FLTD003 PHONOGENIC / El_Txef_A 12″ Mix

Texto_ Raúl Linares / Artwork_ Jacobo Redbear

La serie Limited de la discográfica Flumo vuelve con toda una delicia de esas a las que nos tenían acostumbrados. El finlandés Phonogenic es el encargado de romper este silencio; este productor ya ha dejado muestras de su calidad en sellos de la categoría de 20:20 Vision o Turbo y ahora se encarga de entregar tres piezas de un house de calidad que encaja a la perfección con la línea del sello.

Se abre el ep con “Tulio” en clave deep-house sedoso, algo planeador y con buenas vibraciones que recuerda a veces a un John Tejada en plan calmado, ideal para ir dando la bienvenida al verano. El Txef A se encarga de remezclar el tema y de llevarlo hacia otros parajes, al principio sonando ambiental y dub, un poco a lo Nicolas Jaar, para luego dar paso hacia la mitad del tema a un tech-house funk, vacilón y algo ácido que funcionará de lujo en cualquier sesión. Cierra con “Super Sagan”, que se pone algo más cósmica y cercana al sonido Kompakt, en el que el house y el techno van de la mano de un toque pop y tiran de cuidadas melodías para poder atraparte. De lujo.

Más info www.flumo.com

SP13 PRO LEATHER COLLECTION

GANTE UNAS CONVERSE EN NUESTRO FACEBOOK

Los fans del basket old school tienen una única zapatilla asociada a la imagen de aquellos baloncestistas míticos: la Converse Cons Pro Leather. Pocos modelos están tan arraigados a un deporte, una época y un feeling concretos, aunque la leyenda de esas zapatillas ha traspasado, a lo largo de las épocas, cualquier restricción para convertirse en un modelo clásico en cualquier ámbito de la cultura urbana, desde el mundo del arte al del diseño, la música o los deportes callejeros.

A estas alturas, su icónico Star & Chevron es una marca inconfundible, un guiño a un estilo de vida.

COMO GANAR UNAS CONVERSE

Para celebrar la salida de la nueva colección, la SP13 Pro Leather Collection, en CLONE magazine regalamos un par de zapas para dos afortunados lectores… ¿El trámite? Bastante sencillo: sólo tenéis que ir a la página web de Facebook de CLONE, en [este enlace], click en “Me gusta” y compartir la foto de tus futuras Converse.

El concurso durará hasta el Viernes 17 de Mayo a las 21:00h; hora en que publicaremos aquí y en nuestra página de Facebook los nombres de los ganadores (con quienes nos pondremos en contacto para pedirles dirección de envío).
¡Que haya suerte!

Aquí las imágenes de las Converse en cuestión que encontraréis en nuestro Facebook:

Más info sobre las Pro Leader converse.es

Allende los mares

Texto_ Ana Carretero / Fotografías_ Cecilia Díaz Betz

Algún tipo de fuerza mística se apodera del receptor cuando decide escuchar High on the seas (Aloud Music, 2013), el primer disco de Santa Rita. Cuatro chicas (Natalia, Cecilia, Laura y Marta) que, desde Barcelona, apuestan por una particular visión del grunge y el garage poniendo sus ojos en su vertiente más cruda. Lo cierto es que las canciones de High on the seas no son precisamente un paseo por las aguas tranquilas del rock, sino más bien todo un tratado de navegación sobre su faceta más enfurecida: loops bailables, frenesí noventero, guitarras afiladas y una voz desgarradora que descansa sobre coros que te teletransportan, nunca mejor dicho, allende los mares.

Vuestra hoja de promo, dice que Santa Rita ya suena a Santa Rita, ¿cómo describiríais vuestro sonido a alguien que aún no haya escuchado vuestras canciones?
Como un viaje mar adentro con todo lo que eso conlleva. Quizás adentro de nuestras influencias… rock alternativo con regusto 90´s, algo de psicodelia y oscuras intenciones.

Primero se os etiquetó como punk y de ahí a garage y grunge, ¿ cuáles son vuestras referencias?, ¿cuál es el grupo con el que os gustaría compartir cartel por encima de todas las cosas?
El tema de las etiquetas y géneros siempre es complejo. Quizás de las que mencionas, la de punk es la que creo que menos nos representa en el disco, aunque en directo a veces sacamos ese espíritu de alguna forma. En High on the seas se respira en general un aire nostálgico grunge, pero hay canciones que siguen más cercanas al garage, otras con pasajes melódicos más experimentales y buclosos, y algunas que desprenden una oscuridad muy particular.

Nuestra referencias son tan variopintas como las componentes de Santa Rita. Cada una somos de nuestro padre y nuestra madre. Laura es muy stoner y 90′s, y estoy segura de que mataría por tocar con Pearl Jam e irse de gira con QOTSA. Martha adora el funk, los 70′s y su psicodelia e incluso le vuelven loca los sonidos del flamenco, hace poco dijo que le gustaría telonear a Beyoncé, pero creo que estaba en uno de esos días raros… o no! Jajaja! Natalia adora a Fugazi como si no hubiese mañana, los sonidos cercanos al kraut rock, la experimentación y la buclosidad de Antelope, y se le ponen los pelos de punta con Ainara Legardon. Y Ceci podría morir tranquila haciendo un trío (musical!) con Pj Harvey y Nick Cave, y no dejará de flipar nunca con Bauhaus, por ejemplo. Aunque hace algún tiempo le pidió matrimonio a Chris Isaak después de un concierto, pero debía tener un día raro también.

Eso si, pongo la mano en el fuego a que a todas nos encantaría volver a compartir escenario con B-Violet. Qué vuelvan!

Contadnos un poco la historia del grupo. Con lo difícil que es encontrar bandas con chicas en su filas, ¿cómo lográis juntar tanta melena en una y todas de mujeres?
Empezó todo como muchos grupos, éramos amigas y nos juntábamos a tocar a ver si salía algo. Poco a poco, nos fue gustando la idea de buscar horas para ensayar y componer. Después encontramos a Laura que se unió a la batería y la última incorporación es Martha que lleva un año con nosotras, después de que nuestra bajista volviera a su tierra natal, Argentina.

A la hora de componer , ¿sois de las que se hartan de escuchar discos, os obsesiona un determinado sonido o banda, e intentáis tirar por ahí, o sale de forma más instintiva?
Sale una forma bastante instintiva pero es cierto que sabemos a lo que no queremos sonar. Cuando improvisamos, salen algunos punteados o melodías que nunca saldrán del local (Risas). Somos de las que escuchan mucha música , sí. Nos gustan las referencias, le damos vueltas a las cosas hasta que nos convencen. Las compradoras más exigentes somos nosotras mismas.

Habéis grabado con Santi García, en los ya míticos estudios Ultramarinos, ¿Hasta qué punto eso ha influido en el resultado final del disco?
Pues la batuta García fue fundamental para conseguir EL SONIDO, así, en mayúsculas. La experiencia ultramarínica fue estupenda, aprendimos muchísimo, comimos panellets como si no hubiese mañana, los sabios consejos de Santi fueron muy acertados, y la verdad es que estuvimos cómodas en todo momento. El resultado no podía haber sido mejor, un verdadero colocón en el medio del mar grabado en la Costa Brava. Les estamos muy agradecidas a Santi y Víctor.

¿Por qué elegisteis esa temática vinculada al mar?
Pensamos en ello antes de ir a grabar. Queríamos unificar la temática con algún elemento que nos gustase y el mar fue ideal. Nos preguntamos qué nombres nos recordaban a momentos únicos, a experiencias irrebatibles y dimos con una chorrera de anécdotas y situaciones. Moló decidirlo. Necochea es una ciudad costera de Argentina.

Vuestro primer disco sale nada más y nada menos que en Aloud Music, compartiendo sello con gente como Toundra o Ainara Legardon, ¿qué tal os sentís en Aloud?
Nos sentimos muy a gusto. Lo que edita Aloud es la leche. Son gente que hace las cosas bien, que no sólo saca adelante discos y directos cojonudos, sino que también apuesta por un modo de vivir la música, lejos de artificios y florituras, sintiéndolo muy adentro. Aprendemos todos los días rodeadas de gente que la borda.

Ya para terminar, no sé si habéis seguido la polémica que ha habido últimamente en Internet y algunos medios especializados como en torno al machismo en la música independiente, ¿Os habéis sentido discriminadas alguna vez por ser chicas?
Estamos al corriente, porque en algunas entrevistas nos han preguntado por ello. El machismo existe en muchas profesiones, y en la música también. Nosotras no nos hemos sentido descriminadas, confiamos en que nos rodeamos de gente con criterio que si debe opinar de nuestra música, no sea a través de argumentos sexistas.

Más info en santarita.bandcamp.com

www.clarissajacks.com

Cuando los puntos vuelan…

Texto_ Marcos Fernández

Se suele volver al lugar del crimen, según se entiende en ciencias jurídicas, para limpiar indicios y huellas, rememorar la morbosidad del suceso o, simplemente, para pasear sobre un mapa ambientalmente homicida que casi puede cortarse con un afilado cuchillo pero, como diría el genio de la fragmentación de tejidos Jack el Destripador, vayamos por partes. También se puede volar sin motor como Otto Lilienthal, en esa época en que el romanticismo de la conquista del firmamento pasaba por, también románticamente, caer sobre el suelo.

Nuria Mora vuelve volando a Sevilla, no para recitar coplas o bailar al sugerente compás de tres por cuatro. Vuelve para hacer constar que, su presencia en la colectiva ‘Hecho en Madrid’ celebrada hace unos meses con la florinata del arte urbano procedente de la capital, no es sólo una anécdota reseñable o un provocativo modo de indagar tras los pasos andados. Vuelve para ampliar, desde todas las latitudes posibles, un imaginario complejo y colectivo para dejar ostensiblemente una impresión que no ha de borrase en este escenario.
Puede que en el proscenio de un homicidio muchos puntos se queden sin descifrar, flotando en el aire, esperando una conclusión milagrosa tras el desesperado escamoteo del intelecto. Para evitarlo, una sucesión de puntos volados pueden ser el vínculo oportuno, ayudándonos a captar una visión más próxima.

En una de las sinopsis que he podido leer sobre el trabajo de la madrileña, Alberto Martín Expósito, cineasta y gestor cultural, plantea un encadenamiento muy descriptivo sobre qué es el punto volado -nombre que determina el título de la exposición-. Un signo de puntuación semántico que atraviesa muchos enclaves culturales a través de distintas polifonías idiomáticas, así como un signo representativo del ámbito científico altamente ordinario en matemáticas o en química (todo el mundo, creo yo, ha de conocer ese clásico puntito que hace las veces de símbolo multiplicador que ha aparecido cientos de veces en nuestras, ya añejadas, libretas de cálculo).
Sobreentendemos que la metáfora de este signo crea un nexo de convergencias. Uno que nos hace ver, de algún modo, el grado de intervención de una artista que flirtea con todo lo que le interesa, que para eso es la dueña de sus actos.

El planteamiento que nos ofrece la madrileña, si lanzamos un eje longitudinal en su trabajo, esboza una cartografía de intereses muy atractiva: intervenciones urbanas, geometrías constructivas y orgánicas, ilustración expansiva -un tanto manierista-, collage multidisciplinar, todo bajo la singular batuta del montaje atrevido y poco convencional -cuando éste se somete al acotamiento del cubo blanco-, con cierto carácter ex profeso (algo que confirma el buen estado de salud de un espacio y de una artista que se antojan mutables). Crónica de pretensiones creativas que no deben de dejarnos indiferentes ya que éstas pretender ir más allá de una simple contextualización, y articulación, de una obra.
Desde que tuve el placer de conocer este trabajo, gracias a la buena mano de los chicos de Delimbo, me intrigan una serie de plantemientos que intento desvelar con la paciencia de un taxidermista y la chispa de un sabueso que fuma en pipa Meerschaum (esa de la que se servía Sherlock Holmes para sus elucubraciones más retorcidas), con la intención de querer comprender dónde están los límites de la propia experiencia estética y su piedra angular: ese clásico exponente de la emoción.

La geometría (como inseparable consorte del arte y del trabajo de Nuria) fue considerada por el mundo árabe como una quintaesencia mística que abría el portal del credo religioso. No nos sorprende porque, detrás, siempre hubo cierta visión empírica que contrastaba todas las opiniones posibles, hasta el punto en el que las figuraciones euclidianas se establecieron, o más bien se purificaron, dentro de los órdenes decorativos más convencionales, sean laicos o devotos.
Hablar de geometría es hablar de mucho, puesto que han pasado tan sólo veintitrés siglos desde que se escribieron los trece volúmenes del libro ‘Los elementos’. Necesitaríamos muchas estanterías para ordenar únicamente sus principios básicos, para no sólo poder entender cómo se descifra un cuadrado inscrito en una circunferencia dado el radio de ésta sino, sobre todo, para comprender su magnitud cosmológica y su relación a través de todos los estratos de la vida.
Por eso me planteo qué pretende Nuria Mora a través de sus inquietudes y de esa epidermis ejecutada con oficiosa brillantez. Se me ocurren algunas: trasladar la concepción del espacio y del tiempo, aumentar las dosis de color en fachadas arquitectónicamente obsoletas, descontextualizar la geometría, establecer un diálogo figurado con el carácter poliédrico y metafórico de los objetos (como podemos ver en muchos de sus dibujos), crear un oasis casi emblemático en torno al recorrido de una exposición, potenciando de una forma rotunda el manipulable temperamento de un montaje. Variables que pasan por el filtro y/o espejo de nuestro criterio y nuestros sentidos, despojándonos de una camisa de fuerza que reservamos para locuras más sensatas.
La relación directa que ofrece la de Madrid en torno al ideal de arquitectura es heterogéneo, simbólico y real y pasan, coma decíamos antes, por su adecuación y revisión, como si fuera parte del proyecto inicial. Su colaboración en la prestigiosa revista AD nos hace partícipes del porqué de su abecé urbano y del interés de la artista por dejar un lacre capitular en los emplazamientos más insospechados. No es casualidad que por ello, el trabajo de la artista haya estado luciendo todas sus posibilidades en la Tate Modern, en un proyecto comisariado por Cedar Lewisohn y Rafael Shacte hace ya cinco años, en la Fundación Miró, el Instituto Cervantes de Casablanca o el Museo de Arte Contemporáneo de Johannesburgo. Tal visibilidad es un premio merecido, puesto que muchos llegan a la meta con la respiración entrecortada y con temblores musculares, en una maratón que es un certero testimonio de una carrera de fondo lustrada con éxito.

Todo trayecto ha de estar respaldado con una realidad metodológica acertada, que esté a la altura de las circunstancias, que hable del instante creativo y de cómo somos, cuando nos encerramos en la torre de marfil o cuando salimos a la calle a intervenir algunos útiles urbanos.
Muchas de las obras e intervenciones, que Nuria Mora encierra en Delimbo, son un perfecto ejemplo de integración en el espacio expositivo, no sólo por cómo alguna de las obras se expanden a través del inmaculado color de los muros, cómo destapan una brecha en la topografía del tabique para causar la ilusión, o cómo se amontonan, casi a modo de trastienda, algunas de las piezas expuestas que figuran a la vez con algún abalorio o algún pliegue, sino porque establecen un diálogo muy coherente entre ellos, anexados a ese punto que, sin duda, vuela y es más que un comodín en la singladura de esta impecable exposición.

Nuria Mora. “Punto Volando”, en Delimbo Art Space, Sevilla. Del 02/05 hasta el 30/06 de 2013.
Más info en www.nuriamora.com y www.delimbo.com

COSAS QUE HACEN ¡¡¡ZAS!!!

Texto_ ERC

Las primeras comparaciones con Los Planetas demostraron la manera en la que la prensa especializada es a veces incapaz de trascender lugares comunes y centrarse en la mera exposición de intenciones. Lo de Disco las palmeras! nada tiene que ver con la estética pop en ese sentido. Loop, Telescopes, My Bloody Valentine y The Jesus & Mary Chain. Los de Diego Castro deben estar hartos de que se mencionen siempre los mismos códigos al hablar de su música, pero a veces no hay otra manera de controlar un material tan inestable como el que maneja la banda de Lugo.
Con una declaración de principios basada en el ruido y la crispación urbanita, los artificieros de Sarria irrumpieron en 2011 encarando una nueva generación de bandas gallegas donde Triángulo de amor bizarro asomaban como espoleta de un barco con la bodega repleta de grandes desconocidos de la talla de Telephone Rouges, Unicornibot o ellos mismos. Ya han pasado dos temporadas desde que el trío gallego editó Nihil Obstat (Matapadre, 2011), prescindiendo del bajo como instrumento vertebrador y salpicando sus letras de claro contenido social con una suerte de shoegaze de trinchera que tuvo su tímido calado en el tejido underground nacional. Por el camino han cambiado de formación (Diego Castro sigue al frente mientras que David Lorenzo y Selín Pallares fueron remplazados por José Castro a la batería y Julián Goicoa a la guitarra) y han acabado enfocado su flamígera sensibilidad hasta lograr edificar los cimientos de un segundo disco de nombre tan ochentero como Ultra (Matapadre, 2013) y acabado mucho más concreto que aquel imperfecto diamante ruidoso que fue su debut de 2011.
No facturan nada nuevo, está claro, aunque logran hacerte vibrar a costa de feedback y acoples con un empuje juvenil de lo más revitalizador. Y tampoco suenan a Los Planetas, créetelo, aunque con ellos las voces queden siempre en un segundo plano a la manera de los granaínos. Tampoco han terminado de irrumpir entre la masa indie, debido probablemente a su punch combativo y nada conciliador. Por supuesto, no deberías perdértelos en directo esta noche en Sevilla. Cazamos a Diego en la carretera. Preguntas básicas, respuestas certeras.

Segundo disco y se lanza en la red totalmente a pecho descubierto. ¿Tenéis claro que es ese vuestro camino? Tenemos claro que es casi el único modo de hacerlo. Es obvio que nadie, y menos nosotros, se va a forrar vendiendo discos.

Cuando se habla de vuestras canciones sale a relucir la palabra rabia. ¿Qué es lo que os jode tanto? Demasiadas cosas. En general nos frustra la estupidez humana.

Seguimos descubriendo nuevas bandas gallegas y todas tenéis una sensibilidad similar. ¿Qué se sigue cociendo por vuestra tierra? Se cuecen las ganas de dar guerra… De todas formas se tiende a meter todo en el mismo saco y creo que eso es un error.

¿Qué ha cambiado desde que grabasteis Nihil Obstat hasta ahora? En primer lugar la formación. Pero supongo que como cualquier cosa, el momento en el que se hace y el modo en que llegas a ello ya es una variable enorme. Tampoco vamos a vender humo y decir que ahora hacemos una movida totalmente diferente o descubriendo la penicilina. Nos gusta lo que nos gusta y Ultra! es el resultado de eso.

¿Qué espera la banda de aquí al futuro? Por ahora queremos tocar, tocar y tocar. Cuando llegue el futuro nos preocuparemos por él.

¿Y qué va a encontrarse el público cuando vaya a veros a vuestros próximos bolos en Sevilla y Cádiz? A tres gallegos intentando volar cabezas.

Para acabar, una recomendación musical que os haya impactado recientemente . Una pequeña discográfica alemana llamada P Trash Records que sacaron un recopilatorio llamado Hill By Trash (en la onda de los KBD), brutal.

GIRA DE PRESENTACIÓN “ULTRA” MATAPADRE, 2013
Jueves 9 de mayo: 22h., Sala 101 (Sevilla). Viernes 10 de mayo. 22h., Mondongo (El Puerto de Santa María, Cádiz). Sábado 11 de mayo. 23h., Sala Farándula (Algeciras, Cádiz). Tenéis la info aquí, y podéis escuchar “Ultra” aquí.

Eusebio Poncela estrena “Como Dios”

Texto_ Vicente Durá.

El rostro de Eusebio Poncela en una pantalla de cine quedará registrado por siempre como emblema de trayectorias marginales, que oscilan sobre el hedonismo, el vicio y la rebeldía; soberbio por no haberse adaptado nunca ni tener la menor intención de hacerlo, pero humilde por la conciencia de su debilidad. En estos días en que todos quieren vivir en otros mundos posibles pero nadie dispone del valor suficiente para hacerlo, tanto sus personajes de ficción más recordados como su vida real siempre al límite, representan una inspiración.

A sus 67 años aún sigue trabajando como actor en cine, teatro y televisión, y manteniendo su gusto por deambular en la escena alternativa madrileña. El día 8 de mayo estrena una pequeña obra de teatro escrita y dirigida por él mismo, en colaboración con el argentino Facundo Fuentes de la Oca, que podrá verse en las salas del “Microteatro Por Dinero”. Se trata de un montaje de 15 minutos de duración titulado “Como Dios”, que narra en clave tragicómica el encuentro de dos hermanas, años después de que una de ellas se fugase con el novio de la otra.

Para la ocasión, los directores cuentan con dos actrices jóvenes que atesoran ya una importante trayectoria en escenarios y pantallas, como Lisi Linder (“Gran Hotel”, “Historias de Lavapiés”) y Alba Messa (“La ópera de los tres reales”, “Summertime”, “Buenas noches, dijo la Señorita Pájaro”).

Alba Messa

El espacio “Microteatro Por Dinero” lleva casi tres años dando que hablar en diferentes medios acerca de su original propuesta de ocio teatral, adaptada a los tiempos de crisis y de creatividad cuantitativamente exacerbada que coexisten en la ciudad de Madrid. Se trata de un edificio de dos plantas: en la primera, un bar que ya de por sí merece la visita; debajo, 5 salas de teatro, cada una de las cuales puede alojar a unos 15-20 espectadores y un escenario, en el que 2 intérpretes dan vida a 5 obras distintas de 15 minutos de duración. Te compras tu entrada por 4 euros y puedes ver las 5 obras o las que te dé la gana.

A partir del 8 de mayo y hasta el 2 de junio, se ofrecen 5 pases diarios de “Como Dios”, que compartirá cartel con otros 4 pequeños montajes titulados “Contrarios Comunes”, “Sopa”, “Romance Bizarro” y “Azotes”. Altamente recomendable.

Del 8 de mayo al 2 de junio. Microteatro Por Dinero. Madrid
Más info en www.teatropordinero.com

RESISTIENDO, QUE ES GERUNDIO

Texto_ Jorge Montes

Lo de Territorios Sevilla, a estas alturas, se merece un pequeño monumento a la resistencia como evento cultural andaluz. No vamos a descubrir América si decimos que la cultura está sitiada en nuestro país, por no hablar más concretamente de Andalucía y de Sevilla, y que las dificultades son titánicas para todo evento que se organiza. A pesar de que la crisis mantiene a mucho público en el sofá, del escandaloso incremento del IVA para la cultura y del escaso apoyo de las instituciones públicas (que luego se gastan los millones en proyectos mesiánicos, pero esa es otra historia… ), la mayoría de los festivales de la ciudad está resistiendo, más mal que bien, y en el caso de Territorios Sevilla, por su envergadura, parece aun mayor el esfuerzo.

Son varias las actitudes tomadas en este 2013 por el Festival para intentar sobrevivir a este complicado panorama. Para empezar, el cartel parece centrarse en las propuestas más animadas y eclécticas, capaces de atraer a un público diverso, sin manías ni estereotipos, y quizás un poco más joven que en ediciones anteriores. Para continuar, el precio del abono para los dos días de festival, que salió en oferta al ridículo importe de 17 euros y que, después de pasar por 22, se ha establecido hasta el 16 de mayo, inclusive, en 27 euros, es sencillamente irresistible: por ese dinero, no existe mejor plan en Sevilla para esas fechas que pasar dos frescas noches en los preciosos jardines del CAAC escuchando buena música en mejor compañía. Teniendo en cuenta que el años anteriores el precio de abono rondaba o superaba los 40 euros, la apuesta en 2013 por el público es rotunda (y muy pero que muy arriesgada para la organización, la verdad). La última propuesta ha sido que la Fundación Festival Territorios, creada hace ya tres años, da ahora un paso al frente y asume la programación y la producción artística, ofreciendo al público la posibilidad de convertirse en Socio Anual del Festival mediante una aportación libre a partir de 30 euros. Este donativo a la Fundación, que además se puede desgravar luego en la Renta, tiene varias ventajas además de la lógica de ayudar a consolidar a una de las propuestas musicales más señeras de Andalucía, como un acceso propio al recinto y a la Zona VIP Fundación, merchandising especial, etc. Una buena manera, desde luego, de proponer vías alternativas para la supervivencia de la cultura, ofreciendo además inmejorables ventajas al asistente. Podéis informaros de esta opción en la web www.fundacionterritorios.com

En cuanto al cartel, que por otra parte siempre es lo más importante, hay como siempre un poco de todo: juerga de la buena con cabezas de cartel tan potentes como Fatboy Slim, que promete liarla pardísima, o 2manydjs; músicas fronterizas como las de Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra, Ska Cubano, El Canijo de Jerez, Albertucho o Los Aslándticos, independencia nacional de la talla de Fangoria, Standstill, Anni B. Sweet, Depedro, Hola a todo el mundo, Corizonas, All La Glory o Pony Bravo, que presentan por fin en Sevilla su nuevo disco; rap potente de la mano de Tote King y Shotta (más invitados), Lírico, Rapsusklei (con banda) o el nuevo proyecto de SFDK junto a Capaz y Hazhe, Mala Juntera; y hasta una nueva propuesta de soundsystem roots-reggae con el Dub Corner. En total, 41 artistas nacionales e internacionales por 27 euros… La cuenta sale bastante bien, ¿no?

Nos veremos allá los días 17 y 18 de mayo.
Tenéis toda la info en www.territoriossevilla.com

Y Murieron con las Pelucas Puestas

Por @ludictador

“Me dedico a la creación y eso ya es un juego que me quita tiempo como para seguir en pantallas haciendo lo mismo bajo unas normas ortopédicas(…)”- Así sentenciaba en una conversación Beatriz Sánchez algo que todos sabemos cuando jugamos a un videojuego: la creatividad está limitada por el uso de una reglas pre-programadas. Esto es así en la mayoría de los videojuegos las opciones para generar una solución creativa -que trascienda el diseño original- son algo anecdótico por no decir, inexistente.

Beatriz Sánchez es una artista visual y performer afincada en Granada y su obra lleva una fuerte carga de ironía y lúdica situacionista quedando manifiestas en los vídeos de su site (que recomiendo visitar).

Sánchez -como buena performer- distribuye reglas absurdas (o no-reglas) de forma azarosa en el campo de batalla, en un nuevo gamespace autogenerado, en un proceso cuyo resultado llega a ser de lo más inesperado. Finalmente todo pasa por la trituradora de vídeo y al resultado se le añade una capa de ficción (como en cualquier otro simulacro digital) gracias al montaje, la postproducción y el croma.

Facebook ha pasado por todo tipo de momentos y “juegos sociales”: Mafia Wars, FarmVille, Candy Crush… todo un elenco de maldiciones en forma de invitaciones, pasatiempos mecanizados del gusto de señoras raya-sudokus, adolescentes procastinadores y todo un elenco de casual-gamers que han demostrado ser de todo menos rentables.

En este contexto de desgaste de los juegos de Facebook, Beatriz a través de un evento de la propia red social genera una arena (otra vez el gamespace) en la que invita a otra artista de similares características (Verónica Ruth Frías) para un combate cibernético. ¿Las reglas? Cada una elige un objeto que la represente (tomate y catrina respectivamente), las armas serán vídeos creados por ellas mismas en los que -representando estos objetos simbólicos- se humillen mutuamente. Por supuesto, este juego con forma de evento no tiene más espacio de representación que el muro-paredón del mismo y un populacho invitado (unos 300 aproximadamente) que arenga a las participantes a que hagan morder el polvo virtual la una a la otra.

Sin embargo estas sencillas reglas implican otras de fondo más complejo: la gestión y destrucción de la reputación propia o ajena (tan importante en las redes sociales), la empatía por parte de los “invitados” (que se decantan por una u otra combatiente) y el propio hecho de la implicación emocional en un espacio que -pese a estar lleno de gente- genera todo menos emociones. Pero lo más interesante a mi parecer es que este duelo (que de momento viene ganando la artista retada, Verónica, según el primer árbitro Pedro Soler) ha sido un delirante y competitivo estímulo para la creatividad de ambas contendientes.

Murieron con las Pelucas Puestas viene siendo una ficción de reality, de mujeres que se tiran pública y mutuamente del pelo a los ojos de los paseantes, pura imitación de los tejemanejes y polémicas que tanto nos gusta leer y escuchar en las redes sociales, un juego con consecuencias irreales, un combate con seguidores sedientos de sangre (aunque sea de tomate)

Segundo round arbitrado por el personalísimo Xoxé Tétano (Los Glanglios crew)

Vídeos del combate (por orden de aparición):
“Te Como” 1er Asalto Verónica Ruth Frías

“Eres lo que Comes” 1er Asalto Beatriz Sánchez

“A Muelte” 2º Asalto Verónica Ruth Frías

“La más graciosa, la más guapa y ¡todo!” 2º Asalto Beatriz Sánchez

Más info en www.beatrizsanchez.net

Por Martin Sati

Nacido de un workshop realizado en MrMarcel School [aquí la info], El Banquete es un proyecto experimental sobre procesos creativos en la gráfica publicitaria y la ilustración. Consiste en crear una MicroHistoria ilustrada, es decir, una acción gráfica en diez pasos en la cual se va documentando el desarrollo de la ilustración hasta obtener el resultado final. A través de estos diez pasos va surgiendo nuestra historia, como proceso evolutivo en la obra. En esta ocasión, para El Banquete se utilizaron objetos tan cotidianos como frutas, verduras o vasitos pequeños dispuestos en filas. El objetivo del workshop era crear una simbiosis entre el tutor y los estudiantes, de una forma distendida, a la manera de una gran familia que se sienta alrededor de la mesa a comer y a contar sus historias, donde es importante el intercambio. La intención, por lo tanto, era que el alumno aprendiera y que el tutor construyera su obra con todo lo acontecido.

Como recordaréis los lectores habituales de CLONE magazine, ya os hablamos de Martin Satí en [este enlace]

Más info www.martinsati.com