Cinergia

La monja de Corin Hardy

2019-07-28T12:15:00.002-03:00

Un spin off con pocas luces pero efectivo

Desde que apareció la primera pelicula de la serie "El conjuro" de James Wan los spin - off no dejaron de sucederse uno tras otros, y cual hordas de criaturas bestiales, inundaron las pantallas de los cines, muchas veces con tropezones torpes y sin muchas ideas que justifiquen el mérito de tener una película propia. Fue el caso de "Annabelle" (2014) de John R Leonetti, "Annabelle, la creación" (2017) de David F Sandberg y la reciente "Annabelle regresa a casa" (2019) de Gary Dauberman.

Con "La monja" de Corin Hardy, se retoma el personaje de Valak representado por esa siniestra monja con la que Lorraine se enfrenta brevemente en "El conjuro 2" y que en su momento generó un verdadero terror en los espectadores por su aspecto verdaderamente demoníaco.

Para introducir este antiguo demonio era necesario crearle toda una mitología que le de sustento y ligarlo de alguna forma con la trama de "El conjuro 2" y eso es lo que intentó el guionista Gary Dauberman con escasos resultados.

El filme comienza con el suicidio en 1952 de una monja en una abadía Rumana. Hacia allí van enviados por el Vaticano el sacerdote Burke, interpretado por el actor mexicano Demián Bichir y la novicia Irene, rol a cargo de Taissa Farmiga, con la intensión de averiguar que es lo que ha sucedido realmente en ese desolado paraje. Para avanzar en la investigación deben buscar a Frenchie, quien fue el primero en encontrar el cadáver colgado de la monja. Los tres se introducirán en las frías y lóbregas paredes de la abadía en busca de una respuesta al misterioso suicidio. Una vez dentro todo se vuelve en una serie de situaciones espeluznantes con poco tiempo para la reflexión y el terror psicológico pero con un único objetivo: asustar al espectador a fuerza de golpes de efecto.

Debo decir que a pesar de las criticas en su contra, el filme no me disgustó del todo. Si bien "La monja" no es una gran pelicula, ya que carece de un guion que tenga la profundidad necesaria para develar los oscuros orígenes del demonio Valak y apela solo al terror generado por una sucesión de sobresaltos muchas veces innecesarios y sin sentido, el director Corin Hardy logra alguna imagines altamente impresionantes, con un cierto aire a los filmes de terror de los 70 lo que hace que algunos agujeros del guion pasen desapercibidos y dejen paso al entretenimiento y el sobresalto.

"La monja", sin ser el mejor spin off de la saga de "El conjuro", es muy superior a "Annabelle" y eso está claro porque James Wan ya esta preparando"La monja 2", la cuál cuenta con Akela Cooper guionista de "Hell fest" y productor de "American horror story" en la redacción del guion.

En la boca de la locura de John Carpenter

2019-04-19T12:11:00.002-03:00

En la boca de H P Lovecraft

Anoche volví a ver "In the Mouth of Madness" película que había visto por primera vez en ocasión de su estreno allá por 1994 y no había vuelto a ver desde esa fecha. Hoy, sigo insistiendo en que es sin ninguna duda la mejor pelicula de John Carpenter, por encima incluso de "The thing". Al volver a verla con muchos más años de experiencia a cuestas y otra formación, el filme se me hizo más gigante y más complejo, lo que demuestra el valor y la vigencia que aún tiene a pesar de sus veinticinco años de antigüedad.

En este re visionado, puedo decir, algo que ya vislumbraba en aquella primera visión, que la película es lo más cercano al Universo Lovecraft que he visto, sin estar basado en ninguno de sus cuentos. Todo, desde el pueblo llamado Hobb´s End hasta las extrañas y ancestrales criaturas que se ocultan en ese pueblo y en la paginas del libro de escritor Sutter Cane, son perfectas pesadillas con el sello del escritor de Providence H P Lovecraft.

Por otro lado, el guion escrito por Michael De Luca, ya en los años noventa se atrevía a hacerse algunas preguntas como: ¿cuál es la verdadera realidad?. ¿Es aquella que vivimos y creemos como real o es aquella que se escribe en las paginas de un libro de horror? ¿Somos seres reales o personajes de una ficción que hacemos lo que el Autor- Dios nos dice que tenemos que hacer? ¿Es la locura un estado de cordura? Interrogantes que están perfectamente planteados a lo largo del filme y que hacen que esta pelicula sobresalga de la mayoría con historias similares.

Es interesante también destacar la autoreferencialidad a la que constantemente se está apelando. Sutter Cane, no es Stephen King porque ha vendido más libros que él, pero esta claro que es un emulo de H P Lovecraft, algo que de alguna manera lo pone por encima del escritor de Maine. Se podría inferir además que el personaje de Sutter Cane, interpretado por el actor Jürgen Prochnow, no es otro que el árabe loco Abdul Alhazred, autor inventado por Lovecraft y que escribió nada más ni nada menos que el Necronomicon

Por su lado, John Carpenter es el director de la pelicula que se va a hacer con el último libro de este escritor maldito, que tiene el poder de volver locas a las persona que leen sus obras literarias, pero también es el director que dirige la pelicula que vemos, es decir que se hace cargo de dos películas a la vez. El espectador asiste así a este discurso autoreferencial que lo pone en esa delgada línea de lo que expresaba al principio, que es real y que es ficción.

John Trent, papel interpretado magníficamente por el actor irlandés Sam Neill, es una especie de personaje creado por David Lynch, con sus múltiples caracterizaciones. Es un investigador de fraudes de seguros, es un actor en la pelicula "In the Mouth of Madness", un personaje de ficción en el libro de horror de Sutter Cane que lleva el mismo nombre que la pelicula y es un loco encerrado en un manicomio que cree que la literatura de Cane está llevando al mundo a la destrucción.

Así, en ese contexto de no saber cuál es el papel que toca interpretar, que es real y que es ficción "In the Mouth of Madness" es una joya del cine de horror, que aún sigue vigente y que se nutre de aquellos maestros que hicieron del género un verdadero culto, como el escritor imaginario Sutter Cane.

El silencio de John R. Leonetti

2019-04-13T19:14:00.000-03:00

En boca cerrada no entran ideas

Desde que el actor y director John Krasinski estrenara su opera prima In a quiet place muchos estudios se dieron cuenta que en esa original historia sin diálogos en donde seres extraterrestres atacaban a los humanos a través de los sonidos, empezaron a aparecer varias películas de similar contenido. Así, la directora Susanne Bier hizo Bird box una historia bastante parecida, pero que en vez de limitar la voz, aquí lo que se limitaba era la visión. Ahora, el director de Annabelle John R. Leonetti estreno The silence, una pelicula cuyas similitudes con In a quiet place son más que evidentes.

La historia comienza con un grupo de espeleólogos que ingresan a unas cavernas cerradas sin saber que allí encerradas habitan unas extrañas criaturas aladas y voraces que al romper las rocas son liberadas en bandada atacando a cuanto ser humano haga ruido, ya que son ciegas.

Lo que sigue es como la vida de una familia de clase media con una hija muda, cambia dramáticamente al tener que huir hacia lugares más desolados escapando de los prehistóricos monstruos alados que han infectado las distintas ciudades de Estados Unidos y devorado a todo aquel que no cierre la boca.

Los guionistas Carey Van Dyke y Shane Van Dyke que adaptaron la novela de Tim Lebbon, son consientes de la pelicula de Krasinski y a cada rato se los hacen saber al espectador. ¿A donde irán? - le dice Rob a su novia Ally cuando la familia decide huir de la ciudad, a lo que ella responde: No sé, a algún lugar tranquilo (In a quiet place) Este guiño, que se repite varias veces, hace que uno no vea a The silence como una copia mediocre, la pelicula de Krasinski es muy superior, sino como un homenaje.

Otro aporte similar, que no podemos saber si fue de los guionistas o del director, es otro homenaje a The birds de Alfred Hitchcock. En una de las primeras escenas vemos una cantidad de pájaros negros descansando sobre los cables de electricidad, como en la escena del maestro de suspenso. En otro momento de la pelicula, la familia encuentra una casa que cree esta abandonada pero no es así y su dueña, una mujer rubia, sale con una escopeta a echarlos de su propiedad a los gritos. Esto hace que las criaturas la ataquen inmediatamente en la cabeza, igual que los cuervos atacaron a Tippi H edr en en The birds.

The silence no es una gran pelicula, no tiene el suspenso y el terror de In a quiet place, John Leonetti carece de los recursos narrativos necesarios y sus tomas solo estan puestas en contar y no en generar incomodidad, miedo, dudas, como lo hace la pelicula de Krasinski, así y todo, y a pensar de no tener ideas nuevas, es un filme que, teniendo en cuenta que se estreno via streaming a través de la señal Netflix, no esta demás verla para pasar un rato entretenido. Nada más.

Velvet Buzzsaw de Dan Gilroy

2019-02-02T12:25:00.001-03:00

El arte mata

Después de casi 2 años de no publicar ninguna reseña en este blog, pero sí de ver mucho cine, he vuelto para hablar sobre Velvet Buzzsaw de Dan Gilroy filme estrenado únicamente en la plataforma de streaming Netflix y que ya desde su reciente estreno está generando algunas opiniones divididas entre los espectadores.

Velvet Buzzsaw es una irreverente sátira mezclada con thriller sobrenatural que busca reflejar el oscuro mercado del arte contemporáneo y lo hace de una manera poco convencional, apelando constantemente a la ridiculización de un ámbito en donde cada uno de los integrantes del cerrado circulo, son verdaderos tiburones sedientos de sangre y dinero.

El arte, y en especial el contemporáneo, se ha convertido en una verdadera mercancía en la que difícilmente se pueda medir bajo los viejos parámetros que regían el arte en la antigüedad, esos en donde las proporciones y la belleza eran sus principales exponentes. Hoy el arte es dinero, es mercadeo, es negocio sucio.

Hace poco vi el documental The price of everything de Nathaniel Kahn por HBO y allí se muestra como los galeristas y curadores de arte buscan artistas que estén momentáneamente fuera del mercado, les compran sus pinturas a un precio relativamente bajo y luego hacen un espectacular marketing sobre las obras y las venden en subastas públicas a precios millonarios a coleccionistas de arte particulares que no saben en que invertir sus fortunas.

Es en este mundo en donde Velvet Buzzsaw se desarrolla y es esto de lo que Gilroy quiere hablarnos. El punto es, y este sea el que genera la mayor de las controversias entre quienes vieron el filme, es la trama que elige para hacerlo.

Morf Vanderwalt, interpretado por el genial Jake Gyllenhaal, es un odioso crítico de arte que se mueve entre los más importantes galeristas y tiene una relación de trabajo bastante particular con Rhodora Haze, rol a cargo de Rene Russo, su secretaria es Josephina (Zawe Asthon) que acaba de dejar a su novio y por esas cosas que tiene el destino un artista y vecino suyo muere y deja una colección de pinturas sin parientes que las reclamen. Josephina roba las pinturas y con Rhodora y Morf empiezan a hacer negocios con las pinturas del fallecido, sin saber que esos cuadro cargan con una maldición y todo aquel que este en contacto con ellas muere.

Velvet Buzzsaw no es quizá la mejor pelicula de Gilroy pero sin dudas es un filme, que al igual que su primera pelicula, se mete en esos submundos oscuros, en Nightcrawler , era el mundo las primicias periodísticas, y lo hace mezclando el glamour que rodea al arte con las muertes más cruentas.

Si uno toma literalmente todas estas situaciones que rodean al guion, es probable que el filme les resulte inverosímil, tonto y hasta sin demasiado contenido, ahora si uno lo analiza como una feroz crítica al mercado del arte contemporáneo, las cosas cambian y todo cobra otro sentido. Velvet Buzzsaw se podría resumir como: "El arte se devora al artista y a quienes trabajan comerciando con ella".

Belleza oculta de David Frankel

2017-11-28T12:04:00.000-03:00

Todos los estereotipos juntos

Pocas veces he visto una pelicula tan edulcorada, ridícula e inverosímil. Es que el filme de David Frankel, director de la exitosa "El diablo viste a la moda", se embarca en un guión de Allan Loeb que realmente hace agua por todos lados, pero que además, se regodea en una serie de mensajes espirituales y de superación tan absurdos y trillados que sinceramente asombran.

Howard, Will Smith, es un empresario publicitario que ha caído en una profunda depresión a raíz de la muerte de su hija de 6 años. En ese estado se desentiende por completo de la empresa, lo que motiva que sus socios y ejecutivos más cercanos decidan, a partir de tres cartas que Howard escribe a la muerte, el tiempo y el amor, contratar a tres actores para que interpreten a estos tres personajes, con el fin de que sea declarado insano y la empresa pueda ser vendida y así salvada de la quiebra.

Todo lo que sucede después es realmente increíble, meloso, sin sentido e inverosímil, en donde la trama cae en los más bajos estereotipos y en un sin sentido sumamente tramposo, con el fin de despistar al espectador para ponerlo entre la realidad y el realismo mágico, una mezcla que en ningun momento termina por amalgamar en una historia coherente.

Con actores de importancia, además, de Smith, como Edward Norton, Kiera Knightley, Ellen Mirren, Kate Winslet y Michael Peña, el filme nunca llega a emocionar por la ridiculez de su historia, la cual no cierra por ningun lado, con errores argumentales tan grandes que llama la atención que el guionista del filme "Las cosas que perdimos en el fuego" de Susanne Bier, pueda haber escrito este verdadero engendro y que David Frankel, se haya puesto detrás de las cámaras.

En fin, la industria del cine de Hollywood tiene estas cosas, porque en definitiva, puede más un buen elenco que un buen guión, con eso ya alcanza para llenar las arcas o salir hechos.

Alptraum de Ana Piterbarg

2017-07-14T10:07:00.002-03:00

LOS LABERINTOS DE ANDREAS

La directora argentina Ana Piterbarg vuelve ponerse detrás de cámaras después del muy interesante debut en el largometraje con"Todos tenemos un plan" y lo hace con una película totalmente distinta a todo lo hecho hasta ahora en su carrera como realizadora de television y cine.

"Alptraum", es una obra cinematográfica bien independiente, hecha en condiciones de producción muy inferiores a su primer trabajo, con actores casi desconocidos en su mayoría y con una historia que provoca en el espectador la necesidad de intervenir activamente en su lectura para intentar descifrar el mensaje, lo que demuestra el interés por parte de Piterbarg de alejarse, al menos por ahora, de ciertos esquemas comerciales habituales en el cine de industria.

"Alptraum", que en alemán quiere decir pesadilla, está inspirada en la leyenda nórdica y muy popularizada en Alemania de una monstruosa criatura surgida de los cuentos populares llamada Krampus, en alemán garra, que acosa con horribles pesadillas a aquellos niños que no se han portado bien y está relacionada con las vísperas navideñas, ya que su aparición ocurre en la tarde del 5 o 6 de diciembre. Tomando como base parte de esta leyenda la directora construye una historia onírica y laberíntica a través de la vida de Andreas, un actor y director de teatro que padece trastornos del sueño y que es acosado por reiteradas pesadillas en donde aparece una criatura mitifica más similar al Minotauro habitante del laberinto de Creta que al Krampus.

Lo interesante del filme es como Piterbarg juega constantemente con el espectador que por momentos no sabe si lo que esta viendo es real o es parte de sus pesadillas y ahí es donde aparece la teoría psicoanalítica sobre la interpretación de los sueños (1900) de Sigmund Freud según la cual los sueños son realizaciones disfrazadas de deseos reprimidos y la "censura" de los sueños producen una distorsión de su contenido. El deseo aparece disfrazado en el aspecto manifiesto del sueño, en lo efectivamente soñado, proceso denominado 'deformación onírica'. Es en esta deformación sueño -realidad en donde "Altraum" hace foco y no tanto en la leyenda del Krampus, la cual solo le sirve como excusa para poder hablarnos de aquello que sucede cuando una mente perturbada busca encontrar una salida a través de la explosión onírica.

Filmada en un rabioso blanco y negro, con toques expresionistas, con una banda de sonido impeccable construida en base a sonidos y no música y una trama que recuerda a los primeros filmes de David Lynch, en donde monstruos, teorías conspirativas, personajes extraños que desaparecen de un día para otro, como es el caso de Hanna la vecina y traductora de alemán, y la ausencia de una linealidad temporal hacen de "Alptraum" un filme distinto, hermético, por momentos incomprensible, pero por sobre todas las cosas laberíntico, como el laberinto en el que está encerrado Andreas y del cual no puede salir.

Estigma de Rupert Wainwright

2017-07-09T16:09:00.000-03:00

EL TERROR SIMBÓLICO

"Estigma" es una de esas películas en las que el espectador disfruta de su visión más allá de las cuestiones propias de su trama, y es por su estética refinada, su buen uso del montaje y su acertada fotografía. En esto tiene un gran mérito el director Rupert Wainwrigth, quien logra una interesante alegoría sobre los ancestrales embates entre el bien y el mal, basándose en una puesta visual más que interesante.

En una línea que recuerda directamente a "El exorcista" de William Friedkin, "Estigma" es un mucho más simbólica que su antecesora y menos escatológica. Aquí no hay vómitos ni escupitajos verdes y pegajosos que trasmitan miedo o repulsión, el terror vuela alto y llega a los sentidos del espectador mediante símbolos. Wainwrigth, es muy hábil y se muestra como un estudioso conocedor del tema al introducir imágenes con connotaciones y referencias bíblicas como el uso reiterado del agua, las palomas blancas y la sangre. Estos emblemas son muy fuertes y cobran una dimensión plástica importante a lo largo del filme, el agua, como símbolo del diluvio, las palomas como la pureza del Mesías y la sangre como símbolo de inmolación y redención.

La historia tiene por ahí sus altibajos narrativos que se hacen más digeribles gracias la potencia de las imágenes y a las buenas interpretaciones de Patricia Arquette, ("Carretera perdida", "Ed Wood") en el rol de la atea que recibe del más allá los estigmas del título y Gabriel Byrne ("Los sospechosos de siempre", "El día final") en el papel del cura-científico que investiga el fenómeno, y el siempre sólido Jonathan Pryce, ("Brazil", "Carrignton", "Evita") aunque aquí su personaje del Cardenal Houseman no le cae bien por ser demasiado estereotipado.

Así, "Estigma" se convierte en un buen referente del terror moderno, con menos efectos que "El día final" pero mucho más contundente en su mensaje. Para los amantes del género, véanla porque no van a salir defraudados.

Ecos mortales de David Koepp

2017-07-08T15:53:00.006-03:00

Ecos que se repiten

"Ecos Mortales", el tercer largometraje como director del guionista David Koepp ("El efecto dominó" y "Suspicious") es un filme basado en la novela, del mismo título, de Richard Matheson, pero que ha tomado partes o ideas de otros filmes del género. Si bien la novela es de los años 50, la adaptación realizada por el propio Koepp salva los anacronismos de la época, y arma una trama de terror y suspenso más actual, nutriéndose de obras anteriores como "El resplandor" de Stanley Kubrick, "La escalera de Jacobo" de Adrían Lyne y "Sexto sentido" de M Night Shymalan. Así Koepp, logra darle al original de Matheson un cierto toque de actualidad que lo libera del tono oscuro característico de las novelas de terror de los años 50, pero que lo aleja de ser una obra personal y diferente. Con tantas referencias uno esperaba lo mejor, pero el director y guionista solo se queda en un producto comercial más.

Las actuaciones de Kevin Bacon y Kathryn Erbe trasmiten gran profesionalismo, aunque quien se lleva los laureles, como es común últimamente, es el niño Zachary David Cope, como Jake, el hijo con poderes extrasensoriales.

El filme se puede ver y seguir sin problemas, los rubros técnicos son impecables, pero no termina de disfrutarse en su totalidad porque es como ver una película de esas que uno ya vio varias veces, y por eso se pierde cierto interés. Las imágenes que logra Koepp son potentes y por momentos hacen que el espectador se olvide de todas esas similitudes, pero al final de los 98 minutos que dura la película, el resultado termina siendo el mismo de siempre, un producto del montón.

El coleccionista de huesos de Philip Noyce

2017-07-08T15:37:00.002-03:00

Un coleccionista poco original

Cuando uno empieza a ver una película de suspenso en donde la trama gira alrededor de un asesino serial, lo primero que trata es de imaginarse quien puede ser el mutilador de turno. Generalmente, y por esos misterios que tiene la industria cinematográfica de Hollywood, el asesino en cuestión resulta ser el que menos uno pensaba o intuía.

El coleccionista de huesos no escapa a estas reglas y es un fiel exponente de una serie de películas sobre serial killers en donde las motivaciones y fundamentos del psicópata pasan a un segundo plano, ya que lo que aquí importa es solamente entretener y asustar al espectador mediante una buena dosis de suspenso y escenas truculentas.

La historia básicamente es la misma, un asesino serial asola la ciudad de Manhattan, provocando una seguidilla de crímenes horrendos y dejando una larga lista de pistas en cada crimen al mejor estilo del Acertijo para que un investigador avezado y tenaz (Denzel Washington), aquí un detective cuadripléjico, y una novata compañera (Angelina Jolie) vayan descubriendo los próximos homicidios.

Por supuesto, y como lo marca este tipo de filmes, nunca llegan a salvar la vida de las pobres víctimas que caen bajo los malignos, sádicos y horribles deseos de su matador para que el espectador se regocije con su sangre y las torturas a la que son sometidos.

"El coleccionista de huesos", intenta ser diferente de las demás, pero no lo logra al recurrir a viejos esquemas del género y a una iconografía y estética ya vistas en filmes anteriores que hicieron punta como "El silencio de los inocentes" de Jonathan Demme o "Pecados Capitales" de David Fincher Así el guión se vuelve anodino, con algunas buenas dosis de suspenso, sobre todo en los momentos de los crímenes, y un desenlace bastante "traído de los pelos".

El director Australiano Philip Noyce, ("Terror a Bordo", "Juegos de Patriotas", "Sliver"), apela a su buena formación y oficio para llevar adelante una trama que hace tanta agua como la que se ve en el film. Las actuaciones son sobrias, sobresaliendo la de Angelina Jolie, uno de los mejores personajes caracterizados. Para destacar, la excelente fotografía de Dean Senler, que rescata a la ciudad de Nueva York de noche con sus luces, dándole una expresividad a la imagen pocas veces vista.

La tormenta perfecta de Wolfgang Petersen

2017-07-08T15:12:00.001-03:00

Una tormenta de entretenimiento

"La tormenta perfecta" es una de esas películas en las que uno sabe como va a terminar y sin embargo sigue atento el desarrollo de la trama hasta llegar al ya conocido desenlace. La historia, se centra en el pueblo pesquero de Gloucester y sus habitantes, seres anónimos, casi marginales, que luchan día a día contra el mar y sus enormes peces para llevar algo de dinero a su casa. Irremediablemente, son esclavos de su propio destino y el mar reclamará algún día sus vidas. Esa inexorable certeza también la conoce el espectador y es por eso que entre ambos comienza a formarse, lo que llamamos empatía A partir de allí, uno no se despegará de esos personajes y los acompañará hasta el final, como un familiar acompaña a un ser querido en su camino hacia la muerte.

Rostros curtidos por el sol y el frío, manos ajadas por el hielo, cabellos sucios y desgreñados, mujeres sin el glamour de las grandes ciudades, son el paradigma entre un mundo y otro, en donde la necesidad de llegar a casa con la bodega repleta de peces es la función principal de los hombres y contentarse con esperarlos, la de las esposas, madres o amantes.

El realizador alemán Wolfgang Petersen toma como base un hecho real ocurrido en el poblado de Goucester, Estados Unidos, en donde un grupo de pescadores, apremiados por una insuficiente pesca, se largan a bordo del barco pesquero Andrea Gail a los grandes bancos itícolas, sin saber que pronto estarán metidos dentro la peor tempestad del siglo, bautizada por los meteorólogos, como "la tormenta perfecta".

El capitán del Andrea Gail, Billy Tyne (George Clooney) es un obcecado marino, con un orgullo tan grande como los océanos por los que transita y una vez que toma una decisión, difícil se eche atrás. Todos lo seguirán, son hombres de mar, rudos, que no soportan ser humillados por su jefe Bob Brown (Michael Ironside) y están dispuestos a todo. Esta actitud de no querer ser maltratados por los del pueblo y la necesidad de no ceder la suculenta carga, sellará el destino del grupo. Este ambiente es magistralmente reconstruido por Petersen, quien con mano, maestra realiza una pintura verosímil y detallista de todo ese Universo.

El film pretende contarnos por un lado, la vida de estos pescadores y por otro todo que vivieron durante el infructuoso intento de ganarle a la furia de la naturaleza. La tecnología funciona de maravillas para las escenas de tormenta, están recreadas con pasmosa precisión, son tan reales que el espectador se siente marinero del Andrea Gail y lucha junto a ellos. Esto es un gran mérito del director, pero el fundamental logro, es el retrato de los personajes. Ayudan mucho las actuaciones de Clooney y Mark Wahlberg como Bobby Shatford, quienes componen, casi a la perfección, a un capitán, obcecado y mandón y el segundo, a un enamorado aprendiz de marino que sueña con volver junto a su amada Cristina (Diane Lane)

Buen filme de Petersen que demuestra una vez mas su capacidad para combinar el entretenimiento con el drama mas terrible.

Yo dispare a Andy Warhol de Mary Harron

2017-07-08T12:48:00.000-03:00

Por las mujeres

Continuando con mi búsqueda de películas inéditas les voy a comentar una que, seguramente, ya se ha convertido en un film de "culto" entre las mujeres. Se trata de "Yo le disparé a Andy Warhol" primer filme de largometraje de la Canadiense Mary Harron, quien dirigió "American Psycho", y cuyo tema se centra en el atentado sufrido a uno de los mayores exponentes del "Pop Art" americano, el artista y cineasta Andy Warhol (Jared Harris) a manos de Valerie Jean Solanas

El filme, escrito por la propia Harron en colaboración con Daniel Minahan toma como eje de partida este hecho y estructura la historia basándose en el personaje de Solanas, interpretado magistralmente por Lili Taylor ("Sueños de Arizona","Los cazachicas") para mostrarnos un mundo de bajezas, prostitución y miseria.

Valerie, es una joven lesbiana, graduada en Psicología, a la que le gusta escribir, pero que tiene la rebeldía típica de los años 60 en su sangre. Sus ideas, un tanto revolucionarias para la época, plantean las diferencias entre hombres y mujeres desde un punto de vista "feminista". Para Valerie, las mujeres representan lo fundante, la razón de ser del individuo y por eso escribe lo que ella denomina el SCUM o manifiesto, en donde deja sentada su posición sobre el machismo imperante en la sociedad americana de su época. Esto la lleva a vivir una vida al límite, que va desde la limosna a cambio de alguna mala palabra, o la prostitución por el alquiler de un cuarto donde dormir o el almuerzo para saciar su hambre.

En este deambular conoce Candy Darling un travesti con el que se va a vivir y a un editor francés de autores revolucionarios como William S. Burroughs (Almuerzo desnudo) o Vladimir Navokov (Lolita), llamado Maurice Girodias (Lothaire Bluteau) quien se interesa por ella y la tienta a firmar un contrato para que escriba una novela. Como Valerie necesita dinero acepta y firma un convenio que la obliga a escribir dos novelas. El tiempo pasa y ella no escribe nada, sólo quiere que le publiquen su manifiesto.

Un día acompaña a su amiga travesti a una audición y ahí se relaciona con Andy Warhol, quien por ese entonces dirigía uno de sus filmes, junto a su amigo y también director de culto Paul Morrisey (Reg Rogers). Entusiasmada con Warhol, decide escribir un guión para que él lo dirija titulado "En tu culo". Luego de varios intentos logra que Andy lea el guión, pero por ser demasiado obsceno es rechazado. A cambio le da un papel en la película y una paga de 25 dólares.

La relación entre Solanas y Warhol se ve cada vez mas deteriorada, debido a los constantes reclamos de Valerie para recuperar su guión, esto sumado a la presión ejercida por Girodias para que escriba las novelas, su propia inestabilidad emocional y su carácter violento hacen que todo termine con los disparos del título.

"Tuve que hacerlo- dice Valerie frente a los periodistas- él estaba manejando mi vida, se quería quedar con mis escritos"

Mary Harron construye su relato de manera no lineal, con una gran estructura en Flasback, mostrándonos los detalles a través de pequeños quiebres en el tiempo. Su manera de narrar es original y su visión del mundo de los sesenta y setenta es más que acertada. Los ambientes cargados de opio, marihuana y LSD, iluminados magistralmente en tonalidades rojizas con características psicodélicas son un verdadero hallazgo. El sub- mundo ominoso y voraz por donde transita Valerie está plasmado con crudo realismo por la cámara de Harron al igual que las escenas de sexo y eso le da una verosimilitud muy fuerte a la hora de connotar.

Lamentablemente, la película pierde fuerza y algo de interés por la morosidad de algunas escenas y ciertos diálogos demasiado aburridos.

La directora intenta acercarse a un hecho histórico, a una época convulsionada y a un ser humano mentalmente perturbado que luchó por la identidad de las mujeres.

La hija de la luz de Chuck Russell

2017-07-08T12:37:00.002-03:00

El mesías que bajó en Nueva York

Con la llegada del nuevo Milenio, la idea del fin del mundo y el enfrentamiento entre el bien y el mal, se puso de moda. Películas como "Estigma", "El juicio final" o el "El exorcista" con escenas nunca vistas, son una muestra de la idea que Hollywood tenía por esos tiempos.

Es el caso de "La hija de la luz" un filme que comienza de manera interesante, y que termina en un producto más del género. Las obviedades son muchas y los lugares comunes abundan de manera sorprendente.

La historia, que toma como base la novela de Cathy Cash Spellman, se podría resumir así. Una mujer, llamada Maggie O´Connors (Kin Basinger) debe hacerse cargo de su sobrina, de nombre Cody (Holliston Coleman) desde que su drogadicta hermana Jenna, (Angela Bettis) la abandona en su propia casa.

Así Maggie, que es una mujer madura, soltera y que trabaja como enfermera en un hospital, se encuentra, de un día para el otro, con una niña que cuidar y defender. A esto se le suma que la pequeña tiene problemas de socialización con el medio, lo que la hace una niña muy especial. Cody rápidamente toca el corazón de Maggie y se convierte en la hija que siempre había querido.

Su custodia se ve amenazada cuando, luego de 6 años, y en medio de una serie de extraños asesinatos de niños, Jenna regresa a buscarla junto a su flamante y acaudalado esposo, Erik Stark (Rufus Sewell) líder de un movimiento religioso del tipo "New Age". Los dos, raptan y se llevan a Cody.

En una oportunidad, conoce en el hospital a Cheri (Cristina Ricci) una ex miembro de la secta, quien le advierte del lugar en donde la tienen escondida. Con la ayuda del agente del FBI John Travis (Jimmy Smits), ex seminarista y experto en crímenes relacionados con lo oculto, salen en su búsqueda. Y hasta aquí cuento.

El Filme usa algunos simbolismos como el de la tentación de Satanás a Jesús, y el hecho histórico de la matanza de niños inocentes a manos de Herodes, pero tales alusiones no alcanzan la profundidad simbólica de "Estigma", el filme protagonizado por Patricia Arquette.

Mace Neufeld, productor del filme, le confió la dirección de la película de Chuck Rusell, un avezado realizador de filmes como "La máscara" o "El protector". Russell, hace agua y no sale de los convencionalismos del género, ya que su visión del mundo ominoso del diablo, se termina convirtiendo en un mero entretenimiento, con algunos efectos digitales de buena factura técnica, pero de innecesaria inclusión dramática.

El filme se sostiene hasta los primeros 45 minutos iniciales gracias a un suspenso que va creciendo en interés, pero a partir de la segunda mitad, la historia se diluye y todo termina con un final banal cargado de un intenso lirismo religioso.

Así y todo se puede ver sin inconvenientes, y esto es por su prolijidad y solvencia narrativa, pero al no tener la profundidad simbólica necesaria en este tipo de trama, hace que uno se olvide de lo visto en apenas unos minutos. Una lastima.

El protegido de M. Night Shyamalan

2017-07-08T12:16:00.001-03:00

Un irrompible de carne y hueso

"El protegido", segundo filme del director indio M. Nigth Shyamalan y el cuarto dentro de su carrera, es uno de esos filmes que se puede catalogar como atípico. No es una película convencional, aunque no se aleja de ser un producto de la industria, Shyamalan pone su indiscutible sello personal y crea una historia entre fantástica y cotidiana, basándose en la mítica idea del héroe que no sabe su destino.

David Dunn (Bruce Willis) es un anodino empleado de seguridad en un estadio de fútbol americano, con una vida aburrida y un matrimonio en crisis. Su mundo, no va más allá de los convencionalismos de una familia tipo Americana, hasta que un día descubre que es el único sobreviviente de un trágico accidente ferroviario.

A partir de allí, su tranquila vida da un inesperado giro hacia una reflexión filosófica sobre la existencia humana y la posibilidad de no ser lo que uno piensa o cree que es.

Para eso, aparecerá en su camino un extraño personaje, Elijah Price,(Samuel L. Jackson) quien le ira dando pautas sobre su inevitable realidad.

Price, es una persona enferma, que padece de una enfermedad genética en los huesos llamada "Osteogénesis" y que le provoca múltiples quebraduras en todo el cuerpo. Esta terrible enfermedad lleva a Price a pensar que si en el mundo existe una persona como él, tan frágil y vulnerable, bien puede existir su opuesto, alguien verdaderamente irrompible.

La película de Shyamalan, bucea en la eterna lucha del héroe por saber su identidad. Tal como sucedía en X Men con "Volverine", Dunn debe entender su condición de ser diferente y conocer su misión sobre la tierra para empezar a cambiar su rutina, de hasta ese entonces, un hombre común.

En el estilo narrativo y visual del "Sexto sentido" "El protegido" se adentra en un mundo de historieta y de revelaciones, para hacernos ver el lugar que cada ser humano ocupa, dentro de la inmensa cadena de la vida, y cuales son sus responsabilidades para con ella.

El final, tiene una resolución bastante extraña que dejará a más de uno con la boca abierta, no por tener una construcción de guión acertada como en el "Sexto sentido" sino por ser tan atípico como la película en sí.

Los amantes de la historieta, la van a gozar de punta a punta y los que no también.

El niño de Craig William Macneill

2017-06-28T09:57:00.003-03:00

No es bueno que un niño este solo

Que sorpresa haber visto "El niño" (no confundir con "El niño" de William Brent Bell) de Craig William Macneill, realmente ha sido una de las gratas revelaciones que he visto en este ultimo tiempo, ya que refleja ese cine independiente por fuera de los grandes estudios y que poco se ve en la filmografía de los Estados Unidos. Hacen falta más películas como "El niño" para darle una bocanada de aire fresco a una industria que se reitera en formulas remanidas y que hace tiempo aburre con la copia de algún que otro éxito.

"El niño" es un filme que perturba desde las primeras imágenes, y que va ganando con el correr de los minutos en suspenso, pero lo hace a partir de la cotidianidad, del árido escenario, de la soledad y de la miseria humana. Si Sigmund Freud hubiera visto este filme seguramente lo hubiera incluido en su texto "Lo ominoso" (1919) a modo de ejemplo para explicar su tratado sobre como aquello que es conocido (Unheimlich) se vuelve amenazante y peligroso.

En 1989 y en medio de la nada John Henley (David Morse) regentea un motel de mala muerte junto a su hijo Ted (Jared Breeze) de tan solo 9 años, Su madre los ha abandonado y se ha ido a vivir a Florida y su corta vida discurre en vivir como puede en medio de esa soledad junto su padre alcohólico e incapaz de atender su necesidades básicas. Un accidente en la ruta con un ciervo traerá al motel a William Colby (Rainn Wilson) un extraño personaje sospechado de haber matado a su mujer y con el que Ted se ira relacionado hasta terminar de dar forma en su cabeza a una trasformación realmente espeluznante. No voy adelantar más.

El director Mcneill sabe como filmar esos espacios abiertos del desierto y sabe como ir construyendo con cada plano, con cada escena, el mundo interior de Ted y el peso de la soledad que representa estar atrapado en ese motel, en un tiempo que no avanza y en una Florida que se le hace cada vez más inalcanzable.

Magistral filme, que merece mejores criticas y más reconocimiento por parte del publico. Quizá sea su afiche, que da imagen de una pelicula de terror clase B, cuando en realidad es un drama intimista muy perturbador que nos interpela sobre los daños que la separación de los padres y la soledad puede hacer en la mente de un riño de tan solo 9 años.

El conjuro 2 de James Wan

2017-06-27T00:18:00.000-03:00

Segundas partes a veces son mejores

Cuando vi "El conjuro" quede muy decepcionado, me pareció una pelicula más de las tantas que se hacen por ahí y de hecho fui muy critico con la primera entrega. "El conjuro 2" también de James Wan, es otra cosa. Aquí se ha priorizado la trama por sobre el espectáculo, aunque no deja de estar ausente, pero en menor medida que en su primera entrega. Quizá lo que diferencia una pelicula de la otra es que la segunda entrega esta basada en un hecho real ocurrido en Londres y que tiene como particularidad ser uno de los casos de actividad paranormal mejores documentados. Se lo conoce como el caso Enfield y tiene como protagonistas a Peggy Harper y sus cuatro hijos, Margaret,Janet, Johnny y Billy. Ali una serie de eventos paranormales atacaron a la familia haciendo foco en Margaret, quien fue la que se vio más involucrada con un espíritu molesto y diabólico. El caso fue tan resonante que muchos científicos se acercaron a investigar entre ellos Maurice Gross, quien acababa de perder a una hija y veía este fenómeno como una manera de entender sobre la comunicación con el mas allá.

Si bien el filme de Wan respeta perfectamente la mayoría de los aspectos centrales de la historia original, existen por supuesto agregados que nada tiene que ver con los hechos allí ocurridos y son elementos puros de una ficcionalización acorde con los estándares de Hollywood. Así y todo el filme sale airoso y resulta uno de los mejores entretenimiento del cine de terror de los últimos tiempos, gracias a la incorporación nuevamente de los Warren, interpretados por Patrick Wilson y Vera Farmiga quienes en realidad no participaron directamente del fenómeno, pero si fueron consultados. Otra gran acierto es la inclusión de Valak, la monja demonio, que ha estremecido a varios con espeluznantes apariciones, y que ha dado uno de los primeros spin off de la saga, el otro es del "El hombre torcido".

Muy superior a la primera e incluso a la serie de "Insidious", "El Conjuro 2" reaviva el género de terror y se presenta como un producto solido, entretenido y bien hecho, con momentos de gran tensión y verdaderos sustos. Un detalle, es impresionante la minuciosa recreación histórica. Al ver la fotografías originales uno queda realmente asombrado por el nivel de exhaustividad que el equipo de arte ha tenido en la reconstrucción de los escenarios, los personajes, la ropa y el mobiliario.

Si les gusta el terror, "El conjuro 2" es un buen plato para disfrutar una noche de lluvia como la que está aconteciendo ahora, mientras escribo esta nota. Hasta la próxima.

Regresión de Alejandro Amenábar

2017-04-26T20:14:00.001-03:00

El diablo metió la cola

El director chileno Alejandro Amenábar regresa al terror después de "Los otros" y lo hace con un filme que está inspirado en hechos reales ocurridos durante las décadas del 80 y 90 en los Estados Unidos, cuando una ola de supuestos ritos satánicos conmocionó a varias comunidades en una especie de histeria colectiva y que al mejor estilo "caza de bruja" tuvo varios detenidos, pero ninguna prueba que corroborara los hechos, los cuales incluían abusos sexuales a menores y asesinatos rituales de bebes por parte de sectas adoradoras del diablo.

La historia de Regresión (2015) se centra en dos de los casos mas resonantes de la criminología de ese país, uno el de la familia Keller, quienes estuvieron en prisión por 23 años y fueron liberados recientemente pero sin ser exonerados de sus cargos, los cuales nunca pudieron ser probados por la justicia. Lo llamativo de este caso fue que quien los acusó fue su propia hija, la cual recordó los horrores cometidos por sus padres gracias a la técnica psiquiátrica de la hipnosis regresiva, la cual a partir de estos hechos, fue duramente cuestionada por considerarla que su uso implanta falsos recuerdos en las personas, haciéndoles creer hechos que en realidad nunca sucedieron.

El otro caso es el de Virginia McMartín en donde una mujer que llevaba a su hijo a la guardería que McMartin regentaba acusó al nieto de esta de haber abusado sexualmente de su hijo, lo que generó una verdadera catarata de acusaciones en donde el culto satánico era el principal responsable. Hubo acusaciones tan ridículas por parte de los niños. como por ejemplo, que aseguraban haber visto debajo de la guardería unas galerías secretas que llevaban a templos satánicos donde se cometían los abusos y personas volando en escobas como brujas.

Pero vayamos al filme en cuestión, ¿que sucede con Regresión? Si bien la pelicula es correcta, no tiene el sello característico de Amenábar y parece un producto más por encargo que por motivación propia, eso hace que al finalizar su visionado uno se quede con un sabor a poco en la boca y en los ojos. Es que a pesar de su cuidada imagen y su corrección narrativa, Regresión no escapa a ciertos lugares comunes ya observados en otras películas. y en definitiva uno entiende que ha visto más de lo mismo. Tampoco ayudan demasiado las actuaciones Ethan Hawke y Emma Watson, quienes intentan ponerle el cuerpo a una historia que camina cuesta abajo.

Por otro lado el director de la genial "Mar adentro", no termina de definir una postura sobre los hechos sucedidos y el filme se termina convirtiendo en algo así como una crónica policial, con algunos agregados. Algo similar a lo que me había sucedido con "El nudo del diablo" de Atom Egoyan, quien también arma su filme basándose en un hecho policial con grandes repercusiones mediáticas.

Como base, las historias reales podían haber sido un excelente puntapié para una muy buena historia, pero no siempre alcanza para emocionar y por más que se haya intentado darle un giro hacia un filme de terror, se ve que el diablo metió la cola y el resultado quedó a medias tintas.

Rabits de David Lynch

2017-04-07T14:01:00.001-03:00

El lado oscuro de los conejos

Antes de ver Rabits de David Lynch estuve investigando un poco sobre el filme y muchas son las distintas teorías sobre el significado del filme. Por supuesto que como soy una persona de mente abierta no comparto algunas teorías descabelladas que hablan de mensajes secretos en la música, comparaciones de los Illuminati y mensajes satánicos.

Rabits no es otra cosas que un filme de corte surrealista surgido de la mente de uno de los más enigmáticos y poco convencionales directores de cine. Quienes seguimos su carrera, estamos acostumbrados a que sus filme se parezcan más a un galimatías que hay que resolver, o no, que a cualquier otro filme.

Lo que si debo decir es que, si bien durante su visionado no experimente demasiado, si me sentí incómodo después, en especial a la noche cuando mi mente empezó a intentar procesar todo esa díscola información sin sentido y la verdad que la intranquilidad se apoderó de mi haciendo que la noche se hiciera mas larga y el sueño llegara casi de madrugada.

¿Que tiene Rabits para producir esa irracional incomodidad cerebral? La respuesta es "no lo sé". Quizá sean sus diálogos inconexos, sus largos tiempos muertos entre los extraños personajes, su música disonante, continua y en tono grave, las risas enlatadas al estilo sitcom, su puesta en escena teatral, o su hermetismo en la trama, quizá. Lo que sí puedo decir es que Rabits, no pasa desapercibida y deja en el espectador una cierta angustia existencial y una imperiosa necesidad de tratar de entender cual es el verdadero mensaje que el director nos quiso trasmitir. Creo que está en uno la interpretación, el filme es un juego onírico abierto a las diversas interpretaciones que se puedan dar y en definitiva pienso que todas son validas, incluso aquellas que dicen que detrás de Rabits se esconden mensajes secretos y oscuros.

No llores, vuela de Claudia Llosa

2017-02-20T09:01:00.002-03:00

Vuelo poético

La directora peruana Claudia Llosa conocida por el filme nominado al Oscar "La teta asustada", regresa a la dirección con "Aloft", aquí conocida como "No llores, vuela", un proyecto mucho más ambicioso, hablado completamente en inglés y con actores internacionales.

En este nuevo filme, Llosa rebosa en poesía en cada una de sus escenas y nos adentra en una intensa trama familiar sobre Nana Kunning, una madre soltera o separada, eso no queda muy claro ni tampoco importa mucho, y sus dos hijos varones, el mayor Iván, amante de la práctica de la cetrería (uso de halcones) y el pequeño Gully, quien padece un tumor cerebral el cual no puede ser operado.

La desesperación por salvar la vida de su hijo Gully lleva a Nana a viajar kilómetros para visitar a un sanador con cientos de seguidores llamado Newman con el propósito de que cure a su hijo. Este encuentro, y gracias a un giro del destino en donde interviene un halcón de su hijo Iván, Nana descubrirá que posee también el don de sanar a las personas enfermas al curar milagrosamente la vista de un niño al que acoge en sus brazos circunstancialmente. A partir de allí e impulsada por Newman y por un hecho trágico en el que su hijo menor Gully muere ahogado en un lago congelado y en el que el responsable es Iván, Nana comienza su vida como sanadora, abandonandolo todo, incluso a su hijo mayor.

Con un montaje alternado en donde pasado y presente se conjugan magistralmente, Claudia Llosa, construye un relato sorprendente, emotivo y espiritual. El filme nos lleva a reflexionar sobre las decisiones que muchas veces tomamos los adultos, equivocados o no, y las consecuencias que estas acarrean y como la paradoja de devolverle la vida a los otros a cambio de renunciar a la suya define su entorno y marca para siempre el camino de su hijo Iván.

Desde una puesta casi documental, en donde la cámara persigue a sus personajes hasta unas actuaciones soberbias de Jennifer Connelly en el rol de Nana, Cillian Murphy como Iván adulto y Mélanie Laurent como Jannia Ressmore, una periodista enferma obstinada en seguir los pasos de Nana, quien se ha vuelto misteriosa y muy selecta, para hacerle una entrevista y ver si puede ser sanada, "No llores vuela", es una bocanada de aire puro, en donde chamanismo, cetrería y las relaciones conflictivas entre una madre y su hijo, son el principal ingrediente para disfrutar. Al filme no le sobra nada, pero tampoco le falta y demuestra una vez más que si hay algo que Llosa sabe es llevar la poesía al cine de manera contundente.

The monster de Bryan Bertino

2017-01-30T12:39:00.002-03:00

En el bosque nadie te oye gritar

Grata sorpresa la mía después de ver The monster, la última película del director Bryan Bertino, tras su rotundo fracaso con Mockingbird. The monster es a mi entender el mejor trabajo del director, incluso superior a su ópera prima Los extraños. Esto se debe a que el guión prevalece por sobre el género y Bertino como guionista se da alguno lujos al hablarnos de temas tan delicados como es la relación de una madre alcohólica y ausente con su hija casi adolescente. Esta sub trama, hace que la historia central tenga un peso superior y haga, de un film que en principio podría ser menor, un producto más que elogiable

Lizzy vive con Kathy, una madre descarriada, con problemas graves con el alcohol y una caótica vida personal. Lizzy debe hacerse cargo de las tareas domésticas mientras ella duerme todo el dia su borrachera, incluso hasta tiene que limpiar la mugre que ella deja después de sus noches de sexo y bebidas con su novio Roy.

Pero la vida de Lizzy y la de su madre va a cambiar para siempre cuando emprendan un viaje en auto para llevar a Lizzy a pasar un tiempo con su padre. Ese viaje, que ya de movida arranca mal parido, porque en vez de salir a las 8 de la mañana como estaba previsto salen a las 5 de la tarde porque su madre se quedó dormida, las levará a enfrentarse con lo desconocido y con el horror más profundo que habita en las profundidades del bosque, al sufrir un accidente en medio de una carretera y bajo una torrencial lluvia.

El monstruo que da origen al título actúa como metáfora de la personalidad destructiva de Kathy, que cuando está bajo los efectos de las bebidas espirituosas es casi tan salvaje y violenta como el voraz animal que las acecha en medio de la noche matando a todo ser vivo que se le acerque.

Lo interesante del filme, y aquí es donde la trama gana en profundidad psicológica, es que la necesidad de sobrevivir al monstruo pondrá en juego el verdadero amor filial que existe entre ambas, a pesar que hemos visto cómo por momentos se odian casi a muerte.

Entremezclando imágenes del viaje y su encuentro con la terrible bestia con fragmentos de sus vidas, Bertino va construyendo un relato tenso, riguroso y sólido, en donde aparecen como delicadas pinceladas, la dura relación que existe entre ambas mujeres.

A lo largo del filme el terror va escalonando hasta hacerse realmente espeluznante en los últimos minutos, aunque su final sea quizá lo más flojo que tiene, ya que cae en cierto estereotipo al estilo Ripley en "Alien". Igualmente, y gracias a la astucia del director y a unas interpretaciones impresionantes de Ella Ballentine como Lizzy y de Zoe Kazan como Kathy "The monster" termina siendo un producto de horror que además de entretener y asustar, reflexiona sobre las relaciones de una madre que tiene problemas con la bebida y su hija pre adolescente.

Bone Tomahawk de S. Craig Zahler

2017-01-04T11:48:00.003-03:00

Película de culto

"Bone tomahawk" debut cinematográfico del director S. Craig Zahler es una de esas películas que a pesar de ser menor, sin un gran presupuesto ni grandes estudios detrás va a quedar en la mente de muchos espectadores y va terminar convirtiéndose en una obra de culto para fanáticos del género western, pero también paro los amantes del de los filmes de horror.

Lo interesante de "Bone tomahawk" es que su estructura narrativa está inscrita en el western americano pero hacia el final se vuelve una película de horror al estilo de "El infierno verde" de Eli Roth

La historia es tan simple como eficaz y ha sido vista en montones películas del oeste como por ejemplo "True Grit" de Henry Hathaway o la versión mas moderna hecha por los hermanos Coen.

En un tranquilo pueblo del oeste americano la paz es sacudida por el secuestro de la doctora a manos de una tribu de indígenas. El sheriff Hunt junto con su ayudante Chicory, Arthur el esposo de la doctora y el señor Brooder deciden salir en su rescate en una larga travesía que los llevará por las llanuras y montañas del viejo oeste, hasta llegar a donde habita la extraña tribu.

La primera hora de película es como estar viendo un filme de John Ford, George Stevens, Sergio Leone, Clint Eastwood o incluso Quentin Tarantino. Planos generales, morosidad en las acciones, pocos planos detalles y grandes espacios abiertos.Un western con todas las letras.

Una vez que llegan a las cavernas donde viven los indígenas conocidos como "trogloditas" la situación cambia radicalmente y el filme deriva hacia una pelicula de horror. Escenarios mas oscuros, cerrados, claustrofóbicos, indios que atacan como un rayo sin casi ser vistos, etc

"Bone tomahawk" es una de esas películas que no van a defraudar y que va dejar conformes a los fans del western y a los del cine de horror, extraña mezcla si las hay, aunque a finales de la década del 80 la directora Kathryn Bigelow mostraba "Near dark", un western mezclado con vampiros. Entre el filme de Bigelow y el de Zahler hay diferencias sustanciales, ya que "Bone tomahawk" homenajea constantemente a los grandes referentes del western y es, se podría decir mas un filme de vaqueros que de slashers.

Las actuaciones son todas impecables pero Kurt Russell como el sheriff Hunt sobresale y se destaca por sobre el resto. Medido, impecable, sobrio, con las palabras justas, su composición es realmente memorable y con su actuación también homenajea al género.

Para verla y disfrutarla y aguantar un poco en las escenas finales, que son bastantes cruentas.

La autopsia de Jane Doe de André Ovredal

2016-12-22T12:32:00.000-03:00

Los muertos no solo hablan

Inquietante, espeluznante y por momentos provocativa, "La autopsia de Jane Doe" emerge como una de las mejores propuestas de cine de horror de los últimos tiempos. Esto se debe en gran medida a la excelente dirección del noruego André Ovredal, quien en su segundo largometraje, el primero fue la extraña "Trollhunter" (2010), logra demostrar que sabe cómo manejar el suspenso y el terror a la hora de plantar la cámara. Con mínimos recursos, un solo ambiente y dos actores centrales, Ovredal nos introduce en un aterrador espacio en donde el horror va cobrando forma con el transcurrir de los minutos.

El médico forense Tommy Tilden (Brian Cox) y su hijo Austin Tilden (Emile Hirsch) reciben a última hora el cuerpo de una joven y hermosa mujer, la cual fue hallada semienterrada en el sótano de una casa donde todos sus ocupantes fueron asesinados misteriosamente. Al ser una NN se le da el nombre provisorio de Jane Doe y se le pide al Dr Tilden que tenga la causa de su muerte antes del amanecer.

A partir de que el cuerpo de Jane Doe empieza a ser diseccionado sobre la mesa de ablaciones una serie de extraños sucesos empiezan ocurrir, como así también las inexplicables causas de la muerte de Jane Doe, las cuales no se condicen con el estado del cuerpoo, el cuál está en perfectas condiciones externas.

A medida que avanzan en la autopsia las cosas van empeorando y el lúgubre escenario de la morgue familiar se convierte en un espacio de pesadillas, enigmas sin respuestas y muertes.

Ovredal, dirige el filme con maestría, haciendo que los pasillos de la funeraria Tilden se asemejen al mismísimo infierno y que cada rincón se convierta en un lugar sin salida para los asustados Tommy y Austin Tilden. Cada plano, cada movimiento de cámara nos introduce, incluso desde las primeras tomas, en un ambiente de pesadillas, en donde el mal se percibe en el aire como un amenaza diabólica y aterradora.

Por supuesto que no escapa a algunos convencionalismos del género, la noche tormentosa no podía faltar, al igual que las luces que se cortan y dejan todo el lugar en penumbras, la mascota que aparece en las primeras escenas y es la primera en morir trágicamente, como así tambien los efectos sonoros, fundamentales en el cine de horror.

Si hay algo que quizá le tenga que criticar es una tácita aceptación por parte de los protagonistas a los hechos extraños y malignos en los que se ven involucrados, lo que hace que por momentos no se espanten como lo haría cualquier persona ante la resucitación de los cadáveres descompuestos que guardan en la morguera, los cuales salen del freezer gracias a los poderes que tiene la extraña y misteriosa mujer. expuesta en la mesa de autopsias.

A pesar de esos pequeños detalles "La autopsia de Jane Doe" es realmente un plato fuerte para los amantes del género con excelentes actuaciones de Brian Cox Emile Hirsch y Olwen Kelly quien interpreta durante 90 minutos a la inmutable y maligna Jane Doe.

Visiones de Kevin Greutert

2016-10-13T18:36:00.000-03:00

Modesta, pero eficaz

El director Kevin Greutert se hizo conocido por la séptima entrega de "El juego del miedo", y en ese momento su debut detrás de las cámaras fue un verdadero desastre. Por suerte, existen proyectos mucho más pequeños y menos ambiciosos, que suelen amoldarse a las necesidades de los directores, haciendo que su traspié inicial quede como una anécdota a olvidar. Es el caso de "Visiones", un filme modesto, de muy bajo presupuesto, pero que gracias a un ingenioso guión de Lucas Sussman, se las arregla para sobresalir del resto de films del estilo.

Luego de un trágico accidente en el que Eveleigh Maddox (Isla Fisher) es la responsable, y en donde muere un pequeño niño, las cosas parecen cambiar para ella y su esposo David (Anson Mount) al mudarse a una finca destinada al cultivo de viñedos y la producción de vinos. David y Eveleigh no solo han dejado atrás aquel mal momento, sino que además están esperando un hijo, por lo que no pueden estar en una inmejorable etapa como matrimonio. Pero la tranquilidad cambia drásticamente cuando Eveleigh comienza a tener una serie de visiones que le hace presumir, que la finca está embrujada.

No voy a contar más, porque si hay algo que tiene de interesante el guión es que aquello que parece ser no termina siendo y lo que dábamos por supuesto se termina escapando con el correr de los minutos para sorpresa y disfrute del espectador. Hasta incluso Sussman se da el lujo de homenajear a ese clásico de Roman Polanski cómo fue "El bebé de Rosmary" sobre la novela de Ira Levin con algunas sutiles pinceladas. Es bueno recordar que Sussman fue guionista del inquietante filme "Below" de David Twohy

Kevin Greutert, demuestra que puede hacer cine de terror sin la necesidad de mostrar tripas, sangre y miembros cercenados, utilizando una puesta de cámara mucho mas sobria, minimalista, lejos del mundanal ruido citadino, en donde los espacios abiertos y las montañas conforman el escenario perfecto para este thriller con toques sobrenaturales.

Quienes vean "Visiones" seguramente no se van a encontrar con una gran pelicula, pero si con un producto digno del género, que entretiene, que no decae en los 80 minutos que dura y que sorprende por dos razones, por su eficaz guión y porque redime al director Greutert de ese fiasco espantoso que fue "El juego del miedo 7"

Maggie de Henry Hobson

2016-05-21T15:22:00.002-03:00

Cuando el horror se transforma en poesía

Existe un falso concepto de que las películas de terror, en líneas generales, no pueden ser artísticas y que deben ser meros entretenimientos para un público "pochoclero", ávido de ver litros de sangre, diversas maneras de morir y recibir una dosis de sustos al por mayor. Nada de eso sucede con "Maggie" (2015) de Henry Hobson, un filme que realmente sorprende por su simpleza narrativa, su estética casi "amateur" y su nimia historia.

El filme toma como eje central la epidemia zombie, un tema nada novedoso y que últimamente ha dado infinidad de películas e incluso serie exitosas como "The walking dead" lo interesante aquí es el punto de vista desde donde está contada la historia y cuál es el verdadero conflicto, que nada tiene que ver con el ataque de una horda de muertos vivientes con hambre de carne humana. Lo transcendental del filme es la relación padre hija y el valor del amor filial, ese que puede superar cualquier obstáculo, incluso la lenta degradación del cuerpo y la transformación inexorable en un ser monstruoso.

"Maggie", no solo nos hace reflexionar sobre el verdadero sentido de las relaciones fraternas, sino que nos pone frente a la necesidad de tomar decisiones ante lo inevitable, decisiones que escapan a cualquier racionalidad posible cuando se trata de la vida de una hija, y que obligan, si es necesario, a enfrentarse al sistema para defender el derecho a una muerte digna en las condiciones que uno elige y no en las que le son impuestas. El filme es además una brutal alegoría sobre el cáncer infantil y adolescente y sobre las consecuencias que trae aparejado en el seno familiar.

"Maggie" es sin dudas, la mejor pelicula de Arnold Swarzenegger y eso es mérito doble, porque quienes siguen la filmografía del gigante austríaco y ex gobernador de California, saben que nunca fue un destacado de la actuación. Este logro se debe en gran medida al "tempo" que el director Hobson le impone al filme, algo que sin dudas le calza justo al icónico actor de 69 años.
Abigail Breslin, con su hermoso rostro lleva el personaje que da nombre al filme con la solvencia de una joven actriz que cada día crece más y más.

Pero los laureles se los llevan Arnold y el director Hobson, ya que sin sus magníficas intervenciones, esta fantástica y emotiva película podría haber quedado rápidamente en el olvido.

Creed de Ryan Coogler

2016-02-03T10:16:00.000-03:00

40 años de vigencia

Las películas de "Rocky" (1976) desde su primera aparición en los finales de la década del 70 hasta sus dos últimas, "Rocky Balboa" (2006) y "Creed" (2015) siempre han sido un gran éxito de público., en especial para los americanos a quienes las historias de superación humana le son muy afines a su "american way style"

Creed de Ryan Coogler retoma el personaje de Rocky Balboa, interpretado por el icónico Sylvester Sallone, y lo devuelve en una faceta completamente distinta, con unos cuantos años a cuesta, dolores de espalda y una vida totalmente alejada de la gloriosa época del boxeo en donde brilló como el mejor pugilista sobre la lona. El destino, y la mano del guionista (Ryan Coogler), harán que su tranquila existencia se cruce con Adonis Johnson (Michael B Jordan) hijo no reconocido de su famoso rival Apollo Creed. Este encuentro dará lugar a una entrañable amistad entre ambos y una mutua cooperación que llevará de alguna manera a la sanación de ambos.

"Creed" es una de la mejores películas de la saga, es entrañable, conmovedora, entretenida, divertida y tiene a un Sylvester Sallone en una de sus mejores interpretaciones, que no veíamos desde aquel Rocky Balboa, por el que fue nominado al Oscar y no pudo ganarle a un excelente Peter Finch en "Network" de Sidney Lumet.

Hoy, después de de 40 años de aquella premiación vuelve a tener la posibilidad de alzarse con la dorada estatuilla como mejor actor de reparto, con la diferencia que en 1976 era un desconocido y hoy es un actor, director, guionista y productor altamente reconocido por la industria y acaba de ganar el Globo de Oro por esta actuación.

La actuación de Stallone es realmente para destacar, es increíble como un personaje creado por él cuando escribió el guión que finalmente logro ver la luz de la mano de John G Avildsen a quedado tan impregnado en su esencia que a pesar del tiempo transcurrido sigue manteniendo la misma forma de hablar, como si tuviera una papa en la boca, y posee los mismos modismos y actitudes, a las cuales le agrega los nuevos que impone el paso de los años. Stallone está verdaderamente sublime, elegante y delicado, con una sutileza que va entre aquel bruto e inexperto que entrenaba subiendo las escaleras del Museo de arte de Filadelfia, a un sabio y experimentado entrenador que intenta ayudar a Adonis Johnson "Creed"

El director de color Ryan Coogler, con escasa experiencia cinematográfica, este es su segundo largometraje, homenajea perfectamente a la saga y al director Avildsen, en especial es las escenas arriba de ringside y logra mantener un ritmo intenso a lo largo de las más de 2 horas que dura el filme, gracias a un excelente montaje y una cautivante música rapera. Los bajos fondos de Filadelfia, son tomados por el lente de su cámara con habilidad, logrando una perfecta empatía con ese submundo y el espectador.

Seguramente "Creed" no quedará en la historia del cine como "Rocky", pero sin dudas está entre las mejores que se han hecho posterior a la original y lo mejorcito que he visto en estos días. Vale la pena ir a verla "Creed" gana por puntos y Stallone por knockout.

Spectre de Sam Mendes

2015-11-08T15:18:00.001-03:00

Un Bond en decadencia

Las películas de James Bond siempre me han fascinado. Desde chico cada vez que salía algún filme inspirado en 007 el personaje creado por Ian Fleming allá por la década del 50 en plena guerra fría, corría al cine a verla. Desde Sean Connery, pasando por George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan hasta Daniel Craig, el agente secreto británico con licencia para matar no ha parado de tener misiones cada vez más sofisticadas y peligrosas. "007 contra el Dr No" de Terence Young (1962) fue la que abrió el camino para llegar a "Spectre" de Sam Mendes (2015), la última de las entregas. En esos más de 50 años se hicieron muchas historias basadas en la novelas de Fleming, pero con el tiempo fueron quedando desactualizadas, ya que los conflictos internacionales variaron y el "eje del mal" se corrió de Rusia hacia Latinoamérica, Corea y finalmente a conflictos dentro del mismo Reino Unido. En "Spectre", el mal está dentro del mismo servicio secreto a través de una organización conformada por varios villanos del pasado y que incluye la vigilancia y el control de todos los agentes.

Sam Mendes es un gran director y lo demuestra con el plano secuencia del inicio en la ciudad de México en pleno festejo del día de los muertos, perfectamente coreografiado, con entradas y salidas de personajes enmascarados y una cámara móvil que no deja de seguir la acción la cual es cada vez más trepidante. Lo que viene después no tiene nada que ver con ese magnífico comienzo y "Spectre" entra en un producto vulgar, plagado de errores de guión, de continuidad y lleno de resoluciones tan simples y remanidas como la clásica de que la pistola no tiene balas porque el otro se las sacó antes y encima se las muestra abriendo su mano.

Si bien el filme entretiene y las 2 horas 30 no se hacen eternas, toda la trama alude al Bond de los 70, 80 y 90, en donde las situaciones excedían cualquier lógica. Armas que siempre tienen balas, cambios de vestuario en largos viajes a través del desierto, destrozos donde nadie aparece para poner orden como la escena del tren en donde Bond pelea con el enorme Hinx (Dave Bautista), un homenaje a los filmes "La espía que me amó" (Lewis Gilbert 1977) y "Mooraker" (Lewis Gilbert 1979) en donde el Bond que interpretaba Roger Moore se enfrentaba en un tren con Mandíbulas, un gigante Ruso interpretado por el actor Richard Kiel. El filme en sí es totalmente autorreferencial desde tener un personaje llamado M (Ralph Fiennes) igual que en "De Rusia con amor" (Terence Young 1963) hasta intentar cerrar los tres filmes anteriores que hizo Graig "Casino Royale" (Martin Campbell 2006), "Quantum of Solace" (Marc Forster 2008) y "Skyfall" ( Sam Mendes 2012)

Para terminar, "Spectre" es muy inferior a "Skyfall" , falta química entre Graig y Lea Seydoux y el papel de Christoph Waltz nunca termina de encajar. Da la idea que "Spectre" se hizo para dar por terminada la etapa de Daniel Graig al frente del personaje, aunque revisando en IMDB se rumorea que el actor va a estar en la próxima entrega "Bond 25" también al parecer bajo las órdenes de Mendes. Habrá que esperar.