Cinergia

El juego del miedo 7 3D de Kevin Greutert

2012-01-03T21:02:00.002-03:00

Como destrozar una buena idea en 7 pasos

La verdad que no se porque insisten en seguir haciendo películas sobre "Jigsaw". Hasta la segunda o tercera estaba dentro de todo bien, pero de ahí en adelante las que siguieron han sido una peor que otra. La ultima entrega de este maquivélico asesino es verdaderamente patética. Realmente no se como se puede, gracias a la tozudez de algunos productores, destrozar un filme original, interesante e innovador como fue "Saw" de James Wan

En esta séptima entrega, el detective Mark Hoffman (Costas Madylor) sigue los pasos de este maquiavelico asesino, utilizando las mismas habilidades en ingeniería y mecánica que poseía John Kramer, algo realmete incomprensible, pues las distintas maquinas de la muerte son cada vez mas sofisticadas en su diseño y contrucción y es poco probable que un simple detective haya adquirido esas capacidades tan rápidamente, salvo que desde la tumba Jigsaw le pase las instrucciones de como se deben armar.

En general el filme no aporta nada nuevo a lo ya re contra visto, pero además, adolece de tener los peores efectos especiales que he visto en toda la saga. Realmente son muy malos. Es impensado que mientras la tecnología avanza para ofrecernos mejores y más realistas efectos, se utilicen algunos de tan baja calidad, como por ejemplo, utilizar una tira de chorizos o salchichas parrilleras para emular unos intestinos que caen de un vientre abierto por una cierra mecánica. Seguramente un grupo de estudiantes de cine hubieran hecho mejores efectos (un aplauso para los chicos de Plaga Zombie)

"El juego del miedo 7 3 D" esta plagado de lugares comunes y su director Kevin Greutert, quien dirige la serie por segunda vez, muestra que no es el mejor realizador de la saga, siendo inferior a Darren Lynn Bousman, el director de las anteriores. La puesta que utiliza es realmente mediocre y no sobresale de los otros filmes, excepto el filme original. Creo que los productores se han ensañado con una muy buena historia pensando que le podían seguir sacando jugo, y lo único que han hecho es despedazarla, como las víctimas de Jigsaw, en apenas siete pasos. Lo peor es parecen no darse cuenta que la idea esta agotada, porque en esta última entrega ya hay un sucesor para continuar con los juegos del miedo del señor Jigsaw. A prepararse que se vine la octava.

Rubber de Quentin Dupieux

2011-12-28T18:31:00.003-03:00

Una película sin razón

Las películas como la vida están llenas de sin razones, hechos o situaciones que no tienen una explicación de porque están allí. "Rubber" de Quentin Dupieux es un homenaje a la sin razón que vemos constantemente en los filmes y da como resultado un filme atípico, absurdo y delirante, en donde la lógica racional directamente no existe. Piensen en la historia de un viejo y abandonado neumático de auto que sin una razón aparente cobra vida y comienza a sembrar el terror en un pequeño pueblo del desierto norteamericano al descubrir que tiene poderes de mentales y puede hacer explotar, con solo pensarlo, a quien se le cruce en su camino. Eso no es todo, pues la gorma rodante esta obsesionada con Sheila ( Roxane Mesquida ) una joven del lugar y no parara hasta acosarla marcando su lado psicópata y perverso. Pero "Rubber" tiene más, pues todo esto que les cuento es parte de un filme con interpretación en vivo y con espectadores que observan todo desde una de las colinas con larga vistas. Un verdadero delirio.

"Rubber" es una de las películas más ingeniosas que he visto últimamente, pues sabe combinar el absurdo con una trama de horror y suspenso, llegando al punto de convertir a la gastada cubierta en un personaje totalmente creíble y con carácter que por momentos llega a inquietar.
Dupieux se ríe del cine y de todos los estereotipos y sin razones que plagan las películas y arma un filme emblemático, enrolado dentro una trama al estilo "serial killer" pero movido por las leyes del absurdo. Dentro del elenco se destacan Stephen Spinella, Jack Plotnick y Wings Hauser. Estoy seguro que los amantes de este tipo de cine la van a pasar genial y no se van a ver defraudados

Halloween

2011-11-09T19:10:00.000-03:00

Entretelones de un filme de culto

Afiche original

En la primavera de 1978 un grupo de jóvenes productores y el director John Carpenter se juntaron y dieron comienzo al rodaje del filme Halloween sin tan siquiera pensar en lo que eso significaría para sus carreras. La producción a cargo de Moustapha Akkad, Debra Hill e Irwin Yablans contaba con un presupuesto reducido de 300.000 dólares y Carpenter junto a Tommy Lee Wallace debían encontrar la forma de como realizar el filme con ese acotado presupuesto, Luego de pensar de que manera se podrían ahorrar costos en relación al tiempo de rodaje Carpeter recurrió a lo que hoy se conoce como Steady cam (el usado en el filme era un sistema anterior mucho mas pesado) y que en aquella época solo se había utilizado por primera y única vez en el filme Rocky, de John G. Avildsen pero solo en escenas de pelea. La inclusión en el diseño de producción y rodaje de un dispositivo móvil que le permitía mover la cámara de un lugar a otro, le dio al filme la posibilidad de que el espectador estuviera más cerca de la acción, lo que redundo en un mejor manejo del suspenso y el terror.

Para el papel de Laurie Strode, los productores y el director recurrieron a Jamie Lee Curtis, una joven actriz que recién empezaba a dar sus primeros pasos en el cine y que tenia como referencias ser la hija de los actores Janet Leigh y Tony Curtis. Para el papel del doctor Samuel Loomis se pensó en un primer momento en dos míticos actores del cine de terror Peter Cushing y Christopher Lee, pero finalmente, y luego de que ambos rechazaran el papel, el rol recayó en Donald Pleasence.La inclusión de este veterano actor, hizo que el presupuesto se incrementara en 25.000 dólares.

Donald Pleasence como el Dr Sam Loomis

El rodaje tiene sus secretos y anécdotas, algunas muy insólitas, como por ejemplo que la mascara, que luego se convertiría en la imagen representativa del personaje, es del capitán Kirk el de viaje a las estrellas. ¿Alguna vez pensaron que el rostro de William Shatner y el Michael Myers son el mismo?

Otro dato curioso es que Carpeter presento un off line sin música a un importante estudio para su distribución, al terminar la proyección le dijeron que el filme era muy malo y que no asustaba a nadie. Unos meses después volvió a presentarlo, esta vez con la música, y la misma persona que antes la había calificado de mala y que no asustaba a nadie, le dijo que era la mejor película de terror que había visto en años. ¿El poder de una buena música o un empresario del cine con poca memoria? Cosas que tiene el cine.

Respecto a la música el dato de color es que ese tema, que todavía hoy nos pone la piel de gallina cuando la oímos, es una simple melodía que su padre le tocaba a Carpenter cuando era niño y que el director recordó y pensó que iría bien con la película... increíble ¿no?

Tomy Lee Wallace tras la máscara

Pero ¿quien interpreto a Michael Myers? En realidad no fue solo un actor el encargado de calzarse la mascara, sino varios, entre ellos el director y amigo personal de Carpeter, Nick Castle. También lo hicieron Tony Moran, Tomy Lee Wallace y la mismísima Debra Hill

El corte final del filme esta plagado de errores, entre los más destacados esta la toma junto a una cerca de ligustros donde se ve claramente una bocanada humo del cigarrillo de Carpeter que estaba escondido detrás de los arbustos supervisando la escena.

Curiosidades de un filme de culto que ha perdurado después de más de 30 años de su estreno y que aún sigue dando suculentas ganancias económicas... ¿Habra Michael Myers para rato?

Piraña 3 D de Alexandre Aja

2011-08-21T10:46:00.004-03:00

Simplemente sangre

Allá por 1978 el director Joe Dante, impregnado por el éxito de Tiburón de Steven Spielberg, se embarco en un proyecto de similares características y realizo el filme Piraña. Un filme de bajo presupuesto en donde un cardúmen de voraces pirañas modificadas genéticamente por la contaminación de una planta industrial que arrojaba desechos al lago, se hacian un verdadero festín de sangre y carne fresca con quien se se metiera en su territorio.

Siguiendo con esta modalidad de Hollywood de hacer remakes de viejos filmes y a más de 30 años del estreno del filme de Dante, el director Alexandre Aja, se animo a hacer una nueva versión del filme, esta vez con algunas modificaciones es su idea original y apoyado por las nuevas tecnologías de imágenes generadas por computadoras y por el resurgimiento de los filme en 3ª dimensión. El resultado es un filme realmente malo, totalmente aburrido y con una trama mas emparentada con Tiburón que con el filme original, de hecho es evidente el guiño, pues apenas inicia el filme la primera víctima de este nuevo cardúmen de hambrientas pirañas es el actor Richard Dreyfuss, recordado por su papel del oceanógrafo Matt Hooper en el filme de Spielberg. Por otro lado, el personaje de Martin Brody que interpretaba Roy Scheider esta ahora en manos de una mujer la sheriff Julie Forrester, interpretada por la actriz Elizabeth Shue y su historia personal es algo similar a la de Brdody ya que sus hijos también se ven en peligro igual que los hijos de Brody.

La historia es demasiado simple. En plena época de vacaciones en el lago Victoria, un movimiento de las placas tectónicas submarinas liberan a centenares de pirañas prehistóricas al lago lleno de jóvenes musculosos y chicas esculturales y con poca ropa. Lo que sigue es más que evidente, la masa juvenil que prácticamente han copado el lago, terminaran siendo el almuerzo de los voraces pececitos.

A Alexandre Aja le gusta la sangre y el cine gore, lo ha demostrado con sus tres filmes anteriores. En Piraña 3 D no se queda atrás y pone todo lo que tiene en los efectos de maquillaje y digitales, así vemos miembros comidos, cuerpos mutilados y escenas verdaderamente sangrientas, claro que con eso solo no vasta, porque al no tener una historia que realmente atrape el interés del espectador toda esa pirotécnia visual queda absolutamente en la nada. Piraña 3 D es un verdadero bodrio, uno más de los tantos que se están produciendo últimamente en los Estados Unidos.

Halloween 2 de Rob Zombie

2011-06-05T13:35:00.011-03:00

Más vivo que nunca

Michael Myers no esta muerto, esta mas vivo que nunca, el responsable de traerlo nuevamente a la vida es el director Rob Zombie, quien parece haber quedado prendado con el mítico personaje creado por John Carpenter, y Debra Hill allá por finales de la década del 70. En esta su segunda película sobre uno de los asesinos seriales mas populares que ha dado el cine contemporáneo, Zombie trata de entrar en la mente Myers y lo hace desde una perspectiva surrealista, incluyendo una serie de visiones en donde aparecen su madre (la infaltable Sheri Moon Zombie) y él mismo cuando era un niño (el personaje de "Halloween el origen" el filme anterior de Zombie) Lo que sigue, es ya conocido, Michael Myers no está para nada muerto como asegura el doctor Sanuel Loomis, interpretado nuevamente por el actor Malcolm McDowell, y esta dispuesto a acuchillar y despedazar a quien se le cruce en su camino.

El filme, no aporta nada nuevo al género ni al la historia, Myers sigue siendo el mismo psicópata de siempre, ávido de enterrar su enorme cuchillo en el cuerpo de quien tenga en frente. Si hay un cambio en cuanto la forma en que se presenta el personaje, ya que por momentos podemos vislumbrar el rostro de este despiadado asesino, aunque mimetizado bajo una tupida barba y un largo cabello. Esta es la primera vez en toda la saga que se ve el rostro de Myers, dándole así al personaje una entidad que antes no tenía, sacándolo de ese pedestal de criatura no humana y demoníaca. Esta era la oportunidad que el director tenía para explotar un lado más humano del personaje, pero Zombie, prefirió seguir siendo fiel a los caracteres creados por Carpenter, antes de animarse a bucear un poco en las cuestiones que hacen a la psicología del personaje y por consiguiente, Myers sigue siendo el mismo impertérrito e insensible criminal.

Por lo demás, mucha sangre como es costumbre en las películas del director Rob Zombie, algunas escenas muy bien resueltas desde la composición, sobre todo aquellas en donde la acción sucede de noche y muy poquito en lo que se refiere al guión.

A más de treinta años de su inicio, Michael Myers sigue causando muertes por donde transite, lastima que ya no cause tanto miedo como aquella primera vez, cuando se encargo de asustar a una jovencita Jamie Lee Curtis ¿Sera hora que lo dejen descansar en paz y no lo vuelvan la vida una y otra vez como hacen con Jason Voorhees?

Un maldito policía de Werner Herzog

2011-04-17T11:40:00.005-03:00

El enemigo interior

Hacer una remake implica un desafíio por parte del realizador que se anima a tomar un guión de un filme ya hecho para hacer una nueva interpretación. Este desafio esta puesto en que si la película original fue un éxito, el resultado de la ramake debe ser igual o mejor. La mayoría de la veces sucede todo lo contrario, remakes como "Psicosis" de GusVan Sant o "Criminal" de Gregory Jacobs que es la versión americana de la película argentina "9 Reinas" de Fabián Bileinsky son dos ejemplos claros.

Siguiendo esta linea de tomar viejos guiones y readaptarlos a la época actual, el director alemán Werner Herzog se propuso hacer una nueva versión del filme de culto "Un maldito policía" de Abel Ferrara. Para quienes vieron el filme original de 1992 y vieron la remake del 2009 se van a encontrar con sustanciales diferencias, que no son principalmente en la historia central, sino en la concepción del personaje. El policía corrupto que interpretaba Harvey Keitel entraba en una espiral de decadencia moral, espiritual y física que se iba desarrollando a lo largo de todo el filme hasta terminar en una persona completamente desquisiada. En la versión de Herzog, el personaje que interpreta Nicolas Cage también entra en un círculo de drogas y violencia, pero sus resultados son distintos. El maldito policía de Ferrara no tiene salida y cae en un pozo oscuro, mientras que el de Herzog parece tener una luz al final del camino.

Afiche del filme original de 1992

Otra significativa diferencia son las maneras de narrar de ambos. A Ferrara le gusta más la noche, por eso su personaje deambula por el sub mundo de la noche más que de día. Ferrara debe ser uno de los directores que mejor maneja las imagenes nocturnas. Sus primeros planos con luces desenfocados y su agudo ojo sobre la crudeza y la violencia urbana hacen de este director uno de los más plásticos en este sentido En cambio para Herzog la noche y sus historias de marginalidad no parecen ser tan importantes, por eso su personaje no vive ni transita demasiado la noche.

Ambos filmes son interesantes y se dejan ver, pero quizá sea la versión de Ferrara la que sale mejor parada, primero porque Keitel interpreta al teniente de policía de manera sobresaliente y segundo porque Ferrara tiene un mirada diferente, en especial sobre ciertas miserias humanas. Por otro lado, lo que desmerece un poco al filme de Herzog en la interpretación de Nicolas Cage, quien no logra encajar en el personaje sino es a través del estereotipo, lo que se nota demasiado en su actuación.

La carretera de John Hillcoat

2011-03-25T11:11:00.007-03:00

Nunca dejes de caminar

El fin del mundo parece ser un tema muy atractivo para los productores de Holywood, en especial aquellas películas que hablan sobre un mundo post apocalíptico. Claros ejemplos son, "Doomsday" de Neil Marshall "El libro Eli" de los hermanos Albert Hughes y Allen Hughes, "Soy leyenda" de Francis Lawrence y la reciente "La carretera" de John Hillcoat. De todos estos títulos "La carretera" sobresale sin ninguna duda. La diferencia radica en que el filme de Hillcoat, además de tener un guión muy sólido, cuenta una historia sumamente interesante entre un padre y un hijo que deambulan por un mundo devastado en busca de un futuro que quizá nunca llegue.

Todos los filmes que mencioné anteriormente retratan ese Universo post apocalíptico de distintas formas y con mayor o menor crudeza, pero "La carretera", sin ser un filme extremadamente violento como "Doomsday" o "El libro de Eli", resulta ser el mas inquietante de todos. Esto se debe a que además de ser una historia de supervivencia, es también un drama psicológico. A lo largo del filme se plantea la relación entre un padre desesperado y su hijo. El hambre, la falta de un techo donde dormir y las pandillas de personas que se han convertido en caníbales, son sus principales enemigos. Ambos deambulan cual mendigos, por calles y terrenos peligrosos, van hacia el mar, en busca de una esperanza incierta. Comen lo que pueden, duermen donde los atrapa la noche y nunca dejan de caminar. El caminar los mantiene vivos.

El padre es una persona muy desconfiada, se ha vuelto egoísta y desalmado, mientras que su hijo de unos doce años, es todo lo contrario, no puede soportar la terrible situación y siempre trata de ayudar a las pocas personas con las que se cruza. Esta diferencia genera ciertos roces entre ambos, pues su padre es capaz de matar si alguien le roba alguna lata de comida o una frazada, mientras que su hijo esta siempre abierto a compartir lo poco que tienen. El padre guarda dos balas en su revolver y entrena a su hijo para que, llegado el momento, lo mate y luego se suicide, algo realmente conmovedor.

"La carretera" es uno de los filmes mas emotivos que he visto, hacia tiempo que no derramaba una lágrima viendo una película y juro, que este filme me las hizo brotar en varios pasajes. Quizá, sea ese halo de tragedia que invade todo el filme, el que a uno lo haga flaquear, pues intuye que no existe salvación alguna, aunque el final deje abierta una puerta a la esperanza.
Viggo Mortensen esta fantástico, al igual que un irreconocible Robert Duvall, lo mismo para el niño Kodi Smit-McPhee en el papel del hijo. La dirección de Hillcoat es impecable, duele ver esas imágenes de un mundo destruido a casi cenizas y uno puede sentir el frío y el hambre como si fueran propios.

"La carretera", es un filme magnifico, terriblemente doloroso que nos pone un punto de atención en lo que nos puede llegar a suceder si no cambiamos algunas actitudes.

Synecdoche, New York de Charlie Kaufman

2011-02-13T10:13:00.012-03:00

El caótico mundo de Charlie Kaufman

Afiche original del filme

El genial guionista de filmes maravillosos como "Adaptación" (aquí conocida como "El ladrón de orquideas") ·¿Quieres ser John Malkovich?" o "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos" Charlie Kaufman, debuta como director con "Synecdoche, New York" un filme extremadamente complejo como original. La película, cuenta la historia del director de teatro Caden Cotard, interpretado por Philip Seymour Hoffman, quien se enfrenta a una crisis existencial, pues su vida no puede estar peor. Su mujer Adele se ha ido a Berlín para continuar con su carrera artística, llevándose a la pequeña hija de ambos. Esta realizando la puesta de una obra de teatro, la cual parece nunca tener fin, e ir mutando a cada rato, es como si todo fuera parte de su propia vida, con actores que se encargan de representarlo a él y a las personas mas cercanas. La obra comienza en un pequeño teatro y luego se va ampliando hasta transcurrir en una réplica tamaño real de la Nueva York Por otro lado, una extraña enfermedad parece afectarlo físicamente, aunque todo hace suponer que en realidad son respuestas psicosomaticas las que atacan su cuerpo, ya que vive en los médicos y esta pendiente de cada nuevo síntoma que le aparece, como por ejemplo una escena en donde examina sus excrementos y dice ver sangre en ellos.

El universo creado por Kaufman en "Synecdoche, New York", es verdaderamente caótico y sumamente confuso, ya que, al igual que en los filmes de David Lynch, los personajes tienen representaciones distintas y llega un momento en donde uno no sabe exactamente quien es quien. Además, existen tantos tiempos diferentes, que la narración se hace por demás quebrada y alterada, lo que provoca una mayor confusión para el espectador. El eje central por el que transita la historia parece ser el miedo a la muerte, a las enfermedades y a la vejez, pero también hay una mirada sobre el sexo y la infidelidad y sobre la imposibilidad de terminar algo (la obra de teatro lleva años de trabajo y nunca se termina del todo) Existe también en el filme, el sentido de la dualidad, sexual, Caden, además de ser un hombre, es también una mujer al interpretar a Ellen, uno de los personajes del filme.

Con actores de la talla de Samantha Morton, Dianne Wiest, Emily Watson, Catherine Keener y Tom Noonam, "Synecdoche, New York" es un filme surrealista, muy irregular, fluctuante, por momentos disparatado y absurdo, pero por sobre todas las cosas puramente onírico, en donde la realidad se mezcla constantemente con la ficción. "Synecdoche, New York" no es un filme fácil de llevar, su visión implica un esfuerzo extremo para poder tratar de interpretar lo que la mente de Kaufman nos ha querido decir, quizá. algo que nos aclare un poco el "bolonqui" argumental este en el nombre original, que incluye el juego de palabras entre Schenectady (la ciudad de Nueva York donde se desarrolla la historia) y synecdoche, el término inglés para referirse a sinécdoque, la figura literaria que consiste en utilizar una parte de algo para nombrar o representar al todo. En fin, la verdad, no lo se. Prefiero ver un filme de Lynch, si bien son también complejos son más provocadores..

7 días de Daniel Grou (PODZ)

2011-01-24T11:44:00.010-03:00

Ojo por ojo

"Siete días" del canadiense Daniel Grou (quien firma sus películas como PODZ) es un filme fuerte, que cala hondo en el espectador por su crudeza y realismo y que además, plantea el dilema moral de si es lícito aplicar la ley de Talión en aquellas personas que han sido victimas de algún tipo de delito y cuyas consecuencias acarrean daños irreparables.

El filme, basado en al novela "Les sept jours du talion" de Patrick Senécal, cuenta la historia del Dr Bruno Hamel (Claude Legault), quien tiene una vida feliz con su esposa y su pequeña hija Jasmine y que de repente se ve totalmente cambiada cuando su hija es encontrada muerta y violada en un descampado. A partir de ese terrible y doloroso suceso, el Dr Hamel entra en una espiral de venganza que lo llevara hasta su propia degradación humana. Hamel, movido por instintos primitivos, secuestra a Anthony Lemaire (Martin Dubreuil) el sospechoso del asesinato y violación de su hija y durante 7 días lo tortura sin piedad en un acto de resarcimiento por lo que le hizo a su pequeña y a su familia.

El filme es extremadamente explicito, las laceraciones, golpes y operaciones a las que es sometido Lemaire son muy reales e impactan profundamente. También provocan la crudeza y la manera con la que se trata un tema espinoso como es el de si aplicar justicia por mano propia es aceptable o no en casos violación de menores seguida de muerte. En la película las dos posturas están claramente expuestas y sera el espectador en definitiva quien deba tomar partido por una u otra. El filme también reflexiona sobre quien es mas cruel, si aquel que dio muerte a una indefensa niña luego de violarla o quien esta aplicando la justicia por mano propia de una manera brutal e inhumana.

El número 7 tiene un significado doble, por un lado reperesenta la edad que su hija iba a cumplir antes de su muerte, pero por otro tiene que ver con la simbología mística del número, que como se sabe esta relacionada con el creador supremo, Bruno Hamel es ahora un Dios vengativo que tiene el poder dar o quitar la vida.

Daniel Grou se muestra como un realizador interesante que apuesta a un cine personal y reflexivo, con una puesta en escena en donde los silencios del protagonista se contraponen con los gritos desgarradores de su víctima. Por su parte Claude Legault esta verdaderamente soberbio en el papel de Bruno Hamel. Arma su personaje desde la contradicción misma. Nunca se lo ve completamente conforme con lo que hace. Por un lado esta convencido que lo que esta haciendo es lo correcto, pero por otro, su lado racional aparece, lo confronta con él mismo y lo pone frente un dilema moral que le provoca violentos ataques de ira. Esto queda de manifiesto cuando encuentra los restos de un ciervo semi devorado por los animales salvajes y cuya presencia en el lugar le provoca rechazo, al punto de ocultarlo bajo una ramas.

"Siete días" es un filme impactante, con un tema recurrente en el cine (la venganza como epicentro) pero con una mirada mucho mas humana, aunque algunas escenas, por su truculencia, no lo demuestren.

La mejor escena de supenso

2011-01-15T19:18:00.013-03:00

El faro de la angustia de Simon Hunter

Si tuviera que elegir la mejor escena de suspenso que he visto últimamente, seguramente elegiría una del filme "El faro de la angustia" del director británico Simon Hunter. El filme rodado en 1999 cuenta la historia de un grupo de empleados carcelarios que trasladan en barco hacia una cárcel a varios reos. En medio del traslado se enfrentan un banco de niebla y sufren un accidente náutico que los obliga a recalar en el faro de la costa, sin saber que hasta allí ha llegado también Leo Rook, un violento asesino serial que ha escapado de la cárcel.

La escena en cuestión es realmente formidable desde todo punto de vista. El capitán del barco, un hombre borracho, sube al entre piso para ir al baño. Se saca un especie de bufanda blanca que lleva, enrollada en su cuello, la coloca en el suelo y se dispone a usar el sanitario. El lugar tiene varios retretes con puertas de madera. Mientras esta haciendo sus necesidades oye pasos que suben por las escaleras. Observa por debajo de la puerta del retrete y ve unos zapatos blancos (característica que identifica al asesino) luego unas gotas de sangre caen sobre los zapatos.
El capitán se asusta y trata de no ser descubierto. Se sube al inodoro y espera que violento criminal se vaya. El asesino deambula por el baño, parece no haber detectado la presencia del capitán. El hombre en el baño, suda por el terror que le provoca la situación.

De pronto, el capitán hace un involuntario movimiento con su brazo y un frasco de desodorante en aerosol que esta sobre una repisa cae al suelo. La cámara sigue su caída, lo hace en cámara lenta. El miedo se acrecienta, los nervios se tensan. El objeto cae sobre la bufanda, apagando así el ruido. Primer suspiro, ahora respiramos aliviados. El asesino no se da cuenta, de que hay alguien escondido dentro del retrete. Comienza a irse del baño. Desciende lentamente por la escalera caracol, peldaño a peldaño. Lo hace lentamente, como si cada paso fueran cien. El hombre dentro de retrete suspira aliviado, se asoma y ve como el sádico criminal baja por la escalera. Se prepara para irse en cuanto pase el peligro. Instintivamente toma la bufanda sin darse cuenta del objeto que hay sobre ella. Al tomarla, el tubo del aerosol rueda por el piso hacia la boca de la escalera. Leo todavía esta bajando, esta eternizado en ese descenso. El objeto, rueda y rueda, parece que nunca va a llegar. El tiempo se detiene. El aliento también.

En el retrete el hombre ruega a Dios que el tubo del aerosol no caiga al vacío. Milagrosamente el objeto metálico se detiene en el borde del oscuro hueco. Leo, continua su lento descenso. sin advertir nada. Segundo suspiro. Todo esta por terminar de la mejor manera. El hombre salvará su vida. De repente, una violenta ráfaga de viento abre la ventana del baño y le da al aerosol ese empujoncito que le faltaba para caer escaleras abajo. El tubo, movido por la gravedad cae y rebota en cada peldaño. El sonido de sus golpes son el presagio de una muerte inevitable. El capitán dentro del retrete no puede esta vez salvar su vida.

Genial escena, me saco el sombrero y aplaudo a Simon Hunter por tan perfecta y bella escena de suspenso que creo no solo desde la construcción del guión, sino desde la magnifica puesta. Imperdible

Enterrado de Rodrigo Cortés

2011-01-02T10:55:00.007-03:00

Enterrado e incomunicado

Para los que hacemos cine filmar una película en un solo decorado y con un solo actor es como tocar el cielo con las manos. Costos de producción mínimos, nada de ir de una locación a otra y no tener que andar lidiando con varios actores y cientos de extras, son solo algunos de los beneficios que implica. Ahora bien, ¿se puede mantener el interés del espectador durante una hora y media en un solo decorado y con un solo actor? La respuesta esta en "Enterrado" el filme del director español Rodrigo Cortés, quien con un guión de Chris Sparling logra un filme verdaderamente inquietante y sumamente atrapante.

Paul Conroy (Ryan Reynolds), un transportista que trabaja en Irak, despierta atado y amordazado dentro de una caja de madera. No sabe porque está allí y quien lo puso. Poco a poco se va dando cuenta que su convoy de camiones a sido atacado y que él ha sido secuestrado por terroristas islámicos y que se encuentra literalmente enterrado vivo. Dentro de la caja hay muy pocos elementos, un encendedor de bencina, una lapicera, un celular, una navaja, una linterna y dos barras de luces fluorescentes, de esas que se usan en emergencias. Paul sabe que no tiene mucho tiempo, así que empieza a usar el celular para tratar de contactarse con quien sea que lo pueda sacar de ese infierno bajo tierra. Los terroristas se contactan con él, piden cinco millones de dólares de rescate, sino en dos horas comenzaran a echarle tierra encima para terminar de enterrarlo.

No hay mucho más, esa es toda la película. Una hora y media viendo como un hombre, encerrado dentro de una caja de madera, intenta escaparle a la muerte. Lo genial del filme es que pese no salir nunca de la caja, ni siquiera se ven flashbacks de lo que le paso, en ningún momento se pierde el interés por saber como Paul Conroy va salir de allí. Otro aspecto interesante del filme es su critica a los Estados Unidos y al manejo que hacen con quienes son víctimas de actos terroristas. También existe una interesante mirada critica sobre la burocracia que hay cuando alguien llama pidiendo auxilio en una situación extrema. Derivaciones, preguntas estúpidas y largas esperas en linea son parte de un muestrario de inconcebibles situaciones por las que Conroy debe pasar. Una de las más dramáticas e increíbles es cuando lo llama el jefe de personal de la empresa para la que trabaja y luego de hacerle un montón de preguntas sin sentido, le comunica que ha sido despedido. Diría que el filme en vez de llamarse "Enterrado" se debería llamar "Incomunicado", porque, pese a tener un celular es muy poco el provecho que puede sacar. Uno al final no sabe que es peor, si estar enterrado vivo o si estar incomunicado en un momento tan crítico, en donde la vida se le escapa con cada segundo que pierde.En ese sentido es emblemática la parte en donde Paul habla con su madre, que esta en un geriatrico y no logra que ella lo reconozca.

"Enterrado" es un filme distinto, con todos los ingredientes para entretener, emocionar e incluso incomodar. Por la osadía de plantearse una historia dentro de una caja y con un solo actor y por el resultado obtenido, digo que "Enterrado" es un de los mejores filmes que he visto ultimamente.

El fantastico señor zorro de Wes Anderson

2010-12-24T20:37:00.005-03:00

El fantástico señor Anderson

Si hay una palabra que caracteriza al cine de Wes Anderson es incalificable. Sus películas son dificiles de encasillar, no son comedias, ni tampoco drama, parecen estar en medio de la nada, en medio de una nebulosa conceptual. Al observar el cine de Wes Andreson uno puede ver como los géneros se combinan y se entremezclan para dar como resultado un estilo propio y distinto que ha hecho de este director uno de los artistas contemporáneos mas significativos y creativos de los últimos años.

Anderson es un ser inquieto, un provocador, un innovador y uno de los cineastas que mejor reflejan las disfuncionalidades dentro de la familia americana moderna. En sus filmes, la relación padre hijo o viceversa representan una reiterada obsesión y son el eje en el que ha ido construyendo su cine. "Los excentricos Tenenbaums" o "Viaje de Darjeelin" son dos claros ejemlpos.

Pero Anderson estaba necesitando algo más, algo que lo lo llevara mas allá de sus propios limites, algo nuevo, algo que le planteara un desafío por resolver y busco en el stop motion la solución a esa necesidad insatisfecha y que mejor que adaptar la novela "El fantástico señor Zorro" de Roald Dahl autor de obras como "Charly y la fabrica de chocolates", para debutar como director de animación.

El Sr. y la Sra. Zorro tienen una buena vida con su hijo Ash y su sobrino Kristofferson, que está de visita mientras su papá se recupera de una enfermedad. Pero antes de esta vida en familia, el Sr. Zorro se dedicaba a robar gallinas y su naturaleza le pide regresar a esta vida, poniendo en peligro a su familia y su comunidad. Atrapados bajo la tierra y sin alimentos suficientes, los animales deciden unirse para luchar contra los malvados granjeros (Boggs, Bunce y Bean) quienes están determinados a capturar al Sr. Zorro cueste lo que cueste, quién tiene que usar sus instintos animales para salvar a su familia y amigos.

El resultado, un filme brillante, lleno de ingenio, magia, creatividad y un guión sumamente ingenioso, en donde no falta ninguna de sus obsesiones."El fantastico señor Zorro" es sin lugar a dudas lo mejor de Anderson. Los dialogos son maravillosos, los personajes, aunque son animales de plastilina, son verdaderamente verósimiles y entrañables. La técnica de animación cuadro a cuadro es perfecta y demuestra que cuando hay talento no hace falta tener un gran estudio detrás para hacer un producto en stop motion de calidad. Los muñecos que dan vida a los distintos personajes tienen un grado de perfección pocas veces visto. Por último están las interprtaciones puesta en la voces de excelentes actores como George Clooney en el papel de el señor Fox, Meryl Streep en la piel de la señora Fox y otros grandes de la actuación como Bill Murray, Michael Gambon, Williem Dafoe y los actores fetiches y amigos personales de Anderson, Owen Wilson y Jason Schwartzman

Definitivamente "El fantástico señor Zorro" es una película que ninguna familia se puede perder y en la cual nos podemos identificar de alguna u otra manera, pues se muestran situaciones de la vida cotidiana que en muchas ocaciones se nos asemejan.

Afterwards de Gilles Bourdos

2010-12-22T17:28:00.006-03:00

Mensajero del cielo

El tema de la vida y la muerte y que es lo que sucede una vez que dejamos este mundo no es nuevo en el cine, muchas películas lo han abordado desde distintas miradas, con resultados dispares. En "Afterwards" del director francés Gilles Bourdos, el acto de morirse esta antecedido por la premoción y la idea de que existe un destino pre determinado respecto del día y hora en que vamos a partir, se muestra como una constante a lo largo de toda la película.

Basada en la novela "Et Apres" de Guillaume Musso, el filme se centra en la vida de Nathan (Romain Duris), un abogado que se acaba de separar luego de la muerte de uno de sus hijos de apenas meses y al que de repente se le aparece en su camino el misterioso Dr Kay, (John Malkovich) quien se dedica a entrenar a las personas que están transitando los últimos días de vida para que puedan irse de la mejor manera. Lo extraño es que el Dr Kay dice tener la habilidad de saber cuando alguien se va a morir, lo ve como una aura blanca y brillante alrededor de la persona y se auto denomina como un "mensajero celestial" Su acercamiento a Nathan, que tiene una justificación dentro de la historia y que no voy a adelantar por cuestiones obvias, comienza siendo bastante confuso y críptico.Nathan debe ir descifrando lo que Kay le esta intentando decir y la idea de que su vida esta a punto de terminar comienza a tomar forma.

Contar más seria inapropiado, pues lo sorprendente del filme es esa extraña dualidad en la que se mueve y la vuelta de tuerca que tiene hacia final, lo que hacen de "Afterwards" un filme distinto, con chispasos de poesía, con una profunda espiritualidad y un mensaje positivo sobre nuestra condición de seres mortales que somos y que es lo que nos sucede una vez que dejamos físicamente este mundo.

Existe cierta densidad filosófica, quiza propia de la novela, que hace que sea necesario contar la película con una deliberada morosidad y Bourdos tiene una particular forma de narrar, se parece a Win Wenders en "París Texas" o "Las alas del deseo" La reiterada utilización de voces en off como nexos entre una escena y otra, le dan al relato gran fluidez a pesar de estar impregnado por un aire de melancolía y de resignación.

"Afterwards", es un filme bello desde lo visual, que conjuga el peso de hablar sobre la vida después de la muerte con una historia sólida y lo hace de una manera simple, sin golpes bajos y con la delicadeza que amerita el tratamiento de un tema tan profundo y escabroso.
Un dato. Presten atención al inicio del filme.

La caja de Richard Kelly

2010-12-19T10:51:00.018-03:00

No toca botón

Cuando se estreno "La caja", filme basado en el cuento "Botón, botón" de Richard Matheson, gran parte de la crítica fue extremadamente dura con la película y con su director Richard Kelly, algunos incluso la mencionaban como una de las peores películas del año. Con todos estos antecedentes negativos me puse a verla y la verdad es que me encontré con que no es tan mala como se había dicho. Si bien el filme no es una gran película y tiene algunos problemas de guión, no me pareció que haya sido merecedora de tan nefastas calificaciones.

Uno de los factores para tan lapidaria crítica fue que Richard Kelly había debutado en el largometraje con "Donnie Darko", un filme de ciencia ficción adorado por los fans del género y que con los años se fue convirtiendo en una obra cinematográfica de culto. Todos los que se habían fascinado con "Donnie Darko", incluida la crítica, esperaban que los próximos filmes de Kelly fueran aún más deslumbrantes e innovadores como lo fue su primer trabajo, lo que esta claro, no sucedió. Esta defraudación artística por parte de Kelly hizo que muchos no lo perdonaran y lo castigaran duramente defenestrando a su película.

Pero "La caja" no es un producto que se pueda catalogar de pésimo, como fueron algunos de los epítetos pronunciados por los críticos, sino más bien se podría decir que es un producto aceptable, con algunas aspiraciones fallidas, pero que en gran parte de las casi dos horas que dura, mantiene el interés del espectador por saber que o quienes están detrás de ese siniestro juego con la caja.

El matrimonio Lewis y su hijo son despertados en la madrugada por el sonido del timbre y al salir Norma (Cameron Díaz) se encuentra con una caja de cartón frente a su puerta, sin remitente ni destinatario. Al abrirla, otra caja de madera más pequeña y con un pulsador bajo un vidrio cerrado con llave y una nota en la que un tal Arlington Steward (Frank Langella) les dice que se contactara con ellos a las cinco de la tarde, es todo lo que hay dentro. A la hora acordada, el misterioso señor Steward se presenta ante Norma con la mitad de su rostro desfigurado, le da una llave y le dice que si presiona el botón alguien, en alguna parte del mundo, morirá y que a cambio ella y su marido recibirán el pago de un millón de dólares en efectivo y libre de impuestos, una suma nada despreciable.

El dilema esta planteado en el matrimonio, la situación económica no es buena, su esposo Arthur, (James Marsden) que trabaja en un departamento de la Nasa como ingeniero óptico, pierde su ansiada postulación para ser astronauta y Norma, que tiene una deformidad en uno de sus pies y debe ser operada, ve como la ayuda económica que había solicitado para solventar los gastos de su operación es denegada.

De más esta decir que el botón es presionado, Norma es quien toma la decisión, y que el millón de dólares es entregado en un maletín por el propio Steward tal cual lo acordado. A partir de ese momento todo se empieza a caer en picada y la vida de los Lewis, se ve invadida por siniestros personajes, extraños sucesos y fuerzas ajenas este mundo que van tomando posesión de sus cuerpos y mentes.

La primera hora del filme es realmente inquietante, e incluso por momentos resulta bastante aterradora, el problema se presenta después, al iniciarse la segunda mitad, porque es ahí donde la película empieza empantanarse y la trama, que se deriva hacia la ciencia ficción, se hace confusa y el interés del espectador se pierde en esa marea de sub tramas en donde el gobierno, y presumiblemente los extraterrestres, no queda del todo claro, están metidos. Hacia el final, la narración vuelve a retomar el interés del público pero ese nuevo impulso no alcanza para terminar de cerrar una historia con más interrogantes que certezas.
Así todo, "La caja" es un producto que se puede ver y que a muchos, no defraudará.

Cuestión de mal gusto

2010-12-15T23:40:00.004-03:00

La televisión da para todo, pero lo que se vio hoy en el programa "Cuestión de peso" que se emite por canal 13 es algo nunca visto en programas de la tarde. Ante los ojos de cientos de televidentes y en un acto de completo mal gusto, el equipo médico del programa, procedió a realizar en vivo, pruebas de laboratorio con el orín de los participantes. Uno tras otros los frascos conteniendo el amarillento y caliente fluido proveniente de los riñones de los concursantes, fue probado, cual catación enológica, con el método del papel tornasol.

Esto realmente traspasa la barrera de mal gusto y demuestra una vez más, que en nuestra televisión de hoy cualquier cosa sirve para subir el rating.

El doctor Cormillot y su equipo se deben de creer que su programa es un producto científico que justifica mostrar los test realizados al orín o que están dando una clase magistral de análisis de laboratorio en la facultad de medicina y la realidad es que están haciendo un programa de televisión cuyo fin no es académico, sino entretener.

Preparense porque lo más probable se que se venga el estudio seriado de materia fecal para ver quien de los exedidos en el peso se morfo la pizza que le dejaron en la mesa de la cocina para que se tiente.

Tron El legado

2010-12-03T20:15:00.007-03:00

La magia cibernetica 28 años después

De Walt Disney Pictures llega Tron El legado, una aventura de alta tecnología situada en un mundo digital diferente a todo lo anteriormente proyectado en la pantalla cinematográfica. Dirigida por Joseph Kosinski, Tron El legado está protagonizada por Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Olivia Wilde, Bruce Boxleitner, James Frain, Beau Garrett y Michael Sheen y producida por Sean Bailey, Jeffrey Silver y Steven Lisberger. Donald Kushner se desempeñó como productor ejecutivo, y Justin Springer y Steve Gaub son los co-productores. Tron El legado fue escrita por Eddy Kitsis y Adam Horowitz; sobre una historia de Edward Kitsis, Adam Horowitz, Brian Klugman y Lee Sternthal; basada en los personajes creados por Steven Lisberger y Bonnie MacBird.

Presentada en tecnología Disney Digital 3D, Real D 3D y en IMAX 3D, y con la banda sonora compuesta por el dúo de música electrónica galardonado con un premio Grammy Daft Punk, Tron El legado presenta una vanguardista tecnología, y un diseño de set y efectos de punta, que dan vida a una aventura épica en una red digital tan fascinante y asombrosa que excede todo lo imaginado.

En el centro de esta aventura se encuentra la historia de un padre y un hijo que resuena tanto en La red como en el mundo real: Sam Flynn (Garrett Hedlund), un rebelde joven de 27 años, está atormentado por la misteriosa desaparición de su padre, Kevin Flynn (Jeff Bridges), quien fuera una vez conocido como el máximo visionario de tecnología del mundo. Cuando Sam va tras las pistas de una extraña señal procedente de la galería de videojuegos Flynn´s Arcade, una señal que sólo pudo ser enviada por su padre, acaba siendo absorbido por el mundo digital en el que ha estado atrapado su padre durante los últimos 20 años. Con la ayuda de la intrépida guerrera Quorra (Olivia Wilde), padre e hijo se embarcan en un viaje de vida o muerte a través de un universo cibernético visualmente asombroso: un mundo creado por el mismo Kevin que se ha vuelto mucho más de avanzada, con vehículos, armas y paisajes nunca antes imaginados, y con un despiadado villano que está dispuesto a todo para impedir que logren escapar.

Los visionarios

Originalmente estrenada en 1982, Tron se consagró como la más innovadora película de alta tecnología de Walt Disney Studios creada por el visionario guionista/director Steven Lisberger, quien ahora produce Tron El legado. Tron fue una pionera en el uso de los gráficos por computadora, sets virtuales y efectos de retroiluminación. Su combinación única de acción real rodada en 70mm, con animación generada por computadora y dibujada a mano, la convirtió en uno de los largometrajes más innovadores de la época. En consecuencia, Tron se convirtió en un clásico de culto, que hace más de 25 años permanece como un hito de la cultura popular y ahora es reconocida como un punto de inflexión para las películas de efectos.

Los avances tecnológicos de hoy en día abrían un gran abanico de posibilidades para visualizar una secuela independiente de Tron, dirigida al público contemporáneo. Hoy, toda una generación de jóvenes vive conectada a Internet, jugando videojuegos en forma inalámbrica y utilizando teléfonos que son verdaderas computadoras en miniatura; el mundo en el que vivimos no era más que un sueño en la época en que se realizó Tron.

Nuevo diseño de la ciber moto

Steven Lisberger jugó un papel decisivo para lograr que Tron El legado se llevara a cabo. “Comenzamos a hablar de este proyecto en Disney aproximadamente diez años atrás… He visto encanecer el cabello de numerosos ejecutivos de Disney en estos años, y la película en sí fue cambiando a lo largo del tiempo y atravesó numerosas etapas diferentes. Cuando finalmente la película resurgió, creo que hubo una sensación generalizada de que contábamos con la gente indicada en los puestos adecuados. Exploramos distintos caminos antes de éste, pero nos dimos cuenta de que estos no se ajustaban realmente a la época. Pero el argumento de la historia sí”.

El productor Sean Bailey, entonces presidente de Idealogy, Inc., continúa el relato, y señala que, aproximadamente hace cuatro años, él y su equipo fueron convocados para acelerar el desarrollo del proyecto. “Disney había evaluado un par de borradores escritos en la década de 1990 pero ninguno lo satisfacía, de manera que nos contrataron para ver qué podíamos hacer. Honestamente sólo estábamos ocupándonos del desarrollo, proponiendo ideas y reuniéndonos con guionistas”.

Entonces, mientras la película bullía en sus primeras etapas de desarrollo, el co-productor Justin Springer, en un golpe de suerte, dió con el material de prueba del director Joseph Kosinski. A pesar de la falta de experiencia cinematográfica de Kosinski, su talento ya había quedado demostrado en su particular enfoque visionario como director de campañas publicitarias de renombre como Halo, Gears of War y Nike.

Armado con un título de arquitectura de la Columbia University, Kosinski posee un don especial para el diseño y la estética, así como un cómodo manejo de la tecnología digital que se ve reflejado en su trabajo. “Toda la manera de hacer películas está cambiando, y sin duda Joe, por Kosinski, es uno de los líderes de dicha revolución”, señala Bailey.

Sean Bailey recuerda cuando conoció a Joseph Kosinski. “Conocí a Joe y de inmediato me impactó su visión, su sentido de la narración y su seguridad. Luego fuimos al estudio y conversamos sobre la manera en que deseábamos llevar adelante el proyecto. La seguridad que inspiraba Joe fue la que nos llevó a realizar esa primera prueba de efectos visuales".

Kosinski, Bailey y el resto del equipo convencieron a los ejecutivos de Disney para que les permitieran realizar una prueba de concepto para demostrar lo que la tecnología actual podía hacer con los elementos más emblemáticos del mundo digital de Tron, como las motos de luz y las guerras de discos. El resultado fue un increíble corto que enloqueció al público en la Comic Con de San Diego de 2008 y confirió a los realizadores luz verde para comenzar a trabajar en la película.

La música electrónica también fue re-imaginada gracias al dúo Daft Punk, verdaderos pioneros de esta forma de arte. Desde el lanzamiento de su primer sencillo en 1993, Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter fueron reconocidos como un nuevo género de renovadores de la música house. En su estilo innovador y orientado al baile, la música de Daft Punk combina el house progresivo, con el funk, el tecno y la música electrónica. Tras su brillante disco debut en 1997 (Homework), el grupo lanzó dos nuevos álbumes de estudio (Discovery en 2001, Human After All en 2005) y dos álbumes en vivo (Alive 1997, Alive 2007).

Cuando Joseph Kosinski se unió al proyecto para dirigir Tron El legado oyó que el dúo Daft Punk, cuyo arte y estilo estaban influenciados por la película original, estaba interesado en participar en el proyecto. Luego, unos panqueques de desayuno en Hollywood acompañaron la reunión entre Kosinski y el dúo donde hablaron extensamente sobre la visión del director. Los tres artistas hallaron que compartían su enfoque creativo y comenzaron a trabajar en la banda sonora de la película desde las primeras etapas de la producción. Tres años más tarde, la banda sonora ha cobrado forma y propone una combinación única de música orquestal, electrónica y síntesis granular.

El dúo trabajó estrechamente con los realizadores no sólo en la banda sonora, sino también en el diseño de sonido, en especial cuando se integra el diseño de sonido con los sonidos de ambiente en distintas pistas. Se trató de un enfoque musical muy sofisticado: una combinación de distintos registros que a veces desdibuja la línea entre música y diseño de sonido de un modo realmente interesante. “La película posee más de 100 minutos de música. Y ésta profundamente ligada a lo visual. Sencillamente no puedo imaginar esta película sin su música”, señala Kosinski.

La tecnología de punta brinda a Tron El legado su aspecto y estilo de vanguardia, dado que los realizadores debieron enfrentar muchísimas menos limitaciones Pero aún con las obvias ventajas visuales,se esforzaron por mantener el espíritu del sueño de Lisberger intacto. Para ello, reunieron parte de la tecnología cinematográfica actual más sofisticada, que incluye cámaras aún más de avanzada que las utilizadas en la película Avatar, con una combinación de gráficos generados por computadora y sets de acción real.

Con la tecnología en manos de talentosos y creativos diseñadores y visionarios realizadores, Tron El legado presenta un diseño de vanguardia e impresionantes efectos visuales realzados por la última tecnología estereoscópica (3D). La película combina la acción real con la animación por computadora fotorrealista en formas que sólo podían soñarse en el pasado. Como señala el productor Jeffrey Silver: “Era evidente que una película tan vanguardista como lo fue Tron en la década de 1980 no podía sino ser continuada por una película que fuera igualmente vanguardista en el siglo XXI. Si íbamos a hacer Tron El legado, íbamos a tener que expandir los límites. Y así lo hicimos”.

La evolución de la historia

Bruce Boxleitner interpretando a Tron en el filme original de Steven Lisberger

En 1982, cuando Kevin Flynn (Jeff Bridges) logró regresar a salvo de La red y tomar el control de Encom, la compañía que fundó con su entrañable amigo y colega, Alan Bradley (Bruce Boxleitner), todos creyeron que Kevin se contentaría con desarrollar y producir populares videojuegos. Aparentemente, así era: Flynn se casó, tuvo un hijo y se abocó a su rol de padre mientras Alan y él transformaban a Encom en una superpotencia de los videojuegos. Pero puertas adentro, Kevin en secreto continuaba experimentando con la teletransportación, visitando frecuentemente el mundo de la red desde la privacidad de su laboratorio secreto, oculto debajo de la galería de videojuegos Flynn´s Arcade. Pero un determinado día, Kevin sencillamente desapareció y Sam quedó atrás, sin padre ni respuestas. Ahora, veinte años más tarde, comienza Tron El legado.

Una señal en un radio localizador atrae al ahora adulto Sam (Garrett Hedlund) a la galería Flynn’s Arcade, donde él también acaba siendo transportado a La red donde su padre ha estado atrapado durante los últimos 20 años. Ahora Sam iniciará un viaje que le cambiará la vida… y la vida de su padre tras tantos años de ausencia. “Para nosotros era muy importante, en medio de todo este espectáculo visual, centrarnos en la historia de un padre y su hijo; la película narra la historia de un joven que perdió a su padre cuando era niño y ahora, de adulto, aún guarda cicatrices del pasado. Entonces se entera de que la desaparición de su padre puede no haber sido lo que creía, y que aún existe la posibilidad de restablecer su relación”, cuenta el productor Sean Bailey. “Nuestro objetivo era asegurarnos de que estábamos contando nuestra historia de la mejor manera posible. Y las visuales, los efectos, la música, las interpretaciones y el estilo de los que nos servimos buscan reforzar eso”, añade.

El distanciamiento y redescubrimiento entre padre e hijo es el disparador emocional de la historia. “Estás entrando en este territorio espectacular y necesitas experimentarlo a través de alguien. Ése fue nuestro enfoque a la hora de desarrollar el personaje de Sam. Uno descubre La red a través de los ojos de Sam, y también a Flynn lo descubrimos a través de su hijo”, manifiesta Adam Horowitz, quien co-escribió el guión junto con Edward Kitsis (sobre una historia de Edward Kitsis, Adam Horowitz, Brian Klugman y Lee Sternthal, basada en los personajes de Steven Lisberger y Bonnie MacBird).

Para Steven Lisberger, en una película es tan importante contar con una historia significativa como los aspectos técnicos de la misma. “Me parecen tan importantes la historia y los personajes como el cuidado de lo visual. Creo que el hecho de que Flynn continúe con vida y el tema de la relación padre-hijo cautivará al público de Tron El legado. Será algo que resonará entre los admiradores de la película original; pero la historia de todos modos funciona por sí sola, de manera que no importa que no hayas visto la primera película”, señala.

Jeff Bridges, quien retoma el papel de Kevin Flynn del film original comenta: “Uno de los temas que aborda la historia es la tecnología. Es tan emocionante cuando descubres todas las cosas que puedes hacer. Pero lo que está sucediendo con la tecnología es que se está desarrollando tan rápidamente que no hemos llegado realmente ha desarrollar una ética que la acompañe, ni sabemos cuáles serán algunas de las ramificaciones de esta tecnología. De manera que éste también es un tema que trata Tron El legado".

El rodaje de Tron El legado

Joseph Kosinski es muy claro a la hora de definir su enfoque en la realización de Tron El legado “Mi objetivo era lograr que pareciera real. Quería que el público sintiera que realmente habíamos tomado cámaras cinematográficas, nos habíamos internado en el mundo de Tron y lo habíamos filmado. De manera que intenté construir la mayor cantidad de sets posibles, quería que los materiales utilizados, tales como el vidrio, el cemento y el acero fueran reales para que todo el aspecto de la película adquiriera un carácter mucho más visceral”.

Para lograr el aspecto asombroso y emblemático de Tron El legado Kosinski reunió a un equipo de destacados artistas de diferentes disciplinas. “Reclutamos gente del mundo de la arquitectura, del diseño automotriz, gente que nunca antes había trabajado en cine”, comenta Kosinski.

El director y su equipo sabían que para que Tron El legado conservara el espíritu de la película Tron original debían atravesar los límites de lo que la tecnología de efectos actual podía lograr. Para ello, Kosinski y su equipo fusionaron distintas técnicas que van desde el rodaje sobre pantalla azul hasta el uso de cámaras 3D. Kosinski explica: “Me baso más en el instinto que en la experiencia, si bien mucha de la tecnología empleada consta de técnicas que utilicé en parte en distintos anuncios publicitarios. No obstante, ésta es la primera vez que las utilizamos en forma simultánea y en esta escala”.

Fragmento de Tron El legado

Para Bailey, sin embargo, el verdadero motor de la película continúa siendo la historia. “Utilizamos la tecnología más avanzada del momento pero no se trata de emplear la tecnología por el propio arte, sino que, al introducir ciertos giros en la historia, nos permite escribir de una manera completamente nueva. Creo que será el primer film en el que un actor interpreta su papel frente a una versión de sí mismo en dos edades diferentes. Y esperamos sorprender al público de un modo que no sólo los haga exclamar: qué efecto genial, es espectacular, sino también que los sorprenda desde un: eso no me lo esperaba”.

Tron El legado se rodó en 3D. Como señala Bailey: “El formato 3D definitivamente supone un desafío técnico, las cámaras son más grandes y más pesadas y hay muchísimas variables adicionales que tener en cuenta, de modo que el proceso necesariamente se vuelve mucho más lento. Pero creo que es un excelente motivo para ir al cine a ver una película, porque es una experiencia que sencillamente no puedes recrear en tu iPhone, en tu computadora portátil o en tu hogar”.

“Para mí era muy importante que ésta fuera una verdadera película en 3D”, señala Kosinski. “Hoy en día hay numerosas películas que se convierten al 3D luego del rodaje. Pero con los entornos que hemos creado —el hecho de que queremos generar una atmósfera especial y estas extensas vistas lejanas— sencillamente no podíamos hacerlo de otra manera que no fuera con cámaras 3D”.

Kosinski continúa: “Rodar en 3D es mucho más trabajoso; el acabado de los efectos visuales también es en 3D, lo que constituye otro importante desafío. Y tener que crear imágenes separadas para ambos ojos es otro factor que hace que sea mucho más trabajoso”.

Para rodar Tron El legado en 3D, los realizadores emplearon una cámara de última generación, construida especialmente para ellos, y utilizaron una técnica en 3D que combina la tecnología de captura de movimiento completamente digital de un personaje con un sistema de cámaras de acción real.

Material de Image.net

Aqui puden leer una critica sobre la pelicula

El autor televisivo y su relación con el espectador

2010-11-24T22:43:00.012-03:00

La relación autor - espectador está viciada de cierta nulidad teórica. Si partimos de la premisa que el espectador no es inocente frente a las historias que se plantean en la pantalla chica, toda discusión que se pueda generar a su alrededor resulta carente de sentido. Su relación entre ambos es puramente dialéctica.
El espectador medio, no pretende, desde su posición omnisciente y datada de poder, el control remoto es un arma de autoridad innegable, ser el verdugo de un determinado programa, solo intenta vehiculizar su empatía con el producto en cuestión. La ideología emitida por el autor, es automáticamente procesada por el espectador para después conceptualizarla con lo visto o aprendido. El espectador no trasforma sus valores culturales, en tal caso los recicla en función de sus expectativas como televidente, tratando de encontrar lo que su egocentrismo quiere o necesita.

Cada espectador es diferente del otro y las necesidades intrínsecas de cada uno pueden ser variadas, por eso sus valores culturales y sociales son inamovibles, mientras que sus expectativas son las que cambian.
El guionista, debe ver al televidente como un comerciante ve a su futuro cliente. Si el público no mira el producto, no hay rating y por consiguiente el programa no vende y debe ser levantado de la grilla.
Un buen guionista debe motivar al espectador como el vendedor seduce al comprador a través de ofertas tentadoras. ¿Cuáles es el equivalente a esas ofertas? Una buena historia y personajes creíbles.
El televidente elige que ver de acuerdo a sus gustos, no es un ente pasivo. Siempre que se está frente a un determinado hecho artístico, cultural o social se toma partido. Es muy difícil pensar que alguien va a estar sentado frente a un televisor viendo a un producto audiovisual durante el tiempo que dure y va a mantenerse pasivamente.

El caso más paradigmático es lo que sucedió en el público con el romance de Roxi (Mercedes Morán) y Panigazzi (Juan Leyrado) de “Gasoleros” de Gustavo Barrios, Ernesto Korovsky y Pablo Lago (1998) la mayoría de los espectadores apoyaban esa relación extra matrimonial. Nadie pensaba en el pobre marido de Roxi (Manuel Callau) y ni siquiera lo veía como un marido engañado, porque aquella relación era tan idílica que pasaba la delgada línea de lo incorrecto. Para muchos, aquella relación era un símbolo de amor y no de adulterio, lo mismo sucedió con la relación entre Uriarte (Gabriel Goity) y Laisa (Florencia de la V) en "Los Roldán" de Mario Schajris y Adriana Lorenzón (2005) Estos dos efectos de masificación en la platea, no son provocados por una mera cuestión de azar, sino por una adecuada caracterización de los personajes principales, un fuerte punto de identificación con el espectador y una perfecta acción dramática de la historia. Esta tácita aceptación por parte del público, que en otro contexto provocarían reacciones, diría hasta adversas, se debe a que tanto uno como otro, (espectador y autor) se necesitan mutuamente.

Por un lado, el guionista escribe sus guiones con la intención de obtener un éxito y necesita de la aceptación de espectador, por otro lado, el televidente espera que el autor lo sorprenda con historias nuevas, con personajes fuertes que lo movilicen. Ahora bien, una vez que se produce la empatía, nace una dependencia entre ambos, la cual no puede ser defraudada.

La realiadad como punto de identificación

La televisión actual no pretende ser una formadora de identidad, ésta la da la audiencia. La identidad, representada a través de las ficciones, es una representación de la gente y es ella en definitiva, la que se va a encargar de decidir si se identifica o no. La televisión no impone ni maneja la identidad.
Si un producto es aceptado, es por que el público se ha sentido identificado con él, entiéndase que sin identidad no hay identificación posible.
Al espectador común la gusta verse representado en la televisión y busca encontrar allí a un referente de su barrio, clase social, o vecino que le resulte afín. Si en una tira o unitario los personajes están bien delineados, la identificación con el público va a ser total.

Quizá, fue “Gasoleros” de la productora Pol Ka el ejemplo más visible en cuanto a identificación masiva. ¿Por qué la gente se enganchó tanto con los personajes de Roxi y Panigazzi? Porque eran personajes, reconocibles, estaban en el barrio, en sus calles, los podían encontrar en el verdulero de la esquina, o la almacenera de la otra cuadra.

En la práctica, la mayoría de las historias que se lanzan al mercado van pasando por un período de aceptación o rechazo, lo que vulgarmente conocemos como empatía o antipatía. Si se produce el primero de los fenómenos, entonces el público eligió bien y por ende aceptó esa historia, mientras que si el espectador rechaza de entrada el producto, la situación se torna completamente diferente y el programa va camino al fracaso.

Esta dialéctica tan perversa, pero a la vez necesaria entre espectador - autor forma una especie de alianza en donde el televidente es el que va a ir dándole al autor los lineamientos a seguir en los siguientes capítulos. Muchas veces sucede, que un personaje secundario, hasta ese momento una figura de relleno y sin demasiada trascendencia, comienza a pegar muy bien en el público y de pronto, por su composición y su alto grado de identificación con el televidente comienza a adquirir una carnadura hasta ese momento impensada.

Para no estar desprevenidos en estos casos, el autor debe chequear constantemente el nivel de recepción de cada personaje y entonces reformar los libros y darle a ese personaje el protagonismo que el público le pide.
En los últimos años se ha intentado, desde la televisión nacional, abordar con una mayor fluidez el género de la ficción, esto ha provocado que los productores se vuelquen a una línea de tiras, unitarios o miniseries con cierto cariz de la realidad.
Lo que buscan es una fuerte identificación con el público, mediante personajes carismáticos, creíbles y reconocibles que tengan algo que ver con nuestra realidad diaria, con hechos del entorno común y más especial de la, hoy tan vapuleada clase media. Lo que quiero decir con esto, es que, la realidad está ahí, es la vida misma la que genera las historias, solo que, hasta hace un par de años, nadie se había dado cuenta que la televisión, es un buen espejo donde poder mirarse.

Hoy, la realidad televisiva no pasa por retratar un hecho determinado sucedido hace un tiempo atrás, sino por mostrar costumbres, rasgos, personas, gente común, que tiene que luchar día a día para conseguir el sustento diario, y ahí creo que está el logro de esta nueva generación de novelas, en el reconocimiento de su gente.
Cada día que pasa la audiencia se vuelve más y más exigente en cuanto a seleccionar sus gustos y pretensiones y siempre se muestra abierta a nuevos productos. Este es un proceso natural que lleva un tiempo de aceptación, pero una vez que el producto se ha posicionado, el público pasa a aceptarlo.

Para finalizar, considero que en estos momentos, la realidad no es un condicionante en la escritura del guión, sí un vehículo para el oportunismo en la obtención de un éxito. Abordar temas de nuestro entorno cotidiano, realidad representada, puede ser una moda, en cuanto a audiencia se refiere, que, como toda moda, en algún momento puede quedar demodé y dejar de interesarle al público.

Vendrán entonces otras historias, otras creaciones, otras ideas en busca de esa identificación de la que tanto se nutre la industria de la televisión y por la cual existe. No hay que olvidarse, el espectador es que pide a los personajes y las historias que quiere ver, los autores son solo intérpretes de sus gustos y exigencias, quienes sí condicionan a los guionistas son ellos y no la realidad.

La ficción en la televisión actual

En La televisión de ficción, hay cierta preferencia con los modelos y estructuras ya conocidas, por eso funcionan los esquemas como el de la pobre niña que vino del campo y se termina casando con el patrón de la estancia o las historias de hermanos que se aman y descubren que al final no son hermanos y pueden casarse libremente.

Desde hace un tiempo en adelante, las ficciones de tipo costumbristas ocuparon el espacio dejado por esas viejas telenovelas y lo han hecho muy bien. Desde su aparición, han ido mejorando y puliendo su estilo narrativo hasta convertirse en una “moda” que como toda moda, en algún momento va a empezar a decaer y de hecho eso es lo que le está sucediendo en estos momentos, un poco por falta de creatividad y reiteración temática en los libros y otro poco por cierta saturación mediática. Si bien la formula es la ideal, personajes creíbles más historias simples, el público de hoy está cambiando sus gustos por otros que le generen nuevas expectativas.
El costumbrismo como género televisivo marcó un punto de inflexión muy fuerte, el gran desafío de los nuevos autores es encontrar la vuelta de tuerca para que estas historias dejen de parecerse en cuanto a personajes, situaciones, escenarios y diálogos. Copiar modelos exitosos tiene un fuerte impacto en lo inmediato, pero a la larga, se termina pagando un alto costo al ser víctima de una notable falta de creatividad. Los autores con mayor capacidad creativa, son los que van a poder idear nuevas historias o formatos e imponerlos mediante su originalidad.

Es importante destacar la veta original que han encontrado la tiras “Resistiré” de Gustavo Belatti y Mario Segade (Telefe 2003) y “Montecristo” de Adriana Lorenzón y Marcelo Nacci (Telefe 2006) ya que ambas novelas supieron apartarse de esa tendencia a hacer historias de barrio, para adentrase en un terreno, donde la ficción, recobra la simple y vieja idea del entretenimiento puro. A través de situaciones de alto impacto, en donde la acción y el romance fueron los pilares por donde transitó la trama, los autores supieron escaparle al tedio del costumbrismo para re fundar el género e imprimir una nueva mirada sobre los contenidos de ficción en televisión.

Así “Resistiré”, con una idea muy original, que mezclaba lo policial, con el romance y la ciencia ficción y el tráfico de órganos, logro capturar al público desde el inicio, el cual llegó a momentos de gran fanatismo y con altísimos picos de rating. Por su lado “Montecristo”, tomó como base la novela homónima de Alejandro Dumas, para crear una historia de amor y venganza urbana, en donde mediante una astuta trama revelaba los oscuros secretos de una familia poderosa. Gracias a una fuerte caracterización de sus personajes, más la oportuna incorporación de aspectos ligados al pasado reciente de Argentina, hicieron que esta novela se convierta en muy corto tiempo, el éxito de la última temporada televisiva...

Más en el libro Introducción al Guión Cinematográfico y Televisivo. Teoria y Técnica de la Escritura Audiovisual

El eco de Yam Laranas

2010-11-22T11:30:00.006-03:00

Horror estilo asiático

"El eco" es una película de terror que se ajusta a los típicos filmes de fantasmas o casas embrujadas y sin embargo resulta ser mucho más entretenida de lo que uno se imaginaba a priori. La razón de por que "El eco" es una película que se puede ver y disfrutar a pleno, se debe en gran parte al ojo de su director Yam Laranas, un realizador Filipino, que en 2004 estreno el filme "Sigaw" que es una primera versión de "El eco". En esta remake, Laranas demuestra ser un director que sabe manejar el suspenso, el horror y los sobresaltos de menera exacta. Con una corecta utilización de planos, movimientos de cámara, fotografía y banda sonora, el realizador crea un filme ominoso, subyugante e inquietante.

En el estilo de los filmes de horror asiático "El eco" recuerda a "Dark water" de Hideo Nakata. y su trama bastante simple, se ve potenciada gracias a los tenebrosos climas que Yam Laranas va creando a lo largo de todo el filme, mediante la utilización de primeros planos, movimientos de cámara suaves y bien justificados, fueras de campo y encuadres sugestivos y amezantes.

Boby Reynols (Jesse Bradford) es un ex presidiario que acaba de salir en libertad condicional y regresa al departamento de su madre, quien se ha suicidadado.Una vez allí el gigantesco edificio y los habitantes del piso donde vive se convertirán en un lento descenso a los infiernos y en la revelación de lo que realmente le ocurrió a su madre.

Simple pero efectiva, "El eco" resulta un filme de horror interesante, perfecto para disfrutar de una buena dosis de horror y suspenso y con el agregado de estar viendo un producto de calidad.

Esta vivo de Josef Rusnak

2010-11-07T23:02:00.014-03:00

Una remake deslucida

En 1974 del director Larry Cohen estrenaba el filme "Esta vivo", que aquí en nuestro país se conoció como "El monstruo esta vivo" El filme de bajo presupuesto, sorprendió gratamente por el suspenso y terror que mostraba la película. En esa época se habían estrenado filmes como "El exorcista" (William Friedkin) y "El bebe de Rosmary" (Roman Polansky) por lo que todo lo que tuiviera que ver con algo malvado encarnado en una inocente criatura era muy bienvenido. Si bien el filme no fue un exponente del género de terror no paso desapercibido por las cualidades ya mencionadas. Ahora, a más de de treinta años de su estreno el director Josef Rusnak decidió realizar una "remake" de aquel legendario filme de horror y lo hizo con mucho más presupuesto a disposición que el que pudo tener Larry Cohen en su momento. El resultado no es de lo mejor, porque a pesar de que los tiempos cambian y la tecnología acompaña al lenguaje del cine, el filme de Rusnak resulta una película completamente anodina, carente de suspenso, aburrida e inverosímil. Todo lo bueno que tenia el filme de Cohen quedo relegado a algunas escenas truculentas en donde abunda la sangre y un par de efectos digitales que no hacen otra cosa que sobrevalorar al filme original. La cuestión pasa porque, como le sucede a la mayoría de los nuevos realizadores formados en la era de digital, ponen toda su energía en los efectos digitales y no tanto en el manejo del suspenso, algo elemental en este tipo del películas. Rusnak no es Cohen, a este director le quedan mejor los filmes de acción, lo demostró en "The contractor" mientras que Cohen si sabe como manejar el suspenso y el horror porque lo puso en práctica en varias de sus otras películas.

Afiche original de 1974

Haciendo las inevitables comparaciones debo decir que el filme de Cohen logro perturbarme demasiado, mientras que el que hizo Rusnak no me movió ni un pelo e incluso me aburrió en varios pasajes. No se porque Hollywood se empecina en reciclar viejos filmes que en alguna medida dejaron una marca en la industria, pues en la mayoría de los casos nunca han superado lo hecho por el original. Esto es algo que deberán reveer los productores y poner más énfasis en promocionar nuevas historias en vez de resucitar viejas ideas por más originales y buenas que hayan sido.

Stephen King y yo

2010-10-03T16:02:00.019-03:00

Me encanta Stephen King, adoro sus historias, su forma de concebir el terror, su visión de un mundo apocalíptico y su capacidad de combinar el horror más visceral con con las cosas más naturales y comunes. King es un genio de la narrativa actual, sus novelas y cuentos son verdaderas obras maestras dentro del género y nadie lo puede bajar del podio en el que esta desde hace más de 30 años.

Mi primer contacto con este gran autor de Maine, Colorado fue cuando empezaba a despertar a la pubertad con apenas 15 o 16 años. Creo que fue "El resplandor" la primera novela que leí. Así fue como comenzó una relación pasional que siguió y sigue en la actualidad. Recuerdo que después de haberla leído algo en mi cambió para siempre. Mi mundo, tal cual como lo concebía, había desaparecido. King me abría las puertas hacia otra realidad posible, hacia otros universos, mágicos, ominosos y sibilantes. ¡Que miedo que me daba y a la vez que placer sentía! Mis noches se hicieron interminables y espantosas, criaturas abisales y horribles monstruos atravezaron mi cuerpo e inundaron mi cabeza, consumiéndome noche tras noche. Todo empezó a modificarse a mi alrededor, las cosas que me rodeaban pasaron a ser demonios, amenazas sigilosas en una noche cerrada y tormentosa. Empezaba a sentir que aquella simple lectura que hablaba de un hombre acosado por sus propios fantasmas me había sacado de mi adolescencia rebelde para adentrarme en la oscuridad más absoluta, en esas extrañas regiones del imaginario a donde solo te puede llevar un genio como King.
Me di cuenta que estaba inmerso en su mundo, ahora era parte de su psquis, de su genialidad y también de sus miedos. Stephen King y yo éramos una sola persona, una única unidad creativa. Comencé a escribir, quería ser su émulo, su imagen y semejanza. Mis primeros escarceos literarios coqueteaban con su estilo, con sus ideas, con sus monstruos y con sus abismos insondables.

Luego vinieron otras novelas "Carrie", "Salems Lot", "La zona muerta", "Cementerio de animales", "La niebla" y los cuentos de "El umbral de la noche". Posteriormente llegaron las películas, creo que me las vi casi todas, incluso hasta las más desastrosas como como "Maximun overdrive"(la única que King se animo a dirigir) o "Graveyard shif" (Ralph S Singleton) Además de estas dos películas vi "Carrie" (Brian de Palma) "El resplandor" (Stanley Kubrik) "Chistine" (John Carpenter) "Salems Lot" (Tobe Hooper) "Cujo" (Lewis Teague) "Los ojos del gato" (Lewis Teague) "La zona muerta" (David Cronenberg) "Firestarter" (Mark Lester) "Cementerio de animales" (Mary Lambert) "Los niños del maíz" (Fritz Kiersch) "A veces vuelven" (Tom MacLoughlin) "Cuenta conmigo" (Rob Reiner) "Misery" (Rob Reiner) "The lawnmower man" (Brett Leonard) "La mitad siniestra" (George A Romero) "It" (Tomy Lee Wallace) "Dreamcatcher" (Lawrence Kasdan) "La milla verde" (Frank Darabont) "Dolores Claiborne" (Taylor Hackford) "La niebla" (Frank Darabont) "Needful things" (Fraser Heston) "Thinner" (Tom Holland) "Apt pupil" (Bryan Singer) "Hearts in Atlantis"(Scott Hicks) "The shawnshank redemption" (Frank Darabont) y alguna otra que se me escapa por ahi.

Stephen King representa para mi todo aquello que esta en el sub consiente humano. El poder convocante de su manifiesta forma de percibir el horror esta dado a través de lo natural o lo cotidiano. Los objetos cobran forma dentro del mundo de King como seres monstruosos, abobinables y malignos. Son la representación de nuestros propios miedos ancestrales, la sublimación de nuestro instinto de supervivencia. Las novelas y las películas están imbuidas de ese aire malicioso y demoníaco que nos perturba aún de grandes y que de niños no nos dejaba dormir. Estoy convencido que Stephen King sigue siendo un niño miedoso que no duerme por la noches y que no tiene otra alternativa para exorcizar sus propios demonios que escribirlos, retratarlos sobre un papel. Seguramente, la literatura de Stephen King seguirá vigente en la medida en que uno mantenga viva esa visión de pesadilla, ese temor a lo desconocido, esa curiosidad por el lado oscuro, pero por sobre todas las cosas mantendra su vigencia mientras uno no pierda la capacidad de asombro, pues sin ella seria imposible leer autores como él.

Shrink de Jonas Pate

2010-09-19T11:21:00.008-03:00

El cine en el diván

El mundo del cine es visto en esta película del director Jonas Pate desde la visión de un psiquiatra especializado en atender a celebridades de la industria. Actores, directores, productores y guionistas, pasan por su diván para exponer sus angustias y sus obseciones.El problema radica en que Henry Carter (Kevin Spacey), el psiquiatra en cuestión, tiene unos terribles "mambos" no resueltos en su propia vida. Adicto a las drogas e imposibilitado de superar el suicidio de su mujer, Carter intenta solucionarle los problemas a los demás desde el más profundo resentimiento, a veces, incluso hasta parece odiarlos. Escribe libros de auto ayuda como una manera de salvar su propia existencia y poner un poco de satisfacción y felicidad a su desdichada y caótica vida. Pero las cosas va a empezar a cambiar cuando su padre, el doctor Robert Carter (Robert Loggia) y también psiquiatra, le derive a Jemma (Keke Palmer) una adolescente con problemas en la escuela, quien arrastra el suicido de su madre y que sera de alguna manera, el espejo donde Carter pueda mirarse y hacer una introspección hacia su propio conflicto.

El filme es brillante por donde se lo mire, lleno de ingeniosos diálogos y jugosos personajes y brinda un interesante muestreo del mundo del cine y cuales son las patologías psquiátricas que padecen los que trabajan dentro de esa industria. Kevin Spacey esta realmente fantástico, su interpretación de Henry Carter como un psiquiatra atormentado, abandonado y sin esperanzas, es realmente lo mejor que le he visto en su carrera.

Por su parte el director Jonas Pate demuestra un crecimiento intelectual en relación a sus anteriores trabajos al abordar el filme de manera muy creativa. Planos largos, silencios, encuadres magníficamente compuestos junto a una música excelente, hacen que "Shrink" se disfrute plenamente, en especial, los que tenemos algo que ver con el cine y hemos vivido alguna de sus paranoias.

Franklyn de Gerald Mac Morrow

2010-08-16T17:28:00.003-03:00

Perdidos en Londres

"Franklyn" del debutante en el largometraje Gerald Mac Morrow es un filme que intenta unir dos universos en un mismo relato y si bien el filme al final se entiende perfectamente, por momentos la conjunción de esos dos mundos resulta un tanto ambicioso.

En un futuro la ciudad de Londres esta dominada por el fervor religioso, pero no por una sola religión sino por cientas, pues es obligatorio tener una fe, no importa cual sea. Dentro de esa Babel futurista esta Jonathan Preest (Ryan Phillippe) un enmascarado que deambula por la bulliciosa y caótica ciudad luchando contra el sistema, es una especie de enemigo público que lucha contra cualquier fe religiosa y contra el gobierno.

Paralelamente, en el Londres actual, Milo (Sam Riley) es abandonado por su novia y pocos días antes de casarse se reencuentra con un amor de juventud. En otra parte de la ciudad Emilia (Eva Green) una estudiante de arte con problemas psicológicos graba sus intentos de suicidio como parte de una propuesta artística y Peter Esser (Bernard Hill) es un padre que busca desperadamente a su hijo por la ciudad, es un soldado veterano de la Guerra del Golfo con aparentes problemas psquiátricos. Estas tres historias se mezclan con la Preest de manera alternada, sin que se puedan encontrar nexos hasta más o menos la mitad del filme, esto hace que al principio uno no entienda bien de que va la película y que relación tienen todos esos personajes, por suerte y gracias al oficio de Mac Morrow todo se aclara hacia el final.

Con una estética futurista alucinante, los trajes y la ambientación de ese Londres del futuro son verdaderos hallazgos, Franklyn se inserta dentro la linea de filmes al estilo de "V de Vendeta" de James McTeigue pero con mucha menos acción y más drama, porque en definitiva lo que porpone la película no es una historia de ciencia ficción sino una historia de personajes solitarios y con problemas.

El origen de Christopher Nolan

2010-08-11T18:01:00.009-03:00

La invención de Nolan

Magnifica, apabullante, ingeniosa, novedosa, así es "El origen" el ultimo filme de Christopher Nolan, que parece haber vuelto a sus comienzos, cuando sorprendía al público y a la critica con la excelente "Memento". Si el filme que lo llevo a la fama resultaba complejo en su estructura y difícil de dilucidar, con "El origen" Nolan ha logrado superarse ampliamente en cuanto complejidad se se refiere, porque el filme que interpreta Leonardo Dicaprio es como una cebolla, mientras más capas se sacan más profundo se viaja y más intrincada y sorprendente se vuelve la trama.

En "El origen" la mente humana vuelve a estar presente esta vez representada a tavés de los sueños, esos mundos paralelos y desconocidos que aparecen en nuestro subconsciente y que pueblan nuestra imaginación cuando dormimos.

Cobb (Di Caprio) es un personaje que se dedica a meterse dentro los sueños de las personas con el propósito de robarle información confidencial, la cual luego usa en su provecho. Cobb y su equipo enfrentan un nuevo desafío a pedido de Saito (Ken Watanabe) ingresar en la mente Robert Fisher (Cillian Murphy) hijo de un empresario muy importante a punto de morir, con la intensión de sembrar una semilla en su sub consiente (de ahí el título) para que no siga los pasos de su padre y la empresa termine con la muerte de su fundador. Pavada de idea.

A medida que el equipo liderado por Cobb se va metiendo más profundamente en el inconsiente de Fisher nuevos sueños van apareciendo y en cada uno de ellos los protagonistas deben vivir distintas situaciones al mismo tiempo pero en espacios diferentes, por eso lo de las capas de la cebolla. Nolan va construyendo el relato de modo que cada nivel en la profundidad del sueño resulta aún más complejo. Lo interesante es que nunca sabemos a ciencia cierta que es lo real y que es parte del sueño y esto es porque Nolan no hace distingos desde lo estético. Todo esta filmado con la misma luz, el mismo calor y la misma banda sonora, de esta manera el espectador cae en la trampa de no saber nunca cuando es realidad y cuando se esta dentro del mundo onírico. Como Bioy Casares en La invensión de Morel, Nolan crea su propio soñador y al terminar de ver la película uno se pregunta ¿en el sueño de quien estuve metido?

Con efectos visuales que sorprenden y un elenco más que sobresaliente "El origen" esta destinada a ser la película del año y seguramente con el tiempo se va a convertir en una película de culto, así como los hermanos Wachowsky nos metieron dentro de la "Matrix", Nolan lo hace ahora con los sueños.
Un detalle, si estuvieron atentos toda la película vean el plano del final, porque es una verdadera genialidad del director.

Temple Grandin de Mick Jackson

2010-07-25T12:42:00.035-03:00

Abrazos negados

Cuando a finales de los años 80 el director Barry Levinson presentaba su película "Rain man" muchos comenzamos a descubrir el término austismo, hasta ese momento prácticamente desconocido. Para esa época era poco lo que se sabía acerca de esta disfuncionalidad de la conducta que se inicia en los primeros años de vida y hasta la actualidad no presenta cura. Fue gracias al filme de Levinson y a una magistral interpretación de Dustin Hoffman en el papel de Raymond Babbitt, que tuvimos conocimiento de lo que significa ser una persona autista y cuales son sus virtudes y limitaciones. Hoy, después más de veinte años del estreno del filme, el autismo sigue siendo una enfermedad neurobiológica que afecta a gran cantidad de niños y cuyas causas aún se discuten dentro del ambiente científico y académico.

Ahora, el veterano director Mick Jackson ("El gurdaespaldas") vuelve sobre el tema con el caso real de Temple Grandin, una joven que a los cuatro años fue diagnosticada con autismo y que gracias a los esfuerzos de su madre y a sus habilidades especiales, logro superar las barreras de la enfermedad, pero también las de la sociedad, que muchas veces, y más en aquel tiempo, la historia sucede en la década del 60, veía a este tipo de personas como "freek".

Desde joven Temple se mostró como una adolescente inquieta y con habilidades para todo lo que es el diseño mecánico y comenzó a tener un particular afecto por los animales, en especial por el ganado bobino, al cual le dedico prácticamente su vida. La historia de Temple Grandin es una verdadera demostración de que ser autista significa ser distinto pero no inferior. Su esfuerzo por querer ser una persona normal e integrada en el contexto social de su época, la llevo a recibir un título Universitario y a tener un doctorado en ciencia animal.

La verdadera Temple Grandin junto a la actriz Claire Danes

Temple ve el mundo en base a imagenes mentales, las cuales se acumulan en su memoria y se propagan por su cerebro en una sucesión de flashes. Así como Raymond Babbitt, podía hacer complicados cálculos matemáticos en solo segundos o recordar fechas y sucesos acaecidos hace años, Temple Grandin puede guardar en su mente, al igual que un scanner, todo lo que observan sus ojos. Pero Temple tiene una necesidad de afecto insatisfecha, uno de los factores que se presume, puede ser la causa del autismo, lo que la lleva a construir "la maquina de los abrazos", un aparato mecánico en el cual ella se mete cada vez que su mundo se ve amenazado y que copio de un modelo similar usado para inmovilizar al ganado cuando se lo vacuna.

Además de conocer la extraordinaria historia de la verdadera Temple Grandin, lo fantástico del filme, que fue hecho solo para televisión, es la dirección de Mick Jackson, quien logra introducirnos en el mundo de Temple de manera muy creativa, utilizando sobre impresiones de gráficos con cálculos geométricos, imágenes en blanco y negro y las recreaciones de lo que Temple se imagina ante cada descubrimiento, como las puertas que se abren ante los nuevos desafíos que se le presentan. Estos recursos narrativos empleados por Jackson son verdaderos hallazgos y hacen del filme un producto que se distingue del resto.

Por último se podría decir que la interpertación de Claire Danes como Temple Grandin, es la versión femenina de Dustin Hoffman en "Rain man", demostrando que ya no es la cara bonita de "Romeo y Julieta" y que ha madurado como actriz.
Un filme para disfrutar y conocer la fantástica vida de Temple Grandin.

Bailando por un sueño

2010-07-17T18:49:00.010-03:00

El diván de los famosos

Los famosos están decididos a no gastar más un peso en largas y costosas sesiones de psicología y cada vez que quieren expresar algo que les molesta o que les revuelve la bilis ya saben que en el programa "Bailando por un sueño" que conduce Marcelo Tinelli tienen un lugar donde poder expresarse y descargar las pulsiones negativas que el mundillo de la televisión les ha ido acumulando con el tiempo. Así, broncas, recelos, amores no correspondidos, envidias, celos profesionales y otras motivaciones humanas son expuestas sin tapujos en el programa, al mejor estilo Talk show. Nada mejor que decir lo que uno siente en la cara del otro, nada mejor que hacer público los "mambos" psicológicos para intentar dejar atrás los bajones anímicos y desparramar por el escenario meses de furia contenida. Todo es válido a la hora de hacer terapia y nadie se quiere perder el privilegio de ser parte de ese gran diván, de esa concurrida terapia grupal, que al mejor estilo de las comunidades terapéuticas que alguna vez implementara el Dr Caminos, se les brinda sin costo alguno.

Millones de espectadores asisten cada día al feroz espectáculo y son parte del evento psicológico más grande que se haya televisado. En cada emisión van conociendo las distintas personalidades de los famosos que transitan por el estudio. Así, con cada pelea, reproche o llanto que se muestra, van aflorando las diversas patologías mentales de los concursantes y del jurado. Psicosis, depresión, bipolaridad, manías obsesivas y angustias son algunas de las que se pueden ver en cada una de las emisiones. El programa más visto de la televisión argentina se ha convertido en un espejo de pasiones contenidas, en una circense exposición mediática de los "quilombos" que cargan los famosos y como a la mayoría de la gente que consume este tipo de programas le gusta nutrirse de una gran variedad de bajezas humanas antes que de un buen libro o una buena película, el éxito está garantizado. En fin, así esta nuestra televisión.

¡Bienvenidos al diván de los famosos, pasen vean y escuchen y si quieren, hagan terapia también!