Créée en 2009 par Ross Lovegrove, la lampe Cosmic Leaf éditée par Artemide vient de rentrer dans la collection permanente de l’Institut d’Art de Chicago. Elle avait déjà reçu le Good Design Award 2010 décerné par l’Athénée du Musée d’Architecture et de Design de Chicago. Ross Lovegrove disait de cette lampe qu’elle ressemblait à  » une feuille numérique provenant d’un autre monde, recouverte d’écailles comme un reptile ou un insecte, qui attire sur son corps la lumière et l’ombre pour séduire sa compagne »

Le design vintage continue à envahir le désir des acheteurs. Après l’engouement du design des années 50 avec la réédition des meubles de Charlotte Perriand de Hans Wegner ou de Arne Jacobsen etc… arrivent les rééditions des sixties. Même les plus grands éditeurs s’y mettent pour le plaisir des nostalgiques des 30 glorieuses ou de la jeunesse d’aujourd’hui qui n’a évidement pas connu ce mobilier.

Knoll annonce donc la réédition de la collection “Platner“ créée en 1962 par Warren Platner et composée de chaises et tables formées de faisceaux de fil d’acier nickelés pour lesquelles il fallut quatre ans à Warren Platner et Knoll pour en mettre au point la fabrication.. Ces pièces, avec le temps, étaient devenues iconiques dans l’histoire de Knoll. Platner disait d’ailleurs de cette collection: « comme designer j’ai senti qu’il y avait de la place pour un design décoratif, discret et élégant comme celui du style Louis XV ».

Depuis les années 20, et en dehors d’une brève période dans les années 80 symbolisée par le style Memphis, la couleur a disparu de nos intérieurs au profit des tons naturels, neutres et froids. Dans son livre  “La peur de la couleur“ David Batchelor* démontre que, dans la culture occidentale, la couleur est un corps étranger reléguée au monde de l’enfance et donc porteuse de valeurs inférieures. Hors, depuis quelques temps, on peut observer dans les galeries et les créations de designers un retour de la couleur associée à des meubles d’inspiration sixties. La galerie Perimeter Art&Design a donc proposé à Maryam Madhavi de s’occuper de la scénographie d’une exposition qui démontrerait que la thèse de David Batchelor n’était juste qu’un préjugé. En utilisant des pièces récentes des designers de la galerie, Maryam Madhavi montre que la couleur est la vie et se moque de la chromo-phobie d’un grand nombre de penseurs occidentaux.

*David Batchelorest un artiste et critique écossais qui a travaillé pour le Royal College of Art de Londres. Il a été de 2002 à 2005 un membre consultatif de la programmation à la Tate Britain. /illustration ©David Batchelor, Brick Lane Remix, 2003

/Galerie Perimeter Art&Design 47 rue Saint André des Arts 75006. Exposition du 25 avril au 15 juin 2012.

On ne dira jamais assez combien la marque a changé le mode de vie des français. Jusqu’au début des années 50, seuls les milieux aisés pouvaient acheter les nouvelles créations comme celles de Ruhlmann, Dunan, Eileen Grey, Michel Franck etc… Le reste de la population achetait du mobilier traditionnel, rustique ou de style. Puis dans les années 50 est apparue une réflexion théorique sur le logement collectif dont Le Corbusier fut l’un des créateurs.

Avec cette nouvelle conception de l’habitat arrivèrent début des années 60 les premiers meubles du design nordique, encore un peu chers mais déjà plus abordables et qui correspondaient à la volonté de permettre à la masse de bénéficier d’un habitat confortable et d’un mobilier moderne. Ce mobilier néo-moderniste,  souvent appelé design organique, représenté par Eero Saarinen, Alvae Aalto, Arne Jacobsen, Hans Wegner pour les plus célèbres,  a été les premiers pas vers une nouvelle définition du rôle des designers. Epurer, rendre plus beau et plus confortable, utiliser les matériaux nouveaux, créer des liens logiques entre des choses (concepts, images, symboles) et enfin réduire les coûts de production par une meilleure adaptation entre les process de fabrication et le but recherché. D’autre part la société a beaucoup évoluée. On ne se meuble plus pour la vie car les couples se séparent souvent. De plus en plus de gens vivent seuls et disposent donc de petits budgets. La première marque en France à s’être inspirée de cette conception fut Habitat qui ouvrit son premier magasin à Paris en 1973. Son catalogue devint vite une référence en matière de décoration et de design.  Ikéa s’est également inspiré de cette conception en créant ce que la marque appelle le design démocratique qui doit être beau, simple, pratique et mis à la portée de tous les budgets. Avec des prix extrêmement bas le mobilier devient un objet de consommation au même titre qu’un vêtement.  Enfin, en ne limitant pas leurs produits aux seuls meubles mais en y ajoutant la cuisine et les objets décoratifs, Ikéa et dans une moindre mesure Habitat ont donc permis aux français de découvrir et d’adopter le design et de changer de style de vie. Le fait qu’aujourd’hui plus d’un français sur deux dort sous une couette au lieu du traditionnel drap et couverture en est l’exemple type.

Maarten De Ceular (1983) est né en Belgique. Une veritable passion pour le voyage inspire son projet de fin d’études ‘A pile of Suitcases’, immédiatement sélectionné par la prestigieuse galerie Nilufar de Milan. Maarten est depuis sous les projecteurs internationaux, produisant des objets hautement poétiques, ludiques et narratives**. Il utilise son travail pour nous dire des histoires, chercher l’émotion et chatouiller l’imagination des personnes, les faire s’interroger. L’émotion comme un outil.

Q – VOUS DEVELOPPEZ UN DESIGN EXTREMEMENT SPECIFIQUE, COMMENT LE DEFINIRIEZ VOUS ?

YOU WORK ON A VERY SPECIFIC DESIGN, HOW WOULD YOU DESCRIBE IT ?

What I try to achieve is to create objects that touch people, that make them wonder, think or smile. Objects that people love to use and have around them, and that adds something special to their daily routine. Every project tells a different story, but the essence of most of my project is to play around and stir people’s imagination. Imagine a light object where you could pick off elements of light. Imagine a wardrobe closet that is nothing more but a pile of suitcases of which you can just take one off, jump on a plane and leave everything behind forever. Imagine furniture like giant bacteria that grow instead of being made. Some projects can communicate an experience or a feeling that I believe is meaningful to other people as well. Other project can be more about the production process behind the object, they can be a reaction on or a transformation of an existing process. Sometimes a project can simply be about adding new or unexpected functions to rather common objects around us, or about smart and relevant improvements of what is already there.

Q – VOUS VOUS PLACEZ DANS UNE ECOLE DE CONCEPTION PARTICULIERE, QUELLES SONT VOS INFLUENCES ?

YOU ASSUME TO BE PART OF A VERY SPECIFIC DESIGN TREND, WHAT ARE YOUR INFLUENCES?

I do not assume to be part of any specific trend, I hope to find my own way apart of any tendencies or trends. I like to find inspiration from where ever I can get it, whether it be art, architecture, science, fashion,… I’m always extremely satisfied by discovering the work of artists that I can truly relate to, that really touch me, make me think, and stick in my head for the next few days. Sometimes I get inspired by something I see in nature or on the streets, it could be a scene from a book or a movie, and other times it can be a kind of packaging material I discover at the local hardware store.

Q – VOUS SITUEZ VOUS DANS UN ECOSYSTEME ? SI OUI QUEL EST IL ?

WOULD YOU SAY YOU ARE A PART OF A PARTICULAR ECOSYSTEM ? IF YES WHICH ONE?

I am definitely part of the ecosystems of Planet Earth, Europe and Brussels, in respective order. Or what do you mean exactly?

*Il et a débuté sa formation à l’école supérieure de de Saint-Luc à Bruxelles. Attiré par un design conceptual et narrative, il poursuit ses etudes à l’Académie de Eindhoven.

**Les coupes Ballons sont fabriquées à l’aide d’un plâtre synthétique fort, moulées entre deux ballons gonflables. Ce sont deux moules flexible, promettant un résultat unique; les colorants ajoutés à l’eau avant le mélange au plâtre, donnent chaque fois un résultat différent, créant de manière incontrollée de nouveaux motifs. Toutes les coupes sont finies mate ou brillant. Ce procédé est le résultat d’un principe industriel appliqué à l’artisanat.

La Nature et ses procédés sont la principale source d’inspiration de David Derksen*. Selon lui, produire des objets serait comme jouer avec les forces de la Nature. Dans son design il cherche à exprimer la beauté des matériaux, et la façon dont ils sont produits.

Q – VOUS DEVELOPPEZ UN DESIGN EXTREMEMENT SPECIFIQUE, COMMENT LE DEFINIRIEZ VOUS ?

YOU WORK ON A VERY SPECIFIC DESIGN, HOW WOULD YOU DESCRIBE IT ?

The latest project I did is ‘Transience’, a cooperation with fellow designer and friend Lex Pott. The Transience project is about showing the beauty of oxidation in mirrors. Normally, mirrors oxidize over a long period of time. This can be seen in antique mirrors. We wanted to show this process but also to design the process. Therefore we used sulfur to oxidize the silver layer which resulted in a quicker process. This way were also able to produce colours that go from gold to purple and to make patterns.

Q – VOUS VOUS PLACEZ DANS UNE ECOLE DE CONCEPTION PARTICULIERE, QUELLES SONT VOS INFLUENCES ?

YOU ASSUME TO BE PART OF A VERY SPECIFIC DESIGN TREND, WHAT ARE YOUR INFLUENCES?

My main source of inspiration is nature and especially the physics of nature and it’s processes. I can be stunned by the beauty of ice crystals or foam bubbles and wonder why they are like they are. And of course I always think of how I could apply this in such a way that I can show this fascination to other people. Materials, and how they behave are an important source of inspiration. Art that inspires me is usually abstract and related to geometry, material and color. For example the works of Sol Lewitt, Scot Burton and Donald Judd. One of my favorite non-sculptural artists is Roman Signer. His artworks are actions or events like firing a rocket that pulls a red ribbon over a smoky vulcano. What I like about it is that his works gives a hint of how nature works. He is sort of trying to make his own natural phenomena. There is also lot of beauty in the fact that his works are usually not permanent but just something that happened. Is it still a work of art when no one saw it happening? Is that important? In terms of design, one of my favorite designers is Achile Castiglioni. His designs are aesthetic, very clever and playful at the same time. I can really recommend everyone to visit the former studio of Castiglioni in Milan that is open for public nowadays. Although the master is not alive anymore, there is still so much joy and passion for design in the air of his studio.

Q – VOUS SITUEZ VOUS DANS UN ECOSYSTEME ? SI OUI QUEL EST IL ?

WOULD YOU SAY YOU ARE A PART OF A PARTICULAR ECOSYSTEM ? IF YES WHICH ONE?

Dutch design has mostly become famous for it’s conceptual way of working. However, I do not consider myself as a conceptual designer. What I find more important is that it is an openminded design climate and not restricted by traditions. This offers the opportunity to experiment, whether the result is good or not. So yes I am part of the Dutch design ecosystem, but the system of nature is much more interesting in the end!

*Diplômé en 2009 à la Design Academy de Eindhoven, il a complété sa formation par un MA en design industriel à Delft. Son Studio est basé à Amsterdam.

Pierre Gonalons déjà célèbre pour ses collaborations avec des marques prestigieuses comme Lalique et Pernod entre autre, ainsi que pour sa lampe Eiffel, vient d’inaugurer son premier espace à Paris situé dans la galerie Vivienne. Y sont présentées ses nouvelles créations faites pour Ascète la maison d’édition qu’il a fondée en 2004.

Pour créer la collection “Manik Bagh », Pierre Gonalons s’inspire du palais d’Indore que le Maharadja Rao Holkar avait fait construire en 1930. Les plus grands designers et artistes de l’époque y avaient travaillé. Brancusi, Eileen Gray, Le Corbusier, Charlotte Perriand, J.E. Ruhlmann, Jean Puiforcat, René Lalique etc… Dans un premier temps, un lustre, un miroir, une lanterne, une bibliothèque et une console, le tout en verre et métal chromé sont fabriqués par l’éditeur Sam & Sara qui est spécialisé dans la fabrication de mobiliers fabriqués entièrement à la main. Cette collection, fabriquée en Inde, verra la création d’un second volet à l’automne 2012.

*Ascete 2 galerie Vivienne 75002 Paris

C’est parce qu’il a vécu longtemps en Suède que René Barthélemy, lorsqu’il est revenu vivre en France, a appelé sa société Olika qui veut dire “différent“.

Très imprégné par le design suédois il a créé des meubles aux lignes pures et simples mais attachantes, en mettant l’accent sur les assemblages, la dimension pratique mais aussi la légèreté et l’idée de finesse. Pour 2012 il a travaillé le multipli de bouleau, bois iconique du design nordique et le béton. Il vient de présenter la table “Plane“ qui fait penser à une aile d’avion ultra fine avec ses tuyères en dessous et dont le plateau est tenu dans les airs par des aiguilles d’acier.

*Chose rare à souligner: Tous les meubles sont fabriqués en France.

Le paysage du design en île de France se renforce avec la création de If Design. Organisation de table ronde, prise de parole… l’association veut défendre une autre approche du design auprès des différents acteurs de l’économie française via la constitution d’une communauté de professionnels du design. Voici le portrait de l’association au travers d’une prise de parole de ses quatre fondateurs.

VOUS AVEZ CREE UNE ASSOCIATION, POURRIEZ VOUS EXPLIQUER QUEL EST SON BUT ET QUELLES SERONT SES ACTIONS FUTURES ?

Nous sommes un certain nombre de professionnels du design à nous être rencontrés régulièrement de façon informelle et conviviale afin d’échanger sur nos métiers et pratiques, et ce depuis deux ans environ. Au cours de ces rencontres, nous avons émis l’idée de créer “notre“ association. Quatre raisons principales ont motivé cette décision : 1. Le souhait de regrouper des acteurs de l’ensemble de la chaîne de valeur du design : agences, designers, stylistes, acteurs de l’entreprise, enseignants, chercheurs, et de façon générale tous ceux qui apportent de la valeur au design et au design management. 2. La volonté de nous exprimer de façon totalement libre, et de prendre la parole à chaque fois que cela nous semblera nécessaire. 3. Le besoin d’être totalement indépendant de tout financement, autre que celui de nos adhérents. 4. Le souhait d’offrir une occasion aux professionnels du secteur de se retrouver dans des situations conviviales pour échanger, discuter hors de tout cadre…

Nos actions pour 2012 seront les suivantes : 1. Permettre au plus grand nombre d’acteurs du design et du design management de s’exprimer. 2. Donner notre éclairage sur les évènements du design (expositions, colloques, conférences, prix, etc.), et prendre position le cas échéant. 3. Interviewer des acteurs qui nous semblent contribuer de façon forte ou inédite au design et au design management. 4. Présenter notre étude “Photographie du design en France“. 5. Organiser des débats contradictoires entre acteurs du design et du design management ayant des vues différentes, voire opposées, sur un sujet donné.

DOIT-ON LA CONSIDERER COMME UNE ASSOCIATION?

Une des acception du terme association, est la réunion de plusieurs personnes dans un but, un intérêt commun. Nous sommes bien dans cette optique : – un but : contribuer à ce que le design et le design management soient perçus dans leur entière dimension, et notamment bien au-delà du “milieu“ du design ; – un intérêt commun : proposer un espace de totale liberté, où chacun peut s’exprimer sur le design et le design management, à la condition qu’il soit un contributeur de la chaîne économique du design et du design management. – Dans un cadre permettant aux professionnels qui le souhaitent de se rencontrer, d’échanger, de façon informelle et conviviale. Ajoutons que l’association ne poursuit strictement aucun objectif économique : au départ financée sur les fonds propres de ses fondateurs, son développement ne pourra se faire que grâce à ses adhérents.

QU’APPORTE-T-ELLE AU METIER ? QUELLE EST SON AMBITION ?

Plus nombreuses sont les institutions de toute nature à parler du design et du design management, plus la capillarité dans l’économie – et dans pays – sera forte. Notre ambition est d’être une entité totalement indépendante, absolument libre de parole et qui refuse que le design et le design management soient au service d’intérêts particuliers ou préemptés par des institutions ou des personnes déclarées – ou auto déclarées – les plus compétentes en la matière. Nous voulons que toute décision politique ou économique touchant au design et au design management fasse systématiquement l’objet d’un débat public, où l’ensemble des acteurs puissent se faire entendre, s’ils le souhaitent. Notre ligne de conduite est que toutes les sensibilités, toutes les réalités du design et du design management aient la possibilité et l’occasion de s’exprimer. Pour autant, nous ne sommes absolument pas opposés à telle ou telle institution, organisme ou personne – bien au contraire : l’une des « missions » est de relayer l’information relative au design et au design management, quelle qu’elle soit. En bref, nous apportons de notre voix au débat, nous relayons celle de tous ceux qui souhaitent s’exprimer… en toute liberté, dans les deux cas.

POUVEZ-VOUS NOUS PARLER DE VOUS ET NOUS EXPLIQUER CE QUI VOUS POUSSE A CREER UNE ENTITE FEDERATRICE ?

Nous sommes quatre membres fondateurs au profil, au parcours et aux activités très différents : pour autant, nous nous sommes retrouvés dans le souhait de nous exprimer avec une totale liberté, et de donner cet espace de liberté à nos adhérents. Disons que ce qui nous motive est de “fédérer les différences“, afin que le design et le design management puissent se révéler dans leur globalité culturelle, économique, technologique et artistique.

*** Christophe Chaptal de Chanteloup – président [If] Design (Île-de-France Design) A successivement été créateur et dirigeant de Design Service, directeur associé d’Arion, directeur marketing stratégique au sein du Groupe Seb, directeur marketing, style et communication de Peugeot Scooters, puis en charge de missions d’organisation auprès d’Automobiles Peugeot. Aujourd’hui, il dirige cc&a., un cabinet spécialisé en organisation et design management. Il est également auteur de plusieurs ouvrages (Dunod, Vuibert) sur le design et la stratégie et intervient régulièrement à Sciences Po Paris et ICN Business School. Illustration Peugeot Blaster.  

*** François-Xavier Faucher – trésorier de [If] Design est le président fondateur de Go2prod, le hub du design et de l’industrie, professionnel de la mise en relation et des projets entre entreprises et designers présent sur la France et l’Italie. Il a conseillé pendant plus de 12 ans PME et grosses entreprises de l’industrie et des services dans le lancement d’offres innovantes et la gestion de nouveaux projets. Avant de lancer Go2prod, il a été Directeur des Opérations chez Screentonic, leader européen de la publicité sur mobile filiale de Microsoft. Il associe à présent son expérience du développement d’offres innovantes à sa passion pour le design en apportant aux industriels et designers produit une solution pragmatique et efficace. François-Xavier Faucher a une formation ESSCA et Ecole de Design de Nantes.  

*** Emmanuel Thouan / dici design J’ai créé une association de promotion du design graphique en 2000 en Loire Atlantique qui m’a permis de développer un esprit d’entreprise. Ayant une expérience au sein d’une agence de design coréenne et souhaitant travailler à mon compte, j’ai créé avec 4 associés l’agence Dici Design Paris où j’occupe actuellement le poste de consultant en stratégie de design global (design management). Je travaille actuellement sur des problématiques d’intégration du processus de design dans les PME-PMI principalement en France métropolitaine. Nous accompagnons le développement des entreprises en travaillant sur la cohérence de l’ensemble de leurs supports de marque. Nous sommes spécialisés en : Packaging Communication Aménagement des espaces de vente Développement de produits et services innovants. Illustration série ADF.

*** Aurélien Blanc / aurblanc aurblanc est la compression du nom de son dirigeant, Aurélien Blanc. En cherchant une école alliant mathématique pour son coté structuré et le dessin pour sa folie et son imagination, le design à fait apparition dans sa vie. Au début l’architecture lui était destinée, mais le design ouvre de plus grandres possibilités de s’exprimer, et surtout une constante remise en question sur chaque produit créé. Le design lui permet de mettre en place sa réflexion sur le passé, le présent, et le futur du produit mais aussi de l’entreprise qui le produit, il peut mettre en place une vraie statégie avec elle pour l’avenir et voir l’avenir. Son coté structuré lui permet de créer tout en étant proche de la fabrication et de l’optimisation du process pour un gain évident en production. illustration gourde Butagaz développée avec les Sismo.

La venue d’une nouvelle maison d’édition de mobilier et objet contemporain est suffisamment rare pour que l’on en parle lorsque cela arrive. Qu’est donc Marcel By ?
Tout d’abord un prénom très français mais qui est aussi connu à l’étranger et qui est sensé représenter un personnage sympathique. C’est aussi un mot anglais qui présente et met en valeur les designers que la société a décidé de produire mais c’est aussi une indication claire du désir d’être international. Pour sa première collection Marcel By a choisi quatre designers* dont les créations vont des chaises aux luminaires en passant par du mobilier ou des objets décoratifs. La politique de la marque est d’utiliser les dernières innovations techniques comme le LED, les matériaux nobles comme le bois massif, le cuir, la laine mais aussi le béton composite ou les résines de synthèse**. Les créateurs de Marcel By sont Stephan Lanez et Jean-Jacques Lejal qui sont tous deux des passionnés du design***.

QU’EST QUI VOUS A DONNÉ ENVIE DE VOUS LANCER DANS L’AVENTURE DE L’ÉDITION ?

Une rencontre. Elle a commencé en architecture avec un nouveau client. Elle s’est développée dans le lancement d’une maison d’édition de mobilier suite aux discussions et nombreux échanges avec ce client qui est devenu mon partenaire/associé. Chacun est à son poste. Il s’occupe des financements, gestions et administratif, je m’occupe de la direction artistique, du développement et du suivi des produits.

COMMENT S’EST OPÉRÉ LE CHOIX DES DESIGNERS ? DES FABRICANTS ?

Le choix a été effectué par plusieurs parties : Moi et les designers. J’avais envie de travailler avec eux. Je les connaissais déjà et c’est la compatibilité réciproque qui m’a motivé à leur proposer cette collaboration. Riche des leurs (nos) différences. Et puis ils ont voulu se lancer dans cette aventure. Ils m’ont fait confiance et ont joué le jeu d’un nouveau lancement à fond ! On l’a fait ensemble parce qu’on s’entend à la perfection sur l’esprit de famille de Marcel by : échanger et dialoguer avec des personnes à long terme… Se créer sa famille.

Le choix des fabricants est un peu plus compliqué. Marcel By recherche à travers le monde les meilleurs artisans afin de pouvoir proposer aux designers choisis une fabrication haut de gamme et artisanale de leurs créations. La qualité représente donc la vraie valeur ajoutée de la marque et pour une fois, les fabricants sont mis en avant au même titre que les designers. Il faut trouver ceux qui ont un vrai savoir faire, qui sont prêt à se lancer dans de nouveaux projets, et qui puisse fabriquer à des prix commercialisables. Pas facile ! Et puis, on doit s’entendre, se comprendre et être confiant l’un envers l’autre. C’est aussi pour cela que nous communiquons sur nos artisans/fabricants : c’est une vraie valeur ajoutée et c’est un plaisir de revendiquer leur savoir faire. Ils viennent de nos recherches mais aussi de celles des designers. C’est le coté “laboratoire“. Marcel by cherche sans arrêt des nouveaux savoir faire en France, en Europe, dans le monde entier… le coté fédérateur et familial revient. Là aussi, on se crée une famille d’artisans.

QUELLES PERSPECTIVES ?

Marcel by a de vraies ambitions. Mais commençons par le début ! Maintenant, on prépare des partenariats avec des distributeurs multimarques, le premier showroom pour 2012, une collection qui s’étoffe dans la foulée…

*image 1 – Bamby, chaise de Noë Duchaufour-Lawrance, pour Marcel by.Les designers choisis pour cette première édition sont Samuel Accoceberry, Noé Duchaufour-Lawrance, Jakob+Macfarlane et Stephan Lanez.
*Les designers choisis pour cette première édition sont Samuel Accoceberry, Noé Duchaufour-Lawrance, Jakob+Macfarlane et Stephan Lanez. **Les fabricants qui ont réalisé leurs créations sont Henryot pour la menuiserie/tapisserie, Glassworks Matteo Gonet artisan verrier, Concrète LCDA manufacture de béton composite, La Tournerie du Plat d’Or Alain Larcher, Hubert Weinzierl ébénisterie/menuiserie, et Till Breitfuss menuiserie/prototypiste.
***Le premier Jean-Jacques Legal (à gauche) est diplômé d’HEC,  le second Stephan Lanez (à droite) est diplômé de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs.

En juin 2010, nous avons inauguré notre site en proposant à tous une base de réflexion sur les enjeux du design et sur la place grandissante du discours des politiques. Outil d’innovation , surtout dans un contexte de crise, Jean-Louis Frechin (Nodesign) disait déjà “le design relève d’une économie politique, mais nous n’avons pas de programme national de design“.

A-t-il été entendu ?

Le design, enjeu territorial ? “L’’année 2011 aura été l’année où la Région Ile-de-France, après avoir crée le Lieu du Design en 2009, a fait du design un enjeu stratégique. Elle a décidé que ce secteur essentiel d’attractivité économique devrait désormais irriguer l’ensemble des filières qu’elle accompagne et pénétrer progressivement les politiques publiques qu’elle met en œuvre. 2012 sera l’année de la mise en place de Paris Région Entreprise, plateforme d’ingénierie publique régionale… qui facilitera la maturation des projets d’innovation.“ Par ces vœux Laurent Dutheil, Directeur général du Lieu du Design remet son action en perspective. “Nos missions semblent aujourd’hui faire des émules et nous nous en réjouissons“.

Alors, le design enjeu politique ? “Nos entreprises ont tout à gagner à intégrer le design dans leurs stratégies. L’enjeu, c’est de la croissance, des exportations et des marges supplémentaires pour nos marques, et, notamment pour la première d’entre elles, le fabriqué en France. Le design n’est pas seulement un acte de création, c’est aussi un facteur puissant d’innovation, et à partir de là, un facteur de compétitivité“, par cette phrase Eric Besson* annonce le lancement d’un plan d’action en faveur du design et la création d’un Centre National du Design. L’objectif : renforcer l’utilisation du design dans les entreprises et d’améliorer sa visibilité dans l’économie comme facteur d’innovation et de compétitivité.

Trois axes : 1 – la création d’un Centre National du Design, pour susciter des politiques en faveur du design exemplaire et un instrument de promotion du design français. Il aura pour missions : d’affirmer le rôle stratégique du design dans l’économie, d’améliorer la compétitivité des entreprises françaises grâce à l’apport du design dans leur stratégie et de permettre aux métiers du design de se développer*. 2 – l’intégration du design dans l’écosystème des pôles de compétitivité, en appuie sur les structures régionales de promotion du design. Une expérience sera lancée en 2012 sur quelques régions volontaires. 3 – l’élaboration d’un référentiel des métiers du design. Cela répond à une demande des professionnels, manifestée à l’occasion des tables rondes menées conjointement avec le ministère de la culture et de la communication avec une mise en oeuvre effective à la fin de l’année 2012.

Y a t’il instrumentalisation ?

Lorsque l’on pose la question à Laurent Dutheil la réponse est directe : « On ne peut évidemment pas l’exclure. La profession aura noté que l’annonce ministérielle intervient en toute fin de mandat gouvernemental et à cent jours de l’élection présidentielle. Vous remarquerez que cette initiative ministérielle n’a fait l’objet d’aucune consultation préalable des structures de design existantes, que ce soit la Cité du Design de Saint-Etienne, le VIA, l’Institut Français du Design, le Lieu du design… Je note que le discours des pouvoirs publics, comme celui de l’APCI sont remarquablement proches des propos que nous tenons avec d’autres et des actions que nous menons depuis notre création, en octobre 2009. Il serait extrêmement dommageable que la création d’un Centre national du Design, dont nous avons tous à nous réjouir, soit accompagné de considérations politiciennes et d’un manque d’esprit fédératif. Gageons que les mois à venir permettront d’éclaircir le sujet“.

Le design, enjeu d’image ? “Il ne faut pas faire du design une nouvelle utopie sur fond de militantisme. En quoi le design serait-il plus légitime aujourd’hui à résoudre les problèmes? Car c’est accorder beaucoup de pouvoir à une discipline qui se cherche et qui est incapable de s’auto évaluer“. nous rappelle Frédéric Ruyant. C’est la raison pour laquelle le design est actuellement si séduisant pour toutes sortes d’instrumentalisation le concernant. Succès bâti sur de la communication, il ne faudrait pas le cantonner à n’exister que par le paraître. Le danger, lourd de conséquence, est que le design soit victime des appels ou des assauts de politiques politiciennes. Vigilance et modestie, “que le design dise d’abord ce qu’il est, ce qu’il souhaite être“, allons Messieurs les politiques laissez nous le temps d’acquérir une maturité ! Une maturité en devenir pour Anne Marie Sargueil: “la promotion du design doit comprendre les enjeux des 3 protagonistes : la Personne, l’Entreprise et la Cité. L’entreprise qui investit, défend l’emploi et innove avec pertinence. La cité parce que l’on se doit de respecter l’environnement et les non-clients. Pour elle il faut savoir relativiser les initiatives privée, publique ou entreprenariale…

*“Ce plan s’inscrit dans le prolongement des actions engagées par le Ministère depuis 2008 qui visent également à assurer l’excellence de l’offre de formation au design, à développer une offre de design qui répond aux attentes des entreprise, en particulier des PME, à promouvoir le design français à l’international et, grâce à lui, à valoriser les productions françaises“ – Eric Besson. Depuis 2008, le Ministère de l’Industrie déclare avoir consacré plus de 10 millions d’euros à la politique de soutien au design. Le Ministère apportera un financement de 1 million d’euros pour le lancement de ce projet, géré par l’APCI. Le lundi 9 janvier la 9ème conférence européenne sur les enjeux du design, organisée par l’Agence pour la promotion de la création industrielle (APCI).

/illustration de l’article –  Geoffrey Dorne - illustration de la nl’s- Jacques Villeglé – La guérilla des écritures – 1985.

Souvenons-nous 58 ! cette année-là pour l’Exposition Internationale de Bruxelles, la BD multiplie les hommages aux meubles contemporains : Spirou dans les pirates du silence Tintin dans l’album “… au Tibet », pour ne citer que les principaux.

En 2013, on célébrera les 75 ans de Spirou qui ne cesse d’étonner par son extraordinaire modernité. À l’instar d’un Franquin, qui n’hésitait pas à faire évoluer Spirou dans des décors contemporains, meublés dans le design des années cinquante, Serge Clerc* s’empare du personnage emblématique du Spirou pour le confronter aux grandes figures de l’art du XXe siècle. De Calder à Picasso en passant par Chirico, mais aussi les Eames. Serge Clerc interroge l’essence même du personnage de BD qu’incarne Spirou. Tout à la fois daté et intemporel, personnage de fiction devenu personnage à part entière, dommage qu’il ne discute pas avec des personnages aussi connus que Tintin, comme nous, il joue sur deux registres : le moderne et le nostalgique, l’actualité et le souvenir.

Les cadres d’Hergé sont plus conventionnels, l’intérieur de Tintin est aussi neutre que son visage, dans cette aventure tardivement publiée dans le Journal de Tintin en 1958, notre reporter vient à s’entourer de meubles très tendances… À la différence de Spirou, l’environnement n’est plus celui d’un intérieur de particulier dans une riche villa moderne mais au contraire un espace collectif bien particulier : un club de montagne. Le mobilier de cet espace, celui de Jean Prouvé, doit donc être hygiénique (moderne, sobre, avec du métal)*.

Concernant Spirou, le sujet est ressassé. Franquin ouvre l’ère du design et signe surtout un constat : le milieu des dessinateurs semble accéder aux valeurs de son temps, des meubles portant une idéologie libre et ouverte*. Il fait évoluer le personnage dans un environnement fait d’objets et d’œuvres évoquant la modernité telle qu’elle était conçue à l’époque où il acquérait ses premières vraies lettres de noblesse. Serge Clerc lui rend hommage, on voit son Spirou se prendre les pieds dans des meubles de Mies van der Rohe, courir dans une maison au design singulier. Son livre est ainsi traversé par des objets qui figuraient la modernité ou l’avant-garde dans les années 1950 et ont désormais, en 2011, un statut quasi-culte. Il propose une tension entre la fiction et le réel, entre des personnages de BD et le décor comme un personnage à part entière.

L’histoire d’une époque et de son look, un idéal de vie auquel chacun souhaite accéder…

*Serge Clerc, dessinateur des années Métal Hurlant, revisite trois mythes modernes : les années Metal Hurlant, le Spirou de Franquin et Jijé, l’art des 50′s. Il a trouvé une large partie de son inspiration et de sa documentation dans les archives de AD, qu’il cite explicitement dans sa bibliographie. Spirou vers la modernité, de Serge Clerc, aux éditions Dupuis.

**Jean Prouvé par Hergé, dans Tintin au Tibet®fondation moulinsart, 1958. Fauteuil modèle « Visiteur FV11″, à assise et dossier en lattes de chêne ciré maintenues par une structure en chêne ciré, accoudoirs manchettes reposant sur un piètement en tubes métalliques à reception boule en bois tourné, 1949.

***Franquin, environ vingt ans plus tard, n’hésite pas à se moquer du  » geste design  » et des effets de surprise, souhaitant même le pire à ses utilisateurs dans Idées Noires !

Designnoma est fondée en 2009 par Benoît Dindinaud et Marc Younan. Architectes tous les deux, ils ont une idée forte : l’architecture ne se limite pas à la construction de bâtiment, toute intervention dans l’espace la constitue. Ce “quatre-mains complémentaire“, les conduit à produire une grammaire simple, rigoureuse, leurs créations se veulent flexibles et facilement intégrables.

COOPERATIVE DESIGN : LA CONCEPTION D’UNE CHAISE (D’UN GRAND PROJET) EST-ELLE TOUJOURS LE PASSAGE OBLIGE ?

Designnoma n’a pas de chaise aujourd’hui à son catalogue. Nous ne l’avons pas considéré comme un passage obligé ou une étape. On pense souvent “chaise“ pour le défi structurel ou la taille de l’objet, voire son rapport intime au corps. Nous pensons que c’est d’abord le rapport à l’espace qui fait la qualité d’un objet. Certaines chaises peuvent avoir un côté “déco“ alors que d’autres objets de taille plus modeste peuvent avoir un impact spatial plus important. Dans notre conception au quotidien nous nous posons des questions qui pourraient être celles qu’on se poserait en concevant une chaise.

CD : QU’EST-CE QUE LA MATURITE DANS VOTRE PRATIQUE ?

C’est, à notre avis, privilégier la recherche de la justesse et la pertinence plutôt que le démonstratif et l’ostentatoire. Les signes en seraient une forme d’humilité.

CD : LE DESIGN EST-IL UNE QUESTION D’ECHELLE ?

Non, le design n’est pas une question d’échelle de l’objet mais plutôt de son rapport à l’espace, dès lors on peut dire “de l’urbanisme à l’objet“. On peut presque même parler “d’un urbanisme d’objets“, dans la mesure où on travaille le parcours, les séquences et les scénarios. On parle souvent dans notre travail d’objets sentinelles, de repères qui ponctuent l’espace. Autant de jalons qui marquent un paysage, un territoire.

CD : QU’EST-CE QUI VOUS FAIT COURIR (AMBITION, VALEURS, RECONNAISSANCE) ?

Un peu les trois. L’ambition, pas d’ambition personnelle mais celle qu’on a pour Designnoma, de développer une ligne, une identité forte. Les valeurs, nous en avons tous. Les nôtres nous posent des cadres, des lignes à ne pas franchir ou des directions pour avancer. La reconnaissance bien sûr. D’abord parce qu’il y a une forme de séduction dans notre travail. Et puis d’avoir séduit c’est un peu aussi d’avoir convaincu dans notre approche du design.

CD : Y A-T-IL UN DESIGN UTOPISTE ?

Il n’y a pas d’objet utopiste, mais plutôt une utopie du rapport à l’objet. On pense qu’il existe une architecture ou un design visionnaire. C’est le rapport à l’objet, à sa fonction et son usage qui peuvent être utopistes. On pense par exemple en architecture au familistère et à Fourrier.

CD : VOUS INSCRIVEZ-VOUS DANS UN RESEAU ? DANS UN ECOSYSTEME ?

Nous pratiquons un design à quatre mains. Le regroupement aujourd’hui nous semble incontournable. Rebondir sur l’autre, mettre ses idées et ses doutes à l’épreuve. Le contexte devient de plus en plus complexe aussi bien du point de vue des pratiques sociales que sur le plan de l’offre technique et des matériaux, alors oui, être à plusieurs c’est un moteur et une accumulation de compétences, et cela doit se faire dans un climat de confiance et avec une forme de complicité.

S’il est des rencontres qui marquent durablement l’histoire du design, on peut dire que la vie de Hans J. Wegner en est ponctuée.

Danois, né en 1914, à 17 ans il est ébéniste. Il s’installe à Copenhague en 1934 et étudie à l’École des métiers, mais sa carrière démarre réellement en 1940 lorsqu’il travaille avec Arne Jacobsen à la création de meubles pour l’Hôtel de ville d’Aarhus en parallèle d’une collaboration avec Johannes Hansen. L’après-guerre sera pour lui le démarrage d’une série inaugurée par la China Chair, la suite sera ponctuée par l’iconique Wishbone chair – 1949. Toujours produite, elle reste l’une des meilleures ventes de Carl Hansen & Son*.

Grâce à cet éditeur, initiateur de la reconnaissance du design danois à travers le monde, Wegner commence alors une carrière internationale et devint si célèbre que Kennedy choisi d’utiliser lors de son débat contre Nixon la chaise “Round chair“. À la suite de cette émission les Américains se rueront pour l’acheter et elle deviendra au début des années soixante la chaise de référence aux USA, icône de “l’esprit international“ et de la modernité. Hans Wegner a reçu au cours de sa vie presque toutes les récompenses s’adressant au design et fut nommé Doctor honoris causa par le Royal College of Art de Londres en 1997. Disparu en 2007, il est, avec près de 500 chaises conçues**, l’un des designers les plus prolifiques de l’histoire du design.

Un succès lié à l’éditeur Carl Hansen.

*Entreprise familiale fondée en 1908 par Carl Hansen le premier atelier de fabrication à Odense au Danemark, c’est en 1934 que Holger, fils de Carl reprend les rênes de l’entreprise et travaille rapidement avec les plus doués des jeunes designers du Danemark dont Hans J. Wegner fut la tête de liste. Elle est toujours dirigée par un descendant (Knud Erik). **Les modèles les plus connus sont : CH24 Wishbone Chair – 1949 – qui nécessite un travail manuel important et dont le siège tissé main demande le tressage de 120 mètres de « paper cord » – CH20 Elbow Chair – 1949 – éditée en 2005 – CH445 Wing chair -1960 – fauteuil en cuir ou tissu avec ou sans repose-pieds – CH07 Shell chair – 1963 – avec son assise en forme d’aile et ses pieds incurvés./Illustration – image 1 – Valet or Bachelor’s – 1953 – image 2 © Hans J. Wegner/Polfoto. – image 3 – Kennedy vs Nixon 26. september 1960 – foto: Bettmann/CORBIS/polfoto

Depuis quelques années, le design repousse ses propres limites. Nous assistons à l’émergence d’une nouvelle manière de penser, à la frontière entre science-fiction et réalité. En illustration le travail de Carnovsky, basé sur les ondes de lumière, pour le comprendre cliquer sur ce lien).

Lorsque nous avons rencontré Glitch Fiction (Paris Design Week en septembre dernier), la série de projets inventifs, participatifs et spéculatifs, nous a d’abord interpellé: est-ce encore du design ? “C’est un design spéculatif, axé sur le design d’expérience, entre les personnes, les technologies et leurs environnements. Nous concevons des expériences explorant les étapes entre l’extraordinaire et l’hyper-normalité. Nous utilisons des propositions de design afin de sonder, questionner et enthousiasmer. Nous cherchons à révéler de nouvelles perspectives et possibilités offertes par les avancées technologiques tout en communiquant avec le public“*. Proposer un volcan en (future) éruption au centre de son séjour est-ce un travail de designer ? un travail de créateur ? un futur happening ? Nelly Ben Hayoun, porte-parole autoproclamée du collectif nous répondait “envisager l’action d’un projet et le programmer c’est du design“. Peut-être a-t-elle raison, nous ne pouvons être juge: l’aspect protéiforme du design est une de ses qualités. Mais après le design de dérision porté par l’école hollandaise et l’école belge, voici venu le “design fictionnel“, générateur de contes de fées où l’on fait l’expérience de la chaleur d’un volcan d’appartement ou d’une tempête de poissons. Ces mondes limites, fictifs, parallèles et tangents c’est ce que les « tendanceurs » présentent dans le parcours d’influence, trois lieux où se rencontrent rêves et cauchemars, mondes impossibles et hyperréalités pour explorer les conséquences de la science et des technologies émergentes. Ici, les projets utilisent le design à des fins spéculatives et critiques, pour nous permettre de débattre et d’envisager les bouleversements de notre vie quotidienne, présente, future ou imaginaire.

Les Parcours d’influences, présentés dans des cabinets de curiosités contemporains, ne se prennent pas trop au sérieux et ça fait un bien fou : l’imagination prend le pouvoir.

François Bernard dans Art’keting, nous propose des pièces uniques. L’inattendu s’invite alors dans un bric-à-brac élégant, ironique et luxueux. Ici tout est anachronismes, collision de matières et de couleurs… “La maison devient œuvre d’art et vous en êtes le créateur.“

Vincent Grégoire (NellyRodi) nous offre ses « Beautés monstres » dans une “grotte aux merveilles“. Ici l’excentricité est sous tension.Fidèle à lui-même il propose des délires loufoques d’une fantaisie déjantée, il chamboule un monde qui vacille entre dérangé et trop bien rangé. De nouveau, voici de curieux télescopages où juxtapositions, accumulations et détournements se confondent pour créer le saugrenu et le raffiné.

Élizabeth Leriche, plus sage nous propose ses “Folies douces“ et explore l’étrangeté des mondes imaginaires. Elle nous téléporte dans de troublantes réalités parallèles. Effets d’illusions, pertes de repères, surdimensionnements, monde sens dessus dessous, distorsions et autres sortilèges… tout se métamorphose et nous envoûte. La maison expérimente le prêt-à-rêver.

*Good one a été fondé en 2010. Andrew Friend, Sitraka Rakotoniaina et Gerard Rallo se sont rencontrés au Royal College of Art de Londres et viennent d’horizons différents : l’architecture, le graphisme/multimédia et l’informatique.

/Image 1 – 2 – 3 carnovsky® / vidéo Gnarls Barkley Crazy – téléchargé sur YouTube tous droits réservés

Le projet est un luminaire monumental constitué dʼabat-jour : le ruban issu d’un savoir traditionnel sʼenroule autour dʼune ossature majestueuse. Le fil de trame renvoie la lumière émise par la source lumineuse. Le fil de chaîne est phosphorescent : il laisse apparaître le spectre de la lampe lorsque celle-ci est éteinte, créant ainsi des jeux de lumière.

Q – CE QUE VOUS A APPORTE CETTE RENCONTRE ?

C’est une ouverture, indispensable pour les entreprises pour la coproduction de produits finis hors des sentiers (usuels) de la mode.

Bacus a commencé en 1908 avec les brodeuses Lunévilleuses, puis s’est enrichi des techniques de passementerie, de broderie électronique, de dentelle aux fuseaux mécaniques. La clientèle de Bacus est composée des grands noms de la couture, mais aussi de décorateurs pour la maison ou le music-hall. Normal Studio est une agence de création industrielle créée en 2006 qui défend un design épuré où les objets revêtent une forme simple et usuelle, intemporelle sans superflu ni démonstration de style ou de tout ornement.

/À l’occasion du salon Maison&Objet, Tech&Design présente les dix binômes constitués et le fruit de leur collaboration, ainsi qu’une rétrospective de l’ensemble des projets qui ont vu le jour grâce à ce programme. 10 designers : François Azambourg, Normal Studio, Alexis Mabille, Pascal Gautrand, Solenne Morigeaud, Sismo, Lefranc-Ferrand, Sophie Mallebranche, Jean-Marie Massaud, Patrick Jouin. 10 entreprises : Société Choletaise de Fabrication, Broderie Bacus, Altertex, Virtuose, Toiles de Mayenne, Lemaitre Demeestere, Le Chameau, TF Création, Janisset et Tanneries Roux pour les mener vers de nouveaux sentiers de création. 10 associations. Le programme Tech&Design est initié par le R3ILab (Réseau pour l’innovation immatérielle dans l’industrie). Le programme a pour mission d’insuffler une nouvelle approche d’innovation et d’intégration du design dans les entreprises françaises en rapprochant un industriel membre du réseau R3ilab et un designer issu d’un autre champs de compétence. Le réseau R3iLab accompagne les binômes jusqu’à l’étape de la commercialisation et les conseille sur les aspects marketing et distribution de leurs produits. À ce jour, 30 entreprises ont bénéficié de ce soutien à l’innovation.

Il s’agit d’un tabouret en cordelette composite. Il se fabrique lui-même !

La cordelette est bobinée autour d’un patron repliable en carton. L’ensemble, muni d’un petit transformateur et d’une prise électrique est livré à plat. L’utilisateur déplie le carton pour donner forme au tabouret et le branche sur secteur pendant quelques instants. Quelques minutes plus tard, une fois débarrassé de son gabarit et de son système électrique, le tabouret solidifié est utilisable.

Q – CE QUE VOUS A APPORTE CETTE RENCONTRE ?

François Azambourg a une capacité à appréhender un savoir-faire et l’amener sur de nouveaux produits, des secteurs non encore exploités, de nouveaux secteurs industriels : il a imaginé associer les techniques de tissage et le tressage et l’électricité. Mais nous sommes rapidement bloqués techniquement.

Pour rappel : à l’origine la Société Choletaise de Fabrication de Lacets (SCF) a été créée en 1969. L’entreprise manufacture en France des articles de mode et techniques (cordons, lacets, galons, sangles…), selon trois procédés : le tressage, le tissage et le tricotage en longueur. François Azambourg* est un incontournable du design contemporain. Son œuvre, à la fois poétique et innovante, est centrée sur la matière, n’hésitant pas à inventer de nouveaux matériaux, des formes nouvelles et originales et l’a amené à déposer de nombreux brevets. Également plébiscitées à l’international, ses créations se retrouvent dans les collections de Ligne Roset et Cappelini, Poltrona Frau, Domeau & Pérès…

*Lauréat de la villa Médicis hors les murs en 2003, du Grand Prix du Design de Paris en 2004, du concours du Musée des Arts Décoratifs. Il fut aussi trois fois lauréat du concours Top Plastique. En janvier 2009, il est élu Créateur de l’Année par le salon Meuble Paris.

/À l’occasion du salon Maison&Objet, Tech&Design présente les dix binômes constitués et le fruit de leur collaboration, ainsi qu’une rétrospective de l’ensemble des projets qui ont vu le jour grâce à ce programme. 10 designers : François Azambourg, Normal Studio, Alexis Mabille, Pascal Gautrand, Solenne Morigeaud, Sismo, Lefranc-Ferrand, Sophie Mallebranche, Jean-Marie Massaud, Patrick Jouin. 10 entreprises : Société Choletaise de Fabrication, Broderie Bacus, Altertex, Virtuose, Toiles de Mayenne, Lemaitre Demeestere, Le Chameau, TF Création, Janisset et Tanneries Roux pour les mener vers de nouveaux sentiers de création. 10 associations. Le programme Tech&Design est initié par le R3ILab (Réseau pour l’innovation immatérielle dans l’industrie). Le programme a pour mission d’insuffler une nouvelle approche d’innovation et d’intégration du design dans les entreprises françaises en rapprochant un industriel membre du réseau R3ilab et un designer issu d’un autre champs de compétence. Le réseau R3iLab accompagne les binômes jusqu’à l’étape de la commercialisation et les conseille sur les aspects marketing et distribution de leurs produits. À ce jour, 30 entreprises ont bénéficié de ce soutien à l’innovation.

Un système de pare-soleil qui s’inspire des éventails et du plissé soleil qui se déploie au gré de l’humeur. L’ossature de cette pièce, faite d’aluminium, d’inox et de fibres carbone, rappelle celle d’une aile d’oiseau.

Q – CE QUE VOUS A APPORTE CETTE RENCONTRE ?

Notre objectif est de faire évoluer l’art de vivre. Grâce à Tech&Design, nous avons pu explorer des techniques nouvelles et créatives, avec comme limite la dépendance aux sous-traitants et… à leur motivation.

Pour rappel : Toiles de Mayenne c’est un style. C’est aussi l’un des derniers tisseurs français. Fondée en 1806, la manufacture, elle est toujours indépendante. À la fois tisseur et éditeur, Toiles de Mayenne décline son art du motif et de la couleur en lignes éditoriales. Solenne Morigeaud est designer de textiles, matériaux et surfaces, avec une carrière entre Londres et Paris (Diplômée de l’école Duperré et de Central Saint-Martins de Londres). Allant du dessin textile aux surfaces pour le design d’intérieur, son intérêt pour le design et les métiers d’arts lui permettent d’exprimer sa philosophie… jouer avec l’ambiguïté et la perturbation de nos sens et de notre perception.

/À l’occasion du salon Maison&Objet, Tech&Design présente les dix binômes constitués et le fruit de leur collaboration, ainsi qu’une rétrospective de l’ensemble des projets qui ont vu le jour grâce à ce programme. 10 designers : François Azambourg, Normal Studio, Alexis Mabille, Pascal Gautrand, Solenne Morigeaud, Sismo, Lefranc-Ferrand, Sophie Mallebranche, Jean-Marie Massaud, Patrick Jouin. 10 entreprises : Société Choletaise de Fabrication, Broderie Bacus, Altertex, Virtuose, Toiles de Mayenne, Lemaitre Demeestere, Le Chameau, TF Création, Janisset et Tanneries Roux pour les mener vers de nouveaux sentiers de création. 10 associations. Le programme Tech&Design est initié par le R3ILab (Réseau pour l’innovation immatérielle dans l’industrie). Le programme a pour mission d’insuffler une nouvelle approche d’innovation et d’intégration du design dans les entreprises françaises en rapprochant un industriel membre du réseau R3ilab et un designer issu d’un autre champs de compétence. Le réseau R3iLab accompagne les binômes jusqu’à l’étape de la commercialisation et les conseille sur les aspects marketing et distribution de leurs produits. À ce jour, 30 entreprises ont bénéficié de ce soutien à l’innovation.

Le projet est une nouvelle manière d’imaginer le tissage du lin tout en prenant en compte les métiers à tisser existants. Cette recherche de mise en œuvre, effectuée en étroite collaboration avec l’industriel, s’est doublée d’une attention particulière aux nouveaux usages textiles dans la maison. Ainsi sont nés deux projets très différents. Le premier projet consiste à proposer, sur un même rideau, une partie translucide de type voile et une partie opaque. Le second projet est une recherche sur un fauteuil aux lignes épurées qui crée une nouvelle partition de l’espace, qui permette de s’isoler, mais aussi d’observer sans être vu.

Q – CE QUE VOUS A APPORTE CETTE RENCONTRE ?

Cela nous a poussés à mener une réflexion sur notre offre, ce que nous n’aurions pas fait sans ce projet. L’important pour nous, c’est l’ouverture, donc aujourd’hui, on peut aller ailleurs, c’est un pied à l’étrier.

Lemaitre Demeestere travaille aujourd’hui majoritairement avec des professionnels mais s’ouvre petit à petit aux particuliers. Entreprise fondée en 1835 (Maire d’Halluin), c’est l’une des plus anciennes sociétés textiles de France, et l’un des derniers tisseurs réalisant 100 % de sa production en France. Leur activité se concentre principalement sur les tissus d’ameublement et de décoration en fibres naturelles, et plus particulièrement en lin. Créée en 1996, l’agence Sismo est un duo de créateurs industriels, commissaires d’exposition, Antoine Fenoglio et Frédéric Lecourt. Depuis 15 ans, ils développent une approche originale de la création par le design.

/À l’occasion du salon Maison&Objet, Tech&Design présente les dix binômes constitués et le fruit de leur collaboration, ainsi qu’une rétrospective de l’ensemble des projets qui ont vu le jour grâce à ce programme. 10 designers : François Azambourg, Normal Studio, Alexis Mabille, Pascal Gautrand, Solenne Morigeaud, Sismo, Lefranc-Ferrand, Sophie Mallebranche, Jean-Marie Massaud, Patrick Jouin. 10 entreprises : Société Choletaise de Fabrication, Broderie Bacus, Altertex, Virtuose, Toiles de Mayenne, Lemaitre Demeestere, Le Chameau, TF Création, Janisset et Tanneries Roux pour les mener vers de nouveaux sentiers de création. 10 associations. Le programme Tech&Design est initié par le R3ILab (Réseau pour l’innovation immatérielle dans l’industrie). Le programme a pour mission d’insuffler une nouvelle approche d’innovation et d’intégration du design dans les entreprises françaises en rapprochant un industriel membre du réseau R3ilab et un designer issu d’un autre champs de compétence. Le réseau R3iLab accompagne les binômes jusqu’à l’étape de la commercialisation et les conseille sur les aspects marketing et distribution de leurs produits. À ce jour, 30 entreprises ont bénéficié de ce soutien à l’innovation.

“Nous sommes incapables de dessiner des objets aux formes parfaites. Notre inspiration, c’est notre pays : le chaos urbain, la mixité sociale, les favelas… Nous faisons tout pour rester proches de ces réalités“.

C’est avec ce type de phrase que les frères Campana sont devenus la meilleure image du renouveau brésilien. Fernando s’intéresse aux méthodes alternatives dans la matérialisation du design. Humberto explore les possibilités illimitées de l’artisanat. L’un écoute les partitas de Bach en boucle, Fernando, écoute du rap ! Ensemble, ils se penchent sur le pouvoir de communication d’Oscar Niemeyer et sur leur synthèse de projets, D’ailleurs, ils travaillent dans leur studio de São Paulo, laboratoire artisanal où ils se livrent, loin des modes, à leur passion pour les matériaux. Après entre la légende, sur leur entrée dans le design, mais ce qu’il faut reconnaître c’est qu’à l’instar des frères Bouroullec, c’est l’autre couple le plus célébré du design contemporain. Ils sont reconnus pour leur façon de suggérer de nouveaux codes. Depuis 1989 et la collection de chaises en fer “Desconfortáveis“ (Inconfortable) en passant la chaise Favela, composée de milliers de petits rebuts de bois, que de chemin parcourus jusqu’à l’installation du café du Musée d’Orsay, ils ont été Créateurs de l’année du salon Maison&Objet 2012.

Le style Campana ?

“Un design à la Duchamp dans l’esprit ready-made. Ils subliment avec poésie les matériaux pauvres, recyclent les déchets industriels, inversant les valeurs et libérant le Brésil de son image folklorique“, souligne la Brésilienne Ethel Leon, historienne du design. Dans leur sillage, ils sont donc toute une génération, portée par l’explosion des entreprises de meubles, qui exportent considérablement, et par un gouvernement qui voit dans le design un argument de compétitivité et d’essor.

/Trois visages de la création – Humberto et Fernando Campana, créateurs MAISON&OBJET 2012 - Hubert le Gall, créateur scènes d’intérieur 2012 – Tokujin Yoshioka, créateur now! design à vivre 2012. Ils sont brésiliens français et japonais, ils sont les meilleurs exemples de la reconnaissance internationale de chacun de leur pays.

/En illustration, le travail des frères campana pour Bernardaud, Fernando C. donne l’opportunité d’expliquer la phylosophie de leur travail. ce film est visible dans on intégralité sur le site Bernardaud. Puis pour les Trois créateurs, une illustration de leur travail, trois vidéos crédits - Maison&Objet 2012