Primero los niños, y lentamente los adultos redescubriendo su etapa más infantil, la curiosidad por saber qué hay detrás de esos mantos viejos, de esa capa misteriosa que huye tratando de esconder el peor secreto del mundo. “¿Acaso posee algún tipo de desfiguración?”

Una escena cruda y filmada con una maestría envidiable. Cuando Lynch quiere hacerlo, puede dejarnos realmente boquiabiertos. Recuerden: http://cinestesia.bligoo.com/content/view/300397/

Akira Kurosawa dibuja a través de una expresiva y elegante fotografía, la filosofía precisa para contar una historia con múltiples caminos. El desarrollado lenguaje rítmico en el guión, permite al maestro dar forma a una película donde la paciencia conecta con la sabiduría de los personajes, y todo el ejercicio cinematográfico lentamente comienza a tomar dimensiones bíblicas. Una pregunta universal funciona como el núcleo del film, y dicha interrogante es tan poderosa que mueve la trama dentro de la película misma, y las posibilidades de la verdad tienen tantas caretas que es imposible saber cuál es la correcta. Bajo la lluvia salvaje, en un escenario que pareciera ser el fin del mundo, un templo destruido y abandonado en el infinito mismo, tres aldeanos discuten acerca de una fantástica historia que guarda resquicios en su original versión, dando paso al mismo cuento visto desde diferentes perspectivas, un metalenguaje soberbio por parte de Kurosawa, quién con lograda determinación logra capturar el testimonio hasta de los espíritus - a través de un médium-. Sencillamente excepcional. Una obra que influiría rotundamente en el cine norteamericano, y que marcaría con firmeza la presencia de unos de los directores más grandes del siglo pasado. 

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Mas que una comedia romántica, 'The Ugly Truth' ('La cruda realidad') es una comedia donde la cruda verdad de las relaciones de pareja  es desnudada de manera tan simple por los protagonistas de la cinta que nos hace pensar que se trata de una retrospectiva a lo complicado que es encontrar a una persona no perfecta pero sin tantas complicaciones como ya estamos acostumbrados. ¿Se nota que la cinta me llegó directamente?  Mejor hablemos de que trata, ¿ya?

Protagonizada por Gerald  Butler (el que grita ESPARTAAAAA!! En 300 ) y por Katherine Heigl (Greys Anatomy)  la película no es full divertida pero tiene un contenido tan interesante como el llegar a pensar que es lo que quiere un hombre y una mujer en una relación o si realmente quieren llegar al punto de llamar una unión entre estos como tal. Más que eso, finalmente la mayoría solamente quiere lujuria y satisfacer el apetito sexual.  Esa es la cruda verdad muchachos.

La trama gira en torno a una productora (Heigl) de un matinal de noticias que está aburrida de escuchar los comentarios del nuevo opinologo del show (Butler) y no soportar las peculiares teorías sobre parejas que este señala.  Los fracasos en relaciones llevaran a estos dos a involucrarse en una series de desafíos para que el compruebe que sus teorías son ciertas y que los hombres podemos llegar a saber que realmente quieren las mujeres de nosotros y ellas confirmar cuales pueden ser las estrategias para obtener lo que realmente quieren de nosotros. 

No hay mucho más que decir sobre la cinta, el resto se los dejo a ustedes y para terminar les puedo asegurar que se trata de una película para disfrutar junto a varios amigos del mismo sexo para confirmar la cruda verdad de su situación amorosa o mejor aun, mirarla junto a una persona del sexo contrario para tirarle en la cara lo fea que puede ser nuestra verdad al buscar a esa persona “perfecta”, la cual realmente no existe.

Una buena película de ciencia ficción, entretenida, con unos efectos especiales alucinantes (no digo del todo creíbles, pero sí realmente sorprendentes), y una teoría que se asemeja mucho a la de los Annunakis y el cambio físico espiritual que habrá en unos años, cuando según algunos se acabe el mundo. Resulta interesante el enfoque que Alex Proyas realiza mediante un rescatable guión, que elude una gran parte de los clichés gubernamentales y todas esas subtramas que terminan por adormecer la intriga inicial, como ocurre, por ejemplo, con la infumable ‘Impacto profundo’ (‘Deep Impact’) o ‘El Día de la Independencia’ (‘Independence Day’). Protagonizada por Nicolas Cage, la cinta es entretenimiento puro, y toda la verborrea funciona tan bien, y en ningún momento parece excusa para los espectaculares despliegues visuales, pudiera haber sido aun mejor el tratamiento de ciertas manías innecesarias, ligeras referencias a piedras y tramos sobrantes que de todas formas eran imposibles de evitar en una película preparada a la taquilla. De todas formas, si ‘Knowing’ (Titulada 'Señales del futuro' y 'Premoniciones' en español) hubiera terminado un par de minutos antes, el explícito final hubiera sentado mejor en el imaginario colectivo que en la pantalla, pero bueno, quizás ese gran detalle estuvo a cargo de los productores. 

PD: lo bueno de todo esto, es que 'Knowing' es de esas películas que lo hacen a uno pensar en lo genial que sería presenciar el apocalipsis. 

Dicen que cuando uno cae en un estado de depresión es necesario ver a un especialista para poder liberarse de las torturas que nos entrega la rutina. Pero ¿qué pasa si el personaje que debería darnos las llaves de nuestros problemas está atravesando  lo mismo que nosotros e incluso en un grado mayor? Esto sucede en shrink, cinta que narra la historia del terapeuta de Los Ángeles, Henry Carter, interpretado por el talentoso Kevin Spacey y que nos demuestra que los héroes de nuestro día a día también pueden sufrir.

Durante el filme, Carter conocerá la vida de pacientes que de cierta manera están involucrados con la industria cinematográfica y como sus vidas se cruzaran (que original ¿no?) y llegar a compartir momentos bastante importantes para convertir la base de la historia. El problema comienza cuando la cinta trata de explicarnos de manera pincelada los problemas que supuestamente están teniendo estos personajes y como se podrían poner en una balanza con el drama que vive nuestro doctor Spacey, cosa que nunca sucede y finalmente nos quedamos con una historia casi individualista del protagonista y hace que la gran cantidad de personajes secundarios dejen de llamar la atención inmediatamente.

Obviamente lo técnico toma una gran responsabilidad en este vacio que queda en la historia. Los silencios que resaltan  de manera repetitiva en la cinta hacen que nos quedemos con dudas de cómo los problemas de los personajes se irán solucionando y tomas repetitivas de momentos tristes de Spacey (exactamente como lo hacia en American Beauty).

Una cinta para analizarla cada uno como quiera, no se encontrara con un futuro favorito en su colección de películas ni con una prohibición. Lamentablemente Spacey con trabajos así se nos queda con un estigma, un estigma que debe sacarse rápidamente.

Sin duda que la idea era original pero finalmente la cinta no dice tanto. Tal como un paciente con vergüenza a buscar ayuda o al recibir un consejo de alguien que sufre de lo mismo.

Para muchos, la principal falencia de ‘Valkyrie’ es la falta de determinación en el manejo del suspense. Para mí es lo mejor de la película. Bryan Singer construye un film frío, pero no por ello menos interesante.

La gélida estructura, más la tensa ambientación de los problemas internos dentro del Régimen Nazi, otorgan un torbellino de intriga en el espectador a través de un ritmo sobrio y elegante. Singer sabe cómo rodar de manera estratégica y calculadora, y aunque el tema es muy diferente, me recuerda mucho a ‘Los sospechosos de siempre’ (‘The Usual Suspects’, 1995), donde la trama es tratada de manera sabia y sutil, y los personajes ofrecen una amalgama de sensaciones tal, que esto provoca en el inconsciente una especie de bomba de tiempo, cuyo estallido puede ser inminente.

Y cuando me refiero a los personajes, me refiero también a grandes actores; Tom Cruise está muy a la altura, y aunque definitivamente no es el papel de su vida, estamos ante una gran interpretación como el eje principal de la cinta. Muy bien también están Kenneth Branagh, Bill Nighy y Tom Wilkinson, entre otros, quienes además de aportar calidad, otorgan una innegable credibilidad en el contexto histórico de la trama.

Sin duda una gran película para quienes disfruten del talento visual de Singer, y aunque puede que quienes gusten de historia no se convenzan mucho, estamos frente a una película que por lo menos vale la pena echar un ojo (nunca mejor escrito... lo del ojo). 

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Sin rodeos, directa y precisa son las características del núcleo de Taken, cinta dirigida por el director francés Pierre Morel, quien se ha caracterizado por entregar una avalancha de acción en sus trabajos anteriores. El claro ejemplo es  su participación directa en la saga de “The Transporter” con el saturado héroe de acción, Jason Statham.

En este thriller  lleno de situaciones improbables para una persona normal vemos a Bryan Mills, un retirado agente secreto interpretado por un elegante y ligero Liam Neeson, quien luego de pasar toda su vida en misiones secretas decide alejarse de la ardua tarea de defender a su país en el exterior y mudarse a Los Ángeles para estar cerca de su hija quien ahora vive con su madre, interpretada por la hermosa Famke Janssen quien no dejara que Bryan, el cual está dispuesto a recuperar el tiempo perdido, pueda darle todo lo que pueda a su hija de ahora 17 años.

Lo interesante para cualquier espectador de películas de acción y suspenso comienza a continuación. Kim es invitada por una amiga a Paris pero al tener 17 debe tener el permiso de sus padres, Bryan se lo da, pero no con el 100% de seguridad que un padre, ex agente del gobierno norteamericano, pueda realmente tener.

Ya chicos dejare de darles la lata y les diré lo que realmente importa. Kim es raptada por una red de daneses que son tratantes de blancas y mágicamente Bryan escucha el momento en que a su hija la secuestran, entonces como buen padre decide ir rápidamente a Paris, matar a todos los que agarraron a su hija y rescatarla como en sus mejores tiempos de agente 007 wannabe. El ex maestro Jedi del episodio uno se da cuenta que tiene muy poco tiempo para encontrarla ya que llamativamente estos tipos venden a sus chicas rápidamente y en especial a las que son vírgenes (lo dicen el la película, yo no sabia) es por eso que utiliza todas sus técnicas para llegar al paradero de los viejos verdes que se metieron con su pobre niñita.

En resumen, Taken es obviamente una película de rato, no le podemos pedir más a un genero tan desechable como el de acción y menos si el drama es más que el arroz dentro del plato. Por parte de las actuaciones me llamó mucho la atención la interpretación de Neeson, quien lo hace impecable y sin perder la elegancia, aniquila a una banda de delincuentes, sin arrugar su camisa.

Fueron uno de mis primeros juguetes junto a los Transformers y Thunder Cats y luego de casi 15 años de espera es el momento de verlos en la gran pantalla, eso si con un antojo exigente para todos los que lanzamos con paracaídas artesanales a nuestros soldados de fuerzas especiales G.I. JOE.

El responsable de traer a los súper soldados de plástico a actores de carne y hueso es Stephen Sommers, responsable de las dos cintas de “La Momia” donde no lo hizo para nada mal y de la frustrada “Val Helsing” que es mejor ni referirse porque me da sueño. A pesar de haber sufrido esa caída, Sommers realiza un decente trabajo en G.I. JOE con excelentes escenas de pura acción combinadas con ese humor que es imposible sacar en medio de una situación tan estresante como estar recibiendo balas por parte de un grupo terrorista o huir de un gran desastre natural, tal como lo vemos en las películas de Transformers de Michael Bay (¿será que Hasbro les exige eso a todos los directores de sus juguetes?) .

En Rise Of Cobra veremos como Duke y Ripcord se unen a la unidad G.I. JOE luego de sufrir un ataque terrorista en medio del transporte de avanzadas armas de nanotecnología. Dentro de esta aventura se sabrá sobre el origen de clásicos personajes de estas figuras de acción y como personajes del pasado de los protagonistas hacen su aparición en los momentos mas complicados. Además tendremos la clásica lucha contra los chicos malos que quieren destruir el mundo o solo asustar un poco a parte de la población terrestre.

La trama de G.I. JOE es full acción, las balas sobran y las explosiones están a la vuelta de la esquina. Perfectamente se pudo haber realizado solo una película de la serie pero como hablamos de una empresa tan ambiciosa como Hasbro, es obvio que se tiene una secuela, ya que los mensajes que deja esta película se notaran desde los primeros 15 minutos de cinta. En pocas palabras el director te esta gritando al oído: ESTO LO SABRAS EN LA 2, ESTO TAMBIEN Y ESTO TAMBIEN. Así que prepárense  porque de G.I. JOE se ve escuchar harto.

Hace algunos años me habían comentado acerca del director de cine David Lynch y de la majestuosidad y excentricismo de sus películas. Hasta que tuve la dicha de comprobarlo. El primer filme que vi de tal afamado cineasta, fue Lost Highway (Carretera Perdida) de 1997, con la cual pude percibir la abulta diversidad de elementos surrealistas acoplados de manera pulcra, en un thriller psicológico que sacudió mi cabeza de forma totalmente avasalladora. Luego, me remonté a la que algunos críticos señalan como una “obra maestra americana”, Blue Velvet (Terciopelo azul) de 1986. Y definitivamente, puedo dar fe de aquello, puesto que ésta película  nos da muestra de lo bueno y lo malo, lo justo y lo injusto, lo feo y lo bello; la dualidad misma de la vida y sus vicisitudes que aunque tengan una cara bonita o aspecto apolíneo, no es más que una escafandra en la cual yacen las más temibles calamidades.

Lynch nos muestra una serie de bellas imágenes de un sereno barrio norteamericano. En una de las casas de aquel sitio, un hombre sufre de un ataque cardiaco mientras riega las plantas de su jardín. Tras aquel incidente, es visitado por su hijo Jeffrey (Kyle MacLachlan), quien al volver a su hogar, en el camino encuentra una oreja humana entre el pasto. Su extrema curiosidad lo lleva a ponerla  dentro de una bolsa, con el fin de llevarla al detective Williams. Es por medio de éste último que Jeffrey conoce a Sandy (Laura Dern), hija de Williams, quien revela al protagonista algunos detalles acerca de la investigación de su padre y que guardan relación con la oreja encontrada por Jeffrey. Es esa la instancia que lo impulsa a adentrarse con suma perspicacia en el asunto y donde conoce a Dorothy Vallens (Isabella Rossellini), quien además de estar asida en lo que pareciera no tener fin, esconde un gran misterio junto a Frank Booth (Dennis Hopper), el cual Jeffrey deberá descubrir.

Es plausible como el director nos da a conocer el lado B de lo que sucede a nuestro alrededor. No todo lo que a simple vista parece bello lo es, puesto que en esa imagen atrayente se encuentra la realidad en estado puro; el lado oscuro y sombrío de las cosas. Es por ello que Lynch, a través de su sutileza cinematográfica, nos intenta dar a conocer aquella dualidad existente y de la cual somos todos partícipes. Las hermosas escenas de una ciudad sosegada, donde los bomberos saludan a las personas y donde pareciera ser todo color de rosas, no es nada más que la contraparte o fachada de lo que verdaderamente sucede.

En conclusión, para mi Blue Velvet es una obra maestra que permite que seamos nosotros mismos los protagonistas, ya que, al igual que Jeffrey, nos inmiscuimos en el embrollo de lo que parece injusto y gris, para quizás mitigar lo que hemos logrado como seres humanos: la cruda y triste realidad de las cosas. Un filme para reflexionar. De eso, no cabe duda.

Han pasado 10 años desde que se estrenó esta cinta y es hora de revisarla de manera profunda y comprender como esta comedia independiente llena de rostros conocidos pudo causar una polémica tan conocida dentro del mundo cinematográfico. Si, hablamos de la religión.

La película trata de la ya clásica batalla entre el bien y el mal, el cielo y el infierno se enfrentan en la última batalla para definir quien tendrá el control de nuestras vidas, todo esto se provocara cuando dos ángeles traidores intenten destruir el universo entero y aprovechen que las reglas del cielo han cambiado para poder regresar después de milenios al cielo. Esto solamente pasara si atraviesan el bendito arco de una catedral de Nueva Jersey, eliminando a la vez toda existencia humana. El problema es que tendrán que eliminar a una mujer que tiene la misión de impedir que estos dos ángeles vuelvan al cielo, para esto tendrá la ayuda de diferentes personajes que irán apareciendo en la historia.

Personalmente he visto casi todas las películas de Smith y siempre me llevo una sorpresa nueva al presenciar lo dinámico que puede ser en los contenidos. En esta oportunidad el objetivo es dar vuelta todo el mundo bíblico y católico retratando de manera excelente la crisis de fe que sufren los seguidores de las distintas religiones y complementarlo con el humor explicito que siempre entrega en sus películas.

Sin duda una de sus mejores películas, con un guion original sobre un tema tan controversial como lo religioso y como este se puede complementar con la “mitología” bíblica que se suele escuchar. Destaco las interpretaciones de Matt Damon y una grata sorpresa al final, cuando nos damos cuenta quien llevara la responsabilidad del todo poderoso/a.