Cinéfilo Club

Scream (2022) - Crítica

2022-01-14T07:22:00.003-08:00

Esta quinta entrega de 'Scream' ya nos avisa desde su comienzo que los guiños a varios momentos de la saga estarán a la orden del día. Y es así que todo inicia con una joven atendiendo una llamada de un número desconocido mientras está sola en una casa por la noche. Del otro lado, una voz que cada segundo se va poniendo más aterradora, producto del juego de preguntas al que somete a quien pareciera ser su próxima víctima, como ocurría con Drew Barrymore en aquella cinta que abría el telón allá por el año 1996.

¿Se puede crear una atmósfera similar a la que supo cautivar al público con las proyecciones dirigidas por Wes Craven? Esa era la tarea más difícil, de antemano, con la que los realizadores de este film se topaban. Afortunadamente (y más allá de algunas situaciones algo sosas y cuestionables en cuanto al guion), las cosas funcionan con un clima que nos recuerda a los buenos momentos de las mejores partes de la franquicia.

En este entretenimiento garantizado de principio a fin, hay sangre a chorros con muertes sumamente explícitas, menciones y referencias a películas de terror (marca registrada de la casa 'Scream'), y también un tono burlón que permite jugar con todo lo que rodea al cine del género, con sus fanáticos empedernidos incluidos.

El suspenso, los personajes míticos que aparecen (que tanta nostalgia aportan) y los saltos funcionan de gran forma, con casi la misma frescura que la que supimos percibir antiguamente.

En este quinto capítulo de 'Scream', los propios personajes parecieran advertirnos que tampoco nos tomemos tan en serio lo que vayamos viendo, y eso termina añadiéndole todavía una pizca más de disfrute a ese buen sabor de boca que deja esta sorpresiva entrega.

Lo Mejor: que mantiene la esencia de la franquicia, con el mismo nivel de frescura.

Lo Peor: algunas pequeñeces cuestionables de guion.

Puntaje: 8 Alancitos Ghostfaces sobre 10

El perro que no calla - Crítica

2021-11-29T10:38:00.008-08:00

Ana Katz presenta una obra que mezcla drama y comedia, con un ritmo tranquilo pero ameno, con situaciones que van desde lo más naturales posibles hasta virar hacia lo impensado o inesperado. Y en ese despliegue que también comprende lo visual (hay además un trabajo poético y artesanal en el uso de imágenes como transición en instancias particulares), la realizadora acierta, al crear un clima que provoca sensaciones diversas en el espectador.

'El perro que no calla' habla, esencialmente, de la vida misma, de sus vaivenes y de cómo todo puede cambiar de un momento a otro. Y para ello se vale tan solo de 73 minutos en los que la soledad, las costumbres, los silencios, las miradas que parecieran decir mucho y las crisis existenciales y/o búsquedas de identidad se muestran con una claridad tal que no necesitan explicaciones.

Daniel Katz compone a la perfección a Sebastián, un muchacho de pocas palabras que deambula con una extraña tranquilidad, pese a que vaya topándose con obstáculos en su camino y avance a trompicones, tratando de adaptarse a distintas realidades.

La directora nos enseña el paso del tiempo de una forma sutil y según los looks que acompañan a nuestro protagonista en cada etapa.

Más allá de lo angustiante de algunas escenas, la historia logra que lo melancólico se entremezcle con un estilo de humor irónico, sencillo pero inteligente, que consigue sacar unas cuantas sonrisas.

'El perro que no calla' simplemente fluye, mientras la sentida y sugerente música a cargo de Nicolás Villamil coopera con lo que Ana Katz exhibe en pantalla, permitiendo que uno siga procesando pequeños y valiosos detalles, incluso a largos ratos de haber terminado el film.

Lo Mejor: el modo elegido para narrar los acontecimientos. La combinación de drama con tonos de comedia.

Lo Peor: algunas intermitencias en determinados pasajes.

Puntaje: 8 Alancitos Deambulantes sobre 10

Last Night In Soho - Crítica

2021-11-24T06:03:00.002-08:00

Edgar Wright presenta la que seguramente sea su película más madura, dando un salto hacia un thriller oscuro, pero la madurez a veces no suele ir de la mano de la eficiencia, y he aquí uno de los problemas principales de ‘Last Night In Soho’, donde el guion contiene unas cuantas cuestiones que no terminan de cerrar.

Thomasin McKenzie cumple y convence en su rol de aspirante a diseñadora de moda. Se trata de una joven algo tímida, antisocial e inocentemente soñadora. En Londres, descubre que la vida no es tan benévola, topándose con compañeras que se burlan de ella (algo muy visto en el cine, pero que el director explota con buena mano) y descubriendo cada noche, cuando se acuesta, un mundo artístico que esconde un misterio bastante peculiar.

Cuando el film sale de los lugares comunes, se vuelve algo repetitivo y denso. En cada instancia en que Wright ahonda en lo onírico (que es lo que tiene mayor relevancia en el relato para ir entendiendo lo que sucede), el asunto abruma y agota, porque si bien es, en parte, un deleite visual y sonoro, apabulla y no en el mejor de los sentidos.

A Anya Taylor-Joy le basta con su magnética presencia para consolidar una más que interesante actuación, mientras que cada aparición de Terence Stamp (acertada su elección) le aporta el costado enigmático y sombrío a la historia.

Hacia el final y tras un sinfín de secuencias en las que los sueños se entremezclan con la realidad, llegan unas resoluciones cuestionables y, sobre todo, apresuradas en su ejecución, que acaban dejando un sabor amargo por el tratamiento escogido para presentarlas en pantalla.

Lo Mejor: las actuaciones de McKenzie, Taylor-Joy y Stamp. La estética y el apartado sonoro del film.

Lo Peor: el guion y sus flaquezas. Lo repetitivo del relato. De difícil enganche.

Puntaje: 4 Alancitos Diseñadores de Moda sobre 10

The Trip - Crítica

2021-11-18T05:16:00.004-08:00

La obra de Tommy Wirkola es una suerte de comedia negra que va mutando hacia un thriller desquiciado, desenfrenado, en el que los amantes del gore estarán agradecidos por el nivel de violencia que se exhibe desde la segunda mitad de la historia hasta el final.

La siempre convincente Noomi Rapace en dupla con Aksel Hennie, conformando un matrimonio deteriorado y con dificultades económicas. La pareja decide escaparse unos días a una cabaña, siendo allí donde cada cual va mostrando su lado más salvaje para con el otro.

‘The Trip’ (‘I onde dager’) empieza con un rumbo incierto, no se sabe muy bien si con lo poco que se nos enseña, puede llegar a haber tela para cortar durante sus casi dos horas de metraje. Pero tras la aparición de nuevos personajes, el factor sorpresa adquiere una forma significativa que permite que el espectador no sepa hacia dónde puede virar el asunto.

Existe un muy buen uso de los flashbacks, sobre todo por la dinámica con la que el director los plasma, acompañados de un soundtrack bastante rabioso que hace que cada secuencia no pierda fuerza ni aburra, siendo este uno de los recursos que mejor se explota en la cinta noruega.

‘The Trip’ pareciera contener dos películas en una, y es allí donde probablemente encuentre su falla principal: lo que en su inicio parece atrapante, inclusive en la transición al apartado que involucra al thriller y a la acción, va perdiendo fuerza al abusar de situaciones en las que el suspenso termina acabándose siempre de la misma manera, con algún elemento que emerge de la nada misma para cortar con la tensión de un tirón.

En este festival de sangre a chorros, la bestialidad está a la orden del día y resulta ser el plato principal de la proyección distribuida por Netflix, asegurando un buen rato de entretenimiento pero sin trascender ni pasar a mayores dentro de su género.

Lo Mejor: dinámica, ágil, salvaje y con buenas actuaciones de todos los participantes. El soundtrack.

Lo Peor: termina haciéndose previsible en cada situación de suspenso. Se extiende más de lo necesario.

Puntaje: 6 Alancitos Sanguinarios sobre 10

Lamb - Crítica

2021-11-02T06:17:00.007-07:00

No es nada fácil calificar y clasificar a ‘Lamb’, ópera prima de Valdimar Jóhansson y una de esas proyecciones a las que se las suele catalogar como “festivaleras”.

Película prácticamente silente, en donde si uno logra soportar los primeros cuarenta minutos, puede que luego se enfoque con mayor atención en todo lo que acontece desde la mitad de la historia hasta el extrañísimo desenlace.

Todo parte del descubrimiento de un misterioso recién nacido, que irrumpe en la vida de una pareja sin niños, trayendo alegría pero también algo sumamente extravagante en lo que es mejor no ahondar para revelar información. Mejor dejarse llevar sin pensar demasiado.

A Noomi Rapace le alcanzan y le sobran sus miradas, sus expresiones y su presencia. La artista sueca es quien se carga la cinta al hombro, a pesar de unas tomas larguísimas en las que no sucede demasiado (probablemente forme parte del director para enseñarnos la tranquilidad con la que viven los protagonistas en ese desolado y bellísimo paisaje islandés).

Un drama que juega mucho con la insinuación, recurso que por momentos funciona, tensiona y a la vez angustia, aunque en ocasiones satura y aburre.

Una atmósfera macabra, bizarra y con destellos terroríficos, capaz de provocar y perturbar al espectador.

Podría haberse resumido todo en mucho menos tiempo y he aquí, con todo el material de relleno, que ‘Lamb’ no termina de convencer.

Lo Mejor: las actuaciones, principalmente de Noomi Rapace. La incomodidad de algunos pasajes y el apartado técnico.

Lo Peor: tarda bastante en arrancar. Se extiende en demasía para lo que narra.

Puntaje: 4,8 Alancitos Granjeros sobre 10

The Guilty - Crítica

2021-09-22T07:06:00.006-07:00

La película dirigida por Antoine Fuqua resulta prácticamente un calco de la original danesa (‘Den skyldige’), salvando las distancias en cuanto a la dinámica con la que se presentan los acontecimientos.

Esta remake resulta más ágil (fiel al estilo de este tipo de producciones norteamericanas) pero quizá menos fría (cuestión que suele ser propia del cine nórdico) o menos “seria” en sus formas, algo que la cinta concebida en Dinamarca manejaba con mucha sobriedad y más pausadamente.

Thriller que trata sobre un operador en un centro del 911 que, enfrentando sus demonios y fantasmas del pasado, recibe una llamada de una mujer aterrada que parece haber sido secuestrada. La temática nos recuerda a ‘The Call’, de Brad Anderson, pero con una exhibición distinta en pantalla, teniendo en cuenta que aquí, en ‘The Guilty’, todo ocurre en un solo escenario.

¿Hubiese funcionado esta obra sin un actor de la talla de Jake Gyllenhaal? El protagonista de ‘Enemy’ nos vuelve a regalar una brillante interpretación, expresiva, con matices y termina resultando el gancho o el aliciente principal de este relato que, probablemente, de haber contado con otra figura central no hubiera llamado la atención de los espectadores.

Es factible que el giro perturbador de la historia produzca un impacto bastante menor que en el film dinamarqués (quizá por estar trabajado de peor forma o tal vez porque uno ya sabe con lo que se va a topar), pero si se analiza a ‘The Guilty’ no como remake de ‘Den skyldige’ (para no caer en comparaciones) y sí como mero entretenimiento, cumple con su cometido, con creces, aunque sin trascender.

Lo Mejor: la potente labor de Gyllenhaal con la cámara encima todo el metraje, con un nivel expresivo sublime.

Lo Peor: cuestiones trabajadas de forma menos seria que la cinta original.

Puntaje: 7,5 Alancitos Atormentados sobre 10

The Card Counter - Crítica

2021-09-20T06:09:00.002-07:00

La Linda (Tiffany Haddish) le comenta a Cirk (Tye Sheridan) que William Tell le parece bastante misterioso. Y precisamente así es el personaje que compone Oscar Isaac como un exmilitar convertido en jugador de póker: el guatemalteco nos regala una interpretación magnífica de un tipo atormentado, pensante e indescifrable al que no podemos quitarle la mirada de encima por su magnética presencia en pantalla.

Paul Schrader dirige con maestría al presentar unos planos tan cuidadosos como extraños, bañando a las escenas con una banda sonora grave, abrumadora (que no siempre funciona al mismo nivel) y cautivadora. Los sonidos, punzantes, impresionan a la par que no se condicen (en muchos tramos) con las imágenes que se exhiben, desconcertando y provocando sensaciones variadas.

Algo en William se rompe cuando conoce al jovencito Cirk, quien busca ayuda en un plan de venganza. ¿Qué hay detrás de nuestro protagonista y qué esconde de su pasado?

‘The Card Counter’ resulta apabullante para los sentidos por su estética. Se trata de una historia de expiación que abarca cuestiones morales y que se las rebusca para sorprender, manteniendo una atmósfera turbia con un ritmo pausado y prolijo.

Es cierto que el relato cae en una suerte de planicie, hacia la mitad, en la que todo pareciera no tener un rumbo certero, pero Schrader se las ingenia para remontar las cosas con algunas vueltas de tuerca que permiten sacar el film el flote, dejando un buen sabor, con un desenlace inquietante y oscuro.

Lo Mejor: las interpretaciones, principalmente la de Oscar Isaac, que deslumbra con su presencia. La oscuridad que le imprime el director, la estética y la banda sonora.

Lo Peor: ciertos pasajes algo densos, en los que la historia se “plancha” un poco.

Puntaje: 8 Alancitos Jugadores de Cartas sobre 10

La Chancha - Crítica

2021-09-15T10:56:00.007-07:00

Franco Verdoia dirige este drama psicológico denominado ‘La Chancha’, sumergiendo de a poco y con un interesante pulso narrativo al espectador en una historia que arranca de forma calma y adquiere cada vez más tensión con el correr de los minutos.

El personaje de Esteban Meloni sale de vacaciones junto a su familia, en lo que representa un viaje que le traerá recuerdos de su infancia. ¿Qué clase de eventos ha tenido que atravesar el protagonista? He aquí el quid de la cuestión, algo que resulta mejor no ahondar para no caer en zona de spoilers.

Si lo que reinaba en el comienzo era la tranquilidad con ciertos aires de intriga, lo que predomina desde la aparición de Gabriel “Puma” Goity hasta el desenlace es la incomodidad. Verdoia consigue que cada secuencia posea un clima enrarecido, para nada confortable, donde las miradas parecen esconder mucho y algo está punto de explotar. Este es el aspecto fuerte de ‘La Chancha’, logrando que el espectador jamás pueda reclinarse con tranquilidad en su butaca.

Un elenco acotado en el que todos cumplen con sobriedad y con admirable naturalidad, donde se destacan Meloni y Goity en un duelo que inquieta y convence de igual forma.

Lo Mejor: las actuaciones, la incomodidad y el suspenso.

Lo Peor: queda la sensación de que algunas situaciones podrían haberse exhibido de otra forma.

Puntaje: 7,5 Alancitos Confrontados sobre 10

Riders of Justice

2021-08-30T10:51:00.005-07:00

Propuesta danesa que cuenta con el gancho de poseer a Mads Mikkelsen como un militar recio de pocas pulgas, que regresa a su casa de urgencia para estar con su hija Mathilde (Andrea Heick Gadeberg), tras la trágica muerte de su esposa en un accidente de tren.

‘Riders of Justice’ se vale de un humor bastante ácido, por lo que la comedia negra pareciera ser el género que prevalece en esta historia en la que las sorpresas están a la orden del día, dado el ingenio de su realizador, Anders Thomas Jensen, para darle unas buenas vueltas de tuerca al asunto.

¿Qué tanto hay de casualidad y qué tanto de algo planificado minuciosamente en aquel evento calamitoso? Es aquí donde interviene Otto (Nikolaj Lie Kass), un eximio matemático que hace malabares con las estadísticas para intentar atar cabos (con enfoques de los que surgen diálogos interesantes y hasta reflexivos cuando se toca el drama). Lo acompañan Lennart (Lars Brygmann) y Emmenthaler (Nicolas Bro), conformando el apartado de mayor chispa y excentricidad del film, por los personajes estrafalarios que componen. Cualquier cosa puede ocurrir ante cada participación de estas impredecibles figuras y son quienes aportan las mejores secuencias de risas.

Más allá del halo cómico y burlón que posee la cinta, también hay lugar para el thriller e incluso para unas más que apreciables escenas de acción, donde la tensión tiene su trabajo relevante. Es en esta variedad donde Jensen encuentra la forma de mantener y por qué no hasta sorprender al espectador, cambiando un poco el tono.

‘Riders of Justice’ tiene sus irregularidades y no logra trascender (quizá tampoco sea el objetivo), pero entretiene y resulta ocurrente, políticamente incorrecta y audaz en sus modos, por lo que acaba dejando un buen sabor.

Lo Mejor: varios momentos de humor, el trabajo siempre sólido de Mikkelsen y la rareza de los personajes. La mezcla de géneros.

Lo Peor: funciona como entretenimiento, sin que vaya a quedar como una proyección memorable o de alto calibre.

Puntaje: 7,3 Alancitos Expertos en Estadística sobre 10

Stillwater - Crítica

2021-08-25T06:02:00.006-07:00

En ‘Stillwater’, Tom McCarthy mixea géneros. Si bien aborda la mayor parte del relato desde el drama, no le tiembla el pulso cuando incursiona en el thriller, regalándonos unos buenos momentos cargados de tensión. Tampoco desentona cuando se lanza hacia el romance y allí, junto al lado dramático, emociona con gran naturalidad.

En esta propuesta vemos a Matt Damon en la piel de Bill Baker, un operario que viaja a Marsella para visitar a su hija (Abigail Breslin), quien se encuentra en prisión por un asesinato que jura no haber cometido. Su padre hará todo lo posible para demostrar la inocencia de la joven.

Un poco menos de dos horas y media de metraje (probablemente lo único “reprochable” de un film que cuenta con algunas escenas de relleno) de visionado ameno, por lo que cabe destacar la buena mano narrativa del realizador de obras como ‘The Cobbler’ y la ganadora del Oscar ‘Spotlight’.

Olvidémonos del Damon carismático y con mucha picardía al que nos acostumbramos a ver, dado que aquí, en ‘Stillwater’, su caracterización como un tipo tosco y de pocas palabras resulta sumamente convincente y distinta de todas las actuaciones que venía dando. El bueno de Matt se carga la cinta al hombro, con la cámara enfocándolo todo el tiempo (así como sucedía en ‘The Martian’), brindando una de las mejores (o quizá la mejor) interpretaciones de su carrera.

Existen pasajes previsibles y otros en los que se dan giros muy bien ejecutados, pero la principal virtud de la historia reside en que ninguna situación se percibe forzada, pudiendo pasar de un evento dotado de mucha tensión (hay una secuencia con mucha adrenalina que puede recordar a ‘El Secreto de sus Ojos’) a otro de drama sin ningún tipo de complicaciones en esa transición.

Breslin se desenvuelve con mucha solidez, como de costumbre, al igual que Camille Cottin, de sentida labor, pero quien se roba la atención de todos y sorprende es la pequeña Lilou Siauvaud.

Con todos los condimentos mencionados y con sencillez y seguridad en su andar, ‘Stillwater’ inquieta, conmueve y acaba resultando una película redonda.

Lo Mejor: Damon en un rol distinto, las actuaciones en general. La revelación en la labor de Siauvaud. Cada género está abordado con mucha naturalidad.

Lo Peor: la historia podría haberse contado en menos tiempo.

Puntaje: 8,5 Alancitos Viajantes a Marsella sobre 10

Your Honor - Crítica

2021-08-24T07:59:00.008-07:00

Las miniseries a veces terminan resultando más atrayentes al saber que no se extenderán temporadas y temporadas con un estiramiento de situaciones que, en muchas ocasiones, acaban difuminando la esencia de la historia, poniéndola en riesgo para el seguimiento del espectador.

En ‘Your Honor’, el relato consta tan solo de diez episodios poseedores de una más que apreciable dosis de suspenso, elemento que se aprovecha de gran forma en el primer capítulo, en donde la fuerza de enganche es muy elevada.

Bryan Cranston interpreta a un juez de Nueva Orleans, cuyo hijo se ve involucrado en un atropello y fuga. Las cosas se complican cuando se descubre quién era la víctima y su oscuro entorno familiar.

Se trata de un thriller de manual y de un sugerente ejercicio de intriga, en el que los finales están presentados de modo tal que cada uno de ellos funcione como una invitación adictiva a darle play al siguiente evento. En esto, mucho tienen que ver los embrollos, enredos y obstáculos que se van sorteando y la pregunta que se instala desde el inicio hasta el final: ¿hasta dónde es capaz de llegar un padre para encubrir a su hijo?

Hay algunas vueltas de tuerca que pueden llegar a parecer bastante cuestionables o no del todo verosímiles, pero es fácil perdonarle esos pequeños baches a la creación de los realizadores Peter Moffat y Edward Berger cuando la cara visible y casi omnipresente es la de Cranston, quien una vez más lo da todo con otra actuación superlativa. Su personaje está lleno de matices y eso, para alguien tan versátil como nuestro querido Walter White de ‘Breaking Bad’, magnetiza y convence a cualquier mortal que esté del otro lado de la pantalla.

Lo interesante, también, de ‘Your Honor’ radica en los giros que se van dando (algunos bien ejecutados y otros un poco más traídos de los pelos), rompiendo la idea inicial que uno se puede hacer tras el visionado del primer episodio, con varias hipótesis acerca de cómo pueden llegar a terminar las cosas (hay sorpresas fulminantes hacia el desenlace).

En esta entretenida producción, es imposible dejar afuera de mención a ese gran artista (poco reconocido, injustamente, como se merece) que es Michael Stuhlbarg: su tarea es sumamente destacable, cumpliendo con excelencia como un capo mafia que no tiene escrúpulos para conseguir y asolar contra lo que sea. El protagonista de la controvertida ‘A Serious Man’, se bate a duelo con Cranston y mete miedo con sus agudas miradas y con sus arranques de ira desmesurados. Acompañan, la siempre sólida Carmen Ejogo y el joven Hunter Doohan.

Lo Mejor: lo llevadera que se hace la historia, con sus giros y con su final. Las actuaciones, principalmente las de Cranston y Stuhlbarg.

Lo Peor: algunas resoluciones cuestionables.

Puntaje: 8,5 Alancitos Jueces sobre 10

Pig - Crítica

2021-08-19T06:03:00.005-07:00

Resulta difícil clasificar a ‘Pig’, cinta en la que Nicolas Cage interpreta a un solitario cazador de trufas que vive aislado de la ciudad junto a su cerda, quien lo acompaña diariamente a recolectar dichos hongos, hasta que un día es secuestrada.

Se trata de un drama con tintes de thriller de venganza en el que se respira un espíritu indie y en el que el espectador no sabe con qué se puede llegar a encontrar, teniendo en cuenta el misterio que emana de la figura de nuestro protagonista, a quien iremos descubriendo lentamente conforme avanza el relato.

Michael Sarnoski presenta su ópera prima con un andar manso en cada secuencia que exhibe en pantalla. Todo se percibe calmo, intrigante y de a ratos pareciera cobrar mayor relevancia lo absurdo, dado las situaciones algo extrañas que se van dando. Es allí, en ese desconcierto ante secuencias impensadas, donde ‘Pig’ pareciera adquirir un halo hipnótico que nos sumerge en la historia, a fin de querer comprender hacia dónde se dirige para su resolución.

La interpretación de Cage resulta uno de los atractivos esenciales y da gusto verlo en un papel de este tipo, donde el flanco dramático es el principal en una película algo intermitente que hacia su desenlace libera su lado más conmovedor y convincente, dejando en claro que, en el fondo, es una obra con corazón.

Lo Mejor: la actuación de Cage y la intriga que va generando.

Lo Peor: existen momentos que desentonan. Irregular en su andar.

Puntaje: 6,5 Alancitos Recolectores de trufas sobre 10

THE SUICIDE SQUAD - CRÍTICA

2021-08-12T07:31:00.007-07:00

Tras la decepción que muchos fans se llevaron con la cinta de David Ayer en el 2016, ‘The Suicide Squad’ llega de la mano de James Gunn con un tráiler prometedor y arrasador estéticamente (algo que también había ocurrido con la obra del realizador de ‘Fury’).

La libertad que se le dio aquí a quien estuvo detrás de la cámara en la entretenidísima y fresca saga de ‘Guardians of the Galaxy’, se recibe con los brazos abiertos, dado que cualquier cosa puede ocurrir en este festival de acción desmesurado que salpica la pantalla de sangre a chorros, sin ningún tipo de tapujos.

Personajes alocados y con mucho carisma que desfilan durante las dos horas y pico de duración de esta entrega de DC, en la que Margot Robbie, si bien cumple con creces, no es eje ni centro de atención absoluto. En este punto fuerte del film, es fácil empatizar con líderes como Bloodsport (Idris Elba) y Peacemaker (sorprende John Cena), así como también con personalidades tan variadas como las de Ratcatcher 2 (Daniela Melchior), Polka-Dot Man (David Dastmalchian) y King Shark (con la voz del bueno de Sylvester Stallone), entre otros.

Otros de los puntos fuertes de ‘The Suicide Squad’ están en un soundtrack rabioso, en el montaje (principalmente en las escenas de acción, con movimientos de cámara que se ralentizan y se aceleran, dependiendo la situación) y en un laburo artístico que embelesa cada una de las secuencias por su poderío visual.

Puede que existan unos cuantos chistes zonzos que desentonan (he aquí la irregularidad para mantener el nivel en cuanto al humor que James Gunn le imprime a este film) y algunas cuestiones de guion que se limitan únicamente al ofrecimiento de un concierto pochoclero y rimbombante.

DC parece adoptar la fórmula que tan buenos resultados le dio a Marvel, añadiéndole la osadía propia de ‘Deadpool’, con esas pinceladas de gore que muchos fanáticos agradecerán y disfrutarán, dejando así una imagen que supera a la película del año 2016.

Lo Mejor: la frescura de los personajes, cada uno de ellos con un carisma que contagia. El apartado visual y la libertad para los excesos.

Lo Peor: funciona exclusivamente como mero ejercicio de acción comercial.

Puntaje: 6,8 Alancitos Loquillos sobre 10

MARE OF EASTTOWN - CRÍTICA

2021-07-06T07:35:00.006-07:00

Miniserie. 7 episodios de una duración aproximada de 60 minutos cada uno.

Kate Winslet como detective de un sitio en donde todos se conocen. Pueblo chico, infierno grande.

Nuestra protagonista parece llevar una carga grande, viviendo día a día sin demasiada motivación, aferrándose a su trabajo para tapar unas cuantas cuestiones que con el correr de los capítulos se van descubriendo.

Se investiga un asesinato en el que varias cosas no cierran. Cabos sueltos, sospechosos por doquier y complicaciones de todo tipo. Se trata de un policial casi de manual, pero sumamente bien ejecutado, con un ritmo calmo pero llevadero que posee la cualidad de explorar con profundidad la psicología de los personajes en ese viraje hacia el flanco dramático del relato.

Mare of Easttown 'se las ingenia para crear climas oscuros y desolados que pueden recordar, de a ratos, a la magnética primera temporada de' True Detective 'y' The Killing ', por el tono y el ritmo con que se exhiben los acontecimientos. Craig Zobel, su director, nos regala finales que invitan a darle play, de inmediato, al siguiente episodio.

La dupla que conforman Winslet y Evan Peters va en escala creciente en cuanto a la química que emanan ya lo bien que se los percibe en pantalla cada vez que se ven juntos en escena. El joven que supo lucirse en cintas de 'X-Men' y en 'American Animals', entre otras, mantiene el carisma innato; por otra parte, a Kate le basta con sus miradas y sus expresiones para transmitirnos sensaciones de todo tipo.

Es cierto que la serie recae en determinados clichés propios del género pero también es correcto mencionar que porta una fórmula que engancha y nos mantiene en vilo, de modo que su visionado sea ligero e hipnótico.

Siempre son bien recibidas las vueltas de tuerca en todo policial / thriller que involucre un misterio a resolver, y en 'Mare of Easttown' están a la orden del día y ninguna de ellas se siente forzada en su ejecución.

HBO nos deleita, una vez más, con una de las series más significativas del 2021, en donde el plus (o el gancho principal) reside en la maravillosa interpretación de Kate Winslet, quien es capaz de emocionar a cualquiera con su admirable y convincente gestualidad.

Lo Mejor: que nos mantiene enganchados hasta su desenlace. No se queda en el simple policial y también explota el drama. Winslet, palabras mayores.

Lo Peor: en algunas instancias se explica de más.

Puntaje: 9 Alancitos Detectives sobre 10.

NO SUDDEN MOVES - CRÍTICA

2021-07-05T06:43:00.006-07:00

Soderbergh se vale de un reparto de lujo para construir un thriller ambientado en los años 50, donde los intérpretes le otorgan un plus, a partir del carisma con el que componen sus personajes.

Con Don Cheadle y Benicio del Toro a la cabeza, 'No Sudden Move' resulta una obra llevadera en donde las cosas se complican mucho antes de la cuenta, permitiendo que este ejercicio de crimen adquiera algunos pasajes de comedia en tramos puntuales.

Existen cuestiones que resultan familiares y elementos que nos recuerdan a 'Ocean's Eleven', así como también determinadas secuencias en las que el director nos sumerge en una especie de enredadera que puede llegar a dificultar, levemente, el armado del rompecabezas.

Giros por doquier y situaciones que vaniendo adquiriendo mayor fuerza de enganche hacia el desenlace para redondear una película que cumple pero que probablemente no esté a la altura de los mejores trabajos del realizador de 'Sex, Lies and Videotape'.

Lo Mejor: el elenco en su totalidad y el apartado técnico.

Lo Peor: no ofrece nada novedoso en el género.

Puntaje: 7,3 Alancitos Maleantes de poca monta sobre 10.

Dunkirk - Crítica

2017-07-29T13:36:00.001-07:00

Christopher Nolan ha transitado por diversos géneros al mando del guión y de la dirección, obteniendo siempre un resultado por encima de la media en calidad técnica, artística y narrativa, pese a que una gran cantidad de detractores se esmere en querer demostrar lo contrario despotricando contra cada una de las obras del director de Memento.

Dunkirk es tal vez la cinta que, de antemano, mayor incertidumbre podía llegar a generar en el espectador, puesto que se trata de una historia basada en hechos reales. Nolan se estaba encontrando, además, frente a un desafío importante y ante una valla difícil de pasar, teniendo en cuenta que nunca había abordado la temática relacionada a lo bélico. Es que los relatos de guerra suelen tener puntos en común y generalmente no se trata del género que más prefiere el público.

Puede que no sea la mejor proyección del cineasta británico, pero posiblemente sí se trate de la más madura de su filmografía, la más terrenal, por así decirlo. Existen muchos factores que se conectan entre sí para acabar cerrando una película redonda, realmente admirable y apasionante para los sentidos.

Sabemos que el creador de Inception tiene una especie de debilidad y facilidad para jugar con los tiempos, algo que demostró en la recientemente mencionada, también en Interstellar y en Memento. En esta ocasión vuelve a innovar para contar lo sucedido a través de tres historias que acontecen en diferentes escenarios y con duraciones distintas, pero son congruentes entre sí. Y lo hace con maestría, sumergiéndonos en cada una de las tramas a grandes niveles de enlace y con recursos variados que sobresalen tanto a nivel técnico como narrativo.

Dunkirk no se trata de un sinfín de secuencias estruendosas y sangrientas como quizás nos hayamos acostumbrado, en cierto modo, a visualizar en cintas que ahonden en la temática. El film sobre la operación Dinamo nos mete de lleno en la desesperación y en la angustia de los soldados ante una enorme adversidad. Para ello, se complementan a la perfección la fuerza de las imágenes, las sobrias actuaciones y la banda sonora de Hans Zimmer (apabullante, aguda y penetrante). Este último elemento juega un papel fuerte para acrecentar los niveles de rigidez que se exponen en pantalla.

Bellísima artísticamente, con una excelente utilización de planos que cumplen con su cometido a la hora de denotar asfixia, exasperación y emotividad a la vez, la obra de Nolan conquista y enerva. La tensión está muy bien lograda gracias a la presentación de situaciones que de tan claustrofóbicas se hacen sentir con gran peso. La cualidad para crear una atmósfera de nervio que ocasionan está cuidadosamente dosificada en cualquiera de los escenarios en los que se desarrolla la historia: en cada uno de ellos hay un punto de inflexión o motivo de complicación.

Interesante resulta lo llevadero que se torna cada pasaje de lo que se nos cuenta casi prescindiendo de los diálogos; sin la necesidad de rellenar espacios con habladurías vacías, el peso recae en las expresiones de los rostros, en lo sonoro y en la sucesión de hechos desfavorables que ocurren conforme el avance del film.

Un reparto a la altura de las circunstancias (sorprende el jovencito Fionn Whitehead) como otro de los componentes a mencionar, aunque algún que otro leve declive en determinados tramos (por buscarle el lado negativo) cierran la generalización, a grandes rasgos, de lo que deja Dunkirk, siendo de esas proyecciones que maduran mejor en la mente a medida que pasan las horas, encontrando detalles significativos.

Lo Mejor: la forma elegida para contar la historia. La banda sonora, la fotografía y la calidad artística del film.

Lo Peor: alguna intermitencia de enlace en ciertos tramos.

Puntaje: 8,9 / 10

Top 5 – M. Night Shyamalan

2017-07-12T15:43:00.004-07:00

M. Night Shyamalan ha sabido ganarse el respeto y la admiración del público del mismo modo en que supo perderlo tras una serie de películas que, bajo su dirección, nada tenían que ver, en nivel, con lo que había cosechado en sus comienzos.

Tras una leve mejora con la cinta de bajo presupuesto denominada ‘The Visit’, el hindú pareciera ir resurgiendo, escalando un poco más con su último lanzamiento, ‘Split’, que dio bastante que hablar.

A continuación, el Top 5 de su filmografía…

5. ‘Split’ (7/10) – Año 2016

Un thriller con matices variados que conquista desde su tráiler. El peso del film recae en James McAvoy, quien termina brindando una actuación sobresaliente abordando un personaje con 23 personalidades distintas. Su continuo cambio de registro resulta sumamente hipnótico.

Una historia con altibajos que encuentra en su inesperado desenlace un plus y guiño especial para el espectador.

4. ‘The Village’ (7,7/10) – Año 2004

Probablemente la cinta más controversial de la filmografía de Shyamalan. De amores y odios, ensalzada por muchos y detestada por otros.

Relata la vida de los habitantes de un pequeño pueblo caracterizado por poseer unas reglas bastante particulares. El temor por los seres que viven en los bosques cercanos es el factor más intrigante y oscuro del film.

El director consiguió crear una atmósfera atrapante, manteniendo en vilo al público y brindándole un sorprendente e ingenioso final que dividió opiniones.

3. ‘Unbreakable’ (8/10) – Año 2000

El avance de la película mostraba un accidente de tren en el que todos los pasajeros mueren a excepción de uno, que sale ileso. El intrigante planteo y la presencia protagónica de Bruce Willis se convirtieron en un combo perfecto a la hora de atraer gente a las salas de cine.

Thriller cocido a fuego lento, con un toque de resolución especial en cuanto al descubrimiento del factor más atrayente y enigmático de su narración.

Sobrias actuaciones de Willis y Samuel L. Jackson al servicio de una historia contada con un pulso firme y magnético. De las proyecciones más valoradas en la carrera del cineasta de origen indio.

2. ‘Signs’ (8,3/10) – Año 2002

Mel Gibson y Joaquin Phoenix como hermanos en un relato de vida rural enfocado hacia el género fantástico al incluir la llegada de extraterrestres. Dos figuras que conectan y se complementan de gran forma en sus papeles.

El desarrollo de lo que se cuenta no sólo se limita a la generación de suspenso ante la duda de cómo puedan actuar los alienígenas; las cuestiones morales, de fe y religiosas entran en juego también en un film en el que los momentos de tensión se entremezclan con los dramáticos, cubriendo así un amplio espectro de situaciones, inclusive apelando a algunos toques de humor en determinados pasajes que amenizan aún más su visionado.

1. ‘The Sixth Sense’ (9/10) – Año 1999

“Veo gente muerta” es una de las frases más recordadas de la obra que catapultó a Shyamalan a la fama. Pronunciada por Haley Joel Osment, aquel niño de mirada peculiar que tan bien bordó su papel y que luego de algunas intervenciones más en la industria cinematográfica (‘A. I. Artificial Intelligence’, por citar un ejemplo), se fue alejando de ella. Bruce Willis lo acompañó con la solidez que lo caracteriza en una cinta oscura en donde reina, como factor principal, el misterio.

Algunos toques de suspenso y terror alimentan una atmósfera inquietante que supo mantener en vilo al espectador, atornillado en la butaca a la espera de la resolución de la historia.

Guión redondo, donde cada pieza encaja a la perfección. Película en donde los detalles deben ser atendidos con esmero y concentración.

En ‘The Sixth Sense’ el director hindú mostró una de las habilidades que mejor maneja (quizás su especialidad), que luego fue repitiendo (en menor magnitud, es cierto), dada en la capacidad de descolocar y sorprender a partir de finales impensados.

Testigo íntimo - Crítica

2015-11-28T17:48:00.000-08:00

Hermanos, adulterio y crimen

Testigo íntimo representa la segunda película en la filmografía de Santiago Fernández Calvete, también a cargo del guión. Se trata de un policial en el que la intriga se encuentra bien dosificada, siendo tal vez uno de los componentes que más atrae al espectador, manteniéndolo en vilo hasta el final.

Facundo (Felipe Colombo) es un joven abogado que trabaja para el estudio de su suegra (Graciela Alfano). Su vida comienza a sufrir altibajos, tanto en lo que concierne al ámbito laboral como en lo que respecta a lo sentimental. Este último aspecto es el que se torna más importante e inquietante, puesto que Facundo lleva una relación clandestina con Violeta, la pareja de su hermano Rafael.

Vale la pena remarcar la apreciable labor realizada por el director, quien nos sumerge en los hechos combinando una puesta en escena prolija y cautivante con una historia que, más allá de algunas irregularidades, se percibe entretenida y enigmática en virtud de lo que el observador intente vaticinar que pueda llegar a ocurrir con el correr de los minutos. Es aquí, en el apartado volcado a la intriga, donde Testigo íntimo saca mayor provecho: el crimen es abordado desde diferentes ángulos que nos permiten reflexionar acerca de la presencia cada vez más omnipresente de la tecnología (cámaras de seguridad, redes sociales, mensajes de texto), así como también sobre el componente afectivo y los lazos familiares, en este caso entre los hermanos y sus respectivas relaciones de pareja, con todo el embrollo que se da en la trama vinculado a la infidelidad. Los secretos parecen ir difuminándose en tiempos tecnológicos.

Si bien la obra tan sólo dura poco más de hora y media, es en el nudo de la narración donde las cosas se vuelven un poco menos atrayentes por la dificultad que se siente, desde este lado de la pantalla y por parte del relato en sí, para generar un clima de mayor desasosiego y de menor nivel reiterativo.

En el tramo final, Santiago Fernández Calvete dota a su proyección de nervio, arribando al máximo grado de conexión y de expectativa. Es allí, en el desenlace, donde Testigo íntimo consigue redondear una performance positiva valiéndose de unas vueltas de tuerca ingeniosas y poco esperadas, de esas que necesita un thriller para revalorizarse y dejarnos una buena sensación de conformidad.

LO MEJOR: el nivel de intriga que conserva. El cierre, con sus giros.

LO PEOR: intermitente en determinados pasajes. La música desentona en algunas secuencias.

PUNTAJE: 6,5

The Visit - Crítica

2015-10-04T19:01:00.000-07:00

Extraños anfitriones

Hace bastante que las proyecciones de M. Night Shyamalan vienen dejando un sabor bastante amargo en el público. El efecto es peor cuando el rechazo se produce en quienes se autodenominaron como seguidores de las obras cinematográficas del director de The Sixth Sense.

El caso de The Visit, representa una suerte de redención, puesto que el hindú, sin forzar las situaciones y con un estilo para nada pretencioso, consigue recuperar parte de la esencia del buen cine que lo supo caracterizar al menos en sus primeras cintas (incluyendo a The Village). También es una demostración de que con bajo presupuesto se puede obtener un resultado interesante y cautivador a la vez.

La historia se centra en dos pequeños hermanos que van a visitar a sus abuelos, sin haberlos conocido antes, por un problema familiar que los alejó de su madre. Los niños filman todo lo que viven como experiencia allí. La regla impuesta por los ancianos radica en que los jovencitos deben acostarse a las 21:30 hs. y no salir de su habitación a partir de ese horario. Lo que van descubriendo empieza a tornarse cada vez más retorcido.

Shyamalan recurre a una especie de falso documental para abordar el relato, diferenciándose de diversas piezas del género de terror al añadirle unas cuantas pizcas de humor que funcionan como un canal que hace más llevadero el asunto. Estos toques humorísticos con los que el realizador adorna la película son los que aportan frescura y separan a la obra de otras que, en un intento serio por suscitar temor, acaban resultando unilaterales, monótonas y carentes de impronta o creatividad. Es una clara y buena muestra de cómo valerse del empleo de un recurso tan utilizado (y cada vez de forma menos efectiva) como el "found footage", al servicio de una historia simple pero contada de manera socarrona, intrigante y levemente aterradora.

Los pequeños Olivia DeJonge y Ed Oxenbould sostienen, a lo largo de todo el film, sus interpretaciones muy convincentemente, algo que suma de cara a la valoración final de The Visit. Más allá de lo mencionado y de unos apreciables sustos (sencillos pero prácticos), queda la impresión de que se pudo haber pulido un poco mejor el desenlace. En líneas generales pesa más lo positivo y, dentro de ello, queda la mecha encendida para que a partir de aquí el director continúe remontando en sus próximos proyectos.

LO MEJOR: la historia, sencilla, pero abordada desde la intriga, el terror y la comedia.

LO PEOR: el cierre, no convence netamente.

PUNTAJE: 7

Maze Runner: Prueba de Fuego (Maze Runner: The Scorch Trials) - Crítica

2015-09-24T16:46:00.001-07:00

Más corridas, menos entusiasmo

Maze Runner: Prueba de Fuego termina dejando una sensación muy diferente de la que supo causar en el espectador la entrega precedente, también bajo la dirección de Wes Ball. La frescura y el grado de sorpresa que distinguieron a aquella pieza cinematográfica que abría la saga se ausentan en esta segunda edición, o al menos lo que se visualiza en pantalla se percibe, a medida que los minutos pasan, como cada vez más insustancial.

Thomas (Dylan O’Brien) tendrá que buscar, junto a sus compañeros, pistas sobre la poderosa organización conocida como CRUEL, a fin de desenmascarar los planes que los superiores de este orden vienen engendrando.

Tras un comienzo entretenido y bien dosificado de intriga en relación a lo que experimentan nuestros protagonistas, la cinta logra mantener la expectación gracias al ritmo trepidante que porta. En la primera mitad del film el observador puede sentir entusiasmo y conformidad, producto de las largas maratones que Thomas y compañía llevan a cabo huyendo de acechantes de todo tipo. También es factible que gran parte del público pueda sentir, siguiendo con este último punto, que la diversidad de elementos antagónicos que ponen el asunto en apuros, desde la persecución de Janson (Aidan Gillen) y su entorno hasta la embestida de zombies (sí, extrañamente emergen zombies) resulte algo traída de los pelos o, a primera impresión, de apariencia inconexa en parangón con lo que se podía esperar de su desarrollo. Es así como la historia se sumerge en un peculiar cóctel de acontecimientos y sujetos o especies variadas, poniendo en riesgo nuestras expectativas creadas de antemano.

Es cierto que, de todos modos, se trata de una adaptación de la saga literaria de James Dashner y sus componentes fueron ideados en la obra. No obstante, en el salto a la pantalla grande existen cuestiones no abordadas de la mejor forma, algo que irremediablemente atenta contra la proyección en sí, debilitando gradualmente la urdimbre sobre la que se había tejido el relato al principio.

Uno de los problemas más notorios de Maze Runner: Prueba de Fuego radica en la manera en que los eventos de mayor precipitación se resuelven: la aparición de cualquier factor que salve a uno u otro personaje a último momento se aplica con tanta reiteración que lo que más se consigue es el agotamiento del recurso y, como consecuencia de ello, la pérdida del factor sorpresa.

La cinta de Wes Ball se encuentra partida en dos: una porción, la que nos enseñan al arranque de la película, es disfrutable, inquietante y enérgica; por lo contrario, el fragmento restante que ocupa espacio desde la mitad hasta el desenlace, resulta más pesado, previsible y falto de fibra.

LO MEJOR: la primera mitad del film. La grata presencia de Giancarlo Esposito (el gran Gustavo Fring de Breaking Bad).

LO PEOR: pierde fuerza conforme avanzan los minutos. Algunas actuaciones no convencen ni generan empatía.

PUNTAJE: 5

Lost River - Crítica

2015-09-21T15:09:00.001-07:00

Fantasía y pesadilla

Ryan Gosling toma el mando en la dirección (y en el guión) de Lost River, película que representa su ópera prima detrás de las cámaras. El protagonista de Drive deja entrever un estilo peculiar y arriesgado al valerse en casi todo momento de climas sombríos, desoladores y sumamente extravagantes.

El film nos remite a la vida del personaje que compone Christina Hendricks, aquí en la piel de madre de dos hijos en un sitio en el que el panorama es cada vez más angustiante. El mayor de ellos descubre una ciudad subacuática y una serie de misteriosas cuestiones que la rodean. Este intentará salvar a su familia de la desfavorable realidad que soportan cotidianamente.

Lost River parece beber del surrealismo que supo crear David Lynch para sumergirnos en un relato que en ciertos pasajes se vuelve curiosamente hipnótico. Muchas de las escenas que Gosling nos enseña están bañadas de perversidad, como incluso ocurre con algunos de los personajes que conforman la historia. De hecho, uno de ellos hasta podría compararse con aquel encarnado por Dennis Hopper en Blue Velvet, clásico de culto de los ochenta.

Pero en ese extraño mundo que se nos presenta no todo tiene el mismo nivel de conexión. El espectador puede llegar a impactarse por el aspecto visual de la cinta (sobre todo por el trabajo de fotografía) pero también puede sentir que está frente a un producto cuyo entretenimiento es irregular. Existen pasajes que condicionan la valoración del público por su exceso de densidad. Una ciudad que a cada instante se percibe oscura, brumosa y varios habitantes que sienten atracción por el morbo derivado de unos exóticos actos que se dan en una suerte de club nocturno. Cualquier cosa puede pasar. El ahora también director explora de una manera metafóricamente retorcida las mentes humanas, los vicios y unos cuantos asuntos que se entremezclan entre la fantasía y lo onírico que ofrece continuamente la narración. Un ambiente podrido, triste y malsano.

Lost River es una película tan difícil de analizar como de clasificar. Tal vez se trate de dejarse llevar, de ser transportado a una sucesión de sensaciones diversas, confusas y magnéticas. En instancias puede que los acontecimientos suenen ilógicos, descabellados, pero la premisa de la proyección no pasa por brindar secuencias que formen parte de un guión sólido sino más bien por intentar sugerir una experiencia extraña, surrealista y distinta del común de las historias.

Actuaciones correctas, sin una acentuada profundización en los personajes. Probablemente Christina Hendricks sea la más destacada aun sin brillar en su papel. Si bien la obra de Ryan Gosling peca por la constante lentitud de los eventos que se sortean y por parecer algo pretenciosa, posee la cualidad de no dejarnos indiferentes.

LO MEJOR: lo curiosamente magnético que resulta en determinados momentos el film.

LO PEOR: difícil de clasificar. En algunos pasajes la cinta se hace interminable.

PUNTAJE: 4,9

Cop Car - Crítica

2015-09-12T10:32:00.000-07:00

Juego de niños

Cop Car, la propuesta de Jon Watts (director de Clown), contiene la pausa, el tono y el relajado andar que suele caracterizar, entre otras cosas, a muchas obras de cine independiente. Se trata de una pieza pequeña pero efectiva, revitalizada por la presencia que presta el siempre cumplidor Kevin Bacon. Diferente habría sido el resultado de la cinta (y el interés del espectador en verla) si no estuviese el mencionado actor como aliciente más destacado, en el protagónico y como cara visible del póster de la película.

La historia comienza enseñándonos cómo dos pequeños matan el tiempo caminando por los solitarios sitios de un pueblo, dando rienda suelta a lo que se desprenda de sus mentes aventureras. Todo parece inocente, agradable, hasta que encuentran un coche de policía aparentemente abandonado y deciden subirse para dar una vuelta. A partir de ese punto de inflexión y principalmente cuando el guardia (Kevin Bacon) descubre que su vehículo no está donde lo había dejado, las cuestiones se van tornando más tensas.

Lo interesante de Cop Car radica en el hecho de cómo se pueden complicar las cosas abruptamente desde lo que en teoría podría describirse como una simple travesura de niños. Los jovencitos, a su temprana edad, sólo quieren divertirse y fantasear con que manejan un auto, sin tomar verdadera conciencia de lo que están haciendo. El asunto se vuelve más problemático a medida que vamos conociendo el comportamiento del sheriff, quien se encarga de realizar una persecución cada vez más aguda.

Jon Watts demuestra sus dotes como director a través de un elogiable manejo de cámara, regalándonos una buena cantidad de planos interesantes al servicio de una especie de thriller rural que con el correr de los minutos gana puntos, tanto en la rigidez del relato como en entretenimiento.

Cop Car conserva la intriga acerca de cómo puede llegar a resolverse el embrollo en el que se metieron los pequeños, así como también juega con acrecentar el suspenso al guardarse algún que otro giro sencillo pero funcional a todo aquello que complique, todavía más, los acontecimientos.

A pesar de la escasa duración del film (menos de hora y media), queda la sensación de que la historia pareciese propia de un corto antes que de un largometraje. Tal vez hacia el desenlace, se palpa una cierta dificultad para darle un cierre conciso y convincente a la obra.

LO MEJOR: entretenida. La idea original en sí. El rol de Bacon.

LO PEOR: una propuesta menor que no termina siendo explotada por completo.

PUNTAJE: 6,2

Southpaw - Crítica

2015-08-29T11:07:00.001-07:00

El último uppercut

Southpaw, el flamante trabajo de Antoine Fuqua (Training Day, The Equalizer) es un drama de boxeo casi estereotipado que aparenta beber de varias fuentes propias de obras cinematográficas similares. Se trata de una historia tal vez poco novedosa, pero volcada en la gran pantalla de forma correcta, prolija e incluso entretenida, que se sostiene principalmente por la soberbia actuación (otra vez) de Jake Gyllenhaal. El acompañamiento de los secundarios conforma también un lugar importante.

Billy Hope (Jake Gyllenhaal) es un boxeador en ascenso que, tras mucho esfuerzo (y sangre derramada durante cada noche de pelea arriba del ring), vive en una mansión con su esposa Maureen (Rachel McAdams) y su pequeña hija Leila (Oona Laurence). De a poco, todo comienza a complicarse desde el aspecto económico hasta el relacionado con los afectos. Además (lo más significativo) un trágico episodio da vuelta por completo las cosas, desmoronando la vida de Billy, quien deberá comenzar de cero para sobreponerse y salir a flote.

Fuqua aborda un relato predecible, tal vez con muchos lugares comunes y situaciones que dan la sensación de que ya las hemos visto antes. Los diálogos en Southpaw tampoco son memorables; se trata simplemente de una narración acentuada por el intenso dramatismo que supone el hecho de perderlo todo de un momento a otro, de caerse y tocar fondo. El desafío radica en volver a levantarse. La esperanza, la fe en uno mismo, los valores y los códigos aparecen en una buena cantidad de pasajes para remarcarnos la lucha constante de nuestro protagonista ante una realidad que lo ha golpeado más duro que cualquier otro adversario dentro del cuadrilátero. El director, aprovechando lo que caracteriza a la narración y a la temática en sí, toma algunos elementos de proyecciones (y personajes de estas) semejantes y los planta en escena, permitiendo así que el espectador, casi de forma automática, pueda encontrar en Southpaw referencias o ciertas similitudes en relación a films tales como Rocky o Million Dollar Baby, por citar dos ejemplos.

Mención especial merece Jake Gyllenhaal, puesto que su labor aquí es tan grande y sentida que deja en evidencia que sin su colaboración la cinta sería mucho más olvidable e intrascendente de lo que en verdad se percibe. El actor de Brokeback Mountain supo conquistar como un detective con tics nerviosos en Prisoners, así como también cautivó a través de un doble juego de personalidades en la intrigante Enemy. Ni que hablar del sociópata ojeroso e inescrupuloso que compuso para personificar a Louis Bloom en Nightcrawler. En esta oportunidad y con un nuevo cambio físico, Gyllenhaal encarna a un boxeador parco, hundido en la angustia y con una ira acumulada que amenaza a cada instante con salir a la luz. Lo admirable no radica sólo en su virtuosa, sobresaliente y conmovedora interpretación, sino además en la capacidad que posee para no repetir siquiera un gesto de los roles que le hayan tocado desempeñar con anterioridad.

Más allá de una continua inclinación hacia lo dramático e incluso a pesar de pasarse un poco de la dosis justa de acontecimientos en los que emerge el golpe bajo, Southpaw convence y entretiene. La emotividad se fusiona con la tensión y la adrenalina que poseen las secuencias de boxeo (muy bien rodadas).

LO MEJOR: la brillante actuación de Gyllenhaal. Sólida tarea de Forest Whitaker, principalmente, y secundarios. Conmovedora, una historia bien narrada.

LO PEOR: predecible. Tiende a abusar de las situaciones dramáticas.

PUNTAJE: 7,6

El Clan - Crítica

2015-08-23T13:29:00.001-07:00

La casa del horror

El esperado film de Pablo Trapero, que inquietaba de la misma forma en que motivaba con lo que se podía apreciar en su tráiler, no decepciona. Esencial resulta la mano del director de Carancho para que la narración conserve el interés y mantenga netamente enfocado al espectador. En la balanza, pesa mucho más lo positivo, y dentro de ello vital importancia encuentra el rubro técnico. El rodaje y lo sonoro acaban resultando dos de los aspectos mejor trabajados en la aberrante crónica acerca de la familia Puccio.

Basada en hechos reales y ambientada en la década del ochenta (con determinados apartados que van remarcando el contexto y la época), El Clan introduce al observador en lo que probablemente haya representado uno de los casos policiales más estremecedores de la historia de la sociedad argentina. Arquímedes (Guillermo Francella) es el padre de cinco hijos y esposo de Epifanía. En el interior de la familia Puccio, de apariencia unida y formal para quienes ven desde afuera, se esconde un oscuro clan dedicado al secuestro extorsivo y asesinato de personas. Todo bajo la estructurada, fría y horripilante planificación de Arquímedes, acompañado por dos de sus hijos, Alejandro (Peter Lanzani) y “Maguila”, el militar retirado Rodolfo Franco y sus amigos Guillermo F. Laborde y Roberto Díaz.

El Clan funciona principalmente por la forma en que Trapero nos sumerge en los acontecimientos a través de un pulso narrativo firme. La proyección no requiere de un relato desbordante de nervio para intrigar y cautivar. Su ritmo, en ocasiones pausado, no se presenta como un obstáculo para el visionado de la obra, sino más bien como un ejercicio dotado de misterio que despliega un apreciable halo de magnetismo, producto también de la atmósfera siniestra y del carácter perverso, propio de cada uno de los sucesos que se van exhibiendo.

Destacable es el papel desempeñado por Guillermo Francella, quien incluso después de su rol en El secreto de sus ojos continuó, para muchos, encasillado como un actor cómico. Francella supera altamente el desafío impuesto para encarnar al inescrupuloso Arquímedes. Las dudas que se acumulan al comienzo del film sobre la performance de nuestro intérprete central, se van disipando conforme los minutos pasan hasta evaporarse por completo desde la segunda mitad hacia adelante, instancias en las que el psicópata padre de familia nos muestra, con mayor voracidad, su lado más vil y repudiable. Por otra parte, entre algunos secundarios quizás de tibia labor, el que realmente convence a través de su interpretación es Peter Lanzani.

El empleo de la cámara no es un detalle menor en El Clan. Pablo Trapero se encarga de deleitarnos con algún que otro elegante y sugerente plano secuencia (como el que se puede visualizar en el tráiler) para darle continuidad a una escena, añadirle una pizca de suspenso y a la vez descubrir un determinado hecho. Además, muchos de los pasajes de la cinta ganan puntos extra gracias a un excelente soundtrack (suena desde Wadu Wadu de Virus hasta Tombstone Shadow de Creedence) que se fusiona gratamente con las situaciones que se exponen, otorgándole un nivel más alto de dinamismo y de enlace, algo que contagia y además entusiasma al público.

En un 2015 en el que tal vez no nos hayamos topado con piezas cinematográficas descollantes, El Clan emerge como una apuesta fuerte, que se vale de una historia narrada sólidamente y poseedora de un final sobrio, admirable.

LO MEJOR: el relato, la gran interpretación de Guillermo Francella. La música combinada con la maestría de rodaje de muchas escenas. El desenlace. Interesante labor de Peter Lanzani.

LO PEOR: algunos roles secundarios modestos, aunque no del todo convincentes.

PUNTAJE: 8,6

True Detective (Temporada 2) - Análisis

2015-08-17T16:29:00.000-07:00

Fantasmas del pasado

La segunda temporada de True Detective llegó a su fin, dejando tela para cortar acerca de lo que corresponde a las resoluciones que se llevaron a cabo y al destino elegido para cada uno de los personajes que intervinieron en ella.

Muchas opiniones contrapuestas se hicieron oír apenas terminó el episodio inicial. Las comparaciones (odiosas para unos cuantos pero inevitables) con la entrega anterior fueron tornándose cada vez más recurrentes, ganando espacio de forma gradual conforme al avance de la serie. La brillante y sólida historia protagonizada por Matthew McConaughey y Woody Harrelson dejó la vara muy alta de cara a lo que viniera luego. Así como a sus personajes, melancólicos y acechados por un tiempo lejano que los aturde cotidianamente, la segunda temporada de True Detective también es perseguida por los fantasmas del pasado, siendo en este último caso antecedentes que representaron excelencia en el planteamiento y en la puesta en escena de cada suceso.

Nic Pizzolatto apostó nuevamente por la creación de una atmósfera oscura, podrida e intrigante. Las drogas, los vicios y la maraña de acontecimientos que se sortean, corrompen el ambiente. El guión, sugerente aunque algo enrevesado, deja la sensación de confundirnos en determinados tramos. No hay nada para reprochar en lo que concierne al rubro técnico, así como tampoco respecto a las actuaciones. En este punto, vale destacar el trabajo realizado por Colin Farrell en la piel del detective Ray Velcoro. Probablemente se trate del participante que mayor interés y atracción haya despertado en el observador. Detrás de él se posiciona Vince Vaughn de solvente labor. El resto no desentona ni mucho menos; Rachel McAdams, Taylor Kitsch y Kelly Reilly acompañan de manera convincente. Lo interesante (aunque en leves secuencias extenuante) radica en los problemas personales que aquejan a cada una de las figuras. El pasado, como se mencionó anteriormente, es para nuestros protagonistas una mochila pesada que cargan sobre la espalda día a día. Pizzolatto nos va revelando, capítulo a capítulo, algún que otro asunto que nos permita ir encastrando cada pieza en el rompecabezas personal de cada individuo. Pero lo sombrío no siempre funciona y es factible que en ciertos pasajes de True Detective los minutos se hagan cuesta arriba, producto de tan acentuado dramatismo y diálogos que en su intento de querer sonar continuamente elegantes, pierdan impacto o nivel de enlace.

La corrupción y la prostitución ocupan un lugar importante en la trama de esta segunda temporada. Asimismo las conspiraciones y las traiciones. La impunidad con la que se mueven los que poseen una posición casi omnipotente de poder pisa fuerte en la narración. Pasada la mitad de la serie, las cosas se van poniendo progresivamente más oscuras, tensas, retorcidas y, como fruto de lo que se desprende de ese sinuoso camino, también más cautivadoras. Nic Pizzolatto nos introduce en situaciones que molestan y que forman parte de la realidad de muchos países. La impotencia emerge y crece con intensidad a medida que los episodios corren; los sabores amargos parecen predominar, mientras quien se encuentra expectante del otro lado de la pantalla se pregunta, con dudas y temores, cómo se resolverá todo en el desenlace.

*SPOILER : Pizzolatto apuesta todas sus fichas a desenmascarar la triste y desmoralizadora verdad que rodea a quienes se llenan los bolsillos con actividades ilícitas. En True Detective el final es desolador, penoso por cómo acaban algunos de sus personajes y por cómo los malos triunfan en la puja por el poder, en sus acciones por tapar cualquier investigación e implicar a inocentes. Prácticamente todo resulta en vano. Sin embargo, queda encendida una pequeña luz de esperanza, con las pruebas de las que se vale la detective Bezzerides, lejos de su país. Este es el máximo acercamiento a un final feliz que su creador nos puede ofrecer. *FIN DE SPOILER.

A fin de cuentas, se trata de una aceptable, inquietante y atmosférica segunda temporada. El parangón con la primera le juega una mala pasada. Si se la analiza aisladamente, el resultado es más positivo.

PUNTAJE FINAL: 7,8