Crítico en Serie

La ley de Brenda

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 26 Jan 2012 17:25:00 +0000

Cuando Brenda Leigh Johnson se presentó en sociedad hace siete años, ya mostró desde el primer momento qué virtud la diferenciaba de las demás damas y caballeros. Su sed de justicia la llevaba a hacer los interrogatorios más feroces de Los Angeles y, gracias a estas intervenciones, los sospechosos salían de comisaría esposados y hacia los juzgados con una confesión firmada. De aquí que la llamaran The Closer.

En estos años, no obstante, siempre ha habido algunos incrédulos que han considerado que las armas de esta mujer estaban al margen de la ley. Que no era ético hacer chantajes emocionales tan descarados, aprovecharse de la letra pequeña en cada acuerdo y que no valía decir verdades a medias.

Por supuesto que algunas veces cuesta entender que los testigos no entiendan las palabras “derecho” y “abogado” y que no hayan visto jamás una serie de policías para saber que lo mejor es cerrar el pico. Pero no solamente suelen tomarse la molestia de justificar porqué renuncian a este derecho o hablan incluso en presencia de su defensor (que tienden a exasperarse), sino que en su última temporada le han dado un matiz mucho más verosímil a todas estas maquinaciones por parte de Brenda cuando un abogado se empeña en llevarla ante los tribunales por dichos tejemanejes.

De esta forma, The Closer ha decidido legitimarse a si misma en lugar de despedirse con alguna trama de cariz únicamente personal. No pide al espectador que haga un salto de fe aceptando una forma de proceder bastante agresiva, sino que incluye esta petición de confianza en la propia trama. Pone a la protagonista y a la serie contra las cuerdas, como si The Closer estuviera siendo juzgada.

En el país de los litigios continuos, donde incluso hay abogados repartiendo tarjetas en las salas de espera de los hospitales, es normal que alguien quiera sacar tajada de las artes de esta mujer. Y sí, a menudo parece que se aproveche de la buena fe de la gente para salirse con la suya. Pero también hay que tener en cuenta que su labor es meter a los asesinos entre rejas.

Y en un momento en el que la sociedad se pasa el día hablando de lo injustas que son las sentencias y condenas del sistema judicial (por ser cortas y tener demasiado mano blanda) y por otra parte se pasa el día mirando con lupa que no se violen los derechos de los criminales, es por lo menos interesante la situación que plantea The Closer, sobre todo porque esa mujer prácticamente sentenció a muerte a uno de sus particulares clientes aprovechándose de la letra pequeña. Y podéis imaginar de qué lado estoy. Claro que, si la noticia saliera en los periódicos, me pregunto cuántos de sus seguidores le darían la espalda a la mismísima Brenda.

Los conflictos de los Braverman

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 25 Jan 2012 18:24:00 +0000

Los críticos yanquis tienen una especie de obsesión que no logro entender: aman Parenthood. Cuando llega la temporada de premios, piden que se la tenga en cuenta en todas las categorías posibles; y cada vez que hay un pequeñito avance o alguna anécdota, loan el episodio como si la familia Braverman hubiera conseguido abrir una intrigante escotilla.

Las opiniones que he leído al respecto de este drama familiar es que narra la relación entre padres, hijos y hermanos con mucho aprecio, dejando claro en cada plano que el amor les une a todos ellos, y presenta unos conflictos creíbles y verosímiles. Desde el diagnóstico de autismo de Max, a la idiosincrasia entre hermanos o lo complicado que es ser madre soltera. Sea lo que sea, los Braverman nos lo narran de la mano de Jason Katims, que ya demostró en Friday Night Lights que las historias cotidianas se le daban bien. Por lo menos según estos críticos y muchos espectadores, claro.

La ventaja que yo le veía a la finalizada serie deportiva es que contaba conflictos realistas, un tanto crudos, y lo hacía con el exceso emocional de la filosofía adolescente. Cada oportunidad era un sueño, cada error era un drama y todos ellos iban madurando con cada una de estas experiencias. Bueno, y hay que reconocer que se permitía ciertas licencias para beneficiar el dramatismo de la historia, ya que entendía que se trataba de ficción y, cuando se aparece en televisión, debe haber unas dosis mínimas de espectáculo o drama (mientras que los Taylor eran la constante que ayudaban a preservar el tono realista).

Parenthood, en cambio, optó desde el primer momento por una imagen cotidiana y una filosofía tirando a optimista. Hay obstáculos, enfrentamientos, pero en todo momento dan a entender al espectador que hay solución si existe amor. Y esto, además de provocar unos momentos muy ñoños, también impide que disfrute del drama y que acabe creyendo que todos son unos maridramas con nada mejor que hacer. Puede que sean verosímiles (y muy americanos, que la mayoría de las familias europeas no están ni la mitad de unidas ni se predican el amor diariamente), pero no creo que este factor alimente a la serie como tal. La distingue, es verdad, pero no la hace mejor.

Todos tenemos problemas, pero asumamos que muchas veces desde fuera se ven como tonterías (de aquí que sean insoportables) y muchas veces nos las vemos venir (de aquí que sus tramas sean completamente predecibles), pero esto no significa que seamos material para una serie. Por lo menos, si no añadimos algo de dramatismo o comicidad (la grandeza de Sexo en Nueva York es que era como una reunión de amigas sexualmente activas pero más agudas). Y por esta razón Parenthood bien podría no existir: porque para miserias triviales y predecibles, ya existen los cafés con las amigas y las tarifas planas telefónicas. Y seguramente las amigas serán menos irritantes que esta familia de moralistas.

P.D.Podcastero: Esta semana en Yo Disparé a J.R. tenemos un menú que nada tiene que ver con esta entrada. Comentamos el estreno de Smash, de Are You There Chelsea y tenemos a Montsinya de ByTheWay para hablar de Alcatraz. Bueno, además de comentar las evoluciones de Justified, que ha regresado con una tercera temporada, y de The Good Wife que tanto queremos. Aquí tenéis la guía y podéis descargar el programa en la barra lateral:

- 0: Presentación y Are You There Chelsea.

- 7': Smash, la revelación musical.

- 18': Alcatraz de JJ Abrams.

- 44': Justified, el estreno de la 3ª temporada.

- 55': The Good Wife con spoilers hasta el 3x13.

Una carta de amor a Broadway

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 24 Jan 2012 12:15:00 +0000

Siempre he simpatizado con el género musical porque una de sus ramificaciones es hacer que la vida sea más bonita. Quién no ha soñado con salir del portal de casa por la mañana y ponerse a cantar por las calles de la ciudad (y que no te miren mal). Por eso en su momento esperé con muchas ganas la llegada de Glee (que actualmente detesto) y ahora casi me moría por ver Smash, el musical que debe salvar de la quema la pésima temporada del canal NBC.

Hay muchos factores que juegan a su favor sólo antes de comenzar. La serie, que narra la creación y producción de un musical en Broadway sobre Marilyn Monroe, cuenta con la implicación de muchas figuras del mundo que retrata, empezando por su creadora Theresa Rebeck que ha escrito obras de teatro tanto para Broadway como el Off-Broadway. También tiene un elenco de primera, encabezado por Debra Messing y la siempre magnética Anjelica Huston. Y además cuenta con canciones propias, no solamente versiones de éxitos ya existentes (el recurso fácil, vamos). Pero lo mejor es ver el episodio piloto y constatar que, a pesar de todo el hype que rodea el estreno, está por encima de todas las expectativas.

Mi experiencia personal con la carta de presentación de Smash, si pudiera compararse con algo, sería con una historia de amor sacada de alguna novela victoriana donde los caballeros se enamoran de las jóvenes sin casi haber entablado conversación con ellas. Y es que Smash estaba tan guapa, tan mona y con tanto carisma, que casi tuve que resistir la tentación de pedirle matrimonio. Que los pilotos perfectos, aunque digan mucho de una serie, no necesariamente van seguidos de la misma pasión que evocan. Pero también es verdad que, cuando ves una preciosidad como esta, es difícil no emocionarse.

Se nota, por ejemplo, que Smash está hecha con mucho cariño. Se nota en los diálogos, en las interpretaciones, en los números musicales y en el uso de Nueva York. También se nota que, efectivamente, está creada por gente que ama el mundo del espectáculo y que sabe de qué habla (no vive en una realidad alternativa sino que la mayoría de las anécdotas que cuentan tienen una base real). Y, mientras que plantea muy rápidamente la premisa, no se anda con prisas. Muestra su filosofía, sus buenas formas y pone la primera piedra a todos los personajes (la productora, los compositores, el director y las actrices), pero no opta por excentricidades, sino todo lo contrario. Que el planteamiento lleve a presentarlos de una forma orgánica, que ya tendrán más tiempo más adelante.

Además, los musicales también son un género con otras reglas y es mucho más interesante experimentar qué visión tienen a partir de sus números musicales (espléndidos) que conocer todos los grises de sus personajes. Algo que, de todas formas, hacen ya que la presentación de las dos actrices que optan al papel de Marilyn es fantástica. Una es Karen Cartwright, la camarera sin demasiada experiencia, y la otra Ivy Lynn, más curtida en los escenarios. Y con el número de Beautiful de la primera nos queda claro porqué el director la quiere (Katharine McPhee es una monada) y otro entendemos porqué Ivy también se lo merece (las forzadas expresiones de Megan Hilty son reveladoras).

Y, lo más importante, es que cuando termina el episodio tienes ganas de más. De brillo, de canciones y de presencia (¡ay, Anjelica...!). Y de ver números como Let Me Be Your Star, que despide el episodio y es una delicia para los oídos. De hecho, hasta me cayó una lagrimilla de felicidad. ¡Algo como Smash existe!

Las amistades de Alicia

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 23 Jan 2012 16:09:00 +0000

En esta entrada hablo sobre Alicia Florrick en la tercera temporada de The Good Wife, así que puede haber algún spoiler encubierto.

Desde que The Good Wife empezó, siempre hemos tenido claro que a Alicia Florrick no le sobran las amigas. Cuando era ama de casa, se rodeó de acquantainces que se acercaban a ella más por el cargo de su marido que por su personalidad. Después, con el tiempo, las perdió todas y por lo menos en su nueva faceta como abogada nadie fingía tenerle aprecio por conveniencia. Bueno, estaba Kalinda. Y su traición, que lo fue, seguramente no le habría afectado tanto de no ser porque llegó a creer que se había ganado su admiración poco a poco con cada acto. Una amistad pura, podríamos decir. Y la tuvo que desechar.

En esta tercera temporada estamos con estas. Desde sus inicios vimos que sería la redención de Kalinda y, por otra parte, también lo más cercano a un descenso a los infiernos por parte de Alicia. Esto, curiosamente, vino de la mano de Diane Lockhart, la jefa del bufete que quiere acercársele ahora que su socio Will está en horas bajas y después de haber contribuido a que rompieran su complicada relación. No es una cuestión de si Diane es buena o mala, pues seguro que no es lo segundo, pero sí lo que representa para Alicia.

Diane, básicamente, le ha ofrecido más ambición que amistad. La ha avisado de que para triunfar hay que renunciar a ciertos aspectos de la vida, como el amor y la familia, que deben pasar a un segundo plano. Pero lo que caracteriza a Alicia justamente es esto, lo que la hace distinta de cualquier abogada de Chicago. Por supuesto que está excesivamente absorbida por su trabajo (las contrapartidas del éxito) y que es algo negligente con su familia y su vida sentimental, pero intenta mejorar. Esto es una buena esposa. Aquella que procura que su vida sea lo más cercana a la perfección, aunque esta meta sea imposible de alcanzar.

Además, desde los primeros episodios de la serie ya sabemos que Diane no es amiga de sus amigas. Será su compañera, pero jamás ha querido llevarse de tú a tú con una mujer a menos que quiera sacar tajada de ella. Ella disfruta jugando y goleando en la liga de los hombres, que por algo se lleva mejor con Will y con Eli de lo que ha hecho jamás con Alicia, con la que siempre tuvo reticencias.

Kalinda, en cambio, es consciente del carácter y la bondad de Alicia. De hecho, lo que le gusta de ella es justamente que la hace ser mejor persona, ni que sea de rebote. Siempre la ha admirado y, a diferencia de Diane, no desea que cambie. También contribuye que siente un terrible sentimiento de culpabilidad por su traición y, debido a ello, en el último año se niega a disfrutar de la vida como parte del proceso de expiación. Ya son varias las veces que ha dado a entender que no es buena persona ya que ni ella misma es consciente del buen fondo que tiene.

Estos caminos paralelos de Kalinda y Alicia, por más conflictos adicionales que haya de fondo, están siendo el motor de la temporada (como siempre ha defendido MacGuffin) y estimula ver cómo empiezan a cruzarse poco a poco. Ya hace semanas que sucedió un primer acercamiento y la cordialidad y cierta complicidad ya se ha reinstaurado. La cuestión que nos han arrojado ahora encima es si Alicia, de rebote, buscará un falso consuelo en su trabajo y venderá su alma como queda claro que sujetos como Diane, Will y Peter ya hicieron en algún momento. No tiene ni un pelo de tonta, pero esperemos que tampoco se pase de lista.

Los presos con sello

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 20 Jan 2012 09:24:00 +0000

Este otoño hubieron muchas más propuestas interesantes de las que podíamos creer a simple vista en las networks americanas. Dudo que alguien hubiera puesto la mano en el fuego por un culebrón como Revenge, que ha resultado ser la sal de la vida, o Once Upon a Time, que es una producto tan inofensivo como encantador. Pero algo que no hemos tenido han sido series que aparenten ser caras. Que tengan un nivel de producción que nos dejara con la boca abierta (o de esos que permiten a ciertos espectadores decir que “parece cine”). Hasta que llegó J.J.

No quiero entrar en un debate sobre el sello de J.J. Abrams en televisión porque a estas alturas diría que está bastante claro cómo funciona (si nos olvidamos de Undercovers). Nos vende obras con toques de ciencia ficción, plagadas de giros argumentales que nos dejan de vez en cuando con la boca abierta y los episodios están bien hechos. Son series bien dirigidas, con unos efectos conseguidos, una fotografía palpable y que ayuda a crear una atmósfera muy suya, con un buen cásting y la huella de Michael Giacchino, cuya música da luz y sombras a cada escena. Cuando puede, claro, que a veces debe adaptarse al modelo de la cadena (Person of Interest en CBS). ¿Y todo esto a que viene? Pues a que da gusto ver Alcatraz.

Su caso es curioso. Tuvo tanto y tanto hype por ser de quién era que, cuando le llegó la hora de emitirse, todo el mundo seriéfilo ya desconfiaba de ella. Yo el primero. Pero mi primera impresión no fue solamente que era un placer para la vista (esa San Francisco de fondo, unos flashbacks fantásticos), sino que parecía querer adoptar un nuevo modelo, el que primero creímos que ejecutaría Fringe y que Abrams exploró durante cinco temporadas con Alias: una serie de casos con una trama horizontal.

En Alcatraz, la detective Madsen (Sarah Jones) se une a una brigada secreta del FBI comandada por Emerson Hauser (Sam Neill) que captura antiguos prisioneros de la aislada cárcel de San Francisco, que desaparecieron inexplicablemente en 1963 en un incidente que fue encubierto por las autoridades. Pero lo más inquietante es que, cuando reaparecen cincuenta años después, los reclusos no han envejecido ni un sólo minuto y, como sospecha Hauser, tienen una agenda secreta.

La pregunta que debemos hacernos es si esta premisa, que recuerda bastante a Los 4400 (pero siendo todos unos asesinos), será utilizada con tacto o será exprimida, evolucionando y convirtiéndose en una serie mucho más complicada y serializada. De momento, en dos episodios ya han revelado unos cuantos apuntes bastante intrigantes. Sin embargo, a tenor del rápido desgaste de Fringe, me extrañaría que la Fox no hubiera avisado de antemano a los creadores, una Elizabeth Sarnoff salida de la escuela de Perdidos (y Deadwood y Crossing Jordan) y Bryan Wynbrandt y Steven Lilien que anteriormente han trabajado en un producto de ciencia ficción de cariz mucho más ligero como era Kyle XY.

Pero, como nunca me han molestado los procedimentales de calidad, no me importa demasiado si deciden quemar cartuchos o se toma su tiempo resolviendo crímenes semana sí y semana también. Siempre que mantengan así de elevado el listón y sea tan entretenida, seria, misteriosa y explote todo el potencial que tiene, claro.

Las irritantes clases de Don Cheadle

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 17 Jan 2012 17:25:00 +0000

Que House of Lies es una crítica al capitalismo más salvaje salta a la vista. Es una comedia que gira entorno a Marty Kaan, un consultor que cree que el cielo es el límite y que satisface a las empresas vendiéndoles humo sin que se den cuenta. Y cada vez que el protagonista interpretado por Don Cheadle se dirige a la cámara y nos cuenta cómo funciona su trabajo, que no tiene principios y que le importa un comino trabajar para los villanos de la situación económica actual, como espectador siento que desconfían de mi capacidad de comprensión. Lo que, vista la complejidad de este caso en particular, es ofensivo.

Pero más allá de que este recurso de cargarse la cuarta pared es repetitivo, cansino y pedante, el mayor problema de House of Lies es que, como muchas otras veces le ha ocurrido al canal Showtime, se pasan de listos y de conceptuales. Está bien tener una idea transgresora, pero desarróllala y atente a las consecuencias. No hagas como en United States of Tara, The Big C o Nurse Jackie, donde jamás se han atrevido a llevarlas cómo y hacia dónde la esencia de la serie les pedía, tanto en tono como en trama, por cobardes o por guiarse por un criterio de polémica que jamás he entendido.

En el caso de esta cínica comedia, por ejemplo, bordan todo lo que tenga que ver con los excesos que atribuimos a los tiburones corruptos del ámbito empresarial que se han comido el estado del bienestar. Drogas, tetas y alcohol, y unos personajes tan insoportables como reprobables moralmente. Y si se quedara en esto, no podría negarme a respetar House of Lies como serie, aunque seguramente seguiría sin ser de mi gusto porque tiendo a preferir obras con más corazón. Pero cuando su responsable, Matthew Carnahan, quiere que nos traguemos licencias emocionales para redimir al protagonista, no solamente se carga la intencionalidad del producto sino que le quita consistencia.

Para ser exactos, nos vende que Marty Kaan, que no tiene moral alguna, tiene un punto débil: su familia. No solamente “es así porque el mundo le ha hecho así” y porque su madre se suicidó cuando era un niño, sino que comprende y defiende la decisión de su hijo de vestirse de chica y de interpretar a Sandy de Grease en el musical del colegio. Como decía no sé qué crítica norteamericana, estas dos facetas del mismo personaje no encajan.

Esta dicotomía inverosímil ya permite que desprecie a la serie más allá de sus personajes. Molesta que, por enésima vez, Showtime sea incapaz de atenerse a las consecuencias de sus propias ideas, lo que es particularmente irritante cuando encima te trata como a un estúpido y sus personajes son de bofetada. Y sí, las drogas, tetas y alcohol tienen una razón de ser porque representan los excesos que han imperado en el entorno empresarial y económico de los últimos años. Pero todos sabemos que, si Showtime ambientara una comedia en una guardería regentada por monjas, encontraría alguna excusa para colar carne y vicios en cada episodio. Por lo tanto, puede que solamente acertaran por defecto.

P.D.Podcastero: De House of Lies hablo en el último podcast de Yo Disparé a J.R. con mi companion Marina Such, en un programa muy completo. Desde los Globos de Oro, a los retornos de 30 Rock, Fringe y American Idol, pasando por la extraña filosofía cómica de Up All Night. Os lo podéis descargar aquí, en la barra lateral y aquí tenéis la guía:

- 0': Presentación y los Globos de Oro.

- 9': House of Lies.

- 18': El regreso de 30 Rock.

- 27': Up All Night.

- 36': American Idol con Cristina Garde de invitada.

- 1h 7': La vuelta de Fringe con spoilers hasta el 4x08.

El instinto de la señora Bishop

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 16 Jan 2012 10:03:00 +0000

Esta entrada contiene spoilers del último episodio de Fringe, el 4x08. Así que, si aún no lo habéis visto, ya sabéis que os toca hacer y después pasad por el blog otra vez.

A estas alturas está claro que Peter Bishop es la clave de la existencia de realidades paralelas y cualquier matiz de su existencia, desaparición o muerte afecta la(s) realidad(es) presente(s) de un modo absoluto que somos incapaces de comprender. Ni el propio observador que sigue sus pasos logra sacar algo en claro de la no-existencia errada de Peter, que sobrevive en forma de residuo sacado de contexto en la línea temporal naranja.

Pero, mientras que todo esto está por encima de nosotros, Fringe ha hecho una fantástica labor extrapolando el conflicto a una escala mucho menos teórica y más emocional, demostrando a partir de la psicología del personaje de Walter Bishop las consecuencias del más mínimo cambio. Y cuando digo Walter me refiero a Walter, Walternate y las versiones anaranjadas de ambos.

Cuando el Walter (normal) naranja explicó a Peter que no quería ayudarle, estuvo muy lúcido (tanto él como los guionistas). Mientras que los Walters están enloquecidos por haber cargado con demasiadas culpas (con distintos matices), los Walternates son más viles porque siempre han sido usurpados de sus hijos (también con distintos matices). Pero, fuera cual fuera el Walter, todos han tenido una variable común: Elizabeth Bishop.

La madre de Peter del universo azul se suicidó al no poder soportar haber criado voluntariamente el hijo de otra después de haber vivido la muerte del suyo. La del rojo vivió la angustia de desconocer dónde había acabado Peter, que un día desapareció sin dejar rastro. Y las del otro universo también tuvieron que experimentar la muerte de un hijo.

Los responsables de Fringe, no obstante, jamás se habían tomado demasiadas molestias en demostrar hasta qué punto esta figura era importante. Sí, casi todas las Elizabeths habían aparecido en un momento u otro pero siempre habían sido comparsas para entender a Walter Bishop. Nunca había habido un momento que estuviera especialmente dedicado a ellas, sufridoras por partida doble: por la tragedia relacionada con los Peters y por estar casadas con un genio loco (las azules) o un frío vengador (las rojas).

Supongo que por este motivo, el encuentro entre la señora Bishop y el único Peter adulto que haya existido fue tan simple como tierno. “Peter”. Solamente necesitó mirarle durante un segundo para reconocer en su mirada a su niño. Y ella, a diferencia de los demás personajes de la serie, explicó con cariño en la mirada como los universos alternativos le habían permitido enfocar su muerte con positivismo. “Me dije a mí misma que, si existía otro universo, en alguna parte tú crecerías, serías feliz y te enamorarías. En alguna parte tendrías una vida, sólo que no aquí”.

Si algo podía sobrevivir a tanta confusión interuniversal, era el instinto maternal de la mujer de Walter. Puede que igualmente me haya quedado con ganas de más (también porque Orla Brady siempre aporta algo extra con la mirada), que siga pensando que la madre de Peter es uno de los personajes menos explotados y explorados de la serie, pero mientras haya perlas tan tiernas como esta, Fringe estará a un alto nivel. Porque tendrá mucha clase en las formas y una trama francamente estimulante, pero también mucho corazón. Casi tanto como Elizabeth Bishop.

El renacer del canal de Oprah

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Sat, 14 Jan 2012 11:09:00 +0000

En el cable estadounidense hay una cantidad de exorbitante de canales y conseguir posicionarse no es fácil. Sólo hay que fijarse en Oprah Winfrey. Creyó que sus espectadoras y consumidoras se pasarían a su nuevo canal, la Oprah Winfrey Network (OWN), y la audiencia no se subió al barco de forma tan inmediata como se suponía. Y todos los medios empezaron a poner el dedo en la llaga: ¿se la habría pegado Oprah con su proyecto más ambicioso y más costoso?

OWN, que empezó a emitir el 1 de enero de 2011, se estrenó con una ventaja: tenía una imagen de marca consolidada desde antes de estrenarse (¡Oprah!) y todo el país podía intuir qué clase de contenidos podría encontrar en el canal. La empresaria había seguido su filosofía al pie de la letra y ofrecía programas sobre estilos de vida, autoayuda y superación personal, labores del hogar y celebrities. Y si había lanzado al estrellato películas, cantantes, series y hasta presidentes y había marcado la agenda del país durante más de dos décadas, ¿cómo no se pasarían sus seguidoras a un canal donde encontrarían contenidos pensados, producidos y bendecidos por la mismísima Oprah?

El lanzamiento, sin embargo, fue decepcionante. OWN, que nació del acuerdo entre el grupo Discovery y la productora de la presentadora, Harpo, arrancó estando presente en más de 80 millones de hogares (emitía en la emisora antes ocupada por Discovery Health) y en su primera semana tuvo una audiencia media de medio millón de espectadores. Poco después las cifras bajaron y en febrero su media ya era de 135.000, con sólo 45.000 pertenecientes al target del canal, las mujeres de 25 a 54 años. Con unos números así era imposible sacar rentabilidad de unos contenidos producidos por Harpo y en un canal cuya máxima responsable era nominalmente Oprah, que ejerce de directora ejecutiva y también creativa.

Ni el documental Becoming Chaz sobre el cambio de sexo de la hija de Cher, ni los realities de Shania Twain, Sarah Ferguson o Tatum y Ryan O’Neal despertaron algo de interés más allá de unos pocos titulares; los programas encabezados por los expertos de Oprah en todas las materias posibles (imagen, relaciones, economía, cocina) tampoco calaban entre el público y la crítica; y la gran apuesta del canal, The Rosie Show, el talk show vespertino de Rosie O’Donnell, tampoco atrajo a los curiosos. A pesar de estrenarse en octubre ante medio millón de espectadores, en diciembre ya se había estabilizado alrededor de los 250.000 espectadores.

Pero, aunque todos los expertos coincidían en que OWN suponía una pérdida de dinero alucinante para la mujer (cuya fortuna se estima alrededor de los 2.700 millones de dólares), el sentido común también les obligaba a ser cautelosos a la hora de ejercer juicios: la estrella del canal, la propia Oprah, había estado ausente durante todo el tiempo, apadrinando programas pero sin protagonizar ella uno propio.

Todos esperaban que se sacara un as de debajo de la manga ya que quizá no había podido estrenar el canal con un talk show porque estaba bajo contrato en The Oprah Winfrey Show hasta mayo del año pasado, pero por otra parte tampoco había ningún anuncio oficial. En los acuerdos del canal solamente constaba que participaría en un mínimo de 70 horas al año, lo que hacía deducir que no contemplaba la idea de presentar un programa diario. Y con el 2012 desembarcó en la cadena con Oprah’s Next Chapter, que parece haber insuflado algo de esperanzas para la cadena.

El programa, donde la presentadora entrevista cada semana a algún personaje relevante en sus propias casas, obtuvo 1.1 millones de espectadores en su primer capítulo que tenía a Steven Tyler de invitado (con un 1.1 en sus demográficos) y se superó con el segundo gracias al polémico pastor mediático Joel Osteen, que atrajo 1.6 millones de espectadores (y un 1.3 de rating).

Estos números han demostrado que el público sabe encontrar el canal OWN cuando le interesa y que Oprah aún tiene algo de relevancia en el panorama televisivo actual. Pero la clave, como muchos suponían, era que hiciera acto de presencia en su ambiciosa apuesta ya que, cuando todo lleva su bendición, esta bendición pierde importancia. Igualmente, no es oro todo lo que reluce.

En comparación con su antiguo talk show, Oprah’s Next Chapter obtuvo unas cifras modestas. En su última temporada Oprah reunía diariamente más de seis millones de personas ante los televisores y su regreso era uno de los acontecimientos más esperados. Y hay algo que pocos medios se dedican a subrayar: es innegable que la empresaria siempre ha tenido muy buen ojo y que ha sido uno de los personajes más influyentes del último cuarto de siglo, pero también perdió parte de su poder televisivo en las últimas temporadas. Así que la despedida temporal de Oprah también respondía a un evidente desgaste.

Lo que sí parece es que este nuevo programa puede ser la puerta entrada para un público más amplio y será interesante ver cómo influye en el resto de la programación y las nuevas propuestas. De momento, las notas de prensa de OWN se han defendido explicando cuánto han crecido con respecto al anterior canal Discovery Health (que no veía nadie) y los detractores se han escudado en las lamentables cifras en comparación con la presencia y el imperio de Winfrey.

Sea como sea, al nuevo capítulo de Oprah le queda mucho que demostrar y tocará ver hasta qué punto su ascenso puede comportar un arranque para la cadena. Esta misma semana el jefe de entretenimiento de la NBC, Robert Greenblatt, dijo que ya no bastaba con un sólo programa de éxito para sacar a flote un canal. Pues Oprah está en ello.

Humor machil

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 13 Jan 2012 10:40:00 +0000

En el especial de la PBS sobre la televisión norteamericana, America in Primetime, dedicaron uno de los episodios al papel del hombre en las últimas décadas. Sobre todo hicieron hincapié en cómo el marido, el proveedor, había tenido que adaptarse a los nuevos tiempos, en los que el discurso de Father Knows Best ya no colaba. Pero mientras en el terreno femenino ha habido experimentos divertidos en el terreno de la comedia, parece ser que a la televisión le cuesta encontrar el tono a la hora de reírse de los problemas de los hombres sin describirlos como simios, como unos nostálgicos o con una filosofía directamente machista (y fingiendo ironizar cuando quieren reivindicar).

En esta línea han ido muchas de las críticas que han recibido las sitcoms del martes por la noche de la ABC. Primero Last Man Standing con Tim Allen nos llevó a tiempos pretéritos, luego Man Up quiso parodiar el rol cayendo en otro discurso ridículo y finalmente ha llegado Work It donde dos hombres deben vestirse de mujeres para encajar en el mundo laboral. Tres series que, a fin de cuentas, no solamente echan de menos el modelo patriarcal sino que encima son zafias a la hora de escribir y presentar su humor.

El caso de Work It, sin embargo, ha sido la crónica de una muerte anunciada. Las imágenes de Amaury Nolasco y Benjamin Koldyke trasvestidos hicieron esperar lo peor sobre todo porque era una visión tan inverosímil que costaba creer que de allí pudiera surgir una serie de televisión. Recordemos que La Señora Doubtfire funcionó porque Robin Williams hacía de viejecita corpulenta (y he visto alguna que se le parece) y su formato era el cine, pero coger a tipos que parecen jugar al football para interpretar a mujeres atractivas era material para un sketch pero no para una serie. Y así es.

Además, la acusatoria premisa de que las mujeres han robado el trabajo a los hombres no tiene ni pizca de ironía y aún hay quien cree que con un par de bromas se solventa la situación sin darse cuenta que el problema es de base. Que aparezcan hombres más básicos que una zapatilla no exime de culpa al producto, sobre todo cuando ellas siguen siendo moralmente unas usurpadoras.

Puede que estos retratos tan básicos estén siendo el pan de cada día en las televisiones generalistas norteamericanas, pero por suerte siguen habiendo casos en el cable que exponen humor masculino sin caer en el machismo inconsciente. Por ejemplo, Louie protagonizada por el humorista Louie C.K. y que analiza la realidad de un padre soltero con tanta gracia como humanidad. Claro que este señor se merecerá en algún momento su propio artículo, que no apareció en las listas de lo mejor del año en la mitad de publicaciones de los Estados Unidos por casualidad.

Los críticos y Michael Patrick King

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 12 Jan 2012 11:36:00 +0000

Las rondas de preguntas de la asociación de críticos de la televisión siguen sucediéndose estos días. Ayer le tocó a la CBS y a las series que querían promocionar y, a pesar del horror que dicen que fue ver el piloto de Rob con Rob Schneider, la polémica recayó en el co-creador de 2 Broke Girls, Michael Patrick King, y los periodistas que se le lanzaron a la yugular. Según explicaron los medios durante (por twitter) y después del encuentro (en publicaciones como ésta), aquello fue como acorralar un doberman en una esquina.

King, que dio la cara ante los medios porque la otra responsable, Whitney Cummings, protagoniza una serie en un canal rival, se encontró con una horda de críticos que le acusaron de tener un humor racista y le exigieron que redirigiera la sitcom. Bueno, no se lo exigieron. Sólo le dieron a entender que los personajes eran planos, el humor ofensivo y que ya era hora de dejar de hablar de vaginas y sexo anal.

Obviamente, el señor King pasó a modo defensivo y replicó que los personajes iban ganando en profundidad a medida que avanza la serie (como si tuvieran que hacerlo y tuviera que justificarse) y que su sentido del humor era “classy dirty” y que no tenía intención de cambiarlo. Ni tan siquiera sus bromas raciales que tanta polémica despertaban entre el público. Según él, perteneciendo a otra minoría (la homosexual), no entendía porqué la gente se encendía tanto con las bromas sobre todo centradas en Han, un personaje asiático.

Mientras que no estoy de acuerdo con este argumento (que sí le serviría para legitimar sus bromas hacia el colectivo gay), al leer la crónica del evento también entiendo su dramático posicionamiento. No le dieron tregua. Si no era demasiado básico, tenía un lenguaje demasiado sexual para las 8.30h en la CBS (a lo que respondió que no estábamos en 1994) y sino desaprovechaba a Kat Dennings y Beth Behrs.

Seguramente él creía que, siendo el creador de la comedia novel más exitosa de la temporada, le recibirían con halagos y pasaría un buen rato con sus dos estrellas, Dennings y Behr. Y, siendo sinceros, hasta da pena leer las transcripciones del panel. Puede que su sentido del humor sea soez, explícito y racista, pero también es bastante obvio que King es tan inofensivo como un yorkshire y que detrás de sus guiones no hay discurso alguno Se mete con el coreano por ser asiático, con la rubia por su color de pelo, con la pobre por su nivel educativo y con los gays por su sexualidad. En este sentido no hace distinciones y con un par de preguntas bastaba.

Y al final, leyendo los apuntes de los periodistas que estaban allí, he acabado con la impresión de que les molesta a un nivel personal que una serie de las características de 2 Broke Girls sea la comedia revelación del año. No solamente porque su éxito les obliga a verla, sino porque les irrita pasárselo bien con una serie tan simple y barriobajera. Y jode cuando disfrutas con algo que te gustaría odiar. Y frustra. Pero que se beban sus penas, si les hace sentir mejor, pero no hace falta que se comporten como si fueran inmigrantes coreanos de primera generación perseguidos por la dinastía de Kim Jong Il.

La astucia del zorro

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 11 Jan 2012 11:39:00 +0000

La asociación de críticos de televisión de los Estados Unidos está celebrando estos días unas jornadas para que las cadenas puedan presentar sus nuevas propuestas, como bien explicó MacGuffin en el último programa de Yo Disparé a J.R., y es imposible no intentar sacar conclusiones de las declaraciones de los ejecutivos. Al fin y al cabo, los mandamases del sector no se prestan a responder a los periodistas cada día y aún hay demasiados misterios abiertos de cara a la próxima temporada.

Una de las cadenas que lo tiene más peliagudo a la hora de tomar decisiones (por unos motivos que ya le gustaría tener a la ABC o NBC), es la FOX. Entre que no programa la última hora del primetime y que casi toda su parrilla funciona, intuir cuáles se quedarán y cuáles se largarán está complicado. Sobre todo porque hay que mejorar, hacer hueco a nuevas propuestas para no quedarse estancada y tener en cuenta otros factores, y encima X Factor se quedará otra vez tres horas en otoño y American Idol en primavera, dejándoles poco margen de maniobra.

El presidente de la FOX, Kevin Reilly, dejó ir algunas perlas que seguramente tendrán repercusión en las próximas semanas. Para empezar, al ser preguntado sobre Fringe avisó que él no estaba en el negocio de “perder dinero”. Esta declaración que para algunos sonó a “¿preparados para la cancelación?”, para otros como Tim Goodman de The Hollywood Reporter fue interpretada como indirecta de cara a las negociaciones con la productora. Ya puestos a que los viernes son una noche prácticamente muerta, parece ser que la FOX quiere aprovecharla para mejorar su imagen. Otra cosa es que las conversaciones con Warner puedan salir adelante y que aún puedan aplicar más recortes a la serie (o que salga rentable con menos ingresos del canal).

Pero otro tema candente es el futuro de House y el de Terra Nova. Mientras que siempre se dio por supuesto que el éxito de Alcatraz, que se estrenará en breves, podría comportar la extinción de los dinosaurios, Goodman sostiene que el huraño doctor puede tener también algo que ver. Con unas audiencias bastante mediocres, unos costes por las nubes y el contrato de Hugh Laurie en el aire, la FOX podría optar por finalizarla, lo que tendría sentido. Pero tanta la cancelación de ésta como la renovación de Terra Nova son decisiones que deben tomarse rápidamente.

Por un lado, David Shore quiere darle un cierre en condiciones a House y la serie de Steven Spielberg necesita tiempo para planear la producción de la segunda temporada. Además, tal maniobra ahorraría el tener que reconocer el relativo fracaso de Terra Nova y sus audiencias, a pesar de no ser masivas, tampoco están mal para arrancar una noche tan complicada como la de los lunes. El presidente de la FOX tiene muy claro que toca crear comedias multicámara, pero ante el triunfal bloque de la CBS no sería muy buena idea y Alcatraz parece ser material para las 21h.

Claro que, si Terra Nova vuelve, tendrá que limar muchas asperezas. Durante todo el otoño hemos visto cómo vacilaba a la hora de encontrar un tono familiar, de aventuras y misterio firme, con ideas interesantes que no lograba ejecutar de forma inteligente y una ambientación lamentable. Pero la premisa sigue allí y la ausencia de una cancelación oficial da que pensar que alguien aún confía en ella, aunque tenga que reconstruirse desde sus cimientos en septiembre y seguramente dejar que un tyrannosaurus se coma a Josh Shannon.

El viaje de Once Upon a Time

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 10 Jan 2012 10:39:00 +0000

Los creadores escriben las series con un concepto en mente. Puede gustar más o menos al público, puede estar más o menos conseguida, pero hay una voluntad y una conciencia de cómo debe ser la obra y hacia dónde debe dirigirse (al menos cuando sus responsables tienen la cabeza bien amueblada). Pero siempre habrá gente que pedirá peras al olmo y querrá proyectar sus gustos a las necesidades del relato, criticando que se aleje del modelo que tiene metido en la cabeza. Y con esta mentalidad es improbable que se pueda disfrutar de Once Upon a Time.

Aquí no quiero discutir si esta serie sobre los cuentos de toda la vida es correcta, buenísima o un zurullo. La cuestión es que Adam Horowitz y Edward Kitsis tomaron unas decisiones y las están siguiendo al pie de la letra. Quisieron hacer un drama que girara entorno a los cuentos con una óptica algo original (tampoco entraré en debates de si plagiaron Fábulas) y que avanzara a su ritmo.

En mi opinión, su intención siempre fue tomarse su tiempo en ir desvelando todos los secretos y giros que se esconden en Storybrooke, y ellos consideraron que el viaje era lo más importante (a veces se dice pero no se piensa). Y el espectador debe disfrutar con los flashbacks al mundo de los cuentos y enamorarse de esos momentos de optimismo de la mano de la señorita Blanchard, Emma Swan o Henry. En cada episodio los hay y se agradece que alguien quiera iluminar el oscuro presente (de allí y de aquí) con pequeñas dosis de esperanza y optimismo.

Si me tomo la osadía de decir cuáles eran los propósitos de los creadores es sobre todo porque así lo han expuesto con cada episodio. Podrán haber flashes que recuerden a Perdidos, que por algo Horowitz y Kitsis estuvieron en la escuela de Damon Lindelof y J.J. Abrams, y habrá ciertos puntos de inflexión para legitimar el arco de fondo (como el de antes del parón de Navidad, la estrategia de The Vampire Diaries), pero en todo momento nos avisan que el viaje es la clave. Quien no lo crea así, que se fije que siempre importan más esas sonrisas de Emma o Henry a cualquier detalle revelador que se haya podido filtrar por la trama.

Y también hay que tener en cuenta que este proyecto está escrito para todos los públicos. Es ideal para nostálgicos de los cuentos de Disney de toda la vida (o de nuestra infancia, para ser exactos), para que los padres quieran verla con sus hijos (también por el efecto nostalgia) y los niños pueden disfrutarla porque hay inocencia en cada plano.

Sólo hace falta ver el debate organizado en el pueblo, tan simple como ingenuo. O las reflexiones de su protagonista, que habla de ser una heroína sin pizca de ironía. Gustará más o menos, algunos querrán que sea más adulta y probablemente más compleja (y rápida), pero esta es la propuesta de Once Upon a Time y en ningún momento ha pretendido engañar a nadie.

El actor y el personaje

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 09 Jan 2012 12:05:00 +0000

En una charla que el matrimonio King dio la semana pasada en Nueva York, los creadores de The Good Wife confesaron que algunos de los personajes que habían escrito para la serie les habían salido “fallidos”. Diane Lockhart y Cary Agos, para ser exactos. Ellos habían planeado que fueran los antagonistas absolutos de Alicia Florrick y, por culpa de la buena labor de Christine Baranski y Matt Czuchry, quisieron llevarlos por otros derroteros menos obvios. Es lo que tiene la televisión, que la obra no necesariamente está cerrada y se puede improvisar (con seny en este caso) sobre la marcha.

La propia Archie Panjabi también contaba hace poco en el especial de America in Primetime que al principio no sabía como abordar el personaje de Kalinda en la misma serie. No sabía cómo actuar con sus compañeros sin saber hacia dónde conducirían el personaje. Pero alguien le contó el truco: que hiciera lo que creyera oportuno, que se apropiara del papel. Así descubrió que la interpretación también lleva al personaje en una obra televisiva. Otra cosa es que alguna vez lleguemos a saber hasta qué punto Kalinda hubiera sido tan misteriosa y estimulante (y si los King se hubieran tomado tantas molestias).

Esta duda también nos puede asaltar con muchas otras series. En Friday Night Lights, por ejemplo, siempre supimos que los actores tenían cierto margen para la improvisación, pero nunca sabremos cuánto contribuyó a que el matrimonio Taylor se adueñara de la serie. Sólo hace falta ver cómo se planteaba su relación al principio y cómo terminó. De nexo de unión de un pueblo a centro emocional absoluto. Como pasó con Perdidos y el personaje de Jack. De morir en el piloto a protagonista.

En las comedias, sin embargo, es mucho más fácil observar cómo influyen los actores en los personajes o hasta qué punto los guionistas saben aprovecharlos. Bill Lawrence no tardó en darse cuenta que Cougar Town cuando mejor funcionaba era cuando más explotaba una química grupal que los propios actores habían forjado. Así acabó escribiendo una serie completamente distinta a la que había planeado (e infinitamente superior). Un poco como también ocurrió en Happy Endings, que también se olvidó de su premisa e hizo un borrón y cuenta nueva con el personaje de Elisha Cuthbert, que tiene cero vis cómica y pretendieron convertirla en ventaja.

Y por esta razón estoy disfrutando sobremanera con la segunda temporada de Parks and Recreation. Me entretiene ver cómo sus responsables detectaron que el patetismo de The Office no acababa de cuajar y que Leslie Knope funciona mejor como improbable y fallida (y entrañable) heroína que como patética aguafiestas. Al igual que el resto del elenco. Y lo que podía haber sido un pseudo-spin-off frustrado de la serie de Steve Carell acabó siendo una alegre y divertida comedia con mucha luz. Y todo porque los actores y el potencial estaban allí pero los guionistas no sabían verlo por lo que era.

P.D. Podcastero: Después del especial 2011 de la semana pasada que podéis recuperar aquí, en Yo Disparé a J.R. toca volver a la normalidad con un programa que gira alrededor de los especiales de Navidad de Doctor Who y Downton Abbey, donde hablamos sobre las expectativas de los estrenos norteamericanos para este midseason, encaramos la recta final de The Closer y comentamos la revelación británica de este invierno, Black Mirror, con Alberto Nahum de Diamantes en Serie. Un poco british, sí. Aquí tenéis la guía por si os lo queréis bajar aquí o en la barra lateral:

- 0': Presentación y avance de los estrenos de este invierno y primavera.

- 15': El especial de Doctor Who. Hacia dónde se dirige.

- 23': Navidad en Downton Abbey. Con spoilers.

- 35': Black Mirror, la polémica revelación.

- 1h 11': The Closer, el topo y la recta final.

La Navidad en Downton Abbey

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Sun, 08 Jan 2012 10:59:00 +0000

Esta entrada contiene spoilers del especial de Navidad de Downton Abbey, así que ya podéis parar de leer si aún no lo habéis visto.

Que el último episodio de Downton Abbey acabara siendo el especial de Navidad, enturbia un poquito la forma de analizar el desenlace de la segunda temporada. Se notó que era la season finale y que no era únicamente una entrega aislada para amenizar la programación del canal ITV, pero las fechas marcaron el tono del episodio y seguramente también los elementos más polémicos. No se puede romper los sueños de los espectadores en el día de Navidad. Entiendo que es una práctica moralmente reprobable. Pero tampoco hace falta convertir el último episodio del año en un festín de optimismo y bondad.

Con esto me refiero a la cantidad de veces que se esforzaron en que viéramos lo buenos y misericordiosos que son los Condes de Grantham. No solamente defienden fervientemente al servicio ante sus invitados, sino que perdonan a su descarriada hija cuando queda en cinta, van a los juzgados por el asistente de cámara y para colmo celebran un baile con los criados. Posiblemente queramos más a los Condes de Grantham por ello, pero no necesariamente a Downton Abbey como serie dramática.

Lo más divertido de estas obras justamente son las barreras entre criados y señores. Comprobar cómo las diferencias de clase son arbitrarias e indignarse con la resignación de unos y los aires de superioridad de los otros. Aceptarlo como espectadores y posiblemente perdonar a los aristócratas cada vez que miren por encima del hombro al servicio. Y verlos sufrir a todos, ya sean ricos o pobres.

El espíritu navideño, en cambio, quitó algo de brillo a la pedida de mano de Matthew a Mary. Era obvio que tenía que ocurrir y lo sabíamos al fijarnos que ya habían perdido casi toda su juventud saboteando su propia historia de amor. Pero Julian Fellowes perdió su toque épico y optó por la vía directa. De repente, fue muy fácil. Suerte de Michelle Dockery que, con mucha contención, ha nutrido un personaje a primeras muy frío y que se ha erigido en el corazón de la serie. Pocas veces he visto a actrices en mayor estado de gracia.

Esta proposición marcará, por supuesto, una nueva etapa para Downton Abbey. Para empezar, sus responsables ya han avisado que la tercera temporada se situará en el intervalo de un año para redimirse ante una crítica que se volvió en su contra después de tantas elipsis. Pero lo sorprendente es que la enfocaremos sin una tensión sexual por resolver y será curioso qué recursos utilizarán para mantener el interés de los espectadores. Espero que no jueguen todas sus cartas en Anna y Bates, tan encantadores al principio como agotadores durante este otoño.

El público y el espejo

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 06 Jan 2012 12:14:00 +0000

La calidad de las series de televisión como obras de arte se palpa muy fácilmente cuando se compara estos relatos audiovisuales con la literatura. A pesar de la cantidad de factores, personas y dinero involucrados, su resultado final se le parece, seguramente mucho más que el cine. Sin embargo, estamos menos acostumbrados a que las series de televisión ejerzan de denuncia visceral y a que busquen un impacto reflexivo, que tengan una concepción más parecida a la de los concursantes de Work of Art.

Se podría decir que la nueva serie británica Black Mirror es lo que busca. Su planteamiento es muy claro: una cortísima temporada de tres episodios donde en cada uno se denuncia algún aspecto de la sociedad de masas y la nueva interactividad de nuestras relaciones a partir de sátiras dramáticas. En el primero su creador, el periodista Charlie Brooker, analiza la maleable opinión pública; en el segundo, los talent shows y la fama como finalidad; y en el tercero, el papel de la tecnología en las relaciones (algo que también se medita en el segundo).

Como ocurre con casi todas las obras que hoy en día nos llegan del Reino Unido, su nivel de producción es una pasada y deja poco margen para el relleno typical spanish. Pero su mayor acierto fue enfocar de una forma tan directa los conflictos que querían analizar/parodiar/exponer y que supieron cómo impactar al corral con un episodio inaugural tan calculado como el primero, que trataba el siguiente (y asqueroso) dilema: ¿debe el primer ministro ceder a las exigencias de unos secuestradores y sólo follarse a un cerdo delante del mundo entero para que estos liberen a la princesa más querida del país?

Lo que me inquieta, no obstante, es que su primer discurso (muy in your face) sabía que el público era muy impresionable y se aprovechó de su propia crítica para alimentar sus arcas. También me inquieta que el público aplaudió el segundo episodio, una parodia bastante gratuita a X Factor (diría que el rencor de Brooker hacia el programa tuvo bastante que ver porque su mujer trabajaba allí y fue despedida), sin darse cuenta que formábamos parte de ella. También me molesta que el público sea tan impresionable y me molesta que, después de jalear una denuncia a una revolución tecnológica y social que protagoniza y fomenta, metafóricamente apagó la tele como los chicos de El Show de Truman cuando Truman se despidió en la puerta.

Y sobre todo me molesta que este programa esté producido por Zeppotron, una productora del grupo Endemol que ya le produjo Dead Set a Brooker. Y que, por lo tanto, los encargados de criticar la sociedad de masas y el concepto de fama instantánea sean los mismos que la fomentan año tras año en España o el Reino Unido con Big Brother, programas donde la gente va a rascársela durante meses (fijaos que no incluyo la versión americana, algo distinta).

No sé qué opinaría de Black Mirror si no supiera que Endemol está detrás, pero siento decir que le quita méritos desde mi punto de vista. Incluso me irrita. Al igual que me indigna que a veces todos seamos tan borregos y que aplaudamos tan rápidamente una crítica por el hecho de ser crítica sin analizarla a fondo, por el simple hecho de creerla subversiva (cuando en el fondo es tan industrial). Y por esto cojo con pinzas Black Mirror mientras la recomiendo. Vale la pena verla. Otra cosa es si realmente vale la pena.

La heroína iluminada

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 05 Jan 2012 11:16:00 +0000

Hemos empezado el 2012. Como cada año, seguramente habrá quienes se habrán planteado qué les toca mejorar en su vida durante los doce meses que nos quedan por delante para poder encontrar la felicidad. Pues eso, más o menos, es lo que decide Amy Jellicoe cuando sufre un ataque de nervios en el trabajo. Necesita cambiar, no tanto para no perder su puesto, sino para ser mejor persona. Y después de pagar un dineral en terapia en Hawaii, vuelve convertida en una mujer renovada, hasta iluminada. El problema vendrá tras bajarse del avión y enfrentarse a su realidad otra vez: ¿podrá ser mejor persona a pesar de rodearse de toda la energía negativa que la llevó a perderse?

Así podría resumirse Enlightened de la HBO, posiblemente una de las series más polarizadoras de este otoño. Su problema radicaba básicamente en su concepción: el canal no tuvo en cuenta que tendría que cargar con los pecados de la competencia. Las malas artes de Showtime con sus dramedias de media hora (tan prometedoras como decepcionantes) impidieron que se la pudiera ver con ojos claros y su planteamiento también podía llevar a la confusión: un personaje incómodo y un histérico arranque hacían creer que estábamos ante la filosofía attention-whore y de resultados mediocres de The Big C, Nurse Jackie o US of Tara. Que la protagonista encima fuera Laura Dern, conocida por ser musa de David Lynch, también alimentó el prejuicio.

Enlightened, en cambio, no podía ser más mejor. Tiene unas ideas muy claras y un universo rico en significado y en lecturas. El desequilibrio de Amy Jellicoe, que regresa a una empresa donde no la quieren y que es mandada a un sótano repleto de inadaptados, podría ser muy irritante pero acaba siendo tierno. No deja de ser una mujer que, perdida por la voraz competición laboral, quiere ser más meditativa, introducir cambios en su vida y a su alrededor, y aproximarse lo máximo posible a la felicidad o, de no ser posible, a la paz interior.

Además, este viaje interior viene avalado por una concepción muy orgánica. Dern es la co-creadora de la obra junto con Mike White, que se reserva un papel como secundario, y la madre de la ficción, Diane Ladd, también es la madre de Dern en la realidad. Vamos, que tiene las condiciones adecuadas para que sea una obra natural y fluida, que se deja llevar hacia donde le piden las entrañas (el bottle-episode centrado en la madre así lo demuestra).

Esta autenticidad, asimismo, también le dan un toque hasta intelectual cada vez que su protagonista suelta morralla de libro de autoayuda porque utilizan un discurso tan manido a su favor. De la misma forma que no dejan de lado la ironía, siendo muy conscientes de lo ridículos que son, en cada discurso tópico acompañado de evocadoras imágenes de ríos y bosques también hay espiritualidad y algo de envidia.

Al fin y al cabo, Amy podrá ser patética, perderá los papeles continuamente y tendrá una noción de la realidad muy poco útil, y hasta podremos encontrar en ella algunos rasgos de nosotros mismos que no queremos reconocer (la neurótica, antipática, desesperada), pero lo que la diferencia es que cada día se despierta con unas genuinas ganas de mejorar y cambiar su vida y la de los demás. Y esto es tan admirable que, destrangis, Amy Jellicoe se ha convertido en la nueva heroína de la televisión, que además no hay ni Dios que se lo ponga fácil.

P.D: La semana pasada los chicos de Zapping Magazine sacaron su cuarto número donde, entre especiales de fin de año, hay una entrevista que me hicieron. No sé hasta qué punto mi entrevistador no lo hizo (con cariño y) con ánimos de buscarme haters, pero fue muy divertida de responder. ¡Por si os pica la curiosidad!

Los pendones de Dallas

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 04 Jan 2012 12:05:00 +0000

Las décadas en televisión pasan en un suspiro pero, cuando pasan, se nota. Sólo hay que echar un vistazo a cualquier serie que veíamos hace unos años. Está bastante vieja. Sólo algunas de las muy buenas pueden sobrevivir, por más que los looks y la producción sean de otros tiempos porque un buen diálogo es un buen diálogo. También les ocurre a las películas en cierto modo, pero son lenguajes distintos y el tiempo castiga mucho más a la televisión. Sólo hace falta ver Dallas, por ejemplo. No diría que fuera buena. Sí icónica e histórica. Por ello, quizá, soy capaz de disfrutar ahora que he decidido empezarla: no por lo que es en si misma, sino por eso y todo lo demás.

Cada vez que se habla del término cliffhanger, por ejemplo, es inevitable mencionar el disparo que J.R. Ewing recibió al salir de la ducha en el final de la segunda temporada. Se dice que ni los guionistas sabían quién era el responsable entonces (fallo que muchos escritores de hoy en día aún no han resuelto), pero Estados Unidos se pasó todo un verano muy largo esperando la respuesta. Se hacían apuestas con el “Who Shot J.R.”, Larry Hagman se convirtió en el actor de moda de finales de los setenta y puso de moda que las series nos abandonaran al final de temporada con algún misterio o revelación.

En Catalunya, en cambio, el choque tuvo otros tintes: los Ewing eran los primeros personajes de serie que hablaban en catalán y encima soltaban alguna expresión un tanto grosera. “Sue Ellen, ets un pendó!”, le criticaban mientras ella se daba a la bebida de forma sistemática en cada escena. Aún me pregunto si la boutique de cerca de mi casa se llama Sue Ellen porque el nombre les gusta o en homenaje al personaje de Dallas (a menudo ves a alguien parándose y riéndose del nombre, recordando tiempos pretéritos).

Esto, junto con que el argumento tenía miga, provocó que se les adoptara como parte de la cultura popular catalana. El magnífico programa Malalts de Tele, que era meta como él sólo (y necesitamos más como él), hacía sketches de las borracheras de los Ewing al lado de la piscina y el programa de zapping APM aún se ríe de la caída de Charlene Tilton (también conocida como la pulga con tetas) durante una actuación musical en el programa de Àngel Casas. Según el mismo presentador comentó al cabo de un tiempo, “la actriz no estaba borracha. Ella iba pasada de otra cosa”. El mundo es maravilloso cuando actriz y personaje, esa Lucy descarriada, se funden en una sola persona.

Por J.R. (que tenía vinagre en las venas), por Sue Ellen (que en su lugar tenía alcohol), por Bobby (que siempre salía de la piscina o de la ducha), por Pamela (que era como una muñeca hinchable perfecta), por Ray (que daba bastante asco con su mirada de sobón), por la abuela (que pretendía que la armonía era posible en un nido de víboras como la casa familiar), por Jock (que era un gruñón, poco más) y por Lucy (que estaba recién graduada en la escuela de Nabokov) vale la pena echarle un vistazo, ni que sea para entender los referentes de generaciones pasadas. Bueno, y tampoco está de más descubrir lo retorcidas que ya eran las series en los setenta aunque sus formas y mensajes finales nos engañen. Ya en el tercer episodio la adolescente Lucy acusaba de intento de violación a su profesor porque no quería ir a la escuela y prefería pasarse el día revolcándose en el granero con un hombre mayor que su padre. Sí, Sue Ellen no era el único pendón de la familia Ewing.

P.D.Podcastero: Especial 2011. Y esta serie también dio lugar al podcast que grabo con Marina Such, Yo Disparé a J.R., donde esta semana hacemos un repaso al año seriéfilo que ya terminó. En él, a resumidas cuentas, hablamos de TODO. De las mejores series, de las peores, de los mejores capítulos y de aquellas anécdotas con un poco de malicia. Además, Adriana Izquierdo de Hablando de Series y Ohhh TV Podcast vino a compartir otro punto de vista. Vamos, que es imprescindible. Aquí os lo dejo por si os lo queréis descargar:

Los 'highlights' realiteros del 2011: X Factor

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Sat, 31 Dec 2011 16:06:00 +0000

Posiblemente X Factor no es lo mejor del año, pero yo sigo sin quitarme la edición británica de la cabeza. Seguramente se debe a que es la primera vez que la sigo de cabo a rabo y encima su resultado me pareció tan acertado como catártico. Sea como sea, primero hay que empezar dándole su merecido a su creador, Simon Cowell, que ha protagonizado uno de los patinazos de este otoño en los Estados Unidos.

La caída de Simon

El magnate televisivo y musical Simon Cowell decidió desembarcar X Factor en Estados Unidos y el resultado no ha podido ser más decepcionante. No solamente ha obtenido unas audiencias bastante mediocres (y que ni en broma se pueden medir a American Idol), sino que encima no ha podido insuflarle un mínimo de carisma. Poco talento, mucho freak y demasiadas discusiones en un panel de jueces muy agrio le merecen un semáforo rojo a este hombre que, de tanto mirarse en el espejo, en algún momento llegó a creer que era infalible. Tampoco ayuda que, para que funcione un formato así, hay que tener una gran masa de espectadores y X Factor US no consiguió esta legitimidad.

Las Little Muffins de Tulisa

La versión británica, en cambio, es otro mundo. Ha bajado en audiencia y los nuevos jueces han tenido una tibia acogida, pero la edición podría ser contemplada como redonda. Ellos eligieron a cuatro chicas para formar un grupo, Tulisa del grupo N-Dubz las ayudó a elaborar una personalidad y a encontrarles un sonido, y las chicas han triunfado como la espuma, llevándose el concurso. Dicen que Simon tiene grandes planes para Little Mix y, viendo cómo le ha ido con One Direction, estoy esperanzado. Bueno, como no soy una niña de 12 años seguramente no me compraré su álbum cuando salga el otoño que viene, pero ha sido apasionante como espectador ver cómo se produce un grupo musical. Y esta progresión a partir de unas actuaciones muy entrañables ha permitido que la edición se salvara. Nada le sienta mejor a un concurso que acabar y descubrir que al final ha tenido un arco argumental. Claro que se podría aducir que Tulisa fue la verdadera protagonista, buscando legitimarse a partir de sus little muffins, y consiguiéndolo con ilusión y un trabajo muy duro. Gary Barlow, a fin de cuentas, la estuvo ninguneando durante cuatro meses mientras nos perdonaba la vida a los espectadores e intentaba boicotear a este adorable grupo femenino. Pero Tulisa allí mantuvo a sus chicas y supo guiarlas hacia el éxito.

Kitty Brucknell

Quien acaparó la atención del Reino Unido pero no consiguió ganarse sus favores fue Kitty Brucknell, un gran exponente de cómo los contravalores de la fama inmediata afectan a la sociedad actual. Primero horrorizó a los jueces con una actitud pasada de rosca, después les iluminó con las luces de su bañador (y unos gorgoritos inolvidables) y finalmente me enamoró con su afán voraz por hacerse conocida, que nunca me ofendió porque también tenía mucho talento. Polémicas aparte (que si botox, que si lipos, que si no tiene escrúpulos), brindó las mejores actuaciones de la edición de X Factor (con perdón de las gloriosas Little Mix), que eran nuestro particular regalo semanal. Misha B, en cambio, aparte de fingir delante de las cámaras que no era una divona y una bullyinguera, nunca se atrevió del todo a ser ella misma encima del escenario y se quedó a medio gas después de sorprendernos con su muy peculiar Rolling in the Deep.

Los 'highlights' realiteros del 2011: las divas de concurso

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 29 Dec 2011 12:36:00 +0000

El repaso a la telerrealidad del 2011 continúa. Esta vez centrándome en los concursos que más me han enganchado (Big Brother US, Project Runway) y un zasca para Tyra Banks y America’s Next Top Model que han protagonizado una ridículo polémica. Estad preparados porque habrá spoilers de todas estas últimas ediciones (y no me olvido de X Factor, por supuesto, lo que pasa es que le dedicaré un post entero antes del domingo).

Rachel Reilly

Su personalidad polarizadora acaparó toda la atención en la casa de Big Brother 13, por sus risas, salidas de tono, la grandilocuencia romántica y sus depresiones cíclicas. Lo divertido, sin embargo, fue verla ganar. Siempre tendremos la duda de si los productores introdujeron cierto twist para permitir que ella y Jordan pudieran salvarse y evitar que desaparecieran las estrellas de esta edición All-Stars, pero igualmente consideraré a Rachel una reina del programa. Volvió a la casa para redimirse y, aunque parecía que haría todo lo contrario, logró su objetivo. Por supuesto, nada de esto hubiera sido posible sin la ayuda de Jordan, que la soportó, ayudó y legitimó de cara a la final, y además permitió que la edición fuera redonda. Acabó siendo la historia de amistad entre dos chicas y así lo atestiguó el mensaje de despedida que Rachel le grabó a Jordan. Y así permitieron que el verano fuera estimulante, divertido y sobre todo muy entrañable. Que viva Rachel (y que viva Jordan, que ya tuvo su momento de gloria y su arco protagonista en la decimoprimera edición, insuperable). Y cada vez que necesito alegrarme el día, repito los gritos de Rachel con su vestido azul. Son historia (un poco trash, pero historia).

Miss Project Runway

La victoria de Anya Ayoung-Chee podía haber sido aún más polémica que la de Gretchen pero el público la asimiló como si hubiera sido el movimiento lógico. Debió ayudar que el montaje girara entorno a esta Miss Trinidad y Tobago con un sextape a sus espaldas, mostrando que era tan inexperta como creativa y con una preciosa personalidad. Sea como sea, se la premió por tener buen gusto y por su tremendo potencial, y fue la guinda catártica de una edición potente y dramática como pocas. La mejor de Project Runway, diría, donde hubo muchos otros personajes interesantes y con talento de sobras. Por ejemplo, el gusto y la ejecución de Viktor fueron impecables, lástima que se dejó llevar por su yo estudiantil en la colección final.

El regreso de la Supercapulla

Los formatos bien hechos tienen éxito porque siguen un patrón y unos razonamientos. America’s Next Top Model, por más que desprecie a Tyra Banks, no está mal en esencia aunque ella se obsesione con hacer pruebas chorras para dejar en evidencia a las concursantes. Pero con el All-Stars de este otoño, Tyra se ha superado: se inventó el concepto (crear una marca y seguirla a rajatabla) porque no podía tirar del antiguo (algunas de las concursantes estaban ya demasiado arrugadas para venderlas como futuras supermodelos). Entonces nada tuvo ni pies ni cabeza ya que ninguna de las chicas sabía qué se evaluaba (¿cómo c#@$ se representa la libertad en el día a día?), elaboró pruebas muy estúpidas (¿Potledom? ¿En serio?) y encima coronó a un trozo de carne del ghetto sin educación y que había fracasado en la mitad de las pruebas, y por razones que desconocemos la eliminó después de la grabación, teniendo que rodar otra vez la final con las demás finalistas sin gracia alguna. Así Allison, la mejor (de largo), fue ignorada otra vez mientras se declaraba que Lisa era nuestra All-Star, alegando que sería una inspiración para aquellas chicas de quienes se abusó sexualmente en su niñez (menudo criterio, Tyra). Y la pseudodiosa de ébano, para colmo, dejó que su número dos explicara la insólita situación de la final, como si ella no fuera la productora, creadora y presentadora del programa. Vergüenza le tendría que dar ser tan cobarde y no querer mancharse las manos. Bueno, y hacer un programa tan lamentable como esta última edición de ANTM.

La distancia de David Milch

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 27 Dec 2011 10:47:00 +0000

Se podría pensar que el público de HBO es fiel y tiene un gusto exquisito, pero no necesariamente. Sólo hace falta ver con qué audiencias se preestrenó el piloto de Luck, dirigido por Michael Mann y encabezado por Dustin Hoffman y Nick Nolte. Se tuvo que conformar con 1,1 millones de espectadores, unas cifras que seguro que maquillarán con las múltiples emisiones y alegando que no era el estreno oficial de la serie, solamente un aperitivo de cara a la emisión definitiva en enero. Sea como sea, se puede concluir que el público del canal no esperaba con tantas ganas a David Milch como sí hacía la crítica.

Milch, el creador de este drama, se había ganado el respeto de los medios cuando estrenó el western Deadwood en la misma cadena en 2004. La ambientación era un sueño hecho realidad, la suciedad brillaba con su omnipresencia y brindó uno de los más destacados villanos de la historia de la televisión, el temible Al Swearengen que ahora casi parodia la AMC en Hell on Wheels. Pero la apuesta era demasiado cara como para que la HBO se contentara con unas audiencias mediocres y la cancelaron después de tres temporadas y dejando al aire dos supuestas tv-movies que al final jamás se rodaron.

La cuestión es que, como espectador, siempre encontré Deadwood excesivamente distante. La veía como uno de esos dramas donde todo lucía pero era incapaz de emocionar, aunque lo atribuí a las filias del autor. Con el cariño que procesaba al personaje de Alma, la viuda del pueblo, y alguna inquietante escena que me removió el estómago (es imprescindible ver una escena con Kristen Bell para entenderlo), quedaba claro que había mucho potencial emocional. Pero, ya fuera por incapacidad o elección, Milch optaba por estimular por otras vías.

Con Luck aún está por ver si recorrerá al mismo estilo, aunque no sería de extrañar. Como autor televisivo, Milch siempre ha tenido esta constante en sus obras y el mundo donde sitúa su nueva narración se presta a ello. Posiblemente hay pocos universos más marcianos para el espectador que el de las carreras de caballos, sobre todo porque se nota que ha hecho los deberes y que no quiere ponérselo fácil al espectador.

Sin embargo, opte por lo que opte, dudo que la mejor decisión haya sido preestrenar el piloto antes de tiempo. Otras grandes obras del canal como The Wire y Boardwalk Empire ya demostraron en su momento que hay ciertas series que necesitan varios capítulos para arrancar y la emisión de un sólo episodio difícilmente favorecerá el boca a boca para cuando llegue el momento de estrenar la temporada. Quizá contaban conque el magnífico trabajo de Michael Mann con los caballos causara un tremendo furor y despertara la curiosidad de los que se perdieron la cita, pero esto no lo sabremos hasta finales de enero.

P.D.Podcastero: Este piloto también es uno de los temas de conversación de esta semana en Yo Disparé a J.R., donde también comentamos las cancelaciones y renovaciones de la HBO, los finales de temporada de Homeland y Terra Nova, y seguimos analizando nuestra niña bonita, The Good Wife, hablando esta vez de los villanos de la tercera temporada. Os lo podéis descargar en esta página, también está en la barra lateral y aquí tenéis la guía del episodio:

- 0': Presentación, Globos de Oro, renovaciones y cancelaciones.

- 9': El piloto de Luck.

- 21: Homeland, balance de temporada (con spoilers).

- 46': El final de Terra Nova.

- 59': Los villanos de The Good Wife.

Los 'highlights' realiteros del 2011: las polémicas

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Sun, 25 Dec 2011 21:10:00 +0000

Como los realities se supone que se basan en hechos reales, sus polémicas suelen generar una cantidad ingente de titulares. Pero, lo que es más morboso, aún mejores episodios para aquellos que disfrutan con las (planificadas) desgracias ajenas. Aquí lo más sonado que nos ha traído este año o por lo menos tres anécdotas que me han fascinado (para muy, muy mal, por supuesto):

El divorcio exprés

Ingresar 18 millones de dólares por una boda que tendría una validez de 72 días, no contribuyó a mejorar la imagen de Kim Kardashian. Claramente no. Pero ese backlash que recibió tampoco era consciente de la realidad: los seguidores de este clan de fame-whores no dejarán de ver Keeping up with the Kardashians, Khloe & Lamar o Kim and Kourtney Take New York simplemente porque Kim se empeñara en casarse mientras tenía buen tipo y lo hiciera con un tarambana como Kris Humphries. No creo tanto que fuera una estrategia para dotar sus programas de contenido, como de emular tristemente la hazaña de su hermana Khloe que a día de hoy aún está con el baloncestista de primera Lamar Odom. Por suerte, ahora han trasladado a Lamar y seguramente les seguiremos en un spin-off. Sí, los Kardashian son muy trash, pero Khloe es un muy buen personaje televisivo y ninguna lista sobre celebrities tontas o intentos de boicot podrán derribar a Kim. No mientras haya gente interesada en ver qué modelito quiere ponerse cada día cuando se levanta.

La pequeña Julia

Y por basura realitera, el infalible programa Toddlers and Tiaras que narra las peripecias de las niñas que compiten en los concursos de belleza infantil. Claro que quizá me excedo al llamar basura al programa, pues en realidad muestra unos estilos de vida que existen y lo hace con inteligencia, alimentándose a partir de semejantes monstruos infantiles y criticando la práctica. No deja de reflejar a pequeña escala lo malas que pueden ser algunas madres, que confunden el orden de vida y creen que son sus hijas menores de edad quienes deben retirarlas a ellas y ser las estrellas que ellas no pudieron ser (vamos, son versiones a pequeña escala de las Señoras Spears y Lohan). Bueno, y ha habido pocas cosas tan condenables durante este año como la madre que disfrazó a su hija de Julia Roberts en Pretty Woman. Vestir de prostituta a una niña de cuatro años requiere la intervención de algún tribunal (sí, existen peores madres que Belén Esteban).

El suicidio

Cuando Russell Armstrong se quitó la vida, no debía considerar que iba a legitimar una de las franquicias de las Real Housewives, la de Beverly Hills. Por culpa de este suceso, el programa demostró que la grabación de la realidad, por tergiversada que sea, también acaba afectando a la vida misma y, por lo tanto, convirtiendo la planificación en realidad. Taylor contó a sus amigas detrás de las cámaras que su marido la pegaba, Camille Grammer (la ex de Kelsey) se lo recriminó ante ellas después del enésimo ataque de nervios de Taylor, Russell quiso demandarla diciendo que había exagerado, Taylor después dijo que era verdad y pidió el divorcio y, junto con ruina empresarial, Russell se quitó la vida. Un trágico suceso que ha convertido la segunda temporada del reality en un placer culpable con remordimientos sinceros incluidos y aún más adictivo que el primer año, sobre todo porque sabemos el desenlace del pobre hombre (que no goza de ninguna presunción de culpabilidad) y encima vemos el metraje de cuando seguía con vida. Suena tan morboso que debería ser ilegal, sí, pero todos los blogs de EEUU están pendientes del programa debido a este factor. Y hasta una de las tías de Paris Hilton, Kim Richards, pasa desapercibida, a pesar de tener mil traumas infantiles y aún más adicciones que saltan a la vista cada vez que intenta hablar y se pierde en sus propias palabras.

Los 'highlights' realiteros del 2011: Survivor

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 22 Dec 2011 23:02:00 +0000

Nunca jamás volverá a haber una experiencia televisiva tan maratoniana y satisfactoria como la edición Heroes vs Villains de Survivor. El año pasado quise dejar claro que había sido el programa que más había marcado mi realidad televisiva y este diciembre, como no tengo un claro favorito, prefiero remarcar los highlights de la telerrealidad americana. No avalo cualquier programa que mencione, pues algunos son formatos infalibles y otros son placeres culpabilísimos, pero sí que han protagonizado el año, ya sea por polémicos o por buenos. Y como el diciembre pasado encumbré Survivor, qué mejor que empezar con este formato mi particular repaso de la telerrealidad americana de este año:

Los Hantz

Como Jeff Probst no podía invitar por cuarta vez a Russell Hantz en Survivor, después de echarle llorando como un crío de Redemption Island, se vio obligado a quedarse con un familiar de segunda, Brandon. Sí, podría pasarme dos semanas metiéndome con este troll de bolsillo que, para alejar tentaciones, expulsaba a las concursantes por las que se sentía atraído sexualmente. O podría criticar su doble moral cristiana, que se basaba en faltar al respeto como le venía en gana y después pedir perdón con Dios en la boca. Lo curioso es que, sin embargo, me acabé creyendo su discurso. Un maltratador y un bully que había ido a la televisión nacional para cambiar. Que pueda mantenerse en este nivel de paz espiritual es algo que pongo en duda, pero sí que me parece condenable que su familia le haya dado la espalda por querer cambiar unas muy nocivas pautas de conducta que hasta ahora parecen haberse inculcado de padres a hijos.

La traición

Los fans de Survivor quedan muy bien sobre el papel pero pierden cualquier perspectiva en el juego cuando entran en él. Cochran es el ejemplo perfecto: estaba obsesionado con llevar a cabo un gran movimiento para ser recordado para la posteridad. Por este motivo decidió traicionar a su alianza, provocando una expulsión aún más temprana y permitiendo que la tribu de Coach se llevara el concurso de calle con una alianza que no hacía aguas, por más que el montaje de la competición quisiera hacernos creer que sí. Esto no significa que la edición fuera fallida, pues ha sido muy entretenida, ha tenido sus momentos (la decisión de Ozzy, cualquiera de Brandon, el de Cochran), algún personaje muy carismático (Dawn) y una ganadora muy merecida. Sophie tuvo un juego inmaculado: fue lo suficientemente lista para permitir que otros cortaran gargantas por ella, nunca se hizo pasar por tonta para poder ganar votos en la final y encima se mostró muy fuerte como competidora, coleccionando inmunidades individuales. Chapeau.

La percepción de Coach

Muchos, no obstante, opinarán que Coach merecía ganar porque había llevado el peso de la edición y no puedo estar más en desacuerdo. Tuvo sus momentos ante la cámara, fomentó una alianza muy clara y sobrevivió a los primeros días, lo que es toda una hazaña. Pero cometió el mismo error de siempre: desasociar su percepción de la realidad. Su problema no era que establecía alianzas con todos los concursantes y después los traicionaba uno a uno, sino que se llenaba la boca con honor e integridad, fallaba a estos principios (pues muchos de sus pactos y conversaciones eran innecesarios) y después aún era incapaz de asumir su estrategia. El momento en el que atribuyó la expulsión de Brandon a Dios es el máximo exponente de ello. Por esto nunca ha ganado ni ganará Survivor: da rabia que un loco te dé una patada y encima te diga que te está haciendo un favor.

La decisión de Ozzy

Nunca he sido especialmente fan de la idea que algún expulsado regrese al concurso y gane el concurso. Sólo toleré la idea cuando Andrea tuvo su oportunidad al final de Survivor: Redemption y únicamente porque era la única persona con alguna idea propia en su cabeza en esa dictadura protagonizada por Boston Rob. Por ello, la decisión de Ozzy me gustó: legitimaba la isla de la redención porque había ido a ella voluntariamente, empleándola como una variable aprovechable del concurso. La jugada, sin embargo, le salió mal porque la Ley de Murphy hizo su aparición estelar. Y con su desenlace, diría que sería hora que Probst desechara por fin la idea de Redemption. No niego que tiene sus ventajas, como que los duelos son muy entretenidos de ver, pero también quita solemnidad a los tribal councils y suscita que haya unas despedidas poco épicas. Pueden llorar a cántaros cuando tiran el buff a la hoguera, pero a la luz del día todo parece menos fatídico.

Los descartes del 2011

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 22 Dec 2011 08:20:00 +0000

Las listas del final de año por regla general acaban sorprendiendo más por las series que no están entre las diez primeras, que las que sí pasaron el corte. Interpretar las exclusiones u omisiones no necesariamente debe tomarse como un desprecio. Simplemente hay un muy limitado número de puestos y hay que descartar. De aquí que me gustaría explicar porqué no entraron algunas vacas sagradas como Game of Thrones, Boardwalk Empire y Breaking Bad, o niñas mimadas de este blog como Cougar Town y Happy Endings.

Las adaptaciones de G.R.R. Martin y The Walking Dead, por ejemplo, tuvieron dos tramos finales que superaron todas las expectativas. Intensas, bien escritas y muy climáticas. Pero también ambas fallaron en los arranques. Game of Thrones tuvo unos primeros episodios un tanto ridículos, tanto por unos diálogos artificiosos como por el cartón piedra de alguna imagen, y The Walking Dead directamente aburrió. Por suerte, ambas pueden demostrar que son capaces de tener constancia con la segunda temporada de la primera, que adaptará Choque de Reyes, o el segundo tramo de los zombies.

Otras favoritas de la crítica como Boardwalk Empire no pude incluirlas porque no terminé la temporada y además nunca he podido disipar de mi mente que se le notan demasiado los hilos. Sí, es buena y el personaje de Margaret Schroeder me tiene enamorado, pero a ratos da la impresión que está confeccionada para que alucinemos con lo buena que es y echo en falta algo de corazón, por decirlo de alguna forma. Y de Breaking Bad ni he visto la cuarta temporada (voy por la tercera) por una razón muy simple: puede que la serie me fascinara en su primer año (nadie puede discutir lo fantástica que es y lo bien rodada que está), pero el viaje de Walter White me dejó de interesar cuando pasó del gris al negro.

Sons of Anarchy, en cambio, tuvo principalmente dos enemigos: Justified, que quería meter en lo más alto, la había superado la primavera pasada en la misma cadena (criterios de variedad, vamos) y no le ayudó a montar su caso que la season finale fuera una decepción en toda regla. La próxima vez que el señor Sutter quiera quejarse por no estar incluido en las listas, que se acuerde de lo barata que fue la conclusión.

En el terreno de la comedia, la serie con más fanáticos aún se excedió más. Community, como demostró en su segunda temporada, es frustrantemente irregular. Puede que tenga suficientes momentos de inspiración para que siga con ella (y lo hago con mucho gusto), pero cuando el balance de episodios buenos no es mayoritario, estás descartada automáticamente. Este rasero también acabó con las posibilidades de Happy Endings, cuyo humor adoro pero que tampoco ha estado todo lo acertada que debería en las últimas semanas y a Cougar Town, que tanto admiro, ya la premié como la cuarta mejor serie del 2010 y en cierto modo el desenlace de la segunda temporada entró en esa posición. Louie y Parks and Recreation, por otra parte, las llevo atrasadas. No, no es un desprecio, simplemente falta de tiempo (aunque ambas me están dando una muy grata sorpresa).

El encanto de True Blood tampoco pudo ocultar su falta de ritmo en algunas tramas, Lights Out fue muy notable pero no excelente, Big Love tuvo una temporada rabiosa, un desenlace precioso pero también una dimensión política algo increíble, Once Upon a Time aún tiene mucho que demostrar y así podría seguir y seguir con todas las series de la programación.

La mejor serie del 2011 (III)

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 20 Dec 2011 17:20:00 +0000

Hay que entender que las listas de lo mejor del año son tan divertidas como inútiles. Hacer caber toda la producción televisiva en unos pocos puestos, cuando todas ellas también juegan en categorías a menudo muy distintas, es un acto muy superficial. Pero, como seguidor de la cultura anglosajona que soy, las adoro. De aquí que, de una forma u otra, haya tenido que elegir. Aquí quiero contar, a grandes rasgos, el criterio que he seguido.

En mi opinión, la buena televisión es aquella que sabe conciliar los principios de calidad y de entretenimiento. Sí, puede considerarse una visión un tanto americanista de la cultura audiovisual (que ellos denominarían industria), pero siempre he tenido este punto de vista, ya desde que Shakespeare in Love ganó el Oscar a la mejor película y a mi cuerpo no le pudo sentar mejor.

Por ejemplo, a la televisión no necesariamente le pido que quiera venderme que es cine en cápsulas. Tengo suficiente con que sea buena televisión (de aquí que el primer puesto de la lista lo pueda ocupar quién lo ocupa) y que sepa jugar con las bases de su género. Con esto me refiero a The Vampire Diaries o Awkward que tienen una clara vocación teen o a Revenge, que es muy soap. Juzgarlas con los mismos criterios que Breaking Bad las perjudica y tampoco creo que sea justo. Simplemente tienen propósitos distintos y éstas cumplen con los suyos a la perfección, de aquí que puedan estar en la lista.

Bueno, y tampoco hace falta que engañe a nadie. Esta es una lista personal para un blog personal y personalmente corono a quién me da la gana. Y ahora arrodillaos, que hay que recibir a la Reina.

1 The Good Wife

El estado de gracia es algo que pocas series pueden alardear de tener, pero The Good Wife es una de ellas. Lo que podría ser una serie legal más, es uno de los dramas más estimulantes e intelectuales de los últimos años y en su segunda temporada se alinearon los astros para convertirla en algo que estaba claramente por encima del resto. Hay casos, un elenco muy coral, motivaciones políticas de fondo, relaciones sexuales, familiares y de amistad, y todo ello se desarrolla con tanta clase como temple.

No decide jugar todas sus cartas al mismo tiempo y, como está demostrando esta tercera temporada, sus creadores, el matrimonio King, tienen muy claro que esto es como una partida de ajedrez. De aquí que los críticos ya estén callando como unos cobardes después de ver que, una vez más, The Good Wife está demostrando que el equilibrio es suyo. Primero presagiaban que era menos intensa que el año anterior y de repente evidencian que está al mismo nivel sólo que con otros conflictos.

Y sí, quizá debería elaborar más mi discurso para defender que es la mejor serie del año, pero cualquiera que haya seguido este blog se dará cuenta de que prácticamente cada mes ya menciono las grandes bazas de esta serie. Desde la gloria de subir al cielo en ascensor a dotar el drama de una esfera política tan entretenida como avalada por los analistas y lobbistas más influyentes. Vamos, que The Good Wife es la gracia personificada y Julianna Margulies es quien lo representa mejor. Tan sutil como llena de matices.

Para ver los puestos anteriores, podéis ver del 10 al 6 aquí, y del 5 al 2 en esta otra página.

Las mejores series del 2011 (II)

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 19 Dec 2011 20:23:00 +0000

La lista de las mejores series del 2011 continúa. Aquí parte del Top 5, dejando la guinda del pastel para mañana, que va con un poquito de explicación de porqué he elegido unas series y no otras.

2 Justified

Este western contemporáneo demostró con su primera temporada que tenía un universo muy rico en matices. Tener un condado como el de Harlan repleto de grises, pues la justicia a veces se puede emplear fuera de la ley y a veces no aplicar la ley es mejor para conseguir un equilibrio en la sociedad, dio juego y encima permitió que el relato creciera exponencialmente cuando pusieron las cartas sobre la mesa y vimos que Raylan Givens tenía que verse envuelto en algo más que casos de poca monta. Pero en su segunda temporada se podría decir que Justified floreció de una forma mucho más exuberante, contándonos desde el principio el enfrentamiento entre el US Marshall y Mags Bennet, una espléndida Margo Martindale, que con sus cómicos secuaces representaba la némesis de Raylan (como si no tuviera suficiente con controlar a Boyd, siempre de fondo y configurando un personaje tan turbio como carismático). Y con esto Graham Yost demostró que no solamente había escrito un producto muy digno, sino un pequeño gran relato repleto de variables, sublimes interpretaciones, una atmósfera brillante y una modestia que le queda como anillo al dedo y que le permite derribar apuestas mucho más ambiciosas (Boardwalk Empire, ejem).

3 Homeland

Una buena conspiración, si está bien llevada, es tremendamente estimulante y Homeland lo es. No solamente tiene unos personajes tan preocupantes y humanos como Carrie y el sargento Brody (una Claire Danes y un Damien Lewis que van a por todas por vías más difíciles de lo que parece a simple vista), sino que su relato está muy bien dirigido. Tiene una finalidad, el espectador lo sabe y los guionistas van destapando los giros con mucha precisión y también emoción. Desde que empezó, ha habido episodios más íntimos, otros de thriller, tensiones sexuales impredecibles, problemas familiares, conspiranoias de altos vuelos y cada uno de estos episodios ha sido magistral en su campo, nunca perdiendo de vista que todo debe alimentar una historia, el posible atentado terrorista que intenta parar una agente de la CIA con esquizofrenia. Hacía tiempo que no se veía algo tan bien construido e interpretado y (siento tirar de las comparaciones) supera con creces a Rubicon.

4 Revenge

Saber cómo emplear las bases del género en el que decides asentarte es la mayor virtud que puede tener una serie de televisión. Bueno, algunos opinarán que las narraciones posmodernas deberían optar por otros derroteros o que el género bastante soapy debería ser considerado de segunda división, pero no es mi caso. Revenge no tendrá los mejores diálogos del primetime, ni las mejores interpretaciones, ni los mejores cromas, pero tampoco debería. Mike Kelley sabe exactamente cómo utilizar cada uno de los factores de los que dispone (ya sea su género o las limitaciones de Emily VanCamp que explota a la perfección) y convertir lo que podría ser un placer culpable en una buena serie a secas. Bueno, y la serie más adictiva, sorprendente y diferente que han ofrecido las networks este año con una Madeleine Stowe que brilla y que recuerda a las zorras de toda la vida cuyo único objetivo al despertarse era mantener el poder social y joder la existencia a quienes opusieran resistencia a sus encantos. Claro que en el mundo de Revenge una mujer así es la víctima. Para que se entienda el nivel.

5 Modern Family

Que arrasaran en los Emmys del año pasado tenía toda la lógica del mundo. La serie creada por Steven Levitan y Christopher Lloyd es lo más cercano a la perfección que hay en el territorio de la comedia ahora mismo. Tienen diálogos chispeantes, construyen las escenas cómicas a lo largo del episodio, saben empezar con un bang y tienen un reparto coral muy equilibrado y donde cada personaje es tan memorable como el que tiene al lado. La verdad es que quería ser diferente e incluir Happy Endings este año en la lista porque adoro su química grupal, pero me rendí a los pies de Modern Family cuando vi a Alex diciendo a Hayley: “One day, your fans are gonna work for my fans”. No solamente había visto un buenísimo episodio (el 3x08), redondo humorísticamente y hasta con una pizca de emotividad a partir de Phil (saben jugar muy bien la carta familiar), sino que además los guionistas habían dejado la mejor línea a las hijas Dunphy, que diría que es indicativo de hasta dónde llega el nivel de la serie: la excelencia.

(Y mañana llegará el número uno. Sabéis cuál es, lo sé, pero que sea predecible no significa que sea merecidísimo.)