Cristhian T.

Clive Tanaka y su orquesta

2022-01-09T01:47:00.001+01:00

Clive Tanaka y Su Orquesta

No sé si escribir en español esta entrada sea lo mejor pero, al final me decanté por la lengua de Cervantes, ya que el artista del que ansío escribir le pone a su banda el nombre de "Clive Tanaka y Su Orquesta". Llevo ya un tiempo consiredable escuchando a Clive, alrededor de unos 6 años, desde que volví a mi país natal luego de una estadía en Europa. Pero es desde hace unos meses que no dejo de pensar en él.

Me dio por buscar quién era este artista que lograba reunir sonidos tan limpios, tan bien puesos en armonía, y que estaban cargados de una nostalgia que me llegaba casi como recuerdos de una vida pasada. ¿Quién es este personaje (o mejor dicho, quienes, porque es Clive y su Orquesta) que logra conmover mis recuerdos mas primitivos, y me hace viajar a épocas pasadas, quizá en otro cuerpo, con otro nombre y en otro idioma?. Y la búsqueda que emprendi, por medio del hoy sabelotodo Google, no me arrojo nada útil sobre mi personaje. Bueno, si me arrojo algo útil, una cosa encontré sobre Clive en uno de los tantos reportajes breves que hacen muchas cadenas de radio [aquí el enlace]. Clive es un personaje que recluyó en su espacio personal, en su casa, en su cuarto, y decidió no salir de allí durante mucho, mucho tiempo. Decidió renunciar al mundo que se le ofrecía y vivir en el suyo propio, alejado de todo contacto humano. Simplemente la sociedad no le ofrecía nada interesante. Así, Clive Tanaka, pasó a convertirse en lo que se llama un "Hikikomori".

Había leído hace mucho tiempo sobre este fenómeno que aafectaba a jovenes de todo el mundo, especialmente en el Japón, país de donde es Clive. ¡Claro! Todo tiene sentido ahora - me dije. Puedo imaginarme fácilmente a Clive encerrado en su habitación, alejado de los avances tecnológicos que permiten lanzar un misil nuclear a miles de kilometros con una precisión milimétrica, de las guerras y conflictos en el mundo a causa de terrenos o religiones, o del último concierto de la cantante que en pleno escenario decide orinarséle en la cara a un asistente del público (que tampoco lo paso mal). Quiero creer que Clive palpo el presente y vio en el futuro millones de cosas que le producían arcadas y repulsión absoluta. Así que encendio su máquina del tiempo, ahí mismo en su cuarto, y decidió quedarse en el pasado, en los años 70, 80 y 90, esas décadas en el que el sintetizador y las voces melódicas se mezclaban con tanta paz y armonía que daba gusto vivir.

Lo cierto es que su familia, como muchas de las familias de los hikikomoris, le apoyo, le cuido como pudo e incluso le consintió con regalos ocasionales. Su hermana, le regaló un teclado con el cual complemento su instrucción musical. Rodeado de videos juegos para Super Nintendo, de libros e historietas gráficas, puedo imaginar a Clive, en mitad de la noche y con las estrellas y la luna como testigos, creando su nueva música, una música que si bien podía ser creada en la primera o segunda decada del siglo XXI, tenía su esencia y naturaleza en las últimas decadas del siglo XX. Clive es un viajero del tiempo que nos visita desde el pasado, al igual que su música. Y me alegra mucho no saber más de el, que no hayan entrevistas, ni conferencias de prensa, ni artículos en revistas basura, ni que sea invitado a la sección del desayuno en noticiarios de pacotilla. Me alegra saber que tuvo el coraje de renunciar a una vida en un tiempo y una sociedad que no le colmaban las expectativas, y que solamente hace contacto con nosotros para dejarnos sus canciones. No sé quién es su Orquesta, y no sé mucho menos por que el nombre artístico está en español. Solo espero que nos siga enviando esas señales en forma de canciones desde el pasado, sin que sea raptado o abducido por la masa medíatica actual.

Lamento no poder hablar de sus canciones, que merecen por supuesto un análisis aparte, destacando sus videos músicals (que tampoco sé si son oficiales-oficiales, es decir, que sean aprovados por el y que el haya metido mano en su creación) que estan tan bien hilados a sus canciones que parecen extractos de otra dimensión, agujeros de gusano hacia 1988 (ver, por ejemplo, Unpretentious Beauty). Pero es que en casos así se me hace imperioso destacar la naturaleza de este acto tan mágico y a la vez tan poderoso, que le sacude a uno la existencia misma.

Clive Tanaka y Su orquesta... verdaderos viajeros del tiempo.

Superstylin' - Groove Armada

2019-07-28T20:49:00.000+02:00

Superstyling'

Groove Armada

"The Groove Armada lads"

Human's heart beat with a certain rhythm which depends, basically, on the mind status. Rhythm is inside us by nature. We carry music wherever we go, as long as we live. Music is inside everyone's. I believe Andy Cato and Tom Findlay met each other with both suffering for the mutual need of materialize and express their feelings through the music. And, to be honest, everyone has passed at a certain moment of the life for this point. Even me, without no talents for music composition, whistling from time to time creating mixes with old Beethoven and some of the actual Manu Chao.

Groove Armada is the name of the electronic music group Andy and Tom created back in the 90s in London, England. Groove Armada's first solid hit in the radios and music markets was "At the river", within the album "Northern star", a very relaxing, comfortable and chilling album. I highly recommend playing this entire album when looking for a nice ambiance.

But there's one song that takes my Groove Armada's number 1: Superstylin'. This song exhibits the flexibility of Groove Armada to create electronic songs with non-common elements like the reggae-rap vocals, the electric guitars from rock music, or the funny melodies from pop. They do not leave electronic boundaries, they just expand them and make the electronic music much more rich.

Superstyling' was released on August 13th, 2001, reached high position in the radio chart in UK, Italy, even the USA. In 2003 Superstylin' was nominated for a Grammy in the category of best Dance recording (The prize went to Dirty Vegas' Days go by). The song is just a full load of energy directly to your soul. As soon as you hear this song in the air it is inevitable to start moving you body, your heart feel it and beats faster, your mind creates more endorphins and happiness is already here. Your sweaty hands looks for the volume control to set it to the maximum levels... enter in the dance, plug it in and we begin.

Todos somos Marco

2018-06-29T15:32:00.000+02:00

Todos somos Marco

Experto en decensos

Soy Marco, el que navega de día en día como si atravesara continentes inhóspitos e inexplorados.

Viajo de lunes en lunes como quien va de una isla a otra, como quien recorre valles y desiertos sin equipaje, sin provisiones y sin agua.

Soy el viajero de lo cotidiano. Me voy de rumba, me enamoro, me siento solo, me deprimo y al final no sé cómo salir de los infiernos.

He visto monstruos allá abajo, en las zonas de sombra, en los recónditos laberintos del inconsciente.

He pensado en el suicidio, en irme lejos, donde nadie conozca mi nombre. He soñado con ser monje cartujo, pigmeo, marinero o esquimal.

Siempre estoy ausente, lejos, ensimismado. Es difícil atraparme.

La ciudad es una cebolla y exploro cada capa con la misma intensidad.

He amado con pasión, con angustia, al filo del abismo. Y también me he despertado en medio de la noche sabiéndome completamente solo, sin nadie, como un Robinson Crusoe extraviado en esta ciudad de lluvias y tormentas. Un Robinson vagabundeando de calle en calle, nómada, sin tribu ni familia. Un Robinson cabizbajo que se hunde en las peligrosas noches de una ciudad fantasmagórica.

Soy Marco, el enamorado, el solitario, el náufrago. Pero también soy Jorge, Carlos y Fidel. Soy Amanda, Carmen y Lulú. Soy del sur y del norte, del Defectuoso y Buenos Aires. Soy de Lima y Montevideo, de La Habana y Santiago.

Soy heterosexual, bisexual, homosexual, transexual, asexual. Me gusta todo el mundo y no me gusta nadie. Me acuesto con todos y con ninguno. Todas las camas de la Tierra son mías y en ninguna puedo dormir. Sé que detrás de cada caricia se esconde un inmenso dolor y que todo amor es el comienzo de una larga caída. Jamás digo te amo y nunca aprendí a decir adiós. Al final, siempre duermo a la intemperie.

Conozco el pecado como pocos. Soy experto en descensos, en hacerme daño, y me cuesta mucho rescatarme.

Todas las noches sueño con el Sputnik

Conozco puertas que conducen a otros mundos, pasadizos secretos, túneles interdimensionales. La realidad es un laberinto y yo sé dónde está la salida. Soy el aventurero de las dimensiones desconocidas, el caminante de los universos paralelos. Todas las noches sueño con el Sputnik. Soy el piloto de las aerolíneas de Dios. Soy el psiconauta que al final siempre se acuesta solo y en posición fetal.

Me dicen que necesito ayuda, que debo ir al psicólogo, que debo convertirme en el dócil discípulo del terapeuta. Mi estado natural es la melancolía. Soy siempre el problema, el obstáculo, alguien del que es imposible sentirse orgulloso. No me interesa la política sino la po-lírica. La enfermedad es una antigua conocida y siempre me curo a punta de palabras.

Soy experto en desilusiones. No tengo planes, no me aferro, sé que toda esperanza es una trampa. Paso las noches en vela navegando hacia la nada. Mi soledad es mi única riqueza. No me miento. Perder es mi consigna.

Ayer es hoy, mañana es hoy, todos los tiempos se precipitan hacia el ahora. Voy dando la vuelta por un laberinto en el que siempre termino frente al mismo espejo. Pasado, presente y futuro no son más que metáforas maleables de una misma curva.

Carpe Diem.

Un día me moriré como cualquiera y entonces volveré con otro nombre y otro rostro, encarnaré en otro cuerpo y tendré otra cara. Seré indio, rubio, negro, mestizo o zambo. Me llamaré José, Raquel o Guadalupe. Seré paisa, porteño o mexicano. Morir no es más que viajar hacia el siguiente nacimiento.

Siempre estaré en tránsito y espero algún día aprender a ascender, aprender a ser superior a mis desgracias y a mis más hondas miserias.

Tomado de una lectura de Mario Mendoza.

Love Generation - Bob Sinclair

2015-12-04T05:34:00.000+01:00

Love Generation

Bob Sinclair

"It's all love, you know, It's all love, from I and I to everyone"

"Todo es amor, tu sabes, todo es amor de mi para todo el mundo"

Oh là là, de nouveau c'est le temps de la musique électronique française! Esta ves de la mano del señor Christophe Le Friant, mejor conocido como Bob Sinclair, y quien representa junto a otros artistas como por ejemplo Daft Punk, Etienne de Crazy y Modjo el House Francés, aquella fuerte corriente que marco el final del siglo 20 con canciones que pegaron muy fuerte por estos lados suramericanos. Como olvidar aquella época en la que parecía que todo lo que salía del país galo era oro traducido en notas musicales.

Si bien ya poseía gran fama y reconocimiento, fue definitivamente el sencillo lanzado en 2005 "Love Generation" que lo inmortalizó para siempre como uno de los artistas mas importantes en la escena electronica mundial. Su éxito fue tal, que la canción fue escogida como tema oficial del mundial de futbol de 2006 llevado en Alemania, y que coronaria campeón al elenco italiano (Cómo olvidar esa final!)

Desde Jamaica para el mundo: Amor Puro!

Démosle un vistazo a un trozo de la letra que motiva tanto:

inglés: "Peace on Earth" to everyone that you meet, Don't you worry, it could be so sweet, Just look to the rainbow, you will see The sun will shine 'till eternity, I've got so much love in my heart, No one can tear it apart, yeah Be the love generation Yeah, yeah, yeah, yeah Be the love generation C'mon c'mon c'mon c'mon, ahy!

español: "Paz en la tierra" para todo aquel que encuentres, no te preocupes, puede ser tan dulces. Solo mira al arcoiris, veras que el sol brillará hasta la eternidad. Tengo tanto amor en mi corazon, nadie podrá destruirlo. Se la generacion del amor, vamos!

Personalmente siento que no solo la letra es conmovedora y positiva, sino que el video es una verdadera alegría! Ver aquel chico romper la rutina de un día de clases y largarse a darle la vuelta al mundo en su bici... felicidad absoluta. Es emocionante ver como desde el principio se pronostica una gran aventura: "Have a good day at school, Love Mom", hace pensar que la energía para ir hasta la luna y volver ya le ha sido dada por medio de una nota con todo el amor de mamá. No hay mejor desayuno que ese, creanme ;)

Atravesar la ciudad, salir por la ruta 66, competirle a un camión y a un tren, entrarse en caminos abiertos y horizontes con panorámicas hermosas, encontrarse con nuevas personas... Perderse de esta manera es a veces la mejor forma de volver a encontrarse a uno mismo. El video termina de la mejor forma, y es con un fuerte abrazo y beso de mamá. No hay mejor forma de terminar el día que esa, creanme ;)

Si son lo bastante observadores podrán ver a Bob Sinclair en el comienzo y final del video; es el vecino quien sale y llega a su casa en coche. Bonito cameo maestro!

Todo siempre es la misma conclusion: Amor

Enamorada

2015-03-29T05:34:00.000+02:00

Enamorada

By Pedrina y Rio

Ha llegado la hora de hacerle un post a la música joven colombiana, a esa música que resulta de la mezcla de todo y que a la vez no se puede encuadrar en algún género de música exacto. Es mejor así, dejar tanta etiqueta, tanta formalidad, y abandonarse de lleno al flujo de energía de Pedrina y Rio.

Pedrina & Rio

No hay mucho que pueda contar realmente de los orígenes de este par de artistas; Si bien se conocían de tiempo atrás bajo los roles de estudiante y profesor, habían venido trabajando por separado en distintos tipos de proyectos y sonidos. Lo casual, que a veces es más fuerza del destino y la vida misma que otra cosa, los reúne desde el 2012 en un proyecto llamado “Pedrina y Rio”, que tiene como primer y gran éxito el sencillo: Enamorada. Ha sido un éxito a nivel nacional, permitiéndoles a Edna Arcila (Pedrina) y Javier Cerón (Rio) alcanzar renombre en la escena musical colombiana (Primer lugar en el Radíonica Top 100). Se han consolidado hasta el punto de estar presentes en el Festival Estéreo PICNIC 2015.

Seamos todos un sólo sentimiento de amor puro

En cuanto a la canción… bueno, ¡hay que escucharla!. La melodía es un bello tobogán multicolor lleno de flores por el cual fluir, acompañado de la dulce voz de Pedrina, la guitarra de Rio tan tenue y armoniosa, y una percusión y teclados elementales pero dinámicos, energizantes, estimulantes. Lo que particularmente me atrae de ésta canción, es el sentimiento con que se le interpreta. La letra es sencilla pero muy puntual, muy precisa, lo que hace imposible no notar la magia del amor cuando es interpretada. Es tan maravilloso encontrar melodías que aun transmitan ese sentimiento romántico, encontrar canciones que permitan a las parejas de enamorados identificarse, y sobre todo, canciones que respeten el encanto tan sin igual que producen las mariposas en los estómagos. Sin importar en que género ubiquen a esta canción, a mí en particular me trae loco. Gracias par de genios ^_^

"Quiero decirte mi amorcito, y apretarte la manito"

Saluditos!

I love to move in here

2014-12-03T04:23:00.001+01:00

I love to move in here

by Moby

The head and glasses of the classy electro-dance

This entry on this blog is very special because I am going to write about one of my favourite music artists; Richard Melville Hall, best known as Moby.

The selection done by Richard of being artistically recognized as Moby was supposedly because Herman Melville (writer of the novel Moby Dick) was his great-great-great granduncle.

Wherever his name comes from, Moby is just one of the most important figures of the electronic music. It is impressive how deep some Moby songs are inside of me, being able to touch my soul and shake my heart. One of the factors I love the most on his songs is his melody, the way he can harmonize the musical instruments and create a constant flow of feelings. By far is a gift only belonging to this man. Trying to bring some examples into the discussion, Porcelain and Why Does my hear Feel so bad from the album of 1999 Play are two songs that makes you listen to your soul.

But wait, Moby is not only an emotional carrousel of feelings. Of course not. Moby is also the energy of the electronic music in his pure state. I have been eye witness of his power on the stage, firing up a crowd of frozen people in a Bogota night, round about the year 2010 (thanks to my sister, who invited me).

One of this sort of effervescent songs (which was not played in Bogota) is I love to move in here, from the album Last Night, released in 2008. Is a song that softly, makes you get up, start to shake your hands and move your feet, sing a bit perhaps, and enjoy for sure for about 5 minutes of song length.

J'aime Moby

The song starts with a basic soft electro-tempo, to then add a melodic girl voice that repeats: “I love to move in here”. Some kind of soft yells are introduced at the background producing like a disco atmosphere or something like that. All this is suddenly cut off by half when the rapper Grandmaster Caz comes into play with a solo voice of around 40 seconds, adding some extra force to the song. The rest of the song is Moby’s magic in action: mixing these two different styles in one single musical line till the end of the song is reached.

The music video is, as it can be expected, played in a disco. The surprise is the main actor, a fluorescent blue octopus, which goes into the disco and from nothing becomes the star of the night, with its “unique” movements on the disco floor. In some parts of the video, Moby is showed sitting in a red couch, spending a good time in a disco. Grandmaster is there when singing his solo, and supporting some of the octopus dance moves. Definitely, this is one more reason why Moby is Moby, why that bold head and square shape glasses are so famous around the world, why he is one of the artist I want to be played when I die.

I specially love this song, because it was the soundtrack of one of the best times in my life. I was new in those lands, I was by myself; waiting just to be happy. And I was happy, extremely happy. I just remember myself shouting in my bike: “I LOVE TO MOVE IN HERE”.

Thanks.

T'estimo Barça

Smile! is free.

Herramientas para el Pensamiento Escéptico

2014-08-23T15:09:00.000+02:00

Herramientas para el Pensamiento Escéptico

Tomado del libro escrito por Carl Sagan "El Mundo y sus Demonios. La Ciencia como una Luz en la oscuridad

El pensamiento escéptico es simplemente el medio de construir, y comprender, un argumento razonado y -especialmente importante- reconocer un argumento falaz o fraudulento. La cuestión no es si nos gusta la conclusión que surge de una vía de razonamiento, sino la conclusión que se deriva de la premisa o punto de partida y si ésta es cierta.
Entre las herramientas:
•Siempre que sea posible tiene que haber una confirmación independiente de los hechos.
•Adelantar el debate sustancioso sobre la prueba por parte de defensores con conocimiento de todos los puntos de vista.
•Los argumentos de la autoridad tienen poco peso: las “autoridades” han cometido errores en el pasado. Los volverán a cometer en el futuro. Quizá una manera mejor de decirlo es que en la ciencia no hay autoridades; como máximo, hay expertos.
•Baraje más de una hipótesis. Si hay algo que se debe explicar, piense en todas las maneras diferentes que podría explicarse. Luego piense en pruebas mediante las cuales podría refutar sistemáticamente cada una de las alternativas. Lo que sobrevive, la hipótesis que resiste la refutación en esta selección darwiniana entre -hipótesis de trabajo múltiples- tiene muchas mas posibilidades de ser la respuesta correcta que si usted simplemente se hubiera quedado con la primera idea que se le ocurrió.
•Intente no comprometerse en exceso con una hipótesis porque es la suya. Se trata solo de una estación en el camino de la búsqueda del conocimiento. Pregúntese por qué le gusta la idea. Compárela con justicia con las alternativas. Vea si puede encontrar motivos para rechazarla. Si no, lo harán otros.
•Cuantifique. Si lo que explica, sea lo que sea, tiene alguna medida, alguna cantidad numérica relacionada, será mucho mas capaz de discriminar entre hipótesis en competencia. Lo que es vago y cualitativo está abierto a muchas explicaciones. Desde luego. Se pueden encontrar verdades en muchos asuntos cualitativos en los que nos vemos obligados a enfrentarnos, pero encontrarlas es un desafío mucho mayor.
•Si hay una cadena de argumentación. Deben funcionar todos los eslabones de la cadena (incluyendo la premisa), no solo la mayoría.
•El rasero de Occam. Esta conveniente regla empírica nos induce, cuando nos enfrentamos a dos hipótesis que explican datos igualmente buenos, a elegir la mas simple.
•Pregúntese siempre si la hipótesis, al menos en principio, puede ser falsificada. Las proposiciones que no pueden comprobarse ni demostrarse falsas, no valen mucho. Consideremos las gran idea de que nuestro universo y todo lo que contiene es sola una partícula elemental –un electrón, por ejemplo- en un cosmos mucho mas grande. Pero si nunca podemos adquirir información de fuera de nuestro universo, ¿no es imposible refutar la idea? Ha de ser capaz de comprobar las aseveraciones. Debe dar oportunidad a escépticos inveterados de seguir su razonamiento para duplicar sus experimentos y ver si se consigue el mismo resultado.

Además de enseñarnos qué hacer cuando evaluamos una declaración de conocimiento, un buen equipo de detección de camelos también debe enseñarnos que NO hacer. Nos ayuda a reconocer las falacias más comunes y peligrosas de la lógica y la retorica. Se pueden encontrar muchos buenos ejemplos en la religión y política, porque sus practicantes a menudo se ven obligados a justificar dos proposiciones contradictorias. Entre esas falacias se encuentran:
•Ad hominen: Latín <contra el hombre>, atacar al que discute y no su argumentación. ( e.g.: El reverendo doctor Smith es un conocido fundamentalista de la Biblia, por lo que sus objeciones a la evolución no deben tomarse en serio);
•Argumento de autoridad (e.g.: El presidente Richard Nixon debería ser reelegido porque tiene un pan secreto para terminar la guerra en el sudeste de Aisa… pero, como era secreto, el electorado no tenia ninguna manera de evaluar sus méritos; el argumento equivalía a confiar en el porque era presidente: craso error, como se vio);
•Argumento de consecuencias adversas (e.g.: Debe de existir un Dios que de castigo y recompensa porque, si no, la sociedad sería muchos mas ilegal y peligrosa, quizá incluso ingobernable2. O: el acusado en un jucio de asesinato con mucha publicidad recibió el veredicto de culpable; en otros caso, habría sido un incentivo para que otros hombres matasen a sus esposa);
•Llamada a la ignorancia; la declaración de que todo lo que no ha sido demostrado debe ser cierto, y viceversa (es decir: No hay una prueba irresistible de que los ovnis no estén visitando la tierra; por tanto, los ovnis no existen… y hay vida inteligente en todas partes en el universo. O: puede haber setenta mil millones de otros mundos pero, como no se conoce ninguno que tenga el avance moral de la Tierra, seguimos siendo centrales en el universo.) Esta paciencia con la ambigüedad puede criticarse con la frase: la ausencia de prueba no es prueba de ausencia;
•Un argumento especial, a menudo para salvar una proposición en un problema retorico profundo (e.g.: ¿Cómo puede un Dios compasivo condenar al tormento a las generaciones futuras porque, contra sus órdenes, una mujer indujo a un hombre a comerse una manzana? Argumento especial: no entiendes la sutil doctrina del libre albedrío. O: ¿Cómo puede haber un Padre, Hijo y Espíritu Santo igualmente divinos en la misma persona? Argumento especial: no entiendes el misterio de la Santísima Trinidad. O: ¿Cómo podía permitir Dios que los seguidores del judaísmo, cristianismo e islam-obligado cada uno a su modo a medidas heroicas de amabilidad afectuosa y compasión- perpetraran tanta crueldad durante tanto tiempo? Argumento especial: Otra vez, no entiendes el libre albedrio. Y en todo caso, los caminos de Dios son misterios);
•Pedir la pregunta, llamado también asumir la respuesta (E.G.: Debemos instituir la pena de muerte para desalentar el crimen violento. Pero ¿se reduce la tasa de delitos violentos cuando se impone la pena de muerte? O: el mercado de acciones sufrió ayer una caída debido a un ajuste técnico y la retirada de beneficios por los inversores… pero ¿hay alguna prueba independiente del papel causal del <ajuste> y retirada de beneficios; nos ha enseñado algo esta explicación implícita?);
•Selección de la observación, llamada también enumeración de circunstancias favorables o, como lo describió Francis Bacon, contar los aciertos y olvidar los fallos (e.g.: Un Estado se jacta de los presidentes que ha tenido, pero no dice nada de sus asesinos en serie);
•Estadísticas de números pequeños, pariente cercano de la selección de la observación (e.g.:<Dicen que una de cada cinco personas es china ¿Cómo es posible? Yo conozco cientos de personas y ninguna de ellas es china. Suyo Sinceramente.> O: He sacado tres sietes seguidos, esta noche no puedo perder.);
•Incomprensión de la naturaleza de la estadística (e.g: el Presidente Dwight Eisenhower expresa asombro y alarma al descubrir que la mitad de los americanos tiene una inteligencia por debajo de la media.);
•Inconsistencia (e.g.: Prepararse con toda la prudencia para lo peor de que sea capaz un adversario militar potencial, pero ignorar las proyecciones científicas en peligros medioambientales para ahorrar porque no están <demostrados>. O atribuir el descenso de la esperanza de vida en la antigua Unión Soviética a los defectos del comunismo hace muchos años; pero no admitir nunca la alta tasa de mortalidad infantil en los Estados Unidos ( ahora la mas alta de la principales naciones industriales) a los defectos del capitalismo. O considerar razonable que el universo siga existiendo siempre en el futuro, pero juzgar absurda la posibilidad de que tenga una duración infinita hacia el pasado.);
•Non sequitur: <no sigue>, en latín (e.g.: Nuestra nación prevalecerá por que Dios es grande. Pero casi todas las naciones pretenden que eso es cierto; la formulación alemana era: <Gott mit uns> ) . A menudo, los que caen en la falacia non sequitur es simplemente que no han reconocido posibilidades alterativas;
•Post hoc, ergo porpter hoc: en latín, <después de esto, luego a consecuencia de esto>. (e.g.: Jaime Cardinal, arzobispo de Manila: <conozco… a una mujer de veintiséis años que parece tener setenta porque toma píldoras [anticonceptivas].> O: cuando las mujeres no votaban, no había armas nucleares);
•Pregunta sin sentido (e.g.:¿Qué ocurre cuando una fuerza irresistible choca con un objeto inamovible? Pero si existe algo así como una fuerza irresistible no puede hacer objetos inamovibles, y viceversa);
•Exclusión del método o falsa dicotomía: considerar solo dos extremos en un continuo de posibilidades intermedias (e.g.: <Si, claro, ponte de su parte; mi marido es perfecto; yo siempre me equivoco> O: <El que no quiere a su país lo odia> O:<Si no eres parte de la solucion, eres parte del problema> ) .
•Corto plazo contra largo plazo: un subgrupo de la exclusión del medio, pero tan importante que lo he destacado para prestarle atención especial (e.g.: No podemos emprender programas para alimentar a los niños desnutridos y educar a los prescolares. Se necesita tatar con urgencia el crimen en las calles. O: ¿Por qué explorar el espacio o seguir la ciencia fundamental cuando tenemos un déficit de presupuesto tan enorme?) ;
•Terreno resbaladizo, relacionado con la exclusión del medio (e.g.: si permitimos el aborto en las primeras semanas de embarazo, será imposible impedir la muerte de un bebé formado. O al contrario: Si el estado nos prohíbe abortar aunque sea en el noveno mes, pronto nos empezará a decir lo que tenemos que hacer con nuestro cuerpo en el momento de la concepción);
•Confusión de correlación y causa (e.g.: Una encuesta muestra que hay mas homosexuales entre los licenciados universitarios que entre los de menor educación; en consecuencia, la educación hace homosexual a la gente. O: los terremotos andinos están correlacionados con las aproximaciones mas cercanas del planeta Urano; en consecuencia -a pesar de una ausencia de correlación así para el planeta mas cercano y mas importante, Júpiter-, lo segundo causa lo primero;
•Hombre de paja: caricaturizar una postura para facilitar el ataque (e.g.: los científicos suponen que los seres vivos se formaron juntos por casualidad, una formulación que ignora deliberadamente la principal idea darwiniana: que la naturaleza avanza conservando lo que funciona y desertando lo que no. O, y eso también es una falacia a largo/corto plazo, los defensores del medio ambiente se preocupan mas por los caracoles y los búhos moteados que por las personas);
•Prueba suprimida, o media verdad (e.g.: Aparece en televisión una <profecía> sorprendentemente precisa y ampliamente citada del intento de asesinato del presidente Reagan, Pero –detalle importante- ¿fue grabada antes o después del acontecimiento? O: Estos abusos del gobierno exigen una revolución, aunque sea imposible hacer una tortilla sin romper antes los huevos. Si, pero ¿en esta revolución morirá mas gente que con el régimen anterior? ¿que sugiere la experiencia de otras revoluciones?¿Son deseables y en interés del pueblo todas las revoluciones contra regímenes opresivos?
•Palabras equivocas (e.g.: la separación de poderes de la Constitución de Estados Unidos especifica que este país no puede entrar en guerra sin una declaración en el Congreso. Por otro lado, los presidentes tienen el control de la política exterior y la dirección de las guerras, que son herramientas potencialmente poderosas para conseguir la relección. Los presidentes de cualquier partido político podrán verse tentados a disponer guerras mientras levantan la bandera y llaman a las guerras otra cosa:<acciones de policía>, <incursiones armadas>, <golpes reactivos de presión>, <pacificación>, <salvaguarda de los intereses americanos>, y una gran variedad de <operaciones>, como las de la <Operación causa justa>. Los eufemismos para la guerra forman parte de una gran clase de reinvenciones del lenguaje con fines políticos. Talleyrand dijo: <Un arte importante de los políticos es encontrar nombres nuevos para instituciones que bajos sus nombres viejos se han hecho odiosas para el pueblo> ).

Conocer la existencia de esas falacias retoricas y lógicas completa nuestra caja de herramientas. Como todas las herramientas, el equipo de detección de camelos puede usarse mal, aplicarse fuera de contexto o incluso emplearse rutinariamente como alternativa al pensamiento. Pero, si se aplica con juicio, puede marcar toda la diferencia del mundo, y nos ayuda a evaluar nuestros propios argumentos antes de presentarlos a otros.

Manu Chao

2013-11-26T19:49:00.002+01:00

Manu Chao

José-Manuel Thomas Arthur Chao est né à Paris, le 21 juin 1961. Sa mère, Felisa Ortega vient de Pays Basque, et son père, Ramon Chao, vient de Galice.

Depuis Manu a été un petit garçon, il a eu beaucoup des influences significatives autour de lui.

Son grand-père maternel, Tomas Ortega, a été un communiste espagnol qui a lutté dans la guerre civile espagnole. Ensuite, parce que les communistes ont eu perdu et, au risque de décès, Il a fuyait avec sa famille à l’Algérie et puis à Paris.

Au sujet de sa famille paternel, son père est un journaliste et écrivain, qui voyageait souvent à latino Amérique. Donc, Manu a eu la opportunité de parler et écouter a les amis de Ramon Chao qui sont allés chez lui, à Paris, par exemple Gabriel Garcia Marquez (écrivain), Juan Carlos Onetti (écrivain) et Alejo Carpentier.

« Je suis né à Paris, J’ai grandi en France, ma famille vient de Galice et du Pays Basque. Je suis fier de ses racines. Mais surtout fier d’être là où je suis, à présent. Je suis un citoyen du présent. Perdu dans le monde, perdu dans le siècle. Mais à présent, c’est l’important. »

Ses Origines

Manu a conformé sa premier band en 1976, sur le nom de « Joint de Culasse ». Un groupe avec une grande influence de Rock-Punk. La bande a été aussi composée par Santi (cousin de Manu) à la batterie, et Antoine (frère de Manu) à la guitare. Après, en 1984, Manu et Santi ont décidé de conformé les « Hots Pants », un groupe un peu plus "Rocker". C'est ici qui ils ont trouve le chemin a le succès, avec la chanson "Mala Vida", de l’album "Loco Mosquito".

Ensuite, en 1986, et ce fois sous le nom de « Los Carayos », Manu et son camarades attrapent la réputation nécessaire pour se tournée à autres continents. Le nom « Mano Negra » est donné en référence à un group de rebelles armées en Latino Amérique. Pendant ce temps, ils ont enregistré quatre albums : ‘‘Patchanka - Puta's Fever - King of Bongo - Casa Babylon’’.

Après de nombreux voyages sur le monde et innombrable spectacles, la bande retourne a France, mais c’est la fin de la « Mano Negra ». Manu décide retourne a l'Amérique pour lui parcourir comme un « clandestin ». Mexico, Colombie, Brésil, Pérou et Argentine, ses places préférés. Maintenant, ils s’appellent « Manu Chao ». « Manu Chao » enregistre, comme il est prévu, le plupart des ses chansons en espagnol. C'est la étape avec le plus succès au niveau de ventes. Ses albums sont considérés pour la critique et pour le publique comme classiques du rock espagnol.

Le foot

Manu Chao est un passionné pour le foot. Depuis que il était un garçon il pratiquait. Il est connu pour porter de maillots de foot. Photos avec les maillots des équipes comme: Rosario Central (Argentine), Belgrano de Cordoba (Argentine), Santa fe (Colombie), Alianza Lima (Perou), Galatasaray (Turquie), Athletic de Bilbao (Espagne), et de l'équipe de l'Algérie. Aussi, il a chanté à Diego Maradona. La chanson <La vida es una tombola> est adressé à le jouer argentin.

L’inspiration

« Malheureusement, au monde il y à tellement des raisons baisser les bras, d'être triste et de être dégoûté de tout. La tristesse est ça, on vit au monde terriblement triste. C'est un sentiment de tristesse mais est aussi, la chose le plus terrible c'est un sentiment de rage. Le grand travail c'est de arriver a canaliser ce rage en énergie positive et non négative. Moi j'ai la chance j'ai la musique, ça a été comme ma petite dynamo. »

L’espérance

« Le mot que j'aime utiliser parce que il est ma médecin, et ce qui me permet supporter tout ça: l’espérance. Plus la situation est difficile, plus d’espérance on doit avoir. Parce que sinon, quoi? »

Prochain Station: Esperance

L’argent

« Je ne considère pas que quelque pays européen soit une démocratie. Ils disent être une démocratie, mais il est une dictature. Le plus grand dictateur del monde actuellement est l’argent. Ceux qui a de l’argent vont bien, mais pour les autres, ils se vont au diable. »

La transition de Mano Negra à Manu Chao apporte non seulement chansons plus latines, mais apporte chanson avec un contenu plus dense, référents à sujets sociales et politiques, principalement. SM parle de la politique, et de las personnes qui vraiment ont le pouvoir dans un pays (les mafias). CL traite de le sujet de la clandestinité. Personnes qui voyage avec la intention de trouver un meilleur futur dans un autre pays, mais, qui ils trouvent que les choses sont plus compliques. MLL parle de la situation des femmes qui travaillent sur les rues. MC a fait une chanson pour un film que montre la vie des prostituées en Espagne.

« Merci Manu pour nous donner la lumière dans ce chemin obscur qui est la vie. C'est Manu, une lumière, une lumière d’espérance, un ami, Cette nuit va être très fantastique. »

‘’Radio La Colifata’’ à été un projet de Manuel dans un hôpital psychiatrique en argentine, où ils ont eu crée un station de radio. Selon les médecins, la Radio a été une thérapie formidable pour les patients.

Une caractéristique qui fait de manuel unique, est la utilisation des différents langues dans les chansons, quelques-uns qu'il même chante (français, espagnol, português, anglais), et d'autres que sont joindrés d'autres sources (Radio, télévision, etc.)(Russie, arabe, italien). Ça a le permis d'aller à plus de pays et plus de personnes sur tout le monde.

Infinita Tristeza

« Дорогие друзья, близкие и незнакомые, соотечественники, люди всех стран и континентов! Через несколько минут могучий космический корабль унесет меня в далекие просторы Вселенной.

Chers amis, lointains ou très proches, habitants de touts les pays et de touts les continents : dans quelques minutes, un puissant vaisseau cosmique m’emportera loin dans l’espace.

Infinita Tristeza - Infinita Tristeza - Infinita Tristeza

Version en Español:

José-Manuel Thomas Arthur Chao nacio en Paris, el 21 de junio de 1961. Su madre, Felisa Ortega proviene del Pais Basco (España), y su padre, Ramon Chao, viene de Galicia.

Desde que Manu era un pequeño, tuvo muchas influencias significativas a su alrededor.

Su abuelo materno, Tomas Ortega, fue un comunista español que lucho en la guerra civil española. Tras la derrota de los comunistas, y con el riesgo de ser ejecutado, él huye con su familia a Algeria, y despues a Paris.

Respecto a su familia paterna, su padre es reportero y escritor, que viaja seguido a America del sur. Asi es como Manu tuvo la oportunidad de hablar y escuchar a los amigos de su padre que pasaban a visitarlo, en Paris. Por ejemplo, Gabriel Garcia Marquez (escritor), Juan Carlos Onetti (escritor) y Alejo Carpentier.

Sus Origines

Manu conformo su primera banda en 1976, bajo el nombre de "Joint de Culasse". Un grupo con una gran influencia de Rock y Punk. La banda estaba compuesta también por Santi (Primo de Manu) en la bateria, y Antoine (hermano de Manu) en la guitarra. Despues, en 1984, Manu y Santi deciden integrar los "Hot Pants", un grupo un poco mas "Rocker". Es aqui donde encuentran el camino al exito, con la cancion "Mala Vida", del album "Loco Mosquito".

Mala Vida

Después, en 1986, y esta vez bajo el nombre de "Los Carayos", Manu y sus camaradas obtienen la reputacion necesaria para ir de gira a otros continentes. El nombre "MAno Negra" se le da a la banda en referencia a un grupo de rebeldes armados en latino america. Durante este tiempo, graban cuatro albumes: "Patchanka-Puta's Fever-King of Bongo-Casa Babylon".

Tras numerosos viajes alrededor del mundo y incontables espectaculos, la banda regresa a Francia pero esto es el fin de la Mano Negra. Manu decide regresar a america, pero para recorrerla como un clandestino. Mexico, Colombia, BRasil, Peru y Argentina; sus lugares favoritos. Ahora, se hacen llamar "Manu Chao". Bajo este nombre registran, como est previsto, la mayoria de sus canciones en español. Esta es la etapa con mayor exito a nivel de ventas. Sus albumes son considerados por la critica como calsicos del rock en espanol.

El Futbol

Manu es un apasionado por el futbol. Desde que el era un niño lo practicaba. El es conocido por llevar camisetas de futbol. Fotos con la camisetas de equipos como: Rosario Central, Belgrano de Cordoba, Santa Fe, Alianza Lima, Galatasaray, Athletic de Bilbao, y la seleccion de Algeria. También, Manu le ha cantado ha Diego Maradona. La cancion " LA vida es una Tombola" esta dedicada al jugador argentino.

La Inspiracion

Desgraciadamente, en el mundo hay muchisimas razones para bajar los brazos, estar triste y estar fastidiado de todo. La tristeza es eso, venir a un mundo terriblemente triste. Es un sentimiento de tristeza y pero es también, que es lo mas terrible, un sentimiento de rabia. El grande trabajo es de llegar a canalizar esa rabia en energia positiva y no negativa. Yo tengo la suerte de tener la musica, que es como mi pequeno dinamo"

La tranisicion de Mano Negra a Manu Chao no solo aporta canciones mas latinas, sino que aporta canciones con contenidos mas densos, haciendo referencia a temas sociales y politicos, principalmente. La cancion "Senor Matanza" habla de la politica, y de las personas que realmente tienen el poder en un pais (mafias). "Clandestino" habla de la clandestinidad. Personas que viajan con la intencion de encontrar un mejor futuro en otro pais, pero que se encuentran que las cosas con mas complicadas. "Me llaman Calle" habla de la situacion de las mujeres que trabajan en las calles. Manu Chao ha hecho una cancion para una pelicula que muestra la vida de las prostitutas en Espana.

Una caracteristica que hace de Manu Chao unico, es la utilizacion de diferentes lenguas en las canciones, algunas cantadas por el mismo (en frances, espanol, portugues, italiano, arabe). Eso le permitio ir a mas paises y mas personas en el mundo.

Je ne T'aime plus
Mon amour
Je ne T'aime plus
Tous les jours
Parfois J'aimerais mourir
Tellement J'ai voulu croire
Parfois J'aimerais mourir
Pour ne plus rien avoir
Parfois J'aimerais mourir
Pour plus jamais te voir
Je ne T'aime plus
Mon Amour
Je ne T'aime plus
Tous les jours
Parfois J'aimerais mourir
Tellement Y a plus D'espoir
Parfois J'aimerais mourir
Pour plus jamais te revoir
Parfois J'aimerais mourir
Pour ne plus rien savoir
Je ne T'aime plus
Mon amour
Je ne T'aime plus
Tous les jours...

Manto Estelar

2013-07-17T06:55:00.000+02:00

Manto Estelar

By Moenia

Sintetizadores, mezcladores, algunos teclados y versatilidad, mucha versatilidad, son las principales características que se pueden reconocer en Moenia, la banda mexicana formada en los comienzos de los años noventa en la Ciudad de México. Su genero musical es la electronica, pero es en el sub-genero Synthpop o Electropop en el que han marcado historia, convirtiendose en pioneros en toda latinoamerica.

En 1999, y con Alfonso Pichardo en la voz, Jorge Soto en los teclados y Alex Midi en los sintetizadores, Moenia produce Adición, su segundo album de estudio, y el cual los posicionaria definitivamente en la escena electronica. Este album cuenta con exitos como Regreso a casa, No dices mas, y Manto Estelar.

Moenia

Manto Estelar es de esas canciones que desde el inicio te toman por el alma, con ese sonido inicial que transporta a ningún lugar, solo para que la atencion sea centrada en la letra que a continuación aparece ( y que a mi parecer es interpretada de la siguiente manera):

“ Si mañana me perdiera en un inmenso mar

y la noche me cubriera con su manto estelar,

¿a donde volaría mi última oración,

el último latido de mi azul corazón? “

¿Quien seria esa persona en la cual pensarás por ultima vez?, esa misma que se ha robado el papel principal en el show de tu vida. Definitivamente la persona a quien dedicas tu ultimo pensamiento deberá ser muy importante.

“No sería a ti, no sería a ti,

esta vez no sería a ti. “

Basta, deja de pensar que tu eres lo único que tengo en mi vida. Esta vez no serás tú quien ocupe toda mi mente, no. No te daré ese privilegio, ese honor no lo tendrás en esta ultima ocasión. Es lo único que puedo hacer contra ti,

“ No supiste dar lo que yo te di,

no supiste ver lo que hay en mí.

no sería a ti, no sería a ti,

esta vez ya no sería así.

no supiste dar lo que yo te di,

no supiste ver lo que hay en mí. “

No correspondiste a todo eso que de corazón te di, jamas entendiste realmente como valorarlo. Nunca lograste saber quien soy. Hiciste de mi una imagen, imagen como tu querías que yo fuera, como todo el mundo quiere que yo sea.

“Si tan solo un fragmento pudiera conservar;

una fina memoria para recordar,

¿a quién me llevaría a mi destino astral?

hermosa compañía para la eternidad.”

Si pudiera rescatar un solo momento, solo uno, para recordarlo por siempre, en el que me hicieras sentir completamente feliz, sin un solo detalle en contra, solo uno. Si tan solo uno.

“No sería a ti, no sería a ti,

esta vez ya no sería a ti.

no supiste dar lo que yo te di,

no supiste ver lo que hay en mí.

no sería a ti, no sería a ti,

esta vez ya no sería así.

no supiste dar lo que yo te di,

no supiste ver lo que hay en mí.

no, no sería a ti.

No sería a ti, no sería a ti,

esta vez ya no sería a ti.

no supiste dar lo que yo te di,

no supiste ver lo que hay en mí.

no sería a ti, no sería a ti,

esta vez ya no sería así.

no supiste dar lo que yo te di,

no supiste ver lo que hay en mí.

no, no seria a ti.

ya no.

no, no sería a ti.

si la noche me cubriera con su manto estelar.

si tan solo un fragmento pudiera conservar.

no, no seria a ti.”

Quizá puedan reconocer algunos tintes muy parecidos a Depeche Mode, o incluso a David Bowie. Desde mi punto de vista, y respetando las proporciones, Moenia es el equivalente en español de dichas agrupaciones.

Manto Estelar, todo un eniigma.

El vídeo, como la gran mayoría de vídeos de Moenia, es bien difícil de interpretar, y casi que no se le puede hallar directa relación con la letra de la canción. En el se muestra una escena en carretera, donde al parecer un accidente automovilístico ha ocurrido, dejando varios heridos. Lo que asumo es la policía, acude al lugar, pero contrario a lo que se puede imaginar, ellos llegan allí a golpear y arrestar a los sobrevivientes. Tal vez son algún tipo de prófugos, supongo. El hecho, es que el vídeo tiene algún tipo de loop, de bucle. Lo que quiero decir es que la escena del final es la que da paso a la escena del comienzo. Extraño, pero llamativo por supuesto.

Pedro el Escamoso

2013-02-03T03:13:00.000+01:00

PEDRO EL ESCAMOSO (TEMA INTRODUCCION A LA NOVELA)

By Juan Luis Guerra (La Hormiguita)

Me parece ayer cuando, después de haber cenado y “haber hecho tareas”, me sentaba a ver “Pedro El Escamoso”. Fue la ultima telenovela que vi, hace ya un buen decenio.

Lo que me hacia ver tal dramatizado con tanto furor era el hecho de que me encarnaba en el personaje, yo era Pedro Coral Tavera, aquel hombre alto y acuerpado, de cabellera particular y catalogado en algunas ocasiones como “brocha”, yo era aquel hombre simpático y buena gente, queriendo salir adelante con una sonrisa en su rostro. Me identificaba viendo situaciones tan particulares, tan cómicas que me hacían reír.

El por que de este post esta contenido en ese video. A veces, uno imagina las mejores situaciones, los mas hermosos momentos.

QUIÉN no ha se ha imaginado siendo reconocido por toda la gente. Ser un prestigioso y exitoso alto ejecutivo. Imaginarse conduciendo un hermoso coche al lado de la chica más hermosa del mundo. Románticos momentos al lado de la princesa más bella. Despertar y encontrar a tu lado la razón de tu vida.

QUIÉN no ha vivido la sensación de estar completamente solo, en un lugar desconocido, entre personas desconocidas. Quién no ha sido un simple empleado sin éxito, con mucho fracaso y ningún futuro. La poca placentera sensación de vivir día a día las masas transportándose como ganado. Despertar y encontrarse solo. Ser testigo de la tristeza.

Mucho es lo que se imagina.

Mucho es lo que se vive.

Mucha es la diferencia entre lo que se imagina y lo que se vive.

Que Diferente!

Pour un plaisir, mille douleurs

The End

2013-02-03T02:44:00.000+01:00

THE END

By The Doors

Probably there’s no other music group that have successfully reached a high market position in the music world as The Doors did in 1967 with the album “The Doors”. The album, which contains great rock classics like “Break on Through” and ”Light my fire”, was ranked at number 336 on Rolling Stone's list of The 500 Greatest Songs of All Time (Wikipedia, 2010).

The song is quite relaxed, and it starts with a pretty known guitar sound. After bass and drums have been added, Jim comes with his voice. Just a few minutes before the ending, the song becomes faster, increasing the beat, the rhythm, the tempo, it takes you high just only to put you back to the initial relaxed stated. It’s a real journey through all the experiences.

My only friend, the end, It hurts to set you free, But you'll never follow me, The end of laughter , and soft lies, The end of nights we tried to die, This is the end.

Something quite remarkable is the universality of the lyrics. Every person, can give its own meaning of the words, and it would be ok. Even more, the same person can give a completely different interpretation just after have listened it for a second time. For me, it’s a song for ending a stage, a phase. It’s perfect to express that you have discovered that something need to be buried into the past, that something can’t be any longer part of your present. Yes, I was in the middle of a battle, fighting a war and and giving all I had, but I lost it, this is my end, nothing else to do or to say, no matter how much I tried, how much I put on it or how beautiful was it, it’s just that, the end. It hurts like the hell, but that what life is, if you want a gram of happiness you are obliged to feel a ton of pain. We should notice that the death is almost a rest for the soul after a whole life of suffering. For sure you will be so happy knowing that after all the calvary you've found the end. Maybe that interpretation is connected with Jim Morrison’s lyrics: ”This is the end, my beautiful friend”.

But, probably you have given it a completely different signification, and it’s ok.

The song has been used in several movies, the remarkable one for me: “Apocalypse Now” by Francis Ford Coppola. It express all what a soldier in Vietnam can feel.

To be honest, I don't need to be in Vietnam to feel the hell surrounding me.

"I'll never look into your eyes...again"

I'd like to finish quoting Jim Morrison talking about “The End”:

« Everytime I hear that song, it means something else to me. It started out as a simple good-bye song.... Probably just to a girl, but I see how it could be a goodbye to a kind of childhood. I really don't know. I think it's sufficiently complex and universal in its imagery that it could be almost anything you want it to be »

The Passenger

2012-11-03T14:32:00.000+01:00

The Passenger

By Iggy Pop

"I'm a passenger"

In 1977, and with the collaboration of Ricky Gardiner, James Newell Osterberg Jr (Better know as Iggy Pop) wrote the punk-rock song The Passenger, for the album Lust For Life. As I know, Iggy Pop found the inspiration to compose this song from a Jim Morrison’s poem. The poem recalls on the state of people going and coming, not from the material point of view but in a spiritual way. As long as we move through places, landscapes, situations, sensations, feelings, persons, sounds, smells, memories, the life itself, we can realize how bit by bit we find ourselves.

It is curious how the fact that moving away from your home, friends and family makes you see the things different. You begin to appreciate all these things in a higher level. Probably, this is the kind of test we should face in order to reach the happiness someday. I think we will be able to know the meaning of happiness solely when you know perfectly what sadness means.

The song has been used in several TV and Radio shows and ads. It’s one of the Iggy Pop’s most remembered songs, and it has more than 20 covers from others bands around the world. Something quite remarkable in this song is the participation in the chorus of the British singer Davie Bowie. The vocals are very strong, and despite the song’s melody is somewhat plane, it is enough to arouse your mood.

"I stay under glass

I look through my window so bright

I see the stars come out tonight

I see the bright and hollow sky

Over the city's a rip in the sky

And everything looks good tonight "

La

"La la la la la lalalalalalalalala"

La nostalgia - Bacánika

2012-10-10T09:42:00.001+02:00

Que verraco es estar en un lugar donde uno se siente ajeno, donde todo aquello que uno pensó que era se desvanece así como así.

La nostalgia

ESCRITO POR M ario Mendoza

Y de repente, cuando uno está lejos del país, le llega la nostalgia y lo deja en el suelo, doblado de dolor, sin aire, con conteo de protección.

No importa si está uno en Madrid, en una calle cualquiera de Nueva York, en Singapur o en la Patagonia, da igual. Lo cierto es que se siente esa necesidad, esa ausencia, ese vértigo de no saber qué diablos está haciendo uno lejos de su gente, de su barrio, de sus amigos, de la persona que tanto ama. Es como si el piso se abriera y uno empezara a caerse en un abismo sin fondo.Pertenezco a una generación que experimentó la nostalgia sin correos electrónicos ni Skype.

La sensación de lejanía era tremenda. Había que esperar dos o tres semanas para recibir la carta de regreso. Recuerdo en las calles de Madrid haciendo trampas con marroquíes, afganos y bolivianos para llamar a nuestros países gratis. A las tres de la mañana, y muy pendientes de que la policía no nos fuera a pillar, alterábamos un teléfono y nos íbamos dando turnos de a diez minutos por individuo. Luego uno volvía a hacer la fila y llamaba a otro pariente o a otro amigo. Nos cogía la madrugada así, haciendo fila junto a otros nostálgicos que también lloraban en la cabina, mandaban abrazos o prometían amor eterno en distintos idiomas. Qué duro era, carajo…

A veces llegaba algún colombiano y entonces lo llamaban a uno y le decían: ven este domingo, hay arepas y chocolate de verdad. Uno llegaba temprano, muy pendiente, y de repente, como si el país acabara de aterrizar en esa sala o esa cocina, aparecían las arepas de Promasa y el chocolate Sol recién batido. Y era inevitable que a uno se le hiciera un nudo en la garganta o se le aguaran los ojos. Y si a alguien se le ocurría poner un vallenato o una canción de Alci Acosta, quedábamos todos liquidados, como para pedir un pañuelo. Uno sólo se reconoce colombiano cuando ha estado lejos…

Un amigo que estaba casado con una extranjera me llamaba a la madrugada, cuando aquí en Colombia eran las diez de la noche, y, borracho, empezaba a decirme:

- Chokis, Arequipito, veleño, Herpo, Bon Bon Bum, Chocoramo, pandeyuca, pandebono…

Lo decía como una plegaria, como si estuviera rezando. Era una retahíla de palabras que sólo tienen sentido para un colombiano. Y entonces yo sabía que la nostalgia había llegado y que no tenía a nadie a su lado para recordar lo que era una buena aguapanela con tamal o con almojábana.

He visto a colombianos dejar doctorados y trabajos extraordinarios para salir corriendo al aeropuerto a coger el primer vuelo a Colombia, así, súbitamente, sin pensar en nada, como quien sabe que su vida depende no de su razón, sino precisamente de todo lo contrario: de su irracionalidad, de su desmesura. No importa si después hay que llegar a las viejas calles, a la falta de oportunidades, a no saber qué diablos va a hacer uno con su vida. Pero al menos le queda la posibilidad de irse hasta la panadería y pedir un roscón con Colombiana o con Pony Malta.

Somos nuestras calles, nuestras empanadas, nuestros guisos, nuestra música, nuestro caos, nuestra fuerza, nuestro heroísmo, nuestros defectos, nuestra alegría, nuestra rumba. Para bien y para mal. Y cuánta falta nos hacen cuando estamos caminando por calles ajenas, hablando con otros que no entienden nuestras palabras más propias y durmiendo en casas donde nadie sabe en realidad quiénes somos.

http://www.bacanika.com.co/index.php/secciones/opinion/item/1196-la-nostalgia

Breathe

2012-08-19T06:08:00.003+02:00

Breathe

By Télépopmusik

Just Breathe

Bajo el marco del Festival de la Música Electrolux (Electrolux Fète de la Musique) realizado en Bogotá en 2005, los rolos pudimos apreciar algo de lo mejor de la música electrónica francesa: Télépopmusik. Aún recuerdo fielmente el frío con el que tan característicamente mi ciudad acoge a sus visitantes. Aquellos franchutes, a pesar de todo, dieron muestra de su calidad en un gran espectáculo llevado a cabo en el versátil y siempre útil Parque Simón Bolívar.

Télépopmusik es un grupo conformado a finales de los años noventa por Frabrice Dumont (Que en aquella noche capitalina usaba grandes gafas blancas de lentes oscuros), Stephan Haeri y Christophe Hetier. Hasta la fecha han lanzado solo dos álbumes de estudio; Genetic World en 2001 y Angel Milk en 2005. Es en Genetic World donde está el sencillo más popular de la banda, Breathe.

Breathe es de aquellas canciones que fácilmente te transporta, ¿Dónde?, no sé, al lugar perfecto para unas vacaciones que cada quien en su cabeza tenga. El mío, es muy similar al del video, tal vez el porqué de mi encanto por ésta canción está allí. Tarde soleada, en lo alto de una montaña, un condominio campestre, ambiente de piscina, nada que comparar a Melgar, Ricaurte, Girardot. Señores esto es Francia, Niza, Mónaco, Saint Tropez, Cote de Azur, y quien sabe que otras más.

La canción alcanzó gran popularidad, logrando el segundo puesto en los Grammy Awards de 2004 en la categoría de mejor canción Dance. También fue el soundtrack para los comerciales de autos Peugeot y Mitsubishi.

Caratula del álbum

Una gran canción sin duda alguna.

Bicicleta Intergaláctica

2012-08-17T06:43:00.003+02:00

Bicicleta Intergaláctica

By Bacalo Men

Ciclo Ruta Calle 26 Bogotá D.C.

Aire que atraviesa todo tu cuerpo, viento que acaricia tu rostro, paisajes en movimiento que quedan en tu mente, lluvia que hidrata tu alma, sol que energiza tu espíritu, caminos que animan a pedalear en busca de tu destino; casa, universidad, oficina, trabajo, amigos…

Esto es tan sólo parte de lo que al transportarme por medio de una bicicleta logro sentir. Por fortuna vivo en una ciudad como Bogotá, en la cual tuvimos un alcalde que vio en otras grandes ciudades del mundo la importancia de la bicicleta como medio efectivo de transporte, siendo de paso solución a tanto trancón y reduciendo índices de contaminación atmosférica. Tenemos muchos kilómetros de rutas exclusivas al tránsito de dos ruedas sin motor, y me parece que somos muy pocos los que le sacamos provecho. Si usted está cansado de tanto trancón, de tanto bus lleno, de tanto ladrón de tumulto, hágase a una cicla, y sea libre, sea feliz, que la ciudad le da para que lo sea. No se permiten quejas, si usted aporta solo problemas.

Quiero llegar a vivir en una Bogotá de dos ruedas.

En lo que a la música se refiere, Bicicleta Intergaláctica es un sencillo lanzado en Abril 22 de 2008, por la agrupación venezolana Bacalao Men, y quién está compuesta por Eddie Cisneros en los teclados, Pablo Estacio en el bajo, Gustavo Guerrero guitarrista, Sebastián Araujo y Tomás Fajardo que interpreta la percusión, Alfonso Gonzales (conocido también como Dj Hernia), Julio Andrade en el saxo. La canción muestra algo de lo que es su sello; electrónica, con alguito del caribe, un toque de psicodelia, una melodía que mueve, una letra que vuela, en fin, juzguen ustedes lo especial de ésta tonada.

Y por que no? Version Toulouse:

La cancion aqui escuchada es: Das Spiegel, We are the Night, The Chemical Brothers.

Y por que no? Version Paris:

La cancion aqui escuchada es: Beautiful Burnout, Del Album Oblivion with Bells, de Underworld.

Y por que no? Version Lisboa:

La cancion aqui escuchada es: Rez, del album Second Toughest in the Infants, de Underworld.

Historia De Cronopios Y De Famas - Julio Cortazar

VIETATO INTRODURRE BICICLETTE

En los bancos y casas de comercio de este mundo a nadie le importa un

pito que alguien entre con un repollo bajo el brazo, o con un tucán, o

soltando de la boca como un piolincito las canciones que me enseñó mi

madre, o llevando de la mano un chimpancé con tricota a rayas. Pero apenas

una persona entra con una bicicleta se produce un revuelo excesivo, y el

vehículo es expulsado con violencia a la calle mientras su propietario recibe

admoniciones vehementes de los empleados de la casa.

Para una bicicleta, ente dócil y de conducta modesta, constituye una

humillación y una befa la presencia de carteles que la detienen altaneros

delante de las bellas puertas de cristales de la ciudad. Se sabe que las

bicicletas han tratado por todos los medios de remediar su triste condición

social. Pero en absolutamente todos los países de la tierra está prohibido

entrar con bicicletas. Algunos agregan: «y perros», lo cual duplica en las

bicicletas y en los canes su complejo de inferioridad. Un gato, una liebre,

una tortuga, pueden en principio entrar en Bunge & Born o en los estudios

de los abogados de la calle San Martín sin ocasionar más que sorpresa, gran

encanto entre telefonistas ansiosas o, a lo sumo, una orden al portero para

que arroje a los susodichos animales a la calle. Esto último puede suceder

pero no es humillante, primero, porque sólo constituye una probabilidad

entre muchas, y luego porque nace como efecto de una causa y no de una

fría maquinación preestablecida, horrendamente impresa en chapas de

bronce o de esmalte, tablas de la ley inexorable que aplastan la sencilla

espontaneidad de las bicicletas, seres inocentes. De todas maneras,

¡cuidado, gerentes! También las rosas son ingenuas y dulces, pero quizá

sepáis que en una guerra de dos rosas murieron príncipes que eran como

rayos negros, cegados por pétalos de sangre. No ocurra que las bicicletas

amanezcan un día cubiertas de espinas, que las astas de sus manubrios

crezcan y embistan, que acorazadas de furor arremetan en legión contra los

cristales de las compañías de seguros y que el día luctuoso se cierre con

baja general de acciones, con luto en veinticuatro horas, con duelos despedidos por tarjeta

Esta bici me acompañó poco tiempo en 2014-2015. La razón, era muy lenta para evitar las amenazas de la calle Bogotana.

¿Cómo no querer volver a subirse en cada uno de los caballitos de acero que han pasado a lo largo de nuestras vidas? Por Dios, estoy seguro de que todos en algún momento hemos recodado con nostalgia alguna de nuestras bicis, y hemos dejado aflorar en nuestro rostro una sonrisa dibujada desde nuestro corazón.

No podré olvidar, ni mucho menos dejar de sentir algo de la misma adrenalina que sentía cuando estaba aprendiendo a montar en bici. Aquella primera bici era blanca de marco, con azul en las ruedas (incluyendo los radios y la misma rueda hecha de algún plástico resistente). Azul era su asiento, así como su manillar. Su diseño estructural pertenecía a la familia de las bicicletas cross-mountain. Para aquel entonces vivíamos en un barrio con la mayoría de sus calles trazadas sobre virgen tierra, llegando a ser las calles principales las únicas con concreto o asfalto. Eran calles que le pertenecían a las máquinas y no a las personas, ni mucho menos a niños aprendiendo a andar en bici. Esta fue la razón por la que mis primeros kilometros de bici fueron sobre senderos de tierra totalmente irregulares llenos de piedras de todas las formas y tamaños. Recuerdo a mi padre guiándome con su mano en el asiento de mi bici, caminando, trotando, corriendo y corriendo aún más rápido hasta soltarme a mi propia libertad. Sin que haya registro alguno puedo imaginarme la expresión en su rostro.

No me acuerdo exactamente la ocasión o el motivo por el cual me fue regalada la bici (no sé si fue como regalo de navidad, o fue por un cumpleaños), pero de lo que si estoy seguro es de que mis padres me abrieron la puerta a un paraiso sin fin, plagado de aventuras, paisajes y amistades. Y es que después del inicial propósito de la bici, que era la diversión y el ocio, ha tenido una trascendencia fundamental en mi vida. La bici ha sido mi principal medio de transporte: como estudiante y como trabajador me he subido casi que a diario a pedalear la vida, procurando siempre iniciar y finalizar el día con una sonrisa cargada de endorfina pura y dura. Es un estilo de vida que produce tranquilidad y bienestar. No sé si me ayude a tener un corazón más fuerte, si mi presión cardiaca sea más estable No sé si por el contrario mi sistema respiratorio padezca con la contaminación producida por tanta máquina. Lo que es cierto es que he sido feliz sintiendo el sol, el viento y la lluvia en mi cuerpo. Me he sentido útil evitando atascos, ahorrando dinero de transportes. He sido más puntual. He sido más nice.

El caballito de medianoche: a 50 por hora a media noche en la ciudad de los umbrales. Lo que me da pie de presentarme con mi madre:

Esta mujer es increible: https://cristim13.blogspot.com/2020/05/la-mujer-maravilla.html

Blue demon, quien perdió el tenedor y aún así me soporto hasta el taller más cercano.

La flaca, heroína de la resistencia!

La flaca de nuevo, tomando el sol en el valle.

La nueva reina de la casa:

Days Go By

2012-07-23T05:42:00.000+02:00

Days Go By

By Dirty Vegas

"Los días pasan y sigo pensando en tí"

En 2001 la banda de música house británica Dirty Vegas lanza su primer sencillo, que además sería su mayor éxito, “Days Go By”. En su premier, el sencillo alcanzó un reconocimiento aceptable en el Reino Unido, llegando a ocupar la casilla 16 en las listas inglesas. Por el contrario, obtuvo gran popularidad en los Estados Unidos, llegando a ser primero en las listas Billboard. Esto gracias en parte a que la canción era utilizada como soundtrack del comercial de un automóvil Mitsubishi (el cual se puede observar en el video) en dicho país.

El video de la canción se centra en una especie de ritual que realiza un hombre, bailando desde el amanecer hasta el atardecer. Aquel hombre, de aproximadamente 40 años, aparece muy temprano en la mañana (con el sol iluminando de derecha a izquierda en su pantalla amigo lector) vestido con un traje color claro, camiseta azul, corbata, tirantes y unos tenis Converse rojos descoloridos y remendados. Además, lleva consigo una radio y un cartón, los cuales acomoda para comenzar, de un momento a otro, su particular ritual; el Baile. A medida que nuestro personaje efectúa sus espectaculares pasos, un grupo de transeúntes que se detiene para observarle nos cuenta la historia del aquel bailarín de ébano. La danza es realizada como una especie de ceremonia anual con el único fin de traer a su enamorada, la cual perdió, por no poder dejar el baile. Un particular detalle ocurre cuando se hace una toma a los Converse de nuestro bailarín, el cual da un salto hacia atrás, realmente hacia el pasado, y aparece de nuevo, como un joven vestido con sudadera azul y con los mismos Converse, pero en mejor estado (ahora si parecen rojos). Es aquí donde el grupo de gente que está observando explica la razón del distanciamiento de la pareja; nuestro personaje simplemente no pudo dejar de bailar. Finalmente, volvemos al presente, donde nuestro hombre recoge sus cosas y se va. Está anocheciendo, el sol se está poniendo. (Ahora, el moribundo sol ilumina de izquierda a derecha).

En algunas tomas, se puede observar a los integrantes de la banda, Ben Harris, Paul Harris y Steve Smith, éste último es quien conduce el vehículo Mitsubishi que espera en una esquina.

La caratula del álbum fue realizada por el estadounidense Richard Phillips, quien tiene como característica propia realizar su arte basado en imágenes tipo retrato, mayormente mujeres, iconos de la moda, del pop o de la pornografía. En sus palabras, Phillips describe que sus obras siempre implican “algún tipo de belleza perdido”, indicando que esto siempre ha sido una tendencia en su trabajo.

Imagenes de la caratula del álbum y del sencillo.

Gettho Defendant

2012-07-09T08:02:00.000+02:00

Gettho Defendant

By The Clash

Gettho Defendant

El contenido social que la banda inglesa de punk-rock The Clash siempre adjunta a sus canciones hace que sea necesario escuchar de manera detallada y en más de una ocasión sus canciones.

Lo que llama mi atención en ésta canción es el contraste entre las voces que se escuchan; una voz profunda, pausada, tranquila, junto con otra voz llena de energía, activa, intensa. Allen Ginsberg, reconocido poeta americano del siglo XX, incorpora varias frases versadas a lo largo de la canción, frases cortas que dicen mucho; critica al sistema, a sus adictos y defensores. Joe Strummer, compositor y voz en la canción, entona una letra que se concentra en como las autoridades (policía) en su intento de detener el narcotráfico afectan al pueblo, al barrio, al Gettho. Ginsberg y Strummer: dos estilos, un sentimiento, una expresión, una canción.

Par genios: Strummer y Ginsberg

Allen Ginsberg ha dejado una huella, pues no sólo colaboró con artistas como Bob Dylan, sino que también se aventuro a crear sus propias canciones. Allen había colaborado en 1974 interpretando una versión en vivo de su poema-canción “Capitol Air” con The Clash en el club de rock Bond.

Gettho Defendant es la cuarta canción del lado B del álbum de 1982 Combat Rock. Aunque el reconocimiento se lo llevaron las muy bien reconocidas canciones “Rock The Casbah” “Should I Stay or Should I Go”, “Gettho Defendant” es mi favorita en éste LP.

Combat Rock: Álbum Ícono de The Clash

Espero obtener más información sobre ésta canción, pues no se encuentra mucho en la red.

La Gran Miseria Humana

2012-06-19T05:03:00.000+02:00

La Gran Miseria Humana

By Lisandro Meza

"Me fui a buscar los muertos, por tener miedo a los vivos"

El vallenato, surgido en la costa caribeña colombiana a principios del siglo XX, nunca ha sido uno de mis géneros favoritos, porque su sonoridad no me produce afinidad alguna. Pero he de admitir, que el sentimiento, la pasión y la sensibilidad que se encuentran en algunas letras de sus canciones, me ha llamado fuertemente la atención. La lirica hecha música, una vez más.

Ejemplo de ello es la canción de 1975, interpretada por Lisandro Meza, La Gran Miseria Humana, que es tomada del verso de igual nombre escrito por Gabriel Escorcia Gravini. Lo impactante de éste escrito es lo macabro y gótico que puede llegar a ser. Gabriel Escorcia, quien sufría de lepra, plasmó éstos y otros de sus pensamientos en el cementerio central de Soledad, Atlántico. El leproso solía visitar éste aposento en horas de la noche, reduciendo así la posibilidad de que alguien pudiese cruzarse en su camino, pues, como erróneamente se creía en esa época, la lepra era contagiosa. De allí que sus días los pasara refugiado en un cuarto, apartado del mundo, dedicado únicamente a sus poemas y versos. De los muchos que escribió, solo La Gran Miseria Humana sobrevivió, debido a que los otros fueron incinerados por temor a que se esparciera la enfermedad.

La letra describe un paisaje que es iluminado por la característica luz de la luna, y un viento sobrecogedor pero a su vez contenido en sosiego. Mientras recorre las diferentes tumbas, se encuentra con una calavera, con la que entabla un particular dialogo en el cual Gabriel le pregunta qué ha sido de la carne que tan bien le sentaba a esos huesos, del cabello que tan hermosamente se ondulaba al viento pasar, del cerebro del cual tan orgullosamente se sentía ostentar. La calavera responde a esto que no importa si se es feo o bonito, pobre o rico, rey o esclavo, hombre o mujer, todos, absolutamente todos, terminan igual. La muerte trae igualdad a la humanidad.

Algun día, vamos a compartir el mismo destino, usted y yo, nos vamos a encontrar. ¿A que no adivina dónde?

Cuántos ríos de sangre se han derramado y cuánto sufrimiento se habrá provocado para finalmente terminar todos de la misma manera. Cuántos sentimientos rotos, sueños vueltos añicos, ilusiones hechas talco, por creernos “algo mejor” que el que tenemos al lado. La Gran Miseria Humana.

Sólo somos polvo de estrellas.

Plástico

2012-06-13T01:56:00.000+02:00

Plástico

By Rubén Blades

"Recuerda: se ven las caras, pero nunca el corazón"

En un mundo acuciado con tanta propaganda y comerciales basura, personas que no existen en el vecindario promedio recomiendan productos para ser mejor que los demás, sentirse mejor que ellos, verse mejor que ellos. De cada 10 pautas publicitarias, 7 contienen un gran contenido de información en idioma inglés. Los latinos perdemos poco a poco nuestra identidad, dejamos de recordar de donde venimos, para imaginar en donde queremos vivir. Todo esto conlleva a la creación de individuos bajo modelos importados, donde la apariencia cuenta más que la misma esencia, donde el empaque significa más que el contenido.

Ésta es la temática del “Poeta de la Salsa”, Rubén Blades, para su canción Plástico, del álbum que marcaría un antes y un después en la música salsa; Siembra. Blades, panameño nacido en el año de 1948, y quién cuenta con un titulo de abogado, dejaría ver sus dotes como escritor y arreglista, escribiendo sobre la calle, la política y los temas sociales que afectaban a la gente del común. Siembra es considerado, sino el más vendido, como uno de los álbumes más vendidos del género salsa, y contiene otros clásicos como Pedro Navaja, Buscando Guayaba y Siembra. Blades produciría este álbum con la compañía de Willie Colon en 1978, bajo el sello de Fania Records.

El álbum que es calificado como el "Sgt. Pepper's" de la salsa.

Sin duda alguna, Rubén Blades ha dejado huella no sólo marcando un estilo (Salsa Intelectual), sino creando consciencia por medio de su música. Hacer que el latino se sienta orgulloso de su tierra y de su cultura, es algo que él siempre pregona.

No hay necesidad de explicar la letra de la canción, pues por si misma habla. Es toda una poesía:

Ella era una chica plástica

De esas que veo por ahí

De esas que cuando se agitan

Sudan "Chanel n°3"

Que sueñan casarse con un doctor

Pues él puede mantenerlas mejor

No le hablan a nadie si no es su igual

A menos que sea fulano de tal

Son lindas, delgadas, de buen vestir

De mirada esquiva y falso reír

Él era un muchacho plástico

De esos que veo por ahí

Con la penilla en la mano

Y cara de yo no fui

De los que por tema de conversación

Discuten que marca de carro es mejor

De los que prefieren el no comer

Por las apariencias que hay que tener

Pa’ andar elegantes y así poder

Una chica plástica recoger

Era una pareja plástica

De esas que veo por ahí

El pensando solo en dinero

Ella en la moda de París

Aparentado lo que no son

Viviendo en un mundo de pura ilusión

Diciendo a su hijo de cinco años

No juegues con niños de color extraño

Ahogados en deudas para mantener

Su status social en modo cóctel

Era una ciudad de plástico

De esas que no quiero ver

De edificios canceroso

Y un corazón de oropel

Donde en vez de un sol amanece un dólar

Donde nadie ríe

Donde nadie llora

Gente de rostros de poliéster

Que escuchan sin oír

Y miran sin ver

Gente que vendió por comodidad

Su razón de ser y su libertad

Oye latino oye hermano oye amigo

Nunca vendas tu destino

Por el oro ni la comodidad

Nunca descanses

Pues nos falta nadar bastante

Vamos todos adelante

Para juntos terminar

Con la ignorancia

Que nos trae sugestionados

Con modelos importados

Que no son la solución

No te dejes confundir

Busca el fondo y su razón

Recuerda se ven las caras

Pero nunca el corazón

No te dejes confundir

Busca el fondo y su razón

Recuerda se ven las caras

Pero nunca el corazón

Se ven las caras, se ven las caras, ¡vaya!

Pero nunca el corazón

Pero señores y señoras

En medio del plástico

También se ven las caras orgullosas

Que trabajan por una Latinoamérica unida

Por una mañana de esperanza y de libertad

Se ven las caras de trabajo y de sudor

De gente de carne y hueso que no se vendió

De gente trabajando buscando el nuevo camino

Orgullosa de su herencia y de ser latinos

De una raza unida, la que Bolívar soñó

Del polvo venimos todos

Y allí regresaremos como dice la canción

Se ven las caras, se ven las caras,

Pero nunca el corazón

Recuerda que el plástico se derrite

Si le da de lleno el sol

Se ven las caras, se ven las caras,

Pero nunca el corazón

The Robots (Die Roboter)

2012-06-12T01:29:00.000+02:00

The Robots (Die Roboter)

By Kraftwerk.

Hasta dan miedo estos morracos

En la ciudad de Düsseldorf, Alemania, Florian Schneider y Ralf Hütter, darían inicio a finales de los años sesenta a Kraftwerk (que significa Estación de Energía), banda que sería reconocida como pionera de la música electrónica actual.

La banda se caracterizaba por utilizar instrumentos como la flauta, sintetizadores, violín, órgano, guitarra, bajo, batería y codificadores de voz o vocoders, permitiendo a la banda crear con cada canción una nueva melodía, sin llegar reincidir con las mismas tonadas. A contrario de lo que se puede pensar del empleo de todos estos instrumentos, Kraftwerk poseía un estilo bien detallado, minucioso y a la vez simple, llegando a ser muy minimalistas, rasgo que permitió trascender las fronteras de su propio país y llegar a mercados muy competitivos como los del Reino Unido y Estados Unidos.

El video de la canción es muy llamativo, pues presenta varios robots-maniquís interpretando instrumentos musicales y cantando. Es todo un icono para su época. En cuanto a la letra, contiene frases en ruso y en inglés, que hacen referencia a la popularidad que por entonces mecanismos autómatas de apariencia humana tenían en la cultura popular. Lo primero que se escucha es una voz electrónica diciendo: “We're charging our batteries and now we're full of energy” que traduce “Estamos cargando nuestras baterías y ahora estamos llenos de energía”, “We are the Robots”, “Somos Los Robots”. Seguido a esto, continúa con “We’re fuctioning automatic, and we’re dancing mechanich”, “Funcionamos automaticamente y bailamos mecanicamente”. Después a éstas concurrentes frases, se escucha: “я твой слуга я твой работник” que traduce “soy tu empleado, soy tu trabajador”. Finalmente, dice:”We’re programmed just to do anything you want us to”, que sería algo como “Estamos programados sólo para hacer lo que ustedes quieran que hagamos”

El LP que contenia Die Roboter y SpaceLab.

Esta canción me trae a la cabeza ideas que he escuchado de muchos personas, tomadas de los medios o simplemente de sus propias mentes, en las que cuentan sobre mundos futuros bajo el dominio de artefactos con inteligencia artificial, humanos obesos que tienen todo lo que desean al alcance de requerírselo a una máquina. Así como también de mundos en los que existe la raza humana mejorada, mediante injertos hombre-robots, elevando la capacidad mental y motriz del hombre como lo conocemos hoy. ¿Cuál será nuestro futuro? ¡Jum!

They Can Not Touch Her

2012-06-09T04:55:00.000+02:00

They Can Not Touch Her

By Bernard Herrmann

Deleite musical que en éstos tiempos ha desaparecido.

Sin duda alguna el cine, y la música en general, le debe mucho a Bernard Herrmann, compositor estadounidense famoso por crear sus propias composiciones musicales y adaptarlas a filmes y películas. Entre sus mas reconocidas obras, se destacan la banda sonora para las películas Psycho, North by Northwest, The Man Who Knew Too Much y Vertigo, todas ellas del celebre y excelso director inglés de cine Alfred Hitchcock. Su último trabajo para la industria sería en el filme de 1976, Taxi Driver, de Martin Scorsese. Herrmann murió solo algunas horas después de haber terminado de grabar la música del filme, en 1975. La película, fue dedicada en su honor a su memoria.

Taxi Driver es sin duda una de las grandes películas de Hollywood. Robert De Niro, interpreta a Travis Bickle, un taxista de Nueva york en busca de algo o alguien que traiga luz a su solitaria vida. Y al parecer la encuentra; una agradable chica que trabaja para un político en su campaña hacia la presidencia. En frases de Bickle, aquella chica:

“I first saw her at Palantine Campaign headquarters at 63rd and Broadway. She was wearing a white dress. She appeared like an angel. Out of this filthy mess, she is alone. They... cannot... touch... her.”

“La vi por vez primera en las oficinas de la Campaña de Palantine en la 63 con Broadway. Tenía puesto un vestido blanco. Parecía un ángel. Fuera de este mugriento caos, ella esta sola. Ellos… no pueden… tocarla.”

Cuando encuentras a una mujer que paraliza tu mundo, que es diferente a todo aquello que has visto, siéntete honrado.

Dile: Mon Amour.

La canción es un jazz que se apoya principalmente en un saxofón, representando una luz entre la oscuridad, una esperanza entre la inmundicia, un aliento de respiro para un ahogado. Extraño romanticismo, que mezcla prostitutas, ladrones, traficantes, con luces de neón, charcos de aguas lluvias, basura y animales callejeros.

Siempre habrá un "nadie" anhelando ser "alguien"

We Are Young

2012-06-08T03:18:00.000+02:00

We Are Young

By Fun

El video es toda una joya.

Fun es un grupo de música Indie formado en 2008, por Nate Ruess, exintegrante de The Format, Andrew Dost, exintegrante de Anathallo, y Jack Antonoff exintegrante de Steel Train. Ruess, quién había conocido a sus compañeros en giras pasadas con The Format, los llamo para crear un nuevo proyecto, que involucraba la introducción fuertes y profundas letras, con un fondo musical de efectos electrónicos y tintes de hip-hop, todo esto sin abandonar el pop.

La puesta en marcha de este proyecto tuvo como primer resultado el álbum Aim and Ignite de 2009, en el cual se destaca la canción “At Least I'm Not as Sad (As I Used to Be)”. Su segundo álbum, Some Nights, sería el que los llevaría a la fama mundial, con el gran éxito del sencillo “We Are Young”.

Lo interesante de esto es, que a pesar haber sido lanzada al mercado el 20 de Septiembre de 2011, no fue sino hasta que a finales de ese mismo 2011, en el que el show musical televisivo Glee interpretara We Are Young, que la canción tomaría reconocimiento, sonando en la mayoría de estaciones radiales de música pop. La canción alcanzó el puesto numero 1 en el ranking de las mejores 100 de la Billboard.

La canción también cuenta con la voz de la francesa Janelle Monáe, quien agrega el coro intermedio “Carry me home tonight, Just carry me home tongiht”.

El video, dirigido por Marc Klasfeld, se desarrolla en el teatro David Sukonick Concert Hall en los Angeles, California. Fun interpetra la canción mientras se desenvuelve una batalla en el recinto, en la que se lanzan botellas, jarrones, platos, bebidas, plantas, celulares. Todo esto es grabado principalmente bajo la técnica de slow motion. Monáe hace su aparición en la mitad del video, entre la muchedumbre, y sin ser alterada al igual que la banda.

Básicamente esta es la letra de la canción. Poderosa melodia que motiva.

Hombre Lobo en París

2012-06-06T05:51:00.000+02:00

Hombre Lobo en París

By La Unión

"El Hombre lobo está en Paris, su nombre: Denis"

Un lobo, Denis, que ronda los alrededores de París, se deleita observando a las personas en sus habituales rutinas diarias. En su pasatiempo como espía, decide seguir a un hombre que, a mitad de la noche, ha salido de un bar con una chica, para terminar las cosas bajo los efectos del placer. Aquel hombre, es el Mago del Siam, que se da cuenta que el lobo le ha visto, y decide morderle en su escapada. Esto trae para Denis un terrible efecto; de día, es un hombre, de noche, vuelve a ser lobo.

Denis, en su condición de humano, decide ir a un restaurante, donde conoce a una bella chica, la cual termina llevando a un motel, y no solo para contemplar la luna llena en Paris. Tras la relación, la chica le cobra por haber pasado aquel tiempo con él, lo cual hace que el lobo se moleste, pues para nada era lo que estaba esperando. Allí sale el instinto animal sobre el hombre-lobo, con consecuencias nefastas para la chica.

Esta es la idea central de la canción Hombre Lobo en París, basada en el cuento corto del novelista francés Boris Vian: “Le Loup-garou” (El Lobo-Hobre) del año 1946. La Unión, grupo español vigente desde el año 1984, adaptó varias referencias literarias a sus canciones, llenándolas de contenido y forma. Lobo Hombre en París fue uno de sus primeros grandes éxitos, alcanzando las 200000 ventas, disco de oro y los primeros puestos en las listas de radio.

Es una cacion de una tonada no muy fuerte, algo “rockera”, con algunos tintes de pop, pero muy agradable al oído.

El video, realizado en blanco y negro, es la interpretación grafica de la historia. Comienza con nuestro lobo hecho hombre, con la luna creciente como fondo. Con elegancia, nuestro personaje camina por un callejón sucio, húmedo, lleno de transeúntes sin rumbo, típico de cualquier mega ciudad, hasta entrar en un bar, de donde sale acompañado por una chica. Apareciendo en una habitación de un motel, Denis y su chica unen sus cuerpos, pero aparentemente no sus almas, terminando en la trágica escena de la muerte. Al final, Denis camina de vuelta por las calles, pero ahora sin la misma elegancia.

Denis camina por el aquel callejón parisino como si hubiera transitado por allí un millón de veces.

New York, New York

2012-06-04T18:03:00.000+02:00

New York, New York

By Frank Sinatra

"If I can make it there, I'll make it anywhere"

Compuesta en 1977 para el filme de Martin Scorsese, New York, New York, la canción fue compuesta por John Kander y, Fred Ebb le agregó la letra. Inicialmente, Liza Minnelli interpretaría la canción para el filme, sin llegar a alcanzar mucha trascendencia. No fue sino hasta 1979 que, el cantante y actor Frank Sinatra, decide grabar su versión de ésta y convertirla en un clásico para la ciudad capital del mundo, agregándole algunos cambios e imprimiendo su estilo. La canción sería parte del álbum de 1980 “Trilogy Past Present Future”. Sería el último gran éxito de Sinatra en la música.

Lo más destacable es la letra, pues encarna el deseo de éxito en una metrópoli (en éste caso Nueva York), pero que bien podría adaptarse a cualquier gran ciudad en el mundo. El sueño de un futuro mejor, para uno, para su familia, en una ciudad que nunca duerme, que ofrece más oportunidades pero, que al mismo tiempo, demanda más de la vida de sus habitantes para satisfacer sus sistemas económicos, políticos, judiciales, etc.

Nueva York, como Bogotá, nunca duerme.

Es la realidad de aquellos que deciden emprender su rumbo a tierras desconocidas, partiendo de su hogar y dejando a los que más aman allí. Aquellos quienes tienen que sacrificar su felicidad, en búsqueda de mejores condiciones de vida. Aquellos que mueren para que otros vivan.

Perdón a aquellos que herimos con nuestra ausencia, pero el deseo de progreso es algo inevitable en cualquier especie. A veces siento que las mejores cosas de la vida llegan en el momento menos adecuado. Es como el amor, te enamoras cuando menos lo estás buscando, pero termina cuando más lo necesitas. Perdón.

Waterfall

2012-06-02T20:22:00.000+02:00

Waterfall

By The Stone Roses

"She's a waterfall"

The Stone Roses son tal vez la más representativa banda del movimiento “Madchester”, surgido a finales de los ochentas principalmente en Manchester, Inglaterra. Aquel genero musical mezcla algo de dance con una base de rock alternativo y rock psicodélico o espacial.

La banda, que venía trabajando desde 1983 con Ian Brown como vocalista, John Squire en la guitarra, Gary “Mani” Mounfield en el bajo y Alan “Reni” Wren en la batería, lanzó su primer álbum “The Stone Roses” en el año de 1989, recopilando lo mejor de su trabajo durante esos 6 años. El álbum significó un rotundo éxito para la banda, catapultándolos inmediatamente a los primeros lugares de las listas. John Leckie, quien anteriormente había trabajado con Pink Floyd en el álbum Meddle, fue el productor del álbum, imprimiéndole el sello que Los Stones andaban buscando.

Caratula del Álbum

La letra, a mi parecer, se refiere a una chica que, cansada de vivir la vida de otra persona en casa de sus padres, decide hacer su propia vida, dejando su hogar, y enfrentando por si misma las situaciones que le han de esperar. Estará en continuo movimiento, de un lado a otro, buscando su equilibrio, y sobrellevando penas, pero ella lo logrará, ella es como una “cascada”. Nada la detendrá. Es mujer llena de energía y sueños, de esperanzas por salir de la inmundicia y de cambiar las cosas. Ella lo logrará, ella es una “cascada”.

Lastimosamente, debido a conflictos internos entre integrantes del grupo, The Stone Roses se disolvió en 1996, produciendo únicamente dos álbumes de estudio: “The Stone Roses” y “Second Coming”. Parte de los integrantes regresarían después a reintegrar la banda, pero nunca volverían a formar el grupo inicial.

The Stone Roses