Cinemática

Men in Black 3 (Hombres de negro 3)

2012-06-02T19:09:00.002-07:00

Existen franquicias que terminan y tienen la decencia de permanecer así, inamovibles, intocables, congeladas permanentemente en la historia y en los recuerdos de quienes las disfrutaron en su momento. Sin reboots, sin remakes, estas producciones suelen formar parte de las colecciones más queridas de aquellos cinefilos que, de vez en cuando, desempolvan sus colecciones para darles una nueva visita a esos personajes que, para ellos, jamás serán olvidados. Pero también existen aquellas cintas cuyos productores/ directores ven futuro con dos o más historias que, en su mente, sienten que merecen ser contadas. Sin importar que las historias sean flojas o los chistes desgastados, al parecer lo único que importa es generar dinero. Y siento que Men in Black 3 es uno de esos casos.

Los agentes K y J han trabajado juntos por más de 10 años. Juntos han brindado justicia y discreción dentro de la organización que se encarga de mantener escondidas a las actividades de extraterrestres en nuestro planeta. Pero esta vez un ser llamado Boris ha escapado de su celda en la luna y planea viajar en el tiempo para, a) matar al agente K, así como evitar que le corte un brazo, b) realizar una serie de asesinatos que le permitan asegurar una futura y letal invasión al planeta tierra. Mientras tanto, la relación entre ambos agentes comienza a tensarse y, cuando K desaparece misteriosamente, J comienza una investigación que tendrá que continuar a mediados del siglo pasado pues, al parecer, el vilano ha tenido éxito en su misión.

Por un lado, ver de nuevo la química que tienen en pantalla Will Smith y Tommy Lee Jones es algo único y agradable. Pocas "parejas disparejas" en el cine tienen ese "swing", ese ritmo y cooperación voluntaria-involuntaria para el humor. Tal y como ocurrió con Murtaugh y Riggs de la saga Lethal Weapon, estos dos personajes se convirtieron en la columna vertebral de la saga que, aunque son varios baches en su camino, se han consagrado dentro del ámbito de la ciencia ficción cinematográfica. Y el que Joss Brolin entre al quite como un joven y rudo agente K le da un toque diferente a la historia (y, además, que participe en la dinámica de una forma impecable, al imitar perfectamente las formas y modos de Tommy Lee Jones).

Por ello sorprende que sea ésta relación el hilo conductor de la tercera parte de la saga, en donde se explora un poco más la historia de ambos personajes desde un punto de vista más personal. El director, Barry Sonnenfield, supo cómo incluir clichés clásicos del género e incluirlos de forma entendible para la audiencia sin mucho problema, ya que, en parte, el humor y la ironía siempre está presente y ayuda al ritmo de la historia.

De igual manera y como era de esperarse, en el plano de los efectos especiales no hay mucho que mencionar salvo que cumplen con el cometido. Se ven bien y el 3D no estorba, aunque tampoco inventan el hilo negro. Salvo dos que tres secuencias descaradamente hechas con CGI, la película es impecable en cuanto a su estética.

Pero los problemas comienzan cuando los personajes secundarios-terciarios jamás terminan de cuajar. Desde la agente O, interpretada de forma genial por Emma Thompson y Alice Eve, no ofrece nada nuevo. Igual ocurre con Nicole Scherzinger, quien su participación en la cinta es tan pequeña como olvidable, al igual que los famosos cameos de personalidades que no igualan en absoluto la increíble y divertida participación del mismo Michael Jackson en la segunda entrega de los hombres de negro.

Pero lo más grave es que el villano, interpretado por Jemaine Clement, jamás se eleva al nivel de los antagonistas anteriores. Su peligrosidad (pues es tan peligroso que le tuvieron que construir una cárcel especial en la luna), jamás se explica, jamás se entiende y jamás pesa en la historia. Según los diálogos de dos o tres personajes, su raza es una de las más peligrosas de la galaxia, pero no parece nada más que un motociclista con mala actitud. Atrás quedaron los estupendos trabajos de Vincent D´Onofrio o la excelente interpretación de Lara Flynn Boyle.

Y, con todo y que la historia nos revela un poco más de la historia entre los dos protagonistas, la cinta no se siente tan fuerte como aquella con la que iniciara todo. No es peor que la 2da parte, pero los villanos jamás hacen clic con la audiencia, los efectos no sorprenden y la dirección no es de "otro mundo". La oportunidad de seguir la tradición de las cintas anteriores fueron eliminadas por la necesidad de incluir a artistas "de moda" que no terminan de cuajar y la poca participación de Lee Jones hace que esta cinta se sienta como cualquier otra cinta de ciencia ficción, pero jamás, jamás, como aquella primera parte de Men in Black.

Battleship (Batalla naval, 2012)

2012-05-13T16:18:00.000-07:00

En el mar, la vida es más sabrosa. Eso dice una canción y, en efecto, en el mar suelen vivirse las mejores anécdotas, aventuras, experiencias que marcan nuestras vidas. Por ejemplo, hace poco más de 12 años que viajé con mis primos al puerto de Acapulco durante una semana entera. Ahí disfrutamos de unos momentos inolvidables y que marcaron lo que sería el fin de nuestra juventud y dio paso al mundo adulto. Ahora, cada quien con sus esposas e hijos, recordamos esos momentos como unos de los más preciados de nuestras vidas. Sé que a varios de ustedes les extrañará que les hable de mis recuerdos playeros como entrada de una crítica a la cinta Battleship, pero es que encuentro mil millones de veces más interesante relatarles algo de esta producción liderada por Peter Berg.

Basado en el popular juego de mesa de Hasbro, bajo el mando de los mismos culpables de haber producido y adaptado a los Transformers en la pantalla grande, Batalla naval se enfoca en la vida de Alex Hopper un bueno para nada que decide entrar a la marina para impresionar a la bella del cuento (interpretada por el eye candi 1, Brooklyn Decker). Al ser una persona arrogante que no acepta la ayuda de nadie, se mete en problemas durante unos juegos militares que involucran a otras armadas de diversos países, en donde lo acompaña nada más ni nada menos el eye candy 2, Rihanna. Y es justo en ese momento cuando unos seres de otro planeta deciden que es un excelente momento para invadir la tierra y hacerse de ¿sus recursos? Jamás lo explican. En fin. Al más fino estilo de cine gringo, Hopper debe superar cada uno de sus prejuicios y sus limitantes para encontrar, al menos, una oportunidad de vencer a estos seres que son, evidentemente, mucho más avanzados tanto en tecnología como en armamento.

¿Quién es Peter Berg? Es un actor, escritor y director que ha tenido que ver tanto en producciones en cine como en televisión. Entre sus cintas más "memorables" se encuentra Hancock. Si, esa que prometía bastante con sus avances y terminó por ser una tomada de pelo carente de sentido en pleno auge de las historias de súper héroes. Eso si, es innegable el cambio de estilo que ha tenido como cineasta, pues en esta nueva aventura bien podría pasar por un clon (mal logrado) de el también nefasto Michael Bay. De hecho, tiene sentido que los mismos productores de Transformers encontraran en Berg a la persona adecuada para traer a la pantalla una historia digna del videohome.

Por un lado, la manipulación de la testosterona por medio de dos mujeres hermosas, talentosas, quienes son total y absolutamente desaprovechadas en toda la historia. Una, por su lado, al ser una terapeuta de soldados heridos y, la otra, una infante de marina que jamás convence, ni cuando hace uso de armamento pesado. A ellas se le suma el héroe del momento, Taylor Kitsch, quien se ha vendido como el nuevo rostro de acción y se ha colocado a la par de los newcomers como Sam Worthington, Chris Hemsworth y Chris Pine.

Lamentablemente, su estatus como estrella se queda muy por debajo del desempeño de la película, ya que al carecer de ritmo y de una dirección concisa, todos los personajes ceden su peso a un espectáculo visual que, si bien desquita los millones invertidos, termina por ser un mero adorno que no nos lleva a ningún lado. Sumado a ello, está el mensaje 100 patriótico que, al final, termina por ser patético, con todo y la inclusión de japoneses en la ecuación.

Obviamente no podía existir una cinta basada en un juego de mesa sin que la dinámica del juego apareciera dentro de la cinta. Claro que uno se imaginaría que ésta fuera la columna vertebral de la historia o, al menos, tuviera un peso importante dentro de la misma. El resultado no sólo es decepcionante, sino patético. Disculpen el spoiler, pero si estos seres son tan avanzados que atravesaron toda la galaxia, ¿Por qué demonios sus naves brincan como sapos en el mar? ¿No se pueden sumergir? ¿No pueden volar? ¿Sus armas y tecnología son tan avanzadas que no pudieron preveer que su nave de comunicaciones se estrellaría con un satélite artificial? Creo que esta es la raza de alienígenas más tonta que Hollywood ha creado.

Y sí, una raza extraterrestre tonta para una cinta tonta que apuesta su taquilla en personas superficiales que defienden cualquier película que tiene renders bien logrados y chicas con poca ropa. Como entretenimiento palomero pudiera pasar, pero como una cinta de ciencia ficción no se le puede tomar en serio. Es, al fin y al cabo, una cinta basada en un juego de mesa.

The Avengers (Los Vengadores, 2012)

2012-04-27T10:05:00.000-07:00

Hace poco más de 50 años, Marvel Comics reunía en una nueva tira cómica a sus héroes (y anti-héroes) más populares y los hizo enfrentarse a una amenaza en común. Iron Man, Hulk, Wasp, Ant Man y Thor unieron sus fuerzas para repeler los ataques y manipulaciones que Loki, dios de las travesuras y medio hermano del dios del trueno, dejaba caer sobre ellos. Huelga decir que el grupo salió avante, así como el título, el cual ha formado parte importante de la cultura pop durante las últimas 5 décadas. Tanta es su importancia, que cientos de personajes han desfilado por sus páginas, algunos como apariciones especiales, mientras que otros llegan para quedarse como parte del equipo oficial. De hecho, casi todo el universo Marvel ha aparecido en algún momento en las páginas de los Avengers.

Por ello es de suma importancia y relevancia el ambicioso e importante proyecto fílmico que Marvel Studios ha ensamblado con el estreno de los Avengers, cinta en donde se reúnen los héroes más poderosos del planeta para enfrentarse a una amenaza común (tal y como en el cómic). Loki busca desesperadamente el Tesseract, el cual está en posición de S.H.I.E.L.D. Debido a ello, tendrá que hacer uso de todas sus habilidades con el engaño para hacerse del aparato, el cual podría poner en riesgo la existencia misma del planeta tierra. Para ello, Nick Fury tendrá que reunir a un peculiar grupo de personajes quienes tendrán que aprender a trabajar en equipo si es que quieren salvar al mundo.

La premisa pudiera parecer simple, sobre todo cuando la hemos visto funcionar en las viñetas una y otra vez. Esta vez, el reto fue capturar esa esencia en la pantalla grande, con actores que ya probaron su valía en cada una de las cintas de Marvel Studios. Y, al mismo tiempo, el reto de filmar una película tan ambiciosa, tan iconica y relevante para millones de fanáticos en todo el mundo era tan alto que despertó dudas en más de uno, ya que, si bien los actores ya habían pasado la prueba de fuego con cada uno de sus personajes (Steve Rogers, Tony Stark, Thor, Natasha Romanov, Clint Barton, Nick Fury, Agente Coulson), había dos aspectos fundamentales que serían fundamentales para su éxito, la historia y la dirección.

El verdadero héroe de esta historia no es el poderoso dios del trueno ni el súper soldado, ni mucho menos el gigante esmeralda. Quien salvó a los Avengers de que su primera aventura en conjunto fuera una mezcla sin ton ni son es conocido en el mundo del espectáculo como el creador de Buffy la cazavampiros, Firefly, Serenity, Dr. Horrible´s sing-alone blog y escritor de comics, Joss Whedon. Fue su visión como director y su script los que convencieron a las cabezas de Marvel Studio de que no existía ninguna otra persona capaz de poder ensamblar al elenco y entregarles una historia contundente, con diálogos quirúrgicamente exactos y con una dirección que, si bien tiene sus puntos débiles, están repletos de coherencia y siempre mantiene su hilo conductor.

Quienes temían que el personaje de Robert Downey Jr. se robara la cinta pueden estar tranquilos. Aunque gran parte de la película recae sobre sus hombros, lo comparte de forma loable con el resto del elenco. Incluso Renner y Johansson, cuyos personajes siempre fueron meras apariciones especiales o de relleno en otras producciones del estudio, tienen oportunidad de brillar a la par del Capitán América. Si hay que ser sinceros, es Thor quien se queda un tanto mermado en cuanto al desarrollo del personaje y hay algunos puntos que rompen con la coherencia y continuidad del personaje, pero no es nada que lastime de manera importante el ritmo del filme.

Mención aparte merecen Tom Hiddleston y Mark Ruffalo, Loki y Bruce Banner/ Hulk, respectivamente. El primero mostró que podía hacerse cargo de un personaje con tanto peso, carisma y profundidad como el dios del engaño y no decepciona, al contrario, eleva el conflicto interno del hermano de Thor a un nuevo nivel y es muy convincente dentro de su papel de manipulador y general de una armada que busca conquistar la tierra. Ruffalo, por su parte, convence como el nuevo rostro del doctor Banner y encaja perfectamente dentro del peculiar grupo de héroes, mientras que su Hulk es una de las mayores y mejores sorpresas de la noche (ya sabrán por qué).

Whedon es conocido por su ácido y peculiar sentido del humor, el cual se refleja durante toda la cinta con todos los personajes. Este es un elemento que buen podría no ser del agrado de todos, ya que de repente parece cualquier otra sitcom tipo Friends donde el humor involuntario reina y las risas del público motivan a los personajes. Pero, por otro lado, una cinta de súper héroes que se toma muy en serio podría terminar en un caos aburrido y sin interés.

The Avengers se trata de un grupo de aventureros que se unen para salvar al planeta (o, al menos, intentarlo), por lo que no esperen ver que se enfoque en un sólo personaje. De hecho, el personaje principal sería el colectivo y éste evoluciona poco a poco hasta convertirse en una unidad que no sólo demuestra que puede con cualquier amenaza en pantalla, sino que dejará satisfechos a fans y cinéfilos en todo el mundo, sin problemas, tan es así, que nadie ha notado la ausencia en la cinta del grito de guerra característico del equipo. Y, como fan del cómic, no me resta más que agradecer a todos los involucrados y responsables de que esta producción se haya mantenido fiel, dinámica e interesante. Gracias Marvel Studios. Gracias Joss Whedon. Gracias industria cinematográfica. Avengers Assemble!

The Hunger Games (Los Juegos del Hambre, 2012)

2012-03-18T13:24:00.002-07:00

Harry Potter se fue. Su legado en el ámbito literario y cinematográfico ya forma parte de la historia. De igual manera, el fenómeno Twilight está a punto de extinguirse. La saga fílmica se encuentra a una cinta de terminar con su aventura en la pantalla grande. Ambas sagas, para bien o para mal, son grandes ejemplos de cómo un producto puede ser adaptado a otro medio de forma exitosa. Y, hasta el día de hoy, no había quien les hiciera frente, competencia o, al menos replicara medianamente el éxito en ventas, tanto en librerías y en taquillas simultáneamente. Hasta que Suzanne Collins publica, en el 2008, Los Juegos del Hambre, una obra que retrata un futuro distópico en donde los jóvenes provenientes de diferentes partes de un país deben enfrentarse a muerte, hasta que sólo queda uno con vida. En su momento fue el best seller y no tardo mucho en encontrar a una productora interesada en llevara al cine.

Katniss Everdeen, quien vive en el distrito 12, es una de los dos elegidos para representar al Distrito 12 en los 74º Juegos del Hambre, un acontecimiento anual en donde 2 adolescentes pertenecientes a 12 diferentes distritos se enfrentan a muerte, hasta que sólo uno de ellos queda con vida. En los juegos, tendrá que sobrevivir a las trampas colocadas en el coliseo, a la falta de alimentos y agua, así como a los otros tributos, quienes buscan desesperadamente mantenerse con vida y ganar. En estos juegos, Katniss deberá presionarse tanto física como emocionalmente si es que quiere mantenerse con vida.

Desde que el libro salió al mercado tuvo muchas críticas, sobre todo por su parecido con historias que ya conocemos en el formato audiovisual, The Running Man y Battle Royale. En ambos casos, se explora la matanza de personas desde el punto de vista del entretenimiento y control de masas, en donde el protagonista supera las más grandes carencias para sobresalir entre todos los demás competidores y, sin querer, generar una revolución.

Si bien la autora ha comentado que se inspiró en reality shows y en las transmisiones en vivo de la guerra en Irak, el parecido con las obras ya mencionadas es bastante. Pero, el contexto y los contenidos no podrían ser más dispares, ya que, en este caso, no sólo se trata de una adolescente quien lucha por su vida, sino que existe una crítica social muy actual, además de un triángulo amoroso que es el deleite de las adolescentes.

Por ello, el casting para la película era crucial. Se hicieron muchas pruebas hasta que se encontró a los tres protagonistas que desarrollaran a la perfección a los personajes. Joss Hutcherson, Liam Hemsworth y Jennifer Lawrence. En ésta última recae todo el peso de la cinta, pues su personaje no sólo es el centro de un intenso romance juvenil, sino que es una mujer fuerte, decidida, contundente y muy inteligente, digna sucesora de las heroínas del cine como Ellen Ripley o Lara Croft. Sobra decir que su trabajo es sobresaliente y es muy complicado que otra actriz hubiera logrado tan nivel de profundidad. Lo mismo ocurre con sus coprotagonistas, quienes tienen una excelente química con la "chica en llamas".

Claro que nada de esto hubiera sido posible sin una buena adaptación y una dirección adecuada. Gary Ross sorprende con una edición dinámica, cámaras al hombro, tomas subjetivas y mucha discreción con las escenas violentas que, en manos de otro director estilo Michael Bay hubiera sido un espectáculo de persecuciones y explosiones sin sentido. También, gracias a que la misma Collins estuvo involucrada en la adaptación de la historia, la película le es muy fiel al libro, sin ser una copia al carbón, pero sí aprovecha las bondades que el cine puede ofrecer al público.

Sin lugar a dudas, The Hunger Games es una película redonda, contundente y muy entretenida, se haya leído o no el libro. Quizá el único pero que tiene es que de repente se siente muy larga, pero al sopesar los detalles con los que debe contar para que la historia se sienta completa, se justifican esos minutos que la alejan de una cinta convencional para adolescentes y la convierten en una aventura futurística cuya crítica al gobierno, a las manipulaciones mediáticas y a la falta de libertades sociales se siente muy, pero muy actual. Como libro es una lectura apasionante y como cinta es una aventura excelente, la cual no dudo que será uno de los blockbusters del año y tendrá sus merecidas secuelas.

The Artist (El Artista, 2011)

2012-02-25T12:11:00.002-08:00

En pleno apogeo de las cintas en 3D, 4DX, proyecciones con audio y video digital, que una cinta muda, proyectada en formato 1.33:1, en blanco y negro le diera la vuelta no sólo a la taquilla, sino a la crítica y especializada y al público en general es algo inesperado, inusitado y refrescante. No se trata sólo de una curiosidad atemporal que nos invita a vivir el cine como en los años 20, sino que su fortaleza se encuentra en lo que muchas otras historias flaquean al momento de ser producidas: la historia. Y es precisamente ahí donde The Artist encuentra el pilar que sostiene su formato retro. No había otra manera de contar esta magnifica historia.

George Valentin es la estrella más grande del cine en los años 20. Es galán, carismático, talentoso, asediado por la prensa, envidiado por los hombres y asediado por las mujeres. Su rostro en conocido en todo el mundo, más no así su voz, pues las cintas donde participa son mudas, musicalizadas en vivo por una orquesta. Y ese es el tipo de cine que comienza a decaer, cuando se inventa la grabación de audio en el cine. Mientras Valentin se muestra renuente ante esta nueva herramienta fílmica, una bailarina, Peppy Miller, comienza su carrera al estrellato al incursionar en esta nueva manera de contar historias. De esta forma, mientras una estrella nace, la otra pierde brillo y se enfila al olvido.

Si bien la historia, el formato y el concepto no tienen nada nuevo, ¿Qué ofrece de innovador esta cinta que ha sorprendido y encantado a millones de personas en todo el mundo? La suma de todos los factores, con especial mención a la trama, la edición, la estupenda dirección por parte de Michel Hazanvicius y la estupenda interpretación y gesticulación de Berenice Bejo y Jean Dujardin, protagonistas y estrellas de la cinta que ha refrescado la experiencia de ir al cine.

Es muy merecido también mencionar el estupendo trabajo de casting, ya que todos los personajes, por pequeñas que parezcan sus interpretaciones, tienen peso y sentido en la trama. Actores que generalmente los encontramos en cintas cómicas y destinadas a ser distribuidas sólo en formato casero, muestran que, para ellos, no existe proyecto pequeño. Tal es el caso de Missy Pile, Malcolm McDowell y Ken Davitian, entre otros, quienes sin importar lo pequeño o intrascendente que parecieran sus apariciones en pantalla, dejan en ella lo mejor de si.

Después de tanto remake, secuela, adaptación y readaptación de cintas que hemos tenido durante los últimos cuatro años en cartelera, da gusto ver que llega una oleada de producciones que le ofrecen un homenaje muy merecido a todos los pioneros del cine. Está Martin Scorsese, quien con Hugo le hace una merecidísima muestra de respeto a George Mèliés, padre del cine espectáculo; Michel Gondry con Be Kind Rewind y la historia de dos amigos que defienden su modus vivendi por medio de homenajear las películas que los marcaron desde niños y, por último, Hazanavicius y su visión de un cine que retoma sus elementos básicos para contar una historia.

Este es el verdadero valor de esta película. Le muestra a todo el mundo que ni es necesario un innovador 3D, ni la mejor edición d sonido digital THX ni la mejor gama de colores en pantalla. Sólo se necesita una un reparto inigualable y las ganas de llevar al cine una historia inigualable. Esta es la fórmula para poner de pié al público al final de la función.

Ningún otro viaje al pasado se había sentido tan actual como The Artist. No puedo más que aplaudir una y mil veces este ejercicio que merece todos los premios y reconocimientos a los que sea nominada.

The Girl with the Dragon Tattoo (La chica del dragón tatuado, 2011)

2012-01-22T18:26:00.000-08:00

Estoy seguro que, algún día, entenderé la necesidad de la industria cinematográfica de Estados Unidos de adaptar éxitos fílmicos de otras partes del mundo a su propio idioma (en todo el sentido de la frase). Por un lado, eligen invertir en una historia que ya es conocida por todo el mundo, ya que, además de formar parte de un best seller literario, ya fue adaptado al séptimo arte por Niels Arden Oplev, quien logró un trabajo sobresaliente con un presupuesto moderado y un casting que raya en la perfección. Al día de hoy, gracias a esta trilogía original, sus protagonistas dieron el salto hacia el cine mainstream, codeándose con estrellas como Tome Cruise, Charlize Theron, Robert Downey Jr, entre otros. En pocas palabras, la adaptación de la obra de Stieg Larsson les garantizó fama internacional. Hoy, toca el turno a David Fincher (Alien 3, The Social Network) de reimaginar el libro y hacer una nueva adaptación (ojo, no es un remake) de la obra que le diera la vuelta al mundo durante 2005.

Mikael Blomkvist, un periodista caído en desgracia, es elegido por un magnate para que descifre un misterio familiar con más de 40 años. Su sobrina, a quien quería como a su propia hija, desapareció sin dejar rastro, por lo que se sospecha que fue asesinada. Debido a ello, Blomkvist debe investigar para encontrar algo, aunque sea una pequeña pista que de con su asesino. Durante su investigación recibirá la ayuda de una hacker, cuya vida también ha sido marcada por la tragedia, el abuso y la violencia, tanto física como psicológica. Juntos descubrirán los misterios de la familia Vanger, así como los que esconden consigo mismos.

Sería imposible no comparar ambas versiones, con todo y que una se filmó hace 4 años y con un presupuesto que dista mucho de ser espectacular, mientras que la otra cuenta con apoyos multimillonarios y es mucho, pero mucho más ambiciosa. Pero, honor a quien honor merece, ambas cintas se sostienen por sí mismas, debido a quienes están detrás de ellas. La original, por ejemplo, se toma la libertad de cambiar ciertos elementos y omitir algunos detalles, en pro de hacer más dinámica la trama. Por su parte, Fincher decide basarse en el libro, por lo que incluye varios detalles omitidos en la primera versión, lo que hace a esta cinta la más fiel a la obra de Larsson, en cuanto a historia, elementos, personajes y situaciones.

Respecto a los protagonistas, Daniel Craig entrega a un convincente Mikael, un periodista recto, que ama a su profesión y encuentra a las letras como su arma para cambiar al mundo o, al menos, mejorarlo. Si bien de repente recuerda un poco a otro personaje que gusta de espiar (James Bond), al final su entrega se siente sincera y contundente.

En cuanto a Rooney Mara, quien interpreta a Lisbeth Salander (LA chica con el dragón tatuado), la historia es diferente. Me imagino que Fincher, con lo quisquilloso que es al momento de hacer los castings y con la forma tan repetitiva que tiene de filmar, eligió a la protagonista con pies de plomo y con ojo de águila. Y lo hizo bien. Lisbeth no es un personaje fácil de "castear" puesto que lleva todo el peso de la cinta. Y, reitero, no lo hace mal, pero no es la "Lisbeth" que, en lo personal, me esperaba.

Tal vez estoy demasiado clavado con la versión original y estoy muy acostumbrado a ver a Noomi Rapace como la única e indiscutible Salander, pero me cuesta mucho trabajo ver a un personaje que está lleno de rencor, de dolor y, por consiguiente, es sólido y sabe valerse y decidir cosas por sí misma, pedir permiso para quitarle la vida a alguien. Asimismo, la fortaleza de la protagonista reside en que sus actos hablas más que las palabras y. Lamentablemente, Fincher decidió que debía ser un poco más parlanchina.

Y es éste el principal problema que encuentro con esta nueva versión de Los hombres que no amaban a las mujeres. Está demasiado gringa, demasiado explicada, demasiado "peladito y a la boca" para que el público gringo entienda por qué el libro homónimo fue un éxito y merece no una, sino dos adaptaciones al séptimo arte. Si, Fincher es un genio del thriller, es un maestro del lenguaje cinematográfico y si, la secuencia de los créditos iniciales es una joya. Pero estos detalles no hacen más que exagerar aún más las fallas y las complacencias de esta cinta que, considero, debió haber sido mucho, pero mucho más inteligente en su manufactura e invitar al público a sumergirse en la historia y pensar por sí mismos.

Mission: Impossible, Ghost Protocol (Misión Imposible: Protocolo Fantasma, 2011)

2011-12-27T13:23:00.000-08:00

Si mal no recuerdo, hace cinco años se juraba y perjuraba que la franquicia de Mission: Impossible llegaba a su fin con la tercera parte de la saga, lo cual fue una excelente decisión, ya que la fórmula ya se había gastado hasta el cansancio. Pero parece ser que el concepto le agradó a J.J. Abrams, quien dirigió la que hubiera sido el desenlace de la historia, ya que no sólo movió cielo, mar y tierra para que la historia continuara, sino que ahora funge como productor, junto con Tom Cruise, de una nueva trama de espionaje y engaños, la cual mezcla el añejo tema del conflicto entre Rusia y los Estados Unidos que, curiosamente, se mantienen vigentes hasta el día de hoy.

En esta nueva entrega, Ethan Hunt y su equipo deben encontrar a un terrorista denominado como Cobalt, quien no sólo ha robado las claves de disparo de misiles rusos que matarían millones, sino que se las ingenió para culpar al equipo M.I.F. de un ataque al Kremlin. Con la situación totalmente en su contra, limitados en recursos, personal, presupuesto y tiempo, Hunt deberá realizar circo, maroma y teatro para descubrir la identidad del terrorista, detener su intento de iniciar una guerra nuclear y limpiar su nombre, así como el de su equipo. Todo en tiempo record.

Si bien la historia es similar a la de la primera entrega (la premisa es la misma, una misión sale mal y Hunt es catalogado como traidor, por lo que debe reunir a un equipo de renegados para descubrir la identidad del traidor, antes de que éste se haga de una lista que, en las manos equivocadas, causaría una crisis internacional). En este caso, los detalles y las secuencias de acción marcan la diferencia, ya que no sólo son más espectaculares, sino que están tan bien elaboradas que hacen partícipe al espectador de todas las escenas de acción, desde una persecución por las calles de Rusia, hasta las acrobacias a rapel en el edificio más alto del mundo.

Todo gracias a la pericia de Brad Bird, director con una amplia trayectoria en la TV y el cine. Ha sido responsable de dirigir diversas producciones animadas, tales como Los Simpsons, así como de dos de las cintas más importantes de Pixar durante la década pasada, Ratatouille y The Incredibles. Es gracias a esta experiencia previa que cuenta con un manejo sutil del humor, incluso durante secuencias de tensión o peligro.

Para conseguir que la trama contara con el efecto de drama y comedia deseada, era necesario contar con el elenco perfecto que balanceara la tensión y la ironía, por lo que, en esta entrega, a Cruise se le unen Simon Pegg (conocidísimo guionista y actor, especializado en la ironía) y el maravilloso Michael Nyqvist, quien alcanzara la fama internacional al interpretar a Mikael Blomkvist en la versión original cinematográfica de Millenium. A ellos se les suma Jeremy Renner -el nuevo héroe de acción-, Josh Holloway y Paula Patton.

Con este elenco, sólo hacia falta una historia que tuviera el balance perfecto entre acción, aventura, humor y tensión, lo cual logra de manera fascinante. No obstante los lugares comunes que incluye este tipo de historias, éstos son irrelevantes, ya que la trama está muy bien construida, con un par de subtramas que ayudan a atrapar al espectador y, para mi sorpresa, todas cierran de manera coherente hacia el final de la cinta.

Desconozco si la serie tendrá una nueva entrega. De ser así, confío en que la franquicia continúe en manos de Bad Robot, J.J. Abrams y todos los involucrados con esta cuarta parte, ya que no se siente como una continuación, sino como un nuevo y refrescante inicio que al parecer jamás pasará de moda. Quién sabe, quizá sea la competencia de la franquicia del 007 en un futuro no muy lejano.

The adventures of Tintin (Las aventuras de Tintín, 2011)

2011-12-26T14:08:00.000-08:00

Steven Spielberg es uno de los cineastas más respetados y admirados en el planeta entero. Su legado habla por sí sólo, con cintas como E.T., Jaws, Close Encounters..., Jurassic Park, Schindler´s List, Indiana Jones y un larguísimo y sorprendente etcétera. Por otro lado, Peter Jackson picó piedra y comenzó desde el cine con el más bajo presupuesto habido y por haber, hasta ser el responsable de una de las sagas de fantasía más queridas y mejor adaptadas en la historia de la literatura, Lord of the Rings. ¿Qué pasa cuando ambos personajes tan similares y tan diferentes trabajan en conjunto? El resultado es una adaptación de la que fuera originalmente El cangrejo de las pinzas de oro, la novena aventura de un personaje creado por el autor belga George Remi, mejor conocido como Hergé, quien ingenió al que bien pudiera ser el primer aventurero en la historia del siglo XX.

Tintín es un joven y curioso periodista que gusta de escribir en un diario local sobre sus aventuras. Es analítico y siempre está acompañado por Milú (Snowy) su fiel mascota. Un día, como cualquier otro, la casualidad pone en el camino del protagonista una aventura que lo llevará a desenmarañar un misterio que hace siglos había quedado hundido en alguna parte del océano. Debido a ello, se ve envuelto en una telaraña de intrigas, secretos y pistas que habrá de descifrar en compañía de su fiel perro y un capitán que pudiera esconder algo más debajo de esa pinta de marinero alcohólico.

Spielberg adquirió los derechos para adaptar las novelas de Tintín desde los 80 y, al ver el resultado final (casi 30 años después) se nota inmediatamente su interés por llevar al celuloide las historias de este curioso personaje. Periodista de profesión, aventurero por convicción y uno de los primeros personajes -allende Alan Quartermain- en descifrar misterios perdidos en los anales del tiempo. Se nota inmediatamente la influencia que el personaje tuvo en personajes como Indiana Jones, con quien comparte el gusto por las aventuras.

Y es que el trabajo de un periodista es siempre encontrar una historia que contar. Y éstas no se encuentran en una sala, comedor u oficina. Están allá afuera y esperan ser descubiertas. Se entiende entonces que todo periodista que se denomine como tal cuente con cierta disponibilidad para la aventura, para enfrentar peligros y descifrar situaciones que están fuera de lo convencional. Y, una vez que se pasa la aventura, viene el siguiente reto: relatar de manera coherente y atractiva lo ocurrido.

Jackson (productor) y Spielberg (director) no son periodistas, pero relatan The adventures of Tintin de manera magistral. Tiene un ritmo excelente, una selección de actores de primera (Jamie Bell, Daniel Craig, Andy Serkis) y al equipo de animadores responsables de Avatar. Huelga decir que su trabajo de crear un mundo ficticio, adaptado de una novela animada, es un gran logro. Sobre todo cuando ésta se disfruta en 3D. Mención especial merece un plano secuencia donde el trabajo de animación, guión y dirección se lucen y hacen de esta cinta un must seen, no sólo dentro del género de fantasía y ciencia ficción, sino del cine en general.

Si bien pudo haber tenido mejor desarrollo con su historia y utilizar mejor los elementos cómicos a la mano (sin mencionar el ligero toque de machismo al no contar con una figura femenina preponderante en la trama), The adventures of Tintin es una película redonda, entretenida y de manufactura impecable que, mínimo, debería ser reconocida como la mejor animación del 2011 en la siguiente temporada de premios.

Killing Bono (2011)

2011-11-14T12:31:00.001-08:00

Para una cinta que expone en su título a una de las personas más conocidas en el ámbito nacional, esta cinta quedó en el olvido de las distribuidoras en Latinoamérica. A pesar de apelar a miles de personas que llenaron tres veces el Estadio Azteca, a pesar de que parte de la trama forma parte de la historia real de una de las bandas más importantes de los últimos 30 años, esta cinta corrió con la misma suerte que la agrupación que, curiosamente, es la verdadera protagonista de esta tragicomedia que evoca el amor fraternal y las decisiones que se toman por el hambre de la fama.

Los hermanos Neil e Ivan McCormick descubren su amor por la música durante sus años en la preparatoria, por lo que deciden que su destino es ser la próxima banda de rock de todo el Reino Unido. De esta forma, e inspirados por otra agrupación formada por sus amigos de generación, nace Shook Up, un proyecto musical que se tambalea ante las malas decisiones de Neil y la ingenuidad de Ivan. De esta forma, pican piedra en los lugares más recónditos de la música underground en los inicios de los 80, mientras atestiguan cómo la otra agrupación alcanza la fama como si fuera lo más sencillo del mundo. Es así como las envidias, los egos y la falta de experiencia en una industria tan cambiante como la música ponen los protagonistas en una serie de aventuras y conflictos que, al final, les mostrará cual es su verdadero destino.

Existen ciertas cosas que se deben aclarar respecto a Killing Bono. En efecto, el título se refiere a Paul David Hewson, mejor conocido como Bono, vocalista y líder de la banda irlandesa U2. Y, también, los hermanos McCormick existen y formaron una banda llamada Shook Up que, en su momento, intentó competir con sus connacionales sin mucho éxito. Además, la cinta está basada en el libro homónimo escrito por Neil, quien después de sus aventuras como rockero se convirtió en uno de los mejores escritores y críticos de rock en Europa.

Si bien el libro está lleno de ironía y pasajes que rayan en lo risible, gracias al excelente uso del lenguaje del autor, la cinta carece de ese swing cómico y se convierte, poco a poco, en un churro que no tiene pies ni cabeza. Cuenta con ciertos elementos que la hacen digerible por momentos, pero su ritmo es tan extraño como la vida misma de Shook Up, a veces es bueno, a veces está por los suelos. Si pensamos que los únicos que estarían interesados en ver la cinta son los fanáticos de U2, tenemos como resultado una cinta poco complaciente y que será una curiosidad para los coleccionistas y uno que otro amante de la música en general. Nada más.

Killing Bono debió quedarse sólo como un libro, tal y como, irónicamente, Neil McCormick se dio cuenta que el rock no era lo suyo. La idea es buena en el papel, trasladarla al formato audiovisual requería de un mejor trabajo en el guión y, aunque el casting fue acertado (sobre todo para interpretar a The Hype/ U2), pudo haber un mejor trabajo en la dinámica entre los protagonistas y los personajes secundarios, quienes deberían tener mayor relevancia y, lamentablemente, son totalmente olvidables.

From The Sky Down (2011)

2011-11-07T11:05:00.000-08:00

Sean seguidores o no, les gusten o no sus canciones, comulguen o estén en desacuerdo con la filosofía de la banda, nadie puede negar la relevancia que U2 ha tenido en ámbitos musicales, sociales y políticos durante los últimos 30 años. Son contadas las bandas que cuentan con más de tres décadas de existencia y con sus mismos integrantes; son contadas las personalidades que figuran fuera de su ámbito como Bono (lo cual le ha merecido millones de críticas); son contadas las agrupaciones que, en su constante búsqueda de permanencia, realizan varias transformaciones para mantenerse vigentes y saciar su hambre creativa. Y es bajo este pretexto con el que Davis Guggenheim (Waiting for Superman, An Inconvenient Truth e It Might Get Loud) dirige un documental que ahonda en la que fuera la mayor mutación de la banda durante los 90, aquella que los volviera a colocar en el mapa después de quemar sus cartuchos en la que fuera la primera incursión de la banda en el séptimo arte y, la verdad sea dicha, dejó mucho que desear.

From The Sky Down reencuentra a los actuales miembros de U2 con las razones por las que decidieron producir una cinta llamada Rattle and Hum, justo después de que The Joshua Tree los habría elevado hasta los cuernos de la luna y de regreso. El resultado de esta aventura fílmica, por todos conocido, los llevó a una crisis creativa que los llevaría a dudar sobre su relevancia en el ámbito musical, así como de su futuro como banda. Ante una falta clara de objetivos y una apatía general, las sesiones de grabación en los estudios Hansa, en Berlín, estuvieron cerca de ser el evento que marcara la separación definitiva de los cuatro irlandeses. Sumado a los problemas personales y la pérdida de material previo, las tensiones, las peleas y los desaguisados parecían enmarcar el final de U2. Pero el destino tendría otros planes para el grupo de irlandeses, quienes no sólo encontraron lo que estaban buscando dentro de una de sus propias canciones, sino que la mina de oro que encontraron aún da frutos, 20 años después.

Para muchos, The Unforgettable Fire es la primera y más grande reinvención que U2 tuvo en los 80, ya que dejaron de lado la escena punk rock para sumergirse en sonidos más melódicos, cinemáticos. The Edge encuentra gran parte de su personalidad y genera aportaciones musicales que lo han consagrado como uno de los grandes guitarristas de nuestra época. Pero todo esto quedó opacado por la grandilocuencia, parafernalia y colorido que representó la era del Achtung Baby, la gira Zoo TV (para muchos, la mejor gira de todos los tiempos) y el hijo que concibieran durante su tour mundial, Zooropa. Todo ellos les generó el reconocimiento de la industria, premios y, de nueva cuenta, su lugar como la mejor banda del planeta.

El inicio de este monstruo, las razones y pretextos de su existencia, son relatadas por Guggenheim, quien ya había colaborado con The Edge en el documental It Might Get Loud y que también tocó fibras sensibles con An Inconvenient Truth. Por medio de pietaje actual, mezclado con animaciones minimalistas y sesiones audiovisuales de antaño, los propios miembros de la banda reviven lo que fue como su propio cuento de hadas rockero, en donde los héroes, caídos en desgracia, como por arte de magia y con ayuda de sus padrinos Daniel Lanois y Brian Eno, redescubren su propósito en la vida y en sus carreras.

Si bien la cinta es más anecdótica que crítica y que el material fue hecho por encargo expreso de la banda para celebrar los 20 años de existencia del Achtung Baby, se extraña el elemento analítico que el director ha plasmado dentro de sus pasadas producciones. De hecho, es un material comodino y lineal. Eso si, es muy emotivo para quienes son seguidores de la banda, lo cual es su principal fortaleza y su mayor debilidad. Repleto de momentos clave que sólo un fan entendería, es una pieza de colección, más no así para el público en general, quienes verán en From The Sky Down como un documento plano que no hace nada más que ahondar en un éxito pretérito que U2 no ha vuelto a repetir.

Real Steel (Gigantes de acero, 2011)

2011-10-13T14:49:00.000-07:00

A sus más de 100 años de existencia, el cine nos ha mostrado todo tipo de historias. Las hay dramáticas, de comedia, terror, suspenso, de época, gore, new age, punk, neo punk, mas las que se inventen próximamente. Dentro de lo que todas tienen en común es que, a estas alturas del partido, son muy pocas las producciones que sobresalen por su originalidad. Para cada género existe una fórmula, misma que ya nos sabemos de memoria. Por ello, podemos vaticinar qué ocurrirá durante una cinta con tan sólo ver los avances o, en su defecto, el póster. El género en sí ya es un cliché, algo ya visto y que será explotado una y otra vez. ¿Y qué hacer cuando tu cinta cae en una de las típicas fórmulas del héroe venido a menos que encuentra redención al educar a un hijo que nunca le interesó? Haces lo que Sean Levy, no te concentras en las formas, sino en cómo inyectas emoción en la historia que todo mundo conoce y la conectas emocionalmente con el espectador.

Charlie Kenton es un "has been" dentro del mundo del boxeo. Era una estrella del deporte, hasta que una nueva moda lo reemplazó y, al no saber manejar la fama, su vida y sus relaciones, termina por ofrecer espectáculos de poca monta en pequeñas ferias, acompañado de su robot, quien ahora es el estelar en las funciones boxísticas. Su vida lo lleva a un callejón sin salida cuando debe hacerse cargo de un hijo de 11 años a quien no conoce y con quien no tiene intención de fraternizar, hasta que un gusto mutuo por el deporte los lleva en un viaje de descubrimiento emocional y, al mismo tiempo, aprenden que las relaciones padre-hijo a veces no nace, sino que se hacen.

Como bien se puede imaginar quien lea el anterior párrafo, el final es más predecible que las fases de la luna. No es necesario ser un experto en cine para descifrar qué ocurrirá con la pareja dispareja. Entonces ¿Qué tiene de especial Real Steel? Es ahí donde nos ponemos de pié y agradecemos a Levy por contarnos la misma historia de superación que hemos visto una y otra vez en pantalla, sólo que está excelentemente bien contada. Tanto, que es imposible no emocionarse con cada tropiezo, con cada pelea, con cada secuencia de acción. Y si, incluso con ese final que desde el principio sabemos cómo será.

El ritmo de la cinta es asombroso y le ayuda mucho contar con dos actores estelares que tienen una estupenda química en pantalla, Eve Lilly y Hugh Jackman. A ellos se le suma el -ya no más- desconocido Dakota Goyo, quien interpreta de manera magistral al niño quien le recuerda al protagonista que no hay que pegar primero, sino hay que saber pegar.

Por otro lado, el diseño y producción de los robots boxeadores es increíblemente realista. Más allá de que sean animatrónicos o diseños CGI, cumplen con el cometido de ser la motivación principal dentro de la trama. Sobre todo Atom, el protegido de Max (Dakota), el cual resulta ser el catalizador en la relación disfuncional entre padre e hijo. Tal y como ocurre en Wall*E, tenemos la presencia de un androide que, si bien no es autónomo al 100 por ciento ni mucho menos expresa rasgos de humanidad, es el eje emocional que, al final, no sólo sirve como ancla sentimental de los personajes, sino que también se engancha con el público.

Ese es el mayor logro de Real Steel. No importa si eres fan del box, de Hugh o de Eve, al final, la película está tan bien contada que les compras lo que sea. Claro que no es la mejor cinta en la historia, pero sí es una de las más grandes sorpresas del 2011. Entretenida, emocionante y bien armada, tanto críticos como público en general coinciden en que bien valdría la pena una secuela, siempre y cuando mantenga el espíritu de la original, la cual pinta para estar en todas las videotecas en la próxima temporada navideña.

Bridesmaids (Damas en guerra, 2011)

2011-10-07T10:10:00.000-07:00

Si los 40 son los nuevos 20, entonces la denominada "crisis de los 30" pasa a ser la nueva etapa de pre-adolescencia. Si, esos años en donde uno notaba claramente que el cuerpo, la voz y las actitudes cambiaban, tanto para bien como para mal. Sólo que, llegada la tercera década, el único lugar a donde crecen los cuerpos es hacia los lados, el bello corporal se afianza donde a nadie le importa, mientras que en ciertas zonas donde sí importa comienza a escasear, las hormonas y el reloj biológico comienzan su cuenta regresiva y, lo peor, ya haz vivido 30 años, mismos que deberían servirte de experiencia para los que se avecinan. Claro que si tu negocio falló y tu vida comienza a caerse a pedazos, necesitas reorganizar tu vida, rodearte de tus mejores amigos y empujar pa´delante. Lamentablemente para Annie (y afortunadamente para nosotros), esto da pie a una de las mejores comedias de los últimos años. Incluso por encima de la genial cinta -venida a menos con su secuela- The Hangover.

Annie es una mujer quien a sus 30 años vivió el sueño americano, sólo para verlo caer a pedazos. Su pareja la abandonó, su negocio no creció, por lo que cayó en la bancarrota, su trabajo es mediocre y, para colmo, su mejor amiga de toda la vida, su hermana, su alma gemela, su confidente, está por casarse. Y, entre la felicidad y la envidia, tendrá que lidiar con los preparativos de la fiesta de despedida de soltera (tarea encargada a la dama de honor), así como a las "otras" amigas de Lillian. Juntas vivirán una experiencia pre-marital que ejemplifica de manera sublime lo dicho en cierta obra de teatro mexicana de los 90, "entre mujeres podremos despedazarnos, pero jamás nos haremos daño".

En primerísimo lugar debemos ponernos de pie para honrar a quien se lo merece. Kristen Wiig, cuyas tablas se remontan a varios shows de TV, participaciones especiales y dar cátedra de comicidad en Saturday Night Live, no sólo interpreta a la desventurada Annie, sino que co-escribió el guión. Sólo una persona con su experiencia y cayo dentro de la comedia pudo haber dado en el clavo tantas veces en una sola historia.

¿Qué fue lo que logró? Criticar de una forma contundente y sabia las costumbres maritales de las sociedad norteamericana, así como a los matrimonios que la conforman: los perfectos con dinero, pero sin comunicación; los impecables recién casados cuya inocencia es ridícula; las parejas con años de matrimonio que están juntos por costumbre y aquellos que sólo se ven cuando hay que darle "gusto al cuerpo".

A ello se le suma un excelente trabajo de casting, desde la mejor amiga de la protagonista, la amiga perfecta, la santurrona, la casada, hasta la amiga "rara" (esas amigas con "bonita letra" que nunca faltan). Ellie Kemper, Wendy McLendon-Covey, Rose Byrne y Melissa McCarthy dan vida a un grupo tan real y maravilloso de compinches, quienes lo único que tienen en común son sus ganas de festejar el evento matrimonial, pero que, durante el camino, se convierte en un proceso liberador y revelador sobre ellas mismas, sus vidas y sus parejas.

Es ahí donde radica el verdadero poder de la película. Irónicamente, también es su mayor punto débil, ya que la historia contiene varias subtramas, las cuales pudieron haber sido desarrolladas (aunque hubiera hecho de Bridesmaids una cinta más larga de lo que ya es). Si, tiene cierto parecido con The Hangover (tienen elementos en común, como un viaje a Las Vegas, alcohol, un personaje que contrasta con los demás, una boda y situaciones cómicas bastante extremas), pero las apariencias engañan, ya que esta cinta se sostiene sola y cuenta con un valor mucho más profundo que el de cuatro amigos que se drogan y olvidan qué fue lo que pasó anoche.

Es eso lo que hace grande al guión. Las damas de honor jamás olvidan que fue lo que pasó anoche. Al contrario, son sus recuerdos los que las llevan a las situaciones más dramáticamente divertidas y, al mismo tiempo, funciona como un viaje de descubrimiento y ejemplo para toda aquella persona que llegue a su segunda pre-adolescencia y darse cuenta que sí se puede salir de la miseria y los problemas.

Friends with benefits (Amigos con derechos, 2012)

2011-09-17T13:36:00.000-07:00

El sexo en el cine ha encontrado la manera de acomodarse como protagonista durante los últimos años. Ya no es un elemento más en las historias o un pretexto para que los actores principales luzcan sus bien torneados y perfectos cuerpos. Es un tema, antes tabú, el cual ha encontrado un lugar casi natural dentro de la industria fílmica (aún sin catalogarse netamente como pornografía). Asimismo, los escritores se han dado a la tarea de crear relatos en donde el sexo sea un acto de diversión, allende a los principios tradicionales y conservadores del cine del siglo anterior. Ahora es más común ver que el sexo es parte natural de la vida de pareja o de un personaje. Por ejemplo, el lado cómico explotado en American Pie o Forgetting Sarah Marshall; la atrevida manera con la que Sharon Stone contesta un interrogatorio en Basic Insticnts; el sexo como estilo de vida de Sex and the City y, finalmente, los encuentros casuales y complicados entre amigos en No strings attached. De esta última pareciera que se desprende una copia al carbón, sólo que llamada Friends with benefits.

Jamie es una head junter, quien contrata a Dylan para que labore como director de arte para la edición neoyorkina de la revista GQ. Él tiene que viajar desde Los Ángeles hasta la gran manzana sólo para "explorar sus opciones". Esta relación estrictamente profesional se convierte, poco a poco, en una amistad, cuya confianza crecerá hasta que ambos deciden mantener relaciones sexuales, sólo que sin involucrar sentimientos. Esto se debe a que, días antes de conocerse, sus respectivas parejas les rompieron el corazón, por lo que decidieron no volver a comprometerse en mucho tiempo. Es así que, con la mano encima de una biblia virtual, juran no enamorarse el uno del otro, sólo saciar sus deseos y, de paso, generar dos que tres situaciones cómicas.

Los protagonistas son Mila Kunis (Black Swan) y Justin Timberlake (Social Network), ambos pertenecientes a la nueva generación de estrellas venidas de proyectos diferentes al cine. Ella, por su parte, comenzó su carrera como la hermosa vecina morena en That 70´s Show, para después aparecer como la voz oficial de Megan en Family Guy y luego hacerse de papeles poco convencionales en cintas como The book of Eli y Black Swan. Timberlake, por su parte, proviene del club de Mickey Mouse, cantaba en una boy band y fue novio de Brittney Spears. Después de una prolífica carrera musical, decidió probar suerte en la actuación, en donde lo le ha ido nada mal. La suma de estos talentos y su fanbase hace de Friends with benefits una propuesta atrevida, tanto por sus actores estelares como por la interacción entre ellos.

Al igual que en No Strings Attached, los protagonistas son bellos y famosos entre el público joven, quienes seguramente estarán ansiosos de ver a sus ídolos en situaciones comprometedoras y con muy poca ropa. Por ese lado, Friends with benefits cumple, ya que hay mucho "eye candy" para quien gusta tanto de Mila como de Justin. Asimismo, el guión justifica ciertas situaciones ridículas que tal vez en manos de otros actores hubieran sido ridículas. Por otro lado, la suma de Woody Harrelson en la cinta como un personaje gay es muy bienvenida. Verlo encarnar a un personaje totalmente diferente a lo que ha hecho antes es refrescante, aunque se como personaje secundario.

Pero la verdadera historia de la cinta no es la pareja de amigos que deciden "hacerse el favor" siempre y cuando se les antoje, debido a que el final es más predecible que el de cualquier novela de Televisa. Lo verdaderamente relevante es que la cinta resulta una nueva experiencia comercial por parte de GQ y todas las marcas involucradas en la trama para apelar al público de los dos protagonistas. La forma en la que se introduce la marca en la trama y cómo ésta influye en la historia no hace más que convertirse en una estrategia aspiracional para todo adolescente que no conoce la revista, los celulares o la ropa que visten sus actores favoritos. No me extrañaría en lo absoluto que la lectoría de la revista aumente, sobre todo en un público más joven.

Este es el verdadero propósito de una cinta con una historia tan predecible como Friends with benefits. Es el nuevo escaparate publicitario en donde dos de las estrellas del momento promocionan el estilo de vida de las marcas en una ciudad tan cosmopolita como Nueva York. Habrá quien la disfrute como lo que es, una comedia romántica light, pero, en lo personal, creo que se debe poner atención en este tipo de estrategias. Si bien ésta vez se hizo de una forma correcta y no tan descarada, no faltará quien, en pro de buscar ganancias de los anunciantes, produzca una nueva comedia romántica que parecerá más un catálogo de ventas que un romance entre adolescentes.

Green Lantern (Linterna Verde, 2011)

2011-09-03T13:14:00.000-07:00

DC Comics ha hecho muy buen trabajo cuando se trata de adaptar personajes de tiras cómicas a la pantalla grande. Con Superman (1978), el director Richard Donner y Christopher Reeve le mostraron al mundo entero que un hombre podía volar. Con Batman, de Tim Burton, mostraron que Ciudad Gótica y Bruce Wayne podían dejar atrás la serie camp de los 70 y hacer cool al caballero de la noche y, de paso, mantener el nivel de calidad en la pantalla grande. Y, por último, la adaptación de novelas pertenecientes a su línea "independiente", Vertigo, obtuvo una excelente respuesta con producciones como V for Vendetta y Watchmen. Claro que no están libres de los descalabros que les representó cintas como Superman Returns, The League of Extraordinary Gentlemen, mismos errores de los que deberían aprender para evitarlos nuevamente. Entonces, ¿Qué fue lo que pasó con Green Lantern?

Hal Jordan es un temerario piloto de pruebas quien vive la vida al día. Sin ninguna atadura, incapaz de mantener relaciones tanto familiares, profesionales y sentimentales, se refugia en su perfil aventurero para enfrentar sus miedos, mismos que lo mantienen lejos de ser una persona completa. Es entonces cuando es elegido para portar el arma más poderosa del universo, el anillo de poder, con el que puede crear todo lo que imagine. Con él, deberá enfrentar a un ser omnipotente que ha destruido planetas enteros y que busca venganza en contra de quienes lo vencieron hace siglos. Es así como el protagonista debe enfrentar sus miedos, sus dudas y, sobre todo, encontrar su lugar en un universo que ahora es mucho más grande de lo que jamás se imaginó.

Martin Campbell es un veterano dentro de las cintas de acción. Es responsable de dirigir la genial reinvención del 007, Casino Royale, así como otras cintas de acción y aventura como The Mask of Zorro. En resumen es un experimentado cineasta que conoce el negocio del cine de entretenimiento como pocos. Es por esta precisa razón por la que es extraño que, al tener tantas tablas en la industria, haya sido en parte responsable de haber producido una cinta tan hueca, caótica y sin verdadero peso en la época de oro de las adaptaciones fílmicas basadas en comics.

En primer lugar, hacer que Ryan Reynolds tenga el peso de varias galaxias sobre sus hombros es como un buen chiste, pero mal contado. El actor tiene más experiencia con papeles cómicos, por lo que una simple deducción nos dirigía hacia un Hal Jordan simple, plano y que perdería toda coherencia con el personaje que durante más de 40 años se ha ganado el amor y el respeto de los lectores.

A esto se le suma una adaptación muy libre de lo que es el universo DC Comics y del mismo Green Lantern. Si bien el concepto de los Green Lantern Corps se plasmó de manera correcta en pantalla, tanto en forma y fondo, su importancia se pierde cuando la presencia del resto de los personajes galácticos se queda relegada como meros pretextos para el uso de efectos especiales. Parecen, más bien, "fan services" que están en pantalla sólo para darle gusto a los fans, aunque no sigan con el hilo conductor de la historia.

Y este es otro punto donde la lógica queda totalmente excluida de la historia, ya que al ser Hal Jordan un nuevo recluta, es obvio que necesita ser entrenado hasta el cansancio y más si es el heredero del guerrero más memorable de todos. Pero su entrenamiento dura poco menos de 5 minutos y, aunque renuncia a su lugar dentro de la corporación, eso no evita que se lleve el arma más poderosa del universo como souvenir del planeta OA.

El villano, el cual parece un plagio del ya anteriormente criticado Galactus de Los Cuatro Fantásticos, es otro personaje que no encuentra coherencia dentro de la historia. Si bien cumple con la finalidad de ser un ente malvado que destruye todo a su paso, no tiene razón de ser y, lo peor, no tiene el peso ni la importancia que tuviera en las viñetas.

El resto de la cinta sólo es una muestra de excelente uso del CGI, pésimos diálogos entre personajes secundarios y terciarios, actuaciones exageradas y situaciones ridículas que sólo evidencian la falta de control, imaginación y necesidad por parte de DC Comics/ WB de generar ora franquicia exitosa de sus personajes de comics en cines. Lamentablemente, Green Lantern deja mucho que desear en tantos ámbitos que es muy poco probable que se produzca una segunda parte, con todo y que habría mucha leña de donde cortar. Pero es más que obvio que las prioridades de la casa productora se encuentran enfocadas en otras historias que ya han comprobado su éxito en taquilla.

Captain America, the First Avenger (Capitán América, el primer vengador, 2011)

2011-08-03T18:29:00.000-07:00

Hace más de cuatro años que la escena escondida al final de Iron Man causó escalofríos en la piel de todos los fanáticos de los comics. En ella, Nick Fury se aparecía en la casa de Tony Stark para hablarle de la iniciativa Avenger. Lo que parecía un stand alone por parte de Marvel Studios y Paramount Pictures se convirtió en noticia de ocho columnas. En algún futuro no muy lejano, veríamos al principal equipo de héroes de la casa de las ideas en pantalla grande. Meses después, llegó The Incredible Hulk, luego Iron Man 2, seguido de Thor y, finalmente, la adaptación fílmica del héroe que cierra el último prólogo antes de que la cinta que dirige Joss Whedon tenga lugar, Captain America, the First Avenger.

Steve Rogers es un joven que ama a su país, el cual se encuentra sumido en la segunda guerra mundial. Si por él fuera, pelearía en las barracas aliadas en el nombre de la libertad y la justicia, pero su complexión delgada y su poca fuerza física lo hacen blanco fácil de cualquier bully de la época. Rechazado en más de una ocasión y humillado igual de veces, recibe una oportunidad por parte de un doctor quien, con base en un experimento genético, transforma al pusilánime y soñador Rogers en el hombre perfecto, destinado a combatir a su némesis, un alemán enfermo de poder, quien ha descubierto que la mitología y las historias nórdicas son más de lo que parecen.

El director Joe Johnston, hombre a cargo de la también cinta de época, Rocketeer, Jurassic Park 3 y The Wolfman, tiene un problema. Se concentra tanto en los motivos de los personajes principales que, cuando llega el momento de pasar a la acción y la aventura, la transición de un momento de fortaleza interior y aspiracional a las escenas de explosiones, balazos, persecuciones y combates se sienten metidos con calzador. Mantiene el hilo conductor, pero el apego al personaje principal se pierde en el momento en el que, de la noche a la mañana, se convierte en un ejército de una persona sin entrenamiento alguno. Estoy de acuerdo en que es una cinta de ciencia ficción y puede tomarse ciertas libertades, pero subestimar al espectador, tal y como lo hizo el director con The Wolfman, es una muy mala idea.

Pero la elección de Chris Evans como el máximo patriota de Marvel me pareció la correcta. Ya con anterioridad mostró que no es sólo una cara bonita, ya que cuenta con el talento suficiente para interpretar una persona vulnerable, pero quien lucha por sus ideales. Aunque se ve demasiado joven por momentos, consigue darle la madurez necesaria que requiere el personaje y, conforme lo trabaje en las siguientes cintas (y con la dirección adecuada) le brindará la solemnidad que ha mantenido en las historietas por más de 50 años.

El resto del cast es el adecuado, sobre todo Stanley Tucci, cuya corta pero contundente interpretación de un científico alemán con gran corazón es el alma de los primeros minutos de la cinta -y complemento perfecto para el viaje al interior de un héroe en cuerpo frágil-. Por su parte, Hayley Atwell ofrece una sólida actuación como el interés romántico del Cap, con todo y que su relación no tuvo la química que tienen, por ejemplo, Gweyneth Paltrow y Robert Downey Jr en Iron Man.

El trabajo de Hugo Weaving como el villano principal era de esperarse. Tal vez lo exageró un poco, sobre todo en su acento alemán, pero a nadie sorprende su nivel interpretativo. Su Red Skull es un villano digno de analizar, no al nivel del Joker de The Dark Knight, pero sí da muestras de ser más que un loco maniático que quiere gobernar al mundo con un puño de hierro. Para quienes conocen el argot de Hydra y lo que significa dentro de los comics, es claro que lo veremos en un futuro cercano, por lo que es de esperarse que su personaje, así como su historia, evolucione.

Si bien los efectos y la producción son de primer nivel, a veces es demasiado obvio el trabajo en CGI, hecho que le rompe ritmo a la cinta. Asimismo, el 3D está de sobra, ya que en ningún momento justifica el elevado precio de una sala en tercera dimensión, no aprovecha este elemento. Aunque tampoco estorba, a decir verdad.

El principal problema de Captain America, the First Avenger, es su ritmo y la falta de consistencia. Va bien y de repente se cae en lugares muy comunes. Levanta de nuevo y vuelve a caer. Personajes que deberían ser importantes carecen de profundidad. No es mala del todo, aunque pudo estar mucho mejor.

No hay que olvidar que el personaje fue creado como objeto de propaganda durante los años 30, con motivo de la guerra en contra del ejército de Hitler. Esto justifica el acercamiento romántico del protagonista hacia su nación, así como sus principales motivaciones, pero no deja de sentirse "vacío" para aquél que no comparte los ideales de libertad y justicia, actualmente caducos incluso para varios estadounidenses. El último prólogo de Marvel Studios rumbo a The Avengers cumple en contar la historia del último eslabón, antes de que éstos se unan para enfrentar a una amenaza que solos jamás podrían detener. Pero, como cinta, y comparada con las otras obras de sus otrora compañeros de batalla, queda a deber.

Super 8 (Súper 8, 2011)

2011-08-01T10:42:00.000-07:00

Pocos saben que J.J. Abrams tiene una enorme trayectoria en el ámbito audiovisual. Ha sido escritor, productor y director de series de TV. Fue justamente una de sus creaciones, LOST, la que lo llevó a tener fama internacional y a ser uno de los llamados "rey midas" dentro de la industria. En su haber tiene el crear la magnifica y envolvente cinta Cloverfield, que con una técnica en primera persona, relata la historia del ataque de un ser acuático a la ciudad de Nueva York. Asimismo, fue él quien ingenió y realizó, de manera exitosa, la reinvención del fenómeno televisivo Star Trek. Ahora, armado con un nuevo guión original y con Steven Spielberg como productor, Abrams toma la silla de director y nos relata, de nueva cuenta, una historia que involucra misterios, monstruos y el siempre complicado proceso de madurar cuando se es adolescente.

Joe Lamb es adolescente que a sus escasos 13 años sufre la pérdida de una madre. Su vida siempre ha transcurrido dentro de un pequeño pueblo a la mitad de la nada, donde no pasan grandes cosas y en el que su padre es el segundo al mando dentro de la policía del condado. Ambos intentan superar el dolor que les causó la pérdida de la figura materna de diversas formas. Uno, por su parte, prefiere recluirse en su trabajo diario, aunque esto lo aleje aún más de su propio hijo, mientras que el otro, al terminar el ciclo escolar, se concentra en construir modelos a escala y en participar en una cinta de ciencia ficción amateur con sus amigos. Y es justamente durante la filmación de una escena, a la mitad de la noche, en que el improvisado crew serán testigos, gracias a su cámara Super 8 -que le da título a la historia- de un aparatoso accidente que es más, mucho más de lo que parece.

Como ya es costumbre de Abrams, la trama de la cinta comienza meses antes del estreno de la misma. Por medio del uso de medios alternativos, en este caso, el comic, dio a conocer detalles que no se explican dentro de la cinta. Aunque no son clave para entender la película, sí ayuda a resolver dos que tres elementos que quedan sin resolverse en las casi dos horas de pietaje. Por ejemplo, en el precuela homónima, publicada por DC Comics, se explica cómo es que este ser se encuentra bajo el yugo de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos.

Ahora, aunque el pretexto principal de la trama se justifica por una serie de sucesos extraños que justifican a un personaje fuera de toda lógica, encontramos que el motor de la misma es un drama tan simple como efectivo. Tan sencillo como un niño que se enamora de una niña y, cual Romeo y Julieta, sus familias se encuentran enemistadas, lo cual les impide estar juntos. No les diré si la tragedia romántica de la pareja original se repite en esta pieza de ciencia ficción, ya que sería ahondar en spoilers innecesarios. Pero sí me tomaré la libertad de decirles que la construcción de la relación entre ambos personajes (espectacularmente interpretados por Joel Courtney y Elle Fanning) es crucial para el cierre de la historia.

Además de la acertada actuación de Kyle Chandler como el padre de Joe y Ron Eldard como padre de la novia, el resto del cast falla en otorgar una interpretación que sea memorable. De hecho, el mayor peso de la trama, además de la pareja principal, recae en un grupo de niños, quienes interpretan bien los estereotipos de un pequeño pueblo norteamericano. Está el líder que cree saber cómo se hacen las cosas; el travieso que todo lo resuelve con petardos (y que tiene un serio problema al respecto); el dócil que siempre hace lo que se le ordena y, finalmente, aquél cuya lealtad depende de las circunstancias. Al mezclarse los clichés típicos de la época (teorías de conspiración socialistas, drogas y encubrimientos gubernamentales), el grupo logra cierta cohesión en pantalla, aunque las situaciones y las reacciones de algunos de ellos a veces caen en lo absurdo.

Pero todo eso queda superado por el estupendo ritmo de la cinta. Lento, pero consistente. Y muy rudo cuando debe serlo. Por ejemplo, la escena del choque del tren es una de las mejores que he visto en pantalla. Para los fans de Abrams es inconfundible el homenaje a aquél accidente del vuelo 815 de Oceanic Airlines, mientras que los fanáticos de Spielberg sentirán cierto DNA de películas como E.T. y Encuentros Cercanos del 3er Tipo. Y, para terminar, el claro homenaje a las cintas de zombies de George A. Romero es la cereza en el pastel en una cinta redonda, poderosa y contundente, donde el Sci-Fi impresiona, pero cuyo hilo conductor es el drama humano que representa la pérdida de un ser amado, superarlo y seguir adelante. Aunque el monstruo de la soledad y la tristeza ronde por las calles.

Diario de una ninfómana. (2008)

2011-07-02T14:09:00.000-07:00

Christian Molina es un cineasta español que ha estado inmiscuido en todas las etapas de una producción cinematográfica. Ha sido técnico, camarógrafo, operador, productor, incluso actor. Su experiencia dentro de la industria lo ha dotado con las habilidades necesarias para sentarse en la silla de director en varias ocasiones, pero fue su producción estrenada durante el 2008 que llamó la atención de todo el mundo. En ella, la historia se enfoca en una mujer, quien tras descubrir el sexo, lo toma como parte integral de su vida, hasta que se convierte en el único motivante que encuentra para afrontar la vida. Este tema, aún controversial en la comunidad europea, fue causante de aplausos y criticas, así como censura en varias partes del mundo.

Valerie es una mujer como todas las demás. Con ascendencia francesa y ojos verdes impresionantes, trabaja en una oficina normal, paga sus impuestos, tiene deudas con le banco y come tres veces al día. Su vida no sería tan diferente a la de las demás, de no ser porque es una adicta al sexo. O, en otras palabras, el sexo es la única forma en que puede interactuar con los hombres. Su vida, llena de encuentros con amigos y desconocidos por igual, llega al punto de no retorno cuando cree haber encontrado el amos, hasta que su paraíso personal se convierte en un infierno. La única solución que se le presenta podría involucrarla, de nuevo, en ese mundo de sensaciones platónicas y relaciones esporádicas, sólo que con una tarifa de por medio.

Lo primero que destaca de esta obra es que desmitifica la imagen de la mujer que es dueña de su cuerpo y su sexualidad. El director tiene mucho cuidado en que la protagonista no quede desvirtuada como una mujer enferma y con problemas psicológicos, sino que lo maneja de tal forma que cualquier persona, incluso un hombre, puede relacionarse con ella, sus deseos carnales y aspiraciones personales. A esto se le suma la excelente e intensa interpretación que la actriz española Belén Fabra entrega como una mujer que goza de vivir diferentes experiencias sexuales.

Si bien el guión requiere que la cinta contenga escenas de sexo bastante explícitas, también está tan bien escrito que no se siente como una película clasificación C. Al contrario, evoluciona a tal punto que cobra importancia los sentimientos de la protagonista, quien cree haber encontrado en un importante empresario la estabilidad que necesita para curarse de su adicción. Es ahí en donde los pequeños detalles delatan el porvenir de la protagonista, más no así la intensidad con la que enfrentará los retos que la vida le pone enfrente.

Fabra realiza un trabajo excepcional, al mismo tiempo que el resto del reparto, en donde resalta una pequeña pero importante participación de la añorable actriz Geraldine Chaplin, quien interpreta a la abuela de la protagonista, quien funge como la brújula moral y sentimental de la atormentada protagonista quien le aconseja escribir sus pensamientos en una hoja, la cual evoluciona en un diario con el que Valerie relata al público su historia.

Dada la temática que la cinta era complicado que las distribuidoras nacionales la mantuvieran más de dos semanas en carteleras mexicanas. Sumándole las pocas copias, es natural que la película pasara desapercibida en México, además de que, estoy seguro, mucha gente entró a la sala esperando encontrar una película serie B en lugar de una pieza dramática que ahonda en los sentimientos y en las relaciones interpersonales.

Realista, minimalista, pero también cruda y esperanzadora, Diario de una ninfómana es una excelente cinta de manufactura española, cuya principal lección ahonda en la aceptación de uno mismo y en aventarse a la vida y disfrutarla a pesar de las manías o adicciones que nos rodean, tanto dentro como fuera de nuestros propios cuerpos.

Transformers, Dark of the Moon (Transformers, el lado oscuro de la luna, 2011)

2011-07-02T12:40:00.000-07:00

Cuando Michael Bay recibió la encomienda de compartir su visión de un mundo en donde los juguetes ochenteros, aquellos tan famosos que generaron varias series animadas, fueran temibles e impactantes extraterrestres que llegan a la tierra para continuar con su guerra civil intergaláctica, seguramente se sintió en su zona de confort. El director es experto en plasmar en pantalla la adrenalina, la energía y el dinamismo de las escenas de acción. Si algo he de reconocerle es que su estilo es único y su estética audiovisual es referente en el cine de acción. Lástima que esto es todo lo que puedo reconocer de la primera, segunda y tercera parte de su saga transformable, pues, de nueva cuenta, la espectacularidad visual supera a un guión que falla en tener lógica con respecto a sus anteriores entregas, así como en mantener atento y entretenido al espectador.

Cuenta la leyenda que, durante los últimos días de la guerra en Cybertron, una nave intentó escapar con un cargmento muy valioso. Debido al fuego enemigo, la fortaleza navegó a la deriva durante cientos de miles de años (o tal vez no), hasta estrellarse en el lado oscuro del satélite natural que orbita la tierra, comúnmente llamado luna. Debido a ello, se descubre que la carrera por el espacio entre Russia y Estados Unidos fue motivada por este incidente, mismo que traería fuertes repercusiones para los humanos y extraterrestres por igual en el presente. Ahora, los Autobots deben proteger a Centinel Prime, mientras que su leal aliado humano, Sam Witwicki, descubre la verdad detrás de ciertas intervenciones enemigas, mientras que intenta encontrar trabajo, mantener una relación estable con su nueva novia, Carlie, y soportar a sus metiches e inoportunos padres.

Si mal no recuerdo, los Transformers dieron con la tierra debido a que el allspark llegó accidentalmente a la tierra hace miles de años. Así lo indica la primera parte de esta saga. Pero no, después se reveló que la tierra ya era una vieja conocida de los robots interplanetarios, pues intentaron destruir nuestro sistema solar para conseguir energón, la materia prima de todo Transformer. Ahora, esta tercera entrega nos dice que los dos gobiernos más importantes del mundo ya sabían de la existencia de estos seres, incluso encubrieron su presencia en el lado oscuro de la luna durante los últimos 50 años.

Obviamente los escritores pasaron por alto muchísimas cosas. La principal es, obviamente, la coherencia entre sus propias historias, pues no tienen lógica ni continuidad. La tercera entrega anula todo lo que ocurrió en las dos anteriores y viceversa. ¿Entonces?

Aclarado este punto, llegamos a lo mejor que ofrece la cinta, el espectáculo visual. Mezcladas dinámicamente con secuencias en cámara lenta, pensadas para explotar al 100 por ciento el uso de un 3D destacable, las escenas de acción logran el cometido de emocionar al público. A esto se suma el detalle de todos los efectos especiales y el cuidado del editor de permitir que viéramos verdaderas peleas, más allá de sólo ver una bola de fierros retorcidos. Pero como todo en exceso perjudica, son tantos los efectos y tantas secuencias en cámara lenta que terminan por empalagar el ojo humano. Y más sin una historia sólida que sustente este tipo de secuencias.

El reparto es prácticamente el mismo que en las cintas anteriores. Ya es de todos conocidos el cambio de Megan Fox por la modelo Rosie Huntington-Whiteley, quien ofrece la peor actuación de la cinta. Bueno, no es actriz, por lo que calificarla como tal no sería justo. Pero, en efecto, su mayor logro dentro de la historia es verse bonita y sexy, con todo y que le dan cierto peso hacia el final de la cinta. A decir verdad, su inclusión dentro de la trama fue sólo para completar el paquete completo de una cinta de este tipo: efectos especiales, ciencia ficción y atractivo visual -igual que la función del otrora interés romántico del protagonista-. Nada más.

Pero lo que más me sacó de onda es el discurso con el que el líder de los Autobots sostiene sus intenciones por defender a la humanidad ante el embate de una amenaza que parece imparable. "En el nombre de la libertad, habremos de combatir". Es la misma arenga con la que el país en donde se desarrolla la cinta toma como pretexto para invadir y erradicar a quienes representan un peligro para sus intereses, ya no tanto para su bienestar nacional. Es de todos conocido que este tipo de cintas son en verdad plataformas con las que el ejército de los Estados Unidos vende su imagen, de la misma forma en la que GM prestó sus modelos automotrices para que formar a la armada Autobot.

Hablando de robots, nos quedó muy claro que todos los robots que combaten por la tierra se transforman en autos de la marca arriba mencionada. Pero, ¿y los Decepticons? Originalmente eran aviones, pistolas, tanques, máquinas de guerra. Ahora, el herido y apestado líder decide ser un trailer cargero que lame sus heridas en la estepa africana, mientras que Soundwave se transforma en... nada. Asimismo, Laserbeak, otro de los nuevos personajes, se transforma en... todo, mientras que el gusano gigante Driller se transform en... nada. ¿Entonces?

Aunque es menos escatológica que su lamentable predecesora (carece de robots flatulentos y tomas a los genitales de un monstruo de metal de 100 metros de largo), Transformers, Dark of the Moon cierra una trilogía con más pena que gloria. Con todo y que sí cuenta con una vuelta de tuerca que pocos esperaban (lo confieso, sí me sorprendió) e incluyó mayor interactividad con más personajes humanos que sólo el protagonista Shia Labeouf, se queda muy corta en cuanto a historia, columna vertebral de toda cinta. Adiós Transformers. No los voy a extrañar.

The Hangover Part II (¿Qué pasó ayer, parte 2)

2011-06-06T12:01:00.000-07:00

Cuando tu inocente y aventurada cinta tiene más éxito del esperado, además de que generó toda una cultura ( y culto) alrededor de ella y te hizo ganar millones de dólares en todo el mundo, tienes dos opciones. La primera es permitir que lo obtenido de esa experiencia forezca y te permita hacer más y mejores películas, incluso incursionar en otros géneros o plataformas. O, por el otro lado, retomar el proyecto y, antes de que la fiebre se desvanezca, ideas, escribir y producir una segunda parte en donde explotes la misma fórmula que te hizo exitoso la primera vez, aunque esto te lleve, irremediablemente, a vivir la siempre presente maldición de las segundas partes. Y si, el hambre por dinero fue lo que motivó a Todd Phillips para que produjera una nueva aventura de su "wolfpack" con unos resultados menos que memorables.

Phil, Alan y Doug se embarcan en una nueva aventura, debido a que Stu se comprometió con una chica tailandesa y la boda tendrá lugar en ese país. Ese es el pretexto perfecto para que algo similar a lo que ocurrió en Las Vegas tome lugar, sólo que ninguno de los presentes está dispuesto a que eso ocurra. Aún así, tres de ellos terminan de nuevo en un lugar desconocido, sin recuerdos de lo que ocurrió durante las últimas 12 horas. Tras despertar y darse cuenta de que han perdido al cuñado de Stu, deben adentrarse en las calles de la ciudad asiática, mientras intentan recordar qué ocurrió y cómo pasó.

Podría ahorrarme tecladazos o tiempo al copiar y pegar la crítica que le mereció a la primera parte, ya que en forma y fondo, esta segunda parte no aporta absolutamente nada nuevo a la fórmula ofrecida por Phillips. Practicamente sólo cambió el entorno, agregó dos o tres personajes que al final son intrascendentes y listo, creó una secuela que carece de la chispa e ingenio de la primera, sin contar con que descuidó a uno de los mejores caracteres que el mismo director había hecho popular en la primera entrega.

De la producción hay poco que destacar. Realmente, la cinta es lo suficientemente decepcionante como para tratar de salvarla con las locaciones, actores invitados, cameos y demás detalles que hacen que este sea un fracaso aún mayor. Y ni hablar de los intentos de robarle una carcajada al espectador con chistes llevados al extremo, pues hacen todo lo contrario.

The Hangover Part II es un claro ejemplo de lo que una segunda parte NO debe ser. Es, más bien, un mero producto oportunista que no le hace honor a su genial primera parte. Lamentable.

Thor (Thor, 2011)

2011-05-01T17:56:00.000-07:00

Los ambiciosos planes de Marvel Studios para emular el universo plasmado en viñetas en la pantalla grande continúa. Esto no ha sido tarea fácil, ya que, de acuerdo con Kevin Feige, productor de la cinta, encontrar puntos y momentos que unan a tres historias que también están pensadas para existir por su propia cuenta, es un trabajo de coordinación laborioso y que requiere mucha comunicación, tanto con escritores, directores, actores y todo el equipo involucrado. Y más ahora, que se acerca el próximo estreno fuerte de Marvel, Captain America, con el que cierran su tercia de ases ante el embate de la competencia.

Más allá de los confines de la galaxia, más lejos de lo que cualquier humano ha soñado alcanzar, se encuentra Asgard, mismo que es protegido por guerreros cuyo honor es de la misma envergadura que su habilidad para combatir. Entre todos ellos destaca el hijo de Odin, Thor, dios del trueno, quien ha sido designado como uno de los más temidos y fuertes guerreros en todos los nueve reinos. Hasta que, en un arranque de orgullo y vanidad, rompe con una tregua que amenaza con destruir planetas enteros. Por ello debe cumplir con un castigo impuesto por su mismo padre, quien lo envía al Midgard (la tierra) hasta que aprenda lo que se necesita para ser un rey de verdad. Pero todo esto podría ser sólo una pequeña parte de un plan mucho más elaborado.

Si los X-Men dieron inicio a la era de cintas adaptadas de comic que no dan pena ajena, si Spider-Man comprobó que un héroe podía generar record de taquillas y si Iron-Man mostró al mundo que es posible continuar con una inercia positiva y, al mismo tiempo, ser una pequeña parte de un todo más grande, Thor continúa con esa "buena mano" en su estreno, ya que, con todo y que la historia de repente se siente lenta o simple, cumple con el cometido de ser otro eslabón hacía lo que será la cinta de súper héroes más ambiciosa en la historia de la cinematografía.

Kenneth Brannagh, experto en las adaptaciones de Shakespiare, fue la elección correcta para tomar las riendas del personaje. Mezcló de manera correcta la historia épica de un mundo mágico y lo hizo creíble. Tomó elementos que sólo un experto en teatro shakesperiano podría transmitir a la pantalla grande e hizo que los trajes y la grandilocuencia del Valhalla fueran espectaculares. Pero, sobre todo, se las ingenió para salir avante ante la horda siempre hambrienta del peor público que existe, los geeks.

Es sorprendente ver a Sir Anthony Hopkins interpretar a Odin, el creador de todo, quien mantiene la paz entre las nueve realidades, quien es el claro ejemplo de rey y soberano que sabe gobernar. Pero, además, es un padre amoroso que cuida y educa a sus hijos bajo los principios de paz y armonía universal. Pero ellos, aún hermanos, son ta diferentes como el día y la noche. Debido a ello, Chris Hemsworth merece reconocimiento porque no sólo es un hombre cuyo físico llena totalmente el traje de Thor, sino que expresa de manera correcta las emociones que siente el personaje. Pero quien se lleva las palmas por su interpretación es Tom Hiddleston, quien le da vida a Loki, el dios de las travesuras.

En contraparte se encuentran los personajes meramente "terrenales", en donde destaca la participación de Stellan Skarsgard como el doctor Erik Selvig y, por supuesto, de Natalie Portman, quien interpreta a la doctora Jane Foster. Aunque su personaje sufrió cambios respecto a su contraparte de los comics, Jane funciona como el ancla moral quien le muestra a Thor las bondades de la paciencia y la humildad, mientras que intenta descubrir ciertas anomalías que ocurren en el desierto de nuevo México.

Es lógico que, cuando a un dios se le quitan sus poderes y es enviado como castigo a una de las nueve realidades, las acciones típicas del "pez fuera del agua" son de esperarse. Afortunadamente, el timing cómico no hace que la cinta se sienta tonta ni mucho menos. Al contrario, funciona gracias al ritmo que impera durante la mayor parte de la historia. Mención aparte merecen ciertos cameos de personajes y objetos que tal vez veremos después en otras cintas de Marvel o tal vez no (el Ojo de Agamotto y Clint Barton).

Thor es, en resumen, una excelente cinta que le abre las puertas de la ciencia ficción y la fantasía a un nuevo universo que seguramente será expandido no sólo con The Avengers, sino que también contará con una secuela, misma que espero cuente con el mismo equipo que la original. Ahora sólo falta ver cómo es que Steve Rogers lanza su escudo en Captain America.

Río (Rio, 2011)

2011-05-01T17:18:00.000-07:00

Ver una cinta animada es una experiencia totalmente diferente a como lo era hace aproximadamente quince años. En aquel entonces, los "dibujitos" provenientes de Hollywood estaban dirigidos a niños, por los que sus historias solían ser simples, aunque no por eso menos interesantes para el publico adulto. Pero entonces llegó Pixar y cambió las reglas del juego. Desde entonces, la animación no volvió a ser la misma, y los estudios que se aventuran a producir películas infantiles tienen un reto interesante y único, conmover a las audiencias sin importar su edad. Reitero, ya lo logró How to train your dragon, Despicable Me y, por supuesto, una larga lista de producciones provenientes de Pixar. Por ello es que Río se siente un tanto vacía, aunque tiene momentos realmente hilarantes.

Blu es un cotorrón azul cuya estancia en la jungla le fue catafixeada por una vida en la ciudad de Minesota. Pero bajo el peligro de ser el ultimo de su especie, regresa a su tierra natal, Brasil, para aparearse con la que seria la ultima cotorra azul con vida en todo el mundo. Las cosas se salen de control cuando una pandilla de traficantes de aves exóticas quieren hacerse de la pareja de cotorras. La definición de "pez fuera del agua" le queda perfecta al estilo cómico de la cinta, ya que Blu, aun al ser brasileño por nacimiento, es ajeno a su propia cultura y folklore que son conocidos en todo el mundo.

Cual turista gringo (muy gringo) aprende a convivir con demás seres animados comunes en la fauna de la región, mismos que a veces resultan mucho mas interesantes y divertidos que la misma pareja (dispareja) protagonista. Asimismo, los modismos de todos los personajes resultan hasta cierto punto exagerados.

Esto se espera, pues es una comedia, animada y dirigida a un publico meramente infantil, pero la inclusión de frases características de la cultura mexicana, mezcladas con estilos y deformaciones de lenguaje que solo alguien familiarizado con las redes sociales comprende, hacen que su doblaje sea apreciado solo por una pequeña parte del publico -dudo mucho que la mayoría de las mamás en la sala tengan un perfil en twitter-.

A esto se le suma la visión sesgada que Hollywood o, en este caso, la 20th Century Fox, tienen respecto a Brasil. No dejan mal parado al país, solo que se centran en temas como ineptitud policiaca, corrupción, crimen, pobreza y, por supuesto, una pasión desmedida, casi enfermiza, por el futbol. Claro, no es un documental que pretenda ser definitivo en cuanto a la cultura brasileña, pero este país es mucho mas que carnaval, zamba y colores.

Lo mas rescatable de la cinta es la denuncia respecto al trafico de animales, ya que todo lo demás ya lo hemos visto antes en cintas del genero y con un desarrollo mucho mas contundente y profundo. Río no es un mal producto ni carece de calidad, pero definitivamente pudo ser mejor. Y, de nueva cuenta, el 3D no sirve más que para encarecer el boleto.

Black Swan (El cisne negro, 2010)

2011-03-25T17:02:00.000-07:00

Quién mas sino Darren Aronofsky para entregar una nueva y engañosa trama que gira alrededor de mundos oníricos y deseos reprimidos de una bailarina quien se ha entrenado de por años para interpretar el papel de su vida, quien ha sido guiada por su madre desde muy temprana edad para lograr lo que ella no pudo, quien siempre ha sido obediente y respetado a sus compañeras sin hacerle frente a las clásicas provocaciones que ocurren dentro de una compañía de ballet clásico. Quien, sino una frágil y bella danzarina podría ser la víctima de una obsesión que raya entre la locura y el despertar a un mundo nuevo.

Nina se ha preparado toda su vida para obtener el protagónico de El lago de los cisnes, la obra clásica que es reimaginada por el director. Pero el reto es doble, ya que debe interpretar no solo al frágil cisne blanco, sino a su seductora y poderosa hermana gemela, el cisne negro. Y es esta dualidad la que orilla a que Nina inicie una transformación propia, una que podría llevarla a lugares insospechados, ya sea para bien o para mal.

Cuando el director mencionó que esta historia es la "pareja ideal" de su obra anterior, The Wrestler, era de esperarse que la trama fuera en cierta manera predecible. O sea, un personaje principal saliendo de la adversidad en un ambiente hostil. Sólo que el director, afortunadamente, no se repitió a si mismo, sino que eligió el siempre complicado y fascinante camino que solo la psique humana puede dar. De esta forma, y con el casting adecuado, Aronofsky vuelve demostrar que es un visionario. No encuentra el hilo negro, pero si encuentra al cisne negro,

Y lo encontró con la ayuda de Natalie Portman, quien merece ser reconocida como uno de los mas grandes talentos de su generación. No se conforma con ser la típica adulta joven que acepta papeles en cintas independientes o comerciales, sino que se arriesga y entrega personajes creíbles, intensos, poderosos. Nina no hubiera sido nada sin la fragilidad que proyecta Portman con esa mirada, con esa figura tan fina, tan delicada. Debido a ello impresiona su transformación en ese ser seductor, tramposo, intenso, lleno de un poder sexual incomparable. Sin lugar a dudas, éste es su mejor trabajo fílmico.

Mención aparte merece el resto del cast. Por su parte, el actor galés Vincent Casell interpreta de forma maravillosa al director de la obra, un hombre sensible pero con un lado oscuro al que Casell sabe como explotar. Y Mila Kunis, quien emerge como una seria propuesta para interpretar historias dramáticas.

Por otro lado, el guión es tramposo y delator como pocos. Quien guste de resolver el misterio puede intentarlo, ya que las pistas siempre están ahí, a plena luz, en cada rincón, en cada secuencia. Esto no demerita el trabajo del director, al contrario, no pierde el hilo conductor en ningún momento, con todo y que esos detalles se muestran claros y concisos en pantalla. Por ejemplo, las referencias sutiles a una obsesión previa de la protagonista. Si bien no se ahonda mucho en su tormentoso pasado, es fundamental para el desarrollo de la cinta y para entender los cómos y porqués de la protagonista.

Ya sabemos que, aunque Aronofsky se fue con las manos vacías en los Oscares, el premio como mejor actriz solo podía ser para Portman, ya que realizo un trabajo increíble, intenso y contundente con los dos papeles que interpretó en The Black Swan. Y no es para menos, con ese guión, esa dirección de cámaras, de arte y ese manejo sutil de la luz, que a nadie le extrañe que el director describa después a su obra como una alegoría de la constitución de la mente humana y de la dualidad que todos tenemos dentro. En otras palabras, es magnifica.

Salvando al soldado Pérez (2011)

2011-03-23T08:54:00.000-07:00

Si en algo somos buenos los mexicanos es en la creatividad colectiva. No importa el tema, momento o situación, siempre habrá el condicional quien aproveche el momento para hacer un comentario sagaz, acertivo e hilarantemente doloroso. Nuestro cinismo es casi una marca registrada. Menos mal que existen productores que gustan de explotar este humor ácido y conocen la fórmula exacta para combinar un tema propio de la cultura nacional y mezclarlo con los géneros cinematográficos correctos. El resultado es una parodia/ homenaje/ comedia sobre un equipo de élite mexicano que viaja a Irak a salvar al hermano del jefe. El "punchline" es que todos ellos son hampones malamente conocidos en Mexico como narcos.

Julián Pérez lo tiene todo. Dinero, poder, territorios, drogas, menos la aprobación de su madre, quien no acepta el estilo de vida de su hijo mayor. Aun así, le condiciona su amor a cambio de que salve a su hermano, quien es soldado estadounidense y fue capturado en Irak. Debido a ello, se arma hasta los dientes y ensambla un equipo con expertos en varias ramas del bajo mundo, quienes tienen dos opciones, ayudarlo a rescatar a su hermano o morir.

Lemon Films ya tiene cayo en esto del cine en general. Por un lado saben como explotar la vena humorística de un guión que mal enfocado podría terminar en una mala parodia a una de las cintas de guerra mas memorables en la historia del celuloide. Por el otro, hasta se dan el lujo de incluir, a manera de homenaje, un pequeño cameo de uno de sus personajes mas queridos y recordados por el publico mexicano, Tony "El Canibal". Con esto en pantalla durante los primeros diez minutos el publico ya sabe que esperar del resto de la producción.

Y lo que sigue no es mas que un "road movie" arenoso, en donde el protagonista reencuentra el valor de la familia (esa que está unida por la sangre, no por la droga), mientras que viven toda clase de peripecias en tierras totalmente desconocidas para el mexicano común.

Y es que, en primer lugar, ¿Donde ^{#}$" queda Irak? Si el narco promedio no lo sabe, entonces las risas están garantizadas. Sobre todo cuando actores tan queridos como Joaquin Cosio y Jesus Ochoa hacen una mancuerna cómica que, aunque quedó relegada a simples personajes de relleno, cumplen.

Asimismo, el resto del equipo entregan papeles fundamentales dentro de la misión, ya sea para llenar de plomo a irakies y soldados gringos por igual, que como para hacer reír al espectador. Mención especial merece Miguel Rodarte, quien no solo brilla por si solo durante la cinta, sino que creó un personaje que será recordado por años.

Si algo se debe criticar de esta comedia es que, a veces, el humor es demasiado forzado. De hecho, en algunos momentos se sienten demasiado presionados o, peor aun, caen en el humor mas simple, cuando el 90 por ciento de la cinta esta repleta de un humor cuidado y acertado. Eso si, hay gags que pronto, muy pronto, formarán parte de la cultura popular.

Salvando al soldado Pérez tiene el sello de garantía de Lemon Films, mismo que no le pide nada a las producciones gringas. Nos guste o no, con guerra o sin ella, el narco ya forma parte de nosotros y, si no podemos con ellos, podemos convertirlos en el héroe que a Mexico no le interesa, pero cómo nos hace reír.

Never Let Me Go (Nunca me abandones, 2010)

2011-03-22T10:29:00.000-07:00

Never let me go es una de esas historias que dice mucho en pocas palabras. En parte es porque esa es su principal intencion pero, sobre todo, debido a que maneja un doble discurso que, contrario al uso comun de esta frase, no se contradice. La naturaleza humana esta presente, incluso, en aquello que creemos que carece de la esencia vital que nos hace llamarnos a nosotros mismos "seres humanos".

Katy H es una cuidadora. ¿De quien? De un grupo de jóvenes cuyo destino esta marcado desde muy temprana edad. Y es durante los últimos años de su vida cuando recurre a sus recuerdos de su infancia y su juventud para que la ayuden a enfrentar lo inevitable. Es entonces cuando recuerda a Tommy, su primer y único amor, quien le fuera arrebatado por su mejor amiga, Ruth. Juntos descubren las bondades del amor, mientras se enfrentan ante su peculiar estilo de vida. Por respeto a quienes desconocen la trama no diré mas, solo que hay detalles delatores que indican que hay algo diferente en el entorno que afecta todo lo que ocurre en la trama.

El drama que enlaza a los tres personajes principales no seria lo mismo sin ese entorno especial y único que le otorga la obra del autor Kazuo Ishiguro, cuyo libro es catalogado como uno de los mejores en el Reino Unido. Lo que mas destaca de el es que consigue narrar, de manera sobresaliente, un drama desgarrador dentro de un contexto de ficción, sin permitir que uno o el otro interfieran y atrofien el desarrollo tanto de la historia como de los personajes.

De hecho, jamas se dice a ciencia cierta los qués y cómos, sino que el espectador tiene toda la libertad de imaginarlo, de sacar sus propias conclusiones, tanto para las extrañas similitudes de ese mundo con el nuestro, así como para con los tres caracteres cuya vida sirve de marco para esta historia.

Y en quienes recae el peso dramático es un pequeño grupo de promesas histrionicas que derraman talento en la primera oportunidad. Por un lado se encuentra Carey Mulligan, quien ya estuvo nominada a varios premios (y se hizo de alguos) por su labor en otra cinta inglesa, An Education. Con el peso del papel principal, no solo se mantiene firme como la columna vertebral de la historia, sino que su interpretación es, de nuevo, digna de todo reconocimiento.

El resto del reparto principal recae en Keira Knightley, a quien ya la hemos visto en varias producciones comerciales y a quien no le queda nada mal el participar en cintas de autor. A ellas se les suma Andrew Garfield, actor ingles quien ya comenzó a hacer ruido dentro del circuito hollywoodense, gracias a su entrañable Eduardo Saverin en The Social Network. A ello se le suma que es quien portará el traje del Hombre Araña en su próximo reboot.

Hay talento, hay una excelente historia, sumado con un director, Mark Romanek, cuya visión para llevar una trama de ficción cuyo verdadero peso recae en el drama no sólo es acertada, sino única. El resultado es una obra que de inicio puede parecer sencilla, pero su calidad interpretativa e inmaculada manufactura la hace un producto de culto, tal y como lo es la novela de donde nace originalmente.

The Tourist (El Turista, 2011)

2011-01-21T19:39:00.000-08:00

Venecia, Francia, Jolie, Deep, tren, romance, persecuciones, misterios, encuentros y desencuentros. Todas estas son formulas del cine a la antigüita, a la vieja usanza. Menos por dos elementos, claro está, los cuales se encuentran en la ecuación simplemente por que a alguien le pareció correcto vincular a una leyenda del medio audiovisual con la que será la nueva reina del cine en un futuro no muy lejano (si no es que ya lo es). Si los miembros de la alta alcurnia suelen codearse con la crema y nata de la sociedad, ¿Porque no habrían de hacerlo Johnny Deep y Angelina Jolie? Pues porque eso solo seria una ecuación barata para tratar de vendernos una historia por demás sosa, como lo es The Tourist.

Un americano perdido en París o, mas bien, rescatado por Elize, una imponente mujer de belleza inigualable, quien lo aborda en un tren con destino a Venecia. Ese encuentro poco fortuito le traerá a Jack una serie de eventos que lo colocan en medio de la Interpol, la mafia inglesa y las calles acuáticas de la ciudad.

¿Cual seria la razón para pedirle, tanto a Deep como a Jolie, que se involucraran en el proyecto? Las teorías sobran cuando, realmente, son toda la razón que los productores necesitan para sostener una historia que cae poco a poco, tanto en ritmo como en credibilidad. De hecho, llega un momento en el que no se sabe si es una historia de suspenso, de situaciones ridículas, cómica o una parodia de las cintas clásicas de La Pantera Rosa.

Deep y Jolie hacen lo que pueden con sus personajes. Ella como la mujer fatal, personaje que ya es hora de superar (tanto para ella como para los directores-escritores-etc). Por su parte, Deep se encarga de dar vida a un turista distraído, inocente y bien intencionado... en teoría. Sin duda ambos hacen buen trabajo dentro de lo que cabe, con todo y las exageraciones y las sorpresas, pero llega un momento en el que la historia cae por el propio peso de los protagonistas y se hunde en lo profundo de los canales de Venecia.

El director, Florian Henckel, permitió que el hilo conductor se le saliera de las manos y dejo de contar la historia de una pareja que unió las circunstancias -por ridículas que éstas hayan sido- y filmó el paseo de ambas estrellas por los lugares mas exclusivos de la ciudad italiana. Como decimos en México, le salió el tiro por la culata.

The Tourist no es mas que un mal pretexto para unir a dos miembros de la realeza hollywoodense, porque su propuesta se cae a los 20 minutos y termina por ser muy predecible en sus supuestos "giros de tuerca", sobre todo en el mas importante. Uno pensaría que las aventuras de Deep en Europa serían memorables, pero ni la compañía de la señora de Pitt hizo que el paseo valiera la pena.