cinemavistodame.com - di Roberto Bernabò

Nanni Moretti – un regista unico nel suo genere

2012-06-02T07:59:33-07:00

in occasione del suo incidente in vespa, che ha generato anche un post su Spinoza.it, ho discusso, difendendolo, in un thread su facebook

foto tratta dal sito www.spinoza.it

Anche se non amo ibridare questi due medium, trascrivo in parte ampliandola, la mia breve riflessione sul suo Cinema, verso chi lo attaccava.

Nanni Moretti è uno dei pochi registi italiani, degli ultimi anni, ad aver vinto la Palma d’oro a Cannes. Ed un Orso d’argento a Berlino.

Sarà anche un bravissimo press agent di sé stesso, come sosteneva il compianto Mario Monicelli, ma, insomma, non sono cose da tutti.

Si potrà dire tutto, su di lui, tranne che il suo cinema non abbia una cifra propria.

Uno stile unico, e, per certi versi, inimitabile.

Ci hanno provato, ma con scarso successo, a farlo.

Ho sostenuto, più volte, che il Moretti che preferisco di più, è il saggista, non il narratore, e che il film che, in assoluto, ha raggiunto l’acme in questa sua fase, è stato, senza dubbio, “Caro Diario“. Che fu anche la pellicola che gli valse il primo riconoscimento che il Festival di Cannes gli tributò (miglior regia, nel 1994). Ricordo che lo vidi con la mia ragazza dell’epoca, in un weekend nel quale partimmo da Napoli per vedere 3 film nello stesso giorno, l’ultimo dei quali fu propio “Caro Diario“, nello spettacolo sperimentale, al Nuovo Sacher, delle ore 24,00.

Nanni Moretti era fuori al cinema, e ci disse “Coraggio ragazzi muovetevi, che il film inizia!“

§§§

Ma anche le sue riflessioni politiche sulla sinistra italiana sono degne di nota.

“Palombella Rossa” rimane una sorta di esergo, per tutti gli altri film di questo specifico genere.

Certo, non è un regista che padroneggia, come altri, gli aspetti formali, che rimangono, soprattutto nella sua produzione iniziale, scarni, e volutamente assimilabili ai dettami della prima nouvelle vague francese, quasi come un omaggio all’ortodossia metalinguistica verso quegli anni e quegli autori.

Poi Moretti si sposta verso riflessioni più filosofiche, di costume, cerca, narrando il suo micro universo monteverdino, di arrivare dal particolare al generale, attraverso un cinema induttivo, a volte criptico, altre troppo autoreferenziale. E sicuramente eccessivamente centrato su di sé.

Sono gli anni del suo alterego “Michele Apicella“, al quale fa vestire i panni della parte di società su cui intende rivolgere le sue riflessioni.

“La messa è finita” è un esempio molto alto di questa fase del suo cinema, ed uno dei film che ho apprezzato di più, di questo suo periodo.

Inizia ad essere accusato, sin da queste sue prime giovanili opere, di essere un moralista. Un egocentrico. Ma, lui, va detto, è sempre andato avanti per la sua strada, sostanzialmente infischiandosene, o quasi, dei giudizi degli altri.

Ed alcune frasi dei suoi film – un po’ com’è accaduto, ad esempio, con Totò – va ammesso, sono addirittura diventate paradigmi e locuzioni del nostro parlare comune, come ha sottolineato, assai giustamente, il mio amico Filippo Cusumano, nello stesso thread su facebook:

“continuiamo, cosi’, facciamoci del male”
“faccio cose, vedo gente”
“ve lo meritiate Alberto Sordi”
“dì una cosa di sinistra”
“le parole sono importanti” (che personalmente cito spessissimo)
“chi pensa male parla male”
“Roma negli anni ’50 era bellissima …”
ecc. …

§§§

Ho scritto, in un post, che la differenza tra Marco Bellocchio e Nanni Moretti è che mentre Bellocchio ha “la bocca nell’occhio“, Moretti ha “l’occhio nella bocca“, e certe volte ti verrebbe di urlare “Nanni spostati … fammi vedere il film“. ;-)

Ma questa è stata, per anni, la caratteristica specifica del suo cinema.

Che riaffiora, ad esempio, proprio in “Habemus Papam“, forse il suo film più buñuelliano, nella sequenza del torneo di pallavolo, ed in altri inserti, dove il cineasta non resiste alla tentazione di fare dire, per il tramite del personaggio da lui interpretato, “lo psicanalista più bravo“, alcune cose che probabilmente, egli stesso pensa del Vaticano e della Chiesa Cattolica.

§§§

Infine, da “La stanza del figlio“ in poi, Moretti decide un ulteriore salto.

Il cinema narrativo.

La critica si divide, e, nonostante la prestigiosa Palma d’oro a Cannes, a me “La stanza de figlio“, non ha mai convinto. Ma qui, scado anche io, su un piano molto soggettivo.

Si arriva a “Il Caimano“, e gli va riconosciuto che nel 2006, anno di uscita dell’opera, non è che fosse così facile girare, in Italia, un film su Berlusconi, narrato solo per le sue vicende storico – politiche, e non, anche, per i suoi scandali privati, anche qui una scelta di una certa classe, che gli va riconosciuta, tutta. Una pellicola, per certi versi necessaria, ed anticipatorice di quello che sarebbe accaduto, non tanto sul piano giudiziario, quanto su quello istituzionale, nel nostro paese.

Alla proiezione alla quale assistetti a Roma all’Eur Cine, il pubblico in sala applaudì, al termine della proiezione.

Mi è risuccessa una cosa analoga, ad una proiezione non di festival, solo per “Habemus Papam“, il suo terzo film in questa prospettiva, e non credo che Moretti paghi clak in tutti i cinema di Roma.

§§§

Nanni Moretti, e chiudo, è stato per anni, a mio modo di vedere, in assenza (in parte non casuale) di altri talenti - che forse, anche grazie alla rinata cinefilia legata allo sviluppo di internet, ed alla proliferazione delle piattaforme che oggi rendono, per fortuna, possibile una fruizione più massiva, e sempre più aperta alle nicchie, di una cinema di qualità, stanno rinascendo, e cito in questo per ora ristretto novero, Paolo Sorrentino, Matteo Garrone (premiato, proprio da lui, in qualità di Presidente della Giuria, con l’aiuto di Leila Hatami, in persiano: لیلا حاتمی‎ | Teheran, 1º ottobre 1972 | l’attrice iraniana, vincitrice dell’Orso d’argento come migliore attrice al Festival del cinema di Berlino, e del Prix d’interprétation féminine del Montreal World Film Festival per il film “Una separazione” | Persiano: جدایی نادر از سیمین, traslitterazione: Jodái-e Náder az Simin | scritto e diretto da Asghar Farhadi - a Cannes 2012, con il Grand Prix, per il suo ultimo film “Reality“), ed, anche, Giorgio Diritti - un vero anticorpo, rispetto all’omologazione cinematografica e culturale che, purtroppo, abbiamo subito nel nostro paese per troppi anni.

Il suo Cinema è sempre stato frutto di un pensiero altro, anche nei modi con cui, questo cineasta italiano, è riuscito a prodursi i suoi film.

Sul questo blog ho recensito credo “Ecce Bombo“, quando la pellicola uscì restaurata, qualche anno fa, e proprio questi ultimi due film “Il Caimano” e “Habemus Papam“.

Voce wikipedia per Nanni Moretti

Voce wikipedia per Mario Monicelli

Post su Spinoza.it dal titolo “Palombella rotta“.

Alla prossima.

Napoli 24 | di artisti vari

2012-05-31T14:49:57-07:00

Italia | 2010

analisi di eventi esistenti e linguaggio audiovisivo

3 minuti per comprendere l’imperscrutabile: Napoli – a cura di Roberto Bernabò

Uno straordinario documentario di: Ugo Capolupo, Giovanni Cioni, Bruno Oliviero, Paolo Sorrentino, Mario Martone, Gianluca Iodice, Diego Liguori, Roberta Serretiello, Luca Martusciello, Pietro Marcello, Nicolangelo Gelormini, Guido Lombardi, Mariano Lamberti, Andrei Longo, Stefano Martone, Luigi Carrino, Fabio Mollo, Mario Spada, Andrea Canova, Lorenzo Cioffi, Massimiliano Pacifico, Marcello Sannino, Francesca Cutolo, Federico Mazzi, Vincenzo Cavallo, Gianluca Loffredo, Daria D’Antonio

Napoli 24

Titolo originale: Napoli 24
Nazione: Italia
Anno: 2010
Genere: Documentario
Durata: 75′
Regia: Giovanni Cioni, Bruno Oliviero, Gianluca Iodice, Diego Liguori, Roberta Serretiello, Luca Martusciello, Nicolangelo Gelormini, Guido Lombardi, Mariano Lamberti, Andrej Longo, Stefano Martone, Mario Martone (II), Luigi Carrino, Fabio Mollo, Mario Spada, Pietro Marcello, Andrea Canova, Lorenzo Cioffi, Massimiliano Pacifico, Marcello Sannino, Francesca Cutolo, Federico Mazzi, Vincenzo Cavallo, Gianluca Loffredo, Daria D’Antonio, Ugo Capolupo, Paolo Sorrentino
Produzione: Teatri Uniti, Indigo Film, Ananas, Ananas, Sky Dancers
Distribuzione: Cinecittà Luce

Mio breve commento al film

Tre minuti ciascuno, per uno sguardo da e su Napoli: il punto di partenza per l’opera collettiva di ventiquattro Autori / Registi.

La città raccontata attraverso tempi, luoghi, modi e sguardi, profondamente diversi, per cercare di coglierne l’irrimediabile complessità.

Una raccolta d’istantanee che, nell’incanalare rapido del loro spazio, provano a fermare un momento, un tempo, quello della giornata passata al mare o alla finestra.

Quello di un uomo che compie 100 anni, e quello di un neonato.

E ancora quello dispari di un pianista jazz, e quello ordinario di una canzone di malavita.

Dimensioni ed atmosfere, ognuna, radicalmente, diversa dall’altra, nel (vano, ed, al tempo stesso ambizioso, progetto), di costruire una sorta di collage, di puzzle della memoria e del contemporaneo, per cercare di comporre l’immagine unitaria di una città in movimento, mai ferma: un luogo altro, la mia Napoli, priva di pregiudizi e di stereotipi.

Una Napoli criptica, struggente, ammaliante nella sua selvaggia, feroce, assoluta, misteriosa, bellezza, ma anche una Napoli vacua, scioccante, vanamente cruenta, dolente, in una progressiva perdita di senso, che nemmeno il nostalgigco rievocatore del Regno delle due Sicilie, potrà salvare, temo.

Una Napoli che, anche nei luoghi comuni, più abusati e logori: come i suoi santi, il porto, i disagi, il cimitero, la bellezza, sa tenere viva una freschezza sempre nuova, sempre diversa.

Una Napoli che sa stupire anche per la sua eccentricità: come nei tre minuti diretti da Paolo Sorrentino, girati in una splendida villa vesuviana della Napoli Nobile che io ho frequentato, dove compare una famiglia a me particolarmente cara, e che non citerò, per doveroso rispetto alla loro proverbiale ospitalità, unita, da sempre, all’altrettanto ammirevole discrezione, che chiude il film, quasi come cercando di recuperare una dignità, un senso di qualcosa che è stato, e che, forse, non sarà mai più.

Una ballata su di una realtà da difendere, e da denunciare al tempo stesso, ma, soprattutto, da non dare mai per scontata.

Ne viene, progressivamente, fuori, un’opera filmica struggente ed inquietante in egual misura, al punto di richiamare nella mia mente le parole di Eugenio Bennato in un memorabile concerto nella zona est, svoltosi a Piazza Mercato negli anni ’90, quando io ancora vivevo lì, e che ci disse:

“Napoli? Napoli è un cosmo. E non ti puoi permettere il lusso di giudicare un singolo aspetto del cosmo, senza essersi presi la briga, (ad aggiungerei io la fatica, anche dolente), di averne compreso l’intero funzionamento“.

Chissà. Forse il collage di tre minuti ad autore tenta di dare una parziale risposta a questa prospettiva.

Anche se non credo che l’opera sia in grado, fino in fondo, di raggiungere questo proposito, ritengo che, al tempo stesso, riesca ad andare molto aldilà di quella intenzione, rimanendo unica nel suo genere, riuscendo ad arrivare a tangere, nella sua costruzione, concetti della Video-Art di Andy Warhol, e tensioni visive che richiamano gli approcci della pittura impressionista.

Settantacinque minuti da non perdere, per un amante, come me, dell’indecifrabile mistero di una Napoli con la quale, prima o poi, dovrò decidere di fare i conti, una volta per tutte.

Alla prossima.

Festival di Cannes 2012 – tutti i vincitori dei premi

2012-05-27T11:21:15-07:00

A pochi secondi della loro consegna vi comunico tutti i film premiati al festival di Cannes 2012.

EN COMPÉTITION:

LONGS MÉTRAGES

Palme d’Or
AMOUR réalisé par Michael HANEKE

Grand Prix
REALITY réalisé par Matteo GARRONE

Prix de la mise en scène
Carlos REYGADAS pour POST TENEBRAS LUX
Prix du scénario
Cristian MUNGIU pour DUPÃ DEALURI (AU-DELA DES COLLINES)
Prix d’interprétation féminine
Cristina FLUTUR dans DUPÃ DEALURI (AU-DELA DES COLLINES) réalisé par Cristian MUNGIUCosmina STRATAN dans DUPÃ DEALURI (AU-DELA DES COLLINES) réalisé par Cristian MUNGIU
Prix d’interprétation masculine
Mads MIKKELSEN dans JAGTEN (LA CHASSE) réalisé par Thomas VINTERBERG
Prix du Jury
THE ANGELS’ SHARE (LA PART DES ANGES) réalisé par Ken LOACH

COURTS MÉTRAGES

Palme d’Or du court métrage
SESSIZ-BE DENG (SILENCIEUX) réalisé par L.Rezan YESILBAS

UN CERTAIN REGARD:

Mention spéciale – Un Certain Regard
DJECA (ENFANTS DE SARAJEVO) réalisé par Aida BEGIC
Prix d’interprétation féminine Un Certain Regard
À PERDRE LA RAISON interprété par Emilie DEQUENNE
LAURENCE ANYWAYS interprété par Suzanne CLÉMENT
Prix spécial du Jury Un Certain Regard
LE GRAND SOIR réalisé par Gustave KERVERN, Benoît DELÉPINE
Prix Un Certain Regard
DESPUÉS DE LUCIA réalisé par Michel FRANCO

CINÉFONDATION:

Premier Prix de la Cinéfondation
DOROGA NA (EN CHEMIN) réalisé par Taisia IGUMENTSEVA
Deuxième Prix de la Cinéfondation
ABIGAIL réalisé par Matthew James REILLY
Troisième Prix de la Cinéfondation
LOS ANFITRIONES (LES HÔTES) réalisé par Miguel Angel MOULET

CAMÉRA D’OR :

Caméra d’or
BEASTS OF THE SOUTHERN WILD (LES BÊTES DU SUD SAUVAGE) réalisé par Benh ZEITLIN

Il mio 25 aprile – La Libertà che ci meritiamo

2012-04-25T06:54:42-07:00

Libertà è una parola che, nel nostro paese, è stata, gradualmente e pervicacemente, svuotata del suo significato.

Non credo, peraltro, che possa, e nemmeno che debba essere sostituita con quella di responsabilità.

Responsabilità poi di chi, se non pretendiamo, prima di tornare alle urne, di cambiare le regole della legge elettorale?

Credo, piuttosto, che la parola Libertà, il cui referente non abbiamo più, debba essere sostituita, oggi, per cercare di ridarle l’accezione che aveva, con i concetti di cambiamento, rinnovamento, rinascimento e di etica.

Cambiamento, perché ci meritiamo una classe politica e dirigente diversa.

Rinnovamento, perché la nuova nomenclatura dovrà essere interprete del bisogno di trasformazione di cui il paese ha bisogno.

Rinascimento, perché da questi prioritari elementi, possano poi scaturire nuove idee perriformare la nostra vilipesa democrazia, al fine di renderla più equa, e giusta, nelle sue scelte di politica economica e fiscale, che da troppi lustri gravano, invece, sempre e solo sulle classi più deboli.

Se tutti pagassimo le tasse, ad esempio, sono assolutamente certo che potremmo allentare la pressione fiscale sia sui lavoratori, che sulle imprese, creando, allora si, le condizioni più faveroveli per una ripresa.

Etica, perché dopo tutto questo, la nuova classe - eletta democraticamente sul principio della rappresentanza parlamentare, derivante dal voto dei cittadini, e non da nomine – dovrebbe orientare la sua azione pubblica e (non guasterebbe affatto, anzi), privata, in modo etico.

Di questo avrebbe bisogno il Paese, ma vedo la realizzazione di un programma così semplice da delineare, molto lontano dalla sua concreta applicazione.

Eppure, chi dette la vita, sognava proprio tutto questo.

Diaz – don’t clean up this blood – di Daniele Vicari

2012-04-16T16:30:53-07:00

Italia/Francia/Romania | 2012

analisi di eventi esistenti e linguaggio audiovisivo

Diaz – don’t clean up this blood

Titolo originale: Diaz – don’t clean up this blood
Regia: Daniele Vicari
Anno di produzione: 2012
Durata: 120′
Tipologia: lungometraggio
Genere: drammatico/storico
Paese: Italia/Francia/Romania
Produzione: Fandango, Le Pacte, Mandragora Movies
Distributore: Fandango Distribuzione
Sito Web: http://www.diazilfilm.it
Formato di proiezione: 35mm, colore
Ufficio Stampa: Fandango Press Office / Claudia Tomassini & Associates
Titolo originale: Diaz
Altri titoli: Diaz, Non Pulire questo Sangue – Diaz, don’t Clean Up this Blood
Ambientazione: Genova / Romania
Interpreti: Elio Germano (Luca Gualtieri); Claudio Santamaria (Max Flamini); Jennifer Ulrich (Alma Koch); Davide Iacopini (Marco); Ralph Amoussou (Etienne); Fabrizio Rongione (Nick Janssen); Renato Scarpa (Anselmo Vitali); Mattia Sbragia (Armando Carnera); Antonio Gerardi (Achille Faleri); Paolo Calabresi (Francesco Scaroni); Alessandro Roja (Marco Cerone); Francesco; Acquaroli (Vinicio Meconi); Eva Cambiale (Donata Stranieri); Rolando Ravello (Rodolfo Serpieri); Monica Birladeanu (Constantine Giornal); Ignazio Oliva (Cecile); Aylin Prandi (Maria); Emilie De Preissac (Cecile); Camilla Semino (Franci); Michela Bara (Karin); Sarah Marecek (Inga); Lilith Stanghenberg (Bea); Christian Blumel (Ralph); Christoph Letkowski (Rudy); Esther Ortega (Ines); Pietro Ragusa (Aaron); Jerry Mastrodomenico (Sesto Vivaldi)
Soggetto: Daniele Vicari
Sceneggiatura: Daniele Vicari

Sinossi: Luca (Elio Germano) è un giornalista della Gazzetta di Bologna. È il 20 luglio 2001, l’attenzione della stampa è catalizzata dagli scontri tra manifestanti e forze dell’ordine durante il vertice G8 di Genova. In redazione arriva la notizia della morte di Carlo Giuliani. Luca decide di partire per Genova, vuole vedere di persona cosa sta succedendo. Alma (Jennifer Ulrich) è un’anarchica tedesca che ha partecipato agli scontri. Sconvolta dalle violenze cui ha assistito, decide di occuparsi delle persone disperse insieme a Marco (Davide Iacopini), un organizzatore del Genoa Social Forum, e Franci, una giovane avvocato del Genoa Legal forum. Nick (Fabrizio Rongione) è un manager che si interessa di economia solidale, arrivato a Genova per seguire il seminario dell’economista Susan George. Anselmo (Renato Scarpa) è un vecchio militante della CGIL e con i suoi compagni pensionati ha preso parte ai cortei contro il G8. Etienne (Ralph Amoussou) e Cecile sono due anarchici francesi protagonisti delle devastazioni di quei giorni. Bea e Ralf sono di passaggio e hanno deciso di riposarsi alla Diaz prima di partire. Max (Claudio Santamaria), vicequestore aggiunto del primo reparto mobile di Roma, comanda il VII nucleo e non vede l’ora di tornare a casa da sua moglie e sua figlia. Luca, Alma, Nick, Anselmo, Etienne, Marco e centinaia di altre persone incrociano i loro destini la notte del 21 luglio 2001. Poco prima della mezzanotte centinaia di poliziotti irrompono nel complesso scolastico Diaz-Pascoli, sede del Genoa Social Forum adibita per l’occasione a dormitorio. In testa c’è il VII nucleo comandato da Max, seguono gli agenti della Digos e della mobile, mentre i carabinieri cinturano l’isolato. È un massacro in piena regola. Quando Max dà ordine ai suoi di fermarsi, è tardi. 93 persone presenti nella scuola, oltre ad essere in arresto, hanno subìto una violenza inaudita senza aver opposto alcuna resistenza. Luca e Anselmo finiscono in ospedale, Alma dopo essere stata medicata viene condotta alla caserma di Bolzaneto. All’alba Etienne e i suoi amici escono dal bar dove si sono rifugiati durante la notte. Tutto è silenzio, deserto. Si fanno strada verso la Diaz, ma una volta dentro trovano solo sangue e distruzione. Anche Marco non si trovava alla Diaz durante l’incursione. Ha passato la notte con Maria, una ragazza spagnola conosciuta in quei giorni. Quando la mattina, in una Genova devastata e irreale, raggiunge la scuola, la luce del sole mette ancor più in evidenza le proporzioni del massacro. Sconvolto raggiunge il suo ufficio, squilla il telefono: è la madre di Alma. Marco non sa cosa sia successo alla ragazza ma promette che farà di tutto per trovarla. A Bolzaneto, per Alma e decine di altri ragazzi, l’incubo non è ancora finito.

“La più grave sospensione dei diritti democratici in un Paese occidentale dopo la seconda guerra mondiale.”
Daniele Vicari

I FATTI DI GENOVA
Dal 20 al 22 luglio 2001 a Genova si riuniscono gli otto grandi della terra per affrontare temi come lo scudo spaziale, il protocollo di Kyoto, la crisi in Medio Oriente e nei Balcani.
Da tutto il mondo arrivano circa 300mila persone per fare un contro vertice, con lo slogan: “Un mondo diverso è possibile”. Dopo le prime pacifiche manifestazioni del 19 luglio, i cortei del 20 e del 21 luglio danno luogo a una vera guerriglia urbana. Carlo Giuliani è ucciso da un proiettile sparato da una camionetta dei Carabinieri. Si contano circa 1000 feriti, 280 persone arrestate, circa 50 miliardi di lire di danni. Distrutti 41 negozi, 83 auto, 9 uffici postali, 6 supermercati, 34 banche, 16 pompe di benzina, 4 abitazioni private, 9 cabine telefoniche, 1 carro attrezzi. Alla mezzanotte del sabato 21 luglio, a manifestazioni finite, più di 300 operatori delle forze dell’ordine fanno irruzione nel complesso scolastico Diaz-Pascoli, sede del Media Center del Genoa Social Forum. Vengono arrestate 93 persone: 40 tedeschi, 13 spagnoli, 16 italiani, 5 inglesi, 4 svedesi, 4 svizzeri, 3 polacchi, 3 americani, 2 canadesi, 1 turco, 1 neozelandese, 1 lituano. Si contano 87 feriti: giovani e vecchi, giornalisti e manifestanti. Molti degli arrestati alla Diaz vengono successivamente trasferiti a Bolzaneto, la caserma-carcere dove, senza ricevere spiegazioni né essere informati di cosa siano accusati, per tre giorni subiscono violenze di ogni genere. Nei giorni seguenti i fermati sono condotti in carcere dove ricevono assistenza e scoprono di essere accusati di “associazione a delinquere finalizzata alla devastazione e al saccheggio, resistenza aggravata e porto d’armi”. Il Giudice per le indagini preliminari scarcera tutti gli arrestati e gli stranieri vengono accompagnati alla frontiera ed espulsi dall’Italia. Nessun governo europeo ha mai chiesto spiegazioni. Dalle dichiarazioni rese dai 93 arrestati nasce il processo Diaz. Su più di 300 poliziotti che parteciparono al blitz della Diaz, soltanto 29 sono stati processati e nella Sentenza di Appello in 27 hanno riportato una condanna per lesioni, falso in atto pubblico e calunnia. Le condanne per lesioni e calunnia sono ormai prescritte, restano valide le condanne per falso in atto pubblico che andranno in prescrizione nel 2016. Nel processo relativo ai fatti accaduti nel carcere/caserma di Bolzaneto sono stati imputati 45 tra poliziotti, carabinieri, guardie penitenziarie, medici e infermieri. Per questo processo “la mancanza, nel nostro sistema penale, di uno specifico reato di tortura ha costretto il tribunale a circoscrivere le condotte inumane e degradanti (che avrebbero potuto senza dubbio ricomprendersi nella nozione di tortura adottata nelle convenzioni internazionali)” [sentenza del tribunale di Genova del 14 luglio 2008]. Il giudizio di appello si conclude con 44 condanne per abuso di ufficio, abuso di autorità contro arrestati o detenuti, violenza privata. Il processo per l’uccisione di Carlo Giuliani non ha mai avuto luogo, è stata accolta l’archiviazione per legittima difesa. Secondo il pubblico ministero il proiettile fu sparato in aria dal carabiniere, e deviato nel suo percorso da un sasso.

§§§

1. Introduzione – dedicato a chi documenta non solo la storia, ma la sua ambientazione emozionale

Che ci si trovi difronte ad un film per certi versi senza precedenti così assoluti lo si capisce sin dalle prime battute.

Portato alla visione delle sale a ridosso dell’uscita dell’altro film che indaga sul nostro recente passato: “Romanzo di una strage” di Marco Tullio Giordana, sulla strage di Bologna, non credo sia un caso.

Ma il film di Daniele Vicari è uno di quelli che ti scoppia dentro.

Che ti rende annichilito, che ti fa provare tutto lo spettro delle emozioni che generano le ingiustizie feroci, che solo la violenza – da qualunque parte venga, riesce a smuovere negli animi delle persone che sono lontane dall’idea che questa forma di manifestazione della natura dell’essere umano (fatta salva, forse, quella legata alla sua sopravvivenza), possa mai approdare a qualcosa di positivo – possa mai suscitare.

E’ un fatto che attiene allo specifico filmico adottato da Daniele Vicari che cerca di ricostruire, e di restituire, con la sua opera cinematografica, aldilà dell’ortodossia, rigorosa, verso gli atti processuali, un’ambientazione claustrofobica, opprimente, che vissero giovani di nazionalità diverse, nel nostro paese, a causa di quello che accadde presso la Scuola Diaz di Genova, e successivamente, nella Caserma di Bolsaneto.

Il linguaggio audiovisivo sfrutta, infatti, non solo la crudezza delle immagini, la loro violenza assoluta, ma anche il sonoro scandito dal rumore delle Tonfe, che picchiavano con incredibile durezza tutti i ragazzi asseragliati in quell’edificio.

Per il momento mi fermo qui.

Credo infatti che non si possa descrivere un’opera cinematografica del genere senza rischiare in qualche modo o di plagiarla, o peggio di essere eccessivamente spoiler.

E’ un film che va visto in sala. Punto.

Per ora corredo il post da immagini.

Polizzioti antagonisti (Claudio Santamaria è il poliziotto buono)

Jennifer Ulrich (Alma Koch)

Elio Germano (Luca Gualtieri)

Senza parole

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Avrei volto chiudere con lo sguardo di Jennifer Ulrich (Alma Koch) quando esce dalla caserma ed incrocia quello della madre.

E’ come se l’Inferno incontrasse il Paradiso. Mi sono commosso fino alle lacrime.

Catarsi.

Seguiranno aggiornamenti del post.

I film in uscita dal 13 aprile 2012

2012-04-13T06:19:48-07:00

Il weekend al cinema visto da me

Pericolosamente ed intensamente insieme a Daniele Vicari ed al suo film denuncia sui fatti della scuola Diaz di Genova del 2001

Frutto della lettura di circa 10.000 pagine di atti processuali (tra quelli afferenti la Diaz, e quelli afferenti Bolsaneto), il film che si aggiudica la pole position di cinemavistodame.com di questa settimana è “Diaz – Don’t clean up this blood” (Diaz – Non pulire questo sangue), di Daniele Vicari di cui ho già recensito “Il passato è una terra straniera” eccellente trasposizione dal letterario al filmico dell’omonimo romanzo di Gianrico Carofiglio.

Ho già speso parole circa l’importanza del fatto che, in questo preciso momento storico – politico – economico – del nostro paese, gli italiani vengano invitati ad interrogarsi sulla loro storia. Sulle scelte che i governi che hanno portato la nostra Patria nello stato in cui si trova, vengano analizzate con maggiore attenzione.

A chi compete, dunque, questo gravoso compito, che i media televisivi hanno da sempre abiurato?

Come ho già avuto modo di dire, e come sosteneva, del resto, lo stesso Pier Paolo Pasolini, compete agli intellettuali, ed ancora di più, a cineasti coraggiosi come Daniele Vicari e Domenico Procacci.

Quanti film non sarebbero proprio stati girati, in Italia, se non esistesse la Fandango di Domenico Procacci?

Il film si è aggiudicato il prestigiosissimo premio del pubblico al 62° Festival Internazionale del Cinema di Berlino.

Un consiglio? Andiamo tutti a vedere la ricostruzione della terribile giornata del G8 di Genova, nel luglio 2001, quando 300 poliziotti e 70 agenti di un reparto speciale fecero irruzione nella scuola, dove hanno trovato riparo per la notte un centinaio di manifestanti provenienti da tutte le parti del mondo. Il racconto si dipana in circa 127 storie che intrecciano due point of contentration narrativi. Il punto di vista dei manifestanti, e quello dei poliziotti.

Una delle pagine più tristi, tragiche, e aggiungerei feroci, della recente storia del nostro paese.

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Oscar d’oro di cinemavistodame.com e seconda posizione della pole position, per “Bel Ami – Storia di un seduttore“. Dopo il passaggio fuori concorso a Berlino, arriva anche nelle nostre sale l’adattamento del romanzo di Guy de Maupassant diretto da Declan Donnellan e Nick Ormerod, due registi teatrali: protagonista il Robert Pattinson della saga di Twilight, che cerca di uscire dai rigidi cliché, che in genere Hollywood, appioppa a chi si rende protagonista di una saga per adolescenti, anche se noi crediamo che l’attore abbia stoffa. In questa particolare, e, per certi versi, coraggiosa pellicola, sarà affiancato affiancato da un trio di attrici non proprio più sulla breccia, ma sempre bravissime: Uma Thurman, Kristin Scott Thomas e Christina Ricci. Merita una visione in sala un film con un cast simile? Io dico di si.

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Oscar d’oro di cinemavistodame anche per “Battleship“: diretto da Peter Berg (The Kingdom), il blockbuster ispirato alla “Battaglia navale” della Hasbro, il film racconta l’epico scontro tra una flotta spaziale e un’armata sconosciuta intenzionata a portare morte e distruzione. Nel cast, oltre a Liam Neeson, Alexander Skarsgård e Taylor Kitsch, anche la pop-star Rihanna.

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Co-prodotta con la Francia e girato a Parigi, arriva sugli schermi il film – commedia – sentimentale “Ciliegine“, esordio alla regia per Laura Morante, interprete anche del film insieme a Pascal Elbé: dalla sinossi diciamo solo che nel film si narra la storia di una donna affetta da “androfobia“ che riuscirà ad approfondire la conoscenza di un uomo solo perché convinta che quest’ultimo è gay.

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L’ultima posizione è per un film film italiano. Si tratta di “Poker Generation“, opera prima di Gianluca Mingotto interpretata, tra gli altri, da Francesco Pannofino e Lina Sastri, incentrata sulla vicenda di due fratelli di un piccolo paese siciliano decisi a guadagnare i soldi che gli servono attraverso i tornei di poker sportivo. Vedendo il trailer ci si chiede come facciano certe opere ad arrivare nelle sale, e come attori che hanno recitato in “Boris” possano accettare di recitare anche in certi film, ma magari ci sbagliamo noi, o è un problema, solo, nostro.

Lina Sastri in un film del genere, poi, è uno dei tanti misteri del cinema italiano, che, nonostante scriva un cine-blog da otto anni, probabilmente non capirò mai fino in fondo.

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Avvertenze – come leggere questo post

Le preferenze accordate da cinemavistodame.com ai film in uscita, le evincete, come sempre, dall’ordine d’impaginazione delle pellicole nel post.

Potete anche dare uno sguardo ai film in sala, qui.

I film in uscita dal 6 aprile 2012

2012-04-05T20:09:33-07:00

Il weekend al cinema visto da me

Le ibridazioni di atmosfere felliniane e fiabesche con il genere “live action” del cinema di Marjane

Avviso ai naviganti: causa festività di Pasqua i film questa settimana escono in due tranche: quelli il titolo in celeste, sono usciti mercoledì 4 aprile, mentre gli altri, quelli con il titolo in rosso, escono regolarmente venerdì 6 aprile.

L’opera cinematografica che si aggiudica, senza ombra di dubbio, la pole position di cinemavistodame per le uscite nelle sale di questa settimana è un film prodotto da Francia, Germania e Belgio – e, precisamente, il nuovo lungometraggio di Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud (gli acclamati autori di Persepolis che il vostro amato blogger tanto apprezzò), “Pollo alle prugne” (Poulet aux prunes), tratto dall’omonimo romanzo a fumetti della Satrapi.

Il film è stato presentato alla 68ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia.

Téhéran, 1958. Nasser-Ali, un famoso suonatore di violino, incontra la sua amata Irâne per strada, ma lei non lo riconosce. Durante questo incontro fortuito scopriamo che, a causa di un litigio, sua moglie ha distrutto il suo prezioso strumento musicale. Poiché nessun violino riesce più a procurargli il piacere di suonare, Nasser-Ali decide di morire. Otto giorni dopo si toglie la vita. Con Mathieu Amalric, Maria de Medeiros e Isabella Rossellini.

Avvolgendo il genere “live action” con l’animazione fiabesca, ed un’atmosfera felliniana, Marjane Satrapi prosegue nel suo percorso artistico ed esistenziale, trasponendo dal fumettistico al filmico, la sua graphic novel (Pollo alle prugne), ribadendo, anche in questa sua opera seconda, l’inaccettabilità della lontananza, ed avvalorando il suo lavoro come una sorta di riflesso della propria vita di “esule“.

Perché, ancora una volta, i suoi esistenti verranno banditi, allontanati dalla fonte della propria ispirazione, e costretti a cercare un luogo dove sentirsi sicuri, e vivere, pienamente, la propria ossessione.

La distribuzione del lungometraggio di Marjane, da parte delle Officine ubu, è un’altra garanzia della qualità del prodotto, fidatevi.

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In seconda posizione, il vostro cineblogger di fiducia, colloca il film “Pirati! Briganti da strapazzo“, di Peter Lord, realizzato dallo studio d’animazione europeo (è inglese) Aardman, famoso per la claymation – una delle tecniche d’animazione in stop-motion che utilizza figure di plastilina – e per successi commerciali quali “Galline in fuga” e “Wallace & Gromit“.

Un Capitano dei Pirati deve trovare il modo di sconfiggere i suoi rivali Black Bellamy e Cutlass Liz nel concorso ‘Pirata dell’anno’. La missione porterà il Capitano e il suo equipaggio dalle coste della Blood Island alle nebbiose strade della Londra vittoriana, in un viaggio avventuroso in compagnia del giovane Charles Darwin, impegnato nella spedizione scientifica che lo renderà presto famoso.

Il problema di questo tipo di film è l’alterazione del doppiaggio originale con quello italiano, e qui dovremmo aprire una parentesi che rischierebbe di durare tutto il post. Chissà se un giorno avremo, anche noi, in tutte le sale, proiezioni con audio originale e sottotitoli in italiano, (noi, ovviamente, dubitiamo assai).

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In terza posizione, il film consigliato da cinemavistodame, è la pellicola francese “Piccole Bugie tra amici” (Les Petits mouchoirs), che dai critici d’oltre alpe è stato accostato ad “Il grande freddo“, di Lawrence Kasdan, opera corale diretta dall’attore transalpino Guillaume Canet, che racconta della tormentata vacanza al mare, piena di colpi di scena e di rivelazioni, di un gruppo di amici di vecchia data. Tanta nostalgia e cast di prim’ordine, tra cui spiccano il recente Premio Oscar Jean Dujardin e Marion Cotillard. Una vista completa dei giudizi dei critici francesi, per farvi un’idea più precisa, è qui.

La mia personale sensazione è che si voglia sfruttare il successo del bellissimo “Quasi Amici“, uscito nelle sale italiane recentemente è che in Francia ha letteralmente sbancato al box office, e che annovera nel cast, (ed è qui che nasce il mio sospetto, conoscendo le acute menti dei nostri strateghi del marketing cinematografico italiano), il bravissimo attore francese François Cluzet, protagonista di tale film, e presente – guarda caso, in un ruolo, peraltro, secondario – anche nel cast di “Les Petits mouchoirs“.

Meglio, comunque, di tanti altri film in uscita di questa settimana pasquale.

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Segue l’italiano “I più grandi di tutti“, opera seconda di Carlo Virzì (fratello minore di Paolo, l’opera prima fu ”L’estate del mio primo bacio“), che racconta la storia dei Pluto, una band musicale attiva nella prima metà degli anni ’90, nel circuito musicale alternativo nazionale. Ma tra i membri del gruppo – il cantante Maurilio, detto Mao, la bassista Sabrina, il batterista Loris e il portentoso chitarrista Rino – ben presto inizia a non correre più buon sangue e, dopo una serie di litigi, il gruppo si scioglie. Ognuno va per la sua strada, finché, 15 anni dopo, il batterista Loris riceve una e-mail …

Il film è stato promosso, con largo anticipo, anche su faccialibro. Figo no?

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Esce anche ”Biancaneve“, primo dei due adattamenti della fiaba di Perrault e dei Grimm in calendario quest’anno (il secondo, “Biancaneve e il cacciatore“, con Charlize Theron e Kristen Stewart è atteso per questa estate). Diretto dal regista indiano Tarsem Singh – e non sono pochi gli influssi di Bollywood nella trasposizione: dalle scenografie alle coreografie – questa Biancaneve (interpretata da Lily Collins) presenta non poche novità: ha una bellezza fuori dai canoni estetici dominanti (a partire dalle folte sopracciglia), usa la spada come D’Artagnan, ruba ai ricchi per dare ai poveri (coadiuvata dalla gang dei sette nani), è scaltra al punto da non mangiare la mela avvelenata che la perfida matrigna (Julia Roberts) le offre.

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“Good As You – Tutti i colori dell’amore” di Mariano Lamberti racconta invece le vicende di otto amici – quattro donne e quattro uomini – che a volte si amano e altre si detestano, si prendono e poi si lasciano, affrontano nevrosi sentimentali, frustrazioni lavorative, piccoli e grandi tradimenti. Tutto in chiave omosex. Dall’America arriva infine Act of Valor, incentrato su una squadra altamente specializzata delle United States Navy Sea, Air & Land forces (SEAL) che viene mandata sotto copertura a salvare un agente della CIA sequestrato dai terroristi.

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In pochissime sale uscirà anche “Amore liquido“ un film di Marco Luca Cattaneo già uscito in altre pochissime sale nel 2010.

Certe volte certe uscite non riesco proprio a spiegarmele, ma tanto è.

Le sale sono talmente poche che a Roma, per dire, non uscirà in nessuna.

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Per gli appassionati di motociclismo arriva in sala anche il documentario “Fastest – Il più veloce“.

Girato tra il 2010 e il 2011, questo documentario prende il nome dal Fastest Lap, che nel motociclismo indica il più rapido giro della pista, e racconta, sul grande schermo, attraverso il mito di Valentino Rossi, e la voce narrante di Ewan McGregor, l’emozionante ed impressionante realtà del Campionato del Mondo MotoGP: le cadute più difficili, l’impegno, il coraggio e la passione che questo sport richiede ed esige dai suoi protagonisti. Probabilmente una pellicola da non perdere per chi ama le moto e il motoGP, il film è un documentario incentrato prevalentemente sul campione Valentino Rossi, ma anche su altri grandi nomi, tra cui Marco Simoncelli, il mitico “Sic”, scomparso tragicamente il 23 ottobre 2011.

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Esce anche ”Act of Valor“, un film davvero difficile da valutare, che sembra avere come intento primario quello di racimolare gli entusiasmi dei liceali americani per farli arruolare nell’esercito. Diretto, a giudicare dai contenuti del film, da due pseudo esaltati rispondenti ai nomi di Mike McCoy e Scott Waugh, si scherza eh naturalmente.

Il lungometraggio è tecnicamente impeccabile, sia chiaro, quello che sembra esserci dietro, tuttavia, è molto più pericoloso di tutte le bombe che esplodono nel film.

Per il resto, dialoghi di una banalità sconcertante, per chiunque non subisca l’influenza del patriottismo americano.

Ecco, non so voi, ma io, ultimamente, non subisco neppure il fascino di quello italiano, figuriamoci di quello americano.

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Ed a proposito di America, ma lo sapevate che esce anche la versione in 3D del film “Titanic” il kolossal di James Cameron, in occasione del centenario del tragico suo affondamento?

Se non vi sono bastate le lagrime versate da una generazione di spettatori nel 1997, vi ri-confermo che la pellicola riesce nelle sale italiane in versione 3D.

Schettino per una volta non c’entra. Anche perché il comandante del celeberrimo transatlantico morì nel naufragio.

Un lavoro realizzato in post-produzione dal regista, che, più di ogni altro, ha contribuito, con Avatar, a spostare in avanti le frontiere della visione stereoscopica.

Ed è proprio al pubblico già svezzato da Avatar, oltre a quello che già allora si commosse di fronte alla sciagura della nave più famosa del mondo e alla love-story tra Jack e Rose (Leonardo Di Caprio e Kate Winslet), che questa operazione si rivolge. Nella speranza che, come per Il Re Leone 3D, il botteghino risponda.

Noi purtroppo ne siamo certi, anche se non replicherà gli incassi (i secondi in assoluto della storia del Cinema), che fece registrare l’uscita del 1997.

Avvertenze – come leggere questo post

Le preferenze accordate da cinemavistodame.com ai film in uscita, le evincete, come sempre, dall’ordine d’impaginazione delle pellicole nel post.

Potete anche dare uno sguardo ai film in sala, qui.

Romanzo di una strage di Marco Tullio Giordana

2012-04-01T11:31:39-07:00

Italia | 2012

analisi di eventi, esistenti e linguaggio audiovisivo

Narrare la storia anche se mancano tutti i tasselli – a cura di Roberto Bernabò

Titolo originale: Romanzo di una Strage
Regia: Marco Tullio Giordana
Anno di produzione: 2012
Durata: 130′
Tipologia: lungometraggio
Genere: drammatico/storico
Paese: Italia/Francia
Produzione: Cattleya, Rai Cinema, Babe Films
Distributore: 01 Distribution
Formato di ripresa: 35mm
Formato di proiezione: 35mm, colore
Ufficio Stampa: Studio PUNTOeVIRGOLA / 01 Ufficio Stampa
Sceneggiatura: Marco Tullio Giordana; Sandro Petraglia; Stefano Rulli;
Musiche: Franco Piersanti;
Montaggio: Francesca Calvelli;
Costumi: Francesca Livia Sartori;
Scenografia: Giancarlo Basili;
Fotografia: Roberto Forza;
Suono: Fulgenzio Ceccon;
Casting: Barbara Melega;
Aiuto regista: Francesca Polic Greco;
Produttore: Riccardo Tozzi; Marco Chimenz; Giovanni Stabilini;
Location Manager: Christian Peritore;
Operatore: Enzo Carpineta;
Produttore Delegato: Gina Gardini;
Produttore Esecutivo: Matteo De Laurentiis;
Coproduttore: Fabio Conversi.
Interpreti e personaggi: Valerio Mastandrea (Commissario della Squadra Politica Luigi Calabresi); Pierfrancesco Favino (L’Anarchico Giuseppe Pinelli); Giorgio Colangeli (Federico Umberto D’Amato); Fabrizio Gifuni (Aldo Moro); Omero Antonutti (Giuseppe Saragat); Luigi Lo Cascio (Giudice Paolillo); Giorgio Tirabassi (Il Professore); Stefano Scandaletti (Pietro Valpreda); Denis Fasolo (Giovanni Ventura); Sergio Solli (Il Questore Marcello Guida); Giorgio Marchesi (Franco Freda); Thomas Trabacchi (Il Giornalista Marco Nozza); Giulia Lazzarini (La madre di Giuseppe Pinelli); Michela Cescon (La moglie di Giuseppe Pinelli); Diego Ribon (Il Giudice Giancarlo Stiz); Laura Chiatti (Gemma Calabresi); Claudio Casadio (Brigadiere PS Carlo Mainardi); Corrado Invernizzi (Giudice Pietro Calogero); Luca Zingaretti (Medico Tribunale); Alessio Vitale (Pasquale Valitutti); Francesco Salvi (il tassista che fu utilizzato come testimone, e che dichiarò di aver portato Valpreda alla Banca Nazionale dell’Agricoltura, nel giorno della strage).
Periodo delle riprese: Dal 16 maggio 2011 al 3 agosto 2011 (12 settimane);
Libro dal quale è tratto il film: La pellicola è un adattamento, anzi, come amo dire, una trasposizione dal letterario al filmico, del libro di Paolo Cucchiarelli “Il segreto di Piazza Fontana“. La cui attendibilità ha portato Luca Sofri a prendere, addirittura, le distanze dalle tesi del libro e della sua trasposizione filmica, nel suo celeberrimo blog in un post dal titolo 43 anni.

Sinossi: Milano, 12 dicembre 1969. Subito dopo l‟esplosione alla Banca Nazionale dell‟Agricoltura di piazza Fontana – che uccide 14 persone (salite a 17) e ne ferisce 88 – le indagini della Questura sono tutte orientate verso la pista anarchica. Il commissario Luigi Calabresi e i suoi superiori, Marcello Guida e Antonino Allegra, sono convinti della matrice anarchica della strage così come delle decine di bombe esplose in città negli ultimi mesi. Fra i fermati c‟è Giuseppe Pinelli, un anarchico non-violento che Calabresi stima e sa perfettamente estraneo alla strage. È invece arrestato Pietro Valpreda, un ballerino senza scritture, spesso in contrasto con Pinelli: il colpevole ideale, il mostro riconosciuto dal tassista Rolandi che l‟ha accompagnato in banca pochi minuti prima delle scoppio. Per ottenere da Pinelli la conferma della pericolosità di Valpreda, continuano a trattenerlo oltre i limiti di legge. Dopo 3 giorni di digiuno e insonnia, Pinelli precipita la notte del 15 dalla finestra dell‟ufficio di Calabresi. Il commissario non è nella stanza ma – grazie ai goffi tentativi della Questura di giustificare l‟accaduto – finisce per essere indentificato come il diretto responsabile. A Treviso i giudici Pietro Calogero e Giancarlo Stiz – grazie alle rivelazioni di Guido Lorenzon – scoprono una galassia di giovani neonazisti senza partito e senza collare, pronti – di fonte alle lotte studentesche e operaie del „68/‟69 – a gesti clamorosi. Pur coperti e infiltrati dai servizi segreti, alcuni di loro hanno lasciato tracce evidenti. Giovanni Ventura e Franco Freda vengono arrestati insieme ad altri complici. Calabresi continua a indagare sulla strage. Ora dubita della sua matrice anarchica e pensa piuttosto a legami col traffico internazionale d‟armi. Segue la nuova pista fino al Carso dove, due giorni prima di venire assassinato, scopre un deposito clandestino d‟armi in uso anche ai neonazisti. Il 17 maggio 1972 Calabresi è ucciso sotto casa.

Io so. Io so i nomi dei responsabili di quello che viene chiamato “golpe” (e che in realtà è una serie di “golpe” istituitasi a sistema di protezione del potere).
Io so i nomi dei responsabili della strage di Milano del 12 dicembre 1969. Io so i nomi dei responsabili delle stragi di Brescia e di Bologna dei primi mesi del 1974. Io so i nomi del “vertice” che ha manovrato, dunque, sia i vecchi fascisti ideatori di “golpe”, sia i neo-fascisti autori materiali delle prime stragi, sia infine, gli “ignoti” autori materiali delle stragi più recenti.
Io so i nomi che hanno gestito le due differenti, anzi, opposte, fasi della tensione: una prima fase anticomunista (Milano 1969) e una seconda fase antifascista (Brescia e Bologna 1974).
Io so i nomi del gruppo di potenti, che, con l’aiuto della Cia (e in second’ordine dei colonnelli greci e della mafia), hanno prima creato (del resto miseramente fallendo) una crociata anticomunista, a tamponare il ’68, e in seguito, sempre con l’aiuto e per ispirazione della Cia, si sono ricostituiti una verginità antifascista, a tamponare il disastro del “referendum”.
Io so i nomi di coloro che, tra una Messa e l’altra, hanno dato le disposizioni e assicurato la protezione politica a vecchi generali (per tenere in piedi, di riserva, l’organizzazione di un potenziale colpo di Stato), a giovani neo-fascisti, anzi neo-nazisti (per creare in concreto la tensione anticomunista) e infine criminali comuni, fino a questo momento, e forse per sempre, senza nome (per creare la successiva tensione antifascista).
Io so i nomi delle persone serie e importanti che stanno dietro a dei personaggi comici come quel generale della Forestale che operava, alquanto operettisticamente, a Città Ducale (mentre i boschi italiani bruciavano), o a dei personaggio grigi e puramente organizzativi come il generale Miceli.
Io so i nomi delle persone serie e importanti che stanno dietro ai tragici ragazzi che hanno scelto le suicide atrocità fasciste e ai malfattori comuni, siciliani o no, che si sono messi a disposizione, come killer e sicari. Io so tutti questi nomi e so tutti i fatti (attentati alle istituzioni e stragi) di cui si sono resi colpevoli.
Io so.
Ma non ho le prove.
Pier Paolo Pasolini

Al tempo quell’articolo sembrò una delle consuete acrobazie dell‟intelligenza pasoliniana, una rappresentazione paradossale e visionaria, senza vera attinenza coi fatti reali.
In realtà – e le scoperte successive ne confermeranno ogni virgola – è un‟analisi che coglie perfettamente non solo quello che sta succedendo nel Paese – per l‟appunto: i fatti – ma ne racconta il “senso”, quello che Pasolini chiama “romanzo”, il romanzo delle stragi italiane.
Questo straordinario articolo – che ha ispirato il titolo del film – si concludeva amaramente con l‟impossibilità di denunciare senza prove concrete, fidandosi soltanto della propria intelligenza.
Io so, ma non ho le prove.
Oggi, passati più di quarant’anni, queste prove sono diventate finalmente accessibili, a disposizione di chiunque voglia davvero sapere.
È giunto il momento di raccontarle, di tirarle fuori.
Marco Tullio Giordana

In questo post:

1. Introduzione – dedicato a chi si ostina a cercare una verità
2. Circa gli eventi e gli esistenti del film
3. Circa i riferimenti al cinema documentarista di Oliver Stone
4. Circa il mio punto di vista sul film e sul paese
5. Conclusioni – non contano (ormai più) gli esecutori materiali, conta sapere chi siamo

1. Introduzione – dedicato a chi si ostina a cercare una verità

A prima vista la sola idea di girare un film sulla storia che ebbe inizio quando il 12 dicembre 1969, un bomba esplose alla Banca Nazionale dell‟Agricoltura di piazza Fontana ed uccise 14 persone (salite a 17) e ne ferì 88, può apparire ideologica. Mossa da una tesi precisa. Dimostrare non una verità, ma una “tesi” che, di quella verità, s’intende proporre.

E, per certi versi – per chi si prende la briga di andare a ricercare i pezzi di una vicenda così risalente, così tanto mediaticamente esposta, narrata, depistata, e ri-raccontata in mille maniere diverse – sarebbe anche cosa legittima.

Non ho mai assistito ad una sola proiezione di un film d’ispirazione documentarista, senza essermi ritrovato a dover fare i conti con il regista e la sua, spesso netta, presa di posizione.

Perché è evidente che se qualcuno intende narrare, precisamente, fatti che altri mai ha inteso narrare, lo fa con un scopo preciso, e per l’esigenza di dare voce a chi voce non ha ancora avuto. Magari per anni.

Il documentarista, come ho avuto modo di spiegare più volte, non può, né deve essere obiettivo. E deve essere necessariamente fazioso se vuole adempeiere con serietà il suo mandato. Altrimenti escono fuori film un po’ melensi che cercano di distribuire equamente torti e ragioni.

Ma nella storia, quasi mai i torti e le ragioni possono essere facilmente distribuiti. E magari è proprio questo uno dei limiti di questo film.

Il documentarista deve, invece, però, assumersi la responsabilità di fare comprendere connessioni, contraddizioni, bugie, falsi ideologici e storici che normalmente nessuno di noi noterebbe.

Per farlo deve scegliere, inevitabilmente, un punto di osservazione preciso, che gli consenta di raccontare, facendo capire da quale point of concentration narrativo si sta ponendo.

Ma non credo sia questo il punto in questo film.

La verità (che parola ingombrante, ogni volta che entra in scena mi sento a disagio), è che questo film interviene oltre 40 anni dopo i fatti.

Non è più così difficile raccontare agli italiani cosa realmente accadde a Piazza Fontana.

Certo ci potranno essere più o meno sbavature.

Si sarebbe potuto descrivere l’esistente Calabresi in maniera meno edulcorata, forse in vita avrebbe potuto più nettamente prendere posizione contro i suoi stessi collaboratori.

E forse alcune tesi sono descritte con qualche imprecisione.

Ma io dico che è giusto che gli italiani inizino a interrogarsi sul loro passato.

Come da tempo stanno facendo anche in Germania.

E’ necessario, a mio modo di vedere, più che mai in questo preciso momento storico del nostro paese, così delicato, così fragile, iniziare a fare, veramente, i conti con il reale stato delle cose attuale, attraverso una serena (anche se è difficile), ma necessaria (questo lo penso davvero), sana azione di presa di coscienza di quello che fu il periodo, passato alla storia come quello degli anni della cosiddetta ”strategia della tensione“, nel nostro paese.

E non solo se devo essere sincero.

Servirebbero, in verità, molti altri film, quelli si pericolosi, e scomodi, ancora oggi, sui tanti retroscena e non solo politici, ma anche economici, sul ruolo delle banche, per aiutare noi cittadini onesti, che ogni giorno siamo così occupati a dovere sbarcare, spesso con fatica, il loro personale lunario, da non avere sviluppato più, quel sano gusto per la ricerca della verità.

Quella verità che, magari, sarebbe anche lì, alla nostra portata, aldilà dei complotti, e delle tesi, e delle strumentalizzazioni, ma che noi, presi da altre cose, non guardiamo, o, forse, dovrei dire non guardiamo più …

Grazie, quindi, a registi come Marco Tullio Giordana, che ci aiutano, magari anche un po’ maldestramente, ma almeno loro ci provano, a farlo.

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2. Circa gli eventi e gli esistenti del film

E voglio iniziare da lui. Dall’anarchico Pinelli.

Un po’ perchè la sua defenestrazione è stata per me una sorta di mito ancestrale che mi ha istintivamente condotto a sviluppare una sensibilità verso la salvaguardia degli interessi della brava gente. Delle persone più deboli. Diventando così gradualmente di sinistra come formazione politica e buddista come formazione spirituale.

Un po’ perché questo è forse il primo film in cui si tende a rendere giustizia a questo personaggio, realmente esistito, in maniera forte.

Pinelli, come Valpreda, fu una delle vittime della pista anarchica, che per tanti anni ha depistato le indagini.

Sono contento di averlo visto rappresentare nel film come una brava persona. Idealista certo, ma non violento, e molto interessato al lato umano di tutti i rapporti.

Bravo Perfrancesco Favino ad interpretarlo con tanto pathos, è forse l’esistente più credibile e ben ricostruito di tutto il film.

Segue a ruota lui, il commissario Calabresi.

Mi rendo conto, mentre scrivo, che la scelta di Marco Tullio Giordana non sia stata solo stata quella di tentare di ricostruire una verità storica, ma anche quella di rispettare chi, bene o male, ha finito poi con pagare con la propria la vita il suo ruolo in questa storia.

Certo, immagino che il film tracci con un velo, probabilmente, di eccessivo buonismo, certi esistenti.

Quasi certamente il ruolo di Calabresi fu più aspro.

Ma è certo che anche le circostanze della sua morte, sono una delle tante pagine nere della storia della nostra repubblica.

Mastandrea, sempre bravissimo in questi ruoli, ci restituisce un Calabresi molto umano, molto attento al ruolo, magari meno ad una chiarezza etica sui fatti che gli scorsero sotto gli occhi.

Ma, certo, aveva una moglie giovane e dei figli da salvaguardare.

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3. Circa i riferimenti al cinema documentarista di Oliver Stone

Trovo che questo film sia un po’ alla Oliver Stone.

Aldilà del risultato filmico, mi è sembrato, infatti, di cogliere una coralità tipica di certe pellicole del regista americano che, anche lui, come Marco Tullio Giordana, si è spesso attirato gli strali dei critici, e degli esegeti, custodi, delle verità di stato, nei suoi tentativi di restituire, in pellicole come JFK, una verità scomoda, ai cittadini statunitensi.

E, come nei film di Oliver Stone, anche in questo film di Marco Tullio Giordana, ho colto, in attori come Sergio Solli, lo stesso Fabrizio Gifuni, un attore che vedo crescere ad ogni interpretazione, e che è davvero impeccabile nel ruolo di Aldo Moro, l’orgoglio e la consapevolezza di prendere parte comunque ad un grande film, ad un qualcosa di davvero importante per il proprio paese.

Il film poi ruota intorno a tutti i personaggi maggiori e minori delle varie piste che sono state seguite negli anni.

Da quella già citata anarchico insurrezionalista, a quella neo fascista / neo nazista, a quella dei servizi segreti, che sicuramente svolsero un ruolo abbastanza inquietante nei fatti.

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4. Circa il mio punto di vista sul film e sul paese

Ma, come Marco Tullio Giordana, non voglio adesso, in questo post, ripercorrere tutti i fatti, (per quelli c’è la sinossi, e la visione in sala del film), e la loro verosimile veridicità, o ortodossia e fedeltà, rispetto alle verità processuali, pure essendo consapevole, ad esempio, che una persona che stimo molto, come Luca Sofri, abbia avvertito l’esigenza di fare dei distinguo, pubblicando sul suo blog un lungo instant book scritto da suo padre Adriano Sofri.

A me, alla fine, interessa in questo post, solo cogliere un dato.

Molti esistenti del film furono certamente strumentalizzati, difronte alle urgenze che il momento storico esigeva.

Il presidente Saragat, forse l’esistente che esce con il profilo più ambiguo, viveva anni in cui gli Stati Uniti da un lato, l’avanzare del partito comunista dall’altro, la radicalizzazione del conflitto tra destra e sinistra, il rischio di un colpo di stato militare, la stessa strategia della tensione, favorita dai servizi segreti, resero possibili cose, che, oggi, forse, non avrebbe alcun senso fare accadere.

Per questo è importante che i giovani vedano questa pellicola.

Perché è pur vero che quegli anni consentirono, anche, l’instaurarsi di un sistema politico, che se da un lato riuscì a garantire che gli equilibri delle forze in campo non andarono mai radicalmente contro gli interessi della democrazia, dall’altro favorirono, a quella classe, di acquisire dei privilegi, le cui conseguenze paghiamo ancora oggi.

Forse furono proprio quelli, gli anni in cui si sviluppò l’idea di una democrazia non controllabile, dagli elettori.

Che si misero a punto soluzioni politiche che, gradualmente, tolsero potere agli istituti tipici di un sistema democratico.

Se, in altri sistemi, un politico anche solamente vagamente sospettato di avere approfittato della sua posizione, è costretto a dimettersi, ed in Italia ancora no, forse è in quegli anni che dobbiamo iniziare seriamente ad indagare.

Anche culturalmente:

le scelte di controllo della RAI,

dei suoi palinsesti, di utilizzare i mezzi di comunicazione di massa, non per informare, ma per fare propaganda.

Sono tutte cose che pesano, come macigni, sulla testa dei politici di quel momento storico, e forse Aldo Moro fu l’unico statista che capì, con netto anticipo, la necessità di smarcarsi da certi paradigmi tipici di quegli anni, e, guarda caso, anche lui è morto.

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5. Conclusioni – non contano (ormai più) gli esecutori materiali, conta sapere chi siamo

Si, certo, il film porta avanti delle tesi, ma non ripercorre, ad esempio, tutto l’iter processuale, che ha poi di fatto impedito ogni condanna.

Sia gli anarchici che i neo fascisti non hanno subito conseguenze di quei fatti.

Che rimangono, ancora oggi, senza colpevoli.

Ma la verità è che gli esecutori materiali, come il Moro della pellicola dice chiaramente a Saragat, in una memorabile sequenza, furono spinti da altre, e ben più potenti forze, contro le quali, chiunque, in quegli anni, tentava di opporsi veniva fatto fuori.

Il nostro paese non ha vinto la seconda guerra mondiale.

Il nostro paese non è mai stato una democrazia libera.

Ha sempre dovuto fare i conti con mille compromessi, che derivavano da uno stato di non perfetta parità economica e sociale, con gli altri paesi più industrializzati.

E’ arrivato il momento di prendere coscienza del fatto che, se vogliamo, ma davvero, un paese diverso, dobbiamo, inevitabilmente, ripartire da queste considerazioni.

Mettendo da parte antichi livori, ed unendo i nostri sforzi, verso un interesse nazionale che deve essere considerato superiore.

Iniziamo a rialzare la testa, ed a renderci, davvero, conto delle nostre effettive potenzialità.

E ricordiamoci di questo film, quando sarà il momento di tornare alle elezioni.

Anzi prima.

Iniziamo a pretendere una seria riforma della legge elettorale, che ci restituisca, veramente e concretamente, la sovranità popolare.

Una democrazia, degna di tale nome, deve partire da li.

Nella mia memoria di bambino c’è ancora la frase con cui Giuseppe Saragat chiudeva ogni discorso televisivo: “Evviva l’Italia, evviva la Repubblica!“

A ripensarci oggi, dopo aver visto questo film, mi vengono i brividi.

Alla prossima.

Per chi volesse approfondire …

… le polemiche tra Adriano Sofri e l’impostanzione del film (polemica che ma interessa fino ad un certo punto, ma che rispetto), può leggere questo post.

I film in uscita dal 30 marzo 2012

2012-03-30T04:28:57-07:00

Il weekend al cinema visto da me

Marco Tullio Giordana vs. Luca Sofri Adriano Sofri

Avevo solo 9 anni quando il 12 dicembre del 1969 a Milano, alla Banca Nazionale dell’Agricoltura, esplose una bomba.

Uccise 14 persone (poi salite a 17), ne ferì 88. Un attentato che sarebbe gradualmente passato alla storia come la “Strage di Piazza Fontana” mentre i suoi responsabili – anarchici? Neonazisti? Servizi segreti? – non sarebbero mai passati in giudicato: ad oggi, per la giustizia italiana, non ci sono responsabili.

“Romanzo di una strage“, il film di Marco Tullio Giordana | L’unico paese al mondo – cortometraggio collettivo (1994), Pasolini, un delitto italiano (1995), I cento passi (2000), La meglio gioventù (2003), Quando sei nato non puoi più nasconderti 2005) Sanguepazzo (2008) |

forse il più valido regista documentarista ancora in circolazione, che ancora ha il coraggio di cercare delle verità, ricostruisce, e tenta di “narrare” una verità possibile su quel fatto di sangue che inaugurò, di fatto, la strategia della tensione in Italia.

Lo fa muovendosi tra pubblico e privato, incentrando la sua ricerca sui protagonisti noti e meno noti di questa vicenda – da Aldo Moro a Giuseppe Pinelli, passando per il commissario Calabresi – e avvalendosi da un grande cast: Valerio Mastandrea è Calabresi, Pierfrancesco Favino è l’anarchico Pinelli; Fabrizio Gifuni un Aldo Moro notevole.

Il film guadagna, senza tema, la mitica pole position dei film in uscita di cinemavistodame.com, che ha fatto tanto discutere a Cannes, con tanto d’introvabile foto in bianco nero del regista. In chiusura del trailer un esistente dice al Commissario Calabresi: “Dimenticati di aver visto questa roba, e, se ti posso dare un consiglio, dimenticati anche tutto il resto.”

La pellicola è un adattamento, anzi, come amo dire, una trasposizione dal letterario al filmico, del libro di Paolo Cucchiarelli “Il segreto di Piazza Fontana“. La cui attendibilità ha portato Luca Sofri a prendere, addirittura, le distanze dalle tesi del libro e della sua trasposizione filmica, nel suo celeberrimo blog in un post dal titolo 43 anni.

Sofri risponde proponendo un’altra versione dei fatti, scaricabarile dal sito www.43anni.it.

L’instant book è gratuito, e tenta, più che altro, di mettere in luce le molte cose che, a giudizio dell’autore, Adriano Sofri,

(Trieste, 1 agosto 1942) giornalista, scrittore e attivista italiano, ex leader di Lotta Continua, condannato a 22 anni di carcere – dopo un lungo e controverso iter giudiziario – quale mandante dell’omicidio del commissario di polizia Luigi Calabresi. Ma sempre dichiaratosi innocente, fino al punto di non chiedere mai una grazia e dal 16 genaaio 2012 nuovamente libero, grazie alla pronuncia dell’ufficio di sorveglianza di Firenze che ha firmato il provvedimento di fine pena.

Nonché padre, come tutti i blogger sanno, di Luca, sarebbero state ricostruite in maniera non corretta.

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Comunque, ormai, anche se Aldo Moro è morto, l’anarchico Giuseppe Pinelli è morto, lo stesso commissario Calabresi è morto, ma noi no, non vogliamo dimenticare.

Ed anche se non dovrebbe essere il Cinema a ricordare che l’Italia ed i suoi cittadini attendono ancora tante risposte, noi ci recheremo in sala per assistere ad una proiezione della pellicola, e spero che come me, lo facciate anche voi che leggete questo blog, e che lo facciate in tanti.

Lascio, oltre al trailer in HD del film, una video-intervista ala regista ed agli attori del film, anche un video, assai meno recente, in cui Gian Maria Volontè, insieme ad altri attori, tra i quali riconoscerete certamente Renzo Montagnari, ricostruisce le ipotesi dei fatti, avallati dalla magistratura, afferenti all’anarchico Pinelli.

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La seconda posizione, frutto del mio amore sviscerato per le arti figurative (mia madre, per chi non lo sapesse, dipingeva), è un film polacco a guadagnarsela, ed esattamente, “I colori della passione” di Lech Majewski, un viaggio dentro l’epico capolavoro del maestro fiammingo, “La salita al Calvar” (1564), accompagnati dalla narrazione dello stesso pittore, intento a catturare frammenti di vita di una dozzina di personaggi.

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Batte bandiera francese invece la commedia di classe “Il mio migliore incubo!” di Anne Fontaine, terza scelta del vostro cineblogger di fiducia, in cui Isabelle Huppert interpreta un’algida esponente della upper class (è una gallerista) e Benoît Poelvoorde il muratore di cui finirà per invaghirsi, con tutti i battibecchi del caso.

Tutto in perfetto humor anglosassone: questo al “Marigold Hotel” di John Madden, ambientato in India, nel quale un gruppo di pensionati britannici – tra i quali spiccano Maggie Smith, Bill Nighy, Judi Dench e Tom Wilkinson – decide di ritirarsi per un ristoro esotico ed economica India.

Giunti sul posto, si renderanno conto che il nuovo ambiente è meno lussuoso di quanto avessero immaginato … il regista John Madden è lo stesso del quasi premio Oscar “Shakespeare in Love“, che, dopo quel film, non mi risulti abbia girato niente che abbia stupito né me né voi.

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Completa la lista delle uscite europee di questo weekend, l’inevitabile horror spagnolo “Paranormal Xperience 3D” di Sergi Vizcaino, (eh si ragazzi, è il momento degli effetti paranormali, d’altra parte con il governo Monti, ed il crollo dei partiti politici, ci stiamo abituando, solo che adesso ci arrivano anche in 3D), protagonista una studentessa in psichiatria che non crede ai fenomeni paranormali. Povera illusa, non sa in che film è finita.

Dovrà, pertanto, ricredersi, quando parteciperà a una gita fuori porta organizzata dal più eccentrico dei suoi professori.

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Infine dagli USA arriva anche lei, come se non bastasse quella della Camusso, perlo ovviamente de “La furia dei titani” (ce ne fossero), sequel di “Scontro tra titani“, sempre diretto da Jonathan Liebesman e interpretato da Sam Worthington, nuovamente nei panni di Perseo (sei Perseo trentaseo), il semidio figlio di Zeus, che stavolta dovrà vedersela con Crono e i suoi piani di catturare di Zeus.

Nel cast anche Liam Neeson, Ralph Fiennes e Gemma Arterton, hai detto cotica.

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Ci dispiace, in questo blog, dovere anche parlare dei film di Carlo Vanzina.

Ci limiteremo a dire, per gli amanti del genere (che sono tanti bisogna ammetterlo), che esce nel weekend anche “Buona Giornata” di Carlo Vanzina con un cast che ricomprende tutti gli attori che Carlo Vanzina, conoscendolo, chiamerebbe per girare un film diretto da Carlo Vanzina, che sono nell’ordine: Christian De Sica (chi se lo sarebbe mai aspettato eh), Diego Abatantuono, Vincenzo Salemme, Lino Banfi, Daria Baykalova, Paolo Conticini, Maurizio Mattioli, Teresa Mannino.

Avvertenze – come leggere questo post

Le preferenze accordate da cinemavistodame.com ai film in uscita, le evincete, come sempre, dall’ordine d’impaginazione delle pellicole nel post.

Potete anche dare uno sguardo ai film in sala, qui. O alle locandine qui.

A ridosso dell’esistente

2012-03-24T16:18:26-07:00

Il caso de “Il cigno nero” di Darren Aronofsky

Le inquadrature che definiscono il linguaggio

1. Introduzione

Quando studi la sceneggiatura, non studi alcuni aspetti specifici che attengono il linguaggio filmico.

La sceneggiatura parla – o, meglio, descrive – del luogo, del momento, del dialogo, delle battute, delle risate, dei sospiri, fin nei minimi dettagli, volendo, che devono accadere in ogni singola scena.

Ma mai, o quasi mai, e comunque sempre in maniera differente, da come tutto questo materiale sarà ripreso, dal modo, cioè, con cui il regista deciderà di girare ogni singola sequenza, ogni singolo luogo, ogni singolo dialogo, ogni singola battuta, risata, sospiro.

Certo è difficile che da una cattiva sceneggiatura possa mai venir fuori un buon film, ma non è altrettanto scontato che un’eccellente sceneggiatura si traduca, sempre e necessariamente, in un film straordinario, senza che il regista non definisca, e non s’impegni, fino allo spasimo, nel definire un point of concentration dello specifico filmico, della mise en scene con cui realizzerà il film.

Specifico, che è molto differente, dalla mise en scene teatrale.

Che non considera, né potrebbe farlo, le infinite opzioni in più, di cui può, sempre più, disporre, oggi, ancora più di ieri, un regista che usa, in maniera sapiente e consapevole, una macchina da presa cinematografica.

§§§

**2. Perché il regista lavora contro lo sceneggiatore**

Jean Claude Carrière, uno dei più celebri sceneggiatori cinematografici, che ha collaborato, tra gli altri, con il celebre regista spagnolo Luis Buñuel, ha raccontato che un giorno il maestro lo chiamò.

Doveva incontrare, di lì a poco, il produttore del film a cui stavano lavorando. Così gli chiese di portare una copia stampata della sceneggiatura.

Si trattava di quella del celeberrimo film: “Le charme discret de la bourgeoisie“.

Scena per scena, il maestro iniziò a scrivere dei numeri.

Pensava, leggeva, e, poco dopo aver letto e pensato, scriveva un numero, accanto ad ogni singola scena.

Incuriosito da questa pratica, sconosciuta allo sceneggiatore, che non riusciva, pur essendo un addetto ai lavori, a capire cosa significasse, questi domandò:

“Maestro, ma cosa sono quei numeri, affianco ad ogni scena?“

“Questi che sto scrivendo ora?” rispose Luis Buñuel.

“Si, proprio quelli“, incalzò Jean-Claude Carrière.

“Beh, visto che devo incontrare il produttore“, spiegò il regista, “sto annotandomi con quante riprese intendo realizzare ogni singola scena“.

In gergo, al corso di sceneggiatura, m’insegnarono un doppio assioma, ovviamente tagliato con l’accetta, che funziona più o meno così.

Il regista lavora contro lo sceneggiatore.

Perché nel definire la mise en scene di una stesura, si rende conto delle incongruenze, e di tutte le cose che, magari, sulla carta funzionano, ma non sul set. In alcuni casi lo sceneggiatore rimane a disposizione anche durante le riprese, in altri è il regista che definisce e che apporta le modifiche che ritiene necessarie.

Il montatore lavora contro il regista.

Perché a sua volta, anche se molti registi, ormai, controllano il materiale girato in progress, il montatore si può accorgere che una scena è superflua nella narrazione, e, magari, ne pregiudica il ritmo, un’altra potrebbe, invece, essere collocata in un altro momento della racconto (il montatore può spostare una scena ovunque ormai). Anche qui, il regista può essere presente alla fase di montaggio, in alcuni casi può essere egli stesso il montatore, in altri, invece, le scelte ed i problemi tipici di questa delicatissima e definitiva fase (lo spettatore assiste al film montato, non necessariamente uguale a quello che aveva in testa il regista durante la fase delle riprese), devono essere affrontati e risolti dal montatore. Perché la specializzazione, nel cinema, paga.

§§§

3. Le scelte formali de “Il Cigno Nero” di Darren Aronofsky

Mentre rivedo, per l’ennesima volta, “Il Cigno nero” (“Black Swan“), noto che l’opzione principale utilizzata dal regista Darren Aronofsky, è quella di riprendere, praticamente tutto il film,

a ridosso dell’esistente Nina Sayers

interpretata magistralmente, tanto da meritare il premio Oscar, da Natalie Portman. E della sua doppia personalità.

§§§

3. Specificità e la rilevanza della ripresa nel contesto della narrazione filmica

**Circa il “come“, ed il “da dove” il regista decide di riprendere le scene, gli eventi e gli esistenti del film**

Perché il regista fa questo?

Perché decide di riprendere ogni evento, che riguarda questo personaggio, a ridosso del personaggio?

Perché è l’unico modo per farci vivere la storia come se, anche noi, partecipassimo, in prima persona, come se fossimo noi stessi Nina Sayers, al turbinio di:

accadimenti,
sensazioni,
dubbi,
angosce esistenziali,
insicurezze diurne e notturne,
panico, talvolta bloccante,
allucinazioni,
sdoppiamenti, improvvisi, della personalità,
ambiguità sessuali con la sua antagonista Mila Kunis: (Lily),
ed artistiche con il coreografo Vincent Cassel: (Thomas Leroy),
relazioni oppressive, per il rapporto anaffettivo, ed, al tempo stesso, claustrofobico, con la madre,

che l’esistente vive, durante tutto lo svoglersi degli eventi del film, fino alla culminante sequenza finale.

Un modo che definisce, in maniera decisamente autoriale, il perché l’inquadratura, è il modo che diventa linguaggio, e più precisamente il linguaggio, con cui il regista narra, filmicamente, la storia ed il discorso.

In una parola: Il film.

Senza alcun dubbio, e senza possibilità, alcuna, di appello o confutazione.

Del resto fateci caso. Le riprese “a ridosso dell’esistente“, sono parte integrante del linguaggio filmico dello stile documentarista, che deve trasferire allo spettatore l’idea di essere, anche lui, partecipe all’indagine come se fosse, egli stesso, il documentarista.

Dopo questa spiegazione, riguardatevi il trailer del film, notando tra l’altro, anche, come è montato bene, come i cambi di momento narrativo siano splendidamente accompagnati da cambi di commento sonoro, che si sincronizzano con le immagini in maniera veramente stupefacente.

Se solo i film fossero realizzati con la stessa maniacale cura di certi trailer … starei al cinema tutti i giorni.

Buona visione.

Alla prossima.

I film in uscita dal 23 marzo 2012

2012-03-22T17:16:12-07:00

Il weekend al cinema visto da me

La Buenos Aires di Sebastián

Esce nelle sale oggi il film vincitore all’ultimo Festival Internazionale del Cinema di Roma, “Cosa piove dal cielo?“, diretto dall’argentino Sebastián Borensztein.

Commedia tendente alle atmosfere surreali, ambientata a Buenos Aires, con una narrazione fortemente incentrata sul personaggio di un ferramenta sociopatico. Che si aggiudica, meritatamente, la sempre più ricercata, dagli autori, pole position dei film in uscita di cinemavistodame.com che non è che la regala a chicche o a sia.

Protagonista del lungometraggio un ferramenta, che un giorno però s’imbatte in un giovane cinese, Jun, che non parla una parola di spagnolo, e che è arrivato nella capitale argentina in cerca di uno zio. Il sociopatico, suo malgrado, lo accoglierà in casa finché non avrà trovato il parente perduto, ma le conseguenze saranno imprevedibili.

Nel film – che ha un canovaccio che ci ricorda la storia de “L’ottavo giorno” di Pascal van Dormael con un interprete straordinario del calibro di Daniel Auteuil, film che se non avete visto vi consigliamo caldamente di recuperare – nella parte del ferramenta, Il bravissimo attore argentino Riccardo Darìn, che tanto ci lasciò affascinati nella pellicola: “Il colore dei suoi occhi“, del regista argentino Premio Oscar Juan José Campanella.

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Rimaniamo sempre in un ambito d’imprevedibilità anche con il gesto delle protagoniste di “17 ragazze“, delle sorelle francesi Delphine e Muriel Coulin.

Ispirato a fatti realmente accaduti nel 2008, la pellicola narra la storia di 17 adolescenti che sconvolsero gli abitanti di una cittadina di provincia della Francia, prendendo una bizzarra decisione: rimanere tutte contemporaneamente incinte.

Il film è, ammettiamolo, l’altra uscita degna di nota della settimana, e si conquista, pertanto, la seconda posizione nell’ormai tradizionale excursus settimanale dei film in uscita, che è uno dei tormentoni del vostro cineblogger di fiducia, di voi carissimi ed affezionati lettori, che il sabato e la domenica diventate sempre più numerosi. Bravi fate bene a fidarvi di noi. E lo mettiamo lì, non fosse altro per la colonna sonora, che arriva a citare “Hair” – di Milos Foreman, un cult movie della mia generazione.

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E a proposito di donne, ne narra, filmicamente, una davvero speciale un altro francese, quel vecchio marpione di Luc Besson, che in “The Lady“, che, in questo film, ci racconta vicende pubbliche e private di Aung San Suu Kyi, pacifista birmana attiva da decenni contro la dittatura nel suo paese, e per la difesa dei diritti umani, costretta agli arresti domiciliari, quasi ininterrottamente, dal 1989 al 2007, e separata a forza dal marito. Nel ruolo della protagonista Michelle Yeoh.

Un tempo questo regista si sarebbe beccato la pole position. Questa settimana è solo terzo, invece.

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E’ italiano, ma tratto da un romanzo dello scrittore britannico Nick Hornby, che, vi ricordo, è lo stesso autore della celeberrima opera narrativa “High Fidelity” (Alta Fedeltà), dal quale fu liberamente tratto l’omonimo bellissimo film diretto da Stephen Frears.

Stiamo parlando di ”E’ nata una star“, di Lucio Pellegrini: una mattina come tante, una donna trova nella sua buca delle lettere un video accompagnato da un biglietto che sconvolgerà il suo ménage familiare: si tratta di un film erotico vietato ai minori, il cui protagonista è suo figlio, adolescente. Imbarazzata dalla rivelazione del ‘talento nascosto’ del ragazzo, la donna dovrà trovare il modo di confessare la scoperta al marito e insieme cercare di affrontare la situazione.

Da quel momento niente in famiglia sarà più come prima. Interpreti del film Luciana Litizzetto e Rocco Papaleo, che sono entrambi in un momento molto felice della loro realizzazione professionale. Basteranno la scrittura di Nick, e la presenza di questi due attori, a decretare il successo di questo film? Al box office sicuramente si, diciamo noi. Scommettiamo?

§§§

Il panico, in questo weekend invece, sale e corre a bordo di una motocicletta, nel secondo episodio cinematografo di “Ghost Rider: Spirito di vendetta” di Mark Neveldine e Brian Taylor, ispirato all’omonimo fumetto della Marvel.

Nicolas Cage torna a calarsi nei panni di Johnny Blaze, motociclista che ha venduto la sua anima al diavolo, pur di salvare il padre ammalato di cancro.

Blaze/Driver viene coinvolto, da un monaco beone, in una pericolosa missione: salvare dalle grinfie di Mefistofele un bambino di 13 anni, di cui il demonio vorrebbe fare l’erede.

Nel ruolo della madre la nostra Violante Placido. Di questo film vi avevo già anticipato qualcosa qui.

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E’ una sorta di biopic è anche “The Raven“ di James McTeigue, con John Cusack nei panni di Edgar Allan Poe, leggendario poeta del gotico, che il film immagina coinvolto in un’indagine per smascherare un efferato serial killer che, a causa dei suoi delitti ispirati ai celebri racconti del maestro dell’orrore, sta provocando il panico in città.

Mah …

§§§

Infine, sempre dall’Italia, arriva “Quijote“, di Mimmo Paladino, ultima apparizione al cinema del grande Lucio Dalla. Il cantautore bolognese interpreta Sancho Panza in quella che è una sorta di adattamento guidato del Don Chisciotte di Cervantes.

In occasione del quarto centenario della pubblicazione del romanzo, il regista racconta a suo modo, in un percorso che si snoda tra arte, cinema e letteratura, il personaggio di Don Chisciotte, eroe e anti-eroe al tempo stesso. Il film compie un viaggio nell’immaginario del cavaliere, la cui “triste figura” continua a sognare e a far sognare mentre piena di nobiltà e coraggio ingaggia infinite lotte contro mulini a vento.

Il film è l’ennesimo tentativo d’ibridazione tra teatro e cinema che approda nei nostri schermi e, mi spiace dirlo, probabilmente in coincidenza con la scomparsa di Lucio Dalla.

Avvertenze – come leggere questo post

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Ciao Tonino …

2012-03-21T06:03:28-07:00

Amarcord de ti

“Alle 8,30 della mattina del 21 marzo del 2012 in Piazza Ganganelli, a Santarcangelo, nella casa di Tonino Guerra è entrato il silenzio.”
La moglie Lora e il figlio Andrea

“Ad un certo punto dovrò pur dire a qualcuno che non sto cercando la mia infanzia, ma addirittura l’infanzia dell’intero mondo.”
Tonino Guerra

Nel video che lascio, un piccolo inserto di quello in cui credeva Tonino. Il bisogno di recuperare stili di vita del passato.

“Siate sempre in molti nelle piazze“.

http://www.toninoguerra.org/

http://it.wikipedia.org/wiki/Tonino_Guerra

Imparare il film (si può?)

2012-03-18T10:16:34-07:00

Verso una strada possibile del rilancio del Cinema d’autore: insegnare ai giovani il Cinema

a cura di Roberto Bernabò

Sempre più studenti sembrano interessati a “l’apprendimento del Cinema.”

L’offerta, anche in Italia, al momento, è ricca, e copre un ampio spettro di soluzioni:

fare film,
la tecnica,
l’analisi dell’immagine,
il commercio all’ingrosso: il cinema learn;
…

Le tendenze emergenti

Una recente indagine della rivista francese “I Cahiers du Cinema“, rivela, al riguardo, che le esigenze degli studenti sono cambiate:

ora c’è una richiesta maggiore di specializzazione, elemento indispensabile e sempre più basilare, assai più del vago desiderio, di “fare film”.

Molti vogliono imparare un mestiere: direttore della fotografia, fonico, produttore (e Dio solo sa se non ne avremmo bisogno), o … critico (maddai).

Le stesse scuole di qualifica professionale parlano anche di “assistenti alla regia” e non solo più di “registi“.

E non vende più il sogno che il pragmatismo contemporaneo, impone.

Da parte sua, l’Università, che incoraggia la pratica come elemento centrale di formazione, sostenuta, però, da un solido apprendimento teorico, accoglie con favore queste iniziative tenendo presente che l’Università è, e deve rimanere, un luogo di ricerca.

§§§

Perché il rischio è quello di perdere di vista il fondamento dell’educazione, che non è né la sua “utilità“, né la “sottomissione al mercato del lavoro“, ma, piuttosto, la sua capacità di evocare un sentimento, un senso critico, proponendo agli studenti le immagini come strumento dell’intelligenza, come espressione della propria individualità, e non solo come oggetti da guardare, o da realizzare con una tecnica, qualunque essa sia.

A volte può bastare anche l’esempio di un unico insegnante (si veda la testimonianza di Sophie Letourneur e di Riad Sattouf in Francia).

In un momento in cui si può trovare, ovunque, una macchina fotografica digitale, ed un software di editing, che può portare una scuola, in fondo, se non proprio queste voci diverse?

Il limite di molte scuole pubbliche e private è anche quello di lavorare, con le parti interessate, senza permettere lo sviluppo di una considerazione più profonda del cinema.

E’ la forza e la debolezza dell’eclettismo de La Fémis, rivendicare il rischio di dispersione, dovrebbe essere insegnata come un film.

§§§

Il regista

Dopo questa analisi diciamo, molto stranamente, che la tabella ha un punto cieco: il regista.

Il regista come caso di studio, in primo luogo.

Dal momento che, a quanto pare, all’università, l’”autore” è messo in discussione a favore di concetti più generali, teorie derivate da Anglo-Saxon (i gender studies o generi cinematografici).

La vera domanda è però opposta, è cioè quella inerente la singolarità.

E’ sempre rassicurante fare affidamento sui modelli e gli archetipi.

Come insegnare una singolarità?

Punto critico, perché è attraverso l’esempio di una singolarità, che permetteremo la nascita di altre singolarità.

Scoprire cosa può il cinema, quanto può essere più bello, più emozionante, inaudito, sarà sempre più importante, a mio modo di vedere, di studiare le costanti, i fondamentali, e le competenze essenziali, se spegneremo tutto ciò nel mito della “professionalizzazione“.

Possibile deve essere messo a morte, il reale e la singolarità debbono prevalere sui crediti.

Ma saremo a buon punto, in questa prospettiva, se e solo se il cinema italiano, come il suo calcio, non creerà più di tecnici senza genio.

Le scuole

L’educazione cinematografica nelle scuole ha senso solo se la loro prospettiva educativa (anche se si tratta, per il momento, di una mia pura fantasia), sarà sempre e solo al servizio dell’idea d’inventare i cineasti di domani. E non, quanto meno non solo, d’insegnare una tecnica.

Per fare ciò le scuole e/o le università non sono inevitabili, o superflue, al contrario.

Gli inizi possono essere semplici come questo: guardare un film, analizzare il film, studiarne la scrittura – cinemavistodame è in grado di sapere che la scrittura conduce al film.

Ma non c’è bisogno di sostituire una religione con un’altra.

La scuola, l’università, il teatro, la scuola della strada, sono tutti elementi necessari per consentire, in specifiche prospettive singolari, di costruire la prova del collettivo.

Un cortometraggio come esempio

Un cortometraggio inedito di Claude Lelouch: “Rendezvous“, interamente girato a Parigi, e che costò al regista un processo ed una multa salata, servirà a chiarire cosa intendo per immagini intelligenti, espressione di una singolarità artistica.

Altre curiosità su questo cortometraggio: qui.

Links

Fonderia Arti Scuola Cinema

Accademia Nazionale del Cinema

I film in uscita dal 16 marzo 2012

2012-03-16T08:54:16-07:00

Il weekend al cinema visto da me

Ferzan e i suoi fantasmi

Poi dice che uno non deve avere dei pregiudizi sul cinema di Ferzan Ozpetek, poi dice.

Esaurita la saga familiare Ferzan si butta sui film “de paura” con i fantasmi. In una chiave tutta sua, va detto, che intende rievocare atmosfere alla “The Others” di Alejandro Amenábar, traslandole, però, nello specifico filmico del vivace, romantico, decadente e crepuscolare universo umano del suo Cinema.

Perché è questa la “Magnifica presenza” di Ozpetek, nono lungometraggio del regista italo-turco che torna nelle sale tre anni dopo “Mine vaganti” con una storia che mischia le carte e i generi. Titolo di punta del weekend, “Magnifica presenza” presenta un cast all star: Margherita Buy, Beppe Fiorello, Vittoria Puccini, Cem Yilmaz, Andrea Bosca, Claudia Potenza, il baritono Ambrogio Maestri e la grande attrice di teatro Anna Proclemer, eh si, avete letto bene, che come ci sia finita, alla sua veneranda età, un’attrice del suo calibro, in un film di Ferzan, resterà uno dei mille misteri della nostra patria, insieme al segreto del successo con le donne di Albano, ed i giochi d’infanzia di Mario Monti.

Ciò non di meno è a questo regista che cinemavistodame.com, considerando le altre forze in campo, dona l’ormai ambita pole position, con tanto di foto in bianco nero. Anche se con Oscar d’argento, sia detto.

Uno dei motivi di ciò è la presenza, nel cast, di Elio Germano, probabilmente il migliore attore italiano sui quarant’anni italiano, che ci fa venire la voglia di andare ad assistere in sala, anche a quest’ultima fatica del regista, mi ripeto, non me ne vengono altre, italo-turco.

Dai Ferzan accontentati, te poteva andare peggio.

§§§

Se i fantasmi non sono, come dire … nelle vostre corde, in questo weekend, potete sempre decidere (contenti voi), di destinare un paio d’ore della vostra vita, al decalogo amoroso di “10 regole per fare innamorare” – di Cristiano Bortone, regista esordiente, piccolo vademecum per conquistare una donna in dieci mosse: che è poi il point of concentration delle intenzioni di Renato (interpretato da un sempre più presente, e meno evitabile Vincenzo Salemme), chirurgo estetico di successo nonché indomabile donnaiolo, che intenderebbe trasferire tali, indiscutibilmente interessanti insegnamenti, al diciottenne figlio Marco, in loop amoroso per una conquista sentimentale apparentemente impossibile.

Che dire. Questo film ci lascia molto titubanti. Sia perché … no dico … ma come se fa a fare uscire anche un libro su una storia del genere (!). E sia perché, come dire, … non credo stiamo di fronte al nuovo autore del cinema italiano, sempre più massacrato da esperimenti che ci lasciano molto poco fiduciosi in un futuro migliore, del calibro, che ne so, di Paolo Sorrentino o di Matteo Garrone (Matteo, a proposito, dove sei finito?)

Vi lascio il trailer, per farvi capire l’antifona.

§§§

Dal 14 marzo è già nelle sale anche il nuovo (per me inspiegabile), fenomeno della comicità pugliese, Uccio De Santis, in “Non me lo dire” – di Vito Cea (“Arrivano i mostri” – 2008, e “Natale con chi vuoi” – 2009): Uccio, nel film, interpreta il personaggio di Lello Morgese, un comico tv (ma tu guarda), lasciato dalla moglie Silvia, stanca di essere continuamente trascurata per via dei numerosi impegni lavorativi del marito.

Sconfortato per via della separazione, Lello, dopo essere entrato in una grave crisi artistica, lascia la compagnia teatrale, e contatta uno psicanalista, al quale affida il mandato di risolvere la sua triste situazione.

Su consiglio dello psichiatra, Lello parte per un viaggio on-the-road attraverso la Puglia, che fa tanto di Basilicata coast to coast oh yeah, per ritrovare la sua verve comica grazie al sostegno dei suoi fans.

Uccio è l’ennesimo caso di un personaggio comico che, dalla televisione, approda al grande schermo (e basta …)!

La cosa interessante, in questa ontologia, è il fatto che questo attore brillante proviene dalla fucina di artisti che è Telenorba, che tanti talenti (o pseudo tali, senza offesa per nessuno), ha saputo rendere così celebri in Puglia, da decretarne un escalation, poi, sul piano nazionale. Personaggio minore della comicità televisiva, Uccio è da accodare nella scia del filone di film che segna il rilancio del cinema umoristico pugliese, che tanto deve a Checco Zalone.

§§§

Attenzione attenzione signori, all’ultimo posto del nostro consueto excursus settimanale sui film in uscita nel weekend, il vostro cine blogger di fiducia vi annuncia, niente po’ po’ di meno che: l’uscita italiana del film campione d’incassi: “L’altra faccia del diavolo“, che, ci duole dirlo, è stato negli USA, il primo film al loro botteghino dell’anno: nonché quinta, dico quinta, uscita di sempre (quasi 35 milioni di dollari), roba da fare tremare i polsi a James Cameron.

La pellicola è un horror che è costato appena 1 milione di dollari.

“L’altra faccia del diavolo” ha certamente goduto di quello che definirei, senza tema di essere smentito, “l’effetto Paranormal Activity” (dietro le due produzioni, infatti, c’è Steven Schneider), e conferma di un must che sostengo da molto tempo: il successo di un film, prescinde dal film.

Diretto da William Brent Bell e girato tra la Romania e l’Italia, come fosse un documentario, è l’ennesimo figlio minore de “L’esorcista“, con tutti i classici del caso:

donne possedute,
suore zombie,
preti killer,
e, naturalmente, una campagna marketing (questa sì) da paura.

La critica americana l’ha stroncato. E anche “il Vaticano – ci informa una didascalia all’inizio dell’opera – non incoraggia la visione di questo film”.

Panzana di dimensioni mega-galattiche, ovviamente, ma il bluff è riuscito.

Roma è tappezzata, infatti, di manifesti di una grandezza imbarazzante per pubblicizzare lo “scult” dell’anno.

Avvertenze – come leggere questo post

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Potete anche dare uno sguardo ai film in sala, qui. O alle locandine qui.

I film in uscita dal 9 marzo 2012

2012-03-09T14:45:32-08:00

Il weekend al cinema visto da me

Storie semplici di donne diversamente complicate

Questa dell’8 marzo è una settimana tutta declinata al femminile, ovviamente. Donne di ogni età, latitudine, estrazione sociale, nazione, cultura. Donne forti, eppure imparagonabilmente delicate e fragili. Per i malanni del corpo e dell’anima, e per i soprusi e le prepotenze degli uomini.

La sempre più ambita e discussa pole position di cinemavistodame va, questa settimana, alla straordinaria Deannie Yip – Coppa Volpi a Venezia – protagonista del commovente “A Simple Life” della regista cinese Ann Hui. La Yip interpeta Chung Chun-Tao, detta Ah Tao: una donna che per sessant’anni è stata a servizio presso la famiglia Leung. Con il trascorrere del tempo, i componenti della famiglia sono tutti o morti o sono emigrati, ed ora Ah Tao passa al al servizio di Roger (Andy Lau), l’unico Leung rimasto a Hong Kong. Un giorno, Roger trova la donna in preda a un ictus e la porta precipitosamente in ospedale, dove viene soccorsa e messa fuori pericolo.

Dimessa dall’ospedale, Ah Tao decide di ritirarsi in un ospizio per non essere di peso a Roger, ma l’uomo si renderà conto di essere molto legato alla vecchia governante e, dietro consiglio della madre, deciderà di trasferirla in uno degli appartamenti di famiglia. Ah Tao potrà finalmente avere, dopo tanti anni di sacrifici, una casa tutta sua per la vecchiaia, ma ben presto le sue condizioni di salute si aggravano.

Il film è stato presentato, in concorso, alla 68ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, dove l’attrice Deannie Yip, ha vinto la Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile.

La seconda posizione, sempre molto ambita, dei film in uscita raccontati da cinemavistodame, viene accordata, senza alcun indugio, alla Mavis Gary (Charlize Theron) di “Young Adult” di Jason Reitman: ghost writer di una collana di romanzi per ragazzi che non vende più, Mavis – che da molti anni vive a Minneapolis – decide di fare ritorno alla sua città di nascita, Mercury, per riprendersi il suo primo amore, Buddy (Patrick Wilson), un nel ragazzo suo compagno del liceo, che, però, nel frattempo (peccato), si è sposato e ha messo su famiglia. Non sarà per nulla facile. Sceneggiatrice della storia è Diablo Cody, regista del film, invece, è Jason Reitman, la coppia aveva già dato vita 5 anni fa a Juno, premiato al 1° Festival internazionale del Cinema di Roma (all’ora ancora festa del cinema). Jason Reitman è anche il regista del bellissimo film “Tra le nuvole” che da queste parti è piaciuto molto.

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E’ già nelle sale dal 7 marzo il nuovo fantasy della Disney “John Carter“, diretto da Andrew Stanton, adattamento cinematografico di un ciclo di racconti fantascienza di Edgar Rice Burroughs. Il protagonista è un capitano dell’esercito sudista che, durante la guerra civile americana, viene misteriosamente catapultato sul pianeta Marte, in pieno tumulto a causa delle numerose guerre in atto per il controllo del pianeta.

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Femminile al plurale è anche la nuova commedia del bravissimo regista rumeno Radu Mihaileanu (Tren de vie, Il concerto), “La sorgente dell’amore” (che indovinate che cos’è, se non la stessa raffigurata nel celebre dipinto “L’origine du monde” del 1866 di Gustave Courbet, ovviamente): nel film, infatti, si narrano le vicende di un piccolo villaggio del Maghreb, dove sono le donne a portare avanti il ménage familiare, oberate di compiti e mansioni, mentre gli uomini non rispettano i loro obblighi. Capeggiate dalla giovane Leila, tutte loro porteranno avanti una campagna contro lo sfruttamento per il trasporto dell’acqua istituendo lo sciopero dell’amore: niente coccole o sesso finché gli uomini non si decideranno a costruire un tubo per portare l’acqua al villaggio! Atmosfere che tangono quelle del film di Nadine Labaki “E ora dove andiamo?” per intenderci, anche se in tutt’altra chiave registica.

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Ci piace mettere al primo posto dei 5 film italiani in uscita in questo weekend, il drammatico “Là-bas – educazione criminale“, di Guido Lombardi, che rievoca nell’ontologia della docu-fiction la tristemente famosa strage di Castelvolturno, compiuta da un commando di camorristi che fece irruzione in una sartoria d’immigrati africani, sparando all’impazzata, ad altezza d’uomo, ed uccidendo, ahimè, ben sei ragazzi di colore.

Cose che non accadono in Africa, ma in Italia, ad appena 30 chilometri dal capoluogo regionale campano, Napoli, la mia città. Vi lascio, per approfondire la complessità di questa pellicola, e le difficoltà che incontra, nella mia terra, chi intende narrare la verità sulla tormentata condizione in cui versano gli immigrati africani in Campania (ma direi in generale bel nostro paese), una lunga intervista di Sergio Nazzaro al regista del film Guido Lombardi, a cui va tutta la nostra stima.

Il film è stato presentato alla 68ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, nella sezione ”Controcampo italiano“, nella quale Guido Lombardi ha vinto, per questo coraggioso lungometraggio, il premio Luigi de Laurentis. Ed altri due awards.

Lasciatemi dire che fino a quando giovani registi come Guido s’impegneranno a girare pellicole come questa, noi tutti avremo diritto di sperare che le cose possano cambiare. Ed anche se non dovrebbe essere compito del Cinema adempiere a questo gravoso compito, rimaniamo pur sempre il Paese del primo e del secondo neorealismo italiano, che tanto contribuirono a fare cambiare la percezione dell’Italia nel mondo. E Dio solo se se non abbiamo bisogno di ciò, anche adesso.

Un secondo bell’editoriale video sul film, curato da Napoli Urban Blog è qui.

“Abbiamo anche ballato con Fassbender.” Maddai … grande Guido! ;-)

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Segnaliamo anche l’uscita dell’ultimo film dei Manetti Bros “L’arrivo di Wang“, sci-fi incentrato su un alieno preso in custodia dalla polizia italiana (bizzarro no?), ed in particolare da un agente senza scrupoli (Ennio Fantastichini). I Manetti Bros non convincono nessuno dei cinebloggers italiani, tranne, forse, chi vi scrive, che, invece, apprezza il loro tentativo di emanciparsi dagli stilemi del cinema made in Italy.

Il film è stato presentato alla 68ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, nella sezione “SIC”.

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Segnaliamo anche l’uscita del film “The Double“, thriller diretto da Michael Brandt ed interpretato da Richard Gere che si cala nei panni di un agente della CIA andato in pensione con un rimpianto: non essere riuscito a inchiodare un misterioso e imprendibile killer sovietico, Cassius. Quando un senatore viene assassinato e l’omicidio sembra portare la firma del suo storico avversario, Paul viene richiamato in servizio dal suo ex superiore Tom Highland, per collaborare alle indagini.

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Parla italiano anche l’horror indipendente “Colour from the dark” di Ivan Zuccon, che racconta di un caso di possessione durante la seconda guerra mondiale. Sul quale preferiamo non aggiungere molto, dopo aver visto il trailer.

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Si cambia ontologia (in tutti i sensi) con il fenomeno Jonny Groove, all’anagrafe Giovanni Vernia, cabarettista di Zelig, e per la prima volta sugli schermi con “Ti stimo fratello“, (eh si, è il momento della trasposizione dal cabarettistico al filmico, dopo il successo dei film di Checco Zalone), commedia coatta dal sapore autobiografico (Vernia non è solo il protagonista, ma anche sceneggiatore e co-regista della pellicola).

Avvertenze – come leggere questo post

Le preferenze accordate da cinemavistodame.com ai film in uscita, le evincete, come sempre, dall’ordine d’impaginazione delle pellicole nel post.

Potete anche dare uno sguardo ai film in sala, qui. O alle locandine qui.