Cinescopia

La Estrada es: cortos nominados al Oscar

jjacob — Mon, 06 Feb 2012 18:14:21 +0000

Llegó la temporada de premiaciones y la cereza en el pastel del mainstream y glamour será como cada año la entrega del Oscar; muchas categorías para abarcar todo el mercado posible. Aunque todos los ojos estarán puestos en las categorías principales, existe un pequeño grupo de películas poco apreciadas, aquéllas que rara vez encuentran distribuidora comercial para ser exhibidas en salas comerciales. Y no me refiero al corto (que aunque pareciera extraño, muy socorrido entre cineastas mexicanos con una producción muy elevada y de gran calidad), sino los cortos de animación.

La magia de los “cortos” en general está íntimamente relacionada con sus también poco valorado primo cercano: el cuento/novela corta. El público prefiere la novela de largo aliento sobre el cuento/novela corta porque considera que a mayor detalle, cuenta con más elementos descriptivos que hacen de la novela de largo aliento una narración más interesante. El cuento corto/novela corta como los “cortos” cinematográficos cuentan con poco tiempo para estimular la imaginación con la menor cantidad de elementos narrativos perfectamente definidos para evitar enviar un mensaje confuso.

El cortometraje animado, por otra parte, cuenta con un elemento primordial a su favor, su capacidad para alterar la realidad y expresar situaciones que bien pueden completar gesticulaciones y crear ambientes, y como en los cortos que abordaremos hoy, alivia una buena dosis de violencia de actos que podrían resultar inclusive traumáticos si fuesen filmados con humanos. Una vez expuesto mi punto invito a que demos un poco más de crédito a esta premiación y aprovechemos el esfuerzo que hace una importante cadena de cines para, aunque un poco tardíamente, exhibe todos los cortos nominados apenas unas semanas después de la premiación.

Dimanche/Sunday

Del director canadiense Patrick Doyon la Academia de Ciencias y Artes de los EUA considera el corto Dimanche (“Domingo”), que con una narrativa simple logra retratar el agotador fastidio que supone la monotonía de los domingos de un niño que apenas logra escapar de la tortura familiar a través de la imaginación, construyendo situaciones inverosímiles impulsadas por la realidad que lo rodea, y que paradójicamente ha dejado de impresionarle. Los tíos, los abuelos y hasta conceptos tan abstractos como la muerte y la religión no logran despertar en él una pizca de interés, por lo que deberá contrarrestar somnolientas reuniones familiares con la única herramienta con que cuenta todo niño.

The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore

“Pues son las letras las claves secretas como las notas de una canción” versaba una canción infantil en los 80s. Y todo aquél que haya tenido la fortuna de cultivar una relación cercana con los libros sabrá que es verdad. El único medio de entretenimiento que reúne las tres características que hacen que amemos la lectura: autonomía, independencia y portabilidad. En este corto William Joyce y Brandon Oldenburg toman un acontecimiento terrible como el huracán Katrina y un cuento popular “El Mago de Oz“ para crear una maravillosa fábula sobre el poder de la lectura. Con una edición extraordinariamente cuidada, los directores ofrecen una conmovedora y reflexiva historia en la que, además, podrán disfrutar unos segundos de una versión de “La Foule” de Edif Piaf (“Que nadie sepa mi sufrir” para La Sonora de Margarita ¡pues!). El libro es vida, el libro inmortaliza.

Rumbo al Oscar 2012: Mejor Película

El Fett — Mon, 06 Feb 2012 03:00:42 +0000

Como si tratase de un reallity show, Oscar nuevamente ha cambiado de reglas, pues para esta edición se ha establecido que las nominadas a la categoría principal pueden variar de 5 a 10 dependiendo de cuales películas alcancen un porcentaje de votos por parte de los miembros de la Academia. En este primer caso las nominadas son 9, y no se puede evitar sentir que el 2011 tuvo dos grandes influencias, la primera, que el cine decidió recurrir a sus orígenes tanto técnicos como históricos para relatar historias que sin duda además de cumplir las expectativas, ofrecieron un respiro de calidad para el arte en comparación con el mediocre 2010 ¿La segunda? La gran presencia francesa en producción (The Artist), ambientación (Hugo y Midnight in Paris) y participación histriónica (War Horse) en al menos 2 de las principales contendientes para hacerse del preciado galardón.

Empezamos este análisis y pronostico rumbo al Oscar al puro estilo de Cinescopia, donde como ustedes ya lo saben, no nos andamos con rodeos y decimos las cosas de la manera mas cruda y realista posible.

La Favorita: “The Artist” (40% de probabilidades)

Un homenaje a los orígenes históricos y técnicos del cine que utiliza como foco de su historia el tortuoso camino de un actor del cine silente al sonoro de manera excepcional. El Artista no solo logra ser una película original, ágil y revolucionaria para su época, sino que también alcanza todas las características por la que una película se vuelve de culto, al ser escrita, dirigida, actuada, fotografiada, sonorizada de manera perfecta y cautivante. Sin duda un ejemplo de la reafirmación de que el cine fue creado, es y será antes que nada una expresión artística.

Premios: El Globo de Oro, el premio de San Sebastián y el de la Broadcast Film Association.

Fortalezas: El remembrar no solo el pasado de Hollywood, sino también la memoria de los “viejitos” votantes de la Academia es aparte de su notoria calidad, su principal arma.

Debilidades: Ser una producción francesa sin ningún centavo americano e irónicamente la dura competencia con la Paris en 3D del Monsieur Hugo Cabret y con el actor moda de Hollywood George Clooney

Predicción: La primera cinta francesa en ser coronada con el Oscar y la segunda muda en la historia de los premios, pues anterior a esta solo Wings en 1928 lo consiguió, que por cierto, fue la primera galardonada por Oscar.

La pisa talones: “Hugo” (30%)

¿Cómo ser un verdadero contendiente para The Artist? Simple, hay que confrontarlo con las mismas armas. Si bien Hugo significa otro certero y bello homenaje a los origines del séptimo arte y a uno de sus más legendarios revolucionarios, en contraparte con la favorita, se ayuda la técnica moderna del 3D para relatarla. Con mayor número de nominaciones que la cinta francesa, no hay que olvidar quien se encuentra al timón de este barco, el cual además de cautivar con una fantástica historia ajena a su filmografía, convirtió también a esta cinta en un clásico instantáneo.

Premios: El National Board Review como principal antecedente.

Fortalezas: Encabezar el número de nominaciones y quizá significar el mayor logro de la tecnología 3D hasta ahora en calidad visual, narrativa y artística. No le pide nada a la favorita en cuanto a recordación de pasado se refiere y… Martin Scorsese.

Debilidades: Puede resultar muy infantil para los votantes, además, esta la nula participación en rubros histriónicos que siempre es un mal augurio. También una de sus virtudes puede ser la que la termine hundiendo, pues el 3D puede afectar las mentes conservadoras de los “viejitos”.

Predicción: Seria una grata sorpresa y nadie se quejaría (mucho), pero aun así ya desde aquí se ve difícil. Recuerden también que sería una excelente promoción monetaria, pues se convertiría en la primera película ganadora en 3D.

La que no se debe descartar: “The Descendants” (20%)

Llamada por varios críticos del cine como “la mejor película americana del 2011”, bien podría resultar una importante contendiente para las dos odas cinematográficas que la anteceden como favoritas en este análisis. Su director la catapultó como una obra de naturaleza independiente de gran valía autoral que cuenta con colosales actuaciones que la respaldan como una madura cinta de un rubro que toma nuevos bríos en el cine americano: la tragicomedia (o comedia dramática). Un film fresco que representa también el pináculo de dos consentidos de la Academia.

Premios: El Globo de Oro en el rubro dramático y los críticos de Dallas y Florida la coronaron.

Fortalezas: Haberle ya arrebatado el Globo de Oro a Hugo la coloca como una película igual de poderosa en calidad narrativa. También recordemos que el Oscar se ha encargado de premiar últimamente a producciones de una naturaleza más independiente.

Debilidades: Si bien es fuerte contendiente en su calidad narrativa, significa un film menos espectacular que se sostiene más en sus actuaciones y en su dirección. Además, cuenta solo con 5 nominaciones (la favorita tiene el doble), lo cual no puede sonar para nada bien.

Predicción: En las votaciones bien podría nuevamente sorprender a Hugo, pero difícilmente vencerá la manufactura europea de The Artist. Casi imposible, al menos que a los viejitos les dé por ser muy nacionalistas este año.

La roba corazones: “The Help” (10%)

La “película bonita” del año corrió a cargo de un novato que vio sus esfuerzos recompensados con la mención justa inclusive si esta categoría aún se cerrara en 5 contrincantes. El film sin embargo toca un tema anti racista que no ha sido bien recibido por la población afroamericana americana, pues el papel heroico recae en una mujer “blanca”. A pesar de ello la película resulta ser natural y verosímil con una serie de actuaciones memorables a cargo de los dos bandos de color. Un logro con moraleja para la cinematografía del 2011 que se verá recompensada, pero no aquí.

Premios: Ninguno en este rubro.

Fortalezas: Ser un film hecho por y para arrasar Oscar, con moraleja incluida y serie de sobresalientes actuaciones, pero…

Debilidades: La durísima competencia (tal vez en otro año le hubiera ido mejor), el no tener ningún premio en esta categoría, la exclusión de su director en su categoría y la controversia que causó en su país de origen, pues tal y como lo suelen decir: “nadie es poeta en su tierra”.

Predicción: Muy lejanas posibilidades, pero no se tienen que preocupar, pues lo suyo lo suyo esta en los rubros histriónicos.

La homenajeada: “Midnight in Paris” (0%)

La mas tempranera en estrenarse en el 2011 de entre las nominadas, resulta ser el regreso tras 26 años de una película dirigida por Woody Allen a la categoría principal que, si bien no cuenta con un trabajo histriónico digno de resaltar (Excluyendo el par de minutos de Adrien Brody), si marca el regreso de la ironía y el puro estilo del realizador que tanto ama Oscar. Sencillamente una buena y divertida película que también comparte la influencia francesa y la de la revolución del arte en una época pasada que en este caso no es principalmente el cine (Solo Buñuel hace aparición).

Premios: Ninguno en este rubro

Fortalezas: Ser el producto más rentable de Woody Allen hasta la fecha, así como también su victoria casi asegurada en el rubro de guion original.

Debilidades: No tener a ningún histrión nominado solo es la punta del iceberg, pues la película solo representa un homenaje a la taquilla y al regreso a la calidad de Allen.

Predicción: Aquí no pasa absolutamente nada, pero se puede dar por servido con su guion premiado.

La correcta: “Moneyball” (0%)

Claro que se tenía que abrir un lugarcito para el típico drama deportivo del año, pero en este caso en particular, las credenciales de su dirección, guion y actuaciones la justifican como una de las mejores películas del año auspiciada por el pasado ganador a guion adaptado y por un realizador que cada vez que se digna a dirigir lo hace excelsamente. Moneyball significa un film correcto y casi perfecto en su ejecución que también refiere a una corriente más independiente y al estilo de Miller y Sorkin, que siempre gustan de narrar grandes historias donde parece no haberlas.

Premios: Ninguno en este rubro

Fortalezas: Es la tercer película más nominada en la ceremonia inclusive desbancando a una de las tres favoritas (The Descendants). El nombre Sorkin también pesa.

Debilidades: ¿Frente a sus demás contrincantes? Todas, pues la película sufrió de una distribución muy nacional, perdiendo fuerza en festivales y otros círculos de premios.

Predicción: Imposible. Sin embargo suena como una favorita en guion adaptado (Seria el segundo y seguido Oscar para Sorkin) e inclusive suena contendiente fuerte para la categoría de actor.

La apadrinada: “War Horse” (0%)

La verdad sea dicha, y es que ya se extrañaba ver a Spielberg compitiendo en la categoría principal, no por añoranza, sino por una súper producción que si bien no alcanza el registro de sus más finas obras, significa el reconcilio del realizador con la calidad. Sorprende que a pesar de no competir en rubros histriónicos, la película realza a un reparto independiente que soporta otras virtudes cinematográficas que causaron su final inclusión en la categoría (score, fotografía, guion adaptado). A pesar de esto, esas virtudes en conjunto solo quedaran en nominación.

Premios: Ninguno en este rubro

Fortalezas: Un nombre… Steven.

Debilidades: A pesar de ser una obra con estándares y con el mote tatuado en la frente de “Quiero Oscar”, la nominación es solo para reivindicar el nombre de Spielberg.

Predicción: Steve tendrá que esforzarse aún mucho más. La verdadera oportunidad de esta película se encuentra en el rubro fotográfico.

La grata sorpresa: “The Tree of Life” (0%)

Era de esperarse que con la extensión de nominadas en Mejor Película, la obra más controversial del año tuviera cabida. Una cinta que causó tantos desprecios como elogios y que gracias a Malick ya ha alcanzado status de culto por su impresionante poderío visual muy a pesar de su inquietante estilo narrativo sin ningún aparente hilo argumental. Los retazos y la poesía estética del realizador son solo una reafirmación de que el Oscar busca ser políticamente correcto, complacer a los gustos más excéntricos y honrar a uno de los más imponentes cineastas de los últimos tiempos.

Premios: Nada más y nada menos que la Palma de Oro de Cannes, pero recordemos que este verosímil galardón no es más que un adorno para el cuadrado y muchas veces inverosímil Oscar.

Fortalezas: Su mayor virtud es también una debilidad, el cine de autor y la excentricidad y perfección de su realizador.

Debilidades: Aunque muchos amantes necios la ponen como una injusta perdedora, hay que ser sinceros y aceptar que al menos las 3 principales contendientes tienen más calidad, cohesión y fuerza argumental que la obra de Malick. Como lo mencionamos, es un ejercicio visual sin igual, pero hasta ahí.

Predicción: Malick tuvo que haber ganado en aquel 1998 gracias a The Thin Red Line, pero si no lo hizo con esa, mucho menos con esta. La oportunidad de premiar la estética perfecta está en manos de Lubezki y su fotografía.

La que no sabe que hace aquí: “Extremely Loud & Extremely Close” (0%)

El drama que sació la necesidad de “americanizar” la categoría principal, pues que mejor que un drama post 9/11 dirigido por uno de los consentidos de la Academia para sacar desvergonzadamente a films con mucho mayor calidad pero también con más presencia extranjera (Drive del danés Nicolas Winding Refn y We Need to Talk About Kevin de la escocesa Lynne Ramsay, por mencionar solo algunos). Un film cuando mucho correcto que inclusive se ha ganado malas críticas en su suelo. La injusticia siempre está presente en el Oscar y esta vez viene en forma de Stephen Daldry y el sueño americano.

Premios: Ninguno en este rubro.

Fortalezas: El favor que le hicieron ¿O le vendieron?

Debilidades: Solo figura en esta categoría y en la de actor de reparto. Ser una película con varias malas críticas a nivel internacional y su poca presencia en festivales.

Predicción: ¿Qué carajos hace aquí?

Siga con nosotros en este especial rumbo a la 84ª entrega del Oscar.

La Estrada de Jerónimo Jacob saca lápiz y papel y hace la lista de sus “10 películas favoritas”

jjacob — Fri, 03 Feb 2012 18:14:27 +0000

Atendiendo a la invitación del buen Fett y asumiendo una tarea cuasi titánica presento una lista con mis 10 películas favoritas. La lista no observa un orden ascendente o descendente porque simplemente no me atrevo a jerarquizarlas, en cambio las clasifico por antigüedad; por otro lado, el criterio de selección es bastante sencillo: considerando que (casi) todas las producciones que ven la luz en corridas comerciales o festivales de cine independiente (aún cuando en concepto es relativamente nuevo), deben contar con un nivel aceptable de calidad en sus elementos técnicos: iluminación, fotografía, efectos especiales, etc., y aceptando el hecho que muchas películas son innovadoras en estos rubros, me decido por considerar aspectos, digamos, un poco más “orgánicos o humanos” si se me permite usar dichos adjetivos.

La primera línea de selección es la originalidad, tratamiento e impacto de las historias, así como la dirección y desempeño de los histriones. Una última nota: como ya habrá notado quien me haga favor de seguirme y/o tenga antecedentes de mis reseñas, casi siempre circulo “por el otro lado de la banqueta“, es decir, soy casi inmune a grandes producciones que hagan despliegue de efectos especiales y éxitos instantáneos. Acá pues la lista:

LUCES DE LA CIUDAD (City Lights) Charles Chaplin, 1931

Dirigida, escrita y actuada por el genial Charles Chaplin es la única comedia que incluyo en esta lista. Recuerdo haberla visto de niño en Canal 11 (ya hace muchos ayeres) y la huella agriduclce que dejó esta finísima comedia fue indeleble, imposible no rendirse ante el innegable talento de Charles y el amplio abanico de matices que dio a su legendario personaje el vagabundo. Un mimo que jamás se hundió ante la adversidad, fuente más que obvia de inspiración del buen Cantinflas (antes de empezar a hacer películas con roles de abuelito regañón, autoritario y sangrón).

RASHOMON (Rashomon) Akira Kurosawa, 1950

Tan subjetiva y compleja como “la verdad” misma, Rashomon aborda un mismo hecho -un asesinato- desde cuatro perspectivas distintas y cuestiona si existe una verdad absoluta. Conforme avanza la cinta descubrimos que la línea que divide lo objetivo de lo subjetivo puede ser muy delgada, pero inmensamente profunda. Los conceptos son imágenes mentales que formamos a través de la experiencia y la experiencia es una serie de eventos personales, pero contaminados por la subjetividad, entonces: ¿cómo hacer de la realidad, la justicia y la verdad conceptos universales? Kurosawa se mueve en un terreno pantanoso del que sale bastante bien librado.

LA ESTRADA (La Strada) Federico Felinni, 1954

Nada personal, sólo que había que decidir entre 8 1/2 y esta joya de la cinematografía. Felinni, cienasta siempre preocupado por indagar en las emociones humanas presenta un drama ligero en la pantalla, brutal en el tratamiento: “homo homini lupus” reza Tito en su obra Asinaria. La insensibilidad del hombre por sus semejantes, el abuso a los más débiles, a los indefensos adquiere dimensiones casi vulgares cuando el abuso es emocional más que físico. El abandono. Felinni moldea cual arcilla a una magnífica Giuletta Masina en quien puso todo su amor en la vida real, y sólo con amor podría adentrarla en un personaje lleno de carencias e invalidez moral.

VIRIDIANA (Viridiana) Luis Buñuel, 1961

Considerada una de las 10 mejores películas de la historia del cine y la mejor cinta española-mexicana, Viridiana es una oda a la complejidad. En esta obra Buñuel cuestiona la naturaleza de la bondad y su existencia misma. Llena de referencias religiosas (la escena que emula la “Última Cena” de Leonardo DaVinci, si se mira con detenimiento bien puede ser -y lo fue- considerada sacrilegio). Una espléndida Silvia Pinal encarna a una monja cuya fortaleza moral y creencias serán puestas a prueba cimbrando y quizá derrumbando todo rastro de bondad en ella.

PERSONA (Persona) Ingmar Bergman, 1966

Una película perturbadora. ¿Hasta qué punto nuestro papel en la sociedad permea nuestra individualidad? ¿Es la sociedad resultado de muchas individualidades o el individuo es resultado de la sociedad? Bergman nos recuerda que somos individuos y sociedad, silencio y palabra, somos lucidez y locura… somos personas.

SWOON (Swoon) Tom Kalin, 1992

Swoon es de esas películas que extrañamente casi nadie toma en cuenta y que funciona a varios niveles ¿será el cúmulo de temas tabú que toca? ¿O que Tolkin no sea lo suficientemente popular? Basada en hechos reales es una película que puede ser tema de conversación de sobremesa durante semanas. La trama: un asesinato. ¿Los motivos? Muchos o quizá ninguno que podamos comprender.

MALENA (Malèna) Giuseppe Tornatore, 2000

Tornatore no sólo es “Cinema Paradiso“. Es sencillo identificarse con esta cinta cuando se es parte de una sociedad con profundos cimientos católicos y la moralina que de ello emana. No es que en sociedades con un credo distinto no se señale o no ocurran linchamiento social, pero me parece que el costal de culpas que paciente y repetidamente abona la iglesia católica a sus feligreses es tierra particularmente fértil para la autorepresión y en consecuencia de frustración, que es el tema central de esta película. ¿Les suena el nada divertido chiste que cuenta que: las sociedades católicas son como una cubeta de cangrejos que no permite que nadie se salga del pote? Claro, ya después el chiste se atribuyó a la sociedad mexicana en exclusiva.

Los pecados de Malena son dos: ser hermosa y encontrarse sola. No hay que ser demasiado imaginativo para descubrir qué significa esto en una población de moralistas y si la realidad de una mujer sola y hermosa no se ajusta a lo que se dice de ella, por supuesto que la sociedad se encargará de no sentirse defraudada. Eso es Malena, es metáfora, espejo y finalmente lección cuando reflexiona: “la dignidad sólo se recupera donde se perdió“.

PRINCIPIO Y FIN (Principio y Fin) Arturo Ripstein, 1993

Un día contaré los motivos por los que detesto con singular intensidad películas costumbristas técnicamente impecables pero de una pobreza argumental como “Nosotros los Pobres“, “Ustedes los Ricos” y todo lo que se relacione con Pedro Infante. Para mí no hay mejor director mexicano que don Arturo Ripstein, cuyas películas han plasmado en la pantalla de plata que cuando creemos que la cosa no puede ir peor, todo se pone “color de hormiga“, y los argumentos de su guionista de cabecera Paz Alicia Garciadiego no pueden ser más perfectos y descriptivos.

Principio y Fin es una cruda visión de la típica familia mexicana de clase media, su derrumbe, autodiscriminación y finalmente descomposición. La historia desvela el secreto del terrible fracaso de la “gran familia mexicana“, retrata sus sueños inalcanzables y nos hace testigos de su estrepitosa caída hacia un obscuro pozo de degradación personal que los entierra en su propia incapacidad para defenderse y cuidar de sí mismos, su destino está sellado por esta tierra vendedora de ilusiones, mil veces saqueada por su propia gente.

Dogville (Dogville) Lars Von Trier, 2003

Quizá la máxima expresión del arte desnudo y en formato teatral llega Dogville, la primera parte de la trilogía “América“, una estocada directa a la pasividad del observador acostumbrado a que papá Hollywood le entregue todo digerido. De tema tan complejo como personal es una cinta que exige la participación activa del espectador quien deberá construir desde el escenario hasta dar un sentido a la historia con los escasísima escenografía y deberá aguzar el oído para definir detalles, <¿Alguien vio la puesta en escena de “La Pequeña Habitación al Final de la Escalera“?>.

Unos dicen que es una metáfora sobre la llegada de los puritanos ingleses a los Estados Unidos, otros dicen que es una parábola sobre la doble moral, en todo caso todos acordamos que es un ejercicio cinematográfico por demás interesante del que más de uno levantará las cejas al ver lo que es capaz de hacer Nicole Kidman.

UN HOMBRE SERIO (A serious man) Ethan & Joel Coen, 2009

Mi elección más difícil. Debí decidir entre la (aún no entiendo porqué) controversial e infravalorada (como diría mi (muy) estimado Don Fett) “Brokeback Mountain” y “Un Hombre Serio”, la película más personal de los hermanos Coen. No dudo que toque fibras sensibles de todas las audiencias, sin embargo, a juzgar por las reseñas y críticas (y leí muchas de verdad) me queda claro que está dirigida a un público más específico. No es que diga que esté vedada para quien carezca de cierto referente cultural, pero este es un claro caso de que ”el contexto decide el texto“.

“Un Hombre Serio” es un espejo en el que ashkenaies, serafadíes, ortodoxos, conservadores, reformistas, marranos y conversos se reflejan por igual; ingeniosa, inteligente y brutal en su mensaje hace vibrar cimientos y pone en perspectiva la nueva realidad y valores de una comunidad que a veces se antoja confundida y deslumbrada por “la quimera del oro“. Es una película muy importante, lo supe al darme cuenta que reseñarla es igual o más conmovedora que verla. Con un final reservado sólo para quien sabe entender, aborda la pérdida de fe de una generación apenas abierta a la modernidad y la iluminación de una nueva. Corríjanme si me equivoco.

TOP Cinescopia: Los años 20 están de regreso

El Fett — Thu, 02 Feb 2012 22:02:13 +0000

Y parece que al escorpión le llegó la hora, pues no solo fue ignorada injustamente en los premios Oscar, sino que también tiene que aceptar que la obra de Hazanavicius es excelsa. El film francés que ha conmovido y conmocionado a la crítica y al público es merecedora del mote de “Mejor Película del 2011” y para aquellos enemigos de Hollywood, esto les causará un peculiar agrado, pues ni un pinchurriento dólar esta invertido en su producción.

El Artista se estrenará el 14 de febrero en tierras mexicanas, pero pueden esperar la crítica y reseña de esta unos cuantos días antes su proyección. 4 de las 5 en este glorioso TOP tienen fuerte presencia en los próximos Oscar, dos de ellos aluden a los principios del cine, una al western de culto, una al drama deportivo y en la cola se nos ha quedado la fantástica tragicomedia.

Habrá que esperar conforme avanza el año 2012 quien e atreve a tumbar a The Artist de Michel Hazanavicius, pero por lo pronto, la película de culto del danés Nicolas Winding Refn y su vengador escorpión han ya sucumbido ante el cine mudo. En tercer lugar viene la súper producción y odisea fantástica de Hugo de Martin Scorsese, relegando a una aferrada Moneyball al cuarto lugar apenas ganando por pocas carreras a la comedia dramática de Alexander Payne The Descendants, la cual llega a esta TOP merecidamente para ocupar la cola y sacando a films también de gran importancia como We Need to Talk About Kevin y War Horse.

Recuerden también seguir el más fino, realista y conciso análisis del Oscar desde el próximo lunes aquí en Cinescopia, y tampoco se olviden de votar por nuestros premios que siguen vigentes, los cuales también tendrán su ceremonia una semana antes del premio de la Academia.

The Descendants: Lo trivial cobra relevancia

El Fett — Thu, 02 Feb 2012 02:05:27 +0000

Para estos momentos nadie puede negar que el actor ese llamado George Clooney salido de E.R. y de los pezones de Batman y Robin se ha convertido en un director estable (aún sin sobresalir) y en un histrión digno de aplaudir, siendo este último rubro consecuencia de una serie de decisiones acertadas al trabajar con una bandada de directores que han cumplido una especie de simbiosis con el actor. Desde su primera inclusión agradable bajo las ordenes de los Coen (O Brother!, 2000), Clooney ha sabido sumergirse en los papeles, pero lo más importante, ha aceptado el estilo impuesto por sus directores, siendo un notable de reflejo de su calidad y vehículo de la historia para ellos.

Atrás han quedado sus papeles burdos, para centrarse en la elegancia de Soderbergh, en la irreverencia de los Coen, en la madurez de Gilroy y de Reitman e inclusive, haciéndose ya de dos sobresalientes actuaciones en la película que le dio ya un Oscar Syriana, y en la independiente e infravalorada The American del 2010.

¿Qué hace entonces especial a The Descendants? Que sencillamente Clooney ha hecho una mancuerna mágica con el director Alexander Payne, el cual lo ha llevado a estándares dramáticos que el actor no había experimentado, otorgándole tanto a él como al espectador una de las mejores tragicomedias en lo que va de este siglo.

Ya conocían a Alexander Payne

El director de Sideways y About Schimdt alcanza en The Descendants la confirmación de un estilo narrativo fresco y de mucha naturalidad; Payne como guionista de la misma película, hace que una situación trivial se vuelva verosímil, tome la verdadera importancia dentro de su contexto narrativo y exponga al espectador una situación compleja que se desarrolla con naturalidad en pantalla gracias también a su tremenda dirección de actores, en otras palabras, Payne hace que la cosa más normal de la vida alcance estándares preciosistas proyectando a través de su cámara una gama de emociones exquisita.

La historia se centra en el patriarca de la familia King, el cual tiene que sobrellevar no solo el accidente mortal que ha sufrido su esposa, sino también el enterarse de la infidelidad que sufrió ya cuando ella está en coma; todo esto mientras toma la responsabilidad de cuidar ahora a sus dos peculiares hijas, intentar arreglar su disfuncional familia y tratar de sobrellevar un negocio multimillonario del cual depende toda la descendencia de los King.

Como lo pueden ver, solo esta mezcla de emociones puede ser tan bien encausada por un director que conoce su oficio narrativo y lo engalana con su lenguaje cinematográfico, dejando que el espectador se vuelva un íntimo de la familia King en toda su odisea trágica. Pero estimados cinéfilos, no se confundan, pues si ustedes conocen la obra del realizador, sabrán que estas no intentan ser una rotunda ola dramática, sino solamente una celebración a la cotidianidad de la vida vista desde lo mejor que ha procreado el cine en el 2011.

Payne es un director mesurado y amante del relato, ahorra los detalles del accidente y administra su recurso voz off para narrar la descendencia y presentación de los elementos de manera exacta y ajena a la redundancia, en cambio, ahonda en el motif de la trama usando como vehículo a un actor que parece ser una extensión de su misma dirección, el cual entendió perfectamente el duelo por el que pasa su personaje (quizá se deba a que él también es un director)

George Clooney e hijas.

Alguna vez el mediocre actor de Ethan Hawke mencionó que si él hacia bien su trabajo de reparto en la película Training Day, Denzel Washington ganaría el Oscar, lo cual para el histrión afroamericano afortunadamente fue una realidad. En este caso, y aunque es probable, aún no sabemos si Clooney se erija como el mejor histrión del 2011 para el mencionado galardón, pero de ser así, además de agradecerle a la producción, a sus seres queridos y a sus padrinos de la academia, el actor debería agradecer principalmente a su joven colega de reparto, la cual ensalza la misma actuación de este con una química padre hija pocas veces vista para este rubro.

Su nombre es Shailene Woodley, una joven y talentosa actriz que otorga una excelente actuación a la altura de su colega protagonista y de las expectativas de esta cinta, la cual como es costumbre, fue víctima de la injusta exclusión de su nombre en los premios Oscar.

Payne no gasta tiempo inútilmente en introducir una relación disfuncional pero amorosa, prefiriendo dejar que la misma costumbre embargue la relación padre – hija dentro de la cinta de manera ágil y natural. Al buen ritmo de esta comunión directiva – actoral se agregan más eslabones de entre los que destaca la segunda hija del matrimonio King en carne de la péquela actriz Amara Miller.

Así como este rubro significa uno de los mayores logros de la cinta, también habrá que aceptar que algunas situaciones dentro de esta se mueven más hacia la comedia que el drama cuando el argumento parece contrariarlos, quizá sea la chispa de la misma cinta y esa peculiaridad impresa por el estilo del director, pero que para algunos también resultará en algunos momentos inverosímil es.

¿Hay que verla?

La naturaleza independiente de la cinta es un respiro entre tanta superproducción y publicidad cinematográfica, pero también irónicamente su mayor debilidad ante la temporada de premios y festivales en la que ha participado.

The Descendents es un film fresco, ágil, divertido y conmovedor que da la oportunidad al cinéfilo de apreciar a un George Clooney en toda su faceta como actor a cargo de un director que no decepciona y hace honor a su currículo. Quizá el mayor acierto del realizador es hacer que el espectador se sienta participe de la desgracia y el viaje de los King por saber la verdad y por resolver sus conflictos existenciales.

Nominada a 5 premios Oscar entre los que destacan los de mejor película, actor, guion y dirección, Los Descendientes se convierte en un must para todo cinéfilo de cualquier tipo, los cuales atravesarán esa gama de emociones que va desde el buen entretenimiento y las risas involuntarias, hasta la lágrima y el conflicto compartido. Estrena este viernes, así que ya tienen una opción muy buena para este fin de semana.

La Estrada de Cinescopia es DVDs: (Te) Voy a Explotar

jjacob — Wed, 01 Feb 2012 17:03:51 +0000

No voy a mentir, busqué esta película como quien busca el Santo Grial y por fin, el año pasado sale en DVD. No era para menos, de verdad soy fan del director Gerardo Naranjo con sus apenas tres largometrajes; asimismo gusto del trabajo del veterano Diego Luna como actor y director. Hay que decirlo, Abel fluye naturalmente al tiempo que narra una historia por demás peculiar. Sobre Gael García Luna tengo mis reservas, creo que a veces tiene actuaciones muy destacadas y un excelente imitador de acentos, y como director (¿en serio, Déficit?) ya ni hablar.

Con Diego y Gael como productores y Gerardo Naranjo en la dirección era seguro que nada podía salir mal, la gente decía “amarla“, participó los festivales de Venecia, Toronto y Berlín, entonces me pregunto: ¿de verdad mi cuerpo tendrá un gen malinchista? El punto es que Voy a Explotar tuvo la fuerza sí, pero de hacerme dudar sobre mis gustos cinematográficos.

Y es que lo que pudo ser una película entrañable como muchas otras que abordan el tema de la búsqueda de identidad durante la adolescencia (alguien recuerda la ya mítica “El Niño es Nuestro, Manuel Summers 1973) termina siendo algo cercano a un video-home, y si fuera poco de bajo presupuesto así sin más.

Aunque con algunas secuencias interesantes, el gran desacierto de la película se encuentra en sus protagonistas (Juan Pablo de Santiago como Román y Maria Deschamps como Maru) ) quienes más allá de ser desconocidos y ser ésta su primera cinta, la actuación de ambos es tan plana que lo mismo podrían decir “buenos días” que “tengo cáncer” sin la mínima pizca de emoción. Podría argumentarse que los personajes son un par de adolescentes sin motivación y “ensimismados“, víctimas de la cruel sociedad que los empuja a “rebelarse“, incomprendidos y un largo etcétera para disculpar su evidente carencia de talento y habilidad para transmitir apenas nada más que fastidio y un aburrimiento de bostezo (no empiecen con que: “el arte es subjetivo“).

Eso hace que sus diálogos se vuelvan tediosos y demeriten el trabajo de un gigante del cine y el teatro como lo es Daniel Gimenez Cacho y una pasmada (o ¿fastidiada?) Rebecca Jones, cayendo incluso por momentos en un lamentable humor involuntario.

No sé si se trate de la gran película que todos superion captar excepto yo, aunque he visto películas que aunque no haya logrado entender del todo, su belleza o profundidad mueve algo en mí o de verdad a un gran sector de nuestra sociedad mexicana está dispuesto a comprar un producto que aún con el apoyo de tres importantes personajes mexicanos resulta predecible y gris, pero sobre todo pretensioso.

Trabajos de mucho más calidad son ”Quemar las Naves“, ópera prima del director Francisco Franco Alba o mejor aún, en un tema distinto “La Última Mirada” también primer trabajo de Patricia Arriaga-Jordán, cintas en las que espero tener la oportunidad de abundar próximamente.

Así “Voy a Explotar“, que en consideración a su precio humildemente sugeriría cambiar el título por “Te voy a explotar“.

Pronóstico Palomero de Febrero

El Fett — Wed, 01 Feb 2012 15:29:15 +0000

Inevitablemente febrero se vuelve uno de los mejores meses para el cinéfilo empedernido, pues aparte de empacharse el glamour del Oscar, por fin puede disfrutar en cartelera todas esas películas de las que solo había podido escuchar nombrar como “las mejores del año 2011”; así pues, la piadosa cartelera al igual que en enero, se digna en traer a los simples mortales latinoamericanos algunos films con un poquito de atraso (hasta 5 meses), sin olvidar también los ligeros asomos de alguna bochornosa cochinada que también calmará la boca adicta a la sal del espécimen “trago pura palomita sin saber la porquería que estoy viendo”.

En fin, este mes tiene de todo, desde aroma a Oscar con dramas hawaianos y post 9/11, espías malhumorados, sirvientas con pasteles de dudosa procedencia, artistas mudos y en blanco y negro y bellezas del cine resucitadas, pasando por algunas olvidadas de la Academia con desnudos completos incluidos y canceres terminales, hasta desembocar en algunos churritos en 3D y hasta un mago que ya no le teme a Voldemort sino a otra cosa.

Afortunadamente para ustedes mis estimados mortales, su caza recompensas ya vio el 80% de las referidas a continuación y con el dato certero de que este pronóstico es 90% eficaz ¡Para que les cuento! Soy tan piadoso que siempre les ando diciendo como cuidar o invertir su dinero. Tomen aire y revisen siempre su único e inmisericorde Pronóstico Palomero, que como este, no van a encontrar ninguno otro en cualquier blog o revista pinchurrienta que se encuentren… he dicho.

Los Descendientes. 3 de febrero

Involucrados: Alexander Payne, especialista en tragicomedias, hace dupla con el chiqueado de Hollywood George Clooney en la carrera por varios Oscar. Completa el reparto una preciosura y talentosa joven actriz de nombre Shailene Woodley y Judy Greer entre las más conocidas.

Se dice que: Nominada a 5 Oscar y alabada en varios círculos de la crítica, Payne relata la historia de una familia magnate de Hawai que atraviesa en carne de su patriarca un rompimiento físico y espiritual en su matrimonio y una peor crisis existencial.

El Fett dice que: Colosal actuación de Clooney al mando de uno de los mejores directores del género que ya antes nos había engolosinado con Sideways y About Schimdt. Es impresionante ver en manos de Payne como la trivialidad de las vidas puede alcanzar un marco argumental tan complejo que embellece el lenguaje cinematográfico. Ojo con la joven Woodley, que aparte de enamorar a varios pubertos y a jóvenes fuertes como su servidor, entrega una gran actuación de reparto que fue injustamente ignorada en los principales premios y haciéndose de muchos otros en varios círculos de crítica.

Siempre son bienvenidos estos pequeños dramas tan bien dirigiditos y encausados por un director que conoce su oficio. El guion es exquisito y su soundtrack merece mención aparte, pues en realidad uno se siente participe de esta pequeña desgracia hawaiana.

El espía que sabía demasiado (Tinker Tailor Soldier Spy) 10 de febrero

Involucrados: Tomas Alfredson, gran director sueco responsable de la ya película de culto Let the Right One In, se hace de un reparto plagado de madurez y talento encabezado por exacto Gary Oldman; lo acompañan John Hurt, Tom Hardy, Colin Firth, Mark Strong, Ciaran Hinds y Toby Jones, solo por mencionar algunos.

Se dice que: Nominada a 3 Oscar y una de las principales nominadas a los BAFTA, este thriller relata de manera inquietante y muy peculiar la búsqueda por un infiltrado en el servicio de inteligencia británica por parte de uno de sus agentes ya retirados.

El Fett dice que: Alfredson en su incursión fuera del cine sueco logra una cinta compleja y perfectamente bien elaborada, un cuento de espías maduro con grandes interpretaciones que se sirve de una excelsa adaptación para llevar al espectador por una verdadera telaraña que no se define sencillamente, sino que va entretejiendo cabos hasta su desenlace. Aunque parezca extraño, Oldman recibe su primera nominación al Oscar al encarnar a un sobrio agente retirado con un porte que nunca se le había visto a este gran histrión.

Si usted busca piruetas a lo James Bond, esta no es su película, pero si por el contrario usted gusta apreciar un relato de espionaje original y muy realista, córrale a apreciar una de las mejores películas del 2011 que nos transporta a plena Guerra Fría con todo y una magnifica banda sonora auspiciada por Alberto Iglesias y por La Mer (que bonito final, ya lo entenderán).

La Dama de Negro. 10 de febrero

Involucrados: Un escritor de terror de dudosa procedencia llamado James Watkins, lleva a cabo su segundo largometraje con nada más y nada menos que Harry Potter como protagónico. Radcliffe comparte pantalla con puños de fantasmas y con Ciaran HInds y Janet McTeer

Se dice que: Fuera la varita y vengan los sustos, pues Potter, digo Radcliffe, se mete en el papel de un abogado que viaja a una remota villa donde encontrara que una “dama de negro” les esta haciendo la vida de cuadritos a sus habitantes ¿Podrá un Expecto Patronum contra esta?

El Fett dice que: Es hora de que este joven actor se sacuda a todo Jauarts y comience a demostrar que es alguien más que un mago cicatrizado al servicio de Dombuldor; pero ajeno al morbo de ver las verdaderas potencialidades de Daniel como histrión, se encuentra un director que si bien ha dedicado su carrera a los guiones de terror, no ha sabido salir de una distribución localista y del videohome, lo cual es un muy mal augurio para esta producción.

Sin embargo, el tráiler y la propuesta a lo “Dracula” se ven interesantes, y la luz de la esperanza recaen en la guionista Jane Goldman, responsable de Kick Ass y X-Men First Class, que según sus declaraciones ha intentado respetar lo más posible la novela homónima de Susan Hill. Pero siendo sinceros ¿A quién carajos le importa todo esto? Pues todos nosotros si sucumbimos ante la dama de negro, iremos solo para ver que tan mal o bien librado habrá salido el mago de todo esto ¡Échele un experliamus mi Jarry!

50/50. 10 de febrero.

Involucrados: Jonathan Levine, un director que quiere entrar a las grandes ligas con ayuda de dos prolíficos y jóvenes actores en la escena de la tragicomedia: Joseph Gordon Levitt y Seth Rogen. Completan reparto Anna Kendrick, Bryce Dallas Howard, Anjelica Huston y Phillip Baker Hall.

Se dice que: Una de las grandes ignoradas en el rubro de guion original en este año, es esta pequeña cita que nos narra la odisea que sufre un joven al darse cuenta que sufre de un rarísimo cáncer en su columna.

El Fett dice que: Basada en una historia real, esta “comedia” resulta ser el 500 days with Summer de esta temporada, pues aparte de repetir a su ya encasillado pero buen protagonista, las fórmulas del género son ya recurrentemente imitadas; pero esto no quiere decir que aun no nos canse (aunque va que vuela para hacerlo), sino todo lo contrario, pues el joven director sabe sacar a flote a través de las interpretaciones y de un guion ágil y muy fresco, un film disfrutable y muy divertido en todos sus sentidos con todo y que la moraleja de la vida se nos es enjaretada a cada minuto de su metraje.

Levitt que ya se las sabe de todas todas en este rubro no deja de sorprender dándole diferentes matices a un personaje ahora mas acongojado que un teenager ardido con las chicas ¿Y Seth Rogen? Bueno… es Seth Rogen, pero aquí si llega a caer bien.

Historias Cruzadas (The Help). 17 de febrero.

Involucrados: Tate Taylor, un actor de reparto y hasta ¡extra y doble de acción! que le gusta jugar a la cámaras y dirige a un repartazo que incluye nombres como los de Viola Davis, Octavia Spencer, Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Allison Janney, Sissy Spaceck y a la nueva enamorada del caza recompensas Jessica Chastain.

Se dice que: Nominada a 4 Oscar, esta conmovedora, intensa y divertida película refiere al trato de las criadas en la época racista en los suburbios norteamericanos, y de cómo estás mujeres se revelan ante los injustos tratos de sus “señoras” a través de un método bastante peculiar.

El Fett dice que: Mención honorifica para los responsables del doblaje mexicano, que con esta pordiosera traducción se acaban de llevar las palmas a los ineptos más grandes del 2011. Ya que de cruzadas la historia no tiene nada que ver, habrá que aplaudir por otra parte al novato director, que logra con su visión una rítmica, seria y a la misma vez divertida historia que seguramente (y como ya lo hizo en los SAG), arrasará con las ternas de actuación femeninas en la próxima entrega del Oscar si es que la dama Streep no le echa perder la fiesta a una excelente Viola Davis que se sumerge en su personaje de manera fenomenal.

Jessica Chastan como siempre chulísima, confirma su hegemonía sobre este año fílmico y Octavia Spencer ¡Que decir! su Oscar está asegurado. La bonita propuesta del 2011 esta vez si valió la pena, así que por favor no se dejen guiar por el doblaje hecho por retrasados mentales y corran a verla.

El Artista. 17 de febrero.

Involucrados: Michel Hazanavicius, escribe, dirige y edita esta magna obra de arte con ayuda de dos revelaciones: el francés Jean Dujardin y la argentina Berenice Bejo. Completan reparto nombres experimentados como los de John Goodman, Penelope Anne Miller y James Cromwell.

Se dice que: Nominada a 10 Oscar, el film mas aclamado del año nos transporta al Hollywood de los años 20’s al relatar la historia del actor George Valentine y la transición del cine mudo al sonoro de manera impresionante. Una propuesta francesa fresca, en blanco y negro y muda.

El Fett dice: Me permitiré ser vulgar y expresar lo que sencillamente pienso de este film: un pinche peliculón. Después de mi fina manera de expresión, déjenme informarles estimados cinéfilos que estamos ante un logro de la cinematografía y una celebración a los mismos orígenes de este bello arte. Muchos palomiteros se dejaran llevar por lo que parece ser una precaria propuesta muda y en blanco y negro, pero en verdad os digo, que inclusive el adicto a transformers y a vampiros homosexuales podrá y tendrá que reconocer la fresca y maestra manera de plasmar una historia como esta en la pantalla.

Atrevida e irónicamente revolucionaria, el lenguaje que maneja el novato Hazanavicius denota el porqué y merecedoramente su película será acreedora al galardón como la mejor del año. Una obra que será recordada y estudiada con un carisma fuera de lo usual. Si usted estimado cinéfilo va a ir en febrero una sola vez al cine, procure que sea esta.

Mi Semana con Marilyn. 17 de febrero.

Involucrados: Simon Curtis, un experto en televisión que se lanza a la pantalla grande a revivir a Marilyn Monroe bajo la gloriosa interpretación de Michelle Williams. A ella se le unen el mas actor que director Kenneth Branagh, Julia Ormond, Emma Watson y Toby Jones.

Se dice que: Nominada a 2 Oscar en rubros histriónicos, la película se centra en un lapso de tiempo no muy conocido de la legendaria estrella, centrado en el detrás de cámaras y la relación de Monroe con el director Olivier durante la filmación de la película The Prince and the Showgirl.

El Fett dice: Glamorosa y perfecta interpretación de Williams como la hermosa y radiante Monroe, la cual hace que valga la pena ver toda una película que cae inevitablemente en un formato televisivo gracias a su director, asemejándose más a una película apta para canal Hallmark que un ejercicio cinematográfico. Sin embargo y como lo mencione, esto no desmerita la actuación de una de las jóvenes actrices más talentosas de los últimos tiempos, así como también de un experimentado Branagh, que bien podría dar la sorpresa en el rubro de mejor actor de reparto en la venidera entrega del Oscar.

El reparto se encuentra “bien a secas” resaltando la nula sorpresa de Emily Watson, que tendrá que trabajar aun mas para sacarse a Harry Potter de la cabeza. Para los adictos al Oscar es un deber observar una posible sorpresa de Williams como Mejor Actriz, pero para otros gustos, en verdad os digo que si se esperan a su formato en video no sufrirán nada.

Shame (Deseos Culpables). 24 de febrero.

Involucrados: Steve McQueen, novato independiente toma al que quizá sea el actor más prolífico del 2011, Michael Fassbender, y lo convierte en una maquina de drama y sexo, junto también a otra actriz que no le supo nada mal el anterior año: Carey Mulligan.

Se dice que: La interpretación más injustamente ignorada de los venideros Oscar es la de Fassbender, el cual interpreta a un adicto al sexo en la Ciudad de Nueva York que ve su modo de vida interrumpido gracias a la llegada de su hermana.

El Fett dice que: Muchos críticos, colegas, compañeros y lectores pegaron el grito en el cielo al ver a Fassbender excluido de los Oscar por lo que según claman, es la mejor interpretación masculina del 2011 ¿La razón del desagrado? Simplemente la poca comercialidad de la película, la cual solo hizo ruido cuando el mencionado histrión se llevo el galardón para mejor actor en el pasado festival de Cannes, eso, y su desnudo frontal así como la misma naturaleza sexual de la película que la hacen “producto no grato” para la conservadora academia.

Pero gracias a la divinidad de su preferencia, por fin el film vio distribución comercial, y todo aquel o aquella con ganas de ver actuaciones de verdad y un buen pedazo de cine independiente (o algo más), aquí la tenemos este febrero para ahora si preguntarnos ¿Bichir se merece estar entre esos 5? Y ¿Qué acaso sus traductores no saben que Shame significa vergüenza?

Tan Fuerte y Tan Cerca. 24 de febrero.

Involucrados: Stepehn Daldry vuelve al Oscar por cuarta vez, y aparte de romper un record (4 películas dirigidas, 4 participaciones en el Oscar, 4 derrotas), esta vez se encarga de hacerlo con más ruido, pues en su reparto cuenta con Tom Hanks, Sandra Bullock, Max Von Sydow, John Goodman y Viola Davis.

Se dice que: La colada al Oscar se ha ganado su mote merecidamente gracias a las malas críticas recibidas de todos los círculos y festivales alrededor del orbe, entonces ¿Por qué carajos está ahí? Por la nostalgia post 9/11 y lo “políticamente correcto” que significaría su nominación.

El Fett dice que: Parece ser que esta película no solo causó estragos en las neuronas de cualquier gurú y crítico del cine, sino que también ha de ver ocasionado el encabronamiento de toda la producción de Drive, una de las mejores películas de este año la cual se vio directamente afectada por lo absurdamente “correcto” de la película de Daldry.

No hay crucificar del todo a un drama que podría llegar a ser disfrutable en ciertos momentos, pero la realidad es que el lado oscuro de la fuerza está con ella, y peor aún ¡Sandra Bullock! Para los románticos de la entrega de premios, habrá que ver si inclusive la nominación del veterano Max Von Sydow es justificada, pues haber sacado a Albert Brooks (Drive) parece ser una cosa imperdonable y de no tener vergüenza ¿Mi veredicto? Con muchas reservas por favor

Otras del montón

Star Wars Episodio I: La Amenaza Fantasma 3D. 10 de febrero.

Les tengo una serie de mala noticias a todos los fanáticos de la saga; la primera es que si, si vienen remasterizadas y con 400 000 cambios ¿la segunda? Si, como lo pueden notar, la necedad del Sr. Lucas ocasiona que empiece el reestreno de la saga con el episodio 1 y no con el 4.

Les tengo una serie de buenas noticias a todos los fanáticos de la saga; no nos hagamos tarugos, pues todos aprovecharemos la oportunidad de ver nuestra adorada droga ahora en 3D, así como también tendremos la oportunidad de recomendarla a los chiquitines para que nuestro sequito siga creciendo. Te admiro… pero te odio Lucas

De Panzazo! 24 de febrero

La investigación sobre el sistema educativo en México que pretende hacer cambiar la manera de pensar no solo de la sociedad mexicana, sino también de los docentes y círculos políticos de ese país (El Fett ríe)

Dirigida por Juan Carlos Rulfo y de pegostle también por el periodista Carlos Loret de Mola, esto es un chiste, un chiste que pasarán en su televisión abierta 1 mes después, así que no desperdicien su dinero.

Carta recordatorio.

Recuerden estimados cinéfilos que el caza recompensas es duro cuando los bodrios se lo merecen, pero esta vez habrá que aplaudir a estos buenos films que uno no debe dejar pasar de ver. Ahora, estén conscientes de que no soy responsable de que sus distribuidoras locales se me vuelvan locas y decidan cambiar la fecha de estreno de su obra de arte o cochinada preferida, pues las fechas aquí descritas son de las mismas cadenas donde llegaran a estrenarse.

Este es todo su Pronostico Palomero de Febrero que espero analicen y sigan en cuenta por su bien, el de su retina y el de su familia. Exijan buen cine.

La Estrada de Cinescopia es Cortos: el otro Hugo

jjacob — Tue, 31 Jan 2012 17:00:00 +0000

Todos herimos a quien amamos, ya por que damos por sentado el cariño que nos profesan nuestros seres queridos ya por poner a prueba dicho cariño: “todos tenemos un amo y un perro” reza el dicho. Aprovechando la inercia de “La Invención de Hugo Cabret” de Scorsese, deseo hablar de otro Hugo, no el del clásico mexicano “El Libro de Piedra” (Carlos Enrique Taboada, 1969) y aún menos su infame remake de 2009 (Julio César Estrada); sino de otro Hugo, el del director británico Nicholas Verso.

La fábula de Hugo indaga en las emociones más básicas del ser humano. Cuando Desma (Sianoa Smit McPhee, Hung, 2009) encuentra por accidente un hada en el bosque. Con una vida desdichada, apariencia desaliñada y emociones constreñiadas, Desma decide capturar a Hugo, un indefenso hada, para exhibirlo como proyecto de ciencias ante toda la escuela.

Una vez pasada la sorpresa y emoción de su extraordinario hallazgo, Desma cae en cuenta que el hada está indefenso contra ella, de nada le vale su belleza o extraordinaria naturaleza, Hugo representa a todas esas compañeras tan fácilmente adaptables en la sociedad y con la fresca belleza propia de la juventud cuya sola existencia contextualiza a la torpe y apocada Desma.

El formato de cortometraje sirve como marco ejemplar para reflejar la vorágine que emociones que invaden a Desma y el dilema moral que debe resolver en -literalmente- minutos. ¿Por qué Hugo debe pagar la frustración e incapacidad de adaptación de Desma? ¿Exponer a Hugo le otorgará el respeto y admiración que desea aún a costa de su propia vida? ¿Debe sacrificarse un comportamiento ético en pos del éxito personal? Dudas que a todos nos han asaltado en algún momento y decisiones que -seguramente- más de una vez nos han robado horas de sueño. Aquí pues el primer Hugo -El libro de piedra- que nos enseñó a temer, el segundo -Hugo Cabret- que nos enseñó a soñar y el tercero nos invita a reflexionar.

Hugo: Un clásico instantáneo

El Fett — Tue, 31 Jan 2012 16:36:49 +0000

“La magia del cine hace que una película con una trama tan bella y sencilla, pueda abordarse en 2 horas con lujo de detalle, sin redundancias y dejando al espectador con ganas de soñar mas”.

Palabras de una espectadora y musa de este caza recompensas que perfectamente resumen no solo el oficio de uno de los cineastas mas grandes de la historia, sino que también mencionan el principal objetivo con el que el cine fue creado, que es la capacidad de fabricar sueños y viajar a otro mundo fuera de nuestra vida diaria. Hugo es sin duda una obra de arte, una fábula que remite al público a los orígenes de la técnica, del arte, pero sobre todo de la empresa manufacturera de mundos, de fantasías, de viajes alternos y de maravillosos sueños (y también pesadillas) e historias a través de uno de sus pioneros, todo bajo la visión de Martin Scorsese.

Martin en el país de maravillas.

Muchos dudábamos que Scorsese pudiera sacar algún provecho de una historia infantil bajo el formato del 3D. Un maduro y consagrado director de comedias negras, thrillers, revolucionarias súper producciones y uno de los amos y señores del cine gansteril ¿En una película de estándares fantásticos enfocado al público infantil? Pocos hubieran pronosticado el resultado, el cual en pocas palabras resultó en un clásico instantáneo y un logro de la cinematografía moderna que consolida la tendencia del cine en 2011, la cual fue recurrir a épocas y ambientes del pasado para lograr la recordación del arte visual.

Scorsese se sumerge en su proyecto, logrando que la adaptación del querido libro de Brian Selznick bajo la pluma del guionista John Logan (Gladiator), alcanzaran una conexión mágica con su dirección, que en esta vez puede llegar a resultar irreconocible por su formato y género, pero que nuevamente entrega al director uno de sus pináculos como autor. Sin pretensión y aprovechando el 3D como una herramienta y no como foco de la historia (aprendan muchos otros), el realizador maneja cada escena como sacada de un sueño, al postrar su cámara en escenarios vívidos y llenos de color, que gracias a la fotografía de Robert Richardson (Kill Bill) y a la dirección de arte, logran captar a un Paris mágico, una ciudad dorada y llena de luces que bajo esta comunión visual captan el mismo nacimiento del cine.

El guion se convierte en un truco mágico; la historia de un huérfano que descubre a través de un autómata un misterio que encierra un mensaje de su padre y la vida de un triste y afectado juguetero, es el vehículo para desarrollar un film que bien se pudo haber relatado en media hora, pero que irónicamente John Logan logra captar y adaptar escenarios que hacen que la sencilla historia pueda extenderse justificadamente, colocando elementos que complementan la tridimensionalidad de su protagonista y de su giro de tuerca y, que al mismo tiempo, alcanzan relatos secundarios de gran valor para el metraje. En resumen, uno no quiere que acabe el sueño (Pedro Almodóvar debería aprender).

EL co-director Georges Melies.

Advertencia: Spoilers.

De 1896 a 1913, fue la época en la que este pionero y padre del genero fantástica y de la ciencia ficción en el cine, maravilló al naciente séptimo arte con más de 500 obras y, que curiosamente, revive en este film para congeniar con Scorsese y ayudarlo con algunos de sus preciados metrajes.

El personaje de Melies y su visión hacia el nacimiento del arte cinematográfico es sencillamente el motif de la trama. El mago de profesión y director, productor, escritor, actor, diseñador de arte y compositor de Viaje a la luna en 1904 (Obra que pueden ver AQUÍ gracias a nuestro colega Israel Jacob) y otros 551 títulos, sirve a Scorsese como foco de su oda y homenaje al cine, sirviéndose nuevamente de una espectacular dirección de arte para reproducir las construcción de sueños que refiere el mismo personaje interpretado por un siempre excelente Ben Kingsley.

Es justo decir que Scorsese logra triunfar en su dirección una vez más, gracias al legendario director francés y su ayuda desde el recuerdo.

El mágico casting

Además de la soberbia interpretación de Kingsley, la responsable del casting Ellen Lewis (la cual siempre ha trabajado a lado de Scorsese) dio en el blanco al encontrar en Asa Butterfield (The Boy in the Striped Pyjamas) y en Chloe Grace Moretz (Kick Ass) a la pareja infantil ideal para este cuento de hadas no tan alejado de la realidad mágica del cine. Dos actores que encuentran en la dirección de Martin quizá el más importante empujón hasta ahora para sus jóvenes carreras.

Sin embargo, quien en verdad sorprende es Sascha Baron Cohen, que logra en su interpretación un personaje muy recordable y divertido que bajo cortesía no solo del guion y de la dirección, sino también de su famosa y mencionada improvisación, capta el “comedy relief” exacto para el disfrute no solo del niño, sino también del adulto.

El demás reparto es sensacional, desde personajes con relativa más importancia como los de Michael Stuhlbarg y Helen McCoy, pasando por inclusiones exactas de Ray Winstone y Jude Law, hasta las historias cruzadas dentro de la estación del tren protagonizadas por una serie de personajes entrañables a cargo de Richard Griffiths, Christopher Lee y Emily Mortimer, entre otros, que sirven también como los elementos para la visión y desarrollo del protagonista.

¿Hay que verla?

Definitivamente. Ágil, divertida y apta para todo público, Hugo significa una fantasía que nos transporta a los pininos del cine. No hay duda que los que estén casados con este arte, disfrutarán un poco mas todos los elementos visuales y narrativos del film, así como del paseo histórico sobre los orígenes del cine, pero eso no quiere decir que cualquier cinéfilo, chico o grande, mujer u hombre no se engolosinará no solo gracias al a historia, sino también al aspecto visual que en esta ocasión se le debería aplaudir al 3D, pues Scorsese lo ha sabido utilizar como herramienta y no como foco de atención para vender palomitas.

La película se ha convertido en la más nominada en la próxima entrega del Oscar (11 nominaciones) y ya ha sido foco de galardón en varios festivales y círculos de crítica y acreedora al Globo de Oro a la mejor dirección. Posiblemente para los académicos la mejor película del año, pero independientemente de cualquier Oscar, globo o palma, usted cinéfilo no debe dejar pasar esta oportunidad.

Estrenos en La Estrada de Cinescopia: Hugo, Hollywood rinde homenaje a su origen

jjacob — Mon, 30 Jan 2012 20:10:52 +0000

Ya en 1988 todos nos rendimos ante la recién lanzada Cinema Paradiso del siciliano Giuseppe Tornatore quien en la más pura tradición cinematográfica italiana nos llevó de la mano a un viaje del cine dentro del cine. Sin sorprendentes efectos especiales Tornatore logra remover las fibras más sensibles a través de la memoria del cine, que es la historia del hombre moderno.

La pasión de los cineastas es la materia prima de la sangre que corre por las tiras de celuloide que se proyecta con fuerza hacia la pantalla revelando el mundo personal de su creador a través de esa enigmática belleza que desde su creación ha cautivado a los espectadores. La pantalla de plata jamás defraudará a quien, independientemente de su éxito en taquilla, se haya atrevido a plasmar sus sueños en ella.

Hoy Hollywood, el hijo más importante y prolífico hijo del séptimo arte, una vez más se apoya en la literatura para ofrecer un merecido homenaje a uno de los pilares de la industria cinematográfica y lleva a la pantalla la adaptación de la novela homónima obra del escritor e ilustrador norteamericano Brian Selznick trabajo del que ya teníamos antecedentes.

Concebido como cuento para niños en su versión literaria, The Invention of Hugo Cabret narra las aventuras de Hugo (Asa Butterfield, The Wolfman, 2010) durante 1931 quien, al fallecer su padre en un incendio, es adoptado por su ebrio tío Claude (Ray Winston, Beowolf 2007) encargado del mantenimiento de los relojes de la terminal Gare Montparnasse en París, donde vaga por los viejos y oscuros pasillos realizando las tareas del tío.

La muerte del padre de Hugo (Jude Law, Sherlock Holmes: A game of shadows, 2011) acontece justo cuando ambos han iniciado la empresa de restaurar un misterioso autómata encontrado en un museo donde el padre de Hugo trabaja como cuidador. Una vez reparado en la estación de trenes, el autómata está casi listo para funcionar. Hugo intuye que éste tiene noticias de su padre muerto, sólo debe hallar la llave en forma de corazón que activa su mecanismo.

Hasta aquí dos de los pilares que sostienen la historia. Hugo presiente que la llave que necesita se encuentra en aquella estación, en alguna parte entre aquél incesante ir y venir diario de miles de viajeros, en algún lugar de aquél microcosmos debe encontrarse la clave que de respuesta a todas sus interrogantes. De una cosa está seguro: “a las máquinas nunca les sobran piezas, porque cada pieza tiene una función específica” y él sabe que como parte de una maquinaria que es el mundo, tiene una misión que cumplir.

Interpretada por una fantástica, Cloë Grace Moretz (Let me in, 2010) es Isabelle, la amiga que sin saberlo conducirá a Hugo no únicamente a la llave que acciona al autómata, sino a las respuestas que busca y a su destino mismo.

Con una fotografía impecable, ágiles movimientos de cámara y una estética que casi recuerda a Amélie y una historia salpicada de referencias al origen del cine, Hugo alcanza el clímax casi al final de la película, pero merece la pena la espera ya que el extraordinario homenaje que la cinta rinde a uno de los pilares indiscutibles del cine moverá en el cinéfilo iniciado un cúmulo de emociones. Cabe notar que la película no es totalmente fiel al libro y es de extrañar la ausencia de un personaje de toral importancia en la historia el Prof. H. Alcofrisbas. El cuadro lo completan Sacha Baron Cohen (Bruno, 2009), como el inspector de trenes obsesionado con atrapar y enviar a todos los ladronzuelos que merodean la estación al orfanato. Y por supuesto, Ben Kinsley (A house of sand and fog, 2003), quien interpreta al resentido y estricto dueño de una juguetería, y que constituye el tercer gran pilar de la historia y la pieza faltante en la vida de Hugo, pieza fundamental para todos nosotros, que amamos en séptimo arte. Recomendable verla en 3D.

La Estrada de Cinescopia es música: Elvis Costello, hipster involuntario adelantado a su época

jjacob — Fri, 27 Jan 2012 22:29:59 +0000

Gafas de pasta, borsalino y pantalones de popotillo; actitud orgullosa y un aire nerd, suena a la descripción de cualquier habitante de la fauna Condechi de la Ciudad de México, fotógrafos, DJs, diseñadores o RPs, cineastas… todos tan 2000 jugando a ser distintos siendo tan iguales. Pero antes de que esta reciclada tendencia invadiera la capital de la República Mexicana existió él, con su guitarra y sonido lúdico, casi infantil, pero con letras cuya sencillez (que jamás simpleza) encierran misteriosas historias que se resisten a revelarse; cada acorde, cada entonación, cada acento tiene una intención: cada uno es pieza clave de un rompecabezas que desvela una historia que se antoja una litografía de M.C. Escher.

Es Elvis Costello, el cantante británico cuyo talento le llevó a la fama sin siquiera proponérselo y de la noche a la mañana saltó de ser un hombre ordinario a un canta-autor de mediana fama al principio de su carrera, pero destinado a ser uno de los grandes artistas británicos comparable con David Bowie, Sir Paul McCartney y Sting. Aunque actualmente su música está dirigida a un público muy específico, su mezcla de estilos lo hace un compositor muy digerible que sabe encontrar el balance perfecto entre el pop, el rock clásico y el jazz. “Verónica“, canción compuesta en mancuerna con Sir Paul McCartney quizá sea su canción más popular y muestra de su extraordinario talento, toda vez que a pesar de estar inspirada en lo difícil que fue lidiar con el avanzado deterioro en la salud de su abuela víctima del Alzheimer, la melodía viaja por alegres notas que distraen de la dolorosa historia que entreteje la letra: “Veronica sits in her favourite chair, she sits very quiet and still… saying you can call me anything you like, but my name is Veronica“.

Aunque ha musicalizado varias cintas su participación más reconocida se da en la biopic ”De-Lovely“, sobre la vida del compositor norteamericano Cole Porter cuyo hilo condutor es un ensamble de canciones tomadas de sus musicales en las que intervienen reconocidos artistas, y donde Elvis aparece como animador de una mascarada haciendo una extraordinaria interpretación de “Let’s Mishave“, una muestra más de su versatilidad.

Actualmente Elvis conduce un programa de variedades en Sundance Channel (en México disponible a través de i-Sat Channel) ”Spectacle” en el que entrevista, departe y canta con músicos invitados en un ambiente íntimo y relajado, al tiempo que promociona su más reciente producción discográfica titulada “The Return of the Spectacular Spinning Songbook“, álbum número 30 de su prolífica carrera. Es Elvis Costello, el hipster por accidente más inteligente, talentoso y versátil que humildemente declara con una sonrisa: “recomiendo no comprar mi álbum, el precio [de 312 dólares] debe ser un error de impresión o una broma, mejor adquieran un CD de Louis Armstrong, quién es infinitamente superior“ y no, no vive en la Condesa.

Curiosidades sobre la 84a entrega del Oscar

El Fett — Fri, 27 Jan 2012 03:13:00 +0000

Sobre las películas.

Paris, Je t’aime. La ciudad de Paris tiene gran presencia en estos Oscar, pues además de que The Artist es una producción gala, nos encontramos con que Hugo y Midnight in Paris basan su relato en la romántica ciudad. Súmenle también el film A Cat in Paris, que compite como mejor película animada. Esto parece guía turística.
Sin palabras. La última cinta muda en ganar el Oscar a mejor película fue la primera, Wings, en 1927. Ese es el reto que enfrenta The Artist, primer filme mudo que vuelve a ser nominado a la categoría de mejor película ¡En 85 años!
El 3D rinde frutos. Hay 11 películas bajo este formato nominadas al Oscar este año, incluyendo a Hugo y Pina, que compite en la categoría de mejor documental.
¿Qué hizo Pixar? Una cochinada llamada Cars 2, que se convierte en su primer film que no es nominado al Oscar, y es que la verdad, es muy malita.
¿Habrá risas? La última película de comedia en ganar la preciada estatuilla fue la sobrevalorada Shakespeare in Love en 1998, la cual cometió ultrajo bárbaro a The Thin Red Line, película bélica dirigida por el mismo Terrence Malick que ahora compite por The Tree of Life ¿Podrá Midnight in Paris no solo aguarle la fiesta a Malick, sino a todos los demás?
¿Irá o no irá? 26 años tuvieron que pasar para que entre las nominadas a mejor película se encontrara una dirigida por Woody Allen (la última fue Hannah and her sisters). Esto no importa, pues seguramente y como lo acostumbra, Woody ni se parará en la ceremonia.
Caricaturas en español. Chico y Rita es la primera película de habla hispana nominada al Oscar a mejor película de animación.

Sobre los directores

Not Today Stephen. Stephen Daldry había sido nominado como mejor director por todas sus películas (Billy Elliot, The Hours, The Reader), pero esta vez la incipiente y sorpresiva Extremely Loud & Incredibly Close fue la excepción a la regla. Hay tienen su primera eliminada de las quinielas estimados.
Multi nominados. Triple nominación para Alexander Payner (productor, director y guión) y Michel Hazanavicius (dirección, guión y montaje), y doble nominación para Woody Allen (dirección y guión) y Martin Scorsese.
Películas nominadas a la categoría principal de cada director en la historia del Oscar: Terrence Malick (2), Martin Scorsese (6), Michel Hazanavicius (1), Alexander Payne (2), Woody Allen (3).

Sobre los actores

Pobrecita. Glenn Close, la actriz persigue su sexta nominación como actriz principal, pero parece que tendrá que esperar la séptima para tener más probabilidades de hacerse del Oscar.
Viejitos. En el renglón de mejor actor secundario, dos de los nominados son octogenarios, pues tanto el canadiense Christopher Plummer como el sueco Max von Sydow nacieron en 1929.
Record con promedio bajo. Meryl Streep se convierte en la actriz más nominada en la historia del Oscar con ¡17 carreras por el mono dorado! De las cuales solo ha ganado 2, pero quizá con esta ultima, por fin se haga de trillizos (Muy probable).
¡Racistas! Desde 2000 no se daba la peculiaridad de que las cinco nominadas a mejor actriz fueran norteamericanas
Y sigue la Francia dando. Jean Dujardin es el cuarto intérprete francés nominado en la categoría de mejor actor tras Maurice Chevalier, Charles Boyer y Gérard Depardieu

¿Orgullo mexicano o exclusión injusta de Fassbender? No importa ya, pues Demián Bichir, el segundo mexicano nominado a mejor actor tras Anthony Quinn.
Moditas. Se consolida, un año más, la tendencia de nominar a dos actrices por una misma película. The Help, es la última en unirse al grupo de Babel, Doubt, Up in the Air y The Fighter
El más viejito. Max Von Sydow se sitúa como el segundo intérprete más longevo nominado en la categoría de mejor actor de reparto, sólo superado por Hal Holbrok.
Pequeñas diferencias. 55 años separan al mayor del menor en mejor actor de reparto (Max Von Sydow y Jonah Hill), 38 en mejor actriz (Glenn Close y Rooney Mara), 20 en mejor actriz de reparto (Janet McTeer y Jessica Chastain) y 14 en mejor actor (Gary Oldman y Jean Dujardin)

Fanfarrón. Con su nueva nominación Kenneth Branagh puede presumir de haber sido nominado en cinco categorías diferentes de los Oscar: mejor actor, actor de reparto, cortometraje, guión adaptado y director) ¡Pero no olvidaremos el chiste de Thor!

Triste caso. Tilda Swinton se convierte en la primera actriz nominada a los cuatro premios más importantes de la temporada (Bafta, SAG, Globo de Oro y Critics’ Choice) que es olvidada en los Oscar. Por si eso fuera poco, es el segundo año consecutivo que la ganadora a la mejor actriz en la National Board of Review no es nominada en los Oscar.
Constante la niña. De los veinte intérpretes nominados, sólo Michelle Williams repite con respecto al año pasado.
No tan racistas. Viola Davis es la segunda afroamericana nominada en dos ocasiones al Oscar. La primera, Whoopi Goldberg.
La gran estafa. Desde el año 2001 no se daba la peculiaridad que sólo dos norteamericanos hubiera nominados a mejor actor (Clooney y Pitt).
Primerizos. Gary Oldman y Jonah Hill fueron nominados por primera vez al Oscar este año, además del mexicano Demián Bichir y la argentina Bérénice Bejo.
En Fincher creemos. Los tres protagonistas (Pitt, Eisenberg y Mara) de las últimas películas de David Fincher (Benjamin Button, The Social Network y The Girl with the Dragon Tattoo) han sido nominados

Otras

Primera vez que en la categoría de mejor canción, sólo hay dos nominaciones.
Con sus dos nominaciones a la mejor música original por The Adventures of Tintin y War Horse, John Williams sumó 47 en total y ocupa el segundo lugar después de Walt Disney (quien fue postulado 59 veces) como la persona con más nominaciones. Solo ha ganado 5.