Creature Verbum

Malas artes. Reflexionando sobre la institucionalización del arte

2010-05-16T19:55:37+02:00

Hace unos semanas, cayó en mis manos un libro de David Pérez, Malas Artes. Experiencia estética y legitimación institucional.

El libro, presenta una recopilación de artículos del profesor e historiador del arte, que plantean una reflexión en la que encontramos muchos puntos coincidentes. El nudo que unifica los textos gira en torno a la actual situación que plantea el arte contemporáneo, dominado por la institución o sistema de las artes, en un mundo plagado de comisarios, convocatorias de bienales, galerías de arte y todo un círculo mediático de grandes eventos internacionales, cargado de marketing y espectáculo.

Es un punto de reflexión que espero genere nuevas aportaciones por mi parte en un proyecto que debería salir a la luz a finales de 2011 y que debería derivar en un replanteamiento del propio sistema de las artes a favor de un sistema basado en la educación estética. Seguiremos hablando del asunto.

Participando en congresos de investigación.

2010-04-17T20:43:02+02:00

Estos últimos meses, he estado enfrascado en la preparación y envió de dos comunicaciones a congresos de investigación, centradas en al ámbito de la educación artística y la cultura visual. En febrero participé en la VII Assemblea d'Història de la Ribera, con una comunicación titulada: "Imatges comunes, entorns quotidians. Una aproximació a la didàctica del patrimoni històric de la Ribera a partir de la cultura visual."

Y en los días 8, 9 y 10 de abril de 2010, me desplacé hasta Málaga al 3 Congreso Internacional de Educación Artística y Visual, donde presenté y leí la comunicación "Estética y políticas del poder. El kitsch como instrumento de reflexión sobre la jerarquía de las culturas."

Resumen: La comunicación trata de poner en cuestión y en relación, una serie de categorías estéticas que giran en torno al concepto kitsch, buen y mal gusto, popular y culto, alta y baja cultura, elegante y cursi, etc. y reflexionar en torno a las implicaciones de imposición de poder de unos modelos culturales aceptados como válidos frente al rechazo de otros. Un esquema jerárquico perpetuado precisamente a través de los sistemas de educación artística, que a día de hoy, siguen mayoritariamente vigentes en las prácticas educativas, impidiendo en algunos casos el desarrollo de culturas propias y alternativas y derivando en la simple imitación esperpéntica de los modelos imperantes, lo que contribuye a acentuar la distancia jerárquica, más que responder de manera coherente, a una verdadera educación artística basada en la comprensión crítica de la cultura visual.

En este último congreso, estuve acompañado por Paloma Rueda, que presentó un proyecto de trabajo fruto de sus investigaciones como artista y educadora de arte, y por Ximo García, también profesor con una original propuesta de integración entre arte y entorno en la escuela. El encuentro fue muy fructífero, como suelen serlo estos eventos, y una excelente oportunidad para el intercambio profesional de ideas, perspectivas educativas y proyectos y como ocasión de contacto con otros investigadores y educadores del área, de donde surgieron algunas ideas de proyectos futuros comunes.

Después de Málaga, inicio un periodo de descanso congresual, para centrar todos mis esfuerzos en la segunda y última fase de redacción de mi tesis doctoral, que tengo prevista finalizar dentro del presente año en curso, lo que me lleva también a tener un poco abandonado este blog.

Pez de alabastro

2010-03-18T11:22:34+01:00

Ricard Ramon

Biblioteca Personal: Estética del cine. Jacques Aumont, Alain Bergala, Michel Marie, Marc Vernet.

2010-01-23T10:34:46+01:00

El texto representa, o trata de poner en cuestión, las características que los autores creen, son definitorios del carácter estético del cine, a través de un recorrido por sus especificidades, desde el montaje o la narración hasta el proceso de recepción por parte del espectador y el papel que este juega en ese proceso.

En primer lugar trata de definir el propio marco conceptual en torno al que se mueve el cine, destacando, su aspecto visual, pero también el papel esencial que juega el sonido en la propia obra cinematográfica.

En este sentido, no pueda dejar de recordar el fantástica libro de Michel Chion, que con ocasión de este trabajo, he recuperado de mi estantería, La Audiovisión, en el que plantea, que ver una película, es de igual manera, también escucharla, discrepando en algún punto con los autores de este libro, en el sentido que defiende que siempre ha existido sonido, incluso en el mal llamado cine mudo, y que siempre tuvo sonidos asociados en el momento de su proyección.

Otra de las cuestiones planteadas, gira en torno a la configuración y las relaciones del cine como un lenguaje, planteando algunas de las primeras aproximaciones a este hecho, que concebían el cine como imagen pura y que se verían superadas y contradictorias con la propia realidad de la aparición del cine sonoro.

Es evidente, que una vez superadas las primeras disquisiciones teóricas, respecto a la propia especificidad del cine como lenguaje, nadie duda actualmente de que el cine constituye un lenguaje propio y diferente del textual, y que está, muy vinculado al lenguaje propio de la imagen fija, el lenguaje visual, en este caso, hemos de hablar de un lenguaje audiovisual.

Uno de los aspectos que más interesante y recurrente me parece de los tratados en el libro, tiene que ver con la cuestión de la ficción, que según los autores, permanece presente, incluso en el propio cine científico y documental, ya que se persigue una visión, más allá de la pura mostración de una realidad, lo que reafirma el valor estético y artístico de algunos documentales o de uno de mis movimientos artísticos favoritos, como el videoarte.

No obstante, plantea la cuestión del espectador de manera limitada, respecto a las condiciones de proyección, tal y como se desprende de esta cita: “el espectador de cine suele ser un refugiado que trata de llenar una pérdida irreparable, aunque sea al precio de una regresión pasajera, socialmente reglamentada, durante el tiempo de una proyección” (p. 245-246). También centra su propuesta desde una perspectiva casi exclusivamente psicologista,

Los planteamientos de carácter psicológico y psíquico, respecto al papel y las diferentes implicaciones del espectador en la proyección cinematográfica, que plantea quizá presenten una carencia, a mi juicio, y sea la falta de planteamientos más propios de la estética de la recepción, y quizá, y sobre todo en los tiempos presentes, –en este sentido hay que entender el libro en su contexto original, escrito en Francia a principios de los 80, valorar más los distintos modos de recepción, de una película y los múltiples modos y formatos en que esta es recibida a día de hoy por el espectador, que dista mucho de ser en exclusiva la pantalla cinematográfica, aunque esto duela a algunos puristas, la realidad se impone, y debe ser objeto de investigación.

TextMate, mi editor de textos favorito.

2010-01-04T23:40:08+01:00

Como parte fundamental de mi trabajo y de mi vida, paso muchas horas frente a mis ordenadores Mac, o bien mi iMac de 24' o mi MacBook, y la mayor parte de ese tiempo lo dedico a escribir.

Desde siempre, escribir para mi ha supuesto una verdadera necesidad vital, y he probado y escrito en múltiples herramientas y aplicaciones de escritura, desde el horrendo e infame Microsoft Word, hasta todos los existentes en OS X, como Nisus, Mellel, Pages, etc.. pero ninguno de ellos me ofrecía simplicidad para centrarme solo en el texto, y además, como, soy bastante Geek, lo confieso, siempre me ha atraído la escritura en texto plano, letras puras y los lenguajes de código como el html.

En ese sentido, descubrir en lenguaje de escritura LaTex, o Tex, supuso para mí ya hace años, todo un descubrimiento que me permitió por fin escribir a mi gusto, con un editor de texto plano y usando código. Tras probar algunos como BBedit, Emacs, que me sigue fascinando y al que sigo siendo fiel de vez en cuando, descubrí TextMate, una pequeña joya perfecta para escribir documentos en LaTeX, en texto plano o en html, que son los formatos que suelo utilizar principalmente.

Captura de pantalla del editor con un fragmento de mi novela, El Baile de las Margaritas, y que actualmente supone una herramienta esencial en el desarrollo de mi tesis doctoral, que sin el poderoso editor de textos y el lenguaje LaTeX, resultaría un verdadero infierno.

Museos e identidad. El Museu de l’Horta d’Almàssera y el Museu Comarcal de l’Horta Sud.

2009-12-28T11:29:41+01:00

Artículo Publicado en la desaparecida Revista Parlem de la Diputación de Valencia en su número 14.

Desde hace algunos años vivimos un auge de los museos de etnología. Al parecer estamos asistiendo a una revitalización del interés por la cultura popular, una cultura que está desapareciendo. Este interés se enmarca dentro de una ampliación del concepto patrimonio más allá del tradicional histórico-artístico.

Además de esto, encontramos que dentro del proceso mundial de globalización las culturas locales buscan sobrevivir a este proceso. Con estos dos museos se busca mantener viva la raíz de la identidad de las gentes de la huerta.

El Museu de L’Horta (Almàssera) surge por iniciativa del Ajuntament d’Almàssera contando con la financiación de la Conselleria de Agricultura, Pesca i Alimentació. Se inauguró el 19 de mayo de 1999.

El diseño del proyecto museográfico de la exposición permanente, ha sido realizada por el equipo dirigido por el profesor de la Universitat de Valencia Enric Guinot.

La idea original que impulsó la creación del museo, es la preservación de parte del patrimonio etnológico local que de otro modo desaparecería. Así, en la concepción museológica, se busca también mostrar a las nuevas generaciones un modo de vida en peligro de extinción qué es el que conforma la idiosincrasia de las gentes de Almàssera. La vida agrícola es el origen real de este municipio, así como de tantos otros de la huerta.

El museo se ubica en el antiguo matadero municipal, construcción del siglo XIX rehabilitada por el arquitecto Joaquín Turán García como tal. La ubicación del museo permite, gracias a que estos edificios solían estar fuera del núcleo urbano, la observación directa de la huerta.

El espacio es organizado en diferentes ámbitos, aprovechando la estructura original del edificio en naves. En la nave derecha se creó un ámbito dedicado a “la casa” subdividida en secciones temáticas (la cocina, el fuego, la infancia y la religiosidad). El patio fue cubierto con una estructura de cristal para dotarlo de la luminosidad original y en él se dispusieron las piezas más voluminosas como un carro con sus arreos, maquinaria para el procesado de chufas y se reconstruyó un pozo con su brocal. En la nave izquierda se configuró un espacio en el que se expusieron los objetos relacionados con labores artesanales (herramientas de carpintería, pesos, etc.)y agrícolas. Este espacio adopta un carácter más didáctico con la recreación de personajes, como por ejemplo un animal de tiro con sus arreos de labranza, una pareja de ancianos, etc.

La colección de objetos es fruto de la cesión y donación desinteresada de los propios vecinos del municipio. Si algo caracteriza a los proyectos museológicos es su habitual desconexión con el interés mayoritario de la población. Este no es el caso. En el Museu de l’Horta el proyecto ha sido, no solamente respaldado por el pueblo, sino creado gracias a estas donaciones.

La colección del Museo está formada por un fondo de 589 piezas de las cuales se seleccionaron 300 para la exposición con la cual se inauguró el edificio. Para llevar a cabo esta selección se siguieron criterios de homogeneidad, estado de conservación y representatividad de la vida cotidiana de Almàssera y su entorno.

Además de la colección de objetos, destaca el conjunto de reproducciones fotográficas originales, que forman un fondo documental gráfico de gran relevancia para el estudio de la vida cotidiana de los habitantes de la huerta.

El Museu Comarcal de l’Horta Sud está situado en la localidad de Torrent. La idea parte de su actual director, Adrià Besó Ros, profesor de la Universitat de València. El proyecto se ha llevado a cabo mediante la colaboración de varias instituciones (Mancomunitat de l’Horta Sud, Ajuntament de Torrent, Fundación para el desarrollo de l’Horta Sud y Caja Rural de Torrent). Contó a su vez con un convenio de colaboración con la Universitat de València para la restauración y catalogación de fondos.

A diferencia del Museu de l’Horta de Almàssera se encuentra en pleno núcleo urbano, concretamente en la llamada “ca l’Estudiant de Boqueta”, antigua casa de labradores de principios del siglo XIX.

La concepción del museo también busca reflejar, como en el caso de Almàssera, un modo de vida vinculado al ámbito agrícola, sin embargo, no se trata ahora de ver como son estas labores, sino más bien de cómo se organiza la vida en el interior de la casa a través de un recorrido por los diferentes espacios.

El museo hereda la concepción de origen nórdico y sobre todo escandinavo, impulsado por del doctor Hazelius, y que recogía, ya ha finales del siglo XIX, todos aquellos objetos de uso común y diario, y los disponía en viviendas propias, o que simulaban el momento histórico al que hacía referencia el museo, tratando de recrear espacios de vida cotidiana como modo didáctico de mostrárnosla. Así se procedió a la compra de dos casas que han sido rehabilitadas. El núcleo principal del museo lo constituye la casa con fachada en la calle Mare de Déu del Olivar, en la cual podemos visitar desde el dormitorio principal hasta la andana, toda una serie de espacios que serían perfectamente vivibles y comprensibles para nuestros abuelos.

Otra de las diferencias con respecto al museo de Almàssera la encontramos en la situación de las piezas. En Torrent las piezas no se exponen, forman parte de un todo que busca una comprensión global del espacio museístico.

Los diferentes espacios se concretan en el dormitorio de fadrí, el dormitorio de matrimonio, el comedor, la cocina, el establo, la porchada del carro, la almazara, el cuarto del aceite, la andana y la pallissa. También dispone de una sala donde se muestran las características geográficas del entorno comarcal.

Encontramos importantes diferencias en cuanto a la gestión de ambos museos. El Museu de l’Horta d’Almàssera es gestionado directamente desde el consistorio municipal, sin la participación de otras instituciones. Hoy por hoy carece del necesario personal técnico y por tanto su dinamización es difícil, sin embargo el futuro proyecto de ampliación dotará a este museo de los necesarios espacios y medios para un funcionamiento óptimo.

El Museo Comarcal de l’Horta Sud es gestionado por un órgano interno a la cabeza del cual está el director. Destacan actividades como la pieza restaurada del mes, exposiciones temporales, audiovisuales y un material didáctico de gran calidad. En la actualidad se están llevando a cabo las obras de ampliación de este museo que lo dotarán de salas de exposiciones temporales y de talleres de restauración.

Estos dos museos son sólo un ejemplo de los muchos que persiguen la idea de preservación de la identidad, desde dos ámbitos distintos, el Museu de l’Horta d’Almàssera está sustentado por un pequeño municipio y dotado de pocos recursos económicos frente al Museu Comarcal de L’Horta Sud, ubicado en lo que es una gran ciudad y apoyado por diversos organismos. Ambos persiguen cada uno dentro de sus posibilidades y de sus diferentes realidades un mismo objetivo: la preservación y difusión de la cultura propia.

Ricard Ramon Camps

Luis López Villar

Museu Comarcal de l’Horta Sud:

Calle Mare de Déu del Olivar, 30. 46900 Torrent. Valencia

Teléfono/fax: 96 158 82 21. http://www.museuhortasud.com

Museu de l’Horta d’Almàssera:

Avda. del Mar. 46132. Almàssera. Valencia

Teléfono: 96 186 25 52. http://www.almassera.es/

Artistas anónimos y educación artística como modelo cultural.

2009-12-20T23:40:06+01:00

Elio from Rob Diaz on Vimeo. Un ejemplo de vídeo de animación para ilustrar este artículo.

Llevo mucho tiempo reflexionando respecto a la situación del arte en la actualidad, sobre su posición y función social, y sobre todo, respecto a la posibilidad de un replanteamiento del modelo del sistema artístico dominante, fuertemente elitísta y cargado de intereses económicos, totalmente legítimos, pero que necesitan de nuevos planteamientos.

David Pérez, en su obra Malas Artes, ya cuestionaba muy acertadamente toda esta situación desde una posición crítica.

La situación actual, no solo en el mundo del arte, también en todas las prácticas culturales, prioriza el éxito de unos pocos artistas escogidos por grupos de críticos y comisarios con poder mediático y apoyos institucionales, públicos o privados, que son convertidos en gurús de la creación y sobre todo en inversiones económicamente muy rentables destinadas a prestigiar la imágen de algunas instituciones o personas privilegiadas de amplio poder adquisitivo.

Mi posición crítica, profundamente anti-elitista, me convierte en un descreído de todo este sistema de intereses y juegos legítimos, aunque en ocasiones entre a formar parte de el.

Frente al arte de grandes eventos, yo propongo que es hora de revalorizar el trabajo de toda una legión de artistas anónimos, por poco conocidos en el universo mediático institucional, y de aquellos que ni tan solo se consideran artistas.

Artistas que producen obra muy interesante a precios asequibles, y sobre todo razonables, que nos permiten tener acceso a obra de calidad y quen estan fuera de los grandes circuitos recurriendo a modestas galerías o buscando espacios y salas de centros culturales en los que exponer su obra.

Creo que se debería reforzar el desarrollo y la consolidación de estos circuitos alternativos y no desdeñar la importancia que juegan estas salas, en ocasiones carentes de gestión, para el desarrollo y las posibilidades de estos artistas.

Pero no hay que desdeñar otro aspecto fundamental de estas salas, como eje vertebrador de la cultura local, demasiadas veces mal planteada y conducida y con enormes posibilidades educativas muy desaprovechadas.

Estas salas se convierten muchas veces en espacios de exhibición de artistas amateurs y aficionados locales, que por desgracia, la mayor parte de las veces, orientan su trabajo hacia la imitación de modelos culturales del arte de élite, dejando pasar la oportunidad de un desarrollo cultural propio y alternativo al de las altas esferas culturales, que resultaría mucho más enriquecedor.

Sin duda, estas salas, son un instrumento por explotar por parte de la educación artística que tiene en este público una oportunidad para orientarles en el desarrollo de culturas propias, que deben ser revalorizadas, evitando así el papel de puro reflejo social por pura imitación del arte consagrado.

Tiempo de cambios tecnológicos. (actualizado)

2009-12-14T14:52:00+01:00

Estos días, entre corrección y corrección de exámenes y paseos con mi hijo y mi mujer, estoy de cambios tecnológicos.

En primer lugar he pasado mi teléfono a Orange, con un contrato con internet incluido, por fin me deshago de telefónica, y un terminal HTC Tatoo con Android de Google. He renunciado a la adquisición del iphone, no por razones económicas, sobre todo por la libertad que me ofrece el código abierto de Android y sus múltiples posibilidades.

Ello me ha llevado a trasladar todos mis servicios a Google, mail incluido, abandonando también mi cuenta mobileme, que tardará meses en caducar pero de la voy a prescindir ahorrando un dinero, harto de sus servicios demasiado exclusivos y muy poco productivos. Google me ofrece mucho más por cero euros y la integración con Android, aunque no por ello dejo de ser un fan de Apple, que me sigue ofreciendo el mejor sistema operativo que conozco. Mis webs están alojadas en Typepad Pro, un servicio de blogs insuperable, pero de pago en su versión pro, y todos los otros servicios de mobileme los tengo cubiertos con Google, Flickr, Vimeo, etc.., por lo que digo adiós después de muchos años a mobileme, antes .Mac. Además estoy un poco enfadado con Apple por el mal funcionamiento del iPod touch que tengo.

Mi antiguo correo tardará mucho en caducar, pero ya he iniciado el cambio por lo que es conveniente que actualices tu agenda si estoy en ella, solo tienes que hacer click en el enlace de esta página de correo electrónico, para anotar el nuevo.

Para acabar mi transición parcial, ahora mi navegador por defecto es Google Chrome que acaba de salir en su versión para Mac, un lujo

Sobre el concepto de la escritura.

2009-11-30T06:28:00+01:00

Leyendo un famoso texto de Susan Sontag, del que discrepo profundamente en su primer ensayo contra la interpretacion, en el que planteaba una reflexión sobre el propio proceso de la escritura, me ha invitado sin pretenderlo, a iniciar mi propia y breve reflexión sobre el proceso textual o la actividad narrativa.

Si hay alguna cosa sobre mí que he tenido clara desde que tengo uso de razón, es, que frente a cualquier otra cosa, soy escritor, incluso cuando pinto soy escritor y reflexiono sobre la propia escritura.

Escribir, para mí, es un proceso vital dinámico, una forma de relacionarme con el mundo y tratar de entenderlo, de crear nuevos mundos, como diría Nelson Goodman. Soy un escritor impenitente, que desearía poseer todo el tiempo del mundo para devorar nuevos libros y generar otros tantos.

Para mí, no existe una gran diferencia entre escribir un ensayo o una reflexión sobre arte, un texto de crítica o una narración literaria, incluso cuando pinto, lo hago sobre una base textual que me lleva a derivaciones abstractas.

No puedo remediarlo, soy una criatura de la palabra y del verbo, y ningún título mejor que el de Creature Verbum, podía presidir este blog.

Exposición de Loli Soto, Gema Rupérez y Adolfo Siurana.

2009-11-22T18:04:32+01:00

Hace unos días me pasé por la inauguración de la exposición de estos tres artistas, invitado por mi amiga Loli Soto, que pese a su gran cúmulo de trabajo y dedicación al mundo de la educación, todavía encuentra tiempo para presentar y exponer su trabajo.

A pesar de que ya nos conocemos desde hace un tiempo, no había tenido la oportunidad de presenciar y disfrutar su trabajo, y como crítico irremediable y literariamente tocado, que soy, he decidido dedicarle unas palabras a su propuesta artística.

Precisamente, y eso es lo primero que me atrajo, su trabajo habla de letras, de palabras, de textos, pero, y eso es lo mas fascinante, son palabras invisibles que podemos leer perfectamente, textos que no aparecen pero que están ahí o que simplemente son sugeridas a través del fragmento de alguna página amarilleada por el tiempo o decididamente transformada por la artista.

Su trabajo nos habla sin duda de textos, de literatura, pero sobre todo de la memoria que permanece escrita, marcada en el amarilleado papel que no oculta la marca dejada por las huellas del tiempo, en esas finas líneas de un texto que se engarza literalmente a las hojas que le dan forma, construyendo una bella metáfora de la relación que se establece entre las palabras y su soporte predilecto, ahora tan vilipendiado por la emergencia del libro electrónico. Esas lineas, quedan suspendidas, como los propios pensamientos que emanan de los libros que Loli tanto quiere, y que destruye para transformarlos en un homenaje perpetuo hacia si mismos y sus contenidos infinitos e inacabables, que se suceden en esos hilos de líneas que se pierden y palabras sugeridas. El contenido textual que queramos darle queda en nuestros manos, ya que todos tenemos una memoria escrita y suspendida.

La otra artista que expone de nuevo junto a Loli, es Gema Rupérez, una artista que pese a su juventud posee ya una gran trayectoria artística, con un trabajo magnífico y delicado que juega con la multiplicidad de capas semitransparentes, generando un universo propio y algo fantástico, en el que se mueven seres entresacados de los sueños más personales.

Junto a ellas, el escultor Adolfo Siurana nos propone algunas piezas, dentro de su ya conocido estilo, de figuras humanoides, sin rostros y de color blanco que tan sugerentes resultan.

La exposición se puede visitar hasta el 9 de enero en la Galería Kessler-Battaglia en pleno centro de Valencia, y sin duda a uno le quedan ganas de adquirir alguna de estas piezas y poder disfrutarlas permanentemente.