en Welcome to Delimbo

Delimbo nos presenta Welcome to Delimbo, un nuevo espacio expositivo, situado en el hall de entrada a la galería, recuerden la expo “Left Along the Road” de CLONE, donde darán cabida a propuestas interesantes pero que no requieran de tanto espacio y complejos montajes. Con esta nueva idea otorgan su lugar, dentro de su línea expositiva, al pequeño formato y a la pieza de arte asequible para todos los públicos.

La inauguración, el día 24 de febrero a las 20h., estará hasta el 24 de  abril y será con S.Bimbo, un artista urbano, muralista e ilustrador, que vuelve a mostrarnos su trabajo tras años de ausencia en Sevilla. “Vacío y Lleno” es una serie de 12 collages, generados conceptualmente de dos en dos, con el reciclaje como punto de partida para finalizar en una obra económica en recursos que habla del capital y de los sentimientos primarios. Una reflexión atemporal, delicada y onírica, pero que no evita la crítica con la actualidad política y social.

Más info en delimbo.com

DE LA PIEL PARA DENTRO

Texto_ Edu Mestre-Nadal

“¿Hay alguien más?“, se gritó al universo hace 3.500 millones de años. La primera célula necesitaba que alguien la ayudara a respirar un aire que se estaba oxigenando y, por tanto, convirtiendo en letal. Así que si pasaba por allí otra célula inmune al oxígeno, le pedía que se quedara con ella. Este ejemplo demuestra que hasta el encuentro más azaroso responde a un instinto de supervivencia inconsciente. Por otro lado, la necesidad de piel es la mayor enfermedad de Occidente, una enfermedad que bien puede curarse momentáneamente con un affair. Aunque con cada dosis de estos encuentros se acreciente más la propagación del virus que afecta a las emociones. Imágenes de “Intimidad” (Patrice Chéreau) o “La Herida” (Louis Malle) personifican esta fascinación a través del encuentro sórdido, animal y puro. Curiosamente en las dos películas francesas destacan el sonido de los suspiros orgánicos, que soterran cualquier indicio de atracción intelectual. Atracción que Brandon, el protagonista de “Shame“, es incapaz de forjar en su vida, ya que carece de esa porfía humana por eternizar los momentos.

Steve McQueen filma de manera prodigiosa la mecánica interna de la adicción sexual, llevada a un cenit desnaturalizado. El actor Michael Fassbender pone cuerpo a un adicto al sexo, sin caer en el ridículo, creando un personaje existencialista, práctico y educado, que a su vez esconde un salvajismo de difícil digestión. Lo que Brandon cree como una perfecta cuadratura de su microcosmos es perturbado por la aparición de su hermana, único vínculo cariñoso del protagonista, que además fomenta el recuerdo de un pasado sucio.

El mundo posibilista donde se maneja Brandon, perteneciente a la élite neoyorkina, le ofrece variopintas posibilidades para satisfacer su patología; chicas de la calle, prostitutas, pornografía, cam to cam o cuartos oscuros. Esa constante consumición de cuerpos adquiere la condición de droga y, como en otras tantas películas, se convierte en una herramienta para la evasión. Aquí, al igual que en “Shortbus” (John Cameron Mitchell), el sexo no es más que una consecuencia de la soledad con mayúsculas a la que se enfrentan sus personajes.

Soledad impuesta por multitud de factores: si pudiéramos tirar una bola del tamaño de la Tierra contra el firmamento, las posibilidades de que esa bola chocara con algún otro cuerpo son prácticamente nulas. Las distancias estelares son inconcebibles. A pesar de la proximidad, la distancia que separa a una personas de otras se asemeja a las estelares. Tanto la ostentación unas veces, como los comportamientos recatados o las actitudes defensivas otras, han convertido aquellas distancias en insondables. La contrapartida es una demanda de entretenimiento sin fin que induce al personaje de Fassbender a competir, seducir y consumir.

“Shame” discurre por unos entresijos mentales pantanosos, y aunque por sus imágenes pueda parecer otra cosa, está más cercana a lo esquizoide que al divertimento. A destacar cómo se presenta la sucesión de secuencias finales antes del desenlace. Una liaison magistral de planos y resolución de historias cabalgando desde el presente al pasado reciente, de la mano de una mezcla musical que enlaza soberbia la BSO con la música diegética de los garitos que visita el protagonista, y los silencios secos, cortantes. Es a la vez un itinerario recóndito por los parajes oscuros de la mente, que desembocan en un agónico descenso a los infiernos.

El magullado espíritu de Fassbender avanza en “Shame” como los trenes en la noche. A su cerebro no le interesa la búsqueda de la verdad, sino sobrevivir. Al fin y al cabo esa es la gran destreza del cerebro humano.

A su manera, al igual que Brandon, cada uno seguirá emitiendo señales al universo esperando que les devuelvan una respuesta.

JAY DEElicious. ANIVERSARIO DE LA MUERTE DE J DILLA

Texto_ Javier Carretero

Seis años dibujan una leyenda, seis letras la bautizan: J Dilla. Este mes de febrero se cumplía la fecha de un funesto desenlace la muerte de James Dewitt Yancey, el cual acabaría de cumplir 38 años. Esta vez no fue consecuencia de los excesos como se podría predecir al hablar de un artista joven. Quien nos lo arrebató fue el jodido lupus. Y es que para J dilla no existía en su vida otro horizonte que no fuera el de exprimir cada segundo, en una enfermiza obsesión por llevar a la música a años luz de la compresión humana contemporánea. Por tanto drogas y impúdicos lujos no obtenían cabida en su patria vital, convirtiéndose así en el primer artista indie de música negra.

Pero si hablamos de cómo eclosionó su leyenda y de quién es el personaje que se esconde tras el misterio, recurriría sin dudarlo a casi parafrasear a Mucho Muchacho: “El productor favorito de tu productor favorito”. Y es que el nombre de J Dilla es absolutamente indispensable para los fanáticos de la música y de la vida. Yancey era un MÚSICO, pero además un prototipo de filosofía de vida: vida como música y música como vida. En la cual se puede diseccionar y  hacer un sinónimo metafórico con ejemplos literarios como los de Robert Walser (el deseo de desaparecer del punto de mira hostil de los focos, la reclusión monacal desde la que edificar un espacio de sonidos sin condiciones ni apremios, el hacer de una necesidad un talento, que en este caso  se deflagra hasta convertirlo en un astro que provoca un atracción gravitatoria singular al que todos necesitan orbitar a su alrededor), Enrique Vila-Matas (“escribir es dejar de ser escritor” o lo que es lo mismo: ser J Dilla es dejar de ser músico para ir mas allá, hasta un universo de macrofantasia emulsiva, provocada por un incomprensible e inabarcable efecto sobre el raciocinio humano, no así en el sensorial de ondas hidrodinámicas que esculpen un efecto placebo que pone a danzar nuestra endorfinas a ritmo de sus beats) o Roberto Bolaño (su obra “2666″ tiene un paralelismo con el disco “Donuts”; es el empate en el descuento, la aceptación de lo inevitable, la creación hasta el último aliento, la despedida de la materia para esparcir sus moléculas de espíritu como volutas incandescentes con las que flotar sobre sus samples, sintes, bajos, bombos, cajas… ).

Un músico en estado gaseoso y etéreo que no respondía a normas, formas o frontreras. Tanto es así que su sombra acontece como fabula funambulesca entre la delgada línea que teje su profesión/pasión, que lo encumbra hasta alzarlo a productor de culto por excelencia del rap, y toda una religión (algo parecido a lo que sucede con The dude en “El Gran Lebowski”). Creo que para explicar la magnitud del artista, el mejor ejemplo alegórico sería el de una sociedad secreta, ya que son un selecto grupo de personas los poseedores del conocimiento de su existencia. Al ser un sonido no apto para todos los públicos, se convierte en un ejercicio de desertores principiantes, puesto que exige perseverancia, y su carrera sonora está compuesta por tantos simbolismos que escuchar su música es sin duda un viaje iniciático, una alineación con el oyente que avanza sobre semiótica en una escalera de superación y maduración personal auditiva, y prosperando en la logia hasta el fin supremo, la consagración al puro hedonismo del sentido auditivo, para una vez llegados a este punto servir al sonido como embajadores y guardia pretoriana.

Y es que no es pretencioso decir que J Dilla fue uno de los mejores músicos de todos los tiempos. Sí, es verdad que en vida prácticamente fue un desconocido, pero era porque su adicción a los instrumentos no le dejaba mirar más allá de ellos, parecía un producto de tal sensibilidad que lo hacía fotosensible a los flashes y era imposible arrancarle tiempo para una entrevista, no por que estuviera de resaca o liándose con groupies, sino porque siempre estaba componiendo. En las escasas fotos que flotan en la red siempre se le ve rodeado de música y envuelto en ella. Nunca le interesó nada más, de hecho siempre fue objeto de anhelo en grandes producciones pero él nunca vendió su música; un hombre sin las ataduras del dinero, las ansias del poder y de la fama, en la música, es un hombre libre y, como tal, él colaboró con los artistas y proyectos con los que se identificaba. Pocos pueden elegir (la ambición les ciega).

De su sonido me parece imposible hacer un ejercicio descriptivo, ya que se le pueden atribuir tantos adjetivos calificativos como loops asimétricos componen sus miles de producciones (un sello distintivo en ellas es que cada loop lleva un ADN propio), que además añaden si cabe dificultad al ser su sonido de una bipolaridad extrema, ya que puede crear temas antagónicos con muestras heterogéneas. Por lo tanto, es fundamental escucharlo y que cada uno saque sus propias conclusiones. Eso sí, es vital hacer notar que igual que no te compras un Picasso para ponerlo en el aseo, tampoco sirve de nada escuchar J Dilla sin un buen equipo de sonido, puesto que la densidad de frames que desfilan en su producciones necesita de un marcador que no le pierda la pista de cada movimiento y escorzos. Podría relatar la evolución de su sonido pero para eso ya está el muy recomendable artículo de Nate Patrin para Pitchfork.

Su música es un fiel reflejo de su persona, ya que la enfermedad que lo iba devorando no lo detuvo de asistir a la gira europea en silla de ruedas. Su madre le masajeaba los dedos en sus últimos días de vida, puesto que sufría tremendos calambres a la hora de golpear las teclas de los aparatos que mandó traer para que lo rodearan y fueran los únicos testigos de cómo expira un genio. Su apego a la vida era su apego a la música: sin fuerzas en sus pulmones se negó a que una maquina respirara por él (”nada de tubos”), y lo más importante y lo que casi nunca un artista ha llegado a conseguir, es no hacer de su enfermedad un reality pornográfico, ya que sólo estaba preocupado de seguir creando en una lucha feroz y desesperada contra el crono, incluso cuando la muerte se asomaba a su habitación de hospital. El resultado fue “Donuts” [vídeo de Airworks], el último regalo que nos dejó, una morfología de alquimia, que combina química, metalurgia, física, medicina, astrología, semiótica, misticismo, espiritualismo y arte. Saliendo al mercado como preludio, y constatando así que, cómo los grandes compositores del barroco, acabó pobre ya que la familia sigue a día de hoy pagando los gastos médicos con la ayuda de diversas iniciativas altruistas (camisetas como la ya consagrada “J Dilla Changed My Life”) y designando  muy sabiamente a otro genio como Pete Rock como su albacea y consejero de su legado póstumo.

Una vez que Jay Dee nos construye la nave, nos compone el espacio y hace de piloto automático en un viaje intergaláctico, en definitiva nos hace cosmonautas, no me queda más que rendirle un humilde homenaje a un músico que se merece todos los homenajes póstumos que no tuvo en vida. Y derramar menos lágrimas por “El club de los 27” (Kurt Cobain, Amy Winehouse… ) que con sus desproporciones manifestaron un odio a la vida y derramar más por genios que la supieron amar enseñándonos en qué consiste el arte de vivir. Estoy seguro de que a cualquiera de los que J Dilla nos ha dado tanto hubiéramos hecho un pacto con la muerte para ceder unos minutos de nuestra vida para que nos la siguiera glaseando… Porque de eso se trata, ¿no? De alimentar nuestra vida con:“The Donut of the Heart”. Alzando un dunkin al cielo brindo por ti, J.D.

Lo que no inventen los suecos…

Suecia, país de genios, desde Alfred Nobel hasta ABBA. Suecia, país lider en seguridad vial, Volvo, SAAB, el invento del cinturon de seguridad como lo conocemos hoy día… Y para no perder la costumbre, ahora llega Hövding, empresa sueca que ha revolucionado el concepto de seguridad sobre pedales. Ganaron en 2011 el INDEX: Design to Improve Life y están nominados al Designs of the Year Product Award 2012 del Museo del diseño de Londres. Que cuál es su mérito, pues haber creado un airbag especial para ciclistas que, gracias a su tecnología inteligente, es capaz de diferenciar los movimientos normales, de los propios de un accidente. Llevan años recopilando información sobre estos movimientos y los han incorporado a los sensores que integran el airbag; éstos, al notar un cambio brusco e inesperado reaccionan cubriendo la cabeza, el cuello y la frente del rider, en menos de 0.1 segundos. Está fabricado de un nylon extrafuerte que resiste la fricción con el asfalto, además de cumplir todas las normativas vigentes de seguridad. Pero no contentos con que funcionalmente es muy viable, han querido darle el toque de estilo que marca la diferencia, proponiéndonos unos cubre cuellos muy originales.
Aquí os dejo la divertida propuesta para esta temporada: [video]

Y no dejéis de ver lo fácil que es usarlo: [video]

Texto_ Lourdes Rodríguez
@mlourrr

Más info en www.hovding.com

Mucho se está hablando de esta marca y muy poco se sabe aún del material textil que van a presentar. Lo que si sabemos es que hay grandes nombres del skate detrás de ESWIC, empezando por su fundador y presidente, Jimmy Arrighi que ha sabido rodearse de Leo Romero y Cairo Foster y del artista y patinador Ed Templeton, con la colaboración de otros artistas de la talla de James Hardy, Donovon Piscopo, Dakota Servold y Stevie Perez.

Cuentan con numerosos canales de comunicación, además de un blog, publican asiduamente en twitter, facebook e Instagram. Todo esto está causando mucha espectación, saben como presentar un nuevo proyecto y han mandado notas de prensa a todas las publicaciones del mundo urbano y del skate tanto online como offline. Y digo que saben como moverse porque algunos de ellos tienen ya experiencia en grandes marcas como RVCA o Toy Machine y saben de marketing y comunicación. Aunque dicho esto, también he de decir que por mi parte tienen el beneficio de la duda. Pero no les voy a hacer la ola. Por lo menos hasta conocer la colección. He dicho.

Texto_ Lourdes Rodríguez
@mlourrr

Video presentación [pinchando aquí]
Más info www.eswic.com

Nos alegramos de los éxitos de nuestros amigos de Twothirds. Están teniendo una subida exponencial en su empresa, les llega el reconocimiento de las mejores publicaciones internacionales como Hyperbeast, Highsnobiety, GQ o The Cool Hunter. Y es que el trabajo bien hecho siempre se ve recompensado. Nos encanta especialmente su bolsa hecha con materiales reciclados, concretamente, está fabricada integramente con redes de pesca. En su interior tiene compartimentos para el iPad o el portatil, y no le falta detalle, como el asa de cuero del lateral. Para los que no conozcáis Twothird, es una marca de ropa afincada en España pero con proyección internacional. Sus prendas son muy sencillas pero tremendamente funcionales, actuales y de primera calidad. Está muy conectada al mundo del arte, y colabora activamente con fotógrafos e ilustradores. Aunque una de los factores diferenciadores de Twothird es que donan el 10% de sus ingresos a OCEANA una organización para la preservación del medio marino. “Protect what you love”.

Texto_ Lourdes Rodríguez
@mlourrr

Video de su colección de invierno en [pinchando aquí]
Más info en twothirds.com

“Strong is the new skinny”

Patidifusa se queda una después de ver estos leggins. Cuestionable es, desde luego, que me atreva a llevarlos por la calle, pero incuestionable es que quitan el aliento. Y aunque este modelo fue el gancho para conocer la marca Black Milk Clothing, el resto de la colección no se le queda atrás. Sus modelos más conocidos son los de estampado o impresión estelar, intergaláctica, cósmica, o como queráis llamar a esta tendencia que inunda todo de estrellas, constelaciones y nebulosas. Pero lo curioso de todo esto, es que la empresa ha tenido que dejar de vender. Que por qué, pues, porque se han visto tan sobrepasados por la demanda de productos que no han dado abasto y han cerrado hasta nuevo aviso. Ahora están inmersos en la fabricación de nuevas prendas, y según ellos, esta nueva colección estará llena de ropa más fea, para que esto no vuelva a ocurrir. Morir de éxito, que ironía… Aunque esto no es el fin, sólo están en coma, como ya han dicho, hasta nuevo aviso.

Texto_ Lourdes Rodríguez
@mlourrr

Más info en www.blackmilkclothing.com

Un maestro contemporaneo

Texto_ Maru Sánchez

Lleva el “Made in California” en las venas y no lo puede –quiere-evitar. Mark Ryden, uno de los más reconocidos pintores americanos acaba de publicar en Taschen “Pinxit”, un libro de gran formato que recorre a través de millones de píxeles cada remoto trazo de su obra. Sus pinturas, a medio camino entre el onirismo más transgresor y el paisajismo remoto de Leonardo da Vinci, son absolutas piezas de arte que cogen lo mejor de aquí –el ahora- y allí –el ayer-. Con la naturalidad de quien se ha criado en uno de los estados más abiertos y progresistas de Estados Unidos, este artista ha charlado con CLONE magazine y nos ha regalado algunas de las claves para disfrutar de su obra. 

Se dice que en tus obras es fácil identificar influencias de viejos tiempos con contemporáneas incorporaciones. En ese sentido, ¿qué vino primero para tí, los viejos maestros o la era pop? Tienes razón, creo que una de las cosas que más caracteriza mi arte es la diversidad de influencias. A este respecto, miro en todas partes en busca de inspiración, desde los pintores flamencos del Renacimiento al packaging de los productos en cualquier tienda de comestibles. Con respecto a la pintura en general, me siento más atraído hacia lo “viejo” que hacía lo “nuevo”, y es que una obra maestra antigua puede suscitar en mí sentimientos e impresiones que una pieza contemporánea raramente consigue. No obstante, lo que realmente me fascina es la combinación de lo antiguo con lo actual. El primer arte al que estuve expuesto fue el de las portadas de discos y libros de historietas, de ahí continué para encontrar más inspiración a través de la cultura pop.

Observando algunas de tus escenas, repletas de extrañas alusiones, uno podría preguntarse si Freud tendría algo que decir al respecto… Freud no tendría mucho que contarme, creo que su visión del mundo estaba muy desencantada y limitada a través de términos sexuales. Carl Jung es el que me podría hablar, estoy muy interesado en sus ideas de la conciencia colectiva, los arquetipos universales, y la sincronicidad.

Una de las cosas que más llama la tención de tus obras es esa especie de universo infantil presente en cada una de tus imágenes. ¿Hay alguna razón para ello? Una de mis citas favoritas es esa de Picasso que dice: “Todos los niños son artistas. El problema es cómo seguir siendo artista una vez que se crece”. Creo que esto es una gran verdad. Los niños no están inhibidos, ya que no intelectualizan su creatividad ni cuestionan lo que están creando. Ellos no definen y cuantifican su arte como sí hacemos los adultos. Su conexión con el espíritu creativo es muy directa y no está filtrada por la suciedad mental que normalmente empantana la mente de los adultos. En ese sentido, pienso que una de las cualidades más valiosas que define a muchos artistas es que nunca pierden la capacidad de asombro en el maravilloso mundo que nos rodea.

Naciste y te criaste en la California de los años 60, suena como una buena ventaja para un artista, ¿no?
California es un lugar emocionante donde cualquier cosa puede suceder. La gente es generalmente más abierta a nuevas cosas aquí que en otros lugares, no es tan de la vieja guardia. Es por ello que el Surrealismo Pop nació en California, no creo que pudiera haber ocurrido en otro lugar.

Taschen acaba de publicar un espectacular libro con tu obra, “Pinxit”, que, dado su especial formato y precio, casi podría considerarse una verdadera obra de arte. “Pinxit” supone una increíble oportunidad de ver casi toda mi obra reproducida a una escala mucho más grande que en cualquier otro libro. Es fruto de un gran trabajo y un especial cuidado en el diseño del libro, y es que detalles como la escultura en relieve de oro en la portada, creada por Brad Keech, son como pequeñas piezas de arte en sí mismos.

La realidad que nos rodea se vuelve cada vez más y más amarga. ¿Qué propones, en términos artísticos, para superar estos difíciles momentos? Es un tiempo para que la gente se vuelva a centrar en lo realmente importante: el cuidado de su alma y su conexión con el espíritu de la tierra – el anima mundi. El cuidado de la tierra es, en ese sentido, lo más imperativo en estos momentos. Una pieza especial de arte puede recordar a la gente las cualidades mágicas dentro de sí mismos y reforzar su conexión con las cosas que realmente importan.

Con los recientes escándalos de Megaupload y Twitter, la red hierve con comentarios y opiniones. ¿Cuál es la tuya?
Internet ha contribuido a extender la información libremente en todo el mundo como ninguna otra cosa lo ha hecho antes, odio ver que empieza a ser sofocado y controlado.

Por último, y deseando de ver alguna de tus piezas “en persona”, ¿cuándo podremos verte por la vieja Europa?
Tengo una gran exposición retrospectiva prevista, en principio, para enero de 2013, en Berlín, en la “me Collectors Room” de Thomas Olbricht.

Más info en www.markryden.com

Without skateboarding I’m nothing

Texto_ Lourdes Rodríguez
@mlourrr

Aún estamos sufriendo el síndrome de Stendhal después de admirar el último trabajo del artísta japonés Haroshi. Perfectamente ideado y argumentado, todas las piezas encajan en la ambiciosa idea propuesta por el veterano skater y dueño de la marca HUF, Keith Hufnagel.

Pero comencemos por el principio, para quien no lo conozca. Haroshi es un artista autodidacta y profundamente apasionado del skate, lleva 9 años recogiendo viejos trozos y piezas de tablas usadas y rotas, con las que luego crea esas maravillas estéticas. Algo que no sabe explicar le instaba a recolectar todos esos retazos; las tablas le han dado y le dan tantas satisfacciones en su vida que no podía dejarlas ahí abandonadas y olvidadas.

Según cuentan, su manera de trabajar con trozos de madera de diferente origen, a modo de mosaico, junto con el pulido y acabado que da a sus piezas, recuerdan a la tradicional fabricación japonesa de las estatuas de Buda. Además, aunque desde fuera es inapreciable, en el interior de cada obra hay un trozo de metal de una antigua tabla de skate. Según Haroshi, un artista profundamente conectado con su origen y su cultura, es el alma de la obra. El skate es su herramienta de comunicación con él mismo y con el mundo; es por ello que, para él, tienen el mismo valor sus tablas que su obra.

Volviendo ahora al tema que nos ocupa, en su último trabajo nos ha sorprendido con cinco piezas cargadas de significado e íntimamente relacionadas con el mundo del skate. La propuesta, como hemos comentado, llegó de Keith Hufnagel, fundador de la marca HUF y skater profesional; junto con DLX, reconocida distribuidora de tablas de skate de San Francisco, quienes proveyeron de tablas usadas al artista para crear esta singular encomienda.

Haroshi trabajó durante 6 meses para crear cada obra y conectarla con un skater en particular. En concreto, el brazo tatuado que amablemente nos enseña el dedo anular está inspirado en Peter Ramondetta y en su manera de patinar. El perro es Gary, quien siempre corre al lado de su dueño, Dennis Busenitz, mientras este hace skate. Haroshi quiso imprimir en esta obra la sensación de velocidad, al estilo de la estética manga, y para ello dejó sin pulir la parte trasera, donde puede apreciarse cada tabla de skate de manera individual. Es tan tosco este acabado que contrasta enormemente con el pulido y la suavidad de formas del resto de la pieza. La guitarra estaba creada y pensada para Tommy Guerrero. Y la rueda y la boca de incendio están inspiradas en Keith Hufnagel. Para Haroshi, Keith tiene uno de los mejores ollies de la historia, una manera muy particular de ejecutarlos. Inspirado en una foto antigua de Keith saltando una boca de incendio, Haroshi ideó la obra y un concurso de saltos el día de la presentación de la exposición, como manera de cerrar el círculo y legar el mando a la nueva generacion de skaters. La rueda es una pieza impresionante, de proporciones perfectas, creada a partir de las ruedas splitfire de 53 mm. que usa Keith para patinar. A raiz de esta ídea, Haroshi creó una rueda de 53 cm. de diámetro, donde los rodamientos eran las ruedas de 53 mm. de Keith. Un genio.

Para terminar, podéis deleitaros con la entrevista que Hyperbeast le hace al artista [aquí], donde podemos contemplarlo en su estudio en Japón y preparando la exposición.

Cuando alguien siente verdadera pasión por algo, el trabajo, el arte, fluyen de manera natural, no hay límites entre su ocio y su arte, son una misma cosa.
Como él mismo se presenta en su web: “Without skateboarding I’m nothing”.

Más info en haroshi.com
Fotos_ ©Taro Hirano / Pictureman Studio

Eros no esta en las listas del INEM

Texto_ Maru Sánchez

Podría suponerse que el basckstage de una película porno es el lugar en el que la ropa vuelve a ejercer su función habitual, en el que los actores, prestidigitadores psicológicos, y en este caso, también corporales delante de las cámaras, vuelven a ser fulano y mengana. Es lógico pensar que sería el espacio en el que Lady XX y Lord Big Dick se desquitan de sus títulos nobiliarios para ser simplemente Aurora y Juan, o Silvia y Ramón, que llaman a sus madres o incluso abuelas por el móvil para comentar cómo les va el día. También la postura, o impostura, se quedaría en el set de rodaje; o los múltiples aparatos de juego: vibradores, bolas chinas, esposas, vaselinas y demás ungüentos… son material laboral. Sin embargo, nada de eso se transcribe de estas imágenes. Tomadas en Eros Andalucía, el I Festival Erótico de Andalucía celebrado en Fibes (Sevilla), estas fotografías muestran una faceta más de su trabajo: la de la continua necesidad de venderse. Como las modelos, los estilistas, las grandes divas… estas profesionales de la industria del porno española saben que un paso en falso puede hacer que las vean como unas de tantas chicas vestidas de Zara que pueblan las calles de cualquier ciudad. No. Ellas son actrices, profesionales de lo suyo y, como tales, saben que su mejor carta de presentación es la que la naturaleza les dio. Una herencia que se dispara a la enésima potencia en presencia de cualquier objetivo. Y es que el dios del erotismo no se va de vacaciones. Incluso en épocas de vacas flacas como esta, Eros sigue cotizando en todos los mercados de valores como un ancestral bien de consumo primario.

Reconocido ‘cuentista’ sin necesidad de palabras, el fotógrafo Aitor Lara es el autor de esta serie. Su mirada y su increíble capacidad para contar historias a través de sus imágenes y protagonistas le ha llevado a consagrarse como uno de los fotógrafos documentales más reconocidos de nuestro panorama.

Más info en www.aitorlara.com