El secreto está en los detalles.

Dijo una vez Buster Keaton, a propósito de esa maravillosa e inolvidable obra maestra del cine titulada «Candilejas» (1952), que por encima incluso de su arte cómico, lo más importante en las películas de Charles Chaplin eran los detalles. No podía estar más en lo cierto.

A orillas del Mediterráneo, bajo la luna de Valencia, se celebra La Cabina, un festival de cine realmente fantástico y único en el mundo, dedicado en exclusiva a los mediometrajes, es decir, películas con una duración de 30 a 60 minutos. No es un formato habitual, cierto, pero no nos equivoquemos, porque un mediometraje es una obra completa, no es la mitad de una película, del mismo modo que el mar no es la mitad de un océano, ni el pony es la mitad de un caballo, como muestra el sutil, elegante y muy significativo cartel de esta edición, firmado por el reconocido artista urbano Escif. Y es que los detalles son de una vital importancia en la idiosincrasia y la organización de este nuevo referente en la agenda festivalera del mundo del cine; es precisamente gracias a ellos que ha conseguido crecer incluso en tiempos de crisis, en medio de la tempestad del sector audiovisual y del abandono institucional al que han sido sometidas la cultura y las artes en este país.

Y por supuesto, está su propuesta, cuyo notable éxito abre necesariamente el debate sobre la posible conveniencia de diversificar la oferta actual de cadenas de televisión y salas cinematográficas para dar cabida a un formato cuyas ventajas son obvias. Sin ir más lejos, una de las razones clave del auge de las series televisivas es la acotada duración de cada uno de sus capítulos, convirtiéndose así en accesibles píldoras de entretenimiento rápido. La idea de emitir películas de duración similar a la de las series, o lo que es lo mismo, mediometrajes de entre 30 y 60 minutos, no podría ser más acertada. Y por lo que respecta a las salas de cine, la cada vez mayor afluencia de espectadores a las sesiones dobles de La Cabina demuestra que la fórmula funciona, pues el público asimila con entusiasmo la experiencia positiva de ir al cine a ver dos películas por el precio de una, sobre todo cuando gran parte de la oferta que llega habitualmente a las carteleras comerciales se nutre de estrenos cuya duración está inflada para encajar dentro de los imperativos actuales del mercado. ¿Dos películas con una duración ajustada en lugar de una única película alargada hasta el aburrimiento? Parece una buena opción. Y lo es.

¿Pero hay películas de esa categoría? Pues sí, damas y caballeros. Tras su espectacular edición anterior, La Cabina 2015, celebrada del 5 al 15 de noviembre en la Filmoteca y el C.C. La Nau de Valencia, ha vuelto a demostrar que hay un cine realmente fabuloso que el gran público se está perdiendo y que tanto las salas como las cadenas de televisión harían muy bien en comenzar a tener en cuenta para su programación. El cada vez mayor número de asistentes a este atractivo certamen ha disfrutado durante diez estupendas jornadas —más la clausura— de tardes y noches otoñales dignas de recordar gracias a una exquisita selección de títulos de gran calidad que desgranaremos en este reportaje.

¿Pero quiénes hacen películas de esta duración? ¿Autores sin importancia? Pues no precisamente. Para los ya mencionados Charles Chaplin y Buster Keaton, el ritmo cinematográfico era casi una ciencia, daba igual que rodaran un cortometraje, un mediometraje o un largometraje. De hecho, ambos filmaron geniales mediometrajes, como «El chico» (1921) o «¡Armas al hombro!» (1918) en el caso de Chaplin, y «Siete ocasiones» (1925), «El navegante» (1924) o «El moderno Sherlock Holmes» (1924) en el caso de Keaton. Pues bien, quienes aprecien la magia de estas películas, comprenderán entonces el espíritu que mueve a La Cabina, el de la búsqueda de un cine entendido no sólo como entretenimiento, sino también como una experiencia vital que nos transforma por dentro.

Pero no hay que remontarse sólo a los clásicos, porque prácticamente desde siempre se han rodado mediometrajes aunque su popularidad no haya sido la merecida debido a los cánones de los circuitos comerciales. Tanto es así, que en la Sección Inédits de La Cabina 2015 se han podido ver trabajos en este formato de autores consagrados como Federico Fellini, Aleksandr Sokurov, Gaspar Noé, Carlos Sorín, Chantal Akerman y Ermanno Olmi, que se suman a los mediometrajes de otros grandes directores como Orson Welles, Woody Allen, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Andrej Wajda o Éric Rohmer que se han programado en ediciones anteriores del festival. Casi nadie, ¿verdad? Y actualmente sigue haciéndose gran cine de entre 30 y 60 minutos, a continuación repasamos la estupenda oferta que pudimos disfrutar en La Cabina 2015, síganle la pista a estas joyas.

La cinta inaugural del certamen fue la francesa «Superman no es judío (y yo, un poco)», una entrañable y divertida fábula sobre la libre elección de las creencias personales contada a través de la historia del pequeño Benjamín, un niño judío que trata de ocultar a los demás su identidad religiosa pese a la insistencia de su padre en inculcarle la responsabilidad que significa preservar y continuar el legado de miles de años de tradición de un pueblo perseguido. Hay que ir apuntando el nombre del jovencito actor Kolia Abiteboul, porque el protagonista apunta a futura estrella y se encuentra entre lo mejor de esta muy recomendable película autobiográfica del director Jimmy Bemon que nos recuerda el maravilloso valor catártico del arte, el cine y la comedia para cicatrizar nuestros dramas del pasado.

El Premio del Público de La Cabina 2015 fue para «Terremere», de Aliou Sow, una admirable coproducción entre Senegal y Francia que nos hizo rememorar el espíritu de la emotiva película ganadora del año pasado —«Desconocido»— al hablarnos del profundo y desolador desarraigo que pueden padecer las personas por culpa de los prejuicios religiosos, en este caso cebado especialmente en quien se ve obligado a emigrar para buscar una vida mejor en otro lugar aun a riesgo de acabar siendo considerado extranjero en ambas tierras. Desestimado injustamente por los otros, despojado del sentimiento de pertenencia, perdido en el desierto, Aliou Sow concluye que es mejor estar «en el centro de la nada que a las afueras de los demás». Nosotros estamos con él.

En una edición con gran presencia de historias sobre la adolescencia, el jurado de este año concedió el Premio al Mejor Mediometraje precisamente a la cinta danesa «Teenland», de Marie Grahtø Sørensen, una irreverente propuesta de ciencia-ficción alrededor de dos adolescentes rebeldes que pretenden huir del centro psiquiátrico en el que viven recluidas junto a otras jóvenes con poderes sobrenaturales. Sørensen nos muestra que todos somos especiales y que en esa etapa de la vida debemos desprendernos de los cordones umbilicales que nos unen —y nos atan— a una mentalidad preestablecida que hasta entonces nos encierra, para así poder renacer y ser libres por voluntad propia. Unos efectos especiales en ocasiones dignos de una producción de gran presupuesto y una música salvaje que destaca como uno de los elementos más llamativos de «Teenland», hacen de esta tierra de adolescentes una película aún más sugerente y especialmente capaz de despertar ánimos y conciencias entre el público joven.

Por otra parte, una Mención Especial del Jurado recibió «Interior. Leather bar», el transgresor y polémico mediometraje dirigido por James Franco y Travis Mathews que, sin duda, ha sido la gran sensación de esta edición del festival por las altas expectativas creadas y por la elevada afluencia de espectadores llenando cada uno de sus pases en la Filmoteca de Valencia. «Interior. Leather bar» es un ejercicio de cine dentro del cine, un falso documental que contiene escenas de sexo gay explícito y pretende llamar la atención sobre los límites impuestos en lo que se debe y no se debe mostrar en las películas. La trama toma como pretexto una reconstrucción de los 40 minutos censurados y perdidos de la película «A la caza» —el turbador clásico moderno que en 1980 protagonizó Al Pacino a las órdenes de William Friedkin— para exhibir aquello que el público no puede o no quiere ver en el cine de Hollywood y de este modo preguntarse cómo es posible que, tres décadas después y en plena sociedad moderna del siglo XXI, el sexo entre hombres siga tratándose de un tema tabú.

El resto de premios del muy repartido palmarés de la Sección Oficial de La Cabina 2015 fueron a la Mejor Dirección para Jean-Guillaume Sonnier, por «Petit homme»; Mejor Guion para Lander Camarero, Nizar Rawi y Mohammed Rohaima, por «A serious comedy»; Mejor Actor para Simon Schwartz, por «Todo irá bien»; Mejor Actriz para Malin Crépin, por «Lulu»; Mejor Fotografía para Jan-Marcello Kahl, por «Nocebo»; y Mejor Música ex aequo para Philippe Langlois, por «Lobos solitarios en modo pasivo», y G.J. Echternkamp, Morgan Kibby y Eben Smith, por «Para los que siempre es complicado». Por su parte, el jurado de la Sección Amalgama concedió su principal galardón a «El gran vuelo», de Carolina Astudillo, y una mención especial a «Dime quién era Sanchicorrota», de Jorge Tur Moltó.

Billy Wilder reconocía que hacía comedias en las épocas en las que estaba deprimido. Para él, lentitud y solemnidad no eran sinónimos de profundidad; la percepción contraria es la que ha llevado tradicionalmente a pensar en la comedia como un género menor para tratar las cuestiones que nos afectan en la vida, pero esta es una gran falacia. Precisamente, una de las grandes perlas de este año en La Cabina ha sido la genuina producción hispano-iraquí «A serious comedy», de Lander Camarero, una hilarante mezcla de ficción y documental que viene a hacer aún más grande el valor del cine como instrumento de compromiso social. La trama nos presenta a Nizar Rawi, el director del Festival de Cortometrajes de Bagdad, que se interpreta a sí mismo en esta surrealista aventura metacinematográfica para rodar la primera película cómica en los últimos 30 años en Irak —un país sumido en el drama y el caos— con el más loable de los propósitos: devolver la sonrisa a un pueblo al que se le ha arrebatado, entre otras muchas cosas, el derecho a reír. Si el mediometraje «Superman no es judío (y yo, un poco)» devenía una catarsis individual a través del cine y la comedia, lo que «A serious comedy» propone es una catarsis social.

Por cierto, entre su colección de momentos delirantes destaca la aparición de Clowns Without Limits, fabulosa idea inspirada en Payasos Sin Fronteras (Clowns Without Borders International), una ONG internacional fundada precisamente en España en el año 1993 y cuyo lema es «Ningún niño del mundo sin una sonrisa». Maravilloso.

Aparte de la Mejor Dirección para «Petit homme», de Jean-Guillaume Sonnier, una sensible y delicada fábula sobre la superación personal a toda costa de quienes en principio no dan la talla en esa frustrante y tortuosa competición deportiva que puede llegar a ser la vida, otro de los grandes aciertos del palmarés fue el premio al Mejor Actor para un descomunal Simon Schwartz, principal protagonista de la alemana «Todo irá bien», de Patrick Vollrath, una intensa y emotiva película sobre un tema realmente duro —el drama familiar acerca de la custodia de los hijos tras un divorcio—, que nos muestra hasta qué punto podemos llegar a perder la cabeza por aferrarnos a lo que más queremos. Arrebatadoramente impresionante también el papel de Julia Pointner, la niña protagonista.

Y como viene siendo habitual en este festival, había tanta calidad en su Sección Oficial, que se han quedado fuera del palmarés títulos absolutamente brillantes, como por ejemplo el mediometraje británico «Keeping up with the joneses», de Michael Pearce, una verdadera maravilla de thriller con tres personajes inmejorablemente escritos en un guion redondo que ha sido llevado a la pantalla con una cadencia y una elegancia que dejan en evidencia a la mayoría de thrillers que se estrenan habitualmente en las salas de cine comerciales.

Cine y literatura se dieron la mano en el espléndido mediometraje francés «La isla a mediodía», de Philippe Prouff, una muy lograda adaptación del cuento homónimo de Julio Cortázar incluido en su libro «Todos los fuegos el fuego», que nos relata la sugerente y obsesiva historia de un hombre que se dirige hacia su propia muerte, invitándonos a escapar de la razón y a mirar, como el protagonista, hacia un espacio perdido en el mar entre la realidad y el sueño. «La isla a mediodía» es una de esas películas capaces de fascinar a todo tipo de público y de empujarle a hacerse preguntas sobre lo etéreo, fugaz y enigmático de la existencia. «Supo sin la menor duda que no se iría de la isla, que de alguna manera iba a quedarse para siempre», escribía Cortázar sobre su isla, que es también la nuestra, la de quienes vivimos en las nubes y tocamos tierra sólo para desvanecernos.

Y menuda preciosidad de película nos encontramos con la alemana «¿En tu casa?», de Sylvia Borges, una deliciosa, divertida y poco convencional comedia romántica que nos cuenta la historia de dos desconocidos cuya relación comienza casi sin hablar, pero de una forma genuinamente sincera, porque nuestras casas —y los objetos de los que nos rodeamos— pueden decir más de nosotros mismos que nuestras palabras. «¿En tu casa?» es dejar entrar a esa persona en nuestro lugar en el mundo y que sea nuestro pequeño universo personal quien hable por nosotros. Dice la canción que las personas se enamoran de formas misteriosas. Quizá, la mejor forma de enamorar sea entreabriendo puertas hacia nuestros misterios.

Pero aún hubo más, como «A running jump», un anecdótico mediometraje cómico del prestigioso director Mike Leigh; la película noruega «Sólo me deseas a mí», de Dag Johan Haugerud, con la actriz Andrea Braein Hovig enfrentándose completamente sola a la cámara para relatar paso a paso su inconfesable historia de amor; las francesas «Cocoons», de Joasia Goldyn, una delicia cuya historia gira alrededor de una niña, una perra y dos familias desestructuradas, y «El último franchute», de Pierre-Emmanuel Urcun, una amena comedia urbana que ayuda a normalizar la convivencia de una generación de jóvenes musulmanes nacidos en el seno de la sociedad gala; la británica «Wasted», de Cathy Brady, un drama sobre la adolescencia tan real como la vida misma; y la danesa «Hot nasty teen», de Jens Assur, un durísimo drama sobre la terrible lacra de la pedofilia durante el cual somos testigos de la descorazonadora experiencia de una adolescente de 15 años abusada sexualmente por adultos que en apariencia son personas normales e incluso exitosas en sus entornos familiares y sociales.

Completaron la Sección Oficial la alemana «Intermezzo», de Igor Novic, un atípico drama romántico lleno de silencios y vacíos que acaban uniendo a una pareja de desconocidos; la chilena «Hambre», de Carlos Leiva y Carlo Sánchez, un drama familiar y deportivo en torno a un partido de fútbol; la catalana «H», de Lluís Galter, una políglota cinta de género histórico en la que oimos hablar con total naturalidad a sus protagonistas en catalán, español y francés a comienzos del siglo XXVIII; la española «Uranes», de Chema García Ibarra, una comedia negra de ciencia-ficción absolutamente bizarra cuyo entrañable tema musical aún resuena en nuestras cabezas; y la sueca «Kung fury», de David Sandberg, una absoluta obra maestra del cine de acción más absurdo, desenfrenado y descacharrante que se pueda imaginar y que garantiza carcajadas de principio a fin, todo un fenómeno viral de ambiente retrofuturista que enamoraría al mismísimo Ed Wood y que ya supera la cifra de 22 millones de reproducciones en YouTube.

La Cabina 2015 ha contado además con secciones paralelas (Amalgama, Inédits, Díptico Rock, Panorama Francés), aparte de otras proyecciones, numerosos coloquios y desenfadados shows como CinemaScupe que han convertido esta cita en una gran fiesta del cine. Parafraseando a Alfred Hitchcock cuando le dijo a François Truffaut que «El drama es una vida de la que se han eliminado los momentos aburridos», podemos decir sin ningún rubor que La Cabina es un festival del que se han eliminado las películas aburridas. Siempre fiel a su esencia: donde sobran minutos…

Es una verdadera lástima que películas tan interesantes como estas no estén llegando al gran público por la simple razón de que su duración no encaja en los estándares del actual circuito comercial. Quizá sea ya hora de replantear estrategias y, del mismo modo que surgen cineastas valientes que apuestan por el formato del mediometraje, sería una gran noticia que surgieran también canales de distribución que apuesten por ofrecer esta fórmula de cine breve y de calidad a sus espectadores. Con toda probabilidad no se arrepentirían. Mientras tanto, este refugio para amantes del cine que es La Cabina sigue creciendo año tras año y nos continúa regalando la vista y la imaginación a quienes ya nos hemos convertido sin remedio en parte de su público incondicional.

Insistíamos al comienzo de este artículo en que el secreto del éxito de La Cabina estaba en los detalles, pero no mencionábamos cuáles eran. Pues bien, tienen nombres y apellidos, la clave son ellos: Carlos Madrid, Sara Mansanet, Olga Palomares, Alicia Garrido, Ana Alborch, Lucía Carel, Joan Timoneda, Isthar Saldaña, María José Palacios y una veintena más de compañeros de un ejemplar equipo de gente bonita, llena de talento y entregada a un cautivador proyecto cinematográfico. Este formidable grupo consigue que merezcan la pena su esfuerzo y su sacrificio. El cine necesita a gente como ellos, así que, en nombre del séptimo arte y de todos los que disfrutamos con él, gracias por vuestro trabajo, el futuro del mediometraje pasa por vosotros. Hasta la próxima edición, amigos, sois muy grandes.

• Web oficial de La Cabina
• La Cabina en Facebook
• La Cabina en Twitter
• Tráiler de La Cabina 2015
• La Cabina crece en su octava edición
• La Cabina 2014: Una edición de filmoteca

Es cierto que ha sido una cita caracterizada por un género más envolvente, radical si se quiere en su ritmo y tempo esencial, algo no del gusto de la totalidad de un palco más tendente al amor por las palomitas y la velocidad. Pero es lo que ha tocado en esta ocasión en un evento que, como no podía ser de otro modo, ha tenido como principal rostro visible a la inagotable -cada vez menos, de hecho- Leticia Dolera, solidaria con un público amigo de olvidar o perder bolsos o cacharrería tecnológica en la sala con demoledora facilidad. Y sí, se debatió sobre si seguir jaleando o no «Canino», esa joya que rima con pepino. Estábamos en familia.

«Chappie» abrió el fuego despertando reacciones encontradas, aunque la diversión que propone es incontestable pese a su sencillez. Era el perfecto pistoletazo de salida para un largo fin de semana, en el que la jornada del viernes escondía la gran triunfadora de la Muestra. «Housebound» entretuvo, «Tokyo tribe» dislocó, «Burying the ex» arrancó sonrisas espontáneas por el espíritu literalmente dantesco -de Joe– que la recorre de principio a fin. Y llegó «Lo que hacemos en las sombras», falso documental vampírico que convirtió el cine Callao en un jolgorio voraz, en una celebración común del buen cine bien entendido.

El sábado por la mañana los cinéfilos del futuro disfrutaron de «Mi vecino Totoro», mientras que a primera hora de la tarde -«la sesión de los animados», Dolera dixit- los cinéfilos del presente se quedaban con la boca abierta ante las maravillas que propuso la hermosa «Song of the sea». Su proyección marcó un cambio hacia un cine más adulto, masticable y atmosférico, que apisonó con los temibles gemelos de «Goodnight mommy», el amor improbable primero/imposible después de «Spring» y el horror campestre de la belga «Cub», que dio paso al golferío de «Crazy bitches» en la obligada sesión de madrugada.

«L.F.O.» marcó un divertido y ameno inicio de la jornada dominical, la más dura siempre por marcar el final de la Muestra y por atisbar la llegada del siempre odiado lunes laboral. En fin. La tarde se demostró lenta y esforzada con las proyecciones de la amatoria «Jamie Marks is dead» y la perla rara del certamen, «A girl walks home alone at night», thriller fantástico-vampírico pseudo iraní con producción de Elijah Wood que espantó y fascinó a partes iguales; y como colofón, la belleza técnica y carnal de «Under the skin», broche de una reunión de amigos del género cuya espera siempre se hace demasiado larga. Pero es lo que hay. Hasta 2016.

En las imágenes: Leticia Dolera, presentadora de la Muestra Syfy © 2015 Syfy. Todos los derechos reservados.»Lo que hacemos en las sombras» © 2014 Unison Films, Defender Films, Funny or Die y New Zealand Film Commission. Todos los derechos reservados. «Goodnight mommy» © 2014 Ulrich Seidl Film Produktion GmbH. Todos los derechos reservados. «A girl walks home alone at night» © 2014 Say Ahh Productions, SpectreVision, Logan Pictures y Black Light District. Todos los derechos reservados.

La magia del cine no se mide en minutos.

Una sabia y preciosa lección que nos dejaba la fascinante y conmovedora película «El curioso caso de Benjamin Button» (David Fincher, 2008), basada en el inspirador relato de Francis Scott Fitzgerald, era que «La vida no se mide en minutos, se mide en momentos». No dudemos ni un instante en aplicarla a la magia del cine.

La Cabina es, sin duda, uno de los eventos cinematográficos más interesantes y con una química más especial de cuantos se dan cita en el mundo, y debemos estar muy orgullosos de que se celebre en Valencia, en España. De hecho, se trata del único certamen internacional existente que se decida a los mediometrajes, esto es, películas cuya duración va de los 30 a los 60 minutos. ¿Más que un cortometraje? ¿Menos que un largometraje? Pues sí y no, porque lo que de verdad importa es la fabulosa colección de momentos de gran cine y de emoción que nos han regalado los 24 mediometrajes de esta VII edición que ha crecido en todos los aspectos, principalmente en la impresionante calidad de las películas exhibidas y el notable aumento de espectadores en un 30% respecto al año anterior, así como en la creciente asistencia de cineastas participantes en sus cada vez más variadas actividades, incluyendo ruedas de prensa diarias con los autores de las obras mostradas a las que estaban invitados tanto la prensa como el público. Visto lo visto, para la edición del año que viene se augura otro nuevo récord en la evolución de este festival que año tras año se va consolidando entre lo más apetecible para los amantes del séptimo arte. Y que nosotros lo veamos, porque esto pinta a apuesta segura, porque nos encanta descubrir nuevas promesas del cine y joyas que todavía han podido disfrutar muy pocos, y en este festival se ven a pares. No es broma: la magia y la calidad de su sección oficial no tienen nada que envidiar a las de grandes certámenes internacionales, lo cual constituye un mérito realmente difícil de alcanzar, pero que La Cabina logra hasta con naturalidad gracias en gran medida a su excepcionalidad, puesto que reúne en exclusiva la mejor selección de mediometrajes que se ruedan en el mundo. Suena brutal; y lo es, damos fe.

Un poco el espíritu y mucho el sentir de este festival —que habita entre dos mundos, el del cortometraje y el largometraje— se concilian detrás del Premio al Mejor Mediometraje de esta séptima edición, que fue a parar a la producción iraní «Desconocido» (Namo), de Salah Salehi, la historia de un desarraigo extremo, el doloroso drama de alguien que no encontró su lugar en este mundo y cuya excepcionalidad le impide encontrarlo también en el otro, ciega e injustamente expulsado de ambos, condenado a vivir la vida y morir la muerte en esa tierra de nadie que nadie quiere y que nadie reconoce, pero en la que en el fondo también habitamos tantísimos de nosotros, que somos tan iguales, pero a la vez tan distintos. Qué bonito que, al final, ese desconocido haya sido recibido con los brazos abiertos en un lugar donde ha encontrado el reconocimiento, donde ha encontrado un hogar, ese hogar para los diferentes que es La Cabina. Bienvenido.

Por su parte, el Premio del Público recaía en la cinta belga «Taram tarambola», de María Castillejo, directora española asentada en Bruselas y poseedora de una hermosa sensibilidad para contar historias tan duras pero a la vez tan delicadamente narradas como esta que ahora nos ocupa y que ha logrado conquistar el corazón de la mayoría de espectadores de esta edición de La Cabina, la emotiva historia de dos niñas, dos hermanas, las pequeñas Émilie y Anna, hijas de una madre que las adora y de un padre que nunca está, que nunca llega o que, aun estando, en realidad no está, pues siempre las decepciona. Tristemente, un drama cada vez más cotidiano y que María Castillejo retrata con calidez desde el punto de vista no de los padres, como es habitual, sino desde la perspectiva de las niñas, que es la que más debería importarnos a todos y a todas. Bravo por ella.

El palmarés se completa con los premios a la Mejor Dirección ex-aequo para Maciej Marczewski por la cinta polaca «Juegos» (Gry) y Tanja Golić por la croata «Por casualidad» (Slučajno), Mejor Guion también para esta última directora por el mismo mediometraje, Mejor Actor para Vincent Krüger por la alemana «Sunny», Mejor Actriz para Julia Kijowska por «Juegos», Mejor Música para Ulysse Klotz por la francesa «Los niños» (Les enfants), Mejor Fotografía para Bern Effenberger por la alemana «En cierta habitación» (Ein gewisses zimmer) y Mención Especial a la Mejor Dirección de Arte para Julie Asskildt por la noruega «La tierra sobre el viento» (Jord over vind).

Había tanta calidad entre los 24 mediometrajes que formaban la sección oficial de este año, que no cabía toda en el palmarés y fuera de los premios se han quedado títulos verdaderamente recomendables. De hecho, la primera jornada de proyecciones arrancó con una obra de arte, la francesa «Tierra quemada» (La terre brûlée), de Julien Meynet. Su desgarradora trama nos traslada a las montañas de Córcega en plena ocupación de las tropas francesas a finales del siglo XVIII, pero su mensaje es absolutamente universal y atemporal. La impresionante protagonista femenina nos arrebata el aliento y encabeza el sinfín de virtudes de esta joya que es incluso capaz de prescindir completamente de los diálogos para encogernos el alma y recordarnos que tras cada piedra, tras cada rincón que nos rodea, laten las historias del pasado, y persisten, aunque no las veamos, las huellas de muchas tragedias, de luchas por la supervivencia, de revoluciones por la vida que nos han hecho ser quienes a día de hoy somos.

Otra de las joyas que pudieron verse es la estonia «El último Romeo» (Viimane Romeo), de Moonika Siimets, una romántica, encantadora y divertidísima comedia musical que tiene como principal protagonista a un joven bonachón y tímido enamorado cuyo corazón palpita sin remedio por una belleza rubia que, a su vez, pierde la cabeza por otro, el típico juerguista canalla y miserable. Una sucesión de escenas entrañables, surrealistas e hilarantes recorren esta embriagada película cuyo más que recomendable visionado nos invita a brindar con vodka y a cantar bien alto aquello de que «La vida es un asco, pero también te da alegrías». Un hurra por ello.

Además de los aplausos, uno de los sonidos que más se han escuchado a lo largo de los 11 días de actividades de La Cabina ha sido el de las risas, incluyendo incontables y sonoras carcajadas, porque el género de la comedia es uno de los que mayor y mejor representación tienen en este festival. Aparte de la anteriormente citada «El último Romeo», no podemos dejar de destacar «La tierra sobre el viento» (presente en el palmarés), una maravillosa locura en la que los actores interpretan una versión ficticia de sí mismos en un universo que —según declaraba su director en rueda de prensa— viene a ser una colección de pensamientos encadenados protagonizados por adultos comportándose como niños. Tal cual. Y mención especial también merece la francesa «Hastío» (Ennui ennui), de Gabriel Abrantes, una desternillante y satírica comedia de enredos ambientada en Afganistán que ha sido capaz de regalarnos imágenes y situaciones inolvidables. No exageramos al decir que la diversión que han generado estas películas entre el público del festival supera la de la infinita mayoría de comedias que llegan a las salas de cine comerciales.

Qué grande es el cine, en cualquier formato, de cualquier duración. Qué grandes esas películas que nos hacen reír, llorar, reflexionar, sentir y soñar, esas historias que incluso tienen la fabulosa capacidad de cambiarnos por dentro, y que, al conocerlas, durante esos momentos, en esa sala oscura, nos convencen de que uno nunca sabe lo que le espera y que otra manera de experimentar la vida es posible. Por eso es muy importante que haya cineastas valientes que apuesten por los mediometrajes y que, más allá de los cánones que rigen el mercado, sean capaces de ser fieles a sí mismos y se empeñen en seguir creando en ese limbo existente entre los cortometrajes que merecerían ser más largos y los largometrajes que deberían ser más cortos. Todo en su justa medida es siempre mejor.

Y por fortuna, en Valencia hay un grupo de verdaderos entusiastas amantes del cine que aportan enconadamente todo su esfuerzo e ilusión para que esos creadores dispongan de un marco incomparable donde poder mostrar esos trabajos que atesoran tanta calidad pero que por su diferente duración no encuentran distribución en el circuito comercial. Un equipo de auténticos valientes que aún piensan que las cosas pueden cambiarse para mejor y que trabajan para conseguirlo. Ojalá sirvan de ejemplo para que más cineastas, exhibidores, promotores culturales y, sobre todo, espectadores, apuesten por este formato. Viva el cine, vivan los mediometrajes, viva La Cabina, viva su equipo y viva la madre que los parió. Cuentan con todo nuestro apoyo, desde luego. La VIII edición ya está en camino, porque a esta gente, además, le va la marcha. Será aún más y mejor. Yeah.

• Web oficial de La Cabina
• La Cabina en Facebook
• La Cabina en Twitter

«No podemos pensar como individuos, sino como especie»

El reconocimiento hacia un género es proporcional a la calidad de los mejores títulos que produce, y, en este sentido, la ciencia-ficción ha dado hasta ahora un relativamente escaso número de obras maestras, por lo que no debe extrañarnos que esté considerada en una categoría menor si se compara con otros catálogos. No obstante, desde la primigenia «Metrópolis» (Fritz Lang, 1927) a la reciente «Gravity» (Alfonso Cuarón, 2013), pasando por las mayúsculas «2001: Una odisea del espacio» (Stanley Kubrick, 1968), «Blade Runner» (Ridley Scott, 1982), «Star Wars» (George Lucas, 1977), «Matrix» (Andy y Larry Wachowski, 1999), «Inteligencia Artificial» (Steven Spielberg, 2001), «Solaris» (Andrei Tarkovsky, 1972), «Encuentros en la tercera fase» (Steven Spielberg, 1977) y más títulos que podéis consultar en este otro reportaje sobre las mejores películas de ciencia-ficción, los amantes del cine hemos podido disfrutar de un género que sin duda tiene aún mucho más que decir. Afortunadamente.

En este contexto, «Interstellar» (Christopher Nolan, 2014) viene a sumar una importante aportación por cuanto retoma el camino de la ciencia-ficción filosófica, porque nos hace mirar a las estrellas y pensar en los eternos interrogantes acerca de la naturaleza humana y nuestro lugar en el Universo. Y esa es precisamente la mejor versión de este género que, para muchos, y a pesar de lo apuntado en el anterior párrafo, lo convierte en el más relevante y trascendental de todos, recordándonos que, en muchos sentidos, aún nos encontramos en el oscuro interior de la caverna de Platón, que seguimos siendo como un polluelo que todavía no ha salido de su cascarón, que antes o después deberemos abandonar la cuna de nuestra civilización aunque sólo sea para evitar nuestra propia extinción, que el Universo nos espera y que la aventura más grande de la Humanidad está aún por llegar, pues ha de venir una nueva era de viajes y descubrimientos en la que los seres humanos recobraremos otra vez nuestro espíritu de pioneros y exploradores, y conseguiremos atravesar las galaxias igual que en su día fuimos capaces de cruzar los océanos.

«Encontraremos la manera, siempre lo hemos hecho»

Ojo, «Interstellar» está muy lejos de ser perfecta, su más que bienvenida ola de conceptos no oculta que aun siendo enorme su calidad de producción, a lo largo de sus casi tres horas de duración le cuesta ofrecer imágenes y escenas realmente memorables para el imaginario colectivo más allá de la puntual contemplación de fabulosos fenómenos astrofísicos como son un agujero de gusano y un agujero negro —la representación visual que se hace de ellos en la película resulta tan convincente como impresionante—, y de algún que otro guiño a clásicos de la ciencia-ficción como por ejemplo el «Mundo Anillo» de Larry Niven. Y es que Nolan, a pesar de ser un gran realizador, no posee el virtuosismo de Ridley Scott para crear atmósferas increíbles, ni la obsesión milimétrica de Stanley Kubrick para crear escenas imborrables (de hecho, «Interstellar» es del todo inferior a la magistral «2001: Una odisea del espacio», por mucho que quiera parecérsele, aunque es superior a otro referente como «Elegidos para la gloria» [Philip Kaufman, 1983], película que ha aguantado peor el paso del tiempo). Tampoco ayuda la sobreactuación de un Matthew McConaughey cuyo marcado protagonismo merma en parte el desarrollo de una trama que en otras manos podría incluso haberse convertido en la típica historieta del héroe americano que un día está reparando tractores en una granja de maíz y al siguiente salvando al mundo como un valiente astronauta a bordo de una nave espacial.

En el haber de esta megaproducción encontramos el trabajo de habituales colaboradores de Nolan como su propio hermano Jonathan Nolan en el guion, Emma Thomas en la producción, Hans Zimmer en la banda sonora, Lee Smith en el montaje, Nathan Crowley en el diseño de producción y, por supuesto, el siempre inconmensurable Michael Caine en el reparto. Y sobre todo, dos aciertos fundamentales en el tratamiento de la historia: en primer lugar, la seriedad con la que se han manejado los aspectos científicos; y en segundo lugar pero no menos importante, el ejemplar balance de personajes. Tradicionalmente y salvo honrosas excepciones, en las grandes superproducciones el macho alfa —o el torpe estándar que para la ocasión saca el macho alfa que lleva dentro— salvaba el día con la bella mujer florero como embelesada testigo de sus hazañas, y con ancianos y niños en los roles de lastres o contrapuntos cómicos; sin embargo, en «Interstellar», desde el principal protagonista interpretado por Matthew McConaughey a los personajes femeninos caracterizados por unas estupendas Anne Hathaway (la astronauta Amelia Brand) y Jessica Chastain (la científica Murph Cooper), pasando por el veterano Michael Caine (como el eminente profesor Brand) y la pequeña Mackenzie Foy, todos tienen papeles cruciales en el desarrollo de la trama. Y esto es así tanto por la importancia vital que para Nolan tiene el vínculo familiar en esta historia, como por ser plenamente consciente de que una Humanidad que pretende salvarse de su extinción no puede permitirse el lujo de prescindir del trabajo, la inteligencia, la sensibilidad, la intuición, el talento, la creatividad, la sabiduría y, en definitiva, de cuantos aportes es capaz esa amplia e imprescindible parte de la población que forman las mujeres, los niños y ancianos, una vez se van superando ya los irreales, discriminatorios y trasnochados clichés del pasado en esta materia.

Pero si por algo pasará «Interstellar» a la Historia es por su mensaje, por esa sorprendente idea que impregna la película de principio a fin, por esa maravillosa teoría que defiende y que muchos se han apresurado a tachar de cursilada o de licencia sentimentaloide de Christopher Nolan sin haberse parado a pensar que de lo que aquí se está hablando es de ciencia.

«El amor es lo único que trasciende el tiempo y el espacio»

En 1997, el genial escritor Dan Simmons publicaba «El ascenso de Endymion», el último libro de la prodigiosa saga iniciada en 1989 con «Hyperion», un hito en la literatura de ciencia-ficción. En él ya hablaba de «la física newtoniana del amor», del amor como una emoción pero también una forma de energía. En «Interstellar» se insiste continuamente en la importancia de la fuerza de la gravedad, y el amor, que no es algo que hayamos inventado, que es una compleja reacción neurofisiológica, viene a ser la gravedad que atrae a las personas unas a otras, ese sentimiento, esa necesidad de estar con otros de nuestra misma especie, ese vínculo que nos hace seres humanos, ese faro que nos guía a través del vacío de la existencia, esa fuerza que nos motiva a superar todo tipo de fronteras y esa pasión que nos hace abrazar y propagar la vida aun sabiendo que estamos destinados a morir en ella. Una atracción, en definitiva, tan real como la que existe entre los planetas, entendiendo siempre aquí el concepto del amor en su sentido más amplio, es decir, no limitado únicamente a su acepción sentimental o de pareja sexual, sino a cualquier forma de conexión afectiva entre miembros de la misma especie (relación paterno-filial, amistad, empatía, etc.), lo cual funciona como un complejo y potente sistema de protección. Tan sumamente potente que los seres humanos somos capaces de sacrificarnos por amor hacia nuestros congéneres, y esto es crucial, porque no es otra cosa el sacrificio que un mecanismo de defensa para la supervivencia de la especie por encima del individuo.

La ciencia está para explicar lo que desconocemos y el ser humano debe aprender a adaptarse para sobrevivir. Estas son ideas que se repiten en «Interstellar». Ante todo, dos de las claves que debemos asimilar sin complejos para comprender la realidad que nos rodea: 1) la Naturaleza se replica a sí misma continuamente; y 2) lo más grande comienza desde lo más pequeño. Que la estructura de nuestro pequeño cerebro es tan increíblemente compleja como lo pueda ser la del vasto Universo, es una apreciación que no debería escapársele a nadie. Y tampoco que las emociones, los sentimientos y los pensamientos no son ideas etéreas sin cuerpo ni materia, sino resultado de procesos físicos que ocurren precisamente dentro de ese mismo cerebro y no en otro lugar. Todo está interconectado y en la Naturaleza todo tiene un propósito, de modo que a mayor comprensión de cómo funciona nuestra mente, más entenderemos sobre el Universo, y viceversa.

La teoría de la física newtoniana del amor nos permite avanzar conclusiones absolutamente asombrosas al no subestimar el increíble potencial del ser humano en la superación de cualquier frontera para evitar su extinción y asegurar su existencia, incluyendo la conquista del espacio como una medida no solo recomendable sino incluso necesaria. La vida engendra vida, y una de las condiciones indispensables para ello es buscar la diversidad, de modo que cuanto antes se expanda el ser humano por el Universo, antes aumentará las probabilidades de supervivencia de la especie frente a posibles conflictos o desastres naturales en la Tierra. En esta línea apunta una propuesta como «Interstellar», que no trata este tema como un simple entretenimiento como suele hacer habitualmente el cine apocalíptico de palomitas, sino que lo aborda de una manera lógica y seria.

Ahora todo esto nos puede sonar a fantasía, a ciencia-ficción ciertamente, incluso a risa, pues contemplamos asombrados y acomplejados la imponente magnitud del espacio exterior, igual que nuestros antepasados miraban los fenómenos naturales de nuestro entorno cercano (propongo un viajecito a la Edad Media, acercarse a cualquier pueblo, hablarles a sus gentes de aviones, satélites e Internet, y salir corriendo en dirección contraria a la hoguera), pero llegará un día en el que la Humanidad no solo alcance sino que domine las increíbles fuerzas que rigen a los fenómenos más extraordinarios del Universo (como hoy aprovechamos la fuerza de los ríos, del viento y del sol para beneficio propio), y entonces el amor, ese formidable y poderoso vínculo que mueve los destinos de las personas, acabará moviendo también los hilos del Universo con más determinación que la gravedad que une a los planetas. Esta última, al fin y al cabo, viene dada por la simple acumulación de materia, mientras que lo otro es mucho más pequeño pero mucho más complejo.

«La Humanidad nació en la Tierra, pero su destino no es morir aquí»

Quizá algún día, en definitiva, encenderemos y apagaremos estrellas a nuestra voluntad, para iluminar espacios del Universo todavía por descubrir y donde poder seguir propagando la vida, la conciencia y el arte, en ese triunfal y maravilloso orden cuya meta es repetirse a sí mismo persiguiendo la supervivencia, la belleza y la perfección. Siempre habrá esperanza mientras quede alguien que mire hacia las estrellas y sueñe con ir allí. Entonces viviremos a la luz de un nuevo sol en un nuevo hogar y con todas nuestras fuerzas nos resistiremos a morir.

«No entres dócilmente en esa noche quieta.
   Rabia, rabia contra la agonía de la luz.»
                                          (Dylan Thomas)

Arrancaron los festejos con el horror polar de «The station», recibida con ganas y aplausos a medida que este homenaje a «La cosa» y al género prostético de siempre dejaba entrever los secretos de una trama hiperevolutiva. Tras ese desvirgue inicial, Nocturna recibió a su primera invitada internacional, Sibel Kekilli, que interpreta a Shae en «Juego de tronos» y aprovechó para darse un baño de multitudes siguiendo los pasos de Nathalie Dormer en la edición anterior. Mientras los fans de Invernalia disfrutaban en la Sala 1, la Sala 2 del Palafox proyectaba «Fractured», thriller amnésico con Vinnie Jones participando en segundo plano pero haciendo el animal, como a él le gusta. Y, para completar la jornada, la gran inauguración con «The zero theorem», el último Gilliam, despampanante en lo visual pero espesísimo en lo narrativo. Gustó y espantó por igual. Arriba, el miedo de «The demon´s rook» fue la opción de quienes no quisieron acompañar a Christoph Waltz en su aventura futurista.

El martes la Sección Oficial abrió fuego con el terror tridimensional de ojos rasgados de «The second coming», entretenimiento más o menos ligero que divirtió de un modo más inocente de lo que podíamos esperar mientras la Sala 2 proyectaba la espectral y atmosférica «Soulmate», producida por el simpático Neil Marshall. Luego nos sumergimos en las profundidades de la tierra con «Beneath», pesadilla subterránea con Jeff Fahey y Kelly Noonan como padre e hija vs. las circunstancias. Gustó. La que no satisfizo mucho fue «Viy», extensa adaptación de un texto de Gogol que resultó demasiado… localista, por decirlo de algún modo. Dura de llevar para quien no esté acostumbrado no ya a la estética, sino a la narrativa, tan colorida como atrancada, que suele acompañar a este tipo de propuestas llegadas de la lejana y sugerente Rusia.

El cansancio todavía no hacía mella el miércoles, y es que había muchas ganas de disfrutar «The sacrament», lo nuevo del gran Ti West, una propuesta found footage inspirada en la matanza de Guyana que cumplió las expectativas levantadas y nos hipnotizó con el trabajo de Gene Jones, aterrador y paternal a partes iguales; mientras, arriba se dejaban llevar por «Haunt». en la Sala 1 fuimos abducidos por The Vicious Brothers y su «Extraterrestrial», que se nos quedó un poco coja en una lectura general pero que aguantó el tipo como para llevarse el Premio a los Mejores FX. Y de ahí volvimos a nuestra querida y recoleta Sala 2 para descubrir la que a la postre sería la favorita del Público: «Savaged», o Amanda Adrienne poseída por espíritus indios de lo más puñeteros y tendenciosos. Bien también. Mucho mejor que «Al filo del mañana», o Tom Cruise haciendo ruido para marcar el mayor punto mediático de la jornada.

A primera hora de la tarde del jueves disfrutamos de una de las ganadoras del certamen, «Cruel & unusual», estupendo trabajo de Merlin Dervisevic que se alzaría con el premio de la Sección Dark Visions; arriba, el horror de «Silent retreat» luchaba por la Sección Oficial. Pero el gran evento de la jornada fue la proyección de «La matanza de Texas», que cumple cuarenta años este 2014 y que tuvo un anfitrión de excepción: el mismísimo Tobe Hooper, que animó al palco a «gritar, gritar y gritar» si no consideraba que el sonido estaba lo bastante alto. Una gozada de pase, la verdad. Inolvidable. Y después «La cueva», fabuloso ejercicio de pavor claustrofóbico que le valdría el Premio a la Mejor Película de la Sección Oficial. Mientras la Sala 1 sufría en el paraíso canario, la Sala 2 se dividía entre amar y odiar «Lord of tears», ejercicio de misterio envolvente que presentó en persona su guionista, Sarah Daly.

Y, de pronto, era viernes. Parecía mentira. Sin darnos cuenta estábamos celebrando el regreso de Mick Taylor (John Jarratt) en «Wolf Creek 2», de nuevo con Greg McLean a los mandos y que no sólo mantiene sino que sube el nivel de su predecesora; los Premios al Mejor Guion, Dirección e Interpretación así lo demuestran. Arriba, los nostálgicos se dejaban llevar por «Una vela para el diablo» (1973) y la diversión televisiva de «Teen Wolf», mientras Jaume Balagueró entraba en el Salón de la Fama de Scifiworld entre los aplausos de los agradecidos asistentes. «Chimeres» y la premiere de «Wax», con la presencia de su equipo técnico, encabezado por Víctor Matellano, cerraron una jornada que dejaba en todos un primer aroma a despedida. Pero aún quedaba mucho por ver: la sesión golfa de «Pinup dolls on ice», Mejor Película de la Sección Madness cuyos artífices, Geoff Klein y Melissa Mira, se ganaron el afecto de todos con su simpatía y buen humor.

La premiere mundial de «Wolves», lo nuevo de Jason Momoa, y la proyección de «La mujer que hablaba con los muertos» abrieron la jornada de un sábado intenso, en el que Dario Argento entró a formar parte de la historia de Nocturna recibiendo un premio que le reconoce como lo que es: un Maestro del Fantástico. El romano ejerció de anfitrión de la proyección de su clásica «Rojo oscuro», mientras en la Sala 2 «Panzer chocolate» nos invitaba a pasar un rato ameno con una propuesta verdaderamente transmedia. Y a las 22.00h, tras la gala de clausura y la entrega de premios, Rama (Iko Uwais) hizo las delicias de todos en «The raid 2: Berandal», desenfreno inagotable que puso el broche perfecto a un día perfecto. Lo mismo hizo «Found», que aterró a quienes optaron por dejarse llevar por su miedo psycho.

Con el corazón y el ánimo divididos entre el cansancio y la pena por la llegada del final, el domingo se proyectaron «The apostles» y «Delivery» en la Sala 2, con la Sala 1 centrada en el programa doble formado por «Los Goonies» e «Invasores de Marte», ocasión ideal para disfrutar con los cinéfilos del futuro de dos clasicazos de siempre. Risas, diversión y buen rollo asegurado para un fin de fiesta que bordaba una semana llena presentaciones, actividades paralelas y montones de raciones de buen cine concentrado en forma de cortometrajes. En la memoria se apelotonan los grandes momentos que hemos pasado en compañía, mientras la cabeza comienza a fantasear con lo que será Nocturna 2015, que seguro que nos regala más y mejor de todo. Gracias, chicos.

• Noticias relacionadas con Nocturna
• Críticas de películas de Nocturna 2014

Tobe Hooper, Maestro del Fantástico. Geoff Klein y Melissa Mira («Pinup dolls on ice»). El equipo de «La cueva». Marta Etura y Jaume Balagueró. Dario Argento y Luis Rosales. Marcos Cabotá, director de «24 horas con Lucía». La Sala 2 del Palafox © La Cruzada Entertainment. Todos los derechos reservados.

El ya habitual pelotazo comercial con el que se abrió la veda en este caso, «300: El origen de un imperio», anticipaba cachondeo generalizado y calidad de concepto desde el videosaludo de Eva Green, icónica Artemisia que despertó el jolgorio de una platea con ganas de juerga bajo la supervisión de la musa de la Muestra, una Leticia Dolera más suelta que nunca y espontáneamente capaz de lidiar con una asistencia solícita, sí, pero también exigente. Así lo demuestra el aforo que presentaba el viernes a primera hora la proyección de «Maniac», remedo del clásico de William Lustig que hizo las delicias de todos y todas con su apuesta por la psicopatía más esquizoide y violenta desde la mirara subjetiva de Elijah Wood, a estas alturas ya uno más de los nuestros.

La ingesta masiva de palomitas torcidas prosiguió con «Frankenstein´s army», enésima vuelta de tuerca al clásico de Mary Shelley con Karel Roden tratando de encontrar la solución al conflicto nazismo vs. comunismo con la ayuda de una panda de autómatas de creación propia que aún nos tienen deseando un enfrentamiento con los cenobitas de Clive Barker. Jarana, locura, todo bien. Y como el hambre de género no hacía más que aumentar, la programación se marcó un tanto culinario con «We are what we are» ─precedido del tremendo chute en forma de corto que supuso «Droga perfecta»─, o Bill Sage poniéndose morado de carne humana en una propuesta de ritmo atrancado pero corregido por la participación del público, siempre atento, siempre dispuesto a adornar lo que sea necesario.

Este 2014 la Muestra ha subido el nivel estructural. Porque la organización se apuntó un tanto muy importante con el estreno de «Snowpiercer (Rompenieves)», el esperadísimo nuevo trabajo de Jong hoo-Bong que, como se suele decir, tenía más de una novia y más de dos en el circuito festivalero de género. Muy, muy bien por ser una gran película y muy, muy bien por suponer un paso adelante en la consagración de esta cita como algo más, como un ente vivo y en constante expansión. Aforo completísimo, silencio en la sala y viajeros al tren en un pase espectacular en el que el gran perjudicado fue el corto previo, «Insectopía», que no es que fuera malo, no, es que se hizo eterno ante la espera de la proyección del largometraje. Y de madrugada, «Fresh meat», para los cinéfagos voraces amigos de la risa trash.

Otra demostración del éxito progresivo de la cita es el cada vez mayor número de asistentes a la matinal del sábado. Los espectadores del presente ─papás─ animan a los del futuro ─sus peques─ a dejarse llevar por la magia del séptimo arte, un festejo intergeneracional que se plasmó en esta ocasión en la proyección del clásico animado «La bella y la bestia». Con los nenes ya en casa, los mayores encontraron la propuesta más floja de esta edición en «In fear», thriller repetitivo hasta la saciedad cuyas carencias artísticas se compensaron, como es habitual, a base de risas y griterío generalizado en la sala. Le siguió la nostalgia ochentera de «Almost human», humilde scifi de Joe Begos que amalgama con gracia y respeto montones de cosas que a todos nos gustan. Bien.

Más ingredientes ineludibles del Menú Especial Muestra Syfy: perlas orientales. En este caso, «Rigor mortis», debut tras las cámaras de Juno Mak que atenazó a la asistencia con su embrollo fantasmagórico y una puesta en escena entre lo espectacular y lo verdaderamente espeluznante. Y a renglón seguido, la que ha sido junto a «Snowpiercer» la gran joya de este 2014, «Coherence», que sumió en el silencio más absoluto al palco del Callao durante una proyección hipnótica y fascinante. La odisea multipersonal de un grupo de colegas sentado a la mesa mientras el cometa Miller pasa muy cerca de la Tierra fue recibida con ganas, engullida con avidez y elevada a los altares con vítores y clamores una vez finalizada. Un título de culto que hizo recordar a más de uno aquel ya legendario pase de «Primer» hace más años de los que queremos recordar.

La madrugada del sábado fue de aquellos que siempre tienen ganas de más, que remataron la jornada con «Piraña 3DD», o The Hoff contra los peces asesinos para deleite de unos y otros a ambos lados de la pantalla. Así las cosas, con una considerable paliza encima se llegó al domingo, una última jornada que empezó fuerte con la celebración del aniversario de «Doctor Who» y con una increíble sesión doble de Phenomena, presentada evidentemente por Nacho Cerdà y que hizo las delicias de todos sin excepción: «La mosca» (David Cronenberg, 1986) y «Depredador» (John McTiernan, 1987), dos tótems ineludibles del género que no nos cansamos de ver una y otra, y otra, y otra vez. Vimos comer a Brundle-Mosca, vimos sangrar a Jesse Ventura aunque no tenía tiempo. Lo vimos todo otra vez. Y lo disfrutamos como nunca.

Norberto Ramos del Val y su equipo presentaron «Faraday», broma irregular pero amena que atiborró la sala de referencias infraculturales de serie B/Z y que sirvió como penúltimo plato antes del cierre con «La bella y la bestia», enésima versión de la fábula en esta ocasión a cargo de Christophe Gans introducida por un Eduardo Noriega al que le costó entrar en el ambiente de Syfy pero que salió bastante bien parado, como buen profesional del escenario. La película, malísima, pero no importa. La satisfacción de haber pasado cuatro días en buena compañía y en el mejor ambiente lo compensa todo sobradamente. Como siempre y más que nunca, gracias a Tatiana Carral, Gorka Villar y Víctor Pérez por pelear cada año por un evento fundamental. Y por hacerlo siempre con una sonrisa, como si fuera fácil. El año que viene, 11 + 1. Genial.

• Críticas de películas de la XI Muestra Syfy de Cine Fantástico

En las imágenes: Leticia Dolera, presentadora de la Muestra Syfy. Aspecto del Cine Callao durante la Muestra. Nacho Cerdà, creador de Phenomena. La Plaza de Callao, a rebosar. La sala, a rebosar. El equipo de «Faraday». Leticia Dolera y Eduardo Noriega, durante la presentación de la proyección de «La bella y la bestia» © 2014 Syfy. Fotos por Luis Miguel González. Todos los derechos reservados.

Sin embargo, en el verano de 2009 supimos que Matthew Michael Carnahan reescribiría el libreto de Straczynski, tarea que le llevó bastante tiempo, puesto que no la completó hasta mediados de 2010. Poco después se desveló que el estudio quería que Pitt protagonizara la película. Pasamos a marzo de 2011, época en la que se dijo que la major pretendía asociarse con otras empresas para financiar los 125 millones de dólares que en principio costaría la película. En abril se anunció que Mireille Enos sería la estrella femenina de la cinta, mencionándose luego el nombre de Anthony Mackie («Capitán América: El soldado de invierno»). Sin embargo, al final este último no se sumó al proyecto.

Durante el verano, momento en el que se inició el rodaje de «Guerra Mundial Z», se reveló que James Badge Dale, Matthew Fox, Julia Levy-Boeken y Elyes Gabel se dejarían ver en su elenco. Ed Harris («Dolor y dinero») y Bryan Cranston («Godzilla») estuvieron a punto de unirse al filme, pero no pudieron hacerlo por problemas de agenda. David Morse se apuntó a la cinta en octubre, anunciándose en diciembre que Marco Beltrami escribiría su banda sonora original.

En enero de 2012, Pitt comentó que la película era la primera entrega de una trilogía cinematográfica, expresando sus deseos de que se convirtiera en una franquicia. Sin embargo, en marzo supimos que el filme ya no se estrenaría en diciembre de dicho año, sino que llegaría a las pantallas de cine en el verano de 2013. Obviamente, se trataba de un extraño movimiento por parte de Paramount Pictures. Y así era, porque en junio se revelaba que los problemas con esta adaptación comenzaron cuando al director Marc Forster no se le dejó trabajar con su habitual equipo y se le cuestionó su habilidad a la hora de manejar pasajes de acción.

Su presupuesto ya se había elevado a los 170 millones de dólares, y eso sin contar el dinero que supondría rodar cinco semanas más para mejorar el tercer acto del título en cuestión (su filmación se iniciaría en el otoño). Es por ello que se contrató a Damon Lindelof y a Drew Goddard para que retocaran el libreto, en concreto ese tramo final. Incluso se habló de Christopher McQuarrie («Jack Reacher»), quien, sin embargo, no se involucró en el proyecto. Por suerte, el primer tráiler de «Guerra Mundial Z» llamó la atención de los espectadores y, para sorpresa de muchos, el filme consiguió unas sólidas recaudaciones durante su primer fin de semana de exhibición en el mercado norteamericano (66 millones de dólares frente a los 40 millones previstos). No es de extrañar, pues, que ya se esté trabajando en su secuela. En España veremos la película el próximo 2 de agosto.

NOTICIAS RELACIONADAS:

• Paramount quiere una secuela de “Guerra Mundial Z”
• Los problemas de Brad Pitt con “Guerra Mundial Z”
• “Guerra Mundial Z”, posible comienzo de una trilogía de zombis
• Bryan Cranston sonaba para “Guerra Mundial Z”
• Elyes Gabel se suma al rodaje de “Guerra Mundial Z”
• Matthew Fox y la guerra contra los zombis en “Guerra Mundial Z”
• Mireille Enos, esposa de Brad Pitt en “Guerra Mundial Z”
• Paramount quiere que Brad Pitt protagonice “Guerra Mundial Z”
• Marc Forster dirigirá la película basada en “Guerra Mundial Z”

MÁS ENLACES DE INTERÉS:

• Ficha de “Guerra Mundial Z”
• Carteles e imágenes de “Guerra Mundial Z”
• Tráiler de “Guerra Mundial Z”
• Tráiler 2 de la película “Guerra Mundial Z”
• Tráiler de la película “Guerra Mundial Z”
• Escena de “Guerra Mundial Z”
• Entrevistas de la película “Guerra Mundial Z”
• Cómo se hizo “Guerra Mundial Z”
• Premiere mundial en Londres
• Brad Pitt en la fan premiere de Madrid
• Crítica (2/10): Bravo / José Arce
• Reportaje: Las películas que lanzaron a Brad Pitt
• Reportaje: Las mejores películas de terror modernas
• Reportaje: Las mejores películas de ciencia-ficción
• Reportaje: Las mejores películas de zombies

Imágenes de “Guerra Mundial Z”, película distribuida en España por Paramount Pictures Spain © 2013 Apparatus Productions, Paramount Pictures, Plan B Entertainment, Skydance Productions y UTV Motion Pictures. Todos los derechos reservados.

Ha habido mil problemas, pero mil han sido las soluciones. Y serán mil problemas de los que se han tomado nota de cara a la edición de 2014. Aunque la verdad es que, a toro pasado, poco importan cuando se pone todo lo positivo en el otro peso de la balanza. Porque se rompe hacia el lado bueno. Más allá de la calidad de las películas, que en cierto modo no depende de la organización, sino de la misma salud estacional del género, hemos disfrutado de momentos inolvidables. Hemos visto “Gremlins” con Joe Dante en la sala y compartido butaca con Mick Garris; hemos visto a Luis Vigil recoger en persona un premio que festeja todo lo que ha dado a los cinéfagos tarados de la generación a la que pertenece quien esto escribe, y a otras tantas; hemos visto “El huerto del francés” en pantalla grande; hemos asistido a presentaciones, charlas, clases magistrales impensables hasta hace tan sólo unas semanas. Hemos dormido poco y disfrutado mucho.

Retomando la programación, el nivel que ha ofrecido Nocturna ha sido bastante notable, ciertamente. Hablando solamente de lo que hemos podido ver ─lógicamente─, pocas castañas han pasado por el cine Palafox a lo largo de siete días intensos y llenos de risas, miedito, ganas de pasarlo bien y buen ambiente general. “Silent Hill: Revelation” abrió el festival con la presencia de Samuel Hadida, y casi podemos decir que es lo más flojo que hemos engullido en esta primera edición. Pero la calidad se ha elevado gracias a títulos como “Toad road”, “Resolution”, “Stitches” o la gran perla de la cita, esa “I am a ghost” que queda como el broche de oro a un catálogo de pavores que, desde los más diversos puntos del globo, se han citado en Madrid para hacernos vibrar de lo lindo durante siete maratonianas jornadas de fantaterror en compañía.

“Omnívoros”, “Al final todos mueren” ─nunca vimos tan repleta nuestra querida Sala 2, aquella en la que tanto tiempo pasamos en nuestro trabajo diario─ o “Insensibles” han puesto la nota nacional al festejo, todas ellas con los miembros de su equipo presentando de primera mano a los asistentes las nuevas apuestas del género patrio, que tan difícil lo tiene a la hora de seducir a su audiencia natural. “Expediente Warren: The conjuring” coronó Nocturna como ha de ser, con una premiere mundial anticipada de un videosaludo de un simpático y encantado de la vida James Wan. Y el formato corto ha mostrado su salud de hierro, acompañando cada proyección con una pequeña dosis de emoción que aporta siempre un extra al largo que ha de venir inmediatamente después. Sólo queda esperar que Madrid, la ciudad exigente, no pierda el amor de esos locos. Ese amor que tan bien han sabido contagiar a todos. Gracias, chicos.

• Noticias relacionadas con Nocturna
• Críticas de películas vistas en Nocturna

En las imágenes: En la primera, Mick Garris y Joe Dante, en el cine Palafox. En la segunda, Luis Vigil recibe su premio honorífico de manos de Luis Rosales, director de Nocturna. En la tercera, Anna Ishida y H.P. Mendoza, protagonista y director de «I am a ghost»  © 2013 Nocturna. Todos los derechos reservados.

[media id=132 width=478 height=280]

Si bien Carlos Boyero no se considera a sí mismo un crítico de cine, sus extensos y ácidos comentarios sobre títulos de estreno y de todos los tiempos, que publica ahora en El País y antes en El Mundo, son de los que más repercusión tienen dentro y fuera del sector del cine.

[media id=130 width=478 height=280]

Enric González es más conocido por haber ocupado las corresponsalías de Jerusalén, Roma o Nueva York para El País, pero sustituyó en esta cabecera nada menos que al mítico Fernández Santos, tras su fallecimiento, en la cobertura del Festival de Venecia, reto éste especialmente complicado para un claustrofóbico que no puede ir al cine sin sentarse lo más cerca posible de una salida de emergencia.

[media id=131 width=478 height=280]

Oti Rodríguez Marchante es uno de los críticos cinematográficos españoles más destacables. Lleva 25 años firmando en ABC, desempeñando así una labor divulgativa muy reconocida, que le ha granjeado, entre otros premios, el Alfonso Sánchez de comunicación 2012, un galardón que otorga la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

[media id=129 width=478 height=280]

Entre los cronistas cinematográficos a los que rinde tributo el proyecto «Havana 7. Historias que cuentan» no podía faltar Toni García. Su trayectoria periodística ha discurrido fundamentalmente en El País, aunque también publica en otros medios como Esquire, Jot Down o Harper’s Bazaar, está muy conectado con el mundo del cine y con el cine de todo el mundo. Es un habitual de los festivales, y ya son célebres las anécdotas que acumula con muchas de las estrellas de Hollywood.

J.J. Abrams como guionista de cine. Precisamente cuando estaba en la universidad escribió su primer guion: «Millonario al instante» (1990). A continuación se ocupó de los libretos de «A propósito de Henry» (1991), «Eternamente joven» (1992)», por el que le pagaron dos millones de dólares, «Dos chiflados en remojo» (1997), «Armageddon» (1998) y «Nunca juegues con extraños» (2001). Por cierto, no hay que olvidar que también firmó el libreto de la película de Superman que en un principio iba a dirigir Brett Ratner.

«Felicity» (1998-2002) fue su primer éxito en la pequeña pantalla, tratándose de una serie que la creó junto a su habitual colaborador Matt Reeves. En ella observábamos el paso por la universidad de Felicity Porter (Keri Russell) y sus relaciones con Ben (Scott Speedman) y Noel (Scott Foley). Aunque en su primera temporada obtuvo una buena audiencia, ésta bajó en la segunda y en la tercera (luego subió un poco en la cuarta y última, pero su número de espectadores era inferior al de otras importantes producciones de la cadena The WB). «Felicity» supuso el debut como director de Abrams, haciéndose cargo de dos de sus capítulos.

«Alias» (2001-2006) supuso la consagración de Abrams, siendo una producción televisiva sobre Sydney Bristow (Jennifer Garner), una mujer que trabajaba para una organización criminal que en un principio creía que era una división de la CIA. Sin embargo, luego se convertía en una agente doble para así desbaratar sus planes. Aunque su primera temporada resultaba un tanto repetitiva, el asunto mejoró muchísimo en la segunda, y todo ello gracias a la complejidad de sus tramas y a la aparición de diversas estrellas invitadas (caso de, por ejemplo, Isabella Rossellini, Angela Bassett, Quentin Tarantino, Faye Dunaway, David Carradine, David Cronenberg, Christian Slater, Ethan Hawke, Ricky Gervais y Roger Moore). En general, la audiencia de «Alias» fue muy buena, salvo en su quinta y última temporada. Abrams dirigió tres capítulos, incluyendo su episodio piloto.

«Perdidos» (2004-2010) se convirtió en una serie que revolucionó la pequeña pantalla y que originó toda una legión de seguidores. Abrams la creó junto a Damon Lindelof y Jeffrey Lieber. Su brillante episodio piloto, que él mismo dirigió y cuyo presupuesto fue de más de diez millones de dólares, nos mostraba cómo un avión se estrellaba en una isla desierta. Los supervivientes pronto se percataban de que algo misterioso sucedía en dicho lugar, por no mencionar el hecho de que la mayoría de ellos ocultaban un pasado sombrío (algo que se nos mostraba por medio de unos flashbacks). Las audiencias de «Perdidos» fueron fabulosas, y ello a pesar de que decrecieron bastante tanto en su quinta como en su sexta temporada.

Puede que la repercusión de «Fringe» (2008-2013) fuera inferior a la de «Perdidos», pero sin duda nos hallamos ante otra serie de culto de Abrams, quien la ideó junto a otros dos de sus habituales colaboradores: Alex Kurtzman y Roberto Orci. En ella nos topábamos con un grupo del FBI liderado por la agente Olivia Dunham (Anna Torv) y en el que el alocado científico Walter Bishop (un fantástico John Noble) jugaba un papel fundamental, de ahí que su hijo Peter (Joshua Jackson) tuviera que ayudar a controlar sus estrafalarios comportamientos. Todos ellos se dedicaban a investigar casos paranormales. Lo llamativo de «Fringe» es que, tras una primera temporada en la que por lo general se resolvía un caso por capítulo, luego nos adentrábamos en un universo muchísimo más complejo. Al respecto, resultó crucial la aparición de Leonard Nimoy como el enigmático William Bell. En su segundo año en antena, su audiencia bajó considerablemente, algo que se acentuó aún más a partir de la tercera temporada.

Otros títulos televisivos. Asimismo, Abrams ha sido el productor ejecutivo de un buen número de series, caso de la simplemente correcta «¿Qué hacemos con Brian?» (2006-2007), donde sin duda destacaba la presencia de Sarah Lancaster, o de la interesante «Seis grados» (2006-2007). «Undercovers» (2010-2011) fue una gran apuesta de la NBC que fracasó de forma estrepitosa. Abrams la creó junto a Josh Reims, e incluso dirigió su episodio piloto. Esta serie de espías carecía de la complejidad de otras obras del cineasta y tan sólo buscaba mantener entretenido al espectador durante cuarenta minutos. «Alcatraz» (2012) tampoco funcionó como se esperaba, yéndoles las cosas mejor a la desaprovechada «Revolution» (2012-2013) y a la exitosa «Person of interest» (2011-2013). Abrams también fue el realizador de un capítulo de «The office».

Las películas de J.J. Abrams. Aunque ya había escrito el guion de varios largometrajes, el verdadero salto a la gran pantalla de Abrams se produjo con «Misión: Imposible III» (2006). Tom Cruise le ofreció la realización de este proyecto después de ver las dos primeras temporadas de «Alias» (las influencias de esta serie de televisión en el filme resultan muy obvias).  Sus recaudaciones mundiales se aproximaron a los 400 millones de dólares, las más bajas de toda la saga, pero lo suficientemente sólidas como para que los responsables de Paramount Pictures continuaran confiando en él. De hecho, produjo la exitosa «Monstruoso» (2008) y luego se hizo cargo de «Star Trek» (2009), el nuevo intento del estudio por resucitar una de sus franquicias más importantes.

Tras producir «Morning glory» (2010), que fracasó de manera injusta en la taquilla, Abrams dirigió «Super 8» (2011), la que hasta el momento se puede considerar su mejor película y en la que pretendía recuperar el espíritu de los filmes de Amblin con los que creció. Una vez produjo «Misión: Imposible – Protocolo Fantasma» (2011), regresó a la Enterprise gracias a «Star Trek: En la oscuridad» (2013). No obstante, su proyecto más ambicioso aún está por venir. Se trata de «Star Wars: Episodio VII» (2015), la primera entrega de la nueva trilogía de «La guerra de las galaxias». Además, producirá las adaptaciones cinematográficas de dos grandes videojuegos: «Portal» y «Half-Life».

Bad Robot es la compañía que J. J. Abrams y Bryan Burk fundaron en 1998. En un principio se alió con Touchstone Television, propiedad de Disney, de ahí que desarrollara distintos proyectos para el canal ABC (es el caso de la mencionada «Perdidos»). Sin embargo, en estos momentos mantiene un acuerdo con Paramount Pictures en lo que al cine se refiere y otro con Warner Bros. Television relacionado con la pequeña pantalla.

J.J. Abrams como compositor. Aunque sólo sea una curiosidad, cabe señalar que Abrams se ocupó de las bandas sonoras de «Nacido en la noche» (1982) y de uno de los fragmentos que forman parte de «Future shock» (1994). Ambas son dos producciones de reducido presupuesto y de escasa calidad. Además, es el autor de los temas centrales de las series de televisión «Felicity», «Alias», «Perdidos», «Fringe», «Person of interest», «Alcatraz» y «Revolution». Por último, señalar que escribió varias piezas electrónicas para «Misión: Imposible III» («Song 5000», «Groksploitation») y «Star Trek: En la oscuridad» («The growl»). En todo caso, no hay que olvidar que Michael Giacchino es el habitual músico de sus trabajos.

Imágenes de J.J. Abrams en «Star Trek: En la oscuridad» © 2013 Paramount Pictures. Película distribuida en España por Paramount Pictures Spain. Foto por Brian Bowen Smith. Keri Russell en «Felicity» © 1998-2002 Touchstone Television e Imagine Television. Jennifer Garner en «Alias» © 2001-2006 Touchstone Television y Bad Robot. Matthew Fox en «Perdidos» © 2004-2010 ABC Studios y Bad Robot. Joshua Jackson en «Fringe» © 2008-2013 Warner Bros. Television, Bad Robot y Fringe Element Films. Jim Caviezel en «Person of interest» © 2011-2013 Warner Bros. Television, Bad Robot y Kilter Films. Tom Cruise en «Misión: Imposible III» © 2006 Paramount Pictures y Cruise/Wagner Productions. «Super 8», película distribuida en España por Paramount Pictures Spain © 2011 Amblin Entertainment, Bad Robot y Paramount Pictures. Logo de Bad Robot © Bad Robot. Zachary Quinto y Chris Pine en «Star Trek: En la oscuridad» © 2013 Bad Robot, Kutzman/Orci y Paramount Pictures. Distribuida en España por Paramount Pictures Spain. Todos los derechos reservados.