cinemavistodame.com - di Roberto Bernabò

Manslator: quello che gli uomini non dicono

2009-11-11T11:36:25-08:00

Se esistesse un dizionario bilingue donna-uomo/uomo-donna, non esisterebbero problemi di coppia. Perché l’incomprensione che spesso risiede nella comunicazione è soprattutto “il capirsi”.

E la questione spesso si complica perchè, quando un uomo parla con una donna, le parole acquisiscono (quasi sempre) un duplice significato: sembrano comunicare dei significati, mentre in realtà ne sotto-intendono altri. E questo perché quando gli uomini dicono una cosa, troppo spesso, in realtà, ne intendono un’altra.

Come uscirne mi chiederete, giustamente, voi, e, ancora, perché parli di queste cose nel mio blog.

Molto semplice.

E se la soluzione fosse il manslator? Un giochino simpatico ideato per promuovere il film “The Ughly Truth” che dice alle donne come stanno le cose: basta scrivere nel riquadro la frase detta dal vostro uomo e attivare il dizioMaschio per ottenere, così, il suo vero parere.

E’ divertente!

Rating: 5.0/5 (1 vote cast)

Il crollo del muro di Berlino

2009-11-09T14:58:13-08:00

20 anni oggi

Una dolcissima bugia

Una crudele verità

**Ed un ricordo di quando era solo “Il Cielo sopra Berlino” ad unire la città**

§§§

Il Muro di Berlino (in tedesco: Berliner Mauer), il cui nome ufficiale era Barriera di protezione antifascista (in tedesco: antifaschistischer Schutzwall), era una barriera in cemento alta circa tre metri che separava Berlino Est, capitale della Repubblica Democratica Tedesca (Germania Est), da Berlino Ovest, exclave della Repubblica Federale di Germania (Germania Ovest) circondata dal territorio della Repubblica Democratica Tedesca. È considerato il simbolo della Cortina di ferro, linea di confine europea tra la zona d’influenza statunitense e quella sovietica durante la guerra fredda.

Eretto dal governo comunista della Germania Est, divise in due la città di Berlino per 28 anni, dalla sua costruzione (iniziata il 13 agosto del 1961) fino al suo crollo, avvenuto il 9 novembre 1989, a causa della sua inutilità, dopo lo smantellamento della cortina di ferro da parte dell’Ungheria (23 agosto 1989) e del successivo esodo (attraverso il paese danubiano) dei tedeschi dall’Est a partire dall’11 settembre dello stesso anno.

La voce Wikipedia: qui.

Rating: 5.0/5 (1 vote cast)

Locandina di Marpiccolo [Flickr]

2009-11-07T01:29:02-08:00

Roberto Bermabo' alias cinemavistodame posted a photo:

Locandina di Nemico Pubblico - Public Enemies [Flickr]

2009-11-07T01:29:02-08:00

Roberto Bermabo' alias cinemavistodame posted a photo:

Locandina de L'uomo che fissa le capre [Flickr]

2009-11-07T01:29:02-08:00

Roberto Bermabo' alias cinemavistodame posted a photo:

Locandina di Berlin Calling [Flickr]

2009-11-07T01:29:02-08:00

Roberto Bermabo' alias cinemavistodame posted a photo:

Locandina di Anno Uno [Flickr]

2009-11-07T01:29:02-08:00

Roberto Bermabo' alias cinemavistodame posted a photo:

Nemico Pubblico–Public Enemies di Michael Mann

2009-11-05T01:06:55-08:00

analisi di eventi, esistenti e linguaggio audiovisivo

L’etica di un gangster – possibili argomentazioni a favore – a cura di Roberto Bernabò

Nemico Pubblico – Public Enemies

titolo originale: Public Enemies
nazione: U.S.A.
anno: 2009
regia: Michael Mann
genere: Drammatico / Gangster
durata: 144 min.
distribuzione: Universal Pictures
cast: J. Depp (John Dillinger) • C. Bale (Melvin Purvis) • M. Cotillard (Billie Frechette) • J. Russo (Walter Dietrich) • D. Wenham (Harry ‘Pete’ Pierpont) • J. Clarke (John ‘Red’ Hamilton) • S. Dorff (Homer Van Meter) • C. Tatum (Pretty Boy Floyd) • R. Cochrane (Agente Carter Baum) • B. Katic (Anna Sage) • E. De Ravin (Barbara Patzke) • B. Crudup (J. Edgar Hoover) • G. Ribisi (Alvin Karpis) • J. Ortiz (Phil D’Andrea) • S. Hatosy (Agente John Madala) • D. Harvey (cliente Steuben Club) • S. Leigh (Helen Gillis) • S. Graham (Baby Face Nelson) • S. Garrett (Tommy Carroll) • S. Lang (Charles Winstead) • M. Craven (Gerry Campbell) • L. Mason (portiere Union Station) • L. Taylor (Sheriff Lillian Holley) • D. Warshofsky (Warden Baker) • L. Sobieski (Polly Hamilton)
sceneggiatura: R. Bennett • M. Mann • A. Biderman
musiche: E. Goldenthal
fotografia: D. Spinotti
montaggio: J. Ford • P. Rubell

Trama: Nessuno poteva fermare Dillinger e la sua banda. Non esisteva prigione dalla quale non riuscisse ad evadere. Il suo carisma e le rocambolesche fughe dalle prigioni lo rendevano interessante agli occhi di tutti – da quelli della sua fidanzata Billie Frechette a quelli del pubblico americano che non aveva simpatia per le banche responsabili di aver fatto precipitare il paese nella depressione. Ma mentre le avventure di Dillinger e della sua banda – che nell’ultimo periodo comprendeva anche due individui sociopatici dal nome Baby Face Nelson e Alvin Karpis – intrigavano i più, Hoover si riproponeva di utilizzare la pubblicità che la cattura del criminale avrebbe potuto generare in suo favore per trasformare il suo “Bureau of Investigation” nel dipartimento di polizia nazionale che è adesso l’FBI. Fece pertanto di Dillinger il primo Nemico Pubblico Numero Uno degli Stati Uniti d’America, mettendogli alle calcagna Purvis, l’affascinante “Clark Gable dell’FBI”.

§§§

“Volevi sapere dov’è, tu stupido piedipiatti?
Gli sei passato accanto a State Street. Ma eri troppo impaurito per guardarti attorno.
Stava vicino al marciapiede in quella Buick nera.”

- Billie Frechette

1. Introduzione: il point of conentration narrativo (molto spoiler)

Mi sono interrogato più volte, dopo la visione in anteprima, in lingua originale della pellicola, su cosa mi avesse veramente colpito di questo bellissimo film.

Ed alla fine sono giunto ad una conclusione solo apparentemente paradossale.

1.1 L’etica del protagonista e la non etica degli antagonisti

Certo parlando di un gangster celeberrimo e pericoloso come John Dillinger, peraltro realmente esistito, il titolo del paragrafo può sembrare un’affermazione forte e persino fuori luogo, anche se è storia che il celeberrimo rapinatore restituì agli americani parte dei proventi delle sue rapine, cosa che controbuì, e non poco, a renderlo celebre ed a farne una sorta di moderno Robin Hood, eppure.

Traggo dal libro “La rapina in banca – Storia. Teoria. Pratica” – a cura di Klaus Schönberger.

Alla fine della sua vita, durata solo 31 anni, era diventato un mito, un eroe popolare, una sorta di Robin Hood dei rapinatori americani all’epoca della Grande Depressione.

E non perché regalasse ai poveri parte del suo bottino: nel corso delle sue rapine si limitava a far sparire qualche cambiale. Dillinger aveva lasciato la scuola e lavorava quando capitava, disertò il servizio militare ed era un grande ammiratore di Jesse James. Bastò questo, e una rapina ai danni di un anziano signore nel 1924, a farlo condannare a 20 anni di reclusione. Si fece trasferire in una prigione del Michigan, dove conobbe Homer van Meter e Harry Pierpont, che lo introdussero nei circoli elitari del carcere, composti da rapinatori d’alta classe che gli svelarono i trucchi della rapina in banca. Il 22 maggio 1933 Dillinger fu rilasciato, non prima di aver promesso ai suoi compagni che li avrebbe tirati fuori.

Nel giugno 1933, in un solo giorno, rapinò con altri complici una banca (al mattino), un drugstore e un supermercato (il pomeriggio). In breve tempo riuscì a mettere insieme la somma necessaria per far evadere i suoi amici, ma fu arrestato poco prima di poter entrare in azione, il 22 settembre 1933. Le armi necessarie all’evasione erano tuttavia già penetrate nel carcere, e il 27 settembre Homer van Meter, Harry Pierpont e altri riuscirono a scappare dalla prigione del Michigan. Il 12 ottobre furono loro stessi a sdebitarsi con Dillinger: lo liberarono, e due giorni dopo dettero inizio a un nuovo ciclo di colpi, tra cui alcuni agguati a stazioni di polizia per procurarsi armi automatiche e giubbotti antiproiettile.

Il 23 ottobre alleggerirono la Central National Bank di Greenclastle, Indiana, di 74.782 dollari. Il governatore dello Stato dell’Ohio chiese allora l’intervento della Guardia nazionale, e la banda fuggì alla volta di Chicago, dove, a metà gennaio del 1934, effettuò un colpo alla National First Bank. Le rapine si svolgevano secondo un piano ricorrente: un membro della banda studiava il posto, in seguito si stabiliva chi sarebbe entrato nella banca, chi si sarebbe occupato di guardare le spalle ai complici e chi avrebbe guidato la macchina su cui fuggire. Una volta nella banca, era in genere Dillinger a chiedere di poter parlare con il direttore, al quale poi comunicava gentilmente che si trattava di una rapina e che avrebbe dovuto consegnargli tutti i soldi depositati in cassaforte. Nel caso in cui il direttore avesse mostrato segni di esitazione, Dillinger avrebbe estratto la pistola. Nel corso della rapina alla National First Bank un palo della banda fu ucciso – l’unica morte di cui Dillinger fu mai ritenuto responsabile.

Il 22 gennaio Dillinger venne nuovamente arrestato e trasferito nel carcere di massima sicurezza di Crown Point, in cui già il 3 marzo prese due persone in ostaggio minacciandole con una pistola di legno che si era costruito da solo, si procurò quindi armi vere e imprigionò 26 dipendenti del carcere, poi rubò un’auto e si dileguò. Dillinger si guadagnò le prime pagine dei giornali, con grande disonore delle autorità. Divenne il “nemico pubblico numero uno” e sulle sue tracce si mise addirittura l’Fbi.

Il 22 luglio 1934, tre settimane dopo la sua ultima rapina, avvenuta a South Bend, Dillinger fu raggiunto alla schiena dalle pallottole di due poliziotti che lo aspettavano all’uscita di un cinema. A tradirlo era stata una donna, allettata dalla ricompensa promessa dalla taglia sulla testa di Dillinger.

Sembra che centinaia di persone, uscendo dal cinema, intinsero i propri fazzoletti nel lago di sangue in cui giaceva il bandito, per portarsi a casa un ricordo di lui. Furono 15.000 le persone che parteciparono al suo funerale e pare che, segretamente, fosse stata preparata per Dillinger una maschera mortuaria. Il bandito aveva conquistato i cuori della gente, e ancora oggi ci si chiede se fosse davvero Dillinger la persona uccisa quella sera. La sua storia può essere ripercorsa a Nashville, nel museo a lui dedicato.

Eppure, dicevo prima dell’inciso sulla vera storia di Dillinger, credo che, per comprendere, bene, quello che muove all’azione un po’ tutti gli esistenti del film, il ricorso all’etica può essere un elemento guida che può fornire una chiave di lettura che agevola la verifica della coerenza dell’impianto narrativo.

1.2 La prospettiva narrativa: la storia vista dalla parte del gangster

Altro elemento che salta subito all’occhio – e che certamente deriva dalle scelte narrative non del regista (o quanto meno non solo), ma dell’autore del romanzo Bryan Burrough, (ed il cui titolo è “Nemico pubblico – il romanzo criminale dell’America degli anni trenta“), di cui il film di Michael Mann rappresenta un’eccellente trasposizione dal letterario al filmico – è la prospettiva narrativa.

Il point of concentration dell’azione non è, infatti, narrare, asetticamente, la storia del rapinatore John Dillinger, ma è di farlo scegliendo il punto di vista del gangster.

(Per la cronaca Bryan Burrough, http://www.bryanburrough.com/, ex reporter del Wall Street Journal, oggi scrive per Vanity Fair. Ha vinto per tre volte il premio Jhon Hancock Award, conferito all’eccellenza nel giornalismo finanziario. E’ autore di numerosi libri, il più recente dei quali è The Big Rich è stato nella top ten dei libri più venduti edita dal New York Times).

Lo spettatore è quasi parte della sua banda.

Vive la lotta senza quartiere a lui, quasi partecipando alle sue azioni, sia criminali, che sentimentali.

E’ come se il regista narrasse il film scegliendo di abbandonare un ruolo di narratore, e delegando, tale compito, direi, se non esclusivamente, quantomeno in maniera prevalente, all’eroe.

Con un’accortezza.

Non riusciamo mai a capire esattamente come farà l’eroe a risolvere, sequenza dopo sequenza, tutti i vari bit narrativi che compongono la storia, che evolve nel classico canovaccio in cui l’esistente protagonista viene, via via, caricato di problemi sempre più grandi, e sempre più difficili da risolvere.

1.3 Il ruolo del Cinema

Il terzo elemento, che non è certamente trascurabile, e che appare allo spettatore cinephìle anche meno accorto, è il ruolo affidato al Cinema.

Ed in particolare al Cinema inteso in una triplice accezione.

Al Cinema, cioè, che tutti gli spettatori godono assistendo al film.
Al Cinema inteso, in chiave strettamente metalinguistica, del film nel film.
Ed al Cinema inteso come sala, come luogo cioè di fruizione del film (non è assolutamente banale questo aspetto per comprendere le sequenze finali). Una sorta di medium ambientale, attraverso il quale è possibile, persino un gangster braccato da schiere di poliziotti, evadere (è il caso, più che mai, di usare questo termine), dalla giogo della propria esistenza, per poi riprenderla, con un diverso grado di consapevolezza, al termine della proiezione.

Quasi come se il Cinema, in tale accezione, fosse il luogo dove guariamo e dove rinasciamo, pronti e ritemprati da nuove Verità, anche le più ferali, e nefaste e definitive.

Una chicca metalinguistica, che, dopo il film di Quentin Tarantino, è come se stesse diventando un po’ una cifra della recente produzione made in USA. Anche se, in questo, caso ampiamente giustificata dalla cronaca degli eventi storici.

E non è un caso notare che nella sequenza che chiude il film, ci sia come una netta contrapposizione tra chi è dentro la sala cinematografica, e chi, invece, attende fuori, eccezion fatta, forse, per la entraneuse immigrata rumena - Anna Sage, la donna che tradirà l’eroe, ma questo non vale per Dillinger, che, in una memorabile sequenza che precede la catartica e drammatica sequenza del cinema, ha modo di comprendere, fino in fondo, in una spericolatissima visita agli uffici della FBI, chi realmente sono stati i suoi fedeli compagni e chi no.

Il post in effetti potrebbe finire qui.

Ma proverò, lo stesso, a sviluppare meglio i tre punti della introduzione.

§§§

2. Circa l’etica del protagonista e la non etica degli antagonisti

La questione nei gangster movie è un po’ sempre la stessa.

Ci sono due fazioni, opposte, facilmente identificabili.

Ci sono i buoni, che normalmente coincidono con i tutori della legge, e ci sono i cattivi, che sono i gangster.

Che rapinano, uccidono, insomma fanno cose esecrande.

E’ difficile però, in genere, empatizzare, in questa ontologia del cinema, fino in fondo, e sin dalle primissime sequenze, con i cattivi, e, soprattutto, con il loro leader.

Anzi, se dovessi pensare agli ultimi film italiani come “Gomorra” di Matteo Garrone, ad esempio, dovrei ammettere, semmai, che l’obiettivo della narrazione è esattamente l’opposto.

C’è da chiedersi allora: “Perché il romanzo prima, ed il film dopo, tentano, invece, di mitizzare le gesta di John Dillinger?“

In realtà sappiamo che, quanto meno al cinema, è possibile fare praticamente tutto.

E non credo nemmeno, peraltro, che questo sia, in assoluto, il primo film in cui ciò accade.

Ma la cosa mi appare chiara se si mette al centro un altro tema.

Un tema con con cui la suddivisione buoni – cattivi, forse, c’entra poco.

E’ un tema morale e quasi filosofico.

Quello dell’etica.

E, lo dobbiamo proprio ammettere, di etica ultimamente in giro, e non solo in Italia, se ne vede pochina in giro, non credete?

Se guardiamo le azioni del protagonista, e quelle del suo antagonista Melvin Purvis, incaricato dall’ancora più arrivista e determinato J. Edgar Hoover, interpretati rispettivamente, più che convenientemente, dal bravissimo Christian Bale, e da Billy Crudup, noteremo un classico dei film del regista “narrare le gesta di uomini costretti ad agire in condizioni estreme“.

E’ questo che riesce a fare fruire di un fiato una pellicola di ben 140 minuti.

E sarà, proprio, la diversa prospettiva etica, a farci sentire vicini al gangster.

Va aggiunto che il contesto della storia è l’America della Grande Depressione degli anni ‘30 (toh, guarda, chissà perchè mi vengono alla mente i corsi ed i ricorsi storici di Giambattista Vico), e che Dillinger è una gangster assai più astuto e capace dei poliziotti che sono costretti a contrastarlo, che fa una cosa ed una sola:

rapina banche !!!

Proprio quelle banche che, anche nel 1930, furono tra le maggiori responsabili della povertà degli americani. Ma tu guarda.

E’ proprio vero … non s’impara mai abbastanza dai propri errori.

Detto questo è evidente perché il popolo americano, dell’epoca, ed uno scrittore, con vocazioni giornalistiche finanziarie, contemporaneo, ne mitizzano le gesta.

Perché, in quel contesto, Dillinger diventò davvero un eroe popolare, che seppe sfruttare le incapacità di un sistema difensivo poco connesso tra stato e stato, degli USA, e che ebbe, peraltro, il merito (direi suo malgrado), di provocare probabilmente la prima grande e strutturata lotta al crimine degli USA.

E quelli mica sono come noi.

Quando decidono di fare una cosa, la mettono in mano a persone competenti.

Competenti e, spesso, senza scrupoli.

E se un gangster è senza scrupoli, per definizione, i tutori dell’ordine dovrebbero essere, invece, animati non da bramosie di successo personale, ma da un elevatissimo spirito di servizio, agito solo ed esclusivamente in favore della collettività.

Ed è proprio su questo piano, che il rapporto protagonista – antagonista, tra Dillinger e Melvin Purvis, si ibrida.

Chi è il buono e chi il cattivo?

Chi è che si preoccupa, realmente, della sorte dei suoi uomini, e della sua innamorata?

Queste domande trovano, tutte, risposte nell’azione del film, ed è, pertanto, pleonastico che io risponda.

Il Potere, e noi in Italia, ahimè, lo sappiamo sin troppo bene, quando deve raggiungere un obiettivo, non conosce regole, e chi meglio di noi, oggi, ad oltre un secolo dagli eventi narrati dal film, può comprenderlo meglio?

Una sequenza però ci parla dell’etica anche tra gli antagonisti tutori dell’ordine.

E’ il poliziotto, umile ma sagace, che studia, realmente, lui si, e con lealtà, il suo avversario, sino alle estreme conseguenze.

Divertitevi a scoprirlo tra la compagine dell’FBI, ed apprezzatene anche il gesto altamente morale di cui è capace nella sequenza che chiude il film.

Sequenza che fa, peraltro, da suggello all’altro ambito di sviluppo della trama: la romanticissima love story tra John Dillinger e Billie Frechette, interpretata, direi magnificamente, dal premio Oscar Marion Cotillard (migliore attrice protagonista per il film “La vie en rose” – 2007 – di Olivier Dahan, nel quale interpretò niente meno che Édith Piaf, e fortemente voluta per la parte dal regista).

3. Circa il ruolo del Cinema

In primo luogo il cinema come potente strumento evocativo e ri-evocativo di un’epoca.

Quella della Grande Depressione.

Tutto in questa produzione è meticoloso.

Basti pensare come ho avuto moto di leggere sulle note di produzione, ai ben 107 set allestiti.

O alla fedeltà, quasi maniacale, nel selezionare tutti luoghi dell’azione.

Le ricostruzioni degli interni e degli esterni.

I costumi.

Alla scelta degli attori, perchè se è vero che Dillinger diventò un mito tra gli americani, è altrettanto vero che Johnny Depp (davvero notevole nel ruolo, secondo me questo film segna un punto di svolta davvero importante nella carriera di questo attore, che, ultimamente, si era, a mio avviso, troppo legato alle saghe dei Pirati, ad esistenti dark, ed a quelli dei film di Tim Burton, devo, in verità, ancora apprezzarlo in Parnassus – L’uomo che voleva ingannare il diavolo – The Imaginarium of Doctor Parnassus, regia di Terry Gilliam – 2009), è nato a soli 160 miglia dalla casa d’infanzia di Dillinger, sita a Mooresville, nell’Indiana.

Es alla suggestiva e notevole colonna sonora.

Ma c’è una cosa che non passa inosservata allo spettatore cinephìle.

Sull’orlo del suo baratro Dillinger fa due cose.

Forse rese ancora più epiche da una probabile forzatura della verità storica.

Si reca in un cinema.

E si fida di una donna che non è quella che ama.

Perché lo fa?

Cosa cercava in un Cinema un uomo ormai disperato?

Che aveva visto morire ad uno ad uno tutti i suoli leali, coraggiosi e fedeli compagni di avventura.

Qui il film ha una interessantissima, almeno per me, deriva metalinguistica.

Da un lato, ancora una volta, riusciamo ad apprezzare la chicca del film nel film (nel caso di specie “Le due strade” – 1934 di W.S. Van Dyke II, titolo sicuramente non scelto a caso in quanto fedele alla ricostruzione in quanto realmente fu la visione della pellicola l’ultima azione del vero Dillinger, con Clarke Gable nella parte di un gangster prossimo alla sua morte. (Traggo dal Morandini: Dopo aver passato insieme l’infanzia in un quartiere popolare di Manhattan, due amici prendono strade diverse: uno diventa magistrato, l’altro delinquente. Il primo condannerà a morte il secondo. Sceneggiato dal giovane Joseph L. Mankiewicz su un racconto di Arthur Caesar che vinse un Oscar, ha un interesse soprattutto storico come archetipo di dramma criminale “made in Hollywood”, ma non manca di qualità intrinseche per il brio degli interpreti e della messinscena. Noto anche perché il nemico pubblico n. 1, John Dillinger, fu ucciso vicino al Biograph Theatre di Chicago subito dopo averlo visto. Esiste in edizione colorizzata. Conosciuto anche come “Le due vie“.)

E dall’altro come non riflettere, e questa volta seriamente, sul ruolo del Cinema come luogo dove assistiamo all’opera cinematografica.

Traggo dal mio pst “Circa il nero del cinema“.

Il soggetto che parla qui (alias Rob.) deve riconoscere una cosa.

Gli piace uscire da una sala cinematografica.

Ritrovandosi nella strada illuminata, e quasi deserta (ci va sempre di sera preferendo, quasi sempre, il durante la settimana) e dirigendosi mollemente verso qualche pub, o ristorante, o caffè, cammina in silenzio, (non gli piace parlare subito del film che ha appena visto), un po’ intorpidito, goffo, infreddolito – insomma assonato: insomma ha sonno, ecco a che cosa pensa.

Nel suo corpo si è diffuso un senso di torpore, di dolcezza, di calma: languido come un gatto addormentato, si sente un po’ disarticolato, o meglio (perché per un’organizzazione morale il riposo non può consentire che in questo), irresponsabile.

In breve, è evidente, esce in uno stato di ipnosi.

E dell’ipnosi (vecchia arma psicanalitica, che la psicanalisi sembra ormai trattare con condiscendenza) ciò che percepisce è il più antico dei poteri: quello di guarire.

Dal cinema si esce spesso proprio così.

Come vi si entra?

Fatta eccezione per il caso, a dire il vero sempre più frequente, di una ricerca culturale ben precisa (film scelto, voluto, cercato, oggetto di una vera e propria vigilanza preliminare), si va al cinema approfittando di un momento di ozio, di disponibilità, di vacanza.

Tutto si svolge come se, ancora prima di entrare nella sala, si sommassero le condizioni classiche dell’ipnosi:

1. vuoto
2. ozio
3. disimpegno

non è davanti al film, o a causa del film che si sogna.

Quasi inconsapevolmente si sogna ancor prima di diventare spettatori.

C’è in pratica una “situazione del cinema“, e tale situazione è “pre-ipnotica“.

Per citare una metonimia che risponde al vero, il “nero della sala” è prefigurato dalla “fantasticheria crepuscolare” (preliminare all’ipnosi secondo Breur e Freud) che precede al nero e conduce il soggetto, di strada in strada, di blog in blog, di manifesto in manifesto, ad inabissarsi infine in un cubo scuro, anonimo, indifferente, dove deve prodursi quel festival di affetti che sono, siamo soliti chiamare film.

§§§

Mi piace pensare che anche Dillinger avesse cercato un’esperienza del genere, per sentirtisi davvero pronto ad affrontare l’epilogo forse più giusto e definitivo, al termine di quella delle due strade che si era scelto, in definitiva, tanto per vivere, che per morire.

Links

Sito Web Ufficiale del Film in italiano: qui.

Film Official Web Site in english: qui.

Voce Wikipedia su Johnny Depp: qui.

Voce Wikipedia su Michael Mann: qui.

Voce Wikipadia su Marion Cotillard: qui.

Voce Wikipedia su Christian Bale: qui.

Voce Wikipedia su Ronan Bennett: qui.

Menzioni Speciali

Una. Per la co-sceneggiatrice Ann Biderman. E’ una scrittrice per il cinema e per la televisione. Riguardo al Cinema la segnalo per “Il senso di Smilla per la neve” un film di genere thriller del 1997, diretto da Bille August, e basato sull’omonimo romanzo (titolo originale in danese: Frøken Smillas fornemmelse for sne) del 1992 scritto da Peter Høeg. Tra gli interpreti principali troviamo Julia Ormond, Gabriel Byrne e Tom Wilkinson.

E per “Schegge di paura” un film thriller del 1996, diretto da Gregory Hoblit e tra gli altri interpretato da Richard Gere, Laura Linney ed Edward Norton.

La sceneggiatura stesa per il film è liberamente basata sul romanzo giallo di William Diehl Primal Fear.

Due. Per la colonna sonora.

Degna di nota è colonna sonora con musiche di Otis Taylor, Elliot Goldenthale e con, soprattutto, la voce struggente voce di Billie Holiday, ascoltate la celeberrima The Man I Love.

Nemico Pubblico – Public Enimies – le tracce musicali

1. Ten Million Slaves – Otis Taylor
2. Chicago Shake – The Bruce Fowler Big Band
3. Drive To Bohemia – Elliot Goldenthal
4. Love Me or Leave Me – Billie Holiday
5. Billie’s Arrest – Elliot Goldenthal
6. Am I Blue? – Billie Holiday
7. Love In The Dunes – Elliot Goldenthal
8. Bye Bye Blackbird – Diana Krall
9. Phone Call To Billie – Elliot Goldenthal
10. Nasty Letter – Otis Taylor
11. Plane To Chicago – Elliot Goldenthal
12. O Guide Me Thou Great Jehova – Indian Bottom Association, Old Regular Baptists
13. Gold Coast Restaurant – Elliot Goldenthal
14. The Man I Love – Billie Holiday
15. JD Dies – Elliot Goldenthal
16. Dark Was The Night, Cold Was The Ground Blind – Willie Johnson

Rating: 5.0/5 (1 vote cast)

Il grande John Dillinger e il mare piccolo

2009-11-05T00:43:44-08:00

riusciranno i nostri eroi a catturare John Dillinger?

quanto è piccolo il mare che bagna Taranto?

Le risposte su cinemavistodame2.

Nel nuovo numero on line qui.

E i trailer?

Apri l’area commenti.

Rating: 5.0/5 (1 vote cast)

Sign Gene – di Emilio Insolera

2009-11-01T09:35:53-08:00

Il “Cinema Sordo” del regista italo-argentino: Emilio Insolera

Sinossi

[Italiano]

Titolo: Sign Gene
Genere: Sci-Fi / Azione
Durata: 95 min.

La “Quinpar Intelligence Agency” riceve la notizia che due americani sordi sono stati assassinati in Giappone. Due insoliti e divertenti agenti, Tom Provetta (Sordo) e Ken Wong (CODA*), portatori del “Sign Gene”, vengono spediti a Giappone per codesta missione. Il loro compito e’ semplicemente quello di osservare e di fare un rapporto sulla situazione. Ma, gia’ durante il loro primo giorno in Giappone, scoprono un indizio importante. Seguendo il loro giudizio, decidono cosi d’inseguire l’indizio e inaspettatamente si ritrovano in una guerra contro i membri della Yakuza (=Japanese mafia) anche loro portatori del “Sign Gene” e capiscono che possono solo sopravvivere imparando a lavorare con duro impegno in coppia e giocando il gioco nella maniera giapponese.

CODA (Children of Deaf Adults) = Figlio udente di genitori sordi.

[English]

Synopsis

Title: Sign Gene
Genre: Sci-Fi / Action
Runtime: 95 min

Quinpar Intelligence Agency, receive info that two Deaf american citizens have been killed in Japan. Two unlikely and funny agents, Tom Provetta (Deaf) and Ken Wong (CODA*) are sent to Japan for that mission. Although they are sent strictly as an information gathering team, they are unable to resist following a very tempting clue that leads them straight into the heart of a Yakuza (= Japanese mafia) war. They soon discover that they can only survive by learning how to work together and play the game the Japanese way.

* Children of Deaf Adults

『日本語』

タイトル: 手話ゲノム
ジャンル：　ＳＦ、アクション
実行時: 95 分

クインパー情報局（QIA：Quinpar Intelligence Agency)に２人の聾アメリカ人が日本で殺害されたという情報が入った。そこで、滑稽で何をしでかすか分からない２人のエージェントのトムとケンに調査と状況報告をせよと秘密指令が下り、日本に派遣された。来日早々に重要人物に偶然会い、上司の指示に反して、その人物と行動を共にすることにした。そして、日本のヤクザ同士の抗争に入り込み、彼らは日本人がするように努力やチームワークやゲームを楽しむ等をして勝ち取っていくことを学んでいくようになる。

§§§

Il regista italo-argentino, Emilio Insolera, è sordo e proviene da una famiglia di sordi, vive in Giappone, ed attualmente è impegnato nella presentazione al mondo della sua produzione del film indie intitolato “Sign Gene” (www.pluin.com) una pellicola del genere di azione sci-fi, girato tra New York ed altre locations in Giappone.

Il film presenta una serie di caratteristiche uniche.

Ve ne elenco alcune.

I dialoghi del film sono in “Lingua dei Segni” (più esattamente le lingue utilizzate nel film sono: Lingua dei Segni Americana, Lingua dei Segni Giapponese, Lingua dei Segni Internazionale, tratti di Lingua dei Segni Italiana, Inglese parlato, Giapponese parlato).

Sia cast che crew sono composti da un centinaio di attori, sia persone sorde che udenti, provenienti dal Giappone, dall’America, e dall’Europa. Nonostante un contesto piacevole e divertente, in questa opera vi si riflette, a guardare bene, uno spirito puramente filosofico ed educativo.

Credo sia importante – in mondo dove il dialogo tra le genti e tra i popoli è sempre più difficile – che sia proprio una pellicola come questa a dimostrare che, persino per chi non è in grado di ascoltare gli altri, è invece possibile dialogare in maniera tras-nazionale.

Come non essere ottimisti di una notizia del genere.

Vi terrò informati circa la sua uscita in Italia.

Link e multimedia

www.nhk.or.jp/fukushi/chokaku/905.html (NHK)
http://deaftida.ti-da.net/e2561451.html (Blog di un giapponese)

In breve, Backstage (da cui sono tratti i due video) e’ la risorsa degli attori e dei registi di Hollywood e di film indipendenti (http://en.wikipedia.org/wiki/Back_Stage) mentre NHK Nippon Hoso Kyokai è la più importante azienda pubblica radio televisiva del Giappone, il corrispettivo della RAI Italiana (http://en.wikipedia.org/wiki/NHK).

Rating: 5.0/5 (1 vote cast)

Un nastro bianco per una palma d’oro

2009-10-28T17:08:45-07:00

e tutti gli altri film in uscita dal 30 ottobre 2009

e con tutti i trailer nell’area commenti

Li trovi sempre e solo su cinemavistodame2.

Che lui si che non sbaglia un colpo.

Il nuovo numero è qui … maddai?

Rating: 5.0/5 (1 vote cast)

Tutti contro tutti & Modelle giocano a 3200m!

2009-10-27T11:23:19-07:00

Tutti contro tutti. – Scopri il monotriangolare, il nuovo modo di giocare a calcio. Tre giovani promesse del calcio, Santon, Paloschi e Pozzi, si sfidano in una partita all’ultimo goal. Chi vincerà? Chi sarà il campione del futuro?

Modelle giocano a 3200m! – Scopri che succede al passo dello Stelvio durante il Tour delle Alpi!

Rating: 5.0/5 (1 vote cast)

Up – di Peter Docter e Bob Peterson

2009-10-25T10:42:01-07:00

il nuovo film della Pixar

analisi di eventi, esistenti e linguaggio audiovisivo

La sostenibile leggerezza dell’essere (e della sua casa) - a cura di Roberto Bernabò

Up

titolo originale: Up
nazione: U.S.A.
anno: 2009
regia: Peter Docter • Bob Peterson
genere: Animazione
durata: 104 min.
distribuzione: Buena Vista International
sceneggiatura: B. Peterson
musiche: M. Giacchino
montaggio: T. Gonzales • C. Hsu

Trama: Carl Fredricksen è un anziano ultrasettantenne che ha sempre desiderato di vedere il mondo, ma è sempre stato ostacolato dal tran tran quotidiano e dagli impegni di lavoro. Quando però incontra Russell, un boyscout di otto anni che gli offre l’ultima occasione per realizzare il sogno della sua vita, decide di mettersi in viaggio portandosi appresso la propria casa.

§§§

1. Introduzione

Chi è Carl Fredricksen?

Perché la sua storia parla di noi?

Dov’è il segreto di questo (ennesimo) capolavoro della Pixar?

Beh, non è che sia proprio facilissimo rispondere, univocamente, a questa domanda.

Chi conosce la storia della Pixar Animation Studios, e della sua straordinaria ascesa, potrebbe essere addirittura portato a credere, ad esempio, che “UP” possa rappresentare un titolo celebrativo dei 10 anni di esistenza in vita della partnership strategica con la Disney, e del crescente successo che ogni lungometraggio di questo incredibile laboratorio, fondato dal genio di George Lucas e dal 1996 acquistata e sviluppata da Steve Jobs, l’alchemico co-creatore della Apple, è riuscito sempre a ripetere nel tempo, in maniera sempre superiore rispetto al precedente, sia come risultato al box office che come critica.

E l’ipotesi, intendiamoci, non è che sia peregrina.

[UP è, esattamente, il decimo film realizzato dalla Pixar, diretto da Peter Docter (con la collaborazione di Bob Peterson) che è stato anche il film di apertura dell'ultimo Festival di Cannes 2009, (primo film di animazione a ricevere questo onore).

Ed è stata proprio la direzione di Cannes a concedere, a questo lungometraggio, una proiezione speciale in 3D, fortemente voluta dagli organizzatori. Perché, come forse pochi ancora sanno, il film, prodotto da Jonas Rivera e John Lasseter, in realtà è stato girato, come per tutti gli altri film Pixar, solo in 2D, e solo successivamente, proprio in previsione dell'onore concesso dal Fetival di Cannes, ne è stata realizzata una versione in tre dimensioni, che non è esattamente lo specifico campo di expertise dell'azienda californiana.

Infatti, se si tratta della prima volta in 3D per la Pixar, non lo è certamente per la casa madre Disney che in questo ben specifico campo attualmente detiene il primato (basti pensare a Bolt, alla riedizione di Nightmare Before Christmas o ai film-concerto per giovanissimi di Hannah Montana o dei Jonas Brothers ) e che ha in fase di lancio tantissimi nuovi progetti.]

Ciò non di meno io credo che UP, sia un titolo, invece, straordinariamente evocativo della prospettiva esistenziale dei personaggi protagonisti del film.

2. La légèreté degli esistenti

Ed in particolare quella che i francesi definiscono la légèreté, che è stata, ad esempio, uno dei valori fondanti, nonché centrale tema degli aspetti estetici ed etici, del cinema di Charlie Chaplin, e di alcuni autori – registi della Nouvelle Vague francese, come, ad esempio, François Truffaut.

§§§

2. Circa “la leggerezza” secondo Italo Calvino e secondo la Pixar

Traggo dalle “Lezioni Americane” (six memos for the next millenium) – di Italo Calvino:

Calvino dedica la prima delle lezioni americane all’opposizione leggerezza-peso, dichiarando di sostenere le ragioni della leggerezza, in quanto sulla leggerezza pensa di avere “più cose da dire”.

Il suo lavoro di scrittore è stato, infatti, una sottrazione di peso.

Egli ha cercato di togliere peso soprattutto alle strutture del racconto e del linguaggio.

Per Calvino, quindi, la leggerezza è un valore che egli riconosce in opere del passato, vede attuale nel presente, e che proietta nel futuro. La leggerezza è una qualità che Calvino vede nelle “Metamorfosi” di Ovidio, in particolare nel rapporto fra Perseo e la Medusa e in Lucrezio nel “De rerum natura“. In Lucrezio ed in Ovidio la leggerezza è un modo di vedere il mondo che si fonda sulla filosofia e sulla scienza; ma in entrambi i casi “La leggerezza è qualcosa che si crea nella scrittura, con i mezzi linguistici che sono quelli del poeta, indipendentemente dalla dottrina del filosofo che il poeta dichiara di voler seguire”. E’ presente anche in un romanzo come “L’insostenibile leggerezza dell’essere” di Kundera.

Anche la scienza dimostra che è possibile dissolvere la pesantezza, quando prova che il mondo si regge su entità sottilissime. Per quanto riguarda l’informatica, il software non potrebbe esercitare il potere della sua leggerezza, se non mediante la pesantezza dell’hardware.

La leggerezza, per Calvino, si associa comunque sempre alla precisione e alla determinazione: può essere associata al linguaggio, che diventa così un elemento senza peso “che aleggia sopra le cose come una nube“; ci può essere un alleggerimento nella narrazione di un ragionamento, o di un processo psicologico, o in qualunque descrizione; ci possono, infine, essere immagini di leggerezza, che assumono un valore emblematico.

Calvino riporta molti esempi tratti da Cervantes, Shakespeare, Cyrano de Bergerac, Leopardi; qual è il filo che accomuna esempi tanto diversi? E’ la scrittura intesa come metafora della sostanza pulviscolare del mondo; la parola, come la intende Calvino, è quindi “inseguimento perpetuo delle cose, adeguamento alla loro varietà infinita“. E chissà, se in queste prospettive, non aggiungerebbe, oggi, questo film della Pixar.

Alla base della letteratura come ricerca della leggerezza, in quanto reazione al peso di vivere, c’è un bisogno antropologico; lo sciamano rispondeva alla precarietà dell’esistenza della tribù annullando il peso del suo corpo, trasportandosi in volo in un altro mondo, in un altro livello di percezione.

La letteratura perpetua questo dispositivo antropologico, questo nesso tra lievitazione desiderata e privazione sofferta, che si trasforma in leggerezza, e permette di volare nel regno dove ogni mancanza sarà magicamente risarcita.

Aldilà delle illuminanti e geniali intuizioni contenute nelle citazioni calviniane, che pure ho inteso, in parte, riprendere, credo che quello della légèreté sia un po’ il fil rouge di tutte le opere della Pixar.

Tutti gli esistenti del film UP, risolvono, a guardare bene, il loro problema esistenziale trovando un sicuro rifugio nella leggerezza.

Lievitare è un po’ il segreto delle loro vite.

E potremmo agevolmente sostenere che tutto, nel film UP, viene ricondotto alla “sostenibile leggerezza dell’essere“.

E sarà proprio, infatti, nell’incontro tra Carl, questo apparentemente imperturbabile vecchietto (pensato, a detta degli autori, come un mix di Walter Matthau e Spencer Tracy), e la sua casetta volante, con:

il piccolo Russell, un esploratore junior di otto anni che si trovava sul portico di Carl e che sarà così il suo fedele compagno di viaggio
un misterioso ma affettuoso uccello goloso di cioccolato
un cane parlante di nome Dug
ed infine del redivivo Charles Muntz – esploratore eroe della giovinezza di Carl

che il concetto di leggerezza (ed il suo contrario) saranno, un po’ pervasivamente, la chiave di volta per la risoluzione di un po’ tutti i conflitti, e dei punti di snodo del racconto.

Peraltro, se solo ragionaste, con un po’ di memoria, a molti altri esistenti dei film della Pixar (come non rievocare il genio di Wall-e o di Ratatouillle), trovereste chili, o … ehm pardon volevo dire grammi, di leggerezza anche lì.

§§§

3. Il tempo che scorre, i sogni da realizzare vs. il rimpianto degli eldoradi perduti, ed il rapporto tra vecchio e nuovo

Se è vero che la légèreté è la lente con la quale il regista Peter Docter, coadiuvato da Bob Peterson, guarda un po’ a tutti gli esistenti del film, gli eventi di UP narrano, ovviamente a mio modo di vedere, alcuni concetti che, oserei dire, sia nello specifico filmico, che in quello narrativo, ripropongono alcuni archetipi del mito americano e, perchè no, anche di quelli della Pixar.

Cerchiamo, rapidamente, di analizzarli tutti.

§§§

3.1 Il tempo che scorre

Qui siamo, quasi, sul filosofico, oltre che nell’esistenziale.

Nella prima parte del film assistiamo, infatti, all’incontro di quelli che in quel momento della narrazione, sono solo due bambini (il protagonista Carl e sua moglie Elle), uniti dalla comune passione per le avventure e le esplorazioni. (Altro riferimento alla mission della Pixar).

Sempre nelle rapide sequenze iniziali li vediamo, poi, semplicemente crescere insieme, amarsi, e trascorrere il resto della loro vita uniti, tra gioie e dolori, un po’ come tutti.

Quando incontriamo, quindi, per la prima volta, Carl Fredricksen da anziano, (ben doppiato, in italiano, dal veterano Giancarlo Giannini), conosciamo già il suo passato, il suo grande amore per la oramai scomparsa moglie, il suo più grande rimpianto, quello di non aver mai mantenuto la promessa fatta all’amata Ellie: portarla in Sud America per una grande avventura e costruire una casetta colorata in un luogo magico e dimenticato chiamato Paradise Falls, (forse un vago riferimento “Paradise lost” di John Milton), proprio dove il loro mito di gioventù, l’esploratore Charles Muntz (che ha la felliniana voce di Arnoldo Foà), scomparve anni or sono, alla ricerca di un mitico pennuto.

Qui subentrano altri due elementi narrativi.

§§§

3.2 L’importanza di realizzare i sogni vs. gli eldoradi perduti

Quello che muove all’azione Carl Fredricksen, a guardare bene, è il conflitto interiore tra due oscure forze contrastanti tra loro.

Paradossalmente anche evocata nel rapporto protagonismo – antagonismo tra Carl Fredricksen e del suo giovanile eroe, l’esploratore Charles Muntz.

Il rimpianto per quelli che chiamo gli eldoradi perduti, e cioè la felice vita trascorsa con la moglie, e la forza di realizzarne il sogno.

Se non ci fosse l’uno non ci sarebbe l’altra.

In questo rapporto entrano, quasi come guidati da una forza divina o, se preferite, da un deus ex machina molto spirituale, gli altri esistenti del film.

Il petulante, ma affettuosissimo giovane esploratore Russel, il cane Dug, lo struzzo colorato e gigante goloso di cioccolato.

La cosa straordinaria di questa avventura è proprio quella di farci assistere alla realizzazione di un sogno.

Devo dire che, aldilà di esilaranti trovate, come quando il cane dice “punta” e si mette a fissare qualcosa, o la parolina magica per rendere inoffensivi i “cani nemici” di Charles Muntz: “Scoiattolo“, la cosa che mi ha colpito di più del film è stata proprio quella di questa quasi mistica apparizione. Come se il cinema, ancora una volta, diventasse il luogo delle magie, dove non solo le case volano sospinte dai palloncini ad elio, ma dove la forza, anche visiva di un sogno ,riesce, non senza difficoltà, a trovare il suo epico epilogo.

C’è qualcosa di alchemico nell’opera di dare attuazione ad un sogno, qualcosa che si avvera solo se, a quel sogno, ci si crede con tutte le proprie forze, e se, in nome di quel sogno, si è disposti a rischiare tutto. (Vedi la casa che scompare tra le nuvole).

Non trovate che, anche qui, faccia capolino il mito della Pixar?

Ed arriviamo al messaggio finale del film.

§§§

3.3 Il rapporto tra il vecchio ed il nuovo

Forse avrei dovuto dire il rapporto tra vecchio e giovane, e, forse, ancora meglio, tra genitori e figli.

O, forse, avrei dovuto accennare al gap che, da sempre, divide generazioni successive.

E già perché è proprio come se gli sceneggiatori avessero voluto, sapientemente, inserire, anche, tutti questi elementi sociali, nel raccontare, sempre con la lente della leggerezza, l’universo dei valori che cambia e che evolve.

Come nel mutamento, già accennato, del rapporto tra Carl Fredricksen con il suo idolo giovanile, l’esploratore Charles Muntz, che da bambino vs. il suo mito, si trasforma in una potente relazione protagonismo – antagonismo.

O come il fatto che mentre nella figura di Carl Fredricksen, la passione per l’esplorazione nasce libera e pura, al limite indirizzata dalla moglie bambina, nel caso del giovane Russel è come se derivasse, invece, da un vuoto affettivo e familiare, frutto dell’evoluzione sociale e valoriale dei rapporti familiari.

Ma il film ci parla proprio di questo, alla fine.

Di quanto sia importante che il vecchio dialoghi con il nuovo.

E di come importante sia, alla fine, che il progetto contenga sia tutta la prorompente ed ardente voglia del giovane di essere nuovo, sia l’esperienza del vecchio, intesa come origine, insostituibile, di patrimonio di conoscenze, non solo, ma, anche, di esperienza di vita.

Insomma alla fine di questa analisi mi sono convinto di una cosa.

Che questa storia ci parli, infondo, di una cosa ed una sola: della Pixar, signori.

Alla prossima.

Ah si certo … le musiche. Ok, sono importantissime. Ecco, l’ho detto.

E del resto tutti questi premi e nomination per John Lasseter … mica piovono dal cielo.

Rating: 5.0/5 (1 vote cast)

Heath Ledger e gli altri

2009-10-24T04:56:35-07:00

Tutti ma proprio tutti i film in uscita dal 23 ottobre 2009

Con tutti i trailer nell’area commenti

In ritardo per via del Festival internazionale del Cinema di Roma eccovi le scelte di cinemavistodame2 per il weekend.

Il Vostro si è avventurato, anche questa settimana, nell’indistricabile, intorcigliato e rutilante mondo dei film in uscita, con i suoi modi spigliati, ed è andato a fondo a tutta una serie di situazioni a cui i più si sarebbero sottratti.

Leggi perciò subito l’ultimissimo numero di cinemavistodame2.

Tieni diritto pure tu di conoscere il nostro parere.

Clicca. Qui.

Rating: 5.0/5 (1 vote cast)

Roma Film Festival: vince “Brotherhood”

2009-10-23T13:29:17-07:00

Il pubblico vota, invece, per “L’uomo che verrà”

Pronostici rispettati al Festival Internazionale del Cinema di Roma.

E’ stato, infatti, il film “Brotherhood“, di Nicolò Donato, a vincere il “Marco Aurelio d’oro” della giuria come miglior pellicola.

Il pubblico, invece, ha incoronato “L’uomo che verrà” di Giorgio Diritti.

I premi per gli attori sono stati assegnati a Sergio Castellitto per “Alza la testa” e Helen Mirren per “The Last Station” di Michael Hoffman.

Si spengono pertanto i riflettori sulla quarta edizione del Festival con il film del danese di origine italiana Nicolò Donato. il lungometraggio incentrato sulla passione gay che travolge un ex sergente (Thure Lindhardt), nuova “matricola” di un gruppo neonazista, e il suo mentore omofobo e razzista (David Dencik), ha battuto nella preferenze della giuria internazionale presieduta da Milos Forman e composta da Gabriele Muccino, Gae Aulenti, Jean-Loup Dabadie, Pavel Lungin, Senta Berger, gli altri favoriti della vigilia: “Dawson Isla 10” di Miguel Littin (che è anche il candidato cilena all’Oscar per il miglior film straniero) e “Up in the air“, diretto da Jason Reitman (che aveva vinto il “Marc’aurelio d’Oro” due anni fa con “Juno“) e interpretato da un bravissimo George Clooney.

Ma anche Clooney è rimasto al palo, superato da Sergio Castellitto che si è aggiudicato il “Marc’Aurelio d’Argento” della Giuria al migliore attore per l’interpretazione del protagonista di “Alza la testa” di Alessandro Angelini.

Il “Marc’Aurelio d’Argento” della Giuria alla migliore attrice è andato, confermando le aspettative della vigilia, a Helen Mirren per il ruolo di Sofya in “The Last Station” del tedesco Michael Hoffman. “Doppietta” di Giorgio Diritti che con “L’uomo che verrà“, in cui si racconta la strage di Marzabotto con gli occhi degli umili e dei sopravvissuti, si è aggiudicato sia il “Gran Premio della Giuria Marc’Aurelio d’Argento” che l’ambitissimo “Premio del Pubblico del Festival“.

Rating: 5.0/5 (1 vote cast)