Corner of Rock

Nacho Vegas

noreply@blogger.com (Mr. White) — Fri, 08 May 2009 17:38:00 +0000

Llegó la hora de reservarle un lugar en este nuestro olimpo al magnánimo Vegas. Una dilatada carrera desde el indie-pop, rock y variedades inclasificables, no merecedoras de encasillar. Así es quién hoy nos ocupa, un espacio diferente de música no apto para radiar en emisoras pero admirable como el que más.
Tras su paso por diversas bandas del indie asturiano, obtiene sus primeros reconocimientos con "Manta ray", grupo que dejaría a finales de los 90 para iniciar su carrera en solitario. Gran acierto a nuestro entender, quizás sus carecterísticas e ideas no encajaban dentro de un estilo tan arraigado en lo que se hace llamar "alternativo".
En estos últimos años ha realizado colaboraciones con grandes de la música en castellano, pero como referencia nos encontramos los dos discos a medias con Enrique Bunbury y Christina Rosenvinge. Si podeis haceros con ellos...ESPECTACULARES.
Pero hablemos de su último trabajo (sin contar el cancionero asturiano con Xel Pereda, "Lucas 15"), esa gran obra de la poesía cantada, "El manifiesto desastre". Una maravilla salida del mismísimo cielo. Cualquier calificativo que se le quiera buscar no lo encontraremos para poder definir lo que esa cajita de música llamada cd esconde. Quizás decir que solo el espejo se le asemeja para poder acercarnos a un millón de años luz a lo que guarda Vegas en esa ópera prima.
El disco comienza con un brutal "Dry martini S.A", el reflejo perfecto de la relación en ebullición, antes de que se consuma la esencia que la da vida.
Con "Detener el tiempo" vemos la vitalidad y el miedo al futuro, el no saber que vendrá ni cuando se acabará todo.

(un breve paréntesis, os dejo una de las canciones que incluía el disco con Bunbury)

"Junior suite" y "Lole y Bolan (un amor teórico)" son dos temas bastante parecidos en su profundidad, de nuevo la relación humana como base para componer.
"El tercer día" podría definirse como la agonía del mal vivir, de quién aún viéndose a las puertas del infierno es capaz de estrujar cada instante de vida antes que lamentarse viendo lo que está a punto de llegar.
"Nuevas mañanas" y "Crujidos" son también muy coherentes con la expresión del disco en su totalidad.
"Mondúber" narra la nula resignación pero a su vez aceptación de lo imposible. Una relación que parece comenzar a resquebrajarse por la distancia no física, sino mental.
"Un desastre manifiesto", la canción que da título al disco, pero a mi gusto no de las más destacables, tal vez por no ser capaz de captarla o algún detalle que se me escapa. Aunque igualmente recomendable.
"En lugar del amor" en la penúltima maravilla que nos espera, como ya dije, una maravilla.
y finalmente ostentando el título de "diosística", el cetro y el trono, aparece "Morir o matar". No quiero ser repetitivo, pero para este temazo no existen palabras capaces de definir. Es la consumación de todas las maravillas trágicas conjugadas en unos cuantos versos. No se puede decir mucho más de ella. Es como poco perfecta y cuando digo perfecta no me estoy desviando por defecto del significado, más bien me alejo por exactitud de lo que quiero transmitir. Lo vuelvo a decir "Diosística", no se ha creado vocablo capaz de exteriorizar por medio de cualquier torpe lenguaje algo similar a lo que encierra esta grandísima canción.

Wolfmother

noreply@blogger.com (Mr. White) — Wed, 06 May 2009 01:24:00 +0000

Definitivamente vuelve nuestra querida banda australiana, eso si, mermada, muy mermada.
Tras la resaca de la ruptura con el trío, del pulpo de las baquetas (Myles Heskett) y del bajista Chris Ross (a su vez teclado de la formación). Aparece la nueva composición presentando el single de "re-debut".
Por su parte los excomponentes de Wolfmother, siguen trabajando en su nuevo grupo, sin que de momento se conozca nada del material que están preparando.
Stockdale, (voz y guitarra) no ha perdido el tiempo y ha conseguido reconstruir la banda (más bien dicho, refundar) con otros tres nuevos miembros.
Todavía no se sabe nada de un nuevo LP con el que aliviar nuestros radiofonicamente torturados oídos. El single apunta maneras, aunque esperamos que el disco suba aún más el listón que nos dejó "White unicorn" o "Woman". Será complicado, pero todo lo que no sea mejor, será simple y llanamente, un fracaso.
Podeís haceros con este adelanto gratuitamente en la página web del (ahora) cuarteto australiano; www.wolfmother.com
Pero para ahorraros el "trabajo" ya lo teneis aquí para que lo vayais degustando.

DIOS Hendrix

noreply@blogger.com (Mr. White) — Tue, 28 Apr 2009 00:58:00 +0000

Hacía ya tiempo que quería rendir un homenaje a este dios de Seattle. Alguien merecedor de un lugar de honor en el olimpo del rock.
Como auténtico amo de las cuerdas, comenzó y terminó su periplo musical de forma única. Siempre fue un autodidacta. Tras ver de joven un concierto del Rey del Rock, se enamoró de la guitarra, de los ritmos. Nacido en el seno de una familia pobre como muchos otros grandes de la historia. Su padre le regaló la primera guitarra, ese primer instrumento que Hendrix pudo amoldar a su maravillosa zurda. Después de pasar un tiempo en el ejército del aire americano regresó a lo suyo, a los riffs y a la música. Pasó unos duros años trabajando como músico a sueldo e incluso como músico de sesión de estudio. Malos sueldos y mala vida. Pero al amo de las cuerdas, al creador de ritmos todavía le esperaba la gloria.

Necesitaba una salida, una forma de canalizar todo lo que sus venas intentaban exteriorizar. Fue ahí cuando se decidió a dar el salto a las islas dueñas del rock por excelencia. Londres le esperaba. Venía precedido por su fama. Ya se le conocía como un reinventor. Sangre nueva en una época en la que nuestro querido rock, floreció en cada rincón del mundo.
De su vida en Londres ha llegado hasta nuestros días anécdotas de todo tipo. Saltándonos las relacionadas con su alocada vida, nos referiremos a sus momentos más ardientes con la guitarra.
Hendrix comenzaba a hacerse un hueco de renombre entre los guitarristas de la época. Tanta era su fama, que garito que cogía, garito que llenaba. Una vez saliendo de uno de esos rincones que Hendrix solía frecuentar con su banda, coincidieron en la puerta otro señor de las cuerdas, el gran Eric Clapton y el guitarra de The Who, Pete Townshend. Cuando Pete se disponía a pasar cruzó unas palabras con Clapton, así fue la breve conversación y así ha llegado hasta hoy.

-Townshend: "que, ¿es tan bueno como dicen?".
-Clapton: "este, nos retira a ti y a mi".

La repercusión que estaba tomando el fenómeno Hendrix por todo Londres se extendió al resto del mundo. Se convirtió en la figura perfecta para capitanear una ola de blues y rock que comenzaba a adueñarse del planeta. Estaba en el lugar exacto en el momento idóneo. Pasó de ser admirador a admirado. Tanto es así que cuando llegó a las islas para él Pete Townshend era un dios inalcanzable, incluso el día que se conocieron Jimi enmudeció sin saber que decir de la impresión que le causó conocer a un maestro como Pete. Pasados 2 años, llegaron a discutir sobre quién debía salir primero a escena en el festival de Monterey. Townshend defendía la idea de abordar el escenario con The Who en último lugar, cosa que Hendrix no estaba dispuesto a admitir, él no haría de telonero de nadie. Tras una primera bronca en la que no se decidió absolutamente nada volvieron a verse pasadas unas horas en los camerinos, Jimi más calmado y aconsejado por su representante, llegó a esta segunda "cita" con la idea de enseñar a Pete quién era el "jefe". Sin saludo alguno Townshend volvió a arremeter contra Hendrix, reclamando el último puesto en el orden de salida al escenario para The Who, Jimi asintió con la cabeza concediéndole este deseo a Pete. Este cambió de actitud asombró a Townshend, pero aún más sorprendido quedó cuando Hendrix sin mediar palabra cogió una silla se subió en ella y comenzó a dar un recital a los presentes que dejó a todos embelesados. Todos los registros habidos y por haber se personaron en ese espectacular ataque de ira. Finalizada la exhibición Hendrix se dirigió a Pete. "Tu subirás después, pero vas a tener que mejorar esto". Jimi Hendrix era el amo y la escena mundial del rock, era consciente del vendaval que se les venía encima. Era muy complicado hacer sombra a alguien con su técnica y más aún ser capaz de ningunear a un maestro como Jimi.

Ese carácter tan suyo no apareció a raíz de su fama y los halagos que se le concedían. Que va, siempre fue un espíritu libre, un genio capaz de lo mejor y lo peor.

Cuando no era más que un buen guitarrista intentando hacerse un hueco en su Seattle natal ya tenía esos alardes de gloria. Tras realizar alguno de sus recitales o simplemente colaborar como guitarrista en algún grupo local solía preferir seguir la fiesta post-concierto en solitario. Cada noche era un mundo. Pero siempre solía haber un nexo de unión entre ellas. Su frenética locura. Tras emborracharse hasta más de lo que su bolsillo le permitía con frecuencia apostaba su guitarra en alguna timba. No debía ser muy bueno al juego (no lo podía tener todo), porque no era rara la vez que la perdía. Pero como todo crack siempre tenía un ángel de la guarda, o su novia o su manager, recuperaban el instrumento a tiempo para el siguiente show. Tenía importancia la situación, Hendrix en sus inicios como buen zurdo debía modificar las cuerdas para adaptarlas a sus manos, más adelante depuró su técnica y no necesitaba ni cambiarlas.

Era un dios en todas sus facetas, hasta su trágica muerte fue peculiar. Muchas de las estrellas musicales de la época no sobrevivieron a la vorágine de los 70, Jimi tampoco.

Las drogas hicieron estragos entre los músicos así como en la sociedad. Pero no fue una “indigestión” de LSD, ni pasarse con la heroína, fue el alcohol y una paródica complicación de camilleros. Hendrix fue encontrado semiinconsciente en la cama de su hotel en Londres. Las asistencias se lo llevaban al hospital cuando (me cago en el camillero y en toda su raza) en el transporte uno de los enfermeros al ver que Jimi se caía de la camilla (eso parece ser que entendió el jodido camillero) le movió para reclinar su cabeza y cuerpo de nuevo sobre la lona. Pera nada que ver con la realidad, tras ese gesto de ayuda, Hendrix vomitó sobre sí ahogándose y perdiendo así la vida. Si el camillero hubiese permitido a Jimi echar sus restos alcohólicos sobre el suelo, probablemente seguiría vivo y hoy no estaríamos lamentando esa mala apreciación del facultativo.

Con esta entrada simplemente he parodiado algunas pinceladas de lo que conocemos de este amo de las cuerdas. Pero más allá de las anécdotas y todo lo que su figura rodeaba, estaba la esencia de un bluesman, de un auténtico lobo solitario creador de un estilo y un sonido que hasta hoy pocos han igualado.

Vuelve WOLFMOTHER

noreply@blogger.com (Mr. White) — Tue, 12 Aug 2008 13:41:00 +0000

Parece que nuestro querido grupo australiano tiene pensado sacar su nuevo LP a finales de este 2008. En un reciente concierto presentaro al gran público unos de los temas que compondran su nuevo álbum. El ya por todos conocido "Pleased to meet you", era lo único que se nos había mostrado de su talento tras su primer disco con el que encandilo al mundo. De ese single hace ya tiempo, aparecía en la BSO del film Spiderman 3. Tras tanto tiempo desaparecidos surgían rumores de todo tipo, desde el distanciamiento de los componentes del grupo, hasta una definitiva separación. Como hemos podido comprobar no ha sido así y todo sigue un rumbo correcto.

Pleased to meet you

Hemos podido saber que están comenzando a cerrar los conciertos para su gira y en España tendremos la suerte de verles en 3 lugares fijos. Madrid, Barcelona y San Sebastian. Pero es probable que el número de Salas aumente según se acerquen las fechas. En Barcelona no cambiarán de ubicación. Pero en Madrid evidentemente el recinto será otro. La sala Heineken se les queda demasiado pequeña para el aforo que esperan.
Os dejo uno de los temazos que aparecerá en su próximo disco. La grabación es en directo asi que la calidad no es muy buena, pero merece la pena.

Back 'Round

Disco inédito de Screaming Trees

noreply@blogger.com (Lenagan) — Sat, 02 Aug 2008 12:27:00 +0000

Como podreis imaginar, hemos estado un tiempo ausente debido a "motivos vacacionales" o como querais llamarlos, por ello, que regreso mejor que ofreciendo esta joya que nunca vió la luz. Como no salió al mercado, no creo que por compartirlo con vosotros me pongan pegas.

Realizado en 1998, no fue lanzado al mercado, debido a que según las discográficas no conseguiría un numero de ventas para reportar beneficios, malditos bastardos, despues de su obra maestra y uno de los mejores discos de los 90 como fue el "Dust"...sólo ven el verde de los billetes.
Un apunte curioso, en los temas que os ofrezco Josh Homme se incorpora como guitarrista del grupo, por lo que se dice que si se hubiera lanzado este disco, a lo mejor ahora no tendriamos a los magníficos QOTSA y en vez de Lanegan colaborar con ellos hubiera pasado lo contrario.

A continuación os paso la tracklist, con temas muy buenos, de los que os recomiendo Ash Grey Sunday y Anita Grey, cualquiera de las 2 versiones de la última.

Ash Grey Sunday
Tomorrow Changes
One Way Conversation
Low life
Anita Grey
Crawl Space
Revelator
Anita Grey (versión alternativa)

Link de descarga:http://rapidshare.com/files/134301345/_1998__Screaming_Trees_Unreleased_Album.rar
Contraseña: cornerofrock

Como anécdota decir que el disco esta en posesión de Stone Gossard, ¡de Stoney!, jejeje, para quien no lo conozca guitarrista de Pearl Jam, ya que además tiene su propio estudio. Menos mal que fue rescatado porque hubiera sido un disco muy bueno, escuchad y juzgad.

¡Hasta mas ver!

Rock progresivo, LSD y un viaje introspectivo hacia tu alma

noreply@blogger.com (Lenagan) — Fri, 04 Jul 2008 21:11:00 +0000

Era yo muy joven, 10 o 12 años tendría, cuando dí mis primeros pasos para adentrarme en el mundo del rock, y empecé como mejor se puede hacer en este mundo, con unas cintas de cassette de Led ( el II) prestada por un amigo del conservatorio, y con los discos de vinilo de mi padre, amante del rock progresivo, Pink Floyd, King Crimson,etc. Y por ello, al leer la entrada de mi socio Mr. White, me han entrado recuerdos, y no solo recuerdos, ya que con la edad, me he ido metiendo de lleno en esta vertiente del rock, llamarla rock progresivo, rock psicodélico, espacial, sinfónico, como queraís.

El primer vinilo que cayó en mis manos era esa pequeña joya, de tan solo 5 pistas, llamada "Wish you were here", del 75. Realizada en honor a Syd Barret, pues Roger Waters nunca olvidó la corta pero intensa época en la que Barret era su compañero. Aquí quería aclarar que siempre que hablamos de Pink Floyd, rapidamente se nos llena la boca con Syd, vale que él fue el soñador, el precursor de la grandeza del grupo, etc, pero en mi opinión Roger Waters y David Gilmour han sido amos y señores, dos salvajes musicales, y no olvidar que los mejores discos que nos ha regalado esta banda como el "The dark side of the moon" ,el mismo "Wish you were here", o "The Wall" son realizados sin ni siquiera la supervisión de Barret, como ocurría en los discos posteriores al "Pipes", en los que aunque fuera de la banda ya, Syd trabajaba con ellos en el estudio.

En el 85 Waters abandonó la formación, anunciando el fin de Pink Floyd, Gilmour pensó: ¡que te lo crees tu!, y al juzgado que fueron. Al final Gilmour podría seguir utilizando el nombre de la banda, pero nada de usar los trucos visuales de Waters, ni los derechos de los cortos de The Wall, ni siquiera el cerdo hinchable que sacaban en los conciertos. Así siguió hasta hace 3 años, que se reunieron todos otra vez como si nada, para un concierto en Londres.

10:00 orgásmicos

Pink Floyd "Shine On You Crazy Diamond" Tributo a Syd Barrett

Ahora podría hablar de Yes, Genesis, Rush, el gran Jethro Trull (otro día habrá una entrada para este genio, como tal, a veces un loco), Camel, etc. Pero entonces esta entrada sería demasia extensa, y no quiero aburriros, asi que me voy a centrar en los que pienso yo, merecen destacar, y no son otros que King Crimson.

Robert Fripp, alma mater del grupo, gran guitarrista, gran compositor. El primero vinilo en caer en mis manos fue "In the Wake of Poseidon" del 70. No era un disco facil de escuchar, y por ello, debido a la poca experiencia y juventud que tenía con 12 añitos, me parecieron un coñazo y no volví a cogerlo. Con unos cuantos palos más, me atreví a darle una segunda oportunidad, y no me arrepentí. El nombre de la banda se dice que viene de un tipo de LSD que se comercializaba en la Inglaterra de la época, y no es casualidad que sería el grupo que elegiría para un viaje de ácido (ojo, que no quiero decir que los tenga). A veces demasiado enmarañada, introspectiva, las notas salidas del alma de Fripp catapultan tu imaginación cuando sabes leerlas.

In the court of Crimson king

Por último, decir que han derivado muchos subgéneros del propio rock progresivo, pero al que hay que prestarle verdadera atención es al llamado metal progresivo, con grupos como Opeth o especialmente Dream Theater.

Atentos a esta joya

Dream Theater es un grupo de metal progresivo formando en 1985 por tres estudiantes estadounidenses, pero si uno luce sobre los demas, es el excelente John Petrucci, virtuoso guitarrista, puto señor de las 6 cuerdas, y no lo digo yo, el tio algo tiene que tener cuando ha sido invitado a formar parte de varias giras del G3 junto a Steve Vai o John Satriani, este último tambien componente de los Theater en algunos momentos. ¡Ojo, que no es cualquier cosa!

Claro está, si estais acostumbrados a Yes, Pink Floyd, etc, lo primero que os chocará es la mayor dureza y guitarras mas pesadas propias del metal, unidas a los elementos habituales, las psicodelias del rock sinfónico. Os recomendaría para empezar con este grupo su disco "Images and Words" del 92, canela fina. Pero personalmente, los covers que hacen de Pink Floyd es algo diosístico, y no se os ocurra moriros sin escucharlo, en serio.No es para nada superior a los originales, pero lo hacen realmente bien (No creo que Dream Theater lleve camiones enteros de instrumentos como hacian los chicos de Waters). Para muestra, un botón.

Con este video me despido, y una cosa,a Mr. White y a mi nos encantaría que nos dierais vuestra opinión, que el blog se convierta en un intercambio de ideas, y si funciona, podríamos abrir un foro. Hasta mas ver!

Syd Barrett

noreply@blogger.com (Mr. White) — Thu, 03 Jul 2008 15:18:00 +0000

La historia de este incomprendido músico siempre estará ligada de algún modo a su breve pero eléctrica estancia en Pink Floyd. Durante la creacción del primer albúm de la psicodélica banda británica ejerció como alma. Fue el cantante y compositor de la mayoría de los temas así como guitarrista. Ese primer gran éxito le catapultó a un mundo hasta entonces desconocido. Como ocurría en aquellos años, el LSD se hizo dueño y señor de las mentes de la mayoría de jovenes y no tan jovenes. Este abuso de drogas, incapacitó a Syd para continuar ya no como referente del grupo sino simplemente para asumir un papel secundario. Tras dos años en la banda, finalmente la abandonó, algo que no impidió que su carrera continuase, aunque orientada hacía otra dirección.

Las canciones del grupo que abandonó aún parecían surgir de las entrañas de Syd, siempre su presencia se hacía notar en las letras del grupo. La enfermedad que a Barrett le iba desgarrando se personaba en la mayoría de las historias que Pink Floyd trataban.
En solitario se convirtió en un hombre diferente, teniendo en cuenta la demencia que se apoderaba de él su música cambió. Sus letras tomaron una vertiente progresiva, cualquiera de sus temas podría escucharse hoy con algunos retoques como una versión rock de un tema house, con una base constante y progresiva. Un ritmo con el que reconocer cada canción, pero sin repeticiones faltas de talento.

Su salida de Pink Floyd fue necesaria para que la banda siguiese creciendo. Era insostenible, Sid sufría colapsos continuamente, dejaba en entredicho la credibilidad de la banda estropeando conciertos, entrevistas y todo tipo de actos. Pero esta fue la droga que acabó con el. Para Barrett la necesidad musical era similar al aire. Y fuera del grupo que le vió nacer intentó continuar su carrera por separado.
Tras participar en el segundo disco de su "ex-banda" con el tema que cerraba el LP "Jugband blues" se encerró desapareciendo de la escena rock y la vida social inglesa. Volvió a casa de su madre quedando en un ostracismo absoluto. En 1969 realizó su primer disco en solitario "The Madcap Laughs" un recopilatorio de todos los temas que había ido construyendo en sus días de retiro. Un gran disco, de cantautor con brillantes sonidos y su característica voz bañando cada nota desgarradora. En 1970 apareció su segundo disco "Barrett" con una composición más estética y trabajada. Más horas de estudio y músicos de sesión dandole vida a los temas. Tenía un aroma menos propio a Syd, mas fruto de la producción. El nivel bajó con respecto a su primer LP en solitario.
Todo lo que vino musicalmente hablando después no es ni valorable. Alguna aparición en directo para presentar nuevos singles, e incluso unas grabaciones en los estudios de EMI en Abbey road, pero ninguna de ellas con voz, solo acordes de su "Fender" acompañados de un bajo.

Su retiro comenzó a finales de los 70 y duró hasta nuestros días. El que fuera fundador y líder de una de las bandas más importantes de la historia, Pink Floyd murió en 2006 a causa de un cancer pancreático. Durante todos esos años en los que no se supo absolutamente nada de su vida, permaneció encerrado sin conocer del mundo exterior. Su adicción al LSD le hizo incluso perder la consciencia y no recordar poco o nada de su vida. Fue sometido a una entrevista durante su largo retiro en la que confesó no recordar al grupo Pink Floyd y menos aún haber pertenecido a el.

Es cierto que nunca se sabrá hasta que punto la grandeza y complejidad de Barrett y sus letras podrían haber cambiado la historia del rock. Pero lo que nos dejó, quizás permita intuir lo que pudo haber sido. Abrió caminos hasta entonces no explorados, descubrió senderos en los que antes no había restos de pisadas. A medio camino entre un cantautor folk y el rockero endiosado. Todo un astro que dejo de alumbrar antes de tiempo.

El disco interminable

noreply@blogger.com (Mr. White) — Fri, 20 Jun 2008 22:52:00 +0000

En 1985 surgía una banda que recogía todo lo bueno del rock y los resquicios más salvables del heavy ochentero. Una luz al final del tunel. Guns N' Roses dejaba de lado los sintetizadores de la época (sin repelerlos completamente) y volvía a un sonido más puro y clásico con un toque diferente a lo ya visto. Axel, Slash y compañía eran la bandera de una época.
Pero hoy no pretendo hacer una breve biografía sobre el grupo sino tratar el que es conocido por muchos "el disco más esperado del siglo".

Tras la disolución de la banda pasado el año 1993. El mundo esperaba su reaparición con un fervor solo comparable al producido por otros grandes grupos de la historia. El gran guitarrista y parte insustituible de la banda "Slash", anunció su abandono. Axel continuaría con la banda. En todos estos largos años multitud de nombres han engrosado la lista de miembros que han pasado por sus filas. Pero como suele pasar en este complejo mundo las excentricidades hacen que las formaciones no duren mucho.

Chinese Democracy fue anunciado en 1994 como el sexto disco de estudio de Guns N' Roses. Desde entonces y se dice pronto estamos esperando. Recintemente se ha dicho que el coste de producción y edición es tan grande que una cifra de ventas descomunal no paliaria todos los gastos que ha conllevado durante todo este tiempo el disco.
En 1999 "Oh my god", fue presentada en la banda sonora de "El fin de los días", como una de las canciones que compondrían Chinese Democracy. Más tarde fue negado, se confirmó que no estaría en el esperado LP.
Poco o nada se sabe del disco. Las informaciones casi siempre contradictorias, no aclaran que sucede, ni para cuando finalmente estará precocinado, cocinado y demasiado recalentado este extra anunciado disco.
Desde la gira "Chinese Democracy Tour" de 2002 han salido cada vez más voces cualificadas alabando la grandeza de este trabajo. Pero sigue sin salir a la luz.
Canciones como "Madagascar" y "The blues", ya muy conocidas, fueron también parte de este supuesto disco, pero transcurrido un tiempo, como pasara con "Oh my god" se comunicó que no formarían parte de la definitiva compilación. Que alivio señores, si lo que tantos años nos llevan preparando es algo así. Que lo guarden donde puedan y que ni se les ocurra sorprendernos con metralla.

Está claro que las expectativas creadas con este disco son inmensas. Un grave fallo, un gran problema. Nuestros sedientos sentidos solo acogerán con agrado una obra maestra. Y siento sembrar la desesperanza, pero esto como me imagino que a la mayoría de los mortales no me huele bien.

Otra de los supuestos singles que escucharíamos es "Better". Una composición bastante dura, muy rockera. Hard-Rock con tintes Heavys. La canción por excelencia sería la que da nombre al disco. Muy buena, pero vuelvo a decir. Nada suficientemente bueno como para esperar más de una década. "Sorry" que también entraría en el LP, es diferente. Pero nada, siento ser repetitivo. Que lo trabajen más o que no saquen nada.

"There was a time" también ha sido seleccionada para aparecer como integrante. Tiene una composición bastante diferente a lo que estamos acostumbrados a oir (bien acostumbrados claro). Quizás no quiera asumir que el sonido clásico de Guns N' Roses pasó y que muy dificilmente volverá. Pero la verdad es que seguramente Axel, no pueda igualar nunca lo que consiguió la formación original de la banda.
Me gustaría equivocarme, (y tanto). Poder coger algún día de mi colección de discos un tal "Chinese Democracy" y escucharlo con una admiración superlativa, sabiendo que estoy ante uno de los mejores trabajos de la historia. Pero el camino que nos han mostrado ni se acerca a lo que deseamos la mayoría de seguidores de este dios del rock.

Axel Rose en una entrevista concedida en 2006 recalcaba la posibilidad de que el público no aceptase de buen grado el nuevo sonido que estaba asumiendo. Muy diferente a Guns.
La gente siempre que escuche un tema cantado por Axel lo comparará con lo que fue en sus inicios. No es bueno evidentemente, pero si existe un retroceso en la calidad de una magnitud descomunal la tendencia será a quedarse con lo pasado.
Demasiadas esperanzas puestas sobre algo que todavía no existe y que acogiendo nuestra opinión a lo que se nos ha demostrado seguramente no consiga estar en las tiendas hasta dentro de bastantes años o quizás nunca.
Tan desmesurada es la "promoción" de este disco que revistas musicales de cierto nivel se han atrevido a nombrar a "Chinese Democracy" como disco del año. Sin haber salido, que desproposito y que ganas de dar bola.
Que hagan algo merecedor de respeto, que se lo trabajen y no vivan del pasado. Sino es mejor quedarse en casa viendo directos de lo que fueron.
Yo de momento es lo que hago. De ahí que os haya puesto como video, "Garden of Eden". Que gran temazo, ojala este disco interminable contenga algo de un nivel parecido.

Gigatron

noreply@blogger.com (Mr. White) — Sun, 15 Jun 2008 08:05:00 +0000

Después del vendaval zeppelin que nos ha engullido las últimas semanas, nos merecemos un parón. Un respiro en el camino y refrescar nuestros oidos con la mayor "bazofia" del heavy. Pero, cuidado un respeto, la mejor de todas las porquerías que se pueden encontrar, esa que se hace con conocimiento de causa.

Gigatron es un grupo valenciano que versiona grandes temas atemporales del rock pero con un toque de sarcasmo. Basicamente un mejunje de lo mejor de la música parodiado por unas "estrellas" un tanto estrelladas. Ni su voz es la mejor, ni sus miembros son dioses de los instrumentos. Se acercan más al "air guitar", air bateria, air bajo...En definitiva una panda descerebrada dispuesta a reirse de todos los mitos, de todo el polvo blanco que rodea a la música, de las fiestas, de las orgias. Nada, un grupo que se parte el "cacas" en la mismisima cara del rock. Una exageración no muy lejana a la realidad de los estereotipos, la actitud y la estética del heavy.

Charly Glamour es su presencia en el escenario. El hombre al que alumbran los focos. Un dios del rock, (o eso es lo que el cree). Está enamorado de las drogas, como todo el grupo, y bueno, del CALIMOCHO, con mayúsculas si, porque parafraseandolo "sin calimocho no habría nada, sin heavy habría calimocho, pero sin calimocho no habría heavy". Un jefazo en toda regla.
De su amor al líquido elemento por excelencia, nació la versión del We Will Rock You. Ellos siguen discutiendo la autoría del mismo. "Queen son unos auténticos ladrones". Les robaron el tema y se llevaron la gloria, pero Gigatron sigue con lo suyo, ellos son los amos y se mean en Freddie y compañía.

"Nada puede dañarte si en tu hígado hay rock". Si joder ese grandioso verso solo puede surgir del gran Gigatron. La descontrolada carrera de estos mitos vivientes ha pasado por multitud de fases. Viven en una ingesta continua de drogas, alcohol, sexo, cacerías de pijos...Ya les gustaría.
No puedo decir mucho más de este grupo de farándula.
Ahora que los exámenes abandonan nuestras vidas (hasta septiembre, claro), no hay nada mejor que un buen día bañado en alcohol y un discazo de Gigatrón. Haceros con "Te peto el cacas" (lo que Europe llamó "The final countdown") o el gran "Prepárame el chichi" , (otro plagio que Axel Rose tomó para sus Guns And Roses).
Por cierto hablando de Axel, en unos dias tendremos una entrada sobre Chinese Democracy, el disco más largo de la historia del rock.
Os dejo otro temazo del grupo que nos compete, los dioses, los increibles, ¡¡GIGATRÓN!!

Gov't Mule

noreply@blogger.com (Lenagan) — Wed, 11 Jun 2008 15:27:00 +0000

Nacido de las cenizas de Allmand Brothers, Gov't Mule es de lo mejor que podemos encontrarnos en el panorama musical americano. Encuadrados dentro del Souther Rock, mas bien por principios, ya que navegan entre el blues, hard rock e incluson se atreven con el jazz, siendo uno de los grupos mas partidarios del directo elaborando exquisitas jam sessions que derrochan genialidad por ambos costados. Auténticos "monstros" del live.

Una breve biografía del grupo, pues en esta ocasión, en vez de centrarme en analizar toda su carrera musical, me gustaría dar a conocer una pequeña joya que por nombre lleva "Dose".
Warren Haynes y Allen Woody, componentes de Allmand Brothers, decidieron trabajar en un proyecto paralelo al que bautizaron como Gov't Mule, el Gobierno de la Mula (Gov't es la abreviación de government). Haynes se encargaría de voz y guitarra, y Woody del bajo, incorporandose Matt Abts en al batería y asi completar la formación, allá por el año 1995.
El camino de la mula era y es muy grande, imparables, estos tíos eran jodidamente amos del escenario, y eso lo atestigua que gente de la talla como Roger Glover y Ian Paice (Deep Purple), Ozzy Osbourne y más embajadores del buen rock tocará con ellos en algunas de sus jam sessions.

Pero el 26 de agosto del año 2000, Allen Woody fue encontrado muerto en su habitación de un hotel en Nueva York, tropezándose nuestra querida mula con una gran piedra, pero Wayne en vez de pudrirse con toda la mierda que le venía y decidir disolver el grupo, inició una busqueda del bajista que remplazaría a Allen. Fueron muchos lo que pasaron por el puesto, pero sólo Andy Hess se afianzaría hasta nuestros días. Pero aquí "nos crecieron los enanos del circo", porque no sólo se consiguió un bajista, si no que seáse de paso, añadieron al grupo el excelente teclista Danny Louis, asi da gusto.
Su último LP fue Mighty High, lanzado el año pasado, altamente recomendable, al igual que todos los discos que durante una década nos han ido ofreciendo, de los cuales ninguno es excluyente, todo son putas obras maestras, cúspides del rock, y mas en estos tiempos de mediocridad y vulgaridad. (Gran frase de Josh Homme, de QOTSA, explicando el por qué del titulo de su ultimo disco, Era Vulgaris)

Pero "ta-channn", aqui desvelo cual es para mi gusto, su gran obra maestra.

"Dose", lanzado en 1998, apabulló crítica y oyentes por igual, era una locomotora sin frenos que se estrellaba contra un muro de roca, metías el cd en tu reproducto y la primera pista "Blind Man in the Dark" te daba un golpe en el estómago que te dejaba helado, y pensabas, "joder, es imposible que esto sea del año 98, esto es tan jodidamente maravilloso que tiene que ser de los 70"
Rock & blues, en una mezcla tan cuidada que solo podría ser inferior en comparación al brebaje de los dioses ofrecido por nuestro queridos Zep. Temas como "Large than life", "She said,she said, I shall return" te hacen vibrar como hace tiempo que no lo hacías, y eso te sorprende.
"John the Revelator" nos muestra su cara sureña, con un buen country, pues principalmente la mula es souther rock, y aquí se hace notar.

Ya sabeís, si no sabeis que disco escuchar o que banda nueva quereis investigar, hacerme caso, conseguir ( los medios de como hacerlo ya es cosa de cada uno,jeje) este disco y no os arrepentireís, es mas, si fuera asi, decirmelo y me corto la poll... Vamos, que quiero decir que eso es harto improbable. Ya me direís. ¡Tomar ambrosía para vuestros oídos!

I Shall return

Led Zeppelin (Tercera y última parte)

noreply@blogger.com (Lenagan) — Wed, 04 Jun 2008 19:59:00 +0000

Finalizando 1978 deciden levantar cabeza, entrar de nuevo en el estudio y grabar lo que sería su octava y ultima entrega oficial: In Through The Outdoor.

Nuevamente, Zep decide poner a prueba las injurias de la prensa, sacando el disco al mercado con 7 portadas diferentes, y envuelto en una bolsa de papel, cosa que no revelara la identidad de la banda por ningun lado. Una hazaña publicitaria que pocos (o nadie ) se habia atrevido a hacer hasta el momento. 10 millones de copias vendidas hablaron por si solas.

El disco en si, tenía un sonido diferente, parecía estar dominado por John Paul Jones, las intervenciones de Page aunque sublimes eran cortas (ya que su problema con la heroína apenas lo dejaba tocar) y la voz de Plant se notaba menos aguda y algo melancólica. John Bonham sin embargo tocaba mejor que en el primer álbum, el tipo no hizo mas que subir el nivel de su virtuosismo a medida que la carrera de la banda avanzaba.

El primer corte se titulaba In The Evening, y era una especie de rock salvaje con muchos efectos de guitarra y un golpeo exquisito. Le seguían tracks como South Bound Saurez que jugaba con una ritmica extraña, Hot Dog que parecia una pieza salida de una película de western, pero muy bien interpretada. Fool in the rain, que experimentaba con ritmos brasileños, y una balada muy emotiva llamada All My Love, que Plant dedico a su hijo Karac.
También hacian parte del disco un blues etílico llamado Im Gonna Crawl, y una pieza interminable y soberbia en la que John Paul Jones presumia de su gran talento en los teclados y el bajo: Carouselambra.

El inesperado éxito del álbum supuso la realización de una nueva gira, esta vez a nivel europeo. Durante lo que quedaba de 1979 y principios de 1980, Zep entrega toda su música en varios escenarios del viejo continente, haciendo shows gigantescos y sublimes como el de Knebworth y un ciclo de presentaciones más pequeñas e intimas en varios teatros de Alemania. La banda se muestra ya como unos tipos veteranos y recorridos en el tema y son inspiradores de reverencias y respeto como si fueran reyes antiguos.

Para la segunda mitad de 1980, Zep se encuentra en una posición algo mas cómoda respecto a su moral interna, su carrera hasta el momento no era mas que una serie de eventos exitosos y los tipos en realidad no tenian mucho de que arrepentirse. Sin embargo, esa calma antes de la tormenta se hizo sospechosa y para desgracia de la banda y del mundo de la música en general, el 25 de septiembre de ese mismo año, John Bonham amanece muerto despues de haber ingerido 57 vodkas dobles en una noche de juerga con Page y Richard Cole, tour manager de Zep.

La muerte del corazon palpitante de la banda era absolutamente catastrofica, Page, Jones y Plant particularmente no encontraban consuelo alguno al ver que su Bonzo estaba muerto. No habia futuro para Zep, después de sepultar tristemente a Bonham de 32 cortos años de edad, la banda decidió que no era prudente ni honesto con la memoria de Bonzo el continuar tocando. Zep murió también en esa fatídica mañana de septiembre.

Pasado el luto de la desastroza muerte de John, los ex-integrantes de Zep toman rumbos diferentes. Plant comienza a explorar una carrera como solista, Jones regresa a sus andanzas como músico de sesión y Page se dedica a recopilar los ultimos tracks grabados junto a Bonzo para sacar al mercado un álbum postumo con tracks ineditos llamado: Coda.
Y bueno, tras la disolución definitiva y unánime de la banda, cada uno de los integrantes restantes tomaron caminos diferentes pero similares a la vez. Robert Plant, ya un poco más recuperado de sus dolencias familiares y personales, decide seguir el camino de la música y lanzarse como solista. Jimmy Page vuelve a las andandas en la producción musical y tras recibir propuestas para tocar junto a Chris Squire de Yes, y otros músicos ingleses importantes, decide formar una nueva banda (mas por placer propio que con intenciones comerciales) junto a ex-integrantes de la banda Bad Company, antes apadrinada por el mismo Jimmy. Ésta nueva banda se llamó The Firm e incluía como voz líder al gran Paul Rodgers, cantante de Free, Bad Company y que actualmente intenta reemplazar a Freddie Mercury en algunos shows de Queen.

El enfoque de The Firm era radicalmente distinto al de Zep, ésta era una banda mas abierta al pop-rock y al sónido típico de los 80, y aunque no era el estilo al que Jimmy estaba acostumbrado, pues le permitia seguir "alive and kicking" en la onda del rock ingles de mediados de la década. Con The Firm, Page recicló algunos temas que había concebido aún estando en Zep, pero que nunca vieron la luz del día, en especial un corte llamado Midnight Moonlight que tomaba prestadas partes de un tema inedito de Zep llamado Swan Song. Page realizo un par de albums con ésta banda y se embarco en algunas giras que lo llevaron de nuevo a sitios como Hawaii y Japón.

Al mísmo tiempo, Plant sacaba al mercado su primera producción en solitario llamada Pictures At Eleven, que si bien estaba enmarcada dentro de un ambiente totalmente pop, estaba envenenada de los aires orientales y africanos caracteristicos de la música de Robert. La carrera de Plant, despegaba y no lo hacía mal, logró colocar un par de temas en las listas y se preparaba para realizar otro álbum. Curiosamente, y paralelo a las carreras aparte de cada uno, Page y Plant se reunieron de nuevo y junto a Jeff Beck, realizaron un disco de covers de swing, rockabilly, blues y rock n roll llamado The Honeydrippers, que coloco un tema llamado Sea Of Love en las carteleras de la musica mundial.

Por su parte, John Paul Jones se retiró durante un tiempo del ambiente músical, de vez en cuando producia y arreglaba temas para otras bandas como en los viejos tiempos, pero prefirió dedicar la mayor parte de la decada del 80 a ser padre de tiempo completo y relajarse en la gloria que le habían dejado los días de Zep.

Para el verano de 1985, Sir Bob Geldof realizaba la primera edición del festival benéfico Live Aid, que incluía a las más grandes estrellas del pop y rock británico. Fue para esta ocasión que Geldof, convenció a los 3 ex-Zep para reunirse a tocar en vivo durante la transmisión mundial del festival, acompañados en la batería por Phil Collins. Durante el corto show tocaron temas clasicos como Whole Lotta Love y Stairway To Heaven. Sin embargo Page ya había participado en un festival benefico un par de años atrás junto a Jeff Beck y Eric Clapton. el ARMS concert.
Finalizando los 80, Zep entra en una etapa de remembranza por parte del publico joven. Mucha gente que antes ignoraba su musica se estaba haciendo adepta de nuevo a sus discos y esto respresentaba algo de trabajo por parte de los miembros restantes de la banda. Por su parte, Robert Plant continuo con su carrera y seguía colocando exitos medianos en las listas. Page, ya fuera de The Firm, decide embarcarse en una banda con el como titular y produce un álbum en 1988 llamado "Outrider", bastante infravalorado por cierto, y que si bien no era el sónido clasico de Page, rescataba varias de sus influencias en el blues y el rock n roll. De ésta banda hizo parte el hijo del fallecido John Bonham, Jason, quien desde muy joven se dedicó a seguir los pasos de su padre y fue musico de sesion para bandas como UFO, Ted Nugent y Michael Schenker.

Ya para 1989, los ex-Zep preparaban una breve reunion, en la cual se presentarían los 3 junto a Jason Bonham en la batería para la celebración de los 40 años de su disquera Atlantic, quienes muy comedidamente les pidieron que participasen. La reunion de Zep generó gran espectativa y la corta pero concisa presentacion de la banda incluyendo temas como Kashmir, Heartbreaker y Stairway To Heaven, fue catalogada como memorable.

Tras la corta reunión, Page, Plant y Jones regresaron a sus trabajos habituales, pero con la inquietud de trabajar juntos una vez más en algo fresco y nuevo. Plant regresó al estudio de grabación y entregó en 1992 un álbum que le merecio un Grammy llamado "Fate Of Nations", en este disco se notaba el deseo del músico por regresar a su alma 100% heavy y volver a cantar temas de gran fuerza y golpe como los que hacía con Zep.

Fue entonces, hacía 1993 que un ejecutivo de la cadena MTV le propuso que participasen en el programa "Unplugged" reviviendo de manera acústica algunos de los temas. A Jimmy Page le encanto la idea, pero desgraciadamente la relación entre Plant y Jones pasaba por un momento critico debido a una disputa por los derechos de algunos temas de Zep, y Robert decidió radicalmente que no tocaría junto a Jones nunca más. Jimmy Page sin embargo, mantenia la idea que le había propuesto MTV, y convenció a Robert para que lo hicieran entonces los dos solos, acompañados por la banda que tenia Plant en ese entonces. Los musicos accedieron entonces a realizar el Unplugged bajo el nombre de Jimmy Page & Robert Plant Unledded (algo asi como "sin Led") y tras un arduo trabajo de arreglos orquestales que incluía a la Orquesta Sinfónica de Londres y un ensamble de musicos egipcios, celtas e hindues, se editó un álbum mitico llamado "No Quarter", en el que revivian de manera acustica y sinfonica muchos de los clasicos mas sublimes de Zep.

El éxito del primer concierto y el álbum supuso entonces una gira pequeña, en la que Page y Plant, resurgieron como aves fénix a reclamar de nuevo su lugar en el ámbito del rock.

Aquí termina este homenaje de mis queridos Zep, espero haber sido justo con ellos y no haberme quedado corto para la mejor banda de rock . Y espero que hayais disfrutando leyendola tanto como yo escribiendola.

Led Zeppelin (Segunda parte)

noreply@blogger.com (Lenagan) — Mon, 02 Jun 2008 20:39:00 +0000

La prensa los seguía abucheando pero Page y Grant ya tenían a la vista una solución muy discreta para cerrarles la boca a todos los periodistas que decían que la gente solo compraban los discos de Zep porque veían el nombre escrito en la tapa, sin importarles la música.

Tras una corta gira que incluyó varios escenarios de Europa y América, sale a la venta el 8 de noviembre de 1971 esta joya:

Pero en las tiendas de discos la gente se preguntaba: "¿De quien coño es este disco?" "No aparece el nombre de la banda por ningúnn lado". La jugada maestra de Peter Grant y Jimmy Page había dado sus frutos. En la primera semana se vendieron alrededor de 700 mil copias en el territorio británico, sólamente en la primera semana.

El disco, sin título, venía cargado de imagenes enigmáticas, símbolos extraños extractados de antiguos libros de brujeria y un poema escrito en un inglés antiguo que despertaba curiosidad. No era sino pinchar el disco y el primer corte "Black Dog" pegaba un cañonazo en la cabeza de cualquiera que lo escuchaba. Una cancion sincopada, densa, oscura y con unos matices de guitarra y bajo que coqueteaban con lo progresivo. Las demás piezas del álbum constituian lo que para muchos es el punto máximo de la carrera de Zep, fantasticos poemas Tolkienianos como The Battle of Evermore, salvajes experimentos ritmicos como Four Sticks y When The Levee Breaks explotaban las cabezas de miles de oyentes. Pero un tema en particular se destaco del disco. El corte numero 4 se titulaba Stairway To Heaven y llamaba la atención por sus aires de bosque que iban subiendo y cambiando hasta terminar en un épico climax sinfónico digno de Gustav Mahler. No había palabras para describirlo, era la quintaesencia del rock, nadie jamas habia alcanzado un punto tan alto en el género. Stairway to Heaven transformo el heavy en una forma de arte.Inmediatamente la canción se convirtió en unos de los tres hits mas importantes de la historia de la música hasta ese entonces. Todo el mundo hablaba de ella, conspiraban sobre ella, y se fue creando casi que un culto particular alrededor de Zep.

Motivo por el cual, la prensa, ni corta ni perezosa se avalanzo sobre Zep calumniandolos de satanistas y de incluír mensajes escondidos en sus canciones. Afortunadamente a Page y compañía poco le importaban esos comentarios, asi que hizo lo que debió hacer: Ignorarlos de ahí en adelante.El álbum "sin titulo" fue apoyado con una breve gira mundial que incluía paises como Japón y Alemania.

1973 llega pisando fuerte y Zep sigue elevando los standards en cuanto a rock se refiere, muestra de eso publican en marzo,el que a mi juicio es su trabajo más pulcro, completo y "redondo" de la banda: Houses Of The Holy.

El primer track "The Song Remains The Same" es una sinfonía semi-instrumental que pareciese haber sido escrita por Page con la única intencion de cagarse encima de todas las bandas progresivas de la época. Es arrogante, el sonido de la banda, la calidad de los solos, la grabacion en si es absolutamente impecable. El segundo corte es tal vez la canción de rock mas hermosa jamás escrita: The Rain Song, una melodia celestial que parece salida del Valhala, gloriosa y sinfonica a mas no poder. Otros tracks del disco como "Over The Hills and Far away" recuerdan los experimentos acusticos del tercer álbum, y una oscura y densa pieza llamada "No Quarter" despliega el talento compositivo de los cuatro musicos.

La gira que seguiria la publicación de Houses Of The Holy es tal vez la mas grande que realizo Zeppelin en su corta historia. Varios conciertos memorables como el de Earls Court, Kezar y el Madison Square Garden quedaron registrados en film para el deleite posterior de sus acérrimos fans. Los llamaban "Los Dioses del Olimpo" y su musica era catalogada asi mismo como "El Martillo de los Dioses", no solamente eran compositores, interpretes, instrumentistas, poetas, empresarios y trabajadores talentosos, sino que ademas eran personalidades especiales, cultos en la literatura y unos guaperas de respeto.

Como todos sus albumes hasta el momento, este tambien supero los 10 millones de copias vendidas, y aunque la gira que les esperaba iba a ser extenuante, Jimmy Page ya trabajaba en su cabeza lo que sería su siguiente álbum, que ademas esta vez queria hacerlo por partida doble.

La extensa y extenuante gira del Houses Of The Holy, terminó a finales de 1974, los Zep, cansados, decidieron tomarse un paréntesis e irse a otra casa de campo a relajarse y componer nuevos temas. Esta vez el lugar era una finca llamada Headley Grange. Se mudaron a este lugar con todo y equipo de grabación y estando allí se entregaron a componer y producir su siguiente álbum, el doble LP, Physical Graffiti, que por cierto, sale bajo un nuevo sello discografico de propiedad de Jimmy Page,el sello Swan Song.

Si bien es un disco menos euforico que los anteriores, contiene varios de los clásicos imperecederos de la banda, al igual que una serie de experimentos y matices que no habían hecho antes. El disco arranca con un temazo medio funky llamado Custard Pie y a medida que avanza se va volviendo mas oscuro que finaliza en el primer LP con una grandiosa sinfonia de aire oriental llamada: Kashmir.

El otro LP que hace parte del disco, comienza con una pieza psicodelica hermosa llamada In The Light, y luego pasa por obras instrumentales y acusticas como Bron Yr Aur, para dar cabida a extrañas baladas nostalgicas como Ten Years Gone y Down By The Seaside.Las ventas del álbum se disparan de nuevo, pero la gira subsecuente no va a ser tan titánica como las anteriores. Por otra parte, Zep se dedica a realizar un film con las tomas realizadas durante los conciertos del Madison Square Garden, y tras muchos obstáculos y demoras, la pelicula se estrena en Inglaterra y Estados Unidos bajo el nombre de "The Song Remains The Same". Zep decide sacar al mercado la banda sonora de la pelicula, que no es mas que el registro sonoro de los conciertos de New York, pero que sin embargo es ovacionado por los fans y se convierte en la primera y única entrega de un directo de la banda via álbum.

Zeppelin ya estaban consagrados como la banda mas grande de la historia del rock, la prensa ahora permanecía muda ante su avasallador éxito y Jimmy Page y compañia se dedicaban a investigar cada vez mas sonidos, en conocer la musica del mundo, la egipcia, la hindu, la africana y en tomar cada vez caminos mas arriesgados en sus composiciones. Todo esto alternado con innumerables noches de juerga y excesos, entrevistas para la radio, la televisión y las revistas, sesiones fotográficas, y viajes misticos a oriente.

1976 arriba en el tiempo y las cosas para Zep comienzan a colocarse dificiles por primera vez en su corta existencia. El mundo de la musica se empieza a ver saturado por bandas enormes y de gran reconocimiento, y esto genera una especie de rechazo en el público, que buscaba algo nuevo y mas terrenal.Extraños sucesos azotan a la banda cuando Robert Plant sufre un accidente automovilistico que lo deja postrado en una silla de ruedas durante la grabación del siguiente álbum, sin embargo Zep sigue trabajando fuertemente para concretar la salida del LP: Presence

En marzo del mismo año, esta extraña portada invade las tiendas de discos alrededor del mundo y su himno insignia, una paranoia progresiva heavy llamada Achille's Last Stand, retumba en los equipos de música del mundo entero. Una pieza de mas de 10 minutos de duración con cortes dramaticos y un completo tratado guitarristico en su interior, que dejaba a las demás bandas inglesas como viles amateurs. Tan sublime era la pieza, que opacaba considerablemente los otros 6 cortes del álbum, que a su lado parecian simples ensayos. De los otros tracks se destacan tambien piezas cargadas del mas puro rock como Nobody's Fault But Mine, extraños experimentos ritmicos con aires de rockabilly como Candy Store Rock, y desgarrantes blues como Tea For One.

La banda se mantuvo sólida ese año gracias al éxito de Presence y sale de gira mundial una vez mas, con animos de reivindicar el rock y hacer caer su pesado martillo sobre los nuevos grupitos que intentaban enfrentarles. El tour comienza muy bien, a comienzos de 1977 realizan un concierto memorable en Seattle, pero la gira se ve truncada cuando en julio de ese mismo año, Karac, hijo de Plant, muere de una infección estomacal con tan sólo 6 años de edad.

La noticia es devastadora para la banda, ya que su frontman principal entra en un periodo de profunda depresión que lo obliga a abandonar el grupo y el tour por algunos meses. Jimmy Page por su parte y también consternado por la suerte de su hermano y amigo Robert, comienza a tener serios, muy serios problemas con su adicción a la heroína y la cocaína. Por otro lado John Bonham, también comenzaba a sufrir problemas de alcoholismo y John Paul Jones, trataba de mantener unida a la banda, y se dedicaba a componer el solo, temas para un siguiente álbum que en ese entonces no sabían si se iba a concretar.

La prensa, al ver el dificil momento por el cual atravezaba la banda, cayo como cuervos al maizal, diciendo publicamente bobadas como que el grupo tenia una maldición y que los intereses de Jimmy Page por el ocultismo eran los responsables de las desgracias que afligian al grupo.

1978 es un año de receso funebre para Zep, los acontecimientos del año anterior habian dejado la moral de la banda muy baja y se rumoraba una separación definitiva. La prensa los flagelaba con calumnias de toda indole, y la banda permanecía en la sombra.

Continuará...

PD: Animaros a participar con vuestros comentarios, en Corner of Rock queremos saber lo que opinais y tener en cuenta a nuestro fieles lectores

Led Zeppelin (Primera parte)

noreply@blogger.com (Lenagan) — Sun, 01 Jun 2008 21:09:00 +0000

Led Zeppelin, kilómetros, millas, años luz, por encima de cualquier otra banda de rock que haya existido jamás, fue, es y seguirá siendo la banda de rock más grande de todos los tiempos. La mezcla devastadora entre los 4 mejores músicos que se podían encontrar en Inglaterra en ese espacio y tiempo específico, bajaron hasta las más profundas cavernas del infierno y se elevaron hasta las cumbres del cielo mismo mirando a Dios como a una pequeña hormiga ante su grandeza.

La única banda capaz de hacer de cada álbum un género distinto dentro del rock, de no repetirse ni una sola vez y de entregar al mundo música tan diversa que no existen adjetivos suficientes para describirla.

Tras la repentina disolución de los Yardbirds en el verano de 1968, Jimmy Page, guitarrista, compositor, bajista, mandolinista, arreglista, productor y reconocido músico de sesión, decide formar una nueva alineación de la banda para cumplir con unas fechas que ya estaban programadas para ese mismo verano en Noruega, Suecia y Dinamarca. Llamó entonces a su viejo amigo John Baldwin, luego conocido como John Paul Jones, bajista, pianista, compositor, arreglista sinfónico y también experimentado músico de sesión para que le ayudará a conseguir nuevos músicos para la banda, y tendrían que ser muy buenos porque la cuestión era urgente.

Se contactaron entonces con su viejo amigo Keith Moon de The Who, para que les recomendara un buen baterista, alguien que mas o menos pudiera tocar algo de blues y que sin necesidad de que fuera un virtuoso, supiera que hacer en los recitales programados. Moon recordó entonces a un joven batería de las Midlands con quien había hecho un par de jams en alguna ocasión y que precisamente andaba en busca de banda, ya que el cuarteto en el que tocaba, The Band Of Joy también se había disuelto, un tal John Henry Bonham; lo presentó ante Jimmy Page y para sorpresa suya, el chico era un fenómeno absoluto en los tambores, asi que no titubeó en reclutarlo. Faltaba entonces una voz cantante, y tenía que ser especial, Jimmy Page no quería al típico chico londinense como Keith Relf, quería alguien más liberal, más agresivo. Fue entonces cuando John Bonham decidió llamar a su ex-compañero de banda Robert Plant para que audicionara para Jimmy. Llegó entonces este joven del black country, activista empedernido de la legalización de la marihuana en ese entonces, estirado y arrogante como buen inglés, pero con una voz que haría que el cielo se cayera a pedazos.

Hicieron entonces un par de jams juntos, reciclando algunos temas clásicos de los Yardbirds y la banda empezó a sonar, sin embargo la idea hasta ese entonces era cumplir con el itinerario nórdico, asi que pronto partieron para Copenhague bajo el nombre de The New Yardbirds. Comenzó entonces la pequeña gira y fue un estallido en el cielo, estos chicos ya no eran los Yardbirds, eran otra cosa, mas sublime, enorme, sonaban como The Cream o The Experience pero aún mas oscuros, mas densos. Los aullidos de Plant eran contrastados con las complejas figuras de guitarra de Page, y en el corazón de la banda latía un demonio de los tambores, Bonham, sostenido por la precisión e inteligencia de Jones. Esto no era blues, esto no era rock n' roll, era todo eso y más; era una bomba de hidrógeno lista para explotar, era Led Zeppelin, y habían tomado para sí la corona eterna del rock.
La banda regreso a Londres gloriosa por su brutal éxito en el norte, y Peter Grant, quien fuera manager de los Yardbirds y por supuesto de los New Yardbirds, sugirió que comenzaran de cero, como una nueva banda, con nuevo nombre y nueva imagen. Se empezaron a escuchar nombres, pero fue en una tertulia junto a Keith Moon y John Entwistle que éste mismo le recordó a Page que hacía unos años habían intentado formar una superbanda parecida (con Keith Moon en la batería, Entwistle en el bajo, Page en la guitarra y Roy Harper en la voz) y habían desistido por que según Entwistle: "Se vendrían abajo como un dirigible de plomo (Like a Lead Zeppelin)". A Page y Grant les llamó mucho la atención aquella sugerencia, pero temían por la palabra "Lead" (plomo) ya que en norteamerica se pronuncia diferente y pierde sonoridad, entonces decidieron abreviarla y dejarla sólo como "Led" para evitar confusiones.

Ya había un nombre, y durante los ensayos ya se gestaban las primeras canciones originales y algunas de los Yardbirds con algunas oscuras modificaciones como Dazed and Confused y White Summer. Tras un par de meses de continuo trabajo, la banda decide entrar al estudio de grabación Olympic en octubre del 68 y registrar en un tiempo record de 36 horas los nueve cortes que constituirían el primer álbum de Led Zeppelin.
Tras un arduo pero apurado trabajo de mezcla y producción, sale a la venta el 12 de enero de 1969 Led Zeppelín I.

Y sube tal como un dirigible a las listas de popularidad en Inglaterra. El primer corte, "Good Times, Bad Times" es un hachazo en la cabeza que marca un hito en la historia del rock, los demás temas del álbum mezclan las melodías mas sórdidas y oscuras del blues con unos riffs de guitarra y unos gritos celestiales. Temas como "Communication Breakdown" escriben las primeras páginas de la historia del "Heavy Metal" y paranoias psicodélicas orientales como "Black Mountain Side" amarran a la banda a su interés por oriente.

El disco es una absoluta obra maestra, de inmediato comienzan a ser llamados a participar en varios festivales de jazz y blues, como el Newport Jazz Festival, y comienzan su primera gira oficial por Europa, haciendo apariciones memorables en programas especiales de televisión y llenando cuanto auditorio y teatro se encontraban en el camino. Es memorable el pequeño directo que hicieron para la televisión danesa en 1969, al cual asistió la viuda del Barón Von Zeppelin (creador del dirigible) ya que le llamaba la atención que una banda utilizara su apellido, se sentía hasta orgullosa. Pero todo el orgullo se le vino abajo cuando vio la carátula del álbum con el zeppelin en llamas y estuvo a punto de cortar la transmisión y demandar a la banda por miles de libras.

Tras el impase con la señora Zeppelin, la banda continúa con su gira y en el camino se llevan un Estudio de Grabación Móvil prestado a ellos por los Rolling Stones, para ir cocinando lo que sería la segunda magistral entrega de la banda.

Después de la extenuante gira que trajo su primer álbum, sale a la venta el 22 de octubre de 1969 la segunda entrega de la banda, grabado durante la gira norteamericana que siguió a la europea, en varios estudios de New York Londres, y Los Angeles.

Varios de los tracks se grabaron por partes en pequeñas consolas de 8 canales y a medida que se iban puliendo las canciones, se grababa el resto, lo cual le dio al álbum un aire distinto, menos sórdido que el anterior pero mil veces mas sublime. Con solo poner el disco en el stereo ya se sentía una energía devastadora, la ligera risa de Robert Plant milésimas de segundo antes de que entre el impresionante riff principal de Whole Lotta Love es un delicioso patadón en el estómago, para que luego a la mitad de la cancion se empiecen a crear esas orgasmicas psicodelias pinkfloydeanas que desembocan en uno de los solos de guitarra mas brutales de la historia.

El disco ademas de incluir himnos eternos del rock mas fuerte, contiene sutiles canciones como Thank You, experimentos acusticos bluesrock como Ramble On (a mi juicio la canción mas escencial de zep por encima de cualquier otra) y una pieza instrumental llamada Moby Dick en donde Bonzo Bonham desata una tormenta ritmica en solitario digna de Art Blakey o Buddy Rich.

Sin embargo debido al éxito tan repentino de la banda, la prensa los empieza a atacar bajo argumentos sin sentido de que eran solo producto de la imagen y trayectoria de Jimmy Page durante los 60, y que la banda sin el despliegue publicitario que tenian no serian igual de grandes. Jimmy Page y Peter Grant comienzan a pensar en formas inteligentes de desmentir de manera aplastante las injurias que la prensa les atribuia.

Comienza entonces la gira del nuevo álbum, ahora mundial, se presentan en varios festivales de rock, jazz y blues. Memorables los conciertos del Royal Albert Hall y del Bath Festival. Pero durante la primavera de 1970, los Zeppelin comienzan a sentir cierta presion de Atlantic Records por continuar en la misma onda musical del heavy y el blues, y los intereses musicales de Jimmy Page ya apuntaban hacia otros horizontes.
Para 1970, Led Zeppelin se encontraba en la cúspide de su popularidad radial; su música estremecía ciudades enteras en sus conciertos y los medios especializados no paraban de hablar de la grandeza de Zep. Esta era una situación bastante lucrativa no solo para ellos sino también para su disquera Atlantic, que los presionaba a seguir sacando hits como Whole Lotta Love y Communication Breakdown.

Pero Jimmy Page ya había trascendido eso, su experiencia con otras bandas en los 60 ya le había dado la satisfaccion de haberse impuesto radialmente, ahora Jimmy buscaba la catársis musical, experimentar con nuevos sonidos, crear nuevos estilos y responder tambien a la nueva ola del rock progresivo que se gestaba en el underground británico. Fue entonces cuando decidieron aislarse del mundillo del espectáculo por unos meses e irse a vivir a una vieja cabaña al norte de Gales, llamada Bron Yr Aur. Allí, acompañados de algunos pocos equipos electricos, y de muchos instrumentos acústicos (guitarras, mandolines, banjos, cítaras) compusieron la mayoría de los temas del Led Zeppelin III, que salió al mercado el 5 de octubre de 1970.

El álbum fue una completa sorpresa para los seguidores de la banda, para la disquera y hasta para ellos mismos. El lado "A" contenía en su mayoría temas electricos llenos de una psicodelia extraña y dificil de digerir. Temas de un golpeteo agresivo y épico como Immigrant Song, extraños desvarios orientales como Friends y dramáticos blues como Since Ive Been Loving You, mostraban a una banda mas madura, diferente y enfocada a conseguir la perfección musical.

Por otra parte el lado "B" estaba compuesto por temas en su mayoría acústicos, con aires de música celta y medieval, pero mezclados con el blues mas rural del Missisippi. Odas a la belleza como Thats The Way, folkblues como Bron Yr Aur Stomp y Gallows Pole adornaban el disco con un aire fresco, con un aroma a bosque que pocos artistas habían logrado antes.

Aquí termina la primera parte de nuestro recorrido por la historia de la banda de ROCK en mayúsculas. Pero...

Continuará.

Thin Lizzy

noreply@blogger.com (Lenagan) — Wed, 28 May 2008 18:42:00 +0000

"Phil no ha muerto de un fallo cardiaco. Ha muerto de un estilo de vida".

Gran bajista, cantante y poeta, Phil Lynott, frontman de la gran y para mi infravalorada banda Thin Lizzy. Todo lo que tocaba quedaba impregnado de un estilo especial, algo diferente a todo lo demás.

No he visto mayor oportunidad que esta para ofrecerle este homenaje, que leyendo la entrada anterior de mi colega White. Phil tenía la no sana costumbre de juntarse con su amigo Sid Vicious y consumir heroína hasta sus límites mientras veían peliculas de Elvis, desfasando, cruzando los límites, llegando una vez a ponerse de acuerdo para arrojar a la novia de Sid, Nancy, por la ventana del hotel. Los interrumpieron justo a tiempo, pero eso no evitó que si no podían tirarla, pues la sostenieron por los pies a lo largo de una hora...

Anécdotas aparte. Thin Lizzy se formó en Dublín en el año 1969. Phil Lynott y Brian Downey se conocian desde la escuela y allí forjarían su amistad, siendo los dos integrantes del grupo que permanecerían a lo largo del tiempo, exceptuando momentos muy puntuales. A ellos se les unió Eric Bell, guitarrista de Van Morrison. Aunque fue el primero en marcharse, debió olerse que algo gordo iba a pasar para abandonar su antiguo grupo, que ya gozaba de reconocimiento y fama. Su marcha en 1973 se debió a que recelaba de la fama que Phil Lynott fue adquiriendo.
Su primer disco, bautizado con el nombre del propio grupo, mezclaba canciones populares y folk irlandes con rock, aunque siempre predominando lo acústico. No tuvo mucho éxito, pero amigos, era el nacimiento de la leyenda.

En marzo del mismo año sacaron Shades of a blue Orphanage, gran disco mas rockero, y en cual es motivo de orgullo ser pioneros de utilizar dos guitarras melódicas al mismo tiempo, que marcaría para siempre a los grupos venideros, sin ir mas lejos a nuestro querido "METAL GOD" y su grupo Judas Priest.

En el 73 sacaron el grande, magnifico, una bestia, Vagabonds of the Western World, que incluía el temazo " Whiskey in the Jar", que les catapultó a la fama llevandoles a lo más alto de las listas britanicas. Aquí hago un inciso para que os deleiteis, babear con este disparo en todo el pecho que es este temazo.

Al irse Eric Bell,entró en la banda el virtuoso Gary Moore, gran guitarrista que aunque abandonara la banda "formalmente" a los pocos meses, nunca dejó de estar presente, ya que colaboraba asiduamente con el grupo al ser un gran amigo de Phil.
En los años posteriores lanzaron Night Life y Figthing, realizando su primera gira americana, por lo tanto se abrieron a un ámbito internacional que se notó en el desarollo de su siguiente disco, sin duda, el mejor, la joya de la corona, un placer factor auditivo que... bueno,por consejo de un amigo intento evitar expresiones soeces, pero joder, es bueno, muy bueno, de lo mejor del Hard Rock. Su nombre, Jailbreak, corría el año 76 y debido a la marcha de Moore entraron dos guitarristas al grupo, Brian Robertson y Scott Gorham. Llegaron a lo más alto en varias lista europeas y americanas, temas como "The Boys are back in the town", "Emerald", la propia "Jailbreak", etc. no paraban de sonar en todas las emisoras de radio. Se notaba que Phil había madurado, ahora era mas inteligente, hacía verdadera poesía, sus temas hablaban de amor, injusticias sociales, leyendas irlandesas.

Thin Lizzy mutaba con facilidad, y no es cuetion de poner toda las formaciones que tuvo el grupo, pues llegaron a más de 10, pero Phil y Brian, juntos con las idas y venidas de Gary Moore, era la columna vertebral del grupo.
Phil abusaba de las drogas, eso no se puede ocultar, y no controlaba su genio, llegandole a corta la cara a Moore con una botella de cristal, dejandole una cicatriz para toda su vida. Fueron su nemesis, su final.
Comentaros uno a uno toda la discografía se haría un poco largo, por lo cual destacare grandes discos posteriores, o discos que fueron ya un episodio triste de esta historia.
Black Rose(1979) fue el hermano de Jailbreak a lo que se refiere a fama y calidad, grandes temas con un toque mas pesado referido al sonido, limitando con el heavy metal, pero no llegandolo a cruzar, gracias a Dios (no se me enfade ningun heavy, que no digo que sea malo, pero joder, no, no y no, todos aquellos que se atreven a incluir a Thin Lizzy en el Heavy Metal, que ardan en el infierno, por blasfermia)

Phil desfasaba, era un maldito esclavo de la heroína, y por ello productores y compañias empezaron a no confiar en él. Se decía que celebraba fiestas diarias en su casa, pero que consistían en que el bueno de Phil abría las puertas, y todo irlandes loco o yonki de Dublin pudieran entrar, por lo cual allí al final solo estaban Lynott y los yonkis de la ciudad.

Junto al penoso estado del frontman, el grupo pasaba penurias economicas, cuyas deudas ascendían mas y mas por cada concierto que realizaban. Se acabó, no se podía dar mas de si, se acordó una bonita despedida con su último concierto en Nuremberg, gran concierto sin duda, pero a la vez muy triste.
Y entonces pasó, Phil vivía por y para Thin Lizzy, y sin su "amante" mas amada, entró en una espiral de autodestrucción, que finalizaria con su muerte el dia de navidad de 1986. Hijo de un brasileño que nunca conoció y madre irlandesa, se convirtió en un simbolo de Irlanda, erigiendose la estatua que veis en la imagen, menos mal que no se hizo a caso a los bobos de turno que se negaban a su construcción tan solo porque decían "un negro no puede representar a nuestro pais". Menudos payasos, deberían estar en un puto circo.

Y aquí termina mi elegía a este hombre, poeta, soñador, que se convirtió en un grande del Rock, y cuya tumba reza:

“Que Dios le dé la paz que su alma merecía”

Elvis

noreply@blogger.com (Mr. White) — Wed, 28 May 2008 02:45:00 +0000

"Dios creó el rock y el rock se encargó de buscarse un rey".
Un sitio como el nuestro. Un lugar de reunión para todos los amantes de la buena música no se puede privar de una mención al inmortal Elvis Presley.
Allá por el año 1935 a la orilla del río Mississippi, en Tupelo, nacía el que más tarde sería conocido como el "Rey del Rock".
Desde muy joven fue un apasionado de la música. Con 10 años su padre le proporcionó su primera guitarra. Escuchaba desde blues hasta gospel pasando por pop y country. De ahí que su carrera fuera tan rica en géneros.
Su primera grabación fue algo casual. Un regalo de cumpleaños para su madre. Así saltaría a la fama. El dueño de la compañía se fijó en él. Le vió algo distinto a lo que había en la época (¡¡como no le iba a asombrar, era el rey!!). Su primer éxito fue el conocido "That's all right mama". Era una pequeña revolución, Memphis quedó prendada de su talento. El resto del mundo le esperaba.
Tras ser contratado por la discográfica RCA, llegó su primer número uno con "Heartbreak hotel" (le seguirían otros 17 más en la lista de singles y 4 en la de LP's). Si algo se le puede echar en cara era su poco talento en la composición. Elvis fue más un intérprete que un cantautor. La mayoría de sus éxitos o son versiones que el ensalzó (no le quitemos mérito), o canciones que le compusieron. Pero está claro, nadie tenía esa facilidad para hacerse dueño de algo. Cuando Elvis cantaba una canción, parecía la primera vez que sonaba en el planeta. Muchos de sus conocidos temas eran simplemente canciones buenas, pero condenadas al olvido, hasta que llegaban a sus manos. Elvis las transformaba en algo único.

Lawdy Miss Clawdy

Tras su paso por el servicio militar entre 1958 y 1960, regresó a los EEUU con una aparición estelar en el show de Frank Sinatra. Pero toda esta década se le podía encontrar más en cines que en radios o televisiones con sus legendarias canciones.
Llegó a filmar más de 30 películas. Pero esta faceta evidentemente no era la suya. El deseaba tener un papel de protagonismo en todos sus largometrajes. Una interpretación por la que fuese recordado. Salta a la vista (si habeis visto alguna), que no era su lugar y la industria del celuloide lo sabía. Se le reclamaba para películas de poca calidad, en las que básicamente interpretase algún que otro tema musical y realizase breves escenas sin mayor trascendencia. Era el juguete de Hollywood. Si querías tener un taquillazo, contratabas a Elvis, aunque fuese simplemente de apuntador.
El público echaba de menos a ese Elvis capaz de captar la atención del planeta subido a un escenario. Este largo parón incluso le afectó psicologicamente. Le llegó a dar miedo volver a los escenarios.
Regresó con el increible show televisivo "1968 Comeback Special". Salió una reedición en DVD hará unos años. Si podeis comprad esa maravilla. Es inigualable.
En los 70 comenzó su caida. El Rey, parecía haber envejecido repentinamente. La separación de su mujer en 1972, tiene gran parte de culpa en ello. Aún así le quedaban fuerzas para seguir deslubrando al público mundial que le seguía. En 1973 grabó el primer concierto televisado vía satélite de la historia (Aloha from Hawaii).
En esta época se le comenzaba a apreciar una salud endeble. Abusó durante años de los medicamentos, era un adicto. Llegó a montar una farmacia en su archiconocida "Graceland" (su propia casa), con una enfermera de guardía las 24 horas para poder suministrarle los somniferos y tranquilizantes que su depresivo estado le hacía consumir.
En 1976, su situación pasó a ser extrema. Seguro que habeís podido ver videos de la lamentable figura y el fatigado aspecto que mostraba en sus últimos conciertos. (Prefiero poner recuerdos del Rey que fué y siempre será).

Blue Suede Shoes

Históricamente se ha dicho que Elvis era un adicto a las drogas. Evidentemente las probó e incluso pudo tener algún que otro desliz por su culpa. Era la época, el LSD comenzaba a tener presencia. Todo joven con aires adolescentes, revolucionarios, o simplemente por conocer una nueva sensación, probó alguna que otra sustancia. Elvis murió a consecuencia de la desorbitada cantidad de medicamentos que tomaba a diario. Su cuerpo no aguantó los excesos a los que su depresión le había conducido. Versiones erroneas comentaron que murió por una parada cardiaca a consecuencia de una sobredosis de LSD. Falso. De todos modos...quizás no murió.
Multitud de leyendas han ido apareciendo desde su muerte en 1977 sobre la verdadera historia de Elvis. Que se cansó de la fama y fingió su muerte para vivir alejado del mundo. Que vive en Argentina con su esposa Priscilla...Nada demostrable evidentemente. Elvis hoy tendría 73 años.
Es el cantante que más discos ha vendido en la historia (ha superado los 1000 millones de copias vendidas).
Por siempre, ¡¡Viva el Rey!!.

Vetusta Morla

noreply@blogger.com (Mr. White) — Sun, 25 May 2008 22:50:00 +0000

Hace ya unos meses conocí de la existencia de un grupo poco encasillable. Algunos lo introducirán en esa marabunda de sonidos que ahora llaman "indie", otros en el "poco" explotado pop español.
Yo sencillamente no se como denominarles. No me atrevo, quizás en discos venideros, se pueda definir mejor hacía donde se orientan.
Acaban de sacar su disco "Un día en el mundo". Aunque su trayectoria es más bien breve, (tienen otro disco que editaron ellos mismos), en lo que a LPs se refiere. Su vida como banda no lo es tanto. Llevan ya ocho años juntos, reuniendose lo poco que les permitían sus respectivos trabajos.
Un grupo que ha hecho su de momento corta historia, a base de los ratos libres que tenían.
En esta su primera obra, se intuye lo que puede venir en un futuro. Se les ve madera de solitarios. Como si fueran a descubrir o simplemente reinventar un género demasiado estropeado por la industria.
Esta pequeña joya, comienza con "Autocrítica", una unión de timbales con una guitarra asumiendo el papel de chamán. Y esa voz que baña todas las notas. Poco usual, poco comparable. Diferente.
En la segunda pista nos encontramos "Sálvese quién pueda". Otro invento del grupo. Te acelera, como si corrieses huyendo del tiempo, de algo inevitable. Grande, de verdad, muy grande.
"Un día en el mundo", título del disco y también single aparece ya muy escuchada de radios y canales musicales. No es de las mejores del disco, a mi gusto, pero bueno, así es el sistema, te obligan a poner algo como single.

La Cuadratura del círculo (Versión acústica)

"Copenhague" me parece una canción muy prescindible. No introduce nada nuevo, vamos que sobra en este gran disco. Un ritmo apagado un tanto somnoliento. Sin esencia.
Como quinta canción descubrimos "Valiente". Un ritmo acelerado con un gran inicio, que parece diluirse, pero vuelve a captar tu atención envolviendote. Muy "popera", pero buena, muy buena.
"La marea" se presenta más tranquila tras el subidón que la precedía. Al igual que "Copenhague", no es el estilo que nos gusta de este gran grupo.
Con "Pequeño desastre animal" no ves nada nuevo, parece como si el disco se fuese apagando.
Pero de repente en la octava pista das un giro de 360 grados y vuelves a prestar atención.
"La cuadratura del círculo", es para mí su mejor canción. Increible, eléctrica, psicodélica a ratos y por momentos desgarradora. Después de oirla solo puedes pensar en seguir engullendo ritmos de la banda.
"Año nuevo", nos recibe tras el subidón anterior, con un tono melancólico, abstracto. Bonita, muy intensa. De las canciones más tranquilas del disco, pero tremendamente buena, no como pasaba con "La marea" o "Copenhague".
En la décima pista, "Rey sol", combina un tempo sosegado, a veces coqueteando con la "nana". Pasable, pero no deslumbra al oyente.

Sálvese quién pueda

Con los últimos coletazos del disco sale a la luz "Saharabbey road", feliz no hay otra forma para definirla. Es para cantarla con amigos, en un alarde de exaltación de amistad. Muy recomendable, en directo se palpa una unión extraterrenal entre el público asistente y la banda. Es grandiosa, cuanto más la escuchas mejor te parece.
El LP finaliza con "Al respirar". Tiene una guitarra muy desértica, parecida (perdonadme por la comparación, siempre son odiosas) al inicio de "The end" de los doors. Luego va perdiendo ese inicio tan brutal, pero gana en voz. Siempre omnipresente Pucho (vocalista), bañando todas las notas.
Lo dicho señores, gran disco que esperemos preceda a un gran futuro para esta novedosa banda. Mis disculpas por los vídeos, no son de una gran calidad.

Héroes del Silencio Vs Búnbury

noreply@blogger.com (Mr. White) — Wed, 21 May 2008 15:44:00 +0000

Nos encontramos ante la banda de rock más importante de la historia de nuestro país. A medias entre el grunge de finales de los años ochenta y el retrorock que vuelve a aparecer hoy en día con fuerza (1984-1996).
Búnbury vocalista del grupo pero más recientemente cantante en solitario (1997- Hasta hoy).

La historia de la música en castellano le debe mucho a estos jóvenes de mente, pero ya maduros zaragozanos. En ellos podemos encontrar dos formas de concebir la interpretación, dos sentidos paralelos, pero con similitudes. Héroes, fue la adolescencia tardía, la época de locura y descontrol que todo grupo de rock vive. Búnbury en solitario se podría entender como la segunda parte de Héroes. Un cambio radical en el sonido, una nueva forma de experimentar. Las letras tienen el veredicto. Héroes era el amor de una noche, la explosión de luces que duraba un instante pero se apagaba al día siguiente. Búnbury, la conversación, la convivencia entre una relación y la enajenación transitoria que puede estropearla.
Quizás el punto de inflexión se encuentre facilmente en una breve mirada a la vida. En la primera etapa (Héroes del Silencio), se vivía el presente y en la segunda etapa (Búnbury), la presencia del futuro y del que vendrá se hace más patente.
Héroes del Silencio, nacieron a mediados de los ochenta, pero no fue hasta 1988 cuando publicaron su primer LP "El mar no cesa". Con este primer "gran" éxito, salieron de gira por toda la geografía nacional. Sus conciertos tuvieron bastante afluencia. La leyenda Héroes comenzaba a nacer.
En 1990 vuelven al estudio y dan vida a "Senderos de traición". Este resultó ser un discazo. En el se pueden encontrar temazos atemporales como "Entre dos tierras" y "Maldito duende".
Sus canciones comenzaban a escucharse por toda Europa. Esto fue gracias en gran medida al concierto en Berlín (1991), organizado por el fín del racismo. Tras ver la aceptación que habían recibido por parte del público extranjero, realizaron una gira por toda Europa.
Su conocido "Espíritu del vino" apareció en 1993, aquí nos encontramos con un cambio importante en el sonido. Se dió un giro hacía el rock duro e incluso por momentos el psicodélico. Boguslavsky se incorporó al grupo como guitarra de apoyo. Pero se quedo definitivamente en el (componiendo), pasando a tener cinco miembros, aunque en las fotos promocionales el nunca apareció.
Tras un largo parón reaparecen (comienza a cimentarse el fín de Héroes) en 1995 con su inmejorable "Avalancha". El mítico Bob Ezrin ( Lou Reed, Pink Floyd, Alice Cooper...) se encarga de la producción. El salto cualitativo es evidente. Este álbum siguio la estela del anterior, pero el sonido es aún más Hard-Rock.
El éxito fue brutal, relizaron una gira mundial, pasando por los EEUU, (país donde hasta ahora no habían tocado).

Hasta ahí su vida, salvando la reunión en 2007 para realizar una serie de conciertos sin más trascendencia que un disco y lo vivido en sus directos. Se hablo mucho de su regreso, pero no ha habido más noticias. Las segundas partes nunca fueron buenas. Mejor quedarnos con el recuerdo de sus años gloriosos.

Búnbury siguió su camino, pero ahora en solitario. El cantante del grupo, buscaba nuevos retos, nuevos sonidos que le diesen otra identidad.
Su música se transformó, parecía un nuevo cantante sin nada que recordase a lo que fue en Héroes. Los sonidos árabes, pasando por los tangos, baladas sangrientas...
Sus primeros discos no fueron bien acogidos. Tal vez el público esperaba algo parecido a lo vivido con la banda. Pero a mi parecer ni el público ni Búnbury, sabía en ese momento hacía donde iba a ir el compositor.
Creó un proyecto paralelo bajo el nombre de "Los Chulís", pero no ha tenido mayor trascendencia. Algo seguramente dispensable.
Tras unos años en los que parecía quedarse estancado, resurgió de sus cenizas, deslumbrando a todos con "El viaje a ninguna parte" (2004).
Por fín tras una larga busqueda, encontró lo que necesitaba. Había creado una maravilla. En este disco doble podemos encontrar multiples estados de ánimo. Multiples sentimientos abogados unos al suicidio, otros esperanzadores. Una oda al tránsito vital de los mortales.
"Que tengas suertecita", "Los restos del naufragio", "El rescate", "Carmen Jones", "La chica triste que te hacía reir", "El anzuelo", "Una canción triste", "Canto (el mismo dolor)". Este doble cd es irremplazable, todo amante de la buena música debería tener una copía en su poder. Las que arriba escribo, son solo unas pocas canciones de las que se pueden encontrar en este LP.

En definitiva, Héroes del Silencio y Búnbury (en solitario), no tienen comparación. Cada uno desarrolla su estilo, transmiten situaciones y vivencias diferentes. Los sonidos, no se asemejan en casi nada.
Si prefieres una composición más dura, más agresiva, coge un disco de Héroes. Si por el contrario buscas algo desgarrador, más interiorista, cómprate ya un disco en solitario de Búnbury. Me repito, os recomiendo encarecidamente "El viaje a ninguna parte".

Pearl Jam vuelve al estudio para trabajar en su nuevo album

noreply@blogger.com (Lenagan) — Mon, 19 May 2008 02:15:00 +0000

No voy a ocultaros que os escribo estas líneas con cierto nerviosismo, ¡Pearl Jam vuelve a encerrarse en estudio! Sí, lo reconozco, soy un fan acérrimo de esta banda. Si me preguntárias por mis grupos favoritos podría dudar que cinco elegir dependiendo del momento, pero mi "Mermelada de perla" siempre estaría presente.

Hace dos años que sacaron su último trabajo, siendo su octavo disco y que curiosamente titularon con el nombre de la propia banda. La opinión de la crítica fue unánime, Pearl Jam estaba viviendo una segunda juventud, cerrando esas bocas que gritaban que desde "Yield" ya no serían capaces de crear algo que siguiera con la calidad de sus primeros trabajos. ( Ojo, que a un servidor, Binaural le parece un puto discazo en toda regla)

McCready fue el encargado de filtrar la información en una emisora local de radio en Seattle. Confirman que vuelven a trabajar con su productor habitual Brendan O'Brien y que lo tendremos en nuestras manos antes de que acabe 2008 (bueno, yo pondría la mano en el fuego a que al final se demorarán para principios de 2009, pero ojalá me equivoque)

Extraido directamente de la entrevista: "McCready said the band is hoping to release the record in 2008 ... "four or five" songs are complete so far"

Traducción: McCready dijo que la banda espera lanzar su disco en el 2008, cuatro o cinco canciones están mas que terminadas.

El nombre que titulará el album aún no se ha confirmado, pero por lo que se dijo, va a seguir la estela de su ultimo disco, mas cañero que los anteriores, con toques de punk rock. Tengo mis sospechas, pues también se confirmó que varios temas estan compuesto por Gossard, y espero que a nuestro Stonny no se le vaya la puta pinza como lo hace en solitario ultimamente, en serio, teneis que escucharlo.

Ahora sólo queda esperar que estas fieras desborden todo su talento en cada canción y nos vuelvan a dejar jodidamente asombrados, pues aunque ronden ya todos los cuarenta y pico, ¡son como el vino, oigan!. Hablando en serio, Pearl Jam ha sabido madurar y adaptarse a los tiempos de forma sobresaliente desde sus inicios alla por el 91, y eso lo atestigua la legión de seguidores que tienen, en los que un servidor se incluye.

Pearl Jam es sinónimo de buen rock, y recemos para que un nuevo album signifique una nueva gira europea, aun no confirmada, cosa que sí han hecho en Usa, comenzando el 11 de julio en West Palm Beach, Florida.

Queen

noreply@blogger.com (Lenagan) — Mon, 19 May 2008 01:18:00 +0000

Realizado por Mono, colaborador y amigo.

Sentado delante del ordenador y como es tradición, desde hace bastante tiempo me dispongo a abrir la carpeta música de mi escritorio y dentro de ella otra, la de Queen. Por desgracia, la mayoría de mis coetáneos apenas recuerda algo de esta fantástica banda británica. Lo habitual es que la gente no conozca más que su cantante murió víctima del VIH y que esa canción tan repetida en las celebraciones deportivas es el We are the Champions.

Pues bien, yo no voy a dedicar este post a hablaros de cosas que podríais encontrar en cualquier página sobre Queen, (biografía, anécdotas…). Voy a hablar de lo que transmiten, lo que me hacen sentir estos cuatro seres que Dios colocó sobre la faz de la Tierra para que su música perdurase por millones de años. Me referiré esta noche al álbum “A night at the Opera”, (1975), y en sucesivos post, y con el consentimiento de mis compañeros, continuaré el recorrido por su extensa discografía.

La grandeza de esta banda reside en sus maravillosos temas, en sus continuas mezclas, en sus sobresalientes innovaciones explorando otros campos más allá del rock (los sintetizadores, la ópera o las clásicas canciones de los años 20). Nada se les resistía a Freddie, John, Bryan y Roger. Cada uno aportaba su pequeño grano de arena para confeccionar lo que voy a llamar la banda sonora de mi vida. “A night at the Opera” empieza con la gran pieza y poco conocida “Death on two legs”, dedicada a un manager que no hizo más que manejarles como muñecos y aprovecharse de ellos. Es la canción ideal para expresar todo tu odio hacia alguien, enfocarlo y lanzarle misiles como “chupasangre”, “siempre querías más”, “find a new toy”. Si tuviéramos la ocasión de agarrar un micro sería imposible superar a Freddie en uno de sus ataques verbales y la forma en la que el grupo le daba vida a la música. Así que ya sabeis, cuando querais enfocar toda vuestra ira contra alguien coged esta canción, apretarla fuertemente entre vuestros dientes y no la solteis. Con “Lazy On a Sunday Afternoon” los aires cambian, ahora lo que apetece es salir a pasear en un hermoso día soleado, pues creereis que toda la gente a la que antes atacabas ahora rebosa felicidad y amabilidad. Sus caras te sonríen, parece que nada malo te va a suceder, todo es positivismo puro y duro. ¿ Y si vas en tu coche y quieres que todo el mundo escuche una batería como Dios manda y no las que acompañan a David Bisbal? El señor Roger Taylor te hará gozar con su desgarradora voz en “ I’m in love with my car”. La sensación será que recorres una autopista con un viejo cadillac.

Con la siguiente canción recordaras quienes son tus verdaderos amigos, aquellos que te dan su amor y cariño, darte cuenta de las pocas personas que puedes guardar a tu lado. “You are my best friend” engloba todo ello y no sonaría igual si no estuviera esa guitarra tocada por el propio Freddie.

¿Y que tenemos para el desamor? Queen nos hablan de dos tipos de desamor, el de “39” y el “Love of my Life”. El primero de ellos, más que desamor es el amor platónico, aquel que no llegará, que no se consumará, que simplemente es una bonita mirada atrás en tu vida que a un año que lo marcó una especial persona. Todos guardamos en nuestro interior el rostro de ese primer ángel que enterneció nuestros corazones. Y por lo que respecta al segundo, lo calificaría de grandioso, es awesome, es una preciosa balada de un roto y herido corazón. Se ha ido la persona a la que más has amado, la que más te ha importado, ahora mismo no sabes que hacer sin ella, “Love of my life” te dirá como te estás sintiendo y te ayudará a valorar si realmente merece la pena que te lamentes o levantes tu ánimo y te muevas al son de “Lazy on a Sunday Afternoon.

Y ya por último, la mejor canción de todos los tiempos, la que mejor mezcla diferentes modalidades y ritmos, la canción con la que Freddie se despedía de este mundo. Curiosamente, quien le iba a decir a ese caballero nacido en Zanzíbar que quince años antes de su muerte estaría hablando de ella en una canción. ¿Casualidad?, ¿puro azar?, ¿o simplemente quiso dejar el mejor legado que podía mostrar al mundo? “Bohemian Rhapsody” lo tiene todo, sin duda, la perfección hecha música. Tiene un poder asombroso, te hace vibrar, estremecerte, la piel de gallina, ¿será un orgasmo? Son Queen queriendo que disfrutes con sus voces, sus instrumentos. Tus oidos se vuelven esclavos de la guitarra de Bryan . Haz lo que haré yo ahora, túmbate y cierra los ojos para que la magia te envuelva, para imaginar que Freddie te está cantando a tu lado.
Señoras y señores, espero que hayan disfrutado, en citas sucesivas les seguiré hablando de mi banda favorita, han logrado que pueda escuchar sus canciones mil y una veces sin rallarme. Larga vida a Queen, “God save the Queen”. Firmado, Mister Monkey.

Zodiacs

noreply@blogger.com (Mr. White) — Wed, 14 May 2008 15:07:00 +0000

Nuestro idioma patrio se merecía otro reconocimiento. Hoy le toca a los hasta ahora poco conocidos "Zodiacs". Nos encotramos ante una de las mejores bandas del rock español. Todavía están empezando a sacar la cabeza, pero tras una larga gira teloneando a "Fito" y los suyos, han dejado poso y el público les reclama con mayor asiduidad.
Los Zodiacs nacieron hará ocho años en Getxo, comenzaron como la mayoría de grupos, versionando a los grandes del rock internacional. Ya se les veía que tenían algo diferente. Tras unos duros comienzos en 2001 consiguen sacar su primer LP "Pinball Rock". Repleto de buenos ritmos, el disco no tiene mucha aceptación, eran los inicios, los medios insuficientes, dinero como podeis imaginar no sobraba. El desánimo no quebró al grupo y con sus innumerables conciertos captaron a cada vez más oídos sedientos de rock.
En este primer disco podemos destacar "Pinball Rock" (de ahí el título del disco), "Comebolsas", "Enfermo" y "Chicos cardiacos". Si teneis la oportunidad de escucharlos, vereis que en ellos quedaba mucho por pulir, pero tenían las bases sobre las que construir grandes canciones.
A estos grandes temas les quedaba poco para ver la luz, el esfuerzo y una dedicación plena a lo que les gustaba, la música, el ROCK. Dió sus frutos en trabajos venideros.
Tras un año complicado (2003) en el que decidieron grabar un nuevo disco con cinco canciones inéditas, pero que nunca llegó a ver la luz. Su camino se cruza con el del histórico Fernando Pardo, productor de "Sex Museum", gran banda del punk-rock nacional (para quienes no les conozcais más adelante realizaremos una entrada con crónica de alguna de sus jams veraniegas).
Consiguen sacar su segundo LP en 2004, "Golpe de Calor". Con este les llega el reconocimiento que antes les había sido negado. Canciones como "Nada sabe igual", "Chica normal", "Golpe de calor" o "Pequeña idiota" suenan con fuerza en las salas mas rockeras del país, también otros temas más tranquilos tienen su sitio, "Sangre caliente", "En la ciudad". Giran por Europa con conciertos en Francia, Bélgica, pero sobre todo es en España donde son más demandados.
Deciden cambiar de aires y se mudan a Madrid en busca de más oportunidades. Durante un 2005 repleto de bolos por todos los garitos de la capital, llaman la atención de las grandes compañías internacionales. La histórica DRO-Atlantic se fija en ellos y les sigue hasta conseguir firmarles para entrar a formar parte de su espectacular elenco de artistas (Eagles, Led Zeppelin, The Who y a nivel nacional los históricos, Jaime Urrutia, Fito, Los Ronaldos, Los Secretos, Quique Gonzalez, Calamaro...).
En 2006 sale su disco de presentación internacional, "Zodiacs", ya bajo el manto de Atlantic, consiguen el respaldo para dar un salto de calidad espectacular.
Este LP cuenta con la producción del increible Nigel Walker, quién recientemente también ha estado con "Pereza" en su último trabajo "Aproximaciones".
Este nuevo LP es un bombazo, recopila las mejores canciones de los Zodiacs, así como temas nuevos cargados de adrenalina. Os recomendamos encarecidamente "Chicas de la playa", espectacular.
Recientemente la banda anunció la salida de un nuevo disco, pero hasta hoy no ha habido más noticias. En este 2008 pretendían meterse en el estudio y sacar el LP que todos sus seguidores estan esperando desde aquel "Golpe de Calor" de 2004. Como hemos dicho el "Zodiacs" de 2006 fue más bien un recopilatorio de todos sus grandes temas (a mi gusto, no están todos los que deberían), con algunos nuevos.
Si todo continúa su camino, la banda se pone las pilas y Walker sigue en la producción, no podemos esperar menos que una auténtica joya para ese futuro (esperemos cercano) trabajo.
Os dejo "Golpe de Calor" single y título de su LP de 2004.

The Doors

noreply@blogger.com (Mr. White) — Sat, 10 May 2008 22:49:00 +0000

Ayer decidí darme un pequeño homenaje, de esos que incluyen cena con amigos, risas, discusiones, y luego como consecuencia un monumental fiestón.
Resulta que entre anécdotas y tragos acabamos en un garito un tanto indefinible. Era de esos en los que bien puedes escuchar una canción de "techno" o "house" como también puedes escuchar eso, una canción de "techno" o "house". En fín, la situación se me hacía más repulsiva por momentos, y cada vez que me acercaba el vaso, veía el culo más cerca. No encontraba el instante para abandonar aquel recinto. Por un momento pensé que mi noche se había acabado, pero grande fue mi sorpresa al comprobar que tan solo estaba comenzando. De repente, un ritmo psicodelico comenzo a deslizarse entre mis tímpanos, y una voz conocida me hacía despertar de mi letargo.
Joder, era Jim, Jim Morrison. Si señores, en ese "antro" (después de está canción no volvió nada decente) había comenzado a sonar "The End". Si algún desconocido me hubiese dicho 5 minutos antes que iban a poner este temazo, le habría tachado de loco.
Asombrosamente, se me abrieron las puertas de la noche, salimos de allí con un sabor amargo y asfixiados pero encontramos nuestro pequeño "Corner of Rock" en un local cercano. Parecía que habíamos cambiado de mundo...
Larga noche precediendo a un complicado despertar. Una sensación giratoria se apoderaba de mi cuerpo y cada vez más de mi mente. En un esfuerzo alcancé un disco de la estantería, "The doors", aquel maravilloso primer LP de una de las mejores bandas de la historia. 1967 se hacía presente en mi cuarto. Si me hubiese esforzado podría haber realizado un viaje astral (esos tan queridos por Jim) solo con los restos de las porquerías que me suministraron la noche anterior en cada uno de los bares que mis pies visitaron.

Casi sin darme cuenta, "Break on through" había pasado, resucité con los últimos coletazos de "Light my fire", justo a tiempo para la siguiente pista, "Back door man".
¡¡Coño!!, que puñetero disco. No hay otra forma de definirlo, es endiabladamente bueno, jodidamente inalcanzable y presumiblemente irrepetible.
En mi cabeza no paraban de surgir elogios, cuando por fín apareció de entre las cenizas el incombustible "The end". De nuevo volvía a conquistar mis sentidos.
Para mí es su gran canción, la que describe al grupo y más especialmente a su voz.
Captó todo lo que antes no había sido encerrado en una melodía, hizo a una generación dueña de sus vidas y libre para expresar todo lo que antes había callado.
Era el final de los años 60 y la sociedad comenzaba a desacerse de ataduras y corsés. Los Doors con sus letras y ritmos pusieron su pequeño grano de arena en el cambio que la sociedad de entonces, anhelaba.
Os dejo el directo del gran tema en cuestión. Morrison se hacía el dueño y señor de cada escenario que pisaba. Con sus bailes étnicos en ocasiones o simplemente con su impresionante presencia alumbrada por los focos.

(The End - The Doors)

The Gutter Twins- 27,04,08 Sala Heineken (Madrid)

noreply@blogger.com (Lenagan) — Thu, 08 May 2008 04:17:00 +0000

Empezar primero con mi disculpa, desaparecí durante algunos días debido a que tuve que atender algunos asuntillos que me salieron, Mr. White me ha guardado las espaldas y no desatendió nuestro querido rincón, y merece un reconocimiento.

Bueno, despues de entonar este "mea culpa" vamos al tajo, a lo que nos concierne, viajamos unos días atras y como prometí, os traigo ese trocito que llevo dentro tan solo hace unas semanas, pues Dulli y Lanegan no es que hicieran un buen concierto, ¡es que estos "monstruos" rompieron con todo!

Acompañandome un buen amigo, que me debía una (ese concierto de Lujuria al cual me arrastró debía ser recompesado) se mostraba reacio a lo que se pudiera encontrar, pero vaya que si se encontró, un concierto de los "gemelos de vientre" es algo que raya lo espiritual. No busques un concierto de rock al uso, con empujones, griterio y todo lo demás.

Las puertas se abrieron a las ocho de la tarde, y lo primero que me venía a la cabeza es quien era ese artita invitado tan misterioso que describía mi entrada... Claro, que para averiguarlo no tuve que pasar media hora o una entera esperando, ya que nadie se subió al escenario hasta las diez menos viente largas, pero se les perdona.

El público se impacientaba, y ya salía a dislumbrar los silbidos y las voces para que aligeraran, y entonces salió un chico con curiosa indumentaria, como si se tratara de ese músico cuyo papel en todas las peliculas del "far west" era tan sólo tocar la pianola antes de que se iniciase una trifulca que destrozaría todo el local.

Poca gente lo reconoció, y la verdad que por nuestro lares aún no ha alcazando la fama que este pedazo de músico merece, pues se trataba de Ed Harcourt, al cuál dedicaré una entrada en su momento, pues ese chico la merece.

Lo dió todo, la gente que no sabía nada de él se asombró, murmuraban: "y este tío de donde ha salido". Experimentó con su sonido, el sólo se bastaba con su guitarra, su sintetizador, y todo lo que se le ocurriese, pues incluso llego a utilizar un microfono de locutor de radio de los años 50. Sus canciones empezaban con una tranquilidad pasmosa y fluían hacia una rabia y una magnifica improvisación que te hacían pensar que si este tio cambiaba de canción sin pausas.

Pero el público había ido para lo que había ido, y querían que salieran los que tanto se hacían de rogar.

Quien no conozca a Mark, pensará que de que va, pero Mark es así, y si se tiene que echar su pitillo en la oscuridad mientras el equipo de sonido ultimaba los detalles, y el público le gritaba, se lo echa como si estuviera en su casa y nadie estuviera allí.

Por los altavoces empezó a sonar la intro la cuál han elegido para salir al escenario en su gira, y alli estaban los dos. Greg saludó al publicó con un "Buenas noches Madrid", Mark cogió su microfono, cerró los ojos y de allí no se movió, pero ya le conocemos, solo nos habló cuando Dulli le instó a ello mientras presentaba cada miembro de la banda.

La primera parte del concierto consistió en bombadear todos los temas de su nuevo album, haciendote pensar que si habían puesto el disco, pues era impresionante como sonaba eso, joder, "Idle Hand" puso a vibrar a todo el público, "All misery/flowers" no tenia comparación en directo, una tranquila " Seven Stories Underground" te enmudecía y tan sólo podías quedarte allí de pie escuchando como un bobo deseando que esto nunca acabase.

Greg conectaba con el público, se movía sobre el escenario, no paraba de darnos las gracias por nuestra acogida, se acercaba a las primeras filas, se ve que él se encarga de esa faceta por los dos. Y ojo, no critico en ningun momento a Mark por su actitud, pues quienes le seguimos desde hace tiempo sabemos que él es asi, y eso le hace especial, su voz en directo se te mete dentro de tu cuerpo.

Pero amigos mios, lo mejor estaba por llegar, cuando acabaron los temas de Saturnalia, entraron en el backstage, y cuando aparecieron, trallazo del quince, pues empezaron a alternar temas correspondientes a la carrera musical de cada uno. Cuando Mark empezo a entonar las primeras notas de "Shadow of the Season" te volvías loco, esto parecía que estabamos en Seattle, en los 90s, en un concierto de los grandiosos Screaming Trees.

La gente se rindió a ellos, se notaba que disfrutabamos con esto, que los seguidores de The Gutter Twins somos seguidores de estas dos fieras, cualquiera de los dos, porque Greg nos ofreció "Black love", una de sus mejores canciones, y esto iba a explotar.

"Hit the city" y "Methamphetamine Blues", del ultimo trabajo de Lanegan en solitario, "Bubblegum", sustituyendo a PJ Harvey y Joshua Homme nuestro querido Greg, fue el mayor regalo que nos podía ofrecer.

Exhaustos ya, tuvimos que despedirnos de ello, fue el concierto esperado y no creo que nadie saliera de allí insatisfecho, combinaron bien donde debía ir cada tema, haciendo de algunos momento un subidón de adrealina, y en otros calmando toda la tempestad. Un concierto que como ya vaticine, fue recomendabe e inolvidable, y espero que nadie que aprecie su música se lo haya perdido. En fin, esto merece una califiación de excelente, y si me lo permiten, de putos amos.

Iggy Pop

noreply@blogger.com (Mr. White) — Wed, 07 May 2008 11:22:00 +0000

Hace ya tiempo que el señor James Newell Osterberg y su banda de "punk" los Stooges no sacan un disco en condiciones. Parece que el talento se les olvidó, varado en algún escenario o entre restos de drogas y alcohol de una larga noche.
Ahora mismo tengo en mis manos la reedición de su preciado "TV eye 1977 live". Que tiempos aquellos, la verdad que el sonido no pasa de ser meramente aceptable, pero lo suficiente como para percatarnos e imaginar a "Iggy" tirandose entre el público en uno de sus inumerables "stage diving".
El disco comienza con un aperitivo "TV eye" de lo que viene para encontrarnos al pasar de pista con el demoledor "Funtime" en el que Iggy y David Bowie despliegan todo su poder.
En la número siete vemos una inconfundible "Nightclubbing" también con Bowie, pero finalmente aparece un relampago atronador en "I wanna be your dog". Impresionante, cuantas más veces escuchas este himno atemporal, mejor parece.
Iggy Pop es de esos pocos que comparte el trono reservado para los dioses del punk setentero, The clash, Sex Pistols...para esos ritmos desgarradores que tuvieron sus origenes en las comunas de Detroit pero que encontraron su hueco en la historia con estas bandas.
En este disco se echa de menos un "Search & Destroy", pero bueno que se le va a hacer, no todo cabe en un disco. Desde que en 2003 sacara su último LP "Skull Ring" no se ha vuelto a saber más de el. Inumerables conciertos, pero nada más.
O esta preparando una auténtica joya o finalmente ha decidido que es hora de colgar el microfono, quizás su momento se ha pasado. Y Iggy es consciente de ello (mejor así y no como otros que siguen sacando "basura" y viven a costa de lo que fueron).

Ahí va ese gran tema.

(I wanna be your dog - Iggy Pop and The Stooges)

Black Sabbath

noreply@blogger.com (Mr. White) — Wed, 30 Apr 2008 23:49:00 +0000

Hoy se cumple la primera semana de vida de nuestro querido "Corner of Rock". Muchas gracias a todos lo que nos visitais con asiduidad, (ya superamos las 500). En este tiempo hemos recordado a nuestro modo grupos y canciones de ayer y de hoy.
Hemos tratado conciertos, discos,...pero bueno, tampoco debo, ni puedo enrollarme mucho, como ya he dicho solo es una semana lo que llevamos en este mar de información.
Por cierto, hablando de conciertos, os adelanto que en breve tendremos la crónica del directo que "The Gutter Twins" dieron en la sala heineken de Madrid el pasado domingo. Sentimos el retraso pero diferentes problemas técnicos nos han impedido realizarla antes.
A lo que iba, estamos de "celebración" y parece que los astros se han alineado porque la llegada de un superhéroe a la gran pantalla (IronMan) ha traído consigo a los míticos "Black Sabbath". Como sabreís el tema principal de la banda sonora es el revolucionario "Iron Man" de aquel primer disco e inolvidable "Paranoid", con el que esta banda de Birmingham se dió a conocer al mundo en 1970.
Ozzy Osbourne, esa inconfundible voz y figura del "Heavy Metal" ahora hace la guerra por su cuenta. Lleva ya tiempo alejado del manto de la sombra "Sabbath". En 2007 editó su último disco de estudio "Black rain". Nada nuevo bajo el sol, a mi entender una mera copia de lo pasado con un toque a comercial que lo hace en ocasiones deleznable. Lo único salvable su voz, pero Ozzy, no estás para estos trotes. Haz algo grande y no destruyas los cimientos sobre los que te sostienes.
Por su parte el otro pilar de la composición originaria del grupo, Tony Iommi (Guitarra), ha estado trabajando en los últimos años en su programa de radio "Black Sunday" en una conocida emisora del Reino Unido.

Pero la historia de los "Black Sabbath" no se acaba con Ozzy. En 1979 tras unos continuados conflictos internos, Osbourne fue expulsado del grupo. Ahí empieza la etapa del magnífico Ronnie James Dio, muy breve, todo hay que decirlo (este venía de "Rainbow" donde compartió escenario con el gran Blackmore), realizaron el expléndido album de estudio "Heaven and Hell" y tras unos efímeros años también fue expulsado de la banda. Tras este suceso, el grupo decidió dar por finalizada la trayectoría de "Black Sabbath".
Esto no ha impedido que en ocasiones se hayan reunido para dar conciertos. Desde "Corner of Rock" os adelantamos que Dio pretende dar una serie de "jams" junto a Iommi en el 2009. Ojala entre sus citas este una con el público español.

Aquí va la canción prometida.

(Iron Man - Black Sabbath)

Deep Purple

noreply@blogger.com (Mr. White) — Tue, 29 Apr 2008 12:50:00 +0000

Creo que ha llegado el momento, y se ha dado el caso de que este es el lugar idóneo para rendirles un pequeño homenaje. Blackmore, Gillan...ya era hora que tuviesen su gloriosa entrada en esta no menos gloriosa página.

Que mejor que este 2008 para honrarles. En este año en el que nos encontramos inmersos se cumple el 40 aniversario de la fundación de una de las bandas más importantes del ROCK (con mayusculas, porque esto si que era diosístico).
Por cierto se ha rumoreado con una gira por el aniversario, cosa que desde "Corner of Rock" nos atrevemos a desmentir. Las relaciones entre el histórico guitarrista Blackmore y el cantante Ian Gillan, continuan estancadas. Blackmore ahora se dedica a tocar música celta con su actual esposa. Glover, el teclista, hace ya tiempo que decidió retirarse. En la actualidad el único que parece seguir con ganas es Paice el batería, dados sus inumerables "jams" por amor al arte.
Está claro que los escenarios, la música, el rock en definitiva desgasta.
Gillan, (del que el mismísimo Pavarotti dijo, "no conozco a nadie que pueda subir tanto como el en Child in time") continua con la idea de girar con Deep Purple como ya hizo en el 2006, tour que los llevó hasta Madrid y que "Corner of Rock" pudo vivir en directo. Pero está claro, las insalvables diferencias con Blackmore hacen que en la actualidad, la vuelta de la banda con su composición original se hace casi imposible, es el "problema" de tener a dos astros en una misma banda.
Solo nos queda rezar, para que este grupo endemoniado de músicos decidan volver a unir sus talentos y deleitarnos con alguno de sus espectaculares conciertos.

Ahí va uno de sus espectaculares directos. Es en 1972, en Japón durante la gira en la que grabaron el disco en directo "Made in Japan". Uno de los directos más importantes de la historia.

(Highway Star - Deep Purple)