su búsqueda por un alma. Precisamente. las escenas con su perro sirven para demostrar los vestigios de humanidad que posee. Son la únicas evidencias de que en su interior, se esconde algo más que cables y circuitos.

Más allá del aspecto filosófico de la cinta, “Innocence” presenta una animación simplemente espectacular, que utiliza sin reparos algunas imágenes generadas por computadora. Al igual que el film anterior, estamos frente a un festín visual en el cual la elección de los colores y el diseño de los escenarios se mezclan de manera perfecta. llamado inmediatamente la atención del espectador. Es así como nos encontramos con escenas perfectamente orquestadas como el violento ataque a la guarida de los yakuza, o la conmovedora escena en la cual Batou llega a casa después de un largo día de trabajo, para alimentar a su perro y sentarse apesadumbrado por los profundos y oscuros pensamientos que inundan su cabeza. Todo esto es complementado de manera perfecta por la estupenda banda sonora de Kenji Kawai, y por la cuidada fotografía de Miki Sakuma.

El principal problema con “Innocence”, es que si bien presenta algunos planteamientos filosóficos sumamente interesantes, el hábito de los personajes por citar a diversos filófosos y teólogos, termina siendo algo molesto debido a que nos distrae de la trama central. Aunque la historia base de la cinta es relativamente simple, la forma en como esta es narrada resulta en extremo compleja, por lo que tal vez sea necesario darle más de un visionado al film para entenderlo en su totalidad. “Ghost in the Shell 2: Innocence”, no logra superar lo hecho por la cinta original, principalmente porque el director en su intento por filmar una cinta cerebral con un apartado visual deslumbrante, deja a medio camino el aspecto narrativo de la misma. Aunque no es estrictamente necesario haber visto "Ghost in the Shell", si es recomendable verla primero para entender un poco más acerca de el mundo en el que se desarrollan los acontecimientos. De todas formas, “Innocence” es uno de los buenos films de animación que se han realizado en la última década, conviertiéndose en una cinta más que recomendable para aquellos que les guste este tipo de cine o para cinéfilos aventureros en búsqueda de nuevos horizontes. ´

por Fantomas.

Whirlpool: Los oscuros alcances de la hipnosis.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sun, 11 Oct 2009 14:50:40 PDT

“Whirlpool” (1949), es un thriller del director Otto Preminger, el cual está protagonizado por Gene Tierney, Richard Conte, José Ferrer, y Charles Bickford.

Por miedo a que su esposo psiquiatra (Richard Conte) se entere de su cleptomanía, Ann Sutton (Gene Tierney) intenta solucionar su problema con la ayuda del hipnotista David Korvo (José Ferrer). Sin embargo, Ann no tardará en involucrarse en un abismo de engaños y traiciones, una vez que Korvo ponga en marcha su diabólico plan, el cual involucra controlar su frágil subconsciente.

Durante sus últimos años de contrato con la 20th Century Fox, el director Otto Preminger realizó tres thrillers psicológicos: “Whirlpool”, “Where the Sidewalks Ends” (1950), y “The 13th Letter” (1951). La cinta que hoy nos ocupa, sería escrita por Ben Hecht, quien también había sido el responsable del guión del film de Alfred Hitchcock, “Spellbound” (1945). Al igual que los personajes de sus cintas, Hecht tenía una doble vida dominada por el engaño, el miedo y la traición. Incluso cuando “Spellbound” y “Whirlpool” fueron filmadas por distintos directores, ambas películas presentan doctores involucrados sentimentalmente con sus pacientes, engañosos hipnotistas, y curanderos que matan a su competencia con la misma facilidad con la que curan a sus pacientes. Además, en ambas cintas son psiquiatras los que arrastrados por sus sentimientos por los acusados, se lanzan a la búsqueda de la verdad que logre liberar a sus amados.

La intrincada trama establece que desde un inicio que el personaje de Gene Tierney es cleptómana. Cuando ella es atrapada robando en un tienda, David Korvo decide intervenir. Aunque la protagonista no confía en Korvo, un tipo que dice ser astrólogo y una suerte de terapeuta, es dominada por el miedo a que su marido descubra su enfermedad y deje de amarla, por lo que acepta tratar su cleptomanía por medio de la hipnosis. Para Korvo, esta mujer no es más que una frágil mente que puede ser manejada a su antojo, y la que puede utilizar para realizar lo que a todas luces se podría considerar como un crimen perfecto. Eventualmente entrará a la historia el detective James Colton (Charles Bickford) para intentar solucionar el crimen en el que se ha visto involucrada la protagonista, y el marido de esta quien verá como su matrimonio en teoría perfecto, comienza a desmoronarse. En cierto modo, durante todo el transcurso de la cinta, estos tres hombres intentarán acceder a la mente de Ann Sutton con distintos resultados.

En vez de intentar construir una atmósfera de suspenso al más puro estilo de Alfred Hitchcock, Preminger opta por relatar la historia de manera más objetiva. Él generalmente nos pide que observemos las reacciones de sus personajes ante determinadas situaciones, más que pedirnos que participemos en sus reacciones. En “Whirlpool”, el plan de villano nos es revelado incluso antes de lo que lo sepan los mismos involucrados. Normalmente, este tipo de narración es utilizada para el espectador se involucre emocionalmente con los personajes, sin embargo, en esta ocasión se prentende que el espectador estudie a los personajes como si ellos fueran nuestros pacientes. Nos son expuestas las falencias y las virtudes de la mayoría de los protagonistas (las motivaciones de Korvo van siendo reveladas a medida que transcurre la cinta), lo que nos ayuda a establecer sus motivaciones y sus temores.

Es así como llegamos a notar algunas contradicciones vitales en los personajes. En el caso del Dr. William Sutton, rápidamente podemos percatarnos de que no es un hombre demasiado perceptivo. ¿Cómo pudo vivir tantos años junto a su esposa y no sospechar de que ella sufría una seria enfermadad psicológica? Si bien es cierto, es retratado como un buen marido y un excelente psiquiatra, el cual pese a sus dudas iniciales, no duda en abogar por la inocencia de su mujer. Sin embargo, claramente es un hombre lleno de fallas; no solo es el gran responsable del nuevo brote de cleptomanía de su mujer (“obligándola” a comportarse como una esposa modelo), sino que también queda en evidencia de que es un terapeuta mediocre pese a sus impresionantes credenciales. Por otra parte, pese a que Ann Sutton se encarga de aclarar que no tiene intenciones de comenzar una relación sentimental con Korvo, durante algunos pasajes de la cinta da la impresión que lo considera más que un simple terapeuta y que está dispuesta a ir a prisión con tal de no revelar la verdadera naturaleza de su relación con él.

En cuanto a las actuaciones, Tierney realiza un estupendo trabajo personificando a esta mujer trastornada psicológicamente, rol que probablemente le recordó algunos pasajes de su propia vida (hay que recordar que tras el nacimiento de su primera hija, la cual nació con severos problemas físicos y mentales, Gene Tierney comenzaría a sufrir una serie de problemas psicológicos que la llevarían incluso a recibir electrochoques). José Ferrer por su parte, un actor usualmente críticado por su sobreactuación, es esta ocasión realiza un buen trabajo interpretando al charlatán despreciable y manipulador que es David Korvo. El caso de Richard Conte es bastante especial; este actor se caracterizó por interpretar a una serie de villanos y héroes en una buena cantidad de film noirs. Según el mismo Ferrer, “él sugirió que su personaje fuera interpretado como un tipo rudo de Nueva York más que como un educado psiquiatra”. Quizás por esta razón, su personaje no alcanza a ser ni querible ni despreciable. Lo que si es seguro, es que el Dr. William Sutton es uno de los psiquiatras cinematográficos más rudos de los que tenga memoria.

La cinta presenta una excelente fotografía de Arthur C. Miller, y una banda sonora efectiva compuesta por David Raksin. En la superficie, “Whirlpool” es un complicado y a ratos implausible melodrama, el cual incluso incluye una escena de auto-hipnosis. La trama resulta ser bastante interesante gracias a las ingeniosas vueltas de tuerca que presenta, y a la exploración de los aspectos psicológicos de sus personajes. Pese a que tanto Preminger como la cabeza de la 20th Century Fox, Darryl Zanuck, esperaban que esta cinta tuviera el mismo éxito que “Laura” (1944), finalmente terminó siendo considerada como una obra menor en la filmografía del director. Aunque algunos critican la excesiva teatralidad de algunos pasajes de “Whirlpool”, es especial de su final, la verdad es que se trata de un film entretenido, con un ritmo narrativo más que adecuado, que presenta una mirada a los alcances de la hipnosis y a las dificultades de las relaciones interpersonales, tema que siempre llamó la atención de este artesano llamado Otto Preminger.

por Fantomas.

Bullitt: La mejor escena de persecución de la historia del cine.

noreply@blogger.com (Fantomas) — Sun, 11 Oct 2009 14:53:34 PDT

“Bullitt” (1968), es un thriller policiaco del director Peter Yates, el cual está protagonizado por Steve McQueen, Robert Vaughn y Jacqueline Bisset.

El senador Walter Chalmers (Robert Vaughn) consigue que el mafioso Johnny Ross (Pat Renella) declare en contra del Sindicato del Crimen, y al teniente Frank Bullitt (Steve McQueen) le es asignada su custodia. Pero las cosas van terriblemente mal, y Ross y un compañero de Bullitt son baleados salvajemente en el cuarto de hotel donde se refugiaban. Investigando sobre el mafioso, Bullit descubre que éste se había ofrecido al programa federal de protección de testigos después de robar dos millones de dólares en Chicago, por lo que comienza a sospechar que todo se trata de una compleja conspiración.

Para fines de los sesenta, Steve McQueen se había convertido en una de las grandes estrellas hollywoodenses gracias a su participación en cintas como “The Magnificent Seven” (1960), “The Great Escape” (1963), y “The Sand Pebbles” (1966), entre otras. En tan solo una década, él pasó de ser un simple actor de televisión, a ser una estrella internacionalmente conocida con la capacidad de formar su propia compañia de producción. El productor Philip D´Antoni había seleccionado la novela “Mute Witness” del escritor Robert Pike , esperando que el veterano actor Spencer Tracy estuviera dispuesto a interpretar el rol de Clancy, un desafortunado polícia de Nueva York. Cuando McQueen mostró cierto interés en el proyecto, los ejecutivos de la Warner Brothers vieron que la cinta se podía convertir en un potencial éxito de taquilla, por lo que ordenaron que el guión se reescribiera, cambiando el nombre del protagonista, su edad, y la ciudad donde se desarrollaba la historia.

Fue así como nació Bullitt, un rudo policía de San Francisco que bien podría considerarse como un predecesor del protagonista de “Dirty Harry” (1971), Harry Calahan, interpretado por Clint Eastwood. Buscando imprimirle un mayor realismo a la cinta, McQueen no solo exigió que en las escenas del hospital aparecieran médicos y enfermeras aunténticos (cuya misión era conferirle más veracidad a aquellas escenas, en especial a las tomas en la ambulancia), sino que también luchó para que la historia se filmara casi en su totalidad en locaciones, y no en el estudio como lo deseaban los ejecutivos de la Warner. Pese a los problemas que significaba filmar una cinta casi en su totalidad en locaciones, los ejecutivos terminaron cediendo ante las exigencias del actor, por lo que “Bullitt” pasó a convertirse en la primera cinta filmada completamente en locaciones, para lo cual el equipo de filmación tuvo que utilizar una serie de cámaras livianas llamadas Arriflex.

Pese al realismo que presenta la cinta, la verdad es que “Bullitt” es más conocida por sentar cátedra de lo que debe ser una persecución en coche, con una salvaje escena de casi once minutos de duración por las calles de San Francisco, donde la única banda sonora son los rugidos de los motores de los automóviles. Dicha escena, sigue siendo considerada por muchos, como la mejor escena de persecución de la historia. McQueen, demostrando que era un tipo rudo tanto frente como tras la pantalla, insistió en que él quería realizar todas las escenas de riesgo, incluyendo la escena de la persecución a más de 180 kph. Sin embargo, si bien el director Peter Yates ha mencionado que fue el actor quien filmó dicha secuencia, otras fuentes mencionan que McQueen estalló en ira cuando una mañana despertó y se enteró que gran parte de la secuencia ya había sido filmada. Más allá de este dato anecdótico, esta famosa escena fue la primera de este tipo que no se rodó en cámara rápida para simular una velocidad más elevada. Aunque la secuencia está perfectamente lograda, si uno se fija bien, durante la persecución el protagonista adelanta al mismo escarabajo verde cuatro veces.

Frank Bullitt es un policía bastante poco convencional. No solo se viste a la moda, sino que también maneja un Mustang y tiene a un hermosa novia (Jacqueline Bisset) cuyo mayor interés es el arte moderno. En cuanto a su personalidad, es un tipo solitario que fuerza los límites de la legalidad con tal de capturar a los delicuentes, sin nunca traspasar la delgada línea que lo separa de aquellos a los que persigue. Para él, lo principal es cumplir con su trabajo sin esperar nada a cambio. Esto choca con las ambiciones del político Walter Chalmers. Y es que precisamente el tema principal de la cinta es el enfrentamiento entre la ambición política y el olfato policíaco. Mientras que Chalmers espera promocionar su carrera gracias a la declaración de un gángster, Bullitt solo desea encontrar al culpable del baleo de su compañero. Por otra parte, el personaje interpretado por Jacqueline Bisset además de adornar la pantalla con su belleza, tiene como objetivo humanizar a este hombre en apariencia frío, además contrastar el violento mundo en el que se desenvuelve Bullitt, con la vida más familiar y tranquila que tiene el ciudadano promediom.

La cinta en general presenta pocos diálogos, y los que presenta son bastante breves. Bullitt es un personaje más bien silencioso que solo habla cuando es estrictamente necesario, comunicándose mayormente mediante gestos y miradas. La historia es bastante lineal, lo que impide que esta se vuelva demasiado complicada, presentando una serie de interrogantes que logran capturar la atención del espectador. Más allá de la escena de la persecución y un par de escenas puntuales, “Bullitt” es un thriller policial inteligente donde los personajes utilizan más sus cerebros que sus pistolas. Tal vez por esta razón para algunos espectadores habituados al ritmo de las cintas actuales donde las persecuciones automóvilisticas, las explosiones y las escenas de riesgo están a la orden del día, esta película pueda parecerles algo lenta, aunque de ninguna manera esto lo convierte en un mal film. En gran medida, es uno de los precursores del cine de acción actual, y ha sabido envejecer bastante bien.

Al igual que Eastwood, McQueen es lo que podría llamarse como un actor minimalista; con su sola presencia llena la pantalla, y su mirada transmite más que las palabras. El actor hace un estupendo trabajo en esta cinta, personificando a quien se convertiría en el personaje más icónico de su carrera. Robert Vaughn por su parte, realiza un trabajo correcto interpretando a un político de oscuras intenciones, y Jacqueline Bisset aunque no deja una gran impresión, si cumple con humanizar al personaje de McQueen. La fotografía de William A. Fraker es sencillamente espectacular, mientras que la jazzística banda sonora compuesta por Lalo Schifrin, es una de las más recordadas del compositor. Peter Yates utiliza las relaciones, el diálogo y las expresiones para establecer la atmósfera de constante peligro que posee la cinta. En general, el film parece tener un mensaje pesimista, donde más allá del resultado, uno queda con la sensación de que los criminales siempre van un paso más adelante que la ley. En definitiva, “Bullitt” es un verdadero clásico, que ha envejecido de buena manera, sirviendo de modelo para muchos directores, y que aparece como una excelente opción para descansar de la pirotecnia sin contenido que es cada vez más común en los thrillers policiales actuales.

por Fantomas.