Fra i film in programmazione nelle nostre sale a partire da questo 18 Maggio vi consigliamo vivamente “Margin Call”, appassionante racconto che, ad ormai quattro anni di distanza dagli infausti eventi, mescola sapientemente e con perfetto equilibrio fiction e quella che è purtroppo realtà storica per ripercorrere le febbrili 36 ore precedenti il drammatico collasso finanziario del 2008, svelando dall’interno di una banca, multinazionale del credito finanziario, i sordidi meccanismi speculativi che lo innescarono (probabile fonte d’ispirazione la famigerata Lehman Bros).
Partito in sordina come prodotto indipendente di quel cinema statunitense che lontano da lustrini e riflettori ma non troppo di rado riesce a penetrare e rappresentare efficacemente crude realtà sociali, il film nel corso del 2011 ha raccolto in patria il plauso della critica prima e poi del pubblico, a partire dalla sua presentazione al Sundance Film Festival, per poi essere lanciato all’attenzione delle platee internazionali alla 61° Berlinale, dove fu addirittura uno dei titoli in lizza per aggiudicarsi l’Orso d’oro. L’attenzione che il film ha giustamente destato, conquistando poi anche il New York Film Critics Circle Award per la migliore opera prima, il prestigioso Robert Altman Spirit Award 2011 e la candidatura all’Oscar per la migliore sceneggiatura originale, deve molto al talento di J.C. Chandor, autore della sceneggiatura ed esordiente dietro la macchina da presa: suo il merito di aver saputo costruire un thriller teso dai toni altamente drammatici ma tutt’altro che patetici incentrato su una materia che la maggior parte del pubblico avvertirà inizialmente come ostica e di difficile comprensione.
In realtà, la lucida progressione della narrazione contribuisce a calare facilmente lo spettatore nella comprensione degli eventi, attraverso notturne e segretissime riunioni di emergenza fra brokers dai guadagni spropositatamente indecenti e soprattutto attraverso dialoghi brillanti che rivelano desolatamente la colpevolezza degli attori coinvolti, la loro spregiudicatezza, ma anche la consapevolezza, che alcuni di loro già possiedono e di fronte alla quale sono costretti a misurarsi, delle implicazioni etiche e morali del muoversi e affondare le proprie vite e la propria umanità in quelle zone grigie del sistema all’ombra del quale hanno a lungo deliberatamente prosperato.

Esaltate da una raffinata fotografia, le scene di Margin Call sono dosate intelligentemente nella varietà dei registri dialogici adottati, susseguendosi con un ritmo serrato ed incalzante che, tenendo avvinto lo spettatore nell’intreccio fra cruda realtà dei numeri, rappresentazione impietosa del potere e distaccata ma ravvicinata adesione alla psicologia e all’umanità distorta da tale potere, trasforma inevitabilmente l’oggettivo piacere della visione in una crescente sensazione di insoddisfatta urgenza e, per animi più sensibili e consapevoli di quanto la finzione poggi le sue basi nella realtà che ci coinvolge tutti, in indignazione.

Articolato per lo più negli interni stessi dell’istituto creditizio, mentre si alternano sullo sfondo immagini ora placide ora di una corruzione dei costumi accettata ed istituzionalizzata della metropoli che inconsapevolmente (ma forse non troppo) riposa adagiata sulle sue sicurezze acquisite, i pochi protagonisti dibattono fra di loro, e nella solitudine dei loro schiaccianti dubbi, sul futuro di una moltitudine molto più vasta di quella che intravedono al di là dei loro eleganti uffici: la ricchezza delle loro reazioni, previste sulla carta dalla pregevole sceneggiatura, è esaltata dall’interpretazione del cast, in cui spiccano un intenso e plurisfaccettato Kevin Spacey e un Jeremy Irons magistralmente senza scrupoli, affiancato degli ottimi Paul Bettany, Zachary Quinto, Penn Badgley, Simon Baker, Mary McDonnell, Demi Moore e Stanley Tucci. Chandor ha spiegato così la prospettiva che ha scelto di adottare nel ritratto dei loro personaggi:

“Ho scritto e diretto Margin Call sulle basi di quello che ha vissuto mio padre che ha lavorato per quasi 40 anni per Merrill Lynch. Risalendo all’inizio di questa crisi finanziaria disastrosa, in una America che vedeva contrapposti Obama e McCain, la verità che saltava agli occhi era al contempo toccante e sconvolgente – gli uomini e le donne che hanno creato l’attuale disastro economico sono persone comuni che, malgrado la loro abilità, intelligenza e spesso compensi sorprendenti, sono state vittime della loro stessa negligenza, della loro miopia e dell’ordine sbagliato delle priorità. Wall Street può essere senza anima, ma non tutte le persone che vi lavorano. Margin Call è la storia di queste anime, diverse, e della loro notte più lunga, più cupa, quando sono costrette a fissare l’abisso di cui sono responsabili”.

Margin Call ha purtroppo, come unico difetto, quello di essere ispirato ad una storia vera.

Il trailer italiano:

Sinossi ufficiale:
Ambientato nel mondo dell’alta finanza, Margin Call è un thriller che coinvolge gli uomini chiave di una grande banca di investimenti durante le drammatiche 24 ore che precedono la crisi finanziaria del 2008. Quando Peter Sullivan, un semplice analista, entra in possesso di informazioni che potrebbero provocare il fallimento dell’azienda, inizia una frenetica corsa contro il tempo: le decisioni finanziarie e morali in gioco sconvolgeranno la vita delle persone coinvolte spingendole sull’orlo della crisi.

Costato 78 milioni di dollari e prodotto dalla Lions Gate Entertainment, una delle società di distribuzione indipendenti più quotate negli Usa, Hunger Games è diventato, anche solo dopo i 214 milioni di dollari totalizzati durante il primo weekend di programmazione negli Stati Uniti, dove è uscito il 23 Marzo, uno dei casi più clamorosi del 2012, replicando e amplificando, sul piano cinematografico, l’exploit editoriale dell’omonimo romanzo da cui è tratto. Si tratta in realtà della trasposizione del primo capitolo di una trilogia che la scrittrice Suzanne Collins, un passato da sceneggiatrice televisiva specializzata in programmi per bambini, ha avviato con straordinario successo nel 2008 e ambientato in un futuro distopico post-apocalittico nell’immaginaria Panem, corrispondente geograficamente all’area del Nord-America. Uno sci-fiction quindi, indirizzato per lo più, ma non esclusivamente, a quella fascia di lettori che il mercato editoriale individua come Young Adults (gli adolescenti, per intenderci), e il cui delicato processo di trasposizione è stato affidato alla direzione di Gary Ross, il regista di Pleasantville e sceneggiatore affermato e candidato per due volte all’Oscar per “Dave – Presidente per un giorno” e “Seabiscuit – Un mito senza tempo”.

Dopo un’attesa spasmodica e il grande riscontro di pubblico e critica registrato in patria, Hunger Games è finalmente approdato nelle sale nostrane, e in quelle internazionali, riscuotendo risultati senz’altro gratificanti ma non stellari quanto ci si sarebbe potuti aspettare: la flessione del dato, che in sè è da considerare comunque eccellente, risente da un lato della minore popolarità della saga al di fuori dei confini statunitensi, dall’altro della scelta della data per il rilascio che, fissato per il 1° Maggio, ha portato il film a sfidare la spietata concorrenza del blockbuster “The Avengers”, inevitabilmente e saldamente in cima alle rilevazioni del botteghino in questi giorni, con cui la Marvel ha riunito i suoi celeberrimi e universalmente amati supereroi.

Annunciato come possibile erede della tradizione di successo incarnata ora dal fantastico Harry Potter ora del cupo e romantico Twilight, entrambi tratti da fortunate saghe letterarie per adolescenti, Hunger Games è stato fra l’altro più correttamente associato a Battle Royale, con cui condivide in parte l’intreccio fra l’ambientazione fantascientifica, il quadro politico caratterizzato dalla presenza di un regime totalitario, coercitivo e violento, e la struttura del racconto incentrata sul crudele gioco mortale cui giovani protagonisti sono costretti a partecipare nella speranza di sopravvivere. Principalmente a causa di quest’ultimo stratagemma narrativo, Hunger Games ha richiamato alla memoria anche film come Pericolosa Partita (1932), Rollerball (1975), Anno 2000: La corsa della morte (1975), e, soprattutto, L’implacabile, film del 1987 interpretato da Arnold Schwarzenegger e liberamente ispirato al racconto che Stephen King scrisse con lo pseudonimo di Richard Bachman “L’uomo in fuga”, in cui il tema del gioco per la sopravvivenza è strettamente legato alla critica nei confronti del sistema mass-mediatico. Niente di nuovo quindi, ma, per quanto tutti i riferimenti citati possono essere calzanti da alcuni punti di vista, ad onor del vero la genesi di Hunger Games è stata chiarita da Suzanne Collins come indipendente da qualsiasi riferimento cinematografico e fantascientifico precedente: l’autrice ha infatti più volte chiarito di aver riunito in un unico spunto narrativo le suggestioni che le avevano ispirato un momento di zapping frenetico, il ricordo del mito greco di Teseo e del Minotauro, e i racconti paterni della guerra del Vietnam. E, non a caso, la Collins ha dichiarato anche di annoverare fra i suoi film preferiti Spartacus, notoriamente incentrato sul ribelle gladiatore romano condannato a combattere nell’arena così come riferimenti al mondo classico sono per altro richiamati da alcuni dettagli non di poco conto (come i nomi attribuiti ad alcuni personaggi e oggetti: il consulente d’immagine dei partecipanti al gioco si chiama Cinna, mentre il direttore artistico della trasmissione è Seneca Crane e la base del programma nella foresta è una costruzione dal profilo avveniristico ispirata all’architettura di Frank Gehry e a cui i personaggi fanno riferimento come “la cornucopia”).

Se è dunque lecito, e consigliabile, non aspettarsi niente di eccezionalmente originale, la ricorrenza di temi quasi di derivazione ancestrale e di suggestioni più che note non deve far pensare ad un’opera banale, scontata o ripetitiva: Hunger Games rielabora in un’universo proprio e caratteristico gli elementi conosciuti, conferendo loro una nuova vita ed identità e legandoli strettamente alle personalità e alle vicende dei protagonisti, fra cui emerge potentemente, ma non prepotentemente, il personaggio principale di Katniss Everdeen. Esaltato già dalla scrittura originale il personaggio è portato convincentemente e fedelmente sullo schermo dalla giovanissima ed espressiva Jennifer Lawrence (Un gelido inverno, Mr.Beaver, Like Crazy), ed è bene precisare che la scelta del cast, in cui spiccano anche le prove di Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Wes Bentley, Elizabeth Banks, Lenny Kravitz, e Donald Sutherland, la direzione degli attori ed il lavoro fatto su ciascun singolo personaggio rappresenta palesemente uno dei punti a favore del film. Per Gary Ross si è trattato evidentemente di un imperativo imprescindibile, legato alla necessità di radicare l’architettura narrativa nel cuore emozionale (non sentimentale) della storia, proprio a partire dal personaggio principale di cui il regista individua i tratti salienti:

“l’idea di Katniss che lotta per la sua umanità in un sistema che vuole sottrargliela, che vuole la sua complicità nei giochi, l’evoluzione del suo senso etico, della sua empatia, della sua compassione, la consapevolezza di chi è davvero e l’adesione ad una condotta morale che la porta a compiere un atto di sfida che poi suscita la ribellione”

In una stagione cinematografica che propone una rielaborazione complessa e diversificata del classico personaggio femminile di Biancaneve, ecco un’altra eroina divenire protagonista assoluta dello schermo: Katniss Everdeen emerge sin dalla pagina scritta come un personaggio forte, complesso, coinvolgente, caratterizzato intelligentemente ma mai ingombrante. Se nel romanzo la narrazione è in prima persona, per il film Ross ha preferito non usare alcuna voce narrante, nel timore che questo creasse troppa distanza rispetto allo spettatore, lavorando di sottotesto e optando piuttosto per una rigorosa ma dinamica intelaiatura visiva che se da un lato permette allo spettatore di scivolare all’interno del mondo di Katniss, percepire le sue sensazioni, il suo smarrimento, il suo disgusto per il meccanismo che la circonda, la freschezza del suo germogliante moto di ribellione, dall’altro lascia però la libertà di indagare momenti e spazi di Panem cui la giovane non ha alcun accesso diretto, e consente così una parziale, ma comunque abbastanza soddisfacente intuizione delle regole sottese al nuovo universo cui siamo introdotti. Vi è quindi, in questo primo capitolo, una equilibrata integrazione fra il piano della vicenda personale, e il quadro sociale e politico in cui tale vicenda si colloca, per quanto non poche sono state le critiche degli appassionati del libro che hanno lamentato uno scarso approfondimento relativo a questo aspetto, che lungi dall’essere mera cornice, rappresenta uno dei motivi di forte interesse della vicenda in generale.

 

Realizzare adattamenti da un medium ad un altro che soddisfino ampiamente le attese risulta sempre piuttosto arduo, ma questa volta la produzione ha potuto comunque contare sulla collaborazione attiva dell’autrice dei romanzi, che ha elaborato la sceneggiatura insieme al regista e a Billy Ray, dichiarandosi poi entusiasta del risultato finito. Scendere nei dettagli della ricostruzione di un intero universo altro in poco più di due ore di film non è certo semplice, ma a prescindere dalla resa del dettaglio l’impressione generale è che Hunger Games sia strutturato su una sapiente e calibrata scrittura, che rende ragione dello spirito peculiare tanto di Panem in generale quanto dei singoli personaggi principali in particolare. E per un film di fantascienza questo può essere considerato ampiamente un risultato soddisfacente.

Abbiamo fatto riferimento al peculiare stile visivo adottato dal regista: il film può essere infatti tecnicamente diviso in parti che, sebbene organicamente integrate, possono essere individuate a seconda dalle preponderanza di movimenti di macchina frenetici e dall’impatto che, a volte, con effetto calcolato, può risultare disturbante, e che strizzando quasi l’occhio ad una sorta di stile documentario caratterizzano soprattutto le scene ambientate nel disastrato distretto 12, nella minacciosa foresta teatro del crudele gioco e dei violenti e sanguinosi combattimenti, ed, emblematicamente, nel distretto 11 quando scoppia un moto di indignata rivolta. E’ il modo in cui Ross sceglie di aderire alla cruenta realtà di Katniss, mentre, quando lo sguardo si allarga ad illustrare e penetrare nell’edulcorata, sfavillante, e straniante apparenza di Capitol, sede del regime e del reality-show legato al gioco mortale, la sintassi delle riprese si fa più ordinata, seducente, sfacciatamente televisiva, coerentemente con l’intento ed il tono satirico associato alla rappresentazione di questo aspetto. Il contrasto fra le due sfere percettive ed esistenziali viene evidenziato, sostenuto e reso pregnante dalle scelte scenografiche di Philiph Messina e costumistiche della tre volte candidata all’Oscar Judianna Makovsky, giocate su una caratterizzante differenziazione cromatica e dalla fotografia declinata su diversi gradi di saturazione di Tom Stern, esperto collaboratore di Clint Eastwood. Nello specifico, Messina ha spiegato di aver concentrato i suoi sforzi nell’elaborazione di uno stile “retro-futuristico” che mescola, rielaborandoli, il realismo della fotografia sociale di Dorothea Lange durante la Grande Depressione degli anni ’30, il neoclassicismo architettonico dello stesso periodo, connesso nell’immaginario collettivo al delirio di onnipotenza nazista, e suggestioni fantascientifiche derivanti dall’evoluzione del progresso tecnologico: elementi apparentemente stridenti che però si rivelano quali proiezioni della stessa organizzazione sociale di Panem basata su un centro aggregatore di risorse, ricchezza, progresso e potere, e una periferia, disaggregata in dodici distretti, sfruttata, dominata e abbandonata nell’arretratezza. L’efficacia delle scelte tecniche si estende anche, e non marginalmente, al trattamento del sonoro, che non teme l’inserimento di lunghi silenzi funzionali a momenti più riflessivi che anticipano la tensione narrativa conferendole senso e sostanza e che dosa con misura una colonna sonora mai invadente cui hanno contribuito con brani originali nomi del calibro di Taylor Swift, Arcade Fire e Decemberist.

 

Una squadra di talenti ben assortiti, guidata da Gary Ross, ha dunque confezionato un racconto teso, tematicamente ricco e stimolante, visivamente apprezzabile e coinvolgente sul piano del ritmo e dell’azione e che ha nella recitazione e in una scrittura sapiente e mai scontata i suoi elementi di attrattiva maggiore. Nonostante la defezione annunciata del regista ci sono comunque buone prospettive per aspettarsi uno sviluppo all’altezza, se non migliore, per i prossimi due capitoli della saga. Migliore perché alcuni dei difetti imputabili ad Hunger Games, come l’assoluta mancanza di climax finale o lo scarso approfondimento su alcuni aspetti delle relazioni fra i personaggi o ancora la mancanza di una spiegazione esauriente del sistema che governa Panem, derivano dalla sua natura di esordio e di film che, per quanto godibile nei suoi 142′ minuti, lascia non pochi dubbi ed interrogativi aperti che possono essere sciolti solo considerandolo nell’economia globale della trilogia.

 

 

II trailer in italiano:


 

Manca ancora tanto, troppo tempo, eppure già da qualche settimana abbiamo deciso di deliziarci/torturarci fantasticando sul nuovo film di Quentin Tarantino, e certo siamo stati sostenuti e aiutati in questo dalle indiscrezioni e dalle prime mosse, discrete ma efficaci, della campagna di promozione: Django Unchained sarà uno dei regali che la sala riserverà questo Natale, dal momento che la data di rilascio ufficiale è prevista per il 25 Dicembre 2012 (in Italia si tratterà di aspettare poi solo qualche altro giorno, visto che il rilascio è stato ufficializzato per il 4 Gennaio), ma nel frattempo possiamo aggrapparci alle prime foto scattate sul set al regista e a Christoph Waltz, all’enigmatico teaser poster, e, finalmente, alla prime foto di scena diffuse da EW che mostrano Leonardo Di Caprio nel ruolo del perfido Calvin Candie e il già citato Waltz in compagnia di Jamie Foxx nei panni rispettivamente del Dr. Shultz e Django.

Insieme alle immagini EW ha pubblicato anche stralci di un’intervista a Foxx, che definisce il personaggio da lui interpretato come un misto di Richard Roundtree ( “Shaft e il detective”) e Clint Eastwood, e che spende parole di apprezzamento per come Tarantino sta costruendo la sceneggiatura di questo western incentrato sullo scottante tema della schiavitù, intrecciando le istanze di ciascun personaggio e elaborando una struttura relazionale “strabiliante”: uno degli scambi umani  che sicuramente costituirà un perno importante della narrazione è proprio quello che caratterizza l’evolversi del rapporto tra Django, lo schiavo liberato in cerca della propria moglie, e  il cacciatore di taglie tedesco Schultz.

Marvel Studios, Paramount Pictures e la Walt Disney hanno centrato decisamente il segno con “The Avengers”: il riscontro positivo non emerge solo dai dati dei primi giorni di programmazione, che hanno visto il film diretto da Joss Whedon piazzarsi immediatamente in cima al botteghino nei diversi paesi di distribuzione (ad eccezione degli Us, le cui sale lo accoglieranno solo a partire dal 4 Maggio) e non è da considerarsi esclusivamente come il frutto di una campagna di promozione che per mesi ha inondato il web ed i canali televisivi di trailer, teaser, featurette, poster, interviste e making-of.
Le prime impressioni favorevoli generalmente raccolte nelle recensioni delle anteprime hanno contribuito a presentare “The Avengers” come candidato al miglior film realizzato finora a partire dall’universo originario Marvel, e vengono infatti confermate dai 140 minuti in cui il regista, sulla base di una sceneggiatura equilibrata, dinamica e frizzante da lui stesso elaborata in collaborazione con Zak Penn, altro sceneggiatore e regista noto per la sua passione e la sua dedizione al mondo Marvel, ha saputo gestire con misura e razionalità la direzione di un cast stellare, la caratterizzazione dei singoli e numerosi personaggi principali, giocata sulle zone d’ombra delle loro problematiche psicologie ma anche sull’ironia che ridimensiona gli ego, gli epici eroismi fumettistici e i facili sentimentalismi di stampo leziosamente americanizzante, e la costruzione delle complesse trame relazionali che li legano fra di loro e con l’organizzazione che li vorrebbe forzosamente riunire in una squadra. Elementi fondamentali del livello narrativo che Whedon è riuscito ad integrare con gli aspetti più tecnici di un classico blockbuster, pure notevoli: l’organizzazione e l’inserimento delle scene d’azione mozzafiato, mai troppo gratuite e sempre originali, avvincenti e divertenti, l’uso dosato ma spettacolare degli effetti speciali, il tutto esaltato dall’allestimento di set straordinari. Whedon, che ha potuto contare sul valido contributo e sostegno fornito dai produttori Kevin Feige e Jeremy Latcham e sulla professionalità e il talento di Robert Downey Jr., Mark Ruffalo, Chris Evans, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Samuel L. Jackson, Clark Gregg, Tom Hiddleston, ha così illustrato il processo che ha portato a tale lodevole risultato che risulterà accattivante non solo agli occhi degli appassionati del genere e dei fan dei film precedenti:

“Sono un grande fan della Marvel e di tutto ciò che ha creato negli anni. I suoi film sono educativi, utili e divertenti, ma in realtà la prima volta che ho contattato i produttori per dirigere ‘The Avengers’, ‘Thor’ e ‘Captain America’ non erano ancora stati ultimati. Ricordo di aver pensato: ‘Come faremo ad unire in modo coerente tutti questi ruoli così intensi e diversi fra loro?’ Non sembra possibile che Iron Man, Hulk, Thor e Captain America possano coesistere, ed è stata proprio questa la sfida che mi ha motivato ad accettare la regia del film. Questi eroi non hanno nulla che fare gli uni con gli altri e difficilmente possono andare d’accordo, ma d’altro canto ognuno di loro ha tanto da dire. Mentre scrivevo la sceneggiatura, ho trascorso diverso tempo insieme ai membri del cast, che hanno quindi assistito alla costruzione dei loro personaggi. Nel corso di questo processo mi rivolgevo direttamente a loro, e ciascuno ha avuto voce in capitolo quindi il copione è in qualche modo frutto di una collaborazione e credo che questo abbia senza dubbio contribuito a stabilire il tono del film. La Marvel aveva un’idea molto chiara di quel che voleva dal punto di vista della sceneggiatura e dello svolgimento degli eventi e per me è stato un bene, perché mi ha dato qualcosa da cui partire, qualcosa da sviluppare per giungere alla nostra meta. Lo spettacolo deve essere creato in modo da funzionare in una determinata scena, non si può semplicemente buttare dentro a caso. Mi piace creare l’azione e amo farlo in modo specifico. All’inizio mi sono chiesto: ‘Chi sono queste persone e in che modo sono disfunzionali? Quali sono le loro difficoltà di relazione e come riescono a superarle?’”.

Sinossi:
I supereroi più famosi si riuniscono in una squadra di personaggi Marvel leggendari come Iron Man, l’incredibile Hulk, Thor, Captain America, Occhio di Falco e Vedova Nera. Quando la comparsa di un nemico inatteso minaccia la tranquillità e la sicurezza del mondo, Nick Fury, direttore dell’agenzia internazionale per il mantenimento della pace conosciuta come S.H.I.E.L.D., si trova ad aver bisogno di una squadra che salvi il pianeta dall’orlo del disastro. Inizia così, da un capo all’altro della terra, un audace lavoro di reclutamento. Dopo aver riunito la squadra, Nick Fury e il suo fidato assistente, l’Agente Coulson, dovranno convincere i supereroi a convivere e lavorare insieme, utilizzando i loro incredibili poteri contro il pericoloso Loki che è riuscito ad accedere al Tesseract e ai suoi poteri illimitati.

Il trailer:

Scarlett Johansson parla della sua interpretazione della Vedova Nera:

Da George Clooney, arrestato qualche mese fa per aver partecipato ad una manifestazione contro il blocco degli aiuti umanitari in Sudan davanti all’ambasciata dello Stato africano a Washington, al suo ex collega della celebre serie televisiva E.R., Noah Wyle, finito invece in manette proprio ieri per aver sostenuto la protesta dell’organizzazione Adapt contro i tagli al Medicaid, il sistema sanitario statunitense per i meno abbienti, a Angelina Jolie, ambasciatrice Onu per i rifugiati e a Susan Sarandon, presente a Zuccotti Park come sostenitrice di Occupy Wall Street, non sono poche le personalità del mondo dello spettacolo impegnate attivamente ad aderire a campagne e attività legate a scopi umanitari. Questa volta tocca a Colin Firth, premio Oscar nel 2011 per “Il discorso del re”, mettere a disposizione il proprio volto per combattere al fianco di Survival International, organizzazione che dal 1969 si batte per il riconoscimento ed il rispetto dei diritti dei popoli indigeni: l’attore britannico compare infatti in un cortometraggio con cui ha lanciato ieri la campagna a favore degli Awà, tribù incontattata dell’Amazzonia Brasiliana la cui sopravvivenza è minacciata un esercito di coloni, allevatori e taglialegna illegali, e dalla conseguente e colpevole indifferenza delle autorità governative locali.
I dati diffusi da Survival mettono in luce il devastante impatto della deforestazione e dei fattori che contribuiscono alla repentina distruzione della tribù, tanto che a proposito della situazione gli osservatori brasiliano non esitano ad utilizzare termini quali “genocidio” ed “estinzione”. La campagna è volta dunque a sollecitare un pronto e necessario intervento del Ministro della Giustizia brasiliano e nel filmato, dopo il montaggio che, sulle note del compositore Heitor Pereira, presenta la tribù illustrando alcuni dei momenti della vita quotidiana nella foresta e la devastazione provocata dai taglialegna, Firth rivolge il suo appello concludendo:

“Stanno tagliando la loro foresta illegalmente, per il legno. Quando i disboscatori li vedono, li uccidono. Archi e frecce non hanno chance contro i fucili. E come altre volte nella storia, potrebbe finire tutto là. Un altro popolo cancellato dalla faccia della terra, per sempre. Ma possiamo far sì che il mondo non lo lasci accadere”.

Don DeLillo è universalmente riconosciuto come uno degli scrittori statunitensi più influenti delle ultime decadi: a curare e dirigere l’adattamento cinematografico di un suo romanzo, Cosmopolis, edito nel 2003, vediamo David Cronenberg, regista controverso ma dall’indubitabile talento, già confrontatosi in passato con trasposizioni da grandi autori letterari, come Il pasto nudo di William S. Burroughs e Crash di James G. Ballard. Dedito ad una concezione cinematografica restia ad essere imbrigliata in canoni statici ed etichette di genere, dopo “A dangerous method” Cronenberg sembra voler tornare alle atmosfere surreali, conturbanti e oniriche che hanno caratterizzato il suo inconfondibile, e a tratti delirante stile in capolavori del calibro di “eXistenz“: Cosmopolis, riprendendo uno schema narrativo di derivazione joyciana, si sviluppa nell’opulenta Manhattan nell’arco di una sola giornata durante la quale il benestante e miliardario Erik Parker, a bordo della sua ipertecnologica limousine, sarà protagonista di un insolito viaggio che assumerà contorni inquietanti trasformandosi in una moderna odissea fra problemi finanziari, minacce, esplosioni di violenza, incontri con donne pericolosamente provocanti, allucinazioni e droga. Dopo la discreta prova offerta in “Bel Ami – Storia di un seduttore” in programmazione in questi giorni, il film rappresenta inoltre l’ennesima occasione per l’ex-vampiro Robert Pattinson di dimostrare finalmente la vera natura delle sue doti, al di là della fama di idolo delle teenagers conquistata senza troppo sforzo con la saga di Twilight. Pattinson non sarà certo il solo elemento di interesse in un nutrito cast che vanta la partecipazione di Juliette Binoche e Paul Giamatti, insieme a Sarah Gadon, Mathieu Amalric, Jay Baruchel, Kevin Durand, K’Naan, Emily Hampshire e Samantha Morton.

In rete erano già apparse anticipazioni ma solo oggi, poche ore prima che fosse annunciata ufficialmente l’inclusione di Cosmopolis nella lista dei film in concorso a Maggio al Festival di Cannes, è stato diffuso il primo trailer internazionale completo, creando anche un certo scompiglio dal momento che fra le immagini era presente anticipatamente anche il logo del Festival. Dopo l’annuncio degli organizzatori della tanto attesa manifestazione cinematografica, comunque, il trailer è stato approvato e rilanciato poi dal sito ufficiale, su cui è apparsa anche la sinossi:

“New York City, un futuro non troppo lontano: Eric Packer, ventottenne d’oro dell’alta finanza sta sognando di vivere in una civiltà ancora più progredita, guardando un’ombra scura sul firmamento della galassia di Wall Street, di cui è il re incontrastato. Mentre si sta recando in auto attraverso Manhattan per il solito taglio di capelli dal vecchio barbiere di suo padre, i suoi occhi ansiosi sono incollati al tasso di cambio dello yuan, il cui andamento si rivela contro ogni aspettativa, distruggendo le scommesse che Eric aveva fatto al riguardo. Eric Packer sta perdendo il suo impero ad ogni tick dell’orologio. Nel frattempo, un’eruzione di attività selvaggia irrompe nelle strade della città. Impietrito da come le minacce del mondo reale violino l’insieme delle sue convinzioni virtuali, Parker vede intensificarsi la sua paranoia durante il corso della sua odissea di 24 ore e comincia a mettere insieme i pezzi che lo condurranno ad un terrificante segreto: l’imminenza del suo omicidio. Cronenberg rivisita temi che lo hanno sempre affascinato: l’interconnessione di organico e psicologico, le angosce sociali e le fobie, gli impulsi repressi e la paranoia. COSMOPOLIS è il culmine dei sui capolavori che affronta l’attuale e allarmante crisi finanziaria globale”.

Il full-trailer:

La locandina:

Coproduzione franco-canadese “Cosmopolis” sarà distribuito in Italia da 01 Distribution, a partire dal 25 Maggio 2012.

Da DangerousMind apprendiamo l’esistenza di un documento storico eccezionale, che il sito philipkdick.com ha reso pubblico già da qualche anno: la lettera che l’acclamato padre della fantascienza moderna, Philip Dick, scrisse a Jeff Walker, responsabile del marketing presso una delle tre case di produzione che resero possibile la realizzazione del cult “Blade Runner” nel 1982, la californiana Ladd Company, dopo aver visto un primo montaggio del film diretto da Ridley Scott in un programma televisivo. Dick, al culmine di una carriera che aveva votato con talento, passione e genialità alla fantascienza, aveva motivo per esserne interessato, dal momento che, notoriamente, il produttore Hampton Fancher e David Webb Peoples (Ladyhawke, Gli Spietati, Eroe per caso, L’esercito delle dodici scimmie) elaborarono la sceneggiatura proprio a partire dallo spunto fornito da un racconto del celebre scrittore, Do Androids Dream of Electric Sheep? (Il cacciatore di androidi). Per quanto in possesso della famiglia, la lettera, datata 11 Ottobre 1981, non era mai stata resa nota in altra sede, ed è la prova palese e a tratti emozionante del lungimirante entusiasmo e della commossa approvazione dello scrittore al progetto: tuttavia Dick, stroncato da un infarto nel marzo del 1982, non riuscì mai a vedere il film nella sua versione estesa e definitiva.

Di seguito ve ne riportiamo una nostra modesta traduzione:

Caro Jeff, mi è capitato di vedere in Tv stasera il programma di Canale 7 “Hooray For Hollywood” con il segmento in Blade Runner (beh, ad essere onesti, non mi è capitato, qualcuno mi ha avvertito che BLADE RUNNER sarebbe stata una parte dello spettacolo per essere sicuro che lo avrei visto). Jeff, dopo aver guardato – e soprattutto dopo aver ascoltato Harrison Ford parlare del film – sono giunto alla conclusione che questo, infatti, non è fantascienza, non è fantasia, ma è esattamente quello che Harrison ha detto: futurismo. L’impatto di Blade Runner sarà semplicemente travolgente, sia sul pubblico che sulle persone creative – e, credo, sulla fantascienza come  campo . Poichè scrivo e vendo  opere di fantascienza da trent’anni, la questione per me riveste una certa importanza. In tutta franchezza devo dire che il nostro campo è andato gradualmente e costantemente peggiorando negli ultimi anni. Nulla di ciò che abbiamo fatto, individualmente o collettivamente, corrisponde a Blade Runner. Questa non è evasione, è super-realismo, così grintoso e dettagliato e autentico che, beh, dopo aver visto il segmento al confronto ho trovato pallida la mia normale ed odierna “realtà”. Quello che sto dicendo è che tutti voi insieme potreste aver creato una forma nuova ed unica di grafica ed espressione artistica, mai vista prima. E, io credo, BLADE RUNNER sta per rivoluzionare le nostre concezioni riguardo a ciò che la fantascienza è, e, ancora di più, può essere. Vorrei riassumere in questo modo. La fantascienza si è lentamente e ineluttabilmente assestata fino ad una monotona morte: è diventata scontata, derivata, stantia. Improvvisamente siete arrivati voi, alcuni dei più grandi talenti attualmente esistenti, e ora abbiamo una nuova vita, un nuovo inizio. Per quanto riguarda il mio ruolo nell’ambito del progetto BLADE RUNNER, posso solo dire che non immaginavo che un mio lavoro o un insieme di mie idee avrebbero potuto assumere dimensioni così incredibili. La mia vita e il mio lavoro creativo sono giustificate e completata da Blade Runner. Grazie a voi .. sarà un incredibile successo commerciale. Si dimostrerà invincibile. Cordialmente, Philip K. Dick

A poche ore dalla rivelazione della line-up completa del Festival di Cannes, fra le varie indiscrezioni, voci e previsioni più o meno accreditate, vi ricordiamo una delle sicurezze di questa edizione: a quasi trent’anni di distanza dalla sua uscita al cinema, sarà finalmente presentata, il 18 Maggio, la director’s cut di “C’era una volta in America”, il capolavoro di Sergio Leone interpretato da Robert De Niro e basato sul romanzo di Henry Grey “Mano Armata”. L’operazione è stata il risultato della volontà dei figli del grande regista scomparso nel 1989, Andrea e Raffaella Leone, che dopo aver comprato i diritti del film per l’Italia ne hanno affidato il restauro alla Cineteca di Bologna, già responsabile del restauro per gli altri titoli della sua filmografia.
Originariamente il progetto di Leone prevedeva un montaggio di quattro ore e mezzo, e il rilascio del film in due puntate separate, ma successivamente i produttori operarono drastici tagli con grande disappunto del regista, diffondendo in Europa una versione di tre ore e quaranta, e negli States di centotrentaquattro minuti. Alla versione di cui però disponiamo oggi, quella da 269 minuti, vengono aggiunti con il complesso e delicato restauro, a cui hanno collaborato anche Gucci e la Film Foundation di Martin Scorsese, ben 40 minuti di girato che hanno dovuto essere integrati al montaggio precedente e alla colonna sonora di Morricone, riallineando l’epico progetto a quelle che erano le intenzioni del suo geniale creatore.
Non sappiamo però ancora quando e se il rinnovato capolavoro sarà distribuito in dvd nella sua nuova veste.

Se fate parte di quella schiera di nostalgici degli anni ’80 che ogni tanto si è chiesta “ma che fine ha fatto Ralph Macchio?” questa notizia non potrà che farvi sorridere: celebre per la sua interpretazione nel ruolo di Daniel LaRusso nella trilogia cult Karate Kid, l’ormai cinquantenne Ralph in questi anni non ha mai smesso di recitare e di occuparsi di cinema, anche se non sempre a livelli eccelsi, e dopo la sua partecipazione allo show “DANCING WITH THE STARS” e alla sit-com Happily Divorced, è stato scritturato per far parte del cast di ‘Alfred Hitchcock and the Making of Psycho’.  L’ insolito biopic, prodotto da Montecito Picture Company e da Fox Searchlight sarà diretto da Sacha Gervasi e si baserà sull’apprezzata omonima monografia che lo sceneggiatore Stephen Rebello ha redatto nel 1990 ricostruendo minuziosamente le travagliate fasi che portarono alla realizzazione di uno dei capolavori più conosciuti del maestro del brivido Alfred Hitchcock: accanto a nomi del calibro di Anthony Hopkins, Helen Mirren e Scarlett Johansson, Ralph Macchio interpreterà Joseph Stefano, lo sceneggiatore che adattò per il grande schermo il romanzo di Robert Bloch, e che per il suo lavoro fu premiato nel 1961 dai Mystery Writers of America.

Jhonny Depp e Armie Hammer sono ancora nei pressi di Albuquerque, in New Mexico, impegnati con le riprese di “The lone ranger”, l’adattamento cinematografico curato dal regista premio Oscar Gore Verbinski delle avventure del classico giustiziere mascherato creato da George W. Trendle e protagonista nel 1933 di un programma radiofonico. Dopo la prima foto ufficiale dal set che mostrava il lavoro svolto sul look dei due personaggi protagonisti, il ranger solitario e la sua spalla, il nativo americano Tonto, altre immagini hanno continuato in queste settimane a circolare sul web: inizialmente vi avevamo anche riportato la notizia delle reazioni che la rielaborazione del look di Tonto, interpretato da Johnny Depp, aveva suscitato in ambienti sensibili alla rappresentazione mediatica, spesso pregiudizievole, dei nativi americani.
Tramite Movieweb però siamo in grado di mostrarvi come una rappresentanza della Nazione Navajo, che dalla riserva posta a cavallo dei confini fra Arizona, New Mexico e Utah si è recata sul set, ha accolto e salutato i due attori, fotografati in compagnia del presidente Ben Shelly e del Vice Presidente Rex Jim Lee.

La data di rilascio di “The Lone Ranger”, prodotto dalla Walt Disney e interpretato anche da Tom Wilkinson, William Fichtner, Barry Pepper, James Badge Dale, Ruth Wilson, e Helena Bonham Carter, è prevista per il 31 Maggio 2013.