Crítico en Serie

Don Draper ya no es intocable

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 17 May 2013 08:47:00 +0000

‘Mad Men’ hace tiempo que no reside sola en el Olimpo. Cuando la echaron de su trono en los Emmy, pareció que algo había cambiado. Ya no era intocable y esa aura mítica que había sabido conservar durante tantos años (para llegar a extremos algo locos con la quinta temporada que tardó tanto en estrenarse y se esperó como la segunda venida de Cristo) estaba empezando a vaporizarse. Y está siendo divertido ver cómo a Don Draper le están lloviendo palos.

Puede que sea un personaje y que sea la intención de Matthew Weiner empezar a dejarle en evidencia (¿acaso no es casualidad que en el primer episodio de la temporada lea 'Inferno'?). Don está cansado y su trato con las mujeres, que muchos habían excusado (y envidiado), está siendo especialmente lamentable. Que conste que me pregunto dónde estaban estas voces cuando pagaba al psiquiatra de Betty para que le chivase sus traumas y poder tenerla todavía más controlada (mientras se tiraba a cualquier chica que le pasara por delante).

Pero algunas de estas críticas se centran también en cómo su caída (esa que se lleva presagiando desde hace un lustro gracias a los títulos de crédito) está siendo aburrida. Que las escenas de Don son pesadas, repetitivas y poco entretenidas y que, en el fondo, es el mismo carcamal de siempre sólo que Weiner ha cambiado la lámpara con la que le enfocaba (está más sudoroso, sí, pero en esencia es el mismo ser despreciable del piloto).

En esta línea van varias líneas argumentales. Por un lado, vemos como maltrata a Megan y prueba que si Betty acabó como una regadera fue culpa suya. Él coge chicas interesantes, las intenta domar y, cuando se aburre, juega psicológicamente con ellas (y puede que haya algunos espoilers). Es especialmente reprobable, por ejemplo, que le eche en cara a Megan el beso que da un actor por cuestión de trabajo, y que él finja ser un ser superior cuando se la pega (por capricho) con la vecina. Una vecina que, por cierto, el único interés que tiene es que es amante y que parece quererse poco a sí misma. Puede que Matthew Weiner se crea (y verdaderamente sea) un intelectual, pero la escena en el hotel está claramente inspirada en el best-seller ’50 sombras de Grey’. Los juegos eróticos siempre han existido pero esa escena de dominación es muy propia de Christian Grey (aunque sin cachetes ni cuarto rojo del dolor).

Por esto, cuando Joan le pega la bronca por no poder aguantar con el directivo de Jaguar (el momento más 'you go, girl!' de la serie, más de uno debió aplaudir en el sofá de su casa. Ha llegado la hora de poner al publicitario en su sitio y sus propios socios de la agencia entienden que no puede ir por libre como si nadie estuviera por encima de él. Él pudo ser el mayor activo para sacar a flote la nueva agencia pero también puede ser quien la lleve a la bancarrota, como siga creyéndose el intocable en un sector que empieza a escapársele de las manos. Cada vez está más claro que Peggy es el futuro y él cada vez tiene menos tacto a la hora de vender sus ideas a las empresas.

Y aquí también quería ir a parar. La súbita fusión de Sterling Cooper Draper and Pryce con la agencia rival me tiene algo desconcertado. ¿No hubiera sido más interesante ver a Peggy durante algo más de tiempo fuera del dominio de Don? Igualmente, da la impresión que los tiros irán justamente por aquí y que Peggy ya no se siente en deuda con nadie. Y ella, Joan y Pete Campbell están haciendo que la sexta temporada sea más entretenida de lo habitual, ni que sea porque Campbell es un gafe. Él es exactamente como Don Draper pero, como no es guapo, tiene tendencia a que le salgan los tiros por la culata. Pobre Vincent Kartheiser: entre su incipiente calvicie y la caída por las escaleras, está siendo el hazmereir de las redes sociales.

Las networks imitan el cable

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 16 May 2013 09:14:00 +0000

Estos días se están anunciando los upfronts, que son las presentaciones oficiales de las cadenas generalistas americanas de cara a la próxima temporada. De aquí que hablase de renovaciones y cancelaciones el domingo. Pero lo más interesante ha sido ver cómo las networks parecen decididas a imitar los canales de cable.

Se percibe esta tendencia en sus estrategias de programación, ahora que asumen que su hábito de emisión a veces es contraproducente. No pueden ir intercalando episodios originales y repeticiones y mantener el momentum, sobre todo cuando se trata de obras serializadas cuya continuidad es fundamental para disfrutar del visionado. Por esta razón ABC, quien emite las obras más afectadas, ha anunciado que emitirá algunas de sus series en dos tandas ininterrumpidas.

Estas serían ‘Once Upon a Time’, ‘Revenge’, ‘Scandal’ y ‘Anatomía de Grey’ (y me pregunto si también ‘Nashville’), todas serializadas, y otras como ‘Castle’ o las comedias seguirían como hasta ahora. La cuestión es convertirse en una cita ineludible, no cansar con repeticiones que tampoco funcionan en audiencia y mantener la atención de los espectadores para frenar la tradicional hemorragia de audiencia de primavera, cuando intercalan episodios nuevos y viejos sin ton ni son. Lo que todavía no está claro es cuantos episodios conformarán cada tanda, pues se especula que podrían ser doce, lo cual sería un reto creativo para algunas series. Al fin y al cabo, será como emitir dos temporadas en un mismo año.

En esta misma línea va la decisión de emitir series de menos episodios. ABC ha explicado que ‘Betrayal’, una de sus novedades, será una miniserie; FOX encargó una segunda temporada de ‘The Following’ también de quince episodios y sorprendió a todos cuando anunció que ’24’ tendría otra temporada en forma de miniserie de doce episodios; y la CBS, que suele especializarse en procedimentales, ha encargado una temporada de ‘Hostages’ de quince episodios para evitar los episodios de relleno y así venderse mejor como un evento. Vamos, que por fin quieren responder algunas demandas de los espectadores.

Habrá que ver, sin embargo, si esto será suficiente para evitar el desgaste de los últimos años y si la estrategia funciona. Al fin y al cabo, entraña varios riesgos. Como he dicho, supondrá todo un rompecabezas para los creadores de las series de ABC. Mike Kelley, que abandonó ‘Revenge’ porque creía imposible escribir tramas de 22 episodios, seguro que criticaría que siguen siendo demasiados episodios. Pero también hará que sea más fácil estructurar los episodios. Y, lo más importante, será más costoso para los canales.

Hasta ahora su modelo se centraba en gastarse muchísimo dinero de cara a los estrenos de septiembre, rezar para que triunfaran cuantas más series mejor, trufar unas cuantas semanas de repeticiones y sólo invertir en publicidad en el midseason en función de cuantos fracasos habían tenido. Pero con esta nueva táctica, aunque algunas novedades como ‘Hostages’ y ‘Betrayal’ tengan éxito, deberán promocionar al máximo sus sustitutas en la programación (que serán ‘Intelligence’ y ‘Resurrection’), además de que ABC deberá producir contenidos para los hiatos prolograndos de mitad de temporada. Por lo que parece, la próxima temporada será divertida de analizar.

¿Sí o no?

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 15 May 2013 09:01:00 +0000

Esta entrada no es apta para desconocedores del final de temporada de ‘Cómo conocí a vuestra madre’.

Estos días el mundo televisivo se divide en dos frentes: por un lado hay quienes defienden que jamás debíamos conocer a la progenitora de ‘Cómo conocí a vuestra madre’, y aquellos que querían conocerla y verla con Ted y compañía. Porque, sí, Carter Bays y Craig Thomas nos dedicaron un último plano de la mujer en cuestión. La del paraguas amarillo y que tocará en la boda de Barney y Robin. Eso que llegamos a creer que jamás sucedería.

En cierto modo me recuerda a la discusión interminable de hace tres años entre aquellos que definían ‘Perdidos’ como una serie de personajes (y que por lo tanto el final era completamente satisfactorio) y aquellos que argumentaban que era de trama (y que el desenlace esencialmente era un despropósito, por mucho que estimulara los lagrimales).

Entonces, ¿macguffin sí o no? En mi opinión, si bien entiendo que era una excusa para divertirnos con un grupo de amigos, creo que había que aprovechar a la madre. Quería que me la presentasen. No tanto por una cuestión de “no podría sobrevivir sin saber quién es”, sino porque será una variable más con la que jugar en los últimos episodios. Y ‘How I Met Your Mother’ ha disfrutado demasiado jugando con ciertos recursos dramáticos para alargar todavía más el chicle.

Si la soltería de Ted Mosby fuese tan cómica como la de Moe, el suicida camarero de ‘Los Simpson’, entendería que siguiesen el plan inicial de dejarnos con una simple escena de presentación (o ni eso). Pero los creadores de la serie han escrito demasiadas escenas del protagonista haciendo pucheros y gravitando alrededor de Robin mientras ella, Barney, Robin y Lily avanzaban en sus vidas. De aquí que no soportara la idea de verle ni un minuto más pensando en cómo sería su vida si acabase con la periodista. No, no. De hecho, ni entiendo como se les ocurrió volver a este tema en esta octava temporada.

Puede que ahora, con los personajes en posición (Marshall de juez, Barney y Robin casados, Ted algo más feliz), podamos tener una temporada más entretenida. Porque esta última ha tenido momentos de inspiración (casi todo lo que tenga que ver con Robin Scherbatsky) pero todavía más episodios fallidos, en gran parte porque estaban demasiado pendientes de las evoluciones emocionales de todos ellos. Recordemos los novios sin importancia (y con escenas dramáticas malogradas) de los solteros y la tontería de la mudanza a Roma (que sabíamos que no sucedería, por lo menos como estancia de un año). Quizá gracias a que tenemos una madre, podrán centrarse en ser únicamente divertidos.

Ah, y Cristin Milioti me da buena espina. Thomas y Bays han declarado que la eligieron por su química con Ted y, teniendo en cuenta que no la conoce ni su madre, no hay otra razón para elegirla. Ya veremos. De momento, ya han avisado que no la integrarán como un personaje regular, así que tengo curiosidad por ver cómo la integrarán en la serie y cómo cambiará la narración en off del protagonista.

El cambio de tono de 'Glee'

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 13 May 2013 11:46:00 +0000

La misma serie, otra óptica, distintos resultados. ‘Glee’ no iba a cambiar su forma de ser en su cuarto año, sobre todo cuando Ryan Murphy anunció que intentaría mantener los personajes principales a pesar de dejar el instituto McKinley. Pero sí he tenido la impresión que la serie ha adoptado otro tono. Uno más desenfadado, menos intenso. Y así, aunque igualmente me pasara por el forro según qué números musicales, he disfrutado algo más de la serie.

Siempre me puso de los nervios que en esa sala de guionistas se empeñaran en hacernos invertir en tramas que luego no iban a ninguna parte. Y no sólo me refiero a los encuentros y desencuentros de Finn y Rachel. También a cualquier trama que se sacaban de la manga, duraba treinta minutos y se suponía que dejaba huella en los personajes. Algo que criticaron algunos críticos yanquis con el polémico episodio del disparo de esta temporada y que bien lo ejemplifica: utilizan ese recurso para poner las emociones a flor de piel y a los cinco minutos del siguiente episodio el personaje interpretado por Nene Leakes ya está riéndose.

Esta ciclotimia, presente desde el piloto, obviamente no ha desaparecido pero sí se ha reducido. Como si por fin ‘Glee’ se hubiese dado cuenta que ya no le colaba a nadie el dramatismo y los giros de guión y los hubiese reducido a su mínima expresión. Ha habido estupideces extremas, como el imposible enamoramiento de Tina (que la echen de la serie, si no saben qué hacer con ella), la forzada trama de Will Schuester y Blaine ha estado más perdido que una gallina descabezada.

Ha optado, en realidad, por algo parecido a la filosofía del happy place. Con la nueva generación sí han transmitido desde un principio que era un lugar seguro para todos ellos (porque Rachel, Kurt y los demás eran mucho de “hoy nos queremos y al día siguiente nos apuñalamos por la espalda”) y fue refrescante ver como los personajes-tópicos de siempre iban por caminos distintos a los de sus predecesores. Los finales de episodio, al fin y al cabo, eran una declaración de intenciones que siempre daban a entender que daba igual lo que sucediera: estaban unidos y al acabar el día podían cantar y liberarse de sus problemas durante un rato.

Y, contra pronóstico, el spin-off encubierto protagonizado por Rachel y Kurt estuvo bien contado. Tenía una finalidad y la serie ha ido en esa dirección, tocaba ver a la señorita Berry cumpliendo sus sueños. No hay nada más raruno y divertido que ese ‘Let’s have a kiki’ y Lea Michelle estuvo radiante en prácticamente todas sus actuaciones. Quizá fue un error para la actriz no dejar la serie mientras todavía era relevante, pero le han dado unos guiones aceptables.

Esto no quita que ‘Glee’ siga siendo lo que es. Hay tramas olvidadas (como la que me han recordado en ¡Vaya Tele!, la del nuevo pretendiente de Kurt de quien no se supo nada más), tramas aborrecibles y excesos que no llevaron a ninguna parte (todo lo que tuviera que ver con la boda, fue innecesario). Pero que no fueran de intensos permitió que viera la temporada entera, algo que no logré hacer con las dos anteriores.

P.D.Podcast: De ‘Glee’ también hablo en un programa de ‘Yo Disparé a J.R.’ más inusual que de costumbre. La actualidad se hace con la mitad del podcast, ya que toca hablar de las renovaciones, cancelaciones y qué proyectos nos pican la curiosidad de cara a la próxima temporada. Pero también hay más temas. Aquí la guía:

- 0’: Introducción, renovaciones, cancelaciones y análisis cadena a cadena.

- 50’: El final de temporada de ‘Glee’ y balance.

- 67’: ‘The Carrie Diaries’, su renovación sorpresa y balance de la primera temporada.

- 80’: ‘Mad Men’ y el backlash a Don Draper. ¿El público le ha cogido manía?

Adiós, adiós, adiós (y hasta luego)

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Sun, 12 May 2013 08:00:00 +0000

Estos últimos días han sido un estrés. Era entrar en internet y encontrar una nueva noticia sobre los próximos proyectos de los canales de televisión americanos. Y, lo que da más miedo, las renovaciones y cancelaciones. Porque las novedades de la temporada que viene, al fin y al cabo, no deben quererse de forma anticipada. Demasiadas veces nos han timado con puntos de partida que no iban a ninguna parte (¿os acordáis de ‘Undercovers’ de J.J. Abrams?). Pero sí puede echarse de menos aquellas que hemos visto y hemos apreciado. Es como perder a un amigo. Un amigo imaginario, claro.

De momento, probablemente la pérdida más dolorosa es la de ‘Southland’. Por más que algunos críticos se empeñaran, estos policías de Los Angeles jamás calaron entre el público, ni tuvieron la atención que se merecían en los premios. Bueno, es que no tuvieron ninguna. Y, sabiendo que TNT no encargará más episodios, el visionado de la última temporada se plantea duro. Exacto, todavía no la he visto y no me lo perdono, pero lo haré porque a) la adoro y b) era de lo mejor que había en televisión. Por suerte, siempre puede mirarse la parte positiva: tuvimos tres temporadas de regalo, que nadie pensó que fuera a ninguna parte cuando NBC anunció durante el rodaje de la segunda temporada que no tenía previsto seguir emitiéndola.

La cancelación que me resulta divertida y no me afecta en lo más mínimo es la de ‘Go On’. Ya me imagino a Matthew Perry escondiéndose debajo de las sábanas en su cuarto y yendo a comprar con gafas de sol extra grandes para que nadie le reconozca en el supermercado mientras compra helados de litro para superar el trauma. Con esta, ya van tres series que mueren fulminadas en su primera temporada y cuyo peso promocional recaía en su persona. Esto es lo que ocurre cuando crees que el mundo te debe un papel protagonista en una serie de éxito porque una vez funcionaste de secundario en una obra coral y buena, en este caso ‘Friends’. Y no, el mundo no funciona así. Que se lo digan a Mischa Barton, que quiso brillar en el cine porque una vez le dieron un papel hecho a medida en una serie y nadie le hizo caso. Todavía deben esconderle las cuerdas y objetos puntiagudos. Y, en el caso de Perry, el batacazo es merecido. ‘Go On’ puede que no fuera espléndida, pero era bastante simpática cuando el centro de atención no era él.

Porque, para tristeza, que ‘Whitney’ no vuelva en otoño. Bueno, y que América le haya dado la espalda a Whitney Cummings. Parecía que iba a serlo todo como co-creadora de ‘2 Broke Girls’, responsable y protagonista de ‘Whitney’ y presentadora del talk-show ‘Love you, mean it’ (una joya muy pasada de rosca, por cierto), y estas dos últimas han sido canceladas este mismo año. La muchedumbre no la quiere ver y me da pena porque su sitcom era entrañable y daba verdaderas lecciones vitales. A ratos, verla con el cónyuge era como mirarse en un espejo. Aprendíamos y todo.

Pero ha habido buenas noticias. ‘The Neighbors’ vivirá para seguir demostrando a la gente que un mal piloto no lo es todo. ‘Anatomía de Grey’ pasará a los anales de la televisión porque cumplirá una década y Nostradamus probablemente se frotará las manos porque ‘Scandal’ ha visto como batía las expectativas del canal, convirtiéndose en la serie revelación del año con una tercera temporada asegurada. Y ‘Nashville’ tendrá segunda temporada. Gracias, ABC, porque podrías no habérsela concedido. Como también podrías haber ignorado ‘Revenge’ y has querido darle otra oportunidad, supongo que para mandarla a las diez de la noche donde su bajón de audiencia haga menos daño.

Y nuestra querida ‘Parks and Recreation’ tendrá sexta temporada. Y ‘Community’, que me importa descaradamente menos. Y muchas, muchas, muchas otras. Claro que la que importaba, ‘The Good Wife’, ya sabíamos que estaba renovada. Así que “larga vida a la Reina” aunque ni tan siquiera venga a cuento.

(Otro día ya tocará hablar de los proyectos nuevos para la temporada 2013-2014. Hoy todavía no. Hasta que no haya tráiler, paso de especular. Al fin y al cabo, es lo mismo de cada año: tropecientas series producidas por J.J., un batallón de series de policías y remakes, y adaptaciones por doquier que despertarán la furia de los fans. Bueno, y un spin-off televisivo de ‘Los Vengadores’ que estoy dispuesto a odiar con intensidad ni que sea porque la desarrolla Joss Whedon. Qué ilusión todo.)

La inocencia de Carrie y los suyos

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 10 May 2013 19:14:00 +0000

Sexo en Nueva York y The Carrie Diaries son dos series dentro del mismo universo, el creado por Candace Bushnell, pero poco han tenido que ver. La primera era transgresora, una comedia conceptual y sorprendentemente explícita, y la otra un drama ligero de adolescentes que recordaba a una serie tan noventera como Sensación de Vivir. Cuando el género teen todavía no se había pasado de rosca y los jóvenes parecían inocentes corderitos abriendo los ojos a un nuevo mundo.

Como el anzuelo para ver la precuela de Carrie Bradshaw era la nostalgia (siempre una mala idea en televisión, por otra parte), costaba creer que el punto de vista de la ficción sería tan ingenuo. Pero la enfocaron como un culebrón ligero. Carrie podía ser muy dramática de mayor pero no era problemática, y decidieron poner su voz en off para contarnos su visión sobre cómo alcanzar los sueños, hacerse mayor e iniciarse en el sexo. Ahora, viéndola con retrospectiva, resulta evidente que jamás podría haber tenido éxito.

No es una cuestión de que las precuelas sean complicadas de vender (que lo son) o de que, en realidad, no es una serie para admiradores de Carrie, sus amigas y Manolo Blahnik (que no lo es). Su problema es que tanta ingenuidad no tiene cabida en la televisión contemporánea. No se puede hacer una serie tan poco enrevesada, tan blanca, tan inocente y con tan poco presupuesto, y salir indemne.

Esto sólo sería posible si, por lo menos, The Carrie Diaries buscase ser un happy place, un lugar feliz donde acomodarse sus espectadores y no hubiera querido atraer al público que echa de menos a la columnista. Pero no, tenía esquema de drama y no suscitó suficiente interés entre el público. De aquí que nadie creyese que pudiera renovar hasta que la CW demostró lo contrario (lo que hace la crisis de las networks).

Tanta ingenuidad, sin embargo, tiene su gracia. Hace que sea una serie tan simpática como intrascendente, a pesar de todos los pesares que podía tener. Como que, por ejemplo, los personajes vistan como modernos de hoy en día (y no como los chicos de los ochenta que son); que tengan un reparto muy limitado y dos personajes absolutamente irritantes, la hermana rebelde y la amiga asiática; y que el timing dramático nunca tenga ningún sentido.

Jamás he visto una serie que dominase tan poco el ritmo, alargando innecesariamente casi todos los planos mientras vemos las reacciones de los personajes, metiendo la música con calzador y con semejante fotografía de daytime. Otra cosa no, pero The Carrie Diaries seguro que es baratísima. Y una baratija. Pero vista desde la perspectiva de un adulto, es tan amable y ligera y de segunda que hasta resulta entrañable. Tan entrañable como intrascendente.

Por esto, cuando he leído que tendrá una segunda temporada, me he alegrado. De haber sido al revés, tampoco se me hubieran humedecido los ojos. Por otra temporada de inocencia tiene su qué y todavía no quiero perder de vista a Donna LaDonna. Si el año que viene optan por cancelarla, a ver si le dan un spin-off. ¿Os imagináis viéndola enfrentarse a Sadie de Awkward? Oh, sí, por favor.

Benioff y Weiss suben el listón

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 08 May 2013 08:28:00 +0000

David Benioff y D. B. Weiss avisaron ya al principio de escribir Juego de Tronos que la mejor temporada sería la tercera. Como tenían la saga literaria de George R. R. Martin a su disposición, por lo menos los cuatro primeros volúmenes (el quinto fue publicado algo después y quedan dos pendientes), podían calcular qué les reportaría más drama y más acción. Y sí, la actual temporada seguramente será la mejor de las vistas. Pero no está bien atribuir todo el mérito, como ellos hicieron indirectamente, a la obra original.

Juego de Tronos está en su punto álgido porque sus responsables parecen haberle cogido el tranquillo a tejer tantas y tantas tramas en diez episodios. A situar al espectador con sus diálogos sin que nos sintamos en una clase de historia, y darle un valor intrínseco a cada escena, ya sea por picante, teatral, dramático, porque la trama avanza o por épica. Bueno, por lo menos a la mayoría. Y esto, por lo menos en los arranques de temporada anteriores, era lo que faltaba.

También se agradece que tengan una visión más completa de la obra. Finalmente están contando la historia con vistas al futuro, tomándose el formato de la temporada televisiva como una herramienta para contar una entrega de la obra completa y no simplemente adaptando el libro. La literatura y la televisión no son iguales y está bien que siembren y desarrollen tramas desde un principio con tal de entenderlas mejor cuando ocurran en uno o dos (o cuatro) años. Debe ayudar que Martin esté tan involucrado en el proyecto y pueda chivarles por dónde irán los tiros en un futuro.

De esto se habrán dado cuenta los lectores de los libros. Los dos primeros volúmenes, Juego de Tronos y Choque de Reyes, fueron adaptados casi escena a escena, quitándole unas cuantas, modificando pequeños detalles (como las inclinaciones sexuales de Sir Loras) y acelerando el arco de Theon Greyjoy. Pero Tormenta de Espadas no está teniendo una adaptación tan literal, aludiendo todavía más en la trama del Dios de la Luz, dándole una dirección, acercándose al concepto de Canción de Hielo y Fuego, el título original de la saga.

Es como si la serie por fin hubiese madurado. Aún tiene aspectos que mejorar: cada escena con Robbie Stark es un agujero negro donde se pierde todo el interés, vemos a Arya una y otra vez estancada, y no saben darle a Jon Snow la honorabilidad y la calidad de héroe de los libros (aunque su última escena en el muro era alucinante y muy Máximo Riesgo). Pero todas sus escenas, de una forma u otra, transmiten su razón de ser.

Se está confirmado, por lo tanto, que esta temporada puede que sea la más entretenida y también mejor. De momento, han dado grandes momentos como la lucha fraternal de egos entre Tyrion y Cerséi, las siempre inquietantes apariciones de Joffrey y los Tyrell (así en general), esa impactante escena de Daenerys, que pasará para siempre a los anales de la historia de la televisión y del género fantástico (y que estuvo muy bien pensada, única escena del personaje en el episodio y justamente la última) o la tortura psicológica a la que es sometida (la pobre) Sansa.

Y el último episodio, el aparentemente menos ágil desde el primero de la temporada, no perdió su capacidad de hipnotizar. No sólo porque dominan el arte de dar algo interesante a todas las escenas, sino porque dio la impresión de colocar las fichas de cara a la traca final. Y, viendo como están todas, no puede ser una idea más prometedora.

Ricky Schwartz está muerto

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 06 May 2013 11:13:00 +0000

Puede que Awkward esté en su tercera temporada, pero todavía me sorprende cuando veo el logo de MTV y las pesadas cortinillas musicales cada vez que suena una canción. Es una comedia consolidada, una comedia que no tiene nada que demostrar. Una comedia que la crítica decidió que era buena y que, contra corriente, tiene unos actores tan solventes como sus guionistas. Y, aun así, siempre seguirá siendo una revelación. Cuesta creer que algo tan digno, algo que estaría presente en los Emmy de no ser teen, pertenezca al mismo canal que ha renovado el reality de Snooky y J’Woow.

Hubo algunas dudas, sin embargo, cuando MTV encargó una tercera temporada de veinte episodio. “Demasiados”, dijeron algunos con algo de razón (mientras yo hacía algún tipo de bailoteo para celebrarlo). Porque, si bien es una comedia por lo general muy divertida, puede que su único error fuera sostener la segunda temporada con el triángulo amoroso formado por Jenna Hamilton, Matty y Jake. Y, como esa cuestión ya debería haberse resuelto en el primer año, podía sospecharse que también sería la excusa y el esqueleto de la presente temporada, estrenada hace un mes.

Por suerte, en los cuatro episodios emitidos, se ha podido comprobar que Lauren Iungerich ha optado por explorar otras vías. Jenna está afianzada en una relación (o todo lo sólida que puede ser una pareja de adolescentes), Tamara también y no hay dudas con respecto a la idoneidad de todos ellos, por lo menos de momento. Por supuesto en ocasiones les persiguen el pasado común de todos ellos, pero contribuye a que las amistades e interacciones sean realistas. No se trata de jugar al “will they, won’t they”, sólo que no puede pasarse por alto el historial de Jenna con los hombres de su vida.

Esta coherencia argumental, este lógico seguimiento de la vida sentimental de la protagonista, permite que Awkward sea mejor de lo que necesita, aunque los elementos más divertidos no vienen de su relación. Me refiero, claro, a la muerte de Ricky Schwartz. Que le hagan un altar a la persona que tuviera semejante idea. Absurda porque Ricky tuvo poquísimas escenas y ni tan siquiera se le podía considerar un secundario, pero inteligente porque su nombre debe ser el que más ha sonado en la serie y daba para situaciones muy graciosas.

Los rumores acerca del embarazo de Sadie o esa fiesta en el bosque con confesiones incluidas son la prueba de cómo esta comedia todavía merece ser relevante. O que hayan ido mejorando poco a poco dándole chistes recurrentes muy acertados a Ming (la mafia china es muy roba-escenas), dejando que Jillian Rose Reed luzca su vis cómica y habiendo establecido a Valerie y la madre de Jenna como secundarios divertidos y nada innecesarios. En la primera temporada, me sobraban. En la segunda, me sorprendieron. Y ahora están completamente asentados. Como Awkward en si misma, a la que se ve cómoda, fresca y con futuro.

Jenna Lives.

P.D.Podcast: En ‘Yo Disparé a J.R.’ se nota que se acerca el final de la temporada y hablamos de los desenlaces de The Americans, The Following y de nuestra reina niña bonita, The Good Wife. Y, hablando de reinas, también comentamos el rumbo de ‘Juego de Tronos’ y además analizamos el estreno de Rectify, la nueva serie del canal Sundance. Aquí tenéis la guía:

- 0’: Introducción y Rectify, una grata sorpresa.

- 13’: The Following, la serie que redefine el ‘hate-watching’.

- 25’: The Good Wife y las decisiones de Alicia Florrick.

- 48’: The Americans, ¿serie revelación o fallida?

- 65’: Juego de Tronos, ¿cómo avanza la cosa?

Vicious y Miranda, dos caras de la misma moneda

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Sun, 05 May 2013 08:00:00 +0000

El señor Ian McKellen no tiene nada que demostrar. Caballero de la Reina de Inglaterra por su contribución al mundo de las artes, nominada al Oscar dos veces, cinco al Emmy y ganador de un Tony. Una carrera de éxito, vamos. Y Sir Derek Jacobi, otro tanto. Supongo que por esta razón cuando les propusieron rodar en su país una sitcom facilona, acostumbrados como estaban ellos al escenario, dijeron que sí. ¿Qué podía salir mal?

Todo.

Es el riesgo de la sitcom clásica, la de decorado único y risas enlatadas. La línea que separa el tener gracia y el hacer el ridículo (en el mal sentido) es finísima y en este caso ambos la cruzan. Se esfuerzan tanto para ser gracioso que ambos resultan forzados. Sólo hace falta ver a Jacobi, el padrastro del Hamlet de Kenneth Branagh (y Yo, Claudio), gritando con un registro agudo. O ver a McKellen de viejo verde y amargado, tocando a un jovencito (Iwan Rheon). Porque eso es lo que son, dos maricas viejas con chistes fáciles. Chistes antes vistos y hace mucho, mucho tiempo.

La que también parece de otra época y, en cambio, es la mar de divertida es Miranda. Me enamoré de ella en otoño y por cosas de la vida no escribí sobre la serie cuando me reportó múltiples carcajadas por esas fechas. Y también se la ve viejuna, con un plató funcional, risas de fondo, las caídas de la protagonista y los comentarios y miradas a cámara. Y, si bien podría ser insultantemente mala, funciona. Casi por arte de magia. O, bueno, porque Miranda Hart tiene talento.

Tanto talento, de hecho, que la premian tanto por su papel de soltera algo loca como por interpretar a una comadrona en Call the Midwife. En ambas está espléndida. Se le da tan bien tirarse al suelo como emocionar con su crecimiento emocional en los años cincuenta. Y escribir guiones de su comedia, donde todo es una sucesión de situaciones absurdas, chistes recurrentes y secundarios solventes.

Ojalá Frances de la Tour, conocida por ser la novia de Hagrid en Harry Potter, se pasara por allí e ignorara a esos homosexuales de la tercera edad. Porque también tiene gracia y hasta se rebaja a hacer chistes casposos sobre Zac Efron. Y Iwan Rheon, descubierto en Misfits, que se aleje, que le den un papel más extenso en Juego de Tronos y pueda centrarse en Poniente.

Y a los pobres Jacobi y McKellen, que no ganarán premios por Vicious, que les acoja Miranda. Ella seguro que les haría divertidos y, en el fondo, está claro que les convencieron diciéndoles que se parecerían a esta mujer incómodamente alta. Y no.

Jackie está feliz

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 03 May 2013 07:20:00 +0000

Esta última temporada ha habido unas cuantas marchas interesantes entre bambalinas. A Theresa Rebeck la echaron de Smash porque el canal y la productora de Spielberg creían que no llevaba bien el control creativo de la serie. A Dan Harmon le despidieron de Community, dicen, porque era caótico y un lunático. Pero la más anecdótica fue la de Linda Wallem y Liz Brixius, que habían creado juntas en Nurse Jackie y fueron sustituidas porque su animadversión afectaba el rodaje. Las dos, que habían sido pareja durante años, habían dejado de llevarse bien, casualmente desde que Wallem salía con la cantante de rock Melissa Etheridge.

El trabajo fue a parar a manos de Clyde Phillips, que ya había trabajado para Showtime en Dexter y el canal aprovechó la ocasión para sugerir algunos cambios. Desde su estreno, Nurse Jackie ha ido decreciendo en audiencia a la vez que ellos lograban ficciones de mucho más éxito entre el público como Shameless y Homeland. Wallem y Brixius ya habían ejecutado un retoque fundamental en el cuarto año, después de las malas críticas del tercero, y habían mandado a Jackie a rehabilitación.

Phillips, en cambio, se ha propuesto convertir la serie en una comedia. Algo que puede sonar redundante para aquellos que desconocen la obra, pues bien que compite en esta categoría en los premios Emmy y los Globos de Oro. Y, ahora que ya llevan emitidos cuatro episodios, ya toca hacer una valoración del experimento.

Nurse Jackie, aunque Phillips diga lo contrario, no está especialmente cómica. Es tan fácil como que no tiene gags, ni escenas conceptualmente hilarantes (como sí tienen Girls y Louie, comedias más intelectuales). Pero sí se nota que ha cambiado. Su protagonista está más sonriente, ve la vida desde un prisma más positivo y el tono es generalmente más desenfadado. No ha renunciado a los elementos dramáticos (algunas escenas con el ex marido o su hija mayor son especialmente tensas, y lo de Akalitus es bastante crudo) pero sí ha rebajado el tratamiento.

Este cambio, que conste, se agradece. Ya en la temporada anterior habíamos visto una Jackie algo distinta y el arco del personaje parecía pedir esta progresión. También tengo la impresión que Phillips para mucha más atención a los casos médicos de cada episodio. De momento, tanto el del deportista profesional, como la jovencita con dolores agudos y la mujer drogada tuvieron bastantes minutos y se aprovecharon como herramienta de entretenimiento, para dar cohesión al episodio y explorar aristas de los personajes. Hasta entonces, casi habían sido un estorbo salvo contadas ocasiones.

Esto no quita que no sea oro todo lo que reluce y es bastante doloroso que O’Hara se mudase a su país y hayan contratado a una doctora rubia y estúpida cuyo nombre no quiero aprenderme. Entiendo que una no es el recambio de la otra, pero hemos perdido uno de los personajes fundamentales del universo de Jackie y hemos ganado dos secundarios anodinos. Y es que tampoco sé de quién debió ser la idea de cambiar a Bobby Cannavale por Morris Chestnut. Por favor.

Volver a empezar

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 02 May 2013 08:05:00 +0000

Si te avisan que una serie es muy lenta y que deja a los de Mad Men en pañales, ya puedes ir preparándote. Por lo menos esto pensaba yo, que sólo tolero la lentitud si está completamente justificada y no me doy cuenta porque me tiene pensando o hipnotizado durante esos minutos de contemplación. Así que cogí el último estreno de Sundance Channel con pinzas, después de que Top of the Lake de Jane Campion me decepcionase. Y Rectify, que así se llama, me sorprendió. Para bien.

El argumento gira en torno a Daniel Holden, un hombre sentenciado a pena de muerte por haber violado y matado a una chica y que es liberado veinte años después por un tecnicismo. Su familia directa cree que él es inocente, pero no todo el pueblo opina lo mismo y la policía espera la menor oportunidad para volver a arrestarlo. Y él, de mientras, observa como todo a su alrededor ha cambiado, incluyendo un padrastro y hermanastros, incapaz de relacionarse como un ser normal ante la novedad de encontrarse libre.

Esta situación de Daniel, de momento, ancla la serie. En lugar de entrar demasiado en la autoría del asesinato, que está en el aire y se deja intuir que hay gato encerrado, Rectify prefiere contar la historia de un hombre perdido. Un hombre al que arrancaron de cuajo su conexión con el mundo y que tuvo que cambiar de mentalidad entre rejas para superar el día a día, un poquito como hizo Charlie Crews en Life. Y que ahora está aislado y debe aprender a comunicarse otra vez con su gente.

Este retrato, completamente verosímil, se une al de su familia, igual de humana. Ellos combinan una mezcla de ilusión y cautela, al verle tan irreconocible y sentirse incapaces de sacarle conversación. Al fin y al cabo, ¿qué le preguntas a un hombre cuya rutina hasta entonces incluía diálogos con pederastas, psicópatas y violaciones en la ducha? Y las emociones de todos ellos se van cruzando: la madre se preocupa al verle tan desarraigado; Abigail, su hermana, quiere protegerle y ya prepara una nueva defensa para el caso; Ted, el hijo de su padrastro, desconfía de él y cree en su culpabilidad; y Jared, su hermanastro que nació mientras estaba en prisión, se muere de ganas de conocer a su recién estrenado hermano.

Este pequeño universo que bien siembran en el piloto, por lo tanto, es un drama familiar y es lo suficientemente cálido y atractivo para que cada silencio te arrope, y cada instante de Daniel empanado aporte algo más de confusión y comprensión del momento en el que se encuentra. Durante esos cuarenta-y-cinco minutos se entra en la cabeza de Daniel Holden y a la vez se siembran algunas dudas de su caso, pues las circunstancias en las que le encontraron fueron muy inusuales y en cierto punto asumió su autoría.

De momento, Sundance ya ha encargado una segunda temporada, con lo cual debe estar contenta con el resultado. La crítica americana habla de ella y encima tiene un reparto tan solvente como desconocido, lo cual debe abaratarles los costes. Y, como curiosidad, su creador es Ray McKinnon, el ganador del Oscar por el cortometraje The Accountant y cuyo rostro les sonará a los amantes de la televisión, pues fue el reverendo Smith en Deadwood y participó en la cuarta temporada de Sons of Anarchy.

Alicia hace camino al andar

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 01 May 2013 09:55:00 +0000

Una de las constantes de mi vida es predicar periódicamente sobre la grandeza de The Good Wife. No miento cuando digo que es la mejor serie en antena por encima de otras con más renombre (in my opinion, que me obligaría a decir la jueza Lessner). Su capacidad para combinar la calidad (de guión, interpretativa, creativa) y el entretenimiento es única, y pocas series saben jugar tan bien con los pilares de la ficción televisiva. En lo que no siguen la lógica televisiva, sin embargo, es en los caminos que toman sus protagonistas.

Como podéis imaginar, ahora es el momento en el que debéis dejar de leer si todavía no habéis visto el final de la cuarta temporada.

En cualquier otra serie, por ejemplo, una tensión sexual y romántica bien construida se hubiera resuelto en una relación fructífera. Sería un punto y seguido para los amantes, que vivirían nuevos retos conjuntamente. Pero no en The Good Wife. Allí Alicia sopesó sus posibilidades e incluyó su sentido de la familia, la influencia de su marido y su pasado juntos. Y dejó a Will porque no quería escuchar que un hombre que no era su marido la quería. No entraba dentro de sus planes y no podía renunciar a tener a su familia unida y feliz cuando Peter parecía esforzarse en ser un hombre mejor. El deseo individual contra uno más grande que ella.

A grandes rasgos, en cambio, la historia debería haber sido otra. Peter era un putero y Will estaba enamorado de ella. ¿Dónde estaba el dilema? Pero Robert y Michelle King entienden la vida como algo más complejo y se esforzaron en mostrar las aristas de todos ellos. Peter podía ser un infiel y un putero pero también un buen padre, un buen amante en la cama y un hombre inteligente y de ambición muy atractiva (y con una química muy distinta a la de Will pero igual de creíble). Y Will puede que esté enamorado de Alicia pero no viene con garantía. Él es un niño grande que valora el trabajo por encima de todo, que cambia de novia cada tres semanas y sin ningún principio moral.

Peter pudo realizar acciones algo corruptas pero estaban relacionadas con aplicar el bien en Chicago; los trapos sucios de Will tenían que ver con el juego y el desfalco. Y Alicia es perra vieja. Ella sabía que esperar comer perdices con su compañero de trabajo era tan ingenuo como fiarse a ciegas de Peter. De aquí que se reuniera con Cary. No con Will. Eligió a Peter. Gracias Robert, gracias Michelle.

Alicia, por lo tanto, fundará su propio bufete. Florrick, Agos y asociados. Se decidió por Peter ahora que está menos claro que haya cambiado y se obligó a alejarse de Will por dos razones: para evitar la tentación y porque desprecia ciertos movimientos empresariales de su empresa. Luchó para ser socia y, ahora que lo ha logrado, quiere ser la nueva Dianne, que diría Cary. Ella cree en ser implacable en un juicio, en hacer lo que sea (moralmente reprobable pero) legal para vencer. Pero no opina que haya de ser de la misma forma en su vida privada y con sus compañeros, y odia la gente que es despreciable sólo porque puede permitirse serlo como David Lee. Ella es mejor, ella es justa. Entró en el juego, aceptó el ascenso, pero no olvidó. Ahora se la va a devolver. Y, por más que la idea rondara por nuestra cabeza, por más que plantaran la semilla, era impensable que pudieran ejecutarla. Gracias Robert, gracias Michelle.

La historia televisiva nos avisaba de que Cary podía irse después del desprecio de sus superiores. Él había sido el enemigo personal de Alicia en su primer año, un rival en los juzgados después y era más lógico que fundara su propio bufete para combatir contra Will, Dianne y Alicia. Había habido indicios de amistad con la protagonista pero era más fácil meterle otra vez en el lado opuesto del espectro. ¿Cómo se iban a meter en semejante berenjenal, ubicando a Alicia en otra empresa y debiendo mantener a su antiguo bufete? Pero Alicia eligió a Peter, y eligió a Cary. Todo aquello que yo había soñado y que no creía posible.

Y ahora todo está en el aire y todo es posible. Absolutamente todo. La integridad de Peter, ahora que ha ganado unas elecciones amañadas por sus aliados. Kalinda, que está tan acostumbrada a ir por libre que al final puede que acabe sola. Will, forrado, soltero y cuesta abajo. Alicia y Cary, los improbables amigos. Alicia y las nuevas bases de su viejo matrimonio. Y Alicia y sus futuras decisiones, ahora que será jefa y deberá responsabilizarse de todas sus acciones.

¿Podrá ser la señora justa que cree ser? No lo sé y esta incertidumbre se agradece.

La volumen de Jane Campion

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 30 Apr 2013 06:37:00 +0000

El caso de Tui Mitchum ya está cerrado o por lo menos Jane Campion ya ha contado lo que quería contar. Efectivamente, Top of the Lake ha tenido la huella de su responsable en cada episodio. Ha sido la miniserie de autor que Sundance Channel prometió y, como tal, ha tenido un discurso y un estilo propios. Por lo tanto, y aunque suene injusto, juzgar Top of the Lake es algo más sensible porque Campion estableció sus propias reglas y no se subyugó a las de la televisión comercial.

Para empezar, Top of the Lake tuvo una división por episodios bastante confusa. Se pensó como un relato de seis episodios y finalmente tuvo siete por argucias del montaje. ¿Le juega en contra? ¿Tiene ella culpa? Sí y no pero sí. Si haces televisión, debes estructurar mínimamente el relato, de la misma forma que los novelistas escriben por capítulos para facilitar la lectura (y las pausas). Y, aunque no se la pueda responsabilizar a ella y a Gerard Lee (el co-creador y hombre en la sombra por cuestiones de nombre), la serie tampoco da la impresión en ningún momento de que tuviera unas pausas muy claras, ni los finales de episodio, ni para la publicidad.

Por esto los hay quienes defienden que en el fondo era una película muy larga, que así se la plantearon. Pero hay unos mínimos que creo que hay que cumplir. No es cuestión de ser purista, pero no hay que confundir no hacer los deberes con el arte y ensayo. Claro que pasemos esto ya por alto y pasemos a su contenido.

Si bien me acerqué a Top of the Lake con curiosidad, interés y buena predisposición, no la terminé de tan buena fe. Fingieron escribir un relato tradicional sobre un crimen y demostraron a mitad del recorrido que sus pretensiones eran bien distintas. Campion quería explorar, exponer y opinar sobre varias cuestiones. Y aquí llega lo peliagudo porque, al no basar la experiencia en criterios como el entretenimiento, las actuaciones y la coherencia de personajes, las opiniones todavía pueden ser más subjetivas. Se trata de si el discurso convence o no.

En mi caso se trata de una negativa. Las temáticas o puntos de disertación son bastante indiscutibles. Top of the Lake habla de la identidad de género, del hombre y la naturaleza (ya sea por la pérdida de vínculo o por la animalización de ciertos instintos básicos), la corrupción del bien (que ese rincón cerca del lago se llame Paradise no es muy sutil) y la identidad individual asociada (o todo lo contrario) con el linaje. Y no llegan a ninguna parte.

Hay un mural humano, se ven los hilos del discurso y una atmósfera bien definida, pero la historia no transmite su inquietud con suficiente claridad. Parece ser un esbozo de algo con potencial que su autora dejó a medias. Un proyecto conceptualmente inacabado al que no le vendría mal aplicarse los consejos de G.J., el personaje interpretado por Holly Hunter. En un determinado momento, ella verbaliza lo absurdo del viaje emocional de sus compañeras, como si parlotearan sin cesar pero en realidad no tomaran ninguna iniciativa ni fueran capaces de avanzar.

Esta misma impresión se me quedó ante Campion. He escuchado su voz pero no suficientemente fuerte y claro. Creo que entendí la propuesta pero no sentí que me estimulara con ella. Una lástima porque Elizabeth Moss lo da todo en su papel y Nueva Zelanda, tan bonita ella, luce como siempre.

Revenge, la abandonada

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 26 Apr 2013 06:00:00 +0000

Perdón. Me paso toda la temporada pasada explicando las mil gracias de Revenge y, cuando las cosas se ponen feas, paso de ella como Victoria Grayson pasaría de alguien que vistiera de Inditex. Pero no hubo manera. Encadené varios episodios aburridos y he sido incapaz de retomarla desde que volvió del parón de Navidad. Y, por lo que parece, Mike Kelley no me lo tendrá en cuenta. Él, creador y todopoderoso, también la ha abandonado.

La noticia se publicó el martes. Por razones creativas, prefiere abandonar el barco en caso de que renueven la serie por una tercera temporada (algo que todavía está en el aire y que su bajón de audiencia hace peligrar). La razón principal, dicen, es la falta de entendimiento con la cadena. Él quería que Revenge tuviese temporadas más cortas de trece episodios y ABC las quiso de más de veinte.

Esto suena, todo hay que decirlo, a excusa barata. Él sabía a quien vendía la serie y efectivamente le encargaron que cubriera un hueco de la programación de septiembre a mayo, algo que al final no supo hacer. Planeó muy bien el primer tramo (lo que él tenía pensado como la primera temporada), que era la resolución de ese asesinato que presentaba el piloto, y después la serie fue hundiéndose progresivamente.

Mantenía la acidez en las conversaciones y las maquinaciones de Amanda y Victoria, pero no parecía tener un rumbo fijo, algo que se evidenció en la segunda temporada. Con la conspiración tan abierta y la obsesión de Kelley por hacer funcionar los hermanos Porter, un relleno insufrible, perdieron el interés. Más que nada, que a Revenge se le puede perdonar muchas cosas pero no que sea aburrida. O que aparezca la madre loca de la protagonista y le den tan poco jugo. Así que el autor ha preferido lavarse las manos y dar a entender que la culpa es del avaricioso canal, que le pidieron algo imposible.

Esta opinión, sin embargo, no deja de tener parte de razón y los canales parecen estar dándose cuenta. Hay series que se prestan a emitirse semana tras semana durante un largo periodo de tiempo, como los procedimentales e incluso las sitcoms. Pero los dramas con componentes serializados suelen beneficiarse de temporadas más cortas y más cohesionadas. Así los arcos pueden ser más solidos (y sino que se lo digan a Anatomía de Grey y Mujeres Desesperadas, cuyas temporadas muchas veces tiene un arco potente y muchos episodios de relleno para alargarlo), a menos que seas The Good Wife y manejes el temporal como una señora con clase y talento.

De esto hablaremos otro día, sobre todo cuando sepamos si Hannibal tendrá una segunda temporada acortada, como pide Bryan Fuller. Así se uniría a The Following en cuanto a proyectos de canales generalistas americanos que por fin contemplan entregas de menos episodios. Aunque en este último caso, ni aún así vale un duro.

El futuro de Defiance

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 22 Apr 2013 12:05:00 +0000

La expectación alrededor de Defiance era inevitable. Puede que incluso fuese el estreno más esperado del midseason, sin entrar en qué serie lo merecía más. ¿La razón fundamental? Que era una serie que planteaba un universo físico propio con su mitología, sus razas alienígenas y su historia intergaláctica. Ciencia ficción pura, vamos. De esa para la que hay que pagar un peaje si quieres entrar en un mundo nuevo.

Desde las despedidas de Stargate y Battlestar Galactica, no teníamos una obra de estas características en televisión. El canal SyFy, supuesto máximo defensor del género, había abandonado las space operas y series parecidas en favor de otras más ligeras (Being Human) y de casos (Warehouse 13). También se comprendía. Los dos últimos encargos ambiciosos, Caprica y Stargate: Universe, habían fracasado con contundencia, no se sentían capaces de enfrentarse a la alargada sombra de los cylon y daba la impresión que la vertiente más light, la de Eureka, funcionaba mejor.

Entre esto y que los responsables de Defiance habían trabajado una experiencia algo novedosa, un videojuego del mismo nombre que ayudaría a complementar el universo, la ficción venía siendo anunciada con luces de neón. Todavía aún más brillantes cuando la crítica defendió que apuntaba maneras y un universo sólido.

Defiance, para aquellos que aún no hayan topado con una reseña suya, es el nombre de una ciudad de una Tierra futura que ya tiene poco que ver con la actual. El ecosistema se ha visto alterado por la introducción de nuevas especies extraterrestres y los humanos se han visto obligados a convivir con seres de otras galaxias sin éxito. La faz de la tierra es un lugar hostil donde la supervivencia forma parte de la rutina diaria y por esto, cuando un aventurero llamado Joshua Nolan se encuentra con una localidad relativamente civilizada, decide quedarse en ella junto a su hija adoptiva alienígena.

Esta, que conste, es la versión muy resumida. Si algún empollón prefiere saberlo todo tan sólo empezar, puede entrar en la página de wikipedia donde hay una enciclopedia de razas y de los hechos históricos que llevaron al planeta Tierra a estar habitado por ellas. Esta guía, en el fondo, sirve para legitimar la propuesta. Asegura que Rockne S. O’Bannon, Kevin Murphy y Michael Taylor se han tomado unas molestias en la construcción de un universo propio.

La pregunta, sin embargo, es si las historias que sucedan en él estarán a la altura. De momento, da la impresión que adaptará la filosofía del western al género. Pero en los ochenta largos minutos del piloto, la primera aventura de Nolan fue poco estimulante y con una ejecución muy plana y previsible. Hay otras razas, sí, pero se antojan poco interesantes y parece mentira que no se tomaran la molestia de presentar unos personajes algo más atractivos, con algo más de complejidad.

A ratos, la compañera del protagonista parecía una versión deformada de la Michonne de The Walking Dead (mucho morrito, poca sustancia) y Julie Benz no puede tener menos pinta de alcaldesa (a menos que estemos hablando de una película para televisión de Disney Channel). Pero lo que sí se merece una mención especial para bien es la banda sonora de Bear McCreary, grandilocuente y con un toque industrial muy oportuno.

P.D.Podcast: Ciencia ficción, comedia, dramedia, terror y suspense. ¡Hay de todo en la viña de Yo Disparé a J.R., el podcast de un servidor! Aquí tenéis la guía del programa:

- 0’: Introducción y Defiance, un nuevo universo.

- 16’: Nurse Jackie, ¿se nota el cambio de showrunner?

- 26’: Awkward y el fin del triángulo amoroso (o eso parece).

- 38’: Bates Motel, dos series en una.

- 50’: El final de Top of the Lake de Jane Campion. Con spoilers, por supuesto.

Clear vaginas, full hearts, can't lose!

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 18 Apr 2013 07:40:00 +0000

Sólo hizo falta decir “no pienso continuar con 2 Broke Girls” para que, a continuación, viera el mejor episodio de la temporada. Fue soez y grosero, sí, pero también muy divertido. Justo cuando creía que Caroline y Max ya no me sacarían ni una mísera sonrisa, va y la clavan. Con referencia a Friday Night Lights incluida.

Mi problema con las dos camareras de Brooklyn es que siempre gastan las mismas bromas. Literalmente. Cada episodio gira en torno a los mismos asuntos y todas las escenas se rematan con una combinación de las siguientes palabras:

vagina
pene
esperma
polvo

Por repetición, las chicas acabaron por agotarme. Una temporada entera, ahora ya dos y siempre los mismos chistes. Incluso siguen riéndose de la estatura del jefe del bar, Han, como si tuviera gracia dos años después. Y es demasiado. No era arte y ensayo, de acuerdo, pero ofrecía una buena ración de diversión y mal gusto durante veinte minutos. Hasta que quedé hasta el gorro.

Lo más ofensivo, sin embargo, es ver como la química de Kat Dennings y Beth Behrs se desaprovecha en una serie con tan pocas pretensiones o, mejor dicho, con una comedia que se queda en el esquema caca-culo-pedo-pis. Da igual que la morena de armas tomar se ría prácticamente en todas las escenas. Ella funciona lanzando sus puñaladas verbales y Behrs tiene talento hasta para sacar adelante un herpes vaginal.

El episodio al que me refiero al principio (2x21) no es que cambiara el rumbo. No se centra en los sueños de ambas y las saca del bar para convertirse en señoritas decentes. Al contrario. Todavía llegó más bajo, cuando Caroline creyó que había contraído alguna enfermedad de transmisión sexual. Veinte minutos de decadencia y de alusiones a una vagina cayéndose a trozos.

Su exceso y su descaro haciendo lo mismo que siempre pero en cantidades todavía más agresivas tuvo su recompensa. Fue divertido y jamás esperé escuchar una alusión al lema del entrenador Taylor tan basta: “Clear vaginas, full hearts, can’t lose!”. También me quedé ojiplático cuando hicieron un gag alrededor de sábanas para que así pudieran decir colar un “shit!” en directo en abierto en la tele americana, lo cual está prohibido, pudiendo argumentar que se referían a la sábana (‘sheet’). Ni tampoco esperaba presenciar uno de los momentos más bizarros de la televisión americana, cuando una de las protagonistas entra en su propia casa y anuncia triunfal que no tiene ninguna enfermedad de transmisión sexual, como si fuera un milagro, y que los miembros del público aplaudan como locos. Porque todos nos imaginamos a Max con herpes, ladillas y probablemente sífilis.

Efectivamente 2 Broke Girls es lo peor, pero se le da muy bien serlo.

El futuro de Norman

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 17 Apr 2013 07:02:00 +0000

No hay nada más frustrante que ver una serie de televisión que se sabe que acabará mal y esperar que su protagonista sea más feliz que una perdiz. Porque, quien viera Psicosis (y aquellos que no también), sabemos que Norman es esquizofrénico y disfrutará asesinando a chicas jóvenes. Pero en Bates Motel se le ve inocente y turbio, dulce y peligroso, y es difícil no animarle a ir por el buen camino. Un camino que no cogerá, por cierto. Él preferirá la sangre y las pelucas.

El piloto de Bates Motel, ya lo sabéis, me causó una buena impresión. Asentaba firmemente la relación entre el chico y su madre, no necesariamente la instigadora de su futuro pero sí la mujer que no contribuyó a mantener su cordura. Vera Farmiga, sí, esa actriz que en cuatro episodios ha creado una madre para los anales de la TV, por más que su vehículo no acabe allí. Y Norman y Norma, de una forma un tanto curiosa, viven en su propio mundo. Cuando ellos dos están dentro de plano, Bates Motel es una cosa. Cuando van por separado (o se centran en un secundario), es otra.

Ya en la presentación se insinuaba que White Pine Bay no sería lo que parecía. El propio ayudante del sherif reconocía que no encajaban los sueldos de sus residentes con su modelo de vida y que allí había gato encerrado. O, mejor dicho, china encerrada. Y este Twin Peaks encubierto (porque todo pueblo que esconde secretos es la serie de David Lynch a efectos prácticos para el analista) puede que no esté a la altura de la relación materno-filial.

Por un lado, las interacciones personales de Norman con el resto de habitantes tiene una dirección incierta. Tienen casi tratamiento de culebrón adolescente estándar y, sin embargo, no puede seguir así por mucho tiempo. Algo apretará el gatillo en el cerebro de Norman pero, al igual que los arcos paralelos (el ayudante del sherif, la investigación policial, el campo de marihuana), no hay una atmósfera especialmente enfermiza ni elaborada. Como si toda la psicosis estuviera encerrada en el hogar de los Bates en lugar de impregnar todos los planos de la ficción, lo cual posiblemente la haría más interesante. Que fuera una serie podrida por dentro y por fuera.

Que Norman es un psicópata ya lo sabemos. Y que no lo es adrede también. Por esto sería interesante explorar de forma más inmersiva la decadencia moral de los de su alrededor, lo que se está haciendo a medias. Sea como sea, de momento me la quedo. Siguen pensándome más sus aciertos y, en el fondo, quiero que Norman tenga una adolescencia normal. Pobre de él y pobre de mí.

P.D.Podcast: Hay semanas de las que estoy más orgulloso de mi podcast y, si soy sincero, este último Yo Disparé a J.R. está especialmente bien. La conversación fluye y aquí tenéis los temas:

- 0’: Presentación del programa.

- 3’: ¿Es ‘How to live with the rest of your life’ la nueva ‘Arrested Development’?

- 16’: Broadchurch, el último cadáver que obsesiona a los británicos.

- 32’: El regreso de ‘Mad Men’.

- 53’: Balance de temporada de ‘Cougar Town’.

- 65’: Recordando ‘O.C.’, el último gran culebrón adolescente.

- 85’: ‘Life is a Song’ de Patrick Park.

La boca-chancla y la que fingía parir hijos

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 15 Apr 2013 08:05:00 +0000

Brandi Glanville fue durante un tiempo una de las cuernudas oficiales de Hollywood. Su marido, el televisivo Eddie Cibrian, tenía la costumbre de meterse en la cama con cualquier camarera que quería ser actriz y ella se hizo conocida cuando todo salió a la luz, incluso que Cibrian tenía pensado dejarla por LeAnn Rhimes. Sí, la chica que cantaba las canciones de El Bar Coyote y que, tras una operación tras otra, ya es prácticamente de plástico.

Pero volvamos a Brandi. Como era relativamente popular (las despechadas siempre tienen tirón) y tenía los contactos adecuados, la metieron en ese acuario de pirañas llamado The Real Housewives of Beverly Hills. Primero metió un dedo en las aguas durante la segunda temporada y, al ver cómo unas cuantas se lanzaban a morderla, el canal Bravo la tiró para que se cebaran con ella. Y ella se comió de un bocado a las tías de Paris Hilton, a Adrianne Maloof (accionista de un casino en Las Vegas, propietaria de los Sacramento Kings), la ex de Kelsey Grammer y el programa entero.

En el fondo se podría argumentar que Brandi es lo peor. Bueno, no sé a quién pretendo engañar: lo es. Ella es de esas mujeres que no entienden que a veces es mejor morderse la lengua y que, cuando algo le molesta, suelta el primer taco que se le pasa por la cabeza. O suelta comentarios subidos de tono y, cuando la acusan de ser ligera de cascos (como si la mayoría de las demás no se hubieran casado por dinero, esas prostitutas de lujo), se regocija denominándose “guarra” a ella misma. Hasta aprovechará para comentar cómo el sexo es sano y que ella y Eddie habían invitado a alguien a su cama en tiempos más felices. Pero por lo menos es consciente de quién es.

Como la chica no tiene filtros, lo mejor es no tenerla de enemiga. Una lección que Adrienne Maloof, que se cree dueña de la costa oeste, aprendió a las malas. La señora que tiene una máscara de cera en lugar de cara quiso manejar a Brandi y ponerla en contra de Lisa Vanderpump, propietaria de varios restaurantes en Los Angeles, fan del color rosa y el mayor ejemplo de que el acento inglés da clase ni que sea por defecto. Pero ella se negó y automáticamente empezaron a publicarse una serie de artículos que querían asesinar el perfil público de Brandi. De mala madre para arriba. De aquí que Brandi, en una cena de mujeres (o, mejor dicho, una noche de borrachera como cualquier otra), dijera lo que dijo. O lo que suponemos que dijo porque nadie nos lo dejó escuchar y por suerte existen los tabloides de segunda.

Esto es televisión chusca y alucinante. Aquella que se atreve a girar en torno a una polémica que no conocemos. Porque Brandi dijo lo que dijo, Adrienne le mandó un ejército de abogados y, de paso, amenazó al canal con otra querella si emitía ese contenido. Así que Bravo se curó en salud, emitió la cena y silenció las palabras de Brandi. Eso sí, dejó la cara de estupefacción de todas las demás y las consecuencias. Porque no se habló de otra cosa en el resto de temporada. Así que todos debíamos elegir un bando (de qué sirve ver este programa si no vas con alguien) sin saber si había dicho una verdad como una casa o una mentira despiadada.

La idea, en realidad, es muy bizarra. Y funcionó. Y Maloof aprendió que si tienes esqueletos en el armario, mejor no vendas historias injuriosas en los medios. Por lo menos si contrataste un vientre de alquiler para tus hijos y haces creer al mundo que pasaste por un embarazo. No es inteligente. Camille Grammer también había utilizado la barriga de otra para gestar a sus retoños y nadie la juzga. Es Hollywood, por favor. Y, gracias a Brandi, tuvimos una temporada de Real Housewives muy auténtica.

Porque, por más que algunos argumenten que todo está guionizado, siempre se cuela alguna verdad durante la función. Vimos como Kelsey Grammer fingía que quería que Camille tuviera su momento de gloria y solamente quería tirarse a una stripper en Nueva York. Nos enteramos que Taylor Armstrong sufría abusos en casa y poco después su marido se suicidó. Y ahora la señorita Glanville nos iluminó y, según Faye Resnick (la que aprovechó la muerte de su mejor amiga para tener una portada en Playboy), destruyó un matrimonio. Desde entonces, que conste, Adrienne está con el hijo de Rod Stewart (veinte años menor que ella) y su marido tiene una relación con Miss Montana.

Lo que Dios unió, Brandi lo separó.

(El premio de housewife de la temporada, sin embargo, se lo disputa Yolanda Foster. Ella y sus limones, ella y sus verdades, ella y sus clase de clase. Puede que el fin de semana que viene me despierte con ganas de dedicarle un artículo a ella. La que graba el reality de día y cena con Barbra de noche. Reina.)

Los caminantes

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 12 Apr 2013 04:38:00 +0000

El mayor lastre de The Walking Dead, como dije el sábado pasado, son los personajes. A ratos tengo la impresión que o bien son insulsos, o bien son odiosos, y pocas veces funcionan tan bien como deberían.

Este, que conste, es un tema peliagudo. No existe una fórmula que garantice buenos resultados si se sigue al pie de la letra. Hay trucos y a veces son tan fáciles de detectar, pero también hay algo orgánico que surge o no surge. Por ejemplo, hay una fina línea que separa el personaje intrigante del no-personaje, el carismático del forzado, el complejo del de manual, y no todo el mundo es el matrimonio King, que hace las mil delicias (y les da mil matices) a los suyos en The Good Wife.

Lo que ocurre con Rick y compañía, sin embargo, es de juzgado de guardia. Puede que la serie sea bastante irregular, pero también elementos que podrían indicar que es una ficción de calidad. El tono, la atmósfera, la osadía... Pero si nos guiamos por el retrato de sus personajes, jamás podremos decir que es una buena serie.

Los que son odiosos

Entiendo que es una serie algo particular, que aboga por eliminar prácticamente cualquier atisbo de esperanza. Es opresiva, cruel y deprimente, pero esto no debería significar que haya tantos personajes irritantes o directamente odiosos. Andrea, por ejemplo, tuvo un viaje que debería haber sido muy estimulante. Tenía razones para creer en el Gobernador y entiendo su obsesión por ejercer de intermediaria entre él y Rick. Pero Glen Mazzara no supo contar el viaje y fue insufrible.

Algo parecido ya habían hecho con Lori, que a ratos parecía una perra hortelana. Y, si le sumamos ese engendro llamado Merle que ocupó demasiadas escenas, cualquier mano derecha del Gobernador o cualquier maleante de tres al cuarto (los prisioneros), había demasiados tipos irritantes pululando por allí.

Los que no son nadie

El personaje de Carol ya se coló en un ranking de los personajes más random de la televisión actual, pero hay más que podrían entrar: Dale, T-Dog, Beth, Maggie (que tenga vida sexual no la hace interesante) y cualquier mueble que se cruce por el camino como la compañera de Tyreese, los habitantes de Woodbury o un prisionero en particular (de cuyo nombre no me acuerdo y que probablemente estaba encarcelado por pederasta). Básicamente son cebos que colocan a los zombies por si necesitan algún momento impactante (o eso creen ellos porque sus perfiles son tan pobres que luego sus muertes no afectan).

Los que decepcionan

“¡En la tercera temporada aparecerá Micchone!”, “¡mejor personaje vivo!”, “¡lleva una katana!”. ¿Con qué nos encontramos? Pues con una tipeja que no abre la boca, que juzga en silencio y que hace muchos morritos. Es una chica precavida, sí, lo hemos pillado. Dadnos más, por favor.

Unos episodios después: “¡llega Tyreese!”. De los mejores personajes del cómic, dicen. Expectación. Y, si no fuera porque lo interpreta Chad L. Coleman, casi no sabríamos nada de él. Suerte que le vimos en The Wire y sabemos cómo es su cara de bonachón. En resumen, mucho ruido y pocas nueces.

Los buenos por defecto

Rick. Él es el protagonista. Tiene mucha responsabilidad, se le mueren los súbditos, le quieren robar la mujer, tiene hijos. Sufre mucho, de verdad. Suda todavía más. Por supuesto que es un personaje correcto, ni que sea por defecto. Pero cuando de repente empieza a ver apariciones fantasmagóricas, la pereza que me asaltó como espectador tampoco fue buena señal.

Y el Gobernador tiene carisma. Lidera un pueblo mientras se excita mirando cabezas de zombies en su acuario. Peina a su hija muerta. ¿Cómo iban a fallar? Perdón, que ahora me acuerdo de Micchone, los dos muertos desdentados y la espada. Sí, podían cagarla.

Los que salvan la cara

Una rara especie. Carl y su pérdida de inocencia, esa voz de la sabiduría llamada Hershel, el alivio (cada vez menos) cómico de Glenn (que nunca hubiera mojado con una chica como Maggie de no ser por el apocalipsis zombie) y hasta Daryl, cada vez mejor persona. Ellos son los pocos que valen la pena por sus evoluciones y que no resultan intolerables.

...y con los que siempre podemos contar

Al final del día, no obstante, por más que vayan de intensos y dramáticos, los zombies de llevan la palma. Son persistentes, coherentes y, si bien tienen el encefalograma plano, tienen clara su misión en la vida. Ellos quieren comer. Y cuanta más carne desgarren (o les desgarren) mejor.

Los asesinatos suceden en todas partes

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 11 Apr 2013 09:12:00 +0000

Hace cuatro semanas me citaron en Nueva Zelanda cuando desapareció una niña de once años llamada Tui Mitcham. Lo curioso del caso es que no es una huída normal y corriente fruto de una rebeldía adolescente precoz: Tui está embarazada y la policía todavía estaba estudiando la posibilidad de que la hubieran violado. Como Jane Campion fue quien dio la alerta, hubo que darle prioridad al caso y no seré yo quien se queje. Las antípodas del planeta son un rincón precioso y mudarme provisionalmente a las orillas de un lago remoto tiene su qué. No me extraña que hasta hayamos encontrado por allí un grupo de mujeres heridas que intentan encontrar la paz espiritual. Su líder, por cierto, es Holly Hunter y cualquiera se pierde su reencuentro con Campion, buenas amigas. De momento, que conste, puede que el caso avance lentamente, pero la detective a cargo parece que tiene algo más que resolver aparte de la desaparición de Tui. Ser mujer, dicen, no es fácil por esos lares.

Mientras, me esperan en Dinamarca. He oído que Sarah Lund no ha dejado la policía y está investigando otro crimen. Si con el de Nana Birk Larsen afectó la campaña de un político de Copenhagen y con la muerte de Anne Dragsholm incomodó al mismísimo ejército, ahora se ve que está metiendo las narices en las finanzas. Hay algo turbio y ella se lo ha tomado como un último sacrificio antes de abandonar el estatus de detective estrella del país. El canal DR1 confirma las informaciones. ¿Cómo voy a perderme, entonces, semejante derroche de voracidad, tenacidad y determinación? Puede que sea un tanto desagradable y que sea de las peores madres que haya visto, sí, pero es un placer verla en acción. En Dinamarca, según mis experiencias recientes, salen los buenos detectives como setas.

Todavía tengo en mente mi último traslado allí. Habían hallado un cuerpo partido en dos en el puente de Oresund y, como cada mitad estaba a cada lado de la frontera con Suecia, tuvieron que hacerse cargo del caso las brigadas de ambos países. Saga Norén y Martin Rohde puede que no conectaran a primeras porque ella padecía algún tipo de autismo que la hacía bastante arisca, pero al final hicieron un buen equipo a la hora de enfrentarse a un psicópata muy metódico. Bueno, y pocas veces he sentido tanto el frío nórdico como allí, que se cala en los huesos, el paisaje, las construcciones y la forma de relacionarse de todos ellos.

Por culpa de estos casos, sin embargo, el asesinato del pequeño Danny en un pueblo costero inglés no me despierta especial interés. Me pasé por allí el día que descubrieron el cuerpo en la playa y viví algún momento desolador. Ver a una madre recibir la notificación de la muerte nunca es fácil. Pero no sentí que esa localidad, Broadchurch, fuera especialmente atractiva. Supongo que sería distinto si sintiera algún tipo de simpatía por David Tennant, el policía de homicidios que justo acaba de llegar al pueblo, pero no seguí su carrera anterior y no presiento que haya nada de particular en su compañera, el caso o el ambiente. El tipo a cargo de la investigación, Chris Chibnall, dice que el asesinato puede afectar a toda la comunidad de una forma que no hemos visto antes pero, como no me termina de convencer, posiblemente visitaré a Lund antes de tiempo. Aunque todavía no, que hay que resolver el caso de Tui y hay demasiadas horas de vuelo entre un sitio y otro. No quisiera que el jet-lag me nublara el juicio.

Y lo que tengo muy, muy claro es que ni en broma me iré a Seattle con Sarah Linden. No tiene olfato y su jefa, Veena Sud, me inspira cero confianza. Además, para ver a una Sarah detrás de un criminal, está la Sarah danesa. No suelo tener nada en contra de los parecidos razonables, pero sí cuando la segunda es profundamente aburrida. Ni su habilidad con los tambores japoneses hace que sea mínimamente interesante. Paso, paso. Primero Nueva Zelanda, después Copenhagen y luego ya se verá, que últimamente aparecen cadáveres donde menos te lo esperas.

Las ojeras de Don y Jon

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 10 Apr 2013 09:30:00 +0000

Mad Men ha vuelto y por una puerta de tamaño estándar. Nada a lo grande porque no había esa desmedida expectación de la quinta temporada, cuando llevaban una eternidad fuera de antena. La crítica entonces estaba ansiosa y esta vez solamente querían propagar a los cuatro vientos que Matthew Weiner es una persona antipática. ¿Cómo se le ocurre mandar el episodio a los periodistas juntamente con una guía sobre lo que podían mencionar? Más que nada porque el margen de maniobra era absurdo y no acabaron por no comentar nada. Ni tan siquiera que el episodio arrancaba en Hawaii, algo que ya se sabía porque habían salido a la luz imágenes del rodaje. Como si Mad Men fuese El Sexto Sentido y la filtración de un detalle pudiese arruinar el visionado entero. No es el caso (excepto contadas ocasiones) y de esta forma el responsable sólo hace que ganarse enemigos. Y yo, amigos, me siento incapaz de hablar del episodio sin desvelar en qué punto están los personajes principales.

A Don, por ejemplo, se le ve cansado. Jon Hamm, que lleva toda su carrera aparentando cuarenta años (vamos, desde que empezó la serie), está más viejo que nunca y con un carisma más impostado del habitual. Habrá quienes defiendan que se trata del personaje, desesperado por seguir siendo un triunfador cuando puede que ya sea un dinosaurio, pero hubo algunas miradas muy desacertadas. Por más que Don esté en horas bajas, no hace falta que prácticamente cierre los ojos para hacerse el interesante (y sin estar borracho). ¿Estamos, por fin, ante el declive definitivo de Draper? Y ya puestos, ¿será también el de Hamm, ese actor que jamás se ha llevado un Emmy y puede que por alguna razón? Sea como sea, quiero verle fracasar. A Don, digo. Tanta condescendencia no puede seguir sin un castigo divino, sobre todo cuando finge evolucionar y ya está rabiando ante el éxito de Megan (aléjate, querida, huye muy lejos).

El que sí vivió días mejores es Roger Sterling. Cada vez que aparece en Mad Men, hay que preguntarse porqué Matthew Weiner le mantuvo en nómina cuando el personaje no tiene nada más que aportar y el canal que le está haciendo rico le pidió que redujera el reparto. Por suerte para John Slattery (probablemente el mejor actor del elenco), le saca jugo en esta doble season premiere. Es el alivio cómico y, bien empleado, aporta una nota de humor en el capítulo (otras veces, en cambio, es un extra con frase sudada). La resolución de su trama, sin embargo, no está a la altura. La hemos visto demasiadas veces y en Anatomía de Grey aproximadamente veintidós. Podría haber realizado el mismo viaje pero sin utilizar las mismas armas que cualquier guionista de Hollywood, sobre todo cuando se cree por encima de todos ellos (Shonda Rhimes incluida).

Peggy, de mientras, tiene su spin-off. Ella es la nueva Don para lo bueno (su talento innato por la publicidad) y para lo malo (sólo piensa en ella misma). La única razón por la que no tiene una familia (que ignorar) es porque tendría que parirla. Y, la verdad, espero que no la tenga. Después de la jugarreta gratuita que nos hizo Weiner con el primer retoño (que nos dio a entender que cuidaba su madre y había sido dado en adopción), entraríamos en un estado de paranoia máximo. ¿Existe? ¿No existe? No, no, mejor no.

Y otra que vive en su propio mundo es Betty Francis. Todavía sufriendo sobrepeso y algo más estable de lo habitual (hasta que vemos el twist final, casi damonlindelofiano). Incluso parece sentir cariño cuando le suelta los comentarios más inapropiados que han salido jamás de su boca (Betty la chula). Lo gracioso, sin embargo, es ver cómo está más cómoda rodeada de extraños que no encajan en el esquema de su vida que con su propia familia. La escena de los pisos probablemente sea mi favorita (bueno, las escenas de Betty siempre lo son) y, si Jon Hamm es buen actor porque su personaje tiene el mismo falso carisma, entonces January Jones es la mejor actriz viva.

A favor, por lo tanto, la evolución consecuente de todos sus personajes y unas escenas muy bien escritas (las de Roger por divertidas, las de Megan por lo que dejaban entrever de Don, las de Betty por locas y las de Peggy porque eran casi procedimentales). Y todo con mucha clase, como siempre hace el señor Weiner.

En contra, no obstante, hay unos cuantos detalles. Jon Hamm, por ejemplo. También un montaje bochornoso en la escena de la portería (a la altura de los momentos oníricos de Don Draper). Y odio la obsesión del autor por fingir darle un significado a todas las miradas del protagonista. Lo pillamos, Matthew. Lo hemos pillado desde la primera temporada. Y el vacío existencial de Don no excusa el pésimo ser humano que es (aunque tú creas que sí).

¿Conclusión? Un arranque notable para una serie que ni en broma es la mejor de la historia. Innecesario, lo sé.

Pesadilla en la cocina

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 09 Apr 2013 06:00:00 +0000

Cuando la televisión decide acoger una figura icónica, hay que sospechar si realmente hay la voluntad de hacer una buena serie o si solamente se piensa en lo fácil de la promoción. Un personaje popular, al fin y al cabo, es mucho más fácil de vender al público, que entiende más rápidamente por dónde pueden ir los tiros o qué tiene que ofrecer.

Al señor Bryan Fuller, el autor de esa maravilla llamada Pushing Daisies, le llegaron dos encargos de este tipo para esta temporada. Por un lado, desarrolló un remake de La Familia Monster que no llegó a buen puerto y que, cuando el canal NBC emitió el piloto de forma aislada, pudimos entender porqué. Le falló el pulso a la hora de conciliar el humor familiar con lo terrorífico de la familia. Por eso había que coger con pinzas Hannibal, la otra novedad que había adaptado y que incluía el caníbal más famoso de la historia del cine. Tipo inteligente y comensal inquietante que podría dar más de un quebradero de cabeza tanto a Fuller como al canal para no pasarse de la raya en la televisión generalista de Estados Unidos.

La resolución, por suerte, está clara desde un principio. Da la impresión que NBC le dio absoluta libertad a la hora de tratar la antropofagia del doctor Hannibal Lecter y en el primer episodio, si bien no le vemos yendo a cazar, sí muestra escenas muy escabrosas y cínicas, como la preparación de la cena. Tiene un tratamiento bastante sutil y esto, en la televisión de hoy en día que intenta atrapar al espectador en el mínimo de tiempo posible, es refrescante.

De hecho, Hannibal es una grata sorpresa. A sabiendas que el público ya conoce los rasgos principales de Lecter, dedica la primera mitad del episodio a presentar a Will Graham, el especialista en perfiles criminales protagonista del libro El Dragón Rojo de Thomas Harris e interpretado por William Petersen en Manhunter y Edward Norton en la película del mismo nombre. Y lo caracteriza como un hombre con problemas de socialización y cuya mayor virtud y defecto es su capacidad por empatizar con los psicópatas que investiga. Su lucha diaria, en realidad, es evitar convertirse en uno de ellos y se insinúa que Lecter procurará divertirse con la frágil estabilidad psicológica de Graham.

Este doble tira y afloja de Will (consigo mismo y con Lecter) permite que Hannibal sea una serie de casos más ambiciosa de lo habitual, y como los dos retratos principales van bien encaminados, tiene potencial para ser una obra notable. Fuller es un buen creador de universos y atmósferas y David Slade, que dirige el piloto, convierte esa visión en algo tan atractivo como enfermizo. Es exactamente lo que su autor quiere que sea, independientemente de donde se emite, y Fuller no se pone muchos límites. Los órganos vitales encima de la madera de la cocina son arriesgados por definición y las escenas oníricas de Graham, metiéndose en la piel del asesino, bastante crudas.

Si encima le sumamos que Hugh Dancy transmite la humanidad y las inseguridades de su personaje con mucha eficiencia y que Mads Mikkelsen interpreta a un Lecter igual de perturbador pero que aborda de distinta forma que Anthony Hopkins, Hannibal puede convertirse en una serie de asesinatos tan extrema como estimulante. Fuller está dispuesto a envolvernos una vez más, pero en un mundo culinario mucho menos almibarado que el del pastelero de Pushing Daisies.

P.D.Podcast: El programa de Yo Disparé a J.R. de esta semana puede que sea el más populista de los últimos meses. Aquí tenéis la guía:

- 0’: Presentación y Hannibal, análisis del piloto.

- 13’: Juego de Tronos, el arranque de la tercera temporada.

- 24’: Balance de The Walking Dead con spoilers del 3x16.

- 57’: El Doctor Who y la nueva companion.

- 66’: Top of the Lake de Jane Campion, ¿pierde de vista la investigación?

Los zombies que caminaban con paso firme

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Sat, 06 Apr 2013 08:45:00 +0000

El éxito de The Walking Dead no está siendo flor de un día. Su audiencia ha aguantado viento (competir contra el football y los Oscar, el parón de invierno) y marea (episodios soporíferos, la huída de sus showrunners) y en esta tercera temporada, lejos de calmarse el fenómeno, todavía se ha consolidado mejor. No solamente batió varios récords del cable estadounidense, también se alzó como la serie dramática con mejores datos entre el público joven (por el que pagan los anunciantes) desde la quinta de Anatomía de Grey en 2008-2009.

La ficción de por sí, sin embargo, no sigue un camino tan regular y triunfal. La crítica se puso de acuerdo en alabar el pulso de Glen Mazzara en esta nueva entrega, donde se presentó el mayor villano del cómic, el Gobernador interpretado por David Morrissey, y se situó al grupo de Rick en prisión. Él había cogido las riendas del proyecto de improviso durante el segundo año cuando un buen día Frank Darabont, que había desarrollado la serie para AMC, tuvo que abandonar al no llegar a un acuerdo con el canal. La única duda que había era si era mérito suyo o simplemente se adaptaba un tramo más interesante del cómic. En mi opinión (y resumiéndolo), nadie obligó a Darabont a escribir episodios tan y tan aburridos. (De cara al cuarto año, por cierto, volverá a haber una obsesión generalizada por ver si se notan los nuevos cambios, que Mazzara se ha largado y ha dejado paso a Scott Gimple.)

Esta tercera temporada, en general, ha ido a mejor y, si bien no ha seguido al pie de la letra los cómics, ha dado la impresión que iba donde debía, que era coherente con ella misma. Vamos, que las muertes estaban justificadas y murió quien tenía que morir y cuando tenía que hacerlo. Robert Kirkman, autor de la obra original, debe pasárselo pipa explorando vías alternativas a su relato.

Se logró la atmósfera del pueblo de Woodbury, falsamente idílico y que dejó respirar a la serie; satisficieron al público con varias escenas gore en cada episodio; dieron una buena presentación al Gobernador; resolvieron su presupuesto ajustado con recursos ágiles (el juego del gato y el ratón, de diez minutos entre el malo y una chica); y le dieron un viaje a Rick y los suyos, bajando a los infiernos y sorprendiendo al final.

Es por esto que me ha desconcertado la reacción que ha suscitado la season finale. Dentro de lo que cabe, The Walking Dead ha tenido un desenlace correcto. No explosivo, pero sí correcto. Hubo una escena para los lacrimales, sinceramente emotiva, un acto vil sin precedentes y asienta a Rick en un nuevo estado emocional (el único personaje realmente imprescindible). Y aquello que se le pudiera criticar es aquello que siempre ha fallado. Como los personajes (asunto para el que tengo un artículo preparado), por ejemplo, y la falta de ritmo en algunos tramos. Pero el público esperaba una traca final que coronara la temporada más regular y, paradójicamente, Mazzara no tenía planeado un gran golpe como Darabont, el señor que escribía episodios vacíos pero reservaba cartuchos muy potentes para los finales (Sophia y la concentración zombie del segundo año fueron dos puntazos).

En el fondo, que conste, da igual. El público ha demostrado durante tres años que los defectos le importan un rábano y que mientras despedacen algún cuerpo ellos estarán contentos. O puede que el truco sea hipnotizarles con la desesperanza de que un mundo mejor ya no es posible. Sea lo que sea, ellos seguirán aquí, enganchados al televisor y viéndola religiosamente cada domingo. Y por esto tocará seguir hablando de ella, aunque sea más fenómeno que buena.

Si la granja de Hershel no les ahuyentó, ya no sé qué lo hará.

La guerra por el trono de los Siete Reinos (III)

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 05 Apr 2013 09:51:00 +0000

Había expectación para ver quién saldría victorioso en del enfrentamiento del pasado domingo entre The Walking Dead y Juego de Tronos en la televisión americana. La primera se despedía y la segunda llegaba tras un parón eterno y una expectación desmedida. A simple vista, los zombies ganaron con 12.4 millones de espectadores, redondeando una temporada triunfal que ha promediado los mejores demográficos para una serie dramática desde la sexta temporada de Anatomía de Grey. Pero el análisis no debería ser tan simplón.

Game of Thrones se emitía en HBO, un canal de cable premium con una base de suscriptores menor, y a pesar de la competencia tuvo el mejor arranque hasta la fecha, sin contar repeticiones y el servicio de televisión a la carta. Vamos, que ambas tuvieron razones para estar contentas y, según cifras de BitTorrent, las aventuras fantásticas de George R. R. Martin batieron récords en descargas ilegales, lo que significa que tiene un público masivo y voraz (España ocupó el séptimo lugar del ránking de piratas, por cierto). Ambas, según parece, tuvieron razones para estar contentas.

A la hora de hablar explícitamente de las trifulcas por el trono de Poniente, sin embargo, creo que ya me he quedado sin palabras. Primero porque escribí para Domingo de Cine antes del estreno y después porque han salido tantos artículos que al final ya no queda nada más que añadir, a la espera de la próxima anécdota comentable. Así que, en lugar de ir de original, haré un repaso.

En el artículo de Domingo de Cine sobre todo hice hincapié en la pesadísima campaña promocional de HBO. Entre los (tali)fans de los libros y la serie y el empeño del canal, los últimos meses han estado repletos de material completamente innecesario. Teasers, pósters, entrevistas, fichajes y más. Sí, despertaron expectación y hasta me saturaron hasta tal punto que ni tenía ganas de que regresara. Pero no todo son quejas y también comento que la tercera probablemente será la mejor temporada de la serie y argumento porqué Juego de Tronos es un ejemplo de octavo arte.

Después de ver Valar Dohaeris, además, estoy muy de acuerdo con la disertación que hizo la companion de Yo Disparé a J.R. en su blog. En sus inicios, algunos críticos yanquis dudaron del atractivo de la serie entre el público femenino porque el universo de Martin es muy machista y la serie se centra sobre todo en los desnudos femeninos, pero es muy cierto que los personajes más interesantes son mujeres (con permiso de Tyrion, claro). Cersei ejerciendo de suegra, Sansa y sus tramas palaciegas y Daenerys demostraron en el episodio que son los elementos más entretenidos. Pero soy más de la opinión de Shawn Ryan, el creador de The Shield, que alabó en Twitter lo bien escrita que estaba la serie pero que su decisión de ser fiel a la estructura de las novelas hacía que algunas tramas dieran la impresión de no avanzar en absoluto. Que quizá se beneficiaría de tener episodios más centrados en algunos personajes (o, puestos a pedir, que den la mitad del metraje a la Khalessi, siempre interesante).

Y para terminar un par de curiosidades. Primero, esta conversación de Vulture con Sven Martin, responsable de los efectos visuales de los dragones. En ella cuenta que su propósito era mostrar a las criaturas como unos adolescentes, a ratos inocentes (lo que hemos visto de momento) y otros amenazantes, y que les dieron alas de murciélago y la postura de un águila para que los vuelos fueran creíbles.

Aunque, de todo lo visto, me quedo con este extra del DVD de la primera temporada. El audio-comentario de Sansa, Arya y Bran no tiene desperdicio:

Ryan, Joe y Alicia

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 04 Apr 2013 08:19:00 +0000

“No haré énfasis en tu adicción a la bebida en el libro. Es un cliché algo cansino”, le dice Joe Carroll a Ryan Hardy en el último episodio de The Following.

Ha pasado bastante desde que los aprendices de psicópatas dejaron los cuchillos a un lado y decidieron adaptar Soñadores de Bernardo Bertolucci (versión ridiculez extrema), y una pregunta que algunos se hacían era qué había ocurrido con el alcoholismo de Ryan, el señor que tomaba vodka para desayunar. Por fin, algunos sucesos han disparado otra vez los instintos más destructivos del policía y le hemos visto con una botella otra vez. Lo que no sé es si Kevin Williamson hizo alusión al vicio de forma irónica, asumiendo que es un recurso muy manido y planteándose dejarlo, o si es muy poco consciente de lo que tiene entre manos.

De momento, puede que la serie haya perdido todavía más momentum alrededor de la investigación. Desde que descubrimos que Joe Carroll había creado una comuna de psicópatas, una idea muy perturbadora sobre todo porque los integrantes se parecen a cualquiera de tus vecinos o hasta a tu propia abuela, todo han sido movimientos estúpidos. Hardy se ha consolidado semana a semana como el peor detective del planeta, siendo incapaz de tomar una buena decisión aunque su vida dependa de ello, y la trama se resiente.

Él ocupa la mitad de los minutos de cada episodio y no es ni la mitad de interesante que Carroll y sus discípulos. Y ellos, de mientras, fingen una normalidad que no me creo. Quiero que algún lector psicólogo me lo confirme, pero dudo que un grupo de psicópatas con ansias de matar pueda vivir en armonía, recibiendo desprecios de algunos de los capataces. Pero tengo curiosidad por ver hasta dónde van a llegar de cara al fin de la primera temporada y qué plan tienen preparado para la segunda. La locura puede ser máxima.

El final que también está muy cerca es el de The Good Wife. Ya sé que meterla en un mismo artículo con The Following es una indecencia pero no quería dedicarle otra entrada entera, en parte porque todavía me queda un episodio por ver. Sin embargo, no podía seguir con mi vida sin comentar en unas líneas Death of a Client, no tanto porque aparezca John Noble (Walter y Walternate en Fringe) sino por su contenido.

No sólo aprendemos un par de detalles en la vida de Alicia Florrick (de hecho, algo muy habitual en esa época) sino que el matrimonio King pone en evidencia que un episodio a base de flashbacks puede funcionar. Unos flashbacks amables de final sorprendente y emotivo, que permiten que el aura de la protagonista todavía se eleve un poquito más (y ella, de paso, avance). Cada día un poquito más Santa Alicia, por más que mande a la mierda a Mike Kresteva, protagonista de otra escena memorable con Peter.

Y, como curiosidad, ya hay quienes piden el Emmy de actor invitado para Noble (que no Matthew Perry, pasado de rosca como siempre), para que el equilibrio del universo pueda restaurarse. Ni lo descarto ni lo predigo, que esto de los premios se me da de pena, pero sí avanzo que no me molestaría.