Cinemática

Zack Snyder's Justice League (Marzo, 2021)

2021-03-27T15:15:00.005-07:00

Todos los que me conocen saben que soy marvelita de corazón. También me encantan los cómics. De todo tipo.

Y en igual medida me encanta el cine. Desde el más ridículo hasta el más "selecto".

Me falta mucho para pararme el cuello y jactarme como un verdadero conocedor de todos los géneros, de todos los creadores, de todos los estilos. Y lo celebro, ojalá nunca me canse de aprender, de disfrutar, de gozar, de sufrir, de exigir, de tener hambre de ver cada día más y mejor cine.

Dicho esto, quienes me conocen también saben que el cine de Zack Snyder no es mi director preferido. Si bien celebré su grandiosa 300 y salí de ver Watchmen dando brincos de alegría, su trabajo posterior me mostró que el señor es un excelente adaptador, pero le falta mucho para crear personajes nuevos, construirlos de forma contundente y que éstos sumen a una trama bien armada, redonda.

Lo mostró en Sucker Punch y lo demostró de nuevo en Man of Steel, una cinta más de súper héroes que daría inicio al universo fílmico de DC Comics y en donde nos presentaría a SU visión de Superman, puesto que el hombre de acero que conocemos NO MATA. Pero bueno...

Y finalmente, después de años de peticiones online y de dimes y diretes, WB finalmente le dio luz verde para terminar la cinta que dejó incompleta y que el estudio tuvo que buscar a otro director para intentar "salvarla" de alguna manera y recuperar algo de lo invertido. Ahora todos sabemos el resultado, una cinta con muchas buenas intenciones, con ajustes de último segundo y con efectos que necesitaban más tiempo del que les fue dado para terminar la visión bizarra de dos directores diametralmente opuestos.

Haiga sido como haiga sido, Snyder tuvo una segunda oportunidad para completar su trilogía con Superman, con un presupuesto adicional de 70 millones de dólares, varios meses y el apoyo de todo el cast & crew original — hasta le dio tiempo para filmar escenas extra... —.

Seré muy franco, esperaba algo peor.

Mucho peor. Dado que tanto Man of Steel y BvS son "Snyder Cuts" al 100 por ciento, vaticinaba que su JL fuera más de lo mismo.

Y sí lo es.

Pero eso no es malo.

Desde la fallida batalla entre Batman y Kal-El y la mediocre Suicide Squad todos pensábamos que a WB le hacía falta un Kevin Feige que se hiciera cargo de llevar un orden en su propuesta fílmica, pues no veíamos pies ni cabeza tanto en la continuidad como en la cohesión de las películas. Pero una vez que se estrenó el Snyder's Cut de la JL nos damos cuenta que sí había un hilo conductor y que Snyder lo tenía muy claro. Sólo que hubiera estado genial que se lo hubiera compartido al resto de directores, escritores, etc, etc...

En si, la cinta no dista mucho de lo que ofreció la versión cinematográfica anterior. Ante una amenaza alienígena, un grupo de personas extraordinarias deben unir fuerzas para enfrentar esta amenaza, pero el primer enemigo que deben vencer es su incapacidad de trabajar juntos, pues sus motivaciones personales distan el uno del otro... (Cualquier parecido con The Avengers es mera coincidencia).

Para fortuna de Snyder y sus fans, en esta ocasión contó con total libertad creativa, lo cual dio por resultado una cinta de poco más de 4 horas de duración, lo cual es su principal ventaja y, al mismo tiempo, su mayor defecto (lo cual explicaré más adelante).

La historia se toma su tiempo para contar no sólo la historia del nacimiento de la liga, sino también de algunos de sus miembros que no conocíamos en el momento en el que tendría que haber sido estrenada. De esta manera entendemos quiénes son y de dónde vienen los personajes que apenas vimos en BvS. El personaje de Cyborg destaca de todos ellos, pues los escritores ligaron su origen directo con el conflicto principal de la película, lo cual es un elemento fresco e interesante que ayuda a que la historia tenga una construcción más firme y con un objetivo claro.

El villano también es una gran mejora, pues pasó de ser un personaje genérico sin una misión en particular más que ser malo a tener una motivación clara y muy poderosa con la que muchos podríamos relacionarnos. El que ahora se vea mucho más amenazante es pecata minuta.

Lo que más rescato de Zack Snyder's Justice League es el espectáculo. Si tomamos a Man of Steel como la introducción y a BvS como una evolución en su propuesta, su JL es una especie de "grand finale" a lo grande. Y se toma tres horas para construir momentos que no encuentro otra forma de describirlos más que como "épicos". Y si, la cinta entrega lo que Zack Snyder prometió desde un inicio, su visión de cómo seria un mundo en donde los héroes se unen para defender la tierra de una amenaza inminente.

Y después de cuatro años, en los cuales DC lanzó cintas realmente competitivas como Aquaman, Shazam y Birds of Prey — además de lo que hizo Marvel Studios con sus respectivas cintas finales de Avengers — ya hubiera sido ridículo que Snyder no hubiera aprendido un par de cosas nuevas sobre cómo hacer cine.

Esta Justice League entretiene. Y sí, si me gustó.

Pero... ¿Es una buena película?

No.

No lo es.

El fuerte de Snyder es el espectáculo, lo estético, lo visual. Y tiene muchísimas ideas muy profundas sobre el ser, el deber ser, el conflicto interno sobre qué es la justicia, lo correcto... todo esto lo ha intentado plasmar en sus películas anteriores a través del mismo Superman, Lex Luthor, Bruce Wayne, con varias referencias bíblicas sobre el salvador, los ángeles, los demonios. Todo esto, en teoría, tendría que darnos horas y horas de análisis sobre todos estos elementos que nos ayudarían a comprender mejor los qués, por qués y cómos de todos y cada uno de los personajes que Snyder pone tan bonito en pantalla. Pero seguimos en lo dicho, Snyder no encuentra el balance entre la forma y el fondo. La filosofía se pierde entre tanto filtro obscuro y cámaras lentas.

De igual manera, el director no termina por entender que las coincidencias no son elementos que un guionista inteligente puede usar para resolver un conflicto. La pifia de "Save Martha" continúa, sólo que ahora es un guante mágico que usa Batman para salvarse de una muerte segura a manos de un Kal-El vuelto a la vida. (No tendría por qué mencionarlo, pero la forma en la que Whedon arregló ese problema me parece no sólo correcta, sino muy inteligente).

Mencionaba en párrafos anteriores que la duración de la cinta es una espada de dos filos. Por un lado, ayuda tener tanto tiempo para exponer todo lo necesario para que al público le quede claro quién es quién, cuál es el conflicto y cómo lo deben resolver. Bien. Pero, al mismo tiempo, tanta exposición, tanto espacio muerto, desespera.

Finalmente, estamos en el entendido que esta no es la Liga de la Justicia con la que crecimos (o los Súper Amigos, pues...). Es una cinta de Zack Snyder en la que adaptó a personajes de DC Comics, por lo que su propuesta no está dirigida a los fans de los comics, sino a los fans de SU estilo, a los fans de Snyder. ¿Y las faltas de rigor fílmico? ¿Y los elementos que no tienen sentido en la película? Ah pues es culpa del público que no entiende las referencias que el director quiso decir. Y ni hablemos de la fidelidad de los personajes con sus contrapartes en los cómics, porque no hay tal. El cine de Snyder es grotesco, es soez, es sangriento y su liga es más una liga de juez, jurado y ejecutor que de "justicia".

Él mismo lo dice, "soy un provocador, no soy un cineasta convencional". Sin los ejecutivos que estuvieran detrás de él, sin nada que lo limitara, se aventó no sólo a hacer su versión "épica" de súper héroes, sino que la entrega en 4:3. Algunos aseguran que lo hizo así por que siempre quiso filmar su visión en formato IMAX (y no me extrañaría ya que siempre fue aconsejado por Christopher Nolan), pero dado que el estreno de su cinta se fue directo al streaming, más que un elemento artístico me parece un movimiento muy inteligente del director para que algún fan no editara un "súper cut" con lo mejor de la versión de Whedon y Snyder (lo cual no habría estado nada mal, a decir verdad)...

Más que una victoria para Snyder o para el cine de súper héroes (o el cine en general), ésta película es un premio para todos los fans que nunca se cansaron de pedirle a WB que les diera la cinta que esperaban desde BvS. Es a ellos a quienes el director tenía que satisfacer y, por lo visto, lo logró. Por lo demás...

Gracias por todo, Zack. We love you 3 thousand.

Jojo Rabbit (Fox Searchlight Pictures, 2019)

2020-02-17T15:02:00.004-08:00

Ya es costumbre que nuestro país se queda rezagado cuando se trata de que el cine de autor llegue a la sala de cine más cercana - si es que llega -. Es bien conocido que este tipo de producciones "no son negocio", no como Avengers, como Star Wars, como Harry Potter o alguna franquicia genérica como Fast & Furious... Bueno, tenemos la Cineteca y otros espacios que se enfocan en traernos películas cuyo valor reside en su manufactura y no en sus campañas, marketing y resultados netamente plásticos (yo AMO todo tipo de cine, pero la verdad sea dicha, es triste ver que las 19 salas proyectan la misma cinta, mientras que otras hechas con el corazón y con verdadera calidad son relegadas a horarios y localidades a veces imposibles para quienes invierten su tiempo y dinero en ellas). Hacia el final del 2019, una película comenzó a hacer ruido en el otro lado del mundo. Más pronto que tarde llegó en excelente calidad a sitios donde, ilegalmente, se pueden disfrutar ésta y muchas cintas más. Hubo quien se aguantó las ganas de verla, mientras que otros presumían que ya habían disfrutado de la más reciente cinta del director de Thor: Raknarok, Taika Waititi. Una especie de comedia situada en la segunda guerra mundial, en la Alemania nazi. En efecto, sonaba como una película típica del director.

Jojo es un niño que crece sin un padre en un pueblo alejado de Berlín, pero no por ello es ajeno a todo el movimiento del Reich ni de sus extravagantes formas de separación racial. Fiel creyente de la filosofía de Hitler, a quien tiene como amigo imaginario, consejero y secuaz, hace su parte como parte de las juventudes del Führer hasta que una "herida de batalla" lo obliga a atender otro tipo de tareas que lo llevan a estar más cerca de su madre, una joven mujer alemana que profesa un amor incondicional por su hijo al mismo tiempo que a su país... lo cual la lleva a guardar un secreto. De hecho, todo el pueblo guarda secretos que poco a poco serán descubiertos, algunos de formas muy graciosas, mientras que, para otros, las risas darán paso a un mar de lágrimas que pocas veces se ve en las salas de cine.

Debe decirse y no pienso omitirlo, Taika Waititi es un verdadero visionario. Desde su trabajo con What we do in the shadows se notaba el talento que tiene para darle la vuelta a situaciones convencionales, siempre con un excelente toque de humor. Si bien no ha descubierto el hilo negro, logró revivir a un Thor de Marvel Studios y nos dio la mejor cinta de la trilogía (hasta ahora) al eliminar la solemnidad de la segunda parte e inyectarle un poco de colorido y locura visual que comenzaron los Guardians of the Galaxy.

Habiendo obtenido la bendición del fandom más crítico y tóxico del universo, era natural que Waititi se enfrascara en un proyecto más pequeño, más personal, casi íntimo (tal y como ocurrió con Rian Johnson después de haber escrito y dirigido The Last Jedi). De acuerdo con el mismo director, la cinta tardó caso 10 años en realizarse, pues la idea surgió a principios del 2010 pero esperó el momento oportuno para reunir las piezas necesarias y así contar la historia como siempre la imaginó.

El resultado habla por sí mismo. Con Scarlett Johansson, Sam Rockwel, Rebel Wilson y Alfie Alen como parte del cast, sólo fue necesario encontrar al indicado para convertirse en el alma y corazón de la cinta. Lo encontró en el pequeño Roman Griffin Davis, quien junto con Archie Yates y Thomasin McKenzie hacen de esta pequeña y humilde historia un torbellino de emociones que retoma la fórmula que instauró Roberto Benigni hace muchos años, contarnos un trozo de la mayor tragedia humana de la mano de la comedia. Pocos han intentado retomar esta forma de contar historias y han salido victoriosos, pero la dirección de Waititi, mezclado con el talento de su crew, nos dan una de las cintas con más corazón y mensaje desde hace muchos años.

Son muchos los temas que podemos rescatar de la cinta. Por ejemplo, la relación de Jojo con su madre - con la cual todos podemos relacionarnos -, la burla sobre las formas nazis, desde los saludos hasta ironizar con la quema de libros, la "satanización" del pueblo judío, la veneración de la Alemania hacia Adolfo Hitler, hasta el homosexualismo dentro de las filas del nazismo. Pero, sobre todo, el enfoque que se le da a aquellos que no están de acuerdo con la guerra y se hacen responsables de sus alianzas políticas, con todo y las consecuencias que esto trae.

La cinta está muy cuidada y hecha con muchísimo amor. Amor al cine, a la vida, a las relaciones humanas, a la inclusión, a la música, a la comedia. El último trimestre del año se llenó de muy buen cine por lo que no hay que lamentar que Jojo Rabbit no haya recibido más galardones durante la más reciente entrega de premios. Más bien, quien escribe estos textos, agradece que cintas hechas con el corazón aún se produzcan, en pleno auge del cine más comercial que hemos tenido en la historia de la humanidad. Curiosamente, uno de los responsables del éxito de una cinta plástica es también el culpable de haber creado esta belleza que es, a partir de ahora, un clásico del séptimo arte.

Underwater (Amenaza en lo profundo, 2020)

2020-01-28T10:37:00.003-08:00

En un mercado en donde los remakes, secuelas y franquicias comerciales, ¿Qué podría ser peor? Una cinta que cuenta una historia que ya hemos visto una y otra vez durante los últimos 40 años de cine. No es un delito, pero caray, si vamos a contar una historia, que sea una que valga la pena; si vamos a retomar elementos de otras tramas, hagámoslo bien, con honor, sin pretensiones y siempre dispuestos a honrar a quien honor merece; si vamos a meternos a terrenos de ciencia ficción - con un poquito de ocultismo -, sepamos distinguir ente el sci-fy y la fantasía y así no le tomaremos el pelo a la audiencia. Vaya, el cine es entretenimiento y cada quien se debe hacer responsable de la película que va a ver. También tiene mucho que ver la campaña de promoción, de marketing, el trailer, en fin, muchas mañas que ayudan (o no) a que una película recupere su presupuesto. William Eubank es un novel director que apunta alto y se nota que tonto e ignorante no es... sólo que hay una línea muy delgada entre lo astuto y lo estúpido.

En un futuro no muy lejano, la humanidad ha comenzado a explotar diversos yacimientos descubiertos en las partes más profundas del océano. Ahí han construido estaciones gigantescas en las cuales se encuentran cientos de trabajadores. Pero una serie de accidentes obligan a sólo unos pocos sobrevivientes a escapar a como de lugar, pues una serie de "temblores" han desestabilizado la estación. Es así como un pequeño grupo de sobrevivientes deben trasladarse a una estación abandonada que se encuentra a unos cuantos kilómetros de donde se encuentran. Los trajes presurizados son escasos, así como los tanques de aire y, sumado a que todo a su alrededor está cayéndose a pedazos, descubren que algo desconocido los acecha en las profundidades.

¿Se acuerdan de las películas de monstruos marinos que atacan nomás por que si? ¿Recuerdan que esta cinta ya la hemos visto antes en mil y un formatos diferentes? Si. O sea, estamos ante una producción genérica que no aporta absolutamente nada al género, ni por los efectos especiales ni mucho menos por las actuaciones - y ni mencionar al elenco que realmente es tan intrascendente como la historia misma -.

Tenemos a Kristen Stewart como una experta en sistemas, a Vincent Cassel como capitán del equipo... y ya. El resto son actores tipo "pisa y corre", pues en ninguna de sus historias se profundiza ni de desarrolla. Todos existen sólo para que la protagonista haga lo que tenga que hacer y la historia se desarrolle como cualquier otra cinta de ficción. De hecho, el guión se presta a que ninguna de las actuaciones resalte ni se convierta en referencia. Vaya, para ser sinceros, todo esta cinta apunta a que es sólo una oportunidad de hacer dinero a costa de explotar el terror psicológico estilo Alien, con caras conocidas o actores que ya no cobren tan caro.

Lo cierto es que el director tiene colmillo y sabe que la mejor publicidad de una cinta no la garantiza un rostro conocido ni una trama bien armada, sino que el público salga de la sala y la recomiende a sus amigos. Y así. Y con la conexión que nos dan las redes sociales, todo se presta a que cualquier porquería genere millones... aunque sea una porquería. ¿Qué es lo único que necesita hacer? Sin entrar en detalles, Eubank es un cineasta con amplia cultura general, por lo que sabe de dónde colgarse para ofrecer segundos de fanservice y que éste atraiga a las masas que busca. ¿De qué manera? Con un personaje tan conocido y anhelado en el séptimo arte como Cthulhu. No mencionaré más si es que quieren destinar su dinero a una cinta que es tan tibia como intrascendente. Y debo aceptar que la estrategia no estaba mal, lamentablemente, con el nivel de protagonistas que contrató para su película, la bola de millennials que ven la cinta no tienen ni idea de quién es o cómo se ve este ente cósmico creado por H.P. Lovecraft. (De hecho resultaría interesante saber si pagaron los derechos pertinentes... creo que no). En fin, amenaza en lo profundo es una película de relleno que bien podrían esperar ver en Netflix, pero no en cines.

1917 (Universal Pictures, 2019)

2020-01-23T11:42:00.001-08:00

¿Se acuerdan cuando comenzó la racha de directores mexicanos que comenzaron a ganar todo año tras año? ¿Recuerdan que, además de tener guiones fuertes, sólidos y entrañables, también llegaron a revolucionar la forma en la que se hace cine? Cuarón con sus "viajes al espacio" para grabar varias escenas de Gravity? ¿Del moderno cuento de hadas de Del Toro con The Shape of Water? ¿De la técnica perfecta para filmar la cinta entera como un plano secuencia de Gonzáles Iñárritu con Birdman? Pues pasaron unos cuantos años para que otros cineastas aceptaran este reto fílmico y lo acompañaran con una historia que, al igual que la aventura newyorkina de el negro, es una montaña rusa de emociones, situaciones y momentos que erizan la piel, secuencia tras secuencia.

Ambientada durante la primera guerra mundial, la trama se enfoca en dos cabos que tienen como misión informar sobre la cancelación de un inminente ataque a la armada alemana, dado que es muy probable que caerán en una trampa. Los soldados tienen menos de 24 horas para cruzar el campo enemigo, seguir las indicaciones y dar con el batallón indicado para informar las órdenes. Asimismo, esta aventura le permitirá a uno de los cabos ver a su hermano, quien se encuentra en ese regimiento al que deben detener.

Es una premisa simple, la verdad. Pero en las manos correctas se convierte en una verdadera obra de arte, no sólo por la profundidad que alcanza el guión con las actuaciones y las situaciones que deben vivir sus personajes (por simples que parezcan), sino por que el director supo narrar una historia completa, de principio a fin, a "una cámara". O, lo que es lo mismo, un plano secuencia de más de una hora. Obviamente hubiera sido muy difícil filmar una cinta exactamente así, pero por lo mismo, el trabajo de edición, de dirección de cámaras, de coordinación, incluso el de actuación, se acerca más al de una obra teatral que al de una mera "película de guerra".

Quienes saben de cine y producción conocerán que una cinta normal repite incontables veces una sola escena; ahora, imaginen que estas secuencias tienen una duración de entre tres a ocho minutos. Y toda ella implica movimientos de cámaras, enfoques, diálogos e interacción con los actores... Todo de manera tan dinámica e interesante para evitar caer en el agotamiento del espectador. Es más, la forma en la que está dirigida nos invita a ser el tercer soldado en la misión.

La cinta reposa en los hombros de dos actores jóvenes pero con muchísimo futuro. Dean-Charles Chapman, a quien vimos en algunas temporadas de Game of Thrones y a George MacKay, quien tiene una carrera sólida pero discreta en diversas cintas y series de televisión. A ellos se les suman con actuaciones especiales Colin Firth, Mark Strong, Benedict Cumberbatch y Richard Madden, quienes cumplen con la cuota de actores ingleses de renombre en una cinta protagonizada por dos no tan conocidos histriones. Y la fórmula funciona de maravilla.

Me atrevo a mencionar que resumir un viaje de 24 en una cinta de poco menos de dos horas, sin cortes, me recordó a la narrativa que se usa en un ámbito que hasta hace no mucho mostró que también es un excelente medio para contar historias bajo el concepto cinemático, los videojuegos. Quienes han jugado la saga Uncharted comprenderán de lo que hablo, sobre todo cuando se trata de aventurarse en una supuesta isla desierta gigantesca. Las secuencias, los recorridos del punto A al punto B y el manejo de la cámara, junto con la música, ayudan a que el jugador se sienta en una travesía épica y que, en efecto, recorre junto con el personaje un mapa inmenso, aunque el caso no sea así. Lo mismo ocurre con 1917. El manejo de la cámara, las situaciones y las transiciones son tan perfectamente cuidadas que el público no se da cuenta de esos pequeños detalles que, si bien podrían arruinar la magia, al final no importa, por que el trabajo de producción es impecable.

Esta verdadera obra de arte se la debemos a Sam Mendes, director que se ha hecho de renombre en varios géneros y que ahora nos sorprende con lo que sería la producción más cuidada y artesanal de toda su carrera. ¿No me creen? Chequen con lupa la secuencia del pueblo fantasma iluminado sólo con las bengalas. Tan sólo la planeación de esa secuencia mereció un trabajo excepcional por parte del equipo de pre producción para coordinar todo, desde los stunts, la cámara, la iluminación... incluso describirlo es complicado, lo mejor que pueden hacer es comprar su boletito y ver esta maravilla en cines antes de que la quiten. 1917 es poseía visual pura.

El Club (Netflix, 2019)

2020-01-14T11:38:00.003-08:00

Un capricho lo tenemos todos y estamos en nuestro derecho de obtenerlo a como dé lugar. El dengue y el drama que se genere mientras lo conseguimos será el delirio o las delicias de quienes lo atestigüen. Pero cuando se trata de una producción televisiva, esto podría resultar en algo muy caro y que tal vez no recupere su inversión. Eso pensé Netflix me recomendó una nueva "narco serie" de la plataforma, producida por Argos, esa productora de Epigmenio Ibarra que en su llegada a México revolucionó la forma en cómo se hace drama en la televisión mexicana; misma fórmula que ha funcionado durante los últimos 20 años y que se ha replicado una y otra vez. Si bien la serie no tuvo una campaña de publicidad monstruosa como Monarca, ni mucho menos como The Witcher - basó su campaña de marketing en las redes sociales de los actores que la protagonizan -, El Club llegó a la plataforma de buenas a primeras sin que nadie la pidiera ni mucho menos la esperara.

Pablo es el hijo mayor de una acaudalada familia que lo tiene todo, por lo mismo, se le ha hecho fácil emprender en diversos proyectos sin que estos consiguieran éxito alguno. Por ello, cuando se topa con la oportunidad de convertirse en dealer, ingenia junto a sus amigos un plan de marketing para mover la mayor cantidad de mercancía y obtener las mejores ganancias (al fin y al cabo, su púbico meta son los niños bien que no escatiman en gastos cuando se trata de divertirse). Esto lo llevará a obtener un éxito inusitado pero, al mismo tiempo, a relacionarse con personas de otros estratos sociales, así como criminales. En su búsqueda de éxito y fortuna, encontró un camino en el que la lealtad, la amistad y el amor podrían ser su único camino hacia la redención.

Como mencioné con anterioridad, esta serie llegó a Netflix de zopetón, sin aviso y sin advertencia. Llegó en una temporada sin estrenos pesados ni relevantes, lo cual fue un movimiento acertado pues al no competir con los estrenos grandes de todo el mundo, El Club consiguió colocarse poco a poco dentro de la gran oferta de la aplicación. Su única campaña de publicidad se enfocó en las redes sociales de todos los involucrados, incluso del mismísimo Epigmenio Ibarra. Se entiende su esfuerzo por promover la producción pues no sólo es otro esfuerzo de su productora, sino que es la creación de su hija, Camila Ibarra, quien ya ha participado en diversos esfuerzos de su padre y, ahora, le tocó estar detrás de cámaras y consolidar su propia historia.

En principio resalta que el 90 por ciento del talento es totalmente desconocido o han participado con personajes pequeños en grandes producciones. ¿Eso es malo? Para nada. Ya era hora de que llegaran caras nuevas a la televisión junto con historias que, si bien ahondan en temas ya comunes como son el narcomenudeo, el que no sean los rostros de siempre impulsan no sólo a sus carreras, sino a este tipo de producciones que llegan con más buenas intenciones que planes de conquistar al mundo.

Y, de hecho, la serie comienza lenta. Muy lenta para mi gusto. El guión se toma su tiempo para colocarnos en este micro cosmos de la alta sociedad mexicana, en donde las mansiones, los clubes deportivos, las fiestas, las poses, la servidumbre y los corporativos son cosa de todos los días. Ya entrados en el segundo o tercer episodio es cuando la trama principal comienza a consolidarse y, de ahí para el real, la serie cambia de ser una especie de "risky business región 4" a una historia original que poco a poco se enriquece con las subtramas de todos y cada uno de los personajes que conforman el core dramático.

Uno que encontré especialmente interesante es en esa relación que existe entre los personajes jóvenes y la servidumbre. Algunas de ellas funcionan como figuras maternas para ellos debido a la constante ausencia de sus padres, mientras que en otros su relación es más personal sin meterse en términos románticos. El secreto a voces de que el "joven" y la "muchacha" tienen amoríos ha sido un clásico, tanto así que ha sido romantizado en la televisión nacional desde hace años. El fenómeno "cenicienta"... sólo que en esta serie se toca como es, chicas que saben su lugar pero aprovechan su posición para obtener favores, poder y, por qué no, placer.

Y es este otro micro cosmos de la servidumbre la que genera una gran oportunidad de negocio para los protagonistas cuando se trata de mover su mercancía. Un área de oportunidad realmente interesante dentro de la ficción, misma que ayuda a construir tensión y genera los ambientes propicios para que la serie alcance un climax digno de una serie de Netflix.

El Club comienza lento pero justo cuando crees que no tiene ni pies, cabeza, sentido o crítica, la serie te muestra que no, por ahí no va, por ahí no es; para lugares comunes ve Narcos o El señor de los cielos. Esta propuesta está más centrada en las relaciones de amor, amistad, de lealtad que van más allá de las familias mismas. Tiene corazón, sólo que tarda un poco en latir.

Parasite (2019)

2019-12-31T17:32:00.001-08:00

La mejor película del año. Así de simple. Así de contundente. Bong Joon Ho, director surcoreano que ya nos había sorprendido con Snowpiercer y Okja, regresa a la boca de todos los cinéfilos en todo el mundo con la que podría ser su obra maestra. En una época en donde todo tiene que ver con la ciencia ficción, la fantasía, los remakes, las secuelas y demás ideas que amenazan con estancar a la industria, el cineasta no sólo se atreve a crear la historia y el guión, sino que una vez más toma las riendas de la dirección para trasladar su script de forma impecable a la lente. Y en qué forma. De qué manera. Sin piedad alguna nos receta una historia tan normal, tan común, tan increíble y tan inesperada que no me queda más que agradecer que esta película haya hecho tanto ruido en cada festival donde se presentó, pues sólo así pudo llegar a las salas de cine nacionales y, con llenos totales, asombra a todos y cada uno de los asistentes. No cabe duda que Corea del Sur está a nada de ser una potencia global, no sólo en música pop, políticas, ciencia y moda, sino que en el ámbito del cine ha dado mucho de qué hablar en los últimos años y eso le hace mucho bien a nuestra querida y mal educada industria.

La familia Kim vive en un sótano en uno de los barrios más pobres de Seúl. Viven de la ayuda de los demás, del wifi de los demás, de cualquier trabajo que puedan encontrar. Hasta que Ki-woo consigue colocarse como el profesor de inglés de una familia acomodada en una de las colonias más exclusivas de la ciudad. Es entonces cuando, de una situación fortuita, surge una verdadera oportunidad para que toda la familia Kim cambie su suerte, de estar desempleados, a convertirse en los proveedores y sirvientes de una familia tan adinerada como ingenua. Esto ocurre hasta que los secretos de la casa comienzan a develarse y, lo que parecía una comedia familiar casi de pastelazo, se convierte en un drama obscuro que nos recuerda que no todo lo que brilla es oro.

Bong Joon Ho nos dio una obra de arte con Snowpiercer, una cinta de ficción que podría pasar sin pena ni gloria si no presentara esa maravillosa crítica social hacia la separación de clases. Claro, para quien gusta sólo de la ficción no le dará importancia a este tipo de detalles, pues quieren ver situaciones fuera de lo común, no acciones que vemos día con día. Afortunadamente, en Parasite la crítica social hacia el capitalismo (en un país tan consumido por éste como lo es Corea del Sur) es impresionante, cruda y contundente. Asimismo, la cinta nos recuerda sutilmente que toda la península de Corea se encuentra, desde hace décadas, en un conflicto militar. Quizás por eso la sociedad surcoreana se enfoca tanto en lo estético, en la forma.

La forma en cómo el director nos invita a la vida de las dos familias que vemos en pantalla no sólo es adecuada, sino verdaderamente atinada. Sus traumas, sus costumbres, sus manías, sus miedos, sus aspiraciones... y por qué no, sus envidias, sus frustraciones, sus egoísmos, sus prejuicios. Todo ello toma lugar de forma armónica para construir una historia que justo cuando parece estancarse, es precisamente cuando comienza el verdadero meollo del asunto y comienza una montaña rusa de emociones, intrigas y situaciones que nos invitan a pensar sobre lo fácil que un plan puede salirse de control y cómo lo mejor de un plan es no contar con ello.

Uno pensaría que el título de la cinta viene de la necesidad de las personas necesitadas hacia quienes tienen dinero, pero la cinta también nos muestra cómo la élite es inútil sin el apoyo de aquellos quienes saben hacer las cosas. La ignorancia, ingenuidad, la petulancia, sentimiento de superioridad contra el abuso, la manipulación, el engaño. Una relación simbiótica, podríamos llamarla. Así que, ¿Quién es el verdadero parásito? ¿Quién necesita de quién?

De repente la historia me recordó a un cómic que solía leer hace muchos años, House of Secrets, pues la casa en cuestión se convierte en otro personaje más de la historia. No pienso contar más, pues les arruinaría la sorpresa, pero el guión es tan inteligente que lo integra de tal forma que es casi imperceptible. Por ello era indispensable que quien escribiera la historia se hiciera cargo de ella detrás de cámara.

Hasta hace unos días, Knives Out me parecía la mejor película del año. Con un elenco reconocido en todo el mundo, con un escritor y director que saben su trabajo, era casi imposible que llegara otra cinta y reclamara ese lugar. Y creo que, sin buscarlo ni querer entrar en competencia, Song Kang Ho logra colarse con Parasite en la terna de las mejores películas, no sólo del año, sino de la década misma. Qué digo de la década, en la historia del cine. Obviamente no es una obra maestra, pero en pleno tsunami de refritos y oropel, da gusto ver cine que propone, que arriesga y que relata historias que importan a un público que ha dejado de exigir para dedicarse sólo a disfrutar. Es cuando una cinta te invita a sentir y a pensar que esa producción vale su peso en oro.

The Rise of Skywalker (El Ascenso de Skywalker, Disney, 2019)

2019-12-20T11:25:00.003-08:00

4 mil millones de dólares pueden conseguir muchas cosas que los meros mortales jamás podríamos ni imaginar. No nos alcanzaría la vida para gastar ni una cuarta parte de todo ese dinero. Aún si hacemos lo que hizo George Lucas cuando le vendió a Disney LucasFilms (donó la mitad de ese dinero a beneficencias), ninguno de nosotros sabría qué hacer con tanto billete verde. Pero, por el lado del inversor, obviamente buscaría recuperar su dinero y, de paso, ganar un poco más, pues así son los negocios. Uno no invierte para perder dinero, por lo que pusieron a las cabezas creativas detrás del estudio a ingeniar una o varias razones, pretextos o excusas para que la saga más famosa del cine continúe con nuevas aventuras - y de paso mantener la maquinaria de la mercadotecnia bien aceitada con todas las licencias que brotan de ella y valen su peso en oro-. Entonces llegó The Force Awakens, una especie de homenaje bizarro a A New Hope. Con ella se introdujeron nuevos personajes que convivieron con aquellos que ya conocíamos muy bien. Si bien la cinta no fue lo que muchos esperaban, logró revivir la emoción por visitar esa galaxia muy, muy lejana una vez más. Dos años después llegó The Last Jedi, cinta que dividió a los fans y no tan fans. Rian Johnson escribió y dirigió una de las historias más atrevidas de la saga, atreviéndose a lo que muchos pensaron que jamás pasaría. En lo personal, me encanta que un director tome riesgos y Star Wars necesitaba eso, alguien que sacudiera el avispero y nos diera a los fans justo lo que no esperábamos. Obviamente, después de tremenda bomba y malestar de los fans, J.J. Abrams no la tenía fácil con The Rise of Skywalker, el noveno episodio de la saga, el cual prometía cerrar todo el arco argumental de los Skywalker, resolver todos los cabos sueltos dejados por las anteriores películas (bueno, casi todos) y darnos un último pero memorable momento en la salas de cine.

Después de que la Resistencia quedara casi eliminada tras los acontecimientos de The Last Jedi, Poe junto con Finn y Chewbacca cumplen misiones para la General Leia, mientras que Rey sigue su entrenamiento Jedi mientras se preparan para continuar la guerra contra la First Order. Pero un viejo enemigo del pasado se hace presente y sacude todos los rincones de la galaxia. Tanto Kylo Ren como su madre deciden tomar cartas en el asunto y averiguar si es verdad que el Emperador, aquél que supuestamente falleciera en Return of the Jedi, esta vivo. Y más aún, descifrar si su presencia es una amenaza para los planes del Líder Supremo Kylo Ren. Es entonces que comienza una aventura en la que nuestros héroes deben descubrir el camino a un planeta desconocido para así terminar con la amenaza de Palpatine de una vez por todas.

Lo siguiente que escribo lo hago con todo el dolor de mi corazón, pues quien me conoce sabe que AMO a esta saga y que ha sido parte fundamental de mi vida por casi 40 años. The Rise of Skywalker es una película caótica de principio a fin. Tan pero tran trepidante que existen escasos momentos para disfrutar los cientos de referencias que todos los fans amamos ver en pantalla. La frase de too much is not enough está muy equivocada, pues es un festín que no da paso a reposar la comida y, por muy deliciosa que ésta sea, termina por empacharnos y convertir la fiesta en una auténtica orgía que no tiene ni pies ni cabeza. Abrams se excusa bajo la premisa de que es "pésimo para los finales" y que "ésta es una cinta para niños". Ok, es su opinión y la respeto, mas no la comparto.

Por alguna razón que aún no comprendo, la cinta mantiene un hilo conductor que se logra sostener durante las más de dos horas de cinta. Menos mal, pues sólo eso nos faltaba. Fue tanto el esmero de los escritores por dejar tanto en claro que los momentos de exposición son demasiados y las razones no llenan la necesidad ni las expectativas de los fans por saber los qués, cómos, cuándo, dóndes y por qués. Sobre todo estos últimos, pues para los eruditos de la materia, el no saber qué ocurre con su saga favorita es simplemente impensable e imperdonable.

¿Y los diálogos? Algunos son buenos, otros logran conectar, pero otros, de plano... ¿Quién los escribió? ¿Un pasante de 15 años? Existen mejores formas de hilar, de llevar a los personajes a ciertos puntos en la trama y que se sienta orgánico, natural, no forzado ni mucho menos ridículo.

Y de las actuaciones ni hablemos, pues en esta película no vemos que ningún personaje trascienda o tenga evolución en ningún sentido. Quizás Finn es quien, hacia el final, muestra ciertos elementos dignos de darles continuidad, pero todo ocurre tan rápido y en medio de tantas cosas que termina por ser un cero a la izquierda dentro de tantos ceros a la izquierda.

De los efectos no hay nada que decir, pues son impecables. Absolutamente impecables, así como su música, la cual habremos de atesorar pues es la última vez que el gran maestro John Williams presta su talento para una cinta de Star Wars (¿Si notaron que hay un cameo de él en la cinta, verdad?).

Aún así, con todo y que la película es una lección para todo aquel que estudia cine de cómo es que no debe concluirse una saga - y menos una tan importante como Star Wars-, la disfruté horrores. Grité, canté, lloré, me emocioné y al final no pude quitarme la sonrisa de la cara pues aunque la última cinta de la saga Skywalker es un caos, ni niño interior, aquél que creció con estos personajes y les ha tomado tanto cariño, estaba feliz. A él no le importa la técnica ni la finura, ni que no sigue lo establecido por las reglas del juego fílmico. Quien escribe esto hizo a un lado su mente racional para disfrutar, por última vez, de la historia que lo emocionó y le hizo imaginar en grandes cosas mientras la disfrutaba en la sala de su casa junto con su abuelo. The Rise of Skywalker cumple en develar secretos y en ser la parte final que cierra toda una saga de nueve películas. Es imperfecta, es un caos, es una aberración fílmica. Pero nos dio a Babu Frik.

Knives Out (Entre navajas y secretos, 2019)

2019-12-09T15:41:00.002-08:00

En este blog hemos aprendido a amar a Rian Johnson, no a pesar de su trabajo, sino debido a ello. Si bien su labor como director data desde el inicio de la década de los 90, no fue hasta el 2012 que presentó una propuesta de ficción tan controversial como fresca, Looper. Su idea del viaje en el tiempo y que dos versiones del mismo personaje (uno más joven que el otro) se enfrenten es deliciosa. En una década en donde los refritos y las adaptaciones se adueñaron de las salas de cine, el que un director llegara así, de la nada, a imponer sus reglas, fue un bálsamo que propició su siguiente trabajo como director de algunos capítulos de Breaking Bad. Pero no fue hasta que se anunció que sería el mismo Johnson el responsable de no sólo dirigir, sino escribir The Last Jedi que su nombre estaría en boca de todos, no sólo por su clara admiración ante la saga creada por George Lucas, sino por las decisiones que tomó para con la historia y cómo esta afecta no sólo a los personajes, sino a los fans, quienes más rápidos que la velocidad de la luz llenaron los foros de alabanzas e insultos por igual. ¿Cuál era el paso lógico del director después de sacudir al fandom más grande en el planeta? Echarse a dormir, por supuesto. Pero para soñar su siguiente historia, la cual obtendría luz verde con cualquier estudio que tuviera dos neuronas conectadas, pues la genialidad de este creador ya quedó comprobada y la reafirma con una verdadera obra maestra, Knives Out.

¿Para qué existen las herencias? Para que la familia se haga pedazos. Esa frase la he escuchado muy seguido ultimamente, pero aplica a la perfección en esta comedia obscura de Johnson. Cuando el patriarca de la familia Thrombey fallece bajo circunstancias extrañas, sus hijos, nietos y personas cercanas a él son cuestionados por la policía y un investigador privado, con el fin de descubrir si el deceso del jefe de familia fue un suicidio o un asesinato. Esto comienza una serie de reacciones que develan secretos, relaciones, historias y una trama tan intrincada que invita al espectador a deducir los hechos o, en su defecto, a ser cómplice del supuesto asesino.

Cada miembro de la familia es un estereotipo y obedece a sus propios intereses. Al estar todos albergados debajo de la fortuna del patriarca, todos el mundo espera beneficiarse de su dinero, pero cada uno de ellos tiene secretos que poco a poco han sido descubiertos y que romperían con la ilusión que tiene la gente sobre la gran familia Thrombey. Su fortuna, generada a partir de las novelas de suspenso escritas por Harlan, se convierte en el objeto de la discordia de todos quienes, durante años, vivieron a expensas de su creatividad. Por ello, cuando éste muere, el dolor de su partida sólo puede ser comparado con el dolor de haberse quedado fuera de su testamento.

La cinta es interesante desde un inicio, pues todo, absolutamente todo, importa. Desde el trailer, el director nos deja ver que su película no es "palomera" ni mucho menos. Al contrario, nos advierte que no apartemos nuestros ojos de todo lo que ocurra en pantalla, pues la historia misma nos invita a poner las neuronas a trabajar. Está totalmente inspirada en el género "quién lo hizo" (o whodunit, en inglés) y, al más puro estilo del juego de mesa Quién es el culpable, Johnson nos presenta los hechos, los personajes y los elementos necesarios para que nosotros deduzcamos qué ocurre con esta familia, qué motivos tienen cada uno de ellos para cometer semejante crimen y cómo es que todas las piezas embonan hacia el satisfactorio final.

Las subtramas en la historia también importan, pues tocan fibras tan sensibles como lo es la discriminación y la inmigración ilegal. Sutilmente, el director nos muestra su postura al respecto y cómo ésta afecta de maravilla en el guión, al mismo tiempo que suelta una crítica contundente hacia la acomodada burguesía estadounidense quienes viven una vida cómoda y sin preocupaciones mientras que los ilegales se hacen cargo del trabajo pesado, a la par que son mantenidos por herencias y empresas familiares.

Para que la película sea un éxito en toda la extensión de la palabra no basta con que el guión sea sólido y la dirección sea impecable, sino que el elenco también importa. Por ello, la presencia y experiencia de Christopher Plummer, Daniel Craig, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Toni Collette y Michael Shannon se combinan con la juventud y dinamismo de Ana de Armas (¡Wow...!), Katherine Langford, Chris Evans... incluso Rian Johnson encontró la forma de darle un papel al mismísimo Frank Oz. Pero, a decir verdad, quien brilla durante toda la cinta es Ana de Armas, actriz cubana que conocimos en México por la serie española El Orfanato y que vimos hace no mucho tiempo en Blade Runner 2049. Knives Out representa su primer película como protagonista y no desperdicia la oportunidad. Al contrario, su labor es impecable y no se opaca ante ninguna de las figuras arriba mencionadas.

Obviamente tiene mucho que ver la historia y su construcción, por lo que no es de extrañarse que mucha gente salga molesto del cine pues no es una película para pasar el rato. Quien guste de usar sus neuronas y participar en el juego que ofrece el director, encontrara que la experiencia en Knives Out es una que hace mucho que hacía falta en el cine. Entretenida, dinámica y con muchísimo humor negro, Rian Johnson muestra que no sólo fue un golpe de suerte lo que le dio su lugar dentro de la saga de ciencia ficción más importante del universo (y su futura trilogía de Star Wars está más que asegurada). Poco a poco las leyendas que marcaron época se retiran para dar paso a nuevos contadores de historias que, si bien no inventan nuevos géneros ni maneras dinámicas para relatar tramas, al menos ocupan lo ya creado para darle un giro interesante y nos recuerdan que el cine, además de ser entretenido, también nos invita usar nuestro cerebro. Pero como muy seguramente es cuestión de días para que la quiten de cartelera pues se avecinan los estrenos fuertes de diciembre, los invito a que corran al cine y disfruten de una asesinato digno de una novela de suspenso. Pero en pantalla grande.

The Toys That Made Us (Netflix, 2017)

2019-12-04T11:34:00.003-08:00

Los años 80 fueron, a todas luces una década extraña. Una mezcla extraña entre lo psicodélico y lo estético, el eslabón bizarro que une los ideales de amor y paz de los 70 con lo moderno y liberal de los 90. Todos los que vivimos nuestra infancia durante esa década recordamos con mucho cariño cómo es que la industria del entretenimiento masivo encontraba formas para mantenernos ocupados o, como ahora lo entendemos, consumir sus productos como fuera, ya sea a través de la televisión, de productos de consumo masivo o de los juguetes. Y es que esa fue la década dorada para varias franquicias que no sólo tuvieron su momento en la TV, sino que lograron capitalizar su éxito en el formato físico a través de figuras de acción que ahora se han convertido en verdaderos tesoros invaluables de la corriente conocida como "arqueología moderna". O, en su defecto, fueron los juguetes los que se convirtieron en series animadas que al día de hoy son motivo de culto, reverencia y remakes mal logrados. Todo este equipaje de cultura general nerd y no tan nerd lo supe gracias a una serie documental en Netflix, llamada The Toys That Made Us.

Los niños de entonces somos los adultos del mañana y el negocio de la melancolía está a todo lo que da a finales de la segunda década del siglo XXI. Las piezas que encontrabamos a granel en los estantes, la figura que no se vendía o que le hacíamos el fuchi por que no era la de moda (o no estaba ta padre como el protagonista), al día de hoy se ha convertido en un objeto del deseo de cientos de personas que lo buscan desesperadamente para completar su colección. Y gracias al capitalismo, así como al concepto de la oferta y la demanda, estos pedazos de plástico podrían alcanzar precios insospechados, tanto en dólares como en valor sentimental. Sobre todo aquellos que marcaron época, ya fuera por su genialidad, el mensaje que representaban o simplemente por haber revolucionado el mercado en su momento.

De eso se trata The Toys That Made Us. Cada capítulo está dedicado a una franquicia en particular y en contar los estires y aflojes que hicieron de su creación una verdadera leyenda en el mercado juguetero, no sólo en Estados Unidos, sino en el mundo entero. Líneas como Star Wars, G.I Joe, He-Man, My Little Pony, Barbie, Transformers, Lego o Teenage Mutant Ninja Turtles tienen muchísima historia detrás de cada juguete vendido. Por ejemplo, la historia de los creadores de las Tortugas Ninja nos cuenta un relato de amistad, creatividad y traición digna de una miniserie en sí misma. Y con ese final, en donde los creadores, antes mejores amigos y socios, se ven a los ojos después de que el dinero, la fama y la avaricia los separara de forma cruel y dolorosa, es tan emotiva que es mejor tener los pañuelos cerca.

El mercado de la melancolía vende y los productores detrás de esta maravilla lo saben. La dirección y edición en cada capítulo es dinámica, divertida y jamás aburre. Las entrevistas realizada a todos (o a la mayoría) de los creativos detrás de cada una de las marcas son puntuales y ahondan en la leyenda que hace a cada una de estas líneas algo digno de recordar y, de ser posible, tener en alguna repisa en tu casa o en tu oficina. Después de todo, estas piezas de plástico que originalmente se crearon para jugar son ahora obras de arte totalmente coleccionables que podrían pagar la universidad de tus hijos. The Toys That Made Us no es sólo una serie documental para los adultos que asisten a convenciones, es una pieza clave que ahonda en la cultura general de los 80 que sigue muy viva al día de hoy.

Spirits in the Forest (2019)

2019-11-27T13:18:00.001-08:00

La música es una de las grandes creaciones del ser humano. Dentro de nuestra enorme capacidad creativa, el que hayamos descubierto cómo dominar los sonidos, los ritmos, las cuadraturas nos coloca en un lugar especial dentro de toda la creación. ¿No lo creen? La frase que dice "una vida sin música es un error" es una de las verdades más grandes de la vida. Al día de hoy no conozco a absolutamente nadie que no disfrute una melodía (la que sea), una canción (la que sea). En gustos se rompen géneros y siempre querremos tener la razón sobre cuál es el mejor de todos, pero el punto es el mismo. La música nos mueve, nos une, nos inspira. Incluso nos ayuda cuando necesitamos apoyo emocional. El chiste es que no se necesita de algo en especial para disfrutar de la música y, para nuestra buena fortuna, existen cientos de personas talentosas que otorgan su vida a la creación de temas que trascienden tiempo y espacio. Depeche Mode es una de estas bandas que ya están más allá del bien y del mal, por lo que una cinta sobre su más reciente gira es de esperarse, sólo que para esta ocasión, el enfoque de la misma es algo totalmente diferente a lo que estamos acostumbrados.

Nadie, absolutamente nadie está más calificado para atrapar en filme a los tres genios de la electrónica más que Anton Corbijn. El fotógrafo convertido en cineasta y creador multimedia ha sido cercano a la banda desde sus inicios. Tan cercano como que es el fotógrafo oficial de la banda, asesor creativo y creador de visuales para sus giras desde hace un par de años. Por todo ello, el que Corbijn esté detrás de las cámaras y del concepto que englobe un documento audiovisual sobre Depeche Mode no sólo es menester, sino de agradecerse, pues gracias a su visión y creatividad esta cinta va más allá de ser un simple concierto documentado para disfrutarse en formato casero, sino que cambia totalmente el enfoque al mezclar elementos básicos de un documental. Sólo que, diferente a como se pudiera esperar, no se trata de la historia de la banda, ni de sus integrantes, de su gira actual, ni mucho menos de sus logros dentro del género. En esta ocasión, se trata de los fans.

De nada le sirve a una banda tener cientos de discos si no cuenta con una base sólida de fans que los apoye, no sólo a comprarlos, sino en asistir a sus conciertos. Si, la música es un negocio, pero hay algo más allá que une a un grupo con sus fanáticos, algo que va más allá del dinero. Esa conexión especial que convierte a un tema en algo especial. La hacemos parte del soundtrack de nuestra vida y se convierte, de inmediato, en parte de nosotros. Corbijn y su equipo de producción se encargaron de seleccionar a un puñado de fans que, a través de sus experiencias de vida, han acompañado a la banda durante todas sus etapas. Algunos son más populares que otros (da gusto ver a Dicken Schrader y a sus hijos), pero todos tienen algo en común, el profundo amor, respeto y admiración por el trabajo de Fletcher, Gore y Gahan. Por ello, el que los hayan incluido en este documental es algo muy especial, pues cualquiera puede grabar un concierto, editarlo y ponerlo a la venta, pero dedicarse a encontrar a esos fans que le dan sentido a una agrupación como Depeche Mode, documentar su historia con la banda y hacerlos parte de su historia, es un reconocimiento no sólo a los elegidos, sino a los millones de personas que hemos llenado un estado, una arena o un foro sol para disfrutar de sus inmortales composiciones.

El trabajo de edición de la cinta es sobresaliente. La historia de cada uno de los fans encaja con el armado del concierto que la banda dio en Alemania como parte del Global Spirit Tour. El trabajo como director creativo de Corbjin le facilitó saber los cómos y dóndes de cada secuencia para tener un hilo conductor convincente y, atinadamente, con un excelente ritmo.

En una época en donde todo se hace a través de las redes sociales y la conversación es más relevante que nunca, Depeche Mode supo sacar partido de ésto cuando dejó en manos de sus fans y otros personajes como Trent Reznor las publicaciones en sus redes sociales; ahora, con el documental Spirits in the Forest continúa con la tendencia de hacer del "usuario" el protagonista principal de su éxito, lo cual es refrescante y bienvenido. Sobre todo cuando éste tuvo un estreno mundial en cines de todo el mundo recientemente. Si bien no todos pudimos salir en el audiovisual, verlo en pantalla grande siempre será parte especial de la experiencia. Y si, Depeche Mode se disfruta muchísimo en pantalla grande. Después de todo, we are all superstars.

Modern Love (Amor moderno, Amazon Primer Video, 2019)

2019-11-19T15:25:00.003-08:00

What is love? (Baby don't hurt me, don't hurt me, no more...)

Esther Perel es una psicoterapeuta experta en las relaciones de pareja. En una de sus tantas pláticas disponibles en internet, explica cómo es que la raza humana ha modificado las dinámicas entre las relaciones conforme pasan los años. En resumen, nuestros abuelos vivieron un amor diferente al que nosotros vivimos ahora. La monogamia tenía un significado diferente al que le damos nosotros en la actualidad. Ergo, fenómenos como la infidelidad, el abandono o las relaciones casuales que no profundizan en el amor ya son cosas más comunes todos los días. El sentimiento es el mismo, pero la forma en la que lo expresamos no. En otros 40 años seguramente habrá más ajustes y más cambios en nuestras formas de querer, pero el sentimiento siempre será el mismo y, mientras exista, todo habrá valido la pena. Modern Love solía ser una columna publicada por el New York Times en donde exploraba historias de amor, todas reales. Conforme pasó el tiempo, Amazon Prime Video adquirió los derechos para convertirla en una serie de TV para su plataforma de streaming. Tal y como ocurrió con las relaciones humanas, lo que comenzó como un ejercicio editorial terminó por convertirse en un gran esfuerzo audiovisual en donde se explora los diversos tipos de amor y cómo el ser humano trata de entenderlo, sentirlo y practicarlo en nuestros días.

Cada capítulo es diferente al anterior. Cada uno representa una historia cuyo eje central es el amor, pero los personajes en ellos lo viven a su manera. Está la eterna búsqueda del amor desde la inocencia, la conquista del amor a primera vista (y la inminente traición que rompe la regla), el amor que llega muy tarde, el amor familiar, la crisis dentro del amor, el amor a uno mismo y ese amor que llega casi al final del viaje y que nos inspira a vivir con fe hasta ese día en el que no correremos más.

El amor como eje central, hilo conductor y protagonista sólo es posible gracias a unos guiones muy bien construidos y unas actuaciones casi perfectas. Dev Patel, Anne Hathaway, John Slattery, Tina Fey, entre varios actores más, cumplen de manera magistral con su participación en cada una de sus historias. Habría que mencionar también que la ciudad de Nueva York tiene un papel preponderante, pues es el marco en donde todas las historias ocurren, lo cual le da cierto aire a ese genial experimento fílmico realizado durante el 2006, Paris, je t'aime.

Cada historia tiene su nivel de comedia, de drama, de realidad. Por ello será normal que alguna de estos ocho capítulos resonará con tu historia personal, de una u otra manera. Con poco más de treinta minutos de duración, cada capítulo tiene un mensaje único sobre las relaciones humanas y cómo el amor influye en ellas. Pero, si afán de entrar en detalles para no arruinar la sorpresa, los productores decidieron que sus historias tendrían que contar con un elemento cohesivo que cierre su primera temporada, por lo que el último capítulo tiene una sorpresa que vale mucho la pena. Justo como el amor en si, uno debe cerrar ciclos para comenzar otros y esta primera temporada, aunque corta, se siente satisfactoria y nos muestra lo mágico y motivante que es el amar, al mismo tiempo que a quienes tenemos el corazón roto nos sirve de catarsis para entender que el dolor es momentáneo y que es sólo cuestión de tiempo para volver a amar otra vez.

Modern Love no es la serie que el mundo esperaba, pero sí la que algunos necesitamos para alimentar al inmortal romántico que tenemos dentro o para ver mientras abrazas a tu persona especial. O para recordarte que no importa qué tan sombríos parezcan los días, siempre habrá alguien allá afuera dispuesto a regalarte un durazno para tu frutero. Si entendiste esta referencia, entonces ya esperas con ansia la segunda (y confirmada) segunda temporada.

The Mandalorian (Disney+, 2019)

2019-11-13T11:54:00.001-08:00

Finalmente, después de un año de espera, Disney+ ya está disponible en algunos países y, con ello, la batalla por la preferencia en el streaming se intensifica. ¿Significa esto la caída en el reinado de Netflix? ¿Será que todo el acervo audiovisual de Disney, sumado a sus nuevas propuestas, suficiente para ser un verdadero competidor? ¿Sus series estarán a la altura que el internet requiere? ¿La misma plataforma aguantará? Disney, al decidir crear su propia plataforma de contenidos por internet se comprometió no sólo a crear un producto de calidad, sino que sus series estarían a la altura de producciones fílmicas. El 12 de diciembre países como Estados Unidos, Canadá y algunos otros en Europa ya tienen disponible el servicio y, gracias a la magia del internet, el resto del mundo tuvo su primer acercamiento con esta nueva propuesta audiovisual a través de torrents y sitios similares. Fue así como ya pudimos ver The Mandalorian.

Esta es la primera serie de TV situada dentro del universo de Star Wars. La historia comienza unos cinco años después de la batalla de Endor, en donde vemos al protagonista de la misma, un caza recompensas miembro de Los Mandalorians, una supuesta raza que se especializa en la caza y captura de cualquier tipo de presa, todo por un módico precio, obviamente. Sin darle un nombre en particular, este persona recorre la galaxia para obtener sus preseas, hasta que una misión lo lleva a un lugar recóndito en donde una misión supuestamente de rutina se convierte en un verdadero misterio por resolver, pues al encontrarse con otro miembros del gremio de caza recompensas, se da cuenta que mientras sus clientes quieren a este activo con vida, existen otros intereses que lo quieren muerto. Al final el Mandalorian tendrá que tomar una decisión que marcará el resto de la temporada, así como su destino en ella.

Desde su anuncio hace más de un año, The Mandalorian generó muchísima expectativa. Por un lado, al ser la primer serie live action situada dentro del canon de Star Wars nos mostraba su importancia como proyecto y, por el otro, había mucha intriga sobre el estilo, la producción y los elementos que harían de esta producción un éxito por sí sola y, al mismo tiempo, que embone "orgánicamente" dentro del universo que ya conocemos.

Los encargados llevar esta visión a la realidad fueron Jon Favreau, Dave Filloni, incluso el mismo George Lucas estuvo involucrado en cierta forma. Asimismo, todo Lucasfilms estuvo detrás de la creación de los diseños, conceptos y maquetas (¡MAQUETAS!) utilizadas para crear los sets, los seres y las naves para esta historia - prefirieron hacer los efectos de forma práctica y dejar el CGI para después- . En cuanto al talento, ahí nomás tenemos a Nick Nolte, a Werner Herzog, Carl Weathers, Gina Carano y Pedro Pascal como el protagonista... ¿Es necesario decir más?

Al momento sólo está disponible el primer capítulo, por lo que es muy pronto para decir si la serie cumple con las expectativas. Pero lo que sí podemos decir es que es una carta de amor a todos los fans de la saga, sobre todo a quienes extrañan esa magia de la trilogía original y que no se ve reflejada en los nuevos esfuerzos. Finalmente tenemos un producto digno de aquel western galáctico con elementos que ya conocemos, pero vistos desde otra perspectiva. No hay Jedis, no existe el diálogo de "la Fuerza", no hay elementos mitológicos, pero comenzamos a meternos en la historia de esa raza que todos conocemos, pero que nadie sabe a ciencia cierta quiénes son, de dónde vienen. Esto es oro puro para los fans, pues el universo de Star Wars se extiende a niveles insospechados.

La producción tiene una excelente calidad. Si Game of Thrones no reparó en gastos cuando se trataba de hacer de esta serie realmente épica, Lucasfilm puso toda la carne al asador y lo mejor que tiene, tanto en guión, como en efectos y dirección. En resumen, la serie promete. Y mucho. Sobre todo con ese final que nos tiene a todos al pendiente de qué pasará en el segundo capítulo. Es una lástima que Disney+ aún no estará disponible en nuestro país, por lo que tendremos que verla de formas "no convencionales". Pero bueno, podría ser peor. The Mandalorian vale mucho la pena y como serie estandarte del nuevo servicio de streaming cumple; lástima que la plataforma no esté a la altura de la demanda.

Monarca (Netflix, 2019)

2019-10-01T16:12:00.001-07:00

En México hay talento, sólo hacía falta un canal de distribución. ¿Se acuerdan de XY, esa serie de Canal 11 que rompió paradigmas en todo sentido? Si, esa que sorprendía por su calidad, no sólo de producción, sino en cuanto a guión, actuaciones y temas que, aún enfilados hacia el final de la primera década del nuevo siglo (y hoy en día) son considerados como tabú. Pues me da mucho gusto ver que, a partir de entonces, se han hecho esfuerzos considerables por parte de las productoras nacionales para generar contenidos que se le pongan al tú por tú a las series que se importan, tanto en televisión de paga como en la abierta. Televisa hizo sus pininos y sólo una corrió con suerte (El Pantera), mientras que TV Azteca también hizo su intento, un poco más discreto, pero lo hizo. Al final, muchas de estas producciones terminaron por ser adquiridas por sistemas premium o enlatadas hasta nuevo aviso. Pero con la llegada de las plataformas digitales y las nuevas competencias en internet, ahora sí no hay pretexto para que todas estas historias sean contadas como se debe, con gran calidad audiovisual, excelente dirección, producción y actuaciones de primera. Tal y como ocurre con Monarca.

La historia se enfoca en la familia Carranza, quienes tienen un imperio tequilero, hotelero y demás negocios que, de una forma u otra, los relacionan con las altas esferas del poder en México. Nosotros conocemos a la familia a cuando el patriarca toma una decisión que pondrá sus negocios y su imagen en peligro, por lo que le pide ayuda a su hija, Ana María, quien es periodista y reside en los Estados Unidos. Debido a ello, el otro heredero, Joaquín, resiente esta decisión, mientras que el otro hermano, Andrés, lucha para mantener su parte del negocio con vida. Los tres hermanos tienen secretos y demonios en sus armarios, los cuales podrían salir a la luz toda vez que su padre ha sido asesinado, lo cual lleva a Ana María a pelear el control de la empresa con Joaquín y, al mismo tiempo, descubrir quien asesinó a su padre.

La corrupción es un tema recurrente cuando se habla de mi México lindo y querido. Y no es para menos, pues todos quienes hemos realizado algún trámite o querella legal, sabemos que el sistema avanza mientras más "sor juanas" le incluyamos en el expediente. Y en esta serie se aborda ampliamente este tema, pues los Carranza, al ser una de las familias más poderosas del país, están inmiscuidos de una forma u otra con intereses políticos y económicos. Al fin y al cabo, uno no se hace rico con beneficencias.

Salma Hayek, productora de la serie, quiso que esto fuera pieza fundamental de la trama, no sólo para evidenciar las claras fallas en el sistema y exponer lo fácil que es corromper a las autoridades en un país como el nuestro, sino para hacer una dura crítica a los gobiernos anteriores y al presente, el cual prometió erradicar la corrupción de raíz y, al día de hoy, no se ha conseguido. Por otro lado, nos adentra en el fascinante mundo de la producción tequilera, mismo que en nuestro país es toda una tradición.

Para que este drama fuera creíble no sólo se necesitaba encontrar a los productores adecuados, ni a los escritores, guionistas y directores correctos, sino que había que hacer un trabajo minucioso para elegir a los actores que le darían vida a cada uno de los personajes. Y vaya que los encargados del casting se llevan las palmas con cada uno de los histriones que representan a los miembros de la familia Carranza. Irene Azuela, Gabriela de la Garza, Osvaldo Benavides, Juan Manuel Bernal, son sólo algunos de los estelares que nos dan una cátedra de actuación que no tiene absolutamente nada que pedirle a las series extranjeras. De por sí es un deleite ver a figuras femeninas poderosas como Ana María al frente de una gran empresa, al igual que una Jimena de Carranza, una madre abnegada que defenderá a los suyos y a su familia con uñas y dientes...

Si algo hay que criticarle a Monarca es que el diablo está en los detalles. Le apuesta a la calidad en todos los sentidos, pero flaquea cuando se trata de efectos especiales. En escenas clave las explosiones, el fuego y los sets se ven falsos, casi como de chroma key. Estos resaltan aún más cuando existen otras escenas trepidantes en espacios cerrados que están perfectamente grabadas y editadas para transmitir el peligro de la misma.

Otro punto a criticar/ celebrar es que la temporada es muy corta. Pero vamos, ese es el formato en Netflix y le funciona bien. Habemos quienes nos la chutamos en un sólo día, hay quienes la disfrutan en una semana o quienes la distribuyen en más tiempo. Y cualquiera que sea la forma en la que ves la tele, está bien. Lo malo es que una temporada dura cuestión de horas y, aunque la historia ha tenido excelentes críticas, al día de hoy no se ha confirmado una segunda temporada. Espero que esto se arregle pronto pues la trama promete y, si bien el principal misterio queda resuelto, el final nos deja en suspenso y yo sí quiero saber qué pasará con Ana María.

Ad Astra (20th Century Fox, 2019)

2019-09-23T11:06:00.002-07:00

Me encantan las cintas cuya temática aborda los viajes espaciales, la exploración espacial y la ciencia ficción en general. Y más si el hilo conductor tiene elementos que aluden a temas humanos y elementos que inviten a la reflexión. Por ello amé Interstellar o 2001: Odisea del Espacio. Y por ello me emocioné mucho cuando me enteré que Brad Pitt protagonizaría una cinta con todos estos elementos. Viaje espacial, conflicto emocional, ciencia ficción. Vida extraterrestre. Misterios galácticos. Mi mero mole. También pensé que ya era hora que, después de tantos blockbusters, tantas películas comerciales y churros genéricos llegara una propuesta genuina, original y quizás hasta retadora hacia el público. Por ello compré mi boleto para ver Ad Astra en pantalla IMAX, por ello adelanté el resto de la chamba que tenía pendiente y por ello ajuste mis horarios para darme un par de horas para mi, para disfrutar de una buena película. Y vaya sorpresa que me llevé cuando me di cuenta que Ad Astra sí tiene todos esos elementos ya mencionados, sólo que la forma en la que está contada es muy diferente a lo que yo me esperaba. Mea culpa, de todas formas.

Roy McBride es un astronauta muy popular en todo el mundo, pues es hijo nada más y nada menos que un verdadero héroe, Clifford McBride. Él es nada más ni nada menos que el explorador espacial más valiente y entregado en la historia de la humanidad. Gracias a él fue posible pisar diversos planetas del sistema solar, por lo que no hubo duda alguna de quién tendría que comandar una misión tan importante como lo es encontrar pruebas de inteligencia extraterrestre. Por ello, hace más de 30 años, se embarcó en un viaje sin regreso, mismo que fue declarado como perdido después de 16 años de su misión. Poco más de 15 años después, un suceso inexplicable pone en riesgo la vida de toda la humanidad y todo apunta a que este ataque provino del Proyecto Lima, comandado por Clifford.

La cinta comienza con una secuencia bastante interesante, visualmente hablando. Trepidante, emocionante, incluso estresante. Esta sienta precedente en la trama y eleva los estándares de la historia, la cual tendría que seguir este ritmo tan emocionante. Pues no. A partir de esta secuencia la cinta se convierte en algo más contemplativo que en una cinta emocionante. Su ritmo baja a segunda y casi a neutral durante el resto de las poco más de sus dos horas de duración, por lo que representa un reto interesante para el espectador, quien comienza a preguntarse dónde quedó la emoción vista en los avances y por qué demonios pierde su tiempo en una película que de repente no va a ningún lado.

Brad Pitt es garantía de que el drama funciona en cualquier historia (incluso en las de Tarantino). Su presencia se agradece, aún cuando parece un monólogo de dos horas del actor, quien sostiene por sí solo toda la historia y lo hace con una mano amarrada a la espalda; Tommy Lee Jones también tiene su momento para brillar y lo hace de forma magistral. De ahí en fuera, el resto del elenco es genérico completamente. Bien podrían haberles borrado los rostros y no pasaría absolutamente nada. Ni siquiera Donald Sutherland brilla en su pequeña participación.

Lo que tampoco brilla muy bien es la coherencia en la historia. Se supone que estamos en el futuro cercano, en el cual la humanidad ha decidido confirmar que no estamos solos en el universo. Debido a ello, enfocan miles de millones de dólares a encontrar vida inteligente, a colonizar planetas, a viajar por el espacio. Pero, al mismo tiempo, existen piratas lunares quienes se pelean por las supuestas minas y territorios en la faz de la luna con quien se le ponga enfrente. Comprendo que había que incluir subtramas que ofrezcan un poco más de emoción a una trama que busca ser profunda en otros aspectos, pero meterse en este tema político-territorial en nuestro único satélite natural, en donde se pelean por recursos en contra del ejército más poderoso del mundo, suena ridículo y metido con calzador sólo para satisfacer una necesidad vacía de entretenimiento barato. Si bien la secuencia está muy bien hecha visualmente hablando, no aporta absolutamente nada a la historia. Lo mismo ocurre con la estación espacial de investigación animal.

El tema principal, aquí es la relación entre un padre y su hijo. En cómo el ejemplo del primero define el destino del segundo, a pesar de que nunca hubo una verdadera relación. Curiosamente, la relación más especial que tuvieron los personajes se dio durante los años en los que vivieron separados, uno por seguir en su misión y el otro por construirse basado en el ejemplo del "héroe" que significó su figura paterna, no sólo para él, sino para el resto del mundo. Este hecho lo hizo convertirse en un ser egoísta, solitario, a quien la compañía y el amor eran una especie de aditamento extra, no un complemento. Finalmente, un viaje largo hacia Saturno le hará descubrir que no es necesario viajar a los límites de nuestro sistema solar para descubrir que, en efecto, no estamos solos y, si lo estamos, es por que así lo decidimos. Ad Astra es una cinta que invita a una reflexión profunda sobre nuestras relaciones, tanto con nuestros seres queridos como con quienes nos rodean. Es una buena experiencia, siempre y cuando estén dispuestos a pagar los costos de este aletargado viaje. (Por cierto, la cinta no está en formato IMAX. Están advertidos).

Élite (Netflix, 2018)

2019-09-09T10:46:00.003-07:00

Con la llegada de los sistemas de streaming los grandes ganadores no sólo son el público que gozamos del servicio, sino las casas productoras quienes por fin rompen la hegemonía entablada por televisoras y sistemas de comunicación, quienes acaparaban los únicos canales de distribución masivo en todos los países desarrollados (y en vías de...). Es una nueva era de oro para las productoras, quienes ya no se limitan por las condiciones o limitantes de una señal restringida por leyes de comunicación de cada país, sino que pueden contar historias reales, sin miedo a ser censuradas o apartadas en horarios o parrillas que no le convienen. Ahora sí que el poder lo tiene el consumidor, por lo que la calidad de la serie o película debe ser lo suficientemente atractiva para competir, no sólo con otros servicios de streaming, TV abierta o privada, sino con el resto de contenidos que hoy atiborran a las plataformas (afortunadamente). Una de estas producciones es Élite, una serie española juvenil que dista mucho de las historias enfocadas en este sector del mercado.

Tras un accidente en un colegio público, tres alumnos de esta escuela son becados para asistir a Los Encinos, una de las preparatorias más exclusivas de España. En ella, la crema y nata españolas reciben la más estricta educación. Todos ellos provienen de las más altas esferas sociales de la región, por lo que la llegada de los tres alumnos cimbra el estatus quo de la institución y comienza una serie de intrigas, encuentros y desencuentros que le dan un sabor adulto a esta serie adolescente. Al final, la muerte de uno de los personajes no hará más que complicar aún más la trama que, poco a poco, se teje mucho mejor de lo que uno podría pensar.

La producción es simplemente de primera. Netflix no escatimó ni un duro en tener el mejor equipo, las mejores locaciones, incluso directores, editores y escritores, pues a leguas se nota la pasión con la que fueron filmadas la primera y segunda temporada. Tanto los elementos visibles como auditivos tienen gran relevancia y ayudan a que la historia fluya de forma constante, rítmica y envolvente.

A ello se le suma un elenco de primera. Seguramente la mayoría de los actores son conocidos en su país natal, pero de este lado del charco es una grata sorpresa disfrutar de las actuaciones de Itzan Escamilla, Miguel Bernardeau, Álvaro Rico, Arón Piper, Estér Expósito, Omar Ayuso y María Pedraza. Y por supuesto que no me olvido de la maravillosa y odiosa - y muy mexicana - Dana Paola, quien es una delicia en la trama con Lu, una chica pedante, altanera, presumida y muy, muy hábil con las palabras. Su trabajo en la primera temporada no fue muy interesante, pero en la segunda su personaje toma tal relevancia que no puedo más que aplaudir la decisión de los escritores de darle más tiempo en pantalla, al igual que con Mina El Hammani, cuyo personaje, Nadia, me parece simplemente irresistible.

Esta serie nos presenta un elenco multi cultural, multi-étnico, inclusivo sexualmente e internacional. Tal y como lo intento fallidamente Like: La Leyenda, pero con la enorme diferencia de que en Élite la historia sí importa y no se filmó para convertirla en un producto multi propósito, sino que el enfoque principal de esta producción es contar una historia digna de verse no sólo en España, sino en todo el mundo (el alto estándar en calidad no es de a gratis).

La primera temporada movió el tapete lo suficiente para que se garantizara una segunda parte, misma que ya fue vista por miles de personas en todo el mundo y, a decir verdad, no decepcionó. Al igual que con La Casa de Papel, es sólo cuestión de tiempo para que anuncien la respectiva continuación de cada una de las historias, pues bien vale la pena ver qué pasa con estos personajes que, queramos o no, comienzan a tomar importancia en la cultura popular y en redes sociales.

Once upon a time... in Hollywood (Había una vez... en Hollywood, 2019)

2019-09-01T17:36:00.001-07:00

No se tiene que ser un experto en cine para comprender la relevancia que Quentin Tarantino tiene en la industria. Tan sólo con mencionar su nombre es suficiente para que los engranes de toda la maquinaría fílmica (medios, productoras, actores, estudios, distribuidoras, etc...) estén atentos a lo que sea que al creador se le ocurra. Y es que desde su ópera prima, Reservoir Dogs, su estilo y visión fílmica (inspirada de otros directores, obviamente) genera seguidores por montón. Ni hablar de la aventura de drama y artes marciales Kill Bill, donde vemos a una Umma Thurman bien empoderada mucho antes de que el tema fuera tendencia. Y así nos podemos ir con todas y cada una de las producciones del director, quien a la par de que realiza homenajes a todos los creadores de cintas ochenteras clasificación B, gusta jugar con la historia y con el "qué hubiera pasado si". Tal y como lo vimos al final de Inglorious Basterds, en donde además de descubrir al maravilloso Christoph Waltz, fue la primera vez que Tarantito y Brad Pitt trabajaron juntos. Y al parecer encontraron cierta magia en su colaboración, pues años después se volvieron a reunir para contar una historia más de su supuesta lista final de creaciones fílmicas.

Tarantino nos presenta a Rick Dalton, un actor de TV que busca brincar de la pantalla chica a la grande. Ese es su sueño. Pero varias circunstancias y elementos ajenos a su poder lo alejan cada vez más de su principal objetivo. Sobre todo cuando él mismo se identifica como un actor en su ocaso, a sólo un paso del olvido popular, pues la fama en el mundo del espectáculo es efímera. Lo acompaña siempre su doble de acción, Cliff Booth, un ex militar quien funciona más como un fiel escudero de Dalton, pues no solo lo interpreta en las escenas de acción, sino que también funciona como su mandadero, sirviente, paño de lágrimas y compañero de parrandas. Una dualidad extraña, aunque necesaria. Dalton es vecino de Roman Polansky, quien se acaba de desposar con la despampanante Sharon Tate, quien vive sobre la colina sin preocuparse por el futuro, mientras que fuerzas oscuras se preparan para enviar un contundente y mortal mensaje.

Esta cinta podría ser el homenaje de Tarantino al séptimo arte, tal y como fue en su momento Hugo de Martin Scorsese. Sólo que desde la visión y estilo del director, la cual serle ser un tanto bizarra, por no decir graciosa (sólo por momentos). Gracias a ello vemos en pantalla a algunas de las personalidades que hicieron al cine de los 70 algo memorable. Entre ellos se encuentran Bruce Lee (de quien se habló mucho al respecto por lo "inexacto" de su presencia en la trama), a Steve McQueen, entre muchos otros. El trabajo de caracterización es bastante bueno y se agradece que estrellas de ayer y hoy se presten a participar en este homenaje al interpretar a leyendas del séptimo arte.

Dada la envergadura del proyecto y la intención del director de mostrar todo el respeto y amor que le tiene a la industria, la cinta se antoja en un inicio indispensable e irresistible. Eso es lo malo de las expectativas, uno se genera castillos en el aire y la decepción al ver el resultado es bastante dura. Pues eso pasa cuando el encanto desaparece y vemos que, durante poco más de dos horas, la trama no va a ningún lado.

Leonardo Dicaprio entrega una actuación poco menos que excepcional. Su interpretación de un actor en declive quien tiene una última oportunidad de hacer las cosas bien es totalmente creíble; Brad Pitt funciona muy bien como "wing man", aunque tiene oportunidad de brillar de forma espectacular hacia el cierre de la trama; Margot Robbie entrega a una Sharon Tate normal, sin mayor relevancia. Es ahí en donde comienza la decepción y continúa con el resto de los personajes, tanto terciarios como incidentales, mismos que representan lo peor de los estereotipos típicos del cine. Mexicanos como sirvientes y las mujeres como mero objeto sexual.

Sin entrar en la trama sólo diré que el final tiene todos los elementos a los que Tarantino nos tiene acostumbrados y eso no está mal. Lo que sí está pésimo es que hayamos pasado más de dos horas con una historia que se siente aletargada para poco menos de 10 minutos de interacciones interesantes y dinámicas que, al menos, nos despertaron después de tan somnífera aventura. Cuenta con algunos elementos que valen la pena, pero la característica diversión a la que nos tenía acostumbrados el creador brilla por su ausencia el 85 por ciento de la misma. Once upon a time... in Hollywood se queda como un intento de homenaje contundente a la meca del cine, a la década que dio pie al verdadero cine de acción y a aquellos actores que supieron salir de su zona de confort y retomar su carrera. Pudo ser más. Pudo ser mejor. ¿Qué le pasó? No lo sé. Mi viejo Tarantino ya no es lo que era.

13 Reasons Why (Netflix, 2017)

2019-08-25T11:33:00.002-07:00

Después del éxito que significó House of Cards para Netflix, era obvio que vendrían más y mejores propuestas en cuanto a contenidos para la plataforma. Y entre estas nuevas ideas tendría que haber una enfocada en un público joven y con un formato meramente dramático (pues ya habría otras producciones dedicadas a este público con un enfoque cómico y de ciencia ficción). Y vamos, si la cosa era romper con los estereotipos y barreras que existían en la televisión hasta ese día, entonces la historia tendría que ser atrevida, adulta. Fue así como Brian Yorkey se inspiró en una novela de Jay Asher y la adaptó en una serie de televisión cuya primera temporada no sólo llamó la atención de cientos de jóvenes en todo el mundo, sino que también la de adultos, autoridades y sociedad en general, pues el tema central de la historia es el suicidio juvenil, violaciones y abusos que, sorprendentemente, se dan cada vez con mayor frecuencia en el ámbito juvenil. Fue así como llegó 13 Reasons Why, historia que relata cómo es que Hannah Baker cae en una espiral depresiva hasta que decide acabar con su vida, no sin antes dejar evidencia - en este caso, las razones - por las que decidió acabar con su existencia.

Clay Jensen, el protagonista de la trama, funciona como eterno enamorado de Hannah y quien se encarga de develar el misterio de su muerte a través de las cintas que ésta grabó previo a su triste final. A través de flashbacks podemos ver cómo la pareja tenía encuentros y desencuentros, mientras que otros elementos y personajes alteran la historia y nos llevan, poco a poco, hasta el inevitable final de la primera temporada, en donde vemos muy gráficamente cómo es que la protagonista se quita la vida, mientras que Clay entiende los porqués y las razones por las que una persona pueda tomar tan terrible decisión.

La segunda temporada continuó la historia de Hannah, de su familia y de las repercusiones de su deceso. Asimismo, la serie utiliza un recurso un tanto barato para incluir a la protagonista de nuevo en la trama, sin que ésta aparezca en secuencias de recuerdos o algo así. Si bien el hilo conductor de mantiene, el ritmo de la misma se ve aletargado por la decisión de los productores para darle forma y fondo a los motivos mentales y emocionales para que Hannah esté presente en la producción. A algunos les gustó, a otros les pareció ridículo. Finalmente, la segunda temporada terminó de forma impactante.

A estas alturas del partido, la serie no sólo era conocida y respetada por todo el mundo, sino también se le acusaba de ser motivo por el que varios adolescentes habrían terminado con su vida, pues más que inspirarlos a buscar ayuda, se identificaron tanto con la desgracia de la protagonista que decidieron honrar sus depresiones e imitar su triste final. Esto trajo algunos ajustes para la producción y que el elenco se prestara a platicar en foros abiertos sobre los temas que aborda la historia: violación, depresión, abusos, drogas, bullying, masacres escolares, etc.

Con todo este antecedente llega finalmente a Netflix la tercera (¿Y última...?) temporada. Al momento de su anuncio nadie sabía cuál seria el foco de la historia. Pero sólo fue necesario ver el trailer para conocer que alguien habría asesinado a Bryce Walker, el principal antagonista de las anteriores temporadas, para saber que esta nueva aventura televisiva valdría mucho la pena. Y así es. Finalmente los productores dejaron descansar a Hannah y la serie es relatada ahora a través de una nueva alumna, Amara Achola, una joven inteligente y muy perspicaz quien, junto con Clay y su grupo de amigos, investigan sobre quién pudo ser la persona responsable de la muerte de Bryce. Sobra decir que, por le momento, todos ellos son los principales sospechosos, pues todos ellos tienen motivos suficientes para vengarse de él.

Lo más destacado que encuentro en esta tercera temporada es que los productores utilizan varios formatos para contar la historia, pues existen flashbacks sobre flashbacks (como los sueños dentro de los sueños en Inception); para identificar cuál es cuál, los creadores utilizan filtros de color diferentes, así como diferentes aspect ratios de la pantalla, incluso la ausencia de color para denostar los momentos en los que la narradora toma el hilo conductor y nos la muestran dentro de una sala de interrogación, lo cual le da cierto ritmo e intriga única, diferente a las temporadas anteriores.

Aún me faltan algunos capítulos para saber quién fue el culpable, pero he visto lo suficiente para poder dar mi opinión sobre este dramón adolescente que para los conservadores es muy exagerado, pero que se antoja muy real en un mundo en donde los adolescentes se sienten presionados por crecer tan rápido que olvidan lo que son y lo que tendrían qué hacer. La tercera temporada de 13 Reasons Why es muy diferente a las dos anteriores, lo cual se agradece, pero mantiene la esencia de las mismas y las eleva a otro nivel. Con grandes actuaciones y excelente uso del drama y el suspenso, prepárense para aprender que todos, absolutamente todos, estamos jodidos de alguna forma.

Toy Story 4 (Pixar, 2019)

2019-08-12T07:08:00.001-07:00

Existen historias que nadie pide y que absolutamente nadie espera. Pero cuando llegan, wow... El ejemplo caro era, hasta ese entonces, Toy Story 3, una cinta que ya habíamos vivido en teoría cuando se estrenó la segunda parte de la saga. El villano de la misma, el Oloroso Pete, discute con Woody sobre su destino como juguete cuando Andy crezca y lo abandone. Ante el inminente paso del tiempo y la amenaza que más sonó a vaticinio, nuestro protagonista decidió quedarse con su niño pues, como él lo dijo, lo acompañará mientras creciera y, si su destino inminente sería el abandono, que así fuera. Llegada la tercera parte de esta aventura, vivimos con angustia y mucha emoción los procesos de desapego y de aceptar los cambios. Si, ese momento en el que hasta el más maduro de la sala no aguantó las lágrimas cuando Andy y Woody juegan por última vez es catártico y muy poderoso. Un final perfecto. Entonces, ¿Por qué demonios tendría que haber una 4ta parte? ¿Qué es lo que hacía falta contar en esta trama? ¿Era necesaria?

Los juguetes favoritos de todos se acostumbran a su nueva realidad ahora que son propiedad de Bonnie, quien está a punto de entrar al jardín de niños. Woody, quien era el líder del grupo, ha sido relegado a ser un juguete "de relleno", pues la niña tiene una nueva favorita. Esto genera cierta incomodidad en el alguacil, pero éste no baja el ánimo y hace todo para que la niña sea feliz pues, al fin y al cabo, para eso fue creado, para acompañar siempre a su dueña. Pero la llegada de Forky, un utencilio armado en la escuela de Bonnie, así como encontrarse con el gran amor de su vida durante un viaje, comienzan a cambiar la visión y perspectiva de nuestro protagonista.

Vaya, el pretexto para sacarnos más dinero a través de personajes tan arraigados a nuestro corazón surtió resultado. Al ser una producción de Pixar la calidad no está en duda, tanto en la producción, diseño, animación, guión y dirección. Todo está en su lugar. En México algunos puristas aún piden a gritos el regreso de quien fuera la voz original de Woody en las dos primeras películas. Pero, a decir verdad, esto no afecta el desarrollo de la trama en absoluto. Es más, ni se nota. Es más una petición del fandom clavado del doblaje a una necesidad real que pudiera afectar el desarrollo de la historia.

Por otro lado, la inclusion de nuevos y divertidos personajes no pudo ser mejor. Desde el valiente y atrevido Duke Kaboom, la intrigosa y peligrosa Gaby Gaby, hasta los irreverentes y divertidísimos Ducky y Bonnie, a quienes poco les faltó para robarse la película por completo. Pero, sin duda, la mejor aparición es la de Bo Peep, quien durante las primeras cintas fungiera como interés amoroso de Woody, pero que desapareciera por completo en la tercera parte. ¿Qué pasó con ella? Al inicio de esta 4ta cinta se explica qué fue lo que ocurrió y dónde - supuestamente - tendría que estar.

Bo vendría a ser una "wild card" en la historia, pues gracias al trato que se le dio tras salir de la casa de Andy, se ha dado cuenta que el ser un juguete no es sólo una herramienta para hacer feliz a un niño. Al cambiar su entorno se dio cuenta que también tendría que cambiar su propósito, para así dejar de pertenecer a alguien para pertenecerse a sí misma, lección que le transmite a Woody y que, hacia el final de la cinta, logra generar uno de los momentos más poderosos y emotivos de toda la saga. ¿De qué te sirve estar vivo si no vives?

"Al infinito... y más allá". No puede haber una mejor forma de cerrar argumentalmente una saga tan importante como ésta. Pixar acierta una vez más y eleva el nivel emocional de sus producciones, sólo resta confirmar que Toy Story 4 es, finalmente, el cierre de la saga, la película que nadie pidió, ni esperaba, pero celebramos que exista y que será recordada como la más grande aventura que un juguete pudo tener en su vida.

The Boys (Amazon Prime Video, 2019)

2019-07-30T11:15:00.002-07:00

No hace mucho tiempo se escuchó en algún festival de cine que el género de súper héroes llegaría a su límite muy pronto y la novedad terminaría de forma brutal y abrupta. Y si bien el género ha aprendido de los errores del pasado y ha sabido adaptarse al séptimo arte, aún existen varios ejemplos de oportunidades perdidas y producciones verdaderamente oportunistas en este sentido. El remake de Hellboy, por ejemplo. Pasó sin pena ni gloria y, quien tuvo el infortunio de verla, sólo añoró las versiones creadas por Guillermo del Toro hace unos años atrás. WB, por ejemplo, no daba una al respecto, hasta que después de las - merecidas - críticas a BvS: Dawn of Justice algo se movió en el cerebro de los ejecutivos que tomaron las decisiones adecuadas para que sus siguientes tres cintas, al hilo, valieran la pena por completo. Incluso Marvel no es ajeno a los fracasos, basta recordar el lamentable esfuerzo que se hizo con la serie The Inhumans (exacto, NADIE la recuerda por que NADIE la vio), así como la pobre adaptación de Iron Fist para Netflix. En efecto, el mercado está saturado de súper héroes. ¿Hay espacio para una serie más? Al parecer, para varias. Pero ninguna similar o parecida a la que Amazon adquirió en exclusiva para su servicio de streaming y que recientemente se estreno en esa plataforma.

The Boys, inspirada en el comic creado por Garth Ennis y Darick Robertson, nos muestra un mundo en donde los súper héroes son algo más que personas con habilidades especiales. Son productos, son licencias, son oportunidades para mercadeo, publicidad y hacer millones de dólares. Todo el mundo los ama y, quienes tienen poderes, hacen hasta lo imposible para que Vought International los firme para formar parte de The Seven, un selecto grupo de personajes cuyos poderes y habilidades los colocan por encima del promedio. Ellos tienen fama, fortuna, películas, series, juguetes, contratos millonarios y lo único que tienen qué hacer es... obedecer lo que la empresa les digan que haga. Ante tanto capitalismo, es normal que más de uno de nuestros héroes tuerza un poco su brújula moral para obtener lo que quiere, por que todos lo sabemos, el poder corrompe. Eso lo sabe un pequeño grupo de humanos, quienes se han dado a la tarea de castigar a los "súper" cuando éstos no se hacen responsables de sus "daños colaterales".

La historia ingeniada por Ennis es mucho, pero mucho más compleja de lo que podría describir en este espacio. De hecho, se mencionó hace no mucho tiempo que este cómic sería imposible de adaptar a una película, mucho menos a una serie de TV. Pero desde el 2016 los derechos comenzaron a viajar de estudio en estudio, hasta que durante el 2017 Amazon los adquirió y ordenó que se produjera una temporada completa de ocho capítulos. A dos semanas de su estreno, se anunció que la producción de la segunda temporada era inminente. ¿Acaso la serie está tan buena?

La respuesta es un rotundo SI. El mito del súper héroe se rompe en esta serie, en donde vemos los típicos arquetipos que ya conocemos y que hemos leído durante décadas. The Seven es una especie de burla hacia la Liga de la Justicia, pues todos y cada uno de sus miembros le rinde un homenaje/ crítica a sus contrapartes. Homelander es a Superman como Queen Meave es a la Mujer Maravilla y como Bill Butcher es a ¿Lex Luthor...? o algo así.Y así nos podemos ir con cada uno de los miembros de éste súper equipo, solamente que carecen total y absolutamente de su código de honor, brújula moral y, sobre todo, entrenamiento. Son, a todas luces, un invento del departamento de marketing para vender productos licenciados. Ellos lo saben y les encanta.

Para equilibrar la balanza está otro equipo de humanos normales, unidos por su deseo de venganza en contra de los súper poderosos. Bill Butcher, una persona entrenada por la CIA, encabeza este peculiar ensamble, quienes aprovechan el descuido de A-Train (el más veloz del mundo) para infiltrarse en su organización, con la finalidad de obtener pruebas suficientes para detener a Vought International y a sus "súpers" para siempre. Obviamente la trama se complica al descubrir toda una conspiración que ha tenido lugar durante años, un romance que se da entre la más novata de The Seven y el miembro más joven de The Boys y una sub directora de relaciones públicas que hará lo posible por que sus representados puedan pertenecer a las fuerzas armadas estadounidenses.

Como mencioné anteriormente, la trama es demasiado completa para detallarla en este espacio, pero lo que sí les puedo decir es que los valores de producción (guión, efectos, locaciones, actuaciones, etc...) tiene los más altos estándares de calidad. En los avances se ve que esta serie no se anda por las ramas y muestra humor, ironía, sexo, sangre y vísceras. Cumple con todo ello y con creces. No existe desperdicio alguno con esta producción, salvo con el subtitulaje y los nombres ridículos que algunos "héroes" reciben en nuestro idioma (ignoro si con el doblaje ocurre igual).

Si creen que tienen que ser expertos en el género o que deben conocer el cómic para entender la serie, no se apuren. Con esta primera temporada, The Boys nos adentra de manera adecuada en este universo de vanidades, capitalismo, drogas y conspiraciones de una forma tan natural que parece todo, menos una serie con súper héroes. Incluso los productores se dieron el tiempo de incluir a algunas estrellas del pasado, como Haley Joel Osment, Tara Reid y Billy Zane. ¿Relevantes? No, pero son un bonito detalle para una serie que llega con una gran campaña publicitaria para darle competencia a las ofertas de Marvel y DC en la televisión. Y con cada uno de los ocho capítulos de esta primera temporada, Karl Urban muestra su lado más obscuro y sádico con el que le advierte a los gigantes del género que él y su equipo llegaron para quedarse. The Boys es el gran estreno de la temporada en todas las plataformas de streaming.

Stranger Things (2016, Netflix)

2019-07-23T09:43:00.001-07:00

Durante los años 80 la audiencia estaba fascinada con la visión del futuro que otorgaba el cine. Desde Back to the Future con sus autos voladores y con motores de fusión biodegradable hasta el deprimente mundo cyber punk de Blade Runner. Los amantes de la ciencia ficción gozaban con la posibilidad de que la arquitectura, la moda, los artículos y la sociedad tuvieran la capacidad de evolucionar hacia extremos tan llamativos como aterradores. Y, a casi 40 años de todos esos vaticinios, son contadas las profecías que el cine y la TV nos avisaron que "podrían" ocurrir. Hoy, predecir el futuro ya no es novedad. Al contrario, costumbres y modas voltean al pasado para inspirarse en lo "retro" y, más allá de sorprendernos con lo que podría esperarnos en un par de décadas, ahora el público millennial está fascinado con el estilo de vida, limitaciones y costumbres de quienes sobrevivimos los años 80. Teléfonos, televisores, revistas, modas, estilos, arquitecturas, conceptos, colores y todo lo que, perfectamente combinado, nos remonta tres décadas hacia el pasado. Ese es quizás uno de los mayores aciertos de Stranger Things, una de las series de Netflix que llegó discretamente y, con su primera temporada, se convirtió en todo un fenómeno de cultura pop, no sólo de la televisión en streaming, sino en el mundo entero.

Producida por los hermanos Duffer, la serie de ciencia ficción evoca a la perfección elementos tan básicos del género que se agradece su sinceridad. En una década de cambios, xenofobia y extremo patriotismo en los Estados Unidos, el que un grupo de niños sean los protagonistas es un golpe maestro. Asimismo, la química entre los actores, tanto jóvenes como veteranos, se siente a través de la pantalla, sumado a un excelente trabajo en el guión, en la dirección, así como en la producción en general. Por ello, las primeras dos temporadas fueron todo un éxito en la plataforma.

¿Qué ocurre con esta tercera temporada? Si bien los productores hacen hasta lo imposible por que los pretextos para esta nueva parte en la trama embone bien con las anteriores, el pretexto para que nuestros héroes se tengan que enfrentar de nuevo a las huestes del Upside Down se sienten metidas con calzador. Como se mencionó con anterioridad, la xenofobia era cosa de todos los días en los Estados Unidos durante la década de los 80. Por ello, el que los rusos sean la principal excusa para que la amenaza de otra dimensión regrese a cazar a Eleven y a sus amigos se siente tan obvia como innecesaria. Sobre todo cuando esto abre la puerta para entablar una dura crítica all sistema capitalista y corrupto de los Estados Unidos. Pero todo se queda en la superficie y se enfoca más en la acción que en las consecuencias (no como ocurrió en la primera y segunda temporada).

A esta crítica se suma otra dirigida a los medios de comunicación impresos y a quienes la forman, repleta de misoginia y compadrazgos; medios que parecen más un comodity para la sociedad que una herramienta para hacer que las cosas cambien (como ocurrió en la 2nda temporada). Y no olvidemos una especie de product placement de Coca-Cola cuya presencia no suma a la historia, sino que hiere la credibilidad de la trama, así como la seriedad de la producción. Si fue alguna especie de recurso irónico para burlarse de la mercadotecnia y la publicidad de la década, tampoco queda claro. Es obvio que una serie tan popular como ésta permita que existan miles de productos licenciados y alianzas con diversas marcas, pero la sutileza con esta supuesta estrategia entre la refresquera y Netflix pudo haber sido mejor integrada y no tan "in your face".

Definitivamente, la tercera temporada tiene el mejor final de todas las anteriores y eso se agradece. Sin entrar en detalles, todos los personajes salen de su zona de confort y, de continuar la historia con una cuarta temporada, tendrían que enfrentarse a la amenaza de una nueva vida, tanto para quienes se quedan como para quienes se van. Y, sobre todo, el misterio que nos deja la escena post créditos que nos mantendrá ocupados durante el tiempo que se estrene una supuesta 4ta temporada. Ahora bien, hace no mucho tiempo se anunció que ésta tercera temporada marcaría el final de la serie. De ser así, creo que terminarían bien, salvo dos o tres cabos sueltos pero podríamos vivir con ello.

Stranger Things es un fenómeno global que no podemos dejar de ver. La exageración de las situaciones, lo ridículo de algunas de ellas y lo fascinante de ver cómo un grupo de niños (ahora adolescentes) descifran misterios y derrotan entes transdimensionales es un verdadero deleite, sobre todo cuando suman inteligentemente a personajes nuevos como Robin o el Terminator ruso, así como otros ya conocidos como Erika. Sin muchos capítulos pero que cada uno vale su peso en oro (no como en la temporada anterior), con sus bemoles y sus detalles, la tercera temporada de Stranger Things nos lleva de regreso a esas historias de misterios, fantasía y ciencia ficción que muchos cineastas ya olvidaron cómo contar.

Jessica Jones (Netflix, 2015 - 2019)

2019-07-02T14:57:00.001-07:00

La ambición y experimentación de Marvel Studios tuvo varios aciertos, así como múltiples fallas. Unir sus películas en un universo compartido y recuperar a personajes licenciados a otras productoras fue, es y ha sido su más grande logro (además de hacer películas verdaderamente buenas). Pero, por otro lado, cuando el poderoso brazo que es el MCU quiso expandir su alcance a la televisión, fue ahí en donde encontró la horma de su zapato. El gran trabajo que WB Televisión ha realizado con todo su "Arrowverse" no fue ejemplo para que Marvel's Agents of S.H.I.E.L.D. cuajara con los fans, ni mucho menos se sintiera parte del gran plan fílmico. Si bien encontró un público fiel que los ha mantenido al aire suficiente tiempo, la falta de interacción con las películas y el olvido genérico que tuvo el Agente Coulson con los fans from hell de la saga infinita pareció no importarle a los productores, quienes animados con el poder de la televisión en streaming realizaron un trato con quien alborotó las aguas en primer lugar. Marvel Television y Netflix producirían en conjunto cuatro series enfocadas en súper héroes urbanos y después los uniría en un primer y magno crossover como nunca antes se había visto. Todo era alegría y felicidad, sobre todo cuando las historias estaban tan bien producidas y contadas (salvo con no tan honrosas excepciones) hasta que el romance entre los involucrados terminó y las producciones encontraron su inminente cancelación. Primero fue Iron Fist, después Luke Cage. Continuó con Daredevil (la más dolorosa de todas) y, finalmente, Jessica Jones, cuya historia encontró su fin con la tercera temporada, misma que recientemente se estrenó en Netflix.

Después de perder a su madre, Jessica continúa su trabajo bajo el concepto de ser una súper heroína. Este nuevo approach le ha dado muchos clientes, así como muchos problemas, entre ellos, perdonar a su hermana Trish, quien desde que sobrevivió a un experimento genético, ha estado desaparecida. Pero pronto un nuevo caso atrapará la atención de Jones, quien tendrá que poner toda su habilidad mental y física para atrapar a un asesino quien se jacta de ser un justiciero cuya misión es mostrar el verdadero rostro de las personas con poderes.

Obviamente existen muchas más subtramas muy interesantes que se cocinan a fuego lento en esta tercera y última temporada. Se nota que los escritores se dieron a la tarea de hacer un gran trabajo y otorgar una historia sólida, coherente y llena de emoción. No sólo con la evolución de Jones como persona y detective, sino su negocio, la competencia, sus relaciones personales, tanto con Trish como con Jeri Hogarth, cuya ambición no tiene límites; desde la primera temporada era notable el trabajo en los guiones y en la producción. David Tennant nos dejó a uno de los mejores villanos en la historia (Y en el MCU), por lo que el antagonista de la segunda temporada se sintió un tanto flojo y sacado de la manga. Después de The Defenders y ante la inminente cancelación de todas las producciones de Marvel en Netflix, Jessica Jones tenía la oportunidad única de terminar su arco argumental con un villano realmente único. Y lo logró, no con el personaje de Gregory Sallinger, sino con la relación de amor/ odio con Trish Walker. Su hermana, amiga, aliada, para después convertirse en lo que ella misma juró combatir toda vez que un experimento le otorgó habilidades especiales.

La única forma de hacer valioso a la protagonista era, de nueva cuenta, que un personaje cercano a ella se convirtiera en su objetivo. Tal y como ocurrió con Anakin y Obi-Wan, con Lex y Clark (en Smallville), las mejores amigas terminan por ser las peores enemigas. Este giro en la trama ayuda a darle un cierre digno no sólo a Jessica Jones, sino a todo el proyecto que fue Marvel en Netflix, del cual surgió el maravilloso spin off de The Punisher, el cual también pudo alcanzar grandes alturas de habérsele dado la oportunidad. No fue el caso.

Pero Jessica Jones pudo tener la última palabra y vaya que se va con la frente en alto. Que las broncas entre Disney y Netflix las resuelvan entre ellos, finalmente nosotros tuvimos, durante algunos años, las series que nos merecíamos, realmente apegadas al comic pero, sobre todo, bien contadas. Las series se mantendrán en la plataforma hasta el fin de los tiempos, pues le pertenecen a Netflix, por lo que siempre podremos visitar a esos personajes que nos dieron tantas alegrías. No nos resta más que decir una vez más, gracias y apúrense con la segunda temporada de The Umbrella Academy. Urge.

Good Omens (Amazon Prime Video, 2019)

2019-06-26T13:18:00.003-07:00

Existen muchas formas de saber si tu producción es todo un éxito. A veces se mide en taquilla, en el boca en boca, en las opiniones de la crítica, en el rating, en las vistas, en los likes... En el caso particular de la más reciente serie original de Amazon Prime Video se cuentan las vistas en todo el mundo, las opiniones en las redes sociales y, curiosamente, un detalle que a todas luces es preocupante. Más de 20 mil personas firmaron una petición para pedir la cancelación del título, pues la califican de blasfema, inexacta y, en general, una burla para sus creencias y principios cristianos. Pero lo verdaderamente grave es que estas 20 mil almas exigen la cancelación a... Netflix. Esto, a todas luces, es un triunfo en cuanto a marketing y posicionamiento por parte de esta firma y, mientras que los representantes de Prime Video mantienen el troleo en redes sociales sobre el tema, esta noticia sólo hizo que la producción creciera en popularidad, así como en audiencia. Que los mochos lloren, ya hará quien los consuele. Mientras tanto, la más reciente adaptación de la obra de Neil Gaiman, Good Omens es, a todas luces, un deleite visual.

La eterna lucha entre el bien y el mal encuentra un nuevo enfoque a través de los ojos de dos de sus principales protagonistas, quienes han acompañado a la humanidad desde que sus embajadores originales (Adán y Eva) fueran expulsados del paraíso por caer en el pecado original. Aziraphale, el ángel encargado de cuidar las puertas del paraíso y Crawley, el demonio quien tentó a Eva a comer la manzana prohibida, ven cómo ambos son expulsados de las fértiles tierras benditas para enfrentar el justo castigo otorgado por Dios. "Es su primer falta, ¿No te parece que Dios exagera un poco?", menciona cínicamente el demonio, mientras el ángel lamenta el pobre destino de la humanidad. Este primer encuentro los marca durante toda la eternidad, pues al paso de los siglos, ambos están destinados a encontrarse en puntos coyunturales en la historia humana, uno para brindar apoyo y comprensión, mientras que el otro hace todo lo contrario. Este eterno baile entre el orden y el caos encontrará un fin cuando ambos participan en los eventos que traerán, finalmente, la llegada del anti cristo y el apocalipsis. Pero ambos se han acostumbrado tanto a los humanos y a su vida mundana que no permitirán que esto ocurra.

Sólo una mente como la del maestro Gaiman podría entretejer una historia tan rica en folklore cristiano como elementos de brujería, santería y demás corrientes esotéricas (como la brujería) de una forma fresca, llena de ironía y, a decir verdad, hasta blasfema en el mejor sentido de la palabra. Basta con conocer su trabajo con otras obras similares como American Gods, su maravilloso trabajo con The Sandman de la editorial Vertigo y la gran cantidad de textos en donde toma deidades y las lleva a lugares donde pocos escritores se atreven.

Por ello, ver que un ángel y un demonio suman unen sus fuerzas en una meta en común era la oportunidad única para crear una serie que, aún con pocos capítulos (ocho en total), cuentan una historia de amistad, camaradería, complicidad y, por qué no decirlo, fraterna. Gracias al excelente trabajo de los histriones Michael Sheen como Aziraphel y David Tennant como Crawley es que esta producción llegó con una fuerza inusitada. A ellos se les une Jon Hamm, Frances McDormand (¡¡en el papel de DIOS!!), Miranda Richardson, entre muchos actores ingleses y, bajo la producción de la BBC de Londres, no se podía esperar nada más que una hechura excelente, con una cadencia impecable en cada capítulo y con un cuidado especial al momento de no confundir a la audiencia con un show que cuenta las aventuras de un ángel y un demonio con los resultados obvios que se cantan en las iglesias cada domingo.

El mensaje es fuerte y claro, incluso el ser más puro en el universo es capaz de engañar... por amor. Por su parte, aquél que fue creado para hacer el mal y lastimar a los demás, es capaz de cambiar y traicionar a los suyos... por amor. Incluso aún cuando en las sagradas escrituras está escrito que una guerra es inevitable, cuando estos dos seres se lo proponen, pueden detener todo, incluso al todo poderoso (y al rey de las tinieblas) en persona.

Dicho lo anterior, era normal que los más ortodoxos de la biblia encuentre en Good Omens una amenaza a todo lo que el evangelio se ha encargado de propagar por los siglos de los siglos. Amaos los unos a los otros, a menos que tengan tu mismo sexo o haya abortado o no profese tu religión. Entonces ódialo, recházalo y atácalo con toda la fuerza de Dios... O algo así. No por nada los ángeles son presentados como altos ejecutivos en un rascacielos celestial, mientras esperan el momento para entrar en batalla y ganar una guerra que, de acuerdo con las escrituras, ya está ganada (todo a costa de la humanidad, claro está).

¿Cómo es posible que una historia tan transgresora sea fácil de digerir? A través del humor. La serie es una comedia tan densa como tú decidas. Si el tema te parece tan delicado, entonces su humor (con todo y el estilo inglés tan característico) no harán más que enojarte. Sobre todo cuando te des cuenta que gran parte de la ironía viene de la narración del Dios todo poderoso que mira desde el infinito cómo su creación funciona (o no). Ahora que si gustas de ver excelente televisión y no te molesta ver cómo la religión es criticada a través de sus propios personajes - y situaciones sin sentido - entonces dale una oportunidad a Good Omens. No le hagas caso a peticiones absurdas que carecen de sentido, ver a Sheen y a Tennant juntos en pantalla con la perfecta verborrea emanada de los textos de Gaiman es un placer indescriptible.

Men in black: International (Hombres de negro: Internacional, 2019)

2019-06-19T09:09:00.002-07:00

¿Alguien pidió esta secuela? ¿Nadie? ¿Alguien le preguntó a Will Smith o a Tommy Lee Jones si les hubiera gustado participar? ¿Si hubieran hecho un cameo estilo Stan Lee? ¿Alguien hizo - al menos - algún estudio de mercado que justifique la existencia de este spin off/ cuarta parte de estos justicieros galácticos? ¿Alguien...? O, en su defecto, ¿A quién se le ocurrió que una pareja formada por Tessa Thompson y Chris Hemsworth tendría éxito en pantalla fuera de sus personajes de Valkyre y Thor, respectivamente? Son tantas las preguntas que no tendrán una pronta respuesta, mientras que esta nueva entrega de agentes que cuidan a la humanidad de la basura intergaláctica se hunde cada vez más en la taquilla internacional. Y todo ello sin tomar en cuenta a la crítica internacional, quienes como muchos de nosotros, esperamos ser neuralizados para olvidar que vimos este intento de homenaje mal planeado, mal escrito y con el peor timing en la historia.

La organización clandestina conocida por muy pocos como MIB (Men In Black) continúa con la tarea de vigilar a todos los seres galácticos que han decidido llegara la tierra por la razón que sea. Recientemente han reclutado a una civil que ha mostrado una capacidad única para desenmascarar a la organización a través de una investigación que le ha llevado más de 20 años. En su primera misión, deberá hacer equipo con el agente H, un veterano que labora en la división inglesa de la corporación, a quien se le encarga la vida de un embajador que tiene una amenaza de muerte. Pero algo le ha pasado al agente, pues de ser un ejemplo de profesionalismo y responsabilidad es ahora un desobligado y cínico agentucho de tercera. Todo ello mientras se fragua una inminente invasión que pone en riesgo la vida en el planeta.

En un principio el elenco prometía bastante. La química entre Thomspson y Hemsworth ya está probada en cintas de Marvel Studios, mientras que la presencia de Liam Neeson no hace más que incrementar la emoción por la cinta. De igual manera, el que Emma Thompson sea quien está a la cabeza de MIB Estados Unidos le da cierta continuidad con las cintas anteriores... Entonces, ¿Qué demonios pasó?

En 1997 la revolución de los efectos especiales fue una de las razones principales para que millones llenáramos las salas de cine en más de una ocasión; Will Smith, una de las nuevas promesas, afianzaba su lugar en el cine al lado de un ya veterano Tommy Lee Jones. Por todo ello no había absolutamente nada que perder ante esta nueva propuesta de humor negro con mucha ciencia ficción, la cual surgió de una serie de comics editados por Malibú Comics, pequeña editorial que fuera adquirida por Marvel Comics en 1994. Esto hace a los MIB una cinta de cómics. Y, por decirlo de alguna manera, es de Marvel.

Como sea, la popularidad de la cinta le garantizó una secuela que tardó cinco años en llegar. Si bien no obtuvo el mismo impacto que la primera parte, al menos respetó en gran medida el humor, concepto y elenco, mismo que gustó a los fans y, una vez más, aseguró una tercera y, hasta hace poco tiempo, una última entrega de los Hombres de Negro. Si bien esta última gastó la fórmula y cerró - de alguna forma - el arco argumental del agente J y del agente K, a algún trajeado en Sony Pictures decidió que era buena idea continuar con la saga, con nuevos personajes, nuevos conflictos, mismo estilo y mismas bromas. Mala idea.

Como ya mencionamos antes, la fórmula de MIB se gastó en 2002 cuando se estrenó la segunda parte. La crítica a la migración, a la tolerancia y respeto no sólo ha sido abandonada, sino totalmente rebasada por los hechos actuales, en donde actos de migración son considerados como terrorismo, invasión, peligrosos para todo aquél que teme que estos invasores tomen sus casas, sus empleos, su vida misma. La xenofobia ya no es graciosa y ha causado la muerte de hombres, mujeres y niños por igual que, en busca de una vida mejor, se encuentran con la muerte. Las primeras cintas de los Hombres de Negro tenían ciertos elementos de este tema, pero en esta última parte se pierden por completo.

Si bien la química entre los protagonistas existe, no son Will Smith, no son Tommy Lee Jones, no son Rip Torn. Vaya, ni siquiera el villano (o villanos) llegan al excepcional nivel de Vincent D'Onofrio, quien casi se roba la cinta con la interpretación de Edgar (o de la cucarachota en el "traje" de Edgar). La mayor parte de la cinta absolutamente nada se siente como una película de los MIB, sino como un intento guango de hacer una especie de homenaje a lo mejor que fue esta serie y que, al parecer, jamás podrá ser igualado o mejorado.

Lo peor del caso es que ni siquiera la curiosidad lleva a la gente a las salas de cine, pues no cuenta con una campaña de publicidad efectiva. Los productores confiaron que el star power de los protagonistas y la popularidad obtenida en cintas pasadas seria suficiente para jalar a las masas. Groso error. MIB: International es un pobre intento de secuela, spin off y cinta de ciencia ficción. Es monótona, predecible y con un guión que no lleva a ningún lado. Neuralize me, please.

Que alguien salve al Designated Survivor

2019-06-11T08:35:00.004-07:00

Un buen drama siempre es bienvenido cuando se trata de sentarte en tu sillón favorito a descansar, a desconectarte del mundo y distraerte un rato. Más si está bien escrito, bien dirigido y excelentemente actuado. Y más aún si la historia nos lleva a lugares, momentos y ambientes que nosotros jamás conoceremos ni visitaremos. Y qué mejor lugar para el drama que la Casa Blanca, ese lugar conocido por todo el mundo pero visitado sólo por un pequeño porcentaje de éste, ya que es el cuartel general del gobierno de los Estados Unidos y hogar del presidente de dicho país. Por ello, las historias y leyendas que habitan en él deben ser tan increíbles como maravillosos. No es de extrañarse que desde la creación de los formatos televisivos se hayan escrito cientos de historias en donde el personal (o staff) de este lugar son los protagonistas. Desde empleados, miembros del servicio secreto, hasta los mismos políticos y presidentes han sido personajes memorables en diversas series, algunas divertidas, otras con una carga emocional tan intensa que crearon escuela. Y otras que balancean la ficción y la acción con el drama y el suspenso de un mundo que estuvo a punto de irse al carajo. Esa era una premisa interesante y que mantuvo a una serie durante dos temporadas, hasta que ABC decidió cancelarla debido a que su audiencia bajó, aunque su popularidad internacional gracias a un acuerdo de distribución con Netflix le dio una segunda oportunidad.

Designated Survivor es un drama de suspenso político que nos presenta un atentado terrorista en su primer episodio, en el cual fallecen el Presidente de los Estados Unidos, así como el 90 por ciento de todos los políticos. Dentro de los sobrevivientes se encuentra Tom Kirkman, secretario de desarrollo, quien de acuerdo a la línea de sucesión, se convierte en el nuevo primer mandatario. Todo esto obedece a unos planes maquiavélicos de un grupo de poderosos industriales que buscan "rescatar" a su país de lo que ellos llaman un "liderazgo débil". Gracias al apoyo de un grupo de personas, su servicio secreto y una agente del FBI, el personaje del presidente Kirkman evolucionó de ser un demócrata a un político sin partido, sin tendencia política al centrar su interés en el ciudadano común, sin fijarse en el color de piel, orientación sexual, religioso ni nada de eso.

Gracias a esta visión centralizada de un político en los Estados Unidos es que esta serie consiguió gran aceptación en nuestro país vecino. No sólo por mostrar a un político atípico, sino por la crítica que realiza al actual gobierno de ultra derecha; asimismo, las subtramas presentadas en la serie reflejan gran parte de la descomposición social que se vive en los Estados Unidos durante los últimos años. Si bien esto pudo haberle costado audiencia en ese país, en el resto del mundo se convirtió en una de las producciones más vistas a través de Netflix.

Por ello, el anuncio de su cancelación sorprendió a todos, pues si bien carecía de la importancia de otras series dramáticas como House of Cards, contaba con una base amplia de fieles seguidores en todo el mundo, pues su mezcla de drama con suspenso y excelentes secuencias de acción nos ofrecía un producto completo y que nos atrapaba capítulo tras capítulo.

Dado el trato de distribución con ABC, no le fue complicado a Netflix hacerse de la producción, salvándola así del olvido televisivo, con lo que prometió la producción de una tercera temporada, misma que llegó el viernes pasado a todos los abonados del servicio de streaming. ¿Valió la pena el cambio de producción? ¿Sirvió salvar a Designated Survivor?

Pues si. Y no. Me explico.

Dado que ahora es una serie 100 por ciento propiedad de Netflix, el formato de una serie tradicional con más de 20 capítulos queda descartado y se recorta a diez. Esto no tendría que ser una mala noticia si tomamos en cuenta que una buena historia no depende del número de capítulos, sino de cómo la historia se desarrolla en ellos. Al estar acostumbrados a que la trama camine a cierto ritmo, ver que de repente todo se desarrolla tan pronto se siente apresurado.

Por otro lado es notorio el ajuste en el presupuesto, pues si bien los sets y los elementos visuales nos transportan de forma adecuada a la Casa Blanca y demás lugares de los Estados Unidos, varios de los personajes de la segunda temporada desaparecieron como por arte de magia. Menos mal que el protagonista y todos los personajes secundarios siguen ahí. Pero es notorio que con el afán de adaptar la trama a una temporada con menos episodios algunos de los personajes tenían que desaparecer para dar entrada a otros nuevos. Si bien no estorban y funcionan de acuerdo a esta nueva etapa, no se sienten tan relevantes como lo fuera Ethan West, interpretado por Michael J. Fox o la Dra. Andrea Frost, interpretada por Kim Raver.

Punto y aparte merece comentar el personaje de Hannah Wells, interpretado por Maggie Q. Ella era nuestra heroína de acción, quien sola llevaba la carga de la acción, investigación y era una badass en toda la extensión de la palabra... hasta que llegó esta tercera temporada y los productores decidieron (por alguna razón) que ya era necesario darle un descanso. Este recurso de eliminar a un personaje con este perfil es recurrente y funciona cuando alguien más toma la batuta, pero al final de la tercera temporada nomás no se ve quién pudiera tomar su lugar, por lo que en lo personal tengo teorizo que es posible que se encuentre una forma en la que la agente Wells regrese durante la cuarta temporada... si es que hay una cuarta temporada.

Desconozco los números de Netflix y si estos justifican que se le destine un nuevo presupuesto a la serie, pero al ver el caso similar de Lucifer y que ésta tendrá una quinta y última temporada, mucho me temo que la gran N podría pensar seriamente en dar por terminada la serie con esta tercera temporada. Ahora que si los números responden de manera correcta y logran apelar al mensaje de inclusión racial que permeó durante toda esta nueva etapa, podrían garatizarnos un par de temporadas más para beneplácito de los fans.

Pero todo depende de la recepción de la serie y acá no hay ratings que importen, sino métricas constantes y sonantes. Y nada es más contundente que eso. Como sea y como fuel seguidor de la Después de haber visto la tercera temporada en su totalidad me quedo con ganas de más, pero no de capítulos nuevos, sino que éstos disponibles en streaming se sintieron... incompletos, de alguna manera. Ojalá y mejore, pues la trama y el suspenso con los que comenzaron con el pie derecho merecen recuperarse.

El final de la teoría

2019-05-28T10:46:00.001-07:00

Existen muchos hitos en la historia de la televisión. Desde que fue creado el modelo de difusión y de publicidad, hasta que se crearon los primeros programas pre-grabados, hasta el uso de - en su momento - modernos y eficaces efectos especiales, muchas producciones han sido parte fundamental del desarrollo económico-político-social de millones de personas. Tan sólo basta con conocer los casos de producciones tan longevas como Doremón en Japón, Dr. Who en Inglaterra o las eternas telenovelas gringas como General Hospital o series como Los Simpsons, las cuales están presentes desde hace décadas en el aparato televisor y pareciera no tener fin. Pero también existen otras mucho más efímeras cuyo tiempo al aire fue suficiente para dejar una marca imborrable no sólo en la historia de la televisión mundial, sino en la cultura pop y eso no lo logra cualquiera. The Big Bang Theory, serie cómica de Warner Tv, llegó hace poco más de 12 años para mostrarle al mundo cómo sería la vida de cuatro nerds si un elemento ajeno y totalmente contrario a su ambiente se relacionara con ellos. El resultado fue una de las historias de amor, superación, aceptación y tolerancia más divertidas y memorables del género, misma que llevar a todos los involucrados directo a los cuernos de la luna, de regreso y para arriba otra vez. Pero todo lo que inicia con un Big Bang también debe terminar.

Oficialmente, el capítulo final de The Big Bang Theory sería transmitido el domingo 2 de junio en Warner Tv, pero dado que la serie encontró a gran parte de su público en nuestro país, tendremos la suerte de participar en un evento único en su tipo. Este sábado a las 5:30 pm, en el monumento a la Revolución se realizará un evento especial, una fiesta para todos los fanáticos de la serie, quienes acompañaron a Raj, Leonard, Sheldon, Howard, Penny, Amy y Bernadette en cada una de sus aventuras, experimentos, teorías y decisiones, mismas que los llevaron, irremediablemente, al lugar especial en los corazones de millones de personas.

¿Cuál es la razón del éxito de esta producción? Sin duda alguna, el que miles de personas se sintieran identificadas con los estereotipos que representan cada uno de los personajes. Sobre todo el contraste tan brutal entre los cuatro chicos genios y la hermosa vecina. Mientras ellos comparten gustos y pasiones que los mantiene cerrados en su propio "club", ella llegó para mostrarles que existe un mundo más allá de las fórmulas, teoremas, cálculos y competencias científicas, al mismo tiempo que les demostró que no por ser una cara bonita (y muy sexy) es completamente ignorante (aunque lo es), pero siempre con un buen corazón; en cambio, ellos le enseñaron que el hecho de ser hombres inteligentes y exitosos en cada uno de sus campos, no los exime de sueños y de lograr aciertos en sus profesiones, así como en sus relaciones interpersonales.

También tiene mucho que ver que la serie estuviera plagada de referencias, no sólo de otras series de la productora, sino de la cultura pop. Esto abrió la oportunidad para que varios representantes del mismo fueran mencionados e, incluso, tuvieran participaciones especiales en la serie. Desde James Earl Jones, la difunta Carrie Fisher, Mark Hamill, Charlie Sheen, Octavia Spencer, Summer Glau, Danica McKellar, Katee Sackhoff, George Takei, el mismísimo Stan Lee, Eliza Dushku, Neil deGrasse Tyson, Leonard Nimoy (prestó sólo su voz), Stephen Hawking, Nathan Fillion, entre muchos otros actores populares dentro de la cultura pop pueden sentirse orgullosos de haber participado en una serie que homenajea a los genios que mejoran la vida de los astronautas, a los teóricos que escriben libros que nadie entiende y a las actrices que nos sirven nuestros pays en espera de ese llamado que les cambiará la vida.

Es difícil decir adiós, sobre todo cuando éste no depende de nosotros. Ya no veremos nuevos capítulos de The Big Bang Theory, pero para nuestro consuelo la serie permanecerá en los servicios de streaming y en formato casero por muchos años. Y si bien el episodio final de una hora (partido en dos capítulos de poco menos de 30 minutos cada uno) ya se transmitieron en los Estados Unidos, el evento The Big Bang Theory Forever que tendrá lugar este próximo sábado, 1ro de junio a las 5:30 de la tarde, será la fiesta perfecta para despedir a una producción que durante tantos años nos dio excelentes momentos y nos ayudó a no sentirnos extraños en un mundo en donde los geeks y los nerds son los nuevos sexys.