Cinescopia

21 Jump Street, más niños-adultos

jjacob — Fri, 18 May 2012 02:36:30 +0000

En la tradición Pineapple Express, Superband y Zack and Miri Make a Porno llega una nueva aventura para un público específico: adultos con síndrome de Peter Pan que añoran su juventud, 21 Jump Street. Sin embargo, algo tiene este tipo de comedia que funciona con sus propias reglas, el truco es “ponerse en neutral” y dejarse llevar por lo inverosímil de las situaciones en que los personajes del género protagonizan.

No falta el pastelazo, la broma boba y el guiño a la escatología, pero logra pasar como comedia “familiar” -el cine en que la vi había familias completas con niños bastante entretenidos- al representar situaciones con una lectura distinta dependiendo de la edad y referencias del respetable.

La simpleza de la historia permite que nos sumerjamos en la trama a los pocos segundos y que la personalidad de los personajes sea tan accesible como un pote de palomitas. Cabe destacar que en esta ocasión Jonah Hill deja de ser un gordo que lucha en cada escena por ser tan gracioso como El Señor Barriga y logra matizar y dotar de cierta profundidad a su personaje (hasta donde el guión se lo permite), lo cual se agradece y lo perfila como un actor con posibilidades para no encasillarse en este tipo de roles.

Channing Tatum es la réplica perfecta para Hill y juntos fluyen armoniosa y cómicamente en este viaje que cuenta las aventuras de dos ex-compañeros de preparatoria que por azares del destino se convierten en una dupla de policías asignados a un comando especial que debe investigar un caso de tráfico de drogas en una preparatoria, y durante el curso de la investigación se verán obligados a interpretar personajes que distan mucho su verdadera personalidad.

Una fuerte carga homo-erótica (muy al estilo I Love You, Man, John Hamburg, 2009) establece el hilo conductor de las situaciones cómicas que sorprendentemente funcionan para todo público debido a la sutileza y casi ingenuidad con que son insertadas (quizá no tan sorprendente considerando que el albur es una práctica muy común en México) a lo largo de la película.

Muy interesante un sorprendente e inesperado cameo casi al final que da un toque refrescante de la película.

Sobra mencionar que la película se basa en la serie de 1987, que aunque originalmente fue un drama, queda en evidencia que con un guión adecuado funciona perfectamente desde otra perspectiva. Simpática sin duda y ya se habla de… ¿secuela?

Femme Fatale, la otra mujer

jjacob — Thu, 17 May 2012 03:49:48 +0000

Enigmáticas, neuróticas, pacientes, multi-task, empresarias, independientes, polémicas, presidentas…. ellas, las mujeres siempre serán doctas en el artesanal y milenario arte de la seducción.

En este maravilloso corto que corre al compás de un klezmer que recuerda al matriarcado hebreo como base de su cultura, de una cultura con olor a tradición judeo-cristiana, a cocina de devoto amor por la familia, que sabe a alma femenina, el polaco Michal Socha presenta en Chick ”Femme Fatale” una versión estilizadísima y seductora versión del poder seductor de la mujer.

Acicalada hasta los dientes y de mirada hipnotizante la versión femenina de Michal es una mujer que se sabe hermosa, conocedora de su cuerpo que explota de placer sexual mediante la sublimación del deseo, es una diosa que sabe debe ser adorada y no se arrepiente de ello, y el hombre, como a menudo ocurre, acepta complaciente participar en un juego que de sobra sabe perdido.

Una Afrodita digna de ser amada, una Lilith echada del paraíso por cobrar consciencia de su estatus como ser individual que reclama su derecho a la satisfacción del deseo más básico y terrenal. ¿Una devoradora? Quizá, pero la experiencia bien vale la pena ser vivida, aunque en ello se deje el alma… o la vista, y jamás se esté seguro de ser el único poseedor de las mieles de su intenso amor.

Divertido, metafórico y profundo corto que da un toque de liberación femenino en cada cuadro, y pone las cartas sobre la mesa sobre el papel que cada quien juega en ese juego llamado amor.

Pronóstico Palomero de mayo (2 de 2)

El Fett — Wed, 16 May 2012 22:41:55 +0000

Después de haber sobrevivido a charolastras insufribles, a batallas navales con menos emociones que las que yo me ponía jugando con mi primo en un tablero de plástico, al mediocre humor juvenil y a un Cronenberg en su más nefasta expresión, solo nos queda voltear al horizonte y expresar ¡Madres! Se viene lo bueno, pues el no tan madreado mes presenta en su segunda quincena quizá no producciones que resulten de la más alta calidad, pero si producciones con un madral de dinero invertido las cuales buscan el único objetivo que es, recuperarlo y enriquecer las arcas de sus casas productoras ¿Valdrá la pena invertir nuestro tiempo, dinero, esfuerza, retina y salud mental en echarles un vistazo? ¿Serán acaso estas producciones bodrios asquerosos engendrados desde las más maliciosas entrañas de Hollywood? ¿Alguna de estas cintas resultará ser el hit de una temporada veraniega apenas por comenzar? ¡Qué pensar madre santa!

¡Pero no se preocupen mis estimados y queridos mortales! Que el cazarrecompensas ha llegado para ungirlos con su dosis de Pronóstico, ciencia que en esta ocasión nos advierte del regreso del inútil de Tim Burton con el objetivo de reconciliarse con el espectador, de hombres de negro viajeros del tiempo que requieren urgentemente reivindicarse después de la bazofia de su segunda parte, el antisemita preferido de todo Hollywood en su afán por destruir ahora mexicanos, una leyenda literaria queriendo jugar a ser Sherlock Holmes y una repulsiva comedia romántica deducible desde su primer minuto. Se quedan con su inmisericorde y 90% atinado Pronóstico Palomero ¡Comprobado!

Sombras Tenebrosas (Dark Shadows, E.U.A., 2012) 18 de mayo

Involucrados: El cada vez más humillado Tim Burton tiene una oportunidad más para limpiar su nombre tras más de 8 años de puro excremento fílmico (Big Fish marca su último buen film). En esta ocasión (y como en casi todas las demás) recurre nuevamente a su compadre Johnny Depp y a su enamorada Helena Bonham Carter, además de unas inclusiones bastante interesantes encabezadas por una chula Eva Green, la escuincle talentosa de Chloe Grace Moretz, la arrugada Michelle Pfeiffer y el señor de voz grave Christopher Lee.

Se dice que: Basada en la serie de televisión transmitida de 1966 a 1971, esta oscura comedia narra la historia de Barnabas Collins, un arrogante lord que es convertido en vampiro y hecho prisionero por la malvada bruja a la que le rompió el corazón. 200 años después Barnabas es liberado solo para enfrentar sus pasados demonios y lidiar y salvar a su disfuncional familia heredera.

El Fett dice que: ¡3 son las oportunidades que tiene Burton este año para ya no andar recurriendo a sus glorias pasadas y salir de su obvia mediocridad como autor y cineasta! Siendo esta la principal y más llamativa que por fin le podría significar el perdón del público y el de la crítica, pues la adaptación de la serie de culto sesentera cuenta con todos los elementos oscuros para que Burton pueda recobrar su naturaleza oscura y cómica. A eso súmenle su fuerza actoral recurrente que si bien se han hundido junto con él, podrían significar esta vez su mismo salvavidas debido a los pintorescos y complejos personajes que supone presentar.

El tráiler pinta bien en todo sentido, una ya característica ambientación siempre aplaudible y un humor agradable, mostrando también un destello de calidad narrativa por parte del ya incipiente director. Debemos darle una oportunidad más al realizador de obras como Batman, Big Fish y Ed Wood, pero hay que hacerlo con reserva, pues solo hay que recordar las expectativas alrededor de Swenney Todd y Alice in Wonderland, las cuales terminaron siendo dos desagradables bodrios ¡Es la última Tim! ¡La última!

Hombres de Negro 3 (Men in Black III, E.U.A., 2012) 25 de mayo

Involucrados: Barry Sonnenfeld regresa después de 6 años de merecido exilio a la saga que el mismo posicionó dentro del gusto mayoritario y, que consecuentemente, también destruyó de forma aberrante. Repiten sus personajes Will Smith y Tommy Lee Jones, siendo las nuevas contrataciones unos siempre gratos Josh Brolin y Emma Thompson. Como curiosidad, Justin Bieber y Lady Gaga aparecen en su faceta extraterrestre.

Se dice que: Will Smith, productor también de la cinta, se despertó un día tras una pesadilla de que tan asquerosa había sido la segunda parte, sin embargo, en su mente también tenía la solución, una nueva trama para revivir a la franquicia la cual centra su problemática en el asesinato de K, el cual deberá ser impedido solo de una manera: viajando al pasado y contratando a David Koepp para escribir el libreto.

El Fett dice que: Han pasado 10 años desde aquella abominación llamada MIB II, la cual hizo pensar a todo mundo que la saga en apenas dos entregas estaba más muerta que Michael Jackson ¡Pero no contaban con la astucia del productor Will Smith! El cual en su afán por revivir glorias pasadas (y de paso darle un aventón a su carrera venida a la baja) se sacó de la manga una premisa que parece interesante y bastante adepta para el ambiente de SF que viviremos este 2012 y, que al menos en su tráiler, parece honrar la frescura de su primera incursión en el cine en traje de negro hace ya más de 14 años (¡Como pasa el tiempo!).

La mala pata aquí radica en el guionista titular de la misma llamado David Koepp, archienemigo del cine que gusta de incluir una serie de sandeces que desmeritan todo género (aún no puedo comprender como Indiana Jones puede sobrevivir a una explosión nuclear con solo esconderse en un refrigerador); Koepp y otros ¡4 guionistas! Intentarán devolver la gloria a los Hombres de Negro, aunque seamos sinceros, nada puede ser peor que la segunda parte, la cual causó una inminente diarrea en su servidor. Como mención aparte, todo el reparto, equipo de producción y prensa precoz ya alaban el trabajo de Josh Brolin, el cual ha declarado que la actuación más complicada que ha hecho en su vida es la de Tommy Lee Jones en la película en cuestión.

Atrapen al gringo (Get the Gringo, E.U.A., 2012) 25 de mayo

Involucrados: Para ser más claros en este caso aplicaré una perfecta comparación. En México hay elecciones presidenciales este año, y si un tal Enrique Peña Nieto llegara a ganar, el que en verdad gobernaría dicho país sería un tal Salinas de Gortari. Aquí dirige un total desconocido sin currículo previo como realizador llamado Adrian Grunberg (alumno de Tony Scott), el cual también comparte el crédito de guionista junto a Mel Gibson, el cual produce, protagoniza y técnicamente… dirige. Lo acompañan Peter Stormare, Bob Gunton, Jesús Ochoa y Daniel Gimenéz Cacho.

Se dice que: Un criminal (obviamente gringo) es atrapado por las autoridades mexicanas en la frontera con su vecino del norte y posteriormente encarcelado. Ahí aprenderá a sobrellevar dicho infierno gracias al apoyo de un niño de 9 años, el cual le devolverá la fuerza de voluntad que necesitaba para su inminente venganza. El film ha recibido buenas críticas por su óptima combinación de acción y comedia.

El Fett dice: ¡El antisemita demente preferido de todos ha vuelto! Y nada mejor que acción y comedia (después de haber experimentado el drama en la mediocre The Beaver) para intentar restablecer su prestigio en Hollywood. Aunque ahora se la pasará matando mexicanos, dicho nuevo genocidio no será un impedimento para que dicha raza pueda también disfrutar de las peripecias de este loquito extremista.

Digan lo que digan y esté como esté de su salud mental, Gibson ha sabido ser prudente después de su trifulca con el pueblo judío (el 90% de Hollywood), escogiendo proyectos que le devuelvan el respeto no solo como histrión, sino que también le sirvan como una digna campaña publicitaria y social para disipar su mala imagen mediante ahora la parodia ultra violenta. Como alguna vez lo dijeron en South Park: “Pueden pensar lo que quieran de Mel Gibson, pero no cabe duda que el cabrón sabe idear las cosas”… sublime frase para resumir la personalidad del corazón valiente.

El Cuervo (The Raven, E.U.A., 2012)

Involucrados: James McTeigue, el realizador inexplicablemente alabado por V for Vendetta, lleva a cabo su segundo intento por hacer que la mencionada película no parezca ante la vista de todos como “el burro que tocó la flauta”. Lo acompañan en su nada prometedor futuro el zombie de John Cusack (¡No andaba muerto, andaba de parranda!), Alice Eve, Luke Evans y Brendan Gleeson. Como mención aparte una de sus guionistas (novatos por cierto) lleva el apellido Shakespeare, pero la dudosa procedencia se desmerita fugazmente, pues la escritora solo ha participado en el libreto de varios programas para Playboy.

Se dice que: A la moda impuesta por el Sherlock Holmes de Guy Ritchie, Edgar Allan Poe se transforma ficticiamente en una especie de detective que ayudará a desenmascarar a un asesino que utiliza los escritos del novelista como fuente de inspiración para cometer sus atroces crímenes.

El Fett dice que: Se que a continuación muchos geeks y amantes de lo infravalorado se me echarán encima, pero es necesario desenmascarar a V for Vendetta como la mamarrachada visual que es, una cinta presuntuosa proveedora de una dirección arrítmica, con personajes inverosímiles y actuaciones acartonadas que se quedo a medias en su propuesta y mensaje social y revolucionario ¡Guácala! Ahora que si somos necios y necesitamos pruebas, con ustedes James McTeigue, realizador que después dirigió un bodrio aún mas presuntuoso llamado Ninja Assassin, para proseguir con ahora la referida, film que ha sido acribillado por la crítica especializada y que solo arriba a cartelera comercial con muchas malas tablas.

No hay que ser un condenado genio para saber a que nos atenemos si pagamos algo por “El Cuervo” (No confundir con la magistral obra de Alex Proyas por favor) ¿McTeigue en otra cochinada visual sin fuerza argumental? ¿¡John Cusack!? ¿¡Actores de reparto de quinta!? ¿¡Guionistas de playboy!? A estos agréguenle un tráiler que solo demuestra que a la producción no le ajusto el dinero para alcanzar de menos la decencia en el rubro de los efectos especiales ¿Conclusión? Hay que tenerle mucho miedo al cuervo y alejarse de él lo mas pronta y lejanamente posible.

Cuando te encuentre (The Lucky One, E.U.A., 2012) 18 de mayo

Involucrados: Scott Hicks, realizador meloso y mezquino que por ahí tuvo su “one hit wonder” en 1996 con Shine, vuelve a las andadas tras tres años de ausencia para ganar un dinerito haciendo una comedia romántica de esas que son todas iguales ¿si saben cómo no? Zac Efron protagoniza su acostumbrado bodrio anual (antes de querer sorprender en Cannes con The Paperboy) junto a un reparto sumamente desconocido, donde solo alcanza a resaltar una veterana Blythe Danner (y para que la dama Ranner resalte, esta endemoniadamente difícil)

Se dice que: Antes de ir con la sinopsis, hay que dar un habituado aplauso para nuestros infames amigos de doblaje, los cuales le dieron en la madre a un film de por sí ya jodido con el cambio de titulo. Entrando en materia, un “Afortunado” y joven marine es salvado una y otra vez de explosiones y ataques en medio oriente gracias a la foto de una flaca rubia que recogió de entre las cenizas de una batalla. El marine tras su servicio en el ejército, se dedicará a buscar y conquistar a la mística mujer en la foto.

El Fett dice: Obviamente aquí no hay tiempo para ahondar en conflictos bélicos, así que este se ve reducido a escasos 5 minutos en pantalla acompañando a los créditos iniciales, para ahora si dar paso a lo bueno: Pura melcocha de la mas predecible, con un Efron intentando actuar mientras pone su cara como piedra y los ya recurrentes clichés del género, si a esto se le puede llamar romance.

Da risa y pena ajena ver como se retratan temas como el trauma post-bélico de parte de los dos protagonistas, obvia responsabilidad de un realizador enfocado a postrarse ante una de las presencias juveniles del momento, e l cual se dedica solamente a plantar cara frente a una catastrófica narrativa. Estas películas son como leer una guía escolar una y otra vez, son de lo más inútiles, básicas y representan el mayor tiempo perdido que pueda existir en la faz de su tierra.

Carta Recordatorio

Recuerden y estén conscientes de que Cinescopia ni su servidor somos responsable de que sus distribuidoras locales se me vuelvan locas y decidan cambiar la fecha de estreno de su obra de arte o cochinada preferida, pues las fechas aquí descritas son las que nos marcan la misma cadena.

Este es todo su Pronóstico Palomero en lo que refiere a la primera quincena de mayo, el cual espero analicen y sigan en cuenta por su bien, el de su retina y el de su familia, y por favor, si se les salen los ojos debido al bodrio que vieron, luego no digan que el cazarrecompensas no les aviso. Exijan cine

La Competencia de Pixar

Sak Taak In — Wed, 16 May 2012 13:30:05 +0000

El próximo 21 de junio, Pixar estrenará su primera cinta basada en un cuento y con una protagonista femenina, una princesa, de hecho: Brave, cuyos avances se ven verdaderamente prometedores. Y para variar, las propuestas de la competencia no se hacen esperar, mencionando en este caso, dos. Comencemos.

Rise Of The Guardians – Dreamworks

La historia, cuyo estreno está planeado para el 21 de noviembre, nos transporta a un mundo protegido por “Los Guardianes”, conformados por Nicholas St. North (aka, Santa Claus, interpretado por Alec Baldwin), E. Aster Bunnymund (El conejo de Pascua, Hugh Jackman), Tooth (El hada de los dientes, Isla Fisher) y The Sandman (… ese creo que no habla), quienes se enfrentan a la amenaza de Pitch, The Nightmare King (El coco, Jude Law), el cual busca llevar al mundo hacia un nuevo orden de horror y total oscuridad. Veamos el trailer.

La película está dirigida por Peter Ramsey, cuyo único otro crédito como director es el del especial de televisión Monster Vs Aliens: Mutant Pumpkins From Outer Space. El guión es de William Joyce (Meet The Robinsons), adaptando su propio libro para niños, The Guardians Of The Childhood.

De entrada, el tráiler se ve interesante, promete bastante, con una mezcla de humor maduro y fantasía infantil. Por lo pronto, solo queda esperar a ver que otra

Hotel Transylvania – Sony Pictures Animation

Drácula (Adam Sandler), dueño de un hotel cinco estrellas para monstruos, trata de evitar que su hija (Selena Gomez) se enamore de un misterioso viajero, Jonathan (Andy Samberg), al tiempo que trata de evitar que este se dé cuenta de que no está en un simple hotel para viajeros, sino en una verdadera convención de criaturas míticas.

¿Qué les puedo decir? El director (Genndy Tartakovsky) no sabe hacer otra cosa más que series de televisión, animadas en su mayoría (Las Chicas Super-Poderosas, El Laboratorio de Dexter, Star Wars: Clone Wars, etc), David I. Stern (el guionista) sólo ha hecho los guiones de Open Season 2 y 3, y Geppeto, además de que en la cinta sale Sandler (aunque sólo en voz), así que, ¿Qué se puede esperar?

Vean el tráiler y juzguen…

No se ve tan mal, pero el equipo detrás de la cinta como que me da escalofríos… en fin, es una película para niños, ¿Qué puede salir mal? (brrrrr)

Sak Taak’In Fuera

Dudas de: Marvel Parte 1

Sak Taak In — Wed, 16 May 2012 05:05:50 +0000

Dicen que una imagen vale más que mil palabras, así que, presto:

Desde el estreno de la tan esperada The Avengers, muchos de mis conocidos me han cuestionado con respecto a ciertos detalles acerca del futuro de la franquicia, el origen de algunos personajes, o meramente con preguntas del universo Marvel en general. ¿Qué por qué a mí? Pues por la sencilla razón de que, damas y equinos, su servidor es un geek de closet… bueno, ya no más, hasta en el Oxxo me he visto contestando preguntas, así que ya ni para que, lo admito ¡Soy Geek y a mucha Honra!

…

Después de este pequeño achaque, prosigo, directamente al grano, intentando contestar algunas de las preguntas de todos aquellos que se quedaron con las dudas (y las ganas) después de salir del cine. Comencemos.

1.- ¿Quién es el malo que sale al final de los créditos?

Thanos, El Titán Loco. Es uno de los villanos más peligrosos del Universo Marvel. Nihilista, adorador de la muerte (literal, en el universo Marvel, la muerte es una entidad femenina), desde siempre ha estado en busca del poder absoluto, llegando a lograrlo en reiteradas ocasiones, solo siendo derrotado por causa de su misma arrogancia o porque en su interior no se sentía merecedor del poder que portaba, por lo que él mismo proporcionaba indirectamente las claves de su derrota. El cubo cósmico (sí, el de la película), las gemas del infinito y el guantalete infinito son sólo algunos de los objetos que le han dado la omnipotencia de un dios, poniendo a todo el cosmos en jaque. Su aparición en la franquicia de Los Vengadores sólo revela un futuro abrasador, prometiendo otro nivel de acción, casi cósmico y titánico. Esperemos que no defraude el asunto (pero para eso, tendríamos que esperar hasta el 2015, que es cuando se tiene planeada la secuela de The Avengers).

2.- ¿Spider-Man/Wolverine/X-Men/Howard el Pato/etc con Los Vengadores?

No, repito, No. La idea de que podamos ver alguna película de este super-equipo en conjunto con el lanza-telarañas, los Cuatro Fantásticos, Wolverine o cualquier otro personaje de su ocurrencia perteneciente al Universo Marvel está más que lejos. ¿Qué por qué razón? Sencillamente por los derechos. Paramount y Disney tienen a The Avengers, Sony Pictures y Columbia tienen a The Amazing Spider-Man, Fox posee los derechos de X-Men y Wolverine y Fantastic Four, New Line Cinema, creo, tiene a Blade. Y así podría seguir con la lista, pero creo que con eso basta. Y solo para terminar de recalcar (que en este punto siempre me preguntan “¿y eso que tiene, o como?”), les pongo el ejemplo de Spider-Man, quien en el 2008 estrenaba serie animada, The Spectacular Spider-Man, de muy buena calidad, he de agregar. Desafortunadamente, al término de la segunda temporada fue cancelada (noviembre del 2009) y apenas recientemente, se lanzó The Ultimate Spider-Man para reemplazarla. Dicen las malas lenguas que la cancelación se debió a la disputa entre Sony, Disney y Marvel por los derechos del personaje. Imagínense el pleito que se armaría por el derecho de la producción cinematográfica de los otros personajes.

¿O qué? ¿Se quieren quedar sin películas comiqueras mientras los “adultos” se pelean por la custodia?

3.- ¿Qué sigue?

Sé que la impaciencia carcome a la mayoría, pero ni Marvel ni la casa del ratón piensan dejar morir a su gallina de los huevos de oro tan pronto. De momento, esto es lo que el futuro del Proyecto Cinematográfico Marvel nos depara:

2013 Iron Man 3 (Son Fuertes los rumores de la aparición de El Mandarín, mayor villano del Hombre de hierro)

2013 Thor 2 (que si Loki libera a un descontrolado Hulk en Asgard mientras Odín se echa su sueño anual, que si más batallas entre los nueve reinos… nada confirmado)

2014 Capitan América 2 (solamente se sabe que será en la actualidad, con un Steve Rogers norteado con respecto a una época que no le corresponde)

2014 The Avengers 2 (Thanos logra obtener el cubo y se arma el desmadre. ¿Por qué? Porque sí. Eso, o lo intenta y los héroes se encargan de detenerlo. Se arma el desmadre y punto)

Desde antes se rumoreaba que podría haber adaptación de Black Panther, Ant-Man y Wasp, entre otros rumores, pero nada ha sido confirmado.

Por lo pronto, camaradas, disfruten lo que ya tienen, esperen, así como yo, el estreno de The Amazing Spider-Man y/o (¡agárrense!) The Dark Knight Rises, si lo que quieren es más cómic en la pantalla grande. Si tienen alguna duda, no duden en expresarla, que se las contestaré en la brevedad posible (o que mejor, entren a Identidad Geek, ´pa que se me enteren antes que nadie de lo que pasa en el mundo del cómic)

Sak Taak’In fuera.

Los 20 mejores western del cine (3 de 3)

El Fett — Tue, 15 May 2012 14:00:30 +0000

La época dorada del western puede abarcar un periodo amplio y fructífero que data desde los años 30’s hasta finales de los 70’s. La sociedad punk y la creciente cultura de la generación X provocaron que el género se devaluara frente a otros vanguardias cinematográficas juveniles que requerían proyectar el moderno american way of living; así, las dos décadas consecuentes presentaron la menor tasa de producciones western de la historia, sin embargo, fue en una de ellas donde cierta cinta le recordaría al mundo el porqué de su hegemonía en la historia audiovisual americana.

Para la llegada del nuevo milenio y contrariado a su declive, la estadística se rompería, haciendo que una serie de cineastas (novatos y consagrados) vieran en el género una oportunidad para plasmar originalidad e innovación en sus historias bajo la base argumental de un rubro abandonado que necesitaba ser explotado cual mina llena de oro, y así fue.

En esta última entrega los nombres de Wayne, Ford, Eastwood, Leone y Peckinpah son obligatorios, dando un salto desde la época sesentera hasta los 90’s y la recién pasada década 0. También se incluye un revelador e instructor bonus.

Bonus – Drive (Nicolas Winding Refn, 2011)

You know the story about the scorpion and the frog? Your friend Nino didn’t make it across the river.

Si bien esta extraordinaria cinta no representa un western en el sentido estricto de la palabra, todo el tratamiento de los elementos y su base argumental vaya que pueden decir lo contrario. Ya habíamos comentado antes que el género, influencia de una variedad de cineastas, no solo centraba la naturaleza de sus relatos en la desértica planicie americana, sino que también gracias a su capacidad narrativa y la inclusión de sus fundamentos, podía trascender hacia otros rubros y/o historias ¿Lo impecable de esta contribución? Es que a pesar de venderse como una obra de corte gansteril, Winding Refn no escatima esfuerzos para que su impecable libreto exprese la esencia misma del western.

Desde el factor clave de tener a un Ryan Gosling en el papel de un forajido moderno, un viajero errante sin nombre referido como “El Condcutor” y asociado con la figura del escorpión (imagen que resalta en su chaqueta y elemento metafórico de la trama), que por el salvamento de su damisela enfrentará a una pandilla de mafiosos que se sienten asediados por este tras la búsqueda de un botín, el realizador danés deja implícito la naturaleza de su relato, pues solo falta cambiar el caballo por el auto y el paisaje desértico por una oscura e igual de sombría, ruin y utópica ciudad en la era moderna retratada a detalle con una serie de primeros y americanos planos, muestra de ello, esta secuencia en donde el escorpión busca a su presa y la mano directriz de Refn muestra su clara influencia visual al transformar una cantina en una pizzería a través de ese triunfante primer plano del vengador enmascarado.

¡No hay diferencia! El viaje del conductor lo conducirá finalmente a su inevitable duelo final, dando una de las obras más redondas e infravaloradas del 2011 y quizá de la historia (que dependerá de su apreciación en los años venideros)

6, Buth Cassidy and the Sundance Kid (George Roy Hill, 1969)

Boy, you know every time I see Hole-in-the-Wall again, it’s like seeing it fresh for the first time. And every time that happens, I keep asking myself the same question: how could I be so damn stupid to keep coming back here?

La dupla de Paul Newman y Robert Reford y su consumación en la que fue llamada “la película del libreto perfecto” The Sting (1972), solo fue una consecuencia de una obra tan divertida y compleja como esta; dirigida por un poco conocido por las masas George Roy Hill, por el cual y gracias a su extraordinaria visión y experiencia, la dichosa química de estos dos actores vio su concepción; Butch Cassidy and the Sundance Kid es sin lugar a duda la tragicomedia más grande del género, gracias a la picardía de dos maravillosos histriones y la perspicacia de un director que no metió en apuros a un relato basado en hechos reales, sino todo lo contrario, pues lo adaptó de forma perfecta para su metamorfosis al también agraciado y aplaudible rubro cómico.

La parte dramática en donde todo la narración se soporta es perfecta y mesurada, pues con el permiso que otorga la leyenda inicial “Casi todo lo que se narra aquí es verdadero”, Roy Hill construye una cinta centrada en su par de antihéroes, barbajanes que engloban la inteligencia, la valentía, la ignorancia y la supervivencia de forma encantadora, dejando a sus perseguidores y demás participes como elementos que ensalzan el relato y que inclusive han llegado al status de culto en el género (El nombre y la figura de Lefours es retratada constantemente en el cine aún cuando del personaje solo se conoce su descripción y el sombrero que usa en el film).El comedy relief se da gracias a una serie diálogos extraordinarios (que recaen mas en el personaje de Newman) y en una tripleta de pistas musicales que innovaron la estructura en la narración del western para su tiempo. Todos ya sabemos cómo acabará esto, pero aún así sigue siendo gratificante ver el fresco comienzo (impacto visual que define todo el relato) gracias a la participación de sus tres principales artificies

5. The Searchers (John Ford, 1956)

Let’s go home, Debbie.

La participación del gran John Ford en este Rank termina con esta cinta que significó una catarsis de todas sus emociones y sentimientos hacia el género y hacia el cine en general. Si bien es cierto que su película más madura es The Man Who Shot Liberty Balance (descrita en la anterior entrega), The Searchers es indudablemente su sello más artístico y emocional.

Un veterano de la Guerra Civil pasa años de su vida buscando a su sobrina en el hostil territorio indio (una joven y hermosa Natalie Wood), la cual fue raptada en su niñez por el líder y jefe de una peligrosa tribu (Scar), también responsable del asesinato de su familia. Este relato permite a Ford desplegar una intensa gama de sus más preciosistas paisajes y tomas en una historia que abarca alrededor de 10 años, en el cual el mejor personaje de Wayne ve en la desesperanza de su búsqueda el cambio de sus motivaciones conforme la trama se va desarrollando; el protagónico conduce el hilo de la narración bajo la emocional y esplendida dirección de Ford, que supo gracias a su determinante oficio no caer en ninguna redundancia, pese a un tablero de ajedrez lleno de fichas que estratégicamente entran y salen de escena siempre con la relevancia que se requiere.

Una de las debilidades del género podría referir a la poca recordación de sus diálogos (siendo el elemento visual siempre el de más relieve generalmente), sin embargo, The Searchers se ha convertido en una excepción a esta regla, pues la emotividad visual y contextual no tienen límites para denotar el fin de la larga búsqueda y el duelo final no en contra de un jefe indio como se había esperado, sino en contra de las convicciones ya trastornadas de sus buscadores. Una joya de arte que en su legendaria escena final representa toda su personalidad, retratada con pincel y narrada de manera ágil, emocionante y con la más dulce de las voces, la de un cineasta mítico.

4. No Country for Old Men (Joel & Ethan Coen, 2007)

I think you do. So this is what I’ll offer – you bring me the money and I’ll let her go. Otherwise she’s accountable, same as you. That’s the best deal you’re gonna get. I won’t tell you you can save yourself, because you can’t.

El 2007 fue un año glorioso para el western, no solo por su resurgimiento en pantalla, sino también por su revolución, que iba desde dramas matizados en increíbles postales cinematográficas, remakes dignos de así llamarse y una fastuosa obra de autor, este magnífico western moderno de lenguaje paciente y lleno de intensidad, filmado por el director bicéfalo Coen

Bajo el extraordinario ritmo impreso por Joel y Ethan, el film se traduce en secuencias largas y detalladas que pasan del suspenso a una trepidante acción, y de los duelos cánones del genero a brillantes momentos de un rico diálogo que, bajo un guion virtuoso (que no genera un génesis, pero si una introducción magistral de los personajes para clarificar y estructurar perfectamente sus personalidades y su motif) adaptado de su homónima (en todo sentido) novela, alcanza momentos icónicos dentro del rubro, también factor de una increíble fotografía y una serie de actuaciones precisas (Aún cuando el personaje de Bardem se encuentre caricaturizado, entrega un villano y una actuación soberbios).

Un veterano de guerra ve su destino y su monótona vida cambiar al encontrar un jugoso botín en medio de lo que fue una carnicería humana; en consecuencia, el vaquero se vuelve presa de un peligroso pistolero contratado al cual solo le importa una cosa: el dinero. A esta fulminante y hábil cacería se les une la búsqueda de respuestas de un sheriff cansado, que convertirá a los sucesos en un mensaje metafórico ante el violento panorama. La cinta arrasó con todo premio aquel año, demostrando que el western no solo no estaba extinto, sino que estaba más vivo y renovado que nunca, con historias que valían la pena recordar.

3. The Wild Bunch (Sam Peckinpah, 1969)

We’re not gonna get rid of anybody! We’re gonna stick together, just like it used to be! When you side with a man, you stay with him! And if you can’t do that, you’re like some animal, you’re finished! *We’re* finished! All of us!

Un sangriento y audaz film que bien podría ser catalogado bajo la línea del chilli western gracias al desarrollo de su historia en las sierras del territorio mexicano ambientado en las épocas de conflicto revolucionario de dicho país. La pandilla salvaje es uno de los tres pilares del género y una oda a la violencia y muerte enfundada en una serie de magistrales actuaciones y la tortuosa y extraordinaria visión de uno de los maestros del oeste que aquí encuentra su clímax autoral (al igual que los dos siguientes). Peckinpah dota a su relato de poesías angustiosas que comunican al espectador desde sus primeros minutos del desenlace y destino de una serie de bandidos con un código moral caótico (un grupo de niños poniendo a un escorpión a luchar contra un ejército de hormigas es la perfecta analogía de su historia); de antemano sabemos, que la pandilla salvaje no saldrá con vida.

Un grupo de forajidos americanos es contratado por el líder de una guerrilla mexicana para asaltar un ferrocarril lleno de armas y así dotar a su ejército del arsenal necesario para vencer a Pancho Villa. William Holden quizá en el papel más grato de su carrera lidera a este grupo que se verá forzado a redimirse así mismo ante una amenaza criminal mayor, un escorpión grotesco y peligroso interpretado de forma maestra por Emilio “El Indio” Fernández. El libreto no deja ningún cabo suelto, estructurando a todos los integrantes física y emocionalmente inclusive ante la ausencia del diálogo, ejemplo de ello, una de las secuencias más legendarias del cine, la marcha de la pandilla con el fondo de “El Corrido de Santa Amalia”

“Las Golondrinas” se habían tocado, la pandilla había sido redimida por un Ángel, el escorpión había subestimado a las hormigas y Peckinpah entrega un clásico trascendental para la historia del séptimo arte.

2. Unforgiven (Clint Eastwood, 1992)

That’s right. I’ve killed women and children. I’ve killed just about everything that walks or crawled at one time or another. And I’m here to kill you, Little Bill, for what you did to Ned.

El pináculo en la carrera histriónica y realizadora de Eastwood es sin duda este simple y místico relato que centra su excelencia en la creación de leyendas, no, no estamos hablando del mismo Clint, de Morgan Freeman, de Richard Harris o de Gene Hackman, sino de William Munny, Ned Logan, “El Inglés” Bob y “El Pequeño Bill” Daggett, figuras que en su ocaso como pistoleros, dictan el desarrollo y destino de esta fabulosa y madura historia de venganza y honor.

El asesino más célebre y sanguinario del viejo oeste, ahora en el crepúsculo de su vida y redimido por el amor de su ya difunta esposa, acepta ir tras la recompensa de matar a dos vaqueros que abusaron de una prostituta, para así mejorar su nivel de vida y la de sus hijos. En el transcurso de su viaje se une a un novato admirador y a su antiguo socio para completar la fechoría, sin embargo, no cuentan con que el pueblo de Big Whiskey es protegido por el sheriff más alejado a la justicia que haya existido, un extraordinario Bill Daggett interpretado por la mejor faceta de Gene Hackman en su carrera.

La dirección de Eastwood y el libreto de David Peoples (Blade Runner) se comulgan de forma mágica construyendo las leyendas de sus personajes desde un relato al final de sus vidas, dando como resultado a los personajes más entrañables y estructurados del género que no encajan en ningún estereotipo y que simplemente fluyen frente al conflicto. La maduración narrativa de Eastwood no tiene igual al dejar que su historia se narre por si sola gracias a la naturalidad de sus diálogos y actuaciones, dejando también de lado toda participación de banda sonora (con excepción del tema principal que acompaña a la narración y que funcionan como epílogo y prólogo del film) para dar lugar a esa utopía conformada por los sonidos de la lluvia, de los truenos, del ferrocarril y del disparo de William Munny, un icono del western, el ser más despreciable y cruel del viejo oeste.

1. The Good, the Bad and the Ugly (Sergio Leone, 1966)

You see, in this world there’s two kinds of people, my friend: Those with loaded guns and those who dig. You dig.

Es obviamente indiscutible quien es el jefe aquí y que pistola saca mas balas; el maestro del género imparte en su entretenida y heterogénea obra maestra clases avanzadas de cómo dominar el lenguaje cinematográfico ¡Irónico! Pues el pináculo visual del rubro llega por parte del spaguetti. Desde una secuencia de créditos por si sola de culto (gracias también al genio musical del género Ennio Morricone), hasta su clímax en el acto final de su puesta en escena usando literalmente el lenguaje del western para crear intensidad, diversión, empatía, misterio y toda una gama de emociones, el máximo cuento americano nace de la pluma italiana.

Tres elementos, tres personajes tridimensionales que significan la villanía exacta (Un engendro de la avaricia personificado por el siempre magnifico Lee Van Cleef), la desfachatez del lema “el fin justifica los medios” (Eli Wallach, proveedor de la picardía y de la complejidad para la narración), y por último el llamado “espíritu del oeste”, un elemento pistolero y vengador sin nombre que debía, tenía y necesitaba recaer en Clint Eastwood; este trío que satíricamente hace mofa de sus estereotipos en una trama que Leone utiliza para consagrar el rubro y decirle al espectador que muchas veces el hombre no crea la personalidad, sino que esta domina al hombre de acuerdo a la situación en el que se encuentre.

Como si tratase del más bello relato mitológico, Leone despliega en su libreto y dirección una excelsa odisea a través del territorio americano en plena guerra civil, donde tres forajidos con motivaciones y “personalidades” muy dispares persiguen un mismo fin, un botín escondido en un cementerio. Las asociaciones y juegos mentales entre los protagonistas no se hacen esperar y Leone entrega su obra más ágil y rítmica, que significa el compendio del género por excelencia, una guía de ficción épica, estética y técnicamente superior que engrandece la historia del lejano oeste y de la cinematografía durante sus más de 63 años de vida, y que será un claro referente para todas las cintas futuras adeptas a este.

Mi Semana Con Marilyn

Gonzalo Rocha — Fri, 11 May 2012 22:35:00 +0000

Los filmes adaptados de Diarios o pedazos de Memorias son un caso muy peculiar e interesante para mi. Son esa perfecta mezcla entre “basado en una historia real” y “basado en la novela…” Al adaptar este tipo de textos a la pantalla grande, los directores y productores pueden enfocarse mas en hacer vivida una historia que de por si es enriquecedora al ser narrada por su propio protagonista. En este caso estamos hablando del diario de Colin Clark, joven inglés quien consiguió trabajo en la producción de The Prince and the Showgirl en Inglaterra de 1957.

En “My Week With Marilyn (2011)” un joven recién egresado de Oxford ávido de trabajar en la industria cinematográfica consigue trabajo como tercer asistente de director en la comedia “The Prince and the Showgirl” donde comienza una bizarra relación con la entonces sex symbol Marilyn Monroe.Dentro de le historia sobre esta producción comienza un laberinto de personalidades entre la metodica forma de ser de Colin Clark (el dueño del diario), Marilyn, y el segundo protagonista (y también director) Sir. Lawrence Olivier. Por un lado, esta el pobre Colin, quien no puede decidir entre obedecer a su director o a la sensual Marilyn quien en veces parece solo ser feliz cuando está con él. Por otro, encontramos a la propia Marilyn agobiada y deprimida por las presiones de su trabajo y los problemas con su esposo, a lo cual le agregamos los duro y conservador del director/co-protagonista quien en veces pareciera ser su padre.

My Week With Marilyn tiene una variedad muy interesante de personalidades que enriquecen la película desde un punto de vista narrativo. A esto, le podemos agregar la genialidad con la que la actriz Michelle Williams da vida a la legendaria Marilyn cuyo trabajo le valió una nominación a los Oscares pasados. Definitivamente este filme tiene todos los elementos para ser una buena producción. Un guión inteligente, un buen casting de actores, y por supuesto, también imágenes memorables. (Sin agregar que Emma Watson tiene un papel secundario).

Les dejo el trailer para que se animen a verla.

Battleship, ¡tiene que ser broma!

jjacob — Fri, 11 May 2012 18:46:10 +0000

Subirse a la montaña rusa una vez es muy divertido, pero repetir más de una vez el mismo día puede ser cansado y hasta aburrido. Así es Battleship, con un establecimiento de tema a mi parecer demasiado largo (30 minutos) sobre una historia que no sólo reconocemos a la primera, sino que además recordamos de memoria. Alex Hopper (Taylor Kitsch) es un joven rebelde sin causa que no encuentra su sitio en la vida hasta que ¡sí! encuentra a una súper sexi dama “Sam” (Brooklyn Decker) en apuros a quien conquistará ¿por qué no? realizando una serie de sosas y bostezantes “hazañas” para conseguirle un… ¿burrito de pollo?

Desde el inicio se perfilan perfectamente los clichés y estereotipos que inundarán la pantalla hasta desbordarla de un ejercicio de mediocridad y, ¿por qué no? una incesante cadena de efectos especiales que más que para hacer gala de una avanzada tecnología (como por lo menos hizo en su momento Avatar) pareciera que se trata de una artimaña descarada para distraer al público o por lo menos adormecerlo lo suficiente para que ignore la carencia de subtramas, tramas y posiblemente hasta de guión. Las alucinantes batallas del heroico Alex Hopper (¿relacionado con la palabra “hope” ¿esperanza en inglés? ¡No! sería demasiado descarado) se suceden una tras otra sin descanso ya en el mar, ya en una nave o hasta en una acuamoto, aunque su mayor tragedia es perder a su hermano durante un embate del enemigo, aunque habrá que adivinar qué tanto le afecta pues la carencia de recursos de un deslucido Taylor no permite relacionar siquiera sus sentimientos con sus expresiones que en otras circunstancias se podría jurar se debe a un exceso de bótox, difícil conclusión considerando su edad.

Lamentable ver a Hamish Linklater (The New Adventures of Old Christine) tan simpático haciendo de bufón de relleno en esta intentona de película de acción. La producción alcanza niveles tan inverosímiles histriónicamente hablando que inclusive actores de la talla de Liam Neeson y Peter MacNicol parecieran estar actuando en una comedia de humor involuntario cuando en sus escenas da la sensación que en cualquier momento estallarán a carcajadas.

Aunque la edición de imagen y de sonido son impecables sería buena idea recordar al director, Peter Berg sobre la necesidad de hacer rescatables este tipo de películas y dar al público un momento de reflexión, y sobre todo, descanso de tanta explosión. Necesario cuando en los escasos segundos que la flota americano-japonesa (un pobre guiño a la hermandad que une a estas dos naciones tras el ataque de Japón a los Estados Unidos en Pearl Harbor durante la 2ª guerra mundial) la película se va hasta el suelo (y más allá), recuperando el aliento con… otra batalla. Amén de los espectaculares efectos especiales, Battleship es lo que en su tiempo fue el famoso juego lanzado por Hasbro (que evidentemente presenta con bombo y platillo su “propuesta”) una idea creada para niños, niños con un altísimo y exacerbado nacionalismo, condescendiente con las demás naciones como debe ser, y nulo sentido del discurso cinematográfico.

Su nivel de simpleza sólo recuerda que si bien uno puede pasárselo increíble con un caro juego producido en serie, formar en fila una serie de soldaditos de plástico y derribarlos con una pelota es igual de satisfactorio, cuesta menos, y no asalta el bolsillo de nadie, objetivo evidente de esta cinta. Habrán notado que nada escribo sobre el enemigo que en esta ocasión embate la tierra, es porque tampoco lo hace el director, lo único que sabemos es que son extraterrestres, una mezcla de vampiro y lagartija.

Los 20 mejores western del cine (2 de 3)

El Fett — Fri, 11 May 2012 14:00:24 +0000

El viaje social del western se ve sumergido en temas claves que ayudaron a la nación americana para recordar su historia y valores durante su depresión económica. Por dicha razón el género nacido en 1903 no vio su crecimiento y posicionamiento hasta la década de los 30’s, donde el espectador ávido por recordar su esencia recurrió a figuras que comenzaban a dictar los estándares del género con relatos de valentía, industrialización, odiseas a través del paraje americano y personalidades férreas que no escatimaban en mostrarse como bandidos, viciosos, héroes o militares, siempre guardando un objetivo firme en su actuar y los mencionados valores que los erigían como figuras emblemáticas de la sociedad y de la cinematografía.

Estos siguientes 7 lugares nos muestran desde las bases del rubro hasta su evolución en la época contemporánea con cintas que agregaron nuevos ingredientes.

13. Stagecoach (John Ford, 1939)

You may need me and this Winchester, Curly

Y hablando de emblemas y estándares, La Diligencia sin duda es un sello invaluable, gracias a la conjunción cósmica de dos figuras que cimentarían muchas de las bases contextuales del género a través de su historia. John Ford, sin duda el padre de la fundamentación western hacia mancuerna con un joven actor que vería en ese momento despegar su leyenda a pesar de que ya tenía un currículo de ¡más de 50 películas! Ese aún muchacho de 32 años se hacía llamar John Wayne, el símbolo cowboy renegado por excelencia, que acarreaba todo valor, sueño y fortaleza que todo americano quisiera haber tenido en su época histórica mas distintiva.

Ford dirige una maravilla del séptimo arte estableciendo elementos y escenarios precisos para la posteridad y supervivencia del genero, así esta road trip llena de aventura introduce a través de una mezcla heterogénea personajes que van desde el médico borracho y los apostadores, hasta la damisela en peligro, el banquero y el prófugo de la justicia (El Ringo Kid de Wayne entrañable), todos ellos en un viaje a través de una diligencia que será perseguida por Jerónimo y sus hordas indias y los conflictos y dilemas que provocan la unión de dichas personalidades. Con un ágil ritmo y el manejo exacto de todas las situaciones en escena, el realizador construye un clásico que labra con su oficio narrativo y técnico una innovación que también sirvió para institucionalizarle un rostro y un peculiar caminado al vaquero americano. La imagen de Wayne yendo de ese plano americano a primer plano es legendario y uno de los momentos más representativos del cine.

12. The Ox-Bow Incident (William A. Wellman, 1943)

There can’t be any such thing as civilization unless people have a conscience, because if people touch God anywhere, where is it except through their conscience?

Un suceso, una narrativa cronológica de este en la transición tarde – noche, y Wellman lleva a cabo una adaptación literalmente perfecta en solo 72 minutos, donde una turba de hombres deciden el linchamiento de 3 supuestos asesinos al enterarse de un crimen mientras soportan su estancia en la cantina del pueblo, entre ellos dos amigos, uno de ellos el sobresaliente Henry Fonda como el impulsivo Gil Carter

Si Stagecoach significó 4 años antes una serie de pautas para inadmisibles, esta espléndida cinta se encargó de decir lo contrario, mostrando una visión revolucionaria del western con un enfoque dramático y un mensaje social que la hundieron sacrílegamente en el olvido colectivo y en la poca comercialidad. El incidente no solo prescinde de los grandes parajes para transformarlos en un par de espacios donde la acción se desarrollará, sino también introduce personajes más complejos con valores retorcidos y cuestionables. Con poco más de una hora de metraje, la mancuerna director – actor imprimen una agilidad imprescindible a un relato sombrío que enfrenta la conciencia del hombre contra sus actos, al ser juez sobre la vida contra su humillante realidad como infame humano, y dotarlo con un guion sobrio y sin sub tramas, enfocado a la denuncia y espiritualidad que conlleva el mencionado suceso

Un ejercicio visual bello y conciso asemejado a una brillante obra de teatro, la cual sorprende que no haya tenido mayor repercusión pública en su momento, sin embargo, pregúntenle a Tarantino de donde viene su influencia para llevar a cabo esas adorables secuencias de diálogos y discusiones intensas.

11. 3:10 to Yuma (James Mangold, 2007)

For a one-leg rancher… he’s one tough son of a bitch

Sin duda el 2007 fue uno de los años más prolíficos para el western, situando al menos 3 cintas dignas de ser valoradas dentro de lo mejor del género. Si bien una de ellas antes mencionada en este Rank (en la anterior entrega) basó su relato en una propuesta más seria, compleja y dramática, en este caso estamos ante la explosión canónica de los elementos del viejo oeste fundados 70 años atrás, la cual significó no solo un film lleno de aventuras, persecuciones, duelos, y grandes momentos emocionales, sino también uno de los mejores remakes de la historia del cine (la película original data de 1957 con Glenn Ford en el protagónico)

Una historia dinámica y muy entretenida que no se pierde en ningún momento pese a la proliferación de personajes que aparecen y desaparecen durante las dos horas de duración, virtud de un guion preciso que logra solventar la pretensión directiva de Mangold, el cual respetando los estatutos tanto narrativos como visuales, produce una escenificación grandilocuente con grandes efectos, duelos y explosiones incluidas, para culminar su obra con un acto catatónico y muy emocional.

Honores para el reparto y para sus personificaciones, de las cuales uno pensaría a primera instancia que Russell Crowe y/o Chritian Bale (antihéroe y héroe) resaltarían, sin embargo el trabajo de un Ben Foster como el malévolo y pintoresco secuaz Charlie Prince acaba por acaparar toda la atención histriónica en un papel de culto inmediato para el lejano y viejo oeste.

10. The Man Who Shot Liberty Valance (John Ford, 1962)

No, sir. This is the West, sir. When the legend becomes fact, print the legend.

¿Qué pasa cuando John Ford y su recurrente John Wayne se unen a James Stewart? Simplemente una obra maestra que marcó el último esfuerzo del realizador por dejar remarcado su trabajo en el séptimo arte. Si bien este Rank no ha acabado con Ford aún, si es de mencionarse que estamos ante el ejercicio de más oficio e íntimo del director que quizá contenga el flashback mas logrado de la historia del cine americano.

Por medio de una retrospección visual, el senador Ransom (un siempre increíble Stewart) explica a un periodista el porqué de su asistencia al funeral de su amigo Tom (Wayne), situación que sirve como punto de partida para que la perfección narrativa se vaya dando progresivamente en un recuerdo que Ford utiliza como metáfora personal para retratar orgullosa y presuntuosamente su marca en el cine y que se resume inmejorablemente en el diálogo “se imprime la leyenda”. Un relato de transmutación ante una amenaza inminente anunciada en el mismo título del film, un Lee Marvin que interpreta a uno de los villanos más carismáticos, rústicos y bellacos del cine: Liberty Balance.

La fotografía es sencillamente majestuosa y solo equiparable al lenguaje cinematográfico, pues pareciera que Ford en el ocaso de su vida se creyera el dueño del plano americano y del plano en profundidad, dos vistas que engalanan constante y precisamente un escenario lleno de suspenso y sentimientos. Este film es como ver al águila real dominando a placer el espacio aéreo norteamericano ¿Egoísta? Un poco, pero maravillosa y de gran valía autoral.

9. Tombstone (George P. Cosmatos, 1993)

The Cowboys are finished, you understand? I see a red sash, I kill the man wearin’ it!

So run, you cur… RUN! Tell all the other curs the law’s comin’! You tell ‘em I’M coming… and hell’s coming with me, you hear?

En una época donde pareciera que el western estaba al borde la extinción (la llegada comercial del CGI revolucionaría el cine) con una única producción comercial autocomplaciente y mediocre que solo había avergonzado al género (Dance with Wolves), tuvo que darse una verdadera sorpresa e innovación para poder reactivarlo. Dicho milagro llegó de la mano de un italiano (¡Quien más si no uno de la estirpe de Leone!) el cual solo había dirigido 8 largometrajes en 20 años, siendo su mayor éxito ¡Rambo 2! Sin duda el milagro estaba hecho ¿su nombre? Tombstone ¿el resultado? Una condenada belleza.

Basada en hechos reales, Cosmatos lleva a cabo una fábula que además de resucitar todos los clásicos elementos del genero (héroe, antihéroe, romance, venganza, duelos, etc.) y maximizar la figura de Wyatt Earp a estándares heroicos como nunca antes se había visto en el cine (Costner devaluó anteriormente dicho personaje), revoluciona la narrativa, combinándola con una historia gansteril al introducir a la sociedad de los cowboys como la primera mafia norteamericana bajo una justificación argumental sin igual, soportada en una pequeña y precisa narración y archivo visual ni más ni menos que de The Great Train Robbery (1903).

La figura del vengador se levanta nuevamente de una forma majestuosamente entretenida y bien dirigida, resaltando el impecable reparto encabezado por nombres como el de Kurt Russell, Michael Biehn, Powers Booth, Sam Elliot, Bill Paxton, Charlton Heston y Michael Rooker, sin embargo, el estandarte y quizá el éxito que logró la cinta se dio gracias a la interpretación de Doc Holliday por parte de uno de los histriones más infravalorados y desaprovechados de aquella década: Val Kilmer, el cual construye un personaje (real) sin igual, equiparable a los mejores papeles de Eastwood y Wayne (dentro del rubro), carismático, satírico y truhan sin igual, ejemplo:

8. Once Upon a Time in the West (Sergio Leone, 1968)

You know, Jill, you remind me of my mother. She was the biggest whore in Alameda and the finest woman that ever lived. Whoever my father was, for an hour or for a month – he must have been a happy man

Una de las principales características del western es la dignificación de personajes entrañables que son lejanos entre sí a través de todas sus décadas, con personalidades únicas y alejadas de todo cliché inclusive en aquellos que han interpretado el mismo perfil en varias ocasiones. El maestro italiano, experto en el tema, basa la excelencia de este clásico en la tridimensionalidad de sus 4 ases protagonistas y tal como lo dicta su título, construye una fantasía que se vale del género para narrar una historia que abarca ¡Todo!, desde el asesinato más cruel a quemarropa, el pistolero en busca de venganza y la pandilla forajida, hasta temas tan complejos como la promiscuidad femenina y la industrialización del lejano oeste en un ambiente tanto caótico como utópico.

Con un ritmo lento y amante de los detalles, la visión preciosista de Leone llega a consumarse gracias la inclusión de tan peculiares personajes que, como sacados de un magnifico cuento de hadas, se convierten en los participes de esta oda y homenaje lleno de misticismo para todos sus colegas y hacedores previos y por venir dentro del rubro. Henry Fonda como villano inclusive se desempeña mejor que en su faceta como héroe; Charles Bronson se erige como un antihéroe apoteósico con el llamado de muerte de su armónica; y un épico Jason Robards retrata a uno de los forajidos más carismáticos y notables del género. Para redondear la obra, los personajes no solo cuentan con la fuerza de un libreto perfecto, sino también con una partitura especifica de parte de uno de los más memorables trabajos de Ennio Morricone, resaltando las pistas de Farewell to Cheyenne y las notas de la armónica vengadora que anuncian la llegada de la justicia y que significan el principal tema del film. Erase una vez una película parte aguas para el género.

7. High Noon (Fred Zinnemann, 1952)

What kind of woman are you? How can you leave him like this? Does the sound of guns frighten you that much?

Impresionante, no hay un adjetivo más exacto para definir la historia del sheriff Kane, un oficial que momentos previos a su salida del pueblo para disfrutar un merecido viaje con su recién esposa, se entera de que Frank Miller, un criminal al que encarceló tiempo atrás, viene a matarlo en el tren de medio día ¡Frank Miller! La llegada de ese maldito bastardo y excepcional elemento narrativo que se convierte en el motif de un guion brillante que, en manos de Zinnemann, dosifica y sencillamente define la palabra tensión en el celuloide.

Estamos ante uno de los únicos ejercicios visuales en la historia que desarrolla su relato en tiempo real, virtud que provee al realizador el uso de toda su pericia en el lenguaje cinematográfico para enfatizar durante 84 minutos la espera y consecuente llegada de ese tren, para jugar con la angustia y la incertidumbre de un sheriff abandonado por su pueblo, que debe enfrentar en soledad a sus atacantes cuando todos le han dado la espalda ante la súbita y mortal noticia. Lo increíble del relato es que Zinnemann logra el efecto de que uno mismo quiera tomar un revolver imaginario y usarlo para ayudar al sheriff Kane; con esos planos a detalle que desnudan las emociones y rigen el tiempo (el reloj de la estación como elemento visual es fastuoso) uno se convierte en verdadero participe de la tensión de todo un pueblo y de Will Kane.

Mención aparte merece un excepcional Gary Cooper en uno de sus mejores papeles en su carrera, pero sobre todo el guion de Carl Foreman, el cual es capaz de establecer las personalidades y circunstancias de todos sus personajes y del conflicto en esos estresantemente inolvidables 84 minutos.

¡Hasta la madre de tráilers! Para las madres cinéfilas en su día

El Fett — Thu, 10 May 2012 16:20:45 +0000

No uno, ni dos, ni tres ¡Sino 4 avances! Y que mejor para las madres que estos tráilers vengan acompañados de las caras de Ryan Gosling, Ben Affleck, Michael Fassbender y Matthew McConaughey ¡Y que mejor para las madres cinéfilas que todos sean resultados de buenas porpuestas que invadirán la cartelera del 2012 con la esperanza de mucha calidad.

En primer lugar tenemos el regreso de Ben Affleck a la dirección, producción y actuación con Argo (aunque el histrión debería ayudarse dejando de una vez por todas la parte histriónica), una película basada en hechos reales de como unos agentes de la CIA se hacen pasar por un crew de producción cinematografica para rescatar a una serie rehenes de una amenaza terrorista. La película pormete simplemente por su reparto (Bryan Cranston, John Goodman y Alan Arkin) y por la sorpresiva excelente reputación de Affleck como director, el cual se poscionó rapidamente en el gusto de la crítica y el público con la magnífica The Town (Atracción Peligrosa para los jodidos del doblaje). El estreno el 12 de octubre.

En segundo lugar tenemos el regreso de uno de los mas grandes directores de los 70′s ¡Si! William Fredkin (The Exorcist) vuelve con una perturbador y divertido thriller llamado Killer Joe, el cual ironicamente para este día narra la historia de un joven sumido en las deudas que contrata a un asesino porfesional para asesinar a su madre. El hijo ingrato es Emile Hirsch y el ejecutante es un milagrosamente grato Matthew McConaughey en el que quizá sea el mejor papel de su carrera. La película ha conseguido distrbución después de su buen paso por Festivales como Venecia y el Sitges. Completan reparto Thomas Haden Church, Juno Temple y Gina Gershon.

En tercer lugar llega la que pretende ser el nuevo boom dentro del género gansteril de nombre “Gangster Squad“, la cual narra el levantamiento y cacería de uno de los mafiosos mas emblematicos de la historia como lo es Mickey Cohen, el cual estará interpretado ni mas ni menos por el fastuoso Sean Penn. La persecución corre a cargo de un escuadrón integrado por Josh Brolin, Ryan Gosling, Nick Nolte y Giovani Ribisi. Completa la contraparte femenina Emma Stone y su estreno se pretende para el 18 de noviembre.

Y por último no podía faltar el nuevo video promocional de Prometheus, el cual viene acompañado de la presencia del mismisimo Ridley Scott, que da mas pistas sobre la trama del que sin duda será uno de los eventos cinematograficos más importantes de este año. La cuenta regresiva está en alerta roja hasta su llegada este 8 de junio

Feliz día de las madres, les desea su cazarrecompensas favorito en nombre de todos los integrantes de Cinescopia e Indieweblogs.

The Best Exotic Marigold Hotel (for Elderly & Beautiful), tan grande como la vida

jjacob — Wed, 09 May 2012 19:00:29 +0000

Todos llevamos a cuestas una pila de experiencia y mientras inexorable transcurre el tiempo, la carga se hace más pesada, no precisamente de manera negativa aunque las limitaciones del cuerpo en franca descomposición dificulta hacer un uso práctico de nuestra existencia y aplicar nuestra experiencia en nuestro propio beneficio, quizá uno de los rasgos más acentuados de la última etapa del a vida es la soledad y dependencia que dichas limitaciones obligan a desarrollar hacia nuestros parientes más cercanos.

La vida laboral se extingue como una flama falta de combustible y la conciencia del final se vuelve un motor que obliga a realizar esa última hazaña, concretar un viejo deseo escondido o reencontrarse con el gran amor de la adolescencia. Adrenalina inyecta energía al cuerpo, que se siente y huele en el ambiente, casi se palpa el nuevo aire que incita a la búsqueda y redención, cerrar círculos y buscar reinicios ¿por qué no? jamás está de más alimentar nuevas ilusiones.

El director John Madden (The Debt, 2010) reúne un reparto de primera línea compuesto por prestigiados actores británicos cuya sola mención garantiza, ya de entrada, una gravísima experiencia: Judi Dench (Mrs. Henderson Presents, 2005) Tom Wikilson (The Debt, 2010), Penelope Wilton (Match Point, 2005), Maggie Smith (Ladies in Lavender, 2004), Hugh Dockson (The Expert), Bill Nighy (AKA), todos representando problemas típicos de su edad.

Momento increíble al encontarse los protagonistas en el aeropuerto sin conocerse aún, se siente en el ambiente que algo grande se avecina, como la fiesta esperada, como el presentimiento de que el día estará lleno de sorpresas.

Y así un puñado de ancianos llega a un hotel en el que esperan encontrar una vida tranquila en una lujosa villa que les alejará de la cotidianidad inglesa que pareciera ya no tener espacio para estos veteranos aventureros en búsqueda de una última oportunidad de vivir. Si bien el lugar resulta ser toda una decepción, a medida que la ruinosa construcción se va llenando de vida con la presencia del al principio poco entusiasta grupo, quienes a su vez no pueden evitar sucumbir al intenso torbellino de animosidad que es el joven gerente y co-propietario del hotel, un agradable Dev Patel (Slumdog Millionaire, 2008) quien a pesar de su precaria situación económica y estar enamorado de una joven de una casta inferior no deja de creer que “al final todo está bien, de lo contrario no es el final“.

La trama un tanto previsible se ve aderezada con una vuelta de tuerca a mitad de la cinta, por lo demás a pesar de ser una comedia ligera, no deja de ser entrañable y divertida, alejada del simplismo de Cocoon o la insufrible The Bucket List, ésta si es una propuesta disfrutable por audiencias de todas las edades que no busca dar lecciones aburridas y pretenciosas, sólo entretener, el mensaje entre líneas depende de la experiencia de vida de cada espectador.

Los 20 mejores western del cine (1 de 3)

El Fett — Wed, 09 May 2012 14:00:35 +0000

El género americano por excelencia y el mas bello en su estructura visual, el western no solo definió y forjo la historia cinematográfica de los Estados Unidos (también formando parte de la historia mexicana e italiana), sino también ha sido a través de los años un referente para todo cineasta clásico y/o legendario e inclusive la base de muchas otras historias aterrizadas en los otros géneros.

El western es definitorio para el séptimo arte y parte de una eterna ficción utópica; el plano cinematográfico alcanza su máxima expresión en el género al dotar a las historias de hermosas y misteriosas panorámicas, al profundizar la vista general con diferentes dimensiones preciosistas y exactas para cada secuencia, al bautizar el llamado plano americano y finalmente combinarlos con una serie de primeros planos y detalles que maximizan el suspenso y la importancia de ciertos elementos clave para que la narrativa pueda fluir. El personaje del western carece de ambigüedades, siendo su personalidad autentica, ya sea representando al bien, al mal o al misterioso origen y motif y sin tibiezas; la naturalidad y/o la complejidad de sus participantes solo complementan un escenario quimérico, una porción de tierra o de paisajes involucrados en una odisea, extraviados del mundo real donde la ficción y la imaginación están listas para desafiar el rubro y al arte.

Nacido en 1903 con The Great Train Robbery, el género ha sido el principal influyente de cineastas como Kazan, Kurosawa, Scorsese, Tarantino, Lucas, Cameron, Eastwood, Cronenberg, Coppola, los Coen, que a su vez han sido grandes influencias o responsables de magistrales obras del rubro. Este mítico círculo se adhiere a las leyendas que forjaron dicho rubro en nombres de John Ford, Howard Hawks, Sam Peckinpah, Sergio Leone, Henry Fonda, John Wayne, Lee Van Cleef y el mismo Eastwood entre los principales, inclusive también siendo parte esencial de relatos literarios de autores de la estirpe de Tolkien, King y muchas otras historias cinematográficas en los rubros de la SF, noir y la fantasía.

Apodado por su servidor como “el género más limpio del cine” el western ha evolucionado más allá de su injusto encarcelamiento comercial en la época del viejo oeste americano, donde si bien es cierto que nació y engendró sus más grandes frutos, también ha trascendido a centenares de cintas a través de su base argumental donde el bueno y el malo, el pueblo o ciudad decadente, el duelo final y/o la damisela en peligro (así como la visión utópica de su relato), han sido elementos recurrentes de grandes obras.

En manos de uno de sus más fervientes seguidores y fanáticos, Cinescopia les trae las que al parecer del cazarrecompensas preferido de todos vosotros, son las 20 joyas más representativas del género, por el cual no me enamore del cine, pero si lo entendí y lo aprecié como lo que es… un arte.

20. Rango (Gore Verbinski, 2011)

These days they got a name for just about everything. Doesn’t matter what they call you. It’s the deeds makes the man

Una madura animación que se encargó de rescatar y rendir homenaje a muchos de los elementos clásicos del género de una manera satisfactoria. Teniendo como protagonista a un complejo, ajeno y extraño personaje para la ambientación (un Johnny Depp perfectamente animalizado), la bien desarrollada historia supo posicionar en su odisea todos los actores participes del viejo oeste, teniendo a un armadillo como guía chamán, a un lisiado antagónico en pro de la industrialización (Once Upon a Time in The West), a la reencarnación del mercenario pistolero Lee Van Cleef como una víbora de cascabel, la damisela en peligro de carácter férreo y rebelde, la escuincle espectadora del conflicto, los rufianes bandidos, los escondites subterráneos o entre formaciones rocosas, el desierto como un serio protagonista y, finalmente, inyectando el espíritu del oeste con la aparición del hombre sin nombre, figura legendaria que bautiza la personalidad del héroe para su duelo final (sin olvidar las referencias al spaguetti y al chilli western, subgéneros).

Verbinski sorprende al lograr la conjunción de dichos fragmentos oníricos, armando una historia tan mística como entretenida y de un poder visual sobresaliente (el diseño de los personajes es excepcional). Crítica completa del film.

19. The Proposition (John Hillcoat, 2005)

‘When?’ said the moon to the stars in the sky ‘Soon’ said the wind that followed them all

‘Who?’ said the cloud that started to cry ‘Me’ said the rider as dry as a bone

‘How?’ said the sun that melted the ground ‘Why?’ said the river that refused to run

‘Where?’ said the thunder without a sound ‘Here’ said the rider and took up his gun…

Ambientada en el desértico paisaje australiano en épocas de la colonización de dicha región, esta sublime metáfora y transformación musical de la obra de Nick Cave a la pantalla (el músico funge también como guionista) es una exquisita experiencia claustrofóbica (irónico pero genial para el género) basada en el dilema de un pistolero, el cual se resume en rescatar la vida de su hermano menor al buscar, traicionar y cazar a su demente hermano mayor.

La cinta funciona gracias a la química de Hillcoat – Cave, los cuales logran sobreponerse de lapsos arrítmicos gracias a la inclusión del soundtrack, el cual en momentos toma mayor relevancia que el aspecto visual, sin embargo, también se encuentran unas frescas, correctas y atípicas interpretaciones a cargo de Guy Pearce, Ray Winstone y Danny Huston que ensalzan el experimento dentro del género.

Como dato, muchos pueden dar cuenta al principio de su metraje que la cinta es una especie de adaptación de Apocalypse Now al western, lo cual resta su valía argumental, pero conforme avanza el relato, la hipnotizadora visión de Hillcoat (junto con el diferente desenlace) hace olvidar rápidamente el parecido.

18. Pat Garrett & Billy the Kid (Sam Peckinpah, 1973)

Why don’t you take your money, shove it up your ass, and set fire to it?

Una cinta de excelsos momentos que desgraciadamente no pueden congeniar para llevar a cabo algo del todo memorable, sin embargo, la pericia y la reputación de Peckinpah en el género entregó algunas secuencias que quedan grabadas en el recuerdo y que inclusive por si solas han logrado el status de culto en el cine y han servido como fuente de inspiración a músicos para la composición de sus obras. Por eso no era de extrañarse que Bob Dylan fuera contratado para musicalizar (además actuar) la cacería visual que el ahora sheriff Pat Garrett hace de su ex secuaz y compañero Billy the Kid.

A pesar de su maestría visual, el relato puede resultar agotador y redundante, siendo las mencionadas secuencias y el apoyo musical de Dylan las que no dejan caer el film de Peckinpah en el total olvido. Hay que prestar atención en los diálogos, los cuales son unos de los más realistas y crudos jamás presentados dentro del rubro, soportados por un par de actuaciones que si bien sufren el mismo destino del film, también dotan a esos momentos, a la introducción y al clímax de la cinta de la veracidad necesaria para que esta obra pueda ser un justo referente dentro del género ¿No lo creen? Solo basta con ver a Katy Jurado, al excelente James Coburn y al recientemente ejecutado en escena alcanzar las puertas del cielo al compás de Dylan…

Simplemente hermoso.

17. The Magnificient Seven (John Sturges, 1960)

It’s like a fellow I once knew in El Paso. One day, he just took all his clothes off and jumped in a mess of cactus. I asked him that same question, “Why?” He said, “It seemed to be a good idea at the time.”

Kurosawa, influenciado e influyente del western, regaló con su gran clásico Seven Samurai una consecuente adaptación que si bien nunca alcanzó la excelencia de su fuente original, si significó un film de grata manufactura, divertido y que por primera vez en este TOP, posicionó un score que años después fue comercialmente conocido como el tema de los cigarros Marlboro.

A pesar de que Sturges ni en 20 reencarnaciones hubiera alcanzado la genialidad artística de Kurosawa, su mayor virtud recayó en que él mismo lo sabía, haciendo de Los 7 Magníficos una adaptación fresca y libre que respetó los estatutos de western y los usó para la conveniencia de su relato. Así, el realizador logró en esta versión americana que los 7 personajes lograrán ser más tridimensionales, asignándoles un génesis y una gama de emociones mas explicitas, razonables y en algunos casos hasta más justificables que el mismo film de Kurosawa (Aunque hay que tener en cuenta que el único motif del samurái es el honor). La historia que ya conocemos todos (7 pistoleros son contratados para acabar con un grupo de bandidos que azotan un pueblo mexicano), se engalana también con la presencia de un villano encarnado con verdadero carisma por un dominador del género como Eli Wallach (otra ventaja sobre el film del realizador oriental, donde una figura antagónica principal no es relevante), el cual junto a Yul Brynner, Steve McQueen, James Coburn, Charles Bronson, Brad Dexter y Robert Vaughn, hacen literalmente uno de los elencos mas magníficos del género.

16. High Plains Drifter (Clint Eastwood, 1973)

It’s what people know about themselves inside that makes ‘em afraid.

La primera aparición oficial de Eastwood en este ranking como director y actor es también uno de los relatos más complejos, oscuros y espirituales en el género. Un misterioso pistolero aparecido de la nada llega al pequeño pueblo de Lago para imponer una dictadura y transformar su supuesta tranquilidad en un infierno (literalmente cambia el nombre de Lago en Hell), escenario perfecto para aguardar y ejecutar su venganza contra 3 forajidos.

Para este tiempo Eastwood ya había aprendido del mejor (Sergio Leone), y dando su salto a la dirección, en esta su segunda película decidió salvaguardar la figura de su personaje (El hombre sin nombre) para solo adaptarlo a otra ficción fuera del contexto de Leone y darle un giro de tuerca revolucionario para el género que deja sobre la mesa un mensaje vengador y espiritual (temas recurrentes en su filmografía). Con una interpretación totalmente dominada, cabe resaltar que el reparto resulta prácticamente desconocido, siendo el pistolero no solo único protagonista, sino también el personaje secundario en un misterio que si bien se va desenvolviendo durante el desarrollo, no queda claro al espectador hasta sus momentos finales; por lo tanto el demás reparto funciona tan solo como elementos y/o extensiones del personaje para que el pistolero consume su venganza, virtud del mismo realizador que para estos amaneceres de su carrera directiva ya mostraba un ingenio y oficio sobresaliente en el rubro que le dio la fama mundial.

15. The Assassination of Jesse James by the Coward of Robert Ford (Andrew Dominik, 2007)

You know I’m real comfortable with your brother. Hell, he’s ugly as sin and he smells like a skunk and he’s so ignorant he couldn’t drive nails in the snow, but he’s sort of easy to be around. I can’t say the same for you, Bob.

Víctima de la infravaloración, esta obra del debutante neo zelandés me gusta compararla con hermosa postal del viejo oeste, debido a su sublime fotografía y manejo de cámara como en mucho tiempo no se había visto en el género. Quizá la debilidad de la cinta se deba a que es un western atípico, centrado en contexto dramático y carente de acción y aventuras, con una serie de personajes complejos que el realizador dotó de un marco argumental rico y muy detallista. A pesar de esto y del reto que implica sorprender al espectador con un título que anuncia el desenlace, Dominik logra capturar en todo instante al espectador, adentrándolo en una especie de thriller psicológico que busca las causas y las consecuencias de las acciones de Robert Ford, interpretado por un magnifico Casey Affleck, el cual entregó una de las actuaciones más maravillosamente grotescas de las que se tenga memoria en el cine.

La película de un poderío visual avasallante decide mostrar la visión del asesinato desde dos puntos de vistas; el primero del mismo Robert Ford, tratando de explicar los porqués del asesinato a su ídolo, dejando la segunda vertiente en Jesse James (interpretado de forma también brillante por Brad Pitt), el cual trata de investigar la fuente de la traición entre los miembros de su pandilla. Llena de suspenso y de momentos excelentemente incómodos y dotados de grandes actuaciones, solo basta con ver la siguiente secuencia para darse una idea del oficio del hasta ahora desaparecido Andrew Dominik

14. For a Few Dollars More (Sergio Leone, 1965)

My boy, you’ve become rich.

La primera aparición europea del Rank a cargo del maestro del spaguetti-western y quizá de todo el género en su historia. Lo extraordinario de esta segunda parte de la llamada “trilogía del dólar” es que Leone relata una historia de la absoluta nada, desarrollando a través de sus característicos personajes una triple cacería humana impregnada de planos cortos que aumentan la intensidad y el suspenso en cada secuencia hasta la llegada de ese extraordinario duelo final bajo la partitura de “A degüello” del genio Ennio Morricone.

Una de las principales fortalezas de esta desértica maravilla es la ambientación y la fotografía, pues la Almería se convierte en un espejismo amarillo de arena y soledad mexicana, un pueblo desolado y olvidado por los Dioses, perfecto escenario para que 3 interpretaciones se den de manera natural: el hombre sin nombre (obviamente Eastwood), el coronel cazarrecompensas Mortimer (el astuto Lee Van Cleef) y el villano “Indio” (el italiano Gian Maria Volonté que termina por robarse el protagonismo). Un western revolucionario, lento en su ejecución (factor por la cual debe aguantar estas últimas posiciones) y grandilocuente en su visión que servirá como antecedente para la mayor obra por venir.