Comic House Blog

Anatomia de uma queda - os 30 anos da Queda do Morcego

noreply@blogger.com (Lucas Freitas) — Mon, 14 Sep 2026 03:00:00 +0000

Uma breve retrospectiva sobre uma das sagas mais importantes da longa história do Batman

Arte de Kelley Jones para encadernado norte-americano da Queda do Morcego

Pois bem, como você já deve saber, setembro é o mês onde se é comemorado o Batman Day, e, assim sendo, a edição deste mês do Correio seguirá esse tema. Se dá última vez eu falei sobre uma das minhashistórias favoritas do Homem Morcego, hoje vou falar um pouco sobre aquela que, para mim, é uma das minhas sagas prediletas do personagem. E acredito que não estaria exagerando caso dissesse que ela também é um dos eventos mais importantes do mesmo. Afinal, mais de trinta anos depois, ainda conseguimos ver ecos e reverberações dessa fase nas histórias do personagem – e nas mais variadas mídias.

Mas de qual saga estou falando? Ora, nenhuma outra que não A Queda do Morcego.

Hoje, imagino que você deva conhecer esse nome por alguma das mídias que terminou adaptando a história, seja a animação lançada no presente ano, seja na adaptação “curiosa” realizada por Christopher Nolan em seu Cavaleiro das Trevas Ressurge (2012). No entanto, caso você ainda não a conheça, aqui vai uma breve recapitulação de todo o evento:

A história da Queda do Morcego

Durante os anos de 1993 e 1994, A Queda do Morcego foi um megaevento que provocou uma mudança gigantesca nos títulos do Batman. Dividida em 6 partes (A Queda, Quem Comanda a Noite, A Cruzada, A Busca, A Volta de Bruce Wayne, que inclui o arco Filho Pródigo, com uma breve participação de Dick Grayson, o primeiro Robin, como Batman), nela acompanhamos o surgimento de Bane, uma nova adição para a galeria de inimigos do Homem Morcego, que tem como objetivo derrotar o Cavaleiro das Trevas e dominar Gotham City. Diferente dos demais adversários do Batman, porém, Bane se dedica a estudar seu oponente, traçando um plano que irá desgastá-lo física e mentalmente antes de seu confronto final.

É movido por essa ideia que ele liberta os detentos do Asilo Arkham, forçando o Batman a uma sequência de embates que vão lhe drenando aos poucos. À isso, junta-se um fato bem interessante que é o desgaste mental e emocional que o personagem já vinha sofrendo há alguns anos. Pois, por mais que já que contasse com a ajuda de um novo Robin (Tim Drake), o peso da morte de seu antecessor (Jason Todd) ainda atormentava Bruce Wayne, de modo que, devido à periculosidade dos detentos, ele opta por seguir sozinho em sua jornada, recusando a ajuda de sua rede de apoio mais próxima. Além desse trauma, junta-se aqui o fato dessa história se passar pouco depois da morte do seu grande amigo, o Super-Homem, um outro fator que abala a mente do Cavaleiro das Trevas ao longo de toda essa saga.Por fim, quando consegue capturar todos os fugitivos, o Batman é emboscado por Bane, que havia deduzido a identidade secreta do herói. No confronto que se segue, um Batman exaurido é superado por um oponente com força sobre-humana que, após sua derrota, quebra a coluna do Homem Morcego, em uma das imagens mais famosas da iconografia moderna do Batman:

Momento de virada da Queda do Morcego, quando Bane quebra a coluna do Batman. Arte de Jim Aparo

Mas claro que isso é apenas uma parte da história.

Após a derrota do Batman, Gotham mergulha em uma espiral de caos à medida em que Bane passa a preencher a lacuna de poder provocada pelo sumiço do Homem Morcego. Assim, para impedir que a cidade mergulhe em uma situação ainda pior, Bruce decide que Jean-Paul Valley, o Azrael, será seu sucessor. O problema dessa escolha logo se torna aparente quando Jean-Paul passa a se comportar de modo cada vez mais instável e violento. Afinal, tendo sido criado como um experimento da Ordem de São Dumas (um grupo de extremistas religiosos) para ser um assassino adormecido, o jovem começa a ter crises entre suas novas obrigações e os comandos mentais da ordem, colocando seu papel de herói em risco.

Assim, por mais que consiga derrotar Bane e trazer um pouco de ordem à Gotham, o declínio mental de Jean-Paul começa a apresentar um Batman progressivamente mais violento e instável, que vai se afastando não só dos aliados tradicionais do personagem, como o Comissário Gordon e o Robin, como também da própria ideia do personagem em si, até, finalmente, em um combate contra o serial killer Abatedouro, deixar não só que o assassino morra, mas permitir, com isso, que uma vítima do mesmo, mantida em cativeiro em um local que apenas Abatedouro conhecida, morra também no processo.

Com a quebra da regra mais importante do Cavaleiro das Trevas, temos aqui um ponto de virada na saga, onde Bruce Wayne se vê forçado a retomar o manto de volta para si, confrontando Azrael no processo. Com a derrota de Jean-Paul, a ordem é reestabelecida, com o manto do morcego retornando para o Batman original, e encerrando, assim, a grande saga.

O dilema de abordagens da forma ao confronto físico quando Bruce Wayne volta para recuperar o manto do morcego. Arte de Graham Nolan

Bem, admito que possa ser muito para digerir em um primeiro momento, principalmente caso você não esteja familiarizado com o mundo dos mega-eventos de quadrinhos. Portanto, para dar uma ajuda, vamos nos focar aqui em um dos tópicos que sempre considerei como sendo o mais interessante da Queda do Morcego, que é o conceito por trás da história em si.

Porque, diferente dos sem fim de eventos que temos por aí, existiu, na Queda do Morcego, uma lógica e uma ideia por trás dos acontecimentos dessa saga. E para entendermos um pouco melhor isso, vamos precisar dar um pulo nos anos 1990, quando um novo tipo de personagem começa a ganhar popularidade no meio dos comics: o anti-herói.

Os Bastidores da Queda do Morcego:

Com as abordagens trazidas por autores da invasão britânica e dos próprios roteiristas norte-americanos, os anos 1990 vão ser testemunhadas de um período de grande liberdade em termos de narrativa, o que vai permitir que autores possam testar e forçar os limites do gênero, abordando temas até então pouco explorados, assim como trazer doses de violência progressivamente maiores para o meio.

Arte de Frank Miller para capa de O Cavaleiro das Trevas, grande marco do Batman nos anos 1980.

Aqui, vale citar os culpados de sempre, as obras Watchmen e O Cavaleiro das Trevas, que não só ampliaram as fronteiras até então reconhecidas para os comics, como também trouxeram uma parte do público leitor que já não conseguia mais se ver nos super-heróis tradicionais. A popularidade dessas obras, principalmente no âmbito comercial, deu um estímulo extra para que as editoras procurassem replicar o seu sucesso a partir da percepção de que histórias mais "adultas" poderiam atrair mais leitores, o que provocou uma pseudo-adultização narrativa que daria margem ao surigmento do boom dos anti-heróis.

Junto a tudo isso, os anos 1990 vão testemunhar uma mudança significativa no panorama cultural, com o fim da dicotomia que guiou os anos da Guerra Fria e um choque provocado pelas perspectivas de uma nova geração, a X, que providenciou uma visão de mundo mais cínica, e, com isso, um terreno fértil para o surgimento de uma reestruturação do arquétipo super heroico.

Agora, saem de cena a bondade ou o senso estrito de moral e justiça de personagens como Batman e Super-Homem, e entra em cena personagens mais propensos à violência, como Wolverine, Justiceiro, Motoqueiro Fantasma e Spawn, que, diferente dos seus antecessores, não tinham nenhum tipo de restrição com as regras de não matar ou o uso indiscriminado de violência. Apoiados por um arsenal de armas gigantescas, correntes e uma infinidade de pochetes, os anti-heróis começaram a inundar o mercado norte-americano e, diante dessa invasão, surgiu a pergunta: será que os antigos heróis ainda possuíam algum valor nesses tempos tão sombrios – e violentos?

Assim, é nesse contexto que a DC Comics, a detentora dos heróis mais "antigos" e "tradicionais", lança duas sagas para discutir essa questão, com a primeira sendo A Morte do Super-Homem, e a segunda, a nossa Queda do Morcego.

À direita, capa da conclusão da primeira fase da Morte do Super-Homem, publicada em Superman v2.#75 (1987), com arte de Dan Jurgens e Brett Breeding. À esquerda, capa da conclusão da primeira fase de A Queda do Morcego, publicada em Batman v1.#497 (1993), com arte de Kelley Jones e Bob LeRose

Enquanto que a Morte do Super-Homem realiza um estudo global sobre os impactos da figura do personagem sobre o mundo (um questionamento bastante adequado, visto ele ser o primeiro super-herói), assim como um estudo sobre os possíveis novos rumos que essa figura pode tomar na alvorada dessa nova era com seus possíveis quatro substitutos¹, A Queda do Morcego segue por um caminho um pouco diferente.

Ainda é, na verdade, um estudo sobre o papel e o impacto do personagem, mas antes, é um estudo sobre o personagem em si. Veja bem, assim como o Super-Homem, o Batman surge de uma época relativamente "mais simples", e vai sendo construindo em torno de uma série de padrões éticos e morais que, nos anos 1990, pareciam não se encaixar no novo cenário de heróis hiperviolentos. Assim, era inevitável que surgisse a pergunta: "Mas qual a relevância do Batman hoje?"

De fato, como o próprio editor Dennis O'Neil (1939-2020) diria em uma entrevista ao Mr.Media sobre a Queda do Morcego:

Ficamos pensando por muito tempo se nossos heróis estavam fora de moda, se a regra de que nossos personagens não podiam matar ainda valia. Então, em vez de continuarmos evitando a questão, resolvemos enfrentá-la e colocar no mundo um Batman que fosse genuinamente maluco." (Morcelli; Pereira; Sarmento, 2015, p.33)

Assim, é a partir dessa premissa que o lendário roteirista, à época o editor responsável pelos Bat-títulos, reuniu as equipes criativas por trás das revistas do Morcego para que, juntos, pudessem desenvolver uma resposta para aquela questão, que assumirá a forma de A Queda do Morcego.

O Sucessor do Morcego é...Azrael?

Capa da primeira edição de A Espada de Azrael, minissérie que introduziu o personagem
no universo doBatman. Arte de Joe Quesada e Kevin Nowlan

Uma vez que com isso em mente, fica bastante clara a resposta para um questionamento que sempre atormentou o fandom do Batman ao se falar na Queda do Morcego. Pois, se ele tinha o Asa Noturna (vulgo primeiro Robin) como opção, porque diabos ele escolheu o Azrael, um estranho recém-chegado para assumir o manto?

Por uma questão de contraste narrativo.

Partindo do princípio que Azrael era um personagem novo, a equipe tinha liberdade para moldá-lo de acordo com a sua própria ideia. Aliado à isso o fato de que O'Neil sempre imaginou o personagem como sendo um vilão (idem), temos aqui o ponto perfeito para a discussão proposta.

E essa discussão começa bem cedo. Pois, ao mostrar um Bruce Wayne frágil e exausto, a Queda do Morcego já apresenta na saída um conceito chave do Batman: sua humanidade. Por mais que se apresente como uma criatura das trevas, o personagem é um herói extremamente humano, sendo justamente esse um dos seus pontos de diálogo com o Super-Homem, por exemplo. Seus medos, traumas e ansiedades, aqui constroem um retrato bem vívido do peso que é ser o Batman, uma responsabilidade que ele carrega sem pensar duas vezes. Já Azrael, por sua vez, entra como um representante de uma nova ideia, uma criatura que age de acordo com um sistema rígido, sem espaço para nuances ou diferenciações, muito menos emoções.

Com a saída de cena do Batman original, Azrael ganha liberdade para reconstruir a imagem do Batman ao seu bel prazer, em um processo que vai aproximando o personagem dessa nova pegada narrativa dos anos 1990. O primeiro vislumbre dessa guinada se dá no campo estético, com as alterações que ele faz na roupa do Batman que, primeiro ganha uma manopla com garras:

A primeira alteração do Bat-traje realizado por Azrael, a inserção de garras e uma luva, bem de acordo com a estética radical e extrema dos anos 1990. Arte de Jim Aparo

Para depois se tornar uma verdadeira armadura de combate, carregada com espinhos, capas gigantescas, polchetes e todos os elementos que gritam anos 90 aos olhos do leitor:

A Armadura do novo Batman. Acredito que essa arte seja de Norm Breyfogle, mas não consegui determinar com 100% de certeza

Essa aproximação estética com cultura visual dos comics dos anos 1990, foi apenas o primeiro passo. Pois, em pouco tempo, o novo Batman passou a adotar o código ideológico da sua época, agindo de modo cada vez mais violento, como já comentei acima.

Assim, à medida em que A Queda do Morcego avança e Azrael vai ganhando mais liberdade sobre a imagem do Batman, o mesmo realiza uma destruição do ideal do Cavaleiro das Trevas, se convertendo, assim, no verdadeiro vilão da Saga. E é esse pulo do gato que muita gente termina deixando de lado.

Afinal, por mais que Bane se apresente como uma grande ameaça, e por mais que realize um ato que quase nenhum outro vilão foi capaz de fazer antes ou depois, será Azrael, o escolhido para suceder o Batman, o verdadeiro antagonista de toda A Queda do Morcego, sendo ele o responsável por causar o maior dano ao herói, visto que ataca diretamente as ideias que são seu alicerce principal, e batendo de frente com todos os conceitos e ideias que permeavam o mercado nos anos 1990. Pois, desprovido de sua humanidade e código moral, o Batman se revela um ser pouco diferente dos criminosos e vilões que enfrenta, perdendo, assim, não só sua identidade de herói, mas aquela capacidade de inspirar esperança e força ao povo de Gotham.

Tanto é que, no encerramento da saga, o Batman procede com um verdadeiro desmonte dessa imagem construída por Azrael, visto que, em seu confronto final , o Cavaleiro das Trevas guia seu oponente rumo a um túnel estreito onde, para avançar, ele precisa ir se livrando sua armadura. Quando finalmente apenas o elmo permanece, Jean-Paul é envolvido por uma rajada luminosa que o cega, ao mesmo tempo em que nos revela a presença do verdadeiro herói.

Essa sequência, que inclusive tem ecos de A Última Caçada de Kraven, serve aqui não só como uma demonstração da perícia e conhecimento de Bruce Wayne sobre seu QG, mas, na verdade, como uma comprovação final, tanto para Azrael quanto para o leitor, daquilo que A Queda do Morcego se propôs a discutir: de que não é a roupa ou o equipamento os responsáveis pelo herói, mas antes, algo maior que isso. Ou, para retornar à entrevista do Dennis O'Neil:

(...) [A Queda do Morcego] Serviu para provar que nosso público podia aplaudir heróis brucutus e violentos nos cinemas, mas nos quadrinhos eles apreciavam um conceito mais velho e nobre do que um herói é." (idem)

O final da luta entre Batman e Azrael, com o verdadeiro Batman
assumindo novamente seu manto. Arte de Graham Nolan

Esse conceito nobre, que se revela ao fim do túnel com um Batman envolvido pela luz do Sol prova em definitivo a verdadeira natureza do personagem. É uma declaração final de que o Batman não é o Batman por ser mais esperto, forte ou ter mais recursos que os demais. Ele é o Batman por carregar seu código, por ter pena, compaixão. Por ser, enfim, humano. E é essa humanidade, de longe, o dispositivo mais efetivo que o personagem carrega em seu cinto de utilidades.

Particularmente, é isso que me faz gostar tanto da Queda do Morcego. Longe de ser uma obra perfeita, ela é bem, bem inconstante em alguns pontos, a saga nos apresenta um verdadeiro estudo sobre quem é o Cavaleiro das Trevas. Não só isso, ela nos prova que mesmo em um mundo tão sombrio e hiperviolento quanto o dos anos 1990, alguns conceitos e ideias sobrevivem, lançando sua luz mesmo nas noites mais escura de Gotham City.

Tudo o que é preciso é que olhemos em sua direção.

Referências:

- Livros e artigos:

1 - GOULD, Marie. Dissecting the Man of Steel: The Evolution of Superman as a Reflection of American Society, Undergraduate Thesis , Bellarmine University, p.35,2020

MORCELLI, Felipe; PEREIRA, Luís A.; SARMENTO, Pablo. A Caminho da Justiça, São Paulo, [s.n.], 2015

- Sites:

https://www.mansaowayne.com.br/2018/04/23/guia-de-leitura-a-queda-do-morcego/

https://arousinggrammar.com/2014/09/08/batman-azrael-knightsend/

- Vídeo:

Owen Likes Comics: How DC Comics Broke Batman

Pois bem, o artigo de hoje chegou ao fim mas, caso ainda não tenha conseguido satisfazer sua fome de Batman, temos aqui alguns outros artigos que podem te interessar:

Blog da Comic House: Essa é mais bela história do Batman já produzida!

Galeria da Meia-Noite: Duas-Caras em dois tempos: O papel do tempo na narrativa

Galeria da Meia-Noite: O Longo Dia das Bruxas - Revisitando um Clássico

Aproveitando, deixo também o convite para que você venha a conhecer a Comic House, seja para dar início à sua coleção de bat-histórias, completar aquela bat-coleção ou simplesmente bater um bat-papo!

Por fim, um dos principais problemas do Batman durante A Queda do Morcego foi justamente por tentar resolver um grande problema sozinho, ignorando não só sua rede de apoio, como também sua própria saúde, física e mental.

Se você ainda não conhece esse termo, deixo aqui também o convite para o segundo episódio do Arcano Pop, podcast, onde a mesa de apresentadores discute o papel de uma rede de apoio, assim como sua importância.

Pois, por mais que não precisemos deter os fugitivos do Asilo Arkham, todos nós temos nossas próprias batalhas - e necessidade de apoio.

Arcano Pop #1 - Rede de apoio

E por esse mês é só!

O Prazer da descoberta em Halo: Combat Evolved

noreply@blogger.com (Lucas Freitas) — Tue, 25 Aug 2026 03:00:00 +0000

Na coluna deste mês, gostaria de promover uma pequena viagem. Não para um lugar específico, mas antes, para uma época. Afinal, hoje gostaria de voltar para algum ponto perdido dos anos 2000 quando, durante uma festa, tive meu primeiro contato com um jogo que, até então eu não sabia, iria se tornar um dos meus favoritos.

Esse contato se deu de forma um tanto quanto indireta. Tendo acesso a um computador, um grupo de amigos me apresentou ao Newgrounds, um dos sites que, nos idos anos 2000 era um nome de grande relevância no cenário de jogos e animações em flash . Dentre os jogos e vídeos presentes no site, uma paródia chamou a minha atenção. Na época, eu ainda não tinha conhecimento o bastante para saber do que aquilo se tratava, afinal, minhas experiências de videogame se limitavam ao PS1. No entanto, algo naquela animação, talvez a presença de aliens, talvez a presença do protagonista de armadura, foi o suficiente para chamar capturar minha atenção.

A essa altura, imagino que você já deva imaginar de que jogo estou falando. Mas, para aqueles que ainda não sabem, o jogo em questão se chamava Halo.

Se você nunca ouviu falar em Halo, bem, em resumo, a série apresenta a história dos confrontos da humanidade com uma coalização de espécies alienígenas conhecidas como The Covenant (algo que poderíamos traduzir como “A Aliança”). O nome, carregado de uma conotação religiosa, não é dado por acaso, tendo em vista que essa união de espécies é regida por um sistema teocrático que vê na existência da espécie humana uma blasfêmia contra seus deuses. Assim, o Covenant dá início a uma guerra santa genocida contra a humanidade e esta, em menor número e em grande desvantagem tecnológica, precisa fazer o seu melhor para garantir sua sobrevivência.

É claro que, boa parte dessa história só vai ser explicada bem depois – e será esse um dos pontos que irei puxar aqui, mas vamos por partes, sim?

Quando começamos o primeiro jogo, Halo: Combat Evolved, lançado para o X-Box original em novembro de 2001, sabemos apenas que uma das naves da Terra, a Pillar of Autumn, está em fuga, sendo perseguida de perto pelas forças alienígenas. Apesar da velocidade da nave, a mesma é logo abordada ao se aproximar de uma curiosa estrutura anelar que, parecendo um planeta, dá sinais de ser uma construção artificial. Pegos em um novo conflito, o capitão da nave, convoca todas as forças presentes para o combate e, dentre elas, uma arma secreta. Essa arma nada mais é do que um super soldado de armadura – e de poucas palavras - conhecido apenas como Master Chief. Assim, despertado de seu sono criogênico, Chief se junta à resistência na nave, cujos sobreviventes terminam caindo na estrutura anelar que dá nome ao jogo. E será nessa exploração de Halo, ao lado da luta por sobrevivência, que a história irá se desdobrar.

E vai ser exatamente aqui que vou trazer a linha de corte deste artigo.

Porque veja bem, Halo é o tipo de jogo que dá margem para várias abordagens. Por exemplo, poderia falar sobre seus aspectos técnicos, abordando o modo como o jogo trouxe inovações significativas para a jogabilidade, tanto em termos de controles, quanto integração de veículos, a IA dos inimigos e aliados ao jogo. Da mesma forma, poderia escrever um outro artigo falando apenas sobre o modo como Halo popularizou o multiplayer de jogos de tiro em consoles, um mercado que, até então, era predominantemente dominado pelos PCs.

No entanto, como escritor, é sobre a narrativa que vou falar hoje.

Ou, melhor dizendo, sobre uma sensação que me cativou naquele primeiro momento: o senso de descoberta.

Afinal, quando falo de Halo, e em particular do primeiro jogo, a primeira coisa que me vem à mente é um senso de deslumbramento e descoberta. Por mais que já conhecesse alguns pontos da história devido às paródias do Newgrounds, ver a coisa com meus próprios olhos foi uma experiência completamente diferente.

Com o jogo começando já in media res, vamos descobrindo os detalhes da história à medida em que o jogo vai se revelando para nós. Essa escolha, por mais ousada que possa parecer em um primeiro momento, se revela bastante acertada quando percebemos seu efeito, que é o de colocar o jogador em um estado de curiosidade e confusão semelhantes ao dos próprios personagens em campo, o que gera um tipo de cumplicidade entre ambas as partes.

Da mesma forma, por não saber ao certo o que está acontecendo, a curiosidade acaba virando um outro elemento de imersão. Muito da experiência de se jogar o Combat Evolved vem dessa sensação, de modo que cada nova estrutura alienígena, cada novo cenário, cada pedaço de informação, recebe um peso e uma importância únicas. Talvez, pensamos, ao testemunharmos uma nova construção, esteja ali a peça que nos falta para fecharmos o quebra-cabeça por trás desse jogo. Ou talvez seja aqui, pensa o jogador novamente, enquanto precisa planejar suas ações em meio ao combate feroz com o exército inimigo, que eu possa descobrir um pouco mais sobre os inimigos que estão avançando.

E é assim que a magia de Halo vai se manifestando em seus jogadores, aliando narrativa e combates ferozes.

Ao final do jogo, depois de termos conhecido as estranhas estruturas de metal em meio às matas e praias, e nos deslumbrando com suas paisagens relativamente intocadas, vamos também tomando conhecimento de parte da história desse universo, de modo que, descobrimos que o Halo foi construído por uma outra espécie ancestral, conhecida apenas como Forerruners, e que mais tarde serão apresentados como os deuses do Covenant, que construíram uma série de estruturas pelo universo com o objetivo de servir como última linha de defesa contra uma espécie parasita conhecida como Flood. Não só isso, descobrimos que, como efeito colateral, a ativação dessas armas pode exterminar a vida como a conhecemos em escala universal.

Assim, uma nova camada de complexidade é adicionada à história visto que, ao mesmo tempo em que precisamos deter o Flood, precisamos deter também o Covenant que, por acreditar que a ativação das estruturas irá levá-los até seus deuses, em um arrebatamento intergaláctico,estão colocando em risco todo o universo.

E, quando essa questão é resolvida, o primeiro jogo termina, de modo simples e singelo, com Master Chief e Cortana, a IA e braço direito do protagonista, perdidos no espaço à espera de um resgate que pode, ou não chegar.

Desnecessário dizer que isso não foi, nem de longe, o suficiente para mim.

Afinal, por mais que tenhamos explorado a estrutura, por mais que tenhamos sobrevivido ao cataclisma e descoberto uma parte da sua história, muito desse universo ainda permanecia encoberto, e como público, ansiávamos por essas respostas. Afinal, tínhamos uma história ali, mas, a bem da verdade, era apenas uma parte da história como um todo.

Aqui, acredito que Halo se aproxima bastante de uma tendência que me parece bem comum às obras de meados dos anos 1990 e começo dos 2000, que é essa pegada de um universo grandioso, com uma mitologia própria e bem determinada, mas que, para quem vê de fora, sempre deixa um espaço em aberto para uma nova descoberta – e especulações, claro - omitindo informações ao mesmo tempo em que nos apresenta outras.

Essa é uma prática que, acredito eu, alcançou seu ápice com Lost, em 2004, mas que aparece em outras produções como Matrix e Arquivo X, por exemplo.

E, sendo bem sincero, essa não é uma escolha de todo ruim. De fato, ao optar por esse tipo de construção, a produção garante tempo para que a equipe possa pensar no que iria fazer em seguida, ao mesmo tempo que garantia uma aura de mistério que fisgava seu público e lhe dava um senso de realização a cada nova descoberta, uma descoberta que, ao menos na época, seria prontamente compartilhada e discutida nos fóruns de uma internet que ainda engatinhava.

E não minto que, pelo menos para mim, muito da força do primeiro Halo vinha justamente desse mistério.

Ao lado da imponência do cenário, rivalizando com os combates frenéticos, havia uma história que convidava o jogador a mergulhar naquele mundo, procurando e tentando descobrir o que havia acontecido nesse curioso universo do século 26. E acredito que foi com Halo que eu tive, pela primeira vez, esse senso de maravilhamento e curiosidade com um produto cultural, assim como uma de minhas experiências ativas com o fenômeno de transmídia.

Já falei sobre esse tema antes, e você pode acompanhar essa discussão na íntegra aqui. Para hoje, basta saber que transmídia é o processo no qual uma narrativa surgida em uma determinada mídia – cinema, quadrinhos, livros – se espraia para uma outra, que expande sua história e universo. Mercados culturais mais maduros, como o norte-americano e o asiático, fazem isso com uma certa constância, e o próprio Brasil também teve uma produção bem consistente nesse âmbito, como já apresentei no outro texto.

O que importa para nós hoje é que Halo foi uma franquia que soube explorar muito bem a transmídia ao seu favor. De fato, muito da história posterior – e mesmo da anterior – ao primeiro jogo são apresentados não em jogos, mas em quadrinhos e livros.

A própria história dos Spartans, os super soldados dos quais o Master Chief faz parte, por exemplo, é apresentada no livro Fall of Reach, de Eric Nylund, que apresenta a história da criação dessas armas e do planeta laboratório Reach, uma das primeiras baixas da guerra santa do Covenant. Na verdade, é também nesse romance que conhecemos muito da geopolítica – ou seria cosmopolítica? – do universo de Halo, visto que nele também somos apresentados ao conceito de que os super soldados foram originalmente criados como ferramentas de controle de rebeliões dos demais planetas pertencentes ao Governo Unificado da Terra (UEG, no original), sendo depois realocados para o combate contra os alienígenas. Esses soldados, recrutados ainda crianças, passam por uma série de experimentos e aprimoramentos antes de se tornarem os Spartans, deixando para trás suas famílias, amizades e até mesmo identidades, em um processo de desumanização que passou a margem dos jogos.

Outros elementos narrativos, como a expansão do universo e suas dinâmicas, ou a exploração de outros planetas e da guerra contra o Covenant, foram explorados bastante nos quadrinhos, gerando séries como a fraquíssima Insurreição (2007-2009), a até que divertida Blood Lines (2010) e a obra que deu o ponta pé em tudo, Halo – The Graphic Novel, de 2006 que, dentre as suas histórias, conta uma ilustrada por ninguém mais, ninguém menos, que Moebius (1938-2012).

Em comum, todas essas obras procuravam trazer mais pontos que ajudassem os fãs a conhecer mais desse mundo enquanto os demais jogos da franquia não vinham para preencher esses pontos. E, eventualmente, eles também vieram, tanto na série principal, com Halo 2 (2004) que além de dar prosseguimento à saga de Master Chief também nos permitiu jogar com o Arbítro, um general do Covenant que, após cair em desgraça, é convocado pelos sacerdotes para combater o Spartan, e Halo 3 (2007), que encerraram a primeira parte da série, assim como spin offs como o Halo Wars, ODST e Reach, uma adaptação do romance e prequel do primeiro jogo.

Contudo, à medida que essas respostas eram dadas, algo curioso foi acontecendo. Pois, quanto mais informações tínhamos sobre o universo de Halo, quanto mais conhecimento conquistávamos sobre a obra, mais a aura de mistério que o envolvia ia se perdendo, e o que restou foi, ironicamente, mais um jogo de tiro.

Assim, por mais que esses jogos e produtos tenham conseguido alimentar a fome de informação deste pobre fã, nenhum deles conseguiu trazer de volta aquele senso de descoberta e deslumbramento que Combat Evolved me apresentou, mesmo naquelas primeiras paródias do tempo do Newgrounds, provando que, muitas vezes, são as perguntas e questionamentos, e não as respostas, as partes mais interessantes de uma história.

O Maravilhosamente estranho mundo de Steve Gerber

noreply@blogger.com (Lucas Freitas) — Fri, 24 Jul 2026 03:00:00 +0000

Um breve comentário sobre um dos mais peculiares roteiristas dos comics norte-americanos.

Vira e mexe, quando falamos sobre os grandes nomes dos comics, é comum que terminemos por ouvir quase sempre nomes como os de Alan Moore, Frank Miller, Chris Claremont, Grant Morrison, J. M. DeMatteis, Peter David, Stan Lee, e afins. No entanto, existe uma leva de roteirista, em particular nesse período de 1970-1980 que muitas vezes não são tão comentados quanto deveriam. Entre esses nomes, alguns me veem sempre em mente, como Steve Englehart, Alan Grant, Ann Nocenti e, para os fins da coluna de hoje: Steve Gerber (1947-2008).

Nascido como Stephen Ross Gerber, em St.Louis, Missouri, Steve Gerber faz parte daquela primeira geração de fãs de comics que terminaram atuando no meio. Tendo tido seu primeiro fanzine aos 14 anos, iria iniciar sua carreira profissional como redator publicitário, antes de realizar uma transição de carreira com a ajuda de um tal de Roy Thomas, um conhecido seu da época de fanzineiro.

Iniciando seus trabalhos na Marvel em 1972, Gerber seria, a princípio, tanto roteirista quanto editor assistente, ainda que essa segunda atribuição tenha tido vida curta, visto que, segundo o próprio Thomas, o colega era por demais caótico, tendo horários completamente contraproducentes para um editor da indústria.

Mas acredito que isso tenha vindo para melhor.

Longe da editoria, o roteirista viria a trabalhar com uma série de títulos, tendo passagens por vários dos heróis da editora, como Demolidor, Homem de Ferro, Hulk e Namor, além de super equipes, como no caso dos Defensores. No entanto, diferente de outros nomes da indústria, Gerber parece ter seguido por um caminho bem menos convencional, se associando mais à personagens "estranhos" e secundários - característica esta que irá segui-lo mesmo depois de sua saída da Casa das Ideias - e que sempre teriam um status de segundo escalão, apesar da popularidade que muitos dos seus títulos chegaram a gozar.

O que quero dizer com isso? Veja bem, enquanto nomes como Frank Miller e Alan Moore, começaram na indústria norte-americana com personagens secundários (lembre-se que, antes deles, tanto o Demolidor quanto o Monstro do Pântano estavam prestes a ser cancelados), ambos conseguiram realizar uma migração, promovendo tanto seus títulos, quanto a si mesmos, para um escalão de grandes artistas. O mesmo podemos dizer de Chris Claremont e John Byrne que tiveram um início bem modesto nas páginas do Punho de Ferro antes de serem catapultados pelos X-Men (outro título menor da época).

Já Steve Gerber, por outro lado, nunca chegou a ter esse tipo de sorte. Mais associado com personagens como o Homem-Coisa, Howard, O Pato, Simons Garth, o Zumbi e até mesmo Daimon Hellstrom, vulgo O Filho de Satã, Gerber se consagrou como um escritor de estranhezas e títulos mais undergrounds dentro do meio mainstream, assumindo uma posição tão "secundária" quanto os personagens de seus títulos. De fato, por mais que tenha alcançado um grande pico de popularidade com a criação de Howard, O Pato - um verdadeiro marco da contracultura dos anos 1970 - o roteirista terminou relegado à uma posição que, hoje, poderíamos considerar como cult, sendo bem menos conhecido e comentado que seus demais contemporâneos.

E isso é uma das maiores perdas que poderíamos ter.

Dono de um estilo próprio, Gerber era conhecido por ser uma espécie de roleta-russa literária, ficando conhecido por "escrever o tipo de história que Steve Gerber queria escrever". Isso, muitas vezes, implicava em um senso de humor que beirava sempre o absurdo, e que muitas vezes cruzava às raias do surrealismo. Um exemplo bem característico disso, se dá com a criação de um personagem secundário em sua passagem pelos Defensores, o antagonista conhecido apenas como Elf with a Gun (algo como o Elfo da arma).

Esse personagem, que iria aparecer como um subplot em várias de suas edições nos Defensores, parte de uma ideia tão absurda quanto seu nome. Por motivos que apenas Steve Gerber sabia, esse personagem foi uma experiência do autor com as narrativas paralelas dos comics, seguindo sempre a mesma premissa: um civil aleatório iria se ver em uma situação aleatória - abrindo a porta para um estranho, indo no banheiro - e, ao abrir a porta, ou ao virar uma esquina iria se deparar com o Elfo em questão, sendo baleado em seguida.

Esses atos de violência sem sentido, por sua vez, nunca vieram a ser explicados, muito menos chegaram a algum ponto, visto que não só o Elfo em questão nunca enfrentou a equipe, como o próprio autor nunca chegou a ter a oportunidade de finalizar sue desenvolvimento, saído do título antes da conclusão dessa narrativa bizarra. De fato, a história final do personagem, que o mostra sendo atropelado no meio de mais uma de suas aventuras homícidas, foi escrito por David Anthony Kraft que, por respeito (e por não saber o que fazer com o Elfo) decidiu oferecer um final para o personagem que fosse tão digno quanto seu surgimento.

Anos depois, quando perguntado sobre qual sua ideia por trás do personagem, Gerber apenas afirmou que o Elfo era:

"(...)uma metáfora para a natureza caótica e inexplicável da existência, essa "fera à espreita" para a qual você passa toda uma vida se preparando apenas para ser surpreendido pelo seu ataque repentino - se é que esse ataque realmente vem.

O absurdo inerente desse personagem revela, além do humor peculiar de seu criador, o modo como ele quase sempre puxava um viés filosófico para sua escrita. Além da aleatoriedade representada pelo Elfo, várias das histórias de Gerber transitam por esse viés reflexivo, seja abordando temas como o sentido e o valor de uma vida, ou mesmo uma discussão sobre a natureza do Mal - e aqui, deixo este belíssimo artigo do CBR onde é discutido o modo como o roteirista utilizou sua passagem pelo Filho de Satã, uma personagem de terceiro escalão da editora, para criar um debate sobre o que é o Mal na sua visão.

Essa natureza questionadora de Gerber não poupou também a sociedade em que vivemos, sendo este o terceiro grande pilar de sua obra. Em histórias como aquelas protagonizadas pelo Homem-Coisa, uma criatura que não fala, mas sente, o roteirista deu plena vazão à questões que ainda hoje discutimos com uma certa frequência, como a questão da violência estrutural, masculinidade tóxica, autoritarismo, assim como questões ambientais, o problema da terceirização da responsabilidade, fanatismo religioso e afins. Caso esteja interessado, fiz um texto um pouco mais longo no meu site abordando uma das histórias de Gerber com o personagem, e você poderá ler mais a respeito por lá.

E o que faltava de fala ao Homem-Coisa, o autor compensou em Howard. Com seu Pato, o roteirista desenvolveu todo um mundo de críticas, indo da política à sociedade de consumo, da banalização da violência à questões de relacionamento, e mesmo sexuais (Howard, um pato, como seu nome leva a crer, se relacionar com uma humana), tudo isso com uma dose de cinismo e acidez que hoje parece estranho ter surgido em meio ao mainstream dessa mídia. Porque, por mais que as críticas sociais tenham se consolidado no decorrer da Era de Bronze (algo entre 1970 até 1985), poucos autores tiveram uma voz tão sua quanto Gerber que, por mais que fosse restrito aos limites do meio, sempre fazia seu melhor para forçá-lo.

E ainda sobre esses exercícios, é bastante curioso notar também como Gerber se sentia à vontade para explorar suas narrativas nos formatos que melhor lhe conviessem, não sendo poucas as vezes que o autor mudou, no meio do caminho, os quadrinhos para prosa, explorando assim as possibilidades que só um texto corrido poderia lhe dar para desenvolver seus conceitos e ideias, antes de retornar para o modo original de sua mídia.

Ainda sobre essas experimentações, é importante salientar que elas não se limitavam apenas à estrutura em si. Inquieto e criativo, Gerber não se contentava apenas com a crítica social e da sátira, mas também experimentava com formatos de histórias, como podemos ver tanto em Howard e no Homem-Coisa, mas também em uma série que nunca pode concluir: Omega, The Unknown. Por mais que se apresentasse e vendesse sob a roupagem de uma típica história de super-heróis, a verdadeira pegada de Omega estava em acompanhar a vida do garoto James-Michael (que de alguma forma se relacionava ao personagem título) em um cenário urbano marcado por questões do cotidiano, como o amadurecimento, solidão e a própria questão da violência urbana, em um tipo de construção que passaria a se tornar comum apenas na década de 1980, originando, eventualmente, selos como o Vertigo, voltados para narrativas mais maduras.

Por "fim", é interessante observar também que Gerber gostava muito de trabalhar com um conceito de universo interligado, criando personagens (muitas vezes secundários) que cruzavam as séries em que ele trabalhava. Um exemplo bem característico disso é a feiticeira atlante Zhered-Na. Aparecendo pela primeira vez nas aventuras do Homem-Coisa, se tornando, inclusive um dos pontos de maior importância da história na fase do roteirista, ela irá também dar as caras nas aventuras do Filho de Satã. Outro exemplo é o da cigana Madame Swabada, que, fazendo o caminho inverso, apareceu primeiro como uma semi-antagonista nas histórias do Filho de Satã antes de dar o ar de sua graça nos pântanos da Louisiana. Separo esses dois exemplos por serem os personagens de maior destaque, mas a obra de Gerber é recheada por esses intercâmbios e auto-referências, algo que, ainda hoje, é bem pouco comum de se ver nesse meio.

Agora que estamos no final deste artigo, percebam que falei bastante sobre a atuação de Gerber na Marvel, onde o roteirista conseguiu desenvolver e trabalhar por mais tempo. No entanto, isso não quer dizer que ele não tenha sua importância em outras companhias. Por mais que tenha construído boa parte de sua carreira na Casa das Ideias, o roteirista também atuou em outras editoras, como a DC Comics, onde trabalhou com personagens como o Sr. Milagre e o Senhor Destino. Além disso, elaborou, ao lado de Frank Miller, uma proposta para reimaginar a Trindade da editora. A proposta, infelizmente, não foi aceita, mas serviu de base para aquilo que viria a se tornar um dos grandes clássicos dos quadrinhos de super-heróis: o Cavaleiro das Trevas.

Ainda nos quadrinhos, Gerber foi um dos grandes nomes a bater de frente na luta pelo direito de propriedade dos artistas, tendo processado a Marvel pelos direitos de Howard, O Pato. É desse processo que, ao lado de Jack Kirby, outro grande nome dessa batalha, deu vida ao Destroyer Duck, personagem que serviu como base de sátira e paródia de nomes - e de toda a situação - da indústria dos quadrinhos de sua época. O processo, infelizmente, foi decidido em favor da Marvel, ainda que tenha dado fôlego para os movimentos que viriam depois, como o da Image Comics, por exemplo.

Apesar das desavenças jurídicas, Gerber continuou trabalhando no meio, e entre as grandes editoras, até seu falecimento, em 2007 de Fibrose Pulmonar Idiopática.

Além dos quadrinhos, Gerber também atuou como roteirista em séries como Jornada nas Estrelas: A Nova Gerçaão, assim como foi editor em desenhos como Transformers, G.I. Joe, Caverna do Dragão e As Novas Aventuras de Batman e Superman, sendo um profissional tão múltiplo quanto o seu estilo narrativo.

Percebem o porquê desse ser um autor tão fascinante, e o porquê da indignação dele ser tão pouco conhecido por aqui?

Referências:

https://www.planocritico.com/critica-demolidor-por-frank-miller-e-klaus-janson-1979-a-1983/

https://en.wikipedia.org/wiki/Swamp_Thing_(comic_book)

https://www.trashmutant.com/the-reason-is-no-reason-steve-gerbers-elf-with-a-gun.html

https://www.cbr.com/steve-gerber-the-son-of-satan-and-evil/

https://www.galeriadameianoite.com.br/post/analisando-quadrinhos-homem-coisa-edição-gigante-4-1975

https://nikdirga.com/2021/01/30/the-mystery-is-the-point-omega-the-unknown/

https://50yearoldcomics.com/2025/12/27/omega-the-unknown-1-march-1976/

A Primeira Dama da Bonelli, Júlia Kendall - por Lucas Freitas

noreply@blogger.com (Lucas Freitas) — Thu, 18 Jun 2026 03:00:00 +0000

Vamos começar o texto de hoje com um pequeno teste. Pense no nome Bonelli e me diga qual foi o primeiro título que lhe veio à mente.

Se você é brasileiro, e teve um histórico de visitar bancas ou comic shops, acredito que não seja de todo impossível que o primeiro nome em que você pensou foi o do ranger Tex Willer. Em seguida, caso prossigamos com esse exercício, imagino que outros nomes prováveis sejam aqueles de outros títulos de western, como Mágico Vento (Ned Ellis) ou Zagor, o que ressalta o quão forte é a relação da editora italiana com esse gênero.

Ainda assim, resumir a Bonelli a uma editora focada em westerns é perder um grande ponto.

Ao longo de seus mais de oitenta anos de história, a editora, que recebeu seu nome final em 1990 como uma homenagem ao lendário roteirista e editor Sérgio Bonelli (1932-2011), trabalha com uma série de gêneros diferentes, como o terror, suspense policial e ficção científica – isso quando não opta por misturar esses gêneros. É dessa seara de produções que sairão nomes como Martin Mystére, o detetive do impossível, Nathan Never, o policial do futuro, Dylan Dog, o detetive do Pesadelo e Harlan Draka, meio vampiro protagonista da série Dampyr.

E, em meio à essa célebre galeria de personagens, existe uma que, pelo menos para mim, se sobressaí. Seu nome? Júlia Kendall.

Uma das primeiras – se não a primeira¹ – personagem da editora a estrear em um título próprio, a criminóloga de Garden City foi criada em 1998 pelo quadrinista Giancarlo Berardi (co-criador de Ken Parker) a pedido do próprio Sérgio Bonelli. E esse não foi um trabalho fácil. Como sempre menciona nos textos de abertura das edições da revista, para construir uma obra bastante verossímil, Giancarlo mergulhou fundo no mundo da sua personagem. De fato, como bem sumarizado pelo Luiz Santiago, do Plano Crítico:

“ (...) [Giancarlo] estudou criminologia e medicina legal no Instituto de Gênova, frequentou cursos de psicologia, sociologia, psiquiatria, psicanálise, balística e também mergulhou na leitura de romances policiais e estudou o processo de escrita no estilo de crônicas jornalísticas e relatórios jurídicos e policias, além de roteiros de cinema, fazendo seu recorte pessoal para os gêneros noir, suspense e documentário, tudo isso para chegar a uma composição bastante satisfatória para o gênero que de fato se enquadra a obra, o giallo (apesar de se passar nos EUA).”

Esse repertório se faz perceber no modo como as histórias de Júlia são construídas. Pois, enquanto boa parte dos romances e narrativas policiais trazem o foco para o crime propriamente dito, aqui, somos apresentados à uma visão mais global de todo o processo. Sendo uma professora universitária e prestando consultoria à polícia de sua cidade, a criminóloga traz consigo uma bagagem que permite ao autor a exploração de conceitos e temas que vão enriquecendo às histórias. De fato, esse é o tipo de leitura onde não é de todo impossível que o leitor se veja pego em um debate sobre sociologia e psicologia enquanto a investigação acontece, seja como uma forma de contextualizar e apresentar o ocorrido, seja para atiçar o debate entre obra e leitor, trazendo perspectivas pouco comuns para os quadrinhos e o gênero.

Mais do que acrescentar um texto mais denso à história, essas inserções fazem um trabalho excelente ao multifacetar as histórias de Júlia, que jamais se reduzem à dinâmica simplista do “bem vs. mal”. Existem, é claro, criminosos e, dentre eles, alguns responsáveis por crimes terríveis, e isso nunca entre em debate. Em nenhum momento, porém, a história se presta à reduzi-los ou trata-los como algo que não sejam humanos. São pessoas perigosas, é verdade, e responsáveis por seus atos, mas em nenhum momento uma história do universo de Júlia os reduz à simples condição de monstros, se preocupando em trazer uma contextualização e uma apresentação que, longe de justifica-los, nos fornece uma visão clara, e muitas vezes desconfortável, do abismo terrível que é o coração humano.

Não que essa visão seja compartilhada de modo unânime na série, pois, assim como acontece na vida real, personagens diferentes terão ideias e pontos de vista diferentes. Um exemplo claro disso é o tenente Webb, um dos principais contatos de Júlia na força policial, e personagem recorrente nas suas histórias. Diferente da criminóloga, o policial possuí uma visão bem mais estreita sobre a dinâmica de crime e castigo, o que muitas vezes o colocará em choque com sua colega de trabalho. Ainda assim, por mais que se estranhem e discutam bastante, existe, entre os dois, um respeito e uma admiração profissional que muitas vezes faz falta em nosso mundo.

Um outro aspecto bem interessante das histórias de Júlia, e que de novo é produto do trabalho de estudo e pesquisa de Giancarlo, é o modo como a psicanálise atua como um alicerce bem importante para a série. Bastante atrelada ao mundo onírico, Júlia é uma personagem cujos processos e dilemas, sejam eles seus próprios traumas ou a resolução dos crimes, podem ser acompanhados através das representações que seu inconsciente lhe oferece todas as noites por meio de sonhos (ou pesadelos). Esse mecanismo permite que não só o leitor conhece um pouco melhor o cenário interno da protagonista, como também ajuda, qual um Watson improvável, a embasar o processo dedutivo da história.

Isso, claro, sem mencionar a carga de lirismo que os sonhos de Júlia garantem à história.

Um outro elemento bastante interessante das histórias de nossa criminóloga favorita, e mais uma vez prova o cuidado que suas histórias recebem, está no fato dos dilemas com que ela precisa lidar. Forte e independente, Júlia precisa lidar com o fato de ser uma mulher em campos majoritariamente dominados por homens. Melhor ainda, talvez, seria dizer que ela também precisa lidar com o fato de ser mulher, tendo que lidar com questões bem específicas do mundo feminino, como o peso da passagem do tempo (uma vez que, diferente dos comics, a personagem envelhece ao longo das histórias), a solidão feminina, a pressão compulsória que a sociedade coloca sobre relacionamentos, a culpa por se dedicar a uma carreira e não uma “vida tradicional”, tudo isso ao mesmo tempo e que precisa lidar com seus próprios traumas e relacionamentos conflituosos.

E é isso o que torna Júlia uma série tão fascinante.

Com personagens altamente complexos e uma narrativa que consegue ser bem densa e cerebral, mas sem nunca chegar a ser impenetrável, Júlia Kendall é de longe um dos melhores títulos em publicação atualmente, e acredito que não conseguiria abordar em um único texto essa maravilha narrativa. Por isso, farei melhor e, encerrando o texto por aqui, vou te entregar um par de luvas e afastar o cordão de isolamento, para que você possa também adentrar nesse mundo sombrio e perigoso, mas riquíssimo.

Garanto que vai valer a pena.

Publicada no Brasil pela Mythos desde 2004², Júlia Kendall segue a ser publicada de modo praticamente ininterrupto, ganhando, inclusive, coleções Omnibus e especiais. Dentre eles, o relançamento da série, em formato mais próximo do original, que você pode conferir aqui na própria Comic House

P.S: Como se tudo isso ainda não fosse suficiente, existe ainda um outro elemento bastante interessante em Júlia, que é a estreita relação que a mesma possuí com o cinema. Além de referenciar filmes em suas histórias, os próprios personagens são também referências, visto que Júlia é desenhada de modo a lembrar a atriz Audrey Hepburn, por exemplo, enquanto outros personagens de seu elenco, como o supracitado Alan Webb, são baseado no ator John Malkovitch, e sua empregada, Emilly Jones, toma por base a atriz Whoopi Goldberg.

1 - Faço esse parênteses porque, três anos antes de Júlia, Legs Weaver já estreava em um título próprio. No entanto, diferente da nossa criminóloga favorita, Legs iniciou sua carreira em 1991, sendo uma coadjuvante na série de Nathan Never.

2 – Aqui cabe uma curiosidade: originalmente, a publicação da revista era apresentada apenas como Júlia. No entanto, devido à problemas com os romances de bolso de mesmo nome, a editora mudou o nome da revista para J. Kendall: Aventuras de uma Criminóloga, nome que usa até hoje.

Referências:

Wikipedia - https://pt.wikipedia.org/wiki/Julia_(Sergio_Bonelli_Editore)

Plano Crítico – https://www.planocritico.com/especial-julia-kendall-aventuras-de-uma-criminologa/

Paraibanos são indicados a um dos mais importantes prêmios brasileiros das HQs .

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Fri, 24 Apr 2026 12:30:00 +0000

A comissão organizadora do Troféu Angelo Agostini divulgou a lista de indicados à sua 42ª edição, contemplando 12 categorias regulares e três especiais.

E entre os selecionados a presença dos paraibanos, Manassés Filho, empreendedor na Comic House e produtor cultural, indicado na categoria Jayme Cortez com a Top! Top! Convenção Paraibana de Quadrinhos e o quadrinista, Paulo Moreira, com seis indicações, quatro delas com a HQ Boca de Siri (Melhor quadrinho, Melhor Desenhista/ Roteirista, Letrista e Capista) e as outras duas nas categoria Desenhista Humor Gráfico e Quadrinho Digital.

A escolha dos vencedores será feita por voto popular no site oficial do prêmio ( https://angeloagostini.com.br/ ), com votação aberta entre os dias 22 de abril e 25 de maio. O resultado está previsto para sair no dia 29 de maio, em live transmitida no canal do YouTube do Troféu Angelo Agostini (https://www.youtube.com/@angelo_agostini).

Enquanto que a cerimônia de entrega do prêmio irá ocorrer no dia 28 de junho, na Casa de Cultura do Butantã, onde serão entregues consecutivamente os troféus das 41ª e 42ª edições do Troféu Ângelo Agostini.

Ah! E não de realizar seu voto e contribuir para a Top! Top! e Paulo Moreira tragam seus troféus para a Paraíba.

Cliquem no link https://forms.gle/mtRu3Jdj87UGyM6u6 deixando o seu voto.

Contamos com você, viu? 🌟💓🌟

Dia do Quadrinho Nacional é dia de comemoração em dobro na Comic House

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Sat, 31 Jan 2026 20:23:00 +0000

Ontem, dia 30 de janeiro, foi celebrado o Dia do Quadrinho Nacional, uma data de extrema relevância para a 9ª arte, seus produtores, quadrinistas e entusiastas. Entretanto, para nós da Comic House, essa data também possui um outro significado, diretamente conectado ao início de nossa jornada. Nessa mesma data, no ano de 2003, a Comic House começou sua caminhada com o objetivo não apenas de comercializar HQs, mas de cooperar para a quebra de paradigmas que envolvem os quadrinhos, formar leitores, apresentar e aproximar autores e obras do grande público e, de alguma forma, contribuir para a produção de quadrinhos em nosso estado.

Hoje, chegamos aos 23 anos dessa história e, ao tomarmos o presente como marco inicial e lançarmos um olhar ao passado, ficamos felizes e surpresos com a amplitude de nossas ações. Entre elas, destacam-se a realização de sessões de autógrafos com diversos nomes da HQ local, de outros estados e até de outros países; leituras dramáticas, nas quais os quadrinhos se transformam em belíssimos momentos encenados; animados bate-papos que colocaram autores e público frente a frente em memoráveis trocas de experiências; e, ainda, a criação e realização da Top! Top! Convenção Paraibana de Quadrinhos, que neste ano chega à sua 10ª edição, repleta de pessoas que amam essa arte.

Por fim, agradecemos a todos os autores que fazem parte desta história; ao público, que nos abraça intensamente ao longo de nossa existência; aos projetos que ajudamos a fazer nascer; e aos amigos fiéis que sempre se fazem presentes e colaboram para que o sentimento de amor aos quadrinhos continue se intensificando.

Nossa total reverência a todos vocês que fazem nosso coração pulsar em uma frequência que não está no gibi !

Comic House realiza sessão de autógrafos com quadrinistas premiados.

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Fri, 10 Oct 2025 15:16:00 +0000

A Comic House, livraria especializada em quadrinhos, realizará sua 61ª sessão de autógrafos no próximo sábado (11/10), às 18h, na Av. Nego, 63, Tambaú.

E na celebração deste importante marco, a livraria receberá os José Aguiar e Shiko, que irão autografar suas mais recentes obras.

O quadrinista, roteirista e editor, o curitibano, José Aguiar, possui uma vasta produção de HQs concedendo ao leitor uma diversidade de temas e gêneros que lhe conduziu a diversos prêmios, como o Ângelo Agostini e o Troféu HQMix, considerados as importantes premiações para o mundo dos quadrinhos, além de ter sido indicado por duas vezes ao Prêmio Jabuti com as obras Reisetagebuch – Uma Viagem Ilustrada pela Alemanha e a Infância do Brasil.

Sua versatilidade também lhe proporcionou a produção de HQs fora de nossa Terra Brasilis, ao desenhar na França a série Ernie Adams e também para a coletânea Un Jour de Mai.

Na Comic House, o quadrinista irá assinar sua mais recente obra, a badalada adaptação para os quadrinhos do livro Vidas Secas, do renomado escritor nordestino, Graciliano Ramos, que apresenta a jornada de uma família de retirantes sertanejos que vivem em clima de desigualdade e perdas em meio a seca. A HQ além do profundo texto, também concede uma experiência visual única, onde José Aguiar inspira-se no obra Os Retirantes de Portinari, o expressionismo porém sem as sombras do estilo europeu, mas trazendo o tropical de nosso país para retratar as penúrias de um cenário onde impera o assustador e em muitas vezes a desesperança se faz presente como companheira de caminhada.

Mas este grande momento, não fica apenas por aí, o autor, também irá autografar, Debaixo D’água, obra que como Vidas Secas, também foi produzida com sua esposa, Fernanda Baukat, porém esta é autobiográfica, onde o casal de autores expõem as vitórias e a beleza inerentes à maternidade, encorajando uma reflexão sobre a essencialidade do respeito à preferência das gestantes e a promoção de um suporte humano e empático. E fechando a trinca de títulos a serem assinados, temos o premiado, A Infância do Brasil, o título foi finalista do Prêmio Jabuti, em 2018, vencedora dos prêmios LeBlanc e Minuano de Literatura, e do Troféu HQMIX, e traz as transformações de nossa nação pelos olhos das crianças, onde a inocência e os cenários de desigualdade coexistem implicando em uma ampliação de nossa percepção da realidade que existiu, mas que metamorfoseada ainda se faz presente em nosso país.

Enquanto isso, o paraibano, Shiko, irá assinar o último volume da épica emblemática saga da cangaceira Carniça vol 4 (volumes anteriores estarão disponíveis) e a HQ Eu Te Amo, Porra!.

Serão os Quatro Fantásticos realmente fantásticos no cinema? - por Lucas Freitas

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Tue, 26 Aug 2025 20:10:00 +0000

Então, nos últimos meses, tivemos acesso ao filme Quarteto Fantástico: Primeiros Passos, longa que finalmente vai inserir a Primeira Família do Universo Marvel em seu universo cinematográfico.

E a bem da verdade, já não era sem tempo.

Ainda que não tenha hoje o mesmo peso que outras grandes equipes da editora, como os X-Men (e, mais recentemente,os Vingadores), ou personagens mais populares, como o Homem-Aranha, o Quarteto é uma peça vital para o que foi a revolução dos quadrinhos promovida pela Marvel Comics, ainda na década de 1960, naquela pode ter facilmente sido uma das maiores reviravoltas dos comics.

Afinal, como apresentado por Pedro Hunter, em seu artigo de 2015 para o Omelete:

“O dono da Marvel, Martin Goodman, jogava uma partida de golfe com Jack Liebowitz, um dos donos de sua grande rival, a DC Comics. A falência de sua distribuidora, anos antes, deixara a editora sem um meio de colocar suas revistas à venda e Martin teve de se submeter a um acordo humilhante com a DC, que passou a distribuir as revistas da Marvel, impondo a esta um limite de oito títulos por mês. A outrora poderosa Marvel (ou Atlas ou Timely, nomes que a editora de Goodman usou em alternância até os anos 1960) estava em ruínas e Liebowitz aproveitou a ocasião para tripudiar de Goodman, comentando como a nova série de sua editora, Liga da Justiça, vendia bem, usando o expediente simples de juntar todos os maiores heróis da DC em um título só. Goodman decidiu então aproveitar-se da ideia e fazer um título similar na Marvel.”

A execução de tal ideia coube ao sobrinho de Goodman, Stanley Martin Lieber, mais conhecido como Stan Lee (1922-2018), que recrutou o artista Jack Kirby (1917-1994) que, em novembro de 1961 apresentaram a jornada de um grupo de exploradores que, em seu desejo de vencer os russos na corrida espacial, como era a praxe no período da da Guerra Fria (1947-1991), roubam um foguete para alcançar a Lua. O que encontram, porém, é uma tempestade de raios cósmicos que afetam o grupo de maneira fantástica.

Reed Richards, grande mente por trás da construção da nave e do lançamento, ganha os poderes de elasticidade, podendo esticar e moldar seu corpo ao bel prazer. Sue Storm, noiva de Reed, ganha o incrível poder da invisibilidade e a capacidade de criar campos de força. Johnny, irmão mais novo de Sue, pode se transformar no Tocha Humana (poderes autoexplicativos aqui). E, por fim, temos Benjamin Grimm, melhor amigo de Reed e piloto da nave que, ao ser atingido pelos raios cósmicos, se transforma no Coisa, um humanoide de pedra com força e resistência sobre humana.

Assim reunidos, os quatro decidem usar seus poderes para o bem, auxiliando a humanidade como a equipe que viria a ser conhecida como Quarteto Fantástico, dando início a Era Marvel dos Quadrinhos.

Afinal, foi nas páginas do Quarteto que Lee e Kirby primeiro deram forma ao super-herói moderno, adicionando problemas e conflitos cotidianos no caminho dessas maravilhas contemporâneas. Como exemplo, já nas primeiras 10 edições da revista, acompanhamos as brigas incessantes entre o Coisa e o Tocha Humana, as crises de relacionamento entre Reed e Sue, e até mesmo problemas financeiros, com a equipe tendo que arranjar empregos para poder pagar as contas do Edifício Baxter, dando ao fantástico universo da equipe um ar bastante próximo aos problemas que seus próprios leitores conheciam, em uma fórmula que viria a ser levada à perfeição alguns anos depois, nas aventuras do Homem-Aranha.

É claro que não foram apenas crises e problemas que se apresentaram para a equipe. De fato, momentos felizes foram também apresentados, como o casamento de Sue e Reed Richards, o nascimento de Franklin, o desenvolvimento do relacionamento de Ben Grimm com a escultora Alicia Masters, solidificando ainda mais a dinâmica que, desde o princípio, diferenciou o Quarteto das demais super equipes: a conexão familiar.

Pois esta é uma das grandes verdades por trás da equipe: o Quarteto é, antes de qualquer coisa, uma família. E, como família, atravessaram juntos o melhor e o pior. Dos momentos de felicidade aos de tristeza, a unidade dessa família peculiar permanecerá sempre, se estendo até mesmo para os seus convidados e membros substitutos.

Uma outra grande verdade por trás da equipe, está no fato deles serem exploradores acima de tudo. Sim, antes de heróis que cruzam o mundo em busca de ação, o Quarteto é uma família de exploradores sempre em movimento, explorando não apenas os mistérios da terra, mas também do próprio universo. De fato, tanto é que muito da expansão do Universo Marvel foi proporcionada pelo Quarteto que introduziram as páginas dos quadrinhos seres vindos do longínquo espaço sideral, como os Skrulls, os Kree, Galactus, Surfista Prateado e o Vigia, assim como seres escondidos nos confins da própria Terra, como os Inumanos e o mundo subterrâneo do Toupeira. Isso para não mencionar os espaços interdimensionais, como a Zona Negativa, governada pelo Aniquilador, ou o Microverso e a ameaça do Homem-Psíquico.

Isso, é claro, sem mencionar a criação de um dos maiores antagonistas dos quadrinhos, Victor Von Doom, mais conhecido como Dr. Destino, possível tema para um outro texto.

Assim, tendo em vista o grande papel da equipe no Universo Marvel, seria de se esperar que o mesmo tivesse um papel mais ativo na mídia mas, ainda assim, esse não foi o caso. Ausente durante praticamente todo o desenvolvimento do UCM, a equipe também se viu sumindo das demais mídias, como animações, videogames e até mesmo quadrinhos, em um exílio iniciado em 2015, e que só começou a ser revertido em 2018.

Nesses 3 anos de banimento, no entanto, a Primeira Família da Marvel teve sua participação restrita a revistas de outros grupos e personagens, e, mesmo assim, quase nunca em sua formação completa, com membros da equipe sendo integrados a outras equipes, como no caso do Coisa, que passou a fazer parte dos Guardiões da Galáxia.

O que teria motivado esse movimento de apagamento da equipe? Basicamente ganância corporativa. Segundo rumores de dentro da indústria, uma vez que os direitos do Quarteto se encontravam com a Fox, a publicação de revistas da equipe seriam “propaganda para a concorrência”. Ainda que possa parecer um motivo um tanto quanto inusitado, não parece de todo irreal, como prova a persistência da Marvel em tentar popularizar os inumanos no lugar dos mutantes - estes pertencentes a uma outra franquia de posse da Fox.

Desde o fim desse banimento, porém, o Quarteto tem voltado a marcar presença, tanto nos quadrinhos, em fases extremamente elogiadas, como a de Ryan North, como nos videogames (Marvel Ultimate Alliance 3 e Marvel Rivals) e, agora, finalmente de volta aos cinemas, mas, desta vez, pelas mãos da própria Marvel, em algo que, talvez, possa ser o começo de uma nova Era para o UCM.

E uma Era trazida pela mesma equipe que, lá na década de 1960, abriu as portas daquilo que veio a se tornar o Universo Marvel.

Um Último elogio a Luccheti, por Lucas Freitas

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Fri, 04 Jul 2025 21:57:00 +0000

E eis que voltamos ao texto que, até hoje, nunca consegui terminar.

Sendo bem sincero, acredito que todo texto é difícil. Ainda assim, alguns com certeza são mais difíceis do que outros. Alguns pela importância do tema tratado, outros, pelo peso que representam. Tanto é que há mais de 1 ano venho pensando em como deveria escrever esta despedida ao grande Rubens Francisco Lucchetti, mais conhecido como R.F.Lucchetti, que veio a falecer em 04 de abril de 2024, aos 94 anos de idade, e ainda em atividade.

Passados um ano desde a despedida final ao grande mestre, ainda não encontrei uma forma que me pareça adequada para falar sobre a trajetória de Lucchetti. Por mais que escreva e reescreva este textos, não pareço encontrar palavras para definir uma trajetória tão longa e complexa - e vital para a muito do terror que temos aqui no Brasil.

Ainda assim, tentarei fazer o meu melhor.

Nascido em 29 de janeiro de 1930, a trajetória de Rubens Francisco Lucchetti nas letras tem início ainda em 1942, mais especificamente, em 31 de outubro, quando publica seu primeiro conto “A Única Testemunha”, no jornal O Lapiano, uma publicação do bairro da Lapa, em São Paulo. Autodidata, Lucchetti fez a escola apenas até o quarto ano, aprendendo tudo o que sabia por meio da leitura ou da própria prática.

Tendo que trabalhar desde cedo para ajudar no orçamento familiar, a vida de Lucchetti sempre foi marcada por esse binômio de trabalho e escrita. Até o ponto em que conseguiu transformar a escrita em sua profissão. Além das publicações em jornais, trabalhou também em rádio, televisão, quadrinhos e cinema, além de, claro, publicando contos e romances.

Ao longo de sua trajetória, teve uma participação gigantesca na vida cultural de Ribeirão Preto, tanto que chegou a ser eleito para a Academia Rio Pretana de Letras, apesar de nunca ter recusado o convite por motivos de sua timidez. De fato, além de sua conexão com o cinema, organizando mostras de cinema entre 1960 e 1965, foi também ali que iniciou seu trabalho no rádio, entre os anos de 1956 e 1965, quando escreveu seriados para a PRA-7 Rádio Clube de Ribeirão Preto.

Será também em Ribeirão Preto que Lucchetti realizará seus primeiros trabalhos na televisão, criando, na estação da TV Tupi da cidade, o seriado "Quem Foi?”. Estreando em 21 de abril de 1961, o programa de investigação e mistério permitia que o público ligasse diretamente para o estúdio e tentasse adivinhar a identidade do culpado do crime - sendo este um dos primeiros, se não o primeiro, programa do tipo a ser produzido no Brasil.

A essa experiência na TV, se seguirá o seriado Além, Muito Além do Além (TV Bandeirantes) e O Estranho Mundo do Zé do Caixão (TV Tupi). Ambos criados pelo icônico José Mojica Marins (1936 - 2020), traziam histórias de terror narradas por seu alter ego, o Zé do Caixão.

A associação de Lucchetti com o cineasta brasileiro, iniciada em 1966,foi extremamente prolífica. Segundo o mesmo, em entrevista a Rafael Spaca no livro Conversações com R.F.Lucchetti (de onde boa parte das informações desse texto foram tiradas), os roteiros por ele elaborados para o personagem contavam com: 15 roteiros de longas, 58 episódios de programas de TV, 7 gibis, 2 rádios novelas, 1 minissérie e 1 projeto de novela. Além deles, existiriam ainda, de acordo com o próprio Lucchetti, 16 roteiros inéditos por ele elaborados - além de um curioso projeto de desenho animado que contaria com o Zé do Caixão criança.

Apesar de render frutos tenebrosos, a colaboração entre os dois se encerrou em agosto de 1969. Entre os vários motivos, estariam desde alterações aos roteiros de Lucchetti, realizados por Mojica sem sua autorização, passando pela falta de foco e organização do diretor. Desnecessário dizer que também houve um trabalho por parte do próprio cineasta de invisibilizar o trabalho do roteirista, uma vez que o mencionava poucas vezes em entrevistas, chegando até mesmo a “atrapalhar” que outros viessem até Lucchetti, quase como se tivesse medo de perdê-lo.

Apesar da experiência, voltaria a trabalhar no cinema na década de 1980, tendo trabalhado majoritariamente com o diretor Ivan Cardoso, tendo escrito os roteiros para os filmes O Segredo da Múmia (1982), vencedor do prêmio Kikito de Melhor Roteiro no Festival de Gramado de 1982, As Sete Vampiras (1986), O Escorpião Escarlate (1989) e Um Lobisomem na Amazônia (2005) - sendo esta sua última participação no cinema. Além de Ivan, trabalhou também com nomes como Wilson Rodrigues e Jean Garrett. Ainda assim, de todas as mídias em que atuou, foi o cinema que mais lhe causou desgosto, devido às constantes alterações que eram realizadas sobre o seu trabalho.

Mas, dentre todos os trabalhos de Lucchetti, talvez tenha sido sua produção como autor que mais tenha se destacado. Começando a escrever sob encomenda ainda na década de 1960, teve seu primeiro livro de bolso, O Ouro dos Mortos, publicado já em 1963. De lá até 2004, detinha a impressionante cifra de mais de 1.547 títulos publicados. Alguns deles, como O Fantasma de Tio William, marcaram gerações de leitores que efetivamente conheceram o nome do autor. Ainda assim, é difícil de se estimar quantas pessoas podem ter sido impactadas pelo autor que utilizou uma série de pseudônimos oa longo da carreira. De fato, se o ator Lon Chaney ficou conhecido como “O homem das mil faces”, Lucchetti facilmente poderia receber o título de”O homem dos mil nomes”, tendo escrito sob uma lista de nomes como: Terence Gray, Mary Shelby, Theodore Field, Peter L. Brady, R. Baba, Christine Gray, Isadora Highsmith, Helen Barton, Frank Luke, Brian Stoker, Vincent Lugosi, Erich Von Zagreb, Frank King e Vera Waleska.

Importante salientar que boa parte desses nomes veio mais por demanda editorial, fosse para “criar” autores que pudessem escrever diferentes gêneros, fosse para dar um ar de produto importado aos seus produtos.

Igualmente vasta foi a produção de quadrinhos de Lucchetti, que trabalhou com nomes de peso do quadrinho nacional, como Jayme Cortez, Nico Rosso, Júlio Shimamoto, Eugenio Colonnese, produzindo em revistas clássicas como A Cripta, e várias outras revistas. Algumas dessas histórias curtas podem ser encontrados na antologia No Reino do Terror de R.F.Lucchetti, publicada em 2001 pela Opera Graphica e organizada por seu filho, Marco Aurélio Lucchetti, que talvez tenha sido seu maior colaborador e parceiro.

Ainda como roteirista, assumiu a produção de algumas histórias de terror da Bloch. Na época, com o encerramento de uma série de títulos estrangeiros, mas com uma forte demanda no mercado interno, Lucchetti passou a assumir os roteiros de A Múmia Viva e Frankenstein, títulos originalmente da Marvel Comics, mas que passaram a ser produzidos no Brasil.

Também como quadrinista, publicou duas biografias, a primeira, intitulada A Vida de Silvio Santos, lançada em 1969. A segunda, uma biografia do mestre do terror norte-americano Edgar Allan Poe intitulada A Vida e os Amores de Edgar Allan Poe. Esse volume, lançado em 2018 pelo Sebo Clepsidra, marca uma de suas últimas produções em quadrinhos.

Sim, por mais que tenha tido seu auge nas décadas de 1960-1980, Lucchetti foi um autor que se manteve trabalhando ininterruptamente até seus últimos anos de vida. Na verdade, os anos 2000-2010 trouxeram uma espécie de redescoberta para o autor, graças ao advento das redes sociais. Encontrando um novo canal de contato, e com o apoio do filho, o autor conseguiu criar um novo canal de contato com seu público. Para isso, muito colaborou projetos como o Editorial Corvo, que lançou a Coleção R.F.Lucchetti, publicando - e republicando - os trabalhos do autor. Da mesma forma, a internet deu a Lucchetti um ponto de contato não só com novos fãs, mas também como todo um mundo de jornais e meios de comunicação, como sua emblemática entrevista ao The New York Times.

No entanto, como tantas vezes na vida do autor, até mesmo essa redescoberta não veio sem suas dores. Dentre eles, sem dúvida o caso em que seu perfil de Facebook foi apagado, em outubro de 2014 que chegou a inclusive abalar a saúde do autor, em uma quase novo lançamento ao esquecimento.

E, infelizmente, essa parece ter sido uma constante na carreira de Lucchetti.

Tivesse ele nascido em qualquer outro país, certamente seria lembrado e cultuado como uma verdadeira potência de escrita. Ainda assim, tais foram as condições que o grande mestre do pulp passou por uma série de altos e baixos, chegando mesmo ao ponto de ter dito, em entrevista ao mesmo Rafael Spaca que não sentia o peso do esquecimento devido ao fato de jamais ter sido lembrado. Apesar do auge produtivo e de sua participação em uma série de setores, amargou quase 20 anos de um ostracismo cultural que só viria a terminar nos anos 2000, ainda assim, apenas para sofrer um novo golpe em 2014.

Assim, por mais que tenha tido seu reconhecimento, não foi uma vida fácil essa vivida por Lucchetti. Apesar do grande corpo de seu trabalho, viveu sempre como um desconhecido, mas sempre trabalhando em seus livros, como um verdadeiro apaixonado que era pelo terror e pela ficção policial.

Um dia, pretendo falar sobre o papel que Lucchetti teve em minha carreira, mas isso ficará para um outro texto, em uma outra ocasião. Por ora, fica aqui apenas essa pequena homenagem ao grande Papa do Pulp, que, por mais que tenha sido esquecido, jamais deixará de ser lembrado por aqueles tocados por suas obras.

E o resto, infelizmente, é silêncio.

📣 Preparem seus corações: a Comic House retorna em grande estilo!

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Wed, 23 Apr 2025 19:42:00 +0000

❤️ Preparem-se porque a inauguração da Comic House será um evento que vai ficar marcado na memória de todos os fãs de HQs e cultura pop.

📌 O encontro já tem data: sábado, 26 de abril, a partir das 14h, com programação repleta de lançamentos, performances e sessões de autógrafos imperdíveis.

🌟 Primeiro Bloco de Sessão de Autógrafos – 15h

É isso mesmo que você leu! Teremos dois blocos de autógrafos, e o primeiro começa cedo:

✍️ Gabriel Dantas (@bifedeunicornio) autografa “Almanaque Bife de Unicórnio #1”, “Abandonado por Elena” e “Meu Gato de Tapa-Olho”
✍️Marcio Garcia (@marcosgarcia_arts) assina “Universo Zero”, “Lampião na Terra dos Santos Valentes” e “Coletânea Potiguar de Quadrinhos”
✍️ O casal Leander e Cristal Moura trazem o melhor do terror nacional com “Carpe Diem” e “A Besta”, além do lançamento especial do livro “Monstrinhas para Colorir”

🌟 Performance Especial – 17h30

Antes do segundo bloco de autógrafos, teremos um momento inesquecível: uma performance de dança com o incrível @coletivo.tribo.ethnos, celebrando a arte em suas múltiplas formas.

🌟 Segundo Bloco de Sessão de Autógrafos – 18h

A noite segue em clima de festa com quatro grandes nomes que marcaram presença no universo dos quadrinhos:

✍️ Mike Deodato (@mikedeodato) autografa “As Aventuras de Flama e Outras Histórias”
✍️ Alberto Pessoa (@albertoemquadrinhos) assina “Justiceiro: Anos de Chumbo”
✍️ Paulo Moreira (@paulomoreirap) autografa prints exclusivos, zines hilários e as HQs “Só as Melhores” e “Bom Dia, Socorro”
✍️ Vant Vanz (@vantvazsilva) apresenta e assina seus potentes Quadrinhos da Tribo Éthnos

🌟 Uma festa para todos os fãs de quadrinhos

Além dos autógrafos e performances, o evento será uma verdadeira celebração da cultura geek e da produção independente de HQs.

🎨 E para aquecer a ansiedade, temos os dois cartazes oficiais que já dão o tom da festa:

Um produzido pelo espetacular Gabriel Dantas, o @bifedeunicornio
Outro criado com todo talento por pelo prodigioso, Paulo Moreira @paulomoreirap

❤️ A Comic House é mais do que uma loja: é um espaço de encontro, de partilha e de paixão pelos quadrinhos. E neste dia especial, queremos dividir essa alegria com cada um de vocês.

👉 Marquem na agenda, chamem os amigos e venham viver esse momento histórico.
A Comic House está de volta e a festa vai ser inesquecível!

Comic House tá de volta!

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Tue, 15 Apr 2025 19:11:00 +0000

🌟 É oficial: a Comic House retorna e o coração já dispara só de escrever isso. Quem é apaixonado por HQs, cultura pop e quadrinhos sabe que este é um momento inesquecível. Não estamos falando apenas da reabertura de uma loja, mas do renascimento de um espaço que sempre foi ponto de encontro para fãs, colecionadores e artistas.

🔥 E tem mais! As novidades não param aqui. Nos próximos dias vamos revelar um evento exclusivo que promete entrar para a memória da galera: a primeira sessão de autógrafos na Comic House, reunindo quatro quadrinistas de peso. Imagine poder conversar, tirar fotos e garantir seu exemplar autografado pelos nomes que fazem a diferença no universo dos quadrinhos. É emoção garantida!

🌟 Enquanto a lista de convidados não é revelada, já dá para sentir a energia no ar. O cartaz oficial do evento, criado pelo talentoso Lucas Nobrega, é um presente para os olhos: cheio de referências ao mundo dos quadrinhos, que fazem qualquer fã se emocionar e já começar a contagem regressiva.

💬 Mais do que uma loja, a Comic House é um espaço de encontros, trocas e descobertas, onde cada HQ na prateleira guarda histórias que vão além das páginas. Agora, com esse retorno, reforçamos nosso compromisso de trazer conteúdo, experiências e eventos que conectam gerações de leitores.

🌞 A todos vocês, que sempre acreditaram no poder dos quadrinhos e no valor da cultura, deixamos um abraço gigante – daqueles que não estão no gibi.

❤️ O reencontro está mais perto do que nunca. Prepare sua coleção, seu coração e sua curiosidade, porque a Comic House voltou para fazer história!

HQ sobre a luta pela liberdade é o grande lançamento para o mês de março

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Fri, 21 Feb 2025 22:16:00 +0000

Os Tambores de São Luís é uma obra em quadrinhos de 176 páginas, escrita pelo talentoso quadrinista maranhense Iramir Araújo, conhecido por suas notáveis HQs de cunho histórico regionalistas Balaiada e Jurados de Morte e as adaptações para os quadrinhos dos livros, O Mulato e Ursula. Com as ilustrações vibrantes de Rom Freire e Ronilson Freire, esta HQ traz a vida e a luta de Damião, um homem negro que nos conduz por uma narrativa rica e envolvente baseada no romance do escritor, Josué Montello.

A história inicia-se na infância de Damião, no quilombo, um refúgio de resistência e liberdade, onde ele dá seus primeiros passos em meio à cultura e resiliência de seu povo. À medida que a narrativa avança, seguimos Damião em sua tragédia e crescimento durante a adolescência na fazenda, onde ele enfrenta a brutalidade da escravidão.

A HQ captura com maestria a essência do sofrimento e os desafios impostos aos negros no século XIX, refletindo sobre a identidade, a luta e a esperança. A trama se revela de forma impactante à medida que Damião, agora octogenário, revisita o passado ao presenciar o nascimento de seu trineto. Essa experiência não é apenas uma reflexão sobre sua vida, mas também um potente símbolo de desejo e luta pela libertação das amarras da opressão.

As páginas dessa HQ são impregnadas de emoção e realismo, com cada ilustração trazendo à vida o peso da história pessoal e coletiva. Os Tambores de São Luís é mais do que apenas uma história em quadrinhos; é um testemunho da luta pela liberdade e um espaço para a valorização da cultura negra.

A obra busca engajar os leitores a refletirem sobre a importância da história na formação da identidade, especialmente em um contexto onde as vozes e experiências dos negros ainda clamam por reconhecimento.

Com uma escrita envolvente e ilustrações deslumbrantes, esta HQ promete prender a atenção e o coração de todos que buscam entender e honrar as lutas que moldaram nossa sociedade.

Com lançamento previsto para 27/03, ela encontra-se em pré-venda com preço promocional na loja oficial do autor na gibizada.com.br.

Essa é mais bela história do Batman já produzida! , por Lucas Freitas

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Mon, 18 Nov 2024 11:00:00 +0000

Pois bem, como temos o Batman Day (Dia do Batman) em setembro, o texto deste mês do Correio vai ser especial ˆˆ

Mas antes, vamos para a parte mais importante: como vai você?

Por uma série de motivos, que vão desde trabalho a loops de perfeccionismo e ansiedade, passei um bom tempo sem conseguir escrever para o Correio, então, acredito que essa é a primeira vez que nos vemos em um bom tempo. Então, pergunto de novo: como vai? Tudo bem por aí? Sabia que senti sua falta?

Agora que estamos retornando, gostaria de primeiro pedir desculpa por essa ausência, e dizer que estarei fazendo meu melhor para conseguir retomar aquela boa e velha regularidade, e cortar de vez os laços de perfeccionismo que prendem os textos. Ou pelo menos, não deixar que eles atrasem tanto novamente.

Agora, voltando ao ponto:

16 de Setembro passou a ser conhecido como o Dia do Batman lá fora por ser nessa data a estreia do personagem nas páginas da Detective Comics, lá nos distantes anos de 1939. Desde então, temos o Cavaleiro das Trevas tem agraciado as páginas dos quadrinhos, livros, televisões e cinemas do mundo em uma trajetória de mais de 80 anos.

Quando falamos sobre quadrinhos, tivemos um sem número de grandes artistas e roteiristas que deixaram suas marcas em fases que ficaram marcadas nas mentes de leitores. De fato, é impossível falar em nomes como Denny O’Neil, Neal Adams, Jim Aparo, Alan Grant, Grant Morrison, Norm Breyfogle, Chuck Dixon, Doug Moench, Steve Englehart, Marshall Rogers, Dick Sprang, Bill Finger, sem lembrar alguma história ou momento memorável na carreira do vigilante de Gotham.

De fato, cada leitor terá sua equipe ideal do Cruzado de Capa, da mesma forma, cada leitor terá uma história que deixará o personagem marcado em sua memória, e é sobre isso que gostaria de falar hoje, ou, mais especificamente, sobre a história aquela que é, para mim, minha história favorita do Batman.

E qual seria ela, você pergunta? Bem, é uma pequena pérola conhecida como “A Noite do Caçador”.

Publicada em Março de 1974 na edição 439 da revista Detective Comics, “A Noite do Caçador” “ (The Night of the Stalker!I”, no original), é uma história bem curta - 14 páginas - que conta com o roteiro de Vin Amendola, Sal Amendola, também responsável pela arte, e Steve Englehart. E sobre o que é essa história? Bem, vamos lá:

A história se inicia quando o Batman, pronto para se retirar após mais uma patrulha, testemunha um assalto a banco. Antes que possa agir, a situação escala quando, em meio à troca de tiros com a polícia, os assaltantes acabam por alvejar um casal de transeuntes, matando-os na frente de seu filho, e de um Cavaleiro das Trevas. A cena, claro, lança o personagem de volta ao cenário de seu maior trauma, a noite do assassinato de seus pais, e o lança numa perseguição implacável e furiosa contra os assaltantes.

E é aqui que as coisas começam a tomar um rumo bem interessante.

Porque, diferente das demais histórias do personagem, “A Noite do Caçador” é praticamente uma história de terror - e tudo isso graças às decisões tomadas pela equipe narrativa.

Primeiro, os Amendola e Englehart criam um processo de impersonalização do Cavaleiro das Trevas. De fato, por mais que ele esteja presente em toda a história, nunca conseguimos saber quais são seus pensamentos ou mesmo o que está se passando com ele de maneira direta. Aqui, tudo, das suas opiniões aos pensamentos, nos é transmitido de maneira indireta por meio dos recordatórios - aquelas caixinhas de texto amarelas - que, pela voz de um narrador onisciente, vão nos apresentando tudo o que se passa no universo interior do personagem.

Ainda que seja um processo relativamente simples, essa decisão causa um efeito bem significativo, uma vez que, ao optarem por não “dar voz” ao Batman, o mesmo termina assumindo os ares de uma força da natureza, ou de um monstro, que, movido apenas pela sua missão e raiva, vai se livrando de seus adversários, um a um de modo brutal e obstinado. O próprio modo como o personagem faz isso, reforça essa natureza implacável, uma vez que, a cada captura, os demais membros do bando vão ficando cada vez mais apavorados.

Ao mesmo tempo em que despersonaliza o seu heroi, a narrativa passa essa voz aos seus “vilões”, nos permitindo conhecer suas emoções e pensamentos de modo direto, o que nos aproxima, de certa forma, desses personagens, que passam a ser o centro da narrativa. Assim, conseguimos sentir melhor não apenas a implacabilidade do Batman, como também o terror que, gradualmente, vai se espalhando por entre os assaltantes de banco à medida em que veem seus números sendo reduzidos de modo constante.

Essa narrativa de terror chega ao seu ápice quando o Batman se depara com o último assaltante que, tomado pela tensão e terror da longa caçada noturna, simplesmente desaba, implorando para ser preso de uma vez, para que assim possa ter um alívio para aquele tormento. É nesse instante que o Cavaleiro das Trevas consegue encarar seu adversário pela primeira vez, percebendo que está diante de um jovem em pânico.

E é aqui que a história alcança seu ápice.

Deixando que o jovem seja capturado pela polícia, o Batman se retira, voltando para seu lar na Fundação Wayne (nesse período, o personagem tinha saído da tradicional Mansão e se mudado para os últimos andares do prédio da fundação que leva o nome de seus pais). Caminhando pela sala vazia, o Cruzado de Capa remove seu capuz, e é quando vemos pela primeira vez, o rosto de Bruce Wayne. Diferente das visões com que estamos acostumados, porém, não é a visão de um homem sério, sombrio ou calmo, mas antes, a de um homem quebrado, com os olhos perdidos em lágrimas, que vem a desabar em um choro profundo diante do quadro de seus pais.

E é aqui que os recordatórios vem para fechar a história com chave de ouro (tradução minha):

“Dizem que o tempo cura todas as feridas…”

“...e, de fato, Bruce Wayne já aprendeu há muito tempo a conviver com a agonia da perda de seus pais”

“mas quando ele pensa no garoto que foi deixado órfão pelo crime nas ruas ao entardecer…e no outro garoto que o crime deixou em lágrimas horas antes perante a vingança do Batman…”

“...ele se lembra de um terceiro garoto que o crime fez chorar tantos anos antes, e, na sua solitária torre iluminada pela luz cinza da alvorada, neste único momento da eternidade…”

“...ele é aquele garoto novamente.”

E é assim, com um personagem quebrado emocionalmente, que a “Noite do Caçador” encontra o seu encerramento.

E é precisamente nisso que está o que me faz gostar tanto dela.

Dentre todas as histórias do Batman, esta é aquela que, na minha opinião, melhor consegue captar aquilo que acredito ser a essência do personagem. Apesar de toda a construção do Cavaleiro das Trevas como uma força da natureza, é nos momentos finais da narrativa que a história nos apresenta quem ele realmente é: um ser humano marcado por uma dor terrível e que opta constantemente em fazer tudo o que estiver ao seu alcance para impedir outras pessoas de passarem por essa mesma dor.

Uma imagem não só imensamente triste mas, ao mesmo tempo, extremamente inspiradora, como nossos herois costumam ser.

Como nota, o CBR possui uma coluna contando um pouco mais sobre a história por trás da “Noite do Caçador”, narrada pelo próprio Sal Amendola, um dos autores da história, que você pode conferir por aqui.

E como curiosidade, existe uma história de um certo personagem canadense, escrita por um certo senhor inglês, que segue uma linha beeeem parecida com a desta história.

Mas isso, é algo que iremos discutir em uma outra ocasião ; )

Referências:

https://dc.fandom.com/wiki/Detective_Comics_Vol_1_439

https://www.cbr.com/deja-vu-on-the-night-of-the-stalker/

Paraibanos estão entre os indicados ao 36º Troféu HQ Mix

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Fri, 06 Sep 2024 12:44:00 +0000

Considerado o Oscar dos Quadrinhos do Brasil, o Troféu HQMix divulgou a lista de indicados para sua 36ª edição e a Paraíba está com cinco representantes. Samuel de Gois concorre a Melhor Web Tira, com Moídos e a melhor publicação de tira, pela HQ “O Mundo É um Moído". A Top! Top! - Convenção Paraibana de Quadrinhos, produzida por Manassés Filho concorre na categoria de Melhor Evento Nacional. Thaïs Kisuki participa como roteirista de "O Josué! Crônicas da Fome, indicado a Publicação Independente de Grupo. Henrique Magalhães concorre na categoria Melhor Publicação de Tira com a HQ “Maria: Queerlombola”.

Além de Marina Schenkel, paulista criada na Paraíba, concorre em cinco categorias com Love Can Hurt: publicação independente de edição única; novo talento — desenhista; novo talento — roteirista; colorista nacional; e arte finalista nacional.

A divulgação dos resultados está prevista para o início de dezembro, poucos dias antes da cerimônia de entrega dos troféus, no dia 11 de dezembro no Teatro Raul Cortez, em São Paulo.

Se liga! Dois eventos de cultura Asiática em João Pessoa

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Sun, 01 Sep 2024 11:39:00 +0000

A MagicShopp realiza no dia 01 de setembro de 2024, a partir das 12h no Espaço Cultural, sua maior celebração à cultura asiática ao realizar dois eventos simultâneos, o K-Nime e a terceira edição do BTS day, o primeiro é um verdadeiro festival com entrada grátis para agradar os admiradores da cultura asiática, onde o público terá a possibilidade de apreciar o inédito Desfile de Doramas, apreciar a exposição de Vestimentas Tradicionais Japonesas, participar de oficinas de pintura, Hangul (alfabeto corenao) e Mandarim (alfabeto chinês), presenciar as apresentações de Swordplay e Just Dance, comprar diversos artigos de coleção e ainda ficar frente a frente com escritores que irão lançar suas obras inspiradas em doramas, como é o caso da escritora, Joely Queiroz, que irá outorgar suas obras “Nas vielas do meu ser” (2016), “Duas Casas: um só ser” (2021) e “Sete: Des/Re/Encontros” (2023) e Aretha V. Guedes, que irá lançar seu novo romance intitulado Sou seu pesadelo?

Joely Queiroz. foto:divulgação

Já o BTS day é um é um evento pago (ingressos a venda no local) que faz um tributo ao grupo Sul Coreano BTS. Dentro da programação do evento serão apresentadas brincadeiras, apresentações de covers, workshop com a coreógrafa Young Kim, feirinha dedicada a comercialização de produtos voltados ao público, área gourmet com gastronomia específica coreana e outros atrativos, Cabine de fotos e projeto social.

E nós da Comic House, estaremos levando quadrinhos brasileiros, mangás, super-heróis e várias edições de colecionador.

Essa semana a Comic House estará...

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Tue, 06 Aug 2024 11:00:00 +0000

Querida família Comic House, estaremos nos dias 06 a 09 de agosto de 2024, no horário de 8h às 18h30, no IFPB - Campus João Pessoa, no bairro de Jaguaribe.

Em nossa itinerância, vamos levar vários formatinhos da DCcomics e Marvel, muitas minisséries completas, edições encadernadas, quadrinhos autorais de grandes nomes da HQ nacional e estrangeira e lançamentos imperdíveis da editora Risco, Tai e Tábula.

Curioso para saber algumas delas? Então, continue lendo e segure seu coração

Contos dos Orixás se passa em um tempo antigo, quando o céu e a terra estavam unidos como duas metades de uma cabaça, divindades e heróis caminharam entre os homens. Travaram batalhas com furor, ensinaram a curar e lidar com a terra, o ferro e o fogo, reinaram e amaram com a mesma intensidade. Alguns desceram do luminoso Orum para lá viverem e realizarem seus destinos, enquanto outros nasceram no Aiyê e, pelos grandes feitos se tornaram Orixás, marcando para sempre a história de dois continentes.

Uma obra-prima erótica de Magnus, As 110 Pílulas é uma reinterpretação audaciosa do clássico erótico chinês Jin Ping Mei, lançando luz sobre a saga de Hsi-Men Ching, um farmacêutico abastado que se vê enredado em uma trama de paixão, poder e desespero ao receber um afrodisíaco poderoso de um monge ancião. As interações com suas seis esposas, marcadas por uma atração magnética e conflitos crescentes, especialmente com a resoluta Madame Lua, delineiam um panorama intrincado de amor, desejo e a inevitabilidade da perdição humana. A narrativa, destacando a maestria artística de Magnus, revela uma saga erótica que oscila entre o sublime e o profano, proporcionando uma leitura estimulante e visualmente arrebatadora.

Suspiria, a manifestação onipresente do medo e desespero, vagueia pela Terra desde o alvorecer dos tempos, punindo almas inertes diante do próprio destino. Nesta edição, somos levados ao coração sombrio do universo Suspiriano, onde o legado de H.P. Lovecraft se entrelaça em uma dança macabra de desespero e redenção. Com a Santa Morte e as irmãs de Suspiria ao lado, exploramos a história não contada do exílio de Lúcifer, uma jornada que ressoará através da eternidade.

Cada traço de Luca Laca e Andrea Bulgarelli aprofunda a narrativa, criando uma tapeçaria visual sombria e envolvente.

Uma bomba que mata apenas adultos é detonada e agora o mundo está entregue às crianças. Nesta estranha distopia criada por Carlos Trillo e Horacio Altuna, acompanhamos a história de um grupo de jovens lutando não apenas para sobreviver, mas também para compreender o mundo sem ninguém para guiá-los.

Lançada originalmente em capítulos entre junho de 1982 e junho de 1983 na revista espanhola 1984, O Último Recreio nos coloca questões assustadoramente atuais. Guerra, doença, desamparo. A genialidade de Trillo e o traço cruel de Altuna nos dá a universalidade e atemporalidade destas questões e muitas outras nesta obra obrigatória para o leitor de quadrinhos.

Em 1897, o público descobriu nas páginas de um romance epistolar escrito por Bram Stoker o extraordinário personagem de Drácula, um ser imortal que se alimenta do sangue dos vivos para transformá-los em criaturas malignas.

Se Stoker não inventou a figura do vampiro, foi quem a definiu, tornando o Conde Drácula um ícone que inspirou gerações de autores. E embora o romance não tenha sido um best-seller imediato, teve um eco mundial através de adaptações cinematográficas que se tornaram tão cult quanto a obra original.

Para a graphic novel, Georges Bess transcreve a alma do romance de maneira fidedigna. Com traços firmes e carregados de tinta, Bess usa do preto e branco para criar cenários sombrios e personagens densos. Drácula é uma obra virtuosa que demonstra, mais uma vez, que Bess é inquestionavelmente um dos gigantes dos quadrinhos contemporâneos.

Drácula de Georges Bess da Risco Editora segue a Édition Définitive, recentemente lançada na França pela editora Glénat, que inclui uma adaptação original de O hóspede de Drácula – conto publicado muitos anos após a morte de Bram Stoker – com 15 páginas extras.

'A Comédia de Jack Davis', uma coletânea que celebra o humor audacioso e criativo de Jack Davis durante sua jornada na revista Cracked.

Este volume nostálgico revive um período fascinante da história da arte sequencial, marcado pelo talento inegável de Davis, um dos pilares fundadores da revista Mad. A edição resgata seu envolvimento prolífico com a Cracked Magazine, a rival honrosa da Mad nos Estados Unidos, durante as décadas de 1950 e 1960. Com introdução apurada de Bhob Stewart e reflexões finais de Mort Todd, esta obra não apenas homenageia o gênio cômico de Davis, mas também ressalta a riqueza cultural da época.

Uma curiosidade intrigante é a transição de Mad para Cracked, evidenciando uma competição amigável e criativa que apenas enriqueceu o universo do humor gráfico.

O retorno do cangaceiro cyberpunk

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Mon, 05 Aug 2024 18:23:00 +0000

Publicada em 2018, a HQ Cangaço Overdrive, do quadrinista cearense, Zé Wellington, trouxe uma bem vinda mistura de gêneros, ao apresentar uma história que envolve o cangaço e cyberpunk. Passados seis anos, somos agraciados com a sequência Cangaço Overdrive 2: Além das raízes, onde iremos acompanhar a jornada do lendário cangaceiro Cotiara, que revivido num futuro distópico, busca vingança contra aqueles que lhe tiraram o direito de morrer. Seu destino é São Paulo, a maior metrópole do país, onde os caminhos do cangaceiro serão cruzados com um grupo de ativistas que luta contra os violentos despejos das ocupações urbanas na grande cidade. Enquanto isso, lembranças do seu início no cangaço despertam novamente os maiores medos de Cotiara. Estaria o cangaceiro pronto para confrontar suas memórias e mudar o futuro do seu novo mundo?

Cangaço Overdrive 2: Além das raízes, página 8

Tal como a obra anterior, Cangaço Overdrive 2: Além das raízes, contínua publicada pela editora Jambô, que por sua vez colocou no Catarse (catarse.me/cangaco), plataforma de financiamento coletivo, para que a obra seja viabilizada financeiramente por meio da contribuição de colaboradores que devem escolher entre o valor e recompensa que mais lhe convir.

Título: Cangaço Overdrive 2: Além das Raizes
Roteiro: Zé Wellington
Desenhos de Rafael Dantas (Mandacaru Vermelho, Lâmina Azulada) e Rodrigo Matos (Arquivos secretos da Segunda Guerra Mundial) e cores de PH Gomes
Formato: 17cm x 24cm - Páginas: 72 (coloridas)

Para contribuir: Catarse

Revelando as Cores de "A Garota Dinamarquesa" Por Rita Barbosa

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Mon, 05 Aug 2024 15:19:00 +0000

Hoje vamos conversar sobre "A Garota Dinamarquesa", um filme que não apenas pinta uma imagem vívida do amor e da identidade, mas também mergulha profundamente nas complexidades da transformação, tanto pessoal quanto artística.

Dirigido por Tom Hooper (Os miseráveis e O Dicurso do Rei), o filme é inspirado nas vidas reais dos artistas dinamarqueses Einar Wegener, que se torna um dos primeiros conhecidos a receber cirurgia de confirmação de gênero, transformando-se em Lili Elbe, e sua esposa Gerda Wegener.

A mágica começa de forma bastante sutil — Gerda, interpretada pela incrível Alicia Vikander pede ao marido Einar (Eddie Redmayne) para vestir um traje de bailarina para um quadro. Esse momento, embora simples, desencadeia uma transformação profunda para Einar, revelando gradualmente a persona de Lili.

Lili Elbe, em 1926 / Crédito: Wikimedia Commons

Pode-se pensar inicialmente que o filme trata de cross-dressing, especialmente com o cenário dos anos 1920, mas é muito mais profundo. Ele explora identidade e a jornada em direção à realização do verdadeiro eu. Eddie Redmayne retrata as emoções complexas de Lili com tanta delicadeza, mas na minha humilde opinião, é Gerda quem roubou o coração do espectador. Vikander retrata um espectro de emoções – desde o apoio incondicional até uma sensação de perda de cortar o coração, nos mostrando o outro lado de uma transformação tão profunda.

A cinematografia e os cenários são um verdadeiro banquete visual, lembrando os estilos exuberantes de art déco e nouveau que foram significativos durante os anos 1920. Cada quadro é como uma pintura, enriquecido com profundidade emocional.

O que posso dizer? Em sua essência, "A Garota Dinamarquesa" é uma exploração comovente do amor, arte e identidade. É uma narrativa envolta em visuais delicados, com performances que tornam a jornada dos personagens profundamente pessoal e universalmente ressonante. Se você está afim de um filme que mistura expressão artística com uma narrativa emocionante, esta é uma escolha delicada, mas poderosa. Pegue alguns lenços, acredito que você irá precisar deles!

Título: A garota dinarmaquesa

Inglaterra, 2015

Direção: Tom Hooper

Roteiro: Lucinda Coxon

Elenco:Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Ben Whishaw, Matthias Schoenaerts, Ben Whishaw, Amber Heard, Sebastian Koch, Emerald Fennell e Adrian Schiller.

Onde assistir: Prime Vídeo, Apple TV, Google TV e YouTube

Comic House apresenta: Bate-Papo e Sessão de Autógrafos com...

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Mon, 29 Jul 2024 11:30:00 +0000

O evento realizado pela Comic House, irá ocorrer dia 31/07, às 18h, no Espaço Cultural José Lins do Rego, em frente a Gibiteca Henfil.

Nessa que é a 58ª sessão de autógrafos produzida pela livraria, os quadrinistas Hugo Jesus e Samuel Gois participam de um bate-papo que será mediado por Manassés Filho, da Comic House.

Ao término do bate-papo Hugo Jesus, autografará “Contos dos Orixás” (104 páginas, colorido, R$ 50,00) e sua obra mais recente, Contos dos Orixás - O Rei do Fogo (120 páginas, colorido, R$ 50,00), ambas obras adaptam a mitologia e as tradições orais afro-brasileiras, buscando levar para os leitores jovens e adultos as narrativas de matrizes africanas acerca das divindades e heróis ancestrais; e Samuel Gois, que assina O mundo é um muído (192 páginas, capa dura, preto e branco, R$ 72,00), uma coletânea de suas tiras mais poéticas e sofridas criadas nesses mais de 10 anos de publicação física e online, inspiradas de uma relação (às vezes) saudável com sua depressão.

Na ocasião, os autores além de autografarem suas obras, também irão disponibilizar prints para compra.

Colecionadores de outras cidades podem adquirir antecipadamente seus exemplares autografados por meio no site comichouse.com.br

Troféu HQMIX abre recadastramento de votantes

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Sun, 28 Jul 2024 21:51:00 +0000

O Troféu HQMIX, que está em sua 36ª edição, está abrindo as inscrições de votantes já existentes e novos de 24/07/24 a 10/08/24. A convocação é para todos(as) que trabalham com quadrinhos no Brasil e queiram participar do maior troféu sul-americano da nona arte. A importância do HQMIX para desenhistas, roteiristas, editores e até para quem lê quadrinhos, este último, o inscrito deverá selecionar a opção "Outros" e especificar a categoria "leitor".

Atualmente são mais de dois mil votantes, todos que necessariamente trabalham com a produção e edição de quadrinhos. Essa nova abertura de cadastramento geral é importante para arregimentar o crescimento na produção e edição observado a cada ano. Nos três últimos anos, por exemplo, cresceu muito a participação das mulheres na área, o que mostra esta evolução dentro da produção no mercado editorial. Neste ano, foram mais de 1.500 inscritos para concorrer às 32 categorias listadas.

A Comissão Organizadora do Troféu HQMIX analisará as solicitações e aprovará aquelas que cumprem os requisitos estipulados no cadastro. Quem trabalha com quadrinhos poderá se inscrever por meio do site no link: https://hqmix.com.br/cadastro-para-votacao/. É bem simples e rápido.

A votação acontecerá logo que for revelada a lista de finalistas selecionada pela Comissão Julgadora do HQMIX no mês de setembro de 2024 em data a ser divulgada.

A 36ª edição do Troféu HQMIX tem o apoio do Governo do Estado de São Paulo, da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas, do Governo Federal, do Ministério da Cultura e da Lei Paulo Gustavo. O evento conta ainda com o apoio e parceria de seu padrinho, o apresentador Serginho Groisman, e do Sesc São Paulo.

Juscelino Neco, Paulo Moreira e Gabriel Jardim participam de evento em João Pessoa.

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Thu, 04 Jul 2024 18:01:00 +0000

O evento realizado pela Comic House, livraria especializada em quadrinhos, sediada em João Pessoa, irá ocorrer dia 06/07, às 16h, no Espaço Cultural José Lins do Rego, em frente a Gibiteca Henfil.

Nessa que é a 57ª sessão de autógrafos produzida pela livraria, os quadrinistas Juscelino Neco, Paulo Moreira e Gabriel Jardim participam de um bate-papo que será mediado por Manassés Filho, da Comic House

Ao término do bate-papo, Juscelino Neco, autografará “Em perfeito estado” (104 páginas, preto e banco, R$ 50,00) sua obra mais recente que mistura o mistério, o sobrenatural e o feticheque; Paulo Moreira, autografa, “Só as melhores” (96 páginas, colorido, R$ 59,90,) que reúne uma seleção das melhores tirinhas produzidas por ele mesmo; e Gabriel Jardim, que assina Preto Tipo A (128 páginas, preto e branco, R$ 40,00), obra inspirada no realismo mágico de Gabriel Garcia Marques.

Na ocasião, as obras anteriores de cada autor estarão disponíveis para compra na mesa da Comic House presente no evento e colecionadores de outras cidades podem adquirir antecipadamente seus exemplares autografados por meio do site clicando aqui

Sucesso da literatura pós-apocalíptica brasilieira ganha segunda edição, por Manassés Filho

noreply@blogger.com (Comic House) — Mon, 01 Jul 2024 12:00:00 +0000

Por Manassés Filho

Verde Gás, romance distópico de estreia do jornalista paraibano Ricardo Oliveira, está em campanha de relançamento na plataforma Catarse.

O sucesso da primeira tiragem ter-se esgotado rapidamente deu-se pelo ineditismo da narrativa ao abordar o cotidiano de João, um arquiteto que vê seu condomínio fechado, em João Pessoa, ser invadido por um gás tóxico. Único sobrevivente, ele passa seus dias enterrando corpos, limpando casas e mexendo no passado dos seus vizinhos, familiares e amigos de infância.

Com Verde Gás, o autor trouxe ao leitor uma inversão do cenário da tragédia, ao apresentar a história ocorrendo justamente em um local que encontra-se atrelado a ideia de segurança e de onde muitas vezes encontram-se pessoas supostamente virtuosas que buscam apenas viver em paz e protegidas em seus Elysium, do mal que reside no mundo exterior.

A nova tiragem do livro vem com uma identidade visual renovada, novo prefácio e diversos itens extras para os apoiadores que venham a colaborar com a campanha.

Verde Gás entrou em campanha de financiamento coletivo no dia 12 de julho desta vez por iniciativa do próprio autor.

Acesse agora o Catarse, selecione a opção de colobaração que mais lhe agrade e garanta sua recompensa!

RPG Verde Gás - Um das recompesas para os apoiadores na campanha de relançamento

Corpo de Delito, uma violenta e densa HQ policial noir para você conhecer, por Manassés Filho

noreply@blogger.com (Comic House) — Sun, 30 Jun 2024 21:11:00 +0000

Por Manassés Filho

Publicada pela primeira vez em março de 2006, em formato magazine, papel jornal, com 72 páginas e capa de Beto Nicácio, a HQ conquistou os leitores por sua narrativa densa e violenta. Passados 18 anos, a edição é republicada em novo formato (17cm x 24cm e 96 páginas), papel pólen, nove histórias sendo duas histórias inéditas, uma desenhada por Beto Nicácio, autor da capa original e outra pelo icônico, Júlio Shimamoto, que também assina capa da nova edição.

Iramir Araújo é prolífero autor maranhense que em suas obras aborda adaptações da literatura, temas históricos e regionais, mas que sempre tem um olhar incisivo sobre a condição humana.

Em Corpo de Delito, somos apresentados ao delegado Augusto [Caolho] dos Anjos, um homem da lei, mas que conhece os seus atalhos e não tem pudor em usá-los para combater combater o crime em suas diversas formas, desde crimes comuns a tramas elaboradas que envolvam corrupção política, assassinatos, sequestros etc. Ele não é um mocinho, no sentido estrito da palavra, e pode ser duro, se a situação exigir. Não tem a virtude da calma e é chegado a frequentar inferninhos entre um plantão e outro. Entretanto, tem uma sensibilidade especial quando se trata de crianças de rua. Ele já foi uma delas.

A HQ encontra-se em pré-venda na loja oficial do autor na Gibizada.

Título:Corpo de Delito

Roteiro: Iramir Araújo

Desenhos: Carlos Sales, Julio Shimamoto, Beto Nicácio, Solomão Jr, Bruno Azevedo, Romilson Freire, Marcos Caldas e Luiz Saindenberg.

A jornada do herói na HQ BEOWULF, por Vitória Lima

noreply@blogger.com (Manassés Filho) — Wed, 17 Apr 2024 23:30:00 +0000

“A mais longa das jornadas começa sempre com o primeiro passo” (provérbio chinês)

Tive duas ricas e inesquecíveis experiências como professora de Literatura Inglesa: a primeira na UFPB, em \joão Pessoa, (entre os anos de 1970 e 1992) e a segunda na UEPB, em Campina Grande, (entre os anos de 2003 e 2013). Meus cursos eram iniciados, invariavelmente, com a apresentação aos alunos dos primórdios da literatura inglesa, da Idade Média, com o poema épico “Beowulf”, uma obra seminal dentro do panorama da literatura inglesa. Contudo, o interesse nesta obra está restrito aos estudiosos da história literária e cultural britânicas. Foi, portanto, com muita surpresa que encontrei um exemplar da obra, em uma feira de HQ, no Espaço Cultural, em João Pessoa. numa versão Graphic novel, em português, assinada por Santiago Garcia e David Rubin, traduzida por Alexandre Calliari, trazendo um primoroso e inspirado epílogo do espanhol de Madrid, Javier Olivares. Uma rica edição em cores, de tamanho 31 x 21 cm, capa dura, uma produção da Pancrom Indústria Gráfica, datada de novembro de 2018. É claro que por trás desse achado está o talento e a sensibilidade, diria até, o faro de antiquário do produtor cultural, empresário do ramo dos quadrinhos Manassés Filho, proprietário da Comic House, que hoje, infelizmente, está restrita ao meio on line, subsistindo em sua forma física, apenas quando participa de feiras de HQ.

Meu primeiro contato com o poema “Beowulf” deu-se nos idos da década de 1970, quando cursava mestrado na Universidade de Denver, Colorado, Estados Unidos. Foi um choque para mim, entrar em contato com aquela língua estranha, o Anglo Saxão, a língua em que o poema foi originalmente escrito. O poema conta a história do herói Beowulf, que luta para defender seu povo (os dinamarqueses) contra a fúria destruidora do monstro Grendel, que na obra é identificado como “o filho de Caim”.

A obra é um “prato cheio” para a aplicação das teorias de Joseph Campbell sobre a jornada do herói, que busca identificar o caminho perseguido pelo herói até atingir seu objetivo. No caso de Beowulf, acompanhamos o nascimento do herói, quando ele se oferece para defender os daneses, os súditos de Hrothgar, que festejam suas vitórias no salão festivo de Heorot. O herói se define como “Bewulf, filho de Ecgtheow, rei dos Wegmlunding, vassalo de Hygelac, rei dos Godos. Ele diz que liderou catorze nobres guerreiros através dos mares até aquela orla onde tinha chegado. A sua saga contra o monstro Grendel tem várias etapas e ele consegue derrotar o monstro em todas elas.

A leitura de “Beowulf” compensa e nos introduz no reino da coragem e da aventura, tão fértil e perseguido por escritores mais modernos, como Tokien e tantos outros depois dele, até os nossos dias.

Ainda dentro da tradição medieval inglesa temos Geoffrey Chaucer, com suas “Lendas da Cantuária’, com seu variado panorama de personagens menos heroicos, mais próximos do homem e da mulher comuns.

Os 34 anos de Darkman - A vingança sem rosto, por Lucas Freitas

noreply@blogger.com (Comic House) — Sun, 14 Apr 2024 23:30:00 +0000

Bem, não exagero ao dizer que Sam Raimi é um de meus diretores favoritos.

Apesar de ter sido impactado desde cedo, como boa parte da geração que cresceu nos anos 2000, pelo papel de Raimi como diretor dos filmes do Homem-Aranha - a primeira versão, com Tobey Maguire no papel principal - foi só muito tempo depois que comecei a atentar não só no papel, mas também no estilo, do diretor. E isso graças a “Uma Noite Alucinante” (Evil Dead II, 1987).

Para quem nunca viu esse filme, ele é uma sequência/reboot do “A Morte do Demônio” (The Evil Dead, 1981), que nos apresenta a história de um grupo de jovens que fica preso em uma cabana no meio de uma floresta, sendo perseguidos pelos espíritos demoníacos invocados a partir da leitura do Necronomicon. Mas, enquanto o primeiro filme é um filme de terror no sentido mais tradicional, “Uma Noite Alucinante” parte para um misto de terror, humor negro e ação, apresentando praticamente a mesma história, mas adicionando novos elementos e alterando uma série de pontos.

No entanto, o que realmente me pegou nesse filme, e que me fez correr atrás de toda a filmografia de Sam Raimi, foi a energia que parecia pulsar do filme. Sendo um projeto realizado entre amigos de longa data, existia, de fato, uma grande diversão no período das filmagens, mas também é muito mais que isso. Com uma câmera extremamente fluída, Raimi é um daqueles diretores que conseguem levar o espectador por um passeio visual, colocando-o em movimento junto com seus personagens enquanto apresenta tomadas e transições únicas. Não só isso, ele possuí um senso de timing e de ritmo espetacular, conseguindo contar uma história em um ritmo acelarado, mas que nunca chega a ser corrido, e alternando os momentos de humor, horror e ação com uma maestria única.

Essas características sempre acompanham os filmes do diretor que, mesmo em suas produções mais fracas, consegue criar uma experiência única e divertida, destoando sempre do feijão com arroz das grandes produções. De fato, tenho para mim que, mais do que um contador de histórias, Raimi é um apaixonado pelo cinema, e é essa paixão que ele sempre deixa aparecer em suas produções.

Mas então, toda essa introdução está aqui apenas para apresentar aquele que considero ser um dos filmes mais fascinantes do diretor mas que, ainda assim, não é tão conhecido ou comentado como a franquia Evil Dead ou suas produções mais recentes, como o próprio Homem-Aranha ou o Arraste-me para o Inferno: Darkman.

Conhecido por aqui com o título de “Darkman - Vingança sem Rosto” (Darkman, 1990), o filme nos apresenta a história do cientista Peyton Westlake, que tem sua pesquisa sobre peles sintéticas brutalmente interrompida pelo ataque de uma gangue, que destrói seu laboratório. Apesar de sobreviver à explosão, Peyton é terrivelmente desfigurado pelo fogo, sendo submetido a uma cirurgia experimental que corta parte de seus nervos, impedindo-o, assim de sentir qualquer tipo de dor ou mesmo a sensação de tato. Por mais que isso possa lhe parecer uma benção, o tratamento que o livrou da dor traz, como efeito colateral, a perda de sua capacidade de regulação emocional, além de resistência e força sobre-humana em situações de grande estresse devido à liberação de adrenalina desregulada de seu sistema nervoso. Restaurando seu laboratório, o cientista parte então em busca de vingança, utilizando seus novos “poderes” e suas peles sintéticas - que não pode ficar muito tempo exposta à luz - ao mesmo tempo em que busca retomar a vida que perdeu.

E vamos ficar por aqui para evitar entrar no terreno dos spoilers.

Se você nunca viu Darkman, eu recomendo bastante a experiência. Apesar da trama em si ser algo relativamente simples, a atuação de Liam Neeson como Peyton Westlake já é, por si só, digna de ser vista. Aqui, o ator dá ao personagem um peso e uma gravidade memoráveis, uma vez que o ator dá um show nas transições repentinas e abruptas emocionais de seu papel, e isso sem jamais descambar para o ridículo ou para o muito exagerado.

Não só isso, a própria construção de mundo de Darkman é algo digno de nota. Numa época em que filmes baseados em quadrinhos ainda eram uma parte bem pequena do meio cinematográfico, é curioso ver como a inspiração dos quadrinhos é bem forte no filme, ainda mais para um personagem original. Tanto no estilo quanto na narrativa, é notável o quanto as histórias em quadrinhos influenciam a construção desse mundo, seja no drama de Peyton e em sua relação conturbada com Julie Hastings (Frances McDormand), ou mesmo no tom exagerado e nas ações caricatas de seus vilões. Estes, são um espetáculo à parte, mais parecidos com personagens tirados de das histórias de Dick Tracy, cada um marcado por maneirismos, tiques e tocs extremamente específicos.

E unindo tudo isso, temos o estilo único de Raimi, com sua câmera fluída, tomadas inusitadas, cortes e transições cuidadosamente calculados, e aquela energia frenética, maníaca, até, que sempre conseguimos ver em seus melhores momentos.

Bem, e se isso tudo ainda não foi o suficiente para te convencer a dar uma chance ao filme, considere que temos aqui uma planta baixa daquilo que o diretor fará anos depois em Homem-Aranha.

Mas isso será uma conversa para um outro dia.

Até a próxima!