COMPOSITORES CONTEMPORANEOS

ARVO PART

2010-01-25T14:10:00.000-08:00

Compositor estonio. Nació el 11 de septiembre de 1935 en Paide (Estonia). Se le identifica con la música minimalista y más específicamente con el «minimalismo sacro». Es considerado un pionero en ese estilo, como sus contemporáneos Henryk Górecki y John Tavener. Arvo Pärt es más conocido por las obras de su segundo período compositivo (trabajos corales).

La obra de Pärt generalmente se divide en dos periodos. Sus primeros trabajos partieron de un neoclasicismo bastante severo (influido por Shostakóvich, Serguéi Prokófiev y Bela Bártok). Luego empezó a componer usando el dodecafonismo y el serialismo de Arnold Schoenberg. Sin embargo, esto no sólo atrajo la ira de los burócratas culturales soviéticos, sino también demostró ser un callejón creativo sin salida.

El compositor Paul Hillier dice acerca de este periodo: «Llegó a un punto de completa desesperación en el cual la composición de música le parecía el más inútil de los gestos, y le faltaba la fe musical y la fuerza de voluntad para escribir una sola nota».

Esto debe de ser una exageración, ya que durante esa época compuso su Tercera Sinfonía (de 1971, de estilo transicional). Sin embargo es claro que Pärt experimentó una profunda crisis personal. Su respuesta fue sumergirse en la música antigua, es decir, volver a las raíces de la música occidental. Estudió canto llano, canto gregoriano y las primeras apariciones de la polifonía en el Renacimiento. Al mismo tiempo comenzó a explorar la religión y se unió a la rígida Iglesia ortodoxa rusa, indicando que quizá su crisis no era exclusivamente musical, sino también espiritual.

La música que produjo en esta época fue radicalmente diferente. Pärt la describe como “tintineante” (tintinnabular) como el tañir de campanas. La música se caracterizaba por armonías simples, frecuentemente notas sueltas sin adornos, o acordes triádicos (los cuales formaron la base de la armonía occidental). Hay alguna reminiscencia al sonido de las campanas (de allí el nombre). Los tintinábulos son rítmicamente simples y no cambian el tempo. Es clara la influencia de la música antigua en estas obras.

Otra característica de las últimas obras de Pärt es que tienen textos sagrados (aunque la mayoría de las veces elegía el latín o la lengua eclesiástica eslava que se usa en la liturgia de la iglesia ortodoxa en vez de su lengua materna (el idioma estonio).

Pärt es más conocido por sus últimas obras, y es un caso infrecuente de compositor moderno que alcanza la popularidad en vida.

La música de Arvo Pärt ha atraído a la atención pública en Occidente, particularmente gracias a Manfred Eicher, que a partir de 1984 grabó varias de sus composiciones para la firma ECM Records, además de influir en la nueva generación de compositores estonios como Erkki-Sven Tüür y Lepo Sumera.

Pärt ha dicho que su música es similar a la luz que pasa a través de un prisma (óptica): la música puede tener un significado ligeramente diferente en cada oyente, creando un espectro de experiencias musicales, similar al arco iris.

El compositor minimalista Steve Reich comentó acerca de Pärt: «Ya desde que estaba en Estonia, Arvo estaba sintiendo lo mismo que el resto de nosotros. [...] Amo su música y amo el hecho de que sea un hombre tan talentoso y valiente. [...] Está completamente fuera de la corriente dominante y sin embargo es enormemente popular, lo cual es muy inspirador. Su música llena una profunda necesidad humana que no tiene nada que ver con la moda».

Su música se ha usado en más de cincuenta filmes, como Väike motoroller (1962) y Promised Land (‘Tierra prometida, 2004). El Cantus in Memory of Benjamin Britten fue usado en Les Amants du Pont-Neuf (de Léos Carax, 1991), en Fahrenheit 9/11 cuando mostraba el final de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York y en la película Japón del cineasta mexicano Carlos Reygadas. Spiegel im Spiegel fue usado en Wit (de Mike Nichols, 2001), en el drama Gerry (de Gus van Sant, 2003) y en Elegy (de Isabel Coixet, 2008).

MESIAS MAIGUASHKA

2010-01-10T10:43:00.001-08:00

Nació el 24 de diciembre de 1938 en la ciudad deQuito, Ecuador. Realiza sus estudios en el Conservatorio de Quito, en la Eastman School of Music (Rochester, N.Y.), en el Instituto di Tella (Buenos Aires) y en la Musikhochschule Köln. Producciones en el estudio de Música de la WDR (Colonia), donde trabaja con KarlheinzStockhausen, en el Centre Européen pour la Recherche Musicale (Metz), en el IRCAM (Paris), en el Acroe (Grenoble) y en el ZKM (Karlsruhe). Trabajo docente en Metz, Stuttgart, Karlsruhe, Basel,Sofía, Quito, Cuenca, Buenos Aires, Bogotá, Madrid, Barcelona, Györ y Szombathely (Hungría), Seoul (Corea). Conciertos en los principales festivales europeos. Desde 1990 Profesor de Música Electrónica en la Musikhochschule Freiburg hasta su jubilación en 2004. En 1988 fundó con Roland Breitenfeld el K.O.Studio Freiburg, una iniciativa privada para el cultivo de música experimental. Desde el 2008 miembro del Directorio Artístico de GEMART (Grupo de Música Experimental y Artes Mediáticas) y del Ensamble GEMART. Vive desde 1996 en Freiburg.

Actualmente vive en Alemania pero viaja periodicamente a Ecuador donde dicta clases de musica contemporanea y electroacustica en la universidad de Cuenca Ecuador.

VALENTIN SILVESTROV

2009-12-18T15:14:00.000-08:00

Valentín Silvestrov (ucraniano: Валентин Сильвестров, nació el 30 de septiembre de 1937 en Kiev, Ukraina. Pianista y compositor contemporaneo, dedicado libremente a la composicion.

Silvestrov comenzó sus estudios musicales con clases privadas a sus 15 años. Estudió piano en la Escuela de Nocturna de Música de Kiev de 1955 a 1958, posteriormente, ingresó en el Conservatorio de Kiev (1958-1964), donde estudió Composición con Borys Lyatoshynskyy armonía y contrapunto con L. Revutsky.

Silvestrov es conocido por su vanguardista estilo musical, y algunas, si no es que la mayoría de sus obras podrían considerarse neoclásicas y modernistas. Mediante el uso de la técnica modal y tonal tradicional, Silvestrov crea un único y delicado tapiz dramático y emocional con las texturas, cualidades que Silvestrov sugiere sean sacrificados en gran parte de la música contemporánea. "Yo no escribir nueva música. Mi música es una respuesta y un eco de lo que ya existe", ha dicho Silvestrov.

Su Sinfonía N º 5 (1980-1982), considerado por algunos como su obra maestra, puede considerarse como una coda o epílogo inspirada por la música romántica tardía de compositores como Gustav Mahler.

En 1974, bajo la presión para ajustarse a los preceptos oficiales del realismo socialista y la modernidad de moda, Silvestrov optó por retirarse del centro de atención, al mismo tiempo que rechazaba su estilo modernista, aunque mediante la música resistió la opresión del dominio soviético, el autoritarismo, la burocracia en la cultura y la persecución religiosa, como hicieron tambien Sofia Bubaidulina, Arvo Part, Peteris Vasks y Galina Ustvolskaya.

Entre sus obras más reconocidas y publicadas se encuentran siete sinfonías, poemas para piano y orquesta, piezas diversasa para orquesta de cámara, dos cuartetos de cuerdas, un quinteto de piano, tres sonatas para piano, piezas para piano solo, música de cámara y música vocal (cantatas, canciones, etc .)

GALINA USTVOLSKAYA

2009-12-18T14:45:00.000-08:00

Galina Ivánovna Ustvólskaya (en ruso: Галина Ивановна Уствольская, Galina Ivánovna Ustvól'skaya) (nace en Petrogrado, 17 de junio de 1919 y muere en San Petersburgo el 22 de diciembre del 2006. Es considerada una compositora rusa de musica clasica contemporanea.

Estudió desde 1937 hasta 1947 en la universidad asociada al Conservatorio de San Petersburgo. Seguidamente se hizo estudiante de posgrado y pasó a enseñar composición en la universidad. Su profesor de composición, Dmitri Shostakovich, que rara vez felicitaba a sus estudiantes, dijo de ella: "Estoy convencido de que la música de Galina Ustvólskaya conseguirá renombre mundial, y será valorada por todos aquellos que perciben que la verdad en la música tiene importancia de primer orden."
En distintas ocasiones Shostakóvich la apoyó en la Unión de compositores soviéticos, en oposición a sus colegas. Le envió a ella algunos de sus trabajos propios y otros inacabados, dándole gran valor a los comentarios que ella hiciese. Algunas de estas piezas contienen incluso citas extraídas de las composiciones de su pupila; por ejemplo, empleó el segundo tema del Finale del trío de Clarinete de Ustvólskaya a lo largo de su 5to. Cuarteto de cuerdas y en su Suite Michelangelo n°9. La relación artística e íntimamente espiritual entre ambos ha sido comparada con aquella que sostuvieron Schoenberg y Weberm.

Fue pupila de Shostakóvich entre 1939 y 1947, pero sin embargo retuvo muy poca influencia de su estilo a partir de los años cincuentas. Como modernista que era realizó pocas presentaciones públicas; hasta 1968 ninguna de sus obras, aparte de las piezas patrióticas escritas para uso oficial, había sido interpretada. Hasta la caída de la unión soviética, sólo la sonata para violín de 1952 ha sido tocada con cierta frecuencia, pero desde entonces su música se ha visto programada con cada vez mayor regularidad en repertorios de occidente.

Ustvólskaya desarrolló un estilo propio muy personal, del que dijo: "No hay el menor vínculo entre mi música y la de cualquier otro compositor, vivo o muerto". Entre las características de su estilo están: el uso de repetidos bloques de sonidos homofónicos, lo cual indujo al crítico danés Elmer Schönberger a apodarla "la dama con el martillo"; inusuales combinaciones de instrumentos (por ejemplo ocho contrabajos, piano y percusión para la Composición N°2); uso considerable de dinámicas extremas (como en su Sonata para piano N°6); empleo de grupos de instrumentos con el propósito de introducir clusters, y el uso de piano o percusión para desarmar rítmos inmutables regulares (todos los trabajos atribuidos a ella usan piano o percusión, y muchos ambos).

Su música no fue "vanguardista" en el sentido comúnmente aceptado de la palabra, y por esta razón no fue abiertamente censurada en la Unión Soviética. Sin embargo, fue acusada de no querer comunicarse y de "estrechez" y "obstinación". Es sólo en los últimos tiempos que sus críticos han comenzados a entender que estas supuestas definencias eran en realidad las cualidades distinguibles de su música. El compositor Boris Tishchenko ha comparado oportunamente la "estrechez" de su estilo, con la luz concentrada de un rayo láser capaz de perforar metal.

Sus trabajos de los años cuarenta y cincuenta suenan a veces como si hubieran sido compuestos hoy. Su idealismo específico era mantenido por una determinación casi fanática, esto debe interpretarse no sólo como un rasgo típicamente ruso, sino además, -en palabras de Dostoievsky- como un rasgo "San Peterburgués". Shostakovich escribió a Ustvólskaya: "No eres tú quién es influenciada por mí; más bien, soy yo quien soy influenciado por ti".

Todas las obras de Ustvólskaya son de gran envergadura, en la intención, sin importar cuánto duren o cuántos músicos se vean involucrados. Su música está basada grandemente en conceptos de tensión y densidad.

Con respecto al «Festival de Música de Mujeres compositoras» me gustaría decir lo siguiente: ¿Realmente puede hacerse una distinción entre música escrita por hombres y música escrita por mujeres? Si ahora tenemos «Festivales de Música de Mujeres compositoras», ¿no sería correcto tener «Festivales de Música de Hombres compositores»? Soy de la opinión de que no debería permitirse que tal división persista. Sólo deberíamos tocar música que es genuina y fuerte. Si somos honrados en eso, una interpretación en un concierto de mujeres compositoras es una humillación para la música. Espero sinceramente que mis comentarios no ofendan a nadie —lo que digo sale de mi más recóndito ser...

SOFIA GUBAIDULINA

2009-12-16T16:43:00.000-08:00

Sofía Gubaidúlina nació en Chistopol (Tartaristán) en 1931. Durante su juventud pasaba mucho tiempo rezando en los campos cerca de su casa para poder convertirse en compositora. Estudió composición y piano en el conservatorio de Kazan, graduándose en 1954. Prosiguió sus estudios en Moscu en el conservatorio con Nikolay Peyko hasta 1959, y prosiguió sus estudios de graduación con Vissarion Shebalin hasta 1953.

Durante sus estudios en la Union Sovietica, su música fue etiquetada de «irresponsable» por su exploración con afiliaciones alternas. Sin embargo, fue apoyada por Dmitri Shostakovich, quien al evaluarla en su examen final la animó a continuar por su «camino erróneo».

A mediados de los anios 70s Gubaidúlina fundó Astreja, un grupo de improvisacion con instrumentos folclóricos, con los compositoresVictor Suslin y Vyasheslav, alumnos suyos.

A inicios de losanios 80s Gubaidúlina se hizo más conocida por el éxito obtenido por el violinista Gidon Kremer con su concierto para violin Offertorium. Después compondría un homenaje a T. S. Eliot, usando el texto de su obra maestra espiritual Four Quastets.

Vivió hasta 1992 en Moscu, después ha escogido como residencia principal Hamburgo, en Alemania.

En el 2000, Sofia Gubaidúlina, junto a Tan Dum, Osvaldo Golijov y Wolfgang Rihm, fue comisionada por la Internationale Bachakademie Stuttgart para componer una obra para el proyecto Passion 2000 en conmemoración de Johann sebastian Bach. Su contribución fue la Johannes-Passion (La Pasion según San Juan). En 2002 la continuó con su Johannes-Ostern según San Juan), comisionada por la Hannover Rundfunk. Las dos obras forman un "díptico" sobre la muerte y resurreccion de Cristo, su obra más larga hasta la fecha.

En el año 2002 recibió el Polar Music Prise, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música. Es miembro, entre otras asociaciones, de la Academia de las artes de Berlin y de la Freie Akademie der Kunste de Hamburgo.

Se asombró de que su obra The Light at the End (La luz al final) siguiese a la Quinta Sinfonia en los Proms de 2005.

Wolfgang Rihm

2009-11-30T11:36:00.000-08:00

Wolfgang Rihm. Nace el 13 de marzo de 1952 en Karlsruhe, Alemania.

Finalizó su formación y estudios de teoria musical y composicion en 1972 , dos años antes de que el estreno de su primer trabajo Morphonie en el Festival de Donaueschingen de1974 diera un impulso a su carrera como figura prominente de la nueva escena musical europea. La obra temprana de Rihm, que combina técnicas compositivas contemporáneas con la volatilidad emocional de Mahler y del periodo expresionista de schoenberg, fue considerada por muchos como una rebelión contra la generación vanguardista de Boulez, Stokhausen y y otros, y le proporcionó un buen número de comisiones de obras en los años siguientes. En los últimos años de la década de los setenta y primeros años ochenta su nombre estuvo asociado con el movimiento denominado Nueva Simplicidad. En la actualidad, sus trabajos continúan explorando el terreno expresionista, si bien la influencia de Luigi Nono, Helmut Lachenmann y Morton Feldman, entre otros, ha afectado significativamente su estilo.

Rihm es un compositor extremadamente prolífico, con cientos de composiciones, la mayor parte de las cuales aún no ha sido grabada comercialmente. Nunca considera una obra finalizada como la última palabra de una línea de trabajo musical— a modo de ejemplo, su obra orquestal Ins Offene.. (1990) fue reescrita completamente en 1992 y posteriormente usada como base para su concierto para piano Sphere (1994), antes de que la parte de piano de Sphere fuese retomada a su vez para la obra para piano solo Nachstudie (también de 1994).

Otros trabajos importantes de este autor incluyen doce cuartetos de cuerdas, las operas Die Hamletmaschine (1983 -1986), con textos deHeiner Muller) y Die Eroberung von Mexico (1987 - 1991), basada en textos de Antonin Artaud, más de veinte ciclos de canciones, el oratorio Deus Passus (1996), la pieza para orquesta de cámara Jagden und Formenn (1995 - 2001) y una serie de trabajos orquestales publicados bajo el título Vers une symphonie fleuve.

Rihm ostenta en la actualidad el cargo de Jefe del Instituto de Música Moderna del Conservatorio de Karlsruhe y ha sido compositor residente de los festivales deLucerna y Salzburgo. Además, fue nombrado «Officier dans l’Ordre des Arts et des Lettres» por Francia en 2001.

RICARDO DAL FARRA

2009-11-18T11:25:00.000-08:00

Ricardo Dal Farra (Buenos Aires, Argentina, 1957).

Compositor, artista multimedia, educador, investigador, intérprete y curador, desarrolla su actividad profesional en el área de confluencia entre las artes, las ciencias y las nuevas tecnologías desde hace más de 25 años.

Entre sus actividades profesionales, se destacan las siguientes: Coordinador del Área Comunicación Multimedial del Ministerio de Educación, Ciencia y Tecnología de Argentina, donde tuvo a su cargo la realización de planes educativos a nivel nacional en el ámbito de los multimedios (1996 - 2003); Director [designado] del Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas (CEIArtE), Buenos Aires (2002); Asesor Pedagógico y Director de la especialidad Producción Musical en la Escuela Técnica ORT, Buenos Aires (1992 - 1999); Director del Estudio de Música Electroacústica, Buenos Aires (1978 - 2003); Consultor de la UNESCO para el proyecto Digi-Arts (desde 2002).

Su interés en la educación lo ha llevado a desarrollar una intensa labor docente: Profesor de Tecnología Musical en la Universidad Nacional de Tres de Febrero; Profesor de Composición e Improvisación en la Universidad Nacional de San Martín; Profesor de Electroacústica en el Conservatorio Municipal de Música de Buenos Aires y de Acústica en el Conservatorio Nacional de Música; Profesor de Multimedia en el IMD y la Escuela Técnica ORT; Profesor de Diseño de Imagen y Sonido en la Escuela Panamericana de Arte; y Profesor de Composición con Medios Electroacústicos y Tecnologías Multimedia en el Estudio de Música Electroacústica. Dal Farra co-diseñó además la carrera de grado universitario en Artes Electrónicas que se dicta actualmente en la Universidad Nacional de Tres de Febrero.

Como compositor especializado en música electroacústica y artista multimedia sus trabajos han sido presentados en más de 40 países. Grabaciones de su música aparecen en 15 ediciones internacionales. Desde mediados de los años '70 ha interpretado música electrónica en vivo y presentado performances multimedia utilizando sistemas electrónicos interactivos. Dal Farra ha recibido premios, becas y encargos de, entre otras instituciones, la International Computer Music Association; la Bienal Internacional de Artes de São Paulo, Brasil; el Fondo Nacional de las Artes de Argentina; el Concours International de Musique Electroacoustique de Bourges, Francia; la Tribuna Nacional de Compositores de Argentina; y el Centro di Sonologia Computazionale de la Università degli Studi di Padova, Italia.

Ha sido invitado en numerosas oportunidades a presentar sus obras, exponer sobre sus investigaciones vinculadas con el arte y sus desarrollos en el ámbito educativo, en: el Center for Computer Research in Music and Acoustics (CCRMA) de Stanford University, New York University, Dartmouth College, The Julliard School y el Brooklyn College en los Estados Unidos; la Universidad de Brasilia y el Itaú Cultural en Brasil; el Conservatorio Nacional de Música de La Paz en Bolivia; la Universidad de Puerto Rico; The Banff Centre en Canadá; la UNESCO y el IRCAM en Francia; entre otras instituciones.

Durante más de 10 años fue realizador de ciclos radiales dedicados a la difusión de la música electroacústica por la Radio Nacional de Argentina y la Radio Municipalidad de Buenos Aires. También ha sido curador de discos compactos con música electroacústica de compositores latinoamericanos editados por Computer Music Journal, O.O.Discs y Leonardo Music Journal (International Society for the Arts, Sciences and Technology). Dal Farra es miembro del Consejo Editorial Consultivo del Journal of New Music Research de Holanda y Editor Internacional de Leonardo Music Journal de Estados Unidos. Es también miembro de número del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte.

Ricardo Dal Farra reside en Montreal, Canadá, desde 2003, año en el que obtuvo dos becas consecutivas como Investigador en Residencia de la Fundación Daniel Langlois para el Arte, la Ciencia y la Tecnología. En el año 2004 fue nombrado representante oficial de dicha Fundación, trabajando en el análisis y desarrollo de estrategias internacionales en relación con sus programas de becas y subsidios.

ARTURO RODAS

2009-11-15T13:12:00.000-08:00

Nacio en la ciudad de Quito, Ecuador, el 3 de marzo de 1954.

Realizo sus estudios musicales en el Concervatorio nacional de Musica de Quito, (1964-78). asi como estudios de derecho en la Universidad Central del Ecuador, diplomandose en 1976. Terminado el conservatorio toma clases privadas con el reconocido compositor ecuatoriano Gerardo Guevara (1978-79 para mas tarde estudiar y trabajar con el compositor frances José Berghmans en Quito y Paris. Luego estudió composición en la École Normale de Musique de París con una beca del gobierno frances y la UNESCO.

Ha participado de cursos y talleres de composicion y musica concreta en el Conservatorio Nacional Superior de París, asi como varios seminarios en el IRCAM, y un curso con el Luciano Berio en el Centro Acanthes en 1983.

ademas entre sus cursos de entrenamiento constan varias conferencias dictadas por Pierre Boulez en el College de France París, 1979-80, Mesias Maiguashca, música electroacústica, CERM, Metz, 1982-83, Guy Reibel, Daniel Teruggi y otros, música concreta, Conservatorio Nacional Superior de Paris, 1983, Gabriel Maldonado, C-Sound. Punto di Svolta, Roma, 1999, Phil Wachsmann, música por computadora, Morley College, Londres, 1999-2001.

Editor de la revista musical OPUS, con el auspicio del Banco Central del Ecuador.

Su música: En sus primeras obras, Arturo Rodas es, sin duda influenciado por la música de Xenakis y Penderecki temprano, usando maneras siempre curiosas, diferentes y extranas. Es difícil clasificar el resto de su música. La indeterminación se puede encontrar en las obras , como "Güilli Gu" y "ramificaciones temporales", la reducción de material musical en las composiciones como "La", "Bailecito", y otros, así como elementos repetitivos en su "Veinticuatro Preludios y medio". Arturo Rodas, es curioso, tratando de encontrar las nuevas formas de expresarse, no limitándose a las leyes y dogmas de ciertas técnicas de composición. O, para decirlo en palabras de Marie Martin: "La diversidad, en términos de espacio, así como el tiempo, es su principal fuente de inspiración".

Ha dado conciertos en: Ecuador, Perú, Chile, Argentina, Venezuela, Bolivia, Panamá, México, Cuba, Estados Unidos de América, Canadá, España, Holanda, Francia, Reino Unido, Alemania, Italia, Hungría, Marruecos.

Entre sus discografia tenemos:

1. GÜILLI GU para orquesta, en la Revista Cultura, BCE, Quito, 1987
2. Siete obras suyas fueron grabadas en el álbum doble RODAS, Orquesta Sinfónica Nacional y solistas, Banco Central del Ecuador, 1987
3. ARCAICA para orquesta, en Música de Nuestro Tiempo, DIC y Foncultura, 1988
4. ANÓNIMO para cuarteto de vientos, ensamble SurPlus, Alemania, publicado por Casa de la Cultura del Azuay, Ecuador, 2008
5. Las dos primeras piezas de la Suite PAN COMIDO para piano y electroacústica, grabadas por Francis Yang. Redasla Vol II, México, 2008.

Danni Helfman

2009-11-06T11:13:00.000-08:00

Conoces a Danni Elfman?, no me diras tu, quien sera ese sujeto, ahora, la segunda pregunta, has visto…..?, no se, Los Simpson, o Batman, o Terminator o el hombre arana o mision imposible, o el flaco que tenia las manos de Tijeras u hombres de negro, o…, no se, son un monton de peliculas famosas, si las has visto y claro, escuchado los dialogos, gritos y efectos especiales, tambien escuchaste la banda sonora, la musica de todas y otras muchas peliculas de Tim Burton, las hizo nuestro amigo, Danny Helfman, asi, aqui les dejo algo de la vida de este hombre que se ha metido en nuestras vidas desde que eramos ninos y ahi estara por siempre, gracias a la magia del cine y de la musica incidental, aqui, su vida, que aun no termina y sus mas principales trabajos.

Daniel Robert "Danny" Elfman (n. Los Ángeles, 29 de mayo de 1953), compositor estadounidense conocido principalmente por escribir música para las películas de Tim Burton, con quien debutó en 1985 como compositor de bandas sonoras con su película La gran aventura de Pee-Wee y con quien mantiene una extensa colaboración hasta el día de hoy. También es conocido por ser el líder del retirado grupo estadounidense Oingo Boingo o crear el famoso tema de la serie televisiva Los Simpson que, entre muchos otros trabajos, le han otorgado un gran prestigio a lo largo su ecléctica carrera musical.

Se ha convertido en uno de los más admirados compositores de los últimos años gracias a la frescura, originalidad, ironía y sorprendente uso de la música para la pantalla. Le gusta el uso de las grandes orquestas junto a voces corales, tanto de niños como de adultos.

Sus padres contrataron a un profesor particular y lo matricularon en el conservatorio de música, pero Danny lo dejó todo para aprender por su cuenta. Se unió al grupo teatral de su hermano, el The mystic knights of Oingo Boingo como parte del coro, pero su personalidad inquieta le llevó a componer canciones y finalmente a dirigirlo. Danny y su grupo componen la música de la película realizada por su hermano Forbidden Zone (1980) y después de muchos conciertos alcanzan cierta fama.

En 1985 Tim Burton, un prometedor y joven director de cine que quería hacer su primera película, quiere que Danny Elfman componga la banda sonora. A partir de este momento ambos autores inician una larga amistad que daría lugar a una de las colaboraciones más largas y fructíferas de la historia del cine, con la única excepción de Ed Wood compuesta por Howard Shore y Sweeney Todd, compuesta por Stephen Sondheim, autor original del musical. Hoy día es difícil pensar en una película de Tim Burton sin la música de Elfman.

Danny demuestra con su trabajo que se adapta a todos los estilos con obras de monstruos enamorados como Eduardo Manostijeras, personajes de cómic como Batman, Hulk, Spider-Man, Men in Black o Dick Tracy, mundos fantásticos como Razas de noche, o El planeta de los simios, comedias como Mars Attacks! y Los fantasmas atacan al jefe, el mundo de los vivos mezclado con el de los muertos, como Beetlejuice y The Frighteners, y también al musical, con La novia cadáver y Pesadilla antes de Navidad considerada por muchos como su obra maestra.

Para las series de televisión ha realizado los temas principales de Los Simpson, Historias de la cripta, Beetlejuice y Mujeres desesperadas.

También han utilizado sus temas en las bandas sonoras de algunos videojuegos como por ejemplo: Kingdom Hearts II y la mayoría de juegos sobre Los Simpson (Road Rage, Hit & Run, etc.). Ha compuesto los temas principales para los videojuegos Fable y Fable II.

Ha sido candidato a los Óscar en cuatro ocasiones por El indomable Will Hunting (1997), Men in Black (1997), Big Fish (2003) y Milk (2008) .

Está casado desde el 29 de noviembre de 2003 con la actriz Bridget Fonda, con quien tiene un hijo, Oliver, nacido en enero de 2005.

Danny ha estado involucrado en muchas de las películas de Tim Burton, por lo que les une una gran amistad.

Filmografía como compositor (incompleta)
• 2010
o Alice in Wonderland

o The Wolfman
• 2009
o 9
o Taking Woodstock
o Terminator Salvation

o Notorious
• 2008
o Standard Operating Procedure
o Milk (candidato al Oscar)
o Wanted
o The Sixth Element
o Hellboy 2: The Golden Army
• 2007
o Los Simpson: la película (Tema principal)
o The Kingdom
o Descubriendo a los Robinsons
o Spider-Man 3 (Temas usados de las películas anteriores)
• 2006
o La Telaraña de Charlotte
o Nacho Libre
• 2005
o Charlie y la fábrica de chocolate
o La novia cadaver
• 2004
o Fable (Videojuego)
o Spider-Man 2
• 2003
o Hulk
o Big Fish (candidato al Oscar)
• 2002
o Spider-Man
o Men in Black 2
o El Dragón Rojo
o Chicago
• 2001
o El planeta de los simios
• 2000
o The Family Man
• 1999
o Sleepy Hollow
o Prueba de vida
o Instinto
• 1998
o Un plan sencillo
• 1997
o El indomable Will Hunting (candidato al Oscar)
o Men in Black (candidato al Oscar)
o Flubber
• 1996
o Misión: Imposible
o Mars Attacks!
o The Frighteners
o Al cruzar el límite (Extreme Measures)
• 1995
o Eclipse total
o Todo por un sueño
o Dead presidents
• 1994
o Belleza negra
o Dilbert (La serie animada)
• 1993
o El ejército de las tinieblas
o Sommersby
o Pesadilla antes de Navidad (candidato a un Globo de oro y un Emmy)
• 1992
o Un poli con suerte
o Batman vuelve

o Batman: La Serie Animada (Temporada 1992-1993)
o Paro clínico
• 1991
o Eduardo Manostijeras
• 1990
o Razas de noche
o Dick Tracy
o Darkman
• 1989
o Batman (ganadora de un Grammy)
o Los Simpson (Tema principal)
• 1988
o El gran Pee-Wee
o Un caballo en la bolsa
o Beetlejuice
o Huida a medianoche
o Los fantasmas atacan al jefe
• 1987
o Juerga tropical
o El rebelde
• 1986
o Regreso a la escuela
• 1985
o La gran aventura de Pee-Wee
• 1980
o Forbidden Zone

HANS WERNER HENZE

2009-11-05T01:13:00.000-08:00

Compositor aleman nacido en Gütersloh, Westfalia el 1 de julio de 1926.

Estudió con Wolfgang Fortner y Rene Leibowitz, quien le introdujo en los círculos de la vanguardia alemana de postguerra. Al cabo de poco tiempo renuncia alserialismo, siendo repudiado por la élite compositiva alemana. En 1953 dejó Alemania, para residir en Italia alegando percibir en su país de origen incomprensión de su obra así como intolerancia con su orientación política de izquierdas y su homosexualidad. Desde entonces vive en el pueblo de Marino en la región delLazio italiano, si bien mantiene vínculos con la vida musical alemana.

Declarado marxista se hizo miembro del Partido Comunista Italiano, ha compuesto obras honrando a Ho Chin Minh y al Che Guevara. También compuso y su Sinfonia n.º 6, sobre textos de poetas revolucionarios cubanos. Su música es muy variada en estilo, estando influida en distintos momentos por la atonalidad, la música italiana y el jazz.

Hans Werner Henze es considerado uno de los mejores operistas vivos; ha realizado operas en colaboración con libretistas de la talla de Ingeborg Bachmann y Wystan Hugh Auden. También es considerado uno de los mejores sinfonistas contemporáneos, gracias a su ciclo de diez sinfonías, que Henze da hoy por cerrado.

La labor de crítica política de Henze llegó a su cenit en 1976 con el estreno de la ópera We Come to the River.

En 1976, Henze fundó la asociación Cantiere Internazionale d´Arte en Montepulciano, Italia para la promoció de la nueva música, en donde estrenó su ópera infantil Pollicino en 1980. Desde 1980 hasta 1991 impartió una clase de composición en la Escuela de Música de Colonia, Alemania. En 1981 fundó los Talleres de Mürztal, en la región austriaca de Estriria, en la que también creó el Festival de Música Juvenil Deutschlandsberg en 1984. Finalmente, en 1988, fundó la Bienal de Munich, un "festival internacional de nueva música teatral", del que fue director artístico.

En esta época, sus óperas volvieron a ser más convencionales, con ejemplos como The English Cat (1983) y Das verratene Meer (1900) basada en la novela Gogo no Eiko del escritor japones Yukio Mishina.

Sus últimas obras, si bien argumentablemente menos controvertidas, continúan con su implicación política y social. Su Requiem (1990) consta de nueve conciertos de espiritual para piano, trompeta y orquesta de camara y fue escrita en memoria del músico Michael Vyner, de temprana muerte. Su novena sinfonía, para coro mixto y orquesta (1907), incluyendo versos de la novela The Seventh Cross de Anna Seghers es una Mirada a la época más oscura del pasado de Alemania, en la que el mismo Henze vivió su niñez y adolescencia. Su más reciende éxito ha sido el estreno de la ópera L'Upupa und der Triumph der Sohnesliebe (2003) en el Festival de Salzburgo, basada en un cuento de hadas sirio.

La música de Henze ha incorporado el neoclasicismo, el jazz, el dodecafonismo, el serialismo y algo de rock y de musica popular. Fue enseñado por el compositor alemán Wolfgang Fortner, y su Concierto para Violín (1947) demostró que podía escribir excelente música dodecafónica. No obstante, posteriormente, reaccionó en contra del atonalismo y su ópera Bouvelard Solitude incluye elementos de música de jazz y de la música popular parisina. Tras su traslado a Italia en 1953, su música se convirtió a un estilo más napolitano, con las texturas ricas y exuberantes de la ópera König Hirsch y aún más en la opulenta música de ballet que compuso para Ondine, (1957) del coreografo Frederick Ashton. Henze recibió mucho de su ímpetu para esta música de ballet de su temprano trabajo como director del ballet del Teatro Estatal de Hesse, en Wiesbaden.

Ondine es aparentemente clásica, pero contiene algo de jazz y, aunque la música de Mendelssohn y de Weber fueron importantes influencias, en buena parte recuerda a la música de Stravinski, no solo del Stravinsky neoclásico sino también del Stravinsky compositor de La consagracion de la primavera. Las texturas para la cantata Kammermusik son mucho más severas, no obstante, posteriormente Henze volvió al atonalismo en Antifone y después otros estilos mencionados más arriba volvieron a tener importancia en su música. Las consideraciones políticas determinaron en parte el estilo de Henze en distintos momentos de su carrera.

LUIGI NONO

2009-11-04T08:26:00.000-08:00

Sus padres, Mario Nono y Maria Manetti, le dieron el nombre de su abuelo paterno, el pintor Luigi Nono, importante representante de la escuela veneciana del siglo XIX.

Nono conoció Gian Francesco Malipiero en 1941 y comenzó a seguir sus cursos de composición en el Conservatorio de Venecia. En dicho conservatorio se familiarizó con el serialismo dodecafonico, especialmente de la manera como fue elaborado por Anton Webern.

Al tiempo, comenzó estudios deDerecho en la universidad de Padua. En 1946, acabados sus estudios, Nono conoció enn Roma a Luigi Dallapiccola y Bruno Maderma. Este último se hizo rápidamente su amigo. En 1948 asistió, con Maderna, a los cursos de dirección de orquesta impartidos en Venecia por Hermann Scherchen.

En 1952, Nono se unió alPartido Comunista Italiano (PCI). Su compromiso comunista está marcado por el comunismo revolucionario. Durante casi toda su vida, su obra se caracterizó por tener una fuerte carga política, en particular, la lucha contra el fascismo; en su último período, sin embargo, se puede notar un cambio de esa tendencia por una obsesión con el silencio como elemento estético/político y una frase en particular: «No hay caminos, hay que caminar», leída por el compositor en una pared de un edificio en Toledo. Ésta frase da título o aparece en varias de sus obras de su último periodo.

En marzo de 1954, Nono conoció a Nuria Schönberg, hija del compositor Arnold Schonberg, en Hamburgo, donde asistió al estreno mundial, en versión de concierto, de la ópera Moisés y Aarón del compositor desparecido tres años antes. Nono se casó con Nuria en 1955. La pareja tuvo dos hijas, Silva, en 1959, y Serena Bastiana en 1964. Nono y su familia se instalaron en la isla de La Giudecca (Venecia) en 1956.

Se convirtió en un célebre compositor de musica electronica, aleatoria y serial.

En la década del sesenta Luigi Nono dio clases en el Instituto di Tella (Buenos Aires). Fue el único músico que apoyó la ópera Bomarzo (de Manuel Mujica Laninez y Alberto Ginastera), prohibida por pornográfica por la iglesia católica argentina y la dictadura del general Ongania.

Luigi Nono: Il Canto sospeso, per tre solisti, Coro e Orchestra (1956)

COMO UNA OLA DE FUERZA Y LUZ

PROMETEO

HELMUT LACHENMANN

2009-11-04T06:03:00.000-08:00

Helmut Lachenmann nació el 27 de noviembre de 1935 en Stuttgart, Alemania. Terminada la Segunda Guerra Mundial mostro ya sus dones para extraordinarias habilidades para la música, ingresa al coro de la iglesia con tan solo 11 años y escribiendo prontamente sus propias composiciones durante su adolescencia. Estudió piano con Jürgen Uhde y composición y teoria musical con Johann Nepomuk David en la Stuttgarter Musikhochschule desde 1955 hasta 1958, siendo el primer estudiante privado del compositor serialista Luigi Nono en Venecia de 1958 a 1960. De Nono adquirió la convicción de que la música pretendería servir un mensaje de relevancia social, si bien durante varios años italiano y alemán mantuvieron un distanciamiento sólo superado en los últimos años de vida de Luigi Nono. También trabajó durante un breve espacio de tiempo en el estudio de musica electronica de la Universidad de Gante en 1965, si bien seguidamente concentró todo su interés casi exclusivamente en la música puramente instrumental.

Entre sus alumnos destacados se cuentan Mark Andre, Alvaro Carlevaro, Clemens Gadenstätter, Harald Muenz, Manuel Hidalgo, Shigeru Kan-no, Julian Klein, Kunsu Shim, Wolfram G. Schurig, Juan Maria Solare y Stefan Streich, entre otros.

Lachenmann ha descrito sus composiciones como música concreta instrumental (a partir de la Música Concreta, de Pierre Schaeffer), lo cual implica un lenguaje musical que abarca la totalidad del mundo sonoro hecho accesible mediante técnicas interpretativas no convencionales. Según el compositor, es música "en la que los eventos sonoros son elegidos y organizados de modo que la forma en que son generados sea tan importante, al menos, como las propias cualidades acústicas resultantes. En consecuencia, dichas cualidades, como el timbre, el volumen, etc., no producen sonidos for their own sake (literalmente por su propia cuenta), sino que describen o denotan la situación concreta: escuchando, tú oyes la condiciones bajo las cuales se realiza una acción sonora o de ruido, escuchas qué materiales y energías son puestos en juego y qué resistencia encuentran". Su música deriva, por lo tanto, en primera instancia de los sonidos más básicos, los cuales, mediante procesos de amplificación, sirven las bases para obras extensas. Sus interpretaciones requieren el concurso de un enorme número de ejecutantes, debido a la plétora de técnicas que Lachenmann ha ideado para los instrumentos de viento, metal y cuerda.

Sus obras más importantes incluyen el trabajo musical para teatro Das Mädchen mit den Schwefelhölzern (1990-96, basado en Hans Christian Andersen, Leonardo da Vinci y Gurun Ensslin), las piezas orquestales Schwankungen am Rand (1974-75, para ocho instrumentos de metal, dos guitarras eléctricas, dos pianos, cuatro láminas metálicas y 34 instrumentos de cuerda), AccantoNUN (1997-99, para flauta, trombón, coro masculino y gran orquesta), los trabajos Mouvement (- vor der Erstarrung)1982-84, para tres intérpretes ad hoc y catorce músicos) y "...zwei Gefühle...", Musik mit Leonardo (1992, un extracto de Das Mädchen mit den Schwefelhölzern, según Leonardo da Vinci, para dos narradores y 22 intérpretes) y tres cuartetos de cuerda (Gran Torso, 1971, revisado en 1976, 1988; Reigen seliger Geister, 1989; Grido, 2001), así como otros trabajos para orquesta, ensemble y cámara, y seis piezas para piano. (1975-76, para clarinete, gran orquesta y cinta magnetofónica)

Lachenmann ha impartido cursos regularmente en Darmastadt desde 1978 y ha sido profesor de composición en la Stuttgarter Musikhochschule desde 1981 hasta 1999. Es igualmente notable por sus abundantes artículos, ensayos y conferencias, muchos de los cuales han sido publicados en Musik als existentielle Erfahrung (La música como experiencia existencial) (Breitkopf & Härtel, Wiesbaden, 1996).

John Cage

2009-11-03T13:05:00.000-08:00

John Cage (Los Ángeles, 5 de septiembre 1912 - Nueva York, 12 de agosto 1992) fue un compositor e instrumentista estadounidense. Estudió junto a los compositores estadounidenses Henry Cowell y Adolph Weiss y revolucionó la música contemporánea dotándola de un lenguaje caótico, continuando la trayectoria de Edgar Varèse y Charles Ives. Una de sus influencias fue el Zen, el cual le condujo en lo musical a usar silencios interminables, sonidos desconectados, casuales y atonales con un volumen, duración y timbre aleatorios. Pese a lo controvertido de su obra, no se puede negar que se trata de uno de los creadores más revolucionarios e influyentes de los últimos tiempos. En ocasiones dejaba que el azar eligiera sus composiciones. Por ejemplo, llegó a usar un método según el cual se perforaba una hoja de papel en los lugares en los que se encontraba alguna imperfección, para luego mediante un papel transparente iba calcando estas marcas sobre un pentagrama.

Ya en la década de los 30 comenzó sus primeros trabajos demostrando talento para ritmos imposibles e invenciones como su sistema de veinticinco tonos. Usó distorsiones para sus instrumentos llegando a declarar: "Creo que el uso de ruidos en la composición musical irá en aumento hasta que lleguemos a una música producida mediante instrumentos eléctricos, que pondrá a la disposición de la música cualquier sonido y todos los sonidos que el oído pueda percibir. Se exploran los medios fotoeléctricos, el filme y diversas mecanismos para la producción de música". Durante los últimos años de esta década Cage inventó el piano preparado, al cual le había insertado en el encordado una serie de tornillos, tuercas y trozos de goma y madera que dotaban al instrumento de una variedad nueva de posibilidades sonoras. Seguramente la composición más innovadora de entre las que compuso para este piano preparado es una una suite que dura 69 minutos llamada Sonatas and Interludes (1946-1948). Cage usaba el término "música no-intencional" para algunas de sus obras. Un ejemplo es 4'33" (1952), cuya partitura especifica que el intérprete no ejecutará sonido alguno en su instrumento durante los 4 minutos y 33 segundos que dura la obra. La primera interpretación de la misma fue a cargo del pianista David Tudor En 1989 fue galardonado con el Premio Kyoto (Premio de la Fundación Inamori, Kyoto).
En 1951 John Cage visitó la camara anecoica de la universidad de Harvard para obtener una perspectiva del “silencio total” , al llegar ahí se dio cuenta de que en ésta cámara percibía dos sonidos, uno alto y otro bajo , el primero su sistema nervioso y el segundo los latidos de su corazón y la sangre corriendo por sus venas, esto cambió por completo su concepto del silencio, no había manera realmente de experimentar el “silencio” mientras se estuviera vivo , entonces el expresa: “El significado esencial del silencio es la pérdida de atención.. el silencio no es acústico … es solamente el abandono de la intención de oir.”.

Mauricio Kagel, su muerte

2009-10-26T15:13:00.000-07:00

"Uno de los compositores contemporáneos más célebres, el germano-argentino Mauricio Kagel, ha fallecido a los 76 años en Colonia, Alemania, según ha anunciado un portavoz de la editorial que publica sus partituras, C.F. Peters Musikverlag, según informa France Presse. Compositor de música clásica, de ópera y de bandas sonoras de películas como Un perro andaluz, de Luis Buñuel, Kagel estaba reconocido mundialmente como uno de los grandes innovadores de la creación musical. "El mejor músico europeo es un argentino, Mauricio Kagel", dijo en una ocasión el legendario compositor vanguardista estadouniense John Cage.

Mauricio Kagel (Buenos Aires, 1931-Colonia, 2008) era uno de los compositores más prominentes de los últimos tiempos, destacado por su constante innovación en el teatro musical y su convicción antiinstitucional. Destacó por su interés en potenciar la vertiente teatral de la actuación musical. De hecho, es sus composiciones solía incluir indicaciones para que los intérpretes efectuaran determinados gestos y solía dar pautas para que los músicos interactuaran. Buena parte de este interés en la dramatización de la música lo aproximó al teatro del absurdo."

BELA BARTOK

2009-10-26T14:18:00.000-07:00

Compositor hungaro, una de las figuras mas originales y completas de la musica del siglo XX. Nacio el 25 de marzo de 1881 en Nagyszentmiklуs, Hungria (ahora Sinnicolau, Rumania). Estudio en Presburgo (ahora Bratislava, Eslovaquia) y en Budapest, donde enseno piano en la Real Academia de Musica (1907-1934) y trabajo en la Academia de Ciencias (1934-1940). En 1940 Bartok emigro a Estados Unidos por razones politicas. Realizo investigaciones en la Universidad de Columbia (1940-1941) y enseno musica en la ciudad de Nueva York, donde vivio con serias dificultades economicas. Murio de leucemia el 26 de septiembre de 1945 en Nueva York.

Bartok reconocio su deuda musical con el compositor hungaro Franz Liszt asi como con el frances Claude Debussy, y en su poema sinfonico Kossuth Sz 21 (1904) muestra influencias del compositor aleman Richard Strauss. Hacia 1905 Bartok se dio cuenta de que lo que se consideraba musica popular hungara era en realidad musica gitana reordenada segun los criterios centroeuropeos. Con ayuda de su amigo, el compositor hungaro Zoltan Kodaly, Bartok reunio y analizo de forma sistematica musicas pertenecientes al folclore de su pais y de otros origenes que recogio en una admirable obra de investigacion. De esta colaboracion surgieron 12 volumenes que contienen 2700 partituras de origen magiar, 3500 magiar-rumanas y varios cientos de origen turco y del norte de Africa (tambien el archivo Bartok incluye registros sonoros).

De forma ocasional Bartok incluyo directamente melodias folcloricas en sus composiciones, sino que desarrollo un estilo personal dotado de una gran fuerza y energia, con entornos melodicos inusuales y ritmos asimetricos y a contratiempo, propios de la musica folclorica de los Balcanes y de Hungria. Su musica siempre tiene un nucleo tonal, aunque este esta establecido de una manera personal, bastante alejada de los modelos tradicionales. Gran parte de su musica es cromatica, (es decir, usa las notas contiguas a una dada), y a menudo muy contrapuntistica, entretejiendo distintas lineas melodicas y sirviendose de la disonancia. Le gustaba el uso de acordes por su sonoridad y era muy habil para encontrar atmosferas y colores musicales, tanto en el piano como en la orquesta. Como gran pianista que fue, compuso varias piezas didacticas para el instrumento. Su obra Mikrokosmos Sz 107 (1935), formada por seis volumenes, contiene 150 piezas para piano de dificultad progresiva y constituye un resumen de su evolucion musical. Lo mismo ocurre con sus 6 cuartetos para cuerda, considerados entre los mas importantes que se han compuesto desde los de Ludwig van Beethoven.

Entre otras obras de Bartok se encuentran sus ocho Danzas rumanas de Hungria (1915), para piano, (tambien orquestadas y transcritas para varios instrumentos); el Allegro barbaro (1911), para piano; la opera El castillo de Barbazul (1911); los ballets El principe de madera (1914-1916) y El mandarin maravilloso (1919); los 3 conciertos para piano y orquesta (1926,1931,1945); su Musica para cuerda, percusion y celesta Sz 106 (1937) y el Concierto para orquesta (1943) que le encargo Serge Kusevitski. Tambien son notables su Concierto para violin y orquesta No 2 Sz 119 (1938), la Musica para dos pianos y percusion (1937) y su Concierto para viola, que quedo incompleto a su muerte y fue terminado por el violinista Tibor Serly.

Concurso Emile Gilels

2009-10-24T14:44:00.000-07:00

Del 20 al 31 de octubre del presente anio, en la ciudad de Odessa, Ukraina, y para ser mas exactos, en la Sala Mayor de conciertos de la Academia Superior de Musica A. V. Neshdanov, se lleva a cabo el IV concurso internacional de piano Emile Gilels, en honor al reconocido pianista ukraniano (odesita) Emile Gilels, por eso su nombre.

En dicho concurso se pueden escuchar obras de los mas grandes compositores, mas con un filtro exquisito, pues solo se ejecutan las mejores y mas virtuosas obras para este instrumento.

Es realmente un honor poder estar en esta ciudad este mi ultimo anio de estudios y coincidir con dicho concurso, pudiendo ver lo que realmente es un PIANISTA, palabra gigante para la cual hay que sacrificar miles de horas de estudio agotador para poder figurar como tal.

este concurso consta de tres tours o partes y se realiza cada tres anios en esta ciudad; en la edicion anterior, 2006, un buen amigo mio Yura Koshujar recibio el tercer lugar, fue el unico galardonado de ukrania, el segundo y primero estuvo en manos de rusos, uno de ellos, el primer lugar unos meses despues gano un concurso mundial de violin en Alemania, con solo 19 anios de edad.

si en el otono del 1012 estan por aca, no falten a este concierto, podran escuchar por horas a los mejores pianistas del mundo, las obras mas hermosas y virtuosas de todos los tiempos y gratis, aqui algo del propio Emile Gilels. Concierto No 1 de Tchaikovski.

Concierto de Musica Sacra

2009-10-24T08:55:00.000-07:00

El pasado 27 de agosto del presente anio, en el auditorio del Museo del Banco Central del Ecuador, Loja, se llevo a cabo el Concierto de Musica Sacra, el cual estuvo a cargo de la Soprano Ukraniana, Irina Valchak, Especialista en canto de opera y del compositor Lojano Ricardo Monteros Tello.

en el repertotorio interpretado esta noche, se puede mencionar:

Bach, Magnificat
Shubert, Ave Maria
Hendel, O,crudel, aria Armidi y Armini
Caccini. Ave Maria
Mozart. Aria Pamina, de la Opera Flauta Magica
Massne, Aria Manon de la Opera Manon
Villa Lobos, Bachiana N 5

asi mismo se hizo el estreno de obras del compositor Ricardo Monteros, asi, Grusno, Santa Maria, para soprano y organo, y Despedida, version para piano.

Una noche llena de emotividad y paz interior, los tan solo 60 minutos de concierto dejo a los asistentes ansiosos de escuchar el proximo concierto de estos dos amigos

Ricardo Monteros

2009-10-24T07:24:00.000-07:00

Engels Ricardo Monteros Tello,(Engels Josefovich). Nacio en la ciudad de Loja, Ecuador; sus padres: Dr. Jose Maria Monteros psicologo clinico y cantautor y Dra. Alina Tello, medico pediatra.

Sus estudios musicales los inica en el Conservatorio Superior de Musica Salvador Bustamante Celi, en la catedra de piano, de la cual seria profesor una vez finalizados sus estudios, siendo el mejor egresado de su promocion.

En octubre del 2005, viaja a la ciudad de Odessa, Ukraina en donde ingresa a la Academia Superior de Musica A. V. Neshdanov, en la catedra de teoria, piano y composicion, bajo la tutela de los maestros Cergei L. Shustov y PHD Julia A. Gomelskaya.

Sus obras han sido ejecutadas en importantes salones de conciertos de Ecuador, Ukraina y Alemania.