Cinetico

Momento Icono: Batman

2011-05-27T00:01:00.000-03:00

Antes de que Tim Burton, Joel Schumacher y Christopher Nolan fueran directores, hubo una película de Batman en 1966. La misma era con los actores de la serie de esa época y en lugar de basarse en acción se jugaba con la comedia más absurda.

Esta serie duro cuatro años y fue muy bien recibida tanto para los intelectuales como para el público en general. A tal punto que todos querían aparecer en ella.

Esta realización, de las que le mostraré una parte, fue estrenada entre la primera y la segunda temporada y cuando ésta última ya estaba filmada en su totalidad.

Ahora, yendo a la escena siguiente, nuestro héroe encapotado, junto a su acompañante Robin, van en rescata de la señorita Kit Kat, sin saber que ella es Gatubela. Allí, Batman descubre una bomba y va a querer deshacerse de ella. Y como él esta para proteger a la sociedad de los maleantes, por sobre todas las cosas, se le complicará un poco.

Si no la vieron a la película, se las recomiendo mucho.

Tema de Película: "Subterranean homesick blues"

2011-05-20T00:01:00.000-03:00

Este videoclip ultra conocido, ultra clásico, ultra parodiado, es, en realidad, una escena de un documental del músico intitulado Don`t look back (1967), de Pennebaker, conocido realizador de documentales sobre música.

Corresponde a la canción "Subterranean homesick blues, uno de los mejores temas de este poeta del rock.

El Corto que no miramos: "French roast"

2011-05-06T00:01:00.002-03:00

French Roast (2009) estuvo en el listado de cortos nominados en la última entrega del Oscar. Esta creación francesa, dirigida por Fabrice Joubert, está filmada con planos secuencias. Por eso, quizás un cinéfilo diría que el suspenso, generado por un cliente de un café que no tiene dinero para pagar su consumición, tiene un estilo Hitchock o De Palma. Pero claro, por ser comedia, animada y bien planteada, es más cercano a Pixar. Pero no, es una producción gala.

Observen el uso del espejo y diviertanse con estos ocho minutos.

Crítica a film argentino: Rosa Patria, de Santiago Loza

2010-04-29T00:04:00.001-03:00

Lo admito, las peliculas de Santiago Loza no son de mi entusiasmo. Las que ví, la muy premiada Extraño (2003) o la última, La invención de la carne (2009), me han dejado sentimientos que me provoca ver sus obras con cierta precaución. Ésta, Rosa patria (2009), que es un documental, me sorprendió mucho.

Sobre planos raros para este tipo de registro, buscando otros ángulos de cámara al entrevistado, Loza propone saber sobre la vida del poeta Néstor Perlongher, uno de los fundadores del Frente de Liberación Homosexual (FLH) que promovía los derechos de la comunidad gay y que era repudiado por sectores de Derecha como por algunos de izquierda.

Estamos hablando de una historia transcurrida en los años setenta, época de cierto conservadurismo como de miedo, donde Perlongher proponía que se hablen de los derechos de personas como él, personas que, sobre todo después del destape sexual de los setenta, fueron tratados como “enfermos mentales”.

Los testimonios de quienes lo conocían aportan no solo en el dato sino en darle una mirada más humana al personaje desde los primeros minutos donde destacan la fealdad física de Perlongher, tan llamativa que hace reir por su sorpresa. Todo esto causa un entretenimiento que aleja de la frialdad típica del genero.

Claro, que se habla más sobre la vida del activista que del escritor, pero sí se habla de esto último, como haciendo gestión para que su obra se difunde. Loza balancea bien ambas características y le agrega recreaciones teatrales, que simulan haber sido filmadas en Súper 8, que recrean su vida. Pueden ser algo largos, pero aportan simpatía que se incrementa con canciones acusticas, también cantadas sobre el mismo pequeño escenario teatral inventado para la ocasión.

Todo esto convierte a Rosa patria en una atractiva y muy recomendable sorpresa.

Crítica a film argentino: Carne sobre carne, de Diego Curubeto

2010-04-29T00:03:00.002-03:00

Isabel Sarli, La “Coca”, es la figura cinematográfica argentina mas conocida en todo el mundo, quizás ahora compite con Ricardo Darín en eso. Sus films llegaron a ser difundidos y traducidos en países de muy difícil llegada en los sesenta y setenta, como Estados Unidos y Japón.

El motivo no obedece a cierta calidad artística sino al erotismo que ella, especialmente, y, en consecuencia, sus films emanaban durante tiempos que no se conseguían fácilmente algo referido al sexo.

Esta morocha poseedora de un cuerpo que Fellini pudo haber utilizado para cualquiera de sus obras maestras, no era buena actriz pero daba lo que su público deseaba, convirtiéndola en una figura altamente popular, no había persona no cinéfila que la ignorara.

Este documental, del crítico Diego Curubeto, hace hincapié en la historia de ella, su relación con Armando Bo (director de sus films que luego se convirtió en su esposo), la persecución de la censura y en anécdotas de aquellos tiempos y de cómo empezó a trabajar para la norteamericana Columbia Pictures.

Son muchas historias las que ocupa esta obra y que logra condensarlas muy bien en noventa minutos, sin aburrir. Prueba del deseo de entretener, por sobre todas las cosas, es que utiliza escenas recreadas, a modo de sketchs, con actuaciones de Gastón Pauls y del director español Alex de la Iglesia, dibujos animados a cargo de Pablo Rodríguez Jaurégui y otros recursos cinematograficos.

Quizas faltaría describir en algo las vivencias de sus espectadores para poder ver sus películas, desde escaparse del colegio secundario hasta un hombre casado que la va a ver sin el permiso de su mujer. De todas maneras, se ha logrado contar algo sin fisuras para rendir un merecido homenaje.

Grandes presentaciones: "Grease"

2010-04-29T00:02:00.002-03:00

Todo el mundo se acuerda, o la hacen acordar, sobre las canciones como las coreografías, pero nadie, o muy pocos recuerdan el comienzo.

Ese inicio está compuesto por dibujos animados para presentar a los personajes de la obra. El director de esta secuencia es el inglés John D. Wilson, hoy retirado, y a continuación se la presentamos.

Momento Icono: El joven manos de tijera

2010-04-29T00:01:00.001-03:00

Era fanático de Tim Burton hasta que ví sus últimas películas. Extraño lo que me daba antes, ahora la que única que me gusto más o menos es Willy Wonka y la fábrica de chocolate (Charly and the chocolate factory, 2005) y no me animo a ver Sweeney Todd (Sweeney Todd: The demon barber of Fleet Street, 2007).

Espero que haya vuelto con Alicia en el país de las Maravillas (Alice in Wonderland, 2010), no la ví aún y tengo "miedo" de verla.

¡¡Cómo me gustó esta película!! En especial esta escena y Wynona Ryder.

Grandes directores ignorados (3º Parte)

2010-04-22T00:04:00.001-03:00

En esta tercera entrega nos abocaremos a quienes se dedican a la comedia, ese género que parece poco serio salvo cuando uno lo practica.

Terry Zwigoff: Realizador independiente que debutó con un documental Louie Bluie (1985), sobre el músico de blues Howard Amstrong, y que años después continuaría con ese formato para hablar de la vida del dibujante de historietas Robert Crumb en, justamente, Crumb (1994). Ese trabajo le dio mayor notoriedad a tal punto que no tuvo que esperar mucho para realizar Ghost World (2001), basado en la conocida novela gráfica Daniel Clowes sobre dos chicas adolescentes con una mirada particular de la vida, que le generaría su, hasta ahora, única nominación al Oscar por guión adaptado. Luego vino Un Santa no tan santo, escrita por los directores de la inminente I love you Phillip Morris (2009) y producida por los hermanos Coen. En sus films se suele ver una melancolía “retro” sobre alguna manifestación artística como humor ácido. La próxima se llama Happy Days, ¿tendrá algo que ver con la famosa serie ambientada en los años cincuenta? Espero que sí.

Mike Judge: Dueño de un humor ácido como irónico, Judge (juez, en inglés) le encanta señalar los defectos de la sociedad norteamericana. Este latino (nació en Ecuador) empezó haciendo cortos de animación para luego hacer su propia serie sobre dos adolescentes idiotas que ven Mtv, Beavis y Butthead. Hasta que, luego de matar a estos personajes, se dedica a extender un corto empleando actores en lugar de seres animados con Espacio de Oficina (Office space, 1999) y empezar una nueva serie animada que aún está en el aire, El rey de la colina (The King of the hill). En 2003 co-fundaría un festival de animación, The Animated Show, muy conocido en Estados Unidos, y, en 2006, da a conocer la comedia futurista Idiocracia (Idiocracy, 2006) donde un hombre, interpretado por Luke Wilson, se despierta dentro de unos quinientos años en un planeta Tierra gobernado por y para estúpidos. El año pasado estreno Extract (2009) que en algo se parece al mundo de Enredos..., con Jason Bateman en el estelar. Físicamente es alto, calvo y con un rostro que se parece a varios personajes dibujados por él.

Judd Apatow: Es, sin dudas, el nuevo talento de la comedia a nivel mundial y, a mi criterio, el que ocuparía el lugar del humor judío una vez que Woody Allen lo deje vacante. Por supuesto que este hombre, que empezó en la televisión, maneja un estilo diferente, cambia a los protagonistas dignos de ser pacientes de Freud por los vagos que en los noventa retrataron Richard Linklater o Kevin Smith pero a los treinta o cuarenta años y viviendo los tiempos de Internet y Play Station. Como guionista-director debutó en la pantalla grande con Virgen a los cuarenta años (The 40 year old virgin, 2005), una comedia con Steve Carrell que fue un sorpresivo gran éxito, para continuar con Ligeramente embarazada (Knocked up, 2007), otro suceso. El año pasado estrenó Hazme reir (Funny people, 2009) con Adam Sandler que, pese a contar con esta estrella taquillera, no fue un suceso como lo pensado, quizas por su mezcla de comedia y drama. Con ésta, se ve ganas por apostar a la calidad, pues no solo se preocupó por el guión sino que hasta convocó a Janusz Kaminski, el director de fotografía de Spielberg, para que trabaje a sus ordenes. Como productor tuvo muy buenas repercusiones con Supercool (Superbad, 2007), Sobreviviendo a mi ex (Forgetting Sarah Marshall, 2008) y Piña Express (Pinapple express, 2008). Es comun encontrar en su reparto a nombres como Seth Rogen, a su mujer Leslie Mann y Jonah Hill. Nunca fue candidato al Oscar, pero Virgen... y Ligeramente... estuvieron nominados a los premios del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos, que suele acertar entre un ochenta y noventa por cierto quienes serán candidatos a la dorada estatuilla. Esto es algo que intuye una futura nominación, si es que sigue haciendo las cosas bien.

Jason Reitman: El hijo del director y productor de comedias comerciales como Los Cazafantasmas (Ghostbusters, 1984), Ivan Reitman, es, paradójicamente, el nuevo exponente del cine independiente como de productos artísticos. Haciendo eje en el humor, desde el irónico hasta el absurdo, en filosos diálogos y en personajes que no son dignos ejemplos, empezó su carrera con la adaptación al libro Gracias por fumar (Thanks for smoking, 2005), sobre un vocero de una tabalcarera que asegura como busca convencer que el cigarrillo no es algo malo para la sociedad, que no quedó, al final, en el listado de las nominaciones al Oscar. Luego sí tuvo su momento de reconocimiento con La joven vida de Juno (Juno, 2007), sobre una adolescente embarazada, y, su reciente título, Amor sin escalas (Up in the air, 2009), donde el personaje de George Glooney trabaja despidiendo gente. Quienes gustan de las comparaciones, quizás hayan pensado que es un continuador, de algún modo, del gran Billy Wilder en tiempos de Simpsons y otros productos que escapan del conservadurismo, algo que hace tiempo que se espera que aparezca (como si debiera pasar). ¿Seguirán apareciendo sus actores fetiches, (J. K. Simmons, Jason Bateman y Sam Elliot) en sus nuevas obras?. Su carrera recién empieza, es tiempo de que deje de ser un ignorado.

Critica a film argentino: Boogie, el aceitoso, de Gustavo Cova

2010-04-22T00:03:00.001-03:00

Boogie, el aceitoso (2009) fue una historieta argentina de los años setenta que, según su creador Roberto Fontanarrosa, parodiaba a la película Harry, el sucio (Dirty Harry, 1971), con Clint Eastwood.

Esta tira, que pasó los límites del país, mostraba las aventuras de un mercenario que fue soldado en Vietnam. Consigo estas historias traían chistes de tono negro referidos al egoísmo, al machismo, a la violencia y al racismo de su personaje apoyado en su frialdad natural. La película de esta creación argentina sirve para mostrar un argumento que da pie a eso: un mafioso que contrata a otro asesino a sueldo para que mate a una testigo. Boogie la protege y va en busca de recuperar el puesto número uno del listado del los mejores mercenarios que cree haber perdido.

Pensada para cines comunes y desarrollada, luego, también para salas 3D, Boogie… apunta al público adolescente como adulto claramente por su humor y violencia. Pero a los pocos minutos, el film empieza a divagar cuando repite la misma estructura de chistes, descartando, así, sorpresas de gracia alguna y motivando cierto aburrimiento. Si uno ve el tráiler, se reirá, pero si ve los ochenta minutos de historia, le costará digerirla, se alejará de la atención que merecía tener. Todo por ser, demasiado fiel a una historieta que leerla demanda muchos menos tiempo.

Las voces de Pablo Echarri y Nancy Duplaá pueden molestar, chocar, al principio porque uno la relaciona con trabajos anteriores de estos actores, como El desvío (1998) y Apasionados (2002), y por la forma de hablar en castellano neutro, pero deja de ser una preocupación con el paso de las escenas.

Tema de Película: Things have changed

2010-04-22T00:01:00.003-03:00

Y hubo un día que Bob Dylan, el poeta del rock, uno de los iconos de la música mundial, se alzó con un oscar. No fue por Knocking on heaven doors (golpeando las puertas del cielo), que apareció en Pat Garret y Billy the kid (Pat Garret & Billi the kid, 1973), quizás su más clásico, sino por una composición para Fin de semana de locos (The wonder boys, 2000), donde Michael Douglas hace de escritor con mala racha en muchas cosas.

El tema se llama Things have changed (las cosas han cambiado) y el cantautor lo cantó para durante la ceremonia de una manera diferente a otros que lo hicieron, desde Australia mediante un satélite.

El tema le sigue dando satisfacción a Dylan, pues sigue tocandolo en los recitales de su "Gira Interminable".

Vean lo carismático que está en este video.

El corto que no miramos: La dama y la muerte

2010-04-22T00:01:00.000-03:00

Aparte de estar producido por Antonio Banderas, La dama y la muerte (2009) representó a España en la reciente entrega de los Oscars y, la verdad, que no tiene qué envidiarle mucho a Pixar.

Algo muy bueno está pasando en la animación de ese país, ya que el año pasado se estreno Planeta 51 (Planet 51, 2009) realizada con capitales norteamericanos y cerebros del mencionado lugar.

Critica a film argentino: La mosca en la ceniza, de Gabriela David

2010-04-15T00:04:00.000-03:00

Se le dice “trata de blancas” al secuestro de mujeres, en su mayoría jóvenes, para obligarlas, esclavizarlas, a trabajar como prostitutas. Este tema está siendo muy mediático en los últimos años y, como todo tema difundido en, sobretodo, televisión, llega a la pantalla grande.

La mosca en la ceniza (2009) es la segunda de Gabriela David, tras Taxi, un encuentro (2000), y retrata a dos amigas muy unidas un pueblo del interior que consiguen un trabajo en la capital. Llegadas a esta cosmopolita ciudad, son llevadas a una casa y, allí, descubren el engaño: están obligadas a la mencionada labor.

David realiza una película oscura, como el tema lo amerita, ayudada por rubros técnicos que ponen en clima, como el de sonido que hace oír al espectador un ruido raro, como si uno estuviera en una cueva, para describir aún más, auditivamente, al salón de citas. Claro que también hay excelentes actuaciones del reparto, sobretodo de Luis Machín y Cecilia Rossetto, en un film que depende de los intérpretes.

Pero las intenciones quiebran por problemas de guión, se cuentan cosas muy largas al principio y, luego, otras que, por más que sean muy buenas ideas (como la presentación del personaje de Machín, un camarero sin dientes) no aportan a acelerar el relato. También no hay un buen trabajo de cámaras, pues no da un cierto movimiento que daría un marcado ritmo de suspenso y que mejoraría lo que se cuenta.

Igual, La mosca en la ceniza es una buena recomendación por sus puntos a favor como por su temática, mostrada en hechos y palabras. Por mi parte, pienso, si en las dos películas David muestra cierta solidez para describir personajes masculinos, ¿Hará alguna con protagonistas hombres?

Critica a film argentino: Excursiones, de Ezequiel Acuña

2010-04-15T00:03:00.000-03:00

Dejando atrás el mundo de los adolescentes dubitativos y descontentos, Ezequiel Acuña empieza a filmar sobre treinteañeros. Es que el creció como sus personajes, así como su mirada de la vida.

Algo más optimista, con respecto a Nadar solo (2003) y Como un avión estrellado (2005), es Excursiones (2009), que trata sobre dos amigos de la secundaria que se reencuentran luego de diez años, uno, Martín, guionista y el otro, Marcos, empleado de una fábrica de golosinas. Se vuelven a ver a causa de un llamado de Marcos porque consigue una sala para montar una obra teatral y quiere que le de una mano en mejorar el texto.

Filmada en blanco y negro, al final se sabe por qué, la película de ochenta minutos es una comedia filmada mayormente en planos estáticos. Se ve que está pensada sobre experiencias personales, ya que busca cierta naturalidad en los diálogos como en situaciones.

El humor resulta ser poco y, más que nada sobre observaciones que el espectador tiene que descubrir en base a los personajes, quienes no poseen una psicología notoria. Simplemente, les está pasando algo, que tiene que ver con un objetivo, en las anteriores no había uno claro, y tienen que conseguirlo.

No es nada de otro mundo, hay quienes se pueden aburrir, otros que pensarán haber visto otras y mejores. De hecho, para mí es la obra que no me gustó, pero lo que sí es que para el director, Ezequiel Acuña, es un muy buen paso para cambiar su cine. Que el producto le salga, a mi criterio, regular es otra cosa.

A modo de observación personal, Acuña tiene muy buenas ideas de cine, prueba de ello son las jóvenes que intervienen en sus films, las muestra muy seductoras sin que el personaje tenga que ser así, lo que es un punto a favor en base a la búsqueda de un cine mejor que él está listo para pulir trabajo tras trabajo.

Critica a film argentino: Andrés no quiere dormir la siesta, de Daniel Bustamante

2010-04-15T00:02:00.001-03:00

Andrés no puede dormir la siesta (2009) es de esas películas que buscan tratar un hecho dramático histórico, en este caso los años de la dictadura militar argentina, a través de la mirada, entre ingenua e ignorante, de un niño.

Andrés es ese joven de unos diez años en cuestión que, luego de la repentina muerte de su madre, se va a vivir, junto a su hermano, a lo de su abuela, interpretada por Norma Leandro. Allí, entre futbol en baldíos, juegos de bolitas, capítulos de la serie de Kung Fu y rebeldías para no dormir la siesta, va descubriendo nuevas cosas que con el tiempo entenderá.

Mientras suceden esos tiempos, Andrés chochará continuamente con su padre que tratará de alejarlo de la vida “pesada” que se vivía en el vecindario, donde funciona un centro clandestino de detención, y de querer proteger a su entorno familiar por el pasado militante de la madre.

El relato trata de construirse en base a cosas no explicitas en la cinta, una buena intención que cae por estar dirigido solo a los que conocen ese época histórica o si uno lee una sinopsis. También no abunda cierta tensión, por lo que cae en reiterados momentos simpáticos, como buscando una complicidad melancólica y hasta sentimental con el espectador y no pudiendo evitar ciertos problemas de guion, en las secuencias como en los personajes, que podrían convertirla en un producto recomendable o ser tenida en cuenta para mandarla al Oscar.

Tema de Película: "Las Trillizas de Belleville"

2010-04-15T00:01:00.000-03:00

Nominado al Oscar como mejor canción original, esta canción, cuya letra pertenece al director de la película, se llama Belleville rendez-vous.

Realmente es un muy buen tema y hasta se lo merecía ganar.

También la película estuvo nominada a la mejor de animación y aún es una gran

recomendación para aquellos que no la vieron como los que sí.

4 películas del primer semestre del 2010 para tener en cuenta

2010-04-08T00:04:00.001-03:00

El año pasado hemos señalado cuatro películas para tener en cuenta en el segundo semestre y su por qué. No eran recomendaciones por su calidad sino que poseían ciertas características que eran útiles para que los cinéfilos, o cinéticos, la tengan en cuenta. Ahora, volvimos a revisar la agenda de estrenos de Hollywood hasta el 1º de Julio, de acuerdo a su lanzamiento en Estados Unidos, no queriendo decir que se van a estrenar pronto o alguna vez en otros países.

Alicia en el país de las maravillas: Ya se estrenó, pero es que la nueva realización de Tim Burton, a mi criterio otrora gran director, debía estar en esta lista por la expectativa de sus fanáticos y la del público en general. También, por ser el primer estreno fuerte en 3D tras el megasuceso de Avatar (Avatar, 2009). Producida por Disney, la compañía donde Burton se inició, cuenta la segunda aventura de la saga de libros de Lewis Caroll sobre el personaje de Alicia, Alicia a través del espejo. Johnny Deep, actor fetiche del cineasta, lidera el reparto como el Sombrerero Loco, escoltado por Christopher Lee, Alan Rickman y Helena Bonham Carter y El guión es de Linda Woolverton, libretista de Mulan (Mulan, 1998) y El Rey león (El Rey León, 1994). Pero la expectativa mayor, para que figure en este listado, es que fue filmada en 2D y transformada a 3D, lo que le puede dar una mala calidad de tridimensional que si lo hubiera filmado directamente en el otro formato (que es lo más lógico de hacer). Por este detalle, James Cameron, conocido como “El Rey del mundo” y ahora “Sr. 3D”, dijo, al enterarse del la forma de rodar de Burton, que es un idiota. ¿Y que les pareció el 3D de esta película? ¿Habrá inventado un nuevo estilo para aprovechar los efectos de la tercera dimensión? ¿Tiene razón Cameron? ¿Es el gran regreso del director de El joven manos de Tijera (Edward Scissorhands, 1990) que los ex fanáticos esperabamos? Se lo pregunto a quienes la vieron.

I love you Phillips Morris: Jim Carrey y Ewan McGregor se juntaron en esta comedia que tuvo muy buenas críticas en la edición 2009 de Sundance, el festival de cine independiente más importante a nivel mundial, pero pese a ésto al filme le costó conseguir una distribuidora para Estados Unidos, pese a haber estado también en la Quincena de realizadores de Cannes (la competencia paralela del festival). Humor absurdo es lo que se ve en las imágenes de adelanto, parecido a las comedias de Carrey en Estados Unidos o hasta de los Coen, pero con la particularidad de una historia de amor de dos convictos. La dupla de directores-guionistas está compuesta por John Requa y Glenn Ficarra, encargados del escribir Un Santa no tan santo (Bad Santa, 2003) y la producción es del francés Luc Besson, director de Nikita (Nikita, 1990) y El perfecto asesino (León, 1994). La ganadora del Oscar a mejor realización fue Vivir al límite (The hurt locker, 2008), que también tuvo que esperar un año para estrenarse en el país del norte, un año después de su repercusión en Venecia, y, también, en muy pocos cines, donde se estrenan las películas “de arte”. ¿I love you Phillip Morris tendrá una suerte, por lo menos, parecida?. La desconocida distribuidora Consolidated Pictures Group es la que la estrena el 30 de Abril.

Bébé(s): Si creen haberlo visto todas las temáticas en materias de documentales, desde políticos hasta musicales, pasando por los de naturaleza como los de propaganda, aparece un nuevo tema a mostrar: ¡¡BEBES!!. Esta producción francesa mostrará la vida de cuatro pequeños (uno de Tokio, otro de Namibia, otro de San Francisco y otro de Mongolia) durante un año. Sin duda una película rara por su tema, por supuesto hay que esperar su estreno para ver su calidad y su repercusión. Ya por ser una original idea llama la atención. Quizás llama más el hecho de que, aparte de su estreno del 16 de Abril en Estados Unidos, se verá, a partir del 9 de Septiembre, en cines argentinos.

Toy Story 3: ¿Cual es el mérito de esta nueva entrega de Pixar para figurar? ¿Fanatismo? No, sino que el inicio de la producción se dio lugar, a diferencia de otras producciones de Pixar, se dio por clara orden de Disney cuando éste negociaba una continuidad de distribuir las realizaciones de esta factoría, en especial cuando se estaba lejos de llegar a un acuerdo. Esto era un derecho que poseía la compañía del Ratón Mickey y que la llevo a dar luz verde tambien a la inminente Cars 2. Para eso no convoca a los guionistas propios del estudio de animación por computadora sino a Michael Arndt, ganador del Oscar por Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine, 2006). ¿Tendrá la misma calidad que las antecesoras como de otros productos Pixar? ¿Con qué otras diferencias contará? ¿Defraudará a críticos, públicos y taquilla? Se estrenará, incluyendo salas Imax, el 18 de Junio.

Critica a film argentino: La muestra, Lino Pujía

2010-04-08T00:03:00.002-03:00

La muestra (2009) es un gran ejemplo de película hecha con poco dinero, muchas ganas de filmar utilizando “no actores” y recursos propios del cine y un buen guion que da lugar para improvisaciones.

Todo eso engloba esta segunda película de Lino Pujía, la que viene después de El santo del pueblo (2005), en donde propone usar de interpretes a su familia y aprovecharlos para una ficción donde hacen de sí mismo y que conduce hacia una historia que aprovecha experiencias vividas como contemporáneas al momento del rodaje.

Tan cinematográfica es La muestra que aprovecha una edición bien pensada como de planos más recurrentes en un documental. Junto a esta forma de filmar, de planos inamovibles como si fueran obras de arte, algo que El Artista (2009) también utiliza, se ven actuaciones que interactúan en diálogos permitidos a ser improvisados para ser mejor dichos, buena decisión que también da naturalidad a lo que acontece.

La historia es simple, Antonio Pujía, de ochenta años y reconocido escultor, es tentado para tener su muestra. El, por decisión propia, ha dejado de este mundo de exhibiciones, pero esta propuesta le interesa mucho. Al haberse enterado por un amigo sobre cómo son, hoy en día, estas exposiciones, decide rechazarla y empieza a deprimirse por no concretarla. Ahí es donde su familia aparece para unirse y organizarla por su cuenta.

Tiene algo de Ettore Scola, no solo porque trata de una familia de sangre italiana sino por el tono que varía entre costumbrista y el intimista del director tano. Pero lo cierto es que sin más pretenciosidad que la de querer contar una historia, Pujía construye un sólido film que se transforma en una revelación como en una gran película y posible candidata a film de culto. Más aún cuando es nombrado en cierta escena en un anarquismo tan habilidoso, o sutil, que no rompe la estructura de lo que viene contando.

La primera gran película de este 2010.

Grandes presentaciones: "Casino Royale"

2010-04-08T00:02:00.000-03:00

Si bien se hablaba de cambios en la saga de James Bond mucho antes de que Pierce Brosnan abandone al personaje, uno como cinéfilo, o cinético, desconfiaba de que eso ocurriese.

Las películas que homenajeaban al mítico espía secreto de Ian Fleming, desde Mentiras Verdaderas (True lies, 1994) hasta las de Indiana Jones, lo superaba ampliamente.

Se hablaba hasta que una vuelta a realizar era de que vaya al psicologo o empiece a tomar (más) agua.

Sí hubo alguna renovación en su aventura número 20, Otro día para morir (Die another day, 2002), la despedida de Brosnan.

Con ánimos renovados, los productores, en especial la hija del fallecido Albert Broccoli, buscaron cambios, aparte del encargado del papel estelar. La puja al final fue para el desconocido internacionalmente Daniel Craig.

¡Qué mejor que contar la primera aventura para la re-fundación de la serie!. El libro Casino Royale ya había sido llevado a la pantalla grande pero en tono de comedia y ¡¡con Woody Allen como villano!! unos cinco años posteriores a la primera aventura con Sean Connery.

En esta muy buena introducción se ve como consigue los ceros a la izquierda que le da la licencia para matar como la clásica presentación donde se da vuelta y dispara.

Por más que Martin Campbell figure como director, para mí el cerebro a través de las cámaras será de Paul Haggins, director de Vidas cruzadas (Crash, 2005), va más con su estilo.

¡¡Ah!! Y si creen que esto es lo mejor del film, mirénlo todo, por favor.

Revolución en el cine: Blanca Nieves y los siete enanitos

2010-04-08T00:01:00.000-03:00

Esta sección es lo que era antes Esperando a Avatar.

No sólo esta producción de Walt Disney causó un antes y después por ser el primer largometraje animado sino que tiene es la primera que se anima a que los efectos de sonido coincidan con la acción que lleva él o los personajes en pantalla, algo que el tiempo hizo de eso un elemento común en ver en una película.

La siguiente escena no es elegida sólo por eso sino porque es un momento icono que tuvo muchas parodias, como en Los Simpsons, la película (The Simpsons movie, 2007) o en ¿Cómo matar a su jefe? (Nine to five, 1980).

Critica a film argentino: La Tigra, Chaco, de Federico Godfrid y Juan Sasaían

2010-04-01T00:04:00.003-03:00

A veces pienso que algunas de esas películas que pertenecen al llamado cine independiente argentino, esas que son realizadas por directores noveles que consiguen una cámara y ciertas facilidades para (por fin) filmar una historia, son hechas muy a las apuradas. Lamentablemente, La Tigra Chaco (2009) es un ejemplo de esto, por cambiar entusiasmo por dedicación por escribir un buen guion o en plantearse qué es lo que se va a improvisar y cómo.

Esta clase de films o producciones son exponente negativo, una contra que puede ser evitada oportunamente, de lo que Pino Solanas, director histórico y respetado, llama “la democratización del cine” por la facilidad que entrega los recursos tecnológicos hoy en día, en el sentido que uno puede filmar con una cámara digital y editarlo en su casa en lugar de esperar a conseguir mínimamente, y con mucha suerte, una cámara de cine de 16 milímetros, tener algún conocido que preste su moviola para editar o su cuerpo para actuar, conseguir de algún lado fondos para pasar el material a 35 mm y, con suerte y algo de energía, estrenar en alguna sala.

Digo esto porque La Tigra… quiere contar una historia de un joven (la edad del protagonista parece ser una condición para este movimiento) que regresa al pueblo donde vive su padre tras muchos años. Al no encontrarlo (¿Qué raro que en tiempos de comunicación de celulares e internet no lo haya llamado antes? Tampoco se explica el por qué aparece, aunque se sugiere que no es por algo importante), opta por parar en lo de una tía (se va nota que la característica de esta amable anciana, la de inmigrante checoslovaco, es un aprovechamiento de algo que ya es de la actriz amateur y no un querer de la dupla guionista de entablar rasgos a los personajes o de aprovechar de estos, cosas recomendadas en libros de guión).

Los minutos avanzan, se ve que visita a una chica de su edad, amiga de años, y que luego ella cobra su protagonismo, pero no se dedica a contar algo más, como destacar mediante alguna vía, las diferencias del pueblo de ahora con respecto a antes, que no se por qué no lo veo en películas de temática “alguien vuelve al año luego de años” y que puede ser detonadores a conflictos que mejorarían la historia principal.

¿Pero por qué esta ahí el protagonista? ¿Qué le pasa estando en ese pueblo? Simplemente, entra en conflicto, mal armado dicho sea de paso como obvio, con el novio de la joven en cuestión y otras cosas, como que manda a arreglar una silla, que no contribuye en mejorar pero si en rellenar espacio para que pueda convertirse en un largometraje.

El film se convierte en, metafóricamente hablando, en sentarse a la vereda de un pueblo y ver autos, los pocos autos, pasar a la espera de una accidente, algo prácticamente difícil que ocurra porque el trafico es casi nulo.

Critica a un film argentino: Adopción, de David Lipszyc

2010-04-01T00:03:00.002-03:00

Mientras veía Adopción (2009), me planteaba algunas dudas correspondientes al concepto de la obra y en pos de un responsable análisis. Es que por su primeros fotogramas, donde se anuncia que está basada en hechos reales, y por ver lo que sigue empiezo a plantearme que se trata de un documental falso, o historia ficticia narrada como documental, por lo que opto, al escribir sobre ésta, de intentar hacerlo sobre ambas posibilidades.

El director, David Lipszyc, usa muy buenos recursos e ideas para contarnos su historia y su visión de la vida de un hombre soltero y de su hijo adoptado, usando las palabras de los protagonistas, recreaciones y secuencias de montaje que incluyen la aparición de los muñecos playmobils, tan populares en los años ochenta.

La duda me aparece por el fondo de las entrevistas, que parecen actuadas, como sujetas a un cierto guion que no permite mucho improvisar y las miradas y tonos de voz de los entrevistados. Este interrogante crece cuando me entero que la entrega del chico a la nueva familia fue realizada en tiempos de la dictadura militar, tiempos demasiados conservadores para permitir una adopción de este tipo (que dudo si es factible hoy en día). Quito, para decir esto, la otra tematica que posee, que el adulto es gay.

Si uno empieza a armar lo que cuenta el documental en su cabeza, notará ciertos agujeros que no compensan con ningún testimonio en búsqueda de un fortalecimiento, motivado aun más porque son muy pocas las personas que entregan su testimonio y/o opinión.

Si esto es todo real, pido disculpas a los equipo realizador y celebro el haber encontrado una idea original para contar que tiene que ver con los años de plomo y la no discriminación y que me gustaría que tenga más repercusión en los medios. Pero, de todas maneras, recomiendo ver estos casi ochenta minutos, si es aficionado al cine o si se estudia, porque creo que es una película perfectamente debatible, opinable y observable (dicho en el sentido de notar cosas), pues parte de un muy buen punto de partida cualquiera fuera su realidad, como eslabón de historia perdido o como noble excusa para llevar a la pantalla grande, no importa los defectos hechos en ambos casos.

Léase esto si se quiere, pero bajo su responsabilidad: Escribí la critica enterandome luego de si es un documental verdadero o no, pero preferí escribir así mi reseña porque me parece una muy buena invitación para hacer cierto ejercicio filosófico sobre esta película, uno que no es frecuente de ver en este hermoso arte.

Critica a un film argentino: La madre, de Gustavo Fontán

2010-04-01T00:02:00.000-03:00

La madre (2009) es un film que desde sus primeros minutos nos invita a reflexionar en base a sus imágenes y a través de la historia de la relación entre una madre y su hijo.

Ya en la primera escena, nos adelanta como termina para querer contarnos, a través de un relato sórdido en muchos niveles, el por qué del desenlace. Todo esto usando planos fijos, aunque pecando de ser muy largos, y con una muy buena fotografía que pretende convertir a cada encuadre en una obra pictórica.

El problema es que, pese al acierto del guion por no contar demasiado y querer concentrarse a la relación familiar, se deja de contar cosas interesantes como buscando cierta diferenciación de otros films, de querer etiquetarse demasiado dentro de lo que se llama “cine arte”, y que termina cayendo en cierta pretenciosidad como en reiteraciones y planos surrealistas que no contribuyen al fondo de la historia.

La promesa de destacada actuación, durante los primeros minutos, de quien interpreta a la madre en cuestión, Gloria Stingo, es cambiada por un relato que interesa mostrar la puesta de cámara de un director que, por lo que parece, prefiere destacarse él mismo, algo que no está mal pero termina siendo, a mi criterio, un defecto de cierto cine “artístico”, sea para festivales o para la taquilla.

Momento Icono: La fiesta inolvidable

2010-04-01T00:01:00.000-03:00

La fiesta inolvidable (The party, 1968) es considerada para muchos, yo incluido, la mejor comedia de los sesenta.

El único trabajo en conjunto de Blake Edwards y Peter Sellers fuera de la saga del Inspector Clouseau/Pantera Rosa fue una realización filmada según el orden de escenas en la historia. Esto se debe a que se improvisaba sus escenas en pleno rodaje.

Quizás uno recuerda otras escenas, pero elegí esta como la mejor y más recordada.

Crítica: Un sueño posible, de John Lee Hancock

2010-03-25T00:04:00.002-03:00

Me es complicado hacer una crítica sobre Un sueño posible (The blind side, 2009) sin asnalizar su fenómeno taquillero, el que produjo una recaudación de doscientos millones de dólares en Estados Unidos, algo pensado para un drama sin efectos especiales. Esa increíble marca, además, la convirtió en la más exitosa para un film protagonizado únicamente por una mujer.

Esa mujer, Sandra Bullock, que terminó alzándose con el Oscar, algo impensado por quienes seguimos su carrera, toma cosas de la actuación, también ganadora de la estatuilla dorada, de Julia Roberts en Erin Brockovich (Erin Brockovich, 2000) para componer a una mujer de clase alta que “adopta” a un adolescente de físicamente grandulón y sin hogar. Esta protección le ayuda a este estudiante a no solo a mejorar sus estudios sino que a mejorar su calidad de vida para que pueda triunfar.

Un sueño posible es una película común y corriente, aunque, por su cualidades, se aproxima a un telefilm. Es un relato basado en hechos reales y de tono inspirador, de personas que cumplen sus metas frente a la adversidad, y que no apela a golpes bajos pero sí a lástimas.

Por momentos se hace larga integración a la familia, por su reiteración y falta de ritmo, pero mejora cuando empieza, nuestro “héroe”, a demostrar las habilidades en el futbol americano como en sus estudios.

Ahora, me preguntaba al ver el largometraje: ¿Por qué de tanto suceso? La respuesta me la daba cada escena: es una película integradora, blancos con negros, ricos con pobres, republicanos con demócratas. ¿Espiritu “Obama” a la vista? Puede ser, lo cierto es que todos asisten al cine en una ver algo apto para todo público que con el paso del tiempo casi nadie se acordará de su éxito como de su nominación a la mejor película.

Una cosa que si me sorprendió es la elección de los actores de reparto por muchos motivos, como elección por belleza física, pero destaco más al pequeño actor que oficia de hermanastro del “gigante”, Jar Head. Su labor se asemeja a la Dakota Fanning o Mara Wilson, más allá de alguna indicación del guión.

Critica a un film argentino: Matar a Videla, de Nicolás Capelli

2010-03-25T00:03:00.003-03:00

Matar a Videla (2009) es una opera prima que cuenta la historia a través de la visión de su protagonista, usando sus palabras con cierto tono moralista más que de observación.
Julián, interpretado por Diego Mesaglio, es el joven de veinticinco años que deja su trabajo en una oficina como la relación con su novia y se plantea un fuerte cambio de vida: suicidarse, pero asesinando al ex dictador Videla antes.
Pero esta propuesta cinematográfica queda en pretensiones y en un muestrario de, lamentablemente, defectos. Y eso se ve en el guión, que incluye flojos diálogos y una llegada tardía del conflicto, en malas tomas, con fuera de focos o problemas de fotografía, y pobre dirección de actores, que parecen calcados de una pésima telenovela.
El punto de vista empleado, mediante la narración en off del protagonista, recuerda al de su par de Trainspotting (Trainspotting, 1996), pero cayendo en la denuncia social y con un tono aburrido por su monotonía.
Pasan los minutos y, si uno observa bien ciertos detalles, se notará fallas algo absurdas, como cuando roba un candado de puerta de rejas que perfectamente se puede saltar, de casi medio metro de alto, en una secuencia que no genera suspenso. Encima, al principal actor, que le falta muchas clases de actuación, que por sus enseñanzas de torso desnudo nos revela un buen físico como para necesitar de ese aparato de hierro.
El director necesitará una fuerte autocrítica, si es que querrá seguir contando historias y que la gente la vaya a ver.