Con la sua vibrante prestazione in “The Help“, premiata ai Sag Awards, e in corsa per l’Oscar, Viola Davis ha attirato su di sè l’attenzione della stampa e della critica, e sembra che la sua carriera ne stia ricevendo un immediato ritorno.E’ stato comunicato infatti il suo ingresso nel cast dello sci-fi “The Enders’ Game“: l’attrice va ad arricchire una squadra che già fa ben sperare per la riuscita del film, comprendendo oltre ai giovani promettenti Asa Butterfield (che vedremo in questi giorni al cinema nei panni di Hugo) e Abigail Breslin (che come attrice non protagonista riscosse notevoli consensi in Little Miss Sunshine), Hailee Steinfeld, anche i ben più navigati ma sempre brillanti Ben Kingsley e Harrison Ford. Dietro la macchina da presa, a coordinare il tutto, ci sarà Gavin Hood, regista sudafricano vincitore del premio Oscar nel 2007 per “Il suo nome è Tsotsi”, e regista anche di “X-men le origini: Wolverine”; oltre ad avere quindi già una certa dimestichezza con storie di sci-fiction Hood lavorerà ancora con il direttore della fotografia di Wolverine, Donald McAlpine.
Ambientato nel futuro, la storia trova la Terra per lo più devastata devastata dalla guerra con una potente razza aliena, gli Scorpioni. I bambini più brillanti del mondo, incluso il fenomenale Ender Wiggin, vengono addestrati nella Scuola di Guerra fin dalla tenera età in vista dell’imminente ennesima invasione. Viola Davis avrà il ruolo della psicologa che ha l’onere di supervisionare i bambini nel loro processo di formazione, mettendo alla prova le loro abilità attraverso giochi da lei ideati. Dopo una lunga gestazione, costellata da numerose incertezze su regista, sceneggiatore, e produzione, ora sembra che tutti i dettagli siano stati chiariti e che i tempi siano maturi per cominciare il conto alla rovescia, anche se si dovrà attendere ancora per il risultato finale. La data da tenere a mente infatti è il 15 Marzo del 2013, se volete vedere sul grande schermo l’adattamento del primo capitolo della fortunatissima e premiatissima saga ideata nel 1985 da Orson Scott Card.

Ma non è tutto, perchè l’infaticabile Viola Davis parteciperà anche alle riprese di un ulteriore trasposizione: si tratta di “Beautiful Creatures” (in Italia pubblicato con il titolo “La sedicesima luna” da Mondadori) di Kami Garcia e Margaret Stohl, primo capitolo di una saga “paranormal romance per adolescenti”, The Caster Chronicles. L’ennesimo esemplare di narrativa gotica ambientata negli Stati Uniti del Sud (sottogenere per cui è stata coniata anche l’espressione “southern gothic”) è uscito in America nel dicembre del 2010 e la Warner Bros ne ha prontamente acquisito i diritti.

Secondo HeatVision poi l’apprezzata e premiata coprotagonista di “The Help”, Octavia Spencer, contribuirà al debutto in lingua inglese del regista coreano Joon-ho Bong, “Snow Piercer”, basato sulla graphic-novel francese “Le Transperceneige” firmata da Jean-Marc Rochette e Jacques Loeb. Ambientata in un futuro post-apocalittico caratterizzato dall’insorgenza di una nuova glaciazione vede la sparuta popolazione della Terra impegnata nel tentativo di rimediare agli effetti del riscaldamento globale: gli esseri umani sopravvissuti al tragico e drastico cambiamento climatico vivono in un treno che funziona ancora solo grazie ad una sorta di motore “sacro” ma presto si trovano a dover affrontare le difficili implicazioni di una prolungata e forzata convivenza. L’attrice, che come la sua collega sembra mostrare quindi una propensione alla sci-fiction e alle trasposizioni cinematografiche da libri, interpreterà il ruolo di una madre disperata che cerca di proteggere suo figlio quando scoppia una rivolta sul treno e sarà circondata da colleghi di alto profilo come Chris Evans e Jamie Bell (Billy Elliott), oltre che da Tilda Swinton (Le cronache di Narnia e We need to talk about Kevin) e dal grande John Hurt (La talpa).

fonte: indiewire, booksblog, nextmovie

Kaleem Aftab per The National a chiesto al regista americano se, pensando ad un pubblico giovane e per di più dalla prospettiva di una persona che avanza negli anni, non abbia corso il rischio di realizzare un film sentimentale:

“Spero che non sia sentimentale. Sentimentale è superficiale, non è vero? Io sono sempre stato emotivo. Il sentimento genuino è quello che spero di mostrare”.

Sicuramente una aspirazione in linea con le caratteristiche della sua opera, e, infatti, al di là delle intenzioni iniziali, “Hugo”sembra proporsi come un’opera completa in cui il regista esprime tutto se stesso, e per molti critici al meglio, nonostante la diversità rispetto alla produzione passata. Un aspetto molto personale dello Scorsese storico del cinema emerge, ora sottotraccia ora palesemente, in quel viaggio di esplorazione della magia del cinema e nell’omaggio alla memoria perduta di grandi cineasti del passato, che “Hugo” mette in scena.
La sceneggiatura elaborata da John Logan (Il gladiatore, The Aviator, Sweeney Tood, Rango) prende vita in’ambientazione sorprendentemente non americana, nella cornice di una stazione parigina degli anni 30, che ci viene mostrata nella prima, maestosa e fantastica scena d’apertura. E’ una coincidenza curiosa che proprio nell’anno in cui un film francese ha reso omaggio agli albori del cinema hollywoodiano, il cinema americano si sia rivolto alla Francia e abbia reso omaggio ai padri riconosciuti della settima arte, i fratelli Lumiere, e, naturalmente, Georges Meliès.

E’ nella stazione che si svolge la vita del giovane orfano Hugo, interpretato da Asa Butterfield, che dopo la morte del padre (Jude Law) è costretto a lavorare per lo zio (Ray Winstone): il suo compito è quello di prendersi cura di un gigantesco orologio, all’interno del quale è ricavata la sua stessa segreta dimora. Ma per sopravvivere Hugo deve arrangiarsi utilizzando metodi poco ortodossi che lo portano a scontarsi con con uno dei venditori ambulanti della stazione (Ben Kingsley), un giocattolaio dall’aria piuttosto cupa, e a solidarizzare però con la nipote (Chloe Grace Moretz), anche lei orfana, di quest’ultimo. La stazione è animata da una brillante schiera di comprimari, come l’ispettore a cui è affidato il compito di strappare qualche risata al pubblico interpretato da Sacha Baron Cohen (nel cast appaiono anche, fra gli altri, Emily Mortimer e Christopher Lee e vi segnaliamo anche la presenza dello stesso Martin Scorsese nel ruolo di un operatore cinematografico. Una foto del set circolata mesi fa aveva fatto sorgere il dubbio che un cameo fosse stato affidato anche a Johnny Depp, ma il tutto si è risolto in una gran bolla di sapone). Al giocattolaio, che poi scopriamo essere Georges Méliès, è legato il mistero di uno strano oggetto che il padre scomparso aveva rinvenuto nella soffitta di un museo e che Hugo ha ereditato: il curioso e scaltro dodicenne crede che il genitore abbia affidato a quel “giocattolo” il suo ultimo messaggio, ma ha bisogno di riuscire a farlo funzionare per scoprire di cosa si tratta.

Convinto dall’uso che James Cameron ha fatto del 3D in Avatar, il regista ha deciso di sperimentare questa tecnica per approfondire lo studio delle immagini, della fotografia, del movimento, con lo scopo di arricchire la possibilità dello spettatore di essere avvolto da esse e dalla storia:

“Credo che il 3D possa essere usato per raccontare qualsiasi tipo di storia e non dovrebbe essere limitato ai fantasy o alla fantascienza. Basti pensare all’uso che ne hanno fatto Herzog (La grotta dei sogni dimenticati) e Win Wenders (Pina), Dovrebbe essere considerato un serio strumento ed elemento narrativo, soprattutto quando si ha per le mani una film profondo nella narrazione”.

Dal canto suo James Cameron ha commentato la scelta di Scorsese:

“E’ importante che un regista del suo calibro abbia deciso di girare in 3D, perchè rappresenta una rottura rispetto alla convinzione che possa essere usato solo per film con uno scopo meramente commerciale. Quello che hai fatto (rivolgendosi a Scorsese) è stato integrarlo con il colore, con la composizione, con il movimento della fotocamera, con la recitazione. Tutto. Direi che è come una Bugatti 16C, perfetta in tutto. E’ in assoluto la migliore fotografia 3D che ho visto, in costante supporto di quello che stai realizzando e mai nociva”

Richard Brody per “The New Yorker” ha affermato a questo proposito, approfondendo la questione sul piano della valenza contenutistica che “Hugo è un film in cui l’applicazione della tecnologia passa virtualmente inosservata: è semplicemente il modo in cui Scorsese immagina il mondo della storia, la rappresentazione della sua interiore esperienza di esso. Il suo film ricorda che il realismo e l’artificio non sono antagonisti o opposti ma la vera diastole-sistole della vita cinematografica. Il suo cinema non è una fabbrica di fantasie, ma di scoperte, non di surrogati ma di celate realtà psichiche”.

Per conferire a ciascuna scena una spettacolarità sorprendente, magica, ma di alto livello e verosimiglianza, Scorsese ha voluto accanto a sé un suo collaboratore di vecchia data, Rob Legato, il supervisore degli effetti visuali che ha lavorato in coppia con il supervisore della Pixomondo, Ben Grossmann, per ideare una serie di passaggi e trucchi che permettono di vedere Hugo muoversi con scaltrezza nella non lineare e confortevole architettura della stazione come se il tutto fosse stato girato in un solo set: in realtà diverse scene hanno richiesto l’implementazione di set diversi ripresi in giorni diversi.
Rob Legato, interpellato da fxguide in un ampio e interessantissimo speciale in cui vengono svelati oltre che i trucchi di scena anche i numerosi riferimenti alla storia del cinema e delle sue tecniche (grandiosa l’idea di ricreare la tecnica usata da Meliès della colorazione dei film a mano), ha dichiarato:

“L’intero film celebra davvero, anche attraverso numerosi omaggi, la persistenza della visione e cosa significava questo per i primi registi”.

E’ da tenere bene a mente che in “Hugo” la cura citazionista, attraverso rimandi visivi e testuali, affonda le sue radici nell’intenzione del regista di raccontare e omaggiare attraverso la storia di Hugo la storia stessa del cinema e della sua conservazione soprattutto (attenzione alla scena del falò che vede protagonista Meliès-Kingsley), attività nella quale egli si impegna con passione da vent’anni con la sua la Film Foundation, specializzata nel restauro delle opere cinematografiche soprattutto provenienti da paesi che non potrebbero accollarsi l’onere del processo.

Il trailer ufficiale in italiano:

Il trailer originale:

Lo speciale sugli effetti visivi

Fonte:Deadline, TheNewYorker, TheNational

C’era una volta…

…per tuffarci in questa storia facciamo una rapida visita ad un bambino che vediamo intento a scartare i suoi regali in una notte di Natale lontana nel tempo, nei primi anni del ‘900, e nello spazio, nella gelida Svezia: con meraviglia si trovò di fronte ad uno strumento dal nome quasi mistico, una “lanterna magica”, destinata a sostituire il teatrino di marionette che gli era servito fino a quel momento per mettere in scena le storie che la sua fervida immaginazione partoriva.

Si trattava di un proiettore meccanico,“con il comignolo ricurvo, la sua lente d’ottone ben modellata e il supporto per le pellicole. Non era una macchina complicata. La fonte luminosa era una lampada a petrolio, e la manovella era collegata ad una ruota dentata e ad una croce maltese. Sul lato posteriore della cassetta di latta c’era un unico specchio riflettore. Dietro la lente c’era un sostegno per le diapositive a colori”.
Questo strumento divenne la chiave di accesso ad una nuova dimensione della creatività, svelando in modo primordiale il potere seduttivo delle immagini in movimento, e rappresentò la svolta per quel fanciullo, che decise forse proprio allora di dedicare la sua vita al cinema.
A ricreare questa magia, in una dimensione assoluta fantastica, si era votato, in Francia, un visionario pionere, considerato uno dei padri della settima arte: nel 1903 aveva realizzato un film, “La lanterna magica”, in cui lo sguardo dello spettatore rimaneva irretito tra la magia e la finzione della messa in scena dalle rigide e meccaniche movenze delle maschere e le fluide movenze di danzatrici e la realtà ricreata e proiettata da una lanterna magica. Il motore dell’azione, come viene svelato alla fine del film, l’artefice della magia è esso stesso un marchingegno spettacolare, il prodotto di una magia misteriosa, un pupazzo meccanico.

La lanterna magica di Melies:

Non era certo un caso: il creatore di questo film della durata di quattro minuti o poco più era infatti un appassionato collezionista di automi e manichini, figure realizzate da un mago-orologiaio attraverso applicazione di meccanismi di complicata orologeria capaci di fare cose incredibili come cantare, ballare o oscillare su un trapezio o scrivere poesie, in sostanza la quintessenza del movimento creato dall’uomo, che si libera dall’immagine bidimensionale, e diventa indipendente dal suo creatore, e abita le sue fantasie nello spazio tridimensionale. Caduto in disgrazia il regista non potè curare a lungo la sua schiera di automi, ma perché non venissero perduti li donò ad un museo, in cui però furono dimenticati, e dopo qualche tempo, distrutti e gettati via.
Molti anni dopo uno scrittore, alla ricerca di una mistero da raccontare, si imbattè in un saggio che ricostruendo la storia degli automi aveva dedicato al regista francese e alla sua collezione un intero capitolo: lo scrittore allora ebbe un’intuizione, e immaginò la storia di un fanciullo, un orologiaio, che ritrovata casualmente una di quelle macchine avrebbe dovuto poi svelarne il mistero. Per poter scrivere meglio la sua storia decise di andare alla ricerca di un automa dell’epoca e curante il suo viaggio scoprì che all’Istituto Franklin di Philadelphia era custodito un vecchio automa molto simile a quelli collezionati dal regista de “La lanterna magica”, capace di disegnare immagini e scrivere versi sia in francese che in inglese. Era stato creata da un meccanico svizzero, che due secoli prima aveva lavorato a Londra come produttore di orologi, meccanismi a molla e appunto automi raffiguranti spesso maghi.

L’automa di Maillardet:

Mettendosi al lavoro per dare forma al suo personaggio e all’universo che doveva accoglierlo, lo scrittore pensò di usare, più che le parole, le immagini, per rendere omaggio alla magia della visione cui avevano contribuito prima il meccanico svizzero e poi il regista francese.

Il trailer del libro:

Il sito del libro

Il libro divenne un successo e la storia del bambino, guarda caso un orologiaio, che aveva scoperto l’automa e che combatteva le difficoltà della propria vita affidandosi alla magia di un cinema dei primordi, attirò l’attenzione di un grande regista americano che nonostante la sua lunga carriera non aveva ancora perso la voglia di sperimentare sempre nuove formule per dare vita ad una storia attraverso le immagini. Dalla lanterna magica che restituiva immagini bidimensionali era trascorso molto tempo, e una nuova tecnologia gli suggerì una nuova magia per permettere a se stesso e agli altri di penetrare ancora più a fondo in una storia, in cui, ancora una volta, un automa sarebbe stato la chiave di volta per accedere ai misteri della finzione e della fantasia. Questa volta però il cinema poteva soddisfare le aspirazioni che avevano conferito fascino agli automi, liberando il movimento in uno spazio tridimensionale.

Il cameo di Scorsese:

Così come il bambino svedese era stato rapito dalle immagini della lanterna, lui era sempre stato affascinato da un pacchetto di 10 cartoline stereoscopiche, che, guardate attraverso un piccolo dispositivo consentivano di avere una percezione tridimensionale dell’immagine. Poi il View-Master e i successivi film in 3d avevano continuato a renderlo curioso nei confronti della profondità. Stimolato dall’uso sapiente ed innovativo che un suo collega aveva fatto della nuova tecnologia, non per ricreare accattivanti effetti fini a se stessi, ma per rendere la fotografia e l’ambientazione “accogliente”, per dare vita ad una “straordinaria narrazione visiva”, decise di adottarla nel proprio linguaggio come elemento narrativo, per mettere in scena una storia che sentiva molto sua, e in cui avrebbe potuto giocare con un mistero che affonda le radici nell’incanto dell’infanzia, che parla di cinema attraverso il cinema stesso, la sua sua storia e la sua magia, e intanto racconta, in un modo che portando a limiti estremi la fantasia diventa straordinariamente realistico, di qualcosa che riguarda non solo i bambini, ma tutti noi. La storia di Hugo Cabret.

Cameron e Scorsese parlano delle potenzialità narrative del 3d:

Il bambino della Lanterna Magica: Ingmar Bergman
Il regista de “La lanterna Magica”: Georges Méliès
Il mago e orologiaio francese: Jean-Robert Houdin
L’autore in cerca di una storia: Brian Selznick
Il meccanico svizzero: Henri Maillardet
Il grande regista americano: Martin Scorsese
Il collega sperimentatore e il suo film: James Cameron e “Avatar”

“Il primo‘RoboCop’è un film fantastico, ma al di là del film, il concetto che c’è dietro è brillante, sia perchè implica una sorta di critica sociale, sia perchè pone degli interrogativi, su come e quando è possibile perdere la propria umanità. Nel film accade quando si realizza la sostituzione di parti del corpo umano con parti meccaniche, e questo è molto interessante, perchè si tratta di sviluppi in corso. Come è effettivamente possibile estirpare l’umanità di un essere umano e come è possibile programmare un cervello e come questo influisce su un individuo?”

Chi non si è effettivamente mai posto simili domande di fronte all’imperturbabile espressione di quel poco di volto mostrato da un impareggiabile (e forse insostituibile) Peter Weller? E non è che non vi fossero fra l’altro numerosi, ma equilibrati, richiami al passato e all’interiorità dell’ex-poliziotto, ma il regista ritiene ci sia ancora qualcosa di fondamentale da dire e da mostrare. Si potrebbe forse obiettare che si tratta di interrogativi insoluti che facevano però parte integrante del fascino del personaggio e della storia. Ma, a quanto pare, è giunto il momento di togliere la maschera in qualche modo anche all’intoccabile Robocop, alzando il velo su questi stimolanti enigmi al centro del nuovo processo creativo. Vecchie curiosità applicate però ad un nuovo sviluppo del personaggio, alle prese con un conflitto personale derivante dalla consapevolezza di essere una pedina controllata da interessi corporativi. In un’intervista con Bleeding Cool, Padilha aveva riassunto il concetto su cui si baserà il suo film:

“Si tratta un uomo che viene trasformato in un prodotto da una società”.

L’idea della manipolazione e dello sfruttamento da parte di poteri superiori e di individui invischiati loro malgrado in queste anguste trame di potere e corruzione non è nuova per Padilha, che l’ha affrontata nei suoi precedenti film. Ma nelle sue intenzioni non sarà l’unico motivo di interesse: nella cornice fantascientifica del franchise molto spazio avranno le implicazioni, anche filosofiche, dell’uso di tattiche e strumenti ipertecnologici in guerra:

“Le guerre del futuro saranno combattute con droni. Non si invierà un aereo con un pilota. Ma cosa succede se un drone va male – chi è la colpa allora? E che problema implica il considerare un robot colpevole di un crimine? O è la società che ha fatto il robot che è colpevole? Come si fa a combattere contro i droni quando non si hanno droni?”

Tuttavia considerando che la MGM spera di dare avvio alle riprese nel corso del 2012 altre spinose questioni non hanno ancora trovato una soluzione, e riguardano soprattutto la composizione del cast, per cui non è emerso ancora alcun nome. In merito pare ci sia una sola certezza, per quanto vagamente ingenua e superficiale: Padilha pretende per la parte dell’americano Alex Murphy un attore che sia inequivocabilmente americano.

Perplessità? Mentre qualche furbetto non riesce a tenere a freno la propria fantasia, o piuttosto la voglia di prendere in giro i numerosi fan del franchise confezionando trailer-fake:

Preferiamo aspettare di vedere come e se il progetto andrà in porto, e intanto diamo sfogo alla pura e semplice nostalgia:

Ambientata in una Detroit degradata del Medioevo prossimo venturo, è la storia di una resurrezione. Con i resti di un poliziotto, massacrato nell’esercizio del suo dovere, si costruisce un cyborg, automa corazzato e invincibile con memoria computerizzata. Lentamente affiorano i ricordi della vita umana precedente e, con essi, i sentimenti, anche quello della vendetta. Film all’insegna di un pessimismo rozzo, ma non arbitrario (la multinazionale che si sostituisce all’amministrazione pubblica), ha al suo attivo, specialmente nella 1ª ora, ironia sarcastica, catastrofismo sardonico, sbeffeggiamento degli yuppie rampanti, effetti speciali di indubbio impatto visivo (il mostruoso robot ED 209) con la supervisione di Phil Tippett, contrappunto ossessivo di telegiornali. Seguito da 2 sequel, un film d’animazione e una serie TV.

Il trailer del primo Robocop del 1987:

fonte: THR, MYMOVIES, COMINGSOON, BLEEDINGCOOL

Le perplessità ruotavano però intorno alla difficoltà di interpretazione poste dal personaggio di Lisbeth Salander, sottilmente tratteggiato nell’originale letterario della storia nella sua inafferrabile problematicità caratteriale: per la ventiseienne attrice statunitense si è trattata quindi di una difficile sfida, nella quale però si è cimentata con entusiasmo e passione, studiando il personaggio alla fonte, prendendo lezioni di arti marziali e di skateboard, imparando ad andare in moto, lavorando sul proprio accento per conferirgli una sorta di inflessione svedese, e stravolgendo decisamente il proprio look. A parte un drastico ed aggressivo taglio di capelli, la rasatura delle sopracciglia e gli innumerevoli tatuaggi (finti), l’attrice si è sottoposta realmente alla pratica del piercing: non si è trattato di una superficiale trasformazione però, ma di artifici che le hanno consentito di calarsi profondamente nella psicologia del personaggio, dando forma ad un’interpretazione che costituisce senza dubbio uno dei fattori di maggiore interesse del film e che ha trovato un prestigioso riscontro nella candidatura agli Oscar 2012.

La sinossi ufficiale:

Sono passati molti anni da quando Harriet, nipote prediletta del potente industriale Henrik Vanger, è scomparsa senza lasciare traccia. Da allora, ogni anno l’invio di un dono anonimo riapre la vicenda, un rito che si ripete puntuale e risveglia l’inquietudine di un enigma mai risolto. Ormai molto vecchio, Henrik Vanger decide di tentare per l’ultima volta di fare luce sul mistero che ha segnato tutta la sua vita. L’incarico di cercare la verità è affidato a Mikael Blomkvist: quarantenne di gran fascino, Blomkvist è il giornalista di successo che guida la rivista Millennium, specializzata in reportage di denuncia sulla corruzione e gli affari loschi del mondo imprenditoriale. Sulle coste del Mar Baltico, con l’aiuto di Lisbeth Salander, giovane e abilissima hacker, indimenticabile protagonista femminile al suo fianco ribelle e inquieta, Blomkvist indaga a fondo la storia della famiglia Vanger. E più scava, più le scoperte sono spaventose.

Il trailer:

La locandina:

Dopo aver infuso la propria riconosciuta ed apprezzata esperienza di registra teatrale in “Mamma Mia!”, Phyllida Lloyd torna dietro la macchina da presa e torna a dirigere Meryl Streep, considerata una delle più grandi attrici in attività, con il suo record di candidature ed il bottino di premi, inclusi due Oscar (come attrice non protagonista per Kramer contro Kramer e un altro come attrice protagonista per La scelta di Sophie) e innumerevoli Golden Globe, raccolti nel corso della sua lunga e prolifica carriera. Regista e attrice hanno lavorato, sulla base della sceneggiatura elaborata da Abi Morgan (che ha dispiegato il proprio talento anche per la scrittura di “Shame”), alla trasposizione cinematografica della biografia di una delle personalità più influenti non solo della storia del Regno Unito, ma della politica internazionale del XX secolo, Margaret Thatcher, leader del partito conservatore inglese e prima donna (e fino ad oggi unica) a ricoprire la carica di primo ministro dal 1979 al 1990.
Il biopic “The Iron Lady”, accolto da contrastanti reazioni a partire dall’annuncio del progetto, è in programmazione nelle sale italiane in questi giorni. Utilizzando un dispositivo narrativo che abbiamo recentemente visto in azione anche in “J.Edgar”, la narrazione è affidata alla stessa protagonista, la quale, ormai in preda allo smarrimento determinato dalla sua malattia, ripercorre dal suo punto di vista gli eventi salienti della propria vita, pubblica e privata, spesso riferendosi al defunto marito Denis (interpretato dal premio Oscar Jim Broadbent) e dunque sottoponendo lo spettatore ad un viaggio nella sua memoria, ben articolato e dosato attraverso flashback e filmati d’archivio. Come già nel sopracitato “J.Edgar”, l’intento del film sembra essere stato non tanto la ricostruzione puntuale dell’ascesa al potere e dei retroscena che hanno caratterizzato la controversa attività politica del personaggio, quanto piuttosto quello di fornire una rappresentazione quasi “intima” del suo forte e determinato carattere, così come forgiato e plasmato dalla relazione con il potere, tanto nelle fasi di maggiore visibilità quanto in fasi avvolte dalla nebbia. La sceneggiatrice ha infatti affermato che lo scopo era quello di illuminare gli anni meno documentati della vita della Thatcher, quelli della solitudine e della fragilità della vecchiaia, in cui l’ex primo ministro ha dovuto affrontare innanzitutto le conseguenze della perdita del potere politico e poi le difficoltà legate alla demenza senile. Complice una prestazione acclamata ed eccellente da parte della Streep (la cui bravura è già stata premiata con la vittoria ai Golden Globe e con la candidatura sia agli Oscar che al Bafta) è sicuramente questo, il piano della battaglia personale e della proiezione interiore, secondo i critici, l’obiettivo che il biopic centra, restituendo un’immagine nuova del personaggio, a tratti toccante nella sua estrema umanità. Ma questo è stato anche l’aspetto su cui le critiche si sono maggiormente concentrate, accusando il film di non prendere una posizione sull’operato della Thatcher, non offrendone un ritratto integrale, e non arrivando ad intaccare, e forse non volendo, quelle che sono le opinioni, irrimediabilmente o positive o negative, precedentemente costituite: nonostante gli eventi politici siano richiamati e narrati, sembra quasi che costituiscano un sottofondo, e che la grandezza e la problematicità del personaggio non siano trattati altrettanto bene quando la Thatcher-Streep muove i suoi passi nell’arena politica.Sinossi ufficiale:

Margaret Thatcher, ex Primo Ministro britannico, ormai ottantenne, fa colazione nella sua casa in Chester Square, a Londra. Malgrado suo marito Denis sia morto da diversi anni, la decisione di sgombrare finalmente il suo guardaroba risveglia in lei un’enorme ondata di ricordi. Al punto che, proprio mentre si accinge a dare inizio alla sua giornata, Denis le appare, vero come quando era in vita: leale, amorevole e dispettoso. Lo staff di Margaret manifesta preoccupazione a sua figlia, Carol Thatcher, per l’apparente confusione tra passato e presente dell’anziana donna. Preoccupazione che non fa che aumentare quando, durante la cena che ha organizzato quella sera, Margaret intrattiene i suoi ospiti incantandoli come sempre, ma a un bel momento si distrae rievocando la cena durante la quale conobbe Denis 60 anni prima. Alla fine della serata, Margaret si ritira nella sua stanza, ma non riesce a prendere sonno. Si alza dal letto e si mette a guardare alcuni vecchi filmini di famiglia, riflettendo sui sacrifici che ha dovuto compiere nella vita privata per perseguire la carriera politica. Il giorno dopo, Carol convince sua madre a farsi vedere da un dottore. Margaret sostiene di stare benissimo e non rivela al medico che i vividi ricordi dei momenti salienti della sua vita stanno invadendo le sue giornate nelle ore di veglia. Di ritorno a Chester Square, Margaret lotta contro l’incessante rievocazione del passato. Impacchetta gli effetti personali di Denis e ribadisce la sua autonomia: certo, i ricordi l’accompagneranno sempre, ma ha anche la sua vita nel presente, meno ricca rispetto a prima, ma non meno degna di essere vissuta.

Il trailer:

Poster ufficiale:

fonte: hitfix

La vita di Linda Lovelace, pornostar celebre per il film cult del genere “Gola profonda” del 1972 diventerà un film (anzi, due). Il film, basato sulla biografia scritta da Eric Danville e diretto da Rob Epstein e Jeffrey Friedman, ripercorre la tragica vita della pornostar, che, all’ombra delle luci della ribalta, era costretta a vivere l’inferno degli abusi e delle violenze costanti cui il marito la sottoponeva, e da cui riuscì a liberarsi solo dopo diversi anni. La svolta nella sua vita fu accompagnata da una nuova consapevolezza e dalla voglia di trasformare la negatività della propria esperienza in energia per sostenere i diritti delle donne e combattere l’industria del cinema hard.
Le riprese sono già in corso a Los Angeles e probabilmente il biopic vedrà la luce verso la fine del 2012. Intanto intorno al progetto continuano ad affiorare indiscrezioni e novità. Ultima ma non meno importante, l’abbandono del cast da parte di Demi Moore, che ha dovuto rinunciare alla parte dell’attivista femminista Gloria Steinem per un tracollo psicofisico dovuto al periodo di stress, determinato probabilmente anche dai turbolenti sviluppi della sua vita sentimentale. Gloria, fondatrice della rivista Ms. Magazine, pubblicò l’articolo “The Real Linda Lovelace” in cui svelava i violenti retroscena del rapporto fra Linda e il suo primo marito Chuck Traynor. La giornalista divenne un sostegno per Linda, arrivando anche a scrivere, nel 1986, l’introduzione al suo libro di memorie, “Out of Bondage”.
Nonostante la spiacevole assenza di Demi Moore, il cast può comunque vantare nomi di un certo calibro, come quello di Adam Brody che interpreterà il e co-protagonista Harry Reems, oltre a Eric Roberts, James Franco che apparirà in un cameo, Hugh Hefner, Peter Sarsgaard, Chris Noth, Sharon Stone, Juno Temple, Hank Azaria e Bobby Cannavale. Ad infoltire la schiera si è aggiunta poi, proprio nelle ultime ore, Chloë Sevigny nella parte di una giornalista che ha il compito di scrivere un pezzo su Linda.
Curiosamente, ad Hollywood è in lavorazione un altro film sulla vita di Linda Lovelace, dal titolo “Inferno: la storia di Linda Lovelace” con protagonista Malin Ackerman (Watchmen) e Matt Dillon nei panni del marito Chuck Traynor.