CINETECA

Intruders (2012)

2012-05-16T06:16:00.003-07:00

Clive Owen: John Farrow

Carice Van Houten: Susanna

Ella Purnell: Mia

Kerry Fox: Dott. Rachel

Daniel Bruhl: Padre Antonio

Regia: Juan Carlos Fresnadillo

Sceneggiatura: Nicolas Casairego, Jaime Marques

Fotografia: Enrique Chediak

Musiche: Roque Banos

Corrono apparentemente parallele le storie di Juan e di Mia. Juan vive a Madrid con la madre, così stremata dagli incubi del figlio da rivolgersi a Padre Antonio; Mia, invece, vive a Londra ed è fin troppo legata al padre John, che comincia a condividere le orrori fiche visioni della figlia. A tormentarli è un’oscura presenza cui i bambini danno il nome di “Senzafaccia”. Dietro l’inglesizzazione di un nome si cela la chiave di questo incubo che permetterà ad entrambi di salvarsi.

Vicino alle suggestioni visive del regista messicano Guillermo del Toro, Fresnadillo prende come punto di partenza un classico horror onirico/infantile, trovando, però, come punto d’approdo uno psico-dramma familiare dalle sfumature ben più complicate. Quelle che sembrano due storie contemporanea si allontanano sempre di più nello spazio come nel tempo e, in un tacito gioco di richiami, flashback ed intuizioni sapientemente lasciate alla mercé dello spettatore, si rincontrano per una strada secondaria. Le traumatiche ferite lasciate nella mente e nel cuore di un piccolo uomo diventano un tormento d’eredità familiare che, finalmente, alimenta un cinema diverso anche se non impeccabile. Perché se la tensione non è di quelle che ti mozzano il fiato e la pellicole in alcuni punti si arena (su tutte, la sequenza finale è quella che più lascia a desiderare), va comunque premiata la creatività dell’entourage spagnolo.

A proposito di nazionalità, Fresnadillo ha a disposizione un cast europeo di altissima qualità. Su tutti l’inglese naturalizzato hollywoodiano Clive Owen, che vedremo tra poco meno di un mese nelle sale italiane interprete dell’action “Killer Elite”. Al suo fianco l’attrice olandese Carice Van Houten, lanciata al successo internazionale da “Black Book” di Paul Verhoeven, lo spagonolo Daniel Bruhl, che dal Piccolo al Grande Schermo si è guadagnato la fiducia, ripagata s’intende, di un certo Quentin Tarantino che lo scelse per il suo “Bastardi senza gloria”, e l’inglese Ella Purnell, alla sua seconda apparizione dopo “Non lasciarmi”, che la vide affiancare attori del calibro di Keira Knightley e Andrew Garfield.

Già sottoposto al doppiaggio italiano, “Intruders” aspetta solo la distribuzione alle sale cinematografiche, per cui si spera non ci sia da attendere troppo.

VOTO 6/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Il Punto del Weekend

2012-05-16T06:14:00.004-07:00

Fine settimana ricchissimo in quantità, con ben undici pellicole di nuova uscita, tra le quali le attesissime “Chronicle” e “Dark Shadows” e ben sei film di produzione italiana. Andiamo a conoscere insieme i protagonisti del weekend appena trascorso.

I PROTAGONISTI

È “Chronicle” a fare da succoso anticipo infrasettimanale del mercoledì. Protagonisti della vicenda sono tre giovani studenti, Andrew, Steve e Matt, che durante un rave rinvengono in un cunicolo uno strano oggetto che conferisce loro incredibile poteri. Ma, prendendo in prestito la famosissima battuta Marvel, “da grandi poteri derivano grandi responsabilità”, e Andrew, introverso, distrutto dalla malattia terminale della madre e in pessimi rapporti col padre, dovrà fare i conti con la mancanza di questa responsabilità. Se ci si fermasse ai primi venti minuti di visione, “Chronicle” sarebbe semplicemente l’ennesimo sci-fi commerciale girato in presa diretta, dal finale scontato e dallo scarso respiro narrativo. È arrivando fino ai titoli di coda che il primo lungometraggio di Josh Trank dimostra la sua vera essenza: il mockumentary diventa found footage, la penna di Max Landis scorre fluida tra storia e caratterizzazioni e la prova di Dane De Haan è di altissimo livello.

Dagli States arriva la pellicola sicuramente più discussa del fine settimana, l’ultima fatica dell’instancabile due Burton-Deep “Dark Shadows”. Nella Collinsport del XII secolo Barnabas Collins, ricco signore inglese emigrato dall’Inghilterra, si innamora di Josette spezzando il cuore della domestica Jaqueline Bouchard, insospettabile strega che trasforma l’amato in un vampiro e lo seppellisce in una cassa. Nel 1972, Barnabas ritorna tra i vivi, in una Collinsport ormai in malora, abitata dai suoi lontani discendenti. Usufruendo della sceneggiatura di Seth Graham-Smith ed ispirandosi alla serie televisiva di Dan Curtis, il duo compie un altro piccolo miracolo, almeno dal punto di vista mediatico. Perché se tutti seguono la moda del vampiro, Burton e Deep gli danno quella veste baroccamente tetra e stravagante che è la chiave del loro universo cinematografico . Per gli amanti del loro cinema di sicuro si tratta dell’ennesimo capolavoro, per chi non ne idolatra le gesta, “Dark Shadows” sa un po’ di stantio.

Dalla Francia arrivano tre pellicole. In “Special Forces” la giornalista francese inviata in Afganistan Elsa Casanova si compromette agli occhi di Ahmed Zaief, leader di un gruppo di soldati talebani. Rapita insieme ad un collaboratore autoctono, il governo francese invia in suo aiuto una squadra di recupero che perde contatto con la base. Senza contare il documentario di genere “L’ecole des berets verts”, “Special Forces” è l’opera prima di Stephane Rybojad nonché una delle poche produzioni francesi dedicata alla war action. Di sicuro Rybojad padroneggia bene l’argomento, come dimostrano il buon spiegamento dei personaggi, il superamento della “marinesizzazione” dei soldati, il discernimento circa tattiche militari e realtà socio-culturali. Se a mancare è la qualità meramente estetica della parte action ( in cui restano imbattuti i cineasti d’oltreoceano!) poco importa. Di ben altro respiro è “Sister”. Simon e Luoise sono fratello e sorella, vivono insieme ai margini di un impianto sciistico di lusso. Abbandonati dai genitori, di cui non hanno notizia, i due si mantengono grazie ai furti di Simon e alle attenzioni della maggiore Louise. Al suo secondo lungometraggio, Ursula Meier sfrutta, dopo “Home”, ancora una storia di confine, intessuta questa volta alla fragilità familiare dei due giovani: laddove ci dovrebbe essere paradosso e incredulità, Meier riesce a rendere veridicità e forza narrativa, anche grazie alla prova della coppia protagonista Seydoux- Klein. Infine, “Tutti i nostri desideri”. Claire è un magistrato del Tribunale di Lione, moglie, madre, e malata di tumore celebrale. Tacendo la malattia alla famiglia, decide di gettarsi a capofitto nel caso di Celine, una giovane madre coinvolta nei raggiri di un istituto di credito che l’ha ridotta sul lastrico. Al suo terzo lungometraggio, Philippe Lloret continua ad alimentare il suo gusto per il quotidiano, per le piccole grandi tragedie personali. È il caso della giovane Claire, ormai con i giorni contati; è il caso di Celine, ridotta a sopravvivere insieme al figlio; è il caso del profondo legame che si crea tra le due donne, non amicizia mielosa e miracolosa ma stima e rispetto reciproci.

Dedichiamoci ora alle numerose produzioni italiane del finesettimana. In “100 metri dal Paradiso” il giovane Tommaso Guarrazzi, promessa italiana dell’atletica, decide di abbandonare la carriera sportiva per intraprendere la strada ecclesiastica. Il padre Mario, ex campione di atletica col rimorso delle Olimpiadi, rivela il suo dispiacere all’amico e monsignore Angelo Paolini che ha un’epifania: formare una squadra di atleti-preti, da far gareggiare alle Olimpiadi sotto la bandiera vaticana. In “Workers- Pronti a tutto”, Sandro e Filippo sono i gestori di un’agenzia di lavoro che tratta con i più disparati e disperati disoccupati. Tra questi, Giacomo, badante di un paraplegico tossicodipendente, Italo, che lavora in un allevamento di tori occupandosi della raccolta dello sperma, e Alice, truccatrice costretta a lavorare presso un’agenzia di onoranze funebri. Alla stregua del vampiro d’oltreoceano, la crisi dello stivale ha suggestionato, sta suggestionando e (considerata la situazione in cui vessiamo) ancora suggestionerà il Grande Schermo tricolore. Questa è la volta di “Workers”, commedia dell’amaro e dell’assurdo articolata nel più classico trittico ad episodi. Sarà per la moda dei tempi o per la poca verve di Vignolo e Co. ma “Workers” offre una semplice accozzaglia di storie e nulla più. Al “Cinema della Crisi” appartiene anche “Disoccupato in affitto”. Dopo aver perso il proprio impiego, Pietro Mereu, indossato un cartello con su scritto “disoccupato in affitto”, parte dalla natia Sardegna alla volta di otto centri della penisola, più che per cercare lavoro, per denunciare questa maledetta crisi che ormai ci imbriglia da due anni (le riprese risalgono all’estate del 2010!). Seguito dalle telecamere di Luca Merloni, il viaggio diventa un documentario sulla realtà economica della penisola, sullo stato d’animo dei suoi cittadini. Al di la del basso tasso tecnico e del limitato budget, si tratta di una buona rivisitazione del soggetto.

Protagonista di “Isole” è Ivan, un muratore di Tirana che ogni mattina raggiunge le Tremiti per lavorare. L’ennesimo giorno senza paga fa scattare il muratore che in cambio riceve solo la violenza di tre abitanti dell’isola; viene, però, avvicinato da Martina che lo invita nella casa canonica in cui vive insieme al suo tutore, Don Enzo. Senza nulla a pretendere, Stefano Chiantini realizza uno spaccato di vita più vicino alla messinscena teatrale che alla cinepresa. Non ci si cala nel melodrammatico o nella critica socio-economica, ed è proprio questa fumosità quasi isolana a dare valore al girato.

In ultimo, l’altro documentario di giornata “Napoli 24”. Sotto l’ala protettiva di Paolo Sorrentino, ventiquattro registi, per lo più alla prima esperienza o di recente approdo all’universo cinematografico, si dividono tre minuti per raccontare la città. Il clima è di quelli da polpettone nostalgico che parte da un interessante progetto creativo ma che si perde in una confusione generale che determina la poca riuscita del progetto.

LE SORPRESE

Si sa poco del piccolo Kacey Mottet Klein se non che “Sister” è il primo lungometraggio che lo vede partecipe, nonché protagonista, è che la sua è un ottima interpretazione, ben coadiuvata dalla vicinanza di Lea Seydoux e dalla direzione di Ursula Meier, brava nel gestire un talento così giovane e precoce.

I FLOP E I TOP

Le dolenti note del weekend:

3°. Il minor rimprovero va a Johnny Deep. Pare che la realizzazione di “Dark Shadows” sia stato un suo personalissimo capriccio, lui che della serie di Dan Curtis era un grande fan, accontentato dalla sua controparte registica Tim Burton.

2°. Secondo sul podio è Raffaele Verzillo. Il regista italiano ritorna al Grande Schermo dopo sei anni, cercando di mescere nel migliore dei modi l’impresa sportiva alla comicità tricolore, e lo fa utilizzando l’artificio pontificio che caratterizza quasi la totalità dell’impianto comico della pellicola, che, per questo, risulta asettica e di limitatissimo respiro.

1°. Primo tra i cattivi, Lorenzo Vignolo. Il suo “Workers- Pronti a tutto” non è altro che l’ennesima rivisitazione scontata e stucchevole della moda cinematografica italiana del momento. Che il soggetto sia quello appropriato o meno, ciò che è sbagliato è continuare a riproporne la stessa declinazione.

Infine, i migliori della classe:

3°. Medaglia di bronzo per Lea Seydoux. La giovane attrice e modella francese continua ad alzare il tiro passando dalle passerelle agli spot pubblicitari, dalle piccole parti alle interpretazioni da protagonista, fino all’ultimo “Sister”.

2°. Al secondo gradino troviamo Philippe Lioret. Il cineasta parigino ritrova la collaborazione con Vincent Lindon, cui aggiunge l’ottimo sodalizio con le attrici Amandine Dewasmes e Marie Gillian, facendo, ancora una volta, del problematico mondo occidentale il soggetto delle proprie telecamere.

1°. Oro a Dane de Haan. Nei panni del potente Andrew, de Haan, dopo la gavetta teatrale e il successo televisivo (“True Blood” e “Law&Order”), approda al Grande Schermo proprio con “Chronicle”. Buona la prima, speriamo che rispetti le aspettative.

BOX OFFICE

Preannunciato successo ai botteghini del duo Burton-Deep: il loro “Dark Shadows” incassa 2 milioni nel primo finesettimana. Restano sul podio i Vendicatori, ormai arrivati ai 16 milioni, e l’ironica commedia americana “American Pie- Ancora insieme”. Tra le nuove uscite “Chronicle”, “Special Forces” e “100 metri dal Paradiso” entrano in top ten, anche se le cifre non sono di quelle interessanti.

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

13- Se perdi muori (2011)

2012-05-16T06:13:00.003-07:00

Sam Riley: Vincent Ferro

Ray Winstone: Ronald Bagges

Curtis Jackson: Jimmy

Mickey Rourke: Patrick Jefferson

Jason Statham: Jasper Bagges

Michael Shannon: Henry

Alexander Skarsgard: Jack

Regia: Gèla Babluani

Sceneggiatura: Gèla Babluani

Soggetto: Gèla Babluani

Montaggio: Gèla Babluani

Musiche: Alexander Van Bubenheim

Vincent Ferro ha un padre in fin di vita ed una famiglia in ristrettezze economiche che tenta di aiutare come può. Facendo dei lavoretti domestici in casa di William Harrison, scopre che l’uomo sta per ingegnarsi in un affare che gli farebbe intascare moltissimi soldi in una sola notte. L’ennesima operazione del padre coincide con la morte di Harrison, tossicodipendente, cui Vincent ruba la lettera con le istruzioni del losco affare. Il gioco in cui si ritroverà invischiato varrà veramente la candela?

I primi minuti del girato fanno pensare al classico action “serioso”, tutto droga, affari e sparatorie di vendetta. Ma la pellicola trasfigura, diventando una storia al limite del possibile e, per questo, interessantissima e avvincente, grazie anche all’ottimo lavoro svolto da Gèla Babluani, regista, sceneggiatore e scrittore della pellicola. La tensione che anima il nucleo del girato (di cui non sveliamo nulla proprio perché così sorprendente!) incolla lo spettatore e si incastra perfettamente alla seconda, altrettanto coinvolgente e ricca. Se poi ci aggiungiamo il “finale che non ti aspetti”, si tratta veramente di un’ottima pellicola. Non stupisce, anche se fa pensare, che Gèla Babluani sia il regista di “13 Tzameti”, versione francese del 2005 della storia di Vincent Ferro. Il regista malese, naturalizzato francese, appunto, durante gli anni dei primi lavori cinematografici, non fa altro che hollywodianizzare “13 Tzameti”, potendo disporre di un budget più elevato e, ovviamente, di volti nuovi, su tutti l’ottimo Sam Riley. L’attore britannico formatosi al National Youth Theatre e poi prestato alla televisione, fece la sua comparsa sul Grande Schermo con “Control”, che gli valse un British Independent Award. Al suo fianco uno dei volti più noti dell’azione del nuovo millennio Jason Statham, i caratteristi Ray Winstone e Michael Shannon, il rapper 50 Cent e il senatore Mickey Rourke.

VOTO 7/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Il Punto del Weekend

2012-05-16T06:11:00.001-07:00

Finesettimana atipico che vede l’uscita solo di quattro pellicole, cui si aggiunge, nell’anticipo del 1 Maggio, “Hunger Games”, nel tentativo di sfruttare il giorno di festa per superare gli introiti dell’inarrivabile “The Avengers”.

I PROTAGONISTI:

Ad aprire la settimana, come appena preannunciato, il tanto atteso “Hunger Games”. In una post apocalittica rivisitazione dell’America del Nord, dodici distretti sottomessi devono annualmente pagare un tributo alla dominante Capital City: una giovane donna e un giovane uomo da mettere a disposizione degli Hunger Games, violenti giochi di sopravvivenza in cui si sfidano i trbutii. Quando la sorte sceglie la piccola Prime Everdeen del distretto 12, è sua sorella maggiore Katniss a prenderne il posto offrendosi volontaria. Tratto dall’omonimo romanzo di Suzanne Collins, “Hunger Games” trova una delle migliori forme, considerato l’indirizzo giovanile del prodotto, calata in sorprendenti prove attoriali, singole e corali. Ciò che manca al ritorno al Grande Schermo di Gary Ross è una comunione d’intenti, un unico spirito da dare alla pellicola, mal distribuita tra dramma, azione e troppi minuti. Per una volta, l’amaro in bocca rimane perché davvero si doveva fare di più.

Il fine settimana vede il nostalgico ritorno degli studenti più famosi del Grande Schermo in “American Pie- Ancora Insieme”. Tutta la classe ’99 dell’East Great Falls si ritrova insieme per festeggiare il decennale del diploma, per scoprire come sono passati gli anni: Jim e Michelle si sono sposati ed hanno avuto un bambino, Kevin e Vicky si sono lasciati così come Oz e Heather, Finch ha girato il mondo mentre Stifler pare essere l’unico a non essere mai cambiato. John Hurwitz e Hayden Scholssberg aggiungono il quarto capitolo ad una delle serie comico-adolescenziali più famose della storia del Cinema, ritrovando tutti i personaggi che hanno fatto la fortuna di Paul e Chris Weitz e di Adam Herz, rispettivamente registi e sceneggiatore del primo “America Pie”. Se le caratteristiche restano sostanzialmente invariate (l’umorismo semplice ed immediato, le gag striminzite e i vari caratteristi), “Ancora Insieme” ha il gusto della rimpatriata nostalgica che non ammette critiche.

Arriva, invece, dalla Francia “Gli Infedeli”. Si tratta d’una pellicola composta da sette episodi, ognuno firmato da un diverso regista, in cui si affronta il tema dell’infedeltà maschile, declinata in vari e diversi aspetti, tutti velatamente ispirati ad un certo tipo di Cinema di matrice italiana. Ad alternarsi dietro le cineprese Emmanuelle Bercot, Fred Cavaye, Alexandre Courtes, gli eroi dell’anno Michel Hazanavicius e Jean Dujardin, Eric Lartigau e Gilles Lellouche. Nonostante i cervellotici tentativi francesi di fare cinema d’autore abbiano già stancato, l’idea di fare del film una composta di sette episodi, ognuno con un proprio registro narrativo e tecnico, non è quella che dispiace di più. A funzionare poco sono i camaleontici protagonisti Jean Dujardin e Gilles Lellouche, più attenti alla propria personale riuscita che a quella de “Gli Infedeli”.

Sembra una produzione disneyana ma non lo è “Seafood”, la storia del piccolo Pup, squalo bambù che, dopo aver assistito alla cattura di alcune uova proprio di squalo bambù da parte di due pescatori di frodo, decide di mettersi alla ricerca dei suoi fratelli per avvertili del pericolo. Ad aiutarlo il pescecane Julius, il polpo Octo ed una serie di variopinti abitanti degli abissi. Opera prima della Silver Ant, fondata dal regista malese Aun Hoe Goh proprio in occasione della realizzazione di “Seafood”, supportata da Al Jazeera Children Channel, “Seafood”, appunto, si inserisce nella fitta schiera di controparti animate delle ben più famose produzioni Pixar, facendo il paio, nello specifico, a “Alla ricerca di Nemo” e “Shark Tale”. Ciò che Aun Hoe Goh aggiunge è la destinazione anche ad un pubblico più avanzato, come dimostrato dalla minor selezione delle immagini e dai sottesi messaggi ecologici- ambientalistici. Se qualcosa di nuovo c’è è quasi impossibile notarlo e “Seafood” aggiunge poco o niente ai più illustri contemporanei d’oltreoceano.

Dulcis in fundo, “Ulidi piccola mia”. È vicina ai diciotto anni Paola, figlia di un contadino emiliano e di una donna marocchina che, negli ultimi quattro mesi, è stata ospite di una comunità, lontana dalla famiglia. Prendendo spunto da uno spettacolo teatrale, Mateo Zoni regala una pagina finemente preziosa al dramma giovanile. Le sue telecamere seguono con delicatezza e discrezione la giovane Paola, capace, in questo modo, di dispiegare con realismo ed intensità il proprio personaggio. Né voci narranti né finali strappalacrime al limite del mieloso.

LE SORPRESE

Alla sua prima uscita si rende artefice di un’ottima prestazione Paola Pugnetti, che si aggiudica la nomina a sorpresa del weekend. Un plauso relativo lo merita Mateo Zoni, capace di dirigere nel miglior dei modi un talento ancora grezzo come quello della Pugnetti. Speriamo solo che le doti così “impegnate”, in un mercato così poco attento all’impegno, non ne minino i futuri successi.

I FLOP E I TOP

Vediamo ora i protagonisti che si sono messi in cattiva luce:

3°. Richiamo retorico più che critico per la coppia Hazanavius- Dujardin. Dopo i tanto discussi Oscar vinti nell’ultima tornata degli Awards, il duo francese non perde la voglia di ritornare ad un cinema d’avanguardia di cui, tutto sommato, si sente poco il bisogno: tornare indietro, nell’epoca del 3D, non è di sicuro la scelta azzeccata!

2°. Anche in questo caso, solo richiamo per il malese Aun Hoe Goh. Il regista di “Seafood” si impegna a caratterizzare, almeno tematicamente, la prima pellicola della sua Silver Ant, riuscendo solo in un Pixar ben stereotipato.

1°. Di critica vera si tratta, invece, per Gary Ross. A nove anni dall’ultimo lungometraggio, tutto l’impegno profuso nella realizzazione così attenta di “Hunger Games” finisce per risultare inutile alla luce del funzionamento ultimo della pellicola nella sua interezza.

In ultimo, i più lodevoli:

3°. Medaglia di bronzo per Jason Biggs&Co. I verginelli di “American Pie” ritornano, dopo dieci anni, sul Grande Schermo, per accompagnare nel magico mondo dell’evasione e della scoperta anche le nuove generazioni. Di sicuro il loro operato è più educativo di tanti altri mezzi.

2°. Seconda sul podio è Jennifer Lawrence. La ragazza del Kentucky ha in “Hunger Games” la possibilità di dar sfoggio di tutto il suo talento interpretativo e caratteriale, riuscendo anche nella fase action del girato. un’altra giovane promessa!

1°. Oro del finesettimana a Mateo Zoni. Alle tante parole già spese va aggiunto solo che per il regista parmense si tratta della prima opera. Aggiungere ancora qualcosa avrebbe del superfluo.

BOX OFFICE

Nonostante l’ottima accoglienza riservata alla new entry “Hunger Games”, “The Avengers” rimane saldamente in vetta alle classifiche, toccando quota 10.977.822 €. La concorrente della Warnes Bros arriva comunque, in meno di una settimana, a 6.419.761. Volendo considerare solo il finesettimana, invece, a trionfare ai botteghini è l’ultimo capitolo de “American Pie”, che raggiunge i 2.367.964 € d’incasso.

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Seven Below (2012)

2012-05-16T06:10:00.003-07:00

Val Kilmer: Mc Cormick

Ving Rhames: Jack

Luke Goss: Isaac

Bonnie Somerville: Brooklyn

Matt Barr: Adam

Rebecca Da Costa: Courtney

Regia: Kevin Carraway

Sceneggiatura: Kevin Carraway, Lawrence Sara

Musiche: Jake Staley

Nel 1911, in casa Mc Knight si consuma una terribile tragedia: il figlio adottivo Sean accoltella a morte tutti i familiari in casa. Più o meno un secolo dopo, cinque sconosciuti di ritorno da una convention a bordo di un taxi, vengono coinvolti in un incidente in cui perde la vita lo stesso autista. Raggiunti da Jack, un uomo che vive nelle vicinanze, sfuggono all’imminente tempesta rifugiandosi nella sua casa: la stessa dimora abitata un tempo dai Mc Knight.

Mal ispirato a “Il Sesto Senso” e a “The Skeleton Key”, “Seven Below” si serve di una paura spicciola, tradizionale. Perché fantasmi negli specchi degli armadietti dei bagni, vecchie foto con qualche figuro inquietante, esperienze oniriche fin troppo realistiche e strani uomini che si spacciano per demoni, diavoli ed angeli della morte fanno, ormai, poca paura e ci riescono solo quando sono sapientemente usati dai direttore dei lavori. Non si tratta, purtroppo, del lavoro di Carraway e colleghi, che non tentano nemmeno di rimescolare le carte del mazzo ma le servono sul piatto con svogliatezza e veramente poco criterio (su tutti l’improbabile spostamento finale nel nebbioso bosco). Artifizi triti e ritriti e un impianto narrativo decisamente povero sono i miseri ingredienti della ricetta di Carraway, giustificabile solo perché alla prima uscita.

Al fianco dell’irriconoscibile Val Kilmer e di Ving Rhames, che ci prova in tutti i modi a salvare da solo tutta la baracca, con scarsi risultati, meritano una menzione Luke Goss, per la prima volta umano dopo aver vestito i panni del vampiro Nomak in “Blade II” e del principe Nuada in “Hellboy- The Golden Army”, e l’incesurata Rebecca Da Costa, che dimostra buona disposizione all’horror.

VOTO 4/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Hunger Games (2012)

2012-05-16T06:08:00.001-07:00

Jennifer Lawrence: Katniss Everdeen

Liam Hemsworth: Gale Hawthorne

Elizabeth Banks: Effie Trinket

Josh Hutcherson: Peeta Mellark

Willow Shields: Prime Everdeen

Woody Harrelson: Haymitch Abernathy

Donald Sutherland: Presidente Snow

Stanley Tucci: Caesar Flickerman

Regia: Gary Ross

Soggetto: Suzanne Collins

Sceneggiatura: Gary Ross, Suzanne Collins

Fotografia: Tom Stern

Musiche: T-Bone Burnett

Scenografie: Philip Messina

Dove un tempo le carte geografiche segnavano il Nord America, ora è lo Stato di Panem, sorto a seguito di una ribellione che vide vincitrice Capital City, ora accerchiata da 12 distretti sotto il suo controllo. Ogni anno, ognuno di quei distretti deve selezionare a caso una giovane donna ed un giovane uomo, da inviare come tributo agli Hunger Games, cruento spettacolo teatrale in cui si sfidano fino alla morte i 24 ragazzi. Paura e sottomissione, ecco i risultati conseguiti da Capital City attraverso i giochi.

Al momento dell’ennesima selezione nel Distretto 12, viene pescata a sorte la piccola Prime Everdeen, prontamente sostituita dalla sorella maggiore Katniss, cui si affiancherà Peeta. Insieme raggiungeranno la pittoresca Capital City, mettendo in gioco la propria vita per il sudicio spettacolo dei potenti.

L’omonima versione post apocalittica della scrittrice Suzanne Collins incontra il Grande Schermo di Gary Ross, un connubio dai tratti decisamente discordanti.

Tecnicamente ed esteticamente, si tratta di un vero capolavoro: la tensione e la fatica della vita da distretto è resa splendidamente dalle macchine a mano di Ross, mentre la seconda parte regala tutta la grandiosità del sci-fi d’azione, grazie alla sempre valevole fotografia di Tom Stern (tra i suoi lavori basti citare “Mystic River” e “Million Dollar Baby”). L’action cede il posto alla scrittura, da cui l’ottima riduzione delle pagine della Collins, e si delineano le eccellenti prove attoriali: delicata quanto fumosa l’interpretazione dell’appena ventunenne Jennifer Lawrence, attorniata da un cast di ottimi caratteristi, tra cui è doverosa una menzione per il sempiterno Donald Sutherland. Anche la destinazione al pubblico più giovane risulta scelta più che giusta, laddove il mercato aveva rifilato solo “Twilight&co.”.

Ciò che manca, ed è questa mancanza a disturbare il progetto di Ross, è un’omogeneità di fondo che potesse dare agli Hunger Games un solo spirito. Laddove le pagine del romanzo potevano attingere all’intera tavolozza delle tinte narrative, la riduzione di Ross, imboccata per buona parte del girato la strada della scrittura e del dramma, l’abbandona bruscamente in favore di un’azione cui finisce per dare poco respiro. Il tutto condensato in 142 minuti di girato che risultano decisamente eccessivi.

Che si tratti dei già chiacchieratissimi sequel o di nuovi lavori, non ci resta che sperare che la fortuna sia sempre dalla parte di Gary Ross.

VOTO 5/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Il Punto del Weekend

2012-05-16T06:06:00.001-07:00

Settimana ricchissima oltre che di numero, come di consueto, soprattutto di qualità, complice l’occasione della festa della liberazione che riempie ancor di più le sale. Conosciamo insieme i protagonisti della settimana.

I PROTAGONISTI

Si comincia di martedì, con l’uscita dell’ultimo film di Johnny Deep “The Rum Diary”. La pellicola vede protagonista Paul Kemp, buon giornalista e gran bevitore, che si trasferisce a Puerto Rico per collaborare al San Juan Star, giornale locale sull’orlo del fallimento. A stargli accanto durante il movimentato soggiorno portoricano il fotografo Sala, il collega, di penna e di bicchiere, Moberg e la bellissima Chenau. Deep in persona si è occupato del ritrovamento dell’omonimo romanzo di Hunter S. Thompson da cui è tratto il lungometraggio, di cui l’attore è produttore oltre che protagonista. le fumose e alcoliche traversie di Kemp vengono affidate a Bruce Robinson che ne fa un’ottima riduzione in fase di scrittura, lui che di mestiere fa lo scrittore; molto meno brillante la conduzione registica, a tratti stanca e pesante. D’altronde proprio Robinson aveva dichiarato che non si sarebbe più seduto sulla sedia del director: un bacio d’addio, dunque, e non un bentornato.
La festività del 25 Aprile tocca i due apici opposti. Sicuramente dalla parte migliore c’è “Il castello nel cielo”. Nello sfuggire ai pirati dell’aria, la giovane Sheeta cade da un aereo ma, levitando nell’aria, riesce a salvarsi e ad atterrare tra le braccia del coetaneo minatore Pazu. La caccia a Sheeta non è ancora conclusa, alimentata dal segreto della città nel cielo che la ragazza si porta dentro. Il ritardo con cui questo capolavoro del maestro dell’animazione Hayao Miyazaki arriva nelle nostre sale è avvilente e imbarazzante. Si tratta, infatti, del primo lungometraggio propriamente dello Studio Ghibli, nato nel 1985 per volere di Miyazaki e Isao Takahata. “Laputa” (questo il titolo originale) fu distribuito solo per l’home video ma presto ritirato per poi essere distribuito al Grande Schermo 27 anni dopo la sua realizzazione! Come a voler richiamare il 4 Luglio d’oltreoceano, “The Avengers” arriva nella sale proprio il 25 di Aprile. Questa volta la minaccia di Loki, fratellastro divino di Thor in combutta con i temibili guerrieri Chitani ed in possesso del potente Cubo Cosmico, è tale che Nick Fury, capo dello S.H.I.E.L.D., deve attivare il “Progetto Vendicatori” formando la squadra composta da Iron Man, Capitan America, Thor, Hulk, la Vedova Nera e Occhio di Falco. I supereroi Marvel si ritrovano nell’epico lungometraggio che li vede, finalmente, uniti, dopo il lungo e laborioso processo di rimandi, richiami ed anticipazioni che ha caratterizzato le produzioni Marvel del passato più recente. Fa il cattivo tempo del mercoledì, invece, “Ho cercato il tuo nome”, storia di Logan Thibault, ufficiale dei Marines che, di ritorno dall’Iraq, decide di cercare la donna ritratta su una foto trovata nel deserto. Quella donna è Beth che nell’Hampton gestisce un canile insieme alla nonna Nana e al piccolo Ben, figlio avuto dal matrimonio con lo scontroso sceriffo Clayton. Criticare la pellicola di Scott Hicks significa fare un passo indietro e concentrarsi sulla fonte del regista, l’omonimo romanzo dell’ “harmony man” Nicholas Sparks. Ormai da anni la sua letteratura rosa è la più famosa e seguita al Mondo e “The Lucky One” (titolo originale de “Ho cercato il tuo nome”) non è altro che l’ultimo di un’infinita serie di mielosi drammi dalla lacrima facile e dalla retorica sdolcinata che troppo hanno influenzato le produzioni del Grande Schermo, tra cui, a onor del vero, si salva solo Kevin Kostner.

Il solitario intermezzo del giovedì è “Interno Giorno”, in cui vengono ripercorse le vicende della vita dell’attrice Maria Torricello, in occasione dell’uscita del suo ultimo film. Poco da dire del primo lungometraggio di Tommaso Rossellini: l’encefalogramma rimane quasi totalmente piatto e “Interno Giorno” si affatica verso i titoli di coda.

Le uscite dell’ormai non più così regolare venerdì. Nell’Irlanda del Nord di “Hunger”, il ministro Margaret Thatcher abolisce lo statuto speciale di prigioniero politico. i carcerati dell’IRA, dopo quello “della coperta” e dell’igiene, cominciano un durissimo sciopero della fame, guidati da Bobby Sands che troverà la morte nella protesta insieme a nove compagni. Pellicola estrema e carnale, Mc Queen porta sullo schermo una storia dal fortissimo impatto, stabilendo con il soggetto un rapporto filmicamente fisico. È la battaglia che passa per l’utilizzo del corpo, ultima arma per chi, come Sands, ha solo quattro mura che si stringono intorno.

Protagonista di “Maternity Blues” è,invece, Clara, costretta in un ospedale psichiatrico della Toscana a seguito dell’omicidio dei 2 figli neonati. Mentre Clara entra in contatto con un gruppo di infanticide, stringendo rapporti in particolare con le tre compagne di cella, fuori delle mura dell’ospedale Luigi, suo marito, deve fare in conti con l’amore che prova ancora per quel mostro. Prendendo spunto dalle pièce teatrale della scrittrice Grazia Verasani, Frabrizio Cattani affronta lo spinoso problema dell’infanticidio materno, in una riduzione cinematografica che conserva molto della versione teatrale. Ed è proprio tale mantenimento a fare in modo che il soggetto non si macchi di patetica drammaticità all’italiana: quello di Cattani è un viaggio nell’universo psicologico di una Clara che diventa il modo per capire quanta madre ci sia in ogni femmina.

In ultimo “La Casa nel vento dei morti”. Attilio ed altri sbandati come lui dopo gli eventi della fondazione della Repubblica di Salò, compiono una rapina in banca in cui ci scappa il morto. Durante la fuga attraverso l’Appennino parmense si fermano in una cascina, in cui vengono accolti ed ospitati da tre donne: ciò che li aspetta non è una notte di riposo. L’incipit così realistico, il viaggio verso la casa protagonista, il modo di rappresentare gli eventi fino al loro dispiegamento fanno pensare d’essere di fronte ad un piccolo horror cult italiano. Ci si aspettano i gesti più efferati e le aspettative, in tal senso, non vengono disattese ma a “La Casa nel vento dei morti” manca decisamente dello spirito, nonostante gli sforzi per ricrearlo.

LE SORPRESE

Artista, sceneggiatore e regista britannico, solo omonimo del popolare attore, Steve Mc Queen vede finalmente arrivare nella sale il film che lo vide esordire dietro le cineprese, “Hunger”, primo di una duplice e incredibile collaborazione con Michael Fassbender (ha diretto l’interprete tedesco anche successivamente in “Shame”). Realizzato nel 2008, “Hunger” diede a Mc Queen il titolo della Camera d’Or per la miglior opera prima al 61° Festival di Cannes e l’European Film Awards per la miglior rivelazione.

I FLOP E I TOP

Ed ora i meno bravi del weekend:

3°. Terzo posto per Francesco Campanini. Il regista mette a disposizione tutto il proprio acume cinematografico nell’ultimo “La casa nel vento dei morti”ma, purtroppo, non è abbastanza e ciò che rimane è solo l’amaro in bocca per l’ennesima occasione sprecata.

2°. Secondo sul podio Zac Efron. Il belloccio californiano tenta il salto di qualità, dopo le performance canore e danzanti dell’ormai famosissima trilogia di “High School Musical”, affiancando Taylor Schilling in “Ho cercato il tuo nome”. La sua interpretazione, discutibile anche a causa dell’insufficiente conduzione di Hicks, non lo porta lontano dal musical.

1°. Primo tra i peggiori, Tommaso Rossellini. Nipote d’arte dal cognome che pesa, per la sua opera prima “Interno Giorno” si ispira di più all’esperienza francese che a quella italiana: la combinazione è micidiale!

Dulcis in fundo, i premiati della settimana:

3°. Medaglia di bronzo a Joss Whedon. Grande appassionato di fumetti e già sceneggiatore per la Marvel, oltre che regista di “Thor”, Whedon realizza un’ottima summa dei più recenti sforzi dei Marvel Studios, riuscendo a rispettare ogni linea di continuity cinematografica (non vale lo stesso per le fonti cartacee) e lo spazio di ogni singolo supereroe.

2°. Argento per Michael Fassbender. Il tedesco, poi naturalizzato irlandese, deve a “Hunger” buona parte del successivo successo. Dopo la gavetta teatrale, le fugaci incursioni televisive e l’interpretazione dello spartano Stelios in “300”, la collaborazione con Steve Mc Queen ne espose l’incredibile talento, poi regolarmente confermato.

1°. Non bastano gli elogi per il genio Hayao Miyazaki. “Il Castello nel cielo” permette di ritornare ai primi lavori del regista e sceneggiatore nipponico ma, ripercorrendone la carriera, la considerazione circa la misura del suo talento non cambia.

BOX OFFICE

Indiscutibile e preannunciato il primato ai botteghini di “The Avengers”: con gli 8.156.437 € guadagnati in cinque giorni e mezzo, considerando le anteprima di martedì, l’ultimo lungometraggio della Marvel ha già raggiunto maggior successo di tutti i film precedenti, senza considerare che solo domani arriverà nelle sale d’oltreoceano! Sul podio ci rimane ancora “To Rome with Love” mentre le statistiche sono molto negative per le altre nuove uscite: 505.216 € per “Ho cercato il tuo nome”, 356.725 € per “The Rum Diary” e solo 130.204 per “Il Castello nel cielo”. Esordio ben al di sotto delle aspettative anche per “Hunger”, a quota 75.933 €, come per l’italiano “Maternity Blues”, che incassa 15.232 €.

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Contraband (2012)

2012-05-16T06:05:00.003-07:00

Mark Wahlberg: Chris Farraday

Kate Beckinsale: Kate Farraday

Ben Foster: Sebastian Abney

Giovanni Ribisi: Tim Briggs

J. K. Simmons: Capitano

Caleb Landry Jones: Andy

Diego Luna: Gonzalo

Regia: Baltasar Kormakur

Soggetto: Oskar Jonasson, Arnaldur Indriason

Sceneggiatura: Aaron Guzikowski

Fotografia: Barry Ackroyd

Musiche: Clinton Shorter

Chris e Kate sono al matrimonio di un caro amico mentre il fratello minore di lei, Andy, viene sorpreso dai doganieri mentre trasporta cinque chili di cocaina di proprietà del malvivente Tim Briggs. Al lancio in mare del prezioso carico segue il regolare pestaggio degli uomini di Briggs. Andy si rivolge allora al cognato Chris, l’Houdini del contrabbando, oramai solo installatore di impianti di sicurezza, amorevole padre e marito fedele. L’ex delinquente prova a ragionare con l’attuale boss ma ottiene solo il coinvolgimento di Kate e dei suoi ragazzi, affidati da Chris alle cure dell’amico fraterno Sebastian mentre si prepara al suo ultimo trasporto, quello che divide la sua famiglia dalla tragedia.

Un po’ “Swat” un po l’ “Ocean Eleven” dei poveri, una pellicola dal sapore passato, di quel passato recente, quando erano di moda i poliziotti culturisti e violenti e i criminali dal cuore d’oro e dal sorriso brillante. Kormakur riunisce nella stessa banda il delinquente che ritrova la retta via dopo anni di perfetta criminalità, la moglie innamorata e combattiva, il cognato troppo giovane e avventato, il miglior amico “poco migliore” e il nuovo bosso tutto chiacchiere e insicurezza. E poi, il colpo di scena che fa di “Contraband”, da film da guardia e ladri, un gioco davvero interessante. “E’ quel genere di film che spero di vedere e di cui non se ne fanno mai abbastanza” –ammette lo stesso Wahlberg, che continua –“ Il motivo è che vogliono fare degli action ma dentro in genere non c’è abbastanza carattere, non ti interessa molto dei personaggi. Così ho pensato che se in questo avessimo messo un po’ di umorismo, sarebbe diventato molto piacevole e divertente”.

“Contraband” si inserisce, così, in quella categoria di produzioni medie che tanto arricchisce e finanzia la macchina cinematografica americana. Ma di medio conserva ben poco, considerati l’ottimo script, la sagace e dinamica regia e l’ottima prova generale, tra cui stona solo la poco amalgamata Beckinsale.

La pellicola nasce dall’impegno di Mark Wahlberg nel riproporre in versione statunitense “”Reykjavik- Rotterdam”, film del 2008, di cui fu protagonista proprio Baltasar Kormakur, cui viene affidata la regia stessa di “Contraband”. I 25 milioni messi a disposizione da Wahlberg fruttano eccome: 60 i milioni guadagnati a botteghino, accompagnati dall’ottima accoglienza della critica. Per noi c’è da attendere ancora un po’, il 18 Maggio potremmo ospitarlo nelle nostre sale.

VOTO 7/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

The Avengers (2012)

2012-05-16T06:03:00.001-07:00

Robert Downey Jr.: Tony Stark/ Iron Man

Chris Evans: Steve Rogers/ Capitan America

Mark Ruffalo: Bruce Banner/ Hulk

Chris Hemsworth: Thor

Scarlett Johansson: Natasha Romanoff/ Vedova Nera

Jeremy Renner: Clint Barton/ Occhio di Falco

Tom Hiddleston: Loki

Samuel L. Jackson: Nick Fury

Clark Gregg: Phil Coulson

Cobie Smulders: Maria Hill

Stellan Skarsgard: Erik Selvig

Gwyneth Paltrow: Pepper Potts

Regia: Joss Whedon

Sceneggiatura: Joss Whedon

Fotografia: Seamus Mc Garvey

Musiche: Alan Silvestri

Il Cubo Cosmico lasciato sulla Terra da Loki durante l’ultimo scontro con Thor e affidato da Nick Fury, capo dello S.H.I.E.L.D., al professor Selvig, apre un portale dimensionale che permette a Loki di ritornare sul Pianeta ad alimentare i suoi propositi caotici e distruttivi. Perso il Cubo, Fury decide di far fronte all’imminente tragedia, data dalla minaccia combinata del dio Loki e dei suoi nuovi alleati Chitauri, attivando il “Progetto Vendicatori”. Così, mentre la sua agente Natasha Romanoff recluta il gigante verde che si nasconde nello scienziato Bruce Banner, vengono avvertiti anche Tony Stark, alias Iron Man, e il redivivo Capitan America. Al sopraggiungere di Thor sul Pianeta, segue la liberazione dal giogo di Loki dell’agente S.H.I.E.L.D. Clint Barton, l’abile arciere noto come Occhio di Falco. I Vendicatori sono ormai uniti, pronti per difendere la Terra.

Nel lontano 2005, la Paramount Pictures e i Marvel Studios annunciarono la produzione di un film in cui riunire tutti i super eroi, oggetto di pellicole ad hoc. Architettando un abile ed intricato piano di richiami, anticipazioni e interazioni intra- pellicole, è nato l’incredibile universo cinematografico dei Vendicatori, che nel lungometraggio affidato a Joss Whedon ha solo la summa di numerosi e programmatici sforzi.

Del nucleo fondamentale, il regista rispetta veramente poco, non gliene vogliano i fan più accaniti. Apporta al gruppo le giuste modifiche filmiche, creando una perfetta armonia tra narrazione e personaggi. Il fratellastro divino di Thor diventa il leitmotiv che unisce gli spiriti eroici dei protagonisti: il genio, milionario, filantropo e playboy Tony Stark, Capitan America, il soldato di ventura che sul campo di battaglia lascia il cuore, la perfetta new entry Mark Ruffalo/Hulk (probabilmente, ancor più adatto di Bana e Norton nell’interpretazione del gigante verde), il divino in costume, Thor, senza mancar di lasciar spazio alle reclute S.H.I.E.L.D., Vedova Nera e Falco. Se il pericolo maggiore era rappresentato dagli spazi da affidare alle singole personalità, e dalle prevaricazioni che ne sarebbero scaturite, Whedon l’ha affrontato nel migliore dei modi, gestendo sapientemente set, repertorio fumettistico ed il recente passato filmico dei sei supereroi.

Per non parlare, poi, della potenza grafica (pari solo, forse, all’ultimo capitolo dei “Transformers” di Michael Bay”), aspetto che, più di tutti, fa di “The Avengers” un vero capolavoro: nei circa 143 minuti di girato, non un combattimento annoia lo spettatore, incantato, oltre che dalla spettacolarità degli effetti, dalla dinamica regia con cui vengono declinati. Una menzione particolare la meritano Jonathan Eusebio, il coreografo che si è occupato della preparazione fisica e tattica dei protagonisti, e Dan Sudick, supervisore degli effetti speciali.

Siamo di fronte ad un fenomeno mondiale a tutto tondo ed in continua espansione, come dimostrato dall’ennesima parte di girato che, seguendo ai titoli di coda, rimanda alla prossima avventura di Cap e Co. Attendere il prossimo “Vendicatori Uniti” (per i meno esperti, il grido di battaglia dei Vendicatori) sarà ancora più difficile adesso!

VOTO 8/10
Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Il Punto del Weekend

2012-04-24T08:18:00.002-07:00

Ben otto le nuove uscite che si registrano venerdì, per un concentrato di qualità e quantità distribuito durante tutto l’arco della settimana, a partire dal mercoledì. Vediamone insieme i protagonisti.

I PROTAGONISTI

La settimana cinematografica si apre nel peggiore dei modi, con l’uscita di “Street Dance II”. Per battere gli “Invincibili”, crew di street dancers che appunto non conosce rivali, ci vogliono i migliori ballerini di strada, raccolti in giro per l’Europa, e il connubio con la più estrema tradizione latina della danza. Cominciando le riprese con un finto flashback accompagnato dalla voce del protagonista, Max Giwa e Dania Pasquini attuano solo il primo degli scandalosi e paradossali espedienti del loro secondo episodio di “Street Dance”. Così ritroviamo la solita crew, la solita gara importantissima a cui manca poco tempo, la solita contaminazione di stili e di cuori. Senza un briciolo di narrazione, caratterizzazione e reale rappresentazione artistica (il protagonista Falk Henteschel non è mai inquadrato interamente quando balla ma è sempre aiutato dal montaggio e dalla velocizzazione del girato!), ciò che rimane è solo il discreto utilizzo della tridimensionalità.

Segue, di giovedì, un’altra produzione statunitense, “George Harrison- Living in the material World”, film documentario diretto da Martin Scorsese che ripercorre la vita di George Harrison, dai primi anni a Liverpool al successo dei Beatles, ai viaggi in India. Nell’opera Scorsese si serve di filmati inediti, interviste e canzoni coi cui racconta cronologicamente la parabola di uno ei profeti della musica, fino alla sua dipartita da questo mondo. Lo stesso giovedì vede l’uscita della pellicola italiana “Male di Miele”. A seguito d’una delusione d’amore, la giovane Sara decide di raggiungere il peso ideale di 38 chili e si impegna giorno per giorno nel ferreo regime alimentare e sportivo e nella straziante operazione di facciata nei confronti dei genitori, in evidente crisi coniugale, e delle amiche, illuse dalla superficiale serenità ostentata da Sara. Né “pubblicità progresso” né pellicola adolescenziale, “Male di Miele” alza il tiro ad ampia il respiro, facendosi forte delle immagini del cinema per raccontare un disagio, fisico ed emotivo, declinato al giovanile ma possibile ad ogni età. Quello di Marco Pozzi diventa un racconto dalla duplice anima, il puro e sconfinato universo della giovane Sara, e la stretta gabbia in cui l’attanaglia l’anoressia.

I riflettori del venerdì sono tutti puntati su “To Rome with Love”, l’ultima fatica di Woody Allen. Nella capitale si ritrovano senza volerlo tutti i protagonisti della pellicola. Il giovane architetto americano Jack, innamoratosi di Monica e aiutato dai consigli di John; Jerry e Phyllis, coniugi produttori discografici, che arrivano il Italia per lavorare con una cantante d’opera; Leopoldo, investito fatalmente da una fama illusoria; Antonio, invaghitosi della bellissima Anna e sposato con l’adulterina Milly. Dirige ed interpreta ancora una volta ma la brillantezza (tecnica, attoriale e di scrittura) che l’ha contraddistinto sembra cominciare a sbiadire con l’avanzare dell’età. Woody Allen fa di tutto per il suo ultimo lungometraggio: riunisce un cast d’eccezione, consumando finalmente il tandem con la sua controparte italiana Roberto Benigni; ritorna in Italia, a Roma, richiamando alla memoria il miglior cinema d’annata. Neppure in questa chiave trova validità la stanchezza che contraddistingue tutto il girato.

Dagli USA arriva ancora una pellicola. “Una spia non basta” vede gli amici e colleghi della CIA Franklin e Tuck contendersi la bella Luren a colpi di missioni segrete e videocamere nascoste. Poco da dire della spy-comedy messa in piedi da Mc G: buona la parte comedy, molto meno la parte spy, lasciata in balia del caso e dell’arrangiamento. A poco servono le buone scene d’azione e la performance, tutto sommato interessante, del trio protagonista, composta da Matt Hardy, Chris Pine e Reese Witherspone.

Altra produzione nostrana del finesettimana è “Sandrine sotto la pioggia”. Il protagonista della vicenda è l’agente di polizia Leonardo che, nello sventare una rapina in banca, uccide malauguratamente la giovane Martine. Distrutto dai sensi di colpa, decide di ritirarsi dalla strada in favore del lavoro d’ufficio. La tranquilla esistenza scelta da Leonardo viene, però, turbata da Sandrine, femme fatale di cui il poliziotto s’innamora, ignorando il segreto che si porta dentro. Diviso tra il noir ed il drammatico, “Sandrine sotto la pioggia” diventa la declinazione sbiadita d’entrambi i generi, sfociando nel racconto della semplice tensione sessuale tra i protagonisti.

Dalla multietnica collaborazione tra Francia, Algeria ed Italia nasce, invece, “Il Primo Uomo”, in cui lo scrittore algerino Jean Cormery fa ritorno nella terra natia poco prima degli anni ’60, per perorare la causa d’unione razziale pacifica ed equilibrata che scoprirà così difficile da far valere. Così, approfitterà per riabbracciare la madre e ripercorrere la travagliata giovinezza algerina. Adattamento cinematografico dell’omonimo romanzo di Alberto Camus, di cui Cormery è l’ater ego narrativo, “Il Primo Uomo” non ha niente da invidiare alla carta stampata. Una riduzione fedele e ben congegnata, diretta e scritta sapientemente e con profonda partecipazione emotiva, cui si aggiungono l’ottima fotografia di Yves Cape e la prova attoriale di un intero cast in stato di grazia, su tutti Jacques Gamblin, perfetto nei panni di Cormery.

Ducis in fundo, “Leafie” la storia d’una gallina, Leafie appunto, che riesce a realizzare il proprio sogno, scappare dal pollaio. Ad attenderla, però, c’è la libertà d’un mondo spietato, in cui la prima vittima che incontra è il piccolo Greenie, un anatroccolo rimasto orfano a causa della donnola One-Eye: Leafie decide di allevare Greenie come un proprio cucciolo. Dalla Korea del Sud arriva un esperimento veramente ben riuscito: Seong-Yun Oh riesce ad unire l’intricata precisione grafica della Pixar ai racconti Disney più lontani nel tempo, miscelando il tutto nel pentolone della cultura orientale. A doppia superbia, doppio onore!

LE SORPRESE

Dispiace dover registrare la sorprendente caduta di Allan Stewart Konigsberg, al secolo Woody Allen. Pareva essersi liberato dell’ascendente negativo degli ultimi anni con il capolavoro “Midnight in Paris”, ma il comico più famoso della nostra epoca ci ricasca di nuovo con “To Rome with Love”. Ma a uno come Woody è concesso questo ed altro.

I FLOP E I TOP

Ricca la quantità, ricco anche il novero dei cattivi del fine settimana:

3°. Ultimo del podio Jospeh Mc Ginty Nichol. Mc G, come preferisce essere chiamato, continua a dividersi tra la fotografia, la musica, la tv, la pubblicità ed il cinema: se qualcosa gli riesce meno, pazienza.

2°. Secondo dei peggiori, l’italiano Tonino Zangardi. Il regista de “Sandrine della pioggia” utilizza un soggetto tutto sommato sufficiente, anche se trito e ritrito, distruggendo tutto quello che di buono portava con se.

1°. Primi sul podio, Max Giwa e Dania Pasquini. Riprendono “Street Dance” dove l’avevano lasciato, firmandone il secondo episodio con la stessa svogliatezza e riluttanza tecnica: certo il genere aiuta poco ma qui si è alla frutta.

Ora appuntiamo le coccarde:

3°. Terzo posto per Benedetta Gargari. La giovanissima classe 1995, da ancora una volta prova del suo talento, notato già nel 2003 e poi quattro anni dopo da Ferzan Ozpetek, che la scelse per “La finestra di fronte” e “Saturno contro”.

2°. Medaglia d’argento per Seong-Yun Oh. Il regista mette in “Leafie” lo spirito onirico di Miyazaki e gli anni di sviluppo tecnico e concettuale della Walt Disney, dimostrando come il mercato koreano possa dire la propria in materia di animazione di qualità.

1°. Il migliore del weekend è Gianni Amelio. Da vita ad una delle migliori riduzioni su pellicola degli ultimi anni, un lungometraggio di spessore emotivo, culturale e civile.

BOX OFFICE

Guadagna la testa delle classifiche “To Rome with Love”, segno dell’inestinguibile ammirazione dell’Italia per Woody Allen. A seguire “Battleship”, a quota 3.5 milioni di euro, e “Titanic”, ormai vicino agli 8 milioni d’incasso. Unica new entry degna di nota è “Street Dance II”, che porta a casa circa mezzo milione di euro.

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Una spia non basta (2012)

2012-04-24T08:17:00.003-07:00

Tom Hardy: Tuck Henson

Chris Pine: Franklin “FDR” Foster

Reese Witherspoon: Laureen Scott

Chelsea Handler: Trish
Til Schweiser: Heinrich

Rosemary Harris: Nonna Foster

Regia: Joseph Mc Ginty Nichol

Soggetto: Timothy Dowling, Marcus Gautesen

Sceneggiatura: Timothy Dowling, Simon Kinberg

Fotografia: Russel Carpenter

Fdr e Tuck, amici per la pelle e colleghi della CIA. Sfrontato, egocentrico e vincente di natura il primo, riservato, introverso e responsabile il secondo. Accidentalmente conoscono la stessa ragazza, Laureen, e decidono d’ingaggiare una gara di conquista, mettendo in gioco tutti se stessi e le risorse dell’Intelligence.

La classica commedia romantica all’americana trova, finalmente, una nuova cornice. Così i due amici che cercano di conquistare la stessa ragazza mettendo a repentaglio il duraturo legame, diventano due agenti operativi pronti ad usare ogni “mezzo speciale”, dalle videocamere nascoste alle specifiche abilità tattiche personali. Menzogne e testosterone si mescolano in un cocktail apparentemente ben congegnato che declina i cliché di genere in maniera innovativa. Per una volta l’inseguimento del russo di turno passa in secondo piano ma, come sempre, il lieto fine è per tutti.

Ciò che manca, ed è questa mancanza a mettere criticamente in cattiva luce tutto il girato, è la veridicità della parte spy, fin troppo arrangiata e lasciata in pasto ai dubbi degli spettatori (anche i meno attenti), seppur controbilanciata da un discreto impatto narrativo e dall’ottima realizzazione delle scene action, in cui è evidente la mano di Russel Carpenter, il direttore della fotografia vincitore dell’Oscar per “Titanic”.

Le idee c’erano, come conferma lo stesso Chris Pine: “Quello che mi piaceva era che Mc G ha messo tutte queste cose in una pentola e l’ultima cosa simile che ho visto era “Mr e Mrs. Smith”. E ho pensato forse a “True Life”. Ma aveva quel tocco di Mc G e lui fa, se c’è una cosa che Mc G sa fare veramente è un film popolare”. Peccato per il risultato finale.

Vertici del triangolo protagonista Tom Hardy, Chris Pine e Reese Witherspoon. Inglese di Hammersmith, nei pressi di Londra, Hardy deve la sua recentissima esposizione mediatica all’interpretazione del nerboruto lottatore di “Warrior” e all’annunciata partecipazione all’ultimo capitolo del “Batman” di Nolan, nei panni del cattivissimo Bane: non male per uno che ama definirsi “un tipo da pipa e pantofole”. Americanissimo d’aspetto e parola e, invece, Chris Pine che debuttò nel 2003, prendendo parte a serie come “E.R.” e “CSI: Miami”. Da lì, è stata in discesa la strada verso il successo da belloccio tutto commedia romantica e action movie: ad attenderlo il secondo capitolo dello “Star Trek” firmato J. J. Abrams. Nel mezzo Reese Witherspoon, la bella bionda di origini tedesche già modella a sette anni ed esordiente sul Grande Schermo nel 1991, con “L’Uomo della Luna”. A condurre il trio, Joseph Mc Ginty Nichol (in arte Mc G): si laurea in psicologia ma lavora come fotografo artistico, comincia a realizzare videoclip e fonda la famosa casa produttiva musicale G Recordings per poi passare alla realizzazione di documentari e spot pubblicitari e al finanziamento di serie tv. Solo nel 2000 il primo famosissimo lungometraggio, quel “Charlie’s Angeles” tanto odiato dalla critica quanto amato dal pubblico. Un artista a tutto tondo molto più attento alla sperimentazione che alla resa qualitativa, come dimostra l’ecletticità generica del suo ultimo “Una spia non basta”.

VOTO 5/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Cineanteprime

2012-04-19T03:34:00.003-07:00

The Lincoln Lawyer (2012)

Matthew Mc Conaughey: Mick Haller

Marisa Tomei: Maggie Mc Pherson

Ryan Philippe: Louis Roulet

William H. Macy: Frank Levin

Josh Lucas: Ted Minton

John Leguizamo: Val

Michael Pena: Jesus Martinez

Bob Gunton: Cecil Dobbs

Laurence Mason: Earl

Regia: Brad Furman

Sceneggiatura: John Romano

Soggetto: Michael Connelly

Fotografia: Lukas Ettlin

Musiche: Cliff Martinez

Spocchioso e rampante avvocato di Los Angeles, Mick Haller ha trascorso l’intera carriera a difendere criminali d’ogni genere. Viene, perciò, ingaggiato da Louis Roulet, giovane rampollo playboy, immischiato in uno strano caso di violenza sessuale ed aggressione. Coadiuvato dall’investigatore Frank e dalle soffiate dell’ex compagna Maggie, anch’essa avvocato, Mick comincia a muoversi nel buoio sottobosco della legalità e delle menzogne, convinto dell’innocenza del giovanotto. Con l’avanzare delle indagini, Mick dovrà ricredersi, e non solo sul caso Roulet.

Autista privato non troppo “pulito”, una Lincoln Sedan da gangster per ufficio, atteggiamento da divo. Questo è il Mick Haller di Matthew Mc Conaughey, un figlio di puttana con la “P” maiuscola tutto palle sul lavoro e cuore alla famiglia, seppur lontano dalla moglie e dalla figlia. Un po’ Keanu Reeves un po’ Jerry Maguire, il bello Mc Conaughey, ora con qualche nuova ruga sul viso, si fa nuovamente portavoce, dopo aver calcato le aule del Mississippi nei panni di Jake Brigance ne “Il momento di uccidere” nel lontano 1996, dell’eterna lotta tra l’etica e il modo in cui “vanno le cose”. Un avvocato troppo furbo, un sistema troppo debole: è l’eterno cliché del tribunale americano, giusto solo nei romanzi di Grisham (dalla cui penna proprio “Il momento di uccidere”!). Il senso di colpa diventa voglia di giustizia per Mick, l’uomo che difende solo i cattivi, l’uomo che ormai si sente dalla parte dei cattivi. Perfetta, dunque, la caratterizzazione del protagonista, grazie anche, e soprattutto, al lavoro di riduzione del regista Brad Furman, ispiratosi al romanzo di Michael Connelly “Avvocati di difesa”, e alla sceneggiatura “Italoamericana” di John Romano.

Al suo secondo lungometraggio, dopo “The Take” nel 2007, Brad Furman spiana la strada ai progetti terminati ed in attesa di distribuzione: “Cry Macho”, in cui rivedremo protagonista l’idolo Schwarzenegger, “Runner Runner”, con Justin Timberlake e Ben Affleck, e un documentario filmico sulla vita del criminale Pablo Escobar. Il suo ultimo “The Lincoln Lawyer”, distribuito in vari Paesi nel corso dell’anno, è già stato sottoposto ad operazione di doppiaggio in italiano. Speriamo non tardi ancora ad arrivare nelle sale.

VOTO 7/10

Marco Fiorillo

Piero Lorenzo Pisano

Il Punto del Weekend

2012-04-17T07:53:00.004-07:00

La vera notizia è che il weekend appena passato abbia contato solo cinque pellicole. Perché di queste, nessuna supera le altre per qualità o innovazione, e il livello cala generalmente. Vediamo insieme i veri protagonisti del fine settimana.

I PROTAGONISTI

Dagli States arrivano due pellicole. Protagonista di “Bel Ami” Georges Duroy, squattrinato reduce della Guerra in Algeria, di ritorno nella Parigi di fine XIX secolo. Casualmente in un locale incontra Charles Forestier che gli regala i soldi necessari per un abito, fondamentale per il debutto in società: comincia per Georges, soprannominato Bel Ami per le sue doti di seduttore, la scoperta dell’universo femminile, della carriera, del potere. Come ogni opera senza tempo, “Bel Ami” di Guy de Maupassant torna ad essere periodicamente saccheggiata dallo Schermo, grande e piccolo. Questa volta tocca al tandem Donnellan- Ormerod che sceglie la strada della conduzione più che della riduzione: nonostante la loro rivisitazione pecchi in brillantezza, hanno il merito di liberare dal suo vampiresco passato Robert Pattinson, facendolo perfettamente interagire con le tre bellissime Uma Thurman, Christina Ricci e Kiristin Scott Thomas. Di ben altro respiro è, invece, “Battleship”, in cui un’avanguardia di cinque navi aliene approda sulla Terra direttamente dal Pianeta G, rintracciato dagli scienziati della NASA come papabile alternativa alla vita umana. Sulla strada della minaccia extraterrestre, il tenente di Marina Alexander Hopper e il suo “variopinto” equipaggio. Sci-fi dal chiaro respiro eroico, la Universal per il centesimo anniversario si affida alle magie tecnologiche della ILM (Industrial Light&Magic), alle idee di Peter Berg e alle penne dei fratelli Hoeber. Ottimo il lavoro degli addetti agli effetti, ampiamente sottotono gli altri tre, perché “Battleship” è un’accozzaglia di cose già viste, riproposte nella solita solfa epica a stelle e strisce.

Da una triplice collaborazione tra Italia, Francia e Romania prende vita “Diaz”. La pellicola ripercorre e rivive i terribili avvenimenti che coinvolsero la scuola Diaz di Genova nel luglio del 2001, in occasione del G8. La vicenda sfrutta la partecipazione corale, permettendo ad ognuno d’essere protagonista e narratore, lasciando che siano sempre e solo i fatti i veri protagonisti e narratori. Il tutto nasce dall’esigenza di risposte di Domenico Procacci e Daniele Vicari che, a seguito di una lunga e laboriosa opera di ricerca e d’indagine, hanno sentito il bisogno d’usare la loro celluloide per dar voce a quell’oscura pagina di storia.

È il Vecchio Continente a far ancora da protagonista con le ultime due pellicole. Produzione francese è “Ciliegine”, in cui Amanda, delusa dal fidanzato, lo lascia alla vigilia del Natale ed estende quella delusione ad ogni rappresentante del genere maschile. La ritroviamo a poche ore dalla fine dell’anno, alterata da qualche bicchiere di troppo e da una buona dose di nostalgia e piegata al garbato e sensibile Antoine. Siamo all’esordio registico dell’italianissima Laura Morante, impegnata per l’occasione sia dietro che davanti le telecamere, nei panni proprio di Amanda. La permanenza di quel di Francia pesa sul suo nuovo impegno: un’opera bilanciata, morbida, dalla forte presa emotiva ma dal discreto respiro narrativo. Dall’Italia arriva, infine, “Poker Generation”, la storia di due fratelli del piccolo borgo siciliano di Scicli: fascinoso ed impulsivo giovanotto ossessionato dai film sulla mala italoamericana, Tony, introverso genio ai limiti dell’autismo, Filo. Accomunati solo dalla necessità di racimolare i soldi per le cure della sorellina e dalla passione per il poker, insieme lasceranno la famiglia per i fumosi club milanesi, ma divisi si ritroveranno ai tavoli del Malta Poker Dream. Ispirandosi alla storia vera del professionista Filippo Candio, Gianluca Minigotto dedica il suo primo lungometraggio alla mania e piaga della nostra generazione: quel gioco diventato improvvisamente sport e vana speranza per i tanti in ristrettezze. In casa, sui social network, al bar, su internet, nei club, a casa degli amici, il Texas Holdem ha invaso “poco responsabilmente” le nostre vite.

LE SORPRESE

Alla prima esperienze registica, si aggiudica la premiazione Laura Morante. Nata a Grosseto alla metà del secolo scorso, si avvia alla carriera artistica calcando i palchi teatrali, su cui esordisce con Carmelo Bene. Ben presto l’esordio cinematografico ed il trasferimento a Parigi, negli anni ’80: nella capitali acquista grande notorietà senza mancare i numerosi appuntamento offerti dalla penisola.

I FLOP E I TOP

Tra i pochi protagonisti della settimana, indichiamo i meno brillanti:

3°. Terzo tra i cattivi, Gianluca Minigotto. Il regista de “Poker Generation”, esordiente nel mondo pubblicitario negli anni ’80, si ferma alla buona scelta del soggetto: lo declina in maniera opaca anche a causa del limitato impegno attoriale.

2°. A seguire, Rihanna. La cantante barbadiana, dopo aver conquistato il mondo delle note, si convince di poter passare con lo stesso esito al Grande Schermo: si crede una moderna “Soldato Jane” ma anche da Demi Moore siamo molto lontani.

1°. Primo flop è Peter Berg. L’attore e regista newyorkese assembla il suo “Battleship” come un frankestein, attingendo da film di genere e non, sperando che lo staff tecnico delle immagini possa fare il resto. La ILM centra l’obiettivo ma non basta.

In ultimo, i migliori del fine settimana:

3°. Bronzo a Laura Morante. La duplice prova da regista ed attrice fa rimpiangere la sua “fuga” all’Eliseo ma, per onestà intellettuale, va detto che probabilmente è galeotto il trasferimento parigino per la realizzazione di “Ciliegine”.

2°. Premiazione corale per la ILM. Il laboratorio del’immaginazione fondato da George Lucas nel lontano Maggio del 1975 firma l’ennesimo capolavoro grafico, salvando il salvabile.

1°. Primo posto del podio a Daniele Vicari. Sponsorizzato dal trittico Fandango, Le Pacte e Mandragora Movie, il regista di “Diaz” porta sullo schermo con potenza narrativa e filmica una delle pagine più nere del recentissimo passato italiano.

BOX OFFICE

La corazzata USS MISSOURI, capitana da Peter Berg, affonda il transatlantico di Cameron: “Battleship” si guadagna la vetta e 2.1 milioni superando, anche se di poco, la revisione 3D di “Titanic”. Fredda accoglienza sia per “Diaz” che per “Bel Ami”, entrambi più o meno a quota 600.000 euro.

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Battleship (2012)

2012-04-17T07:53:00.001-07:00

Taylor Kitsch: Ten. Alexander Hopper

Alexander Skarsgard: Stone Hopper

Liam Neeson: V. Amm. Shane

Brooklyn Decker: Samantha “Sam” Shane

Rihanna: Cora Raikes

Peter Mac Nicol: Segretario alla Difesa

Regia: Peter Berg

Sceneggiatura: Erich Hoeber, Jon Hoeber

Fotografia: Tobias A. Schliessler

Effetti Speciali: Industrial Light&Magic

Musiche: Steve Jablonsky

Gli scienziati americani del Progetto Beacon individuano un altro Pianeta in gradi di ospitare la vita umana, il Pianeta G con cui la NASA entra in contatto tramite satellite.

Alle Hawaii, i fratelli Hopper bevono ad un bar: Alex perdente in canna sempre nei guai, Stone rigoroso ed assennato Capitano della Marina. All’ennesima bravata Stone non ha dubbi, ad Alex serve un cambiamento, una direzione. Ad Alex serve arruolarsi in Marina.

Qualche tempo dopo, gli Hopper sono insieme sull’attenti a bordo della storica corazzata USS MISSOURI, in occasioni dei giochi RIMPAC. Proprio durante l’evento, cinque oggetti distinti atterrano sul Pianeta: si tratta della risposta del Pianeta G. Gli Alieni sono pronti ad attaccare la Terra, e prima di tutto le navi della Marina impegnate nei RIMPAC.

I soliti invasori contro l’eroismo a stelle e strisce. L’Indipendence Day rivive ancora una volta sul Grande Schermo Hollywoodiano, come a voler testimoniare che quel 7 Dicembre 1941 le forze giapponesi hanno materializzato una paura mai sopita. Cambiano i nemici ma non l’antifona: dopo molte riproposizioni, forse troppe, oggi quello che conta è la spettacolarità. E allora emergono tutto l’impegno e la genialità degli artisti della ILM (Induastrial Light&Magic), il laboratorio del’immaginazione fondato da George Lucas nel lontano Maggio del 1975. Le incredibili animazioni cui danno vita fanno aimè a cazzotti con la scarsa partecipazione del resto dell’entourage, primi tra tutti regista e sceneggiatori. Perché Berg attinge un campo magnetico dal “vero” “Indipende Day” e porta davanti alle telecamere degli alieni abbigliati alla “Predator” e minacciati dall’agente naturale (non l’acqua di “Signs” ma la luce solare) e un giovanotto tutto cuore e “Top Gun” con la sua biondissima fidanzata, lasciando ai fratelli Hoeber il compito di scribacchiare qualche classico dialogo tra commilitoni: anche da loro, dopo l’ottima prova di “Red” ci si aspettava molto di più.

Sapere a metà del girato a cosa si va incontro non lede all’ottima esperienza sensoriale offerta ma di certo non l’amplifica rendendo univoca la qualità del girato. Quando, però, la maggior parte delle idee ne ricordano troppe già viste e il kitsch statunitense raggiunge il suo apice (la trionfale comparsa dei veterani della Marina, per intenderci) i molti dubbi che sorgono vengono zittiti dal più classico “Fuoco!”.

A prendersi l’onere della pellicola del 100° anniversario della Universal, come già detto, Peter Berg, attore di Piccolo e Grande Schermo prima ancora che regista, nel cui ruolo esordisce nel 1998 con “Cose molto cattive”. Davanti alle sue telecamere il canadese Taylor Kitsch, reduce dal successo de “John Carter”, il figlio d’arte Alexander Skarsgard, famoso soprattutto per la sua interpretazione di Eric Northman nell’ormai serie cult “True Blood”, la supermodella Brooklyn Decker, la cantante Rihanna e, dulcis in fundo, Liam Neeson e Peter Mac Nicol, usati poco e male perché da soli possano evitare l’ “affondamento della nave”.

VOTO 5/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Cineanteprime

2012-04-13T10:00:00.003-07:00

We Bought a Zoo
Matt Damon: Benjamin Mee

Scarlett Johansson: Kelly Foster

Thomas Haden Church: Duncan Mee

Colin Ford: Dylan Mee

Maggie Elizabeth Jones: Rosie Mee

Angus Mac Fayden: Peter Mc Cready

Elle Fanning: Lily Miska

John Michael Higgins: Walter Ferris

Regia: Cameron Crowe

Sceneggiatura: Aline Brosh Mc Kenna, Cameron Crowe

Soggetto: Benjamin Mee

Musiche: Jon Por Birgisson

Fotografia: Rodrigo Prieto

Giornalista estremo malato d’avventura che ha diviso la sua carriera tra interviste a dittatori e voli in mezzo a pericolosi tifoni, Benjamin Mee si ritrova ad affrontare la più dolorosa e faticosa delle prove: tirare avanti insieme ai due figli, Dylan e la piccola Rosie, dopo la morte della moglie Katherine. Così Benjamin lascia casa e lavoro e trascina la famiglia in un “nuova vita”, pur di dimenticare la perdita: i Mee diventeranno proprietari di un fatiscente zoo da rimettere a nuovo, solo per scoprire che il vero cambiamento viene dal profondo del proprio cuore

“La mia vita è uno zoo” (questo il titolo con cui il film verrà distribuito nelle sale italiane il prossimo 20 Aprile) ripercorre l’esperienza realmente vissuta dai Mee, raccontata proprio da Benjamin nel romanzo autobiografico “We Bought a Zoo” e già soggetto d’una serie in quattro episodi intitolata “Zoo”, trasmessa dalla BBC nel 2007. L’incredibile vicenda ebbe luogo nelle campagne del Devon, in Inghilterra, e registrò risvolti assai diversi rispetto alla sua riduzione cinematografica (tra tutti, il fatto che Katherine Mee partecipò alle trattative riguardanti lo zoo e spirò solo ad acquisto terminato), ampiamente rimaneggiata per essere più commercialmente fruibile dal pubblico statunitense. Eppure, tra le pieghe drammatiche ed eroiche della bandiera, il miracolo non perde la sua anima. Vuoi per la buona riproposizione registica di Crowe e Mc Kenna, doppiamente responsabili per la storia vera e per la versione romanzata, vuoi per la prova corale del ricchissimo cast, “We Bought a Zoo” centra l’obiettivo, emozionare.

A dirigere il tutto, il regista, sceneggiatore e attore statunitense Cameron Crowe, che ritrova il lungometraggio dopo ben sette anni dall’ultimo “Elizabethtown”. Ed un ritorno in grande stile il suo, come dimostrato dalle scelte di casting. Tra i tanti volti noti, domina quello di Matt Damon, sempre più “family man”, come dimostrato dalle parole che rivolge alle due figlie: “ Quando saranno adulte sarebbe bello se guardassero i miei film e li apprezzassero”. Al suo fianco la bellissima Scarlett Johansson, a breve di nuovo nella sale con l’attesissimo “The Avengers”, la sorella d’arte Elle Fanning, ormai completamente liberatasi del ruolo di controfigura della maggiore Dakota (fu il primo ruolo affidatogli da Steven Spielberg durante le riprese di “Taken”), il giovanissimo Colin Ford e Thomas Haden Church. Una menziona a parte la merita la piccola Maggie Elizabeth Jones che, nei panni di Rosie, riesce in un’interpretazione spontanea e delicatamente commovente.

Commedia familiare che trova la sua ragion d’essere proprio nella famiglia, “We Bougt a Zoo” ha l’onere ed il merito di “lasciar dietro qualcosa”, come ammette lo stesso Cameron Crowe. Anche nella peggiore tragedia, venti secondi di folle coraggio possono dare vita a qualcosa di straordinario. Questo è il lascito della pellicola, il suo merito, il suo onere.

VOTO 7/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Chronicle (2012)

2012-04-04T08:05:00.005-07:00

Dane DeHaan: Andrew Detmer

Michael B. Jordan: Steve Montgomery

Alex Russel: Matt Garetty

Michael Kelly: Richard Detmer

Ashley Hinshan: Casey Letter

Regia: Josh Trank

Soggetto: Josh Trank, Max Landis

Sceneggiatura: Max Landis

Fotografia: Matthew Jensen

Montaggio: Elliott Greenberg

Scenografie: Stephen Altman

Anonimo studente all’ultimo anno di liceo, Andrew nasconde una difficile situazione familiare, con la madre ormai in fin di vita ed un padre incattivito dall’alcol e dalle sofferenze. Cerca e trova in un telecamera lo svago all’indifferenza dei coetanei e ai disagi emotivi. Dall’oggetto non si separa mai, nemmeno durante un rave party a cui arriva insieme al cugino Matt: proprio nel bel mezzo della festa Andrew, Matt e il popolare Steve rinvengono una strana caverna scavata dallo schianto di qualcosa. Da quella caverna i tre ragazzi escono cambiati, dotati di inspiegabili poteri. Le nuove abilità sconvolgono loro la vita, in particolare quella di Andrew che assaggia per la prima volta popolarità e felicità, dimenticando l’inevitabile confronto con i demoni che si porta dentro.

Se ci si fermasse ai primi venti minuti di visione, “Chronicle” sarebbe semplicemente l’ennesimo sci-fi commerciale girato in presa diretta, dal finale scontato e dallo scarso respiro narrativo. È arrivando fino ai titoli di coda che il primo lungometraggio di Josh Trank dimostra la sua vera essenza. Il mockumentary viene progressivamente a miscelarsi al montaggio in found footage (termine che indica film realizzati interamente o quasi con un metraggio preesistente, poi riassemblato in un altro contesto), creando un binomio unico: per tutta la durata del girato le riprese vengono effettuate utilizzando le telecamere messe a disposizione dalle stesse ambientazioni, dalle videocamere di sorveglianza al filmino amatoriale durante una festa di compleanno, innovando una tendenza, quella del semplice mockumetary, che cominciava ad annoiare.

Alle abilità di Trank vanno sommate quelle dello sceneggiatore Max Landis, responsabile delle fantastiche caratterizzazioni dei personaggi, su tutti Andrew e suo padre. Il delirio di onnipotenza del primo e la morbosa sofferenza del secondo giocano a rincorrersi sullo schermo, descrivendo sottilmente l’intricata e dolora relazione padre-figlio che, a tratti, ci fa dimenticare d’essere dinanzi ad un film di fantascienza. A tal proposito, un ruolo fondamentale lo gioca Dane de Haan, nei panni del potente Andrew: dopo la gavetta teatrale e il successo televisivo (“True Blood” e “Law&Order”), approda al Grande Schermo proprio con “Chronicle”. Buona la prima, speriamo che rispetti le aspettative.

VOTO 7/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Il Punto del Weekend

2012-04-04T08:03:00.002-07:00

Il finesettimana alla vigilia delle festività pasquali regala una buona parentesi cinematografica, registrando la presenza di meno pellicole (comunque sette in totale) ma di una migliore qualità generale oltre che di d’una più equa distribuzione territoriale, con ben sei nazioni in gioco.

I PROTAGONISTI

Esperimento meta- artistico quello operato in “I Colori della Passione”, pellicola che segue la vita di alcuni dei cinquecento personaggi rappresentati nel 1564 da Pieter Brugel Il Vecchio nel suo dipinto “Salita al Calvario”; il tema dominante è l’avvicinamento di Cristo al luogo adibito alla crocifissione, sullo sfondo delle Fiandre di dominazione spagnola contemporanee al pittore. Il regista polacco Lech Majewski attinge direttamente dalla tela de Il Vecchio, ispirandosi inoltre al volume “The Mill and the Cross” di Michael Francis Gibson, storico dell’arte che l’ha accompagnato nel viaggio alla scoperta del pittore. Un iter verso i migliori trascorsi artistici che continuerà con un’opera dedicata al “nostro” Dante, come già annunciato dallo stesso regista. La produzione polacco-svedese è stata presentata con enorme successo al Sundance Film Festival del 2011.

Dagli States arriva, sorprendentemente, una sola pellicola. Si tratta di “La Furia dei Titani”sequel del poco fortunato “Scontro tra Titani” che riprende, a dieci anni di distanza, le avventure di Perseo, questa volta alla prese con la fuga di Kronos dalla tartarea prigione, grazie all’aiuto di Ade e Ares: solo il semidio figlio di Zeus può salvare l’Ellade dalla distruzione. Sostituiti Luois Leterrier, Travis Beacham, Phil Hay e Matt Manfredi, Liebesman e Co. riprovano l’ ”impresa” di mescolare sapientemente la resa artistica del 3D alla narrazione avvincente e movimentata. Se l’obiettivo estetico è perfettamente raggiunto, la narrazione si trascina monotona e statica, si arena per giunta, e ciò che resta è una gran confusione e nulla più.

Ampiamente insufficiente la partecipazione spagnola del finesettimana. In “Paranormal Experience” un gruppo di studenti accettano le provocazioni di un autoritario professore e raggiungono la cittadina di Whisper per verificare ed eventualmente indagare oscure presenze paranormali. La scettiche sorelle Angela e Diana vedranno i loro trascorsi prender forma durante la “gita”. Horror slasher arricchito solo dalle tre dimensioni (è la prima produzione iberica interamente in 3D), “Paranormal Experience” non aggiunge veramente nulla ad un genere già malamente abusato: la monotona conduzione registica, i tardivi spaventi (a più di metà di un girato di soli 86 minuti!), gli scialbi tentativi scenografici e le scarsi dotti attoriali ne fanno un inutile spreco.

Non potevano essere più diverse tra loro le due pellicole made in Italy. Impegnato e serioso, “Romanzo di una Strage” rievoca il tragico attentato di Piazza Fontana del 12 Dicembre 1969, e lo fa attraverso le storie di Giuseppe Pinelli e Luigi Calabresi. Ferroviere e animatore del Circolo Anarchico Ponte della Ghisolfa, il primo, vice responsabile della Polizia Politica, il secondo, si troveranno ai due capi d’un tavolo d’interrogatorio ma a farne le spese saranno entrambi. La rievocazione cinematografica d’una delle pagine più nere della nostra storia recente operata da Marco Tullio Giordana, ispiratosi inoltre al libro “Il Segreto di Piazza Fontana” di Paolo Cucchiarelli, e l’ottima prova del tandem Mastandrea- Favino fanno di “Romanzo di una Strage” il cinema italiano di cui ci si può vantare. Tutt’altro discorso vale per “Buona Giornata”, racconto tutto d’un fiato delle 24 ore di alcuni “rappresentanti” regionali della penisola, da Milano a Roma, da Napoli a Verona, passando per Bari e Firenze. Superato il cinepanettone, la “minaccia Vanzina” sembrava sventata almeno per un altro paio di mesi, e invece Carlo ed Enrico accompagnano anche la Pasqua con l’ennesimo trionfo del cattivo gusto. A nulla servono le prove, sufficienti almeno a sprazzi, di De Sica, Abatantuono e Banfi.

Speculari ma d’origini diverse le ultime due pellicole del finesettimana. Agathe, raffinata quanto odiosa signora di Parigi che vive d’arte e borghesia, e Patrick, alcolizzato volgare e con la fissa del sesso che vive di piccoli lavoretti casalinghi, sono i protagonisti di “Il Mio Miglior Incubo”, la più classica pellicola francese: una commedia dal sapore sociale, fatta d’ironia amara e peripezie impossibili. In “Marigold Hotel”, invece, un gruppo di pensionati britannici abbandonano le loro vite per il lusso promesso dall’illusoria brochure d’una residenza nel cuore del Rajasthan. Nonostante la quasi totale inadeguatezza della struttura, è proprio tra quelle stanze che gli anziani ritrovano la voglia di continuare. Anche in questo caso possiamo parlare di commedia classica, ma dallo spirito tutto britannico, dall’andamento della narrazione alla pulizia registica, dalla standardizzazione dei caratteri all’ottima prova del cast tutto inglese, tra cui le colonne Judi Dench, Maggie Smith, Bill Nighy, Tom Wilinkson. Due pellicola belle ma non innovative: il trionfo della buona tradizione europea.

LE SORPRESE

Britannico d’origini keniote, Dev Patel si aggiudica la nomina del weekend. Dopo la partecipazione alle prime due stagioni della serie “Skins”, si mette in mostra davanti agli occhi del Mondo interpretando Jamal Malik nel grande successo del 2008 “The Millionaire”. Prima dell’ultima apparizione in “Marigold Hotel” solo il ruolo di villain in “L’Ultimo Dominatore dell’Aria”.

I FLOP E I TOP

Le dolenti note:

3°. Ultimo tra i peggiori, Jonhatan Liebesman. Gli vengono affidati i Titani e lui ne esalta solamente l’epicità sensoriale: spettacolari gli effetti, ma quando le luci si riaccendono in sala rimangono solo quelli.

2°. Podio familiare per i Fratelli Vanzina. Esaltano i peggiori costumi della penisola, facendo sorgere il sospetto che più di raccontarli, in tutti questi anni, non abbiano fatto altro che istigarli.

1°. Sul podio dei cattivi un’altra coppia, quella formata da Viczaino e Padro. Rispettivamente regista e sceneggiatore di “Paranormal Experience”, riescono a rallentare il mercato cinematografico spagnolo che si era dimostrato sempre all’altezza nel passato più recente.

Dulcis in fundo, i migliori del weekend:

3°. Solo bronzo per Marco Tullio Giordana. Il cineasta milanese riesce a imprimere su pellicola il nostro “Kennedy- Day”, evitando inutili sentimentalismi e donando alla vicenda i giusti tempi, la giusta resa, il giusto spirito: quello di 33 anni di indagini che ancora non hanno portato a niente

2°. Secondo posto del podio al polacco Majewski. Con “I Colori della Passione” di sicuro non da avvio ad un genere, ma recupera una tipologia registica di nicchia: una scelta che basterebbe a motivarne l’esaltazione, anche senza tener conto dell’estrema qualità che caratterizza tutto il girato.

1°. Aurea premiazione per Anne Fontaine. Il grande merito della regista di Lussemburgo è quello di unire davanti alle stesse cineprese Benoit Poelvoorde e Isabelle Huppert : ne conosce i caratteri ed il talento, li mescola nel giusto dosaggio stillando un’altra piccola perla di Cinema.

BOX OFFICE

Con 1.2 milioni scatta in testa “La Furia dei Titani”, che riesce anche nell’impresa di staccare i Vanzina con “Buona Giornata”, comunque in seconda posizione. Continua il dominio, non più sorprendete, di “Quasi Amici” mentre trovano accoglienza meno calorosa “Romanzo di una Strage” e “Marigold Hotel”.

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

La Furia dei Titani (2012)

2012-04-01T10:29:00.003-07:00

Sam Worthington: Perseo

Liam Neeson: Zeus

Ralph Fiennes: Ade

Danny Huston: Poseidone

Rosamund Pike: Andromeda

Edgar Ramirez: Ares

Bill Nighy: Efesto

Toby Kebbell: Agenore

Regia: Jonhatan Liebesman

Soggetto: Beverly Cross, Greg Berlanti, Dan Mazeau, David Leslie Johnson

Sceneggiatura: Dan Mazeau, David Leslie Johnson

Fotografia: Ben Davis

Montaggio: Martin Walsh

Scenografie: Charles Wood

Costumi: Jany Temime

Musiche: Javier Navarrete

A dieci anni dalla mitica sconfitta del Kraken, Perseo conduce la propria vita da mortale pescatore, crescendo da solo il figlio Helios, dopo la prematura dipartita della moglie. La tranquillità di tutta la Grecia viene, però, messa a repentaglio dalla nuova alleanza stabilita tra Ares e Ade, inviperiti contro Zeus e decisi ad aiutare Kronos a liberarsi dalla sua prigione nel Tartaro. La debolezza degli Dei rimasti destina la salvezza del Mondo nelle mani di Perseo, cui si uniranno la bella regia Andromeda e il semidio Agenore.

Quando, nel 1981, Beverly Cross consegnò a Desmond Davis la sceneggiatura di “Scontro tra Titani”, non immaginava di certo che avrebbe continuato ad alimentare la fame di eroismo della Hollywood contemporanea. Prendendo le mosse dal poco esaltante (per fattura ed accoglienza mediatica) “Scontro tra Titani” del 2010, il regista Jonhatan Liebesman e il gruppo di scrittori Greg Berlanti, Dan Mezeau e David Leslie Johnson riprendono le vicende di Perseo e della sua divina famiglia, in un’Ellade in green screen.

Sostituiti Luois Leterrier, Travis Beacham, Phil Hay e Matt Manfredi, Liebesman e Co. riprovano l’ ”impresa” di mescolare sapientemente la resa artistica del 3D in presa diretta alla narrazione avvincente e movimentata. Se l’obiettivo estetico è perfettamente raggiunto, grazie anche alla nuova conduzione registica (vedi le panoramiche nel Tartaro e i voli di Pegaso), l’attenzione dello spettatore scema troppo rapidamente per non essere più ridestata. La narrazione si trascina monotona e statica, si arena per giunta mancando di idee vere e proprie, sostituite da rivisitazioni storiche- mitologiche che lasciano veramente a desiderare. Ciò che resta è una gran confusione e nulla più.

I cambiamenti dello staff tecnico vengono bilanciati dalla quasi totale conferma del cast del primo episodio della guerra titanica. Ritroviamo Sam Worthington nella tunica di Perseo, Liam Neeson, Ralph Phiennes e Danny Huston nei ruoli dei fratelli divini Zeus, Ade e Poseidone; si aggiungono la bella Rosamund Pike, nei panni dell’Andromeda precedentemente interpretata da Alexa Davalos, Edgar Ramirez, il britannico Toby Kebbell, che aggiunge tacche alla cintura dopo le tante incursioni degli ultimi anni, ed il senatore Bill Nighy.

L’occasione è utile per riflettere nuovamente sui cambiamenti conseguenti all’avvento dell’ “Era 3D”. Galeotto fu “Avatar” che, nell’ormai lontano 2009, rese la terza dimensione alla portata di tutti i fruitori delle sale comuni. Da quell’uscita, il Grande Schermo ha condotto un iter sempre più degradante, un percorso che ha previsto il solo sviluppo dei concetti grafici, delle tecniche artistiche, annullando lentamente ma con costanza il momento dell’ideazione, della scrittura. Così sono fioccate riedizioni, sequel prequel, reebot e chi più ne ha più ne metta. A tre anni dal viaggio a Pandora, il voler realizzare un film di presa visiva, quando tutti realizzano film di presa visiva, non può continuare ad essere una scusa per abbassare la qualità di soggetti e sceneggiature. Quella che doveva essere una rivoluzione di belle speranze è diventata una triste realtà che alimenta il mercato e nulla più.

VOTO 5/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Instinct- Istinto Primordiale (1999)

2012-04-01T10:27:00.003-07:00

Ciclo "Per non dimenticare": Le sembianze di un umano

Anthony Hopkins: Ethan Powell

Cuba Gooding Jr. : Theo Caudler

Donald Sutherland: Ben Hillard

Maura Tierney: Lynn Powell

Regia: Jon Turteltaub

Soggetto: Gerald Di Pego

Sceneggiatura: Gerald Di Pego

Montaggio: Richard Francis- Bruce

Musiche: Danny Elfman

Perduto nei meandri della propria mente e rinchiuso una prigione, del Dottor Ethan Powell è rimasto ben poco dopo gli anni di detenzione per omicidio. Alla sua causa si interessa, però, il giovane Theo Caudler deciso a tutti i costi a sondare i misteri di Ethan, che molti anni prima si era ritirato dalla vita umana per vivere insieme ai gorilla nelle foreste del Ruanda, la famiglia che aveva scelto lasciando da sola la figlia Lynn.

Ispirato al libro “Ishmael” di Daniel Quinn e sceneggiato da Gerald Di Pego, “Instinct” è un film diseguale, in bilico tra stereotipi hollywoodiani e velleità filosofiche: uno psycho- thriller didattico con sottotesto analitico nato quasi esclusivamente per esaltare le doti naturali del senatorie Hopkins. Se la parte doveva andare a Sean Connery, la partecipazione del Sir di Port Talbot chiama ad una sorta di reboot del fortunatissimo precedente “Il Silenzio degli Innocenti”: se il cannibale Dottor Lecter e il violento Professor Powell vengono spesso avvicinati, si tratta in verità di caratteri molto diversi che trovano lo stesso, incredibile, volto di Hopkins.

VOTO 7/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Il Punto del Weekend

2012-04-01T10:25:00.001-07:00

Weekend corposo e multietnico, con dieci pellicole quattro nazionalità e tanta qualità. Vediamone insieme i protagonisti.

I PROTAGONISTI

Nell’ormai consuetudinaria anticipazione alle uscite del venerdì, troviamo due pellicole nelle sale già dal lunedì precedente. In “Anvil! The Story of Anvil”, vediamo raccontata la parabola del gruppo canadese Anvil, pioniere dello speed metal e ispirazione per la nascita dei miti del genere, vedi Metallica e Megadeth. Gli Anvil danno vita ad un nuovo microcosmo musicale senza sfruttarne a pieno le conseguenza: ci provano e ci riprovano per trent’anni ma la loro stella si spegne prima ancora di accendersi. Il regista Sacha Gervasi affianca gli ormai cinquantenni Steve Kudlow e Robb Reiner, fondatori del gruppo, ripercorrendo insieme gli originali entusiasmi, il successo sfiorato, la mediocrità e l’ascesa fino alla frustrazione di sapere che il proprio posto non è in sgangherati e puzzolenti bar di periferia.

Ad aprire la settimana contribuisce “Sàmara”, in cui il saltimbanco Luis, la bella danzatrice Rosita e il giovane Morito si ritrovano a percorrere insieme la strada verso Sàmara, appunto, città d’arte in cui si vive di emozioni e spettacoli. Romantico quanto utopico road-movie a metà tra il racconto fantastico e il film di formazione, “Sàmara” compie, prima di tutto, un viaggio interiore cercando la metà della felicità artistica e della spontaneità creativa.

Si prosegue con le uscite regolari. Arriva dalla Francia “The Lady- L’amore per la libertà”, pellicola dedicata alla vera storia di Aung San Suun Kyi, leader politica birmana, orchidea d’acciaio del movimento Myanmar e vincitrice del Premio Nobel per la Pace nel 1991. Alla morte del padre, leader del movimento indipendentista, la Suun si trasferì in Gran Bretagna e sposò il professore Michael Aris per poi far ritorno in patria e guidare la lotta alla libertà del proprio popolo. Vicenda politica ed umana ad un tempo, “The Lady” sembra voler dar maggior rilevanza al cuore: Luc Besson, in cooperazione con la scrittrice e sceneggiatrice Rebecca Frayn, punta alle fatiche emotive della donna, sottolineando di meno l’attività istituzionale. Una strada comunque valida, considerando anche le prove attoriali, su tutte quelle della protagonista Michelle Yeoh, probabilmente alla sua miglior interpretazione.

Sempre dalla Francia arriva “17 Ragazze”. In un piccolo quanto limitato centro della Bretagna, la liceale Camille Fourier rimane incinta: in breve la giovane, osteggiata dalla comunità, diventa un modello di libertà e indipendenza per altre sedici amiche, intenzionate a seguire il suo esempio. Le Sorelle Coulin prendono un evento realmente accaduto in Massachussets nel 2008 e lo importano nella propria terra, per farne una storia intensa e brillante. Una pellicola che fa della maternità giovanile un atto di eroismo e bellezza, una ribellione rockettara.

Superiamo, poi, i Pirenei e spostiamoci in Spagna per “Cosa piove dal cielo?”, in cui Roberto, burbero ferramenta di Buenos Aires, vede la propria monotona routine turbata dalla “caduta dal cielo” di Jun, un giovane orientale in cerca dello zio che l’ambasciata cinese pone sotto la sua tutela fino al termine delle ricerche. All’apparenza una semplice boutade, “Cosa piove dal cielo?” riesce a miscelare intrattenimento comico e narrazione, trovando la sua vera forza nella coppia Borensztein- Darin, rispettivamente regista e protagonista.

Rimaniamo nel Vecchio Continente ma muoviamo verso la nostrana penisola, che fornisce altre due pellicole all’appello. In“E’ nata una star?” la vita di Lucia e Fausto viene sconvolta dalla scoperta delle doti dell’adolescente figlio Marco, nuova star del porno. Prendendo le mosse da un romanzo breve di Nick Hornby, Lucio Pellegrini anticipa la cinematografia britannica, trasponendo per primo l’opera dello scrittore di Highbury. La tempestività produttiva non fa il paio alla resa qualitativa: se il merito di Hornby sta nell’incisività ironica della storia, Pellegrini e Co. ne fanno una riflessione “seriosa” sulla famiglia e sul mondo contemporaneo annacquando eccessivamente lo screenplay a disposizione.

Quando, nel 2006, correva il quarto centenario della pubblicazione del “Don Chisciotte” di Miguel de Cervantes, Mimmo Palladino decise di celebrare l’evento su celluloide. Nasce così “Quijote”, ennesimo esperimento dell’artista beneventano che dimostra, al di là dell’ormai rinomato senso estetico, profonda conoscenza cinematografica. Lui che non è propriamente un addetto ai lavori, si occupa perfettamente della trasposizione del romanzo e della direzione del ricco cast, tra cui spiccano Peppe Servillo e Lucio Dalla. In ultimo, completano il fine settimana le pellicole made in USA. Ritorna nelle sale il malefico motociclista della Marvel in “Ghost Rider- Spirito di Vendetta”, proseguendo le avventure ridotte per il Grande Schermo nel primo episodio del 2007. I cambiamenti narrativi, di location, di budget e, in parte, di cast, aiutano veramente poco una produzione continuamente in affanno, dalla sceneggiatura esile e poco entusiasmante. Potrebbe giungere in aiuto, almeno, l’esperienza grafica ma, per essere una pellicola totalmente basata sull’azione e sulla spettacolarità dell’immagine, il risultato è comunque insufficiente.

Protagonista di “The Raven” è, invece, il genio letterario Edgar Allan Poe chiamato all’azione dal detective Emmet Fields, a seguito di un duplice omicidio compiuto nella modalità di uno dei suoi romanzi. Per Poe comincerà una sanguinosa caccia all’uomo che vedrà coinvolto il suo unico amore, Emily. A metà tra l’opera biografica e il thriller di derivazione letteraria, “The Raven” si propone, senza riuscirvi fino in fondo, di rispettare entrambe le proprie anime: la preannunciata caratterizzazione del poeta ed il finale fin troppo scontato, trovano il contrappeso dell’utilizzo filmico della figura di Poe, infilato in una storia che passa per molte delle sue storie.

Infine, “Take me home tonight” segue le vicende di tre giovani, Matt, la sua gemella Wendy e l’amico di sempre Barry, alle prese col proprio futuro da adulti, ormai alle porte alla fine degli studi. A primo impatto “Take me home tonight”, primo lungometraggio degno di nota del regista Mark Dowse, può sembrare l’ennesima commedia, divertente e dal sapore giovanile ma la pellicola vanta sicuramente qualcosa in più. E’ la storia degli universi di tre giovani adulti che si preparano ad imboccare la strada della vita vera, che escono dall’ovattato nido familiare ed universitario per affrontare il mondo dei grandi, del lavoro, delle responsabilità.

LE SORPRESE

Si merita la nomina del fine settimana, Pietro Castellitto. Classe 1991, figlio di Sergio e della scrittrice Margareth Mazzantini, il giovane Pietro, dopo due pellicole in cui viene coinvolto dai genitori (“La bellezza del somaro” e “Venuto al Mondo”), si libera dell’ingombrante presenza genitoriale con “E’ nata una star?”. Considerati i notevoli natali e la tenera età, ci si aspettano grandi cosa da Pietro. Ai posteri l’ardua sentenza.

I FLOP E I TOP

Come da consuetudine, segnaliamo ora i meno bravi del weekend:

3°. Solo richiamo per Massimo d’Orzi. Teatrante e cineasta attivissimo fin da giovanissimo, d’Orzi trova solo nel 2009 il lungometraggio di fantasia: il suo “Sàmara” è ammantato da una coltre onirica, un sogno da cui, però, non c’è risveglio: la narrazione, infatti, non sfrutta l’atmosfera e rimane statica, così come statici sono i personaggi.

2°. Secondo sul podio dei cattivi, Lucio Pellegrini. Il regista de “E’ nata una star?” fa dell’omonimo romanzo di Hornby una produzione “eccessivamente italiana”, che ha nella modalità familiare-morale il suo standard predefinito.

1°. Sul primo posto sgomitano in tre,Mark Neveldine, Brian Taylor e Nicolas Cage. Rispettivamente registi e protagonista di “Ghost Rider- Spirito di Vendetta”, il trio realizza una delle pagine peggiori della storia marveliana su Grande Schermo: forse fu peggiore solo il primo episodio che vide Cage sulla moto dell’Inferno.

Dulcis in fundo, i migliori del fine settimana:

3°. Medaglia di bronzo a Luc Besson. Dopo il triplice viaggio nel mondo dei Minimei, il regista francese ritorna al cinema “in carne ed ossa” e lo fa con un soggetto degno del suo talento: proprio per questo si può apprezzare comunque il lavoro del regista francese anche se meno impegnato sul versante politico della vicenda.

2°. Secondo posto del podio per Sacha Gervasi. Il documentarista londinese compie un viaggio nella decadenza ed il rimorso, firmando uno dei più toccanti documentari musicali degli ultimi anni.

1°. Premiazione multipla anche in questo caso, con Delphine e Muriel Couline. Le sorelle francesi fanno di “17 Ragazze” una pellicola delicata ma estremamente vitale, realizzata con perizia tecnica ed emotiva: una delle migliori espressioni francesi del momento.

BOX OFFICE

Come a confermare la pessima reputazione del nostro pubblico, scatta in vetta “Ghost Rider- Spirito di Vendetta”, con 1.253.774,92 € incassati in sole settantadue ore. Il maledetto eroe Marvel riesce a battere anche la commedia italiana “E’ nata una star?” mentre segue, al terzo posto, “Quasi Amici”, fenomeno mediatico ormai alle soglie dei 10 milioni di incasso. Deludente, invece, l’arrivo nelle sale di “The Raven”, fermo a 606.527,12 €.

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

The Raven (2012)

2012-04-01T10:23:00.002-07:00

John Cusack: Edgar Allan Poe

Alice Eve: Emily Hamilton

Luke Evans: detective Emmet Fields

Brendan Gleeson: colonnello Hamilton

Kevin Mc Nally: Henry Maddux

Regia: James Mc Teigue

Sceneggiatura: Ben Livingston, Hannah Shakespeare

Fotografia: Danny Ruhlmann

Montaggio: Niven Howie

Effetti Speciali: Paul Stephenson, Szilvia Paros

Musiche: Lucas Vidal

Scenografie: Roger Ford

Baltimora, 1849. Le autorità rivengono i cadaveri di due donne, madre e figlia. All’arrivo sulla scena, il detective Fields collega la vicenda ad uno dei racconti di un intellettuale contemporaneo, Edgar Allan Poe. Squattrinato, alcolizzato e già famosissimo, Poe viene contattato dal detective in merito all’efferato crimine: dal quel momento, il sanguinario ammiratore di Poe inviterà il poeta ad una caccia all’uomo, coinvolgendo la bella Emily, suo unico amore.

A metà tra l’opera biografica e il thriller di derivazione letteraria, “The Raven” (dal titolo della celebre opera “Il Corvo”) si propone, senza riuscirvi fino in fondo, di rispettare entrambe le proprie anime, romanzando la figura di uno degli intellettuali più famosi ed apprezzati.

Poe venne trovato delirante per le strade di Baltimora il 3 Ottobre 1849 e morì quattro giorni dopo; durante la notte precedente alla sua morte chiamò più volte il nome Reynolds ma non sveliamo niente per tutti coloro che non hanno ancora visto il film. Prendendo le mosse dalle poche notizie relative alla dipartita del poeta, tutt’oggi ancora immotivata, il regista James Mc Teigue costruisce un thriller cruento e tenebroso come le migliori pagine dello scrittore, dividendosi tra lo humor nero e le sequenze movimentate alla Sherlock Holmes e le atmosfere cupe e nebbiose alla Burton e facendo sfoggio di ottima tecnica filmica, come preannunciato dal primo raccordo audio/visivo che dal finale del film ci riporta all’inizio della vicenda. La preannunciata caratterizzazione del poeta, “modernamente maledetto”, ed il finale fin troppo scontato, trovano il contrappeso dell’utilizzo filmico della figura di Poe, infilato in una storia che passa per molte delle sue storie.

L’anima biografica, caratterizzata dall’originale utilizzo non d’una ma di varie opere di Poe, riceve maggior attenzione e lo spettatore viene giustamente avvicinato all’intellettuale. Non si può dire lo stesso della fase puramente narrativa, interessante per buona del girato ma fin troppo flebile sul finire.

Cuori pulsanti del progetto, il regista ed il protagonista. Cineasta australiano, James Mc Teigue cominciò a lavorare come assistente di produzione, finendo al fianco dei Fratelli Wachowski durante le riprese della celeberrima trilogia “Matrix” e, poco dopo, a quello di George Lucas in “Star Wars II- L’attacco dei Cloni”; nel 2005 debuttò alla regia con “V per Vendetta”, divenuto un piccolo kolossal e un biglietto da visito carico di aspettative, aspettative non sempre rispettate a pieno nel proseguo della carriera (vedi “Invasion” e “Ninjia Assassin”). Il suo “doppio” in scena è John Cusack: attore e produttore statunitense d’origini irlandesi, veste i panni di Poe dopo essersi reso famoso soprattutto per le svariate interpretazioni “leggere” da commedia.

VOTO 6/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Armageddon (1998)

2012-04-01T10:21:00.003-07:00

Ciclo "Per non dimenticare": L'ultimo Capitolo

Bruce Willis: Harry Stemper

Ben Affleck: A. J. Frost

Will Patton: Charles “Chick” Chapple

Steve Buscemi: Rockhound

Billy Bob Thornton: Dan Truman

William Fichtner: Coll. William Sharp

Peter Stormare: Lev Andropov

Liv tyler: Grace Stemper

Michael Clarke Duncan: Jayotis “Bear” Kurleenbear

Ken Hudson Campbell: Max Lennert

Owen Wilson: Oscar Choi

Keith David: Gen. Kimsey

Jason Isaacs: Dr. Quincy

Regia: Michael Bay

Soggetto: Robert Roy Pool, Jonathan Hensleigh

Sceneggiatura: Tony Gilroy, Shane Salerno, J. J. Abrams

Fotografia: John Schwartzman

Effetti Speciali: Richard R. Hoover, Pat Mc Clung, John Frazier

Musiche: Trevor Rabin

Quando un asteroide grande quanto il Texas punta dritto verso la Terra, lasciando al popolo umano poco più di due settimane per far fronte alla drammatica emergenza, la NASA di Dan Truman cerca di escogitarle tutte prima di arrivare alla conclusione che l’unica soluzione è trivellare la roccia e farla implodere. L’ardua missione è affidata al trivellatore Harry Stemper, che al suo fianco rifiuta gli astronauti della NASA, in favore dei suoi colleghi più fidati, la sua famiglia: il destino della Terra è nelle loro mani.

Colossal apocalittico dalle tinte eroico/drammatiche, “Armageddon” rimane nel cuore degli spettatori per fattura tecnica, spettacolarità artistica e trasporto emotivo. Perché Bay e Co. riescono a miscelare perfettamente lo stile “stelle&strisce” allo studio grafico di Hoover, Clung e Frazier, consegnando al Grande Schermo una delle pagine più famose ed apprezzate del genere.

Se oggi riunisce robot davanti alle sue telecamere (la trilogia de “Transformers” è solo la sua più recente fatica), quattordici anni or sono Michael Bay si “accontentava” di dirigere in una sola volta il già senatore Bruce Willis, i beniamini Affleck e Wilson, i caratteristi Buscemi, Fichtner e Stormare, l’allora sconosciuto Michael Clark Duncan (famosissimo, qualche anno più tardi, per la sua interpretazione del gigante John Coffee in “Il Miglio Verde”) e la figlia d’arte Liv Tyler. Ottenne, inoltre, la prima vera partecipazione alle riprese della NASA, che mette a disposizione la propria piscina d’addestramento e la rampa di lancio dell’Apollo 1, oltre alle vere tute indossate dagli attori.

I 553 milioni d’incasso e le quattro nominations agli Oscar (Miglior Sonoro, Miglior Montaggio Sonoro, Migliori Effetti Speciali e Miglior Canzone) rendono giustizia ad una pellicola che fa storia.

VOTO 8/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

Il Punto del Weekend

2012-03-20T10:24:00.003-07:00

Con ben cinque pellicole su sei di fattura italiana, il finesettimana alla vigilia della primavera risulta uno dei primi quasi totalmente tricolore, fatta esclusione per L’horror americano di turno.

I PROTAGONISTI

Anticipa le uscite regolari di venerdì “Non me lo dire”, in programmazione dal mercoledì precedente. Alla pellicola fa da protagonista Lello Morgese, comico pugliese in tournee nei teatri del Meridione, che vede la sua vita cambiare in un attimo: lasciato improvvisamente dalla moglie, Lello perde anche la voglia e la capacità di far ridere il suo pubblico. Si affida ad un singolare psicologo che gli prescrive un viaggio tra i suoi fans per ritrovare se stesso. Road movie più drammatico che comico, “Non me lo dire” segue l’approdo al Grande Schermo di Uccio de Santis, amatissimo comico pugliese della locale Telenorba, e di suo fratello Antonio, sceneggiatore.

In “Magnifica Presenza”, il perfezionista Pietro, pasticciere di notte ed aspirante attore di giorno, decide di lasciare la natia Sicilia in favore della capitale, terra d’occasione per le aspirazioni cinematografiche. Trova casa nel quartiere di Monteverde, condividendo il proprio spazio vitale con i personaggi più disparati. Pirandelliana versione d’una storia di vita (impossibile evitare che la mente corra a “Sei personaggi in cerca d’autore”), “Magnifica Presenza” porta l’inconfondibile firma di uno degli migliori interpreti moderni del Cinema Italiano, Ferzan Ozpetek, lui che italiano è solo d’adozione artistica. La delineazione della vicenda, del mondo di Pietro e dei microcosmi con cui entra in contatto evidenziano le grandi qualità del regista.

Attesissimo arriva nelle sale “10 regole per far innamorare”. Ventenne universitario e imbranato con l’altrui sesso, Marco si innamora perdutamente della studentessa di poesia francese Stefania. Messo in crisi dalle sue scarse capacità di seduzione, Marco trova l’appoggio dei 3 coinquilini e del padre Riccardo, chirurgo donnaiolo in possesso del segreto del corteggiamento. Commediola romantica della serie allievo/maestro (declinata, in questo caso, nella versione poco originale padre/figlio): potremmo aggiungere poco altro se non fosse per Guglielmo Scilla, beniamino del web in rapidissima ascesa che affianca Vincenzo Salemme, vestendo i panni di Marco.

Ultimo dei lungometraggi del finesettimana, “Scossa” racconta del terremoto che nel 1908 colpì il territorio tra Messina e Reggio Calabria, attraverso gli occhi di quattro personaggi: una madre tra le macerie, un uomo mal visto, un intellettuale in visita e un pescatore in attesa della sua nuova dimora. Prendendo spunto dal progetto tarantiniano “Four Rooms”, Citto Maselli, Nino Russo, Ugo Gregoretti e Carlo Lizzani dividono “Scossa” in quattro episodi, affrontati da ognuno in modo diverso. Teatrale Lizzani, storicamente impegnato Gregoretti, melodrammatico Maselli, più moderno nella narrazione Russo, affrontano insieme la tragedia sismica: un’idea interessante che non convince fino alla fine.

Ci si sposta poi in Sardegna per “Roba da Matti”. Casamatta, una residenza socio assistenziale che a Quartu San Elena ospita otto “matti”, rischia la chiusura dopo diciassette anni di attività. A Gisella Trincas, che dal 1995 dirige la struttura, il compito di evitare la soppressione dei lavori; a Enrico Pitzianti, quello di seguire passo dopo passo i movimenti della Trincas, del suo staff e degli otto bisognosi. Toccante ed intenso come pochi documentari italiani sono stati, “Roba da Matti” affronta un tema già molto delicato per la penisola, ancor più difficile se si considera la sarda ambientazione. Senza banalità e sentimentalismi di troppo, le cineprese di Pitzianti colgono l’anima del miracolo: l’amore e la condivisione di cui godono pochi eletti.

In ultimo lo statunitense “L’altra faccia del Diavolo”. Nel 1989, Maria Rossi uccise tre membri della sua comunità religiosa mentre le praticavano un esorcismo; giudicata sotto possessione, viene sciolta dalla accuse ma trasferita a Roma, presso l’Ospedale Psichiatrico di Centrino. Vent’anni dopo, la figlia Isabella la raggiunge nella capitale per capire cosa le sia successo veramente in quella efferata nottata. Ennesimo mockumentary a sfondo satanico, la versione del maligno data da Bill Brent non solo aggiunge poco o niente al genere ma colpisce veramente poco.

LE SORPRESE

La nomina se la nomina senza dubbio Guglielmo Scilla. Diventato famoso da youtuber con lo pseudonimo di willwoosh, Scilla ha lentamente scalato la china: conquistato il web, partecipa al primo lungometraggio nel 2010 (“Una canzone per te”), replicando poco dopo (“Matrimonio a Parigi”) e intanto inscena ed interpreta la miniserie “Freaks” e conduce “A tu per Gu” per Radio Deejay; in ultimo scrive a quattro mani con Alessia Peloni “10 regole per far innamorare”, da cui è tratta l’omonima pellicola che lo vede protagonista. Se aggiungiamo che nel 2012 è stato l’unico italiano invitato alla proiezione in anteprima di “Cars II”, ci rendiamo conto della reale portata del “fenomeno willwoosh”!

I FLOP E I TOP

Cominciamo, come al solito, dai meno bravi del finesettimana:

3°. Solo richiamo per Cristiano Bortone. Dal regista de “L’Erba Proibita” e “Rosso come il cielo” ci si aspettava sicuramente qualcosa di più, qualcosa che di sicuro non compare nell’ultimo “10 regole per far innamorare”.

2°. Stanno stretti Maselli, Lizzani, Gregoretti e Russo al secondo podio dei cattivi. I quattro registi di “Scossa” hanno il merito d’interessarsi ad un soggetto quasi inedito e di “scriverlo” in modo affascinante: proprio per questo prende alla sprovvista il fatto che nella realizzazione ultima gli intenti svaniscano.

1°. Podio quasi scontato per William Brent Bell. Scontato e banale fin dalle scelte di soggetto e di resa, Bell porta sulle spalle la croce d’una pellicola striminzita per sceneggiatura, tasso ansiolitico e sviluppo tematico.

In ultimo, i primi della classe:

3°. Medaglia di bronzo per Elio Germano. Ne ha fatta di strada il ragazzo di Campobasso, dal primo “Ci hai rotto papà” del 1992 fino alla vittoria dell’ambito premio per la migliore interpretazione maschile in “La nostra vita”, assegnatogli alla 62° edizione del Festival di Cannes in ex equo con un certo Javier Bardem.

2°. Secondi sul podio i Fratelli De Santis. Il loro “Non me lo dire” segna il passaggio dalla comicità televisiva a quella cinematografica meglio riuscito degli ultimi tempi. Il segreto, l’approccio alla regione e, soprattutto, l’umiltà e la generosità del progetto.

1°. Medaglia d’oro ad Enrico Pitzianti. Cagliaritano d’origine ma formatosi alla New York Film Academy, dopo numerosi lavori di distribuzione esclusivamente italiana ha trovato il successo internazionale nel 2004 con “Piccola Pesca”, con cui ha dimostrato tutto il suo valore di documentarista.

BOX OFFICE

Stesso risultato per “Magnifica Presenza” e “L’altra faccia del Diavolo”, rispettivamente a quota 1.1 e 1 milioni di €. Mentre crolla definitivamente “John Carter”, a meno di 3 milioni di incasso, esordisce male anche “10 regole per far innamorare”, al centro delle attenzioni mediatiche della settimana passata.

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

L’altra faccia del Diavolo (2012)

2012-03-17T09:29:00.003-07:00

Fernanda Andrade: Isabella Rossi

Suzan Crowley: Maria Rossi

Simon Quarterman: Ben

Evan Helmuth: David

Ionut Grama: Michael

Preston J. Hiller: reporter

Regia: William Brent Bell

Sceneggiatura: William Brent Bell

Fotografia: Gonzalo Amat

Montaggio: William Brent Bell, Tim Mirkovich

Musiche: Brett Detar

Scenografie: Tony De Mille

30 Ottobre 1989. Il pronto intervento riceve la telefonata di una sconvolta Maria Rossi che confessa l’omicidio di tre persone. All’arrivo sul posto, le autorità rinvegono i cadaveri di tre membri della locale comunità ecclesiastica, uccisi durante un esorcismo rivolto a Maria. Tra l’indecisione e l’incredulità generali, Maria viene assolta e inviata all’Ospedale Psichiatrico di Centriano, a Roma. Circa vent’anni dopo Isabella, figlia di Maria, la raggiunge nella capitale con l’intento di capire cos’è accaduto realmente alla madre. Ad affiancarla un reporter incaricato delle riprese e due giovani esorcisti piuttosto anticonvenzionali.

Pellicola horror a sfondo teologico, “L’altra faccia del Diavolo” sente palesemente l’imposizione delle ultime suggestioni modaiole che hanno fatto del satanico, del soprannaturale e del loro rapporto col piano del reale i soggetti più ghiotti del genere. Questa volta, però, si aggiunge veramente poco al filone: il regista William Bell si lancia in un’ambiziosa summa tra precedenti più recenti, su tutti “Il Rito” (che diventa precedente autorevole per l’occasione!) , di cui tenta di richiamare la fascinazione per le tematiche e per le locations della città della fede per eccellenza, e opere storiche, vedi l’utilizzo fondamentale del sesso femminile per la veicolazione del male; il tutto declinato nell’ormai stanco mockumentary (alla maniera di “Paranormal Activity” e “Rec”, per intenderci). Ridotto in qualità e durata, oltre che nelle spese di produzione, “L’altra faccia del diavolo” viene praticamente privato di un impianto narrativo: tutto succede troppo velocemente, i personaggi non vengono minimamente delineati e lo stesso vale per le loro paure. Il risultato è un lavoro mal riuscito che manca anche dell’obiettivo primo, spaventare la sala.

Nonostante tutto, al solo milione speso rispondono 83 milioni incassati, segno questo dell’ormai preoccupante divario tra qualità e botteghini.

Dietro le telecamere, Bill Brent: dopo il precedente di genere “Stay Alive” del 2006, approda all’ultima prova insieme all’inseparabile collega sceneggiatore Matthew Peterman, con lui dai tempi del primo lungometraggio del 1999, “Sparkle and Charme”. Il cast è interamente composto da “incensurati”, tra cui spicca la bella Fernanda Andrade, attrice brasiliana impregnata soprattutto sul Piccolo Schermo.

VOTO 4/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano

L’Uomo Bicentenario (1999)

2012-03-16T02:12:00.004-07:00

Ciclo "Per non dimenticare": Deus ex Machina

Robin Williams: Andrew Martin

Sam Neill: Richard Martin

Wendy Crewson: Rachel Martin

Hallie Kate Eisenberg: Amanda Martin da bambina

Embeth Davidtz: Amanda Martin da adulta/ Portia Charney

Oliver Platt: Rubert Burns

Regia: Chris Columbus

Soggetto: Isaac Asimov, Robert Silverberg

Sceneggiatura: Nicholas Zakan

Musiche: James Horner

In un futuro non troppo lontano, i Martin accolgono in casa il proprio robot NDR, battezzato dalla più piccola della famiglia Andrew. Diverso fin da subito dagli altri automi, Andrew dimostra caratteristiche uniche per la sua natura meccanica: volontà d’apprendimento, tecniche di conoscenze e soprattutto curiosità e attaccamento familiare. Percependo la sua nascosta umanità, Andrew comincerà il proprio viaggio per conquistarla, scoprendo dove finisce il robot e dove comincia l’individuo.

La vita e la morte, la famiglia, l’amicizia e l’amore ed ancora l’individualità, la perfezione e il “casino” che ogni umano porta dentro di se. Tutto questo è “L’Uomo Bicentenario”, riduzione cinematografica dell’omonimo romano di Isacc Asimov, poi ampliato da “Robot NDR 113”, scritto a quattro mani da Asimov e Robert Silverberg.

In tempi in cui la macchina convive abitualmente con l’umano, a volte sostituendolo, indagarne l’incontro/scontro risulta accattivante quanto obbligatorio. Precursore come pochi, Asimov aveva vagliato questa necessità in tempi non sospetti, finendo per parteggiare per entrambi gli schieramenti. Profondamente fascinato dalla macchina (una produzione letteraria intera a testimoniarlo), il romanziere celebra in egual misura l’umano, di cui prende il meglio ed il peggio come fattori legati in un’unica unicità.

A dirigere questa pietra del sci-fi lo statunitense Chris Columbus: dopo i primi passi mossi come sceneggiatura al fianco di un certo Spielberg, comincia a lavorare autonomamente dietro le cineprese, firmando gli storici “Mamma ho perso l’aereo” e “Mrs. Doubtfire”; più recentemente ha iniziato il maghetto Harry Potter al Grande Schermo, dirigendone i primi due episodi.
Per l’occasione punta tutto su Robin Williams: la sua incredibile espressività ed ironia riescono a rendere Andrew umano fino dalle primissime scene della pellicola. Lo affiancano il caratterista Sam Neill e la bella Embeth Davidtz, oltre alla macchietta Oliver Platt.

La buona revisione dell’opera di Asimov operata da Zakan, gli incredibile effetti speciali, la sottile ironia e l’intensità delle prove attoriali, ne fanno una pellicola imperdibile anche per i palati meno golosi di fantascienza.

VOTO 8/10

Marco Fiorillo

Pier Lorenzo Pisano