L’enseignement du design s’est passablement remis en cause ces 10 dernières années. Il m’a semblé intéressant de connaître et comprendre cette évolution à partir d’une expérience réussie et originale: celle de Laurent Thiébaud, chef de travaux de la section Design du Lycée léonard de Vinci à Villefontaine (38)

A 30, 35 minutes de Lyon ou de Grenoble, située au centre géographique de Rhône – Alpes, Villefontaine est une de ces villes toujours « nouvelles », avatar des projets d’aménagement du territoire des années 70/80.  Le lycée technique Léonard de Vinci n’échappe pas aux avantages et inconvénients de cette implantation, … ni au style architectural de ces années là !

Laurent Thiébaud y est arrivé en 1992. Il se souvient que le dossier de recrutement de la section était vide alors qu’aujourd’hui le lycée reçoit 14 demandes pour 1 place disponible ! Un lycée inconnu qui venait de subir une rude épreuve ; en effet, le nouveau BTS Design du lycée La Martinière de Lyon avait complètement aspiré l’équipe pédagogique de Villefontaine.

COMMENT  ALORS CRÉER QUELQUE CHOSE D’ATTRACTIF POUR LES ENSEIGNANTS ET LES ÉLÈVES ?

Laurent a bien perçu qu’il devait tirer parti de ce contexte, donner à la section Design une identité distinctive et progresser par étape afin de prouver par les faits ce qui était possible. Aujourd’hui l’employabilité est le premier facteur d’attractivité car la preuve est faite de la proximité de l’enseignement avec les pratiques professionnelles. L’équipe pédagogique est stable et soudée, les élèves suivent leur parcours car il règne dans cette section Design, un état d’esprit singulier quasi communautaire, d’écoute et de dialogue, un climat chaleureux propice au travail. Au risque d’être perçu comme moins créatif, (vs école d’art), l’enseignement et la pédagogie du Lycée privilégient la construction progressive des savoirs, assise sur des bases techniques (vs créative) tout au long des parcours proposés.

Dès 1994, le Lycée ouvrait aux jeunes la possibilité de poursuivre leurs études après le BTS sur des filières spécifiques, très proches des pratiques professionnelles et d’atteindre Licence ou Master à un niveau international grâce à l’association avec 5 universités anglaises (très créatives). C’est par la filière maquette en formation continue et en alternance que le Lycée a commencé à offrir aux élèves de poursuivre leur parcours après le BTS. Ce positionnement très professionnel a été conforté dans toutes les filières, par l’intégration de professionnels en exercice dans l’équipe enseignante, dans des cycles de conférences et la réalisation de projets avec des entreprises (2 à 3 par an).  Ce dernier point a été développé en relation avec les organisations professionnelles locales dans un souci déontologique et de non concurrence avec les agences. Après quelques années de patiente construction, le développement du Lycée  s’est accéléré : 2000 Ouverture du post bac en section maquette /2004 BTS Communication visuelle option multimédia /2005 Licence pro Produit et Packaging /2009 Licence Design et Maquette

En 1992, la section avait 60 étudiants, elle en compte aujourd’hui 170 et prévoit un doublement en 2012. Tous les BTS poursuivent leurs études. Les élèves de licence trouvent à 80% du travail dans les 6 mois après leurs diplômes. Laurent Thiébaud tient à souligner le travail et le lien particulier que la section design du Lycée a entretenu avec le syndicat professionnel et le Centre du Design Rhône Alpes  qui a considérablement ouvert le Lycée aux entreprises et réciproquement, dans un souci de pragmatisme, de déontologie et de réactivité aux besoins des entreprises. Les projets : 2011 Master Design Produit et Design Interactif – Projet de  développement de formation continue en alternance pour le design d’espace.

COMMENT DEMAIN SERA ASSURÉ ?

Les projets de développement  passeront aussi par l’amélioration du cadre de travail, des locaux et de l’équipement pour que le Lycée offre les mêmes possibilités de travail aux élèves que dans une école de design classique. Des locaux ouverts, accessibles, un matériel de qualité très important en particulier pour la section maquettes. Les chantiers sont déjà ouverts.

/Marie Marguerite Gabillard /Images - BTS Multi media chrysalide  - BTS projet de fauteuil roulant /autres projet de fin d’études

Nous avons tous été séduit par ce tract signé Utopiste Debout, l’année dernière lors des manifestations qui a enrichi l’année 2009, voici le nouvel opus revendiqué par l’association. Comme quoi le militantisme graphique n’est pas mort, à quand une histoire revisitée de Grapus ?

Voilà comment Ne Pas Plier* détermine son engagement, un  engagement total qui s’accompagne d’une grande exigence plastique dans les images produites, “Pour qu’aux signes de la misère ne s’ajoute pas la misère des signes“.

*Ne Pas Plier est un collectif d’artistes, graphistes, chercheurs, sociologues, tous réunis autour des questions de la ville, du lien qui s’y crée ou pas avec ses habitants et d’un désir politique commun qui est à la base de leur engagement. Association politique, utopique et esthétique d’éducation populaire, Ne Pas Plier met en œuvre des mots et des images, des paroles et des pensées pour agir et donner forme aux luttes sociales d’aujourd’hui.

2010 célèbre le 90e anniversaire de la maison Ercol fondée en 1920 par Luciano Ercolani, un fils d’immigré italien à Londres. Son père qui a déjà une fabrique de cadres en bois s’installe en Angleterre puis fait ensuite suivre sa famille. S’il est donc né en Toscane, Luciano Ercolani a grandi et étudié à Londres. Il y suit des cours du soir au Shoreditch Technical Institute, apprenant le design et la fabrication de mobilier. Il devient designer et surtout patron puisqu’il crée sa propre fabrique de mobilier, Ercol, quasiment au sortir de l’école.

Il commence cette aventure non pas à Londres mais à High Wycombe qui est à l’Angleterre ce que la Lombardie est à l’Italie avec une différence, la spécialisation dans l’industrie de la chaise. Tout un artisanat s’y est développé dans cette région où s’installe le jeune Ercolani (désormais Lucian Ercolan). Aujourd’hui Ercol fabrique du mobilier distribué en Angleterre par des diffuseurs tels John Lewis mais l’on retrouve les créations emblématiques dessinées par le fondateur de la marque dans des réseaux plus sélectifs. Le style a évolué et si certaines références répondent à une demande plus grand public, les dirigeants actuels ont su conserver le patrimoine de la marque en continuant à éditer les idées originales qui ont fait la renommée d’Ercol.

Dans la collection Ercol Originals on retrouve par exemple Butterfly Chair fut initialement dessinée en 1958 et fait partie, avec la série Windsor, des pièces majeures de Lucian Ercolani. Il travaillera le bois comme son père, mais il se distingue surtout par son travail de recherche. Il façonne le mobilier grâce à un procédé qui fait appel à la vapeur, celle-ci permettant de courber le bois pendant qu’il est chaud et humide.

Les bois de noisetier et de hêtre, de chêne et même d’orme sont valorisés dans son usine atelier de High Wycombe. Ercol a été la première entreprise à ainsi maîtriser le travail du bois d’orme, un matériau naturel jusqu’alors considéré comme de peu de valeur en raison de sa dureté. Ercol en fait un atout, sa solidité, son abondance associée à son exclusivité, étant l’un des seuls à l’exploiter dans l’ameublement. La série Windsor réalisée en 1956 est très emblématique de cette période et de l’attrait du designer pour la technicité de son métier. La maison Ercol appartient toujours à la famille de son fondateur, qui nous a quitté en février dernier, et multiplie les travaux croisés avec la nouvelle génération de designers en respectant les valeurs qui l’on rendu célèbre.

/par Andrée Fraiderik-Vertino – image Butterfly Chair

Baptisés “parcours d’influences“, trois cabinets de tendances étudient les styles de vie, les tribus récemment formées, et les confrontent à la mode et au design. Alors que proposent-ils cette saison ?
En balayant les objets qui vont être dévoilés du 3 au 7 septembre prochain, ils se sont entendus pour travailler sur la frontière entre vie publique et vie privée. Pour les uns, le désir de recréer un territoire rien que pour soi, hors de l’agitation du monde, s’avère essentiel. Pour d’autres, il s’agit de mettre en scène des désirs violents. Un parcours avec comme fil conducteur cette question : la décoration de la maison dévoile-t-elle nos zones d’ombre et de lumière ?*

Vincent Grégoire (NellyRodi) dans Please disturb exhibe une intimité surexposée, en révolte contre le conformisme ambiant, l’extravagance et la dérision. Il fait voler en éclats les codes esthétiques et brutalise sans vergogne la matière et les formes. Cabossés, brûlés, bandés ou troués, place aux objets malmenés. Son choix offre une expression ouvertement érotiques.

Une nouvelle fois le travail de Vincent se veut en rupture, comme tous les six mois d’ailleurs. c’est une des particularités de son approche, savoir brûler tout ce qu’il a construit précédemment, quitte à apparaître dans l’espace qui lui est dévolu, comme un peu brouillon, mais tout s’efface devant la joie transmise par ces néologismes.

François Bernard dans Microcosmes prend le contre pied d’un monde bruyant où l’on est surexposé. Pour lui l’époque aspire à retrouver le silence intérieur d’un objet qui s’imbrique dans le lieu, où le confort en quête de sérénité, de discrétion recrée des espaces pour soi où prédominent la poésie.

D’année en année, “François le secret“ introduit ses observations des produits proposés par les exposants (n’oublions pas que les parcours sont un reflet de la proposition marchande). Mais ses observations sont toujours contextualisées et c’est ce qui donne sa force à son espace à mi-chemin entre exposition et rendu d’étude.

Elizabeth Leriche dans Archaic Shelters propose de nouvelles protections pour retrouver la paix intérieure. Un refuge où le besoin de réconfort répond au besoin d’intimité. Du fragile au brut, de la plume à la pierre, en passant par les peaux animales, le design et l’architecture emprunte à la nature pour recréer son nid.

La proposition d’Élisabeth se situe en droite ligne de ses analyses passées. La même poésie se dégage de son travail : elle appuie par ses dévoilements ce mouvement décoratif et design qui se maintient dans le design depuis les Tsé Tsé jusqu’à Constance Guisset, en passant Élise Foin.

*L’Observatoire présente la 17ème édition du cahier d’inspirations sur le thème de l’intime, le parcours des influences 2011. Maison & Objet nous pose la question  de savoir “que reste-t-il d’intime dans une époque surexposée qui oscille entre exhibition, discrétion et transgression et désir de sérénité ? Les Cahiers d’Inspiration issus de la collecte sont magnifiques, mais pas faciles de décoder ces grandes revues dans lesquelles se côtoient des petits bouts de tissus et de jolies couleurs.
Mais peut-être ne faut-il pas chercher à y voir autre chose qu’un magnifique objet de collection, qui enrichit nos bibliothèques et notre imaginaire, sans se poser la question du renouvellement tous les six mois.

Image 1 Vincent Grégoire (NellyRodi) /Please disturb /fauteuil showtime /Jaime Hayon  - image 2 /François Bernard /Microcosmes /Meuble de rangement Segreto /frères Campana /Edra  - image 3 – Elizabeth Leriche /Archaic Shelters /Orbit Love Seat /en illustration, la campagne de communication de l’INPES pour remobiliser le grand public face au SIDA et lutter contre les discriminations.

Nouvelle rencontre improbable, après le récit de voyage (d’affaire) à Moscou, l’histoire des Indiens panjabi à Kinshasa et celle de Tony O’Rourke raconté par Loïc.

Quand Sylvie Sun, Coréenne vivant à Paris, m’a invité à rencontrer un gros distributeur de cosmétiques à Séoul, je me suis dit : qu’attendent-ils des Français ? Qu’attendent-ils de l’Occident ? Sylvie a insisté. On a répondu au brief et à l’invitation.

Seoul est une immense ville à visage humain, souriante, propre comme la Suisse. Rien qui dépasse, une population jeune et active, pas un clochard, pas de saletés dans la rue. Sophie m’explique que la Corée du Sud, vu son passé violent, est très protectionniste. Il y a très peu d’immigrés, dont une partie sont des Coréens du Nord, originaire d’un pays qui est à la fois à quelques kilomètres (2 minutes de vol pour un avion de chasse) et à des années lumière. Les Coréens mangent Coréen, roulent Coréen, consomment Coréen, et n’ouvrent que parcimonieusement leurs frontières aux assaults de l’Occident. Carrefour s’y est ramassé. Et Auchan rame. Les grands magasins (Hyundai, LG ou Samsung) qui comme 80% de l’économie du pays appartiennent à  3 énormes groupes, distribuent néanmoins quelques marques de chez nous. Ouf. Peut-être y a t-il une brèche…

Nos hôtes nous accueillent en grande pompe. Pas moins de 24 personnes assistent à notre présentation. Au premier rang autour de la grande table, les grands patrons. Un deuxième cercle de chaises est occupé par les seconds couteaux. Et derrière, au fond de la salle, les sous-fifres. Une traductrice Anglais / Coréen a été réquisitionnée, mais les patrons préfèrent dès le début zapper la traduction, car ils comprennent l’anglais. D’emblée, la moitié de la salle se coupe de toute possibilité de comprendre quoi que ce soit au projet. Au bout d’une heure, 3 personnes dorment. Il faut être solide dans sa tête. Sylvie m’explique après coup que c’est très habituel. La sieste est tolérée, ces personnes travaillent beaucoup et commutent pendant des heures. Va pour l’excuse, après tout le projet est bon et les patrons ont l’air contents. Si tant est qu’on puisse percevoir quoi que ce soit. Le tour de table de questions est un flop : personne n’osera s’exprimer avant le big boss, de peur de trop s’engager.

Retour dans les rues de Séoul et l’exploration du retail. Dans les quartiers populaires, les micro-concepts de cosmétique fleurissent, positionnés sur des segments très… segmentants. de “l’écolière“, au “fleuri/romantique“, etc… Impossible chez nous de multiplier ces “histoires“ sans craindre l’indigestion. Mais la Coréenne est la première consommatrice de cosmétique en Asie, s’appliquant quotidiennement jusqu’à 7 produits de soin sur la peau. Entre 1 heure de soin et autant de train, il est compréhensible qu’elle s’endorme de temps en temps au bureau… Devant les magasins, des jeunes filles très « Kawaï » attirent gaiement le chaland à grand renfort de musique. Le commerce est vivant et volontaire, un rien agressif. Le Japon est un modèle pour les Coréens, dans un schéma d’attirance / répulsion hérité de leurs liens ancestraux, sanglants et fondés sur un rapport dominant / dominé dont on sent encore les séquelles. Mais Séoul colle aux Basques de Tokyo, en discrétion, menant sa barque dans son coin avec une efficacité sans conteste.

Le quartier branché et ses boutiques de mode, pointues, est un drôle de retour pour nous à la “Rue Gamma“. Remplies de mobilier chiné, les boutiques du quartier semblent tout droit sorties des magasins de brocante Européens, surfant sur une tendance « vintage » amenée ici à son paroxysme : séchoirs de bouteilles de vin en galva servent de présentoirs à foulard, casiers Perrier en bois servent d’étagères pour des petits hauts à 250 Euros… La visite est un rien irréelle pour les Européens que nous sommes. Bientôt, un designer rencontré sur place nous déniaise : tout est faux. La quasi-totalité du mobilier soi-disant « vintage » est fabriqué dans les pays d’Europe de l’Est, vieilli artificiellement, et envoyé par containers entiers jusqu’à Séoul…

Au pays du matin calme, on ferme un peu les portes à nos produits, mais on les ouvre à notre passé, tout en bidouillant un peu la réalité… A tous points de vue, le réel est une idée, une image un peu brouillée, derrière laquelle quelques millions de Coréens s’activent à un réveil de l’Asie bien loin d’être calme, mais sans faire de vagues.

/Par Loïc Delafoulhouze qui dirige l’agence Western Design, spécialisée dans le retail et la cosmétique, co-fondée il y a 10 ans avec Dominic Desmons. Ses clients et projets l’emmènent aux quatre coins du globe, où exercer son métier de designer ne va pas forcément de soi…

De passage chez Lessage, assis sur son tapis “Lumière“, Fabrice Berrux fait partis des élus de la French Touch. Longtemps catalogué comme “inoxeur“, il n’a jamais cessé d’allumer des lampes pour 10 h 10, mais c’est maintenant chez Roche Bobois qu’on le retrouve.

AVEZ-VOUS DÉJÀ CONCUE VOTRE  CHAISE ?

Le designer qui a sans doute le plus d’influence sur notre mode de vie est Jonathan Ive, responsable du design chez Apple. Il n’a, à ma connaissance, jamais dessiné de chaise.

La pratique du design s’étant étendue à presque tous les domaines de la production, la chaise joue sans doute moins que par le passé son rôle de révélateur de style ou de miroir du temps. Néanmoins, je dois avouer qu’aux étudiants de l’École Bleue, où j’enseigne, il m’est plus souvent arrivé de leur demander de concevoir “leur chaise“ que leur “iPod“. Puis-je également émettre l’hypothèse selon laquelle la chaise continuera encore longtemps à fasciner les designers pour la raison qu’elle forme avec la  table le premier environnement nécessaire à la pratique du design?

La première chaise que j’ai conçue a été réalisée en bois et en série très limitée. C’était une commande pour une client très particulier dans le cadre d’un projet global d’aménagement d’une villa de l’ouest parisien. Depuis, j’ai travaillé sur de nombreuses assises. Notamment ce fauteuil, Mayflower, pour Roche Bobois. Il s’agit d’un objet à la forme évidente et facilement identifiable dont la géométrie épouse le corps.

cd : QU’EST-CE QUE LA MATURITÉ DANS VOTRE PRATIQUE?

Le principal signe de la maturité est certainement ce sentiment d’entraînement et de mouvement qui fait qu’une recherche, qu’une idée ou qu’un projet en amène un nouveau ou qu’il dessine les contours d’une nouvelle piste.

cd : GRAPHISME, OBJET, ARCHITECTURE, URBANISME, LE DESIGN EST-IL UNE QUESTION D’ECHELLE ?

Le passage d’une échelle à une autre, d’une discipline à une autre, d’un point de vue à un autre alimentent couramment notre travail.

Au cours du processus créatif, l’objet peut être tour à tour architecture, graphisme ou ville avant de retrouver finalement son statut d’objet dans son usage. N’est-ce pas l’architecte italien Ernesto Nathan Rogers qui disait “prenez une cuillère, et vous pourrez comprendre comment construire une ville“.

cd : QU’EST-CE QUI VOUS FAIT COURIR?

Le revers croisé de ma femme.

cd : EXISTE T’IL UN DESIGN UTOPISTE ?

À force d’être alimenté par des représentations d’une réalité idéale et sans défaut, grâce aux nouveaux outils de conception et de modélisation informatiques, le design virtuel ne serait-il pas l’expression actuelle du design utopiste?

Plus sérieusement, les principales utopies demeurent “le beau et l’intelligent“ pour le plus grand nombre et l’utilisation juste et savoureuse de la matière dans le plus grand respect de notre environnement.

cd : VOUS INSCRIVEZ-VOUS DANS UN ÉCOSYSTÈME ?

J’ai depuis longtemps résilié toutes mes inscriptions…

Diplômé de l’Ecole Nationale des Beaux-Arts de Dijon en 1986, il débute dans l’architecture intérieure, avant de fonder le groupe 18 Août, en 1987.

Dès son origine, 18 Août crée, édite et commercialise des objets sensibles et ludiques faisant référence à l’art : vase FLOWER en hommage à Andy Warhol, dessous de plat CHAUD-FOID, inspiré du Land Art.

Ils exposent régulièrement dans les salons professionnels et lors de grandes manifestations comme 30 under 30, en 1989 à New York, Capitales Européennes du Nouveau Design, en 1991 au centre Georges Pompidou.

*En 1991, Fabrice Berrux fonde la société Dix Heures Dix, élargissant et réorganisant la production de 18 Août. En 1994, il expose au Via à Paris. À partir de 1990, certains produits entrent dans la collection du musée des Arts décoratifs Paris et sont vendus dans les boutiques des musées d’Art moderne de Rotterdam, Dallas, Los Angeles, Chicago et au centre George Pompidou à Paris. De 1990 à 1994, il enseigne à Dijon, Limoges et Reims et à l’académie Charpentier à Paris. Depuis 2005, il enseigne le design à l’École Bleue à Paris. À partir de 1997, Fabrice Berrux développe entre autres des gammes de luminaires en tissu plissé, en verre sérigraphié, en altuglass et en aggloméré d’ampoules diffusant un belle lumière… Il assume par ailleurs entre mars 2002 et 2004 la direction artistique d’une nouvelle collection de tapis “tapage” avec la société Serge Lesage. Il collabore avec la socitété Périgot, d’Argentat, la Monnaie de Paris, Roche Bobois, Lexon et Taittinger.

image 2 / luminaires RGBW - ed. DIX HEURES DIX©

Après les succès sportifs à répétition – le moment est bien choisi pour revenir sur le design ibère, le déclencheur, c’est le temps suspendu que nous a proposé dans le cadre des Quartiers d’Été Rocío Molina dans son Oro Viejo.

“Sur scène, je deviens intouchable. Le public aime ou non, c’est son choix, il peut se lever et partir. Moi, je fais ce dont j’ai envie.”

À quoi rêve une jeune danseuse ? à la vieillesse, à la solitude, à la perte des amours. Pour préparer Oro viejo, Rocío Molina* s’est d’abord engagée dans une période d’exploration. “J’ai commencé à observer les gens âgés dans la rue. Avant, je n’y faisais pas attention. Je voulais ressentir ce qu’ils ressentaient. J’ai mis de vieux habits, j’ai caché mon visage dans des écharpes, je me suis assise sur les bancs dans les parcs, et j’ai ralenti mon pas dans les rues. Et là, j’ai remarqué que personne ne me voyait plus. Depuis, je vois les choses différemment. Les jeunes passent leur temps à courir. Ils avalent le temps.” Le résultat est un spectacle plein d’audace, qui navigue entre le passé et l’avenir.

Cette audace ce bouleversement des codes c’est ce que nous propose Jaime Hayon** depuis quelques années et avant lui Patricia Urquiola***. Ovnis dans le paysage du design si bien réglé. Ils offrent une révélation artistique est un bouleversement des habitudes. En effet, pour incarner le renouveau du design ultra pyrénéen et l’imposer sur la scène mondiale ils font preuve d’une virtuosité époustouflante, mise au service de créations atypiques. Comme Rocío Molina ils font dialoguer présent et passé, dans le désir de vivre pleinement l’instant. “Le temps ne passe pas, nous seuls passons” – cette phrase d’Igor Stravinsky pourrait servir d’exergue à ce mouvement, mélange d’humour et de mélancolie. Le public est conquis pour ces créations à la frontière du kitsch, les industriels du meuble aussi. A croire que le fantastique agit comme un remède à l’uniformisation ambiante.

Une chose est sûre : il est difficile de rester indifférent : on aime ou on déteste,c’est bien l’une des raisons de leurs succès. Une écriture très personnelle, loin des modes.

*Rocío Molina est née à Málaga, la ville de gloires flamencas de la fin du XIXe siècle, comme Juan Breva, La Trini, ou El Canario. Son père est cuisinier sur un bateau de pêche ; sa mère, qui a arrêté à 19 ans sa carrière de danseuse classique à l’opéra de Bruxelles. À 13 ans, elle part pour Madrid, y intègre le conservatoire – dont elle sort avec les honneurs – puis s’en va étudier à Granada, à Séville à Jerez, puis fonde, à 19 ans seulement, sa propre compagnie.

**Jaime Hayon, 35 ans, incarne une génération qui revendique le retour au style comme une signature unique et singulière. Il affiche à son palmarès une rétrospective (à la Biennale de design de Courtrai, en Belgique, dont il était en octobre l’invité d’honneur) et une monographie parue il y a quelques mois chez l’éditeur allemand Gestalte. Histoire de saluer le début d’une carrière solo commencée il y a seulement cinq ans. Joli parcours.

***Après une formation d’architecture à l’Université de Madrid, Patricia Urquiola étudie à l’École polytechnique de Milan où elle soutient sa thèse sous la direction d’Achille Castiglioni. Elle devient assistante de conférences d’Achille Castiglioni et d’Eugenio Bettinelli de 1990 à 1992. Elle enseigne à la même époque à l’ENSCI de Paris. De 1990 à 1996, elle est du développement chez De Padova. En 1996, elle dirige le groupe de design associé Lissoni. En 2001, elle fonde son propre studio à Milan. Plusieurs de ses œuvres font partie des collections du MoMA.

/Par Frédéric Rossi-Liegibel/  Légende : /Image de gauche /Tropicalia /Patricia Urquiola /Copyright©2010 /Moroso SpA, Italy /image de droite /Agathe Poupeney©PhotoScene.fr //musique /Rocio Jurado /El Amor Tiene Tres Puertas (Granaína), tout droit respecté, morceau acheté via iTunes.

If you are a world traveller and regular reader of some of the Conde Nast titles for example you might have noticed with disagreement the fact that an editorial published in the american edition of AD might be featured a few months later in the european editions. Good for Conde Nast management but pitiful for you who are supposedly identified as one of these people who even while traveling (very often indeed !) can’t help buying magazines. It comes either as a lack of respect or marketing insight of the targeted readership or a (low) cost cut strategy, or even a way to say : ‘hey there’s not enough relevant stories to write about !’ Although it might just turned out to be a failed tentative to provide locals with targeted content … But let’s leave the airport lounge and look at London creative scene a decade ago or so !

Wink reaction to London’s creative scene boom

Fifteen years ago or so, when design boom started to be so important that standard art or lifestyle magazines could not anymore support this all coming flood of editorial new contents some young entrepreneurs with insight, let’s say Tyler Brûlé for instance thought that design addicts and professionals deserved better quality available in appropriate quantity. The period is the one of YBA (Young British Artists’s Sensation exhibition in 1997 in London’s Royal College and NYC’s Brooklyn Museum of Art) promoted by Charles Saatchi, creative industries, contemporary art is becoming a major way of expression for english society and a cash flow mean for a few of them, design schools starts to go beyond final year show exercise and (Sir) Terence Conran is made a Lord by the Queen due to its ‘art’ and business successes, Tom Dixon and other local designers’ works such as Zaha Hadid get international exposure. There was room for success stories although Brûlé did not turn to be the design entrepreneur as we know him today in the wink of an eye. To catch this train and start your business at a proper time, and this was definitely the right time, reactivity was demanded. We’re in 1996 and Brûlé is definitely time to market.

Wallpaper for the soul*

Back then Brûlé is a young reporter for the BBC. Born in Canada, he’s yet lived in London since more than a decade. He has developed great ideas and most of all a visionary take on design as an industry and a new far west. East in fact since except of UK, France and Italy, this is in Eastern Europe and Asia that design is growing at major level. At this time North America (even America as a continent) isn’t that much in the course. This is when Brûlé started Wallpaper magazine in London. He gained experience of print journalism from writing for Stern, The Guardian, The Sunday Times and Vanity Fair.

As a magazine Wallpaper came with more than great editorials, etc … almost with a soul. The magazine was so well marketed and branded that it beat its corporate customers’ image strategy. Some big brands that wanted to buy ad spaces would not ‘qualify’ since their ad materials were poor and actually featuring bad graphic design …

This was with this issue that Brûlé emphasized the need for good marketing x good design. In the style of the italian Domus magazines in its time Wallpaper became a reference for the market on both an economic and ‘artistic’ view. Niche designers would be mentioned next to mass market or iconic pieces. Collectors objects are for the soul, mass production for the business reality. Opposite theory would show correct as well with the emerging design auctions events by Philips de Pury or Christies, giving then opportunities for some major reports in Wallpaper mag.

To be able to include advertising with a coherent image Wallpaper sales and marketing teams developed an internal advertising agency focusing on visual arts and graphic design. This is how the Winkreative design and communication agency was founded in 1998. When Tyler Brûlé sold his stakes in Wallpaper (may 2002) the London agency remained independent and later opened offices in various cities including Tokyo, Zurich and New York. Major commissions by Winkreative includes rebranding of Swiss (airlines company) or soon to come launch of Stylus Interiors by former cofounder of WGSN, Marcus Worth.

Big Brothers’ Monocle

The world coming to a point when information is key there is still a lack of accurate insightful medias (what we call digests in the industry). This becoming a major problem there was a need for a magazine that could satisfy the growing design addicts crowd while giving the right knowledge on more general issues. On a marketing point of view, design addicts (real ones if assumed that there is fake ones) are mostly highly educated, with high incomes, generally senior managers and well travelled people. And they are many if you consider that online magazine by design entrepreneur Marcus Fair (Dezeen) is more than one million readers a month. So lets say a small percentage of this group is likely to pay 10€ (5£) a month (75£ a year) for your magazine and luxury brands’ marketing managers are following the move – you are the next niche media tycoon !

Next step for Tyler Brûlé was the Monocle concept which operates from London since february 2007. A magazine with an eye opened on the world. A weekly columnist for the Financial Times, Tyler Brûlé imagined a magazine that would feature not design only content but anything related to international economic and politics affairs, society and the arts, a light touch of fashion, CSR, business insights. A demonstrative and coherent proof of this content core strategy recently came up with journalist Ann Marie Gardner reporting on Iceland economic turmoil when it actually happened (december 2008) and coming back there to interview people a year after so as to tell about the improvements and still current national issues. With words from Prime Minister Johanna Siguroardottir and local heroes (Kaffi Midja coffee shop owner or a private fund manager at Audur Capital) as well. Not just lifestyle but real life knowledge, analysis, this is part of Monocle’s young DNA. Monocle is printed 10 times a year with copies sold in selective newspapers shops and libraries. Monocle is actually a brand not a company – it is published by Winkontent Ltd the sister company of Winkreative, in charge of any editorial content or TV program production. Both companies are subsidiaries part of Winkorp AG the ‘mother’ company based in Switzerland.

Behind the printed magazine and web site, there is the Monocle brand concept, and it is very strong. Based on strong partnerships with equally high street or small enterprises, craft workers, innovation labs or independent labels, it has room for differentiate conceptual offers filling a gap. Limited and exclusives co-branded editions are available on the Monocle e-shop and in its permanent (London Marylebone and Dover Street Market shop in shop + Los Angeles’ Santa Monica with top customer service by Erin & Andy !) plus seasonal ‘pop up’ stores (Lane Crawford in Hong Kong is due to open this month). And it isn’t just for a shirt or a Beams watch that you’d make an order but for one of the past issued magazine and its country surveys.

See Wallpaper / Monocle / Winkreative and check out for Tyler Brûlé’s next visionary move forward… /Text by Andrée Fraiderik-Vertino/ Cooperative Design /Pictured above is editor, marketing expert and serial entrepreneur Tyler Brûlé at the 2009 Financial Times Luxury Conference in Monaco

*title of a song by french group Tahiti 80

Voici trois ans environ, alors qu’une vague noire s’était abattue sur la parfumerie, dans la mouvance tracée par le design et la déco, commençait à poindre une nouvelle tendance, le vert. Voie qui allait s’affiner avec le temps, pour passer d’un vert couleur à un vert senteur.

Exit les ‘Bulgari Black’, ‘Polo Black’ par Ralph Lauren, ‘Black Code’ par Armani, ‘Silver Black’ par Azzaro, ‘Or black’ par Morabito, ‘Black Orchid’ par Tom Ford, ‘Black XS’ par Paco Rabane… qui de toutes façons arrivaient presque trop tard ! Une nouvelle envie allait faire un raz-de-marée. Retour au naturel, besoin fondamental de légèreté et de transparence, obligation du développement durable, recherche des labels qui font vendre. Place à un nouveau règne donc, celui du « green » qui s’impose en tendance de fond, même si l’été 2010 propose en majorité des jus tendre rose ou bleu frais.

C’est sans doute la parfumerie artisanale ou de niche, comme souvent, qui avait ouvert la voie, parce que plus proche de ces valeurs que l’industrie du parfum à gros litrage, mais pas seulement. En 2007, Chanel osait ainsi son Chance Eau Fraîche dont le jus, d’un vert tendre très étudiée, avait surpris. Le marketing s’emparait alors de cette green attitude pour la décliner à toutes les sauces : packaging, communication, événementiel, couleur des jus, choix des ingrédients. Beaucoup d’impact, mais finalement peu de véritable engagement au profit de la nature. L’industrie de la parfumerie demeure très polluante !

Ces derniers temps l’usage du vert s’affine : moins d’effet, plus d’effort ! Globalement, c’est un vert qui appelle la joie, l’optimisme, la nature réconfortante, teintée d’une touche de sexe ! Une nature qui dévoile et surprend, une nature qui sait de quoi elle est capable. L’actualité voit dans ces valeurs un nouvel espoir. C’est leur penchant aromatique – voire médicinal – qui intéresse, loin de l’univers du sport malgré une certaine fraîcheur. Une nature, forte, qui recèle des puissances insoupçonnées, celles des plantes, des feuilles plus exactement !

Feuilles de sauge, de thym, d’armoise, de coriandre, ou de basilic qui s’enrichissent d’huiles essentielles… Un esprit laboratoire à l’ancienne, comme celui mis en œuvre par la grande dame du design Andrée Putman pour sa Préparation parfumée. Elle l’a imaginé au moment de l’aménagement du Pershing Hall, avec son jardin vertical. On retrouve dans cette eau des notes vertes d’une fraîcheur généreuse. Une évocation contemporaine des apothicaires d’antan ! On remet aussi en lumière des grands classiques comme English Fern de Penhaligon’s, extrêmement vert et chargée de mousse. C’est à lui seul un cliché de la campagne anglaise ! On ressort des odeurs simples et anciennes : L’Eau de Gentiane blanche chez Hermès, Géranium pour Monsieur chez Frédéric Malle… Après une forte présence du lierre, c’est sans doute les feuilles de menthe qui prédominent en 2010 ! Chez Cartier (Roadster Sport), Azzaro (Aqua verde), L’Occitane (Verdon) qui précise que ses packagings sont éco-conçus et 100% recyclables, Les Parfums de Rosine (Diabolo Rose), etc.

Demeurent quelques flacons verts, comme pour confirmer par le contenant les qualités du contenu. Ninfeo Mio d’Annick Goutal (2010) par exemple. Très vert en tête, il devient beaucoup plus suave, évoquant l’idée de lait de figue teinté de bois. Et quelques jus colorés qui sortent cette année : Splash Apple de Marc Jacobs, (untitled) de Maison Martin Margiela, sorte de “monumentale brassée  végétale juste cueillie après la pluie », ou encore Eau de Fleur de Capucine de Chloé, d’un vert plus intense.

Mais la parfumerie peut aussi être bio, comme la cosmétique naturelle d’Aésop, ou revendiquer les qualités de la nature comme le fait aussi The Different Company, qui a reçu un Label vert après une étude de Greenpeace menée sur la qualité de ses composants naturels.

Le vert en parfumerie est donc, après quelques années d’expérimentations tout azimut, principalement sur l’emballage, devenu une note olfactive et un label environnemental avant d’être une couleur.

/Par Chérubin / visuels untitled de Maison Martin Margiela

Dans certaines cultures le vert n’existe pas, du moins il n’existe pas de mots pour le désigner : pas de mot distinctif entre le bleu et le vert. En thai “vert“ signifie également “malodorants“ et est titulaire d’autres significations voir de mauvaises connotations. En japonais, en dépit de l’existence d’un mot dans la langue moderne, la couleur est parfois décrite comme le bleu, reflétant l’absence d’un mot qui signifie vert dans le vieux japonais. En poésie persane, les femmes à peau foncée sont désignées comme vertes !

Espoir, il est symbole de la jeunesse, de naissance, de printemps ; Vertu théologale c’est l’espérance ; Hasard c’était une couleur instable en teinturerie, alors que penser du “greenwashing“ ce procédé marketing qui consiste à colorer l’image d’une entreprise de couleur écologique et responsable. Complémentaire du rouge, couleur médiatrice entre le chaud et le froid, le vert rafraîchit et rassure. “Dis Papa, pourquoi la prune noire elle est rouge ? – parce qu’elle est verte !“

Précieux, par le jade, ou l’émeraude, ou redoutable avec l’absinthe, il peut rendre fou.

La matière, son épaisseur ou sa fluidité, sa transparence, le jeu des lumières lui procurent maintes charges subjectives. Avec une polarité antagoniste : renouveau et pourriture, vie et mort, ce qui vient pourtant immédiatement à l’esprit est une vision végétale.

Vert émotion… Vert amande, vert pistache, vert tilleul, vert prairie, vert gazon, vert mousse, vert sapin, vert réséda… Que de nature !

En fait, le vert est l’alliance de l’inconciliable, de l’eau et du feu, du bleu et du jaune. Si le ver est dans le fruit, le vert est dans les légumes : chou vert, salade, olives, lentilles, flageolets, haricots verts, petits pois, menthe verte, pomme verte… Quel marché de la fibre ! Une indigestion, pour parler vertement.

Pour certains, pourtant, le vert est plus affaire de culture que de nature.

Glauque, à l’origine du monde, il semble être la couleur de la vie, même extraterrestre. Il est naturel et surnaturel. Soyez écologiques, mais méfiez-vous du rayon vert, fugace et invisible. Difficile, le vert n’est pas très aimé, rose, il est banal, jaune, il est glacial….

Sophistiqué ou neutre. Thermal, atténué, bleu ou gris, il ne vit que la nuit, s’éloigne de la mode, casse les codes. Le vert, ce  n’est que de la lumière, comme un rayon de soleil filtré par un feuillage en forêt, une couleur portée par un regard sensuel.

Morbide, glauque, maladif, il ne demande qu’à être réchauffé, qu’à vivre, qu’à devenir sain ! Gai, rayonnant, éclatant : il y a tellement de “verts“ différents ! Froid, tendre, flashy, le vert est si particulier, si protéichrome ! Poudre, c’est une couleur gaie, rayonnante, fraîche, qui donne de l’éclat. Précieux, par le jade ou redoutable avec l’absinthe, il peut rendre fou. Vert émeraude, eau profonde et sombre, le vert est l’alliance de l’inconciliable, de l’eau et du feu, du bleu et du jaune.

Mes mots pour le vert

fugace, citadin, redoutable, absolu, éternel, originel

/Par Frédéric Rossi-Liegibel

Le vert est une des trois composantes permettant de reproduire toutes les autres couleurs. Mais même si la nature est verte, on y trouve peu de pigments verts. C’est donc le mélange de pigments qui prédomine dans les expressions artistiques. De la malachite (carbonate de cuivre) des Égyptiens, en passant par les verts des moines du Moyen Âge, à la terre verte des romains, composé d’une argile colorée par l’association d’oxydes de fer et de magnésium, au vert-de-gris (cuivre, laiton, bronze), des mélanges de cobalt oxydé et de zinc utilisés dès le XVIIe siècle, à l’oxyde de plomb mis au point par Panetier à Paris vers 1835 aux verts organiques de synthèse (phtalocyanine, naphtol) : le vert n’est pas très naturel. Pourtant, l’utilisation du vert, en tant que colorant ou pigment est évidemment présente dans tous les domaines.

Associée symboliquement et commercialement au goût et à la fraîcheur, culturellement, le vert a une vaste signification, parfois contradictoire : dans certaines cultures, le vert symbolise malchance comme chance, dans d’autres, il est associé à la maladie et à l’envie.

éternel : tiges de sureau, Picardie, le 16 avril 2005

Surface endormie d’une mare ou brindilles emportées par le vent qui flottent sur une matière vaseuse ?

La saturation des verts des brindilles, des tiges, les ombres et la lumière verdâtre créent une polysémie autour de la couleur qui impose l’évocation de marécages, de forêts primaires.

absolu : ampoule, le 3 avril 2005

Le rendu fluorescent et translucide appartient à l’univers des expériences chimiques sur un matériau synthétique ou à celui de la science-fiction.

L’aspect synthétique, brillant, la lumière artificielle, le vert luminescent dégagent une énergie puissante dans cette composition factice.

citadin : lichen, le 8 mai 2005

L’aspect grumeleux évoque à la fois des feuilles en décomposition, de l’herbe mâchée, un hachis d’épinards

La lumière (le vernis) renvoie à une matière digérée, en cours de transformation.

originel : algues, le 10 mai 2005

C’est une onde délicate qui joue avec des algues, des chips beurrées de guacamole dégustées entre amis.

Le vert artificiel associé au jaune, donne cette impression de légèreté, de douceur, de « soufflé ».

redoutable : tissus, le 22 avril 2005

Matière épaisse, d’un bleu vert intense qui évoque aussi bien l’odeur d’un gazon fraîchement tondu, le terrain accidenté d’un parcours de golf, qu’un parfum de chewing-gum à la chlorophylle.

La couleur véhicule la fraîcheur, l’énergie, l’espoir et la bonne humeur.

fugace : algues, le 10 mai 2005

Composition tourmentée, visqueuse, qui évoque un gouffre sous-marin, obscur et inquiétant ou un terrain hostile détrempé par les pluies.

La lumière claire qui illumine le fond crée un contraste inquiétant entre ombre et lumière, mat et brillant.

/Par Frédéric Rossi-Liegibel

Vert – Peau – “Les pigments se nourrissent de chlorophylle et d’oxyde de cuivre pour transmettre cet espoir de pérennité des mers d’émeraudes, de pureté des étangs, de violence de la malachite.“ “La lumière est vraiment telle que nous l’avions imaginée dès le départ. Elle est à la fois sophistiquée et neutre. Le vert, ce  n’est que de la lumière, comme un rayon de soleil filtré par un feuillage en forêt, une couleur portée par un regard très sensuel. C’est exactement ce que nous voulons dire et montrer.“ “Le vert évoque le morbide, le maladif. Pourtant, aucune texture de peau ne refuse cette couleur ou ne la saisit pas. Alors, j’ai chauffé le vert. Comment ? Avec la peau qui est dessous ; j’ai joué avec la couleur des yeux, la carnation, l’éclairage, un savant mélange, une douce alchimie, qui l’a rendu vivant et sain.“

Vert – Pigments - “Le vert fait partie “des couleurs qui sortent du frigo“. C’est une couleur peu transformée, dont on garde le côté brut du pigment poudre. On ne la mélange pas beaucoup avec des petites pointes de blanc, de noir, de gris, qui la rendent de moins en moins fraîche. C’est une couleur gaie, rayonnante, qui donne de l’éclat.“

Vert – Encre - “Le vert est une couleur difficile, parfois un peu flashy, on privilégie alors le nacré qui lui ajoute de la douceur, surtout dans la cosmétique. On ne met pas un vert sur la peau dans les gammes thermales ; on crée des verts gris très atténués, romantiques et sensibles. Je me suis orienté vers une plante qui ne vit que la nuit. Je l’ai retranscrite en un beige très transparent avec un vert dessous. Et plus il y a d’angles, plus la couleur “remonte“.“

Vert – Plastique - “Une couleur souvent agréable à travailler ; peut-être pour son côté nature.”. Rien n’est plus spectaculaire qu’un vert émeraude, profond et sombre.“

Vert – Métal - “Il y a tellement de “verts” différents qu’il faudrait les détailler un par un.“

Vert – Verre - “Les verts sont très particuliers car l’écart entre les tonalités est très limité. La couleur verte est une teinte froide – Son union à d’autres nuances est très délicate. Pour réaliser la palette verte du projet “Extrême couleurs”, je me suis inspirée de la photo qui est très exotique. Nous pouvons y retrouver des verts très modernes et hauts en couleur   ( maquillage, lumières..), et , au contraire, la personne, elle, m’a inspiré des verts plus floraux avec des tons plus éteints.“

Vert – Papier - “Le vert est une couleur naturelle et classique,  mais aussi moderne et jeune dans certaines nuances. C’est une couleur relativement peu utilisée.“

“Quelle plaie, tout le monde s’est mis au vert : espaces verts, numéros verts, classe verte, prix verts… Et jusqu’à nos poubelles que l’on repeint dans cette couleur censée évoquer la nature et la propreté.“*

Par Frédéric Rossi-Liegibel /*Michel Pastoureau, Le petit livre des couleurs, Seuil, Points Histoire, octobre 2005

Jeune diplomée de l’ESAA Duperré de Paris, Maud Vantours a suivi un cursus artistique spécialisé dans le design textile et la recherche de matériaux. La couleur et les motifs ont une place prépondérante dans son travail, tout comme le papier qu’elle aime manipuler, transformer, modeler afin de lui donner un volume et une densité. Ses travaux ont été exposés dans divers lieux parisiens, tels que le Grand Hôtel Intercontinental, les vitrines des boutiques Descamps, celles de Agatha Ruiz de la Prada, l’espace Talents à la Carte du salon Maison&Objet de janvier 2010,…

AVEZ-VOUS DÉJÀ CONCUE VOTRE  CHAISE ?

Non et j’avoue même n’y avoir jamais pensé. Mais si je devais le faire, je partirai certainement d’une vieille chaise abandonnée à laquelle je donnerai une seconde vie, tout simplement.

cd : QU’EST-CE QUE LA MATURITÉ DANS VOTRE PRATIQUE?

Je ne crois pas avoir déjà atteint une forme de maturité dans ma pratique.

En tant que jeune designer disons que je suis plutôt à la recherche de celle-ci. Je pense qu’elle s’acquière notamment dans la recherche, le développement et surtout au fil d’une carrière. Dans mon cas, c’est donc une affaire à suivre… Cependant, la technique acquise à force de manipulation du papier, que j’ai trituré dans tous les sens, peut-être considéré comme une forme de maturité.

cd : GRAPHISME, OBJET, ARCHITECTURE, URBANISME, LE DESIGN EST-IL UNE QUESTION D’ECHELLE ?

Oui très certainement mais ce sont justement les jeux d’échelles  qui nous surprennent, qui changent notre regard sur les choses de notre environnement.

cd : QU’EST-CE QUI VOUS FAIT COURIR?

Le désir de faire évoluer mon travail, l’excitation de trouver de nouvelles choses qui me mèneront à d’autres et ainsi de suite. La création sans fin et l’infini des possibilités. La sensation d’avoir trouvé quelque chose d’intéressant.

cd : VOUS INSCRIVEZ-VOUS DANS UN ÉCOSYSTÈME ?

Le designer contemporain peut être autodidacte tant qu’il a ce désir de recherche, de développement, de nouveauté, d’apporter un univers et sa propre vision sur les choses. Aujourd’hui, les collaborations et divers associations me semblent primordiales : éditeur/designer, artiste/designer, artisan/designer, cuisinier/designer, … Les possibilités sont multiples et mènent à des créations surprenantes qui font évoluer le design.

Designers mythiques et toujours méconnus du grand public malgré de sincères tentatives de tiers de montrer ou expliquer leur travail, Lucienne et Robin Day sont à l’Angleterre ce que le duo Eames est aux États-Unis.

Diplômé du Royal College of Art, le couple formé par Lucienne Conradi (1917-2010, designer textile) et Robin Day (1915, designer industriel) ambitionne après la deuxième guerre mondiale de créer un mobilier accessible, bon marché, aux formes et aux couleurs radicalement novatrices. Robin Day, comme ses contemporains français, profite des recherches américaines sur le bois (plywood) plié, lamellé, thermocollé, et les nouveaux matériaux tels le polypropylène moulé par injection… Lucienne Day par son style s’inscrit dans la mouvance des créatrices Jacqueline Groag ou Maria Mahler. Elle trouve son inspiration dans les œuvres de Joan Miro ou Alexandre Calder et créé des tissus aux motifs géométriques, des imprimés modernistes qui recouvrent bientôt les sofas et coussins de la ménagère moyenne autant qu’ils décorent des lieux tels le Royal Festival Hall en 1951 aux côtés du mobilier de Robin. Après avoir remporté en 1949 le Prix d’Architecture du MoMa dans la catégorie création de mobilier “Low Cost“, Robin Day devient Directeur du Design pour la société anglaise Hille, avec laquelle il collaborera jusqu’en 1982, créant la fameuse Polyform chair (1963) en “plastique“ *thermoformé et ses nombreuses déclinaisons. Cette chaise ultra-démocratique s’est vendue à plus de 14 millions d’unités dans le monde, et elle est toujours en production. Cette chaise se targue même d’avoir maintenant un timbre de la Royal Mail à son effigie !

En Angleterre les meubles de Robin Day sont partout sur le territoire de sa Majesté et surtout ils parsèment le quotidien de millions de Britanniques. Dans la sphère privée ou en tant que mobilier public des hôpitaux aux écoles, l’assise Day demeure omniprésente. D’ailleurs à la maternelle, les petits anglais se sont souvent assis sur la chaise ci-dessus vendue aujourd’hui encore chez Habitat. Dans le film “Darjeeling Limited“ (de Wes Anderson), les scènes de la gare montrent des rangées de fauteuil Day, couleur jaune orangé, témoignage de l’ampleur du succès de ces sièges auprès des architectes et donneurs d’ordre, pour des projets internationaux. Robin Day a également été conseil et estampé de son style des lieux tels : le Barbican Art Center, le London Underground, la Tate Britain, le Churchill College à Cambridge…

Les Days sont un peu les pères du design moderne anglais. À leur façon, ils ont contribué à l’essor économique de l’industrie britannique au travers de l’axe design, en influant sur le choix des matériaux, les procédés de fabrication, la massification de la production, la conception de pièces qualitatives à bas prix. Ils ont pendant des années été les chefs de file du design outre Manche, et lorsque Tom Dixon dans les années quatre-vingt-dix en tant que directeur du design les répertorie dans les pages du catalogue Habitat, il en va de l’hommage autant que de l’enjeu marketing. Theo Williams, actuel directeur du design de Habitat, déclare : “Les Day sont la réponse britannique au couple Eames. Aujourd’hui encore les meubles de Robin Day sont vendus dans nos magasins et ils font d’ailleurs partie de notre sélection plébiscitée par nos clients. Depuis environ un an nous étions en discussion avec Robin Day qui devait créer avec nous une nouvelle collection de mobilier avec des revêtements textiles exclusifs de Lucienne Day. La série aurait été une exclusivité Habitat, célébrant une collaboration pérenne. Malheureusement Lucienne Day nous a quittés en janvier dernier et le projet est aujourd’hui mis de côté.“

Les pièces phares de Robin Days sont : l’ensemble de salon Day’s Forum, les fauteuils Polo chair, dans différentes versions (métal, cuir et bois, métal et plastique, modèle enfant). Où trouver les meubles de Robin Day : chez Habitat (d’ailleurs la banquette lit Single CV du catalogue 2002-2003 mériterait d’être rééditée), Sabz.fr et chez XXO.fr /à Londres chez John Lewis, chez Hille pour le mobilier d’espaces publics /L’actualité des Days : Exposition du 15 mai au 12 septembre 2010, Art by the yard : Women design mid-century Britain au Textile Museum de Washington.DC (US). Contemporary days un film documentaire entièrement consacré au couple Day, éclairant les aspects tant de leur vie personnelle que professionnelle, vient d’être réalisé par Murray Grigor et produit par Hamid Shams. Ce film est une initiative de l’association Design On Screen. Le site du Design Museum (UK) propose un retour détaillé sur la carrière des Days. http://designmuseum.org/design/robin-lucienne-day

*définition du thermoformage : ‘Procédé de formage d ‘une feuille 2D thermoplastique en une pièce tridimensionnelle, en plaçant cette feuille dans un châssis puis en la chauffant pour la rendre molle et fluide. On applique ensuite une pression différentielle pour faire prendre à la feuille la forme du moule ou de la filière placée en dessous du châssis.’ Source : Catalogue de l’Exposition VIA Matières à cultiver

/Par Andrée Fraiderik-Vertino /copyrights photo Hille, Habitat, London Design Museum

Marc Newson, designer australien mondialement connu pour ses deux chaises Lockheed Lounge et Embryo a signé un contrat avec la cultissime marque Riva. Après s’être installé à Paris en 1981 puis à Tokyo en 1987 et enfin à Londres en 1997, Marc Newson, designer vagabond, a travaillé pour des entreprises prestigieuses. Dassault Aviation, Ford, Quantas et EADS Astrium pour l’avion-fusée qui permettra des voyages spatiaux commerciaux, mais aussi pour Alessi, Littala, B&B italia etc…

Elu designer de l’année en 2008 au London Design Festival il a relevé le défit de rendre à Riva la renommée acquise au début des années 50. Tout le monde se souvient de ces photos mythiques montrant Brigitte Bardot, reine de l’époque, bronzant à l’arrière d’un Riva. Ces canots en acajou et chromes avec sellerie de cuir avaient été adoptés par les têtes couronnées et les stars de cinéma. Ils étaient les “Rolls de la mer“. Aujourd’hui, l’Aquariva by Marc Newson a pris le parti de recréer une version moderne du bateau légendaire. Exit l’acajou qui faisait du Riva le symbole du glamour et du luxe de la Riviera des années 50 pour être remplacé par du Micarta (bakélite). Le chrome a été changé par de l’aluminium et ce speedboat est équipé du meilleur qui soit de l’électronique. Cette perle de luxe sera proposée dans une édition très confidentielle de 22 exemplaires, vendus au prix de 1,5 million de dollar à partir de septembre 2010 par la Gagosian Gallery de New York.

/Par Marc Kelman/ image Aquariva by Marc Newson® Gagosian Gallery tous droits réservés /musique /Riviera, Mille Bacci, Saint Privat®, morceau acheté via iTunes.

Les 2, 3 et 4 juillet la communauté design prenait ses quartiers d’été à la Villa Noailles, temps suspendu pour rencontrer, discuter, échanger, découvrir et redécouvrir, lire et écouter.

Mais quelle était la véritable actualité de l’été : le jeune design des expositions temporaires ? L’époque moderniste de la villa commandée à Robert Mallet-Stevens au début des années 1920 ? Ou est-ce encore le couple Noailles qui fut célébré en ce début de saison comme les plus grands mécènes de tous les temps ?

Pour Catherine Geel, commissaire générale de Design Parade, la problématique cette année était la suivante : “Notre époque tente sans y arriver vraiment de construire ses nouveaux paradigmes autour de « valeurs » remises en cause, celles de la société des objets et de l’industrie de masse (…) Des dérèglements de tous ordres peuvent naître l’invention, le formidable et le terrible (…) A cette occasion le monde du design ne peut que s’interroger : quid des objets ? quid du design qui induit le “ comportement“ ? L’époque est-elle véritablement créatrice ou seulement créative ?“

Elle était particulièrement heureuse de présenter l’exposition Aldo Bakker, questionnant ses créations à travers le filtre de la nature – et non pas l’industrie – comme nouvelle source de modernité. A ne pas rater non plus, la série Design and Crafts de Naoto Fukasawa réalisée par la Manufacture de Sèvres et inspirée des carreaux du métro parisien.

Mais les vrais invités, certes chez eux, étaient Marie-Laure et Charles de Noailles*, grands mécènes de toutes les modernités entre 1923 et 1970 célébrés par l’ouverture de l’exposition permanente dans la Villa désormais éponyme.

Au fait, quels ont été les prix 2010 décernés aux jeunes designers par le festival et ses sponsors ?

*Le projet consiste à redonner au public les clefs pour appréhender la “petite maison intéressante à habiter“ de Charles et Marie-Laure de Noailles et (re)découvrir l’extraordinaire mécénat qu’ils ont mené de 1923 à 1970. L’exposition aborde tous les aspects de cette expérience et explore les liens entre les différents domaines de la création qu’ils ont pu aborder. Le projet s’oriente vers une exploitation du lieu la plus discrète et la plus respectueuse possible de la cohérence originale des espaces. Les aménagements paysagers du lieu, imaginés avec Christophe Ponceau etDavid Dubois, prolongent cette démarche.

/Image 1 /Jipi Ampoule, Sébastien Cordoléani, 2010 /Photo – Sébastien Cordoléani /Image 2 escalier menant à la piscine de la villa Noailles à hyères, 1928. Photo : Thérèse Bonney, coll. particulière /Design Parade 05 /Festival International De Design /Villa Noailles /Montée de Noailles /83400 Hyères /+33 (0)4 98 08 01 98/Catalogue Design Parade 2010 et catalogue Aldo Bakker, Creatures (deux coédition Villa Noailles – Archibooks) /musique /Eric Satie, Musique D’ameublement: No. 1 Tenture de Cabinet Préfectoral /Bernard Desgraupes, Ensemble Erwartung & Eric Lamberger®,The Very Best of Satie, morceau acheté via iTunes.

La ville fascine les auteurs de bande dessinée. Certains, comme François Schuiten, en font la source première de leur inspiration, la plupart l’utilisent comme un cadre, un décor, véhiculant à la fois leur perception de la ville contemporaine et leurs rêves de villes meilleures. La “Ville dessinée“ constitue une source d’inspiration inépuisable et offre autant d’utopies architecturales de papier. “C’est dire les affinités profondes qui existent entre l’auteur de bande dessinée et l’architecte qui, lui aussi, dessine la ville avant de la construire… Tous deux ont en partage une vision urbaine“.*

Le propos de l’exposition est de donner à voir comment est traité le champ de la représentation de la matière construite, cette substance urbaine, comment les auteurs et les architectes se croisent, se répondent parfois. Ou comment pour construire des architectures de rêves ou du futur le cinéma, art reconnu depuis longtemps, se ressource directement auprès de l’univers de la bande dessinée quand il s’empare de la ville (Luc Besson /Moebius et Jean-Claude Mézières pour le 5e élément) ou en marquant clairement une proximité dans une utilisation conforme comme le groupe d’architectes libertaires Archigram**.

Issue de cette logique d’allers-retours entre l’architecture et la bande dessinée, certains bâtiments n’ont plus peur de jouer avec la forme et le public peut penser qu’ils sont issus du monde de la bande dessinée (cf. tour d’Euralille de Portzamparc, décentrée sur une jambe, l’immeuble très sculptural réalisé par Borel sur les hauteurs de Ménilmontant, etc). À cette proximité s’ajoutent les musées à ciel ouvert que sont Casablanca, Miami South Beach, Tel Aviv ou Brasilia, le Hâvre ou encore l’Atomium de l’expo de 1958 à Bruxelles***. Mais hors du champ des villes utopique, la BD s’attache à représenter aussi la ville quotidienne : des quartiers calmes ou “lointains“ de Taniguchi à la banlieue de Jean Teulé, de Frank Margerin, Tramber et Jano ou Marc Villard ou Thierry Jonquet. D’une approche à l’évidence plus politique, plus radicale qui s’oppose à la banlieue du pavillonnaire avec les maisons en meulière et les jardins ouvriers dessinée par Jacques Tardi en illustration de Céline. Car la ville est aussi l’héroïne de certains albums: n’oublions pas “Cité de Verre“ de David Mazzucchelli inspiré du livre éponyme de Paul Auters ou “La ville qui n’existait pas“ album magistral de Bilal avant la Femme Piège ou encore “la Maison Dieu“ de David Hulet, sans oublier les “Pirates du Silence“ de Franquin avant Gaston. La liste serait longue de tous ces romans graphiques offrant une vision nouvelle de notre ordinaire ou une retranscription de nos rêves. mais comme le rappelle Jean-Marc Thévenet : “Ce sont 350 oeuvres qui sont présentées, sans souci d’exhaustivité ou de vision encyclopédique du sujet“****.

Cette exposition, qui met en regard le premier des arts avec le 9e, montre que la bande dessinée a décidément acquis non seulement ses lettres de noblesse, mais droit de cité, alors à quand une expo Design et BD ?

Du Las Vegas des années 50 et 60 au Dubaï de notre siècle, jouant d’une esthétique de l’accumulation souvent proche du kitsch, les Dreamlands (mondes clos) ont inspiré des démarches artistiques, architecturales et urbanistiques au point de s’ériger en référence de certaines constructions contemporaines.

Les “dreamlands de la société des loisirs ont façonné l’imaginaire et nourri les utopies comme les créations des artistes, mais ils sont aussi devenus réalité: le pastiche, la copie, l’artificiel et le factice ont été retournés pour engendrer à leur tour l’environnement dans lequel s’inscrit la vie réelle“. Du “Learning from Las Vegas“ (L’enseignement de Vegas) de Robert Venturi et Denise Scott Brown au “Delirious New York“ de Rem Koolhaas cette exposition fait échos à celle sur les rapports entre l’architecture et le bande dessinée qui a lieu simultanément à la Cité de l’architecture & du patrimoine à Chaillot.

Cette exposition pluridisciplinaire mise en espace spectaculaire propose une lecture d’envergure et convie à s’interroger sur la manière dont s’élabore l’imaginaire de la ville dont les projets urbains se nourrissent.

/Par Frédéric Rossi-Liegibel /Dreamlands, Des parcs d’attractions aux cités du futur/ du 5 mai – 9 août 2010 /Centre Pompidou /Paris 04 /Illustration /Kader Attia /Untitled (Skyline), 2007 /Courtesy : BALTIC Centre for Contemporary Art /Courtesy Galerie Anne de Villepoix, Paris © Colin Davison

La Maison de verre est un projet réalisé par l’architecte-décorateur Pierre Chareau et l’architecte Bernard Bijvoet, à Paris, pour le docteur Dalsace entre 1928 et 1931. Elle est son oeuvre majeure. Cette œuvre a donné lieu à l’édition d’un portfolio de dessins commandés aux auteurs de bande dessinée: Jacques de Loustal, Jean-Claude Götting, Ted Benoit, André Juillard et François Avril. Il est présenté dans son intégralité pendant l’exposition “archi & bd, la ville dessinée“.

/Par Frédéri/c Rossi-Liegibel /copyrigth Jean-Claude Götting /Extrait d’une planche de La Maison de Verre /2007 ©Jean-Claude Götting

En science politique, l’on parle de politique culturelle, de politique du spectacle ou encore de communication politique, mais quels sont les enjeux de la promotion du design ?

Même si le design n’est qu’une partie du process, au côté de l’ingénierie, du marketing, de la communication, il prend dorénavant une vraie place. Le consommateur paie aujourd’hui, non plus pour une fonction, mais pour  un ensemble intangible qui représente la majeure partie du coût de l‘objet.

En réaction, le design en particulier et la créativité en général, prennent une place grandissante dans la vie de chacun, mais aussi dans le discours des politiques. Le design est un outil de l’innovation des politiques nationales et européennes, surtout dans un contexte de crise. Un paradoxe : les PME dont la taille et la souplesse de structure offrent un fort potentiel d’innovation, restent très sous utilisatrices de design et “c’est sur elles que doit se concentrer l’effort des politiques d’innovations ?* à quoi Jean-Louis Frechin (Nodesign) répond ici “le design relève d’une économie politique, mais nous n’avons pas de programme national de design“. Particularité nationale puisque “60 % des chefs d ‘entreprise britanniques considèrent que faire appel au design est une solution à la crise“**. Dès lors, se posent deux questions : en quoi ces processus de transformation relèvent-ils du design ? L’intervention de design serait il celui de l’art de gouverner ?

Le design, enjeu territorial

Saint-Étienne a choisi le design comme moteur de son développement. Ici, il y a une véritable légitimité à la fois historique, culturelle, économique et territoriale à travailler sur le thème du design. À cette présence, il convient d’ajouter la force de l’enseignement et de la formation du territoire dans les domaines de l’art, du design, de l’architecture et de l’ingénierie (École des Beaux-Arts, École d’Architecture, ENISE). Bref, il y a sur ce territoire des éléments tangibles et réels, d’autres s’y lancent comme Nantes (région Pays de Loire) ou s’y maintiennent la région Nord avec “Design région Courtrai“. (une biennale depuis 1968),

Le design, enjeu d’image

D’autres encore, comme la ville de Turin en font un outil de changement d’image, avec notamment depuis les années 2000, l’événement “Torino World Design Capital“. L’image de la ville a glissé du simple fief de l’entreprise Fiat au rayonnement actuel qu’elle connaît, notamment grâce au programme de l’ICSID World Design Capital, avec plus de 3000 articles sur la ville dans l’année contre une dizaine auparavant. À la base production de concept le design dérive vers une superposition de valeur ajoutée.

Le design, redynamisateur de services

Comme le rappelle Anne-Marie Boutin (APCI) “le design ne concerne pas seulement l’esthétique. Il peut s’appliquer aussi à un service“

Mode de pensée spécifique “inconnu immédiatement reconnu“***, le design de demain se voit confier une nouvelle mission : inventer des relations ouvertes et impliquées avec les personnes. Mais, attention ces valeurs ne se trouvent plus dans les produits tels que nous les voyons. L’immatériel et l‘invisible, l’histoire, la culture, l’origine, le projet, la création, l’intention, le risque pris, le sentiment d’appartenance, la marque :  la création d’une représentation.

Mais est-ce encore du design ?

*Jean-Paul Huchon (président de la Région Ile de France) **Laurent Dutheil (le Lieu du Design). ***La région Île de France, une des plus productives d‘Europe, concentre 40 % du potentiel national de recherche. 5 % du budget de la région (200 millions d’euros et 1, 4 milliard par contrat région avec l’état) est aujourd’hui alloué à la R&D, quatre fois plus qu’auparavant, une région qui concentre 60 % des designers de France. ****Armand Hatchuel (Paris Tech Mines)

/Par Frédéric Rossi-Liegibel /image 1 – Le lieu du design – image 2 – la Cité du Design de St Etienne - image 3 – Docks en Seine /musique /Barbes Brooklin, Introduction, Stéphane Wrembel, morceau acheté via iTunes.