La venue d’une nouvelle maison d’édition de mobilier et objet contemporain est suffisamment rare pour que l’on en parle lorsque cela arrive. Qu’est donc Marcel By ?
Tout d’abord un prénom très français mais qui est aussi connu à l’étranger et qui est sensé représenter un personnage sympathique. C’est aussi un mot anglais qui présente et met en valeur les designers que la société a décidé de produire mais c’est aussi une indication claire du désir d’être international. Pour sa première collection Marcel By a choisi quatre designers* dont les créations vont des chaises aux luminaires en passant par du mobilier ou des objets décoratifs. La politique de la marque est d’utiliser les dernières innovations techniques comme le LED, les matériaux nobles comme le bois massif, le cuir, la laine mais aussi le béton composite ou les résines de synthèse**. Les créateurs de Marcel By sont Stephan Lanez et Jean-Jacques Lejal qui sont tous deux des passionnés du design***.

QU’EST QUI VOUS A DONNÉ ENVIE DE VOUS LANCER DANS L’AVENTURE DE L’ÉDITION ?

Une rencontre. Elle a commencé en architecture avec un nouveau client. Elle s’est développée dans le lancement d’une maison d’édition de mobilier suite aux discussions et nombreux échanges avec ce client qui est devenu mon partenaire/associé. Chacun est à son poste. Il s’occupe des financements, gestions et administratif, je m’occupe de la direction artistique, du développement et du suivi des produits.

COMMENT S’EST OPÉRÉ LE CHOIX DES DESIGNERS ? DES FABRICANTS ?

Le choix a été effectué par plusieurs parties : Moi et les designers. J’avais envie de travailler avec eux. Je les connaissais déjà et c’est la compatibilité réciproque qui m’a motivé à leur proposer cette collaboration. Riche des leurs (nos) différences. Et puis ils ont voulu se lancer dans cette aventure. Ils m’ont fait confiance et ont joué le jeu d’un nouveau lancement à fond ! On l’a fait ensemble parce qu’on s’entend à la perfection sur l’esprit de famille de Marcel by : échanger et dialoguer avec des personnes à long terme… Se créer sa famille.

Le choix des fabricants est un peu plus compliqué. Marcel By recherche à travers le monde les meilleurs artisans afin de pouvoir proposer aux designers choisis une fabrication haut de gamme et artisanale de leurs créations. La qualité représente donc la vraie valeur ajoutée de la marque et pour une fois, les fabricants sont mis en avant au même titre que les designers. Il faut trouver ceux qui ont un vrai savoir faire, qui sont prêt à se lancer dans de nouveaux projets, et qui puisse fabriquer à des prix commercialisables. Pas facile ! Et puis, on doit s’entendre, se comprendre et être confiant l’un envers l’autre. C’est aussi pour cela que nous communiquons sur nos artisans/fabricants : c’est une vraie valeur ajoutée et c’est un plaisir de revendiquer leur savoir faire. Ils viennent de nos recherches mais aussi de celles des designers. C’est le coté “laboratoire“. Marcel by cherche sans arrêt des nouveaux savoir faire en France, en Europe, dans le monde entier… le coté fédérateur et familial revient. Là aussi, on se crée une famille d’artisans.

QUELLES PERSPECTIVES ?

Marcel by a de vraies ambitions. Mais commençons par le début ! Maintenant, on prépare des partenariats avec des distributeurs multimarques, le premier showroom pour 2012, une collection qui s’étoffe dans la foulée…

*image 1 – Bamby, chaise de Noë Duchaufour-Lawrance, pour Marcel by.Les designers choisis pour cette première édition sont Samuel Accoceberry, Noé Duchaufour-Lawrance, Jakob+Macfarlane et Stephan Lanez.
*Les designers choisis pour cette première édition sont Samuel Accoceberry, Noé Duchaufour-Lawrance, Jakob+Macfarlane et Stephan Lanez. **Les fabricants qui ont réalisé leurs créations sont Henryot pour la menuiserie/tapisserie, Glassworks Matteo Gonet artisan verrier, Concrète LCDA manufacture de béton composite, La Tournerie du Plat d’Or Alain Larcher, Hubert Weinzierl ébénisterie/menuiserie, et Till Breitfuss menuiserie/prototypiste.
***Le premier Jean-Jacques Legal (à gauche) est diplômé d’HEC,  le second Stephan Lanez (à droite) est diplômé de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs.

En juin 2010, nous avons inauguré notre site en proposant à tous une base de réflexion sur les enjeux du design et sur la place grandissante du discours des politiques. Outil d’innovation , surtout dans un contexte de crise, Jean-Louis Frechin (Nodesign) disait déjà “le design relève d’une économie politique, mais nous n’avons pas de programme national de design“.

A-t-il été entendu ?

Le design, enjeu territorial ? “L’’année 2011 aura été l’année où la Région Ile-de-France, après avoir crée le Lieu du Design en 2009, a fait du design un enjeu stratégique. Elle a décidé que ce secteur essentiel d’attractivité économique devrait désormais irriguer l’ensemble des filières qu’elle accompagne et pénétrer progressivement les politiques publiques qu’elle met en œuvre. 2012 sera l’année de la mise en place de Paris Région Entreprise, plateforme d’ingénierie publique régionale… qui facilitera la maturation des projets d’innovation.“ Par ces vœux Laurent Dutheil, Directeur général du Lieu du Design remet son action en perspective. “Nos missions semblent aujourd’hui faire des émules et nous nous en réjouissons“.

Alors, le design enjeu politique ? “Nos entreprises ont tout à gagner à intégrer le design dans leurs stratégies. L’enjeu, c’est de la croissance, des exportations et des marges supplémentaires pour nos marques, et, notamment pour la première d’entre elles, le fabriqué en France. Le design n’est pas seulement un acte de création, c’est aussi un facteur puissant d’innovation, et à partir de là, un facteur de compétitivité“, par cette phrase Eric Besson* annonce le lancement d’un plan d’action en faveur du design et la création d’un Centre National du Design. L’objectif : renforcer l’utilisation du design dans les entreprises et d’améliorer sa visibilité dans l’économie comme facteur d’innovation et de compétitivité.

Trois axes : 1 – la création d’un Centre National du Design, pour susciter des politiques en faveur du design exemplaire et un instrument de promotion du design français. Il aura pour missions : d’affirmer le rôle stratégique du design dans l’économie, d’améliorer la compétitivité des entreprises françaises grâce à l’apport du design dans leur stratégie et de permettre aux métiers du design de se développer*. 2 – l’intégration du design dans l’écosystème des pôles de compétitivité, en appuie sur les structures régionales de promotion du design. Une expérience sera lancée en 2012 sur quelques régions volontaires. 3 – l’élaboration d’un référentiel des métiers du design. Cela répond à une demande des professionnels, manifestée à l’occasion des tables rondes menées conjointement avec le ministère de la culture et de la communication avec une mise en oeuvre effective à la fin de l’année 2012.

Y a t’il instrumentalisation ?

Lorsque l’on pose la question à Laurent Dutheil la réponse est directe : « On ne peut évidemment pas l’exclure. La profession aura noté que l’annonce ministérielle intervient en toute fin de mandat gouvernemental et à cent jours de l’élection présidentielle. Vous remarquerez que cette initiative ministérielle n’a fait l’objet d’aucune consultation préalable des structures de design existantes, que ce soit la Cité du Design de Saint-Etienne, le VIA, l’Institut Français du Design, le Lieu du design… Je note que le discours des pouvoirs publics, comme celui de l’APCI sont remarquablement proches des propos que nous tenons avec d’autres et des actions que nous menons depuis notre création, en octobre 2009. Il serait extrêmement dommageable que la création d’un Centre national du Design, dont nous avons tous à nous réjouir, soit accompagné de considérations politiciennes et d’un manque d’esprit fédératif. Gageons que les mois à venir permettront d’éclaircir le sujet“.

Le design, enjeu d’image ? “Il ne faut pas faire du design une nouvelle utopie sur fond de militantisme. En quoi le design serait-il plus légitime aujourd’hui à résoudre les problèmes? Car c’est accorder beaucoup de pouvoir à une discipline qui se cherche et qui est incapable de s’auto évaluer“. nous rappelle Frédéric Ruyant. C’est la raison pour laquelle le design est actuellement si séduisant pour toutes sortes d’instrumentalisation le concernant. Succès bâti sur de la communication, il ne faudrait pas le cantonner à n’exister que par le paraître. Le danger, lourd de conséquence, est que le design soit victime des appels ou des assauts de politiques politiciennes. Vigilance et modestie, “que le design dise d’abord ce qu’il est, ce qu’il souhaite être“, allons Messieurs les politiques laissez nous le temps d’acquérir une maturité ! Une maturité en devenir pour Anne Marie Sargueil: “la promotion du design doit comprendre les enjeux des 3 protagonistes : la Personne, l’Entreprise et la Cité. L’entreprise qui investit, défend l’emploi et innove avec pertinence. La cité parce que l’on se doit de respecter l’environnement et les non-clients. Pour elle il faut savoir relativiser les initiatives privée, publique ou entreprenariale…

*“Ce plan s’inscrit dans le prolongement des actions engagées par le Ministère depuis 2008 qui visent également à assurer l’excellence de l’offre de formation au design, à développer une offre de design qui répond aux attentes des entreprise, en particulier des PME, à promouvoir le design français à l’international et, grâce à lui, à valoriser les productions françaises“ – Eric Besson. Depuis 2008, le Ministère de l’Industrie déclare avoir consacré plus de 10 millions d’euros à la politique de soutien au design. Le Ministère apportera un financement de 1 million d’euros pour le lancement de ce projet, géré par l’APCI. Le lundi 9 janvier la 9ème conférence européenne sur les enjeux du design, organisée par l’Agence pour la promotion de la création industrielle (APCI).

/illustration de l’article –  Geoffrey Dorne - illustration de la nl’s- Jacques Villeglé – La guérilla des écritures – 1985.

Souvenons-nous 58 ! cette année-là pour l’Exposition Internationale de Bruxelles, la BD multiplie les hommages aux meubles contemporains : Spirou dans les pirates du silence Tintin dans l’album “… au Tibet », pour ne citer que les principaux.

En 2013, on célébrera les 75 ans de Spirou qui ne cesse d’étonner par son extraordinaire modernité. À l’instar d’un Franquin, qui n’hésitait pas à faire évoluer Spirou dans des décors contemporains, meublés dans le design des années cinquante, Serge Clerc* s’empare du personnage emblématique du Spirou pour le confronter aux grandes figures de l’art du XXe siècle. De Calder à Picasso en passant par Chirico, mais aussi les Eames. Serge Clerc interroge l’essence même du personnage de BD qu’incarne Spirou. Tout à la fois daté et intemporel, personnage de fiction devenu personnage à part entière, dommage qu’il ne discute pas avec des personnages aussi connus que Tintin, comme nous, il joue sur deux registres : le moderne et le nostalgique, l’actualité et le souvenir.

Les cadres d’Hergé sont plus conventionnels, l’intérieur de Tintin est aussi neutre que son visage, dans cette aventure tardivement publiée dans le Journal de Tintin en 1958, notre reporter vient à s’entourer de meubles très tendances… À la différence de Spirou, l’environnement n’est plus celui d’un intérieur de particulier dans une riche villa moderne mais au contraire un espace collectif bien particulier : un club de montagne. Le mobilier de cet espace, celui de Jean Prouvé, doit donc être hygiénique (moderne, sobre, avec du métal)*.

Concernant Spirou, le sujet est ressassé. Franquin ouvre l’ère du design et signe surtout un constat : le milieu des dessinateurs semble accéder aux valeurs de son temps, des meubles portant une idéologie libre et ouverte*. Il fait évoluer le personnage dans un environnement fait d’objets et d’œuvres évoquant la modernité telle qu’elle était conçue à l’époque où il acquérait ses premières vraies lettres de noblesse. Serge Clerc lui rend hommage, on voit son Spirou se prendre les pieds dans des meubles de Mies van der Rohe, courir dans une maison au design singulier. Son livre est ainsi traversé par des objets qui figuraient la modernité ou l’avant-garde dans les années 1950 et ont désormais, en 2011, un statut quasi-culte. Il propose une tension entre la fiction et le réel, entre des personnages de BD et le décor comme un personnage à part entière.

L’histoire d’une époque et de son look, un idéal de vie auquel chacun souhaite accéder…

*Serge Clerc, dessinateur des années Métal Hurlant, revisite trois mythes modernes : les années Metal Hurlant, le Spirou de Franquin et Jijé, l’art des 50′s. Il a trouvé une large partie de son inspiration et de sa documentation dans les archives de AD, qu’il cite explicitement dans sa bibliographie. Spirou vers la modernité, de Serge Clerc, aux éditions Dupuis.

**Jean Prouvé par Hergé, dans Tintin au Tibet®fondation moulinsart, 1958. Fauteuil modèle « Visiteur FV11″, à assise et dossier en lattes de chêne ciré maintenues par une structure en chêne ciré, accoudoirs manchettes reposant sur un piètement en tubes métalliques à reception boule en bois tourné, 1949.

***Franquin, environ vingt ans plus tard, n’hésite pas à se moquer du  » geste design  » et des effets de surprise, souhaitant même le pire à ses utilisateurs dans Idées Noires !

Designnoma est fondée en 2009 par Benoît Dindinaud et Marc Younan. Architectes tous les deux, ils ont une idée forte : l’architecture ne se limite pas à la construction de bâtiment, toute intervention dans l’espace la constitue. Ce “quatre-mains complémentaire“, les conduit à produire une grammaire simple, rigoureuse, leurs créations se veulent flexibles et facilement intégrables.

COOPERATIVE DESIGN : LA CONCEPTION D’UNE CHAISE (D’UN GRAND PROJET) EST-ELLE TOUJOURS LE PASSAGE OBLIGE ?

Designnoma n’a pas de chaise aujourd’hui à son catalogue. Nous ne l’avons pas considéré comme un passage obligé ou une étape. On pense souvent “chaise“ pour le défi structurel ou la taille de l’objet, voire son rapport intime au corps. Nous pensons que c’est d’abord le rapport à l’espace qui fait la qualité d’un objet. Certaines chaises peuvent avoir un côté “déco“ alors que d’autres objets de taille plus modeste peuvent avoir un impact spatial plus important. Dans notre conception au quotidien nous nous posons des questions qui pourraient être celles qu’on se poserait en concevant une chaise.

CD : QU’EST-CE QUE LA MATURITE DANS VOTRE PRATIQUE ?

C’est, à notre avis, privilégier la recherche de la justesse et la pertinence plutôt que le démonstratif et l’ostentatoire. Les signes en seraient une forme d’humilité.

CD : LE DESIGN EST-IL UNE QUESTION D’ECHELLE ?

Non, le design n’est pas une question d’échelle de l’objet mais plutôt de son rapport à l’espace, dès lors on peut dire “de l’urbanisme à l’objet“. On peut presque même parler “d’un urbanisme d’objets“, dans la mesure où on travaille le parcours, les séquences et les scénarios. On parle souvent dans notre travail d’objets sentinelles, de repères qui ponctuent l’espace. Autant de jalons qui marquent un paysage, un territoire.

CD : QU’EST-CE QUI VOUS FAIT COURIR (AMBITION, VALEURS, RECONNAISSANCE) ?

Un peu les trois. L’ambition, pas d’ambition personnelle mais celle qu’on a pour Designnoma, de développer une ligne, une identité forte. Les valeurs, nous en avons tous. Les nôtres nous posent des cadres, des lignes à ne pas franchir ou des directions pour avancer. La reconnaissance bien sûr. D’abord parce qu’il y a une forme de séduction dans notre travail. Et puis d’avoir séduit c’est un peu aussi d’avoir convaincu dans notre approche du design.

CD : Y A-T-IL UN DESIGN UTOPISTE ?

Il n’y a pas d’objet utopiste, mais plutôt une utopie du rapport à l’objet. On pense qu’il existe une architecture ou un design visionnaire. C’est le rapport à l’objet, à sa fonction et son usage qui peuvent être utopistes. On pense par exemple en architecture au familistère et à Fourrier.

CD : VOUS INSCRIVEZ-VOUS DANS UN RESEAU ? DANS UN ECOSYSTEME ?

Nous pratiquons un design à quatre mains. Le regroupement aujourd’hui nous semble incontournable. Rebondir sur l’autre, mettre ses idées et ses doutes à l’épreuve. Le contexte devient de plus en plus complexe aussi bien du point de vue des pratiques sociales que sur le plan de l’offre technique et des matériaux, alors oui, être à plusieurs c’est un moteur et une accumulation de compétences, et cela doit se faire dans un climat de confiance et avec une forme de complicité.

S’il est des rencontres qui marquent durablement l’histoire du design, on peut dire que la vie de Hans J. Wegner en est ponctuée.

Danois, né en 1914, à 17 ans il est ébéniste. Il s’installe à Copenhague en 1934 et étudie à l’École des métiers, mais sa carrière démarre réellement en 1940 lorsqu’il travaille avec Arne Jacobsen à la création de meubles pour l’Hôtel de ville d’Aarhus en parallèle d’une collaboration avec Johannes Hansen. L’après-guerre sera pour lui le démarrage d’une série inaugurée par la China Chair, la suite sera ponctuée par l’iconique Wishbone chair – 1949. Toujours produite, elle reste l’une des meilleures ventes de Carl Hansen & Son*.

Grâce à cet éditeur, initiateur de la reconnaissance du design danois à travers le monde, Wegner commence alors une carrière internationale et devint si célèbre que Kennedy choisi d’utiliser lors de son débat contre Nixon la chaise “Round chair“. À la suite de cette émission les Américains se rueront pour l’acheter et elle deviendra au début des années soixante la chaise de référence aux USA, icône de “l’esprit international“ et de la modernité. Hans Wegner a reçu au cours de sa vie presque toutes les récompenses s’adressant au design et fut nommé Doctor honoris causa par le Royal College of Art de Londres en 1997. Disparu en 2007, il est, avec près de 500 chaises conçues**, l’un des designers les plus prolifiques de l’histoire du design.

Un succès lié à l’éditeur Carl Hansen.

*Entreprise familiale fondée en 1908 par Carl Hansen le premier atelier de fabrication à Odense au Danemark, c’est en 1934 que Holger, fils de Carl reprend les rênes de l’entreprise et travaille rapidement avec les plus doués des jeunes designers du Danemark dont Hans J. Wegner fut la tête de liste. Elle est toujours dirigée par un descendant (Knud Erik). **Les modèles les plus connus sont : CH24 Wishbone Chair – 1949 – qui nécessite un travail manuel important et dont le siège tissé main demande le tressage de 120 mètres de « paper cord » – CH20 Elbow Chair – 1949 – éditée en 2005 – CH445 Wing chair -1960 – fauteuil en cuir ou tissu avec ou sans repose-pieds – CH07 Shell chair – 1963 – avec son assise en forme d’aile et ses pieds incurvés./Illustration – image 1 – Valet or Bachelor’s – 1953 – image 2 © Hans J. Wegner/Polfoto. – image 3 – Kennedy vs Nixon 26. september 1960 – foto: Bettmann/CORBIS/polfoto

Depuis quelques années, le design repousse ses propres limites. Nous assistons à l’émergence d’une nouvelle manière de penser, à la frontière entre science-fiction et réalité. En illustration le travail de Carnovsky, basé sur les ondes de lumière, pour le comprendre cliquer sur ce lien).

Lorsque nous avons rencontré Glitch Fiction (Paris Design Week en septembre dernier), la série de projets inventifs, participatifs et spéculatifs, nous a d’abord interpellé: est-ce encore du design ? “C’est un design spéculatif, axé sur le design d’expérience, entre les personnes, les technologies et leurs environnements. Nous concevons des expériences explorant les étapes entre l’extraordinaire et l’hyper-normalité. Nous utilisons des propositions de design afin de sonder, questionner et enthousiasmer. Nous cherchons à révéler de nouvelles perspectives et possibilités offertes par les avancées technologiques tout en communiquant avec le public“*. Proposer un volcan en (future) éruption au centre de son séjour est-ce un travail de designer ? un travail de créateur ? un futur happening ? Nelly Ben Hayoun, porte-parole autoproclamée du collectif nous répondait “envisager l’action d’un projet et le programmer c’est du design“. Peut-être a-t-elle raison, nous ne pouvons être juge: l’aspect protéiforme du design est une de ses qualités. Mais après le design de dérision porté par l’école hollandaise et l’école belge, voici venu le “design fictionnel“, générateur de contes de fées où l’on fait l’expérience de la chaleur d’un volcan d’appartement ou d’une tempête de poissons. Ces mondes limites, fictifs, parallèles et tangents c’est ce que les « tendanceurs » présentent dans le parcours d’influence, trois lieux où se rencontrent rêves et cauchemars, mondes impossibles et hyperréalités pour explorer les conséquences de la science et des technologies émergentes. Ici, les projets utilisent le design à des fins spéculatives et critiques, pour nous permettre de débattre et d’envisager les bouleversements de notre vie quotidienne, présente, future ou imaginaire.

Les Parcours d’influences, présentés dans des cabinets de curiosités contemporains, ne se prennent pas trop au sérieux et ça fait un bien fou : l’imagination prend le pouvoir.

François Bernard dans Art’keting, nous propose des pièces uniques. L’inattendu s’invite alors dans un bric-à-brac élégant, ironique et luxueux. Ici tout est anachronismes, collision de matières et de couleurs… “La maison devient œuvre d’art et vous en êtes le créateur.“

Vincent Grégoire (NellyRodi) nous offre ses « Beautés monstres » dans une “grotte aux merveilles“. Ici l’excentricité est sous tension.Fidèle à lui-même il propose des délires loufoques d’une fantaisie déjantée, il chamboule un monde qui vacille entre dérangé et trop bien rangé. De nouveau, voici de curieux télescopages où juxtapositions, accumulations et détournements se confondent pour créer le saugrenu et le raffiné.

Élizabeth Leriche, plus sage nous propose ses “Folies douces“ et explore l’étrangeté des mondes imaginaires. Elle nous téléporte dans de troublantes réalités parallèles. Effets d’illusions, pertes de repères, surdimensionnements, monde sens dessus dessous, distorsions et autres sortilèges… tout se métamorphose et nous envoûte. La maison expérimente le prêt-à-rêver.

*Good one a été fondé en 2010. Andrew Friend, Sitraka Rakotoniaina et Gerard Rallo se sont rencontrés au Royal College of Art de Londres et viennent d’horizons différents : l’architecture, le graphisme/multimédia et l’informatique.

/Image 1 – 2 – 3 carnovsky® / vidéo Gnarls Barkley Crazy – téléchargé sur YouTube tous droits réservés

Le projet est un luminaire monumental constitué dʼabat-jour : le ruban issu d’un savoir traditionnel sʼenroule autour dʼune ossature majestueuse. Le fil de trame renvoie la lumière émise par la source lumineuse. Le fil de chaîne est phosphorescent : il laisse apparaître le spectre de la lampe lorsque celle-ci est éteinte, créant ainsi des jeux de lumière.

Q – CE QUE VOUS A APPORTE CETTE RENCONTRE ?

C’est une ouverture, indispensable pour les entreprises pour la coproduction de produits finis hors des sentiers (usuels) de la mode.

Bacus a commencé en 1908 avec les brodeuses Lunévilleuses, puis s’est enrichi des techniques de passementerie, de broderie électronique, de dentelle aux fuseaux mécaniques. La clientèle de Bacus est composée des grands noms de la couture, mais aussi de décorateurs pour la maison ou le music-hall. Normal Studio est une agence de création industrielle créée en 2006 qui défend un design épuré où les objets revêtent une forme simple et usuelle, intemporelle sans superflu ni démonstration de style ou de tout ornement.

/À l’occasion du salon Maison&Objet, Tech&Design présente les dix binômes constitués et le fruit de leur collaboration, ainsi qu’une rétrospective de l’ensemble des projets qui ont vu le jour grâce à ce programme. 10 designers : François Azambourg, Normal Studio, Alexis Mabille, Pascal Gautrand, Solenne Morigeaud, Sismo, Lefranc-Ferrand, Sophie Mallebranche, Jean-Marie Massaud, Patrick Jouin. 10 entreprises : Société Choletaise de Fabrication, Broderie Bacus, Altertex, Virtuose, Toiles de Mayenne, Lemaitre Demeestere, Le Chameau, TF Création, Janisset et Tanneries Roux pour les mener vers de nouveaux sentiers de création. 10 associations. Le programme Tech&Design est initié par le R3ILab (Réseau pour l’innovation immatérielle dans l’industrie). Le programme a pour mission d’insuffler une nouvelle approche d’innovation et d’intégration du design dans les entreprises françaises en rapprochant un industriel membre du réseau R3ilab et un designer issu d’un autre champs de compétence. Le réseau R3iLab accompagne les binômes jusqu’à l’étape de la commercialisation et les conseille sur les aspects marketing et distribution de leurs produits. À ce jour, 30 entreprises ont bénéficié de ce soutien à l’innovation.

Il s’agit d’un tabouret en cordelette composite. Il se fabrique lui-même !

La cordelette est bobinée autour d’un patron repliable en carton. L’ensemble, muni d’un petit transformateur et d’une prise électrique est livré à plat. L’utilisateur déplie le carton pour donner forme au tabouret et le branche sur secteur pendant quelques instants. Quelques minutes plus tard, une fois débarrassé de son gabarit et de son système électrique, le tabouret solidifié est utilisable.

Q – CE QUE VOUS A APPORTE CETTE RENCONTRE ?

François Azambourg a une capacité à appréhender un savoir-faire et l’amener sur de nouveaux produits, des secteurs non encore exploités, de nouveaux secteurs industriels : il a imaginé associer les techniques de tissage et le tressage et l’électricité. Mais nous sommes rapidement bloqués techniquement.

Pour rappel : à l’origine la Société Choletaise de Fabrication de Lacets (SCF) a été créée en 1969. L’entreprise manufacture en France des articles de mode et techniques (cordons, lacets, galons, sangles…), selon trois procédés : le tressage, le tissage et le tricotage en longueur. François Azambourg* est un incontournable du design contemporain. Son œuvre, à la fois poétique et innovante, est centrée sur la matière, n’hésitant pas à inventer de nouveaux matériaux, des formes nouvelles et originales et l’a amené à déposer de nombreux brevets. Également plébiscitées à l’international, ses créations se retrouvent dans les collections de Ligne Roset et Cappelini, Poltrona Frau, Domeau & Pérès…

*Lauréat de la villa Médicis hors les murs en 2003, du Grand Prix du Design de Paris en 2004, du concours du Musée des Arts Décoratifs. Il fut aussi trois fois lauréat du concours Top Plastique. En janvier 2009, il est élu Créateur de l’Année par le salon Meuble Paris.

/À l’occasion du salon Maison&Objet, Tech&Design présente les dix binômes constitués et le fruit de leur collaboration, ainsi qu’une rétrospective de l’ensemble des projets qui ont vu le jour grâce à ce programme. 10 designers : François Azambourg, Normal Studio, Alexis Mabille, Pascal Gautrand, Solenne Morigeaud, Sismo, Lefranc-Ferrand, Sophie Mallebranche, Jean-Marie Massaud, Patrick Jouin. 10 entreprises : Société Choletaise de Fabrication, Broderie Bacus, Altertex, Virtuose, Toiles de Mayenne, Lemaitre Demeestere, Le Chameau, TF Création, Janisset et Tanneries Roux pour les mener vers de nouveaux sentiers de création. 10 associations. Le programme Tech&Design est initié par le R3ILab (Réseau pour l’innovation immatérielle dans l’industrie). Le programme a pour mission d’insuffler une nouvelle approche d’innovation et d’intégration du design dans les entreprises françaises en rapprochant un industriel membre du réseau R3ilab et un designer issu d’un autre champs de compétence. Le réseau R3iLab accompagne les binômes jusqu’à l’étape de la commercialisation et les conseille sur les aspects marketing et distribution de leurs produits. À ce jour, 30 entreprises ont bénéficié de ce soutien à l’innovation.

Un système de pare-soleil qui s’inspire des éventails et du plissé soleil qui se déploie au gré de l’humeur. L’ossature de cette pièce, faite d’aluminium, d’inox et de fibres carbone, rappelle celle d’une aile d’oiseau.

Q – CE QUE VOUS A APPORTE CETTE RENCONTRE ?

Notre objectif est de faire évoluer l’art de vivre. Grâce à Tech&Design, nous avons pu explorer des techniques nouvelles et créatives, avec comme limite la dépendance aux sous-traitants et… à leur motivation.

Pour rappel : Toiles de Mayenne c’est un style. C’est aussi l’un des derniers tisseurs français. Fondée en 1806, la manufacture, elle est toujours indépendante. À la fois tisseur et éditeur, Toiles de Mayenne décline son art du motif et de la couleur en lignes éditoriales. Solenne Morigeaud est designer de textiles, matériaux et surfaces, avec une carrière entre Londres et Paris (Diplômée de l’école Duperré et de Central Saint-Martins de Londres). Allant du dessin textile aux surfaces pour le design d’intérieur, son intérêt pour le design et les métiers d’arts lui permettent d’exprimer sa philosophie… jouer avec l’ambiguïté et la perturbation de nos sens et de notre perception.

/À l’occasion du salon Maison&Objet, Tech&Design présente les dix binômes constitués et le fruit de leur collaboration, ainsi qu’une rétrospective de l’ensemble des projets qui ont vu le jour grâce à ce programme. 10 designers : François Azambourg, Normal Studio, Alexis Mabille, Pascal Gautrand, Solenne Morigeaud, Sismo, Lefranc-Ferrand, Sophie Mallebranche, Jean-Marie Massaud, Patrick Jouin. 10 entreprises : Société Choletaise de Fabrication, Broderie Bacus, Altertex, Virtuose, Toiles de Mayenne, Lemaitre Demeestere, Le Chameau, TF Création, Janisset et Tanneries Roux pour les mener vers de nouveaux sentiers de création. 10 associations. Le programme Tech&Design est initié par le R3ILab (Réseau pour l’innovation immatérielle dans l’industrie). Le programme a pour mission d’insuffler une nouvelle approche d’innovation et d’intégration du design dans les entreprises françaises en rapprochant un industriel membre du réseau R3ilab et un designer issu d’un autre champs de compétence. Le réseau R3iLab accompagne les binômes jusqu’à l’étape de la commercialisation et les conseille sur les aspects marketing et distribution de leurs produits. À ce jour, 30 entreprises ont bénéficié de ce soutien à l’innovation.

Le projet est une nouvelle manière d’imaginer le tissage du lin tout en prenant en compte les métiers à tisser existants. Cette recherche de mise en œuvre, effectuée en étroite collaboration avec l’industriel, s’est doublée d’une attention particulière aux nouveaux usages textiles dans la maison. Ainsi sont nés deux projets très différents. Le premier projet consiste à proposer, sur un même rideau, une partie translucide de type voile et une partie opaque. Le second projet est une recherche sur un fauteuil aux lignes épurées qui crée une nouvelle partition de l’espace, qui permette de s’isoler, mais aussi d’observer sans être vu.

Q – CE QUE VOUS A APPORTE CETTE RENCONTRE ?

Cela nous a poussés à mener une réflexion sur notre offre, ce que nous n’aurions pas fait sans ce projet. L’important pour nous, c’est l’ouverture, donc aujourd’hui, on peut aller ailleurs, c’est un pied à l’étrier.

Lemaitre Demeestere travaille aujourd’hui majoritairement avec des professionnels mais s’ouvre petit à petit aux particuliers. Entreprise fondée en 1835 (Maire d’Halluin), c’est l’une des plus anciennes sociétés textiles de France, et l’un des derniers tisseurs réalisant 100 % de sa production en France. Leur activité se concentre principalement sur les tissus d’ameublement et de décoration en fibres naturelles, et plus particulièrement en lin. Créée en 1996, l’agence Sismo est un duo de créateurs industriels, commissaires d’exposition, Antoine Fenoglio et Frédéric Lecourt. Depuis 15 ans, ils développent une approche originale de la création par le design.

/À l’occasion du salon Maison&Objet, Tech&Design présente les dix binômes constitués et le fruit de leur collaboration, ainsi qu’une rétrospective de l’ensemble des projets qui ont vu le jour grâce à ce programme. 10 designers : François Azambourg, Normal Studio, Alexis Mabille, Pascal Gautrand, Solenne Morigeaud, Sismo, Lefranc-Ferrand, Sophie Mallebranche, Jean-Marie Massaud, Patrick Jouin. 10 entreprises : Société Choletaise de Fabrication, Broderie Bacus, Altertex, Virtuose, Toiles de Mayenne, Lemaitre Demeestere, Le Chameau, TF Création, Janisset et Tanneries Roux pour les mener vers de nouveaux sentiers de création. 10 associations. Le programme Tech&Design est initié par le R3ILab (Réseau pour l’innovation immatérielle dans l’industrie). Le programme a pour mission d’insuffler une nouvelle approche d’innovation et d’intégration du design dans les entreprises françaises en rapprochant un industriel membre du réseau R3ilab et un designer issu d’un autre champs de compétence. Le réseau R3iLab accompagne les binômes jusqu’à l’étape de la commercialisation et les conseille sur les aspects marketing et distribution de leurs produits. À ce jour, 30 entreprises ont bénéficié de ce soutien à l’innovation.

“Nous sommes incapables de dessiner des objets aux formes parfaites. Notre inspiration, c’est notre pays : le chaos urbain, la mixité sociale, les favelas… Nous faisons tout pour rester proches de ces réalités“.

C’est avec ce type de phrase que les frères Campana sont devenus la meilleure image du renouveau brésilien. Fernando s’intéresse aux méthodes alternatives dans la matérialisation du design. Humberto explore les possibilités illimitées de l’artisanat. L’un écoute les partitas de Bach en boucle, Fernando, écoute du rap ! Ensemble, ils se penchent sur le pouvoir de communication d’Oscar Niemeyer et sur leur synthèse de projets, D’ailleurs, ils travaillent dans leur studio de São Paulo, laboratoire artisanal où ils se livrent, loin des modes, à leur passion pour les matériaux. Après entre la légende, sur leur entrée dans le design, mais ce qu’il faut reconnaître c’est qu’à l’instar des frères Bouroullec, c’est l’autre couple le plus célébré du design contemporain. Ils sont reconnus pour leur façon de suggérer de nouveaux codes. Depuis 1989 et la collection de chaises en fer “Desconfortáveis“ (Inconfortable) en passant la chaise Favela, composée de milliers de petits rebuts de bois, que de chemin parcourus jusqu’à l’installation du café du Musée d’Orsay, ils ont été Créateurs de l’année du salon Maison&Objet 2012.

Le style Campana ?

“Un design à la Duchamp dans l’esprit ready-made. Ils subliment avec poésie les matériaux pauvres, recyclent les déchets industriels, inversant les valeurs et libérant le Brésil de son image folklorique“, souligne la Brésilienne Ethel Leon, historienne du design. Dans leur sillage, ils sont donc toute une génération, portée par l’explosion des entreprises de meubles, qui exportent considérablement, et par un gouvernement qui voit dans le design un argument de compétitivité et d’essor.

/Trois visages de la création – Humberto et Fernando Campana, créateurs MAISON&OBJET 2012 - Hubert le Gall, créateur scènes d’intérieur 2012 – Tokujin Yoshioka, créateur now! design à vivre 2012. Ils sont brésiliens français et japonais, ils sont les meilleurs exemples de la reconnaissance internationale de chacun de leur pays.

/En illustration, le travail des frères campana pour Bernardaud, Fernando C. donne l’opportunité d’expliquer la phylosophie de leur travail. ce film est visible dans on intégralité sur le site Bernardaud. Puis pour les Trois créateurs, une illustration de leur travail, trois vidéos crédits - Maison&Objet 2012

La partie n’est pas gagnée pour Autolib’ : le seuil de rentabilité devrait être atteint quand 80 000 franciliens se seront convertis aux bienfaits de l’automobile électrique en libre-service. En janvier 2012, ils étaient 6 000 précurseurs à répondre présent, dont certainement une bonne partie de curieux, de technosensibles et d’écologiquement corrects (du moins, le croient-ils – le total du bilan carbone n’étant sans doute pas à la hauteur des espérances).
Au-delà des querelles de chiffres, il est nécessaire se pencher sur la véritable signification du concept Autolib’, ainsi que sur les réels besoins auxquels répond cette offre. De façon générale, l’autopartage et le libre-service relèvent d’une même volonté, qui se décline selon deux composantes : atteindre le plus souvent possible le taux de remplissage du véhicule, sur un trajet donné. Et/ou limiter la possession du véhicule au temps de trajet.
Ceci, afin de réduire la quantité de véhicules en circulation, et également diminuer le nombre de véhicules possédés en propre.
L’autopartage est un concept sensé : aucun intérêt à multiplier les véhicules vides allant dans la même direction. Autant se regrouper, aussi bien pour des raisons économiques qu’environnementales. Mais ce concept sensé ne l’est vraiment qu’en l’absence de transports en commun, ou sur de longues distances. En ville, l’intérêt devient beaucoup moins tangible, tant les solutions de transport, 100% écologiques (Vélib’) ou non, sont à portée de main. Et c’est justement dans cet environnement urbain qu’Autolib’ a décidé de se placer : logique, car l’autonomie des batteries ne devrait pas permettre de dépasser bien souvent une centaine de kilomètres en conditions réelles d’utilisation (même si l’autonomie affichée est de 250 kilomètres – batteries pleines).
Ce serait donc par défaut que le véhicule électrique est urbain, du fait d’une impossibilité d’effectuer d’une seule traite un déplacement conséquent.
Mais c’est aussi là qu’il est le moins utile, tant l’offre transport est développée. Par conséquent, si Autolib’ réduit effectivement la possession du véhicule au temps de trajet (c’est le concept du libre-service qui permet cela – et non la traction électrique), sa réponse au besoin de transport hors de la cité est très imparfaite, autonomie oblige.
Disons alors qu’Autolib’ permet de s’acclimater au véhicule électrique, mais cela constitue-t-il un progrès technologique flagrant depuis qu’Émile Jenatzy a franchi en 1899 la barre des 100 km/h avec sa “Jamais Contente“ ?

/Christophe Chaptal de Chanteloup rejoint Cooperative Design pour une chronique d’humeur, ici sur l’automobile. Successivement fondateur et dirigeant de l’agence Design Service, puis directeur marketing chez Groupe SEB et Peugeot Scooters, il développe aujourd’hui cc&a, un cabinet spécialisé dans l’organisation des entreprises par la mise en oeuvre du design management (automobile, banque, textile, édition, etc.). Auteur de plusieurs ouvrages sur la stratégie et le design management (Dunod et Vuibert), il est conférencier et formateur à Sciences Po Paris en stratégie et design management et intervient également à ICN Business School, HEC, ESCP Europe, etc. Il est président de l’association Île-de-France Design.

/image 1 – La “Jamais Contente“ de Camille Jenatzy /image 2 Autolib’®

Que ce soit pour trouver l’inspiration, communiquer des choix de couleurs ou contrôler l’homogénéité des couleurs, sur toute surface, texture, matériau ou finition, il a fallu trouver un langage pour les couleurs utilisées dans toutes les industries* du monde entier. Pantone est là où la couleur joue un rôle clé. C’est le « standard utilisé pour la communication » des couleurs. Laurie Pressman (VP – Fashion, Home + Interiors chez Pantone LLC*)  répond à quelques questions

“Le Pantone® Matching System® a été créé en 1963, lorsqu’on a compris que chaque personne voit et interprète les couleurs différemment. Grâce à ce nuancier de couleurs standardisé, présenté sous la forme d’un éventail, la communauté des arts graphiques dispose d’une méthode innovante et objective permettant d’identifier, d’établir des correspondances et de communiquer des couleurs, afin que toutes puissent être reproduites avec précision dans le monde entier, de façon homogène. Même s’il est plus facile de regarder une couleur sur le matériau final choisi. Ces couleurs peuvent ensuite être imprimées et les essais de coloris en laboratoire peuvent démarrer. Notre site propose des formules de base utilisables sur différents matériaux“.

DANS QUELLE MESURE VOS RECOMMANDATIONS INFLUENT-ELLES SUR LES VENTES ?

LP – Parce que nous travaillons avec une multitude de marques, détaillants et designers d’envergure internationale, nos recommandations ont un impact sur nos vies et la société. En effet, les couleurs que nous mettons en avant comme couleurs de l’année ou prochaines couleurs phares, semblent jouir d’une plus grande longévité.

“Le Pantone Color Institute, dirigé par Leatrice Eiseman, étudie la manière dont la couleur influe sur le mode de pensée du consommateur ainsi que ses effets tant sur le plan psychologique que physiologique. Cette année 2012**, Pantone propose “Tangerine Tango Pantone® 17-1463, une teinte vive et attirante qui va apporter dynamisme pour cette année à venir“. Elle succède et s’inscrit dans la continuité du Pantone 18-2120 Rose foncé chèvrefeuille (Honeysuckle)“, ajoute Leatrice Eiseman, directrice générale du Pantone Color Institute®.

Notre travail témoigne de notre engagement vis-à-vis des professionnels, à qui nous fournissons des clés pour mieux comprendre la couleur et l’utiliser plus efficacement. Cette fondation dédiée à la couleur a entrepris des études poussées qui nous ont conduit à nouer des liens avec la société Metropolitan Publishing et à concevoir nos planificateurs de couleurs Pantoneview. Nous travaillons également avec les designers qui présentent leurs collections lors de la Fashion Week de New York, autour de la création d’un bulletin mettant en avant les couleurs tendances de la prochaine saison. Ces connaissances, couplées à l’accès à la communauté mondial du design, nous ont conféré une certaine stature en matière de prévisions et recommandations des grandes tendances de la couleur, qui ont eu des retombées positives sur les ventes de détail.

Pour effectuer la sélection chaque année, Pantone parcourt presque littéralement le monde à la recherche d’influences de couleurs. Cette recherche prend en compte le secteur du divertissement et les films en production, les collections artistiques itinérantes, les nouveaux artistes à la mode, les destinations touristiques populaires et autres conditions socio-économiques. Les influences peuvent aussi reposer sur la technologie, la disponibilité de nouvelles textures et d’effets influençant les couleurs et même les événements sportifs à venir qui capturent l’attention du monde entier. Depuis plus de dix ans, la couleur Pantone de l’année influence le développement de produits et les décisions d’achat dans de nombreux secteurs, notamment la mode, la maison et le design industriel.

AU NIVEAU RESSENTI, COMMENT VOUS DEFINIRIEZ-VOUS LA COULEUR ?

À mes yeux, la couleur est expression. L’être humain étant de façon inhérente attiré par la couleur, celle-ci possède la capacité unique de capter l’attention, susciter des émotions, mettre en valeur un produit ou un environnement, et au final créer de la magie et une ambiance.

AU NIVEAU TECHNIQUE, COMMENT VOUS DÉFINIRIEZ-VOUS LA COULEUR ?

Chacune des couleurs dans notre palette Pantone Fashion + Home est associée à six chiffres. Les deux premiers correspondent à la luminosité de la couleur, les deux suivants à la teinte tandis que les deux derniers renseignent sur le degré chromatique. Les standards de couleurs sont présenté sur un support en coton ou papier brillant. Dans les deux cas, ils sont l’assurance d’une grande homogénéité des couleurs, quelles que soient les conditions de luminosité. Si vous souhaitez imprimer ces couleurs sur différents matériaux, vous pouvez vous référer au site que nous avons créé dans le cadre de notre partenariat avec Clariant. Vous y trouverez des formules de mélanges pour différents supports ainsi qu’une assistance technique où que vous vous trouviez dans le monde.

*habillement, décoration d’intérieur, arts graphiques ou des couleurs utilisées par les marques, dans des secteurs tels que l’alimentation, la beauté/cosmétique, les jouets, l’automobile et l’art floral. Pantone LLC, filiale à 100 % de X-Rite, Incorporated, est depuis près de 50 ans la référence mondiale en matière de couleurs, et offre aux professionnels du design des produits et services visant à l’exploration des couleurs et à l’expression de la créativité. Source d’inspiration de couleurs inépuisable, Pantone propose également à ses clients des produits et services inspirés de peinture et de design. Pour plus d’informations, rendez-vous sur www.pantone.com.

**Les anciennes couleurs incluent : Pantone 18-2120 Honeysuckle (2011) /Pantone 15-5519 Turquoise (2010) /Pantone 14-0848 Mimosa (2009) /Pantone 18-3943 Blue Iris (2008) /Pantone 19-1557 Chili Pepper (2007) /Pantone 13-1106 Sand Dollar (2006) /Pantone 15-5217 Blue Turquoise (2005) /Pantone 17-1456 Tigerlily (2004) /Pantone 14-4811 Aqua Sky (2003) /Pantone 19-1664 True Red (2002) /Pantone 17-2031 Fuchsia Rose (2001) /Pantone 15-4020 Cerulean (2000)

Spatiale et temporelle, deux dimensions, trois dimensions - UN nuancier - Les enjeux du design culinaire, Invisible et visible, double regard de la création - DEUX designers - L’excellence française, la présence regionale - TROIS Milan - Copie ou original ? - QUATRE entrepreneurs et QUATRE regards couleurs  = HUIT- Singularité - CINQ visions des “parcours d’influences“ - Design Parade SIX, la transition - Les fantômes marchent dans le cimetière des meubles, mais voici le renouveau du design danois - SEPT designers - Paris Design Week - NEUF designers -

Merci à Lucy Mc Rae et Bart Hesse pour ce magnifique visuel. Ensemble, ils ouvrent les voies d’un design architectural mutant du corps humain…

Indiscutablement, la couleur a une composante magique.

Un autre grand principe de compréhension de la couleur justifie et alimente les créations actuelles : c’est l’inextricable enchevêtrement de la couleur et de la matière. Elles n’existent pas l’une sans l’autre mais l’une par l’autre. Pour les coloristes, le Pantonier n’a pas de sens, car ils sont dans la matière, et pas uniquement dans la couleur. La matière est la base des recherches, la couleur en est le résultat, un mélange de pigments, de composants, d’encres, de jus, de laques, de résines, d’interférents, de particules, d’agents texturants tout ce qui compose un support ou anime sa surface, lui donne du grain, de la texture.

Et dans ce jeu constant, les matières et couleurs s’affirment, se renforcent mutuellement jusqu’à transformer immanquablement le regard. Cette perception fine de  la couleur implique une part d’irrationnel. Cette recherche de la fameuse couleur inaccessible dont tout le monde rêve devient le moteur “des révolutions rapides et provoque de véritables coups d’état“. Pour les  industriels et les coloristes, c’est une quête personnelle, jamais assouvie, une espèce de quête du Graal.

Mais où est donc or… en Eldorado bien sûr ! Attention à la ruée vers l’or ! Ne succombez pas aux pommes d’or du jardin des Hespérides ! Les pragmatiques vous diront que ce n’étaient que des oranges. Couleur alchimique par prédestination, couleur à monnayer avec circonspection, couleur à manier avec précaution, couleur à n’utiliser qu’avec discrétion, sinon l’or vous taxera de mauvais goût. Noble, riche, pur, mat, satiné ou brillant, matière ou laqué, c’est l’œil qui dirige cette correction. Reflet dans un œil d’or, fard pailleté d’or, teint doré, c’est dans la parcimonie que réside son harmonie, l’or change en fonction de notre richesse. Et dans toutes ses “gold” déclinaisons que le golden boy se trahit. Or blanc, or jaune, or rose, or vert, or rouge…quel or choisir pour redorer un blason ?

“Pour couvrir ton corps d’or et de lumière…” Basses lumières, contraste léger, subtilité et couleur naturelle, l’or se rapproche du gris. Charge appuyée, surplus sublime, précieux, tout ce qui brille n’est pas or, mais sans lumière aucun or ne brillera. Et touches légères préfèreras. Vermeillé, ô merveille ! Damasquiné, enluminé, ou chryséléphantin.

“Pompes et circonstances” Le précieux or pare de tous les fastes du pouvoir. Il anoblit tout mais dissimule derrière une façade grandiloquente la réalité devenue invisible, tant son pouvoir hypnotique est grand. Son éclat aveugle. Le veau d‘or est-il toujours debout ?

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Or – Peau - “Malléable, rouge, jaune, bleu ou noir, matière ou couleur pure aux variations infinies, l’or donne du plaisir et assied la richesse. Peindre en or est un cérémonial, doreur est un métier, l’or est une parure.“ L’or a des reflets blanc et jaune et c’est dans les basses lumières que les ombres se chargent de vert. Cela donne le contraste léger qu’on peut avoir sur un anneau. La réussite est d’avoir laissé la peau naturelle avec juste une légère touche d’or. Toute la subtilité est apportée par la lumière. Nous avons cherché un rapprochement entre le gris et l’or. Tout est subtil. Pour y parvenir, nous avons procédé à l’envers : dans un premier temps un maquillage très appuyé, puis suppression du surplus pour arriver à cet équilibre.

Or – Pigments - “Très souvent précieux, l’or habille, pare, donne de l’éclat et de l’amplitude à un projet, à un produit. Mais il est très délicat, car il y a un or pour chacun. Plus que tout, c’est une couleur culturelle, d’abord liée à sa valeur monétaire et marchande, de façon encore plus forte que l’argent. Enfin, c’est plus que jamais avec l’or que l’on rejoint notre histoire d’alchimie.“

Or – Encre – “Avec l’argent, l’or est une couleur noble, riche, que l’on peut employer pure. C’est une manière de se distinguer. Mat, satiné ou brillant, matière ou laquée, ça n’a pas d’importance, c’est l’œil qui dirige cette correction mais ce n’est pas la réalité, la fascination rentre en scène.“

Or – Plastique - “L’or offre une manière de se distinguer. On peut avoir un immense panel d’or, il peut aussi se dégrader facilement.“

Or – Métal - “Pour la teinte dorée, on a moins de teintes, cela ne veut pas dire moins de possibilités. Mais, de par la matière et le procédé de galvanisation, on limite les choix“.

Or – Verre - “Par sa désignation, cette couleur fait référence au métal précieux. Mate ou brillante, opaque ou transparente, cette teinte reste luxueuse. Pour l’obtenir, il est nécessaire de composer avec des éléments métalliques, nacrés, hautement pigmentés. La couleur or peut être déclinée dans des nuances chaudes ou chaleureuses, ainsi que dans un univers de tons beaucoup plus polaires – Tout cela va dépendre des formulations élaborées. »

Or – Papier – “Symbole de richesse et de surface noble. Il peut offrir une palette de nuances très intéressante. Nous n’ avons encore exploré qu’une infime partie de cet univers.“

S’intéresser à la réflexion des artistes sur la couleur permet toujours de traverser l’ensemble de l’histoire de l’art avec une certaine poésie. Un an après la parution en français de Couleur et culture, John Gage propose La couleur dans l’art.

John Cage nous fait découvrir les nombreux critères qui président au choix d’une couleur. Sous ce nouvel éclairage, on revisite au fil des pages la palette des peintres. Du pointillisme au constructivisme, de la théorie de l’œuvre d’art totale à l’expressionnisme abstrait, les œuvres prennent un sens nouveau. De l’origine des pigments de la peinture aborigène en Australie aux croyances dans le pouvoir guérisseur des couleurs au Moyen-Âge, le goût d’un artiste pour une couleur est bien souvent le fruit de contraintes économiques et sociales. Il raconte aussi avec précision comment les artistes se sont inspirés de la psychologie ou de la science optique pour faire évoluer leurs usages de la couleur.

Toutefois, en brassant un trop grand nombre de thèmes sur un nombre de pages restreint (du nom et des matériaux des couleurs à l’impact de la science sur les artistes) et en multipliant les digressions, il nous fait perdre le fil de ce trop vaste survol.

JohnCage. La couleur dans l’art . Thames and Hudson, 336 p. - « La Couleur dans l’art » – Éditions Thames & Hudson, 224 p., 14,95 €.Un choix de Carl Huguenin pour A R T A Z A R T – LA Librairie qui depuis 1999 répond aux attentes de tous les passionnés de la création. Jérome Fournel et Carl Huguenin et leur équipe vous attendent au 83 quai de valmy, dans le X° arrondissement de Paris, au bord du Canal St Martin, où ils  contribuent à révéler et promouvoir une créativité pluri-disciplinaire

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Entre tradition et innovation, la firme danoise Louis Poulsen est l’éditeur de lampes célèbres, comme la PH5 et l’Artichok de Poul Henningsen, la Panthella de Verner Panton, l’AJ de Arne Jacobsen. Louis Poulsen a écrit certaines des plus belles pages de l’histoire du design du XXème siècle, et plus récemment avec Louise Campbell, Foster & Partners et Ross Lovegrove celles du XXIème siècle. La collaboration avec Poul Henningsen va être déterminante pour la société.

Poul Henningsen est né en 1894 dans une petite ville du Danemark. lorsqu’il devint architecte, il fut frappé par la violence des éclairages électriques dans les nouveaux bâtiments, il choisit donc de travailler l’abat jour comme filtre. Il est considéré aujourd’hui, comme un de pionnier dans l’éclairage. En 1926, Louis Poulsen et Poul Henningsen remportent un contrat pour le Forum de Copenhague en utilisant le système des lampes PH à trois réflecteurs. En 1941, il conçoit une lampe à occultation pour les jardins de Tivoli, à Copenhague, permettant l’ouverture des jardins jusqu’à minuit : la lumière des lampes ne peut être vue des avions qui survolent la ville. C’est lui qui, le premier, apporte une gestion unique, novatrice de la lumière. Son design est déterminé par un concept : ne jamais voir la source lumineuse. Sa première pièce, une suspension à 3 réflecteurs est devenue une icône du design scandinave. Ces pièces ainsi que les suivantes (Artichoke, Snowball) suivent le même principe de dissimulation de la source lumineuse pour éviter l’éblouissement et travailler l’ambiance lumineuse d’une pièce. Elles sont une source d’inspiration pour la nouvelle génération de designers qui suivent ce principe dans les derniers modèles.

Arne Jacobsen est un architecte et designer danois. Ses travaux comptent parmi les plus importants du courant fonctionnaliste danois, il est le premier à avoir conçu un hôtel design le SAS Royal à Copenhague, pour ce projet, Arne Jacobsen a tout imaginé, il souhaitait de grands espaces dans les chambres et les parties communes tout en conservant une sensation d’intimité, c’est pourquoi il a conçu du mobilier aux formes douces et enveloppantes et ces liseuses avec une lumière dirigée vers un point précis. Le lampadaire, la lampe de table et l’applique AJ ont été conçu à la fin des années 50 pour cet hôtel en particulier, sa structure oblique fait écho à la collection d’assises conçue au même moment.

L’enfant terrible du design danois, architecte de formation, Verner Panton collabore avec plusieurs architectes, avant de fonder en 1955 son propre studio de création. Face au bois et à l’artisanat de qualité scandinave, il prône le tout plastique, des mousses structurante, le graphisme des tissus, les formes encore plus souples, extravagantes, des illusions d’optique qui évoquent le cinétisme d’un Vasarely. Il dessine la lampe Panthella en 1971. Son abat-jour en demi-sphère et son pied en trompette sont fabriqués en un acrylique blanc. Elle deviendra une des lampes les plus populaires de Verner Panton.

Le dernier né de la famille Louis Poulsen est le luminaire OJ signé Ole Jensen. L’épaisseur et la surface des formes accrochent la lumière et donnent l’impression que l’abat-jour est éclairé sur toute sa surface. Ole Jensen a commencé sa carrière en état apprenti mécanicien dans une station service. Pour lui, les objets doivent être simples et naturels et que le design ne peut être forcé mais doit venir de lui-même. La plus grande préoccupation d’Ole Jensen dans la conception est sa future utilisation, par exemple : la lampe de table a l´angle d´inclinaison le plus grand possible pour étendre la lumière sur une plus grande surface.

Va t’on assister à l’émergence d’un Street-design comme on l’a vu faire dans la mode avec l’arrivée de l’oversize dans les ghettos noir américain ou le street-art avec les graffitis de Keith Haring ou Basquiat?

Dans une société en mutation, le luxe ne peut plus se résumer ni aux richesses naturelles largement exploitées : or, pierres précieuses, bois exotiques… Une génération de jeunes designers, influencés entre autres par le travail de Fréres Campana et de leur minimalisme baroque, s’affirment en développant des concepts qui correspondent aux critères occidentaux contemporains. En 2010, le CDM (Centre Design Marseille) avait amorcé ce regard avec une très belle exposition “O luxo do lixo : le luxe des poubelles“. “Dans la langue portugaise, la similitude des deux mots amène presque automatiquement à un questionnement sur ces valeurs, surtout dans une société urbaine brésilienne où une partie encore importante de la population vit dans les favelas, morceaux de ville entiers faits de matériaux récupérés et qui tendent aujourd’hui à se pérenniser avec l’aide des municipalités, comme une forme urbaine vernaculaire à part entière, plutôt que d’être remplacées par des constructions standard“, nous relate Jacqueline Régis (CDM).

Les effets de surprise et les détournements, l’aspect ludique ou graphique, la sophistication dans la simplicité, les questionnements sur l’écologie ou la société de consommation, sont omniprésents, on la retrouve ici dans cette exposition avec des réponses plus légeres à ces questions ultra-contemporaines.

Marcelo Joulia, fondateur de Naço Galerie, est tombé par hasard sur de curieux meubles, usagés et fait de bric et de broc, laissés aux bords des trottoirs de la ville mais cependant manifestement mis en scène. Jeremy Edwards était l’auteur de cette scénographie qui a séduit Marcelo Joulia. Une exposition généreuse a donc été mise en place sous le nom de Meuble Libre. “Meuble libre c’est l’histoire de meubles réalisés à partir d’autres meubles délaissés dans la rue, utilisés tels quels. La forme et la nature des objets créés immédiatement, spontanément sur place, sont déterminées par les matériaux disponibles sur le moment, l’endroit où je les ai trouvés et des outils sommaires à disposition. Une fois les objets créés, ils sont laissés libres, sur place, à disposition de tout un chacun.“ explique Jeremy Edwards.

L’originalité de cette exposition réside dans le fait que certains des meubles présentés seront remis dans la rue à la disposition de chacun, et d’autres seront donnés. Ce qui a fasciné Marcelo Joulia dans cette aventure c’est le principe d’un design accessible à tout le monde, qui se préoccupe plus de la relation à la création que du design dogmatique.

/Naço Galerie 38 rue de Citeaux 75010 Paris du 1er décembre au 30 janvier. Ouverture le mardi, jeudi et samedi.

Le projet développé par Coopérative Design était de développer un nuancier géant fondé sur une “mise au point“ sur la couleur, sa collecte, l’établissement d’une nomenclature en rendant l’accès plus aisé dans un principe de soutien à la création et à l’innovation*. Or, au fur et à mesure de nos investigations et tout particulièrement des différentes enquêtes menées auprès des designers, architectes, industriels, entreprises, écoles, le besoin d’un centre de ressource s’est imposé comme une nécessité. Notre intention initiale s’est donc élargie en intégrant dès lors la diversité des matériaux supports.

Afin de pouvoir ordonner la quantité d’information que nous étions maintenant amenés à gérer le choix d’un logiciel nous est apparu comme incontournable : seul outil capable de fournir des réponses dans le cas des arborescences complexes sur lesquelles dorénavant allaient se porter notre réflexion. Ainsi est né le logiciel de consultation LeNuancier®,** logiciel qui s’inscrit au cœur de la dynamique que nous avons créé en réponse aux différentes attentes des professionnels du design : la matériauthèque.

Comme tous les nouveaux nés ce logiciel a commencé petit par une application mise en vente pour tous les smartphones, un écran restreint et des fonctionnalités qui se limitent pour l’instant à une entrée par la couleur sans pouvoir encore déboucher dans le vaste champ des matériaux.Premiers pas pourtant encourageants au regard des réactions reçues. La configuration est donc maintenant clairement définie par deux concepts indissociables : LeNuancier® et la matériauthèque. Dans un premier temps la recherche se fait via le logiciel LeNuancier®. Deux accès distincts sont alors proposés : la couleur ou les matériaux. À l’issue de la consultation, après avoir déterminé les matériaux disponibles dans le coloris souhaité ou dans la gamme établie, les références des boîtes sont notées. Un passage se fait alors dans la salle où sont disposées les matériaux. Chacun porte une référence spécifique qui fait mention du type de matériaux choisi et renvoi au logiciel pour des informations complémentaires ou d’autres choix, mais aussi les lien avec les entreprises, les fournisseurs…

*Le projet de la PRI Matériaux, Couleurs et Process lié au design a été présenté le 5 décembre lors de l’exposition “Itinéraires Design“. Centre de liaison positionnée au sein du Quartier de la création, sur l’Île de Nantes, puis en 2015, dans la halle 5, le projet entre en résonance avec la volonté de concentrer sur l’ancien site Alstom un ensemble d’écoles et d’industries créatives autour de la communication du design, des arts de scène, de l’architecture et des arts visuels. Le projet est porté par Cooperative Design et Design Solidaire il est soutenue par la Région des Pays de la Loire et Nantes Métropole. **Le développement de cette future norme NRA® est une initiative de Cooperative Design, soutenue par la Région des Pays de la Loire et Nantes Métropole.

image1 /© Milena Chessa /Le Moniteur.fr /image 2 © Alexys Robin /image 3 ® Franklin Azzi Architecture