Corsi e Rincorsi

Helmet Girls: il secondo artbook di Camilla d'Errico edito dalla Dark Horse Comics

2012-02-28T20:55:00.003+01:00

Nella giornata di ieri Camilla d'Errico ha annunciato l'uscita, programmata per la prossima estate, del suo secondo artbook, Helmet Girls, per la Dark Horse Comics. Oggi la stessa artista ha messo a disposizione del suo pubblico la copertina del suddetto artbook sulla sua pagia facebook.

"To me Helmetgirls defines me as an artist, and I imagine these girls existing in a world quite unlike ours. I have so much artwork based on these headgear obsessed maidens that we decided to give them their own art book. I hope to one day have a figure based on a Helmetgirl, it would be amazing!. Sono le parole di Camilla d'Errico in una recente intervista.

Helmet Girls non solo rappresenta il seguito di Femina e Fauna (anch'esso edito dalla Dark Horse Comics) ma anche l'artbook per eccellenza, simbolo dell'arte di Camilla d'Errico. La stessa infatti si fa chiamare su twitter proprio Helmetgirls come a sottolineare il fatto che le ragazze da lei dipinte con bizzarri copricapo sono il suo alter ego. Una fusione tra artista e opere, ma se vogliamo estendere l'espressione anche tra lavoro e vita privata.

Camilla d'Errico ha dimostrato più volte di essere un'artista a tutto tondo, la cui versatilità e flessibilità è dimostrata dai continui progetti da lei stessa realizzati, inizialmente attraverso il self-publishing (si parla degli inizi della sua carriera, dieci anni fa) e ora grazie alla Dark Horse Comics. Infatti al momento Camilla d'Errico ha dichiarato di essere alle prese con il secondo romanzo grafico di Tanpopo (inizialmente autopubblicato), sta lavorando anche ad un altro progetto fumettistico, insieme alla sorella: ogni capitolo è tratto da un mestro della letteratura. Camilla d'Errico ha dichiarato di aver appena finito un capitolo tratto da un racconto di Edgar Allan Poe.

Ma intanto godiamoci l'artbook Helmet Girls!

Steve McCurry al Marco Testaccio: il suo viaggio nel mondo tra guerre, dolore e solitudine

2012-02-28T15:08:00.001+01:00

Quando ho scritto l'articolo di presentazione della mostra di Steve McCurry al Marco Testaccio di Roma immaginavo che, una volta visitata, ne sarei rimasta fortemente colpita. Mai però avrei creduto in un tale coinvolgimento. L'ex Mattatoio di Roma, palcoscenico, negli ultimi anni, di mostre, spettacoli ed eventi, attraverso le fotografie del grande Steve McCurry si è trasformato in un luogo altro. Non si ci trova nella capitale d'Italia, neppure in Europa o in qualche altra città del mondo, improvvisamente si ha la sensazione di essere sospesi in un limbo creato dalla forza e dall'energia scaturite da queste fotografie.

Le luci soffuse accompagnano l'osservatore tra una sezione e l'altra della mostra. Piccole grotte metalliche sulle cui pareti sono affisse le fotografie, scattate dagli anni Ottanta ad oggi, di mondi lontani anni luce da noi. Ci si sente infinitamente piccoli e stupidi, stretti nelle nostre misere e scellerate preoccupazioni quotidiane davanti a un bambino peruviano che impugna una pistola e se la porta alla tempia. La foto risale al 2004, le sue lacrime sono il dolore di tanti soprusi, di una vita che non possiamo neppure immaginare. Accanto a questa foto ce ne sono altre che immortalano bambini afgani mentre impugnano dei mitra, con l'autorevole incoraggiamento di adulti che, accanto a loro, li incitano (forse con lo sguardo più che con le parole) ad una violenza che si attacca alla pelle e striscia nei sogni di tanti bambini innocenti.

Non si può restare indifferenti di fronte ad un soldato carbonizzato (fotografia scattata nel Kuwait a metà degli anni Ottanta). Quel ragazzo, probabilmente ventenne, è stato il figlio di qualcuno, ha avuto genitori che lo hanno cullato per anni, lavato, vestito, genitori che lo hanno seguito nella sua formazione scolastica, genitori a cui, all'improvviso, è stato negato il diritto di fare i genitori. Ancora una volta la violenza che, in situazioni e con modalità differenti, si insinua nella vita di giovani ragazzi.

La mostra continua e, talvolta, sembra voler regalare qualche distrazione dalla tensione emotiva creatasi grazie ad alcune fotografie scattate in Italia a Villa Borghese (i due innamorati che si baciano) oppure di fronte a Fontana di Trevi (dall'interno del famoso Hotel che si affaccia proprio sulla Piazza) per non parlare di immagini simbolo della sacralità siciliana o delle tradizioni popolari del meridione.

Ma poi si riprende e le successive rappresentazioni fissano sulla pellicola la solitudine di luoghi remoti, ai confini della Terra. Tra queste fotografie quella che mi ha colpito riguarda il negozio di astrologia di un signore indiano, negozio fatiscente che si affaccia sull'Oceano. I suoi occhi, rivolti alle acque scure, sembrano parlare una lingua a noi sconosciuta.

Credo che non ci sia altro da aggiungere, le immagini parlano da sole. Il viaggio di un uomo, Steve McCurry, che ha visto molto più di ciò che le fotografie svelano. Un Marco Polo d'altri tempi, che indaga anche la violenza e il dolore.

Le fotografie di Martin Klimas: dipingere con il suono

2012-02-27T22:29:00.001+01:00

Baricco nel suo ultimo libro, Mr Gwyn, edito da Feltrinelli, racconta di uno scrittore che decide di scrivere ritratti e non più romanzi. Scrivere ritratti? Direte voi, proprio così. E se quello di Baricco è un libro, quindi immaginazione, magari permeata di alcune tracce autobiografiche, quello che ho letto qualche giorno fa in un articolo riportato dal New York Times è pura realtà.

Il fotografo tedesco Martin Klimas dipinge con il suono. Come? Mettendo vernice colorata su un materiale traslucido poggiato, a sua volta, su di un altoparlante. Le vibrazioni del diffusore non solo fanno oscillare la vernice ma la lanciano in aria, creando delle vere e proprie fontane colorate che Martin Klimas fotografa puntualmente.

Le fotografie si trasformano in immagini astratte di canzoni: da Miles Davis a Kraftwerk la playlist è lunga e... colorata. Lavorando di fantasia l'arte diventa creatività allo stato puro.

Il Surrealismo di Chuck E. Bloom: dagli intermezzi idilliaci terreni al mondo incontaminato

2012-02-27T19:53:00.002+01:00

Da Jeremiah Morelli a David Stoupakis passando per Alexander Jansson: questi osno gli autori a cui ho pensato osservando gli acrilici su tela di Chuck E. Bloom. Nativo dell'Ohio, vincitore dei premi Evelyn Cook Weber Prize e Scotty Flamm Awart for Excellence in Art, il surrealismo di Bloom potrebbe aver poco a che vedere con la lowbrow art e il pop surrealism di cui spesso si tratta in questo blog, nonostante ciò le sue opere sembrano richiamare lo stile degli autori sopra citati ma anche di Salvador Dalì, esponente indiscusso del surrealismo.

"Prima ancora di terminare il quadro, la visione è già svanita dalla mia mente. Posso solo sperare di aver capito abbastanza del messaggio e che questo possa aiutarmi a terminare il lavoro". Sono parole, quelle dell'artista, che fanno intendere quanto, dietro a un lavoro dove fantastico e immaginario sono gli ingredienti principali, la fatica e lo sforzo rappresentino gli aspetti di un lavoro concepito in momenti irrazionali ma delineato dalla ragione e dalla forza di volontà dell'artista stesso.

"Spesso i miei dipinti sono stati erroneamente interpretati come illusionistici" Erroneamente, afferma Chuck E. Bloom. In quanto la materia di cui sono fatti i sogni non è illusione, si tratta di realtà, una realtà altra. E allora ecco che, attraverso le sue tele, l'osservatore più attento viene condotto in luoghi dove le leggi vengono sovvertite con equilibrio.

Chuck E. Bloom si definisce un surrealista in quanto egli presenta il mondo così come i suoi occhi lo vedono e così come il mondo si presenta all'artista stesso.

Leggendo alcune interviste Chuck E. Bloom appare una persona pacata e riflessiva, un buon osservatore. L'irrazionale sembra scaturire dal suo stesso equilibrio merito, probabilmente, dei suoi studi in psicologia e quindi della sua maestria nel trattare certi tipi di argomenti. Tuttavia egli non si è buttato a capofitto nel surrealismo fin dagli inizi dei suoi studi. Il percorso formativo lo ha visto dapprima appassionato e interessato ad artisti come Pollock e Rothko e solo successivamente da artisti più propriamente surrealisti come Yves Tanguy, Remidios Varo e Leonora Carrington.

Gli archetipi del surrealismo di Chuck E. Bloom ruotano attorno alla natura, la vera protagonista delle sue tele. "Molto semplicemente io amo gli alberi e sento una grande affinità con loro" ha dichiarato l'artista. Mentre il capitalismo mira, secondo Bloom, a sfruttare al massimo la Terra traendone profitti senza badare alle leggi del rispetto della natura, Bloom vuole invece dare un'immagine diversa della Terra. Oltre alla natura, nei suoi quadri compaiono spesso porte e finestre, ma anche tetti e orologi: queste "strutture rappresentano due cose: primo, la storia che si perde quando ci si dimentica di imparare dal nostro passato e in secondo luogo lo splendore che risiede nelle cose comuni. Ci sono cose che guardiamo un centinaio di volte al giorno ma la nostra mente è concentrata su altro. Porte e finestre sono passaggi dall'esterno verso l'interno, da un luogo ad un altro".

Bloom parla di porte e finestre come di "orizzonti in tempesta", "intermezzi idilliaci", "la speranza di un altro mondo incontaminato e il ricordo di ciò che si è lasciato alle spalle. Si tratta di opportunità o la mancanza di opportunità".

Iniziando la settimana con una buona dose di Street Art

2012-02-27T18:48:00.001+01:00

Gli Street Artists Os Gemeos.

Fonte: www.osgemeos.com.br

Appuntamento con l'arte: MondoPop si trasforma in un Atelier Popsurréaliste

2012-02-23T15:56:00.001+01:00

Lostfish

Baudelaire narrava in versi il meraviglioso, l'onirico, quella forza illogica e irrazionale necessaria per superare il trauma causato dagli avvenimenti di fine Ottocento. Qualche decennio dopo André Breton ricorderà il meraviglioso baudelaireano riconoscendo, tuttavia, che "solo il meraviglioso è bello". E' da qui che dobbiamo partire per capire quale magnifico prodigio si compirà a MondoPop, la galleria romana di via dei Greci, teatro del pop surrealism e della lowbrow art.

Sarà proprio il pop surrealism ad assurgere a ruolo di protagonista trasformando, come hanno voluto gli stessi curatori della mostra, David Vecchiato e Serena Melandri, la Galleria di via dei Greci in un Atelier Popsurréaliste in cui la pittura e l'arte immaginifica francese rappresenteranno il fil rouge che unirà i dodici artisti chiamati ad esporre le loro opere.

Ciou

Ciou, Lostfish (per citare i miei preferiti) ma anche David "craiion" Monteiro, Bunka, Zelda Bomba, Malojo sono solo alcuni dei nomi che esporranno alla Galleria MondoPop. Dalla lowbrow al pop surrealismo, dal design di stampo americano all'urban art... ce n'è per tutti i gusti! Grazie ad un linguaggio iconico che trae spunto dal fumetto, dai manga, dalla street art e da tutto ciò che di artistico c'è in circolazione, le opere rappresenteranno un percorso visivo che condurrà per mano l'osservatore accompagnandolo nel meandri del pop surrealism francese.

Immagini provocatorie, bizzarre, talvolta violente faranno da scenografia alla Street Room di via dei Greci. MondoPop Gallery inaugurerà l'Atelier Popsurréaliste il 17 marzo alle ore 19. L'atelier sarà aperto al pubblico fino al 28 aprile.

Dal Postmoderno al Realismo: Maurizio Ferraris ne discute con Emil Angehrn all'Istituto Svizzero di Roma

2012-02-23T13:44:00.002+01:00

Maurizio Ferraris

“Non si può fare a meno del reale, del suo starci di fronte e non essere disponibile a negoziare. Sia quello che sia, ci renda felici o infelici, è qualcosa che resiste e che insiste, ora e sempre, come un fatto che non sopporta di essere ridotto a interpretazione, come un reale che non ha voglia di svaporare in reality”

Da questo presupposto Maurizio Ferraris, professore ordinario di Filosofia teoretica all'Università di Torino, (dove dirige il LabOnt - Laboratorio di ontologia), si confronterà con Emil Angehrn, editorialista del quotidiano La Repubblica, che ha scritto oltre quaranta libri tradotti in più lingue.

“Al di là del fare c’è ciò che succede a noi, al di là dello sguardo ciò che si mostra, al di là delle interpretazioni ciò che ci parla”. Sono le parole di Emil Angehrn. E l'incontro, che si terrà all'Istituto Svizzero di Roma, si preannuncia interessante ma soprattutto illuminante attorno ad un tema, il postmodernismo e il new realism, di cui si è discusso e scritto molto in seguito al manifesto del New Realism scritto dallo stesso Ferraris e apparso l'8 agosto sul quotidiana La Repubblica.

Da mesi linguisti, professori, scrittori, studiosi, giornalisti, ma anche parlamentari si sono accaniti, scontrati, riuniti, ma comunque tutti hanno detto la loro sul postmdernismo. Il 29 febbraio alle 18.30 presso l'Istituto Svizzero di Roma si avrà la possibilità di discuterne direttamente con l'autore del Manifesto del New Realism, Ferraris appunto, e l'editorialista Emil Angehrn.

Da Aosta a Roma: Andy Warhol in mostra nelle città italiane. Omaggio a 25 anni dalla morte

2012-02-22T22:39:00.003+01:00

A venticinque anni dalla morte, in seguito ad un intervento chirurgico alla cistifellea, Roma ha deciso di ricordare il padre della Pop Art, Andy Warhol, con una mostra alla Galleria Nazionale d'arte moderna dal 12 giugno al 9 settembre. Andy Warhol Haedlines esibirà le opere di Warhol mettendo in relazione le sue capacità artistiche con i mass media passando per "simboli linguistici". Accantonate le immagini che lo hanno reso celebre in tutto il mondo, come quella di Marilyn, Roma vuole rendere omaggio a questo artista analizzando i punti in comune con la poesia ma anche e le collaborazioni con altri artisti.

Locandina della mostra a Aosta

Nonostante ciò, Roma è consapevole che sono proprio le icone di personaggi famosi a renderlo, tuttora, celebre anche alle nuove generazioni: Liz Taylor, Jacqueline Kennedy, oltre a Marilyn, hanno un immenso valore, parlando da un punto vi sa strettamente economico. Sul piano teoretico, invece, le opere sono meravigliosamente rappresentative di un'arte che vuole essere spremuta, utilizzata, forse anche saccheggiata.

Dopo aver iniziato la sua carriere come grafico presso Vogue, Hsrper's Bazar e Glamour, realizza i suoi primi dipinti che risentono della cartellonistica dell'epoca, oltre che del fumetto. Il linguaggio immediato, ad effetto, quella capacità di colpire l'attenzione del pubblico con motti puliti, lontani dalla retorica che, tuttavia, attingono proprio il loro significato dal pubblico stesso, dalle sue esigenze e bisogni. Con Andy Warhol prende avvio la Pop Art americana che conoscerà, grazie a molti artisti, ampia fortuna imponendosi, ben presto, a livello internazionale come l'avanguardia del secolo.

Come si è visto un paio di settimane fa, Andy Warhol è presente anche nella mostra di San Marino dedicata alla Pop Art Americana. E a lui è dedicata da mostra al Centro Saint-Benin di Aosta, Dall’apparenza alla trascendenza, aperta al pubblico fino all’11 marzo, in cui viene ripercorsa la sua carriera attraverso le opere più famose. Da nord a Sud, l'Italia rende omaggio a questo grande artista, scomparso troppo presto.

Quando la fotografia non smette mai di stupire

2012-02-22T14:54:00.001+01:00

Fonte: http://www.r-e-l-i-c.com/

Mardi Gras: Street Chandelier di Werner Reiterer. Quando si dice l'arte di strada

2012-02-21T15:40:00.001+01:00

Immaginiamo di svegliarci ogni mattina, aprire la finestra della camera e trovare questo enorme lampadario, assai lussuoso e sfarzoso, proprio di fronte a casa nostra. E' probabilmente quello che vedono coloro che vengono ogni sera illuminati dalla luce di questo lampadario.

Realtà o magia da Photoshop?

La redazione di Juxtapoz Magazine, che ha pubblicato questa fantastica foto, ne sa qualcosa in più: l'artista dello Street Chandelier si chiama Werner Reiterer, è austriaco e dal 2006 la sua arte è orientata a ricreare e trasfigurare gli spazi urbani. Quello che, a primo acchito, potrebbe apparire come un paesaggio banale e totalmente privo di significato viene rimodellato, grazie all'ingenio di Werner Reiterer. Ciò che si ottiene è un paesaggio surreale, bizzarro, sognante. Improvvisamente sembra di trovarsi in una fiaba, dai tratti noir.

Chapeau all'artista, Werner Reiterer!

Pale Winter: una lettura collettiva de Il Re Pallido per festeggiare i 50 anni di David Foster Wallace

2012-02-21T00:49:00.001+01:00

In occasione del cinquantesimo compleanno di David Foster Wallace, pubblico questo articolo interessante apparso su Nazione Indiana. Chiunque volesse rendere omaggio a questo scrittore non deve far altro che leggere quanto segue:

L’Archivio DFW Italia, lancia l’iniziativa ‘Pale Winter’: lettura collettiva de “Il Re Pallido” di David Foster Wallace.

Il 21 Febbrario del 1962 nasceva lo scrittore americano David Foster Wallace e in occasione del suo 50simo compleanno un gruppo di affezionati lettori darà il via ad una lettura ragionata del suo romanzo postumo, “Il Re Pallido”, pubblicato lo scorso anno, tradotto in Italia dalla casa editrice Einaudi.

La lettura comincerà a partire da oggi, 21 febbraio, e dal 3 Marzo, ogni sabato, per 12 settimane, ognuno dei partecipanti pubblichera’ un intervento sul sito dell’Archivio DFW Italia. Naturalmente commenti e interventi saranno aperti a tutti i lettori italiani di Wallace che sono invitati ad unirsi all’iniziativa: una pagina Facebook e un Google Group verranno aperti per l’occasione, dando altre possibilità di interagire a chiunque lo volesse.

La lettura collettiva vuole essere un omaggio ad uno scrittore che in Italia conta un seguito di lettori attenti e affezionati, anche grazie al prezioso lavoro, abbastanza unico nel panorama mondiale, soprattutto delle case editrici Fandango, Minimum Fax, ed Einaudi, che hanno tradotto e pubblicato i suoi libri già alla fine degli anni ’90.

Come procedere. Procuratevi una copia de “Il Re Pallido”, e cominciate a leggerlo, e nel frattempo visitate il sito dell’Archivio DFW Italia, dove troverete materiali e informazioni interessanti. Dal 3 marzo in poi potrete cominciare a postare i vostri commenti.

Info e contatti:

http://archivio-dfw.tumblr.com/,

e-mail:archivioDFW@gmail.com,

google group: http://groups.google.com/group/palewinter/

Fonte: www.nazioneindiana.com

Rileggere il degrado: Peripheral Stages. Tobias Zielony e Mohamed Bourouissa in mostra al Maxxi a Roma

2012-02-20T20:34:00.000+01:00

Tobias Zielony

Ne ha parlato due settimane fa Roberto Saviano durante la sua breve, ma intensa, apparizione televisiva a Che tempo che fa: Scampia è un luogo dove le associazioni trasudano creatività, in cui raccontarsi e confrontarsi significa smettere di subire il terrorismo e l'illegalità generati dalla mafia e iniziare a scrivere una nuova pagina che sia rappresentante di un nuovo volto della periferia napoletana, che vuole costruire sulla cultura il suo futuro.

Ebbene, oggi Scampia diventa palcoscenico per l'arte di Tobias Zielony. Fotografo tedesco formatosi in Galles e successivamente all'Università di Lipsia, ha composto più di settemila scatti tra il 2009 e il 2010 proprio nel quartiere di Scampia, soffermando l'attenzione su edifici, case, palazzi, magazzini ma anche strade e piazze, che vengono trasformati e trasfigurati dalla presenza dei giovani. Luoghi fatiscenti e spesso dimenticati dai molti, luoghi in cui gli stessi ragazzi sembrano aver perso i punti di riferimento, rischiando di isolarsi ancor più dentro un guscio che odora di stantio ma che rappresenta pur sempre una casa.

Tobias Zielony

Esclusione, emarginazione, degrado urbano e sociale viene rintracciato anche da Mohamed Bourouissa. Fotografo algerino, laureato alla Sorbona, specializzatosi in fotografia all'École des Arts Décoratifs, tratta queste tematiche con un piglio più tecnico, che mira alla sostanza, all'effetto immediato sull'osservatore: la periferia come ricettacolo di stereotipi e pregiudizi frutto di una cattiva educazione mediatica. Mohamed Bourouissa ha il merito di aver messo nelle mani del pubblico una testimonianza preziosa: il video che racconta un anno di comunicazione tramite cellulare con un detenuto in una prigione francese.

Mohamed Bourouissa

Concretezza e immediatezza ma anche poetico lirismo: l’emarginazione sociale e il degrado sono fenomeni che esistono nelle periferie (ma anche nelle città e da questo punto di vista il dibattito si potrebbe ampliare) tuttavia non vengono distorti dai due fotografi come spesso fanno i mass media. Al contrario l'originalità sta nella ricerca della bellezza alternativa insita proprio nelle periferie. Superare il pregiudizio per cui periferia è sempre e comunque sinonimo di sole barbarie e guardare, con spirito critico, anche alla bellezza che si cela nelle periferie stesse.

Mohamed Bourouissa

La ricerca nelle periferie fatta dai due fotografi si è tradotta in una mostra, inaugurata il 16 febbraio e aperta al pubblico fino al 27 maggio. "Peripheral Stages. Tobias Zielony e Mohamed Bourouissa" sarà al Maxxi-Museo nazionale delle arti del XXI secolo, a Roma (via Guido Reni).

Pop Surrealismo in mostra alla Fondazione Stelline di Milano: La natura squisita. Ai confini del pop

2012-02-20T14:55:00.002+01:00

Fulvio Di Piazza

Il Pop Surrealismo calca la scena artistica milanese grazie alla mostra La natura squisita. Ai confini del pop, curata da Alberto Mattia Martini e Julie Kogler, aperta al pubblico fino al 25 febbraio. Tre gli artisti che esporranno, venticinque le opere che si potranno ammirare. Il fulcro della mostra sarà la natura come forza creatrice del cosmo e non solo.

Già Magritte realizzava quadri in cui la natura era al centro dell'attenzione, ora in chiave metaforica ora in chiave simbolica. E proprio Milano, parecchi anni fa, ha omaggiato Magritte con una mostra personale dedicata proprio al ruolo della natura presente nelle sue opere. Dal surrealismo al pop surrealismo la strada sembra breve ma, come si è più volte visto tra le pagine di questo blog, non è affatto così. Anni di storia dell'arte sono intercorsi e se per Magritte la natura non aveva una vera e propria valenza psicoanalitica ma poteva essere la spunto per un viaggio onirico in mondi altri, per gli artisti che esporranno a Milano fino al 25 febbraio la natura sembrerebbe avere riscoprire l'inconscio archetipico proprio dell'arte di Salvador Dalì.

Nicola Verlato

Fulvio Di Piazza, Marco Mazzoni e Nicola Verlato: i nomi degli artisti che presenteranno le venticinque opere nelle quali la natura è selvaggia, dominatrice, prepotente, ma anche umana e vicina agli echi dell'uomo. Le opere di Verlato, Di Piazza e Mazzoni sono icone di un mondo irreale, un mondo che si rifugia nell'inconscio per trovare una ragione al suo stesso esistere.

Marco Mazzoni

Fulvio Di Piazza, considerato un moderno Arcimboldo, crea quadri in cui la natura si anima e l'elemento fiabesco fa da cornice a un surrealismo lirico che si avvicina, reinterpretandole, alle opere di Dalì. Di stampo decisamente pop surrealista sono invece i quadri di Nicola Verlato, in cui le tecniche moderne (3D e arte digitale) si sposano con una visione artista che risale alle opere di Michelangelo e alla filosofia antica. Marco Mazzoni ha deciso di trarre ispirazione dal volume eretico rinascimentale Malleus Maleficarum, rappresentando la natura come parte integrante del corpo dell'uomo, quasi un completamento dello stesso corpo umano.

I quadri di Fulvio Di Piazza, Nicola Verlato e Marco Mazzano saranno alla mostra La natura squisita. Ai confini del pop presso la Fondazione Stelline di Milano fino al 25 febbraio.

Il suono della luce: Kim Minjung in mostra al Macro - Testaccio (Roma)

2012-02-20T11:47:00.001+01:00

Un'arte iconica, quella orientale, che qualcuno ha voluto chiamare "retorica della discontinuità" alludendo ai cosiddetti vuoti di colore che spesso cedono il posto alle zone dove il colore invece abbonda ed è ricco di sfumature. Il luogo della metafora, dell'incanto puro. E' quello a cui si potrebbe pensare quando si osservano le opere dell'artista coreana Kim Minjung, che ha inaugurato la mostra personale al Macro - Testaccio (Roma) il 25 gennaio e sarà aperta al pubblico fino al 4 marzo.

Il suono della luce. Il titolo della mostra evoca percezioni e attività sensoriali che potrebbero essere in contrasto tra loro tuttavia, vista e udito, nell'arte di Kim Minjung, si fondono per celebrare quelli che Roberto Borghi ha definito i "fondamenti dell'immagine". La congiunzione di pieno e vuoto si riversa sulla carta di riso (materiale utilizzato da Kim Minjung) e si concretizza attraverso l'utilizzo dell'inchiostro. Espandendosi sulla carta di riso, l'inchiostro rappresenta, metaforicamente, l'energia e la forza psichica.

L'energia e la forza psichica alla quale fa riferimento Kim Minjung conservano un'accezione del tutto orientale, abbracciando l'arte e il pensiero zen: ci si addentra in un luogo in cui l'uomo si ricongiunge con il cosmo, ritrovando se stesso. L'artista coreana, infatti, tende a dipingere sempre a terra, testimonianza del suo legame con la cultura orientale secondo cui la terra è, sempre da un punto di vista metaforico, la base per qualsiasi dipinto.

Per questo si capisce come, per Kim Minjung, ricongiungersi con il cosmo e abbracciare l'energia e la forza psichica che provengono da una zona recondita di noi stessi non rappresenta un percorso fatto da ostacoli, difficilmente riconoscibile e rintracciabile, bensì un naturale e, quasi, fisiologico cammino il quale può essere raccontato attraverso le percezioni sensoriali. Le opere di Kim Minjung potrebbero essere definite come dei manifesti comunicativi di ciò che le nostre percezioni rendono esplicito.

Metafora, evocazione ma anche retorica orientale: questa è l'arte di Kim Minjung . L'artista, tuttavia, avendo studiato anche a Milano, ha saputo magistralmente assemblare l'arte orientale con le tecniche e il sapere occidentali, approfondendo e riflettendo non solo sul suo ruolo di artista ma anche e soprattutto sul ruolo dell'arte e ciò l'arte stessa può svelare all'uomo.

Il suono della luce, mostra personale di Kim Minjung, sarà aperta al pubblico fino al 4 marzo al Macro - Testaccio (Roma).

Romano Cagnoni, fotografo dell'esistenza in mostra alla nona edizione di Seravezza Fotografia

2012-02-15T20:48:00.002+01:00

Harold Evans, giornalista, editor del Sunday Times oltre che scrittore, lo cita nel suo libro, Pictures on a Page, come uno dei fotografi più importanti accanto a Cartier-Bresson, Bill Brandt, Don McCullin ed Eugene Smith; premiato in America con l'Overseas Press Award, riconosciuto in Germania e in Italia, Romano Cagnoni non è solo un fotografo italiano eccezionale ma anche colui che meglio è riuscito, e riesce tuttora visto il continuo successo dei suoi scatti, a fotografare "l'andamento dell'esistenza".

Romani Cagnoni infatti ha affermato, in una recente intervista di essere interessato "all'andamento dell'esistenza e in questo senso sono un fotografo".

Dopo aver lasciato la Toscana per approdare a Londra, Romano Cagnoni ha scelto di formarsi in Inghilterra lavorando a stretto contatto con Simon Guttmann. Sempre in una recente intervista, Romano Cagnoni ha dichiarato, in merito ai suoi scatti nelle situazioni più estreme come in Vietnam o in Kosovo, che è interessato a "quello che gli uomini riescono a mostrare in una situazione di conflitto. E' proprio lì che escono dalla conchiglia che si auto costruiscono" mettendosi a nudo.

La nona edizione di Seravezza Fotografia si svolgerà nell'omonima località della Versilia dal 28 gennaio al 9 aprile 2012. La rassegna apre le porte al pubblico ospitando Memorie Sovvertite, i recenti scatti che Romano Cagnoni ha fatto alla sua terra, sfigurata da un'architettura banale: "ho ritrovato un paesaggio malsano che non ha nessun legame con la mia storia di uomo".

"La fotografia è interpretazione e gli elementi primari sono la luce e il tempo" ha affermato Cagnoni e poi ha aggiunto: "la migliore fotografia in assoluto è quando si ha un documento umano di forte impatto sociale. La storia delle persone è la storia di tutte le storie e la fotografia è un momento della storia. Il fotografo deve capire il suo prossimo, vicende, contraddizioni, sensazioni che accompagnano la vita del suo prossimo".

Per molti anni Romano Cagnoni ha fotografato "situazioni e problemi antichi come è antica la specie umana nel tentativo di offrire immagini significative e intellettualmente stimolanti di noi stessi e le condizioni entro cui si muovono la nostra esistenza e le stesse nostre speranze per trasformarla".

Memorie Sovvertite è la mostra personale di Romano Cagnoni, a Seravezza (provincia di Lucca) dal 28 gennaio al 9 aprile, facente parte della nona edizione di Seravezza Fotografia.

La Ragazza Tatuata: il realismo americano di Joyce Carol Oates

2012-02-15T11:02:00.001+01:00

"Si sapeva che il suo nome era Alma e per un po' di tempo non ebbe il cognome". Alma arriva a Carmel Heights, un piccolo paese che si affaccia sul lago Ontario, in autunno. E' spaesata, impaurita e tanto affamata da sedersi, con una certa noncuranza, al tavolo di un ristorante sgranocchiando gli avanzi di cibo lasciati nei piatti dagli altri clienti. Credeva di non essere stata scoperta Alma, quella ragazza sgraziata nei movimenti con una strana voglia sulla guancia (era una voglia?). E invece Dmtri, uno dei camerieri del ristorante la osservò, senza dare nell'occhio e soprattutto senza avvertire il proprietario mentre, di tavolo in tavolo, Alma mangiava le croste del pane e l'insalata di pollo.

Dmitri avvicinò la ragazza e le chiese, "con rudezza", se quella sulla guancia fosse una voglia o un tatuaggio. E' così che per Alma, conosciuta poi come la ragazza tatuata, inizia l'inferno. Dmtri sfrutterà l'innocenza, ma anche l'ignoranza, di questa ragazza senza nome e senza passato per guadagnare soldi, arricchire le sue tasche, soddisfare le sue perversioni. La farà prostituire in luridi motel al di là del fiume, la farà ubriacare, le somministrerà delle droghe, riderà di lei con gli amici, la guarderà con disprezzo dandole calci al ventre, al seno. La umilierà. Mentre Alma lo amerà, amerà questo "bastardo", nonostante tutto.

A Carmel Heights abita Joshua Seigl, uno scrittore che ha conosciuto una certa notorietà grazie a un libro edito molti anni prima. Da qualche tempo la sua verve ha subìto un brusco arresto, l'ispirazione gli manca, ma soprattutto gli manca qualcuno che stia accanto a lui. Seigl capisce che è giunto il momento di uscire da quel cono d'ombra e solitudine che si era creato nella casa ereditata dai genitori. Decide di dare uno slancio alla sua vita: assumere un assistente che lo aiuti a ripubblicare romanzi, racconti, saggi e traduzioni che, per anni, ha scritto rintanato nel suo studio. Seigl è ebreo e come tale si porta dentro un dolore ancestrale, quello dei suoi genitori, dei nonni, dei bisnonni e di tutta la sua gente. Ombre che si spostano da una terra all'altra, che vagano. Ombre di se stessi. E non a caso, il romanzo pubblicato anni prima da Seigl si intitola Le Ombre. Un romanzo sull'Olocausto dove "siamo obbligati a immaginare ciò che lo scrittore non rivela, diventiamo collaboratori nel creare ombre". A parlare è Essler, iscritto al terzo anno di dottorato, sta scrivendo una tesi sulla letteratura dell'Olocausto e si candida come assistente di Seigl. Ma lui non vorrà accanto a sé Essler, il ragazzo che è riuscito a metterlo con le spalle al muro, che ha sviscerato e capito perfettamente ciò che Seigl ha voluto dire con il romanzo Le Ombre.

No, Seigl accanto a sé sceglierà proprio Alma. Incontrata per caso come commessa della libreria di Carmel Heights, colpito dalla sua bellezza, un poco sfigurata da quella voglia (o macchia?) sulla guancia, dai suoi modi maldestri, dalla lentezza con la quale riponeva i libri negli scaffali. Seigl viene colpito da Alma e la vuole con sé. Grazie a questo lavoro, Alma abbandonerà, lentamente, Dmtri, chiudendosi dapprima in uno stato di timore reverenziale verso il suo nuovo "datore di lavoro" (come lo chiama Alma), misto all'odio per le sue origini ebraiche.

Nel contempo Seigl, entusiasta per avere un'assistente che lo aiuterà a mettere ordine nella sua vita, scoprirà di essere affetto da una malattia neurologica degenerativa. I sintomi sono chiari fin dall'inizio, chiari per Alma e per le persone del paese, per la sorella (che si intrufola nella vita di Seigl riaprendo ferite mai cicatrizzate e andandosene con la stessa violenza di un uragano), per gli amici più intimi. L'unico che fatica ad accettare la realtà è Seigl. Sarà durante il ciclo di chemioterapie che Alma si avvicinerà a Seigl, dimenticando l'odio verso gli ebrei che le avevano inculcato da bambina, e guardandolo come si guarda un uomo innamorato.

La ragazza tatuata è stato scritto da Joyce Carol Oates, edito da Mondadori a gennaio 2012. La Oates è una di quelle scrittrici la cui scrittura può incantare oppure no. Non ci possono essere vie di mezzo proprio perché la sua stessa lingua non conosce freni inibitori. La perversione è una caratteristica tanto delle storie narrate quanto del linguaggio e delle figure utilizzate. La forza insita nella sua scrittura può far male come la lama di un coltello. Il realismo americano raccontato da Joyce Carol Oates potrebbe far pensare a un quadro di Hopper alla tensione metafisica e poetica che avvicina lo spettatore, facendolo riflettere sulle reali intenzioni dell'artista.

Che sia una storia vera, quella raccontata dalla Oates in questo libro, non c'è dato da sapere. Di certo il lettore deve immaginare ciò che lo scrittore non rivela, così come disse Essler a Seigl riguardo al suo romanzo Le Ombre.

Rileggere Vieni via con me di Roberto Saviano: per non cadere nel silenzio e nell'indifferenza

2012-02-13T10:43:00.001+01:00

Riprendere in mano Vieni via con me di Roberto Saviano (edito da Feltrinelli a marzo 2011) dopo che l'autore ha raggiunto i sei milioni di spettatori come ospite nella trasmissione di Fabio Fazio, Che tempo che fa, (Saviano stesso ha dato la notizia degli ascolti tramite twitter) parlando di Scampia e di Wislawa Szymborska, credo che non sia solo un piacere ma anche un dovere morale, come quando, da bambini, si ripassano le tabelline non perché le abbiamo scordate ma perché vogliamo essere sicuri di non dimenticare nemmeno una tabella.

Ebbene, avendo seguito la trasmissione tramite internet (i miei doveri di neomamma mi hanno impedito di seguirla in diretta) e leggendo del risultato ottenuto il giorno dopo, ho voluto riprendere in mano il libro di Saviano proprio per rispolverare alcune cose che, come lo scrittore ha affermato durante la trasmissione, sono "così complesse proprio perché reali". Saviano ha parlato di Scampia ("fine della città o inizio? E' la città che si sta trasformando") come fulcro di associazioni creative, come laboratorio di associazioni artistiche ma anche di volontari che operano sul territorio che vogliano raccontare la loro terra e non solo "subire la narrazione quando c'è una faida". E in questo periodo, nonostante il silenzio da parte di giornali nazionali e locali, la lotta tra le faide ha ripreso ma non se ne parla proprio perché non ci sono stati ancora abbastanza morti per fare notizia. E quindi Saviano, in un suo articolo apparso su La Repubblica alcuni giorni prima rispetto la trasmissione, ha parlato di ciò che sta accadendo in questo momento: la lotta tra le famiglie di clan diversi e quindi i morti che sono la causa di un'interruzione "generazionale" tra il clan stesso e l'affiliato (il clan smette di pagare la mesata, cioè lo stipendio alla famiglia dell'affiliato che sta in carcere. Questo, come afferma Saviano, rappresenta ciò che avviene in società: smettere di pagare le pensioni per chi, di fatto, non lavora più).

L'urgenza della lotta alla mafia deve, secondo lo scrittore, essere in prima linea tra le decisioni prese dal governo, il quale non deve solo colpire le personalità di spicco dei vari clan ma lo stesso patrimonio economico gestito dalla mafia.

E qui ho ripensato a Vieni via con me, ai capitoli in cui Saviano racconta l'ndrangheta al Nord, al Sud e i capitali che sono nelle loro mano. Basandosi sull'onore e il rispetto della famiglia (pena la morte), la mafia con una serie di raggiri e perversi ricatti riesce a gettare ombra sulla giustizia (il suo obiettivo, come viene raccontato nel libro, è poter dimostrare che "siamo tutti uguali": se tutti sbagliano che c'è di male se sbaglio anch'io?) e a corrompere non solo poveri contadini, che hanno bisogno di soldi e quindi accettano il denaro sporco della mafia che compra i loro campi riversandoci rifiuti tossici (con la conseguenza di pessimi raccolti, piante e frutti malati, falde acquifere inquinate ecc...), ma anche altre classi sociali come medici, sindacati, imprenditori fino ad arrivare ai politici. Queste categorie messe insieme formano il popolo!

Vieni via con me riporta molte testimonianze e anche tristi esempi di voti comprati, elezioni truccate, appalti finiti nelle mani di aziende che avevano forti legami con la mafia (talvolta appartenenti alla mafia stessa), per non parlare del traffico di rifiuti tossici (un problema che non riguarda solo il sud ma anche il nord) e la situazione della monnezza a Napoli (anche qui un problema che non può e non deve essere pensato riguardante solo Napoli!). Vengono riportati dati statistici, date delle indagini svolte dalle forze dell'ordine, dai magistrati, da quella parte di giustizia che non guarda, indifferente, la propria barca affondare.

In un momento di forte crisi sociale ed economica, sentire le parole di Saviano a Che tempo che fa su Scampia come laboratorio artistico e non solo palcoscenico di omicidi e sangue, sulle faide, sul patrimonio economico gestito dalla mafia ma sentire anche come Saviano stesso ricorda la poetessa Wislawa Szymborska, scomparsa qualche giorno prima la sua apparizione su Rai3, in un momento quindi di forte crisi le parole di Saviano colpiscono come il sole negli occhi appena svegli. Dobbiamo smettere di pensare che la barca che sta affondando non sia di nostra proprietà (qui richiamo una metafora che viene riportata nel libro): l'indifferenza, solo questo, ci può portare veramente nell'abisso.

Camilla d'Errico: dalla scultura No ordinary Love all'artbook Femina & Fauna

2012-02-11T01:39:00.002+01:00

No ordinary love: il quadro e la scultura

Niente è come sembra. Questa frase potrebbe riassumere il significato dell'arte di Camilla d'Errico anche se, come si è detto più volte, tentare di classificare o categorizzare un'artista pop surrealista è cosa alquanto difficile se non, talvolta, impossibile. Eppure alcuni elementi dell'arte di Camilla d'Errico sono riconoscibili e identificabili come suoi tratti distintivi.

Si è parlato di quest'artista italo-canadese proprio pochi giorni fa, in occasione di una sua opera inedita realizzata su commissione. Oggi Camilla d'Errico torna a far parlare delle sue opere attraverso una scultura: un busto finemente e magistralmente tratto da un suo quadro ovvero No ordinary love.

Secondo quando ha affermato l'artista italo-canadese, "No Ordinary Love è un pezzo a me molto caro" in quanto riflette "l'interpretazione visiva e l'espressione dei miei sentimenti". No ordinary love farà il suo debutto agli occhi del pubblico e della critica in occasione del Toy Fair 2012 che si terrà al Jacob K. Javits Convention Center di New York City. In seguito ne verranno distribuite solo 950 pezzi (e credo proprio che ci siano già gli acquirenti pronti a comprare questa piccola ma prestigiosa scultura).

La copertina dell'artbook Femina & Fauna

Edita per la Dark Horse Comics (famosa casa editrice indipendente dell'Oregon) con la partecipazione di Gentle Giant Studios, No oridinary love è passata dalla tela alle tre dimensioni conservando tutta l'autenticità dei dipinti di Camilla d'Errico.

Ma c'è di più. la Dark Horse Comics ha pubblicato anche un artbook come raccolta di tutte le opere di Camilla d'Errico. Anni di lavoro, dipinti e quadri riordinati in Femina & Fauna.

Biancaneve rivista da Camille Rose Garcia: la mostra alla Michael Kohn Gallery e il nuovo book

2012-02-09T23:12:00.004+01:00

Direi che per Camille Rose Garcia si prospetta un mese ricco di eventi. Non posso nascondere che amo tantissimi i suoi dipinti e quindi mi rende entusiasta scrivere dei suoi lavori. Il 28 febbraio esce il suo nuovo libro Snow White edito per Harper Design mentre dal 15 marzo al 14 aprile le illustrazioni presenti in questo libro saranno in mostra alla Michael Kohn Gallery di Los Angeles.

Gli acquerelli di Camille Rose Garcia illumineranno le pagine del libro così come la mostra stessa. La storia narrata è tratta dalla fiaba dei fratelli Grimm, Biancaneve. Già l'anno scorso era uscito un libro di Camille Rose Garcia, le cui illustrazioni avevano lasciato senza fiato critica e pubblico, tanto da essere considerate "brillant" dal New York Times.

L'originale interpretazione di Biancaneve di Camille Rose Garcia è da ricercare nello stile bizzarro da cui emerge un lato oscuro e immaginifico, quel tocco onirico che rivela una visione surreale anzi pop surreale della fiaba. Il pop surrealismo è insito nella sua arte, il sogno è trasposizione, magia, problema irrisolto che cela una sofferenza, un incubo ricorrente, perché l'arte di Camille Rose Garcia è anche questo meravigliosa sofferenza. Il suo tratto è sicuro, la mano ferma e decisa, il segno nitido, il colore omogeneo. Impeccabile.

Dal 15 marzo si potranno ammirare le sue opere alla Michael Kohn Gallery di Los Angeles ma per chi non può recarsi negli Stati Uniti si può ovviare al problema acquistando il libro Snow White, in uscita il 28 febbraio!

Per maggiori informazioni vi invito a visitare il sito camillerosegarcia.com

Tim Noble & Sue Webster: l'arte con la spazzatura

2012-02-07T19:20:00.009+01:00

Insigniti della laurea honoris causa in Arte rilasciata dalla Nottingham Trent University, come riconoscimento per il loro contributo all'arte contemporanea britannica e per la loro radicale influenza sulle giovani generazioni, Tim Noble e Sue Webster sono due artisti inglesi che creano arte partendo da oggetti molto semplici e umili, come la spazzatura. Proprio così, avete capito bene, la spazzatura!

Arte della trasformazione che si unisce all'arte della proiezione: Tim Noble e Sue Webster assemblano i rifiuti e, successivamente, con le luci proiettano il risultato su un muro. Ciò che emerge sono delle vere e proprie opere d'arte. E se l'originalità non manca a questi due grandi artisti, non si può non riconoscere loro il legame di quest'arte con la psicologia percettiva oltre che con l'astrattismo. Tim Noble e Sue Webster hanno creato anche una serie di sculture luminose che fanno riferimento a simboli iconici della cultura pop sotto forma di segnaletica luminosa e incisioni.

Una carriera che ha inizio negli anni '90 e che continua, tuttora, con grande successo infatti alcune delle loro opere sono presenti in musei quali Museum of Contemporary Art di Denver, National Portrait Gallery, oltre ad aver esposto presso la Rockefeller Plaza a New York, 2008, The Freud Museum, Londra, 2006, CAC Malaga 2005, Museo delle Belle Arti a Boston, 2004, PS1/MOMA New York, 2003, Milton Keynes Gallery UK, 2002, Deste Foundation Atene, 2000 e The Chisenhale Gallery London, 1999.

Lavori su commissione per Camilla d'Errico

2012-02-07T14:43:00.004+01:00

Diamo un po' di colore a questa giornata con un'opera di Camilla d'Errico.

Per ulteriori informazioni vi rimando al suo sito: camilladerrico.com

Tre appuntamenti alla Dorothy Circus Gallery: Seven Moods, Aaron Jasinski e Mr.Klevra

2012-02-07T02:34:00.001+01:00

Aaron Jasinski

La fiaba si scopre dopo. Mentre le cose accadono, c’è impegno, paura, forse il sentore della magia che spinge oltre il limite, al di là della resistenza. E ricordando Camus, l’importante non è sopravvivere ma arrivare fino in fondo. Con queste parole il poeta Gimmi Santucci descrive l'arte pop surrealista di Seven Moods (Marco Pisanello) artista italiano che esordisce con una mostra personale, After the dark, a Roma, presso la Dorothy Circus Gallery. Ad affiancarlo ci sarà l’artista statunitense Aaron Jasinski.

Seven Moods, originario di Matera, ha frequentato l'Accademia delle Belle arti a Roma ma la sua passione per il disegno lo accompagna fin da bambino. Anche la musica avrà un ruolo fondamentale nella vita di questo artista, infatti Seven Moods, oltre ad approfondire gli studi relativi l'arte figurativa, inizierà a studiare la batteria.

Aaron Jasinski

Seven Moods trae ispirazione da un mondo onirico fatto di luoghi, odori e colori che vivono nella sua anima, stimolati dal variare delle stagioni, della luce e di tutto ciò che lo circonda. E quindi nei suoi quadri si possono incontrare meduse che volano sotto il sole, mentre ogni forma di vita può vivere fuori del suo habitat naturale. Già presente alla Dorothy Circus Gallery nel 2010 insieme a Nicoletta Ceccoli, Seven Moods presenterà un ciclo di opere dal titolo After the Night, dove l'immaginazione abbraccia ciò che sta oltre la notte.

Come si diceva poc'anzi, ad affiancarlo ci sarà Aaron Jasinski con opere dal titolo Cinephonica. Poliedrico artista famoso negli Stati Uniti e non solo, Aaron Jasinski ha esposto in prestigiose gallerie promotrici del pop surrealismo tra cui La Luz de Jesus Gallery. Come Seven Moods anche Aaron Jasinski ama la musica e difatti, nel tempo libero, dà sfogo a questa sua passione. “La mia pittura è solo un pezzo di un puzzle incompiuto. Quando qualcuno lo vede, aggiunge il pezzo di puzzle che completa l’opera. Penso che tutta la grande arte dica qualcosa a proposito dell’essere umano" dichiara Aaron Jasinski parlando della sua arte e poi aggiunge: "Mi relaziono con il pubblico dipingendo cose familiari e fantastiche. Attingo dalle mie esperienze di vita e dalle riflessioni sulle mie esperienze nella nostra società contemporanea. Comunico con riferimenti alla cultura pop, scenari surreali, colori vivaci e texture energetiche".

La Dorothy Circus Gallery, un laboratorio di creatività pop surrealista e, più in generale, artistica, uno dei luoghi riconosciuti a livello internazionale come promotrice della pop art oltre del pop surrealism, ospiterà Seven Moods con la personale After the Dark e Aaron Jasinski con Cinephonica dal 18 febbraio al 7 aprile.

All'interno del White Velvet Project Space, la Dorothy Circus Gallery presenterà Animal Landing, sette tavole e una scultura di Mr. Klevra. Lo street artist italiano dipingerà animali come veri astronauti, in fuga da un mondo divenuto inospitale, alla ricerca di altre realtà possibili.

Per maggiori informazioni relative Seven Moods vi consiglio il suo sito www.7moods.com, mentre per Aaron Jasinski il suo sito è www.aaronjasinski.com. Per quanto riguarda Mr. Klevra vi rimando a www.klevra.com.

A proposito di poesia: Alda Merini, Padre mio

2012-02-06T18:49:00.001+01:00

"Si nasce
non soltanto per morire,
ma per camminare a lungo,
con piedi che non conoscono dimora
e vanno oltre ogni montagna".

"L'ombra delle tue mani,
padre,
è come una nave
che transita sul mio corpo,
che è terra,
terra sfinita".

"Altrove è il canto, altrove è la parola
e Dio non la pronuncia".

Questi versi di Alda Merini sono tratti da Padre mio edito da Frassinelli nel 2009.

Soft Candy: Danni Shinya Luo a La Luz de Jesus Gallery

2012-02-05T23:28:00.003+01:00

Originaria di Shanghai, Danni Shinya Luo, è una delle artiste che amo maggiormente. Ampiamente presentata tra le pagine di questo blog come una delle voci femminili più importanti dell'arte contemporanea simbolica, Danni Shinya Luo si esprime attraverso la pittura ad acquerello rappresentando personaggi femminili, donne sensuali e desiderabili raccontate come delle Pin-up che stregano l'osservatore con il loro sguardo ammaliante e le movenze maliziose. Tuttavia l'atmosfera sembra attingere ad un mondo dove l'innocenza e il gioco amoroso sono fondamentali caratteristiche dell'identità femminile dei personaggi.

Dal 14 al 26 febbraio Danni Shinya Luo sarà presente a La Luz de Jesus Gallery con un book, Soft Candy the girls of Danni Shinya Luo, che riporta una nuova collezione di disegni, dipinti e illustrazioni. Acquarello, inchiostro e grafite: la tecnica e la bravura di questa giovane artista saranno rappresentativi della sensualità, dell'innocenza e della fantasia. Più di 200 pagine a colori introdotte da una prefazione di Billy Shire. Questa nuova collezione esplora bellezza, attrazione e lussuria attraverso immagini affascinanti e decadenti della figura femminile. Cinque capitoli, ciascuno dei quali indaga un diverso aspetto della sensualità.

Le opere, alcune delle quali verranno anche esposte, richiamano l'arte del maestro dell'acquerello Ding Ha. Egli incarna l'artista per eccellenza alla ricerca di uno stile perfetto a metà tra classico e moderno, tra oriente e occidente, tra accademia ed folclore popolare. Ding Ha ha trasmesso tutto ciò alla sua allieva, Danni Shinya Luo la quale ha rielaborato il sapere del maestro mescolandolo con forme artistiche preponderanti nell'underground californiano.

Mare al mattino: il cuore nero raccontato da Margaret Mazzantini

2012-02-05T14:57:00.001+01:00

Leggere l'ultimo libro di Margaret Mazzantini, Mare al mattino (Einaudi, 2011), significa provare compianto e dolore. Ma significa anche nostalgia e rammarico. Nostalgia per l'Africa e i suoi odori, per quei profumi forti e speziati, i colori sgargianti, i sorrisi, le speranze di una terra culla della civiltà. Dolore per quella stessa terra violata, crivellata, attraversata da fiumi di sangue, dalla disperazione di chi combatte ogni tra la vita e la morte.

Una storia, quella narrata dalla Mazzantini nel suo ultimo libro, che sa di sabbia e mare ma soprattutto di mare. Acque fredde, che di notte diventano "carta nera", che sembra assorbire qualsiasi cosa decida di imbattersi tra quelle pagine scure e restituire "un fumo che resta e bagna addosso". E' una storia di mare che ha origini umili: partiti con l'ondata migratoria del '38, italiani (molti dei quali ebrei) fomentati dalle ambizioni di Mussolini si ritrovarono a fronteggiare distese di sabbia eppure questi italiani riuscirono domare il deserto e a trasformare quelle dune in campi coltivabili e villaggi abitabili. Tra gli italiani e gli arabi correva buon sangue, "erano poveri con altri poveri, avevano le stesse rughe di terra e fatica sulla fronte".

E' da una di queste famiglie che proviene Angelina. Araba fino a undici anni, italiana, taliana e tripolina per il resto della sua vita. Praticamente costretta a vivere da profuga nella sua terra e poi ma immigrata nella terra d'origine dei suoi genitori. Ridotta ai margini dalla società stessa con naturalezza e serenità disarmanti, Angelina divenuta adolescente non fa altro che pensare di ritornare dove "la sua vita si era interrotta. Si trattava di unire due lembi di terra, due lembi di tempo. In mezzo c'era il mare Si metteva i fichi secchi sugli occhi per ricordarsi quel sapore di dolce e grumi. Vedeva rosso attraverso quei semi. Cercava il cuore del suo mondo lasciato". A distanza di anni Angelina insegna al figlio Vito, ormai un uomo, a trovare un luogo dentro di lui, un luogo "che ti corrisponda. Che ti somigli, almeno in parte".

Dall'altra parte del mare, sullo sponde libiche c'è Jamila, una donna che lotta contro la violenza di un dittatore, contro i soprusi dei potenti che pensano solo all'oro nero nascosto sotto le dune di sabbia, trasformando quella terra gonfia di odori in piazze rabbiose, villaggi disabitati e deserti ricoperti da cadaveri in putrefazione. Jamila ha perso il marito e ora, con i pochi soldi rimasti, scappa dall'orrore della guerra per portare in salvo il proprio figlio, Farid. Lui è sempre stato "un bambino tranquillo", un "piccolo uomo". E' solito giocare con i cavi avanzati dal padre, ascoltare sua madre mentre canta e balla, fa dei bellissimi disegni, dipinge una gazzella che vede quasi ogni giorno nel giardino di casa sua. Anche se Farid è un piccolo uomo, la traversata su un barcone si rivelerà in una tragedia mentre Jamila lo stringe e lo culla con il suo canto. Il mare è l'unico crudele e impunito spettatore.

Vito guarda il mare. "Deve decidersi su cosa fare della sua vita, se sprecarla o farla fruttare in qualche modo", ripensa all'insegnamento di sua madre Angelina. Sarà Vito, con pochi e semplici gesti, a dare un senso alla sua vita e, inconsapevolmente, a restituire un pezzo del passato a sua madre ricongiungendolo con la vita stessa di Jamila e Farid.