per un continuo alimentarsi di cose nuove, ed, a volte, per un cercare di fermarsi un attimo da tutte le cose nuove, questo progetto lo “congeliamo” per un po’ di tempo, fino a data indefinita.
Gli impegni di tutti sono innumerevoli e distanziano spesso da alcuni punti di contatto. Magari più avanti cambierà forma il progetto, le idee sono tante, ma intanto questo luogo lo lasciamo ai lettori, semplicemente, senza cercare di pubblicare altro.

Grazie a tutti!

La Redazione

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“a metà del mio palmo, il solco che resta” – solchi, visioni, precipizi, frontiere, macerie, fango: una serie di immagini forti, accavallano la poesia di Silvia Rosa nell’accompagnare la fotografia di Giusy Calia. Ma accompagnano o disegnano a parole tali fotografie? Non si nota dunque quale accompagna l’altra perché il lavoro risulta nell’insieme talmente compatto e ben delineato che senza l’un l’altra queste due opere – poetica e fotografica – sembra che non possano esistere. Il connubio è riuscito ed è una simbiosi surreale, come le immagini di Giusy Calia che sembrano a tratti dei pezzi di fiaba, nell’incantevole tratto di una terra sconosciuta. Una sensibilità artistica molto fine che delinea ed assorbe sensazioni antiche. Perspicace l’unione, l’appartenenza della parola alla visione, questo corrodersi dell’anima dentro di sé a chiedersi di quelle sottigliezze del male e del bene, a domandarsi della partenza, dell’arrivo, del dove essere. È un insieme di metafore profonde e sottili la poesia di Silvia Rosa. Particolare la scelta di intitolare le poesie coi giorni numerati, è come se facesse tutto parte di un ciclo continuo che all’interno perdura in un’accrescere delle emozioni e della consapevolezza di queste. Una poesia convinta e cosciente, parte di un lavoro che nell’insieme rende consapevoli di come ci si aggrappi ogni giorno dei significati della vita, ponendo di fronte ogni contrario ed inverso, ogni domanda a cui cerchiamo di dare risposta, invano: “Che cosa resta di ogni parola sgusciata? […] Un gesto all’inverso.” Non mancano all’interno della raccolta – sia nella parola che nella visione – il senso dell’abbandono, della solitudine, della libertà anche. Tutto quello che proviamo a chiederci nella vita di tutti i giorni appare qui come una rivelazione modesta, una chiarificazione a strati dell’anima.

Giusy Calia, nata a Nuoro, vive e lavora tra Sassari e Siena. 

È laureata in Lettere moderne con una tesi dal titolo Il daimon goethiano dal Prometeo al Meister e in Filosofia con una tesi dal titolo Alda Merini: un’anima sconosciuta. 

Ha frequentato un Master Professionale di fotografia alla John Kaverdash School di Milano, specializzandosi in Moda, Reportage, Still life, Mock up, Camera Oscura, Fotoritocco, Comunicazione Visiva. 

A luglio del 2007 ha concluso il Corso Alta Definizione Cinematografica della New York Film Academy.
Attualmente in fase di discussione della tesi del Dottorato di Ricerca in “Logos e rappresentazione” – Sez. “Comparatistica: letteratura, teatro, cinema” presso l’Università degli Studi di Siena (sede di Arezzo) sul rapporto tra immagine e parola nella storia della rappresentazione della follia. Ha pubblicato presso i “quaderni Warburg Italia” un racconto fotografico svolto all’interno dei manicomi in varie regioni italiane.

Ha avuto varie collaborazioni con registi e poeti. 

Le sue opere sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private.

Enrico De Lea (1958), trascorsa infanzia e giovinezza tra Messina e la Valle d’Agrò (Casalvecchio Siculo, in particolare), vive dal 1988 nell’altomilanese, occupandosi di questioni legali-tributarie in qualità di avvocato, oltre che di scrittura.
Ha pubblicato nel 1988 la plaquette “Esercizi vitali”, nel 1992 la raccolta “Pause” (Edizioni del Leone) e nel 2009, per L’Arcolaio editore, la raccolta “Ruderi del Tauro” (Finalista al Premio Lorenzo Montano 2010).  Suoi testi sono apparsi sulle riviste Wimbledon, Specchio (de La Stampa), Tuttolibri, Sud, Atelier (su cui è apparso l’estratto “Acque reali”, poi in “Ruderi del Tauro”); in rete, suoi testi sono usciti sui siti o blog Nazione Indiana, La poesia e lo spirito, Rebstein,  Arpaeolica, L’attenzione, Imperfetta Ellisse. Fernirosso. Cura il blog personale “da presso e nei dintorni” (delea.wordpress.com).

Come il titolo già preannuncia, questa breve silloge di Sebastiano A. Patanè è contornata dall’assenza, da quei piccoli dettagli che determinano la solitudine del poeta. Questa solitudine però non è altro che un ponte che lega il poeta ai suoi ricordi. La solitudine fa da palco quindi ad una serie di immagini che nel ricordo prendono piega e sussurrano continuamente al poeta la loro voce. Con questi ricordi, il poeta sembra poi vivere e prendere voce lui stesso. Tra i versi, tutti i dettagli marcano una situazione di malinconia forte, quanto di stupore verso certi ricordi-tratti di vita tanto belli da non saperli neanche descrivere. Il poeta stesso non riesce a fare a meno di questi tratti “vieni passato, vieni a riempire questi occhi che non tornano alla conta”, parti di un “passato divenuto così mobile”. Il presente sembra sempre mancare di qualcosa, è come fosse incompleto, diventando così determinante per uno stato d’animo poco sereno e sempre meno stabile: “tutto questo passare di acque giorni buiolucebuio”, perché nella mancanza il poeta sembra quasi perdere se stesso. La raccolta è attraversata da una serie di tempi verbali passato-presente-futuro che in ogni poesia sembrano legare i ricordi con il futuro, nella naturalezza delle immagini. Evocativi anche i verbi all’imperativo, per attirare i volti del passato e del presente, affinché scaccino la sua malinconia. Una serie di simboli ed immagini contornano il tutto, simbologia ricadente spesso su continue immagini legate alla natura, alla terra ed all’acqua. Particolare la chiusura “Dirò che sono stato altrove ingannando ulteriormente i luoghi dove andrò domani” che lascia un po’ di amaro con quel volto dell’inganno.

Sebastiano A. Patanè nasce a Catania nel 1953 sotto l’acquario di febbraio. Fin da giovanissimo coltiva la passione delle lettere che comincerà a sviluppare con impegno negli anni ‘80 quando fonda il centro culturale e d’arte “Nuova Arcadia”. Presente in diverse riviste ed antologie del periodo, abbandonò la scrittura e cominciò a viaggiare per il mondo. Quindici anni dopo, nel 2008, riprende a scrivere con l’intenzione di non smettere più.

Dalla forma intimistica, vibra su corde vive, compatta e decisa, la poesia di Paola Abeni. Una poesia molto delicata, che scivola leggera tra i versi, quasi fosse naturale la poesia, che, per la poetessa, è parte irrimediabile e fissa del cuore e dell’anima. Ricca di metafore e simboli, la raccolta tocca e scioglie nodi come l’amore, le ombre, il silenzio, le ferite e la solitudine. Qui, la poetessa, vive e desidera identificarsi con la sua poesia “a farti dire che vivo”, “come il vento stasera vedo vicine le parole”, tramite “continue dimenticanze”. Non è difficile pensare alla poetessa come imprigionata in un “lembo d’un girotondo lunare”, perché leggendo, è facile scorgere molto di lei, della sua visione intima del verso, identificandosi e amalgamandosi con la sua poesia. La poetessa riesce a vedere, oltre il buio, “Fermare gli occhi nelle parole del buio”, perché è la poesia che riesce a spingerla oltre la luce. Una poesia dal tratto maturo e consapevole, priva di tratti ridondanti, molto incisiva e diretta, dal verso tendenzialmente breve, dal ritmo naturale e sciolto; una poesia che si racconta da sé, senza paura di nascondersi e di celarsi: “Eppure sono io” dice la poetessa, ed è proprio così: tra i versi mette a nudo tutto il suo essere donna viva, tutto il suo essere poeta, facendo cadere totalmente gli scudi. E’ come se la poetessa accettasse e si rassegnasse all’idea che lei è la sua poesia, senza sforzi o inganni, vivendola interamente come parte di sé, sprigionandosi addirittura dentro di essa, senza remore. Leggendola, è facile porsi vicino a lei, in un “docile accostarsi“, in silenzio.

 

Voci: Daniela Casarini, Anila Resuli

Video: Daniela Casarini

“Così è il luogo nascosto, / la meta adagiata nel buio” – qui giocano i chiaroscuri della poesia di Aldo Ferraris, come in un affresco che cela ma tuttavia svela vecchi sentieri e tratti poco confusi per l’animo del poeta. Una visione della poesia più intima di quello che animo-corpo possono custodire e vivere. Cosciente questa poesia, pragmatica: continuamente intrattiene ricordi, sguardi, luoghi, emozioni comprese tra il sogno ed il reale, quasi sempre passato. Anche il futuro in questa poesia nasce dal passato “Quando saremo si schiuderà, / sulla soglia frantumi di luce / che ricordavamo innocenti”. E’ come se anche il presente-futuro fosse qualcosa che già fugge, già si nasconde al poeta. Il linguaggio usato per descrivere le immagini sembra evidenziare una nota di speranza che inconsciamente si conosce, sfocia nel nulla. Il punto d’incontro però sta sempre nei luoghi. Questi diventano vivi, “tracce incise”, “nel bosco che scruta il cuore”. L’io poetico non manca nel suo continuo rimarcare il desiderio di esserci, giocando con i verbi di presente e futuro, di esistenza, come fosse l’unica cosa logica dentro questa poesia. Molto sensuale il dualismo poeta-donna o poeta-antagonista, che anche nell’essere insieme rimangono comunque nel lato nascosto dell’affresco, celando l’un l’altro qualcosa, coscienti del-“l’accoglienza del dubbio”. La raccolta viene interamente accompagnata da un linguaggio incisivo e curato, fluido ed e che non lascia nulla di superfluo nella creazione delle immagini e delle metafore.