Como todos aquellos que no bloguean con frecuencia, debo mi ausencia a labores creativas (y administrativas)  que ya será tiempo de comentar. Excusas de lado, tengo el orgullo de retomar la labor bloguera con una noticia que me tiene sumamente expectante. Para quienes alucinamos con ese universo neoyorquino, irreverente y políticamente incorrecto llamado Seinfeld; gozamos de una serie (que bien podría titularse “Constanza”)  llamada ‘Curb your enthusiasm’; y además de todo lo anterior, por esas cosas de la vida, seguimos a Woody Allen fielmente; la noticia anunciando la película de ambos juntos era, simplemente, cosa de tiempo.

 Se dice que no es la primera vez que Larry David (co-creador de Seinfeld, protagonista de ‘Curb …’) y Woody Allen trabajan juntos, ya que David habría tenido roles menores en ‘Días de Radio’ y en el corto dirigido por W.A. para ‘Historias de Nueva York’. Sin embargo, cabe preguntarse cuánto tiempo tenía que pasar para que Allen encontrara en Larry David la sucesión natural al eterno protagonista de sus historias, una extraña encarnación de sí mismo. En otras palabras, Scarlett Johansson es a Diane Keaton, como Larry David a Woody Allen. 

Quizás me estoy aventurando demasiado, quizás la experiencia no sea la mejor y nunca vuelvan a trabajar juntos. Sin embargo, no es casualidad que Allen escoja un comediante neoyorquino judío neurótico y narcisista como protagonista. Esto representa un regreso a un Woody Allen más jóven, al que protagonizaba sus películas, al que acudía a sí mismo para representar roles que, en el fondo, eran personificaciones de su propia auto imagen. 

En este sentido, la película marca el regreso de W.A. a Nueva York y trata, según algunos sitios, de una historia de amor entre un tipo en plena crisis de los cincuenta y una linda y veinte años más joven neoyorquina (la nunca bien ponderada Evan Rachel Wood)…”toda semejanza con la vida real es mera…”

Annie Hall

La industria del cine a nivel mundial ha aprovechado las múltiples ventajas de la web 2.0 para llegar a su público, sin embargo hay una serie de temas aún pendientes que se discuten en revistas online de cine independiente en todo el mundo y que nadie ha resuelto, como por ejemplo la piratería. 

Sin embargo, existe un director en particular que hace rato decidió mirar el problema por el otro lado y, emulando los softwares open source (gratis y abiertos a las mejoras de los usuarios) decidió desarrollar un proyecto de cine abierto. Sí, el público aporta plata y no solo financia sino que además tienes la posibilidad de influenciar artísticamente una película. 

El proyecto se llama A Swarm Of Angels (Enjambre de ángeles) y es del director Matt Hanson, autor de varios libros sobre el cambio que implica el cine digital y además director de Onedotzero, productora que realiza un festival de cine (del mismo nombre) especializado en cine de vanguardia, que lo distribuye, genera actividades en pro de dar nuevos lenguajes a conocer y además, produce algunos proyectos de esta especie. 

La idea es que el público participe, por lo que uno se puede integrar como miembro gratis, accediendo a foros, noticias, y adelantos, o bien como miembro pagado, lo cual te transforma en algo así como un “accionista” de la película por una suma cercana a los 50 dólares. Esta membresía te da derecho a votar por decisiones creativas, colaboración en la producción, acceso prioritario a descargas y una versión “exclusiva para miembros” de la película en DVD.  

El proyecto A Swarm of Angels pretende llevar a cabo dos largometrajes a través de cinco etapas, en las cuales se pasa desde la idea fílmica hasta la realización. El proyecto es sumamente transparente en especificar el número de miembros que participaran en cada etapa, la plata necesaria para cada etapa, el estado de avance y la metodología. Para quienes tengan resquemores por el asunto de la autoría, hay que tener claro que la toma de decisiones será en torno a opciones que vayan saliendo y que en cierta forma el equipo ira proponiendo. Por otro lado, la realización de cine es, en sí, un proceso altamente colaborativo en el cual un guión pasa por múltiples lectores antes de llegar a la filmación, por lo cual todo esto no es tan descabellado.

 ¿La ventaja? Si en Hollywood los guiones pasan por manos de ejecutivos que muchas veces están más interesados en contar con una estrella que con una buena historia, o en Chile los leen varias comisiones ministeriales de todo tipo, “A Swarm of Angels” contará entre sus filas con  gente que se lo ha visto todo y que son realmente fanáticos del cine. Es decir, hay que ser realmente entusiasta para pagar por participar de algo así. Luego, uno podría suponer que las decisiones tendrían la tendencia a ser mejores.

Habrá que esperar antes de seguir comentando. Lo bueno es que la película estará disponible para descarga gratuita y además será licenciada bajo Creative Commons, lo cual permitirá utilizar la película o los fragmentos que salgan de ella para fines no comerciales, o bien, comerciales, estableciendo el origen de las imágenes.

Siempre he tenido algunos conflictos con las adaptaciones. He visto libros morir en el cine y otras obras tantas elevarse a niveles que sus propios autores quizás no habían imaginado. Es el eterno debate sobre la posibilidad real de la adaptación, debido a la brecha producida por las diferencias en el lenguaje propio de cada medio, que muchas veces parecieran dificultar la homologación de las experiencias que cada soporte trae consigo. 

¿Qué pasa con la adaptación de cine a cine? El asunto para los remakes parece ser similar. Si bien no se trata de homologar las experiencias de un libro a una película, el lenguaje del cine va mutando (para bien o para mal) y el desafío pareciera estar aquí en saber no sólo traducir de aquel lenguaje cinematográfico más precario a algo más moderno, sino en expandir las temáticas que se plantearon en un principio…

Eso es precisamente lo que no logra Gus Van Sant en su remake del clásico ‘Psicosis’ de Hitchcock.  ¿Porqué intentar hacer un remake de un clásico? Ni idea, sin embargo, el director de la notable “Elephant” lo hizo y las consecuencias están a la vista.

* Ojo con el manejo de la tensión, especialmente en la versión de Hitchcock… Van Sant escogio copiar todo igual, menos un plano que desde mi perspectiva, tiene un valor muy potente: cuando por su espalda vemos una sombra llega. Hitchcock sugiere, Van Sant casi apunta con el dedo…

La original

 
El Cara a cara

Desde hace cerca de seis o siete años que soy fiel seguidor de James Lipton y esa joya llamada ‘Desde el Actors Studio’. Sin ir más lejos, muchas de esas entrevistas se transformaron en verdaderas lecciones que me hicieron ver con envidia a los alumnos de aquella escuela neoyorquina, imaginándome más de alguna vez sentado frente a un grande de la talla de Al Pacino, De Niro, o de directores como Scorsese. Aquí un pequeño homenaje a ese pequeño espacio que nos recuerda en cada capítulo que el cine y el teatro son, más allá de las lucas, la técnica, o la distribución, un asunto que trata de personas comunicando a otras personas. Eso, aunque cueste, no se debe perder nunca de vista.

Si bien quería recopilar una fina selección, encontré que la pega estaba hecha…los dejo con este notable homenaje a James Lipton:

Una serie de preguntas me nacieron en la inauguración del día Martes en la noche. Las tiro a modo de pregunta, como puntapié inicial de una conversación que amerita café y su par de horas: ¿Llega el cine B al público? ¿logra su función?

No sé si el cine indie o el mismo cine a secas tiene una función per se. Lo que sí tengo claro es que el cine debería proponer temas, miradas, estética, y sobre todo llegar a la gente. Ojo con esto último, por que hacer cine es mostrar, es sacar el corazón, darle forma y ponerlo al frente de una audiencia. Lo amarán o lo odiarán, da lo mismo, pero habrá respuesta, se habrá sembrado una forma de ver el mundo y una preocupación determinada.

¿Qué pasa cuando esas intenciones llegan solo a un grupo de cinéfilos o académicos que vienen debatiendo hace rato sobre las mismas temáticas planteadas en la película? ¿Qué sentido tiene no hacer participe al gran público?

El discurso que pone a ‘la gente común’ como una masa inculta, sin interés en un cine diferente me parece bastante cuestionable (por decirlo menos). ¿Porqué no enseñar a ver cine y generar el hábito como se hace con la lectura?

¿Porqué no mejor jugársela por ser rupturista en términos de la distribución? ¿Porqué no intervenir espacios públicos con cine? (estilo Cinema Paradiso, proyectando sobre un edificio)

Es muy fácil ser outsider y quejarse por no pertenecer al establishment. Más cuerdo me parece luchar por llegar a las audiencias a como de lugar. Es ahí donde reside el gran aporte del Festival de Cine B: dar el primer paso.

Hoy comienza en el Centro Arte Alameda el Festival de Cine B, una intento concreto de acercar al público aquellas cintas pequeñas, con gusto a escuela, que tienen más sudor de los amigos que apoyo de los fondos, más visitas a Youtube que público en los grandes complejos de salas. ¿Cine independiente? Todo el cine en Chile se podría considerar independiente al no realizarse bajo el alero de grandes estudios o canales de televisión. Hablamos aquí de “guerrilla filmmaking”: un cine que pelea desde un rincón del mundo utilizando el digital para filmar, el Internet para distribuir y cuya supervivencia en el tiempo estará dada, en gran medida, por un factor que debiera ser objeto de reflexión a nivel académico: llegar a las audiencias.

Quedan todos cordialmente invitados a ver mi cortometraje “Belén”, el Viernes 11 a las 19.30 hrs. Próximamente, comentarios sobre el Festival.

No es novedad que las series de televisión generan un nivel de fanatismo y devoción que quizás ningún otro género televisivo logra en sus espectadores. Al acercarse el final de temporada somos cada vez más los que nos programamos agenda en mano para no perder por ningún motivo ese momento que no solo cerrará la trama de lo que vimos, sino que además nos dará una idea de lo que se nos viene por delante. Se trate de un grupo de desconocidos en una extraña isla, un médico brillante con cero humanidad, o un asesino serial que se descarga matando villanos en nombre de la ley, año a año parecieran aparecer un sinnúmero de nuevas tramas y nuevos personajes que tienen todos un punto en común: nos mantienen pegados al televisor.  ¿Qué hay detrás de esto?

Responder a esta pregunta no es un asunto menor, básicamente debido a que toda serie de ficción es un trabajo de trama y personajes sumamente complejo. Sin embargo, sería interesante comentar una serie de elementos nos pueden ayudar a comprender cómo funcionan. Tranquilos, no se trata de buscar fórmulas (ya lo dijo Mckee: “el guión se trata de principios, no de reglas”), más bien hablamos de distinguir algunos ingredientes que hacen que cada semana haya miles de clientes esperando ansiosos un nuevo plato de historia, un nuevo trocito de drama, de manos de un chef que conscientemente nunca nos dejará saciados, de manera tal que nos veremos en la imperiosa necesidad de tocar su puerta una y otra semana para obtener una nueva porción de su particular talento.

1. Guionistas de tomo y lomo

Hace algún tiempo atrás comentaba en otro post sobre la famosa huelga de guionistas y como esta afectaba en aquel entonces nuestra, sí, nuestra vida como espectadores. Bueno, para quienes no lo saben, su trabajo es vital. Todo nace de la historia. Sin historia no hay nada. No por nada su huelga paralizó la industria norteamericana, quizás una de las principales generadoras de contenido (cine, tv, etc) del mundo actual.

2. ¿Trama o personajes?

Esta pregunta es como querer asignarle un valor al corazón y otro a los pulmones. ¿Qué hago, respiro o distribuyo sangre? No se necesita ser médico para entender que una cosa va directamente relacionada con la otra. Si bien es cierto que algunos géneros van más balanceados hacia un lado que hacia el otro (como las sitcom, cuyo fuerte son sus personajes), no se puede descuidar ninguno de los dos. En series como, por ejemplo, Dexter, nos encontramos con un detective del FBI especializado en tomar muestras de asesinatos y que, al encontrarse con asesinos en serie, los persigue hasta matarlos y no dejar rastro de ellos. Como vemos, el personaje en sí es un grandioso punto de inicio que adquiere mayor significado  cuando a lo largo de la temporada vamos conociendo al personaje y constatando que él siente el acto de asesinar como una necesidad biológica y si, incluso, vamos empatizando con las razones que tiene para matar, lo cual nos lleva como espectadores a relativizar el acto mismo de matar al entenderlo como el único camino posible para el personaje.

Por su parte, la trama cumple una función que los guionistas conocen muy bien y que Mckee no pudo haber definido mejor: “aportar presiones progresivamente crecientes que obligan a los personajes a enfrentarse a dilemas cada vez más difíciles y a causa de esta presiones tienen que tomar decisiones y llevar a cabo acciones cada vez más complicadas, de forma de revelar su verdadera naturaleza.”

3. Planificación

Todos los personajes de ficción cumplen un arco, es decir, un viaje que los lleva comenzar de una forma determinada el relato y llegar trasformados de una u otra forma cuando el final llega. Pensemos en nosotros mismos hace un año atrás y nos daremos cuenta que hemos tenido un arco, que hemos cambiado, para bien o para mal.

Pues bien, la series planifican con especial cuidado el arco de cada personaje ya sea que el arco sea desarrollado a muy largo plazo (durante toda una temporada) o a cortísimo plazo (durante un capítulo). La preguntas, en el fondo, siempre son las mismas ¿qué va a pasar?, ¿cómo va a reaccionar ahora?

Y eso, estimado lector, es lo que nos tiene pegados cada noche, esperando un nuevo trocito de entretención.

En un extraño pero interesante sitio gringo encontré una lista de secuelas que se están preparando y que, tarde o temprano, llegarán a alguna pantalla (algunas al cine, otras al dvd). Está claro es que las secuelas (o las precuelas, que en el fondo, son lo mismo) son tremendo negocio, sin embargo me cuesta pensar que la gente no se va a cansar algún día de tanta repetición…

Aquí la lista:

(algunas están recién en guión, otras en preproducción y otras se vienen)

1. I, Robot 2
2. I Am Legend 2
3. Beverly Hills Cop 4
4. National Treasure 3
5. Cars 2
6. Toy Story 3
7. Shrek 5
8. Night at the Museum 2
9. Ice Age 3
10. Ghost Rider 2
11. The Untouchables: Capone Rising (con De Palma y en preproducción)
12. The Thomas Crown Affair 2 (Dirigida por Paul Verhoeven)
13. The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor
14. Pink Panther 2
15. Ace Ventura 3
16. War of the Worlds 2: The Next Wave:
17. Jurassic Park 4
18. Aliens vs Predator 3
19. Rambo 5
20. The Ring 3
21. Batman: Gotham Knight
22. Superman: Man of Steel
23. Fast and the Furious 4
24. Underworld 3
25. The Scorpion King: Rise of the Akkadian
26. Little Fockers
27. Robocop

¿Gusto a poco?

El tercer largometraje de Bize se perfilaba, al igual que sus largometrajes anteriores, como un experimento desafiante en todo sentido, con la diferencia de que este proyecto requeriría, aún más que los dos anteriores, un prolijo trabajo de guión, no a nivel de diálogos si no más bien de acciones. El resultado es interesante, sin embargo hay algo que pareciera no andar bien. No sabría decir si es el guión, la falta de unidad o que simplemente la película terminó como una buena idea que se quedó corta en su ejecución.

Como se ha sabido, la cinta se hizo en poco tiempo casi como desafío planteado por el DiBa (Festival de Cine digital de Barcelona), por lo tanto el guión tenía solo 30 páginas, promoviendo la improvisación actoral y limitando el trabajo de cámara prácticamente al seguimiento de los personajes. El problema es que la improvisación actoral funciona cuando director y actor conocen tan bien al personaje que tienen la seguridad para jugar y plantear cosas nuevas. En este sentido, siento que el apuro le jugó a Bize una mala pasada, ya que no logra dar del todo con personajes verdaderamente complejos y tridimensionales.

¿Qué le falta? Conflicto. No es que sea un maniático de la teoría del conflicto central ni mucho menos, pero analicemos:

La primera película de Matías Bize, ‘Sábado’, era un gran plano secuencia de 63 minutos que contaba la historia de una novia que descubría, el mismo día de su matrimonio, que su futuro marido tenía una amante y que además ésta última estaba embarazada. El guión de Sábado, estaba plagado de conflicto en todas sus escenas, había una lucha y una razón para luchar. 

‘En la Cama’, la segunda cinta de Bize, tenía a dos personajes que se venían conociendo, por lo tanto el guión estaba basado en el no conocerse, en el aprender del otro, y el conflicto finalmente se estructuraba sobre las vidas personales de cada uno, razón por la cual el espectador era oyente, junto a los protagonistas, de los problemas que cada personaje tenía.

A diferencia de la novia de ‘Sábado’ o la pareja de ‘En la Cama’, que al hablárselo todo para conocerse daban la excusa perfecta para que el espectador los conociera también, la pareja de ‘Lo bueno de llorar’ no tiene tema de conversación ni abre un espacio para que el espectador conozca y quiera a los personajes. El conflicto de la película se transforma entonces en una fotografía, con dos personajes que carecen del desarrollo que uno como espectador querría.

No obstante lo anterior, se trata de una película contemplativa, sincera, y a ratos sumamente emocionante. El ejemplo más claro quizás está en dos escenas: la primera y la escena del supermercado, donde la protagonista se manda un momento de aquellos que ponen los pelos de punta. Aunque a Bize le falta, pareciera ir por el buen camino.

A estas alturas ya está todo  -o casi todo- dicho. Sin embargo, no puedo dejar de pensar en la gran variedad de oficios que Pollack ejerció durante su vida. Productor, actor, director, e incluso director de fotografía (en su documental sobre el arquitecto Frank Ghery). Pollack fue y es un sello de calidad.

Vida y Obra de Sidney Pollack