CINERALIA

El Árbol de la vida.

2011-10-26T00:47:00.002-05:00

Desde el inicio hasta el final la vida avanza en pequeños círculos que se repiten y fluyen y mientras unos terminan otros inician y así será hasta el fin de los tiempos. Algunos parecerían correr por esos ciclos sin apenas darse cuenta de las maravillas que les rodean, pero Terrence Malick no es uno de ellos y lo demuestra constantemente en su cinematografía. En El Árbol de la vida va más allá, lejos de todo límite, arriesgándose por que sabe que algunas historias son tan particulares pero tan universales que es imposible contarlas sin considerar el universo que las envuelve y en esta cinta lo incluye todo.

Desde un accidente cósmico en una galaxia lejana, hasta los albores de la vida en la tierra, con días oscuros y llenos de trueno, con seres pequeños, imperceptibles que se desarrollan y extienden, hasta llegar a las grandes urbes, los grandes bosques de edificios de cristales y todavía más allá, hasta el mero final. En el punto medio hay una familia de Texas de los años 50's. Jack, el hijo mayor, el primero de tres, despierta a la vida y sus años idílicos de juegos y aventuras se van quedando atrás al descubrir que no todo en esta vida es placentero y se debate entre las enseñanzas de sus dos padres.

Su madre es una mujer amorosa, apegada a la gracia de Dios y del mundo, empeñada a enseñarles con voz y ejemplo a amar todo lo que se mueva a su alrededor, mientras que su padre, un hombre severo, está decidido a enseñarle que la vida es dura y que deberá ser fuerte para enfrentarla. Ambos, los dos mundos y los dos padres de pronto chocan y tienen violentos desencuentros, el alma de aquel niño entonces deberá emprender su propio camino y buscar su propia verdad, cual de esas enseñanzas es la real y verdadera.

Quisiera no tener que reducir y trivializar la experiencia que resulta ser esta cinta, pero tenemos que buscar la base de donde se dispara todo lo demás, el todo y la nada. En el eje están los procesos que viven dos de sus personajes. La madre enfrentándose a una terrible pérdida. Y la otra, el de Jack, el hijo, quien ahora es un hombre maduro, confundido y lidiando con el mundo moderno, desencantado del juego y viajando con la memoria hacia el pasado a esos años infantiles de ensueño.

El ritmo de la cinta es ese, el de pequeñas postales repletas de sensaciones que desfilan sin lógica y sin freno, muchas de ellas son entrañables, luminosas y llenas de grandes momentos, pero otras son oscuras y dolorosas. Algunas son tan breves como un parpadeo y otras son borrosas como los propios recuerdos que se van confundiendo todos en la memoria, pero que unidos unos con otros conforman una historia.

Los ciclos, los círculos, los pequeños procesos de todos los personajes son tan familiares que será imposible no sentirse reflejado en algunos de ellos, son tan sencillos que por momentos pareciera que no atestiguamos nada especial, pero al mismo tiempo son tan profundos y tan vitales que no se puede evitar reconocer la amplitud de todo el proyecto.

La cinta está realizada con una estupenda fotografía y un diseño sonoro inigualable que hace retumbar las salas sin necesidad de explosiones. Y se reconoce a cada instante que esta obra jamás podría ser realizada por alguien que no tuviera la obsesión y el corazón y el deseo de encontrar la belleza en todo como Malick.

Se pueden decir muchas cosas, que aparecen dinosaurios y el juicio final. Pero mucho de lo que se ve, se siente puesto más como una meditación visual, como el reflejo emocional de alguno de los personajes que como parte de la propia narrativa. Sin embargo todo ello dependerá de cada espectador, pues la cinta es tan especial que le dará a cada uno de ellos una experiencia personal y única.

Yo opino: * * * *.

(The Tree of life, Terrence Malick, E. U., 2011.)

Miss Bala.

2011-09-23T11:01:00.003-05:00

Escuchar que Gerardo Naranjo haría una cinta en la que tocaría el tema de la narco violencia en México fue sorpresivo y emocionante. Así suele serlo cuando un director interesante se aleja de los temas y las formas con las que usualmente trabaja y aborda un material que se antoja ajeno a él y lo hace con su acostumbrado estilo de trabajo. No siempre los resultados son buenos, pero afortunadamente éste no es el caso.

En la cinta se nos presenta a Laura Guerrero una joven de Tijuana que así sin muchas ganas se presenta en la organización del concurso estatal de belleza para intentar participar y la verdad, aunque la joven tiene un fresco atractivo, si la comparamos con las demás jóvenes que participarán sabemos que sería descartada pronto. Pero eso no importa, se vuelve secundario cuando unas horas mas tarde Laura se ve atrapada en una balacera y a partir de ahí se ve envuelta en una serie de hechos y se relaciona involuntariamente con un grupo de delincuentes comandados por El Lino.

Desde ahí la cámara sigue siempre de cerca a Laura en un intenso y peligroso viaje, ni ella ni nosotros sabemos a donde ira a parar todo esto, cual será su suerte y sobre todo si saldrá sana y salva. Ella es interpretada por la joven Stephanie Sigman con un trabajo emocionante, conmovedor y sobrio, es difícil no quererla y seguirla, es difícil no sentirse identificado y sufrir a su lado su desconcierto. Su trabajo es tan convincente que ya se ganó un premio en Tokio y estoy seguro que al menos el Ariel en México ya lo tiene asegurado.

Y es que cautiva por completo a la pupila, tanto por su trabajo actoral como por su belleza, es como una pequeña flor que crece entre un basurero, todo a su alrededor es violento, feo y hosco que su presencia resulta un alivio.

La relación que se desata entre ella y el otro protagonista es igual de interesante, ella sabe que su captor de un momento a otro intentara besarla y tocarla, pero sabe también que si él lo desea podría abusar de ella y asesinarla sin ningún titubeo o remordimiento, por lo que se pone a su completa disposición y se limita a decir, hacer y mirar solo lo que se le indique. El Lino, interpretado con gran acierto por Noé Hernández, admira la belleza de la joven en sus ojos se puede ver que la desea aunque por momentos pareciera que solo quiere tenerla a su lado para contrarrestar el horror que lo rodea y que él mismo causa.

La realización es muy buena, la fotografía, el ritmo y el manejo de cámaras son acertados y ayudan en gran medida a crear la tensión que se necesita. Y es que hay que decirlo con todas sus letras, Miss Bala es un thriller, una cinta muy efectiva de suspenso, por un largo periodo el silencio de la audiencia en la sala era sepulcral, la expectación con la cual se va siguiendo la trama y la duda por saber que es lo que pasará es algo muy bien logrado y que difícilmente se consigue. Y luego sorprende con un par de secuencias de acción, también muy bien elaboradas. Es emocionante que se logre en una cinta mexicana, cuando nuestro no acostumbra visitar esos territorios, que se logre además entretener bajo la rigurosidad del trabajo del director.

Como siempre con los personajes de Naranjo hay algunos puntos, algunas decisiones que toman que no son comprensibles del todo y que en esta ocasión entorpecen un poco el arranque de la cinta, pero una vez que llegamos al desenvolvimiento de la trama esto va quedando atrás y vemos solo el transcurrir de los hechos con soltura y de forma razonable y realista. Lo cual es otro gran acierto, la forma en la que se retrata a esos personajes involucrados en los crímenes es muy convincente y suena muy cercano a la realidad, lo cual lo aleja hasta el otro extremo de la caricaturización que se realizó el año pasado en la cinta El Infierno.

También podría reprocharse el interés político que los involucrados en Canana suelen poner en sus trabajos fílmicos, al final aparecen unos letreros que se sienten innecesarios y que se contraponen al estilo con el que todo lo demás esta echo, ese toque de indiferencia del director hacia politizar el tema para centrarse en su personajes y lo que le sucede, pero al final, con ese bello cierre, la cinta se sustenta como un gran logro del cine nacional, una película interesante por muchos factores, emocionante, inteligente y deslumbrante. Es la película mexicana del 2011.

Yo opino: * * * *.

(Miss Bala, Gerardo Naranjo, México, 2011.)

Mi otro yo.

2011-08-12T17:48:00.005-05:00

Desde hace no mucho tiempo hombres y mujeres, niños y adultos sin distinción, se han visto acechados por una nueva lista de males que atacan su salud y bienestar, esos males son peligrosos, invisibles y pueden costar inclusive la vida, sus nombres y variantes se han vuelto cada vez más populares y sus efectos bastante visibles, excepto claro, cuando los afectados somos nosotros mismos. El nombre rey de todos esos términos médicos es la depresión y hasta donde se sabe su cura es complicada, lenta y dolorosa.

Walter Black es una de esas personas afectadas y después de probar sin éxito varios médicos y tratamientos está por perder a su familia, su negocio y su vida. Un día encuentra en la basura un títere en forma de castor y tras una desastrosa noche despierta con una nueva fuerza en su interior, de su boca surge una voz y una personalidad diferente, la del castor, quien le informa que si quiere resolver su situación tiene que dejarlo a cargo de todo.

Lo que en un principio parecería un juego sencillo y divertido, se va tornando de pronto en un asunto cada vez más peligroso que podría costarle bastante a todos. El responsable de intentar darle coherencia a todo eso es Mel Gibson quien vuelve a las pantallas tras un par de años desequilibrados y desastrosos por lo que aunque quizás no sea un gran actor resulta el más indicado para la labor y la realiza de una forma decorosa y decente.

Si bien es cierto que Jodie Foster no es una gran directora, no al menos en los parámetros que ahora están de moda y no toma grandes riesgos técnicos, se agradece enormemente que en medio del verano cinematográfico pueda encontrarse en cartelera una cinta basada y apoyada en gran parte en los personajes y las actuaciones. Las escenas dialogadas son largas, sin cortes dinámicos que jueguen con el tiempo y el espacio, la cámara está ahí presente, se mueve apenas lo suficiente, al igual que la edición que permite el desarrollo de los personajes y el deslizamiento de la historia. Lo cual podría pensarse es aburrido, pero por el contrario resulta un gran placer sentarse a apreciar con la calma suficiente, una película sobre personas de la vida real, que tratan de comunicarse y entenderse, que se toman el tiempo de intentar enmendarse y conocerse un poco mejor.

Una película así resulta un buen respiro, es una de esas películas de las que se hacen cada vez menos y que por lo tanto se deberían aprovechar, pues si bien no es exactamente una obra maestra y hay algunos puntos que se podrían reprochar, en general el resultado es divertido, emocionante y aunque la ejecución quiera darle un toque positivo a todo el asunto la cinta visita varios lugares oscuros y profundos que nos adentran al escabroso universo de las mentes en problemas. Resultando en una cinta disfrutable y bien realizada, en la que seguimos a varios personajes que van arrastrando consigo diferentes cargas, que podrían incluso frenarlos para siempre.

Yo opino: * * * / * * * * *

(The Beaver, Jodie Foster, E. U., 2011.)

Somewhere. En un rincón del corazón.

2011-03-18T18:20:00.001-06:00

Después de su anterior cinta con la que dividió opiniones y recibió fuertes críticas Sofia Coppola debía seleccionar con cuidado el siguiente paso de su carrera y con Somewhere pareciera hacer lo correcto, pues aunque tal vez no sea su mejor o más popular cinta, se confirma como una autora que está pisando ya los terrenos de la madurez.

Jhonny Marco es una gran estrella de Hollywood y pasa sus días en la habitación 211 del Chateau Marmont, el castillo de la realeza de Los Ángeles, ese legendario lugar que desde los años 20 ha albergado a las más grandes legendas del cine, pero que ha sido también el escenario de algunas de sus más dramáticas tragedias y con Jhonny Marco podría repetirse una, puesto que aunque pareciera tenerlo todo, nada le es especialmente atractivo y da muestras de que es una de esas celebridades que se desvanecen y luego un día aparecen muertas. Pero cuando su hija Cleo llega a pasar unos días con él, Jhonny pareciera recibir una oportunidad de salvarse.

Es impresionante la forma en la que Sofia evita cualquier presión y se dedica a presentarnos a los personajes sin necesidad de muchos diálogos o de impresionantes artilugios visuales, la cámara es casi estática, sencilla y sin el animo de estorbarle a los actores y aunque visualmente la cinta es muy bella, todo es puesto ante la lente de un modo natural y fresco, recreando un poco de ese esplendor que antes tenía la celebridad, pero combinándolo con una visión de la parte nociva de la fama, gracias a la cual podríamos entender a muchas estrellas de hoy, así ante nuestros ojos desfila todo ese mundo que seguramente Sofia conoció bien desde su infancia.

Otro elemento que los seguidores de la directora podrían extrañar es la estupenda musicalización de sus trabajos anteriores, en Somewhere la música es poca y las canciones que intervienen son selecciones bastante inesperadas dentro del rango musical del que Sofía ha echo gala, pero nuevamente, resulta positivo que no se presione por complacer con los elementos que la han distinguido y que por el contrario busque crear algo coherente y de algún modo nuevo.

Sus selecciones de casting son realmente buenas, Stephen Dorff tiene ese aire de una gran estrella y al mismo dota al personaje de humanidad y sencillez y la pequeña jovencita Elle Fanning es una niña bella que ilumina la pantalla con su encanto y dulzura. Es admirable también como una película sobre una persona deprimida evita a toda costa aclararlo con algún dialogo tipo "estoy deprimido" y por el contrario solo se dedique a mostrarlo a través de pequeños detalles como esos mensajes que le llegan al celular al protagonista, cortesía de algún acosador y que parecieran convertirse en su propia conciencia.

Aunque hay quien podría decir que la cinta es repetitiva dentro de la filmografía de la directora y se podría acusar que el corazón del filme es un tanto superficial, lo cierto es que la cinta, a pesar de ser sobre personas tristes se vuelve una experiencia edificante, aunque no se esfuerce en serlo y en el camino nos regalan un par de instantes entrañables. Una buena experiencia.

Yo opino: * * * / * * * * *.

(Somewhere, Sofia Coppola, E. U., 2010.)

Las Oscareables 2011.

2011-02-23T13:50:00.001-06:00

Es una buena temporada para aquellos que aprecian el cine, entre las destacadas en toda la época de premiaciones que ahora terminará con al entrega del Oscar hay muy buenas películas, algunas de las cuales ya llegaron o están por llegar a las salas. Esperemos que el resto del año siga el flujo de buen cine, por lo pronto aquí van mis impresiones de lo que he visto últimamente.

La Red Social

Nombrada la mejor película del 2010 por múltiples publicaciones y críticos americanos es la gran favorita y casi segura ganadora del Oscar a mejor película. Lejos de ser una cinta pop sobre el fenómeno que representan las redes sociales el titulo parecería más bien hacer referencia a la red que se teje alrededor del personaje principal y su rabiosa avaricia no de dinero o poder, pero si de reconocimiento y posicionamiento social. Alguno de esos elementos que aparecen en la pirámide de lo que todo hombre necesita y de lo que pareciera se ha vuelto más importante en los últimos años. El protagonista, un joven de grandes dotes cerebrales pero inadaptado y sin ninguna idea de como relacionarse con la gente a su alrededor cree que para poder destacar y convertirse en un hombre exitoso y bien relacionado debe crear algo grande e impresionante que voltee hacia sí los ojos de propios y extraños y cuando poco a poco y casi por accidente empiezan a llegarle ideas de lo que podría hacer inicia un desfile hacia su meta y esta dispuesto a atropellar y quitar de su camino a quien crea le estorba, aunque se trate de su único amigo. La red social es una cinta inteligente, hábil, cerebral, divertida y un tanto fría, pero no es que eso sea malo, el guión es filoso de tan preciso, los diálogos son ríos y ríos de información que fluyen a prisa y a los cuales hay que seguir con cuidado incluso desde la primera escena. La dirección es también adecuada y directa y destacan el diseño sonoro, la música y un notable y joven reparto, liderado por el protagónico Jesse Eisenberg con un personaje que retrata a esa nueva estirpe de empresarios y millonarios de la red y quien aunque por momentos resulta detestable es imposible no compadecerse de él. Dicen que en el futuro será un referente cultural y cinematográfico, tal vez sea cierto.

Yo opino: * * * *.

(The Social Network, David Fincher, E. U., 2010.)

Temple de Acero

El Wenstern que entregan los Hermanos Coen, remake de la cinta homónima del 1969 con John Wayne, es una cinta muy disfrutable. La historia sigue a una joven adolescente que quiere que se haga justicia sobre la muerte de su padre a manos de un criminal de poca monta, para lograrlo contrata al US Marshall más salvaje de la zona para detener al culpable y traerlo ante la justicia y al equipo se une un Ranger de Texas que busca también al criminal por otros motivo. Los tres protagonistas se internan por el monte y las montañas, un mundo salvaje en el que parece que la vida no vale nada. Jeff Bridges interpreta al protagonista un borracho y sucio pistolero quien debe probar que todavía no esta tan viejo y que aún tiene temple de acero, la joven Hailee Seinfeld interpreta a la joven deuda que busca justicia con una soltura y facilidad impresionantes y completa el elenco Matt Damon y Josh Brolin. El diseño de arte es estupendo, la recreación de un pueblo del viejo oeste es original, acertada y visualmente bella. Los directores presentan una cinta de ritmo muy controlado, colocando los balazos y las secuencias emocionantes donde deben de ir e imponiendo su característico sello de humor negro. Y aunque al principio la cinta pudiera sentirse un poco lenta, al final premia al espectador con un cierre emocionante, agridulce, pero muy disfrutable. Y aunque pueden apreciarse unos cuantos comentarios sobre la repartición de justicia, muy al estilo de los realizadores, al final queda la sensación de que Los Coen tal vez querían solo divertirse con ésta cinta y de paso lográn que el publico también lo haga.

Yo opino: * * * *.

(True Grit, Ethan y Joel Coen, E. U., 2010.)

Cisne Negro

Da un enorme gusto que una cinta de Darren Aronofsky reciba tanta atención del público masivo que habitualmente desprecia su trabajo, pero es totalmente comprensible al haber transformado lo que pudo haber sido un drama sobre bailarinas y el mundo del ballet, en un thriller psicológico, casi adentrándose en el género del horror y que convierta una historia sobre un proceso creativo, una bailarina luchando contra sus limitaciones para convertirse en la protagonista doble de El Lago de los Cisnes, en una película capaz de entretener, emocionar y asustar, cuando generalmente éste tipo de historias se vuelven regularmente películas solemnes o muy intelectuales. Para lograrlo Aronofsky utiliza un gran manejo de cámaras y de edición con lo cual nos acerca e inmiscuye con su protagonista y su intensa travesía en busca de la perfección. Las secuencias de baile son emocionantes e increíblemente bien estructuradas que pareciera que la cámara es parte de la coreografía, pero sin duda el gran sello de la cinta son sus actuaciones, especialmente la de Natalie Portman, en quien recae casi por completo el peso de toda la película y quien ofrece el trabajo mas destacado de su carrera. No es la mejor película de Darren, pero es buena y es muy positivo para su carrera que se haya vuelto tan popular y exitosa. Eso nos garantiza a sus seguidores, más Darren para rato.

Yo opino: * * * 1/2.

(Black Swan, Darren Aronofski, E. U., 2010.)

El Peleador

Para algunos podría ser una cinta cercana a Rocky, pero en realidad ambas cintas, aunque pudieran llegar al mismo destino, andan por caminos muy diferentes. Basada en una historia real, la cinta nos presenta a Micky un boxeador que esta por llegar al final que lo que pudo haber sido su carrera, quien se encuentra rodeado y aconsejado por su familia, entre los cuales destaca una madre posesiva y agresiva y Dicky, su hermano mayor, quien tuvo grandes oportunidades dentro del boxeo y quien ahora vive casi hundido en el mundo de las drogas. Micky preocupado por su futuro y apoyado por su nuevo interés romántico, la aquí sorprendentemente sexy Amy Adams, decide que es tiempo de hacer a un lado a su familia e intentar algo diferente en su vida por cuenta propia. Pero la batalla será difícil y grande.
La recreación del tiempo y el lugar donde la historia toma forma es perfecta e imponente, es uno de esos lugares realistas, sucios y deslucidos que a veces se quedan fuera de las cámaras pero que aquí se vuelve un personaje presente e importante de la historia. Y otro gran acierto es la gran paleta de personajes, todos ellos son igualmente sucios, groseros, incómodos y llenos de defectos e incongruencias, como la madre interpretada a la perfección por Melissa Leo, con un sorprendente y realista trabajo, entregando un personaje memorable y totalmente reconocible, es como si hubiera echo copia de una persona del mundo real. Y destaca por supuesto Christian Bale con una excelente actuación arriesgada y provocativa.
No es una película perfecta, pero tiene varios momentos que resultan bellos, intensos y conmovedores. Una gran película.

Yo opino: * * * * 1/2.

(The Fighter, David O. Russell, E. U., 2010.)

Dentro de las nominadas hay una película que no se ha estrenado aún y que posiblemente sea la más difícil de que lo logre en las próximas fechas. Se trata de una película independiente, en toda la exención de la palabra, que triunfó en el Festival de Sundance y que a juzgar por el trailer y las críticas, suena apetitosa. La película se llama Winter´s Bone.

El Infierno.

2010-09-09T22:03:00.004-05:00

En 1999 Luis Estrada logró algo inimaginable, casi al final de los 70 años de priismo, filmó y presentó, librándose de la censura de aquel entonces, una película llamada La Ley de Herodes, con la que no sólo logró cimentar un valiente resumen sobre los usos y costumbres de aquella clase política que reinaba el país sino también creó una importante cinta dentro de la filmografía mexicana moderna, una cinta divertida, inteligente y redonda que a 10 años de su estreno aún no pierde su figura.

Luego en 2006 con el cambio de partido al mando entregó un filme sobre las políticas económicas y la búsqueda de la erradicación de la pobreza con resultados bastante medianos. Hoy en 2010 Estrada entra a escena con la película de éste sexenio y no podría llegar a una mejor fecha cuando gran parte del país se pregunta si realmente vale la pena celebrar los 200 años de nuestra independencia.

El Infierno se centra ahora en la escalada de violencia que azota gran parte de México a causa de la lucha que el actual presidente ha emprendido en contra del narcotráfico, lo cual ha creado un ambiente tenso y macabro que tiñe de rojo casi a diario los noticieros y las calles del país.

Al igual que en las anteriores cintas, ésta es protagonizada por el buen Damián Alcázar quien interpreta a Benny García un hombre que ha estado trabajando de ilegal por 20 años en los Estados Unidos y que tras ser deportado vuelve a su tierra natal en el norte de México, sólo para encontrarse con el nuevo desolador panorama.

Su hermano menor, ha muerto asesinado, tras haber sido él mismo miembro de una banda dedicada al crimen, sus viejos amigos y conocidos andan en los mismos pasos o también han muerto abatidos por las balas y tras ponerse al día decide trabajar para ayudar a su cuñada viuda y a su sobrino huérfano. Pero pronto terminará por caer en los mismos pasos que su hermano e iniciará un viaje por los horrores de la violencia del narco.

Con esto Luis se enfrenta a posiblemente la cinta más difícil de las tres, al ser el tema central el más delicado y una llaga que aún sangra y pulula a diario en toda la nación. De entrada sabemos que al director le gusta lanzar una aguda crítica a través del humor y la misma fórmula intenta utilizar aquí, pero el resultado no es del todo exitoso; el balance entre el humor y el drama, entre la burla y la realidad es muy delicado y escabroso y se pierde en el transcurso de la cinta. Aunque hay partes muy hilarantes, muy bien logradas, hacia el final su estilo de presentar los hechos se vuelve exagerado y tremendista como la realidad misma, cae en su propia trampa y termina como una cinta realista mal lograda.

Y aunque para una fracción de los espectadores podría resultar interesante ver los hechos que presenta para conocer más a fondo éste tema la verdad es que para la gran mayoría de nosotros ya es suficiente con lo que vemos en los diarios y la televisión. Puesto que todos estos elementos que se toman de la realidad mexicana son solo plasmados sin el verdadero interés de tejer a partir de ellos una trama verdaderamente envolvente y con un tono más definido.

La cinta se siente muy larga, el ritmo al principio es acelerado y luego hacia el final decae, muchas de las cuestiones que se presentan son previsibles y sin embargo se toman mucho tiempo en narrarlas y aunque el reparto es enorme, lleno de nombres de actores conocidos y cumplidores y el trabajo actoral de todos es bastante acertado, la gran mayoría de los personajes terminan por ser indiferentes, por que de entrada ya sabemos cómo terminaran cada uno de ellos y ninguno resulta entrañable o querible.

Inclusive la cinta peca de presentar personajes desdibujados, trazados solo como meras caricaturas de sí mismos, personajes por ejemplo que en primera instancia se declaran estar en contra del crimen y que a la siguiente escena se contradicen y gozan de sus frutos.

Algo que personalmente me molestó mucho de El Infierno y su director, fue la estrategia de propaganda, en el poster luce la leyenda que dice “Censurada” y enlista las razones del porqué, un letrero puesto ahí por los propios realizadores y promotores de la cinta y luego para que a unos días del estreno se quejaran en todos los medios de recibir una clasificación C, lo cual para ellos significó una forma de censura, siendo que el propio Estado colaboró para la realización de la cinta. Y su clasificación es más que justa al presentar sexo explicito, violencia extrema y uso indiscriminado de drogas. Luis Estrada conoció la censura y sabe que no se parece en nada a esto.

Aún y con estos aspectos en contra, creo que vale la pena ver la cinta, para apreciar el trabajo de todo el elenco, del propio Alcázar y de Joaquín Cosío cuya carrera afortunadamente sigue en ascenso, para disfrutar de la breve pero cariñosa incursión de Mario Almada, para apreciar los paisajes norteños del país y para reconocer el enorme esfuerzo de un director que le gusta tomar riesgos.

Se comenta que con El Infierno Estrada cierra una trilogía y me gustaría que esto fuera cierto, me gustaría ver al director alejado del tema político y adentrarse a otros territorios como lo hizo anteriormente con su fantástica cinta Ámbar. Ojala así fuera.

Yo opino: * * *.

(El Infierno, Luis Estrada, México, 2010.)

El Atentado.

2010-08-30T13:39:00.005-05:00

Habría que empezar diciendo que el nombre de Jorge Fons ya tiene su lugar en la historia del cine mexicano por una película que realizó en 1995, que llevó el nombre de El Callejón de los Milagros y que por mucho tiempo ostento el titulo de la cinta mexicana más condecorada alrededor del mundo, en aquella época antes de Amores perros, cuando nuestro cine todavía no era tan popular en el extranjero. Igual por aquellos tiempos dirigió una cinta sobre la matanza de Tlatelolco, Rojo amanecer, cuando el tema todavía no se podía tocar abiertamente en ningún lado y algunos de sus otros títulos tienen una cierta carga social y política. Por lo que en su colaboración para la conmemoración del bicentenario de las fiestas patrias de México no podemos esperar una visión histórica, romántica o inspiradora.

En El Atentado retrata al México del porfiriato cuando en 1897 se atentó contra la vida del Presidente Porfirio Díaz y para lograrlo se basa en la novela de Enrique Mendoza Hernández en la que el autor intenta descubrir lo que hay detrás de aquel misterioso pasaje de la historia mexicana. La cinta inicia cuando un iluso y hasta soñador borracho que anhela un país más justo intenta asesinar al presidente pero atina solo a asestarle un golpe, lo que sigue detrás de este incidente es una cadena de traiciones, voluntades ocultas que van escalando desde un borracho don nadie hasta las más altas esferas del poder mexicano, todo desde el punto de vista de tres personajes centrales.

Arnulfo Arroyo, el anarquista, interpretado por José María Yazpik, el jefe de la policía interpretado por Julio Bracho y el célebre novelista de la época Federico Gamboa, interpretado por Daniel Giménez Cacho, personajes todos involucrados con una bella mujer interpretada por Irene Azuela cuyo tórrido romance se vuelven en un disparador de todos los eventos de la cinta.

La realización de la cinta es apabullante, se habla que su presupuesto es hasta la fecha el más alto para una cinta nacional y el resultado se puede apreciar en pantalla puesto que aunque en algunas de las escenas se nota el uso de maquetas y telones, más que distraernos de la trama nos remite al trabajo de los muralistas mexicanos de la época y que por ejemplo es contrastado con otros elementos del filme como el excelente diseño de vestuario.

La cinta cuenta con un reparto inusualmente numeroso e interesante que otorga un abanico de actuaciones muy variadas, algunas buenas y apropiadas y otras que no resultan tan afortunadas pero que al final de cuentas no demeritan en suma el trabajo actoral de toda la cinta.

Irene Azuela y Jorge Fons en la filmación.

El verdadero problema del filme es otro, en el arranque de la cinta, entre saltos de tiempos y de personajes se denotaba un cierto interés por reflejar la atmósfera de aquellos tiempos, muy sutilmente se van mostrando las diferencias sociales entre los diferentes personajes y en general de la época, lo cual resultaba interesante al ser todo esto el detonador de la revolución mexicana, pero sin embargo mientras la cinta avanza se va torciendo en una maraña de traiciones y el despliegue de los ya por demás conocidos usos y costumbres del poder político mexicano, enmarcado con una historia de amor pasional.

Inclusive y ya en un ánimo más agitador, en una de las escenas una mujer que lamenta el asesinato de su hermano, le grita a un grupo de personas que se encuentran en la calle: “¡Cobardes, cobardes!”, para después cambiar la toma y la actriz termina reclamándole en un close up de frente al público que amablemente hizo presencia en la sala y llamándolo: “¡Cobardes, cobardes!”.

¿Cobardes ante qué? Es decir, es clara la posición política del Maestro Fons y es claro que quiere hacer algunas alusiones al momento político del presente, lo que no es claro, exactamente cuáles son. De tal modo que el verdadero centro de toda la película se encuentra confuso y sin claridad y sin el valor de abiertamente exponer sus puntos de vista. De modo que no se sabe si la cinta es una crítica a la clase política del México moderno, o algún otro asunto de actualidad o si solamente es un ejercicio de época y género. En cualquiera de los dos casos la cinta falla.

Y aunque en suma El Atentado es un espectáculo grande, bien armado, bien realizado, de grandes proporciones, que resulta muy interesante de ver para apreciar algunos de sus muchos detalles, con algunos momentos e imágenes entrañables y en general la narrativa de la cinta es interesante y rescatable, personalmente me hubiera gustado que el regreso de uno de los directores vivos más grandes de México, luego de 15 años de ausencia, hubiera sido mucho más contundente y no con una cinta que se queda a medias. Esperemos pues al maestro pronto de vuelta.

Yo opino: * * *.

(El Atentado, Jorge Fons, México, 2010.)

El Sueño de los cuartos infinitos.

2010-08-02T21:53:00.004-05:00

Hay una parte del libro Cien años de soledad del Gabo Márquez que me gusta mucho y que a continuación parafraseo respetuosamente.

Cuando estaba solo, José Arcadio Buendía se consolaba con el sueño de los cuartos infinitos. Soñaba que se levantaba de la cama, abría la puerta y entraba a otro cuarto igual, con la misma cama de hierro forjado, el mismo sillón de mimbre y el mismo cuadrito de la Virgen de los Remedios en la pared del fondo. De ese cuarto pasaba a otro exactamente igual, cuya puerta abría para pasar a otro exactamente igual, y luego a otro exactamente igual, hasta el infinito. Le gustaba irse de cuarto en cuarto como en una galería de espejos paralelos, hasta que Prudencio Aguilar le tocaba el hombro. Entonces regresaba de cuarto en cuarto, despertando hacia atás, recorriendo el camino inverso, y encontraba a Prudencio Aguilar en el cuarto de la realidad. Pero una noche, dos semanas después de que lo llevaron a la cama, Prudencio Aguilar le tocó el hombro en un cuarto intermedio, y él se quedó allí para siempre, creyendo que era el cuarto real... Entonces entraron al cuarto de José Arcadio Buendía, lo sacudieron con todas sus fuerzas, le gritaron al oído, le pusieron un espejo frente a las fosas nasales, pero no pudieron despertarlo.

Al salir de ver Inception, o El Origen para la raza, me acordé mucho de éste relato y es que el guionista y director ha recreado consciente o inconscientemente ésta historia a través de un laberinto fílmico bastante entretenido y absorbente. Me gustan mucho ese tipo de películas que son complicadas, que te hacen pensar mucho y que conforme avanzan se va retorciendo todo todavía más. Me gustan también las películas que tienen un clímax largo y emocionante y en esta película dura aproximadamente más de 25 minutos. Que bueno que Nolan tenga el poder de hacer películas como ésta y ojala que siga teniéndolo. Hacen falta muchas películas de entretenimiento como ésta.

Visiones del mundo y de vida.

2010-05-11T21:37:00.005-05:00

Larry es un hombre serio, dedicado, temeroso de las leyes de Díos pero como si en otra vida hubiera echo algo terriblemente mal de pronto pareciera estar siendo castigado y ve su mundo caer estrepitosamente cuando su mujer le pide el divorcio para unirse con un compañero de trabajo, su puesto como profesor de física en una universidad esta en peligro en pos de unas misteriosas cartas que comprometen su buen nombre, su hermano mayor esta enfermo y se ha quedado a vivir con él pareciera que para siempre, su hija que esta en el despertar hormonal quiere una operación de nariz y su hijo esta a punto de celebrar su bar mitzvá aunque esta más interesado en escuchar música en su radio personal, ver televisión por cable y fumar mariguana.

Larry que siempre había sido un hombre centrado y equilibrado ahora no sabe que hacer, la en apariencia tranquila vida que llevaba resulta que solo era una mentira y desesperado busca ayuda y consuelo en la gente que se encuentra a su alrededor solo para encontrarse que cada quien se encuentran ocupado persiguiendo sus propios intereses como para siquiera ponerle atención a los demás.

Y como última instancia busca apoyo en su religión y en el sabio consejo que un par de rabinos podrían otorgarle, para aclarar su mente y encontrar la razón o el mensaje que Díos trata de entregarle a través de este enorme y desesperante torbellino de tormentos que durante la cinta van y van en aumento, pero al final solo queda más confundido que al principio.

La nueva cinta de Ethan y Joel Coen pareciera ser igual de confusa tanto para su protagonista como para nosotros los espectadores al no dejar aparentemente en claro de que trata realmente y cual es la razón de todos los predicamentos de éste hombre, pero basta darle una ojeada a su más reciente filmografía (Sin lugar para los débiles, Quémese después de leerse) para entender que los directores quieren mostrar el mundo caótico, confuso y sin sentido en el que pareciéramos vivir y centrándose en esta ocasión en como un hombre puede o no apoyarse en la fé para intentar salir adelante, aunque claro esta, desde su muy particular y retorcido punto de vista.

La cinta además de ser muy divertida, en el sentido negro e irónico del humor, es además una cinta edificada sobre un excelente y sencillo guión, realizado con una fotografía lucida y bella y con una recreación de la época más que adecuado sin convertirse en el principal elemento del filme. No es una opción para todo el mundo pero si es una película inteligente, divertida y también por momentos preocupante.

Yo opino: ****.

(A Serious Man, Ethan y Joel Coen, E. U., 2009.)

El Mejor lugar del mundo

Y cuando el panorama parecía desolador, llega Sam Mendes con un giro sorpresivo a su carrera dejando a un lado las densas temáticas que han caracterizado a sus películas para presentarnos una entrañable, divertida y conmovedora película sobre una pareja en busca esperanza y de un lugar que se pueda ser convertido en un hogar.

Burt y Verona son una sólida pareja aunque no se han casado y ella no tiene ninguna intención de darle el sí a alguna de las múltiples propuestas de él. Todo cambia cuando inesperadamente se embaraza y a unos meses de dar a luz reciben la noticia de que los padres de él se irán a vivir a Bélgica tal y como toda su vida lo habían deseado. Burt y Verona se sienten ahora solos en aquella ciudad y deciden cambiar de residencia para vivir cerca de alguien con quien puedan compartir la experiencia del bebé y con quién formar una familia y un lugar donde puedan echar raíces y convertirlo en su hogar.

Así que se embarcan en una aventura con diferentes escalas alrededor de Estados Unidos visitando a los pocos familiares y amigos que tienen regados y atendiendo entrevistas de trabajo para conocer cada uno de los lugares y cada uno de los lazos con las personas para de entre todos elegir el mejor lugar del mundo para ahí dar a luz y criar a su bebé.

Pero esa tarea no es nada sencilla cuando en cada uno de los destinos que visitan se encuentran con una visión diferente de la vida, la paternidad y la familia, desde lo más terrible, desapegado y frívolo, pasando por las relaciones verdaderamente afectivas, tanto que hasta se vuelven dolorosas, hasta los extremos de estilos de vida alternativa, todo con tal de encontrar el lugar ideal.

La película es un excelente, cálido y emotivo paseo, guiado por una pareja de protagonistas que son simpáticos, sencillos, que se quieren y se cuidan mutuamente y desfilando ante ellos una serie de personajes que a la par de que resultan divertidos son también escalofriantes. Y aunque algunas de las situaciones pueden despertar sentimientos preocupantes y reflexiones sobre temas realmente profundos todo es plasmado con sencillez y un desapego esclarecedor que se agradece y nos regala momentos tiernos y esperanzadores.

La cinta es protagonizada por Maya Rudolph y el buen John Krasinski, famoso por la serie The Office, quienes forman una pareja singular y efectiva. Vale además resaltar el divertido personaje que realiza Maggie Gyllenhaal como una madre que se niega a subir a sus bebés a las carreolas por que según su forma de vida es como tratar de alejarlos de ella. Y es también prudente destacar el interesante y bello soundtrack lleno de música tranquila en su mayoría a cargo de Alexi Murdoch.

Muy agradecido estoy con Sam Mendes, como habitual espectador suyo, por decidir hacer una película sencilla y bella y que no lucha por ser una gran obra de arte.

Yo opino: ****.

(Away we go, Sam Mendes, E. U., 2009.)

Las dos cintas están disponibles en DVD.

Iron Man 2.

2010-05-05T23:46:00.003-05:00

Hace un par de años con el estreno de Iron Man las carreras de Robert Downey Jr. y Jon Favreau se elevaron por los cielos al entregar una emocionante y divertida cinta de super héroes, la secuela era obvia y ha llegado pero ahora la pregunta es si el estatus de ambos se mantendrá en las alturas, considerando además que la saga del hombre de acero es la columna vertebral del ambicioso proyecto de Marvel, The Avengers. Yo opino que no.

Aunque Iron Man cuenta con un par de grandes atractivos como por ejemplo Scarlett Johansson enfundada en un sexy traje negro y de melena pelirroja con el personaje de The Black Widow y a Mickey Rourke como el villano Whisplash, un resentido ruso que quiere destruir a Tony Stark, la verdad la mayoría de las características que hicieron tan disfrutable la cinta original se han esfumado por completo.

Y no es que todo este realmente mal, Downey hace bien su trabajo, al igual que el resto del reparto, los efectos visuales son buenos, los guiños hacia la cinta de The Avengers son muy interesantes, todo en general esta bien realizado salvo que la historia resulta lenta, desangelada y no se nota un gran esfuerzo por parte de los realizadores por entregar una excelente continuación a la saga si no simplemente con cumplir con una aventura más y listo. Después de dos horas de efectos especiales, peleas metálicas y demás parafernalia, uno termina preguntándose... ¿De qué se trato la película?

Yo opino: * *.

(Iron Man 2, Jon Favreau, E. U., 2010.)

La Isla siniestra.

2010-03-17T10:31:00.003-06:00

Bienvenidos sean todos. Pero aunque ésta sea una isla no es el paseo tropical que tal vez esperaban, éste es un conjunto de rocas a la deriva del bravo mar, que alberga un hospital psiquiátrico especializado en criminales dementes del que es prácticamente imposible escapar. Por si esto no fuera suficientemente atemorizante el lugar es azotado por una fuerte tormenta que ha cortado toda comunicación con el exterior y todo el lugar es administrado por Martin Scorsese, uno de los mejores artesanos el cine norteamericano, quién de más está decirlo puede irse a los lugares más densos, violentos y oscuros cuando realmente se lo propone. Y ésta es una de esas ocasiones.

Así llega el agente estatal Teddy Daniels junto con su compañero a éste paraje alejado de la mano de Díos y de toda esperanza para investigar sobre la extraña desaparición de una peligrosa reclusa con pasado tormentoso. Desde el principio sabemos que algo aquí no marcha bien, la mujer parece que se ha esfumado de la faz de la tierra, al personal no le importa ni le interesa colaborar, los médicos que rigen el lugar le ponen trabas a la investigación y poco a poco todo se va retorciendo y tergiversando hasta darnos cuenta de que en realidad a donde hemos entrado es a un lastimoso laberinto y quién sabe si podremos salir escapar.

Scorsese esta vez nos regala una cinta bastante densa y violenta desde una perspectiva psicológica inspirada enormemente en los clásicos del género en cuanto al aspecto visual y llevándolo al extremo en la narración. El guión basado en una novela homónima pareciera que ha sido desarrollado tras muchos años de estudio y minucioso trabajo pues una vez que se analiza a conciencia nos damos cuenta que todo ha sido colocado en su justo lugar y momento y nos arrastra a este intenso y emocionante paseo.

Martin echa mano de un muy interesante y efectivo casting comenzando con Leonardo DiCaprio quien realiza un trabajo sólido, rico y complicado, como la cinta misma, llevando casi por completo toda la responsabilidad del filme entero sin gran esfuerzo en apariencia, acompañado del siempre interesante Mark Ruffalo, la bella y tormentosa Michelle Williams y como el jefe de todo el lugar el escalofriante y brillante Ben Kingsley, entre muchos otros.

Scorsese se pule en el manejo de cámaras, sabe donde acomodarla, cuando y como moverla para mostrarnos exactamente lo que se necesita, hay algunas tomas que son geniales, muy estudiadas y que duran apenas unos cuantos segundos, la fotografía es también un gran acierto, no solo nos muestra el decadente y escalofriante escenario si no qué además nos regala un par de nítidos y vívido flashbacks, llenos de color pero también de espanto.

La cinta es toda una emocionante y tortuosa aventura en la que inteligentemente nos llueve información que se va transformando y cambiando con el correr de los minutos, es como un juego mental que va cobrando matices al mismo tiempo que van apareciendo diferentes personajes y temas, que van desde la locura, los tratamientos poco ortodoxos de la época, la experimentación en los seres humanos, secretos de seguridad nacional, pero cuando al final todo cae por su propio peso, nos encontramos con una trágica pero sencilla historia de un par de personajes tratando de lidiar con la locura de la vida.

Es una película de Scorsese y por lo tanto es una película dura, sin concesiones ni respiros quizás muy complicada para algunos y que quizás se siente un poco larga y extendida pero sin duda valdrá la pena seguirla de principio a fin, para darnos cuenta de lo que atesora el corazón de toda la historia y donde uno será bien remunerado al atestiguar, una vez más, el genio del chaparrito director en todos y cada uno de los sentidos que implica la palabra cine.

Es muy prematuro hablar de premios, cuando acabamos de terminar la temporada de reconocimientos de éste año, pero la cinta es impresionante y aunque es una experiencia muy cerebral es casi seguro que no será ignorada para los galardones del próximo año. Además el atrasó que sufrió su estreno pareciera confirmar que los realizadores de la cinta no querían enfrentarla con la película de bestias azules, que dentro de 12 meses será un asunto del pasado. El tiempo me dirá si tengo algo de razón o ya me volví loco.

Yo opino: ***** / *****.

(Shutter Island, Martin Scorsese, E. U., 2009.)

Las Oscareables 2010.

2010-03-03T13:16:00.006-06:00

Aquí van mis reseñas pendientes de las películas oscareables del 2010. Mi gran favorita de éste año y la mejor de toda la terna es Zona de Miedo. Será una noche llena de emociones.

AVATAR

La nueva superproducción de James Cameron en 3D que ha roto records de taquilla y se ha llevado algunos importantes premios pareciera estar lista para proclamarse ganadora y llevarse los Oscar más importantes de la edición de este año y tal vez lo haga, lo cual no quiere decir que sea exactamente una gran película. Aunque en cuanto a los efectos visuales es todo un logro en general el planteamiento de su historia y su temática es muy poco inspirada y hasta previsible al inspirarse en el descubrimiento de América. Sin duda es un gran logro técnico y monetario y cuenta con una épica campaña publicitaria, pero en realidad es solo una buena película de entretenimiento que en algunos años será olvidada.

Yo opino: *** / *****.

(Avatar, James Cameron, E. U., 2010.)

DISTRITO 9

Se dice que es una película importante en el genero de la ciencia ficción y cuenta con una premisa realmente muy interesante pero con un desarrollo bastante pobre a comparación, convirtiéndose en una película de acción y ciencia ficción regular con un par de ideas interesantes sobre la discriminación racial y la humanidad pero contada a través de un personaje protagónico bastante débil y dubitativo que entibia cualquier logro mayor al que pudiera aspirar a llegar la cinta, realmente me extraña la atención que ha recibido y me extraña mucho más que reciba esta nominación quitándole el lugar en la terna a cualquier otra mejor película incluida Star Trek, que es un buen ejemplo de buen cine de entretenimiento y de genero.

Yo opino: *** / *****

(District 9, Neil Blomkamp, E. U., 2009.)

BASTARDOS SIN GLORIA

La cinta que ha sido nombrada por el propio Tarantino como su obra maestra es un ejercicio de grandes proporciones en el que pone a prueba sus talentos en la narrativa y en el ensamble de un gran reparto y una enorme producción y lográndolo con creces. La cinta es inteligente, divertida, emocionante y cuenta con una conexión al cine clásico americano, así como también se erige como una muestra del poder del cine en cualquier aspecto de la humanidad como en este caso en la guerra. Es una gran película, con todos los puntos sobre las ies, es una lástima que sea una obra tan compleja y tan de autor, sus nominaciones a mejor guión original, mejor director y mejor película son más que merecidos, pero sus posibilidades son realmente pocas. Su carta fuerte es la nominación al extraordinario Christoph Waltz y su personaje de Landa, que prácticamente tiene el premio ya en su bolsillo.

Yo opino: ***** / *****.

(Inglourious Basterds, Quentin Tarantino, E. U., 2009.)

AMOR SIN ESCALAS

Amor sin escalas es una de las mejores cintas que se han realizado en Estados Unidos en los últimos años y una de las mejores de la terna de nominadas. Es como un viaje con escalas de una cinta de humor negro a una de romance y luego a un drama realmente profundo que utiliza como telón de fondo la crisis económica de Estados Unidos y del mundo, es un perfecto vehiculo para reafirmar y elevar a las alturas el talento de Jason Reitman como uno de los mejres guionistas y directores de Norteamérica, para ver la mejor actuación de su carrera de George Clooney y para endulzarnos con el encanto y talento de Vera Farminga. Es una gran película que llega en el momento justo. Su nominación más fuerte es a mejor guión adaptado.

Yo opino: ***** / *****.

(Up in the air, Jason Reitman, E. U., 2009.)

INVICTUS

La escena inicial de Invictus es sencilla y clara, en un campo de rugby de Sudáfrica un grupo de niños blancos se preparan con su entrenador mientras que frente a ellos un grupo de niños de color juegan fútbol en un árido llano y luego por la calle que los divide pasa la caravana de Nelson Mandela quien acaba de ser liberado. Así vemos como Mandela asciende al poder y se da a la tarea de unificar a su nación dividida en razas y costumbres e inicia una amistad con el capitán del equipo nacional de rugby para utilizar este deporte para tales labores. Aunque la cinta esta bien realizada y resuelta es evidente que no es el trabajo más destacado de Clint Eastwood a quien se le siente muy mesurado en esta cinta. La nominación a mejor actor para Morgan Freeman por su interpretación de Mandela es muy justa ante su honorable labor, sin embargo es también visible que hemos visto mejores y más arriesgados trabajos del veterano actor. Aún y con todo esto es una cinta con un cierre emotivo que vale la pena verla.

Yo opino: **** / *****

(Invitus, Clint Eastwood, E. U., 2009.)

JULIE Y JULIA

Pareciera ya una costumbre tener a Meryl Streep en la terna de actrices nominada al Oscar cada año y pareciera que hay películas que se construyen especialmente para que ella lo logre y éste año la película sería Julie y Julia, en el que Streep interpreta a una figura de la televisión norteamericana, una legendaria chef que era en sí todo un personaje. La cinta sigue a Julia Child y sus esfuerzos por ser chef hasta convertirse en la co autora de uno de los libros de cocina más famosos mientras que en la actualidad Julie intenta seguir al pie de la letra todas sus recetas. Aunque la película cuenta con una buena cantidad de encanto y tiene una excelente recreación de época en general no cuenta con conflictos realmente profundos en ninguna de las dos fases de la historia y pareciera más bien solo narrar una sencilla anécdota, lo cual en sí no es tan malo. Meryl Streep se transforma y realiza este peculiar personaje cumpliendo muy bien su labor, al copiar sus movimientos y la afectación de la voz, aunque realmente no es un trabajo de interpretación muy profundo, pareciera más bien querer realizar una caricaturización. Su nominación era casi automática pero realmente la actriz tiene mejores trabajos en su haber.

Yo opino: *** / *****.

(Julie & Julia, Nora Ephron, E. U., 2009.)

Zona de miedo.

2010-02-18T12:01:00.000-06:00

Encontrarse con esta noticia en los titulares internacionales es tan común que pareciera estar copiada al carbón corrigiendo únicamente las variantes, el lugar, la modalidad y el número de víctimas y heridos, sin embargo el común denominador de los ataques con bombas en Irak o Afganistán es que nadie sale ileso. ¿Pero qué hay detrás de las estadísticas y el conteo de pérdidas? Pareciera ser esa la intención de Mark Boal, un reportero de guerra independiente que en Irak se dedicó a seguir de cerca a las unidades antibombas de Irak y cuyo trabajo es ahora la base de la Zona de Miedo, la película que podría darle a su directora, Kathryn Bigelow, el Oscar de dirección a una mujer por primera vez.

La historia arranca con la llegada del Sargento Willem James a la compañía que recientemente ha perdido un elemento y cuyo trabajo es el de desarmar cualquier bomba o explosivo que se encuentre a su paso, apoyado con dos compañeros, un soldado recto y disciplinado que quiere hacer todo de la forma más segura posible, para así salvar su pellejo un día más y un soldado que aún tiene algo de humanidad intacta en su alma.

El trío de personajes se escapan de cualquier cliché bélico al que pudiesen estar expuestos y arman un buen equipo de personajes mostrando las relaciones de odio y la forma en cómo se van creando los lazos de hermandad, de cómo los conflictos mutuos van decayendo en pos de cuidarse cada uno la espalda del otro, lo cual no resulta fácil considerando que el protagonista, interpretado por Jeremy Renner, es un temerario que pareciera andar por un parque de diversiones que lleva el conteo exacto de las bombas que ha desarmado durante la guerra y que pareciera querer desarmar todavía muchas más.

Y aunque tal vez podría pensarse que el protagonista es un personaje en blanco y negro, adicto a la adrenalina, es evidente que en su interior aguarda un conflicto que lo hace un hombre perfecto para este puesto. ¿De qué podría estar escapando al jugarse la vida a diario y considerar su único interés poner en riesgo su alma y cuerpo? Tal vez el guión nos lo deje entrever con sus sencillos y directos diálogos, aunque al final la cinta evita cualquier sentimentalismo y discurso y pareciera solo querer retratar la forma en cómo cada uno de estos personajes eligen encarar la guerra.

Además de este reparto integrado de rostros no muy familiares, pero que cumplen todos con su trabajo con creces, vale la pena mencionar la participación especial de Guy Pearce y Ralph Fiennes, con un par de personajes muy breves pero muy disfrutables.

Así como suele llamarse the hurt locker al traje especial para protegerse de las ondas explosivas, también se le denomina así a un lugar lleno de peligros y dolor inminente donde uno entra voluntariamente, como cuando decimos que entramos a la boca del lobo, así tanto Willem como nosotros, nos metemos a esta zona de miedo, él vistiendo con orgullo esta armadura y nosotros enfrentando la tensión a través de la película.

Cada escena donde aparece una posible bomba es un nuevo suplicio, en el que un auto mal estacionado, una persona con un celular en la mano o un alambre cubierto con tierra o basura podría ser un nuevo detonante listo para acabar con todo a su alrededor, llenándonos de nervio y tensión, pero de una forma sutil e inusual, colándose poco a poco subliminalmente.

Curiosamente una mujer, Kathryn Bigelow, termina dirigiendo la película más macho man de la temporada, presentando un trabajo emocionante, inteligente, sencillo y brillante, realizada con una gran maestría técnica, con un manejo de cámaras y una edición ágil y dándose el tiempo de encontrar belleza, a través de pequeños detalles, en medio de todo este innecesario caos de la guerra.

Una película notable en todos los aspectos y mi favorita personal de las 10 nominadas al Oscar este año. Si la academia ha aguardado varias ocasiones la oportunidad de premiar a una mujer directora, ésta sería la ocasión más perfecta y justa.

Yo opino: * * * * *.

(The Hurt Locker, Kathryn Bigelow, E. U., 2009.)

El Fantástico Señor Zorro.

2010-01-26T14:09:00.004-06:00

Hay algunos directores y artistas que se hacen los interesantes y posan para las cámaras pensando que esto les ayudará a que sus películas cobren mayor notoriedad, pero Wes Anderson no necesita ninguno de estos trucos por que él en si es todo un personaje. Se viste como un catrín de lotería, su miedo a volar lo obliga a viajar en barco para cumplir sus compromisos internacionales, como por ejemplo mostrar su trabajo en Cannes o filmar por meses enteros en La India, su vida oscila entre Texas, su tierra natal y New York, donde se codea con gente y amistades como los Coppola, entre otros.

En pantalla son muy visibles sus traumas y obsesiones que de seguro lleva acarreando desde la infancia y la juventud y ese aire de excentricidad que lo rodea ha de haber surgido de vivir en una familia conformada por un padre publicista y una madre antropologa, sin embargo para mi beneficio y de todos los que disfrutamos de su trabajo, todo esto se traduce en una lista corta aún pero grande en calidad de películas que él define como personales. Muy al inicio de su carrera Martin Scorcese se declaró su admirador, hace un par de años presentó su película más madura, posiblemente su obra maestra Viaje a Darjeeling y ahora esta de regreso con una divertida y entrañable película animada titulada El Fantástico Sr. Zorro.

Uno podría pensar que esta película al estar basada en un cuento de Roald Dahl, el mismo creador de Willy Wonka y la Fabrica de Chocolates y realizada bajo la técnica de stop motion, sería difícil de conectar con el resto del trabajo del director, pero la verdad es que desde el primer fotograma se siente la mano cada vez más amaestrada de Wes.

La historia que en el relato original es sencilla y cuenta las aventuras de un Zorro para alimentar a su familia, aquí al pasar por el retoque personal del director se convierte en una historia de enredos de familia, de las complejidades de las relaciones entre padres e hijos, así como una paleta diversa de personajes ya sea divertidos o entrañables, o ambos y cuyas relaciones, ambiciones y deseos resultan tan familiares y reconocibles que es imposible relacionarse con todos ellos y quererlos.

Bajo un ritmo bastante ágil conocemos al Sr. Zorro quien hace varios años le prometió a su mujer que dejaría su profesión de robo de gallinas para llevar una vida familiar más tranquila y aunque hasta ahora el Sr. Zorro ha cumplido su promesa y se ha convertido en un reportero de un diario, muy en su interior sigue soñando con retomar sus antiguas y emocionante actividades. Su hijo, un niño que gusta disfrazarse de superhéroe ve su mundo venirse abajo cuando llega de visita su primo, quien resulta ser brillante en todo. Pronto, las andanzas del Sr. Zorro pondrán en peligro no solo a su familia si no a toda la comunidad entera, quienes corren el peligro de caer en las manos de tres villanos que van detrás de sus pasos sin detenerse ante nada.

La fotografía, el diseño de producción, el manejo de cámaras, la musicalización, el vestuario e incluso las “actuaciones” todo esta puesto y se sucede exactamente como en cualquier otra película de Anderson, desde la predominante presencia del color naranja hasta los movimientos de los personajes que en ingles son interpretados por grandes personalidades y otros actores que suelen trabajar con él, aunque en México todas las copias fueron dobladas al español.

La cinta es brillante, muy divertida pero desde una perspectiva del humor diferente a la de cualquier película de Disney o Pixar, contando incluso con un ligero toque de humor negro, los personajes imperfectos y con relaciones complicadas resultan entrañables y simpáticos, todo rodeado por una animación llena de detalles ingeniosos, originales y excéntricos. Esta cinta es un completo deleite y quizás sea un acercamiento más profundo, que con cualquier otra de sus cintas, a la imaginación de ese Fantástico Sr. Wes Anderson. ¡El tipo es un genio y queremos más!

Yo opino: * * * *.

(Fantastic Mr. Fox, Wes Anderson, E. U., 2008.)

Leonera.

2010-01-08T11:35:00.003-06:00

Ligeros mareos, nauseas y o vómitos, dolor en el vientre y en los pechos, necesidad de dormir más de la cuenta y de comer más de los normal, son solo unos cuantos de los malestares que puede sufrir una mujer embarazada, sin embargo para Julia cualquiera de estas molestias es menor en comparación al hecho de padecer su embarazo en la cárcel.

De acuerdo a la definición formal de la palabra leonera o madriguera es aquel lugar que las leonas y otros animales han acondicionado para alumbrar, cuidar y proteger a sus crías durante la primera etapa de su vida pero en las cárceles de argentina se le llama así a la zona de las penitenciarías femeninas en las cuales son colocadas las mujeres que por alguna razón u otra son encarceladas y se encuentran en estado de buena esperanza, en esta zona, las mujeres se preparan para el alumbramiento y luego pueden criar y educar ahí a sus hijos hasta la edad de cuatro años, después de la cual tendrán que ser separados para que los menores puedan llevar una mejor vida lejos del cautiverio.

La historia sigue a Julia, quien ha sido encarcelada y se encuentra en proceso el juicio para determinar si es culpable o no de asesinar al padre del hijo que espera y mientras es presa de los malestares de su condición, vemos las reuniones que sostiene con su abogado de oficio, aunque en realidad este tema queda en segundo plano en comparación del enclaustrado panorama que tiene como fondo la historia, en el cual se pueden ver las condiciones en que madres e hijos conviven detrás de las rejas.

Así en entrecortados y pequeños capítulos, mientras el vientre de Julia va creciendo, vamos conociendo como se educan, alimentan y crecen los pequeños críos, como van celebrando sus cumpleaños, los bautizos e incluso el festejo de la navidad, como la convivencia de las mujeres va provocando fuertes conflictos, mientras que se van aliando hasta crear fuertes lazos siempre con la cruel amenaza de la próxima separación presente y con la latente fiereza y determinación con la que las madres protegen a sus hijos.

La cinta es protagonizada por Martina Gusman, quien realiza un impresionante trabajo, de gran profundidad y contundencia pero presentado con tanta solemnidad y naturalidad que por momentos es posible olvidar que se trata de un trabajo actoral y ese es precisamente un gran acierto de ella y de todo el filme.

Aunque Martina es acompañada por el actor Rodrigo Santoro, el director Pablo Trapero, teje detrás de la protagonista toda una red que entrelaza actores con hombres y mujeres presidiarios reales, en escenarios reales y con situaciones tan reales que de verdad nos hacen experimentar el drama de la maternidad y la vida entre rejas, llevándonos a conocer uno de esos sub mundos que nadie nos habíamos imaginado siquiera que existían y que sin duda es difícil de repasar, aunque sea a través de la comodidad de una pantalla, pero que vale por mucho la pena experimentar y agradecer que no estamos físicamente ahí.

Leonera se dio a conocer en el Festival de Cannes del 2008 y después ha recorrido varios países en festivales, muestras y con una exhibición limitada, el dvd quizás no sea muy difícil de conseguir, pero hay que estar al tanto por que ha sido programada en el canal de televisión Cine Max y es posible que en algún otro canal de paga también lo hagan.

Vale la pena perseguir esta cinta porque es un gran ejemplo del mejor cine latinoamericano contemporáneo y una experiencia tan fuerte y conmovedora que nos hace reflexionar sobre como la ficción y el documental pueden fusionarse tanto y confundirse. Una excelente película.

Yo opino: ***** / *****.

(Leonera, Pablo Trapero, Argentina, 2008.)

¿Quién es Charlie?

2010-01-05T17:43:00.000-06:00

Por que estamos seguros que entre pasillo y pasillo de la prepa, la presión social es tanta que los problemas personales pueden atacarlo gravemente a uno, ya esta disponible el servicio de consulta psicológica y psiquiátrica, lo único que tienes que hacer es ir al baño de hombres y buscar a Charlie. ¿Pero quién es Charlie?

Es un joven problemático y adinerado que ha sido expulsado de todo colegio de renombre que lo ha tenido entre sus filas, por lo tanto como castigo y solución su madre ha decidido inscribirlo a una escuela pública en la que a primera vista parecería el blanco perfecto de los bully y cualquier otra sub especie académica, sin embargo, Charlie pronto se las arregla y apoyado por sus conocimientos y los medicamentos que le receta su psiquiatra privado, instala su propio consultorio en el baño de los hombres, dispuesto a ayudar y escuchar a todo quien este en necesidad.

Como si esto fuera poca cosa, Charlie pone sus ojos sobre una de las niñas más interesantes de la prepa que resulta ser la hija del director, cuyo padre por cierto es Robert Downey Jr.

Uno de esos días sin muchas opciones cinematográficas me encontré en Dvd esta pequeña película y debo decir que la pase muy bien, aún y considerando que el guión tiene algunos lugares comunes y no es la cosa del otro mundo, pero la cinta esta muy bien resuelta y funciona muy bien, es por demás divertida, simpática y entretenida y en gran parte gracias a su reparto.

En el protagónico tenemos a Anton Yelchin, un actor de origen ruso desconocido hasta hace algunos meses hasta que obtuvo un rol importante en Terminator La Salvación y en Star Trek y que aquí impregna de simpatía a su personaje, logrando llevar sobre sus hombros la mayor parte del filme. Lo acompañan un par de actores jóvenes destacables como Tyler Hillton a quien lo vimos como Elvis Presley en Walk the line y a Kat Dennings a quien pronto veremos en Thor.

Y completa el cuadro actoral el cada vez más valuado Robert Downey Jr. quien lejos de interpretar al típico director escolar, presenta un personaje lleno de personalidad y que además guarda ciertos oscuros resentimientos en los cuales tal vez Charlie pueda ayudar.

Quien se la encuentre por ahí y la rente, se pasará un buen rato con esta comedia interesante e inteligente.

Yo opino: * * * / * * * * *.

(Charlie Barlett, Jon Poll, E. U., 2008.)

Sherlock Holmes.

2010-01-04T15:21:00.004-06:00

Aunque tal vez para el personaje en cuestión el asunto sea totalmente elemental, al menos para mí resulta sorprendente como un personaje que dio sus primeros pasos hace 123 años cuando se publicó la primer novela en la que aparecía, continúe vigente hasta el primero de enero de la segunda década del siglo XXI.

Y es que hay que empezar recordando que por aquellos días en Londres, Inglaterra siendo resultado de la aguda imaginación de Sir Arthur Conan Doyle, el personaje y las novelas no solo fueron famosas sino que el furor era tal que a la ficticia dirección del ficticio investigador privado llegaban decenas de cartas solicitando su ayuda con los más imposibles casos por resolver.

Muchos años han pasado y el icónico personaje ha sobrevivido al paso del tiempo con las más diversas interpretaciones cinematográficas, pero ninguna suficientemente contundente y definitiva y ahora el fenómeno está dispuesto a seguir más vivo que nunca con la posmoderna reinterpretación del personaje de manos del director Guy Ritchie y encarnado esta vez por Robert Downey Jr.

De entrada hay que empezar diciendo que no es la interpretación más tradicional que podríamos ver de Holmes, en toda la cinta ni siquiera escuchamos el clásico “elemental, mi querido Watson” y lejos de ver a un caballero recatado y calmo vemos a un personaje desfachatado y divertido convirtiéndolo más que en un personaje intelectual en todo un héroe en una cinta ágil, entretenida, inteligente y absorbente, con una historia rica en detalles que se sucede a gran velocidad, por lo que incluso se podría recomendar verla más de una vez para captar mejor todo lo que desfila por la pantalla velozmente.

Y todo esto es gracias al talento de Ritchie quien sin importar los altibajos que ha tenido en su carrera en los últimos filmes se ha reivindicado y ha demostrado que está en forma con cintas divertidas, emocionantes y agiles. Aquí nos receta un thriller absorbente mezclado con bastante sentido humor utilizando inteligentemente la recreación de la época, los efectos especiales, las secuencias de acción pero sobre todo a los personajes y el trabajo de los actores que los interpretan.

Robert Downey Jr. quien se está especializando en este tipo de personajes nos presenta aquí a un cínico Sherlock como una estrella de rock de la época que hace y deshace a su antojo de todo lo que hay a su alrededor, incluido por su puesto su acompañante el Doctor Watson, interpretado por Jude Law, quienes en una relación de complicidad y odio, se las arreglan para averiguar sobre el difícil caso que se les presenta, realizando ambos una dupla actoral interesante, divertida y efectiva como pocas veces se ve y que esperemos la volvamos a ver pronto.

Y así directo al grano la cinta inicia y nos muestra Sherlock y compañía deteniendo a un asesino serial acusado de realizar sacrificios en medio de misas negras, por lo cual es sentenciado y condenado a la muerte, pero sin embargo y en vista de la evidencia, el oscuro mago vuelve del más allá para continuar con su trabajo en medio de una trama salpicada de referencias de la magia oscura, sectas ocultas y de misteriosos asesinatos con la finalidad de cambiar el curso de la historia. ¿Podrá Sherlock detenerlo?

Al final obtenemos una cinta divertida, inteligente, ágil y de excelente manufactura, un muy buen inicio de año cinematográfico, ojala se mantenga así.

Yo opino: ****/*****.

(Sherlock Holmes, Guy Ritchie, E. U., 2010.)

Mis Favoritas del 2009.

2009-12-29T11:49:00.003-06:00

Lo que me gusta del final del año es que al cerrar un ciclo observas hacia atrás y te das cuenta de lo bueno y lo malo y luego tenemos uno nuevo para empezar desde cero y hacerlo todo mejor. 2009 fue un año intenso e insuperable para mi, aunque con muy poco cine, es mi objetivo que el 2010 sea mejor en todos los sentidos y lleno de buenas películas. Mientras tanto aquí mis favoritas del año que se va.

VALS CON BASHIR

Esta es una obra de arte, en cuanto a la animación cada cuadro cada fotograma es muy bello a pesar de que retrata los horrores de la guerra, es musicalizada con una banda sonora bella, memorable y grandiosa y su guión es cautivador y conmovedor en medio de un planteamiento original, arriesgado y nunca antes visto, en el que además de ser documental puede incluso ser vista como una cinta de ficción.

La historia hace el recuento personal de un hombre hacia sus memorias en una guerra en la que participo hace muchos años y sin saber a donde va a parar la cinta termina como un intenso testimonio de una guerra inaudita, como casi todas.

Vals con Bashir se estrenó en Cannes en el 2008 y luego empezó a darle la vuelta al mundo conquistando muchísimos premios e insuperables críticas, pero a México llegó alrededor de Agosto de 2009 y verla fue toda una experiencia.

EL LUCHADOR

Es una cinta tan latente e inmediata, que pareciera poner contra las cuerdas al espectador, al igual que a su protagonista, para preguntarle cuanto dolor, tanto físico como interno es capaz de soportar.

Cuenta la historia de una estrella de la lucha libre venido a menos quien tras ser diagnosticado por un mal cardiaco debe alejarse del único lugar del mundo en el que se siente a salvo, el cuadrilatero, mientras que debajo de el intenta enderezar su vida.

Es imposible ver una película como esta sin vivirla. En México pudo verse en Enero de 2009.

En Brujas.

Cuenta con un guión redondo, inteligente y por demás sólido en el que se teje una historia en la que cualquier detalle por mínimo que sea, termina convirtiéndose en una parte importante y trascendental. Es una película redonda, sencilla pero brillante, por momentos muy divertida y por momentos muy emocionante, envuelto todo en un increíble y misterioso paisaje como lo es la antigua ciudad de Brujas en Belgica.

En Brujas va de lo sutil a lo exagerado, de lo irreverente a lo incluso poético, en unos cuantos pasos siguiendo a dos matones a sueldo que tras un trabajo que salió mal son enviados a ocultarse a esa ciudad.

Una de las actuaciones más notables y memorables que vi fue la de Anne Hathaway en El Casamiento de Raquel, en donde Anne deja a un lado su cara de niña buena para interpretar a una complicada mujer que intenta seguir adelante en la vida tras una tragedia acaecida por culpa de sus adicciones. Su personaje fue enternecedor y duro a la vez e hizo que valiera la pena por mucho ver el extraño ejercicio de diversidad cultural que Jonathan Demme tejió alrededor de esta historia.

Y mi escena favorita de acción es ésta, en la que en Agente Internacional destruyen en Museo Guggenheim de Nueva York, o al menos la replica idéntica que mandaron construir para tales fines.

Muchas gracias a todos los que pasan por aquí de vez en vez. Espero que pasen un feliz fin de año y que el próximo sea mejor en todo. ¡Nos seguimos leyendo en el 2010!

José Tercero en Monterrey.

2009-12-03T17:06:00.003-06:00

Actualización: Hubo un cambio en las fechas del evento por problemas de logística. Las funciones serán el 9 y 16 de Diciembre. Una disculpa a todos.

Cerramos el año invitando a todos nuestros amigos de Monterrey y alrededores a ver el proyecto que escribí y dirigí en video digital. Es de verdad un proyecto en el que hemos trabajado con mucho esfuerzo y dedicación y sería genial que pudieran apoyarnos y acompañarnos. A veces me da un poco de pena mostrar la película considerando que es un proyecto pequeño y modesto, pero creo que logramos un par de cosas interesantes por lo que me atrevo a invitarlos. Ahí los esperamos.

Aquí les dejo algunos datos.

Sinopsis.

Después de sobrevivir al ataque de un desconocido, el joven Eliseo descubre que en su familia existe una creencia que se remonta al pasado, según la cual todos los hombres que llevan el nombre de su patriarca mueren inexplicablemente de una forma violenta. Lo cual indica que él es el siguiente en morir.

En un lugar en el que la realidad y la superstición parecen convivir pacíficamente, Eliseo emprende un solitario viaje para intentar escapar de una muerte prematura.

La Producción.

La cinta José Tercero fue grabada en formato de video digital por la productora Río Luminoso en las ciudades de Monclova, Frontera y el ejido El Huizachal, en el Estado de Coahuila entre los meses de Julio y Octubre de 2008 y su postproducción finalizó en Abril de 2009 en Apodaca, Nuevo León.

Realizada bajo un esquema de bajos recursos y con un pequeño equipo de producción, conformado por un grupo de amigos, familiares y artistas independientes, la cinta intenta capturar con la mayor naturalidad posible los escenarios y la idiosincrasia del norte de México. Grabada con cámara en mano a luz natural y sin utilizar ningún filtro, el equipo de producción abogó en todo momento por utilizar los elementos más básicos y naturales, para centrar la total atención del espectador en la historia y sus personajes.

Algunas imágenes.

Daniel Cortinas en José Tercero.

Daniel Cortinas y Alejandra Gil en José Tercero.

Lourdes Brubeck y Daniel Cortinas en José Tercero.

Daniel Cortinas en una de las escenas inciales.

Una de las escenas de José Tercero.

Trailer.

500 días con ella.

2009-11-29T18:30:00.004-06:00

Así de repente en un día como cualquiera, un chico conoce a una chica y una historia inicia, varios días después, 500 para ser exactos todo llega a su fin, dejando a su protagonista sumido en una dura crisis amorosa y de confusión, por lo que se ve orillado a repasar uno a uno, no necesariamente en orden cronológico, todos esos días que vivió al lado esa perra… perdón, al lado de esa chica llamada Summer.

Varios cosas hacen muy interesante y muy disfrutable esta cinta, para iniciar cuenta una historia de amor desde un punto de masculino, lo cual muy pocas veces se explora, por lo regular nos toca ver a las damas ilusionadas con el galán de moda para luego sufrir los embates de los consabidos enredos amorosos, aquí todo ocurre desde la perspectiva del protagonista masculino, quien desde la primera vista de la nueva compañera de la oficina queda perdido ante sus encantos y es a él a quien le toca padecer su indiferencia primero y su extraña forma de concebir el amor después.

Pero aunque sabemos que se trata de una comedia romántica, por un lado la originalidad y sencillez con que se escurre la historia y con el desenfadado, inteligente y sutil sentido del humor con el que se desarrolla la cinta hace que todo se vuelva muy saboreable y ameno. Y cuando las cosas se van tornando serias la simpatía y la innegable forma en la que nos podemos identificar con el protagonista nos hace vivir y sufrir la cinta con tanta familiaridad y cercanía, pues de entrada tenemos que considerar que en estos temas todos tenemos o tuvimos algún conocimiento al respecto.

Marc Webb dirige la película, que por cierto es su primera y entrelaza una cinta actual, entrañable, inteligente, que no se toma en serio a si misma y que juega con una estructura que salta en el tiempo de un día a otro totalmente diferente pero de una forma digerible y que mantiene en todo momento el interés del espectador, presentado todo con un vistoso diseño de producción y una envidiable y ecléctica selección musical que ya por si sola es toda una aventura y que denota su extracción de videoasta.

Zoey Deschanel y Joseph Gordon-Levitt son los actores en los roles principales, las cuales gracias a la historia y a su acertado y natural trabajo nos resultan personas cercanas y queridas para nosotros al presentarnos una historia que por un lado a todos los hombres nos podría traer bastantes malos recuerdos y que a las chicas podría mostrarles que de este lado del océano a veces también llueve a raudales cuando se trata de la intensa aventura llamada amor.

Una película muy recomendable para verse en pareja.

Yo opino: * * * *.

(500 days of summer, Marc Webb, E. U., 2009.)

2000-2009: EL TIGRE Y EL DRAGON.

2009-11-11T18:20:00.006-06:00

Es la antigua China. La China de las leyendas, de los enfrentamientos de artes marciales, de bellas damiselas y de emperadores. Un afamado y justo guerrero esta a punto de dejar las armas atrás, al igual que viejas cuentas pendientes, en pos de buscar una vida iluminada al lado de un amor que se ha imposibilitado a lo largo de los años. Para lograrlo tiene que separarse de su arma, su fiel compañera, una poderosa espada de 400 años llamada El Destino Verde que ha heredado de su mentor y de la orden de monjes de la cual es descendiente, pero cuando el arma es robada por un misterioso ladrón, en medio de un misterio que envuelve a una antigua rival, el guerrero descubre que antes de abandonar las armas deberá utilizarlas una última vez.

Aunque en esencia El Tigre y el Dragón es una película de artes marciales, a la usanza del popular género oriental que por muchos años se convirtió en la delicia de chicos y grandes también en el occidente, tendríamos que empezar a decir que esta no es una cinta violenta. Se trata de un refinado thriller, casi como una cinta de vaqueros en la que los personajes se enfrentan y desafían pero utilizando sus cuerpos, sus almas y una amplia galería de filosas armas, en vez de revólveres y rifles.

La mayoría de estos encuentros están ejecutados de una forma sorprendente y precisa a la par de bella y las peripecias que parecieran imposibles son realizadas en su mayor parte por mujeres enfundadas en sutiles y femeninos trajes, todo bajo la supervisión de Yuen Wo Ping, quien por aquel entonces era toda una celebridad tras la fama de las escenas de pelea de The Matrix.

Pero todo esto es contrastado por la maestría y la sutileza con la que Ang Lee suele trabajar, aquí desarrollando un par de historias de amor imposibilitadas por los estrictos códigos morales y éticos de aquella antigua sociedad adentrándonos de paso a una cultura ajena y casi desconocida para nosotros pero que en los subsiguientes años se volvería fundamental su conocimiento económica y culturalmente hablando.

Enfundado todo con un sutil y bello diseño de producción, una hermosa fotografía y una banda sonora memorable completándose en un espectáculo de grandes proporciones que comprueba fehacientemente que puede tomarse cualquier género posible, transformarse en una obra de arte y satisfacer tanto a los críticos más exigentes como al público más ávido de diversión. Por esto y mucho más El Tigre y el dragón es una de las grandes cintas de la década que esta por terminar.

Yo personalmente recuerdo que… Espere la cinta por muchísimo tiempo, ya que desde su estreno en el Festival de Cannes había levantado revuelo y cuando por fin pude verla descubrí que todo lo que se decía de ella era cierto y por varias semanas estuve obsesionado con ella.

Fui tres veces al cine a verla y quería verla una vez más pero me fue imposible, luego la rente varias veces en vhs, me compré el soundtrack y fue de mis primeras adquisiciones en DVD.

Todavía me acuerdo la forma en la que me agitaba el corazón cuando en medio de la calma de sus primeros minutos se suscita la primera pelea. Era emocionante y sorprendente, nunca había visto nada igual y nunca he vuelto a ver algo así.

Además era sorprendente ver como a la gente le gustaba y disfrutaba la película, no solo por las peleas si no por la historia de amor y el retrato de la cultura, aunque no faltó el naco que dijera: “¡Ay no, una película de personas volando! ¡Seguramente!” Espero que alguno de ellos haya tenido tiempo de recapacitar en estos 9 años.

El Director. Ang Lee tuvo una excelente década, abriéndose paso por la puerta grande con este gran éxito, luego probándose como director de cine comercial con Hulk, aunque reivindicándose con El Secreto de la Montaña con la cual consiguió igualmente varios premios y cerrando la década con Lust Caution y con Taking Woodstock, la cual esperamos se estrene pronto.

El Reparto. La protagonista Zhang Ziyi ha tenido una buena carrera internacionalmente hablando, no solo se adentró gracias a este papel en Hollywood para protagonizar después la super producción Memorias de una Geisha, si no que además en Asia ha trabajado ni más ni menos que para Wong Kar Wai en 2046 y en la hermosa y gran cinta El Héroe de Yimou.

Desgraciadamente Chow Yun-Fat y Michelle Yeoh aunque han participado en algunas producciones internacionales no han logrado tener en sus manos personajes tan importantes como los de esta cinta.

Aquí un video con una extracción del brillante soundtrack y sus escenas.

Pero si lo que quieres es ver un ejemplo de las impresionantes escenas no olvides visitar este link

2000 - 2009: 10 Grandes Películas.

2009-11-10T16:50:00.007-06:00

Para los últimos días de Diciembre de 1999 estábamos todos tan preocupados por el Y2K o preguntándonos si resultarían ciertas todas las profecías apocalípticas, si se cumplirían todas las estimaciones futuristas de autos voladores, robots super inteligentes y demás extravaganzas que la ciencia ficción nos había recetado que no nos dimos cuenta que estábamos por entrar a una de las décadas más emocionantes, interesantes y eclécticas de la cinematografía mundial.

En aquel entonces nada nos hubiera podido preparar para que la industria del blockbuster continuara progresando con cada vez mayor número y calidad de impresionantes efectos especiales y visuales capaz de realizar sueños que en aquel entonces nos hubieran parecido imposibles, tanto para recrear o empezar desde cero dándole vida a criaturas y mundos inexistentes.

No nos hubiéramos imaginado que ahora las grandes producciones no se piensan solo en sí mismas si no que ahora se planean sagas enteras inclusive antes de que la primer entrega salga a la luz, no nos imaginamos que la palabra trilogía, secuela, precuela y otros términos se pondrían de moda y hasta incluso el saludable borrón y cuenta nueva se volvería esencial. No sabíamos que la industria del comic influiría tanto en el cine, primero para inspirar buenas películas y ahora como un importante origen de entretenimiento que ha vuelto a sus militantes artistas o cineastas de culto o personajes influyentes, cuyas ambas industrias cerraría millonarios contratos de mutuo beneficio que nos pronostican para el futuro cercano una larga y fructuosa lista de películas sobre super héroes y derivados.

Pero tampoco nos hubiera sido posible imaginar que pequeñas películas de todo alrededor del mundo, echas con bajos o nulos presupuestos lograron colarse a festivales importantes para así darse a conocer y trascender internacionalmente, México, Brasil, Argentina, Polonia, China, La India e incluso geografías tan castigadas como la de Irak nos regalarían interesantes visiones de su cultura con interesantes y arriesgadas películas que llegaron hasta nuestras manos en las salas de cine o en video.

Si alguien nos hubiera contado, no hubiéramos creído que un genero casi muerto como el musical resurgiría de sus cenizas y se nos entregarían varios excelentes ejemplos, tanto basadas en grandes clásicos como obras orginales, inimaginables y que hasta intentaron ser transgresoras. Que el documental, esa cosa que sonaba familiar, pero que no conocíamos de cerca, se volvió uno de los lenguajes cinematográficos más novedosos y trascendentales donde ya no solo centraba en observar aves, pinguinos o insectos, también el hombre, su comportamiento y su forma de vida se volvieron parte del tema principal.

No nos hubiéramos imaginado que el VHS hubiera tenido una desaparición tan rápida y que aún ahora el DVD empieza a escaparse por la puerta trasera. Ni tampoco que la industria de la piratería que en aquel entonces consistía en unos puestos en los mercados ahora se tranformaría y se sofisticaría y que se volvería tan peligrosa como para que una gran producción se filtrara en la red meses antes de su estreno.

No hubiéramos podido prever que las cintas de entretenimiento se empezarían a volver más rápidas, vertiginosas y llenas de muchos elementos, pero tampoco que el cine de autor le apostaría al minimalismo, la sencillez y a la pacifica narrativa.

En aquel entonces cuando entre temerosos y eufóricos le dábamos la bienvenida a la nueva década y nuevo milenio, nada nos hubiera preparado para tantas y tan buenas películas, ni mucho menos para tantos cambios que afectarían nuestra forma de verlas, pero al final del día, cuando estamos por decirle adiós a los años 2000's podemos decir: ¡que vengan las que siguen".

Celebrando el final de la década, publicaré 10 post sobre 10 Grandes Películas que vieron la luz entre el año 2000 y 2009, muy posiblemente no serán las mejores, ni las más populares, ni las más premiadas, no serán todas las que estarán, ni estarán todas las que serán pero si garantizó que serán 10 películas inolvidables.

En el 2000 Bob Dylan compusó e interpretó Things have changed para Wonder boys, en México se llamó Un loco fin de semana.

Renovarse y vivir.

2009-11-06T11:40:00.007-06:00

En estos últimos días, cuando encuentro un momento de paz y tranquilidad y me pongo a pensar en todo lo que he vivido en el último mes, me resulta todo muy extraño e irreconocible, es casi como si estuviera viviendo la vida de alguien más, alguien más afortunado y dichoso de lo que yo suelo ser.

Desde el pasado 30 de Septiembre soy padre de una niña hermosa y bella que lleva por nombre Frida Maryani que ocupa mis días y noches entre arrullos y biberones, aunque hasta ahora mi pasatiempo favorito con ella es sentarme a observarla, no importa si esta dormida o despierta y llenar mis ojos de sus grandes y bonitos ojos. Es increíble todo lo que en poco más de un mes nos ha echo sentir a mis esposa Paola y a mi, este pequeño ser.

Con todo y cuna emprendimos una nueva mudanza, la cual espero que con un poco de suerte sea la última y la definitiva, todavía no termino de encontrar las cosas que se me perdieron en el transcurso y todavía sigo encontrandome cosas que creía perdidas desde hace mucho, así que seguire al pendiente a ver que más sorpresas tiene la casa. Y con un poco de suerte pueda encontrar un rinconcito donde acomodar mi equipo bloggeril.

Mañama sabado por primera vez veremos con público mi proyecto José Tercero, del cual no les he contado mucho, pero pueden encontrar en el respectivo link. Toda esta aventura empezó hace ya mucho tiempo y nos ha costado mucho trabajo y esfuerzo, a veces la pequeñez del proyecto me hace sentir que todo ha sido un juego que llegó demasiado lejos, pero cuando lo pienso mejor me sorprendo del resultado y del cariño que mucha gente ha puesto en el. Todo lo que he aprendido como ser humano y como el artista que creo ser gracias a José Tercero no me lo hubiera podido enseñar ninguna escuela de cine o de vida... Y pensar que aún tengo mucho por aprender. Que emocionante será que por fin veremos la película a oscuras en una pequeña sala, acompañados de amigos, familiares y hasta gente que no conocemos. Ojala que todos obtenga algo positivo de José Tercero.

Por todo esto y más ya no soy el mismo y aquel header de Lost in translation con el que tanto me identifiqué por un buen tiempo, dejo de definir mi estatus personal por lo que me dí a la tarea de quitarle las pulgas a este blog y darle un nuevo aire, que buena falta le hacia.

Así ya estamos de regreso y con muchas cosas que contar, pero seamos pacientes y vayamos por partes. Nos leemos pronto.

Y el soundtrack oficial para este post es:

Próximas funciones.

2009-10-21T15:43:00.005-05:00

Para todos mis amigos de Monclova y Saltillo, Coahuila, anoten los datos de las próximas dos funciones de José Tercero. Ahí los esperamos.

Trailer de José Tercero.

2009-09-28T20:55:00.002-05:00

Después de meses y meses de trabajo finalmente todo va tomando forma. Aquí les presento con mucho gusto el trailer de mi proyecto José Tercero. Espero les guste.

Pueden encontrar más información aquí.