CLARIPERU - El clarinete en Latinoamerica

Marco Mazzini los invita al II Congreso Latinoamericano de Clarinetistas Lima 2012

2012-05-28T21:43:00.000-07:00

El swing despide a su último prodigio: Artie Shaw

2012-05-22T07:16:00.000-07:00

Artie Shaw descansa. Luego de una larga vida llena de éxitos, este extraordinario clarinetista nos deja. Siempre comparado con Benny Goodman, Shaw se distinguió en el ambiente jazzístico desde un comienzo. " Yo hago música, Goodman tocaba el clarinete. El tipo solo le gustaba hablar del bendito instrumento". Su concierto para clarinete es quizás la obra que más reconocemos de él. Clariperu les ofrece a continuación un pequeño texto sobre la vida de este gran músico. Artie Shaw, reconocido clarinetista en el mundo del jazz, falleció el 30 de diciembre del 2004 en su hogar, a la edad de 94 por causas naturales. La salud de Shaw se había deteriorado de manera significativa en los últimos años.

Shaw era el último sobreviviente de la era del "bandleader swing" y compartió décadas con sus contemporáneos Glenn Miller, Tommy Dorsey, Count Basie, Duke Ellington y Benny Goodman.

Arthur Jacob Arshawsky nació el 23 de mayo de 1910, en el lado este bajo de New York, y fue el hijo único de padres judíos emigrantes. Cuando cumplió 7 años, su familia se mudó a New Haven, Connecticut, donde a la edad de 14 empezará a tocar el saxo alto y luego el clarinete. Dos años más tarde se mudaría a Cleveland, donde pronto obtuvo buena reputación como director y arreglista de la orquesta que dirigiera el violinista Austin Wylie.

Un ávido lector y escritor, Shaw ganó un concurso de literatura a la edad de 17 que lo llevó a Los Angeles en 1928. Fue ahí donde volvió a encontrar algunos músicos que había conocido en New Halen, los cuales estaban trabajando bajo la dirección del director Irving Aaronson, responsable de una banda de jazz.

Artie Shaw tuvo una gira en Chicago con la banda de Irving Aaronson tocando el saxofón, y durante su estadía tuvo varias seciones de jazz con músicos locales. Fue en este periodo que descubriría la música de Stravinsky, Debussy y otros compositores académicos modernos. Estas influencias marcaron mucho su desarrollo musical.

Cuando la banda de Aaronson llegó a New York, Shaw decidió quedarse en esa ciudad y en poco más de un año - a la edad de 21 - se convirtió en uno de los mejores saxofonistas y clarinetistas de la escena musical, tanto en radios como en seciones de grabaciones. Solía ir a Harlem para participar en las jam sessions, y trabajó mucho bajo al tutela del pianista Willie "The Lion'' Smith.

Durante su carrera Shaw se retiró en varias ocasiones, desilucionado por el ambiente del espectáculo. Su primer retiro sucedió en 1934, cuando decidió dedicarse a su perfeccionamiento literario. Se mudó a Pennsylvania donde compró una casa para dedicarse a sus nuevo porpósito. Regresaría a la música unos meses más tarde.

Shaw regresó a New York en 1934, y dos años más tarde, formó su primera banda en ocasión de un concierto en el Teatro Imperial de Broadway. La banda tenía una formación bastante inusual que consistía en un cuarteto de cuerdas, tres instrumentos rítmicos y Shaw en el clarinete. La pieza que compuso para la velada titulada " Interludio en Sib" causó una gran sensación.

El grupo creció y Shaw firmó un contrato de grabación con Brunswick y dirigió una banda en el Hotel Lexington. El grupo se extendión con la adición de dos trompetas, un trombón, un saxofón y voz; aún así, el Nuevo Diccionario de Jazz New Grove mencionó: "pero el público se matuvo indiferente al inusual estilo e instrumentación del grupo, y Artie Shaw se vió forzado a disolver la banda en marzo de 1937".

La prensa siempre estuvo al tanto de su vida personal: su matrimonio con las actrices Ava Gardner y Lana Turner - dos de sus ocho esposas - fueron la comidilla de columnistas de Hollywood.

Luego de unos meses, Shaw regresó a la escena musical con la Artie Shaw Orchestra, que incluía entre sus miembros a Billy Holiday (por ocho meses), Leo Watson, y un joven baterista llamado Buddy Rich. La grabación de "Begin the Beguine", arreglo de Jerry Gray, vendió más de 1 millón de copias y por primera vez la banda obtuvo una ganancia significativa. "De la noche a la mañana pasamos de perder $500 por semana a ganar $30,000 por semana, neto" dijo Shaw en una entrevista a Newsweek en 1999.

Shaw formó varios ensambles y grabó muchos discos, y durante la Segunda Guerra Mundial integró la marina, donde formó parte de la banda oficial, la cual ofrecía hasta cuatro conciertos por día. Luego de la guerra, Shaw formó mas grupos por donde desfilaron nombres como Roy Eldridge, Dodo Marmarosa y Barney Kessel. En la siguiente década se presentó en el Carnegie Hall de New York y luego de grabar entre febrero y marzo de 1954 con el Gramercy Five - el cual formó en octubre de1953 - Shaw guardó el clarinete para siempre a la edad de 44.

El Diario Médico Británico, en un esfuerso por descubrir el secreto de su exitoso envejecimiento, le pidió a Artie Shaw que escribiera un breve mensaje sobre la vida:

"Creo que puede ser resumida de esta manera: trata de dejar las cosas un poco mejor de como las encontrastes. Noten las palabras 'un poco mejor' - cualquiera que pretenda hacer diferencias mayores corre el riesgo de convertirse en un Hitler, un Stalin, un Milosovic. Como William Blake lo dijera 200 años atrás...si deseas hacer algo bueno, asegúrate de hacerlo en pequeñas partículas"

Los dejamos con esta gran grabación de Artie, donde nos deleita con un gran solo en el minuto 1:40:

Inscripción gratuita al II Congreso Latinoamericano de Clarinetistas Lima 2012

2012-05-21T19:01:00.000-07:00

Clariperu sigue alistando el grandioso II Congreso Latinoamericano de Clarinetistas - que tendrá cerca de 30 clarinetistas participantes, además de estudiantes de varios países de Latinoamérica que han decidido acompañarnos en esta gran fiesta del clarinete en Lima.

El Congreso ofrecerá charlas, presentación de libros, discos, clases maestras, recitales, el II Concurso Latinoamericano para clarinete, el I Concurso Latinoamericano de Clarinete bajo,conciertos de gala y nuestros originales eventos especiales - este año tendremos el "escenario abierto", una idea que busca la integración entre los asistentes extranjeros (pronto más detalles). El concurso "La mejor caña del Congreso", "El Congreso en tu USB" y el ya famoso "Claripisco" no faltarán.

Todo el Congreso es gratuito, y les pedimos a todos los clarinetistas de nuestra comunidad que se inscriban gratuitamente a través del siguiente formulario electrónico para poder organizarnos de la mejor manera.

¡Bienvenidos!

II CONGRESO LATINOAMERICANO DE CLARINETISTAS Clariperu tiene el agrado de anunciar el II Congreso Latinoamericano de Clarinetistas que se desarrollará en la ciudad de Lima, del 10 al 14 de septiembre del 2012. Si has decido tomar parte del Congreso, por favor inscríbete por medio del siguiente formulario. Recuerda el el Congreso es totalmente GRATIS.
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Clarinete en Sib Clarinete bajo Clarinete piccolo Otro
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II Congreso Latinoamericano de Clarinetistas, Lima 2012. Un evento creado por Clariperu con el patrocinio de Buffet Crampon France y el auspicio de la Universidad Ricardo Palma, el Conservatorio Nacional de Música del Perú, Cañas Gonzalez, Vandoren France, Play with a Pro, Rico, Filarmonía, tienda González Marrufo y Periferia Music. www.clariperu.org

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Entrevista a Mariano Frogioni

2012-05-14T18:49:00.000-07:00

Mariano Frogioni es una autoridad musical en Argentina. Muchos grandes intérpretes de Latino América han sido alumnos de este ilustre instrumetista. Como miembro del Quinteto de Vientos del Mozarteum realizó una serie de giras por Europa y Sudamérica. A través de la presente entrevista podrá conocer mejor a este destacado músico.

Esta interesante entrevista fue realizada por Luis Rossi, y ha sido enviada por el autor como contribución a Clariperu.

* Profesor Frogioni, cuéntenos un poco acerca de usted.

Nací en Recanati, un pueblo en la región de Marches en la costa Adriática, que fué también el lugar de nacimiento del tenor Beniamino Gigli. Cuando yo tenía cinco años mi familia emigró a Argentina, y así comencé mi estudios escolares en Buenos Aires. Estando en gira con el Quinteto de Viento Mozarteum, pude visitar a mis parientes italianos en mi pueblo de origen. Fué una experiencia inolvidable; reconocí mi primer hogar e incluso la puerta de la casa de mi abuela.

* ¿Se considera italiano?

¡A pesar de mi cariño por Italia, yo me siento totalmente Argentino!

* ¿Cómo llegó a ser clarinetista?

Comencé a tocar el clarinete cuando tenía once años. Mi padre, como muchos italianos, era un adicto a la ópera. Junto a él disfruté de innumerables transmisiones radiales de ópera, y así comencé a expresar mi deseo de aprender música. Mi padre no necesitó de mucha insistencia y una noche se apareció con un clarinete de 13 llaves que venía en un estuche del terciopelo. Aunque la elección del instrumento fue suya, nunca se me hubiese ocurrido cuestionarla, quizás esto sea algo típico de mi generación. ¡Sencillamente, el clarinete era perfecto para mí! Claro que no tenía ni la menor idea de lo que sería mi vida como músico; pensándolo bien, creo que Dios inspiró a mi padre. Por otro lado, nunca olvidaré a mi primer maestro (curiosamente fui su primer y único estudiante). Su nombre era Francisco Azaritti y era un muy buen maestro. Analizándolo en retrospectiva y con mayor conocimiento, era también un gran intérprete. Tocaba en una banda sinfónica, con una excelente técnica y el sonido al estilo italiano. Posteriormente, cuando ya trabajaba profesionalmente, estudié con el renombrado Roque Spatola, solista de clarinete de la Orquesta del Teatro de Colón de Buenos Aires. Eso fue muy enriquecedor porque, aparte de los usuales Caprichos de Cavallini, Marasco y Magnani, tuve la oportunidad de aprender los Estudios de JeanJean, obra que en ese tiempo era prácticamente desconocida en Argentina. Pero el legado más importante de Spatola fueron sus lecciones sobre la interpretación del repertorio orquestal, tanto en ópera como en música sinfónica. ¡Durante mi carrera con la Sinfónica Nacional, puse a menudo en práctica sus consejos!

* Cuando usted comenzaba su carrera, Roque Spatola era reconocido como el mejor clarinetista en Argentina...

Sí, es cierto. De hecho, Pamela Weston incluyó a Spatola en su último libro sobre virtuosos clarinetistas del pasado. Otro clarinetistas sobresalientes fueron Filotette Martorella, Luis Carbone y Victorino Sierra, todos virtuosos, gracias a nuestros maestros italianos. Recuerdo que éramos muy diestros tocando a primera vista y principalmente en transponer las partes escritas para clarinete en La. En esa época se usaba el clarinete en Si bemol modelo Full Boehm, cuyo teclado más complejo permitía llegar hasta el Mi bemol grave. ¡Y la moda era tocar todo traspuesto, sin usar el clarinete en La! Recuerdo una vez cuando practicaba detrás del escenario: el programa incluía la Quinta Sinfonía de Tchaikowsky y el director era Eduard Van Beinum, del Concertgebouw. Se acercó a charlar conmigo y le mencioné que tocábamos todo con el clarinete en Sib. Preguntó: ¿¿Significa que ustedes están transponiendo?? Realmente estaba asombrado (e impresionado!) Aún hoy en día no comprendo, ni siquiera cuando lo veo en perspectiva: ¿Cómo pudimos hacer algo así?. Sin embargo, nos parecía natural en esos días. Creo que con los años, al madurar, fuimos gradualmente concentrándonos en el refinamiento musical, el sonido y la expresión, dejando a un lado la preocupación por el virtuosismo.

* ¿Cómo llegó a ser tan conocido en Chile?

Al comienzo de los sesenta, como muchos otros colegas recibían contratos tentadores de otros países, yo dediqué un año enseñando y tocando música de cámara en el Conservatorio de la Universidad de Chile. Mi presentación en Santiago se realizó con el Concierto de Mozart, dirigido por el director alemán Teodor Fuchs y acompañado por la Sinfónica Nacional de Chile. Después de esa presentación fuí invitado a hacer la primera audición del Concierto de Copland. Fué un tremendo éxito y recibí críticas excelentes. Sin embargo, a pesar de todo decidí regresar a Buenos Aires y a mi posición orquestal en la Sinfonica Nacional. Conservo cariñosos recuerdos de Chile y de mis amigos chilenos.

* ¿Cuándo se integró a la Sinfóníca Nacional de Buenos Aires?

En 1949, el año de su fundación. Al principio fuí segundo clarinete de un jóven italiano que llegó a ser mundialmente famoso como fabricante de boquillas de cristal. Por supuesto me refiero a Cosme Pomarico, quien regresó a Italia en 1958 para establecer su negocio. Con excepción de aquel año en Chile, trabajé en la Sinfónica hasta hasta mi jubilación en 1992. Tengo recuerdos maravillosos, acumulados durante 42 años de trabajo junto a grandes directores como Kubelik, Kleiber, Celibidache, Markévitch, Doráti, Casals, Klecki, Kempe, Van Oterloo, Ansermet y Martinon. Varios renombrados compositores llegaron también a dirigir, entre ellos Stravinsky, Kachaturian, Villa-Lobos y Copland.

* ¿Recuerda especialmente a algún solista internacional?

Claro que sí, tocamos con Janigro, Casals, María Tipo, Francescatti, Brendel, Szerying, Backhaus, Rubinstein, Argerich, Gulda, Brailovsky y también Arrau. Recuerdo la presentación de Arrau tocando el Primer Concierto para Piano de Beethoven (con el hermoso diálogo entre piano y clarinete en el movimiento lento). La audiencia respondió con una ovación tremenda, por lo que Arrau fué obligado a volver una y otra vez al escenario. ¡Ante mi asombro, Arrau se acercó, y tomándome de la mano me llevó adelante para compartir el aplauso! Además tuve varias presentaciones como solista y especialmente recuerdo aquellas donde interpreté los conciertos de Nielsen y Hindemith.

* ¿Nos podría hablar sobre las instituciones musicales de Argentina?

El Mozarteum Argentino y la Sociedad Wagneriana organizan las temporadas de conciertos con solistas internacionales y orquestas sinfónicas o de cámara provenientes de Europa y los EEUU. El Teatro Colón ofrece también conciertos y temporadas de ballet con la Filarmónica de Buenos Aires, pero su función específica es la temporada internacional de ópera, que se lleva a cabo con una segunda orquesta completa llamada Orquesta Estable del Teatro Colón. El Colón patrocina también a la Orquesta Académica, un programa de orquesta juvenil en desarrollo. Luego tenemos la Sinfónica Nacional -donde yo toqué- patrocinada por el Ministerio de Educación. No lejos de Buenos Aires, las ciudades de Avellaneda y La Plata tienen sus propios teatros donde ofrecen ópera y temporadas de conciertos. Muchas otras ciudades en Argentina, como Córdoba, Mendoza, San Juan, Rosario, Santa Fé, Bahía Blanca, Entre Rios, Neuquén y Salta -en la frontera boliviana- cuentan con orquestas sinfónicas.

* ¿Cuántos años integró el Quinteto de Vientos del Mozarteum?

Fue fundado en 1963, originalmente como Quinteto de Vientos de la Sinfónica Nacional, y a poco andar se adoptó el nombre de Quinteto de Vientos del Mozarteum, llegando a ser mucho más prominente, con una agenda de conciertos, clases magistrales y viajes internacionales. Así llegamos a Bolivia, Colombia, Perú, México y Venezuela. Realizamos también conciertos en Europa y Estados Unidos (nuestro debut fue en Miami.) Recuerdo especialmente los conciertos en el Carnegie Hall y en la sala de la Orquesta de Chicago. El Quinteto, que recibió el Premio Konex en 1989, dejó también varias grabaciones.

Mariano Frogioni

* ¿Ha participado en Festivales Internacionales de Clarinete?

Sí, en 1988 fuí invitado a participar en el Richmond ClarinetFest, con un programa dedicado a obras para clarinete y orquesta de compositores argentinos. Desgraciadamente durante el ensayo, ¡una tempestad inundó el vestíbulo y el concierto se canceló! El año siguiente volví al Festival Internacional de Clarinete en Minneapolis, donde interpreté las obras argentinas con la Orquesta Metropolitana de Minnesota.

* Y acerca de su actividad docente...

Amo la enseñanza y ella ha sido un intenso elemento a través de mi carrera. Comencé en la Universidad de Chile en Santiago, continuando luego en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires y el Conservatorio de la Universidad de La Plata. Varios de mis estudiantes tocan en orquestas argentinas y del exterior.

* Entiendo que usted estrenó en Buenos Aires el Choro para el clarinete y orquesta de Camargo Guarnieri.

Sí, fue en 1961, con la Sinfónica Nacional conducida por Guillermo Espinoza, quien era en aquel tiempo del director de música de OEA. Esta excelente obra se ha interpretado también en Brasil y en los Estados Unidos, pero es muy poco tocada en la actualidad.

* ¿Y las obras de los compositores argentinos?

Yo estrené tres obras: Ofrenda sobre un Tema de Gabriel Fauré de Jorge Fontenla; Fases de Gerardo Gandini y el Divertimento para clarinete y orquesta de cámara de Osias Wilensky. Cuando participé en el ClarinetFest de Minneapolis, toqué el Divertimento de Wilensky y la Contemplación y Danza de Astor Piazzolla, una obra temprana que fue compuesta mientras estudiaba con Ginastera, es decir antes de establecer su famoso estilo de Tango. Estas obras son mencionadas por el clarinetista argentino Carlos Capra en su tesis doctoral La Música para Clarinete de Compositores Argentinos (Universidad de Tejas, Austin 1999) y también por la clarinetista Diane Fukunaga en la tesis doctoral Música para Clarinete Solo de Compositores Contemporáneos Latinoamericanos (Universidad de Kansas, 1988).

* ¿Algún otro recuerdo de su experiencia como solista?

Puedo pensar en tres: primero, mi primera versión del Concierto de Mozart en 1958 con la Orquesta de Radio Nacional LRA, conducida por Jean Fournet. Luego, una presentación con el primer concierto de Weber en 1962: la misma orquesta y un jóven director por entonces desconocido: Zubin Mehta. Finalmente, el mismo Weber con la Orquesta de los Amigos de la Música, conducida por Ferdinand Leitner. Posteriormente, el haber recibido el Premio Konex de 1999 al mejor intérprete de instrumentos de viento-madera en Argentina, fue un inesperado, emocionante reconocimiento.

* ¿Cuáles son sus obras favoritas en música de cámara?

Tengo varias, pero hay una que tocaría cada día: el Quinteto de Brahms, Op. 115. Además de su enorme contenido musical, está tan bien escrito para clarinete que todo suena bien; es un placer tocarlo. Además están los Contrastes de Bartók, obra que hice con el violinista Alberto Lysy y también con León Spierer, un argentino que desempeñó toda su carrera como Concertino de la Filarmónica de Berlín.

* Cuéntenos algo de sus viajes...

En 1975 mi esposa y yo nos embarcamos en un viaje a Europa. Ya que mezclaba el negocio con el placer -descansando pero también planificando comprar un clarinete nuevo en París- viajé con poco equipaje y sin mis instrumentos, ¡llevando sólo la boquilla! Nuestra primera parada fue Florencia, para visitar a Pomarico. En esos días, Pomarico era el Solista de Clarinete de la Orquesta de Cámara de Florencia, pero su negocio de boquillas lo mantenía terriblemente ocupado. Estaba tan retrasado con los pedidos que me rogó que lo sustituyera en un concierto que harían en Certaldo, un pequeño pueblo en las afueras de Florencia. Traté de rehusar la invitación, pero eventualmente me convenció: estaba familiarizado con el programa y me prestó sus instrumentos. De tal forma que, de pronto, me encontré sentado en el autobús de la orquesta, camino a Certaldo para tocar ese concierto; sin ensayo alguno y sintiendo una suerte de escepticismo por parte de los demás músicos. Para alivio de todos, toqué muy bien y recibí muchas felicitaciones.

* ¿Cómo definiría a la escuela argentina de clarinete?

¡Esa es una pregunta complicada! Pienso que, tanto en Argentina como en cualquier otro lugar, cada músico tiene sus propias y únicas cualidades. Pero tu pregunta va un poco más allá. En Buenos Aires hay un grupo de jóvenes intérpretes - personalidades individuales aparte- que son de un nivel uniformemente alto. Además de haber asimilado la experiencia de mi generación, ellos tienen todos los recursos técnicos disponibles hoy en dia: instrumentos mejorados y un abanico surtido de boquillas y grabaciones de los mejores clarinetistas. Comparándolos con aquellos que vienen del exterior, me siento muy feliz al comprobar que los nuestros han alcanzado un nivel internacional. Sin embargo, sus ambiciones son totalmente diferentes de las de mi generación: ellos conocen todo el repertorio, menosprecian las Bandas Sinfónicas (aunque muchos trabajan en ellas) y aspiran integrar orquestas sinfónicas y desarrollar carreras solísticas. Entre los más sobresalientes puedo nombrar a Mariano Rey, Guillermo Sanchez, Carlos Céspedes y Matias Tchicourel.

* ¿Qué ocupaciones tiene desde su jubilación?

Guío la sección de clarinetes de la Orquesta Académica, la orquesta juvenil del Teatro Colón. También enseño clarinete y música de cámara en la Universidad de Lanús, y doy frecuentes clases magistrales en conservatorios de diferentes ciudades de Argentina.

MARCELO GONZÁLEZ, clarinete. "Acis"

2012-05-11T07:38:00.001-07:00

ANTONIO ARAYA: "Acis" (1989) MARCELO GONZÁLEZ, clarinete.
Centro de Accion Social para la música, Caracas, 13 de Octubre de 2011.
Durante el IX Festival de Jóvenes clarinetistas de Venezuela.

VIDEO PRESENTACIÓN DEL DÚO GARCÍA ESTEBAN

2012-04-30T17:20:00.000-07:00

Nos llega este vídeo con una bella interpretación de obras de Astor Piazzolla a cargo del carinetista Francisco Antonio García junto a la pianista Carmen Esteban.

Más información en http://franciscoantoniogarcia.com/site/es/dge/biografia.php

CURSO DE CLARINETE CLARINETíSSIM

2012-04-25T16:04:00.001-07:00

Celebramos nuestro XX Aniversario con importantes Profesores, Exposiciones, Conciertos y la novedad del

CONCURSO INTERNACIONAL PARA QUARTET DE CLARINETS "CLARINETÍSSIM"

Pasadlo a todos los que podáis, a ver si puede llegar a muchos alumnos y muchos cuartetos de clarinetes!

http://rafclarinet.blogspot.com

Convocatoria: Concierto de Clarinetistas Peruanos

2012-04-10T15:09:00.003-07:00

Una convocatoria para la comunidad de clarinetistas del Perú: Clariperu ha programado una serie de conciertos en la ciudad de Lima para integrar a nuestros clarinetistas de todo nivel, compartiendo el mismo escenario y ofreciendo al público la música que más nos gusta.

Esta convocatoria es para el primer concierto que se realizará en 20 de junio en el Centro Cultural Ccori Wasi, en el distrito de Miraflores. Al final de la noche, formaremos un ensamble y cerraremos juntos esta velada dedicada al clarinete.

Lee atentamente la convocatoria y envíanos tu propuesta musical por medio del siguiente formulario. Recibiremos sus propuestas HASTA COMPLETAR 70 MINUTOS de música - no esperen a último minuto para tomar parte de este primer "Concierto de Clarinetistas Peruanos".

CONCIERTO DE CLARINETISTAS PERUANOS Convocatoria de Clariperu Clariperu extiende una cordial invitación a clarinetistas peruanos de todo nivel a presentar sus propuestas musicales para tomar parte de la serie "CONCIERTOS DE CLARINETISTAS PERUANOS", a llevarse a cabo en el Centro Cultural Ccori Wasi de Miraflores. La fecha del primer concierto será el miércoles 20 DE JUNIO a las 7:30pm. Este concierto es gratuito para el público. Se aceptarán solistas, dúos, tríos, cuartetos y ensambles mayores. El piano del Centro Cultural estará a disposición de Clariperu y cada clarinetista que desee presentarse acompañado con piano, debe hacerse responsable de su propio pianista. Cada intérprete tiene un máximo de 10 minutos de tiempo en el escenario. Los seleccionados serán anunciados por Clariperu via Facebook y nuestro Blog. Se reakizará un ensayo general el mismo día del concierto, desde las 3pm. Todos los participantes deben vestir de color negro elegante. Se recibirán propuestas musicales de los interesados hasta el VIERNES 18 de MAYO. SE ADMITIRÁN CLARINETISTAS HASTA COMPLETAR 70 MINUTOS DE MÚSICA. LES RECOMENDAMOS NO ESPERAR A ÚLTIMO MOMENTO PARA ENVIAR SUS PROPUESTAS. Marco Antonio Mazzini Director de Clariperu
SOBRE EL PARTICIPANTE Presentate a Clariperu
Nombre completo del participante *
Nombre del pianista. Si se trata de un ensamble, nombre del grupo y sus integrantes
Email *

Teléfono de contacto
De preferencia un número celular
¿Estudias clarinete en alguna institución musical?
Si No
Si tu respuesta es Si, indícanos en donde estudias.

SOBRE TU PRESENTACIÓN Envíanos tu propuesta musical. Recuerda que puedes presentar 10 minutos máximo de música.
Propuesta de repertorio *
Incluir título de la(s) obras y autor. Cada participante tiene máximo 10 minutos de intervención.
Tiempo total de la presentación *
Máximo 10 minutos
¿Deseas formar parte del gran ensamble del Concierto? Nos presentaremos al final todos juntos *
SI NO
¿Porqué deseas tomar parte de este concierto?

Me comprometo de tomar parte de esta convocatoria, de asistir al ensayo general y ofrecer un concierto de alto nivel musical *
SI NO

II Encuentro Internacional de Clarinetes de Tucumán

2012-04-06T06:15:00.001-07:00

Del 2 al 7 de abril se desarrolla en Argentina el II Encuentro Internacional de Clarinetes de Tucumán, un evento que ya en su segunda edición promete mucho a todos los participantes - desde concursos a conciertos de primer nivel.

Los maestros invitados para este año son Cristiano Alves (Brasil), y de Argentina Carlos Céspedes, Amalia Del Giudice, Marcelo González, Eduardo Spinelli (Clarinete Bajo). Además participan el Coro de Clarinetes Carmelo Azollina (Bahía Blanca), Quinteto de Clarinetes del Bicentenario, Celina Lis (Piano) y la Orquesta Estable de la Provincia de Tucumán.

Gracias al auspicio de la Dirección de Cultura de Yerba Buena, Ente Cultural de Tucumán, Estuches Coyok, Rico González Reeds, Saluzzi y Charles Bay, este Encuentro despunta como una cita importante dedicado al clarinete en Argentina.

Todos los detalles sobre el evento se pueden leer en esta página web. ¡Felicitaciones a los organizadores y a todos los participantes!

REDLEC: Se crea un nuevo ensamble de clarinetes en Buenos Aires

2012-03-27T16:48:00.001-07:00

Redlec en Buenos Aires: Amalia y los primeros integrantes del Ensamble
de Clarinetes de Buenos Aires.

La Red Latinoamericana de Ensambles de Clarinetes (Redlec) se estableció sólo hace tres meses, pero ya tiene una agenda interesante en puntos extremos del continente. El pasado mes de marzo, Marco Antonio Mazzini estuvo presente en Medellín para compartir este proyecto a los participantes del festival ClariSax, y luego viajó a Guatemala donde ya fundó el "Ensamble de Clarinetes de Guatemala" que estará a cargo del destacado clarinetistas Sergio Reyes.

Durante el mes de abril, la Redlec viaja al sur. Argentina será la sede de dos ensambles de clarinetes. Uno de ellos ya forma parte de la Redlec, el Coro de Clarinetes Carmelo Azzorina de Bahía Blanca y que dirige el clarinetista Gustavo Kamerbeek. Recientemente, se ha conformado un nuevo ensamble en la ciudad de Buenos Aires con miras a formar parte de este nuevo proyecto de Clariperu, y estará a cargo de la destacada clarinetista Amalia Del Giudice.

El "Ensamble de Clarinetes de Buenos Aires" realizó su primer ensayo el pasado lunes 19 de marzo, y Amalia nos comparte un poco sobre este acontecimiento:

El lunes 19 de marzo llevamos a cabo nuestro primer ensayo al cual asistieron 7 clarinetistas (el lunes próximo irán más!). Dos de ellos tocan clarinete bajo y una el requinto. Luego de presentarnos todos ante los compañeros y de hablar sobre el espíritu de este proyecto leímos y trabajamos varias obras. Un par de corales de Bach para trabajar afinación, un arreglo de la polka pizzicato que vino muy bien para empezara a trabajar articulaciones cortas en grupo, un tango del compositor argentino Juan María Solare (que vive en Munich) , el Carnaval arequipeño y una lectura de Sally`s song. Bastante por tratarse de un primer ensayo! Hubo un hermosos clima de trabajo y camaradería hacia quienes necesitaban apoyo y el resultado fue muy lindo. TODOS quedamos muy contentos y con ganas de crecer mucho. El lugar de ensayo es cómodo y la gente del lugar muy agradable para con nosotros y dispuestos a ofrecernos espacio para tocar y compartir esta experiencia.

Gracias a cada uno de los directores de cada ensamble por creer en nosotros y por ser parte de esta nueva historia del clarinete en nuestro continente. Gracias a Buffer France y Cañas González por apoyar esta iniciativa. Ahora....¡a seguir trabajando!

Ganadores del II Concurso Nacional de Clarinete en Colombia

2012-03-22T13:22:00.000-07:00

Ganadores del Concurso Nacional de Clarinete

En el marco del ClariSax 2012 se organizó el II Concurso Nacional de Clarinete que recibió a muchos clarinetistas de varias ciudades de Colombia. Los concursantes se agruparon en dos categorías: Categoría A (hasta los 18 años de edad) y Categoría B (entre 19 y 25 años de edad). Las obras exigidas para este concurso fueron las siguientes:

Ronda eliminatoria – Categoría A
Mauricio Murcia Bedoya, Estudio para clarinete #5
Ronda final: Carl Stamitz, Concierto para Clarinete No. 3

Primera ronda eliminatoria – Categoría B
Mauricio Murcia Bedoya, Estudio para clarinete #1
Segunda ronda eliminatoria – Igor Stravinsky, Tres piezas para clarinete solo
Ronda final – Carl Maria von Weber, Concierto para Clarinete No. 1 Op. 73

El jurado internacional estuvo conformado por los músicos Elizabeth Isaza, Mauricio Murcia, Marco Antonio Mazzini, Fernando Silveira, Ricardo Dourado y Jaime Uribe. Luego de las diferentes etapas, el jurado declaró ganadores a los siguientes clarinetistas:

Categoría A:
Primer puesto: Mateo García
Mención especial: Santiago Obiedo

Categoría B:
Primer puesto: Johan Sebastian Pérez
Segundo Puesto: Jhoser Salazar

Mateo en pleno concurso

Mateo García estudió en la Universidad de Antioquia (Colombia) con la Maestra Sandra Sanchez. Mateo fue uno de los cinco finalistas seleccionados. "Antes del concurso me senti con mucha ansiedad, con ganas de tocar y que dieran el veredicto de como me habia ido. Ya en la final yo no podia de la ansiedad" nos comenta Mateo, a quien la noticia de haber ganado el primer puesto en la categoría A lo tomó por sorpresa:

"después que me dijeron que yo había sido el ganador, me puse a llorar por que era mi primer triunfo y no lo podia creer - jamas en mi vida me habian felicitado tanto como lo hicieron en esa noche. Todo fue muy emocionante para mi".

Johan Sebastian Pérez estudió en la Universidad de Antioquia también con la maestra Sandra Sánchez, y reconoce también al maestro Halmar Múnera, quien lo ayudó mucho para montar las piezas de Stravinsky,además de consejos para la puesta en escena. También nos comenta:

"En la primera ronda me sentí un poco mal, ya que estaba nervioso, me comenzaron a sudar los dedos y se me deslizaban de las llaves... creí que no iba a pasar a la 2a ronda. Afortunadamente, fue lo contrario. En la segunda ronda también estaba nervioso, pero lo pude controlarme mejor e hice un buen papel".

Johan Sebastian en la etapa final

Una anécdota que nos comparte Johan es sobre el gran problema que tenía con su instrumento: "Para mí ganar el concurso significa un gran paso en mi carrera, una marca muy buena en la hoja de vida además de la oportunidad de tener un instrumento profesional, ya que mi clarinete es de estudio y estaba en malas condiciones. Por eso, quiero agradecer además muy especialmente a Sasha Henao, quien me prestó su instrumento para el concurso y además siempre me apoyó". Ahora Johan Sebastian cuenta con un clarinete Buffet RC nuevo, que fue el apoyo de dicha empresa francesa al Concurso Nacional.

Felicitamos mucho a todos los participantes de este concurso y en especial a los ganadores, por obtener este reconocimiento nacional a su esfuerzo y les deseamos muchos éxitos. Como palabras finales, Mateo nos dice:

"No importa si ganan, o no ganan, el solo echo de participar, en festivales como el Congreso Iberoamericano que organiza el Maestro Marco Mazzini, clarisax Eafit, Clarifest, etc...Le agradezco inmensamente al maestro Mazzini por su papel en todo el mundo y no se que seria de latino América sin Clariperu".

Y se despide Johan Sebastian con estas palabras:

"A la comunidad de Clariperú le quiero decir que primero sean personas, luego músicos. Es algo que siempre me ha inculcado mi maestra Sandra Sánchez Cuervo. Mientras mejor toquen, sean más modestos, sencillos, humildes, sin aires ni delirios de grandeza, y verán que todo en su carrera, y cómo no, en su vida les saldrá muy bien".

Los ganadores fueron entrevistados en la televisión colombiana. Los dejamos con este video donde pueden conocer mejor a estos jóvenes clarinetistas:

ClariSax Medellín: Día #4

2012-03-21T18:30:00.001-07:00

Concierto final del Coro de Clarinete

Llegó el último día de este gran festival internacional. Desde las 8:00am se llevaron a cabo tres clases maestras. Los clarinetistas Edwin Rodriguez, Andrés Ramirez y el saxofonista Javier Ocampo compartieron sus experiencias profesionales con los asistentes.

El clarinetista Jorge Zapata inició los recitales de las 10:00am, interpretando el Solo de Concurso N°10 de Henri Rabaud. El divertimento N°2 para clarinete y fagot así como el divertimento sobre "Las bodas de Fígaro" fueron interpretadas magistralmente por los clarinetistas Andrés Ramírez y Camilo Ríos, junto al fagotista Alfredo Cobo.

A continuación, la Banda Unión Artística de Medellín subió al gran escenario de la Universidad EAFIT para interpretar "Spotlights in the bass clarinet" de Jan Hadermann interpretado por María Fernanda Rodríguez, quien ofreció una buena versión de esta obra en tres movimientos. La Banda hizo un excelente trabajo bajo la dirección de Jesús David Caro.

El saxofonista César Villamil interpretó obras que iban desde Bach a Sonny Rollins, junto al pianista Sam Farley, el contrabajista Felipe Gómez y el baterista Germán Herrera.

En la tarde, se llevaron a cabo los ensayos generales de los ensambles de clarinete y saxofón, para dar paso a la fase final del II Concurso Nacional de Clarinete, que contó con cinco músicos como jurado. Luego de su deliberación, el jurado anunció a los ganadores: en la categoría A el primer premio lo ganó Mateo García. En la categoría B ganó el primer premio Johan Sebastian Pérez (quien se llevó un clarinete Buffet RC). Felicitamos a todos los participantes y en especial a los ganadores.

Los recitales culminaron con la presentación de los clarinetistas Halmar Munera y Sandra Sánchez. EL saxofonista Javier Ocampo ofreció un interesante recital con obras de Bach, Tierry Escaich, Carlos Guzmán y Christian Lauba.

El ClariSax Medellín culminó con la premiación de los ganadores del Concurso Nacional de Clarinete, para dar paso a los dos ensambles formados por todos los participantes. Primero, el Coro de Clarinetes del festival dirigidos por Marco Antonio Mazzini (que ofrecieron un programa variado que incluyó obras peruanas como "La Concheperla" y "El cilulo") y el ensamble de saxofones dirigidos por Hernán Dario.

Estos cuatro días fueron muy intensos y llenos de música. Felicitamos a los organizadores por esta gran labor de difusión del clarinete, de la música colombiana y de apoyo a jóvenes músicos. Durante este festival, nació por iniciativa de Clariperu el Comité Iberoamericano de Clarinetistas que trabajará activamente para apoyarmos mutuamente, y así potenciar nuestras energías y trazarnos metas más grandes. Gracias Colombia por esta iniciativa, fue un honor ser parte del festival. Un agradecimiento especial a Javier Vinasco por todas sus atenciones y por tener esta visión de integración y música en Medellín. Clariperu seguirá apoyando eventos en todo el continente.

ClasiSax Medellín: Día #3

2012-03-20T06:24:00.000-07:00

"Vientos y Pastos" en pleno concierto

Las clases maestras empezaron a las 8:00am en la Universidad EAFIT. Los clarinetistas Fernando Silveira (Brasil) y Calvin Falwell (USA) junto al saxofonista Cesar Villamil se reunieron con los participantes. Terminadas las clases, se dictó la charla sobre “el correcto mantenimiento preventivo del clarinete y el saxofón – cómo alargar su vida útil y mantener estable su funcionamiento”, a cargo de Agustín Chunza Sandoval.

Clarinnova

El cuarteto de clarinetes “Vientos y Pastos” iniciaron los recitales de la mañana, con un programa lleno de energía y una propuesta Latinoamericana. Entre las obras que interpretaron se dejaron escuchar “EL Gallego” de Guillermo Marín y “Chandeando” de Mauricio Murcia. A continuación, se presentó el quinteto de saxofones “5 Jarros” que cautivó al público con su música variada y su sentido del humor – el poema musical de amor con el fondo en vivo de la obra “Quatuor” de Vivaldi fue un punto alto de su presentación. Finalmente, el cuarteto de clarinetes Clarinnova subió al escenario para sorprender con su bello sonido, ritmos contagiantes y propuesta musical diferente: se acompañaban con pistas electrónicas rítmicas que Ricardo Ospina controlaba magistralmente con una pedalera. Muy interesante.

El Quinteto para clarinete y cuerdas de C.M.Von Weber se escuchó en una fina versión por parte de Javier Asdrúbal Vinasco, director de ClariSax. Javier es un dotado clarinetista que trasmite facilmente la pasión que siente por la música. ¡Bravo Javier!

A la 1:30pm, se dio inicio a la segunda fase del II Concurso Nacional de Clarinete, categoría B. Los 11 semifinalistas debían tocar las “Tres Piezas” para clarinete solo de Stravinsky. El jurado selección a cinco finalistas, que deberán interpretar mañana el Concierto N°1 de C.M. Von Weber.

Durante los recitales de la tarde, se presentaron los clarinetistas José Fernando Gómez (junto a la flautista Elizabeth Osorio y la pianista Edith Ruiz), Arnold Carvajal, Edwin Rodríguez, Mauricio Murcia (que estrenó en Colombia la obra “Lecuonerias” de Paquito D'Rivera). La tarde la cerró en el escenario la saxofonista Esneider Valencia. A continuación pueden escuchar a Diego Pinzón interpretando la "Introducción y Rondó" de Widor:

El maestro Jaime Uribe presentó a las 5:00pm una interesante charla sobre la música andina de Colombia en el clarinete y saxofón, acompañado del grupo Seresta.

Este tercer día del ClasiSax culminó con la presentación de la Banda del Departamento de Música de la Universidad EAFIT, el Coro de Saxofones de la Universidad de Caldas y la Big Band de la EAFIT. Gran noche.

ClariSax Medellin: Día N #2

2012-03-19T06:59:00.004-07:00

Javier Asdrúbal presenta su nuevo disco

Las actividades se iniciarona las 8:00am con la clase maestra del clarinetista bajo Calvin Falwell, el saxofonista Juan Fernando Giraldo y el clarinetista Marco Antonio Mazzini. A las 10:00am se dio inicio al II Concurso Nacional de Clarinete “Gabriel Uribe García”, en dos categorías: jóvenes hasta la edad de 18 años pertenecían a la Categoría A, y la categoría B admitía clarinetistas hasta los 25 años. El jurado de la Categoría A lo conformaron Mauricio Murcia (compositor invitado para el concurso), Elizabeth Isaza y Marco Antonio Mazzini. En la categoría B el jurado estubo conformado por Fernando Silveira, Ricardo Dourado y Jaime Uribe. De la primera categoría fueron seleccionados 5 finalistas, y de la segunda categoría quedaron semifinalistas 11 clarinetistas. EL nivel de los concursante fue muy uniforme y estaban muy bien preparados.

Guillermos Marín

Durante la mañana, a partir de las 11:00am, subieron al escenario los clarinetistas Diego Pinzón, Laura Payome, Elizabeth Isaza y Guillermo Marín. El maestro Marín, clarinetista del Año 2009 de Clariperu, ofreció una obra de Mauricio Murcia – el estudio N°4 y se lució con la "Introducción, tema y variaciones" de G. Rossini junto a la pianista Carolina Granda. Fue una bonita tarde con un público muy entusiasmado.

A principios de la tarde, la saxofonista Esneider Valencia dictó su clase maestra a la 1:30pm y paralelamente, el Coro de Clarinetes tuvo su segundo ensayo bajo la dirección de Mazzini. A las 3:00pm, Ricardo Dourado y Fernando Silveira ofrecieron sus clase maestras - mientras en el aula 30 el clarinetista Hernán Darío ensayaba con el ensamble de Saxofones del festival.

Fernando Silveira en clase maestra

En ambiente en la Universidad EAFIT es muy positivo y en cada almuerzo, los maestros nos reunimos a conversar y hacer planes para el futuro. Se vienen cosas muy grandes para Latino América.

A las 5:00pm se reiniciaron los conciertos. Empezó el 4tto Bellas Artes (Jhoser Salazar, Franck Higuita, Wilmar Trujillo y Leandro Ceballos), para luego darle el paso al clarinetista José Antonio García y a la pianista Ana María Orduz. Ambos ofrecieron un variado recital que concluyó con la "Fantasía sobre temas colombianos" de Pedro Morales Pino. EL saxofonista Juan Fernando Giraldo hizo su aparición con un conjunto conformado por Néstor Gómez (bajo), Rodrigo Alvarado (guitarra), Victor Zapata, Diego Vergara y José Villa (percusión).

El director del festival, Javier Asdrúbal (en la foto superior de esta publicación), salió al escenario acompañado de la pianista Edith Ruiz para presentar su nueva producción discográfica, titulada "Imágenes de Latinoamérica". El maestro Asdrúbal tocó con mucha seguridad y el dúo, que ha grabado ya varios discos, mostró una gran soltura y aplomo en el escenario. El "Zarabandeo" de Arturo Márquez fue recibido con muchos aplausos.

En los conciertos de gala, le tocó el turno al clarinetista peruano Marco Antonio Mazzini, que ofreció un recital de música peruana y Latinoamericana para clarinete bajo y piano. Andrés Gómez fue el pianista acompañante. La gente recibió muy positivamente la música, en especial la obra "Necrólogo" que narra un sacrificio humano:

La noche concluyó con la gran participación del clarinetista brasileño Fernando Silveira, que cautivó al público obras de compositores brasileños. Fernando es un extraordinario músico y el público se retiró del auditorio luego de una noche intensa de música Latinoamericana.

ClariSax Medellín: Día #1

2012-03-18T07:39:00.001-07:00

Del 16 al 20 de marzo se está celebrando el festival ClariSax en la ciudad de Medellín. Por primera vez se organiza en Colombia un evento que reúne a clarinetistas y saxofonistas de todo el país. Clarisax ofrece charlas, clases maestras, el II Concurso Nacional de Clarinete y muchos conciertos.

Tengo el honor de ser uno de los invitados a este festival internacional, y compartiré con todos ustedes mi experiencia en este hermoso país que celebra la música con dos hermosos instrumentos.

Por Marco Antonio Mazzini

Marco Mazzini en clase maestra

A las 10:00am del viernes 16, el organizador de este gran evento Javier Vinasco ofreció unas palabras de inauguración del ClariSax en las instalaciones de la Universidad EAFIT, en donde resaltó el apoyo de la Universidad y la acogida del festival en el país, además de dar la bienvenida a los maestros internacionales invitados. Luego de esta breve ceremonia, se dio paso a tres clases maestras: José Fernando Gómez (Colombia), Timothy Roberts (saxofón, USA) y Marco Antonio Mazzini (Perú). A partir de la 1:30pm se ofrecieron recitales en donde participaron el clarinetista Jhon Jairo Vallejo y los siguientes ensambles: "Cuarteto de Saxofones Angebello", el "Cuarteto de Clarinetes de la Universidad EAFIT" y el "Cuarteto de Saxofones de Antioquía". A las 3:00pm, el saxofonista norteamericano Timothy Roberts ofreció su segunda clase maestra.

A las 5:30pm ensayó por primera vez el Coro de Clarinetes del festival, bajo la dirección de Marco Antonio Mazzini. El ensamble está conformado por todos los participantes de ClariSax que incluye a muchos estudiantes de otras ciudades de Colombia. Este ensamble incluirá en su repertorio música peruana y además, recibirán una breve charla sobre el proyecto de la Red Latinoamericana de Ensambles de Clarinetes (Redlec). La presentación del Coro de Clarinetes está programada para el último día del festival. El grupo sonó muy bien en su primer ensayo.

Calvin Falwell (USA)

A las 7:00pm empezaron los recitales de gala, siempre en el auditorio "Fundadores" de la Universidad EAFIT. El primer músico en salir al escenario fue el clarinetista bajo Calvin Falwell, miembro de la Miami City Ballet Orchestra Florida y de la Grand Opera Orchestra. Calvin "Concierto para clarinete bajo" de Todd Goodman - una hermosa obra que interpretó con gran maestría y un sonido cautivador. Seguidamente, el saxofonista Timothy Roberts se presentó junto a la pianista Edith Ruiz (México) que cautivó a toda la audiencia con su gran despliegue musical - la obra "Crazy Logic" de Matthew Orlovich lució la maestría que posee Timothy en el saxofón alto. Por motivos de trabajo, Timothy viajaba la día siguiente a su país, dejándo a muchos de nosotros con las ganas de escucharlo una vez más.

La noche cerró con la presencia en escena del clarinetista brasileño Ricardo Dourado. Con obras muy contrastantes - desde el "estudio en Mi menor" de Alfred Uhl a la obra "Beira Bar" de Aquino e Vasconcelos, Ricardo se lució en el auditorio de la Universidad EAFIT. Ricardo posee un hermoso sonido y un claro concepto de cada obra que interpreta. Para concluir su presentación, Ricardo invitó al clarinetista Fernando Silveira para interpretar "Bifonia" para dos clarinetes de Ernani Aguilar. Una gran noche.

Fernando Silveira y Ricardo Dourado

Kelli O'Connor interpreta a Copland

2012-03-17T05:19:00.000-07:00

La clarinetista americana Kelli O'Connor interpreta hoy sábado el concierto para clarinete, arpa y piano del compositor Aaron Copland junto a la Eastern Connecticut Symphony Orchestra. El concierto empieza a las 8 p.m. y se realizará en el Garde Arts Center.
Esta es la primera vez que Kelli ofrece este hermoso concierto en público. "He crecido escuchando a Benny Goodman del cual mi padre es un gran seguidor. Por eso no escogí la trompeta", nos comenta.

Además de su labor como clarinetista principal de la Eastern Connecticut Symphony Orchestra, Kelli es un activo músico que se dedica mucho a la música de cámara. Junto a su quinteto de vientos Radiance Woodwind Quintet lanzará pronto el primer disco de dicho ensamble. ¡Muchos éxitos Kelli!

MIchael Collins Michael Collins: British Clarinet Sonatas Volume 1 (disco)

2012-03-16T05:35:00.000-07:00

El pasado mes de febrero , el destacado clarinetista británico Michael Collins lanzó un interesante disco bajo el título "British Clarinet Sonatas Volume 1". Esta nueva grabación incluye la música de Bax (Clarinet Sonata in B flat), Bliss ("Pastoral" para clarinete y piano), Howells ("Sonata" para clarinete y piano), Ireland (Fantasy Sonata), y Stanford (Clarinet Sonata, Op. 129).

El disco es muy atractivo y tiene una positiva crítica en el diario The Guardian. Esperamos poder escuchar esta grabación pronto.

ClariSax Medellin 2012

2012-03-12T10:38:00.001-07:00

Del 16 al 20 de marzo se realizará el festival internacional dedicado al clarinete y saxofón en la ciudad de Medellín, ClariSax. Este gran evento contemplará clases maestras, conciertos y el segundo Concurso Nacional de Clarinete "Gabriel Uribe García" – In memoriam. El compositor invitado es Mauricio Murcia.

Entre los clarinetistas invitados internacionales se encuentran Calvin Falwell (USA), Fernando Silveira (Brasil), Marco Antonio Mazzini (Perú) y Ricardo Dourado Freire (Brasil). Varios clarinetistas locales también se harán presentes, entre ellos Javier Vinasco, Hernán Darío Gutierrez, Mauricio Murcia y Guillermo Marín. Durante este evento se fromará un gran ensamble de saxofón que será dirigido por Hernán Darío Gutierrez, y un ensamble de clarinetes que estará a cargo de Marco Antonio Mazzini. Asi mismo, por medio del clarinetista peruano Marco Antonio Mazzini se fundará un Ensamble de Clarinetes con miras a formar parte del nuevo proyecto de Clariperu y Buffet Crampon, la Red Latinoamericana de Ensambles de Clarinetes.

Clariperu inicia así sus actividades internacionales con el auspicio de este importante evento en Colombia. Los invitamos a todos nuestros amigos colombianos a tomar parte del ClariSax Medellín. La agenda de actividades detallada la pueden encontrar aquí. ¡Nos vemos pronto!

Glenn Miller: Músico y misterio

2012-03-03T08:35:00.003-08:00

El presente artículo es una introducción a la vida del gran músico Glenn Miller, un hombre lleno de éxito y misterio. Gracias a Elizabeth Avila por compartir este artículo con la comunidad de Clariperu.

GLENN MILLER

Alto Glenn Miller fue una influencia contradictoria en la historia del Jazz, debido a su enfoque disciplinado y poco ortodoxo. A pesar de las críticas que recibió en su tiempo, él siguió haciendo su música agradable, no para alegrar a los críticos, sino para entretener a sus oyentes; y aún hoy disfrutamos de su música.

Glenn Miller nació el 1 de marzo de 1904 en Clarinda, Iowa. Su amor por la música inicia cuando su padre Elmer Miller, casado con Mattie Lou Cavender, le regala una mandolina, que luego él cambiaría por un corno, siendo este el primer instrumento de viento que tocaría en su vida. Miller pasó su infancia primero en Nebraska, luego en Missouri, y finalmente se instalaron en Fort Morgan, Colorado. En cada lugar su desarrollo musical dio un nuevo paso. Fue en Missouri, a la edad de doce años, donde tocaría por primera vez el trombón en la banda del pueblo. En 1918, cuando ya estaban en Fort Morgan, desarrolla aún más su talento para la música tocando en la banda de su escuela secundaria. En 1921, después de graduarse de la escuela secundaria, Glenn entró a la banda Boyd Senter, la primera de una serie de bandas, hasta que las dejó para asistir a la universidad. Debido a que no fue bueno en sus estudios, decide dejar la universisdad para dedicarse a su verdadera pasión: la música. Después de esto se mudó a Los Angeles, donde se unió como trombonista a la banda de un célebre baterista de su época, Ben Pollack, donde tocó junto con el clarinetista “rey del swing”, Benny Goodman.

En 1928, Miller llega a Nueva York trabajando como trombonista y arreglista. En ese tiempo se casó con Helen Burger, su novia de la universidad; mientras trabaja en la Dorsey Brothers Orchestra, estudia teoría musical y composición con Joseph Schillinger, y organiza una orquesta de swing para el director británico Ray Noble. En 1934, Miller comienza a grabar bajo su propio nombre por primera vez para Columbia, mientras estaba en la orquesta de Noble. En 1937 fue su primer intento de formar una banda, pero esta no tuvo mucha popularidad. Después de la disolución y reorganización de la orquesta, en 1938, esta segunda banda, Glenn Miller Orchestra, alcanzó el éxito gracias a un contrato con el Casino de Glen Island en Nueva York, que le abre las puertas a una carrera triunfal.

Entre 1939 y 1942, la orquesta logra una increíble popularidad y un gran éxito comercial, dominando los primeros puestos de varias listas de música popular. Triunfa en salas de bailes, y sobre todo adquiere más conocimiento y admiración gracias a las emisiones de sus actuaciones en la radio, que se transmitían en todo Estados Unidos.

La Glenn Miller Orchestra grabó 17 Top 10 Hits en 1939, 31 en 1940, 11 en 1941 y 11 en 1942. Entre las canciones más populares y clásicas del swing están "In the Mood", "A String of Pearls", "Little Brown Jug" y "Moonlight Serenade". El éxito de la orquesta los llevó a gravar una serie para la radio. Bajo el título "Moonlight Serenade", esta serie se emitió en la CBS tres veces a la semana. Mientras que a principio de 1940, “In the Mood”, se mantuvo 15 semanas consecutivas de número uno. Miller y su banda también trabajaron en el cine, introduciendo éxitos como "Chattanooga Choo Choo", por la cual se le otorga a Miller su primer disco de oro, en Sun Valley Serenade (1941) y "Kalamazoo" en Orchestra Wives (1942). En la década de 1940, Glenn Miller estaba ganando alrededor de $ 20.000 a la semana. “Moonlight Serenade” es una de las canciones más reproducidas de toda la historia de Estados Unidos y considerada una de las más importante en la historia musical de este país.

Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, Glenn Miller, deja su éxito musical como civil para servir a su país. En 1942, se alistó en la Fuera Aérea de los Estados Unidos. Nombrado como un capitán en el Cuerpo de Especialistas, se dedicó a levantar la moral de los soldados mediante la modernización de la banda del ejército. Después de completar la formación básica, Miller organizó la Glenn Miller Army Air Force Band, que ha sido aclamado por algunos como su mejor grupo musical, ya que fue un gran éxito. Tuvo 800 presentaciones, 300 fueron presentaciones en vivo con una gran audiencia, y 500 fueron emisiones escuchadas por millones de personas. Durante este tiempo también obtuvo numerosos premios: la Medalla Estrella de Bronce, la Medalla de la victoria la Segunda Guerra Mundial, la medalla de la campaña estadounidense, la Medalla de Campaña del Este de Europa, África y Oriente Medio, y la insignia de tirador con carabina y pistola Bares.

Misterioso final

Miller y su banda se disponían a hacer una gira de seis semanas en París y en otras ciudades europeas, tras de liberación de esta ciudad. El 15 de diciembre de 1944, se adelanta a su banda y toma un vuelo a París. Lamentablemente, su avión desaparece en el Canal Inglés y nunca pudo ser recuperado. A partir de ahí, al no encontrar los cadáveres de Miller ni de sus acompañantes, comenzaron a surgir una serie de leyendas con respecto a su muerte.

Uno de los rumores más persistentes es el de que murió en un burdel alemán, apuñalado por una prostituta, aunque esta historia nunca se ha podido confirmar. La teoría más probable es que el avión fue accidentalmente derribado por bombarderos RAF sobre el Canal de la Mancha, entre Francia y el Reino Unido, después de una operación abortada de bombardeo contra Alemania, donde se arrojaron al mar las bombas destinadas a fin de aligerar carga: el piloto de la fuerza aérea británica Frad Shaw anotó en su bitácora que observó que un pequeño avión monomotor se precipitaba en espiral y sin control hacia el mar.

A pesar de la muerte de Miller, la banda continuó tocando para la armada bajo la dirección de Jerry Gray hasta el 13 de noviembre de 1945, cuando hizo su última presentación ante el Presidente Harry Truman, en Washington. El mayor Glenn Miller fue el único miembro de la banda que no sobrevivió a la guerra.

En abril de 1992, a petición de su hija, se le puso una lápida en el Cementerio Nacional de Arlington, lugar que se destina a los caídos en las guerras y ex-presidentes de Estados Unidos.

En 1953, Anthony Mann rodó la película biográfica "The Glenn Miller Story", como homenaje a la vida de este gran hombre y gran músico.

Legado de Glenn Miller

Orquesta de Glenn Miller alcanzó su popularidad debido a un estilo único de la banda y el sonido distintivo. Miller mismo afirmó, "Una banda debe tener un sonido muy propio. Se debe tener una personalidad". En efecto, la orquesta de Miller se ha distinguido de otras grandes orquestas de swing de muchas maneras. Esto se ve en la distribución de los instrumentos, el clarinete y el saxo tenor contribuyen a la melodía, mientras los saxofones desempeñan una línea armónica complementaria. También en que la música de jazz se caracteriza por su espontaneidad y el uso de la improvisación, mientras que la Glenn Miller Orchestra tocaba música swing, una rama del jazz que favorece la orquestación en lugar de la improvisación. Muchos aficionados al jazz desaprobaron este estilo musical, ya que no gustaban la meticulosa preparación y la estructura evidente en la música de Glenn Miller Orchestra. Una vez Miller dijo como respuesta a los críticos que él no tenía una orquesta de jazz y no la quería; para sus oídos, la armonía era lo primero, y que podían haber orquestas con mejor ritmo que él, pero que ellos siempre harían hincapié en la armonía. En su libro "Glenn Miller & His Orchestra", George Simon escribió lo siguiente sobre Miller. "Su autor favorito era Damon Runyon. Su libro favorito era la Biblia. Spencer Tracy y Olivia de Havilland era su actor y actriz favoritos. Sus grandes amores fueron la pesca de truchas, jugar béisbol, escuchar buena música, dormir y el dinero. Su cita favorita, que él declaró, no era de la Biblia, ni de Runyon, sino de Duke Ellington: “It Don't Mean a Thing If it Ain't Got that Swing!”.

Aunque la era de la Big Band ha pasado, su música sigue teniendo el mismo atractivo hoy igual al que tuvo durante su vida. Las melodías y los sonidos de las audiencias de Glenn Miller Orchestra encanto de todas las edades y aún lo sigue haciendo.

La presente Glenn Miller Orchestra fue fundada en 1956 y sigue encantando con su música hasta el día de hoy, siendo una de las big band más famosas del mundo en conciertos y compromisos de baile de swing. Ha estado de gira constantemente, con un promedio de 300 conciertos en vivo al año en todo el mundo.

Personalmente, todos deberíamos pensar como Glenn Miller, en tratar de buscar el propio sonido de la banda, su personalidad, pero más que todo, en nosotros mismos con nuestros instrumentos, debemos preocuparnos en tener un sonido propio que nos haga especiales y diferentes del resto. Gracias Glenn por tan gran consejo.

Este video es parte de la película “Sun Valley Serenade”, donde vemos a Glenn tocando junto a su orquesta en un salón de baile uno de sus temas más famosos, “In the Mood”.

I Congreso Latinoamericano de Clarinetistas en la revista "The Clarinet"

2012-03-01T10:12:00.004-08:00

Primera página del artículo. Pulse la imagen para ampliar.

El pasado mes de septiembre fue un periodo histórico en el Perú, al menos en cuanto al clarinete se refiere. El año 2011 marca el inicio de las actividades internacionales de Clariperu y lo hicimos a lo grande con nuestro I Congreso Latinoamericano de Clarinetistas celebrado en la ciudad de Lima, en las instalaciones del Centro Cultural Peruano Japonés.

Por cinco días, clarinetistas de Lima, Cuzco, Arequipa, Ica, Chinca, Trujillo y Huancayo viajaron a la capital para ser parte de esta gran fiesta. A todos ellos se le unieron jóvenes clarinetistas de México, Costa Rica, Bolivia, Chile, Argentina, Guatemala y Colombia. Los maestros que invitamos representaban además a los países de Estados Unidos, Portugal, Italia, Brasil y España. Nunca en Perú se habían reunido tantos países en un evento dedicado al clarinete.

Desde nuestro original concurso "El Claripisco" (ganado por Diego Pinzón de Colombia) a nuestro también histórico "I Concurso Latinoamericano de Clarinete" presentado por Clariperu, Buffet y Cañas Gonzalez, y de donde salieron ganadores Gustavo Yescas Núñez (México) con el primer premio, y el clarinetista peruano Marco Apaza y Ángel Escamilla Álvarez (México) con el segundo puesto, el Congreso fue un tremendo éxito. Se escucharon recitales con clarinete, basset horn, clarinete bajo, dúos, cuartetos, ensambles, big band que deleitaron aun ávido público que pudo escuchar muchos estrenos en el Perú, desde obras tradicionales a obras con electrónicos e improvisación libre. No faltaron 10 clases maestras, charlas impresionantes, presentación de discos y el servicio de reparación de instrumentos por parte de Buffet Crampon - nuestro aliado desde el 2011.

Estamos muy contentos de haber leído la publicación realizada en el pasado mes de diciembre en la prestigiosa revista "The Clarinet" que publica la International Clarinet Association, en donde día a día resaltan las actividades de nuestro Congreso. La presencia de grandes maestros como Antonio Saiote (Portugal), Pascual Martinez-Forteza (España, Estados Unidos), Nuno Pinto (Portugal) y Cristo Barrios (España), transformó el Congreso en un evento que, como lo dijo claramente el maestro Saiote: "dejó de ser un festival de cañas para transformarse en un evento cultural Iberoamericano".

La visión de nuestro Congreso es de integrar a nuestra gran comunidad, y dar oportunidad a jóvenes clarinetistas por medio de nuestros concursos y de ofrecerles una oportunidad de compartir escenario con varios de los mejores clarinetistas del mundo. Además, descentralizaremos el congreso: en el año 2013, el III Congreso Latinoamericano de Clarinetistas se realizará en Brasil, y en el 2016 en otro país de nuestro continente.

Esta publicación en la revista "The Clarinet" nos honra y motiva a seguir haciendo las cosas en grande, con mucha visión e impecable organización. Clariperu aprovecha esta publicación para agradecer una vez más a su gran equipo de colaboradores en Lima que hicieron posible que el primer Congreso fuera realmente un evento histórico. Unidos, podemos hacer una gran diferencia.

Marco Antonio Mazzini

Cronología de la Historia del Clarinete

2012-02-29T15:15:00.000-08:00

Una gran recopilación de las fechas más importantes en la historia del clarinete, que nos puede ayudar a visualizar mejor el desarrollo de este hermoso instrumento.
Gracias a Iván Martínez (México) por su gran colaboración en el desarrollo del siguiente texto. Pueden escribir sus sugerencias y aportes a Iván al correo electrónico. ivanmartinez@lorfeo.org

Cronología de la Historia del Clarinete

2700 a. C. Antecesor egipcio del clarinete: zummara, instrumento de una sola caña y dos tubos cilíndricos.

Medioevo Chalumeau, forma más desarrollada de los instrumentos originales de una sola caña. De entre ocho y nueve pulgadas, contaba con 6 ó 7 orificios. Es el antecesor directo del clarinete; aparentemente, nunca tuvo lugar en la música culta.

Ca. 1700 El clarinete es inventado por Johann Cristoph Denner (1655-1707), a partir del principio del chalumeau, al que le añadió una campana y dos llaves. * La musicología actual sigue debatiendo sobre la fecha exacta, que se ha ubicado entre 1690 y 1704.

1712 Se utiliza por primera vez el término “clarinete”, al ser vendidos cuatro instrumentos a la Banda municipal de Núremberg.

Ca. 1740 Johann Molter escribe sus Seis Conciertos para clarinete, que permanecen como las primeras obras –de las hoy conservadas y conocidas- en la literatura para el instrumento.

1744 Nace Joseph Beer (m. 1811), primer gran virtuoso del instrumento que logró fama con los Conciertos de Johann Stamitz. (No debe ser confundido con Josef Bähr, clarinetista cercano a Beethoven.)

1749 Jean Philipp Rameau introduce el clarinete en París, al incluirlo en la orquestación de su ópera Zoroastre.

1753 Nace Anton Stadler (m. 1812), otro de los primeros grandes virtuosos.

1758 A partir de esta fecha, la Orquesta de la Corte de Mannheim se convierte en la primera en contar con dos clarinetistas como miembros regulares: Jacob y Franz Tausch.

1762 El clarinete se establece definitivamente en Inglaterra y Francia al incluirse en la Royal Artillery Band, fundada ese año (formada por un octeto tradicional de alientos), y las bandas militares que estableció Luis XV en toda Francia (formadas por dobles octetos de alientos).

1777 Wolfgang Amadeus Mozart escucha a los hermanos Tausch en un concierto de la orquesta de Mannheim. Motivado por sus cualidades, expresa en una carta a su padre el deseo de contar para ellos con ejecutantes del instrumento y al año siguiente escribe sus primeras líneas solistas para el clarinete: Sinfonía Concertante para alientos y orquesta K. 297.

1781 Mozart conoce a Stadler y comienza una cercanísima relación de amistad, complicidad artística y exitosa hermandad al interior de la masonería, cuyos mayores logros son el Quinteto K. 581 y el Concierto K. 622, además de los primeros pasajes de verdadero protagonismo en el repertorio orquestal (Sinfonías 39, 40 y 41).

1784 Nace Heinrich Baermann (m. 1847). Miembro de la Orquesta de la Corte de Munich.

1791 Mozart escribe su Concierto K. 622; hasta hoy, la más importante y exigente página de la literatura concertante para clarinete.

Jean Xavier Lefevre añade seis llaves al clarinete de Denner. Algunos historiadores mencionan la existencia de otros clarinetes de seis llaves, pero fue éste el más usado hasta las modificaciones de Ivan Müeller (trece llaves, entre otros elementos como la ligadura que sostiene la caña), veinte años después.

Muere Mozart.

Siglo XIX Comienza el siglo con el camino natural hacia la consolidación del clarinete en todas sus capacidades y posibilidades técnicas y expresivas, que culmina con la escritura orquestal que para él realizaron –sobre todo- Beethoven, Schubert y Weber.

1810 Nace Carl Baermann (m. 1885). Hereda de su padre Heinrich el puesto de primer clarinete en la orquesta de Munich. Reconocido más tarde por su legado pedagógico.

1811 Carl Maria von Weber conoce a Baermann padre. Sin llegar a la genialidad lograda por la complicidad artística de Mozart-Stadler o, más tarde, Brahms-Mühlfeld, surgen seis obras capitales del repertorio (cuatro de ellas antes de concluir ese año): tres obras concertantes, un Quinteto para clarinete y cuarteto, una serie de variaciones y la más lograda de todas, el Gran Duo Concertante para clarinete y piano op. 48.

1824 Franz Schubert termina su Octeto D. 803. Escrito para clarinete, fagot, corno y quinteto de cuerdas, representa -en diferentes maneras- la obra de mayores dimensiones escrita para un grupo de cámara con clarinete.

1843 Auguste Buffet y Hiacynthe Klose presentan las reformas realizadas al clarinete de Müller con el sistema que había empleado Theobald Boehm en la flauta. De 17 llaves, es –con algunas mejoras que se han desarrollado de diversas formas- el más usado hoy en día.

Otras modificaciones al clarinete de Müller que durante varias décadas se usaron a la par del clarinete Buffet-Klose fueron el sistema Albert (Inglaterra) y el desarrollado por Antonio Romero (España); En Alemania, el modelo de Carl Baermann fue el más usado hasta que el éxito de la modificación de Oskar Oehler terminó por imponerse (ca. 1890).

1856 Nace Richard Mülhfeld (m. 1907), clarinetista de la Orquesta de la Corte de Meiningen. Importante figura musical de su época a la manera que lo fueron Franz Liszt al piano o Nicolo Paganini al violín.

1880 Nace Louis Cahuzac (m. 1960), uno de los máximos representantes de la escuela francesa.

1891 Johannes Brahms escucha a Mühlfeld como solista en los dos Conciertos de Weber. Escribe en una carta a Clara Schumann: “Es imposible que alguien toque mejor el clarinete.” Inspirado, el compositor retoma la composición y escribe para Mühlfeld su Trío op. 114 para clarinete, violonchelo y piano, el Quinteto op. 115 para clarinete y cuerdas y las Dos sonatas para clarinete y piano op. 120.

1896 Nace Daniel Bonade (m. 1976). Clarinetista francés migrado a Estados Unidos, miembro de la Orquesta de Philadelphia, goza de reconocimiento como el iniciador de la escuela norteamericana.

1909 Nace Benny Goodman (m. 1986). Afamado por su carrera en el jazz, el clarinetista comisionó parte fundamental del repertorio clásico del siglo XX a compositores como Arnold, Bártok, Bernstein, Britten, Copland, Hindemith, Poulenc, entre otros.

1910-11 Claude Debussy escribe para el Conservatorio de París su Premiere Rapsodie, la más refinada y profunda de las piezas escritas en la larga tradición parisina de solos de concurso.

1928 Nace Robert Marcellus (m. 1996). Alumno de Bonade, fue clarinetista de la orquesta de Cleveland y es reconocido como la principal figura pedagógica de Estados Unidos durante el siglo XX.

1938 Béla Bartók escribe Contrastes, un trío para clarinete, violín y piano pedido por (y dedicado a) Goodman.

1940-42 Olivier Messiaen escribe su “Cuarteto para el fin de los tiempos” (clarinete, violín, violoncello y piano) siendo prisionero del campo de concentración de Görlitz.

1942 Agentes aduanales recogen del equipaje de Benjamin Britten, entre otros manuscritos, el borrador del primer movimiento de un Concierto comisionado por Goodman (op. 28). Aunque en cartas posteriores el compositor mencionara la intención de retomar su escritura, ésta nunca llegó.

1949 El compositor inglés Gerald Finzi culmina la escritura de su Concierto para clarinete. Permanece como una de las obras más representativas en su breve catálogo instrumental y entre las escritas durante una era en la que predominaron las comisiones de Goodman.

1950 Goodman estrena el Concierto de Aaron Copland en un concierto radiofónico al frente de la Orquesta Sinfónica de la NBC bajo la batuta de Fritz Reiner.

1962 Francis Poulenc termina su Sonata para clarinete y piano. Dedicada a la memoria de Honneger, es estrenada por Goodman y Leonard Bernstein a la muerte del compositor (1963), en un recital en el Carnegie Hall de Nueva York.

1968 A cargo del clarinetista Jacques Lancelot, el estreno del Concierto para clarinete de Jean Francaix es recibido con gran éxito.

1977 John Corigliano escribe su Concierto para clarinete, estrenado ese mismo año por Stanley Drucker y Bernstein al frente de la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Representa, junto al de Francaix, una de las más acertadas páginas de la literatura concertante del clarinete tras la era de comisiones hechas por Benny Goodman.

Discos recomendados: Cordas ao Vento - Alexandre Ribeiro/Alessandro Penezzi

2012-02-29T13:31:00.000-08:00

CORDAS AO VENTO
Capucho Produções

Música original de Alessandro Penezzi
Alexandre Ribeiro - clarinete/clarinete bajo
Alessando Penezzi - guitarra
Invitados:
Toninho Carrasqueira - flauta
Leo Rodrigues - pandero

Por Marco Antonio Mazzini

Pocas veces he disfrutado tanto un disco con el clarinete como protagonista. "Cordas ao vento" no es la típica grabación de un grupo de músicos que tratan de recrear a perfección obras que muchas veces no entienden bien. Al escuchar esta grabación del dúo brasileño Alexandre Ribeiro (clarinete) y Alessandro Penezzi (guitarra), tengo la clara sensación que estoy siendo testigo de un momento de mucha intimidad musical, de una chispa de creatividad y expresividad profunda que sólo se da en verdaderos artistas, y que quedó por suerte nuestra grabada en un disco.

Son pocos los discos grabados para clarinete y guitarra, y esta producción es desde ahora mi favorita. Son varias las razones por la cual recomiendo mucho esta grabación, la primera, que el disco contiene composiciones nuevas, obras muy hermosas compuestas por el guitarrista Alessandro, quien tiene un gran dote para las melodías y la estructura. Finalmente escucho música con claros aires Latinos, más allá de Piazzolla.

Alexandre Ribeiro sorprende con su soltura, hermoso sonido y la naturalidad con que interpreta cada obra, que son muy contrastante entre ellas. Afinación impecable y una interpretación que cautiva desde la primeras notas - incluso las notas "borrosas" con las que inicia en el tema que le da nombre al disco, "Cordas ao vento", en donde clarinete y guitarra realizan una breve improvisación libre como introducción. Los músicos invitados están a la altura de los protagonistas, y en el tema "Chorinho Triste (de Joao Dias Carrasqueira) el flautista Toninho Carrasqueira se luce con su vocabulario musical y destreza en su instrumento. Cabe destacar la habilidad y buen gusto de Alexandre para improvisar (una razón más para valorar este disco).

"Cordas ao vento" es producido por Capucho Producciones y lo pueden conseguir aquí. Un disco altamente recomendado para todo amante de la buena música, y sería muy interesante conseguir las partituras para incluir en nuestro repertorio varios de los temas incluidos en esta grabación. "Cordas ao vento" es la obra de dos grandes artistas. Impresionante.

Detrás de la música: ¿Por qué los músicos son más propensos a sufrir de depresión?

2012-02-27T15:09:00.000-08:00

El siguiente texto ha sido extraído de la publicación realizada por The Guardian de Inglaterra, y enviado a Clariperu por Elizabeth Avila (Perú).

Los artistas estamos en el puesto número 5 dentro de las 10 profesiones top con el mayor índice de enfermedades depresivas. Eso nos lleva a preguntarnos: ¿La depresión nos lleva a hacer artistas? ¿O el ser artistas nos crea una depresión?

Aunque esta noticia se público a finales del 2010, este tema ha estado siempre presente en la vida de los músicos. En esas fechas, el portal Health.com publicó las 10 profesiones top con el mayor índice de depresión, en el que indicaba que los artistas somos 50% más probable a sufrir de esta enfermedad. Solo en el 2009, alrededor del 9% de los artistas reportaron un episodio depresivo mayor. Al parecer, labrarse una carrera como músico trae consigo, a parte de las preocupaciones propias de una profesión dentro del arte, el peligro de hacernos daño a nuestra salud física y mental. Si a todo esto le agregamos que como apoyo financiero los músicos busquen otros trabajos como de mesero o mesera, el riesgo es aún mayor ya que el personal de servicio de alimentos son los segundos más propensos a sufrir de depresión.

Dentro de esto, los hombres están más asociados a sufrir de fuertes depresiones, y entre los trabajadores a tiempo completo, la tasa es de casi el 7%. Hay muchos artistas de renombre que han sufrido de depresión y han muerto a causa de ello. Por ejemplo, en 1974, el cantante Nick Drake murió de una sobredosis de antidepresivos que le fueron prescritos a la edad de 26 años. En 2003, el cantante y compositor de indie rock, Elliott Smith fue encontrado muerto con lo que se pensaban eran cortadas auto infligidas en el pecho, luego de años de depresión y adicción. Su instrumento principal fue la guitarra, pero también utilizó el bajo, el piano, la batería y el clarinete.

Al ver estos ejemplos de artistas que no solo sufrían de depresión, sino también de otras adicciones, nos hacen ver que las drogas y el alcohol han estado presentes en el estilo de vida de los artistas durante tanto tiempo que es difícil decir si la depresión es el síntoma o la causa. Algunos artistas, como Marvin Gaye, los utilizan para calmar los nervios antes de las actuaciones; mientras que otros los utilizan para descender de la excitación en la que están mientras dura la actuación, una vez que ésta ha terminado.

Podemos encontrar que muchas personas se convierten en artistas solo para sentirse aceptados y amados por su público, y solo de esa manera pueden llegar a sentirse bien; pero tan pronto como salen del escenario o llegan a una casa vacía, esa historia de amor con miles de personas que no conocen, los llevan a sentir insatisfacción, angustia y decepción.

Parece también que una alta proporción de personas que sufren enfermedades depresivas son atraídas a trabajar en las artes, aunque muchas veces no estén diagnosticados o medicados. A menudo, lo que hace grande a un artista es haber nacido con un don especial; lo que podría causar que la mayoría de ellos se preocupe en que recibir tratamiento médico sofocaría su creatividad o haría su producción menos interesante. Pero esto también hace que sean menos capaces de manejar ciertas presiones, como no saber cuándo o de donde vendrá su próxima paga y esto los pone en un alto grado de expectación.

¿Significa esto que tenemos que sufrir por nuestro arte? Hay un cierto morbo en ver a un gran artista darse contra una pared y morir, pero la realidad para el que sufre es que la depresión es tan debilitante que no es capaz de crear nada en absoluto. Es solo cuando se emerge de un periodo de enfermedad, en el que pueden ver en la oscuridad y encontrar las palabras para describirla. Así que tal vez la clave para ser un gran artista y compositor con una larga y feliz vida, es atreverse a ir a esos lugares oscuros, pero no hacer de ellos tu hogar.

Entrevista a Valdemar Rodriguez - CLARIPERU

2012-02-26T08:43:00.001-08:00

Maestro Fundador de la Academia Latinoamericana del Clarinete, caracterizado por su entrega total a la docencia en Venezuela, el clarinetista Venezolano Valdemar Rodriguez conversa en exclusiva con Valentina Palma para Clariperu.

De carácter emprendedor, miembro fundador del movimiento de Orquestas Infantiles y Juveniles de Venezuela - a quien los venezolanos le deben su lucha incansable por el desarrollo de la escuela del clarinete en su país - nos comparte sus inicios en la música, además de su opinión sobre la escuela de clarinete en Latinoamérica.

Esta conversación se llevo a cabo entre junio y julio de 2007, y fueron gratas horas de opinión que no podemos dejar de agradecer al maestro Valdemar Rodriguez, por compartir con nosotros sus más sensibles experiencias en el mundo del clarinete.

• Maestro cuéntenos un poco acerca de usted. ¿Cómo llegó a ser clarinetista?

Bueno eso es un cuento bastante…, digamos que lejano… no partió de mi, yo tenía 4 ó 5 años cuando quise estudiar música, no existían las orquestas juveniles, mi padre y mi tío eran músicos de la banda del estado, la banda de San Felipe, ambos eran saxofonistas… yo acompañaba a mi papá a los ensayos de la banda y grupos de música popular y siempre le decía que quería tocar trompeta; recuerdo la casa de un señor a donde iban a ensayar, en donde había una trompeta vieja, y yo me encerraba en ese cuarto a intentar sonar la trompeta mientras ellos ensayaban.

Pero antes de eso mi papá comenzó a enseñarles a mis hermanas mayores a leer música, y yo le decía a mi padre que yo también quería aprender, pero él me contestaba que cuando supiera leer me enseñaría las notas, entonces me empeñé en aprender a leer a los 4 años para convencer a mi papá de que me enseñara las notas en el pentagrama, recuerdo que pasaron como 6 meses y un día mi papá me dijo que buscara en el bolsillo de su camisa una cosa que tenía para mi, cuando mi sorpresa fue encontrar un papelito muy pequeño con un pentagrama dibujado, allí estaban las notas con los nombres, así fue como comencé a estudiar música.

Entonces un día en la tarde mi papá llegó con un clarinete piccolo y me dijo: aquí está el instrumento que vas a tocar, por supuesto yo me puse a llorar porque yo quería una trompeta, pero este es el que tu vas a tocar y punto, replicó… Y comencé a tocar las notas y a los 5 años ya estaba tocando el clarinete, mi mamá que era maestra de una escuela, siempre me ponía en el colegio para que los amiguitos me escucharan el clarinete, en la escuela nadie estudiaba música, de hecho yo nunca había visto un violín, ni contrabajos, ni nada de eso, solo los instrumentos de viento de la banda; por otro lado recuerdo que los amigos de mi papá me hacían mini exámenes en la banda, me preguntaban: ¿Qué nota es esa?, ¿Cuánto dura este silencio?... y de esa manera jugaban conmigo.

• Sumergiéndonos un poco en su desarrollo como estudiante de clarinete, ¿Qué nos puede contar sobre sus maestros?

Mi primer maestro fue mi papá, el que me enseñó el instrumento, la embocadura, las notas… pero nunca me habló específicamente de la técnica, yo lo hacía intuitivamente, él nunca me habló de la respiración, sólo me hablaba del sonido, decía que había que tener un sonido con calidad y me inculcó la afinación y la belleza del sonido, pero con conocimientos muy básicos.

Dentro de sus posibilidades y conocimientos de saxofonista me enseñó el clarinete, con dos métodos que contenían al final los conciertos de Weber, el de Mozart… era un método italiano que también tenía dúos. Pero nunca había escuchado esos conciertos hasta que me vine a Caracas, no tenía grabaciones ni nada, solo la música del método, no sabía nada de sonatas ni conciertos.

Yo seguí estudiando con mi papá, pero era como solfeo con el clarinete, y recuerdo que todos los días salíamos a pasear en el carro y hablábamos y contábamos las anécdotas del día, siempre parábamos en una plaza, pero mientras mis hermanos iban a jugar, mi papá me incentivó. Entonces a veces pasaba 3 días tocando y luego una semana sin tocar…, entonces cuando tenía como 13 años se abrió la primera escuela de música del estado y yo ingresé como uno de los primeros alumnos y también entré en la banda sinfónica donde estaba mi papá.

Luego cuando tenía 15 años comenzó el movimiento de orquestas juveniles que fundó el maestro José Antonio Abreu, recuerdo que el director de la banda me presentó al M. Abreu y él me dijo que me fuera a Caracas, que me fuera a estudiar con José Gay (1er clarinete de la orquesta Sinfónica Venezuela), entonces le dije a mi mamá que yo quería irme y ella habló con mi papá, pero él dijo que primero tendría que graduarme de bachiller, luego paralelo a eso yo asistí al primer seminario de orquestas infantiles que se hizo en Venezuela en el año 1979… [Entre risas nos afirmó:] “Yo nunca había visto tanto clarinete junto en una orquesta, allí fue la primera vez que tocaba en una orquesta sinfónica y yo quedé de primer clarinete”.

Después me fui a Valencia, continué estudiando en la universidad y tocando en la orquesta juvenil del estado Carabobo”. En esa época recibí un par de clases con el que era director de la Banda Sinfónica 24 de Junio, pero nuevamente sentí que era como seguir estudiando solfeo con el clarinete.

En el verano de ese año, unos amigos de la orquesta de Carabobo me invitaron a tocar en un quinteto de vientos, pero ellos ya habían logrado entrar en la Orquesta Simón Bolívar y me invitaron a quedarme en su casa en Caracas, por esos días aproveche de ver clases con el profesor José Gay, en el primer Conservatorio que hicieron para el movimiento de orquestas, pero nuevamente me sentí que era solfeo con el clarinete. Entonces conocí a un nuevo maestro que venía de Chile tocando las variaciones de Rossini (Luís Rossi), y yo me interesé por escuchar sus clases y participé tocando un dúo de Mozart original para violín y viola. En ese momento fue cuando yo conocí a un verdadero maestro del Clarinete, era la primera vez que alguien me corrigió y me dijo como se tocaba el clarinete. En ese momento decidí dejar de estudiar en la universidad Ingenieria Eléctrica y venirme a Caracas para estudiar con el maestro Rossi.

Con el pasar del tiempo, tomé clases magistrales y cursos de verano con maestros de fama mundial a los cuales he admirado a traves de sus grabaciones como fueron: Walter Boykens, Guy Deplus, Antony Pay, Karlman Berques, Thomas Friedli, Gervase de Peyer, Michel Lethiec.

• ¿Actualmente cómo ve el panorama musical en Latinoamérica?

En el pasado (primera mitad del siglo XX) e incluso hasta los años 70, hubo un auge y desarrollo de la música en Brasil, Chile y Argentina, la llegada de grandes solistas y directores de talla internacional, compañías de ópera y compañías de ballet europeas dieron un gran impulso a la formación de público y ejecutantes locales de alto nivel. Los grandes conciertos y montajes de óperas en el teatro Colón de Buenos Aires, su calidad era solo comparable con el nivel artístico de los montajes que se realizaban en Europa.

Actualmente con el auge de las orquestas juveniles, en Latinoamérica se han roto los paradigmas de la enseñanza musical, lo que ha redundado en un crecimiento constante del mundo musical de los países como: Venezuela, Ecuador, Uruguay, Paraguay, Costa Rica, Perú, Guatemala, Colombia y México; países estos que carecían hasta los años 70 de un sistema fortalecido de educación musical para niños y jóvenes. Es así que en la actualidad existe un bum de la música académica a nivel de toda Latinoamérica.

De tal manera que grandes solistas, jóvenes directores, grandes orquestas, excelentes grupos de cámara, festivales de jazz, festivales de música de cámara, cursos de veranos, clases magistrales, emergen por cantidades nunca antes vistas por toda Latinoamérica.

• ¿Cree saber el por qué de esta ‘evolución’ y desarrollo musical Latinoamericano?

Se debe básicamente al fenómeno de la globalización, con este hecho se marca la era de la información, la técnica y el conocimiento pueden ser llevados a todos los lugares, hasta el último rincón del mundo, e igualmente a la implementación del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles que rompió los paradigmas de la educación musical y que en Venezuela atiende actualmente alrededor de 300 mil niños y jóvenes músicos de la región.

• En su experiencia de maestro debe haber tenido muchos casos de alumnos que manifiestan distintos inconvenientes al momento de interpretar una obra. ¿Cómo cree usted que puede ayudar a un alumno a desarrollar su musicalidad?

Lo ideal sería incluso comenzar antes de tomar el instrumento, pero si el alumno tiene tiempo tocando, hay que hacer énfasis en que el clarinete no es el fin, sino la música. El clarinete debe ser el medio de expresión que nos permita decir a través de los sonidos, lo que no se ve y lo que es realmente la música: La expresión de sentimiento y la creación de atmósferas. Cuando comencé a dar clases siempre seguía el mismo patrón: Técnica, fraseo, creatividad; antes le decía al alumno hasta el último pianísimo o forte, hasta que me fijé que ellos siempre necesitaban de mi para montar nuevas obras (estaban realmente limitados para crear) entonces decidí cambiar mi metodología e invertí totalmente la manera de impartir clases.

Primero la creatividad y fraseo: el alumno debe lograr con ayuda del maestro a identificar cada frase y cómo se ejecuta cada frase. Y le aplico la técnica de confrontación de diferentes puntos de vista, hasta que el alumno logra hacerse una idea musical propia y en ese momento el descubre la música y toda la técnica fluye mejor porque el alumno puede observar y sentir que el pasaje o la frase tiene un sentido musical.

• ¿Qué es la Academia Latinoamericana del Clarinete?

La Academia Latinoamericana del Clarinete se conformó de una manera gradual y progresiva, comenzó como una cátedra de 8 alumnos venezolanos, los cuales alcanzaron un gran nivel técnico y un desarrollo musical admirable. Fue en ese momento cuando muchos clarinetistas venezolanos y otros Latinoamericanos solicitaron el ingreso a esta cátedra, encontrándonos nosotros en la necesidad de buscar otros colegas clarinetistas que vinieran a impartir clases, pero no en una dinámica tradicional, sino en un sistema de rotación de profesores y alumnos para así poder acceder a los conocimientos que cada uno de los profesores podía dar. Además, de la posibilidad de aprender a enseñar, hacer música de cámara, tocar de solista y tocar en orquesta, desarrollando clarinetistas integrales capaces de abordar el clarinete en sus distintas posibilidades. Maestros de muchas nacionalidades y solistas de reconocido nivel internacional del mundo entero, vienen a Venezuela a enseñar y contribuir al desarrollo de los alumnos de la Academia Latinoamericana del Clarinete.

• ¿Cómo hace un clarinetista Latinoamericano para ingresar a la Academia Latinoamericana del Clarinete?

Existen dos maneras: La primera y más sencilla es enviando una grabación en video, la cual es evaluada por cuatro maestros de la academia, y la segunda posibilidad es presentando una audición en vivo ante estos profesores.

• Dentro de la gran diversidad de su repertorio, ¿Tiene alguna preferencia musical?

Lo que más me gusta interpretar son los clásicos y los estándares, es decir, los más importantes de cada estilo: Mozart, Debussy, Bartok, Stravinsky, Beethoven, Bernstein y últimamente he estado tocando música con aires de jazz, Big-Band. Pero no tengo una en especial, sin embargo, Mozart es lo que más me gusta tocar, es una de las obras más hermosas, casi no la escucho últimamente, pero tocar el concierto es fantástico. Será por eso que lo he tocado 52 veces con el clarinete di basetto.

• Y de los últimos conciertos que se han compuesto, ¿Tiene alguno preferido, alguno que usted pueda señalar como una “excelente obra”?

Hay muchas, en Venezuela existe una obra muy buena de Jean Carlos Castro, es un concierto para clarinete y Big-Band, considero que es muy buena en su estilo, igualmente me viene a la memoria las Tres piezas para clarinete solo de Atehortua que fueron grabadas por el maestro Rossi, por supuesto el concierto de Corigliano y el concierto de Calandreli que toca Eddie Daniels. En general me gusta escuchar la música moderna. Hay una obra que toca Jonathan Cohler llamada Moon Flowers babes de Cooper Couphermann, y las obras Latinoamericanas.

• ¿Cómo se siente luego de toda su fructífera carrera?

Lo que siento que he hecho es que he abierto caminos para los jóvenes Latinoamericanos, y eso me da mucha satisfacción de tres maneras: tocando, enseñando y en el rol administrativo que cumplo en el sistema de orquestas.

• Durante su tiempo de estudio e incluso a lo largo de su vida ¿Qué consejo ha sido el que mas le ha servido en su vida como solista?

He recibido muchos consejos de maestros de todas partes del mundo, pero recuerdo dos muy especiales.El maestro Luis Rossi me dijo: “Lo importante no es tocar muchas notas o cosas difíciles, sino que lo poco o mucho que puedas tocar lo debes hacer con gran solvencia técnica, con mucha conciencia del fraseo y gran sensibilidad”.

Y el segundo es del maestro Stanley Drucker, quien luego de tocar el Mozart para él, me dijo: “Hay dos tipos de músico en el mundo, los que tienen buen gusto y los que tienen mal gusto y con lo que he escuchado de ti, me he dado cuenta que tu perteneces al primer grupo, tu tienes buen gusto y no temas hacer lo que te provoque hacer, dale rienda suelta a tu creatividad y confía en ti”

• Y acerca de su actividad docente, ¿Qué nos cuenta de su amor por enseñar?

Es mi pasión, es lo que más he aprendido y desarrollado, tengo casi 30 años enseñando en todos los niveles, desde la iniciación hasta una maestría y en todos los niveles lo disfruto. En estos momentos en que he dado clase en Canadá, en Estados Unidos y en casi todos los países de Latinoamérica, asi como tambien he impartido clases magistrales en el conservatorio Tchaicowisky de Moscú y en la Universidad Cultural de Beijin, y actualmente estoy invitado para dar clase en Portugal, China y Dinamarca.

• ¿Algún recuerdo de su experiencia como solista?

En la gira de conciertos con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, bajo la dirección del maestro Eduardo Mata, en el festival “Cervantino de Guanajuato” (México), fue verdaderamente mágico, recuerdo que fue la última vez que interpreté el concierto de Mozart bajo su batuta.

• Cuéntenos algo de sus viajes.

Cada gira y cada viaje tiene una enseñanza y su magia, lo que si te puedo decir es que si uno trabaja con constancia y tenacidad, la vida siempre le da a uno mas de lo que uno desea. Cada viaje es una consecuencia del trabajo diario y hay que soñar aun el sueño imposible y la vida siempre te dará más.

• Hace poco nos enteramos que usted formará parte del jurado de un concurso muy prestigioso, el concurso Internacional Carl Nielsen que se efectuará en Dinamarca el presente año 2009, ¿Cómo recibió esa noticia'. ¿Ya se la esperaba?

La recibí con beneplácito y como un reconocimiento al nivel técnico y artístico musical existente en Latinoamérica y ademas del desarrollo que ha tenido la escuela del clarinete en esta región, con excelentes maestros, solistas, cuartetos de clarinete, festivales de clarinete y compositores Latinoamericanos que se han inspirado para escribirle a nuestro bello instrumento.

El concierto de Carl Nielsen junto al concierto de Mozart son obras obligatorias del repertorio de todos los clarinetistas venezolanos y el Concierto de Nielsen es exigido como obra de graduación en las instituciones de educación superior de mi país.

Esta invitación me complace y me compromete a continuar el trabajo de formación de jóvenes clarinetistas de Latinoamérica.

• Si pudiera dar un consejo a los estudiantes que van a leer esta entrevista ¿Cuál sería?

A los clarinetistas Latinoamericanos les digo que sigamos cada vez más integrados, compartiendo conocimientos y experiencias, para así seguir elevando el nivel estándar internacional ya alcanzados y remontarnos a niveles de excelencia nunca antes vistos en un colectivo de clarinetistas de ninguna otra región del mundo.

I Taller Nacional de Clarinete Lima 2012

2012-02-25T09:13:00.001-08:00

Por primera vez en Lima se realizó el I Taller Nacional de Clarinete con sede en la Universidad Ricardo Palma. Este taller, por iniciativa del clarinetista Marco Antonio Mazzini, se realizó del 7 al 11 de febrero con clases de 10:00am a 6:00pm. La prestigiosa empresa Vandoren fue el auspiciador principal de estos intensos días de música.

El taller fue atendido por 37 clarinetistas entusiastas, entre niños, jóvenes y adultos (algo muy inusual en el Perú). Viajaron a Lima clarinetistas de Chincha, Huancayo, Ica y Trujillo, los cuales recibieron una beca integral por parte de Vandoren. Una clarinetista de Ecuador también se unió a este variado grupo. Los miembros de la Orquesta Peruana de Clarinetes también se beneficiaron del apoyo ofrecido a Clariperu por Vandoren.

Cada manaña, los alumnos empezaban las clases escuchando las obras más representativas escritas para el clarinete - aquí pasaron los nombres de Kari Kriikku, Alain Damien, Igor Františák, Guy dangain, Victoria Soames, Philippe Cuper, David Krakauer, entre otros. Luego, se daba paso a ejercicios técnicos en donde se daba especial énfasis en la producción del sonido - todo lo que un clarinetista necesita saber para poder tener un buen control de su instrumento.

El día lunes 7 por la tarde, se les ofreció un gran abanico de repertorio progresivo que incluían dúos, tríos, cuartetos y música para ensambles. Una de las reglas de juego del taller era que todos los participantes tenían que tocar un mínimo de dos obras con grupos diferentes. Se formaron un total de 29 ensambles, desde dúos a formaciones de 10 clarinetistas. La interacción era parte importante del taller y se desarrolló con mucho entusiasmo por parte de los clarinetistas.

Cada tarde, los grupos ensayaban individualmente bajo la mirada atenta de Marco Mazzini, y luego se formaba una gran clase donde cada uno de ellos salía al frente a mostrar el trabajo realizado. Aquí, todos participaban de una manera crítica opinando sobre lo que habían escuchado. Marco Mazzini ha desarrollado su carrera principalmente como músico de cámara, y su experiencia la compartía cada tarde con todos los asistentes, entre risas, juegos y momentos de mucha reflexión.

Cada sesión de la tarde se transformaba en una plataforma para vencer los nervios, una constante motivación de superación y un excelente ambiente para conocer nuevos amigos. La música nos acerca y, como la dinámica era tocar con grupos diferentes, todos los clarinetistas interactuaron con chicos y chicas que antes no había conocido. El poder dialogar, escuchar la opinión de otros y trabajar en conjunto son elementos básicos para todo músico, estos aspectos se aplicaban y discutían a diario. La experiencia fue maravillosa para todos.

Al final del taller, todos los inscritos ofrecieron un gran concierto de gala en la sala Sebastián Barranca de la Universidad Ricardo Palma. El concierto empezó con la formación de un gran ensamble que interpretó "Las Bodas de Figaro", el "Allegro" de la quinta sinfonía de Beethoven, y el primer movimiento de la "Sinfonía N° 25" de Mozart.

El programa incluía los 29 grupos formados que ofrecieron desde obras de Mozart, a música peruana, tangos y tarantellas. Los chicos mostraron un gran aplomo y el ambiente fue muy familiar. Fue muy emotivo ver a tantos clarinetistas desde niños, jóvenes, miembros de la Fuerza Aérea, Policía Nacional, la Marina de Guerra, alumnos de música y adultos reunidos por su pasión: el clarinete.

Participantes del I Taller Nacional de Clarinete Lima 2012

Clariperu desea agradecer una vez más a la empresa francesa Vandoren por apoyar este gran evento y a la Universidad Ricardo Palma. A partir del 2012, realizaremos estos grandes talleres dos veces por año, siempre ofreciendo becas íntegras y una constancia de respaldo de la Universidad Ricardo Palma. ¡Nos vemos en agosto donde el taller ofrecerá algunas novedades!