CinemaSioner

La visión budista del infierno en "Jigoku" (Nobuo Nakagawa, 1960)

2012-01-24T14:12:00.003+01:00

Sinopsis: "Tras un accidente en la ruta en el cual atropellan a una persona, Shiro y Tamura, dos estudiantes de teología, huyen del lugar. Shiro, el más inocente, quiere confesar el accidente, pero su malicioso amigo Tamuro lo impide, la espiral de muerte irá creciendo hasta que ellos y quienes les rodean conocerán el infierno de primera mano."

En 1960 Japón empezaba a vivir su "nueva ola" al igual que el cine europeo, se empezaba a apostar por cine de menor presupuesto y arriesgado. Eso llevó al estudio Shintoho, antaño uno de los grandes de Japón, a apostar por una película arriesgada y esotérica y que, como si de un castigo divino se tratase, se convertiría en el último film que rodaría el estudio.

La historia gira en torno a la visión teológica y terrenal de los pecados y la vida después de la muerte, así, la película se parte en dos, siendo los primeros cincuenta minutos un thriller de cine negro con elementos sobrenaturales al más puro estilo Teruo Ishii (que también había dirigido para el mismo estudio), en el que el protagonista sufre de culpabilidad mientras tiene extrañas visiones y varias mujeres intentan asesinarle como venganza por el atropello que cometió. Mientras, su vida se tambalea y su novia muere en otro accidente, esta vez provocado por su amigo Tamura. Pero donde "Jigoku" pasará a la historia es por la última hora de película en que se muestra una representación budista del infierno, de los pecados y los dioses del inframundo con una iconografía muy bien delimitada y filmada que entremezcla la visión estilizada de los escenarios o los cánticos operísticos con lo grotesco.

Los infiernos budistas y su iconografía

Nobuo Nakagawa, director de la película, era conocido por sus aportaciones al "Kaidan eiga" (género de terror japonés caracterizado por hacer hincapié en la mezcla de folclore histórico y fantasmas). Sin embargo con "Jigoku", que significa "Infierno" en japonés, fue más allá, quería hacer una película de terror completamente desvinculada de la senda del género, adentrándose en temas teológicos más profundos y explicando brevemente los ocho infiernos budistas que se dividen por subinfiernos tanto por tipo (llameantes y helados) como también por el tipo de pecado cometido. La bella composición de los planos del inframundo se contrapone con los momentos de tortura que tienen que soportar los personajes que han cometido pecado (en un momento de la película Tamura condena a todos ya que en cierto modo "todos han asesinado"), en cierto modo ese pecado viene dado por el sentimiento de culpa y de miedo al compromiso del protagonista que por asesinato, dejando entrever que estos sentimientos son en cierta medida un infierno interior con el que convivir más allá del infierno físico que hace acto de presencia más adelante.

Otra de las características de este infierno budista que lo diferencian del cristiano es la no eternidad del sufrimiento; según el pecado cometido se enfrentan a una tortura que se repite en bucle, es decir, por asesinato uno de los personajes se enfrenta a un demonio que lo descuartiza una y otra vez o bien una pareja condenada a arder por la eternidad hasta que dejen de gritar. Una vez paren de quejarse del sufrimiento la tortura se detiene. El motivo es la propia percepción teológica del budismo, que cree en la reencarnación, es por tanto el infierno budista una especie de equivalente al limbo occidental, un lugar intermedio entre una reencarnación y otra. Otra apreciación clave que lo distingue de su homónimo occidental es la "personalización" del infierno, y es que cada mundo es la representación de los temores del propio individuo y de esta forma él es su propio verdugo. También destaca la aportación sintoísta en el inframundo con ese "remolino" de personas vagando eternamente.

Retrato del infierno en llamas

La aportación estilística del infierno parte del río Sanzu como frontera entre la vida y la muerte en el reino de los Narakas (Infierno budista) tras el que se encuentran las llanuras infernales como por ejemplo donde Yukiko apila piedras una encima de otra para salvaguardar simbólicamente a su familia (para cada noche ser derribado por un demonio). Como se puede apreciar en los fotogramas, la versión cinematográfica del infierno tiene mucho que ver con la tradición plástica que seguían los pintores japoneses.

La simbología terrenal y el proceso de creación de "Jigoku"

Pero merece la pena llamar la atención también sobre detalles más sutiles que tienen lugar durante la parte "terrenal" que está repleta de simbología soterrada. Momentos repletos de semiótica como aquel en que el tiempo se detiene y los personajes quedan inertes tras una descontrolada bacanal mediante la que los personajes se precipitan hacia el infierno en llamas. Toda una catarsis de cara al espectador y que es donde empieza la verdadera película, más allá del preámbulo de la vida. Este es el momento clave de la cinta y estoy seguro que es una de las razones por las que la película ha pasado a la historia, sin embargo también hay lugares y hechos constantes que como espectador hay que dar caza, como Shiro paseando por las vías de un tren, como caminando entre la vida y la muerte. Otras curiosidades interesantes son la duplicidad de personajes. Así, después de que al inicio de la película Yukiko, la amada de Shiro, muere, aparece una misteriosa joven idéntica de nombre Sachiko que incluso lleva elementos exactos a la fallecida como el omnipresente paraguas. Estos paraguas que sujetan las dos mujeres que desea Shiro, objetos que sin duda tienen una presencia especial, que vienen a simbolizar el deseo y que guardan un destino similar al de los personajes, un apunte que recuerda a Hitchcock y su "Vértigo".

Shiro entre la vida y la muerte paseando por las vías del tren

"Jigoku" supone, por tanto, un viaje dantesco por los infiernos con una iconografía bastante complicada de desentrañar, toda una obra de culto. Haryasu Kurosawa, el director artístico, se propuso, con el escaso presupuesto con que contaba, realizar un infierno que evocase más que mostrase, por tanto no se trata de una cinta gore como uno puede imaginar tras las descripciones que he dado antes, sino que está resuelto con una elegancia y un tempo que recuerdan sobremanera a otras obras del Kaidan eiga. Es precisamente esa atmósfera la que más sobrecoge y aterroriza.

Volviendo a los detalles de cómo fue gestada, su director, Nakagawa, pidió al guionista Ichiro Miyagawa, que realizara un guión sobre el cielo y el infierno, sin embargo, finalmente el cielo no aparece en ningún momento de la película, según su propio guionista "porque no sabía donde meterlo". Aparte de esta anécdota, cuentan en un documental sobre esta película de 2006 titulado "Building the inferno" que al ser la última producción de Shintoho y teniendo un ambiente tan apocalíptico, los extras y el equipo técnico se fundieron en uno, ayudando los unos con la colocación de escenarios y la preparación escenográfica. Finalmente, la película no pudo salvar al estudio de la quiebra y tuvo que cerrar. La aportación de esta película a la historia del cine queda fuera de toda duda, y es que a pesar de lo irregular de su ritmo y que a ciertos espectadores le pueda resultar tediosa sigue a día de hoy siendo una obra rebosante de originalidad. En 1979 se hizo un remake dirigido por Tatsumi Kobashiro dificilísimo de encontrar y en 1999 el famoso director Teruo Ishii (que como ya he comentado antes trabajó para el estudio Shintoho y tiene una obra que encaja muy bien con este clásico) rodó a su manera un remake de la parte infernal con nuevos medios, cromas y demás en una alucinada visión del infierno bastante más gore que la original de Nakagawa. Además hay otro remake taiwanés que no he podido localizar.

Si os decidís a ver esta delicatessen, podéis haceros con el dvd de importación de la genial colección Criterion (eso sí que es una gran distribuidora), como no hay previsto que lancen esta joya también podéis encontrarla por Internet. También podéis encontrarla con su título alternativo en inglés "The sinners of hell". En cuanto a la obra de Nakagawa, esta es quizás su película más recordada aunque tiene clásicos muy importantes como "Snake's woman curse".

Documentales que merecen la pena: Senna (Asif Kapadia, 2010)

2012-01-20T21:10:00.003+01:00

Antes de empezar tengo que confesar que nunca he acabado de cogerle el gusto a la Formula 1, principalmente porque siempre he pensado que aparte de técnica y pericia por parte del piloto, lo que realmente se decide en esos campeonatos es quién tiene el mejor coche y eso, francamente, no me atrae ningún interés. Parte de estas sospechas las confirman algunos de las personas involucradas en ese mundillo y que aparecen en este interesante documental.

Durante los más de cien minutos que dura "Senna" se hace un seguimiento cronológico a la carrera de una leyenda de este deporte, el piloto brasileño Ayrton Senna, que murió en un grave accidente durante el gran premio de San Marino en 1994. La verdad es que, aunque en un principio puede parecer limitado el hecho que todos los recursos utilizados sean material de archivo de la época, pero tras su visionado os aseguro que es todo un acierto; en ningún momento nos saca de la época con las típicas entrevistas enlatadas a día de hoy recapacitando sobre los hecho acaecidos, en su lugar de vez en cuando aparecen diversas voces en off que complementan el relato y en general se da una consistencia al relato mucho más real y viva. De esta forma, son las propias imágenes de los medios de aquellos tiempos los que van formando la película, una impresionante labor de documentación, ya que da la impresión de una planificación perfecta, la trama fluye como si de un film de ficción se tratase, sin que haya sensación de que falta ninguna escena, mostrando todo tipo de rasgos del piloto, su humanidad, su humor, sus cabreos y salidas de tono o sus decepciones y triunfos. Todo ello quedó registrado en su momento y da la impresión que Ayrton tenía una cámara detrás todo el día pero funciona a la perfección gracias al montaje realizado por el equipo de la película.

Cabe destacar que casi todo el peso del documental se lo lleva el enfrentamiento entre los pilotos Prost-Senna, eternos rivales que durante varias temporadas (1988-1993) se disputaron el podio, llegando a producirse mutuamente pequeños accidentes con tal de perjudicar al otro y sacarle de la competición. Durante ese tiempo queda constatado lo mucho que se debieron llegar a odiar y es que se palpa la tensión incluso fuera de las carreras. De hecho uno de los momentos claves fue el campeonato de 1990, en el que los dos estaban a la cabeza y donde el ganador se decidió precisamente por uno de esos choques intencionados.

De esta manera, los fans de la Formula 1 disfrutarán con nostalgia las diferentes temporadas en que Senna o Prost fueron campeones del mundo con partes realmente frenéticas gracias al uso de la "cámara de piloto", recurso que cobra un matiz realmente dramático cuando nos muestran las últimas imágenes que Ayrton tuvo que ver en primera persona. Pero a quién como a mi tampoco le interese en exceso este deporte quedará hechizado ante el carisma del brasileño, los tejemanejes de la federación o el intenso enfrentamiento entre pilotos.

En definitiva un gran documental que reconstruye la historia del piloto desde sus primeros años hasta su muerte sin que en ningún momento se pierda el interés, unos años y un tipo de Como único contra pondría que en ocasiones parece que ensalza su figura demasiado, intentando disimular algunos errores que sin duda cometió en su carrera, aunque desde luego no seré yo quien ponga en entredicho su leyenda, y es que recuerdo en mi infancia haber oído hablar y mucho de este hombre y su mito, y en mi opinión este documental le hace justicia.

Otros documentales del especial "DOCUMENTALES QUE MERECEN LA PENA":

Afghan Star

Exit through the gift shop

I Wish I Knew

Of Time and the city

Tabloid

CinemaSioner cumple dos años

2012-01-13T10:50:00.000+01:00

Hace ya dos años, el 14 de enero de 2010 inauguraba este pequeño blog de cine alternativo. Un lugar no sólo dedicado al análisis sino también a tendencias y curiosidades, algo que he intentado potenciar especialmente en los últimos meses. Ahora por primera vez voy a hacer un poco de promoción propia, y es que en estos dos años hasta la fecha el contador indica que 23.272 personas han visitado Cinema Sioner lo cual me parece una cifra apabullante para tratarse de un blog de cine alternativo. La mayoría de visitantes son de los siguientes países: 10.146 de España, 2.502 de México, 1.924 de Argentina y 1.243 de EEUU entre otros. El post más visto ha sido el de "Mis películas favoritas de la Hammer", seguido de los rankings de mejores películas de la década 2000-2010 y de "Persona" de Bergman o "24 City", la película documental de Jia Zhang-ke. Por otro lado recordar que el primer post del año 2012 fue sobre las curiosidades y rarezas de "Velvet goldmine".

Como podéis ver como celebración por el segundo aniversario he rediseñado la página manteniendo la estructura y cambiado el logotipo insignia, creo que éste es más claro y genérico en cuanto a que se trata de un blog de cine, los anteriores, que os pongo a continuación, estaban dedicados a la película "Thirst" (Park Chan-wook,2009) e "Inland Empire" (David Lynch, 2007) respectivamente. Nada más, el blog seguirá más activo que nunca en esta nueva etapa.

Muchas gracias a todos por seguir Cinema Sioner ;)

Velvet Goldmine (Todd Haynes, 1998)

2012-01-10T15:45:00.002+01:00

"Deja tus expectativas en la puerta" es la frase que puede leerse en el poster de esta "cult movie" de 1998 y, sinceramente, creo que más que una sugerencia en este caso es una obligación, ya que sean como sean tus expectativas antes de verla, "Velvet Goldmine" es una patada de originalidad dentro del drama musical-biopic.

Para empezar podríamos dar varias sinopsis completamente distintas que harían justicia a su argumento; así, puede ser la historia en torno a un periodista (Christian Bale) que en los años 80 le piden que escriba un artículo sobre el décimo aniversario del asesinato fingido sobre el escenario de Brian Slade (Jonathan Rhys-Meyers), superestrella del glam de los 70. O bien podría ser la historia de un cantante de folk que crea un personaje andrógino y extraterrestre para triunfar y se acaba confundiendo con él. O bien la trama gira en torno a una joya del espacio exterior que cae junto a un recién nacido Oscar Wilde y que otorga talento y bisexualidad a todo el que la posee.

Todas ellas tramas entrelazadas que no llegan a formar nunca una película coral sino algo distinto, de alguna forma, el objetivo de "Velvet goldmine" no es diseccionar la etapa de glam rock de los setenta sino transmitir el estado de ánimo y su extravagante contracultura al espectador de hoy. De esta manera, los personajes protagonistas son alter-egos de las estrellas de esos años, así, el personaje Brian Slade está inspirado en David Bowie durante su etapa en la que "interpretaba" dentro y fuera de los escenarios a Ziggy Stardust, un alienígena andrógino y bisexual que quería conquistar la tierra a base de mentiras. Precisamente la mentira es parte de este juego de rock and roll llamado glam, en el que el propio Bowie creó un personaje con el que se fundió durante años hasta que los fans le "matan" figuradamente (en el inicio de la película el personaje es asesinado sobre el escenario, algo que nunca llegó a pasar pero seguro pasó por la mente de Bowie). A raíz de ahí se reconstruyen los hechos de esa época de color y lentejuelas, de homoerótica, excesos y libertad que se contraponen con unos años ochenta que la cinta retrata como oscuros, decadentes e incluso fascistas, en la que el sida acabó con la utopía de una total liberación sexual y resucitó tabúes que habían empezado a extinguirse.

Ziggy Stardust (Bowie) frente a Brian Slade (Rhys Meyers)

Rock is dead...

Es precisamente el título de una canción de Marilyn Manson de 1999 en la que hacía referencia al glam rock y la iconografía de la época de Ziggy Stardust y The Stooges. Precisamente esta misma visión pesimista es la que transmite el film en las escenas intercaladas en que vuelven a los años 80. De alguna forma esa muerte en el escenario de Ziggy (en la película Brian Slade) y su resurrección como cantante republicano estadounidense hace presagiar unos tiempos sin originalidad y el surgimiento de los cantantes-productos que están por todas partes hoy en día, no en vano, se comenta que la principal referencia que tomó el director Todd Haynes para la parte en que recrea los 80 es la famosa novela de George Orwell "1984", que Bowie además aludía en una canción suya.

Además del carisma que desprende Brian Slade (un genial Jonathan Rhys Meyers, por cierto) y sus planificadas contradicciones y salidas de tono, cabe destacar la figura de Curt Wild (Ewan McGregor), un personaje inspirado en Iggy Pop (por su irreverencia, su jugueteo sexual y verbal y su relación platónica con Bowie) y Lou Reed (cuyos padres le daban terapia electroshock para "quitar" sus deseos homosexuales). Además de varios personajes que los entendidos reconocerán al momento y personajes inspirados en aquellos que rodeaban a Bowie como su mujer (interpretada por Toni Collete) o los distintos managers que Brian utiliza y trata como muñecos sin sentimientos.

De esta manera, como de una biografía no autorizada de Bowie (no dejó que usaran su música para el film, supongo que porque no sale muy bien parado) "Velvet goldmine" sobrevuela el terreno del musical en la que las canciones más que contar la historia la van sugiriendo, con versiones de canciones con grupos como Placebo o Shudder to think que componen una banda sonora exquisita, aunque la palma se la lleva un montaje frenético en ocasiones y lento y melancólico en otras pero sobre todo potente, que llena la película de una extraña arrítmia que le sienta muy bien y la convierte en única. Por otro lado algunas escenas poseen un lirismo precioso, en el que la teatral música se mezcla con poemas del propio Oscar Wilde en momentos que recuerdan al mejor cine de Terrence Malick.

Pero además me gustaría insistir en lo bien planteada que está la iconografía de la cinta, utilizando esos diseños imposibles de que hacían gala los rockeros glam como si fueran actores de una función inexistente, la realidad que modelaban a su gusto como mesías mientras cientos de fans les coreaban y juraban amor eterno. "Velvet goldmine" es, por tanto, una reflexión sobre la fama y de la mentira que se crea en torno a ella de la que todos somos conscientemente partícipes (actualmente sucede algo parecido con Lady GaGa), pero también es una visión.

El estreno, referencias, curiosidades y repercusión

El título de la película hace referencia a esta canción de David Bowie, aunque no está incluida en la banda sonora debido a que Bowie no quiso ceder sus derechos. La película se estrenó el 6 de noviembre de 1998 en Estados Unidos con estreno limitado (apenas 85 pantallas) y aunque ahí fue un fracaso de taquilla, en el resto del mundo fue mejor y acabó recaudando más de los nueve millones que costó. En cuanto a la crítica, fue discordante ya que a pesar de estar seleccionada en la sección oficial para la Palma de oro en Cannes la cinta era tan extraña que no se entendió, aunque se llevó el premio a la mejor contribución artística. En Estados Unidos, capital del puritanismo, se entendió mucho menos.

La película está repleta de curiosidades y referencias, especialmente al mundo de la ciencia ficción y al rock, de modo que casi cada plano puede encontrar un sentido más allá de su composición estética sino con referentes culturales de la época (utiliza mucho los zooms, tan de moda en aquellos años), la canción "The ballad of Maxwell demon", compuesta para la película, contiene referencias a la distópica novela "Fahrenheit 451". El nombre del alter-ego de Brian Slade en la película, "Maxwell demon", hace referencia a la segunda ley de la termodinámica y es que, en general, cada nombre, cada plano e incluso cada prenda del vestuario tiene un sentido claro que el espectador puede reconocer y recomponer como si de un puzzle se tratase.

Ante todo hay que destacar la valentía con que Todd Haynes llevó a cabo esta película, después de esta dirigió el drama "Lejos del cielo", también sobre la homosexualidad y el racismo pero en los años 50 y en el contexto del "american way of life" que valió una nominación al oscar a Julianne Moore. En 2007 filmó otra rareza "I'm not there", sobre Bob Dylan separada en fragmentos, cada uno interpretado por un actor distinto que representa un carácter diferente del cantautor. En la actualidad es el encargado de la serie "Mildred Pierce" con Kate Winslet.

Volviendo a "Velvet goldmine", creo que es una de esas ocasiones en que muchos no estarán de acuerdo conmigo en mi valoración final pero considero ésta una de las mejores películas de los noventa, de las más arriesgadas y originales pese a tratarse en el fondo de un biopic. Y es que muchos critican su pronunciada arritmia a lo largo de las dos horas que dura, su mezcla de géneros (musical, drama, biopic y hasta documental) y un arco temporal que desconcierta en varios momentos pero, francamente, creo que es una película que reivindica precisamente una forma distinta de hacer cine, que propone que la arruga es bella, y lo hace también desde el propio montaje, arriesgando en cada escena. Siempre he creído que para que algo sea perfecto no tiene por qué adherirse a una norma o, por ejemplo, tener una realización perfecta (véase John Ford o Clint Eastwood), creo que a veces la propia imperfección es la base de la perfección.

Por todo ello, a pesar de la melancolía y nostalgia que impregna la película, al final uno termina de verla con una extraña sensación de alegría y ganas de cambiar el mundo, como si fuésemos los nuevos poseedores de esa joya del espacio exterior que pasa de mano en mano dando a su portador un talento de otro planeta.

Calificación:

Trailers de algunas de las películas más esperadas de 2012

2011-12-25T20:57:00.002+01:00

Ahora que acaba de empezar un aluvión de trailers de los próximos blockbusters The Hobbit y Prometheus (ambos geniales avances), aquí en CinemaSioner os traigo algunos trailers de películas de autor también muy esperadas para este 2012 que acaban de salir y que no han tenido toda la repercusión que merecen.

Keyhole (Guy Maddin, 2012) Canadá

La nueva película de Guy Maddin tras la excepcional "My Winnipeg" (2007) sigue la estética propia del autor y ya en su avance podemos ver algunas de sus claves, como el vouyerismo onírico que parece tener la cinta. El argumento es una revisión postmoderna de la odisea y gira en torno a Ulises, un marido que tras una larga ausencia vuelve a casa, donde su mujer está retenida en el "piso de arriba" o al menos eso es lo que da a entender el avance. Teniendo en cuenta el cine de Maddin, seguro que es una agradable sorpresa. Su estreno mundial tendrá lugar en la Berlinale en febrero y probablemente sea parte de la sección oficial a concurso.

The Innkeepers (Ti West, 2012) EEUU

Hace años, cuando vi sus primeras películas, jamás hubiese dado un duro por la carrera de Ti West, sin embargo, este director de cine extravagante de cine de terror supo otorgar a "The House of the devil" (2009) de un aura de tensión a lo Polanski que hacen que su nueva película, que por el trailer se ve que sigue una tendencia parecido, sea un referente en la temática de terror.

La trama sigue a dos empleados de un hotel centenario con fama de estar embrujado en los últimos días antes de que cierre sus puertas, extraños inquilinos se alojarán esos días mientras ellos intenten desvelar la verdad del misterio. Aunque su argumento parece hastiado y repetitivo, el trailer parece premonizar una película consistente y terrorífica.

The Deep Blue Sea (Terence Davies) Reino Unido

No confundir por su título con la película de tiburones de 1999. Se trata de la nueva película de Terence Davies, un maestro del cine británico que no rodaba nada desde su magnífico documental "Of Time and the city" (2008) y que se caracteriza por tratar la nostalgia y las relaciones desde un punto de vista nada convencional. En ésta, Rachel Weisz interpreta a una mujer en crisis que tiene una relación sentimental con un piloto de aviones en los años 50. Hay que tener en cuenta que la película está rodada con la estética de esos años y un tono borroso muy acorde con el tema, que recuerda mucho a "Las horas" de Stephen Daldry; si es así, estamos ante una de los mejores dramas de 2012.

Once upon a time in Anatolia (Nuri Bilge Ceylan, 2011) Turquía

A su paso por Cannes todo fueron grandes críticas y sonaba como una de las principales para ganar la palma de oro. Veremos cuándo podremos ver la nueva película del turco Nuri Bilge Ceylan (Three Monkeys, Climates), que durante dos horas y media nos sumergirá en un extraño emplazamiento en busca de un cadáver desaparecido en las que parece, se dicen muchas más cosas de las que se ven a simple vista.

Faust (Alexander Sokurov, 2011) Rusia

La nueva genialidad de Sokurov que ganó el festival de Venecia este año seguro que nos llega tarde o temprano, ya que lo hizo incluso su obra experimental "El arca rusa" en 2002. Su revisión del mito de Fausto ha dividido a la crítica, lo cual siempre es positivo y muchos dicen no haberla entendido del todo así que habrá que esperar. El avance parece haberlo hecho un principiante y es bastante malo aunque las escenas parecen estar muy bien rodadas. Hasta que no se estrene no sabremos ante qué nos encontramos.

Underwater Love (Shinji Imaoka) Japón

Y no todo es cine serio dentro del apartado "de autor". Aquí tenéis el avance de una rareza que casi con toda seguridad no llegará a nuestras salas debido a su complicado argumento. Trata de una mujer que acude a un lago y se enamora de un Kappa (una especie de híbrido del folclore japonés) que es la reencarnación de su novio ahogado en ese lugar. Si a este extravagante argumento le unimos que se trata de un "Pinku eiga" (erótico japonés) musical, muchos pensaréis que estamos ante una basura de película. Todo lo contrario, las críticas la han puesto por las nubes y entre el equipo técnico vemos a Christopher Doyle, responsable, nada menos, que de la fotografía de las películas de Wong Kar Wai.

72 Days (Danilo Serbedzija, 2011) Croacia

2011-12-21T13:35:00.002+01:00

Sinopsis: "Mane (Rade Serbedzija) vive en Lika, un pueblo apartado de Croacia arrasado por la guerra junto con su madre, hermano, hijo y sobrino. Un día la abuela fallece y dejan de cobrar la pensión de viudedad que ésta tenía asignada. Mane, que es un usurero sin escrúpulos, decide raptar a una anciana de un asilo para hacerla pasar por la abuela muerta haciendo cómplices al resto de la familia..."

Puede que a muchos no os suene de nada este film, y es que internacionalmente sólo se le conoce por ser la apuesta de Croacia de cara a los próximos oscars de Hollywood. La película es la ópera prima de Danilo Serbedzija y a pesar de tener algunos fallos típicos de un recién llegado (temas de ritmo básicamente), "72 días", ("Sedamdeset i dva dana" en serbo-croata), es una grandísima película que desgraciadamente tiene todas las papeletas para pasar desapercibida a nivel internacional.

Para empezar, es imposible escribir sobre "72 días" sin hablar de Rade Serbedzija, protagonista indiscutible de la cinta que además es padre del director de la misma. Su interpretación de un hombre tacaño, egoista, violento e inestable que consigue crear temor ante la audiencia con sólo una mirada, y no estoy hablando de un personaje cualquiera, se trata de uno de los mejores villanos que ha dado el cine ultimamente, con una complejidad y ciertos tintes cómicos o patéticos que, unidos al carisma de Rade le convierten en una de las mejores interpretaciones que he visto y que por desgracia, al igual que la película, pasará desapercibida. La mirada de este personaje y sus impredecibles acciones son tan poderosas que lo convierten en el fetiche de la misma y que, de hecho, en las escenas en que no sale uno también se pregunta qué estará tramando o de qué será capaz en la próxima escena. Y es que no es sólo temor lo que infunde, ya que en alguna que otra ocasión también transmite cierta lástima, empatía e incluso comicidad como ya he comentado. No hay que olvidar que Rade Serbedzija no es ningún novato, estoy seguro que todos los lectores le habrán visto en más de una ocasión ya que es uno de los rostros secundarios más reconocibles de hollywood y es que casi siempre que hay un malo soviético, ahí está Rade. Pero además ha intervenido en "Misión imposible 2", "El Americano Impasible", la saga "Harry Potter", "X-Men: primera generación" o "Eyes Wide Shut" entre otras.

Cartel internacional de "72 Days"

Centrándonos en la película en si misma, se trata de una tragicomedia rural en el mejor sentido del término. Aunque en un principio parece seguir la senda del costumbrismo, con gran belleza en la composición de planos e interés en la presentación de personajes y la relación entre ellos (Mane, el patrialca, maltrata a su propio hijo treintañero y desprecia a su hermano y sobrino), el costumbrismo no tarda en dejar paso a la comedia negra tras el primer y magistral giro argumental; un tono que seguirá el resto de metraje y que, unido a los momentos de tensión que se van despertando a lo largo de la trama la dotan de momentos de gran cine. Además se nos introducen historias secundarias del sobrino y su novia, que buscan desesperadamente ir a la capital mientras deben dinero a la mafia serbia. Este refugio narrativo salva a la película de tener una estructura demasiado lineal y la enriquece de tal forma que llegados a un punto que no desvelaré, habrá una confrontación entre "villanos" con una resolución que seguro hará esbozar una sonrisa a más de uno.

Otros secundarios corren suerte desigual, así, el vecino enemistado con Rade por tramposo es el que más juego da y que hace las veces de observador, de personaje que está a punto de descubrir el percal en más de una ocasión. No tan interesante es el policia del pueblo, y es que está trazado con el mismo patetismo que el de un pueblerino inspector Clouseau y que es la diana de los momentos de comedia más naives o inocentes de la película, que funcionan pero tampoco deslumbran como si lo hacen otras partes de la trama.

Por suerte, el fantasma de la guerra de los balcanes no está omnipresente como en otras películas de la ex-yugoslavia actual, y no lo digo porque no me parezca interesante, todo lo contrario. Sin embargo creo que es necesario que haya otro tipo de cine más allá del tema bélico y aunque en "72 días" hay diálogos e incluso alguna canción que recuerda ese pasado trágico, la historia se centra en la picaresca y falta de escrúpulos de un personaje deshumanizado que trata a su familia del mismo modo que al viejo tractor que a veces le falla en el campo, que no le importa hacer trampas o engañar a quién sea para lograr su objetivo. Por cierto, que el título de la película hace referencia a una canción tradicional que cantan en un momento de ebriedad a varias voces y que en mi opinión, que puede ser la equivocada, supone una metáfora de la locura tras la guerra en esa pequeña localidad.

En definitiva, y viendo lo poco visible que es el cine croata en España y suponiendo que finalmente "72 días" no consiga una nominación al oscar, lo que daría luz verde a su distribución internacional, sólo deseo que algún distribuidor la vea y decida traérnosla. Calidad no la falta. Por lo pronto se puede conseguir por importación o por internet con subtítulos en inglés a través de eutorrents.

CALIFICACIÓN:

El secuestro de cineastas por Kim Jong Il para crear una filmografía a su altura

2011-12-19T18:55:00.001+01:00

Hoy, lunes 19 de diciembre de 2011, la televisión norcoreana daba la noticia; su "querido lider" Kim Jong-Il, había muerto durante un viaje en tren. La televisión china realiza varias entrevistas por la calle, o más bien lo intenta ya que entre las vacías calles de Pyongyang apenas pasea nadie y todo aquel que lo hace llora desconsoladamente ante la cámara. Ya en 1994 con la muerte de su padre, Kim Il Song, el régimen estableció un luto de tres días de llanto según el cual si algún ciudadano era visto sin llorar durante ese periodo de tiempo quedaría arrestado por sospecha de traición. Así las cosas, he decidido escribir sobre este curioso hombre, amante del cine, que realizó varias películas a lo largo de su vida, yo apenas he podido ver algo de cine norcoreano actual (de los últimos 40 años) y puedo decir que es simple, vago y aburrido, seguramente sea por el hecho que los cineastas se deben a lo que el régimen quiere transmitir con sus obras, siendo estos meros medios para un fin y claro, al final la calidad del cine es como el de la comida; cuando uno cocina con cariño le sale mejor que cuando tiene que hacerlo sin más remedio.

Cinecracia: El secuestro de Shing Sang Ok para ensalzar el cine norcoreano

Esta historia comienza en los años 60 con un cineasta de casi cuarenta años rodando las que serán sus grandes obras maestras; el drama medieval "Eunuch" (1968) y un drama romántico "My mother and my guest" (1961), ambas cintas, dirigidas por Shing Sang Ok, junto a otras de otros directores de Corea del sur, atraparán la atención de Kim Jong-Il, por aquel entonces todavía un joven preparándose para suceder a su padre en el trono de su "reino" comunista. El cine surcoreano de esa época (1960-1980) es particularmente genial, especialmente debido a las películas de Shing Sang ok y Kim Ki-Young (The Housemaid, Iodo, entre otras, gran cineasta del que hablaré en profundidad en otra ocasión) que se llevaban premios en todos los festivales e incluso eran invitados a proyecciones internacionales. Mientras, el pobre aspirante a dictador se embelesaba por el cine estadounidense y se enamoraba (y quién no) de los ojos violeta de Elisabeth Taylor, sin embargo, el cine de Corea del Norte era prácticamente inexistente.

Así, el cinéfilo Kim comenzó a teorizar sobre cine escribiendo varios libros en los que, de manera bastante rudimentaria, exponía que la cinematografía podía servir para algo más que entretener a la audiencia, haciendo hincapié en la fuerza para motivar a la audiencia e infular ideas. La idea de Kim era crear una obra maestra ante los cuales críticos de los principales festivales del mundo como Cannes o Venecia se rindieran ante su evidente superioridad. Pero algo faltaba en ese plan de conquista moral, se requería de alguien con talento. Corría el año 78 y Shing Sang Ok, uno de los más afamados directores de la vecina Corea del sur no estaba pasando por su mejor momento profesional (ya no hacía el gran cine de antes) y personal (se acababa de divorciar de su musa, Choi Eun-Hee).

Choi Eun-Hee y Shing Sang Ok

Así que Jong Il lo tendría fácil, con la excusa de querer realizar una coproducción entre varios países, se invitó a Choi a un encuentro en Hong Kong con los productores de una supuesta película. Ese encuentro nunca se produjo, varios agentes norcoreanos secuestraron con cloroformo a Choi y la llevaron a Pyongyang en secreto. Alertado por la misteriosa desaparición de su ex-esposa, Sang Ok viaja a Hong Kong, donde acaba secuestrado.

A su llegada a Corea del Norte, Sang Ok viviría los cuatro años posteriores en un campo de reeducación comunista pensando que su ex-mujer está muerta, ya que por aquel entonces los secuestros de ciudadanos surcoreanos y japoneses por parte del régimen norcoreano eran bastante habituales y casi siempre quedaban sin resolver. Por contra, esa vez el régimen les obligó a decir ante las cámaras que se habían exiliado voluntariamente en Corea del Norte, de tal forma que, si por alguna razón escapaban, se les considerasen como enemigos tanto en Corea del sur como Japón u occidente. Finalmente Sang Ok y su mujer se reencontraron en un banquete especial que hizo Kim Jong Il en su palacete. Ambos pensaban que el otro había muerto. Fue entonces cuando Jong Il destapa sus cartas; Sang Ok había sido reeducado y trasladado a Corea del norte para realizar películas de calidad (bajo la batuta en secreto de Jong Il como productor ejecutivo) que encumbrarían al cine norcoreano a un puesto de honor en la historia del cine mientras que Choi, la ex mujer de Sang, sería de nuevo su musa y su esposa. Un cine inseparable del estado, hecho por y para la causa comunista.

Las "obras maestras" de Kim Jong Il:

Cinematográficamente hablando éste fue un secuestro productivo ya que, durante los ocho años siguientes rodaría siete películas, sin embargo, apenas hay información clara sobre cuáles fueron ya que algunas cintas norcoreanas no tienen "autor" como tal, lo que presupone a Kim Jong Il como alma mater, veámos algunos ejemplos.

-Pulgasari (Shing Sang Ok, 1985)

La gran película norcoreana que haría tambalearse al mundo llegaría en 1985 con esta cinta de monstruos gigantes al estilo "Godzilla" pero basada en un cuento tradicional coreano con aportes del propio Jong Il, lo que convierte la película en una bizarrada con propaganda soterrada (aunque es bastante obvia) que simboliza irónicamente la locura de un monstruo que cree que el fin justica los medios (la base de toda dictadura al fin y al cabo), y es que, atención al argumento: "Un monstruo sale de un grano de arroz de un herrero injustamente encarcelado y se convertirá en el salvador junto a los granjeros contra el Rey feudal que los oprime mientras se alimenta de herramientas de hierro."

Mientras rodaban la película, Sang Ok y Choi planeaban huir a otro país y olvidar el infierno que Jong Il les estaba haciendo pasar. Es curioso leer que muchos críticos piensan que se trata de una película antinuclear, siendo Corea del norte un país poseedor de numerosas cabezas nucleares. A continuación os dejo la película completa con subtítulos en español en Youtube:

-The Tale of 15 Children (1985)

Una curiosa cinta que trata de quince niños que huyen de un malvado señor feudal en un bote hacia una isla en la que esperan la salvación, sin embargo naufragan y tienen que sobrevivir como sea del ataque de piratas. Aunque está considerada una de la películas con menos mensaje propagandístico del país, sigue siendo extremadamente naif y obvia en algunos momentos (el momento de los piratas yankis con todos sus "accesorios" tiene delito).

-Traces of life (Jo Kyong Sun, 1989)

Una historia de amor entre una campesina y un militar naval que se transforma en tragedia cuando un navío estadounidense mata a su marido.

Mucho más propagandística que las anteriores, hay momentos de escándalo patriotero, en los que se antepone por encima de la vida de las personas el bien de la nación y su lider. En cualquier caso resulta exótica por ser una de las pocas películas que han salido fuera del país.

La huida del país impenetrable

Durante los meses previos a 1986 Sang Ok y Choi grabaron secretamente conversaciones con el lider, su hijo y otros importantes mandatarios en las que quedaba claro que estaban retenidos contra su voluntad y que habían sido secuestrados en 1978. Unas grabaciones que resultarían imprescindibles ya que, como había comentado antes, se les había obligado a decir que estaban por voluntad propia. Finalmente, en un viaje a Austria promovido por el gobierno y ayudados por un amigo japonés, consiguen dar esquinazo a sus "guardaespaldas" y huir a la embajada norteamericana, donde pedirán asilo político.

Supongo que esto no debió sentar muy bien al futuro dictador, que se dio cuenta que la pareja no compartía sus ideales socio-políticos. En cuanto a Sang Ok y Choi, vivieron durante años en EEUU esperando poder volver a Corea del sur, que pensaba podrían ser espías. Durante la "etapa americana" Sang Ok continuó la calidad de cintas de su "etapa norcoreana" con "3 ninjas peleones"; una basura de proporciones épicas que nos lleva a pensar dónde se había metido ese cineasta emocionante de los años 60.

Todavía hoy en Corea del norte no se pueden ver películas extranjeras salvo una excepción, "Quiero ser como Beckham" que se estrenó en televisión en enero de 2011 mutilada en una versión de 50 minutos en lugar de las dos horas que dura, aunque supongo que la situación no mejorará, resulta irónico que un lider cinéfilo que ame y posea en torno a 25.000 películas prohíba a su pueblo verlas. En cuanto a producciones propias, "The Schoolgirls diary" (2006), ideada, como no, por el "querido lider" tuvo supuestamente distribución internacional aunque no he podido encontrarla.

Irremediablemente hoy se pone fin a una era en la historia de Corea, esperemos que el futuro sea algo más luminoso que hasta ahora y que los argumentos "de película" queden relegados exclusivamente a la sala de cine.

Documentales que merecen la pena: Tabloid (Errol Morris, 2010)

2011-12-19T12:22:00.003+01:00

Aquí os traigo una entrega más del especial "Documentales que merecen la pena". En esta ocasión con un film muy particular sobre los medios de comunicación y las distintas versiones que pueden darse de un mismo hecho. "Cada persona es un mundo" reza el dicho popular, y ciertamente la verdad suele quedar soterrada conforme a una visión subjetiva.

Pero este no es un documental sobre el poder de los medios ni sobre verdades y mentiras, esas temáticas sólo las intuimos pues lo que cuenta, que no es poco, es la historia real de una ex-miss Carolina del norte de alto coeficiente intelectual, Joyce McKinney, que queda prendada de un mormón, hasta ahí todo correcto. El problema es que la familia de éste y la iglesia mormona no ve con buenos ojos esta relación, ya que se cree que las relaciones deben dejarse para dentro del matrimonio (polígamo si se quiere) para así llegar puros a la muerte y tras esta poder gobernar un planeta propio cercano a Colob. Por cierto, me alegro que el documental haga algo de hincapié en las raras creencias de esta comunidad que creo darían para varias horas de maravillosos documentales entre la comedia absurda y la ciencia ficción, como por ejemplo su creencia de que los negros tienen ese color porque se rebelaron contra Cristo en su segunda venida en América.

Volviendo a la historia de Joyce, su amante mormón es obligado a ir "de misión" a Reino Unido y Joyce, ni corta ni perezosa, contrata a varios guardaespaldas y se pone en marcha en una búsqueda por todo el país para secuestrarle. Ahí da comienzo una verdadera comedia negra que recorrerá toda la excéntrica vida de esta mujer con momentos sorprendentes. En general, cada "hazaña" tendrá varias versiones del relato, el cuál es el eje sobre el que se mueve la cinta sobre los tabloides de prensa. Por ejemplo, para Kirk (el sumiso mormón), Joyce le secuestró a punta de pistola y le violó mientras lo retenía con unas esposas. Para Joyce, Kirk fue por propia voluntad y se dejó seducir pero los remordimientos de conciencia junto al temor de lo que le harían sus colegas mormones, le hicieron decir eso.

Como antes apuntaba, esto sólo será el punto de partida, pues lo de esta mujer parece una historia de otro planeta, no quiero destripar nada porque lo interesante es sorprenderte ante las ingeniosas ocurrencias de Joyce a lo largo de su vida, como por ejemplo su huida de Reino Unido a Canadá para evitar la cárcel haciéndose pasar por sordomuda o vestida de india, su relación con el mundo del bondage o su obsesión platónica por Kirk, el mormón al que años después seguirá acosando, por no hablar del tierno momento en que habla de su perro, su trágica muerte y su "resurrección" en forma de cinco canes clonados en Corea del sur.

En fin, uno de los entrevistados dice con un esbozo de sonrisa "qué chica" en un momento del film, sin duda una mujer diferente, incomprendida e incomprensible a partes iguales que es la protagonista absoluta de este excelente documental capaz de provocar carcajadas por lo hilarante de algunas situaciones y que con los mínimos efectos (apenas material de archivo y un buen montaje de "collages" junto a las entrevistas componen todo el metraje) consigue ser divertido y original, lo que no es poco.

Otros documentales del especial: "DOCUMENTALES QUE MERECEN LA PENA":

Afghan Star

Exit through the gift shop

I Wish I Knew

Of Time and the city

Onibaba (Kaneto Shindo, 1964) la cumbre del terror japonés

2011-12-08T15:02:00.000+01:00

SINOPSIS: "En el Japón medieval, una mujer y su suegra esperan la vuelta del frente de un guerrero. Sobreviven engañando a los soldados perdidos en los campos, a los que asesinan para luego vender sus pertenencias, hasta que la mujer decide no esperar más a su marido y tener un romance con otro hombre. Una máscara de un demonio y su diabólica suegra se encargarán de evitarlo."

Desde la primera vez que la vi, Onibaba se convirtió automáticamente en una de mis películas favoritas de todos los tiempos y estoy convencido que le pasa a todo aquel que se acerca a esta obra de arte. Se trata de una de esas películas que cada vez que ves parece distinta, aunque el único cambio es, en realidad, el que va experimentando uno mismo conforme pasan los años y difiere su forma de ver el cine y la vida.

Folclore, miedo y represión

Como muchos sabréis, se trata de un film muy conocido y copiado que quizás haya quedado algo relegado ante las más conocidas "Kwaidan" (Masaki Kobayashi, 1964) o "Jigoku" (Nobuo Nakagawa), sendas obras maestras del Kaidan Eiga más puro (al que pronto dedicaré un especial) que, a pesar de su genialidad, carecen de ese ambiente postapocalíptico medieval de ésta. No hay que olvidar que Shindo era hasta entonces un director bastante minoritario cuyo film "La isla desnuda" (1960) había fascinado a la crítica de medio mundo pero no acababa de llegar al gran público.

Con todo ello, "Onibaba" es una mezcla de géneros que no se adhiere a una época ni a un estilo concreto; no hay apenas referencias más allá de la ambientación al contexto de esos años y buena parte de la cinta está plagada de momentos cotidianos en el que la única tensión se produce entre las miradas furtivas que se intercambian las dos protagonistas, obligadas a convivir y sobrevivir quitando la vida a los soldados que, huyendo de la guerra, se dejan caer en sus redes. En cierta forma estas dos campesinas son seres humanos demonizados, que han olvidado su humanidad, precisamente la joven, la que aún no está tan curtida en la vida, es la que curiosea y empieza a coquetar de nuevo con la vida con cierta tensión erótica propia de aquel que va descubriendo su propia naturaleza y juventud, contrastada con la mirada de reprobación de la anciana, sumida en un estado casi narcoléptico entre el egoismo y la soledad, hace lo imposible por impedir que la joven mujer la abandone. No en balde, la palabra "Oni" hace referencia a demonio, mientras que "Baba" es vieja.

Aunque se podría definir sencillamente como "una exploración sobre la sexualidad humana en un desolado escenario de postguerra", algo muy en la línea de Kaneto Shindo, los elementos sobrenaturales que introduce, soterrados en la propia ambientación, la llevan mucho más allá en cuanto a significados y metáforas, como la máscara demoniaca que utiliza la suegra para reprimir a su nuera y evitar que esta se entregue a los placeres de la carne de un hombre que no es su marido, quien más que probablemente haya muerto en la guerra.
Este cuento de horror repleto de metáforas habla sobre la represión social y sexual, sobre la castidad humana en clave de fábula demoniaca. Y además lo hace formalmente con un uso exquisito de los escenarios naturales, que son en si mismos un personaje más, y no lo digo gratuitamente; el escenario repleto de juncos y trampas escondidas en que estas dos mujeres se mueven respira por si mismo y siembra durante todo el metraje un halo fantasmagórico. Ese ambiente consigue rodearnos e introducirnos sin darnos cuenta, porque lo que precisamente no es Onibaba es explícita. Toda la película juega con metáforas visuales (el hoyo en que "introducen" a los soldados asesinados) como argumentales (la máscara de demonio que se pega a la carne del que la lleva puesta). El ambiente sonoro también contribuye a este carnaval, con un recurrente tema de tambores que resuena a lo largo de la cinta y que queda grabado en el subconsciente como una advertencia tribal. Este uso del folclore japonés más primitivo, con máscaras y leyendas sobrevuela la cinta pero curiosamente, en ningún momento hay fantasmas ni demonios como en otras producciones de terror sino que los demonios son los seres humanos, una impresión que queda reflejada en una de las frases de la anciana: "No soy un demonio, soy un ser humano".

A propósito de Kaneto Shindo

Kaneto Shindo es, con permiso de Manoel de Oliveira, el cineasta más longevo en activo, con 99 años. Curiosamente su última película hasta la fecha, "Postcard" (2011) sigue tratando los mismos temas de posguerra que en su juventud; la deshumanización de la guerra, el abandono y el miedo como reflejo de los traumas que él mismo debió sufrir tras la derrota de Japón en la segunda guerra mundial.
A pesar de que "Onibaba" y "Kuroneko (el gato negro, 1968) sean sus películas más conocidas, Shindo no es un autor de cine de terror y en realidad aunque estas dos comentadas puedan adscribirse a ese género, en realidad son dos cintas únicas e inclasificables, especialmente la que nos ocupa. En cuanto a otros géneros y aparte de la comentada "La isla desnuda", recomiendo "Los niños de Hiroshima" (1952), la película por la que empezó a ser conocido internacionalmente. Shindo tocó casi todas las facetas cinematográficas, fue director artístico y productor pero sobre todo escritor; no obstante, sorprenderá a muchos que fuese el guionista de la película de Hachiko, que más tarde se convertiría en remake con Richard Gere en "Siempre a tu lado" (por cierto, ¿cuántas películas hay con ese título?) o también de alguna de las correrías del personaje Zatoichi.

En definitiva, la figura de Shindo siempre ha estado a la zaga de los grandes como Kurosawa o Mizoguchi, y es que su estilo no es, a grandes rasgos, apto para todo tipo de espectadores, algo que, sin ánimo de menospreciar a nadie, es todo un logro.

CALIFICACIÓN:

Trailer:

Premios CinemaSioner 1998

2011-12-06T11:13:00.000+01:00

1998

Lo primero que me ha llamado la atención a la hora de recopilar lo mejor de 1998 es que apenas hay cintas asiáticas destacables. Si, tenemos el "After life" de Kore-eda, "Doctor Akagi" de Imamura o "El emperador y el asesino" de Chen Kaige pero creo que ninguna está por encima de estas otras propuestas venidas de Estados Unidos, Italia, Grecia y Brasil. También hay joyas poco conocidas a pesar de los premios internacionales que recibieron como "Estación central de Brasil", una road movie que sin duda es de lo mejor de este año o "La eternidad y un día", una filosófica y reflexiva visión del fin de los días y la soledad desde el prisma de un genial Bruno Ganz.

En cualquier caso, hay películas muy conocidas que están ahí por ser lo mejor de finales de siglo; caso de "La delgada linea roja", "La vida es bella" o "El show de Truman". Por cierto que fue un año curioso en cuanto a premios ya que "Shakespeare in love" ganó casi todo incluyendo el oscar, lo que me llama la atención ya que, sin ser una mala película, está a años luz en cuanto a calidad cinematográfica de la práctica totalidad de películas que hay en esta lista. Bueno, los hermanos Weinstein meterían la zarpa para llevarse el gato al agua, sino no se explica.

MEJOR PELÍCULA

-La Delgada Linea Roja
-La Vida es Bella
-El Show de Truman

-La Eternidad y un día
-Estación Central de Brasil

MEJOR DIRECTOR

-Roberto Benigni (La Vida es Bella)

-Terence Malick (La Delgada Linea Roja)
-Sofía Coppola (Las Vírgenes Suicidas)

-Theo Angelopoulos (La Eternidad y un Día)
-Peter Weir (El Show de Truman)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

-El Show de Truman
-La Vida es Bella

-Celebración [Festen]

-La Eternidad y un día
-Happiness

MEJOR GUION ADAPTADO

-La Delgada Linea Roja

-Dioses y Monstruos

-Salvar al Soldado Ryan
-La Playa
-American History X

MEJOR ACTOR

-Ian McKellen (Dioses y Monstruos)
-Edward Norton (American History X)
-Samuel L.Jackson (Jackie Brown)
-Jim Carrey (El Show de Truman)
-Bruno Ganz (La Eternidad y un día)

MEJOR ACTRIZ

-Fernanda Montenegro (Estación Central de Brasil)

-Cate Blanchett (Elizabeth)
-Gwyneth Paltrow (Shakespeare in Love)
-Bodil Jørgensen (Los Idiotas [Idioterne])
-Pam Grier (Jackie Brown)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

-Jonathan Rhys-Meyers (Velvet Goldmine)

-Ed Harris (El Show de Truman)
-Dylan Baker (Happiness)
-James Coburn (Aflicción)
-Ewan McGregor (Velvet Goldmine)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

-Lynn Redgrave (Dioses y Monstruos)
-Rosie Pérez (Perdita Durango)

-Judi Dench (Shakespeare in Love)
-Joan Allen (Pleasantville)
-Laura Linney (El Show de Truman)

MEJOR FOTOGRAFIA

-Pleasantville

-La Delgada Linea Roja

-La Playa
-Salvar al Soldado Ryan
-El Emperador y el Asesino

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL (enlaces a youtube)

-La Eternidad y un Día (Eleni Karandrou)
-La Delgada Linea Roja (Hans Zimmer)
-La Vida es bella (Nicola Piovani)

-La Máscara del Zorro (James Horner)

-La Playa (Angelo Badalamenti, Moby y otros)

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

-Más allá de los Sueños

-El Emperador y el Asesino
-Cube

-Dark City
-Pleasantville

MEJOR MONTAJE

-Salvar al soldado Ryan
-La Delgada Linea Roja
-Velvet Goldmine

-Cube

-Jackie Brown

MEJOR VESTUARIO

-Velvet Goldmine

-Elizabeth
-La Delgada Linea Roja

-Pleasentville
-El Emperador y el Asesino

MEJOR MONTAJE DE SONIDO

-Dark City

-Salvar al soldado Ryan

-Armageddon

-Velvet Goldmine

-Cube

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

-Life is beautiful (La vida es bella)

-The Ballad of Maxwell Demon (Velvet Goldmine)

-I Don't want to miss a thing (Armageddon)

-I want to spend my lifetime loving you (La máscara del Zorro)

-Pure Shores (La Playa)

MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA

-La Niña de tus ojos

-Los Amantes del círculo polar

-Tango, de Carlos Saura

TOTAL DE NOMINACIONES:

La Delgada linea roja 2 / 7 Mejor película y guión adaptado
La vida es bella 2 / 5 Mejor director y canción original
El Show de Truman 1 / 6 Mejor guión original
Velvet Goldmine 2 / 5 Mejor actor secundario y vestuario
La Eternidad y un día 1 / 5 Mejor BSO
Estación central de Brasil 1 / 2 Mejor actriz
Dioses y Monstruos 2 / 3 Mejor actor y mejor actriz secundaria
Salvar al soldado Ryan 1 / 4 Mejor montaje
La Playa 0 / 3
American History X 0 / 2
Happiness 0 / 2
Pleasantville 1 / 4 Mejor fotografía
Dark City: 1 / 2 Mejor montaje de sonido
Cube: 0 / 3
Las vírgenes suicidas 0 / 1
Celebración [Festen] 0 / 1

Premios CinemaSioner 1999

2011-12-05T23:13:00.000+01:00

1999

Un gran año, sin duda. He de reconocer que mis gustos han cambiado mucho y que en la época en que la vi, "American beauty" me parecía una tontería tremenda, sencillamente no la entendí. En cambio cuando la volví a ver años después me pareció maravillosa y, es más, creo que es una de las justas vencedoras del óscar a lo largo de la historia. Una película nada convencional para estos premios, según mi opinión, pero es que es merecido, y eso que las otras cinco dentro de la categoría mejor película son cinco obras maestras rodadas en el mismo año, algo que se ha dado muy pocas veces. Así, 1999 dio para mucho, como la película más visionaria de su generación: "El club de la lucha", la revolución en cuanto a efectos especiales y de fotografía que supuso "Matrix" o un experimento realmente interesante y genial "Corre, Lola, corre".

MEJOR PELÍCULA DE 1999
-American Beauty

-El Camino a Casa

-El Club de la Lucha

-Magnolia

-Una Historia Verdadera (The Straight Story)

MEJOR DIRECTOR

-David Fincher (El Club de la Lucha)

-Tom Tykwer (Corre, Lola, Corre)

-Sam Mendes (American Beauty)
-Spike Jonze (Como ser John Malckovich)
-David Lynch (Una Historia Verdadera [The Straight Story])

MEJOR GUION ORIGINAL

-American Beauty

-Corre Lola Corre

-Magnolia

-Gemini

-Como ser John Malckovich

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

-Eyes Wide Shut

-South Park: Más grande, más largo y sin cortes

-Boys don't cry
-El Club de la Lucha
-La Milla Verde

MEJOR ACTOR

-Richard Farnsworth (Una Historia Verdadera [The Straight Story])

-Kevin Spacey (American Beauty)
-Russell Crowe (El Dilema)
-Paco Rabal (Goya en Burdeos)
-Jim Carrey (Man on the Moon)

MEJOR ACTRIZ

-Hillary Swank (Boys Don't Cry)
-Reese Witherspoon (Election)
-Jessica Lange (Titus)
-Annette Bening (American Beauty)
-Sigourney Weaver (Mi Mapa del Mundo)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

-Michael Clarke Duncan (La Milla Verde)

-Tom Cruise (Magnolia)
-Sydney Pollack (Eyes Wide Shut)
-Haley Joel Osment (El Sexto Sentido)
-John Malckovich (Como ser John Malckovich)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

-Angelina Jolie (Inocencia Interrumpida)

-María Galiana (Solas)
-Rachel Weisz (La Momia)
-Helena Bonham Carter (El Club de la Lucha)

-Chlöe Sevigny (Boys Don't cry)

MEJOR FOTOGRAFIA

-The Matrix

-American Beauty

-El Camino a Casa

-Eyes Wide Shut

-Una Historia Verdadera (The Straight Story)

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL (enlaces a youtube)

-El Camino a Casa

-Star Wars: Episodio 1: La Amenaza Fantasma
-American Beauty
-Una Historia Verdadera (The Straight Story)

-Lagaan: Once upon a Time in India

-South Park: Más grande, más largo y sin cortes

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

-Titus

-Gemini
-The Matrix
-El Milagro de P.Tinto

-Cómo ser John Malkovich

MEJOR MONTAJE

-The Matrix
-American Beauty
-Corre, Lola, Corre

-Magnolia
-El Club de la Lucha

MEJOR MONTAJE DE SONIDO

-The Matrix

-El Club de la Lucha

-Star Wars: Episodio 1: La Amenaza Fantasma

MEJOR VESTUARIO

-Titus

-Lagaan: Once upon a time in India

-Gemini

-Ana y el Rey

-Eyes Wide Shut

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL (enlaces a las canciones en youtube)

-Don't let it bring you down (American Beauty)

-Stranger like me (Tarzan)

-The world is not enough (El mundo nunca es suficiente)

-La Resistance (South Park)

-Beautiful Stranger (Austin Powers: La espía que me achuchó)

MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA

-El Milagro de P. Tinto

-Solas

-Paris Tombuctú

Premios CinemaSioner 2001

2011-11-28T21:27:00.001+01:00

2001

Continuo con el repaso a las mejores películas de los últimos años en forma de "premios", quizás son demasiadas categorías así que he decidido quitar alguna menos importante como "maquillaje". En general, 2001 fue un año de gran calidad cinematográfica aunque a muchos les cabrearán las finalistas ya que, salvo la excepción de "El señor de los anillos", son películas raras para unos premios y que mucha gente quizás no entiende o no quieren entrar en ellas (caso de Mulholland drive) o creen que son malas porque gustan a niñatas (caso de Moulin Rouge, un film, por cierto, tremendamente valiente, barroco y teatral en el mejor sentido capaz de hacer resurgir de las cenizas al mejor género musical hollywoodiense).

MEJOR PELÍCULA DE 2001

-Mulholland Drive

-Amelie

-Moulin Rouge
-El Viaje de Chihiro
-El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo

MEJOR DIRECTOR

-David Lynch (Mulholland Drive)

-Steven Spielberg (Inteligencia Artificial)

-Peter Jackson (El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo)
-Pitof (Vidocq)

-Jean Pierre Jeunet (Amelie)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

-Amelie

-Millenium Actress

-Vidocq

-Mulholland Drive

-El Viaje de Chihiro

MEJOR GUION ADAPTADO

-El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo

-Gosford Park

-Shrek
-Training Day

-Monster's Ball

MEJOR ACTOR

-Russell Crowe (Una Mente Maravillosa)

-Jeremy Northam (Cypher)

-Stephen Chow (Shaolin Soccer)
-Denzel Washington (Training Day)

-Jim Carrey (The Majestic)

MEJOR ACTRIZ

-Nicole Kidman (Moulin Rouge)

-Shu Qi (Millenium Mambo)

-Halle Berry (Monster's Ball)

-Nicole Kidman (Los Otros)
-Reneé Zellwegger (El Diario de Bridget Jones)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

-Jude Law (Inteligencia Artificial)

-Billy Bob Thornton (Bandits)
-Jim Broadbent (Iris)
-Ian McKellen (El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo)

-Ben Kingsley (Sexy Beast)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

-Cate Blanchett (Bandits)

-Helena Bonham Carter (El Planeta de los Simios)
-Helen Hunt (La Maldición del Escorpión de Jade)
-Sigourney Weaver (Las Seductoras)
-Jennifer Connely (Una Mente Maravillosa)

MEJOR FOTOGRAFIA

-El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo

-Amelie

-Los Otros

-Drácula: Pages from a Virgin's diary
-Moulin Rouge

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL (enlaces a youtube)

-Amelie

-El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo
-Musa

-Final Fantasy: La Fuerza Interior
-Harry Potter y la Piedra Filosofal

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

-El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo

-Moulin Rouge

-Gosford Park

-Harry Potter y la Piedra Filosofal

-Black Hawk Derribado

MEJOR MONTAJE

-Millenium Actress

-Mulholland Drive

-The Ring (La Señal)

-Black Hawk Derribado
-Moulin Rouge

MEJOR MONTAJE DE SONIDO

-Black Hawk Derribado

-El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo

-Los Otros

MEJOR VESTUARIO

-Gosford Park

-Moulin Rouge

-Devdas

-Drácula: Pages from a Virgin's diary

-El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL (enlaces a las canciones en youtube)

-May it Be (El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo)

-The Dream within (Final Fantasy: La fuerza interior)

-Dola Re Dola (Devdas)

MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA

-Los Otros

-Lucía y el sexo

-Juana La loca

MEJOR DOCUMENTAL

-Nómadas del Viento

-War Photographer

PEOR PELÍCULA

-Sabotage!

-Fantasmas de Marte

Premios CinemaSioner 2000

2011-11-18T14:00:00.001+01:00

Al igual que en otros blogs como Luces difusas y siguiendo la estela de otros post como las mejores películas de la década, inauguro otro tipo de entrada; se trata de Premios CinemaSioner y he decidido empezar con el año 2000 del mismo modo que lo hice en su día con la sección anteriormente comentada porque me parece un año mágico y del que guardo un gran recuerdo, además de ser una cifra perfecta para continuar con otras entradas para años posteriores o anteriores (probablemente creo que volveré a los 90 y daré un repaso a su cine).

Además, dentro de cada sección además de poner las "nominadas" y la ganadora pongo un enlace sobre el nombre de cada película de forma que al lector le resultará fácil encontrarla si no la recuerda. Otra cosa que quiero dejar claro es que lo hago casi de memoria y probablemente se me pase algún título que merezca la pena haberse incluido.

MEJOR PELÍCULA DEL AÑO 2000:

-Bailar en la Oscuridad
-Tigre y Dragón
-Deseando Amar [In the Mood for Love]
-Sleepy Hollow

-Todo sobre mi Madre

MEJOR DIRECTOR

-Wong kar Wai (Deseando Amar [In the Mood for love])

-Tim Burton (Sleepy Hollow)

-Ang Lee (Tigre y Dragón)

-Lars Von Trier (Bailar en la oscuridad)
-Kinji Fukasaku (Battle Royale)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

-Bailar en la oscuridad
-Persiguiendo a Betty

-Todo sobre mi Madre

-Amores Perros

-Memento

-La Comunidad

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

-Tigre y Dragón

-Antes que anochezca

-Quills

-Sleepy Hollow

-El Talento de Mr Ripley

MEJOR ACTOR

-Javier Bardem (Antes que Anochezca)

-Russell Crowe (Gladiator)

-Tony Leung (Deseando Amar [In the Mood for Love])
-Geoffrey Rush (Quills)

-Ed Harris (Pollock)

MEJOR ACTRIZ

-Björk (Bailar en la Oscuridad)

-Juliette Binoche (Chocolat)

-Isabelle Huppert (La Pianista)

-Ellen Burstyn (Requiem por un sueño)

-Julia Roberts (Erin Brockovich)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

-Willem Dafoe (La Sombra del Vampiro)

-Jude Law (El Talento de Mr Ripley)
-Brad Pitt (Snatch: Cerdos y diamantes)

-Gael Garcia Bernal (Amores Perros)

-Albert Finney (Erin Brockovich)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

-Zhang Ziyi (Tigre y Dragón)
-Annie Girardot (La Pianista)

-Terele Pávez (La Comunidad)

-Marcia Gay Harden (Pollock)

-Antonia San Juan (Todo sobre mi Madre)

MEJOR FOTOGRAFIA

-Tigre y Dragón

-Deseando Amar (In the Mood for Love)

-Gladiator

-Antes que Anochezca

-Bailar en la Oscuridad

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL (Enlaces a BSO en youtube)

-Chocolat

-Gladiator

-Tigre y Dragón

-Requiem por un Sueño

-Bailar en la Oscuridad

MEJOR MONTAJE

-Memento

-Antes que anochezca

-Requiem por un Sueño

-Amores Perros

-Gladiator

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

-Gladiator

-Tigre y Dragón

-Sleepy Hollow

-X-Men

-Vatel

MEJOR VESTUARIO

-Deseando Amar (In the Mood for Love)

-Quills

-Sleepy Hollow

-Gladiator

-Chocolat

MEJOR MONTAJE DE SONIDO

-Requiem por un sueño

-La Tormenta Perfecta

-U-571

-Bailar en la Oscuridad

MEJOR MAQUILLAJE

-La Sombra del Vampiro

-Sleepy Hollow

-Vatel

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL (con enlaces a las canciones en Youtube)

-I've Seen it All (Bailar en la Oscuridad)

-A Love before Time (Tigre y Dragón)

-Now we are free (Gladiator)

-Amores Perros (Amores Perros)

MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA

-Todo sobre mi Madre

-La Comunidad

-El Corazón del guerrero

TOTAL NOMINACIONES Y PREMIOS CINEMASIONER 2000:

Bailar en la Oscuridad 4 / 7 Película, Actriz, Guión original, Canción original

Tigre y Dragón 3 / 6 Guión Adaptado, Fotografía, Actriz secundaria.

Gladiator 1 / 7 Dirección Artística

Deseando Amar (In the Mood for Love) 2 / 5 Director, Vestuario

Sleepy Hollow 0 / 6

Chocolat 1 / 3 Banda Sonora original

Antes que Anochezca 1 / 3 Actor

Todo sobre mi Madre 1 / 4 Película española

Quills 0 / 3
El Talento de Mr Ripley 0 / 2

Requiem por un Sueño 0 / 3

Amores Perros 0 / 3

Battle Royale 0 / 1

Memento 1 / 3 Montaje

La Comunidad 0 / 2
La Sombra del Vampiro 1 / 2 Maquillaje

La Pianista 0 / 2

PEOR PELÍCULA DEL AÑO 2000

-El Gran marciano

-El libro de las sombras: Blair Witch 2

-Glitter

Por último os dejo el enlace al post previo de mejores películas de la década (año 2000)

Documentales que merecen la pena: Of Time and the city (Terence Davies, 2008)

2011-11-16T18:57:00.000+01:00

Dentro del especial de documentales en CinemaSioner que inicié en marzo, nos sumergimos en otra sinfonía de una ciudad, aunque esta vez con una propuesta mucho más obvia que la de Jia Zhang-ke y su I Wish I knew. Se trata de la película documental de 2008 de Terence Davies llamada "Of Time and the city" considerada por muchos seguidores como una obra maestra del género y he de reconocer que aunque no me ha parecido tan soberbia, tiene grandes momentos en que el paso del tiempo traspasa las fronteras del audiovisual y crea una atmósfera íntima con el espectador verdaderamente genial. Se trata además de un título que compitió en la sección oficial del festival de Cannes, algo que pocos documentales han conseguido.

Antes de nada, me gustaría comentar la relación entre ésta cinta y mi adorada "My Winnipeg" de Guy Maddin, para mi una de las mejores películas de los últimos años cuya esencia se encuentra en esta "Of time and the city" pero en esta ocasión no nos encontramos con una propuesta tan original, baste decir que los documentales que más abundaban en celuloide durante la primera treintena del siglo veinte eran estas "sinfonías de la ciudad" cuyos mayores ejemplos son "Berlin" y "El hombre con la cámara" y que tratan básicamente de la vida en la metrópolis moderna. Por suerte, Davies coge lo mejor de aquel concepto y le añade otro que la dota de personalidad única; el paso del tiempo.

Así, "Of time and the city" narra (con la voz del propio Davies en off) la evolución de la ciudad de Liverpool (UK) durante todo el siglo XX gracias a material gráfico original, grabaciones de las distintas épocas en su mayoría en las que Davies se despacha a gusto tratando todos los temas que preocupaban a las gentes de las épocas (la coronación de Isabel II, el fenómeno Beattles, etc) desde un punto de vista lírico, con versos en rima y decididamente personal (con algunos comentarios verdaderamente mordaces). Pero donde realmente gana enteros este documental es en la atmósfera de viaje en el tiempo que transmite.

De esta forma somos testigos de cómo se van formando las arrugas de la propia ciudad y su capacidad de regenerarse de forma que, gracias al metraje histórico de las distintas épocas, vemos una metrópoli como un ente con vida propia. Esto queda claro al ver edificios como el ayuntamiento a lo largo de los años mientras las canciones propias de cada época y la constante voz de Davies nos hacen entrar casi en trance. Volviendo al tema del paso del tiempo, este documental se asemeja en cuanto a metalingüística cinematográfica a "Tren de sombras" de José Luis Guerin en su capacidad para tratar el paso del tiempo y crear una semiótica en torno a las imágenes que vemos, pero "Of time and the city" tiene mayor mérito incluso ya que lo hace casi en su totalidad con documentación audiovisual realmente histórica.

Otro ejemplo es el espeluznante aspecto de la ciudad durante los 80, en la que parece más un escenario apocalíptico de ciencia ficción. En definitiva, un estupendo documental que apela a la emotividad del paso del tiempo sin caer en ningún tópico. Quiero que quede claro que no se trata de un compendio histórico ni para turistas, sino un interesantísimo documental lírico sobre la vida, la ciudad y el tiempo..

Otros documentales del especial: "DOCUMENTALES QUE MERECEN LA PENA":

Afghan Star

Exit through the gift shop

I Wish I Knew

Contra el "racismo" cinematografico

2011-11-15T15:05:00.001+01:00

Había pensado en titular este post: "reivindicando el cine de autor", pero creo que no se ajustaría concretamente al tema que quiero tratar, y es que al hablar de gustos cinematográficos con la gente he notado en numerosas ocasiones desprecio por cierto tipo de cine; mientras que unos se obcecan en defender que el cine es únicamente entretenimiento y cualquier atisbo de intelectualidad es simplemente una chorrada, muchos culturetas denostan el cine comercial por su carácter de producto temporal y sin demasiada sustancia. Como ningún extremismo es bueno, creo que ambas partes pueden tener algo de razón en algún que otro punto, sin embargo, no son más que ejemplos de racismo cinematográfico; o lo que es lo mismo, aquel comportamiento que lleva consigo el despreciar a alguien o su opinión en base a sus gustos cinéfilos.

El cine de autor

Puede que os resulte erróneo que utilice la palabra "racismo" en un tema tan banal como puede ser este a priori, sin embargo es un término que se adhiere perfectamente al sentimiento que tengo cada vez que hablo con gente que no está de acuerdo a mis ideas, y es que en lugar de intentar aportar algo, normalmente los conversadores tienen prejuicios cinematográficos que en su mayoría les impide ir más allá. Sin ir más lejos, un ejemplo lo encontramos en el rapero Nach, cuyas canciones suelen tener un afán reivindicativo contra prejuicios y fascismos, sin embargo, cuando en el último número de Cinemania le preguntan por un director al que tenga manía, el cantante suelta lo siguiente: "Mi opinión está basada en lo que leo.Lars Von Trier me cae fatal. Detesto a la peña que va de rarita y especialita". Es decir, que su opinión no se basa en lo que este señor ha dirigido sino en él como persona, y basándose en opinión de terceros. Este es un tema muy repetido por los detractores del cine de autor, cuando mencionas que te ha encantado la última de Lars mucha gente (y hablo de varios casos concretos) esbozan una medio sonrisa y sueltan un discurso sobre por qué ellos nunca irán a ver una película de este hombre. Más prejuicios.

Recuerdo hace años que un colega de universidad me decía, a raíz de "Inland empire" de David Lynch: "Tu y yo jamás coincidiremos en gustos ni de casualidad". Este compañero tampoco había visto la película, en realidad sólo había oído hablar de ella en alguna clase de refilón sin embargo no necesitó más ingredientes para dicha frase. En realidad no me importa que pensara que menospreciase mis gustos, lo que más me molestó es que lo hiciera sin conocimiento de causa. En otra ocasión me pasó algo parecido al hablar con un aspirante a director de cine de serie B (no diré nombres) que compartía esta opinión del cine como un circo de vísceras sin lugar para la reflexión, lo cual es preocupante viniendo de alguien que debería tener interés en explorar nuevas formas de narrar, estructurar y hacer reflexionar en la gran pantalla. Y es que gran parte del espejismo que muchos tienen ante el cine de autor es el de un cine aburrido y difícil de entender (incluso los más fundamentalistas lo consideran vacío, lo que resulta cuanto menos curioso teniendo en cuenta que éstos defienden el cine "comercial"). En general, ante todo hay que guardar respeto, y a pesar de ello no puedo evitar sentir cierta rabia ante aquellos que consideran el cine exclusivamente válido aquel que tiene a Cameron Díaz de protagonista o a robots gigantes dándose mamporros por las calles. El cine de autor y el análisis fílmico, además de ayudar a conocerse mejor a uno mismo, puede dar grandes dosis de entretenimiento y adicción que el espectador de cine comercial no está acostumbrado y, quizás por ello, le cueste más o directamente tire la toalla ante el esfuerzo de pensar. Cuestión de gustos.

El cine comercial

Como he comentado antes brevemente respecto a fundamentalismos, hay gente que piensa en el cine única y exclusivamente entretenimiento, lo que me parece tremendamente sensato y coherente, sin embargo la cosa se tuerce cuando esta frase conlleva un desprecio a todo cine de autor o experimental. En realidad, cada vez que hablo con personas que entienden el cine como escapismo siempre me he quedado con la sensación de que parten de una idea errónea y es que ¿qué es el entretenimiento? porque si, podemos entender que películas como "Transformers" son fáciles de digerir y olvidar en el acto pero eso no quita que la última película de Terence Malick sea altamente disfrutable y entretenida, eso si, siempre y cuando no esperes explosiones ni fuegos artificiales cada dos minutos; es decir, el cine de autor y reflexivo también supone un entretenimiento, quizás más enfocado a un tipo de disfrute más analítico, que propone a uno mismo una reflexión e incluso un reto como pueden serlo las sopas de letras pero lo cierto es que si se sabe ver cine de autor no es en absoluto tedioso ni aburrido como muchos espectadores afirman.

Por otro lado creo que es lógico y sano disfrutar del cine comercial y lo curioso es que también he sentido algo de prejuicios en otros sectores por este tipo de cine; hace sólo unos meses, cuando estrenaron "Scream 4" tenía muchas ganas de verla, la trilogía original a pesar de su hoy en día trillado argumento, me encantó y esperaba con ansia la nueva entrega, sin embargo al comentar mi expectación fueron varios los que, asombrados, me dijeron "¿De verdad vas a ir a ver eso?". En general la película me pareció bastante entretenida e incluso me sorprendió en varios aspectos, lo que no quita que me siga gustando Tarkovski o Kurosawa.

Aunque en definitiva todos somos humanos y tiramos hacia nuestros gustos particulares (e intentamos acercárselos a los demás), lo cierto es que yo también soy prejuicioso con determinados temas; por ejemplo, detesto todo lo que tiene que ver con Torrente, la primera pudo tener algunos momentos graciosos pero contribuyó a formar una generación de idiotas que más que entender al personaje como lo que es, una sátira repugnante de la caspa española, creyó ver en él un ejemplo gracioso y libre al que imitar (los que sufrieron el "efecto torrente" mientras estaban en el instituto saben bien a qué me refiero).

En resumen, por experiencia creo que el racismo cinematográfico sólo lleva a la gente a prejuicios y tonterias, lo mejor, como casi todo, es tener un propio punto de vista y estar abierto al de los demás aunque en ocasiones estos prejuicios los hayamos interiorizado demasiado.

Y vosotros ¿qué opináis? ¿Con qué tipo de películas os sentís más cómodos?

Melancholia (Lars Von Trier, 2011): Entre el cataclismo y lo hipnotico

2011-11-08T18:20:00.001+01:00

Anoche una película me hizo cambiar la visión de mi propia naturaleza, quedé preso de la ingente aflicción que desprendían sus imágenes, símbolos de los que aún soy rehén por su inmensa capacidad de sugestión e hipnotismo. Se trata de "Melancholia" (Lars Von Trier, 2011), una secuela a nivel temático de "Anticristo" (2009) de la que tenéis un análisis aquí. Ambas tratan sobre mujeres expuestas a su naturaleza, a una visión retorcida del cosmos y su interactuación con el ser humano desde un punto de vista ciertamente esotérico que de momento conforman un hermoso y cruel díptico que probablemente cierre en forma de trilogía con su próxima película, sugerentemente titulada "Nymphomaniac".

Sinopsis: "En la boda de Justine, ella intenta fingir felicidad y contentar a sus invitados ocultando su verdadero estado de ánimo, mientras, un planeta desconocido se acerca a la tierra e influye en los comportamientos de la gente."

La danza de la muerte

Llama la atención, a priori, la forma de narración del relato, de nuevo como en Anticristo nos ofrece una obertura exquisitamente expuesta a todos los niveles (Fotografía, música, dirección artística) con un tema en contraste, aunque no tan directo como la cópula de su anterior película, en este caso esa cópula tiene lugar entre planetas y su baile es casi como un vals en el que lo femenino y masculino (en este caso los astros) juegan en un peligroso ballet hasta que el planeta melancolía penetra en la tierra.

En esta secuencia inicial, perfectamente acompasada, se nos dan las primeras premisas a nivel semántico; Justine (Kirsten Dunst) representa la noche bajo un traje de novia radiante, misteriosa y omnipresente, a la que uno es incapaz de quitar la mirada. Claire (Charlotte Gainsbourg) es el sol, fiel y de fuerte carácter, mientras que el niño Leo (Cameron Spurr) representa, en el centro, el advenimiento del nuevo planeta. Todas estas imágenes son sueños premonitorios de Justine, que sabe mucho más de lo que parece, aunque menos de lo que ella cree (atención al detalle del hoyo 19). Todo este prologo supone una magnífica sinfonía que en si misma tiene tanta potencia y semiótica como para ser un producto audiovisual individual, sólo que, como veremos más adelante, juega continuamente con lo que veremos a lo largo de la película en clave poética.

La película en realidad trata el tema del apocalipsis desde una perspectiva íntima y psicológica, evidenciando que el mundo que vivimos, el universo y todo lo que nos rodea a diario está condicionado por nuestra mirada y es por ello que el conflicto interplanetario también es el de un estado de ánimo, la melancolía, esa mezcla entre miedo y pena (cada una domina a una de las hermanas protagonistas) omnipresente a lo largo del metraje a un nivel tanto sensorial (es un drama psicológico) como científico (es cine de catástrofes), y es que el sentimiento de Justine es tan fuerte y su vacío tan profundo que es capaz de romper con las reglas morales de la sociedad (como ser infiel la noche de bodas) en un intento desesperado por sentir alguna emoción. En realidad, es una mujer aquejada de una fuerte depresión que cree que siguiendo los dictámenes de la sociedad y cumpliendo con los rituales de su cultura (la boda) cree que encontrará la felicidad que aparentemente ve en los demás. Sin embargo, pronto la ceremonia parecerá un baile de máscaras, en el que nadie se interesa por la novia más que de un modo egoísta y ella misma, que había decidido casarse casi como una diversión novedosa, siente a medida que pasan las horas cómo la tristeza se va apoderando de nuevo de ella. Una tristeza tal que consigue sacar de órbita a un planeta.

Hay varias claves esotéricas en la cinta, aparte de la lírica audiovisual del inicio, hay innumerables momentos como el comportamiento cada vez más salvaje y profano de Justine difícil de entender para Claire y su marido (Kiefer Sutherland), que es el representante del pensamiento racional y máxima contraposición a la corriente fatalista que advierte que el nuevo planeta destruirá la tierra. Otra clave se encuentra en los libros de arte de uno de los comedores de la casa, en los que podemos observar obras de muy diferente clase pero de estilo abstracto y hasta arbitrario, obras suprematistas y neoplasticistas, líneas y colores desprendidos de un espacio que flotan en el bagaje del destino, refuerzan la idea de ballet cósmico del film y en cierto modo también su catastrofismo.

La relación con la naturaleza y la muerte en el río

Aunque una de las referencias más llamativas es la del mito de Ofelia, tanto en el cuadro de Millais que aparece brevemente como en una de las escenas del prólogo, en las que Justine flota, con traje de novia por un río sosteniendo unas flores, en una clara alusión al personaje y su mito. Aunque en cuanto a claves pictóricas cabe destacar por encima de estas al cuadro "Los cazadores en la nieve", que parece quemarse en la escena inicial y aparece más adelante en la biblioteca. En general, la película tiene cientos de claves, como la supuesta capacidad predictiva de Justine pero uno de los momentos líricos más extraordinarios del film que me gustaría recalcar tiene lugar junto a un riachuelo una noche de unión con la naturaleza en la que Justine deambula desnuda por el bosque mientras observa las estrellas, en un afán de seducir al planeta y atraerlo hacia ella.

Este planeta y toda la teoría científica que aparece, en realidad está basada en la idea de Nibiru o Planeta X, una teoría que lleva convulsionando el mundo científico muchos años y que consiste en la creencia de un planeta gigante, entre dos y cuatro veces el tamaño de Jupiter, con una órbita errante de tres mil seiscientos años que se extiende más allá del sistema solar y que los babilonios conocían. Sin ánimo de entrar ni en teorías conspiratorias ni mucho menos sólo quiero constatar que la base de la historia mantiene una dualidad entre el mito y lo sacro, el paganismo y la ciencia y cierto nihilismo que sobrevuela la cinta.

En cuanto a estructura la película se desdobla en dos; mientras que la primera mitad, dedicada a Justine, intenta ser de un formalismo absoluto (la perfección del ritual, en este caso la boda), tiene que ver en cierto modo con "Celebración"(Thomas Vinterberg, 1998), la película dogma del colega de Von Trier, aunque básicamente sólo se parecen en una parte de su temática, lo cierto es que hay un diálogo entre esa película y esta. La segunda mitad de Melancholia está dedicada a Claire y es una cuenta atrás en la que los sentimientos de fatalismo y apocalipsis se extrapolan al espectador de una manera asombrosa, constatando la impresión de estar ante una obra maestra.

El maestro de la polémica

Lars Von Trier se ha convertido a lo largo de los años en uno de los mejores directores de cine de la historia por méritos propios pero también en el más odiado por su verborrea y su poca capacidad de sociabilizarse conforme a las reglas. Precisamente ese es su lado más destacable; su inconformismo artístico, su riesgo, su manera de descomponer el alma y sobre todo la forma en que rompe las reglas, incluso cuando él mismo se las impuso (en el Dogma 95, ese juramento de castidad cinematográfica) lo hizo para poder saltárselo, es por tanto, un gran director de cine. En el último festival de Cannes fue declarado persona non grata por esto.

Nunca ha estado exento de polémica, en "Antichrist" (2009) le acusaron de misógino y megalómano, en "Manderlay" (2006) de racista, en Los Idiotas (1998) de ser demasiado explícito... y la lista continúa, es por ello que siempre ha sido en cierto modo "persona non grata", aun así, tiene la particularidad de subvertir las expectativas ofreciendo siempre el lado opuesto, ínfimo e interesante de cualquier tema, lo que para un cineasta de su categoría, dice mucho, por tanto esas películas concretas no son misóginas ni racistas, son las personas las que se escandalizan de lo que no entienden o no quieren creer.

En resumen, el cine de Von Trier es una balsa de salvación en un mundo rodeado de convencionalismos. Por otro lado, no me extraña que Kirsten Dunst recibiera el premio a mejor actriz en el festival de Cannes, su composición de Justine la hace pasar de chica adorable a arpía de una escena a otra con completa convicción mientras que Charlotte Gainsbourg está también impresionante como madre temerosa con los pies en la tierra. Pero en general no se puede establecer una jerarquía de lo mejor de la película ya que todo está a un nivel superior, creo que lo que mejor la define fue la frase que soltó el director Thomas Vinterberg tras su visionado "¿Cómo se hace una película después de esto?". "Melancholia" es una película para experimentar, mejor en una sala de cine en la que no podrá apartar la mirada, ahora mismo estoy escribiendo bajo su fuerte influjo y creo que me costará mucho tiempo abstraerme de la atracción e hipnotismo que esta maravillosa película ha causado en mi.

CALIFICACIÓN:

OBERTURA / PRÓLOGO DE "Melancholia" (Lars Von Trier, 2011):

Por último os dejo algunas direcciones con otros análisis e información de "Melancholia" así como el hermoso principio, Como curiosidad, os dejo también un artículo sobre una película del mismo título de 2008 sobre este estado mental que escribí en CinemaSioner: Melancholia (Lav Díaz, 2008)

http://diario30.com/cultura/la-melancholia-de-lars-von-trier/

http://www.thecinefagos.com/?p=3895

http://micasaesmimundo.blogspot.com/2007/11/magnifica-melancholia-de-lars-von-trier.html

http://cemsenmoviment.wordpress.com/2011/11/06/melancholia-lars-von-trier/

Grandes momentos del cine musical

2011-11-05T18:57:00.002+01:00

No hay nada más imprescindible en un musical que las canciones, ya sean instrumentales o vocales, la trama la crea la música, y más allá de las horteradas clásicas que se pueden encontrar en el género (si, me refiero concretamente a Fred Astaire y Ginger Rogers) sirven para catalizar y ensalzar el sentimiento del espectador; nos une, por tanto, mucho más a la película.

Las siguientes no son las mejores escenas de musicales de la historia, sino una recopilación subjetiva de algunos momentos geniales del mejor cine musical. Es por ello que no están las más conocidas como "America" de West Side Story ni "Do Re" de Sonrisas y lágrimas, indudablemente obras maestras del género, sino otros momentos no tan conocidos y muy especiales.

Tonight [Ensemble] (West Side Story, 1961)

Las bandas de los portoriqueños y norteamericanos se van a batir en duelo por la noche para saldar las rencillas, todo motivado porque María (fantástica la voz de la cantante Marnie Dixon, que dobla a la sosainas Natalie Wood) y Tony (Richard Beymer) se han enamorado pero pertenecen a clanes rivales. Una revitalización de Romeo y Julieta en clave musical.

Ésta podría decirse que es la canción más importante a nivel dramático es esta mezcla de varias canciones, cada personaje entona una canción que ya ha sido cantada en la película (salvo el de Rita Moreno) de distinta manera y que identifica sus aspiraciones. Así, este Tonight se convierte en el momento previo a que estalle el acontecimiento final, en el que todo se precipita mientras se pone el sol. Una de las mejores escenas de la historia del cine.

Sueño... (Sout Park: Más grande, más largo y sin cortes, 1999)

Satán está descontento, su idilio romántico con Saddam Hussein no pasa por su mejor momento pues parece que a éste último sólo le interesa conquistar la tierra, este y otros temas están afectando a su relación y siendo una constante fuente de estrés para Satán y el infierno no es precisamente el sitio idóneo para relajarse dándose un chapuzón en la piscina con un par de cosmopolitan. A veces la gente no se da cuenta lo mucho que debe cansar pegar latigazos y condenar almas todo el día y seguir siendo el ser más odiado del planeta. Así las cosas Satán, un sentimental de los que ya no abundan, se desahoga ante nosotros en un admirable ejemplo de sinceridad que todos deberíamos seguir.

Un ejemplo de cine subversivo a varios niveles, versionando un momento típico de los musicales en el que el protagonista sueña con una vida mejor (como en Los Miserables, por ejemplo) desde un punto de vista opuesto, con rehenes torturados como coro invitado y cruceros gays de por medio. Un genial momento para la mejor comedia de 1999.

Touch me (Rocky Horror Picture Show, 1975)

La pareja formada por Brad y Janet pasan la noche en una terrorífica mansión repleta de travestis transilvanos, y aunque el sentido común quizás te haga optar por encerrarte en tu habitación a Janet (Susan Sarandon), le parece mejor idea irse a dar un paseo por los pasillos en liguero y sujetador a ver qué encuentra, así, descubre a Rocky, un escultural modelo fabricado en un quirófano que acaba de recibir una paliza de su creador, así, la maternal y virginal Janet parece seguir la máxima de "Afuera telarañas" y entregarse a la pasión carnal con el rubiato musculoso. Tonta no es.

I've Seen it all (Bailar en la Oscuridad, 2000)

Selma (una increíblemente genial Björk) es casi ciega y su hijo también heredará su condición si no le operan a tiempo, su vecino la ha robado el dinero que tenía preparado y ella ha tenido que hacer actos horribles para recuperarlo. Aquí se encuentra con su pretendiente (Peter Stormare) al que no corresponde, se da cuenta que no puede ver. Entonces entra un inesperado momento de reflexión en contra de nuestros principios más básicos, una oda a la ceguera, a la simpleza de la vida y la capacidad de la imaginación para hacernos visitar cualquier lugar.

Amado mío (Gilda, 1946)

Una mujer encadenada no puede amar en su plenitud, al menos eso es lo que parece cuando Gilda (Rita Hayworth) decide irse a Montevideo a buscar un amor más allá de la cautividad de Buenos Aires, donde es controlada a todas horas por su marido y su amante. Esa pequeña oda a la infidelidad (que más adelante tendrá su redención), unida a la maravillosa Rita, una estrella que brilla como tal, capaz de hacer que cualquiera del sexo que sea se ponga a sus pies con esbozar tan sólo una sonrisa, hacen que esta escena mantenga una elegancia exquisita y apetezca ver una y otra vez. Aun así, siempre ha sido eclipsada por el "Put the blame on me", donde Gilda finalmente desata sus cadenas y nosotros la juramos un incondicional amor eterno.

La piel que habito (Pedro Almodovar, 2011)

2011-11-04T11:52:00.000+01:00

Ante todo, quiero dejar claro que no voy a comentar ningún spoiler ni aspecto de la película que pueda perjudicar el visionado de aquel que aún no la haya visto, esto es importante ya que la experiencia será más impactante cuanta menos información sobre la sinopsis se tenga. Se ha comentado que la última de Almodóvar no se parece a las demás películas de su filmografía, quizás tenga razón en que el tipo de humor es mucho más comedido en esta ocasión y más cortante, sin embargo, "La piel que habito" es quizás la película más Almodovariana de su filmografía, donde da un salto al vacío llevando las obsesiones de su cine a un arriesgado abismo tan radical que no gustará a todo el mundo.

Como una tarántula

Uno de los recursos más utilizados suelen ser las elipsis en las que pasan años, incluso décadas, reuniendo una amalgama de tiempos que se solapan con claridad, en esta cinta funciona de la misma manera que en "La Mala educación", aunque de una forma mucho más funcional e inquietante, una de las bazas por las que funciona tan bien la primera mitad de la película; su forma de jugar con los tiempos. Otro de los aspectos que más refuerza la cinta es tanto el de la piel como el simil de la tarántula. Por un lado, la piel es usada no sólo de una forma física y obvia como se muestra en los trailers, sino como un símbolo de identidad, algo mucho más profundo, una seña que describe lo que somos por dentro. No obstante, todo el metraje está plagado de referencias a la ropa de múltiples formas: Así, mientras que Vera (Elena Anaya) cautiva en su habitación, se dedica a destrozar los vestidos que suministra Robert (Antonio Banderas), también asistiremos a grandes frases relacionadas con las telas, como las escenas de Vicente en la tienda de su madre o incluso a través de la televisión con Karl Lagerfeld (quién por cierto, fue diseñador de vestuario para "Tacones Lejanos"). De modo que el vestuario cobra una importancia única en el desarrollo de la historia, siendo, más que nunca, el catalizador de los estados de ánimo y recorriendo el mismo camino que los protagonitas, yuxtaponiéndose a lo que son y lo que querrían ser.

Precisamente un camino de un único sentido es el que recorre Vera, un trágico e inimaginable destino que la espera mientras una tarántula se va apoderando de sus deseos y la va moldeando a su gusto, anulando su voluntad, su cuerpo y su alma, intentando vaciar de contenido su ser para su propio beneficio. Así, algunos flashbacks como el de la mujer quemada simbolizan la muerte del ser mientras que otros son el nacimiento. Por otro lado cabe destacar la vuelta del clásico momento musical almodovariano, olvidado en su anterior trabajo "Los abrazos rotos", que tiene en la intervención de la cantante Buika un inmenso protagonismo en la historia soterrado a través de varias escenas posteriores que lo reutilizan a modo de catalizador psicológico de lo irrazonable y la muerte.

Mención aparte para la escena carnavalesca de la cinta, protagonizada por el hermano de Pedro, Agustín Almodóvar, productor y co-guionista de la película, que realiza un papel más extenso de lo habitual y que a muchos es el punto que menos les ha convencido. Sin embargo, y a pesar que su aparición es una forma de redondear el metraje inicial antes de comenzar el gran flashback al pasado, funciona a la perfección con las aspiraciones de la escena, de nuevo el traje se convierte en un elemento externo de lo interior (va disfrazado de tigre y se dispone a violar a Vera) y a la vez es un elemento que destaca, que hace que el público se frote los ojos atónito y no sepa si reir ante una situación que en realidad no tiene nada de gracia. Este es el punto que más se dedicó en criticar Carlos Boyero, pseudo-crítico de cine de ElPais, dejó por los suelos el intento de Almodóvar de aterrorizar aludiendo a la risibilidad de ciertas situaciones. Sin embargo creo que Boyero se equivocaba, pues el shock de "La Piel que habito" lo producen esas situaciones tensas resueltas de manera kitsch, la atmósfera de hermetismo cool que transmite (no hay más que fijarse en los cuadros de Boticcelli que cubren las paredes de la finca) o, en definitiva, la tremenda venganza que tiene lugar en la película. Es por ello muy fácil meterse con ella, pues no produce un terror como "La noche de Halloween" o "Psicosis" sino más bien un tipo de sensación psicológica entre lo orwelliano y lo kafkiano.

En general puedo afirmar que Almodóvar sale indemne de una fusión tan arriesgada como es la del terror, el thriller vouyerista y el folletín, todo ello aderezado con un argumento peliagudo y difícil entre manos, una apuesta diferente que dice mucho de un autor inconformista.

El proceso Frankenstein

A la hora de gestar este monstruo, Almodóvar le dio vueltas al proyecto en torno a diez años, tras el estreno de "Hable con ella" en 2002, anunció que su próximo proyecto sería Tarántula, nombre provisional de "La Piel que habito" y adaptación del libro de Thierry Jonquet "Tarántula", una historia que encaja a la perfección con su filmografía pero que requería un toque de exquisitez para no caer ni en el ridículo ni en lugares comunes. Así, tras cada película anunciaba que ésta sería su siguiente film, pero nunca acababa de llegar hasta que finalmente se rodó en 2010.

Al fin llegamos a las referencias, además de las de su propio cine, como el momento en que la presentadora del telediario lee malamente el telepronter (como en casi todas sus películas de finales de los 80, principios de los 90). La referencia más clara es "Los ojos sin rostro" (Les Yeux sans visage) de la que encontraréis una crítica en CinemaSioner aquí. Tanto por el estilo de la mansión "El Cigarral", el tema del médico loco, las quemaduras de la piel, el secuestro de jóvenes e incluso la mascarilla que lleva la protagonista en algunas escenas, todo recuerda al mítico film del 60 de Georges Franju. La película, por cierto, fue remasterizada y reestrenada en el festival de Cannes de 2009 (donde Pedro competía por "Los abrazos rotos"), quizás la volvió a ver y fue la inspiración que le faltaba para "La Piel que habito". En cualquier caso, se agradece que sólo sean referencias, y es que la última de Almodóvar respira originalidad por todos sus poros.

En cuanto a los actores, están en general muy bien, de todo el elenco destacaría a Marisa Paredes, Antonio Banderas, Elena Anaya y Jan Cornet. Sin embargo, hay que dar un (gran) tirón de orejas a esa pseudo-actriz llamada Blanca Suárez, capaz de destrozar cualquier personaje que la pongan a su alcance, por interesante que este sea, y es que será recordado el momento en que, en estado de shock, a la Suarez se la escapa la risa, un momento que llama mucho la atención y estoy seguro que Almodóvar decidió dejar a propósito, aunque desconozco el motivo, quizás como otro momento "Chic" de su cine. De Elena Anaya debo decir que está estupenda. Me alegré mucho que finalmente fuese ella la protagonista y no Penélope Cruz, no porque no me guste Penélope (es indudable que el talento de la actriz ha crecido sobremanera desde 2002 más o menos) sino porque creo que un rostro tan conocido no hubiese hecho nada bueno al personaje.

Finalmente para terminar me gustaría hablar brevemente de la música compuesta por Alberto Iglesias, en un registro mucho más tecno de lo acostumbrado que agradece mucho la historia, aunque no convencerá a los puristas. En definitiva "La Piel que habito" supone una de las cimas del cine de Almodóvar tanto en cuanto a poética argumental como en realización, es su primer gran thriller y una de las mejores películas del año, eso si, sólo para aquellos que se quieran dejar llevar y no se lleven prejuicios cinematográficos ni morales al visionado.

CALIFICACIÓN:

Seis peliculas y media para este halloween

2011-10-18T16:57:00.002+02:00

Como cada halloween en CinemaSioner, ahí va un especial de cine de terror no tan conocido... seis recomendaciones y media para una terrorífica víspera de todos los santos. Todas ellas son películas de muy alta calidad, encontraréis su correspondiente calificación al final de cada reseña. También tienen en común ser cintas realmente aterradoras y no tan conocidas de cara al gran público. Juntas forman la maratón ideal para este puente. Si queréis, podéis echar un vistazo al especial del año pasado.

LOS OJOS SIN ROSTRO (Georges Franju, 1960) Francia

SINOPSIS: "En París, un brillante cirujano enloquecido rapta chicas con objeto de utilizar su piel para reconstruir la belleza de su hija, destrozada por un trágico accidente del que el doctor se siente culpable."

Más conocida por su título original "Les Yeux sans visage", esta es la recomendación que os hago este año en cuanto a terror clásico, si el año pasado os recomendé "El carnaval de las almas", este año la recomendación es aún mejor. Se trata del clásico del francés Georges Franju "Los ojos sin rostro", que pude ver hace un par de años en el festival de Sitges con una copia restaurada por su quincuagésimo aniversario y en el envidiable entorno del cine casino Prado. Una verdadera delicia copiada hasta la saciedad (lo mejor de "La Piel que habito", por ejemplo, viene directamente de esta película). Una oda a la piel herida, a la demencia de los deseos en su vertiente menos kitsch y al lado tenebroso que existe en la misma naturaleza. Hay momentos que destilan una poética que nunca se había visto en el cine de terror lo que fue toda una innovación en su época, contraponiendo una historia de un doctor "loco" en una localización realista rodeada de elementos que sugieren lo fantástico, la película merece un estudio en profundidad debido a la complejidad de la realización, que propone un historia de terror clásica repleta de momentos cotidianos, como los paseos de la hija sin rostro, que alcanzan cotas siniestras precisamente por la rareza intrínseca de esa falsa cotidianidad, momentos inolvidables que a día de hoy siguen estremeciendo. Mención aparte para ese espectacular desenlace, con diferencia, uno de los mejores finales de la historia del cine.

Desde la magistral dirección, muy adelantada a su época, a la hermosa puesta en escena, la increíble expresividad de la máscara de la protagonista, la omnipresente y fastuosa banda sonora o las geniales interpretaciones, todo en esta película alcanza el grado de obra maestra del cine, a la altura e incluso por encima de clásicos como "Psicosis" de Hitschcock, curiosamente también realizada en 1960.

Calificación:

OCURRIÓ CERCA DE SU CASA (Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde, 1992) Francia

SINOPSIS: "Un equipo de reporteros siguen las andanzas de un asesino en serie en su día a día habitual, con sus típicos robos, violaciones, asesinatos, etc. Poco a poco, los reporteros comienzan a verse involucrados en sus actividades."

Seguimos con la más polémica de esta lista. Un falso documental excelentemente realizado que sigue la vida cotidiana de un sádico asesino psicópata, de modo que el equipo de rodaje le sigue mientras su personalidad se va volviendo más inestable, sus ansias de sangre aumentan y la locura se apodera del ambiente. A medida que avanza seremos testigos de cómo la amoralidad se va apoderando de todo el equipo de rodaje hasta los extremos. La película ganó en 1992 el festival de cine de Sitges en medio de la polémica.

Un curiosa reflexión sobre la violencia y la hipervisibilidad de los medios actuales que afecta irremediablemente al espectador ya que se le hace partícipe en todo momento, lo que creo que es el punto fuerte de la cinta, ya que lo que nos cuenta no sólo es lo que aparece en pantalla sino que nos hace reflexionar como medio pasivo enfrentado al mal, una especie de reflexión a lo Michael Haneke pero infinitamente más cruel. Mezcla con gran habilidad la comedia negra y el terror, baste decir que el estupendo guión provoca escenas muy inspiradas y originales, como el momento en que entran en casa de una anciana y el asesino se dedica a describir los pasos para matarla ante la atónita mirada de la mujer. Otros momentos sin embargo resultan mucho más cruentos y difíciles de ver. La destaco especialmente por su original puesta en escena (nada que ver con los falsos documentales que abundan tanto hoy en día) como por sus excelentes diálogos.

Calificación:

-Importante: No es apta para todo tipo de público, cuando digo que es brutal no me refiero sólo a la violencia física sino también la moral y psicológica que transmite al espectador, una experiencia muy fuerte.

DREAM HOME (Pang Ho-Cheung, 2010) Hong Kong

SINOPSIS: "Una mujer vive obsesionada desde niña con adquirir un piso con vistas a la bahía de Hong Kong, sin embargo, por la especulación y otras causas la es imposible comprarla así que no dudará en hacer que corra la sangre si hace falta.."

De una película polémica a otra. Esta película hongkonesa, dirigida por el atrevido Pang Ho-cheung (cuyo film de 2005 "Isabella" es, por cierto, una maravilla). "Dream Home" es una mezcla casi imposible entre cine de terror y cine social, habla de la especulación inmobiliaria, tan de moda ultimamente, pero también otros temas. Gracias al excelente uso del montaje nos mostrarán dos lineas temporales que aparentemente no tienen nada que ver y que finalmente convergen dando un sentido completo y en cierto modo inusitado a la película. Esta forma de edición puede que no sea innovadora pero ciertamente funciona ya que ambas historias (que son en realidad una sola) son absolutamente distintas en cuanto a planteamiento; mientras por un lado vemos al personaje magistralmente interpretado por Josie Ho hacer todo lo posible durante meses por comprar la casa con la que ha soñado desde pequeña también descubriremos durante una sangrienta noche que ella está dispuesta a todo por conseguir su sueño.

"Dream Home" es muy bestia, casi tanto como la cinta anteriormente comentada, motivo por el que la ha llevado a convertirse en el estandarte contemporáneo de la CAT III (categoria hongkonesa para películas fuertes, ya sea por contenido violento, erótico o moralmente dañino). Es, por tanto, un film para ver de noche sólo en casa, con todas las luces apagadas y el deseo de no escuchar ningún ruido tras la puerta.

Calificación:

THE HOUSE OF THE DEVIL (Ti West, 2009) EEUU

SINOPSIS: "Samantha es una joven niñera que acude a una mansión victoriana a cuidar un bebé, al llegar a la casa, los ancianos la dicen que no es un bebé, sino un niño el que debe cuidar, motivo por el que la dan una gran suma de dinero, pero la noche no será tan tranquila como ella espera..."

Ti West es un director de cine de terror que nunca se sabe con qué nos va a sorprender, normalmente sus películas son entre graciosas (Cabin fever 2) y absurdas (The Roost). Sin embargo, en esta "Casa del diablo" da en el clavo, creando una de las películas de terror satánico más impactantes de los últimos años, y todo ello sin recurrir a litros de sangre. Esto es precisamente lo que creo que la hace tan especial, que la historia de esta niñera en una casa abandonada es contada desde la tensión de la propia casa, que se erige casi como un ente propio y es lo que más asusta (hasta el tercio final, claro). Es por ello que la historia, a pesar de estar muy vista y ser aparentemente muy sencilla, consigue dar miedo y a la vez ser original, lo que unido a un ritmo "in crescendo" lento pero seguro con momentos de "explotation" realmente disfrutables la convierten en una candidata idónea para pasar miedo una noche de halloween.

"House of the devil" es por su sabio manejo del suspense y su semejanza temática una digna oponente contemporánea de "La semilla del diablo". Por tanto, aunque lo pueda parecer a priori, no nos encontramos con un producto comercial ni gore, aquí el juego con el espectador es mucho más comedido, aliñado con una consistente ambientación setentera, que lleva incluso a los títulos de crédito.

Calificación:

CURE (Kiyoshi Kurosawa, 1997) Japón

SINOPSIS: "Un policia investiga unos extraños casos en los que las víctimas aparecen con una herida en el cuello en forma de "X" y los culpables son personas normales que jamás cometerían un asesinato, por lo que empieza a sospechar que han sido hipnotizados."

Extraña, hipnótica y sobre todo tremendamente perturbadora. La experiencia durante el visionado de esta cinta está cercana a lo que sería una sesión de hipnosis, de hecho, en más de una ocasión el espectador tiene la sensación de estar bajo los influjos de esa hipnosis. Puede parecer una tontería pero esta película tiene varias escenas con una fuerza devastadora e incomprensible. Al comienzo, uno tiene la impresión de estar viendo un thriller normal pero pronto lo que sucede en pantalla. No hay gore, no hay apenas violencia y tampoco considero exacto hablar de terror psicológico en sus términos más aceptados, sino de algo más subliminal, hay una poética y a la vez aterradora sensación de peligro que traspasa la pantalla y no estoy hablando por hablar, ese "algo" queda patente a lo largo de todo el metraje, un extraño poder de sugestión se ejerce sobre el espectador, un tipo específico de miedo primitivo muy poco desarrollado en el cine. Este elemento perturbador de la cinta es preferible que lo descubráis por vosotros mismos si aún no la habéis visto. Ese enigma que envuelve todo el ambiente del film ha de ser descifrado por cada espectador en solitario. Sin duda, una de las mejores películas de los noventa que la hace situarse por encima del resto en su género e ideal para una noche de halloween diferente.

Para quienes no os suene, Kiyoshi Kurosawa es uno de los pesos pesados del cine de autor japonés, muy enfocado al terror desde una óptica siempre original pero a la vez profunda e inteligente. Otras obras suyas son "Kairo (Pulse)" (2001), "Retribution" (2006) o "Tokyo Sonata" (2009).

Calificación:

A L'INTERIOUR (Alexandre Bustillo, 2007) Francia

SINOPSIS: "Una mujer embarazada y viuda (Alysson Paradis), cuyo novio ha fallecido recientemente, pasa la noche de navidad a solas, completamente afligida por la pérdida del padre de su bebé, cuando una extraña (Béatrice Dalle) se presenta en su casa..."

Junto con la también francesa "Ocurrió cerca de su casa", es sin duda la película más fuerte de toda la lista, sólo para aquellos que busquen experiencias fuertes. Dos buenas muestras del conocido terror francés, de gran fama por su capacidad de crear atmósferas terroríficas e innovar con ideas sin cortarse ni un pelo respecto al qué mostrar. Por muy suave que la sinopsis la presente, se trata de una brutalidad fílmica, no sólo por sus sangrientas y realistas escenas sino por el intenso ambiente que crea a su alrededor. Todo tiene que ver con el interior como su título bien indica; el interior de la casa, donde sucede la mayor parte de la acción, en la que, con una tensa tranquilidad van sucediéndose acontecimientos cada vez más extremos, pero también tiene relación con el interior de la protagonista y no sólo por sus entrañas, sino por el bebé de nueve meses que espera en su vientre y que un ente demoniaco (o una mujer normal) parece querer arrebatárselo.

En definitiva, otra cinta de terror francesa no apta para cardiacos, advertidos quedáis con esta degustación de efectividad gore. Bon apetit...

Calificación:

...y os estaréis preguntando cuál es la película que hace honor al título del artículo "seis películas y media para halloween", pues se trata de un mediometraje de 2005, toda una rareza que os traigo para que la disfrutéis íntegra...

LA LLAMADA DE CTHULHU (Andrew Leman, 2005)
La adaptación postmoderna del conocido relato de terror de H.P Lovecraft es en realidad una obra retro; usando los métodos del cine mudo de los años veinte, Andrew Leman, conocido más por sus trabajos como director artístico, dirige este terrorífico mediometraje que se vale de la estética muda para provocar miedo y angustia, y lo hace muy bien, con un correcto uso del tempo e interesantes efectos especiales retro. Ya podría aprender alguno cómo adaptar a Lovecraft en vez de dirigir despropósitos. Como sorpresa os dejo aquí la película subtitulada en cinco partes sacada de youtube, que la disfrutéis y ¡feliz día de todos los santos!

Treasure Inn (Wong Jing,2011,China): Divertida comedia de aventuras

2011-10-10T21:53:00.001+02:00

Hoy os traigo una de las comedias más divertidas del año en China, "Treasure Inn" del prolífico director Wong Jing, conocido en occidente sobre todo por haber dirigido en más de una ocasión a Jet Li. En esta ocasión, ha roto la taquilla china gracias a la película que nos ocupa, recién salida del horno, que funciona como wuxia (género de aventuras propiamente chino de artes marciales con algunos elementos fantasiosos) tanto como comedia y que supone una hora y media de diversión sin freno (la cinta avanza en una progresión vertiginosa, en ocasiones incluso demasiado rápido).

Sinopsis: "En la China legendaria, un grupo de matones roban la diosa de Jade blanco, una importante reliquia de siglos de antiguedad, a dos agentes de la guardia en prácticas se les tiende una trampa mientras se transporta la antigualla a la posada del tesoro, mítico lugar de subastas en medio del desierto donde venderla, cuando lleguen allí, una tormenta asediará el lugar".

En el siguiente enlace podéis descargaros la película y los subtítulos, que por cierto y sin ánimo de publicitarme, he traducido para la ocasión. Si alguno tiene la duda sobre la legalidad de compartir archivos le recuerdo que esta película no está licenciada fuera de China y seguramente nunca llegue a nuestro país por lo que la única forma de verla es de esta manera o por importación.

Más allá de estos trámites y entrando en la película en si, a mi me ha recordado bastante a "Chinese Odyssey 2002", producida por cierto por Wong Kar-wai, una comedia también de época con una factura similar y que recomiendo encarecidamente. A pesar de cierto tono infantiloide que destilan algunas escenas, sobre todo al principio, la película acaba siendo tremendamente entretenida y durante noventa minutos permite olvidar todo tipo de problemas. Además, algunos personajes son especialmente hilarantes y los chistes y situaciones acaban siendo algo más adultas de lo esperado. Según cuentan, la película es un tributo a los spaghetti western, y es que durante buena parte del metraje la acción consiste en un grupo de personajes encerrados en la posada intentando resistir mientras dos amenazas se ciernen sobre ellos; la llegada del ejército de la armadura plateada, unos sanguinarios mercenarios que quieren acabar con todos los testigos y una fuerte tormenta. A diferencia de en los spaghetti western, esta situación dará lugar a una buena amalgama de momentos graciosos y comprometidos.

Pero si hablamos de géneros, donde realmente Wong Jing lleva a cabo un homenaje es al wuxia clásico, a las películas de espadachines expertos en artes marciales como "The black tavern" o "Dragon Inn". Es ahí donde "Treasure Inn" se hace verdaderamente entretenida, que si lo unimos a los rostros populares chinos que aparecen como Nicholas Tse o Nick Cheung, tenemos el entretenimiento perfecto después de salir del trabajo. Aun así, los defectos que tiene y la sensación de estar viendo una película ya vista juegan en su contra.

CALIFICACIÓN:

Wrecked (Michael Greenspan, 2010) Una oda a la nada

2011-10-06T15:38:00.001+02:00

El punto de partida de esta película independiente norteamericana es altamente interesante: "Un hombre (Adrien Brody) despierta en un coche destrozado por un accidente en medio de un bosque junto a los cadáveres de los otros ocupantes y con amnesia." Aunque los primeros minutos como espectadores estamos igual de aturdidos que el protagonista y no sabemos que nos espera, pronto nuestras expectativas caen desde lo alto y se estampan contra una de esos guiones de bajo concepto tipo "Buried (enterrado)" o "127 horas" en las que el protagonista, casi inmóvil, tiene que lidiar con los elementos que tiene a su alrededor para intentar sobrevivir. Esta nueva moda de películas suelen contar con un único actor que veremos sufrir a lo largo del metraje. Si en Buried era Ryan Reynolds y en 127 horas James Franco, en esta ocasión tenemos a Adrien Brody, que probablemente buscaba otra nominación al óscar por este papel ya que no no se explica su interés en este proyecto.

Así, durante hora y media asistimos al sufrimiento del protagonista para intentar escapar y encontrar ayuda, y claro, a estas alturas el guionista tenía dos opciones; seguir la senda de Buried y meter giros de guión y situaciones que pongan a prueba al protagonista o seguir la de 127 horas y deleitarse con el dolor de las heridas y la angustia mientras una serie de flashbacks intentan entretener al espectador. "Wrecked" opta por todas y a la vez por ninguna, los giros de guión son nulos y únicamente es la memoria del protagonista que poco a poco va recordando lo sucedido, por otro lado el director, consciente de que su película va a ser un aburrimiento, engaña al espectador introduciendo elementos que el protagonista imagina y que el espectador en seguida caza.

Por tanto, no tenemos historia, no hay prácticamente desarrollo, todo se basa en las caras de Brody y su intento de recordar, y ni siquiera hay personaje, ya que es más bien un animal herido que se arrastra, tampoco hay apenas diálogos, (salvo los "Fuck" que Brody no para de soltar cada tres minutos) pero eso no importa, porque la gracia de la película debería estar en el ambiente y en la fuerza del realizador para transmitirnos angustia a través de la pantalla... pero es que no hay nada de eso; todos los planos del bosque en los que no sucede nada tampoco sugieren ninguna lírica ni sentimiento, más bien lo que parece es que sirven al director para estirar la duración de la cinta, que podría contarse fácilmente en diez minutos (incluyendo esos tiempos muertos) y no 90.

Hay un tigre que parece acechar a Brody toda la película y, francamente, a mi no me hubiese importado mucho que se lo comiera a los veinte minutos, me hubiese ahorrado una hora dedicada a mirar a las musarañas.

CALIFICACIÓN:

SITGES 2011: Algunas de las películas que nos aterrorizaran este año

2011-10-03T14:13:00.001+02:00

Aunque este año no podré asistir al festival internacional de cine fantástico y de terror de Sitges, he tenido la oportunidad de ver algunos de los títulos que se estrenarán en las distintas secciones. Por la programación en general se puede intuir que los falsos documentales estilo "Paranormal activity" empiezan a aflorar en exceso, lo que en mi opinión está matando un subgénero que podía haberse explotado mejor. También se puede apreciar que este año han disminuido sobremanera los "slasher" (películas tipo "Scream" con asesino en serie). Aquí os dejo algunas de las películas que estrenan, en breve pondré más:

The Troll Hunter (André Øvredal, Noruega)

De escandinavia nos llega este mockumentary (falso documental) sobre un equipo de cine que busca la leyenda de los troll en los apartados bosques noruegos, que seguirán las andanzas de un cazador de trolls profesional contratado por el gobierno, que guarda en secreto la existencia de estos seres. También conocida como "Trolljegeren", es una nueva muestra de cómo el lenguaje televisivo del reality está poniéndose de moda en los cines cuya máxima es dotar de mayor credibilidad a la historia. He aquí el motivo por el que esta película es un completo fracaso; su tremenda incapacidad de hacer verosimil lo que sucede ante las cámaras, principalmente por culpa de los actores protagonistas, más preocupados de poner cara de estreñimiento que de meterse en su papel, unido a un guión tosco, que fuerza sobremanera las situaciones o ciertos diálogos entre el grupo de rodaje que sonroja un poco. Tampoco ayuda el montaje, que en todo momento intenta dar la sensación de que todo está improvisado y, curiosamente consigue el efecto contrario, todo parece artificial, empezando por los innecesarias tomas falsas que de vez en cuando nos muestran para reforzar la sensación de realidad.

Como contraprestación, los efectos digitales están bastante conseguidos y son, con diferencia, lo más realista de la película, que unido al tembleque de la steadycam consiguen un par de escenas cargadas de adrenalina por las que ya de por si merece la pena. No me extrañaría que ganase el festival por estos momentos, sobre todo teniendo en cuenta que el año pasado la vencedora, Rare exports: A christmas tale, también escandinava, era mucho más ridícula.

CALIFICACIÓN:

Pases en Sitges 2011:

Día	Hora	Cine	Título	Duración
14/10	16:45	Auditori	The Troll Hunter (Trolljegeren)	103
15/10	19:00	Retiro	The Troll Hunter (Trolljegeren)	103

Grave Encounters (The vicious brothers, EEUU)

He aquí otro falso documental, en este caso mucho menos original ya que parte de un argumento bastante trillado: la de un grupo de rodaje que hace un reality show titulado "Grave encounters", que consiste en que éstos, acompañados por un espiritista, deben pasar una noche en lugares supuestamente embrujados. Ya desde el principio nos advierten que lo que vamos a ver es el episodio 6 de este programa de televisión, para contarnos la típica historia de este subgénero; que si las cintas fueron encontradas y no existe explicación, que si lo que vamos a ver es una primicia, etc. en definitiva, una versión "La bruja de Blair" en clave Cuarto milenio.

En cuanto a la película, como mockumentary tiene los mismos fallos que los citados anteriormente para "The Troll hunter", es decir, en los momentos clave es poco creíble debido sobre todo al montaje (y eso que en el trailer aseguran que no hay cortes). Aunque al principio parece que la experiencia va a ser entretenida y terrorífica, resulta aburrida en algunos momentos, mientras que recurre a comportamientos estúpidos de los protagonistas (eso de decidir separarse cuando las cosas se ponen muy feas..) o situaciones incomprensibles a las que no se dan respuesta. Una de esas situaciones es la de que los protagonistas no puedan salir del psiquiátrico porque los pasillos no terminan nunca, momentos de gran impacto que nunca llegan a explotarse del todo, quedando como una película simple y rutinaria en exceso. Ni siquiera las apariciones de los fantasmas llegan a crear ese ambiente terrorífico que se nos promete, son más los escenarios abandonados y las constantes luces y sombras que intuimos en ellos gracias a la cámara en mano lo que hace que crezca la tensión en la sala de cine.

Lo genial de esta cinta es que la programan en Sitges junto a otros títulos dentro de la sección "Midnight Xtreme", que para quien no la conozca se trata de maratones de cine de terror de madrugada. El espacio ideal para disfrutar de esta cinta mucho más que en cualquier otra circunstancia.

CALIFICACIÓN:

Pases en Sitges 2011:

Día	Hora	Cines	Título	Duración
11/10	01:00	Auditori	Cargols! Grave Encounters The Incident Detention Bobby Yeah	313
13/10	01:00	Retiro	Grave Encounters The Innkeepers	196

Revenge: A love Story (Ching Po-wong, Hong Kong)

Los amantes de la CAT III (Una categoría china para películas que tienen alto contenido sangriento o erótico) están de enhorabuena ya que si el año pasado pudieron disfrutar de la excelente Dream Home de Pang Ho-Cheung, este año volverán a hacerlo en Sitges con esta cinta, si bien mucho menos gore y explícita, y es que esta CAT III también se concede por temas de índole moral, y en ese sentido, ésta tiene mucho de inmoralidad y se sitúa en el nivel del terror subversivo, aquel en el que al principio estás del lado de la víctima para luego replantearte quién es la víctima, lo que nos lleva a preguntarnos e incluso entender cómo es posible que haya gente que crea que el fin justifica los medios.

La premisa es sencilla; un asesino en serie brutal intenta escapar de la policia, sin embargo, pronto descubriremos que tras estos crímenes se encuentra una historia de amor, castigo y redención. Lo mejor es la sencillez con que se nos cuenta esta historia y sus trágicas consecuencias, unido a la buena técnica de la fotografía y las interpretaciones de los protagonistas, que elevan el listón de este año en Sitges. De todas formas, como contrapunto, hay que reconocer que hay ciertos momentos que uno tiene la impresión de estar viendo un capítulo de una serie más que una película, esto es debido a su montaje, que es bastante meritorio ya que nos traslada a modo de flashback en el punto justo en que la historia lo necesita para sorprender al espectador, y es que tras ese flashback de unos cuarenta minutos de duración, uno tiene la sensación de estar ante otra película, ante un drama existencial o romántico en el que importan los pequeños detalles, un drama que pronto es acuchillado por la brutalidad que acontece en la pantalla y que muta drásticamente en thriller psicológico con toques de slasher. Muy recomendable.

CALIFICACIÓN:

Pases en Sitges 2011:

Día	Hora	Cine	Título	Duración
10/10	10:00	Retiro	Revenge A Love Story (Fuk Sau Che Chi Sei )	92
11/10	18:00	Retiro	Revenge A Love Story (Fuk Sau Che Chi Sei )	92

The Tempest (Julie Taymor, EEUU)

Últimamente Julie Taymor no da una, que si su musical de "Spiderman" en broadway se va del presupuesto y tiene aparatosos problemas de producción, que si su última película "Across the universe" está llena de clichés de los 60... Y luego está "The tempest", la película que nos ocupa de la que ya hablé hace un mes aquí. Después de la genial y surrealista Frida (2002) y la reimaginación cruel que enseñaba en Titus (1999), Julie Taymor se estaba convirtiendo en un referente del cine norteamericano, capaz de convertir una historia simple en una compleja maquinaria visual como pocas veces hemos visto en una gran pantalla. Pero antes o después tenía que dar un patinazo, y es aquí donde entra esta tempestad de película.

Si ojeáis el trailer, os llamará la atención la cantidad de efectos especiales que tiene, algunos bien usados, otros cutres a más no poder. Es cuanto al texto shakespiriano en que se basa, lo adapta casi palabra por palabra, lo que contrasta con la modernísima puesta en escena, que recuerda más a una performance moderna repleta de excentricidades visuales y recargamiento en todos los apartados, sin duda, lo mejor de la película. Lo demás es insulso, aburrido y mal planificado, dejando una de las decepciones de la temporada. Por no hablar de los momentos de alivio cómico, en los que, al tener unos diálogos intactos del original se muestra todo el racismo imperante en la obra, que no ayuda mucho a levantar una película que es más una curiosidad excéntrica antes que cine de autor como tal.

En Sitges estará en la sección Noves Visions, dedicada al cine experimental y la verdad es que meterla en sección oficial hubiese sido un delito.

CALIFICACIÓN:

Pases en Sitges 2011:

Día	Hora	Cine	Título	Duración
13/10	09:45	Prado	The Tempest Coup de grâce	143
14/10	22:15	Prado	The Tempest Coup de grâce	143

CinemaSioner

La visión budista del infierno en "Jigoku" (Nobuo Nakagawa, 1960)

Documentales que merecen la pena: Senna (Asif Kapadia, 2010)

CinemaSioner cumple dos años

Velvet Goldmine (Todd Haynes, 1998)

Trailers de algunas de las películas más esperadas de 2012

72 Days (Danilo Serbedzija, 2011) Croacia

El secuestro de cineastas por Kim Jong Il para crear una filmografía a su altura

Documentales que merecen la pena: Tabloid (Errol Morris, 2010)

Onibaba (Kaneto Shindo, 1964) la cumbre del terror japonés

Premios CinemaSioner 1998

Premios CinemaSioner 1999

Premios CinemaSioner 2001

Lo más bizarro llegado de Japón

Premios CinemaSioner 2000

Documentales que merecen la pena: Of Time and the city (Terence Davies, 2008)

Contra el "racismo" cinematografico

Melancholia (Lars Von Trier, 2011): Entre el cataclismo y lo hipnotico

Grandes momentos del cine musical

La piel que habito (Pedro Almodovar, 2011)

Seis peliculas y media para este halloween

Treasure Inn (Wong Jing,2011,China): Divertida comedia de aventuras

Wrecked (Michael Greenspan, 2010) Una oda a la nada

SITGES 2011: Algunas de las películas que nos aterrorizaran este año

Pases en Sitges 2011:

Pases en Sitges 2011:

Pases en Sitges 2011:

Pases en Sitges 2011: