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Desafio Infinito: a grandiosa epopeia cósmica que colocou Thanos diante de todo o Universo Marvel (2026, Marvel de Bolso)

2026-11-14T09:27:53.664-03:00

Publicada em 1991, Desafio Infinito marcou uma das fases mais ambiciosas da história da Marvel. Em uma minissérie de seis edições, Jim Starlin, George Pérez e Ron Lim reuniram alguns dos personagens mais importantes da editora em uma batalha de proporções cósmicas contra Thanos. A obra se tornou uma referência dos quadrinhos dos anos 1990 e consolidou uma das narrativas mais importantes envolvendo o universo cósmico da Marvel.

A história, entretanto, começou a ser construída muito antes de sua publicação. Criado por Jim Starlin em 1973, Thanos foi desenvolvido ao longo de diferentes títulos. Sua personalidade sempre esteve associada a uma obsessão peculiar: conquistar o amor da Morte, entidade que, no Universo Marvel, possui uma representação feminina. Para demonstrar sua devoção, o Titã pretende eliminar metade de toda a vida existente no universo.

Essa trajetória ganha um capítulo fundamental em Thanos Quest, minissérie de 1990 que funciona como preparação direta para os acontecimentos de Desafio Infinito. Nela, Thanos enfrenta os Anciões do Universo e conquista as seis Joias do Infinito, artefatos que representam diferentes aspectos da existência: Espaço, Tempo, Realidade, Poder, Mente e Alma. Reunidas em uma única manopla, elas concedem ao personagem poderes praticamente ilimitados.

De posse da Manopla do Infinito, Thanos realiza seu objetivo e elimina metade das formas de vida do universo com um simples estalar de dedos. A dimensão da catástrofe mobiliza os sobreviventes, incluindo os Vingadores, os X-Men, o Surfista Prateado e diversas entidades cósmicas. A resistência é organizada por Adam Warlock, personagem que possui uma ligação profunda com a história de Thanos e conhece os perigos representados pelo poder absoluto.

Jim Starlin conduz essa narrativa com uma compreensão bastante particular do que torna um grande antagonista interessante. Thanos não é simplesmente um conquistador em busca de dominar planetas ou acumular poder. Sua motivação é profundamente emocional, ainda que distorcida por uma obsessão que o leva a cometer atrocidades inimagináveis. O personagem acredita que a conquista da Manopla representa a possibilidade de finalmente obter aquilo que deseja, mas sua relação com a Morte revela uma contradição fascinante: mesmo quando alcança o poder de um deus, continua sendo um indivíduo incapaz de encontrar satisfação.

George Pérez, responsável pelas três primeiras edições, era um dos artistas mais talentosos de sua geração quando o assunto era trabalhar com grandes elencos. Sua capacidade de organizar páginas repletas de personagens, construindo composições detalhadas sem comprometer a clareza da narrativa, faz enorme diferença em uma história que reúne praticamente todo o Universo Marvel. Pérez consegue transmitir a dimensão dos acontecimentos e dar personalidade a cada sequência, mesmo quando dezenas de heróis dividem o mesmo espaço.

Ron Lim assume os desenhos nas três edições finais, mantendo a grandiosidade visual e imprimindo um dinamismo próprio às cenas de ação. O artista já tinha experiência com o universo cósmico da Marvel e havia trabalhado com Starlin em Thanos Quest, o que contribui para a continuidade estética da saga. A transição entre os dois desenhistas não compromete a experiência e reforça a identidade de uma obra que precisava sustentar uma escala visual extraordinária.

Desafio Infinito representa uma fase dos quadrinhos de super-heróis. Publicada no início dos anos 1990, a saga aposta sem receio na grandiosidade, nos confrontos entre forças quase incompreensíveis e na sensação de que os acontecimentos realmente podem alterar para sempre o universo. A quantidade de personagens e a dimensão das batalhas podem tornar a leitura um pouco carregada em alguns momentos, mas fazem parte da identidade de uma narrativa que não pretende ser modesta.

O sucesso da minissérie abriu caminho para outras histórias envolvendo a mitologia das Joias do Infinito, especialmente Guerra Infinita (1992) e Cruzada Infinita (1993). Nenhuma delas, porém, alcançou o mesmo reconhecimento da obra original. Décadas depois, a história também serviria de uma das principais inspirações para Vingadores: Guerra Infinita (2018) e Vingadores: Ultimato (2019). Embora as adaptações cinematográficas apresentem diferenças importantes em relação aos quadrinhos, a influência da criação de Starlin é evidente.

A republicação de Desafio Infinito pela Panini, agora na coleção Marvel de Bolso, oferece uma oportunidade interessante de revisitar esse clássico. O formato compacto e o preço mais acessível ajudam a aproximar uma obra fundamental de novos leitores, ao mesmo tempo em que permitem aos fãs mais antigos reencontrar uma das histórias mais importantes da trajetória da editora.

Desafio Infinito continua funcionando muito bem como uma grande aventura de super-heróis e, principalmente, como uma história sobre a natureza contraditória de seu protagonista. Jim Starlin construiu uma epopeia que impressiona pela escala, mas que encontra sua verdadeira identidade nas fragilidades de alguém que conquistou o poder absoluto e descobriu que isso não era suficiente. A minissérie permanece como um dos grandes momentos da Marvel e uma leitura essencial para quem deseja conhecer a dimensão mais ambiciosa de seu universo cósmico.

From the Dark (2026): o pai do heavy metal ainda tem riffs monstruosos para oferecer

2026-11-13T07:23:15.951-03:00

Seu nome é Tony Iommi. Você é conhecido como o pai do heavy metal, o homem cujos dedos criaram alguns dos riffs mais pesados, tétricos e sombrios da história da música. Sua banda chegou ao fim, um de seus parceiros de tantas jornadas encerrou sua passagem por este mundo, mas você não está disposto a ficar parado. Então, mais de duas décadas depois de seu último álbum solo, decide voltar ao estúdio e mostrar que ainda tem muita coisa a dizer. O resultado é From the Dark, um disco pesadíssimo, daqueles que fazem qualquer um lembrar imediatamente quem você é e porque você é essencial para a música pesada.

From the Dark representa o retorno solo de Tony Iommi após Fused (2005). E o guitarrista não poderia ter escolhido maneira melhor de reaparecer. Em vez de procurar caminhos diferentes ou tentar atualizar sua sonoridade para acompanhar tendências, Iommi faz aquilo que sempre soube fazer como ninguém: despeja riffs monumentais, constrói atmosferas sombrias e conduz um repertório que respira heavy metal em sua essência mais pesada.

A guitarra é, naturalmente, o grande eixo do disco. Os riffs têm a combinação inconfundível de peso, tensão e malícia que transformou o Black Sabbath em uma das bandas mais importantes da história da música. Há momentos em que parece que estamos diante de uma continuação natural de trabalhos como Heaven and Hell (1980), Mob Rules (1981) e The Devil You Know (2009), do Heaven & Hell. Não por acaso, o álbum encontra boa parte de sua identidade justamente nessa vertente mais épica e pesada da trajetória de Iommi.

Mas existe outro protagonista que merece uma atenção especial: Jørn Lande. O vocalista norueguês entrega uma performance simplesmente sensacional, com interpretações animalescas, potência impressionante e uma dramaticidade que combina perfeitamente com as composições. Sua voz é um dos grandes trunfos de From the Dark e, em diversos momentos, parece transportar o ouvinte diretamente para a era Ronnie James Dio do Black Sabbath.

A comparação não é gratuita. Lande é um grande admirador de Dio, influência que nunca escondeu e que aparece naturalmente em sua maneira de cantar. Sua interpretação carrega aquela mistura de força, teatralidade e melodia que tornou Ronnie uma figura tão especial. O mais interessante é que ele não se limita a reproduzir o estilo do ídolo: encontra espaço para imprimir sua própria personalidade, entregando uma atuação que está entre os grandes destaques de sua carreira.

A escolha dos demais músicos também funciona muito bem. Becky Baldwin assume o baixo e Karl Brazil a bateria, enquanto Mike Exeter contribui com os teclados e divide a produção com Iommi. Há ainda uma participação especial de Brian May, do Queen, que aparece em "Death Wake" com um solo de guitarra. A presença do velho amigo acrescenta um tempero especial a uma composição que já chama atenção por sua construção e atmosfera.

O repertório é bastante coeso e mantém a intensidade ao longo de suas oito faixas. "Over The Violent Sun" abre os trabalhos com riffs imponentes e estabelece imediatamente o clima do álbum. "Black Times" mergulha em uma sonoridade ainda mais sombria, enquanto "World Alone", primeiro single, apresenta uma abordagem mais acelerada e direta. São músicas que mostram um Iommi confortável em seu território, mas longe de soar acomodado.

"Beyond The Dead" é um dos momentos mais arrastados e atmosféricos do disco, explorando aquela capacidade quase sobrenatural do guitarrista de transformar poucos acordes em verdadeiros monumentos de peso. "Stormwatcher" se destaca pela combinação de melodia, dramaticidade e riffs marcantes. Já "Death Wake" ganha um elemento adicional com a participação de Brian May, enquanto "Return Of The Arbalist" acelera o andamento e entrega uma dose generosa de metal tradicional.

O encerramento fica por conta de "Legacy", uma composição especialmente bonita e significativa. Depois de tanta densidade sonora, a música apresenta uma passagem acústica surpreendente, seguida por solos melódicos que reforçam a sensibilidade de Iommi como guitarrista. O título e a temática da letra também funcionam como uma espécie de reflexão sobre permanência, mortalidade e aquilo que deixamos para trás. É difícil não enxergar nessa faixa uma conexão com o próprio momento vivido pelo músico.

Afinal, From the Dark chega depois de um período de mudanças profundas. O Black Sabbath encerrou sua trajetória ao vivo com o histórico Back to the Beginning, em Birmingham, em julho de 2025. Pouco depois, o mundo perdeu Ozzy Osbourne, companheiro de Iommi na criação de uma das bandas mais influentes de todos os tempos. Seria compreensível que o guitarrista diminuísse o ritmo e passasse a olhar exclusivamente para o passado. Mas a música continua sendo parte fundamental de sua vida, e este álbum deixa isso muito claro.

Não espere encontrar aqui uma tentativa de reinventar o heavy metal ou de superar os grandes clássicos do Black Sabbath. Essa não é a proposta. From the Dark funciona justamente porque Tony Iommi conhece profundamente sua própria identidade musical e sabe como extrair dela resultados impressionantes. O disco não precisa apresentar uma revolução: seus riffs, sua atmosfera e a performance extraordinária de Jørn Lande são argumentos mais do que suficientes.

O título soa apropriado. Depois de tantas décadas explorando os territórios mais sombrios do rock, Iommi retorna de onde sempre esteve mais à vontade. E faz isso com uma vitalidade impressionante, acompanhado por um vocalista que honra a tradição de Ronnie James Dio sem abrir mão de sua própria personalidade.

Tony Iommi ajudou a criar o heavy metal. Não precisa provar mais nada a ninguém. Ainda assim, em From the Dark, faz questão de lembrar que continua sendo um de seus maiores representantes. E, felizmente para nós, ainda tem riffs monstruosos guardados na manga.

Blues Brothers - A Fuga de Joliet Jake: o espírito dos irmãos Cara de Pau continua vivo nos quadrinhos (2026, Cyberpulp Comix)

2026-11-12T05:56:27.052-03:00

Poucas duplas conseguiram unir música, humor e cultura pop de maneira tão particular quanto Jake e Elwood Blues. Criados por Dan Aykroyd e John Belushi no programa Saturday Night Live, os Blues Brothers ultrapassaram rapidamente os limites da televisão e conquistaram o cinema com o clássico Os Irmãos Cara de Pau, lançado em 1980. Agora, mais de quatro décadas depois, os personagens ganham uma nova aventura em Blues Brothers: A Fuga de Joliet Jake, graphic novel publicada no Brasil pela Cyberpulp Comix.

A produção tem uma ligação especial com o legado dos personagens. O roteiro foi desenvolvido por Stella Aykroyd, filha de Dan Aykroyd, Luke Pisano, filho de Judith Belushi-Pisano, viúva de John Belushi, e James Werner. A participação das famílias dos dois protagonistas originais confere ao projeto um caráter de homenagem, mas também representa uma tentativa de manter viva uma franquia que permanece bastante querida pelos fãs de cinema e música.

A história se passa em 1997, quase duas décadas depois dos acontecimentos do primeiro filme. Elwood tornou-se padre, enquanto Jake está prestes a conseguir a liberdade condicional. Tudo muda quando Jake desaparece após uma misteriosa fuga da prisão. A investigação fica nas mãos de Robert, um jovem detetive que acaba envolvido em uma trama muito maior do que imaginava. Ao lado de Elwood e de Wolfie, um jovem órfão ligado ao antigo orfanato onde os irmãos cresceram, ele embarca em uma aventura que envolve segredos do passado e uma misteriosa maleta capaz de alterar a própria história da música.

O roteiro oferece espaço para recuperar os ingredientes que fizeram dos Blues Brothers um fenômeno: perseguições automobilísticas, situações absurdas, personagens excêntricos e muitas referências musicais. A narrativa procura estabelecer uma conexão direta com o filme de 1980, inclusive deixando de lado os acontecimentos de Blues Brothers 2000, produção de 1998 que trouxe Elwood de volta às telas sem a presença de John Belushi, falecido em 1982.

Um dos grandes acertos do projeto está na escolha de Felipe Sobreiro para assumir a arte. O brasileiro, que possui uma trajetória consolidada no mercado internacional e já trabalhou para editoras como Marvel, DC Comics, Image e Dark Horse, demonstra compreender muito bem a identidade visual da franquia. Seu desenho tem uma abordagem cartunesca, com expressões exageradas e movimentação que combina com o humor dos personagens. Os flashbacks recebem um tratamento visual diferente, com hachuras que remetem a uma linguagem mais tradicional dos quadrinhos.

O resultado é uma aventura visualmente agradável, que procura transportar para as páginas a energia e o espírito irreverente do material original. A arte de Sobreiro é um dos principais atrativos da publicação e representa também um momento importante em sua carreira, já que o trabalho marca sua estreia como desenhista de uma graphic novel.

A Cyberpulp Comix publicou a HQ em uma edição em capa dura, formato americano, 128 páginas coloridas e papel couché. A publicação inclui prefácio de Dan Aykroyd e uma entrevista com os autores, complementos que ajudam a contextualizar a criação da obra e sua relação com o legado dos personagens. É um cuidado editorial bem-vindo, especialmente para quem aprecia publicações que vão além da história principal.

Blues Brothers: A Fuga de Joliet Jake funciona principalmente como uma celebração de um universo que continua despertando carinho em diferentes gerações. Não é necessário reinventar Jake e Elwood ou tentar reproduzir exatamente a experiência cinematográfica de 1980. A proposta aqui é reencontrar personagens queridos, colocá-los em novas confusões e manter viva a mistura de música, humor e aventura que os tornou tão especiais.

Para quem cresceu assistindo ao filme, a graphic novel oferece uma oportunidade de revisitar esse universo por outra perspectiva. Para os colecionadores, ainda há o atrativo de uma edição caprichada e da participação de um artista brasileiro em uma produção internacional. No fim, a maior virtude da publicação talvez seja justamente essa: lembrar que, mesmo depois de tantos anos, ainda há espaço para mais uma aventura dos Blues Brothers.

Alexandra Kim – Filha da Sibéria: a revolucionária que a história quase esqueceu (2026, Pipoca & Naquim)

2026-11-10T06:53:05.104-03:00

A trajetória de Alexandra Kim atravessa alguns dos acontecimentos mais turbulentos do início do século XX. Nascida na Sibéria em 1885, filha de imigrantes coreanos, ela se tornou uma das pioneiras do movimento comunista coreano e participou ativamente das transformações políticas que sacudiram a Rússia. Sua vida, interrompida aos 33 anos, é contada em Alexandra Kim – Filha da Sibéria, graphic novel da sul-coreana Keum Suk Gendry-Kim, publicada no Brasil pela Pipoca & Nanquim.

A história acompanha Alexandra desde a infância, em uma comunidade de imigrantes coreanos no território russo, até seu envolvimento com os movimentos socialistas e revolucionários. Ao testemunhar as condições precárias enfrentadas pelos trabalhadores, ela desenvolve uma consciência política que a leva a abandonar uma vida relativamente convencional para se dedicar à militância. Fluente em coreano e russo, utiliza seu conhecimento dos idiomas para aproximar trabalhadores e movimentos políticos, tornando-se uma personagem importante na organização revolucionária do extremo oriente russo.

A narrativa também ajuda a compreender o contexto histórico em que tudo acontece. A ocupação japonesa da Coreia, a diáspora coreana, a exploração dos trabalhadores e a Revolução Russa de 1917 formam um cenário complexo, marcado por conflitos, disputas ideológicas e transformações sociais. Alexandra está no centro desse turbilhão, dividida entre sua identidade coreana, sua atuação política na Rússia e os compromissos pessoais que acaba deixando para trás.

Um dos aspectos mais interessantes da HQ é justamente não reduzir sua protagonista a uma figura política. A maternidade, os relacionamentos, as separações familiares e os sacrifícios impostos pela militância ajudam a construir um retrato mais humano de alguém que acreditava estar lutando por um futuro melhor. Sua trajetória levanta questões sobre convicção, pertencimento e o preço que uma pessoa está disposta a pagar por suas ideias.

Keum Suk Gendry-Kim já demonstrou em trabalhos como Grama e A Espera sua capacidade de transformar acontecimentos históricos em narrativas gráficas sensíveis e envolventes. Aqui, entretanto, a abordagem é um pouco diferente. A quantidade de informações, personagens e acontecimentos históricos faz com que a narrativa assuma, em determinados momentos, um caráter mais documental. A sucessão de eventos também prejudica ocasionalmente o ritmo, e nem sempre há espaço para desenvolver emocionalmente as situações com a profundidade que elas mereceriam.

Isso não diminui a importância do trabalho, mas faz com que a experiência seja menos impactante do que em outros momentos da bibliografia da autora. O grande mérito está na recuperação de uma personagem praticamente desconhecida do público ocidental e na oportunidade de conhecer um capítulo pouco explorado da história coreana.

Alexandra Kim – Filha da Sibéria é uma HQ que encontra sua maior força na própria trajetória que apresenta. Keum Suk Gendry-Kim resgata a memória de uma mulher que atravessou fronteiras, desafiou convenções e dedicou sua existência a uma causa. Uma leitura recomendada especialmente para quem aprecia quadrinhos biográficos e narrativas que utilizam a história para trazer à luz personagens que o tempo quase apagou.

Black Hole: o horror de crescer e não encontrar seu lugar no mundo (2017, Darkside)

2026-11-08T17:32:46.563-03:00

Existem poucas experiências tão universais e, ao mesmo tempo, tão particulares quanto a adolescência. É uma fase de descobertas, transformações físicas, desejos, inseguranças e conflitos. Para Charles Burns, porém, tudo isso pode ser ainda mais assustador. Em Black Hole, graphic novel publicada originalmente em doze capítulos entre 1995 e 2005, o quadrinista norte-americano transforma as angústias da juventude em uma perturbadora história de horror corporal.

A trama se passa nos subúrbios de Seattle, durante a década de 1970, onde uma misteriosa doença sexualmente transmissível começa a atingir adolescentes. Suas consequências são imprevisíveis: os infectados desenvolvem mutações físicas que podem variar de pequenas deformações a alterações grotescas, capazes de tornar impossível uma convivência normal com o restante da sociedade.

Acompanhamos diferentes personagens, enquanto suas trajetórias se cruzam em meio a relacionamentos, descobertas sexuais, conflitos e tentativas de compreender o que está acontecendo. Aos poucos, os jovens contaminados passam a ser marginalizados e alguns acabam encontrando refúgio na floresta, afastados de uma sociedade que os rejeita.

A história funciona como uma metáfora bastante poderosa para a adolescência. Afinal, crescer significa experimentar mudanças que nem sempre conseguimos compreender ou controlar. O corpo se transforma, a sexualidade desperta, a identidade está em construção e a sensação de não pertencer a lugar algum pode ser sufocante. Burns simplesmente leva essas experiências ao extremo, transformando inseguranças e diferenças em deformações físicas.

Existe também uma interessante leitura sobre preconceito, exclusão e estigmatização. A doença fictícia inevitavelmente remete à epidemia de Aids e à maneira como pessoas infectadas foram tratadas durante décadas. Mais do que a contaminação em si, interessa ao autor mostrar como o medo do diferente pode transformar indivíduos em párias sociais.

Artisticamente, Black Hole é impressionante. Burns utiliza o preto e branco com domínio absoluto, construindo páginas de contrastes intensos, sombras profundas e desenhos extremamente detalhados. Seu traço combina uma precisão quase realista com situações que parecem saídas de um pesadelo. As mutações são particularmente perturbadoras. O grotesco faz parte da própria linguagem da história.

Outro aspecto interessante é a atmosfera. Sonhos, lembranças e acontecimentos inexplicáveis se misturam, criando uma narrativa que frequentemente parece escapar da lógica convencional. Existe algo de David Lynch nessa maneira de transformar ambientes cotidianos em espaços de estranhamento e ameaça. Burns não explica tudo, e essa escolha contribui para a personalidade da obra.

Black Hole também é uma HQ sobre solidão. A floresta, para onde alguns adolescentes infectados fogem, representa tanto a exclusão quanto a tentativa de encontrar um espaço onde possam existir sem precisar esconder suas diferenças. Mas abandonar a sociedade não significa deixar para trás os conflitos humanos. Desejo, ciúme, insegurança e disputas continuam presentes.

Publicada no Brasil originalmente em dois volumes pela Conrad, em 2007 e 2008, a obra ganhou uma edição integral pela Darkside em 2017. Com capa dura, 368 páginas em preto e branco e tradução de Daniel Pellizzari, o volume reúne toda a narrativa em uma apresentação editorial bastante caprichada. É uma publicação que faz justiça à importância do trabalho de Burns.

Black Hole é uma experiência de leitura desconfortável e às vezes perturbadora. Charles Burns utiliza o horror corporal para falar de sentimentos que todos conhecemos, ainda que em proporções muito diferentes das vividas por seus personagens. Sua grande realização está justamente nessa capacidade de fazer o grotesco funcionar como espelho das nossas próprias inseguranças.

Uma graphic novel visualmente extraordinária, narrativamente instigante e que permanece na cabeça do leitor depois que a última página termina. Um dos grandes trabalhos dos quadrinhos alternativos norte-americanos e uma leitura indispensável para quem deseja conhecer as possibilidades artísticas e narrativas da nona arte.

O Grande Vazio: quando ser esquecido significa deixar de existir (2023, Comix Zone)

2026-11-08T17:18:30.268-03:00

E se a sua existência dependesse da quantidade de pessoas que se lembram de você? E se deixar de ser mencionado, reconhecido ou lembrado significasse simplesmente desaparecer? Essa é a premissa de O Grande Vazio, graphic novel da quadrinista francesa Léa Murawiec, publicada no Brasil pela Comix Zone.

A história se passa em uma gigantesca metrópole onde a existência das pessoas está diretamente ligada à sua Presença, uma espécie de medida do quanto são lembradas pelos outros. Quanto mais alguém é mencionado, reconhecido e ocupa o pensamento coletivo, mais forte é sua Presença. Quando isso deixa de acontecer, a pessoa começa literalmente a desaparecer. Nesse mundo, ser esquecido significa morrer.

É nesse cenário que conhecemos Manel Naher, uma jovem que leva uma vida discreta e é apaixonada por livros. Sua rotina muda quando uma cantora começa a conquistar enorme popularidade. O detalhe é que as duas têm exatamente o mesmo nome. Com a atenção coletiva voltada para a celebridade, a Presença da protagonista começa a diminuir, colocando sua própria existência em risco.

A partir dessa situação inusitada, Murawiec constrói uma narrativa que funciona como uma reflexão sobre a sociedade contemporânea. A associação com as redes sociais é inevitável. Vivemos em uma época na qual a visibilidade se tornou uma espécie de moeda, a popularidade é frequentemente confundida com relevância e a necessidade de receber atenção parece ocupar um espaço cada vez maior na vida das pessoas. A autora leva essa lógica ao extremo e transforma a busca por reconhecimento em uma questão de sobrevivência.

Mas O Grande Vazio vai além de uma crítica ao comportamento nas redes sociais. A obra também fala sobre identidade, pertencimento, solidão e a necessidade de sermos reconhecidos por aquilo que somos. Afinal, quem somos quando ninguém está olhando? E quanto da nossa identidade depende da maneira como os outros nos enxergam?

Outro aspecto que merece destaque é o trabalho gráfico. Com formação em design e tipografia, Léa Murawiec demonstra uma personalidade artística impressionante. Sua representação da metrópole é grandiosa, com perspectivas exageradas, construções gigantescas e uma arquitetura que parece engolir os personagens. Os nomes se espalham pelas páginas, ocupam fachadas e se transformam em elementos da própria paisagem. A tipografia não está ali apenas para apresentar diálogos ou informações: ela faz parte da narrativa.

O desenho tem uma energia contagiante, com enquadramentos dinâmicos, personagens expressivos e uma utilização de cores que reforça a atmosfera particular daquele universo. Também é possível perceber influências dos mangás na movimentação das cenas e no ritmo da leitura. Tudo isso resulta em uma identidade visual muito própria, que transforma cada página em uma experiência bastante particular.

O Grande Vazio é uma HQ que chama a atenção pela criatividade de sua premissa, mas conquista principalmente pela maneira como transforma uma ideia aparentemente simples em uma reflexão sobre o nosso tempo. É uma história sobre a necessidade de existir aos olhos dos outros, contada em um universo visualmente fascinante e com uma identidade artística muito marcante.

Em uma sociedade na qual tanta gente parece empenhada em provar diariamente que existe, talvez a pergunta mais interessante seja justamente esta: precisamos mesmo ser vistos por todos para saber quem somos?

Kingzobullshitbackinfulleffect92 (1992): a ousadia do DeFalla, uma banda que estava muito à frente de seu tempo

2026-11-07T08:47:14.221-03:00

Kingzobullshitbackinfulleffect92, do DeFalla, é daqueles discos que conseguem reunir duas qualidades raras: envelhecer como um retrato de sua época e, ao mesmo tempo, continuar soando tão provocador quanto no momento em que chegou às lojas. Um dos trabalhos mais inventivos e particulares do rock brasileiro dos anos 1990, o álbum ganha, mais de três décadas depois, uma nova edição em CD, resultado da parceria entre a Cogumelo Records e a Voice Music. Uma oportunidade de redescobrir uma obra que merece muito mais atenção do que recebeu ao longo de sua trajetória.

Para entender a dimensão desse disco, é preciso lembrar o momento em que ele surgiu. O DeFalla nunca foi uma banda que respeitou fronteiras musicais. Formado em Porto Alegre, o grupo já havia demonstrado essa inquietação em seus trabalhos anteriores, mas foi em Kingzobullshitbackinfulleffect92 que a proposta ganhou uma dimensão verdadeiramente singular.

O ponto de partida foi a vontade de misturar tudo aquilo que fazia parte do universo musical de Edu K e seus companheiros. Hip-hop, funk, hardcore, metal, reggae, samba, música eletrônica e referências da cultura pop convivem em um álbum que parece não reconhecer qualquer limite criativo. A utilização de samples, colagens sonoras e batidas eletrônicas reforça essa sensação de liberdade. O resultado é uma música irreverente, imprevisível e absolutamente identificável.

Um detalhe importante para compreender a concepção do trabalho está na sua origem. A demo Megablasts From Hell, gravada em 1991, funcionou como um laboratório para as experiências que seriam desenvolvidas no álbum. As referências iam de Public Enemy e Beastie Boys a Dead Kennedys, The Doors, Rolling Stones, Tim Maia e Bad Brains. Essa diversidade ajuda a explicar por que o DeFalla conseguiu construir uma sonoridade tão própria.

A formação também contribuiu para essa transformação. A entrada de Marcelo Fornazier, o Fornazzo, na guitarra permitiu que Edu K concentrasse mais atenção nos vocais e na performance. Com a colaboração do produtor Vicente Rubino e o acesso a equipamentos de sampling, a banda encontrou ferramentas para levar suas ideias a um território ainda mais experimental.

O resultado é um disco que não se acomoda. Há momentos em que o DeFalla parece uma banda de hardcore, em outros assume uma identidade próxima do hip-hop, enquanto determinadas passagens apontam para o funk e a música brasileira. Tudo acontece com naturalidade dentro da lógica particular do grupo, que transforma essa aparente falta de direção em sua maior virtude.

Também é interessante observar que a edição original em vinil tinha uma organização conceitual própria, com uma divisão entre os dois lados do disco. O primeiro privilegiava as bases eletrônicas, os samples e as experimentações, enquanto o segundo apresentava uma sonoridade mais orgânica, com maior presença dos instrumentos tocados pela banda.

A versão em CD lançada pela Cogumelo em 1993 apresentou mudanças significativas. Além de reorganizar o repertório, incorporou remixes, alterações nos arranjos, vinhetas e novas gravações, ampliando o total de 21 para 24 faixas. Ou seja, as duas edições representam experiências diferentes, algo especialmente interessante para quem acompanha a discografia do grupo e gosta de conhecer as particularidades de cada lançamento.

Essa liberdade musical também ajuda a entender a importância histórica de Kingzobullshitbackinfulleffect92. O álbum antecipou caminhos que ganhariam maior visibilidade no rock brasileiro ao longo dos anos 1990, especialmente a aproximação entre guitarras pesadas, hip-hop e música brasileira. Não por acaso, o DeFalla é frequentemente lembrado quando se fala das influências que ajudaram a moldar a sonoridade de bandas como Planet Hemp e outros nomes que exploraram essas possibilidades.

A apresentação do grupo no Hollywood Rock de 1993, dividindo a programação com Nirvana, Alice in Chains, Red Hot Chili Peppers e L7, também ajudou a consolidar a imagem de uma banda que não tinha absolutamente nenhum interesse em se comportar de maneira previsível. A performance de Edu K, com sua irreverência e seu comportamento provocador, era parte inseparável daquela identidade.

Mas o mais interessante é que o álbum não precisa ser ouvido apenas como um precursor de movimentos que viriam depois. Ele funciona muito bem por seus próprios méritos. Existe personalidade em abundância, senso de humor, criatividade e uma disposição genuína para experimentar. É um disco que não se importa em agradar a todos, e justamente por isso que continua tão interessante.

A nova edição de 2026, lançada pela Cogumelo Records em parceria com a Voice Music, acrescenta mais um capítulo a essa história. A remasterização ficou a cargo de Fabio Golfetti, músico e produtor conhecido por seu trabalho com o Violeta de Outono e o Gong. O lançamento também recupera quatro gravações inéditas realizadas em 1992: "The MFK", "Gitcha", "Me Bike" e "Luv Iz da Dope". Outro detalhe interessante é o novo material gráfico, desenvolvido pelo próprio Edu K. A presença de quatro gravações que permaneceram guardadas por mais de três décadas torna a edição especialmente atraente, tanto para quem já conhece o álbum quanto para quem está tendo seu primeiro contato com ele.

Kingzobullshitbackinfulleffect92 é um retrato de uma banda inquieta, criativa e disposta a experimentar quando boa parte do cenário musical ainda procurava entender os caminhos que o rock seguiria durante a década de 1990. É uma obra que merece ser redescoberta, ouvida sem preconceitos e, principalmente, apreciada pela liberdade que representa.

Para quem coleciona discos e se interessa pela história do rock brasileiro, esta nova edição é uma oportunidade especialmente bem-vinda de reencontrar um dos trabalhos mais originais de sua geração.

Holy Land (1996): 30 anos de um clássico do metal brasileiro

2026-11-02T20:09:55.683-03:00

Existem discos que representam um momento importante na carreira de uma banda. E existem aqueles que definem tudo o que ela poderia ser. Holy Land, segundo álbum do Angra, pertence à segunda categoria.

Lançado em março de 1996, o disco encontrou Andre Matos, Kiko Loureiro, Rafael Bittencourt, Luis Mariutti e Ricardo Confessori dispostos a ir além da fórmula de Angels Cry (1993). Depois de conquistar reconhecimento internacional, o Angra voltou os olhos para o próprio país e decidiu transformar a história do Brasil em matéria-prima para sua música.

Composto após meses de trabalho no interior de São Paulo, Holy Land aborda a chegada dos portugueses e o choque entre diferentes culturas sem funcionar como uma simples narrativa histórica. Natureza, espiritualidade, colonização e identidade aparecem traduzidas em uma música que mistura power metal, elementos progressivos, música clássica e ritmos brasileiros.

E é justamente aí que o álbum encontra sua força. Percussões, flautas, berimbau, coros e outros elementos brasileiros não aparecem como enfeites: estão incorporados às composições. "Nothing to Say", "Silence and Distance", "The Shaman" e a faixa-título mostram essa combinação, enquanto "Carolina IV" resume toda a ambição do projeto. Com mais de dez minutos, a faixa reúne mudanças de andamento, guitarras, vocais, percussão e arranjos progressivos em uma das grandes composições da carreira do Angra.

Se Angels Cry apresentou uma banda extraordinariamente talentosa, Holy Land apresentou uma identidade. Trinta anos depois, essa identidade continua intacta. A edição comemorativa de 2026, lançada pela Voice Music, traz áudio remasterizado e material gráfico renovado, incluindo fotografias inéditas e pôster. Para os colecionadores, a grande novidade é o vinil: Holy Land chega oficialmente ao formato pela primeira vez, em edição dupla, com capa gatefold e versões limitadas em azul e vermelho.

Holy Land não é apenas um disco de power metal com elementos brasileiros. É o momento em que o Angra descobriu que poderia transformar suas referências em identidade. Trinta anos depois, essa descoberta continua soando extraordinariamente bem.

Sargento Kirk - Edição Definitiva Vol. 1: a força de Oesterheld e Hugo Pratt antes de O Eternauta e Corto Maltese (2026, Pipoca & Nanquim)

2026-11-02T20:03:49.705-03:00

Existe algo especialmente interessante em revisitar os primeiros trabalhos de grandes artistas dos quadrinhos. Além de encontrar histórias que muitas vezes permaneceram distantes do público brasileiro, temos a oportunidade de acompanhar o desenvolvimento de uma linguagem artística e reconhecer elementos que, mais tarde, se tornariam marcas registradas de seus criadores. É justamente esse um dos grandes atrativos de Sargento Kirk: Edição Definitiva, publicação da Pipoca & Nanquim que resgata uma das primeiras colaborações entre Héctor Germán Oesterheld e Hugo Pratt.

Publicado originalmente a partir de 1953, na revista argentina Misterix, Sargento Kirk apresenta um western que se afasta de algumas das convenções mais tradicionais do gênero. Seu protagonista é um militar norte-americano que, depois de testemunhar a violência praticada contra indígenas, decide abandonar o Exército e seguir um caminho próprio. A partir dessa escolha, Kirk passa a viver em um território marcado por conflitos, injustiças e disputas, sempre orientado por um senso de justiça que o coloca em oposição às estruturas de poder estabelecidas.

A premissa já revela muito da personalidade de Héctor Oesterheld. Um dos maiores roteiristas da história dos quadrinhos argentinos, o autor de O Eternauta nunca se limitou a construir aventuras sustentadas apenas pela ação. Seus personagens carregam conflitos morais, contradições e motivações humanas que dão profundidade às histórias. Em Sargento Kirk, essa característica aparece na maneira como o roteirista questiona o imaginário tradicional do faroeste, especialmente na representação dos povos indígenas e na discussão sobre violência, preconceito e opressão.

Do outro lado dessa parceria está Hugo Pratt, cujo trabalho artístico já apresenta características que seriam desenvolvidas e aperfeiçoadas ao longo de sua carreira. Seu desenho em preto e branco, a expressividade dos personagens, os enquadramentos cinematográficos e a construção dos cenários ajudam a estabelecer a atmosfera das aventuras. É particularmente interessante observar esse momento de sua trajetória, anterior à criação de Corto Maltese, quando o artista ainda estava desenvolvendo uma identidade visual que posteriormente o tornaria um dos nomes mais reconhecidos da nona arte.

A combinação entre os dois funciona muito bem. Oesterheld oferece uma narrativa que ultrapassa os limites da aventura convencional, enquanto Pratt encontra soluções visuais que valorizam tanto os momentos de ação quanto os intervalos mais contemplativos. O resultado é uma série que tem importância histórica, mas que também encontra sustentação na própria qualidade das histórias.

A edição brasileira reúne 548 páginas em capa dura, formato grande e impressão em preto e branco. O material inclui um prefácio de Paulo Eduardo Ramos e uma entrevista concedida por Oesterheld em 1976, documentos que ajudam a contextualizar a obra e conhecer melhor o pensamento de seu roteirista. A coleção será completada por um segundo volume.

Há ainda uma dimensão histórica inevitável quando falamos de Oesterheld. Sequestrado e assassinado pela ditadura militar argentina, assim como suas quatro filhas, o escritor deixou uma obra marcada pela defesa da liberdade, pela solidariedade e pelo questionamento das injustiças. Conhecer seus trabalhos também significa entrar em contato com uma trajetória artística e humana extraordinária.

Sargento Kirk: Edição Definitiva é uma publicação importante para quem acompanha a história dos quadrinhos e deseja conhecer melhor a trajetória de dois artistas fundamentais. Uma oportunidade de descobrir uma aventura que, mesmo depois de tantas décadas, conserva personalidade, relevância temática e muito a oferecer aos leitores.

Drome: uma HQ que desafia a maneira de contar histórias (2026, QS Comics)

2026-11-01T21:24:08.257-03:00

Drome, de Jesse Lonergan, é uma daquelas histórias em quadrinhos que lembram por que ainda vale a pena falar em linguagem dos quadrinhos. Não apenas em boas histórias contadas através de desenhos, mas em obras que exploram aquilo que existe de particular na relação entre imagem, sequência, espaço e movimento.

Publicada originalmente nos Estados Unidos em 2025 e lançada no Brasil pela QS Comics, Drome acompanha uma espécie de mito de criação. A humanidade surge em um mundo ainda marcado pelo vazio e rapidamente revela sua natureza violenta. Para tentar controlar esse comportamento, uma poderosa semideusa é criada e enviada à Terra. A partir daí, Lonergan constrói uma narrativa que atravessa guerras, amor, morte, poder e civilização.

A premissa tem algo de primordial, quase como uma lenda perdida entre a mitologia e a ficção científica. Mas é na maneira de contar essa história que Drome realmente se destaca.

Lonergan utiliza pouco texto e, em vários momentos, nenhum. Quadros, cores, linhas de movimento e composição conduzem o leitor. Os acontecimentos não são explicados o tempo inteiro: precisam ser observados, interpretados e conectados. A página deixa de ser apenas o lugar onde a história está impressa e passa a fazer parte da própria narrativa.

O autor brinca com diferentes formatos de quadros e estruturas de página, criando ritmo, velocidade e sensação de movimento. Em determinadas sequências, elementos parecem atravessar os limites dos quadros, enquanto a composição conduz nosso olhar de maneira quase física.

As referências a Moebius e Jack Kirby fazem sentido, mas Drome não homenageia simplesmente seus antecessores. Lonergan utiliza influências da ficção científica, da fantasia e dos quadrinhos clássicos para construir uma experiência própria.

A história é relativamente simples e alguns mistérios permanecem sem explicação. E essa é sua grande força. A HQ não tenta apenas contar uma história: ela investiga o que os quadrinhos conseguem fazer.

O reconhecimento veio naturalmente. Drome venceu o Eisner de Melhor Álbum Gráfico – Novo em 2026 e também recebeu o Ignatz Award de Melhor História. Mais importante que os prêmios, porém, é a experiência proporcionada pelo livro.

Drome é uma HQ para ser observada com calma, relida e descoberta aos poucos. Uma obra em que Jesse Lonergan transforma a página em parte essencial da narrativa.

Trata-se de uma história que não precisa explicar por que os quadrinhos são uma linguagem tão particular. Ele simplesmente mostra tudo o que eles ainda são capazes de fazer.

Bedside Manners Are Extra (1973): Greenslade, um tesouro escondido do rock progressivo britânico

2026-11-01T21:14:44.004-03:00

Existe uma quantidade enorme de grandes discos do rock progressivo britânico dos anos 1970 que acabou ficando à sombra dos gigantes do gênero. Bedside Manners Are Extra, segundo álbum do Greenslade, é um deles. Lançado originalmente em 1973, o disco retorna agora ao mercado brasileiro em uma edição em CD da Melômano Discos, mais de cinco décadas depois de seu lançamento.

Formado por Dave Greenslade (teclados), Dave Lawson (vocais e teclados), Tony Reeves (baixo) e Andrew McCulloch (bateria), o Greenslade tinha uma característica que já o diferenciava de praticamente todas as bandas progressivas de sua época: não havia guitarrista. E o mais interessante é que a ausência nunca parece um problema. Pelo contrário, ela é justamente uma das razões que tornam sua música tão particular.

Com dois tecladistas ocupando diferentes espaços dentro dos arranjos, a banda construiu uma sonoridade que transita pelo rock progressivo, jazz, blues e psicodelia, mas sem se prender completamente a nenhum desses caminhos. O resultado é sofisticado, porém surpreendentemente orgânico. Gravado em apenas nove dias no Morgan Studios, em Londres, Bedside Manners Are Extra preserva uma sensação quase ao vivo, com os quatro músicos interagindo de maneira constante.

A faixa-título já apresenta esse universo, enquanto "Pilgrim's Progress" mostra a capacidade do grupo de equilibrar complexidade e melodia. "Time to Dream" diminui o ritmo e cria um momento mais contemplativo, e "Drum Folk", com quase nove minutos, coloca Andrew McCulloch no centro de uma das melhores performances instrumentais do álbum. Na segunda metade, "Sunkissed You're Not" e "Chalkhill" ampliam ainda mais a influência jazzística do grupo.

Também é impossível ignorar a capa de Roger Dean, um dos grandes responsáveis pela identidade visual do rock progressivo. A imagem fantástica combina perfeitamente com uma música que parece existir em algum lugar entre o rock, o jazz e a imaginação psicodélica dos anos 1970.

Bedside Manners Are Extra não é um disco que compete com Close to the Edge, Selling England by the Pound ou The Dark Side of the Moon. Sua força está justamente em outro lugar: é um álbum de uma banda talentosa que encontrou uma identidade própria e nunca precisou seguir exatamente as regras do gênero.

A edição brasileira da Melômano Discos tem ainda um significado especial para os colecionadores. O álbum nunca havia recebido uma edição nacional em CD e chega agora remasterizado, com encarte de 12 páginas e OBI, recuperando para o mercado brasileiro uma peça importante — e relativamente pouco conhecida — do progressivo britânico.

Para quem já percorreu os caminhos mais conhecidos do gênero, o Greenslade é uma excelente descoberta. E Bedside Manners Are Extra é provavelmente o melhor lugar para começar.

Kaijumax - Volume 1: monstros gigantes, dramas humanos (2026, Cyberpulp Comix)

2026-11-01T21:09:12.369-03:00

E se Godzilla fosse parar em uma prisão de segurança máxima? A premissa de Kaijumax parece saída de uma conversa de bar entre fãs de tokusatsu, mas Zander Cannon transforma a ideia em algo muito mais interessante do que uma simples brincadeira com monstros gigantes.

Publicada no Brasil pela Cyberpulp Comix, esta edição reúne as duas primeiras temporadas da série criada por Cannon, totalizando 320 páginas. O cenário é uma penitenciária construída especialmente para kaijus, onde criaturas gigantes dividem celas, estabelecem hierarquias, enfrentam abusos e tentam sobreviver às regras de um sistema tão violento e corrupto quanto aquele encontrado em qualquer presídio humano.

No centro da primeira temporada está Electrogor, um monstro separado da família e jogado em um ambiente completamente desconhecido. A partir dele, Cannon constrói uma história sobre paternidade, violência, preconceito, corrupção, desigualdade e sobrevivência. O mais curioso é perceber como tudo isso funciona sem que a HQ deixe de ser divertida e repleta de referências ao universo dos monstros japoneses.

É justamente esse equilíbrio que faz Kaijumax funcionar tão bem. O desenho de Cannon é colorido, expressivo e frequentemente engraçado, enquanto a narrativa aborda temas bastante pesados. Há espaço para situações absurdas, criaturas bizarras e referências ao tokusatsu, mas também para momentos genuinamente emocionantes.

A grande sacada está em fazer com que monstros deixem de ser apenas monstros. Eles têm famílias, medos, vícios, traumas e relações complexas. Depois de algumas páginas, a gente já não está mais interessado apenas em saber qual criatura vai enfrentar qual outra. Queremos saber o que acontecerá com aqueles personagens.

Kaijumax é uma daquelas HQs que parecem uma coisa na capa e revelam outra completamente diferente quando começamos a ler. A ideia de “monstros na prisão” é apenas a porta de entrada para uma história surpreendentemente humana.

Uma ótima descoberta da Cyberpulp e uma prova de que, às vezes, as premissas mais absurdas podem esconder quadrinhos muito bons.

Ritual (2002): a estreia do Shaman, grandiosa, mística e muito além do Angra

2026-10-30T06:15:28.192-03:00

Quando Andre Matos, Luís Mariutti e Ricardo Confessori deixaram o Angra, em 2000, a expectativa em torno do que fariam a seguir era enorme. Não era apenas o nascimento de uma nova banda, mas a continuidade de uma das formações mais importantes da história do metal brasileiro. Ao lado do guitarrista Hugo Mariutti, os três músicos formaram o Shaman e, dois anos depois, apresentaram Ritual, um álbum que poderia facilmente ter seguido pelo caminho mais óbvio. Em vez disso, a banda decidiu construir uma identidade própria.

Ritual (2002) preserva a base do power metal melódico que aqueles músicos ajudaram a consolidar, mas amplia consideravelmente esse universo. Elementos de música clássica, instrumentos étnicos, percussões tribais, coros e atmosferas místicas aparecem ao longo do disco, criando uma sonoridade grandiosa sem fazer o álbum parecer simplesmente uma continuação do Angra.

A produção de Sascha Paeth contribui muito para isso. O alemão, então um dos principais nomes por trás da sonoridade do metal melódico europeu, ajudou a transformar as ambições do Shaman em um disco poderoso e detalhado. A presença de convidados como Derek Sherinian, Marcus Viana, Tobias Sammet e o próprio Sascha Paeth também reforça a dimensão internacional do projeto.

"Here I Am" é uma abertura perfeita para apresentar essa nova fase de Andre Matos. A voz continua impressionante, mas existe uma segurança diferente na interpretação, enquanto a banda encontra espaço para explorar novas texturas. "Distant Thunder" e "For Tomorrow" seguem por caminhos igualmente fortes, equilibrando peso, melodia e arranjos elaborados.

"Fairy Tale" acabou se tornando a música mais conhecida do álbum graças à inclusão na trilha sonora da novela O Beijo do Vampiro, levando o Shaman a um público muito maior. A exposição poderia ter transformado a banda em um fenômeno passageiro, mas Ritual tinha substância suficiente para sobreviver muito além daquele momento.

"Over Your Head" é uma das faixas que melhor representam a proposta do disco, incorporando elementos pouco comuns ao power metal, enquanto "Ritual", a faixa-título, funciona como o grande mergulho no conceito do álbum. A ideia de Andre de construir o trabalho como um livro, com cada música representando um capítulo, fica evidente na forma como as faixas se conectam e criam uma atmosfera própria.

É um álbum grandioso, por vezes excessivo, com todas as características que tornavam o metal melódico do início dos anos 2000 tão exuberante. Mas existe convicção por trás desse excesso. As orquestrações, os elementos tribais e a temática mística não parecem acessórios colocados para enfeitar as músicas. Eles fazem parte da identidade que a banda estava tentando construir.

Ritual permanece como um dos grandes discos do metal brasileiro. Não apenas pela história envolvendo seus integrantes, pelo sucesso comercial ou pelo impacto de "Fairy Tale", mas porque conseguiu transformar uma situação potencialmente limitadora — o fim de uma formação histórica — em ponto de partida para algo novo.

O Shaman não conseguiu escapar da sombra do Angra, e provavelmente nunca conseguiria. Mas em Ritual também não tentou. Preferiu acender a própria fogueira e criar seu próprio ritual. E é justamente por isso que o disco continua tão especial.

Em 2026, Ritual também ganhou uma nova edição em CD pela Voice Music, com áudio remasterizado, slipcase, OBI, material fotográfico e pôster. É uma ótima oportunidade de colocar novamente esse clássico do metal brasileiro na estante, agora em uma apresentação caprichada e atualizada. Além disso, é uma forma de manter disponível um álbum que ajudou a definir uma geração do metal nacional e que, mais de duas décadas depois, continua merecendo ser ouvido e descoberto.

We’ve Come for You All (2003): a força do Anthrax na era John Bush

2026-10-29T06:40:04.572-03:00

We’ve Come for You All (2003) representa um dos momentos mais interessantes da fase de John Bush no Anthrax. Depois de cinco anos sem apresentar um álbum de estúdio, a banda retornou com um trabalho que recupera parte da agressividade de seus clássicos, mantém a sonoridade mais moderna desenvolvida durante os anos 1990 e mostra que ainda havia bastante combustível no tanque.

O intervalo entre Volume 8: The Threat Is Real (1998) e este disco foi marcado por dificuldades com gravadoras, mudanças na indústria musical e um cenário pouco favorável ao thrash metal tradicional. O Anthrax precisava reafirmar sua relevância, mas não fazia sentido tentar reproduzir Among the Living (1987) mais de quinze anos depois. A solução foi olhar para a própria trajetória e reunir diferentes elementos de sua identidade em um álbum que soa pesado, contemporâneo e bastante diversificado.

A formação traz John Bush nos vocais, Scott Ian na guitarra, Frank Bello no baixo e Charlie Benante na bateria, com Rob Caggiano assumindo a segunda guitarra. Sua presença é um dos diferenciais do trabalho. Depois de anos sem um guitarrista solo fixo, o Anthrax recupera a dinâmica de duas guitarras, com Caggiano acrescentando solos melódicos e uma abordagem que combina muito bem com os riffs de Scott Ian.

A abertura com “Contact” e “What Doesn’t Die” estabelece imediatamente as intenções do grupo. A segunda é uma declaração de princípios: riffs musculosos, velocidade, refrão marcante e a interpretação rasgada de Bush, que se mostra perfeitamente à vontade diante de um repertório que exige tanto agressividade quanto melodia. É uma das melhores composições do disco e uma demonstração de que o Anthrax não havia perdido a capacidade de criar faixas de impacto.

“Superhero” mantém a intensidade, enquanto “Refuse to Be Denied” está entre os grandes momentos do álbum. O groove, as mudanças de andamento e a combinação entre peso e dinamismo evidenciam uma banda que aprendeu a incorporar elementos mais modernos sem abandonar suas raízes. Scott Ian continua sendo um dos grandes arquitetos do thrash metal, mas aqui trabalha com uma abordagem que vai além da velocidade e da precisão características do estilo.

Essa diversidade aparece de maneira ainda mais evidente em “Safe Home”. Com uma construção melódica e um refrão amplo, a música representa o lado mais acessível do Anthrax e foi escolhida como single. É também um dos pontos que podem dividir opiniões. Sua estrutura se aproxima de tendências do rock pesado daquele período e se distancia da irreverência dos clássicos dos anos 1980. Ainda assim, a interpretação de Bush funciona muito bem, e a faixa demonstra que a banda não queria se limitar a uma única fórmula.

“Any Place but Here” parte de uma introdução mais delicada antes de ganhar peso, enquanto “Nobody Knows Anything” aposta em riffs densos e uma bateria particularmente agressiva de Charlie Benante. Já “Think About an End” explora uma sonoridade mais próxima do metal alternativo, reforçando a disposição do grupo para dialogar com outras vertentes sem perder a própria identidade.

Um dos momentos mais surpreendentes é “Black Dahlia”, que flerta com o death metal e utiliza blast beats, algo pouco habitual na discografia do Anthrax. A faixa evidencia que a banda ainda estava disposta a experimentar, mesmo depois de mais de duas décadas de carreira. Em vez de apostar exclusivamente na nostalgia, o grupo incorpora novas possibilidades ao seu vocabulário musical.

As participações especiais também merecem destaque. Dimebag Darrell, do Pantera, aparece em “Strap It On” e “Cadillac Rock Box”, acrescentando sua personalidade aos solos. A segunda é especialmente interessante por explorar um hard rock descontraído, com um balanço que foge da atmosfera predominantemente pesada do álbum. Já “Taking the Music Back” conta com Roger Daltrey, vocalista do The Who, em uma colaboração inusitada que aproxima gerações diferentes do rock.

A faixa-título encerra o álbum reafirmando o espírito de resistência que atravessa o disco. O título funciona como uma declaração de intenções de uma banda que enfrentou dificuldades, atravessou mudanças e permaneceu ativa em um período no qual o thrash metal estava longe de ocupar o centro das atenções comerciais.

A produção favorece essa proposta. O som é encorpado, as guitarras têm presença e a bateria de Benante ganha o destaque necessário sem comprometer a clareza do conjunto. O resultado é um álbum que combina a agressividade tradicional do Anthrax com o peso e o groove desenvolvidos durante a era Bush. Nem todas as composições possuem a mesma força, e alguns momentos poderiam ser mais concisos, mas a variedade do repertório impede que o trabalho se torne previsível.

A capa de Alex Ross, conhecido por seu trabalho nos quadrinhos de super-heróis, também merece menção. Sua estética combina com a proposta do álbum e estabelece uma conexão visual interessante entre o universo dos quadrinhos e o imaginário do heavy metal

Embora não tenha alcançado grande sucesso comercial, We’ve Come for You All recebeu avaliações positivas de diversas publicações especializadas. Com o passar do tempo, o disco ganhou importância como um dos trabalhos mais consistentes da fase John Bush e como um registro que ajudou a preparar o terreno para o renascimento artístico que viria com Worship Music (2011). Este seria o último álbum de estúdio do Anthrax com Bush nos vocais. O retorno de Joey Belladonna aconteceria nos anos seguintes, abrindo outro capítulo na trajetória do grupo.

We’ve Come for You All não tem a relevância histórica de Among the Living nem a mesma força de composição de Sound of White Noise (1993). Tampouco reproduz a personalidade irreverente que tornou o Anthrax uma das bandas mais singulares do thrash metal oitentista. Seu mérito está em mostrar uma banda veterana que compreendeu as transformações pelas quais passou e encontrou uma maneira convincente de seguir em frente.

Em 2003, o Anthrax ainda tinha riffs poderosos, boas ideias e disposição para experimentar. E isso, por si só, já faz de We’ve Come for You All um capítulo importante de sua discografia.

Ultimate X-Men: os mutantes entram no século XXI (2026, Panini)

2026-10-28T07:19:11.708-03:00

Reinventar personagens com décadas de história nas costas é sempre uma tarefa delicada. Quando a Marvel criou o Universo Ultimate no início dos anos 2000, porém, essa era justamente a proposta: pegar seus principais personagens, deixar de lado a continuidade acumulada ao longo de décadas e apresentá-los para uma nova geração de leitores. Depois do sucesso de Ultimate Homem-Aranha, chegou a vez dos X-Men.

Publicado originalmente em seis edições entre 2001 e 2002, Ultimate X-Men: O Povo do Amanhã retorna como o segundo volume da Ultimate Collection da Panini, e coloca Mark Millar no comando da nova versão dos mutantes, com Adam Kubert e Andy Kubert cuidando da arte. O resultado é uma história que olha para conceitos conhecidos e os reorganiza de maneira mais direta, moderna e, sobretudo, cinematográfica.

Charles Xavier reúne um grupo de jovens mutantes para enfrentar Magneto e sua Irmandade, enquanto o governo americano responde ao surgimento dos mutantes com a criação dos Sentinelas. Só que quase tudo ao redor dessa estrutura foi remodelado. Wolverine é apresentado como um personagem muito mais ambíguo, Colossus possui uma ligação com o crime organizado, Tempestade tem um passado nas ruas e Xavier está longe de ser apenas o professor benevolente que conhecemos.

Era necessário imaginar como esses personagens poderiam existir se estivessem surgindo pela primeira vez no começo do século XXI. O preconceito contra os mutantes ganha uma dimensão política mais evidente, os Sentinelas assumem características de uma resposta militar do Estado e Magneto aparece desde cedo como uma ameaça de proporções gigantescas.

Em apenas seis edições, temos recrutamento, traições, ataques terroristas, perseguições, Sentinelas, Wolverine, Magneto, a Irmandade e um confronto final de grandes proporções. É muita coisa, e essa velocidade é ao mesmo tempo uma das qualidades e uma das limitações da HQ.

Millar escreve como quem imagina uma produção de Hollywood. As cenas são construídas para causar impacto, os diálogos são rápidos e os acontecimentos se sucedem sem muita pausa para contemplação. Os X-Men estão constantemente em movimento. Isso torna a leitura extremamente fluida, mas também significa que alguns personagens e relações acabam recebendo menos desenvolvimento do que poderiam.

Wolverine é um bom exemplo. Sua presença acrescenta uma camada de desconfiança à equipe, especialmente pela missão que o leva até Xavier. O personagem funciona muito bem nessa versão porque ainda não está totalmente estabelecido como herói. Ele é perigoso, imprevisível e capaz de tomar decisões que colocam todos ao seu redor em risco.

O mesmo vale para Magneto. Em vez de construir lentamente sua relação com Xavier, Millar apresenta desde o começo um personagem radical, disposto a transformar a questão mutante em um conflito aberto com a humanidade. É uma interpretação mais agressiva e menos filosófica do vilão, perfeitamente alinhada ao tom que a história pretende estabelecer.

Adam Kubert consegue dar aos personagens uma aparência contemporânea sem descaracterizá-los, ao mesmo tempo em que transforma as batalhas em grandes espetáculos visuais. Wolverine, em particular, ganha uma presença física impressionante, enquanto os Sentinelas parecem realmente representar uma ameaça gigantesca.

O trabalho visual também ajuda a estabelecer uma diferença importante em relação aos X-Men tradicionais. Esses personagens parecem mais jovens, mais vulneráveis e menos preparados para aquilo que estão enfrentando. Não são ainda os veteranos que conhecemos de décadas de histórias. São pessoas descobrindo seus poderes e tentando entender o lugar que ocupam em um mundo que tem medo delas.

É interessante também perceber como O Povo do Amanhã carrega o espírito do começo dos anos 2000. O interesse por terrorismo, respostas militares, conspirações governamentais e ameaças em escala global está presente o tempo inteiro. A Marvel queria criar uma versão dos X-Men que conversasse com o público daquele momento, e Millar não esconde essa intenção.

A função desse arco era apresentar uma nova porta de entrada para os X-Men. E nisso ele é extremamente eficiente. Você não precisa conhecer décadas de histórias anteriores para entender quem são Xavier, Magneto, Wolverine, Jean, Scott e os demais. A mitologia está ali, mas foi reorganizada de forma que um leitor que nunca tenha aberto uma revista dos X-Men consiga entrar nesse universo imediatamente.

É justamente essa característica que faz O Povo do Amanhã permanecer interessante mais de duas décadas depois. A história pode não ter a mesma densidade de algumas das grandes sagas da fase clássica, mas sua importância está em outro lugar. Ela mostra uma Marvel disposta a desmontar personagens consagrados e reconstruí-los para um novo público. E funcionou.

Ultimate X-Men ajudou a consolidar o Universo Ultimate e abriu caminho para outras reinvenções ainda mais ambiciosas da Marvel. O próprio estilo de Mark Millar aqui — acelerado, violento, cinematográfico e focado em produzir grandes momentos — seria desenvolvido posteriormente em trabalhos como Os Supremos.

O Povo do Amanhã é um começo. Não é a versão definitiva dos X-Men, tampouco pretende substituir a riqueza construída ao longo de décadas de histórias. É uma experiência de reinvenção. Uma tentativa de responder à pergunta sobre como os X-Men poderiam funcionar se fossem apresentados ao mundo naquele momento, praticamente do zero.

Mais de vinte anos depois, algumas de suas escolhas parecem datadas, outras continuam surpreendentemente eficazes. Mas a energia permanece. Mark Millar e Adam Kubert entenderam que, para fazer o leitor acreditar novamente nos X-Men, era preciso devolver a eles aquilo que existe no coração de qualquer boa história de super-heróis: personagens reconhecíveis, conflitos claros, grandes perigos e a sensação de que qualquer coisa pode acontecer na próxima página.

E, para uma primeira aventura, isso já é bastante.

Ultimate Homem-Aranha: a reinvenção de um clássico (2026, Panini)

2026-10-26T06:59:05.521-03:00

Recontar a origem do Homem-Aranha sem cair na repetição não é uma tarefa simples. Afinal, a história de Peter Parker é uma das mais conhecidas dos quadrinhos. Em 2000, quando Brian Michael Bendis e Mark Bagley receberam a missão de reconstruí-la para o recém-criado Universo Ultimate da Marvel, a solução encontrada foi menos radical do que poderia parecer: em vez de transformar Peter em outra pessoa, os autores deram mais espaço para desenvolver aquilo que sempre fez do personagem alguém especial.

O primeiro volume da Ultimate Collection, publicado pela Panini, reúne as sete primeiras edições de Ultimate Homem-Aranha no arco Poder e Responsabilidade. A história revisita a origem do herói sob uma nova perspectiva, explorando a adolescência de Peter Parker, seus conflitos familiares, suas inseguranças e as descobertas de um garoto que ainda está tentando encontrar seu lugar no mundo.

A principal diferença em relação à história original de Stan Lee e Steve Ditko está no ritmo. Com mais espaço para desenvolver os acontecimentos, Bendis acompanha Peter antes e depois da picada da aranha, mostrando como os novos poderes afetam sua rotina e sua maneira de enxergar a si mesmo. Inicialmente, eles representam uma oportunidade de ganhar dinheiro, conquistar reconhecimento e finalmente deixar de ser o garoto constantemente humilhado pelos colegas. A responsabilidade, como sabemos, vem depois.

Peter não se transforma imediatamente no herói que conhecemos. Ele experimenta, comete erros e toma decisões impulsivas, comportando-se como o adolescente que realmente é. A morte do Tio Ben ganha peso porque a narrativa dedica tempo à construção dessa relação, tornando a tragédia parte de um processo de amadurecimento, e não apenas o acontecimento necessário para dar origem ao Homem-Aranha.

Primeiro vem o poder, e só depois a compreensão de que nossas escolhas produzem consequências. Bendis entende que o Homem-Aranha funciona melhor quando seus conflitos estão ligados a problemas humanos e reconhecíveis.

A reformulação também alcança Norman Osborn, cuja ligação com os experimentos responsáveis pelos poderes de Peter estabelece desde cedo uma conexão entre herói e vilão. A versão Ultimate do Duende Verde é mais brutal e monstruosa, reforçando o caráter ameaçador do confronto. Nesse processo, Mark Bagley tem papel fundamental. Seu desenho expressivo dá vida tanto às cenas cotidianas quanto à ação, construindo um Peter Parker convincente como adolescente e um Homem-Aranha ágil, dinâmico e cheio de personalidade.

Algumas características da ambientação denunciam os mais de 25 anos da publicação da história original, mas os conflitos de Peter continuam reconhecíveis: insegurança, bullying, dificuldades familiares, desejo de aceitação e a descoberta de que crescer significa aprender a lidar com as consequências dos próprios atos.

Ultimate Homem-Aranha foi concebido como uma porta de entrada para novos leitores, sem a necessidade de acompanhar décadas de continuidade da Marvel. O que começou como uma releitura da origem do herói se transformou em uma das séries mais importantes do Universo Ultimate, influenciando os rumos da editora e ajudando a preparar terreno para personagens como Miles Morales.

Poder e Responsabilidade não precisa superar a origem clássica para justificar sua existência. Sua conquista é mostrar que uma história conhecida pode ganhar nova vida quando seus personagens recebem espaço para respirar. Bendis não reinventou o Homem-Aranha mudando quem Peter Parker era. Fez isso devolvendo o personagem à adolescência.

Os poderes continuam sendo extraordinários, mas nunca foram o verdadeiro segredo do Homem-Aranha. O que torna Peter Parker tão especial é o garoto que precisa descobrir o que fazer com eles.

Giuseppe Bergman: Aventuras Completas 1980–2004: a obra mais inquieta e experimental de Milo Manara (2026, Pipoca & Nanquim)

2026-10-20T07:09:07.692-03:00

Poucos quadrinistas europeus conseguiram construir uma identidade visual tão reconhecível quanto Milo Manara. Conhecido principalmente por seus trabalhos eróticos, o artista italiano também desenvolveu uma produção que explora as possibilidades narrativas dos quadrinhos, mistura referências culturais e questiona os limites entre ficção e realidade. Giuseppe Bergman: Aventuras Completas 1980–2004, lançamento da Pipoca & Nanquim, permite acompanhar uma das experiências mais ambiciosas dessa trajetória em um único volume.

Criado no final dos anos 1970, Giuseppe Bergman é um personagem inquieto, insatisfeito com a rotina e disposto a abandonar a segurança do cotidiano em busca de experiências que deem sentido à existência. Essa premissa aparentemente simples serve de ponto de partida para uma sequência de aventuras que atravessa lugares exóticos, situações absurdas, referências históricas e artísticas e reflexões sobre a própria natureza dos quadrinhos.

A série também estabelece um diálogo direto com Hugo Pratt, criador de Corto Maltese e uma das principais influências de Manara. Essa relação aparece tanto na valorização da aventura como experiência de descoberta quanto na presença de um protagonista errante, que parece estar sempre procurando algo que não consegue definir completamente. A diferença é que Bergman frequentemente se vê envolvido em situações que desmontam as convenções do gênero e expõem os mecanismos da própria narrativa.

A metalinguagem é um dos grandes trunfos da obra. Manara brinca com a relação entre autor, personagem e leitor, rompe expectativas e transforma a aventura em um espaço de experimentação. Mitologia, literatura, cinema e história da arte surgem ao longo das histórias, ampliando as possibilidades de interpretação. Em determinados momentos, a narrativa parece deliberadamente caótica, como se o artista estivesse mais interessado em explorar caminhos inesperados do que em conduzir o leitor por uma trama convencional.

Essa liberdade criativa também pode ser um obstáculo. As mudanças de direção, as digressões e a mistura de registros nem sempre produzem uma leitura fluida. Quem procura uma aventura linear, com ritmo constante e objetivos bem definidos, pode se frustrar. O erotismo, marca conhecida da produção de Manara, também está presente, mas não resume a identidade da série.

Visualmente, o trabalho é um espetáculo. O domínio da anatomia, a expressividade dos personagens e a composição das páginas demonstram a capacidade de Manara de transformar o desenho em parte fundamental da narrativa. O destaque fica para Rever as Estrelas, história que aproxima os quadrinhos da tradição artística ocidental e evidencia a sofisticação de sua pesquisa visual.

A edição da Pipoca & Nanquim reúne as cinco grandes aventuras de Giuseppe Bergman em 580 páginas, com capa dura, tradução de Júlio Schneider e material complementar que inclui capas, estudos e imagens coloridas. É uma publicação que valoriza a obra e oferece ao leitor brasileiro a oportunidade de acompanhar sua evolução sem precisar recorrer a diferentes volumes.

Giuseppe Bergman: Aventuras Completas 1980–2004 é uma leitura recomendada para quem aprecia quadrinhos europeus autorais e artistas dispostos a experimentar. A série é uma investigação sobre liberdade, desejo e criação artística. Nem sempre organizada, nem sempre fácil, mas frequentemente fascinante, a obra revela um Milo Manara que merece ser conhecido para além dos limites de sua reputação como desenhista erótico.

Uma edição importante de uma obra inquieta, inventiva e fundamental para compreender a amplitude artística de Milo Manara.

Searching for the Light (1989): a ópera thrash da Dorsal Atlântica que retratou as contradições do Brasil

2026-10-16T07:19:34.411-03:00

Searching for the Light (1989) representa um dos momentos mais ambiciosos da trajetória da Dorsal Atlântica. Terceiro álbum da banda carioca, o disco leva adiante a inquietação artística de Carlos Lopes e transforma o thrash metal em veículo para uma reflexão sobre sociedade, poder e desigualdade. É o primeiro capítulo de uma obra conceitual que teria continuidade em Musical Guide from Stellium (1992) e Alea Jacta Est (1994).

A proposta era tão ousada que o projeto chegou a ser imaginado como uma caixa com três LPs. As limitações financeiras, porém, fizeram com que a ideia fosse dividida em três lançamentos. O resultado é uma espécie de ópera-thrash que utiliza uma narrativa distópica para abordar problemas profundamente enraizados na realidade brasileira até hoje. Violência, corrupção, manipulação e estruturas hierárquicas de poder formam o cenário de uma sociedade em busca de alguma possibilidade de transformação.

A ironia de "Hierarchic Democracy" sintetiza bem essa perspectiva. Em vez de recorrer às temáticas fantásticas e ocultistas comuns no metal da época, a Dorsal Atlântica volta seu olhar para questões políticas e sociais. Mesmo cantadas em inglês, as composições carregam uma identidade que dialoga diretamente com o Brasil e suas contradições.

Em termos musicais, Searching for the Light também escapa das convenções. O thrash metal continua sendo a base, mas a banda incorpora passagens técnicas, mudanças de andamento e elementos progressivos que tornam a audição menos previsível. Faixas como "Misery Spreads" e "History Starts (To Take a Route)" demonstram essa disposição para explorar estruturas mais elaboradas, enquanto "Gathered Prisoners", com apenas 34 segundos, funciona como um breve interlúdio na narrativa.

A ambição conceitual e a abordagem musical pouco convencional ajudam a explicar por que o álbum ocupa um lugar particular na discografia do grupo. Não é um trabalho necessariamente imediato, daqueles que revelam todas as suas qualidades na primeira audição. Sua força está na combinação entre música, narrativa e comentário social, exigindo que o ouvinte preste atenção ao conjunto.

Searching for the Light permanece como um registro singular do metal brasileiro dos anos 1980. Ao apostar em uma obra que ultrapassava os limites do formato tradicional do gênero, a Dorsal Atlântica reafirmou sua personalidade e abriu caminho para os capítulos seguintes de sua trilogia. Décadas depois, os temas abordados continuam perturbadoramente familiares, dando novo significado à busca pela luz anunciada no título.

O álbum foi relançado pela Voice Music em CD slipcase com três faixas bônus ao vivo e pôster.

On the Shortness of Life (2026): Hibria chega aos 30 anos sem viver à sombra do próprio passado

2026-10-14T06:44:22.425-03:00

Chegar aos 30 anos de carreira sem ficar preso ao próprio passado é um desafio para qualquer banda. O Hibria conhece bem essa questão. Formado em Porto Alegre, em 1996, o grupo construiu uma reputação internacional com seu power metal veloz, técnico e repleto de passagens instrumentais elaboradas, especialmente a partir de Defying the Rules (2004). Três décadas depois, On the Shortness of Life apresenta uma banda renovada, que preserva parte de sua essência enquanto procura novos caminhos.

O álbum também marca a estreia de uma nova formação, com Abel Camargo e Vicente Telles nas guitarras, Benhur Lima no baixo, William Schuck na bateria e Ângelo Parisotto nos vocais. O retorno de Benhur, que participou de Blind Ride (2011) e Silent Revenge (2013), reforça a conexão com uma das fases mais celebradas do grupo. Já Parisotto assume a difícil tarefa de ocupar o posto de vocalista depois de diferentes mudanças de formação e de uma trajetória marcada pela presença de Iuri Sanson.

A diferença aparece logo nas primeiras músicas. “Undying” e “Fire Away” recuperam a velocidade, os riffs cortantes e o virtuosismo que fizeram a fama do Hibria, mas a sonoridade é mais pesada e moderna. Os vocais de Parisotto também seguem outra direção. Em vez de reproduzir os agudos característicos de Sanson, o cantor aposta em uma interpretação mais áspera, agressiva e teatral. É uma escolha que combina com o material, embora possa causar estranhamento em quem espera encontrar a banda de duas décadas atrás.

“Pulse” explora bases mais cadenciadas e variações rítmicas, enquanto “Persist” recupera parte da urgência das primeiras faixas. Em “Melting Alive”, o baixo de Benhur ganha destaque em meio às mudanças de andamento e às guitarras de Abel Camargo e Telles. Já “Against the Wall”, com seus mais de seis minutos, amplia o espaço para passagens instrumentais e duelos de solos. São momentos que demonstram como a precisão técnica continua sendo um dos principais trunfos do grupo, mesmo com a incorporação de elementos que o afastam do power metal mais tradicional.

A principal aposta, porém, está no encerramento. Com 17 minutos, “On the Shortness of Life” é uma suíte dividida em cinco partes, intituladas “Adiaphora”, “Prohairesis”, “Apatheia”, “Ataraxia” e “Eudaimonia”. Os termos remetem ao estoicismo e ao pensamento do filósofo romano Sêneca, autor de Sobre a Brevidade da Vida, obra que inspira o conceito do álbum. A composição alterna passagens progressivas, momentos de maior velocidade e trechos que privilegiam a construção atmosférica. Ambiciosa, funciona como síntese das diferentes facetas exploradas ao longo do disco, ainda que sua duração exija disposição do ouvinte.

A escolha do conceito faz sentido para uma banda que atravessou três décadas, mudanças de integrantes e transformações musicais. A reflexão sobre o tempo, as escolhas e a maneira como conduzimos nossa existência também pode ser interpretada como uma declaração de princípios: o Hibria não pretende viver apenas das conquistas do passado.

Isso não significa que todas as mudanças funcionem igualmente bem. Algumas passagens perdem impacto quando as estruturas se tornam previsíveis, e a nova abordagem vocal nem sempre alcança a mesma força das melhores intervenções instrumentais. O disco também não apresenta a mesma uniformidade de seu momento mais inspirado, alternando composições bastante eficientes com outras que demoram a encontrar uma identidade própria. Ainda assim, On the Shortness of Life merece atenção pelo que representa. O Hibria preserva a competência técnica que o colocou entre os nomes mais respeitados do metal brasileiro e demonstra disposição para experimentar, mesmo sabendo que parte do público preferiria uma volta às origens.

Não é uma tentativa de repetir Defying the Rules, tampouco uma renúncia completa ao passado. É o registro de uma banda que, aos 30 anos, procura entender quem é agora. E, diante de uma carreira marcada por tantas transformações, essa talvez seja a decisão mais coerente com a própria ideia que sustenta o álbum: o tempo é limitado demais para passar a vida inteira tentando ser aquilo que já fomos.

A Obsolescência Programada dos Nossos Sentimentos: uma história que mostra que envelhecer não significa deixar de viver (2026, Pipoca & Nanquim)

2026-10-13T07:54:27.640-03:00

A Obsolescência Programada dos Nossos Sentimentos, de Zidrou e Aimée de Jongh, coloca no centro da história uma situação pouco explorada nos quadrinhos: o que acontece quando duas pessoas que já passaram dos 60 anos se apaixonam? A resposta poderia resultar em uma história romântica convencional, apenas trocando personagens jovens por protagonistas mais velhos. Mas a HQ publicada pela Pipoca & Nanquim vai além ao usar esse relacionamento para discutir envelhecimento, solidão, desejo, luto e a maneira como a sociedade determina, muitas vezes, quando uma pessoa deveria deixar de desejar, sonhar e experimentar coisas novas.

Ulisses tem 59 anos, é viúvo e trabalhou durante décadas como carregador em uma empresa de mudanças. Quando perde o emprego, também perde uma parte importante da rotina e da identidade que construiu ao longo da vida. Mediterrânea, de 61 anos, administra uma queijaria familiar e acaba de perder a mãe, depois de acompanhá-la durante uma longa doença. Os dois vivem momentos diferentes de suas vidas, mas compartilham uma sensação semelhante: a de que estão se tornando invisíveis.

É nesse contexto que eles se encontram e começam uma relação que envolve atração, sexo, insegurança e descoberta. E esse é um dos maiores méritos de Zidrou: ele não transforma seus protagonistas em caricaturas de pessoas idosas nem trata o desejo na maturidade como algo engraçado ou inadequado. Ulisses e Mediterrânea continuam sendo um homem e uma mulher com vontades, fantasias, medos e necessidades afetivas. Eles não deixaram de ser pessoas porque envelheceram.

O título funciona justamente como uma provocação. A obsolescência programada é um conceito associado a objetos fabricados para se tornarem ultrapassados ou deixarem de funcionar depois de determinado período. Zidrou transporta essa ideia para os seres humanos e questiona uma sociedade que valoriza juventude, produtividade e aparência a ponto de fazer com que pessoas mais velhas sintam que suas vidas já deveriam estar entrando na fase final.

Aimée de Jongh potencializa essa discussão com um desenho expressivo, especialmente nos rostos e corpos dos personagens. Rugas, marcas e transformações físicas não são escondidas nem suavizadas. O envelhecimento está presente na própria aparência de Ulisses e Mediterrânea, e isso torna ainda mais significativa a maneira como a artista representa a atração entre os dois.

A primeira metade da história é particularmente forte ao construir a solidão dos protagonistas e a delicadeza de sua aproximação. No trecho final, Zidrou abandona parte desse realismo e conduz a história para uma solução mais próxima da fábula, uma escolha que pode soar excessivamente sentimental e menos convincente para quem estava envolvido com o tom mais naturalista apresentado anteriormente.

Ainda assim, A Obsolescência Programada dos Nossos Sentimentos encontra sua força em uma pergunta que permanece depois da leitura: existe mesmo uma idade em que devemos considerar determinados sentimentos obsoletos? Ao falar de duas pessoas que se apaixonam quando aparentemente já deveriam estar pensando apenas em envelhecer, a HQ lembra que o tempo pode transformar o corpo, a rotina e as circunstâncias, mas não necessariamente elimina nossa capacidade de desejar, amar e recomeçar.

Muito além do que uma história de amor na terceira idade, é uma obra sobre o direito de continuar vivendo plenamente quando a sociedade começa a nos tratar como se já estivéssemos fora do prazo.

Cesta Básica (1996): Warner resgata capítulo importante da história dos Raimundos

2026-10-13T06:28:37.970-03:00

Depois de conquistar o público com o álbum de estreia, em 1994, e ampliar seu alcance com Lavô Tá Novo (1995), os Raimundos aproveitaram o momento de popularidade para apresentar um lançamento que fugia do formato convencional. Cesta Básica (1996) chegou ao mercado em uma caixa que reunia CD, VHS com bastidores e apresentações e uma história em quadrinhos desenhada por Angeli. Três décadas depois, a Warner recupera o disco em uma edição em CD slipcase, devolvendo às lojas um registro interessante de uma das fases mais fortes do rock brasileiro dos anos 1990.

O CD reúne dez faixas que transitam entre músicas inéditas, releituras, remix e gravações ao vivo. A diversidade do material é justamente o que define sua personalidade, mas também impede que o trabalho tenha a unidade de um álbum de estúdio convencional. Cesta Básica funciona melhor como um retrato dos Raimundos naquele momento, documentando diferentes aspectos da identidade musical que transformou a banda em um fenômeno.

Entre os destaques estão as três primeiras músicas. "Infeliz Natal" recupera uma composição ligada aos Filhos de Menguele, antiga banda de Digão, e apresenta uma visão crítica e pouco convencional das celebrações natalinas. "A Sua", por sua vez, é uma composição do guitarrista que já existia desde o início dos anos 1990. Com sua estrutura direta e melódica, a faixa evidencia a influência dos Ramones sobre o grupo. Já "Papeau Nuky Doe", composta em 1996, representa a novidade mais evidente do repertório e mantém a combinação de irreverência, energia e humor que caracterizava os Raimundos.

As duas releituras internacionais reforçam as referências que moldaram o som do quarteto. "Merry Christmas (I Don't Want to Fight Tonight)", dos Ramones, encontra afinidade natural com a abordagem dos brasileiros, enquanto "Bodies", dos Sex Pistols, puxa o repertório para o punk mais agressivo. São escolhas coerentes com a formação musical da banda e com a atitude que marcou seus primeiros trabalhos.

"Puteiro em João Pessoa" aparece em uma versão remixada de uma das músicas mais conhecidas do disco de estreia. A faixa funciona como uma ponte entre o passado recente do grupo e a proposta de oferecer algo diferente aos fãs. As quatro gravações ao vivo, registradas durante o Hollywood Rock de 1996, completam o repertório com "Esporrei na Manivela", "Bê a Bá", "Cajueiro" e "Palhas do Coqueiro". Nelas, a energia das apresentações ganha espaço e reforça a força de um repertório que já havia conquistado seu lugar nos shows.

O relançamento em slipcase tem valor sobretudo por recolocar em circulação um título que ajuda a compreender a trajetória dos Raimundos entre Lavô Tá Novo (1995) e Lapadas do Povo (1997). Não é o disco mais essencial para quem procura apenas as grandes composições da banda, mas tem interesse histórico e musical para quem deseja conhecer melhor aquele período. Para colecionadores, a nova edição também oferece uma oportunidade de incorporar o repertório à coleção sem precisar encontrar a caixa original, que incluía os materiais complementares e é difícil de ser encontrada em bom estado nos dias atuais.

Cesta Básica é um documento de uma banda no auge de sua ascensão, ainda fiel às raízes punk e hardcore e consciente da força que havia conquistado no rock nacional. Trinta anos depois, o CD continua valendo pela energia das gravações, pelas releituras certeiras e pela possibilidade de revisitar uma fase em que os Raimundos ocupavam um lugar central na música brasileira.

Rever Paris: é possível sentir saudade de um lugar onde nunca estivemos? (2026, QS Comics)

2026-10-12T10:40:58.012-03:00

Rever Paris, de Benoît Peeters e François Schuiten, parte de uma ideia tão simples quanto fascinante: como é possível sentir saudade de um lugar onde nunca estivemos? É a partir dessa contradição que a primeira obra da dupla responsável por As Cidades Obscuras publicada no Brasil constrói uma história de ficção científica que fala menos sobre o futuro do que sobre a maneira como inventamos o passado.

Estamos em 2156. Kârinh nasceu na Arca, uma colônia espacial formada por descendentes de pessoas que abandonaram a Terra. Ela nunca esteve no planeta, mas passou a vida fascinada por Paris, cidade que conhece através de livros, imagens e registros antigos. Quando finalmente parte em direção à Terra, leva consigo uma ideia de Paris construída inteiramente pela imaginação. O problema é que a cidade que ela sonhou não existe e talvez nunca tenha existido daquela maneira.

É nesse ponto que Rever Paris encontra seu melhor tema: a diferença entre conhecer um lugar e conhecer a imagem que construímos dele. Kârinh não sente exatamente nostalgia. Ela sente nostalgia de uma memória que herdou. Sua Paris é formada por monumentos, fotografias, desenhos, projetos arquitetônicos e fantasias de diferentes épocas, misturados até que realidade e imaginação se tornem indistinguíveis. A própria ideia de “rever” Paris ganha um sentido irônico: para Kârinh, trata-se de ver pela primeira vez aquilo que ela acredita já conhecer.

Peeters e Schuiten transformam essa questão em uma reflexão sobre as cidades e nossa relação com elas. A arquitetura nunca funciona apenas como cenário nas obras da dupla. Em Rever Paris, ela é praticamente uma personagem. Schuiten imagina uma capital em que diferentes tempos parecem coexistir, combinando referências históricas, projetos arquitetônicos que nunca saíram do papel e uma visão retrofuturista profundamente marcada pelo imaginário de artistas como Albert Robida. O resultado é uma Paris simultaneamente familiar e impossível, reconhecível e estranha.

Artisticamente, a HQ é extraordinária. Schuiten desenha edifícios, monumentos, máquinas e espaços urbanos com uma precisão que transforma cada página em uma espécie de projeto arquitetônico de uma cidade que não existe. É justamente aí que a obra encontra sua maior força: você não apenas lê sobre aquela Paris, mas tem a sensação de percorrê-la junto com Kârinh.

A narrativa, porém, não acompanha sempre a mesma potência. O roteiro de Peeters é deliberadamente misterioso e revela suas informações aos poucos, mas algumas passagens parecem mais focadas em conduzir o leitor de uma imagem monumental à seguinte do que em aprofundar seus personagens. Kârinh é uma figura interessante como conceito, mas sua personalidade por vezes fica em segundo plano diante da cidade que está descobrindo. É como se Schuiten, fascinado pela própria Paris que criou, acabasse roubando a cena do roteiro.

E talvez isso seja menos um problema do que uma característica inevitável de uma obra como esta. Rever Paris é, acima de tudo, uma história sobre o poder das imagens. Sobre como fotografias, livros, monumentos e relatos podem construir uma cidade dentro da nossa cabeça e sobre a inevitável decepção quando o lugar real não corresponde àquilo que imaginamos. No fundo, Kârinh não está apenas procurando Paris: ela está procurando uma versão ideal de um lugar que possa finalmente chamar de seu. E é justamente aí que a HQ deixa de ser apenas uma ficção científica arquitetônica e se transforma em algo mais universal: uma história sobre pertencimento, memória e a nossa permanente vontade de encontrar, em algum lugar, aquilo que já construímos dentro de nós.

Rever Paris talvez não tenha um roteiro tão memorável quanto a arquitetura de Schuiten, mas poucas HQs conseguem transformar uma cidade em objeto de desejo, memória e fantasia com tamanha beleza. Ao terminar a leitura, fica uma pergunta incômoda: quando sonhamos com um lugar que nunca conhecemos, estamos desejando aquele lugar ou a versão dele que inventamos para nós mesmos?

A edição da QS Comics vem em capa dura, formato europeu e papel especialmente escolhido pelos autores. A parte final inclui diversos textos sobre a história de Paris e as transformações arquitetônicas que a cidade vivenciou ao longos dos séculos, um complemente que deixa a leitura ainda mais completa.

Renato Russo: 30 anos sem a voz que marcou o rock brasileiro

2026-10-11T10:54:34.295-03:00

Em 11 de outubro de 1996, o rock brasileiro perdeu Renato Russo. Ele tinha apenas 36 anos e uma carreira que, embora relativamente curta, havia sido suficiente para transformar a música popular brasileira e estabelecer a Legião Urbana como uma das bandas mais importantes da história do país. Trinta anos depois, suas músicas continuam sendo cantadas, regravadas, descobertas por novas gerações e, principalmente, utilizadas para dizer aquilo que muitas pessoas não conseguem colocar em palavras.

Renato Manfredini Júnior nasceu no Rio de Janeiro em 27 de março de 1960, mas foi em Brasília que encontrou o ambiente que moldaria sua personalidade e sua música. Ainda adolescente, passou por uma grave doença óssea que o deixou durante longo período sem poder se locomover. Foi nessa fase que começou a escrever compulsivamente, desenvolvendo a relação com a palavra que mais tarde se tornaria uma de suas principais ferramentas artísticas.

Em 1978, aos 18 anos, formou o Aborto Elétrico, ao lado de Fê Lemos e André Pretorius. A banda ajudou a criar a cena punk de Brasília e funcionou como laboratório para um compositor que ainda estava descobrindo sua própria voz. "Que País É Este", "Conexão Amazônica", "Tédio (Com Um T Bem Grande Pra Você)" e outras músicas nasceram naquele período. Algumas seriam posteriormente gravadas pela Legião Urbana, enquanto outras chegaram ao repertório do Capital Inicial.

O Aborto Elétrico terminou em 1982, mas Renato não demoraria a encontrar seu próximo caminho. Ao lado de Marcelo Bonfá, iniciou a formação da Legião Urbana. Dado Villa-Lobos assumiria posteriormente a guitarra e completaria o núcleo que levaria a banda ao sucesso nacional. O baixista Renato Rocha chegaria para completar a formação. A indicação de Herbert Vianna e Bi Ribeiro ajudou a colocar uma fita demo do grupo nas mãos da EMI-Odeon, que contratou a banda.

O primeiro álbum, Legião Urbana, chegou em 1985 e imediatamente apresentou um compositor diferente do padrão que predominava no rock brasileiro. "Será", "Ainda É Cedo", "Geração Coca-Cola", "Soldados" e "Por Enquanto" tinham a energia do rock, mas suas letras iam muito além da rebeldia juvenil. Renato escrevia sobre política, relações afetivas, violência, solidão, religião, amizade, família e a sensação de não encontrar seu lugar no mundo. Essa combinação seria decisiva.

O rock brasileiro dos anos 1980 estava profundamente ligado à redemocratização do país. Bandas como Legião Urbana, Titãs, Paralamas do Sucesso, Barão Vermelho, Engenheiros do Hawaii e muitas outras encontraram uma geração que queria falar depois de anos de censura e repressão. Renato, porém, conseguiu algo particularmente difícil: transformar questões políticas e sociais em experiências pessoais.

Dois, de 1986, ampliou enormemente esse alcance. "Tempo Perdido", "Eduardo e Mônica", "Índios", "Quase Sem Querer" e "Daniel na Cova dos Leões" demonstravam que Renato não precisava escolher entre o discurso social e a intimidade. Podia falar de uma geração inteira em uma música e, na seguinte, entrar diretamente em um relacionamento amoroso ou em uma crise existencial. Essa capacidade de transitar entre o coletivo e o individual talvez seja o maior segredo de sua permanência.

Em Que País É Este, de 1987, a Legião recuperou músicas do período do Aborto Elétrico e apresentou "Faroeste Caboclo", uma narrativa de quase dez minutos que transformou a história de João de Santo Cristo em uma espécie de épico popular brasileiro. Em As Quatro Estações (1989), Renato já havia ampliado ainda mais seu universo. "Há Tempos", "Pais e Filhos", "Quando o Sol Bater na Janela do Teu Quarto", "Meninos e Meninas" e "1965 (Duas Tribos)" revelavam um compositor cada vez mais interessado nas contradições da existência.

A Legião Urbana deixou de ser apenas uma banda de rock, e Renato Russo deixou de ser apenas um cantor. Ele se tornou uma espécie de cronista emocional do Brasil. Sua escrita combinava referências literárias, históricas, religiosas e políticas com uma linguagem acessível. Não havia necessidade de simplificar as ideias para alcançar o público. Renato podia falar de Shakespeare, Bíblia, filosofia, política, sexo ou solidão e transformar tudo isso em canções que adolescentes cantavam em coro. Essa é uma das razões pelas quais sua influência ultrapassou o próprio rock.

Renato também teve coragem de expor aspectos de sua vida pessoal em uma época muito menos tolerante do que a atual. Declarou-se homossexual publicamente no início dos anos 1990, em um país ainda profundamente marcado pelo preconceito e pelo medo provocado pela epidemia de AIDS. Sua sexualidade, seus relacionamentos, suas dúvidas espirituais e sua relação problemática com as drogas acabaram fazendo parte, de maneiras diferentes, da obra e da imagem pública do artista.

A carreira solo revelou outro lado de sua personalidade musical. The Stonewall Celebration Concert (1994) revisitou clássicos internacionais, enquanto Equilíbrio Distante (1995) mergulhou na música italiana e nas raízes familiares. Esses trabalhos ajudaram a mostrar que o universo musical de Renato era muito maior que o punk e o rock que haviam formado sua identidade artística.

Ao mesmo tempo, sua vida pessoal atravessava períodos extremamente difíceis. A dependência química, problemas emocionais e, posteriormente, as complicações relacionadas ao HIV marcaram seus últimos anos. Renato morreu em 11 de outubro de 1996, no Rio de Janeiro. A Legião Urbana ainda lançaria A Tempestade ou O Livro dos Dias, pouco antes de sua morte, e posteriormente Uma Outra Estação, em 1997.

O mais impressionante, porém, aconteceu depois: a obra não envelheceu. Três décadas depois, dados do Ecad mostram a dimensão dessa permanência: o catálogo de Renato Russo reúne centenas de obras e gravações, enquanto "Tempo Perdido" continua entre suas músicas mais executadas e é também uma das mais regravadas. Mas números não explicam completamente seu legado. Renato continua importante porque suas músicas não oferecem respostas fáceis. Elas fazem perguntas. "Que País É Este" continua funcionando porque o país ainda produz motivos para a indignação. "Pais e Filhos" permanece porque as relações familiares continuam sendo complexas. "Tempo Perdido" sobrevive porque a sensação de que estamos deixando a vida escapar continua universal. "Perfeição" permanece desconfortavelmente atual porque sua crítica à sociedade brasileira ainda encontra eco.

Renato Russo não escrevia como alguém que estivesse acima dos problemas sobre os quais cantava. Ele estava dentro deles. Essa vulnerabilidade aproximava artista e público. Talvez seja justamente por isso que tantas pessoas tenham a sensação de que Renato Russo continua conversando diretamente com elas. Não importa se o ouvinte tinha 15 anos em 1985 ou nasceu depois de 1996. As perguntas continuam disponíveis, as inseguranças continuam reconhecíveis e as músicas continuam esperando o momento certo para dizer alguma coisa.

É comum falar de Renato Russo como "a voz de uma geração". A definição é correta, mas insuficiente. Ele foi a voz de uma geração que cresceu durante a abertura política e encontrou no rock uma forma de expressar aquilo que antes precisava ser silenciado. Só que suas canções acabaram ultrapassando aquele contexto porque nunca foram exclusivamente sobre os anos 1980. Esse é o seu maior legado para o rock brasileiro. Renato mostrou que uma música poderia ser popular sem ser superficial, política sem ser panfletária, romântica sem ser ingênua, literária sem ser inacessível e confessional sem ser pequena. Ele ajudou a provar que o rock poderia falar sobre o Brasil, mas também poderia falar sobre aquilo que existe dentro de cada brasileiro.

Trinta anos depois de sua morte, Renato Russo continua presente não apenas porque suas músicas são lembradas, mas porque ainda são necessárias. O tempo passou. A Legião Urbana acabou. A geração que acompanhou seu surgimento envelheceu. Outra geração nasceu e cresceu depois da morte de Renato. Mas quando os primeiros acordes de "Tempo Perdido" aparecem, quando alguém canta "Pais e Filhos" ou quando "Que País É Este" volta a ser entoada diante de uma nova crise brasileira, acontece algo que poucos artistas conseguem alcançar: Renato Russo volta a estar entre nós e não como nostalgia, mas como presente.

Frontier: uma ficção científica sobre os limites da humanidade (2026, Comix Zone)

2026-10-11T08:19:13.525-03:00

Frontier, de Guillaume Singelin, usa a ficção científica para discutir problemas muito mais próximos de nós do que seus planetas distantes, estações espaciais e naves podem sugerir. Em um futuro no qual a Terra teve seus recursos naturais praticamente esgotados, a humanidade se espalha pelo espaço em busca de novas fontes de matéria-prima. Nesse novo cenário, grandes corporações concentram poder e riqueza, enquanto trabalhadores e colonos enfrentam as consequências de um sistema que privilegia o lucro acima de tudo.

É nesse contexto que Singelin acompanha três personagens de origens distintas. Ji-Soo Park é uma cientista interessada nas possibilidades de descoberta oferecidas pelo espaço, Alex é um minerador que cresceu nesse novo mundo, enquanto Camina carrega as marcas de um passado como mercenária. O encontro entre os três conduz uma aventura que, embora tenha elementos clássicos da ficção científica espacial, aborda muito mais a relação entre as pessoas do que a tecnologia.

A força de Frontier está na maneira como transforma questões contemporâneas em parte orgânica de seu universo. Desigualdade social, precarização do trabalho, concentração econômica e degradação ambiental atravessam a narrativa sem que ela precise abandonar o ritmo de aventura. A humanidade avançou tecnologicamente, mas continua reproduzindo velhos problemas em territórios desconhecidos. Singelin, porém, não transforma a HQ em um manifesto pessimista. Há espaço para amizade, solidariedade, afeto e esperança. Seus protagonistas não são apenas instrumentos de uma discussão social: são indivíduos tentando encontrar algum sentido para suas vidas e um lugar ao qual possam pertencer.

Visualmente, a obra é ainda mais interessante. Singelin combina personagens de aparência quase caricatural, com formas arredondadas e expressões simpáticas, a cenários repletos de detalhes. Naves, equipamentos, estações espaciais e ambientes extraterrestres recebem uma quantidade impressionante de informação. O contraste funciona muito bem: a aparência quase infantil dos personagens contrasta com a dureza de um mundo marcado pela desigualdade e pela violência. O autor também demonstra habilidade ao construir esse universo sem transformar a narrativa em um catálogo de conceitos de ficção científica. A tecnologia desperta curiosidade, mas nunca se sobrepõe aos personagens. O espaço funciona menos como espetáculo e mais como cenário para conflitos essencialmente humanos.

A principal ressalva está no próprio potencial desse universo. Algumas ideias e personagens parecem capazes de sustentar desenvolvimentos mais profundos, e certos conflitos poderiam receber maior atenção. Em determinados momentos, fica a sensação de que a história poderia ir além do que efetivamente apresenta. Ainda assim, a riqueza visual e a construção desse mundo estimulam a imaginação, deixando a impressão de que há muito mais a descobrir para além das páginas.

Frontier é uma ficção científica sobre uma humanidade que avançou muito tecnologicamente sem evoluir na mesma proporção. Podemos construir estações espaciais e alcançar planetas distantes, mas continuaremos carregando nossos velhos problemas enquanto o lucro determinar o valor das coisas e das pessoas. A diferença é que Singelin não encerra essa reflexão em desespero. Em meio às contradições desse futuro, a solidariedade permanece como possibilidade de mudança. E talvez seja justamente essa a fronteira que realmente importa.

Visualmente exuberante, socialmente consciente e surpreendentemente humana, Frontier encontra na ficção científica uma maneira de refletir sobre o presente sem abrir mão da aventura e da esperança.

Harem End: uma sátira grotesca da indústria do entretenimento japonesa (2026, Pipoca & Nanquim)

2026-10-09T06:00:35.506-03:00

Harem End, de Shintaro Kago, parte de uma das fórmulas mais reconhecíveis da cultura pop japonesa para fazer exatamente o que se espera do autor: desmontá-la, distorcê-la e levá-la para um território em que romance, humor, erotismo e horror corporal passam a ocupar o mesmo espaço.

A premissa parece saída de uma comédia romântica convencional. Itou Seita, um universitário, passa a viver cercado por cinco garotas que representam praticamente um catálogo dos arquétipos dos mangás de harém: a amiga de infância, a tsundere, a noiva, a irmã mais nova e até uma garota que afirma ser uma alienígena. É o tipo de situação construída para alimentar a fantasia do protagonista masculino.

Só que estamos falando de Shintaro Kago. E a fantasia rapidamente começa a apodrecer. O grande mérito de Harem End está justamente em utilizar as convenções do gênero contra ele próprio. O leitor reconhece os personagens, as situações e a lógica daquele universo, mas Kago remove progressivamente o conforto proporcionado por esses clichês. O que normalmente seria apresentado como desejo passa a ser encarado pelo prisma do grotesco, da violência e do absurdo.

O ero-guro do autor não funciona apenas como provocação visual. Sangue, mutilações e transformações corporais fazem parte da linguagem usada para questionar uma indústria que transforma personagens, especialmente femininas, em produtos de consumo. Quanto mais a história avança, mais evidente fica que Kago está interessado em discutir os mecanismos que sustentam esse tipo de fantasia.

Isso fica ainda mais claro quando a narrativa passa a acompanhar Hirahara Aya, uma antiga dubladora que recebe a oportunidade de participar de uma misteriosa produção de anime. A partir daí, Harem End amplia seu alvo e começa a satirizar também a indústria de animação, os dubladores e a própria fabricação de personagens e histórias.

É nesse ponto que a obra se torna particularmente interessante. Kago cria uma espécie de jogo entre ficção e realidade, fazendo com que aquilo que acontece dentro da história dialogue com os processos responsáveis por construir esse tipo de entretenimento. A violência deixa de ser apenas uma ferramenta de choque e passa a funcionar como uma maneira de revelar o quanto existe de artificial na fantasia que estamos consumindo.

Nem tudo funciona com a mesma força. A excelente premissa perde parte do impacto conforme a história avança, e algumas soluções parecem mais focadas no absurdo por si só do que em desenvolver plenamente as ideias apresentadas. Para quem espera uma narrativa tão engenhosa quanto o conceito inicial sugere, o desfecho pode soar menos surpreendente do que o restante da jornada.

Ainda assim, Harem End é uma obra que encontra sua identidade justamente no desconforto. Kago não quer simplesmente contar uma história de harém diferente. Ele quer mostrar o que acontece quando os clichês desse gênero são retirados de seu contexto habitual e levados até suas últimas consequências.

A edição Pipoca & Nanquim traz ainda cinco histórias extras e representa mais uma oportunidade de conhecer a produção de um dos autores mais particulares do mangá contemporâneo.

Harem End não é necessariamente a obra mais sofisticada de Shintaro Kago, mas é uma demonstração bastante eficiente de sua capacidade de pegar algo familiar e transformá-lo em algo profundamente estranho. Entre o humor negro, o horror corporal e a sátira da cultura pop japonesa, o mangá encontra sua melhor qualidade justamente onde seus personagens encontram seu pior destino: na desconstrução de uma fantasia que parecia confortável demais.