Crítico en Serie

La rabia de Nick

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 23 Feb 2012 11:06:00 +0000

Algunas veces se crea una especie de nebulosa de percepción y los astros se alinean para que la gente pare atención a una serie que, de otra forma, seguramente pasaría sin pena ni gloria por la televisión y diría que este era el caso de New Girl. La cadena FOX tenía problemas con las comedias de veinte minutos de carne y hueso y mostró el primer episodio por internet para abrir el boca. Lo extraño es que, sin ser un episodio redondo, consiguió que hubiera bastante interés para el día del estreno y se convirtió en la comedia revelación de la temporada, mejorando las audiencias de Glee, su lead-in en la parrilla.

Las claves de semejante éxito no sabría nombrarlas. Quizá se había menospreciado el poder de Zooey Deschanel y de cómo había calado entre el público con 500 Días Juntos. Al fin y al cabo, la Jess que protagoniza la comedia es mucho más bondadosa pero igualmente mona y moderna. O quizá simplemente se creo un hype bastante injustificado a partir de las bases modernas y el público lo siguió porque, a fin de cuentas, nadie se puede perder aquello de lo que se está hablando. Es la clave de la cultura de masas y, según los registros de audiencias, el público joven estaba atento.

New Girl, sin embargo, no estaba conceptualmente asentada. Tuvieron que cambiar un personaje en el segundo episodio porque Damon Wayans Jr, que aparecía en el piloto, había renovado temporada con la muy superior Happy Endings y después necesitaron averiguar qué querían poner encima de la mesa aparte de una protagonista muy adorkable. Pero, después de unos cuantos titubeos, New Girl por fin sabe quién es y ha dejado de ser una comedia en construcción: los actores y sus personajes han encontrado el tono, las interacciones se han clarificado, Jess se ha integrado mejor en el piso compartido y el sentido del humor también está resuelto. La cuestión es si este resultado final es satisfactorio.

En mi opinión, no del todo. Tiene detalles simpáticos, algunos episodios bastante conseguidos (el de Navidad) y Deschanel me parece tan cándida como graciosa. El problema es que por el camino también se han convertido en una serie bastante desagradable y todo por querer abrazar la rabia de Nick, el compañero de piso inseguro que a la mínima salta. Se pasó un episodio entero gritando a pleno pulmón y, como a ellos les debió parecer original, desde entonces sólo se relaciona y se enfrenta a los conflictos con irritación y enojo.

Este recurso podría funcionar si New Girl quisiera ser más sitcom tradicional y menos comedia moderna. Pero como quiere ser (o no saber ser otra cosa que) un tanto conceptual, la energía de la serie se tuerce. Y por esto he llegado a la conclusión que sus responsables deben ser incapaces de escribir una comedia y ser graciosos y entrañables a la vez (porque podría serlo y sería mucho mejor) y por eso se escudan en la modernidad que gracias a Deschanel no se les puede negar. Y serán modernos, sí, pero también unos ineptos.

Los casos de Alcatraz

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 22 Feb 2012 10:19:00 +0000

Cada vez que quiero hablar de las series escritas o producidas por JJ Abrams, me propongo no mencionarle y más o menos tardo dos segundos en hacerlo. Hace ya demasiado tiempo que sabemos que él sólo participa en las tareas de producción y que, en las que se supone que actúa como creador, seguramente sólo ha dado un par de consejos, aportado cuatro ideas y prestado su nombre además de su sello. Pero, por más que quiera evitarle (y paradójicamente contribuya a que suene su nombre), no se puede ignorar que las series en las que se implica son vistas con una mirada en concreto y Alcatraz no sale precisamente beneficiada.

La serie, que no está creada por él pero que sí se arropa en los recursos scifi de la productora Bad Robot (música, fotografía), es una serie (prácticamente) procedimental. No se le puede hacer nada al respecto desde el punto de vista del espectador. Es una elección que en su día tomaron sus autores y la serie, por más que algunos quieran imaginarse una deriva parecida a la de Fringe al final de su segundo año, parece estar concebida como tal. No es casualidad que haya más de 300 desaparecidos que cazar y que los capturen casi siempre de uno en uno.

Otra cosa es que tengan algunos elementos que intenten enganchar al espectador más allá del caso de la semana y aquí sí que aceptaría plantear hasta qué punto se han equivocado. Sabiendo de antemano que el público de JJ quiere cliffhangers y resoluciones a mansalva, quizá hubiera sido más inteligente plantar los misterios poco a poco y alimentar la idea de que lo importante es entretenerse con los psicópatas episódicos. Así hubieran esquivado las quejas de todos aquellos que opinan que la trama es demasiado lenta. Justamente yo diría que es todo lo contrario.

Además, si tenemos en cuenta que la serie se emite en Fox, no es muy difícil imaginar que el canal pidió a sus responsables que no se pasaran de listos y que se ciñeran a un esquema más o menos clásico y comprensible para no tener una hemorragia de espectadores cada semana y permitirles algunos deslices. Después de lo que ocurrió con Fringe, que la llevaron por terrenos muy complicados e ignorando el planteamiento inicial, no debían querer otra serie que en su tercer año ya tuviera audiencias de nichos.

Y, como serie de casos, siempre he creído que tenía potencial y que había demostrado merecer algo de atención. Los flashbacks a la cárcel de Alcatraz durante los sesenta la diferencian (y están muy bien hechos), las investigaciones tienen ritmo y los personajes aún tienen tiempo para crecer y demostrar en qué aspectos funcionan mejor. Sí, es muy importante tener alguno en el que agarrarse, pero tampoco les he visto tan flojos como algunos y episodios como el centrado en Doc (Jorge Garcia) demuestran que la intención es humanizarlos e ir dándoles matices.

Lo más importante en los primeros episodios era que asimiláramos qué propuesta de procedimental nos estaban haciendo y diría que la construcción de la protagonista, la detective Madsen interpretada por Sarah Jones, lo estaban dejando para más adelante. Que Grissom no fue mito desde el piloto, ni Olivia Dunham fue una Diosa en su primera temporada.

El libro de Elena Gilbert

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 21 Feb 2012 12:36:00 +0000

El otro día entré en una tienda de libros en inglés y decidí que ya era hora de leer algo en esta lengua, además de ver series en versión original. Ya había hecho mis pinitos con los libros de Tina Fey y Chelsea Handler, pero tocaba pasarse a la novela y creí (o me escudé en la idea) que sería factible empezar con una novela juvenil. El vocabulario nunca es tan complejo como el de los grandes autores y además tenía la vista puesta en The Vampire Diaries, la saga de L.J. Smith en la que Kevin Williamson se basó para crear la serie del canal CW. Y no pude quedarme más helado al terminar el primer tomo de la tetralogía y sacar una conclusión sin matices: Williamson es un GENIO.

La trama ya la conocéis: una chica huérfana llamada Elena Gilbert es cortejada por dos hermanos vampiros, Stefan, la voz de la conciencia, y Damon, que va dejando cadáveres por donde pasa. En esto es fiel a la obra. También en los nombres de algunos de los secundarios. Pero paremos de contar y no solamente porque en las páginas Elena tenía el pelo rubio como el sol y en la televisión podría pasar como gitana. ¡Es que no tienen nada que ver!

Me acuerdo de cuando empecé la serie hace tres temporadas. En alguna publicación norteamericana había leído que probablemente al personaje de Jeremy Gilbert, el hermano de la protagonista, les costaba encontrar el tono por el simple hecho de que no aparecía en los libros. Y creí que seguramente era tan pesado por este hecho, creí que sería una regla de tres bastante lógica. Pero Williamson, en realidad, había arrancado de cero en todos los aspectos. Personajes, trama, mitología... nada había escapado a sus manos y el resultado no había podido ser más satisfactorio.

Para ser exactos, los libros de The Vampire Diaries son una basura. Sí, sé que era de esperar pero la saga de Crepúsculo, por ejemplo, por lo menos era entretenida (además de ser un horror mormón donde los vampiros brillan y no tienen afilados colmillos). No hay matices, no hay argumento, solamente una chica que se obsesiona con el alumno nuevo del que no sabe nada y decide ir a por todas. Ni se construye romance, ni hay épica. Simplemente una adolescente popular que se niega a aceptar un no como respuesta y que es incapaz de atribuir una sola virtud a Stefan porque no tiene idea de quién es, ni tan siquiera semanas después de salir juntos y morrearse cada día en el portal de su casa.

El responsable de la serie, sin embargo, decidió aprovechar parte de la premisa y adaptarlo a la televisión utilizando sus mejores armas. Para empezar, la protagonista se amoldaría a la nueva moda de ser una chica muy humilde a pesar de ser guapa, inteligente y simpática; la historia de amor sería algo más que una estrategia de acoso y derribo maquinada por cuatro amigas aburridas; se inventaría personajes (Jeremy, Vicky), eliminaría alguno (una tal Meredith que está por todas partes del libro y no dice nada interesante, el prometido de su tía) y sobre todo cambiaría todos los que aparecen (la brujería se convierte en un rasgo de la cultura negra, Caroline no es tan rematadamente estúpida, Tyler no intenta violar a Elena); y gran parte de la mitología. Los hermanos Salvatore pasarían de ser unos italianos del S. XV a dos americanos del S. XVIII y los vampiros dejarían de poder convertirse en animales (decisión que debió ser tomada después de grabar algún capítulo y que explicaría que jamás volviéramos a saber del cuervo de Damon).

Así Williamson demostró tener visión de futuro, de negocio y de artista. Cogió una obra que no merece el calificativo de literaria, absorbió tres conceptos que le parecían interesantes y escribió una de las obras televisivas más entretenidas de la actualidad, sin perder su esencia adolescente pero forjando personajes y quemando mucha trama. A esto se le llama talento. Y, si alguien se planteaba comprarse los libros para descubrir las ocho diferencias e intuir hacia dónde se dirige la serie, que se ahorren el suplicio. No son lo mismo.

El no-triángulo de Revenge

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 20 Feb 2012 07:00:00 +0000

En las películas, se apuesta a lo grande por las químicas entre los personajes: no hay margen de error. No es de extrañar, por lo tanto, que Catherine Hardwicke metiera a Kristen Stewart y Robert Pattinson en la cama antes de fichar al galán británico para Crepúsculo. Había que asegurarse que saltaran chispas entre los dos. En otras ocasiones, en cambio, se prioriza el factor estrella y ocurre como en Agua para Elefantes, que entre Reese Witherspoon y Pattinson no había ni un rasgo de química.

En televisión hay otro rollo. Aunque lo más importante sigue siendo que, si tienes pensados unos arcos argumentales, estos den sus frutos, siempre hay más margen de maniobra cuando algún príncipe o princesa te sale rana. Y este es el caso de Revenge. La idea inicial era que el personaje de Amanda Clarke (o Emily Thorne o Emanda, como queráis) tuviera un triángulo amoroso protagonizado por su amigo de infancia, Jack Porter, y el hijo de su archienemiga y supuesta víctima, Daniel Grayson. Pero, vistos los resultados, diría que Mike Kelley decidió redibujar la relación de Amanda con ambos.

No entraré a comentar cuán inverosímil es el punto de partida entre Emanda y Jack. Supuestamente él se ha pasado toda la vida preguntándose qué ocurrió con su objeto de devoción de pequeño y encima ha conservado su perro durante todo este tiempo (¿pero cuántos años viven los perros en los Hamptons?). Y, mientras que quizá estos cimientos no han ayudado a forjar la química (el punto más flaco de la serie), Nick Wechsler puede autoflagelarse porque la culpa es solamente suya.

Su camarero con complejo de inferioridad tenía las escenas idóneas para demostrar su amor y también para hacerse un hueco en las tramas de Revenge. Pero, una a una, ha ido perdiendo las oportunidades y también el favor de los guionistas. Simplemente, Wechsler no resulta creíble en ninguna escena, como si no hubiera encontrado el punto a su personaje. Cuando mira con cara de enamorado a Emanda, parece que esté pensando en otra cosa; y cuando debe parecer un mártir del amor, sólo resulta patético. De aquí que, poco a poco, hayan ido reenfoncando sus escenas y ahora sea claramente un efecto colateral de los malévolos actos que ejecutan Emanda y Victoria.

El que lo aprovechó a su favor, en cambio, fue Joshua Bowman. Puede que Emily VanCamp esté obligada a interpretar un personaje frío de quien sea casi imposible descifrar hasta qué punto sus sentimientos son reales o no, pero él sí impregnó cada una de sus miradas de amor. Puede ser un actor muy limitado, pero es fácil entender cómo se ligó a Amy Winehouse en el Caribe (y se rumorea que a VanCamp en el rodaje). Y, gracias a él, a sus ojitos de niño bueno y su sonrisa de príncipe de ensueño, ya no hay ni triángulo amoroso ni dudas: Emanda está enamorada de él y así podrá sufrir mucho más.

(Y Jack... que sirva copas, que es lo único que se le da bien, o que se largue con su yate, que ya estorba. A menos que, como me gusta imaginar, decore próximamente las playas de los Hamptons en forma de bonito cadáver.)

P.D.Podcastero: Y sobre esto y la identidad del cadáver en la playa hablamos en el último programa de Yo Disparé a J.R. con la colaboración de Adriana Izquierdo de Hablando de Series, Esta peli ya la he visto y Ohhh! TV Podcast. Además, toca hablar de la vuelta de Cougar Town y su presencia en los medios, las posibles razones por las que Pan Am ha fracasado y ya está cancelada, el último giro de Cómo Conocí a Vuestra Madre y más. Podéis descargar el programa en la barra lateral y aquí tenéis la guía del programa:

- 0': Presentación y la táctica del preestreno que se ha puesto tanto de moda.

- 9': Pan Am, ¿por qué fracasó? (sin spoilers)

- 20': Cougar Town (sin spoilers).

- 33': Revenge y el muerto en la arena (con spoilers hasta el 1x15).

- 61': Cómo Conocí a Vuestra Madre (con spoilers hasta el 7x16).

Los retoques de una mujer madura

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 17 Feb 2012 11:12:00 +0000

En toda serie hay cierto tiempo para permitirse reajustar las tuercas y sacar partido a aquellos elementos que funcionan mejor, pero en el terreno de la comedia a veces se puede cambiar tanto que el resultado final sea una serie prácticamente distinta. Hace muy poco ya hablé del tema y hasta concreté en el caso de Cougar Town, pero aprovechando que volvió este San Valentín y que es mi comedia favorita, quizá es momento de analizar (otra vez) en qué se subió el listón y porqué sus autores así lo decidieron.

Sólo hace falta ver los títulos de crédito a partir de la segunda temporada, después de un verano de rumores sobre un posible cambio de nombre, para entender que los propios creadores Bill Lawrence y Kevin Biegel abrazaron su nueva filosofía riéndose de lo fallidas y poco representativas que habían acabado siendo las palabras “Cougar Town”. En lugar de mostrar el título como es, empezaron a acompañarlo de comentarios convirtiéndolo en un gag añadido de la serie (para el arranque de este tercer año eligieron “Yeah, it’s still called Cougar Town. We’re not happy about it either”).

Sin embargo, la autoparodia no parece haberles ayudado a librarse de los prejuicios que despierta semejante nombre y que sí era representativo del planteamiento inicial: una mujer divorciada que, pasados los cuarenta, decidía entrar en el mercado y degustar la carne joven. Pero, con el tiempo, la comedia sobre una devoradora de veinteañeros se convirtió en una comedia de cariz adulto. Y, mientras que me costaría concretar qué episodio marcó el cambio de rumbo (fue poco a poco y a la mitad de su primera temporada ya empezaba a conocerse a si misma), sí que cuesta menos identificar las razones.

Cougar Town siempre será la serie de Courteney Cox y, sin quitarle méritos a ella o a su Jules Cobb, los responsables vieron que Christa Miller y Busy Philipps prendían fuego cada vez que aparecían en escena como las supuestas amigas a la fuerza Ellie y Laurie. De aquí que cada vez compartieran más y más escenas. También Ian Gómez demostró tener no sólo un bromance muy divertido con el ex marido de Jules interpretado por Brian Van Holt, Bobby, sino que supieron nutrir muy bien la relación con su mujer, Ellie. De aquí que también tuviera más escenas y más tramas propias (y no servir únicamente como apoyo de Cox). Y finalmente entendieron que lo que divertía al espectador eran las interacciones que habían surgido entre todos estos personajes, así que solucionaron su vida sentimental y empezaron a jugar cada vez más con los pilares que poco a poco habían asentado.

Cougar Town, por ejemplo, tiene un vocabulario propio. Sus protagonistas a menudo juegan al penny can (que consiste en tirar una moneda en una lata vacía) para el que tienen un seguido de tradiciones, se quitan sombreros invisibles y fingen tiros en la cabeza colectivos. Y, sobre todo, entienden que no hace falta que se justifiquen ante el público. Ellos mismos muy a menudo se ríen de cómo nunca nadie parece trabajar a pesar de tener un alto nivel de vida y, cuando se dieron cuenta que se pasaban el día bebiendo, eligieron servirse copas de vino en cada episodio.

Por esto jamás recomendaría esta serie a un ex-alcohólico, pero sí que lo haría a cualquiera con un poco de sensibilidad, que busque conectar con el espectador más allá de las risas y que disfrute con un humor tan absurdo como entrañable y de aroma muy cálido con cierto toque a canela.

La tía Robin

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 15 Feb 2012 18:15:00 +0000

Esta entrada contiene spoilers para todos aquellos que no hayan visto el último episodio de 'Cómo Conocí a Vuestra Madre', el 7x16, 'The Drunk Train'.

A la tercera no tiene porqué ir la vencida. Sobre todo cuando de quienes estamos hablando es de Ted, de Robin y de su enésimo acercamiento sentimental. Ya les hemos visto juntos por partida doble (o más, que siete años son muchos y ya ni me acuerdo), hemos recogido del suelo las trizas del corazón roto de Ted y encima se nos ha vendido reiteradamente que no están hechos el uno para el otro porque ella le pertenece a Barney.

Por este y por otros giros del episodio, The Drunk Train hizo presagiar lo peor. Después de haber sido decepcionados varias veces con giros emocionales un tanto bruscos y que no iban a ninguna parte (cada una de las artimañas para mantener separados a Barney y Robin), no se puede ser tan ingenuo de creer que los guionistas saben qué hacer con el pelotazo que se llevan entre manos (aunque siempre existe tal posibilidad). Y no ayuda que, además, soltaran semejante sorpresa al final de un episodio tan mediocre y descompensado como este.

Por ejemplo, no se puede soltar una pedida de mano con tan poca emoción. Entiendo que la cuestión era quitarse a Kevin de en medio, pero no se puede escribir de una forma más desaborida. Ni se puede invitar a Becky Newton para interpretar al enésimo ligue de Barney porque hace relativamente poco que Nora se largó por las buenas y el espectador aún ve estos objetos de deseo como otro obstáculo artificioso para unirlo definitivamente con Robin. Y, sobre todo, no se puede exponer una declaración de amor como la de Ted si no se sabe perfectamente cómo desarrollarla.

Meter tanto material de avance en un episodio de una sitcom es totalmente desproporcionado y no deja de ser curioso que también sirviera para invalidar parcialmente la trama más emotiva de toda la serie. Recordemos hace unos meses cuando Robin nos destrozó contándonos que jamás podría tener hijos. Fue el episodio más bonito que haya tenido How I met. Y, mientras que entiendo que una persona así sufriría cierto shock al darse cuenta de esa realidad, tiene gracia que quien nos cause el trauma es justamente un personaje que no quiere descendencia. Ya puestos, gasta los cartuchos emocionales con algo que afecte de verdad el futuro de la protagonista.

Y el acercamiento, que no puede ser un “ups, aquí no pasó nada” porque sería una estafa, debe significar y comportar algo. Lo difícil es creer que será algo bueno después de haberlo visto y vivido repetidamente, y saber que, por más que nutran esta relación, siempre sabremos que es algo temporal. Que los hijos de Ted, a diferencia de los de ella, no pueden ser de mentira.

El verano en invierno

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 14 Feb 2012 12:44:00 +0000

Los veranos, aparte de servir para ponerse al día con las series y hacer maratones con algunas joyas que habíamos tenido en la recámara, también sirven para ver otro tipo de ficción. Una ficción más ligera que, al no tener excesiva competencia por parte de las networks, consigue darle a los canales de cable sus mejores datos del año.

No es casualidad, por ejemplo, que la HBO decidiera emitir True Blood en verano a partir de la segunda temporada después de ver qué clase de serie había acabado siendo (algo que diría que nadie tenía muy claro aparte de Alan Ball). Y el boca oreja le sirvió para crecer y reinar durante tres años consecutivos. No obstante, las dos cadenas que suelen aprovechar más la estación seguramente son los canales USA Network (Burn Notice, Covert Affairs, White Collar, Royal Pains) y ABC Family (Pretty Little Liars, The Secret Life, Switched at Birth).

En el caso de USA Network, que envidia mucho su hermana mayor NBC, la receta del éxito se basa en una fórmula que han extendido por toda su parrilla y que podría calificarse de ‘procedimental de verano’. Su eslógan de ‘Characters Welcome’ era una falsa declaración de intenciones pues su secreto es saber hacer balance entre casos de poca monta y unos personajes simpáticos pero sin demasiados hervores. Mientras que el de ABC Family se basó en buscar el mercado mientras la CW estaba de vacaciones con productos que no interesaban a nadie y dirigiendo sus series a un público más familiar (y menos frívolo pseudoadulto como el de CW).

En los últimos años, ambas cadenas han intentado trasladar sus éxitos al otoño y al invierno para dar algo más de vida a su programación, muy pobladas de reposiciones de programas propios y ajenos y películas, y abrirse camino entre las networks, ahora que está bastante claro que el pastel no se lo comen sólo ellos. Sin embargo, la operación no les ha funcionado del todo bien y, lo que arrasa en verano, no necesariamente lo hace en invierno.

Para empezar, la competencia no es la misma y series como Burn Notice y Royal Pains, minas de oro durante los meses calurosos, han sufrido bajones de hasta el 50%, al igual que Switched at Birth, la serie revelación hace medio año. Pero también hay otro factor a tener en cuenta, que es una teoría de cosecha propia: durante la temporada invernal, el listón del espectador también cambia.

Una cosa es seguir los líos familiares muy blancos de una adolescente sorda y otra rebelde que fueron intercambiadas al nacer durante el desierto creativo de julio y agosto, y la otra es seguirla ahora que hay buenas series en emisión a patadas. Y tampoco es lo mismo seguir a un médico de los Hamptons cuyos casos tienen menos gracia que una patada (perdón por la repetición) cuando están en programación otros procedimentales con más presupuesto y unos diálogos más adultos.

Claro que, rompiendo una lanza a su favor, también es verdad que las series de USA Network sufren bajones durante el invierno pero suelen recuperar el público en verano (que sean cero complejas tiene sus ventajas) y que a menudo superan grandes apuestas del cable de invierno como Justified (FX) y Southland (TNT). Por no hablar del caso de ABC Family, cuyas series originales como Pretty Little Liars, Switched y The Secret Life están superando en audiencia la parrilla entera de la CW, con la excepción de The Vampire Diaries, su única serie competitiva.

El río paranormal

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 13 Feb 2012 17:57:00 +0000

Cuando leí que el responsable de Paranormal Activity, Oren Peli, quería trasladar su fórmula terrorífica a la televisión con The River, no esperé que fuera la panacea catódica. Pensé que, fuera buena o mala, por lo menos aportaría algo que no estaba presente en el medio, aunque hubiera estado muy de moda después de la revelación que fue El Proyecto de la Bruja de Blair en 1999.

De hecho, The River está muy influenciada por este fenómeno cinematográfico. Los episodios simulan ser las grabaciones de un equipo de televisión que remontó el Amazonas en busca de un estelar presentador, el Dr Emmet Cole, que desapareció sin dejar rastro. Estas grabaciones (que nadie intenta vendernos como verídicas, que ya estamos demasiado curtidos) nos enseñan cómo la mujer y el hijo se embarcan en una aventura que sobrepasa cualquier expectativa, demostrándoles cómo aún queda algo de magia en la naturaleza y cómo la desaparición de su ser querido seguramente tiene más que ver con los sucesos paranormales que ocurren en esa inhóspita zona que con un mero accidente acabado en tragedia.

Por el planteamiento, por lo tanto, podemos imaginar mucha cámara en mano y una iluminación precaria para transmitirnos esa atmósfera casera, vulnerable y subjetiva que tan bien ha funcionado en cine. Pero también podemos deducir, como ocurre en estos productos (como Monstruoso, para poner más ejemplos), que no ayuda en el desarrollo de personajes, ni permite una inmaculada verosimilitud.

Hay que asumir, por ejemplo, que los cámaras y el productor serán idiotas por definición, pues de no ser así no seguirían grabando a pesar de estar muriendo conocidos suyos y estar en riesgo su propia vida; que en una humilde barca hay cuatro cámaras escondidas por habitación, como si el programa del señor Cole fuera a ser un spin-off de Big Brother y no simplemente un Steve Irwin de paseo por el mundo; y también que estas cámaras y el equipo de audio captarán los momentos más tiernos e íntimos durante el trayecto. Si no se pueden aceptar estas condiciones, será imposible disfrutar de un producto así.

Pero, justamente porque estas características eran bastante predecibles, de momento yo sí que seguiré The River, ni que sea por curiosidad televisiva. Para ver cómo puede funcionar el formato durante siete episodios y también porque la atmósfera, aunque no sea tan tensa como podría porque se emite en una network, tiene sus momentos. El claustrofóbico acoso por un ser desconocido o el uso de las muñecas en medio de la jungla demuestran que los recursos de toda la vida aún tienen algo de gracia y, mientras haya tensión, quedará algo de interés por mi parte. Sobre todo porque, aunque tenga visibles defectos de base que podrían ser cansinos (e imperdonables) a largo plazo, su primera temporada sólo constará de siete episodios y se nota que Michael R. Perry, co-creador del proyecto, está muy forjado en televisión (La Zona Muerta, Millenium). Así se entiende la inteligente estructuración de los episodios, que parecen ir al grano cuando en realidad nos exponen una trama clara por entrega, sin dejar de avanzar por las aguas de la selva amazónica.

P.D.Podcastero: Y de este piloto también hablo con MacGuffin en nuestro podcast de Yo Disparé a J.R. al igual que del próximo fin de House, cómo avanza Once Upon a Time y las series británicas Skins y Misfits. Como dejan muy claro, ser adolescente en el Reino Unido no es igual que en Estados Unidos y además ambas series han tenido que enfrentarse a muchos cambios de reparto, algo que comentamos con Mar Guerrero. Si queréis descargarlo o escucharlo, está en la barra lateral y aquí tenéis la guía del programa:

- 0': Presentación y el próximo fin de House.

- 15': The River, análisis del piloto.

- 28': Skins, Misfits, los adolescentes británicos y los cambios de reparto (sin spoilers).

- 58': Once Upon a Time y sus avances (con spoilers hasta la fecha).

El objetivo de The Voice

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 10 Feb 2012 16:47:00 +0000

La rivalidad entre The Voice y American Idol hace correr ríos de tinta desde que se anunció que el reality con Christina Aguilera ocuparía el hueco de después de la Super Bowl. La estrategia, por supuesto, les funcionó. Arrastró 37 millones de espectadores del partido de football y al día siguiente mantuvo casi 18 con un 6.7 en los demográficos que valoran los anunciantes. Mejor que lo que registró este miércoles el histórico monstruo, que tuvo más público (19 millones) pero un 6.1 en adultos de 18 a 49 años.

Aparte de ver cómo evoluciona esta particular batalla musical, hay más factores a tener en cuenta y diría que el fundamental es que el público norteamericano está fatigado con los formatos de búsqueda de futuras estrellas de la música. Como comenté hace muy poco, la FOX emitió X Factor en su propio canal, agotando al mismo público que tenía que ver American Idol estas fechas. De aquí viene el desgaste del programa que ha bajado de media un 30% respecto la pasada temporada (y que no ha notado ningún bajón cuando The Voice se ha estrenado).

Con la bajada de audiencia cuesta más vender la grandilocuencia del formato, a pesar de que los cástings sean siendo masivos y la producción espectacular. Para creer que estás viendo un pedacito de (industrial y manipulada) historia, necesitas una masa constante de gente que lo hable al día siguiente. Lo que intentó inculcar Simon Cowell al público este otoño y no consiguió (el X Factor de USA siempre será American Idol).

Este cansancio vital del espectador acostumbrado a estos programas, sin embargo, no se puede traspasar directamente a los nuevos espectadores que ahora mismo ha encontrado The Voice (a pesar de que le afecte en menor medida). Como se comentó hace muy poco en la Entertainment Weekly, hay una diferencia fundamental: su objetivo, por más que digan, no es encontrar “la voz de América” sino divertir al espectador con los rifirrafes de estrellas del mundillo como son Adam Levine, Blake Shelton, Cee Lo Green y Christina Aguilera.

Además, en esta temporada los cuatro han comenzado con las pilas muy cargadas, entendiendo desde el principio que deben dar espectáculo y que el show son ellos. Blake y Adam se pelean, Cee acaricia a un gato blanco en los confesionarios como si fuera el malo de El Inspector Gadget (el robaescenas de la edición) y Christina Aguilera muestra mucho más entusiasmo (siendo igualmente una diva antipática pero que, paradójicamente, cae bien). Supongo que también le motivará saber que Jennifer Lopez relanzó su carrera con Idol, que Maroon 5 tuvo la canción del verano gracias a The Voice y que ahora es su turno (después de que, como me dice siempre un amigo, alguien le echó un mal de ojo como esta fotografía demuestra).

Lo de menos, al final del día, son los concursantes que eligen. Bueno, acaban importando en la medida en la que nos permiten apoyar más o menos a un juez-mentor. Y por esta razón American Idol seguirá siendo el programa de referencia a la hora de encontrar y crear ídolos musicales porque, de momento, The Voice ni lo ha hecho, ni parece que vaya a conseguirlo. Claro que, aunque digan, tampoco es su propósito y no descarto que la jugada les pueda salir aún mejor.

El borde se larga

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 09 Feb 2012 12:15:00 +0000

Ya se sabe que no hay cheque que no cure las depresiones y el cansancio vital de Hugh Laurie por vivir lejos de su familia, él en Los Angeles y ellos en el Reino Unido. Por lo tanto, voy a ignorar que la renovación de House la han decidido él y el creador David Shore por razones personales y creativas, porque querían pasar a otra cosa más estimulante (Laurie quiere dedicarse a la música, Shore a nuevos proyectos). La cuestión es que esta octava temporada será la última del doctor y en primavera se despedirá como siempre.

Nos pudimos hacer una idea cuando supimos que Laurie debía renegociar su contrato en caso de que siguiera un año más, sobre todo porque su caché es muy alto y las audiencias de este año están siendo muy mediocres. Menos de ocho millones de espectadores y solamente un dos y pico en los demográficos son las señales que la cadena esperaba para darle el cierre, y era obvio que Laurie no conseguiría un enésimo aumento de sueldo.

Hace ya algunos meses que Shore había pedido que se tomara con tiempo la decisión de seguir o no con ella un año más para poder escribir un final a la altura del médico más borde de la historia de la televisión (y eso que no es cirujano, los que sí suelen tener el complejo de Dios). Otra cosa es que aún estén a tiempo de dárselo, teniendo en cuenta que son muy pocos los que opinan que hoy en día aún le queda algo de vigor a Gregory House, un personaje que se quedó seco hace ya unas cuantas temporadas.

Lo triste de la noticia, sin embargo, es que es otra de las series de la famosa hornada del 2004/05 que nos dirá adiós esta primavera. Ya lo anunciaron las Mujeres Desesperadas cuando renovaron para esta octava temporada que se está emitiendo (y acabando). Por lo tanto, solamente quedará Anatomía de Grey, que se estrenó en el midseason de ese año y para el que se tenían pocas expectativas y aún sigue con unas audiencias bastante sanas. Están muy alejadas de los más de veinte millones de espectadores que cosechó en sus tres primeros años, pero por lo menos sus entre 8 y 12 millones de espectadores y un tres y medio en los demográficos le permiten pronosticar otra temporada.

Aunque siempre fui más de la escuela de la ABC, ya que creo que las Desesperadas, (las dos primeras temporadas de) Grey y Perdidos hicieron mucho más por la ficción de calidad en abierto que sus otras coetáneas, hay que reconocer que House también aportó savia fresca en el panorama catódico. Hasta entonces costaba imaginar que un personaje tan y tan desagradable pudiera convertirse en un fenómeno de masas, sobre todo con esos guiones ágiles y que no se cortaban a la hora de utilizar la jerga médica (y que introdujeron el lupus en nuestro vocabulario).

Pero para los que no estén particularmente interesados en la despedida de House, hay que tener en cuenta que este anuncio traerá cola en los próximos meses. Significa que el canal que la emite, FOX, tiene otro hueco a ocupar el año que viene. O bien harán borrón y cuenta nueva y sólo renovarán a New Girl de entre sus novatas, o Alcatraz o Terra Nova renovarán (por lo menos tienen más opciones de hacerlo). Y, puestos a desear, espero que den otra oportunidad a la serie producida por JJ Abrams para asentarse la temporada que viene, aunque las correctas audiencias del estreno no se hayan consolidado y estén en terreno pantanoso.

La ingenua Pan Am

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 07 Feb 2012 16:38:00 +0000

Dentro de nada es muy probable que aparezca en este blog un artículo sobre cómo se echará de menos esta aventura aérea y temporal llamada Pan Am ahora que está a punto de despedirse para siempre. Pero, si se tiene un poquito de sentido crítico, tampoco se pueden obviar las numerosas turbulencias que ha tenido el viaje. Diría que el piloto de esta serie, Jack Orman, quiso “masticar más de lo que podía tragar” y de aquí que sus contenidos no sean tan pulidos como sus formas.

Pan Am es una serie del siglo XXI rodada con la filosofía de la época que retrata, los gloriosos años sesenta donde en Estados Unidos soplaban vientos esperanzadores. La cámara está bastante acartonada, la fotografía y los cromas difuminan lo justo la imagen para que parezca un recuerdo de tiempos mejores o una proyección onírica de lo que está por venir. Claro que toda la ingenuidad que intentan transmitir a partir de sus protagonistas también se encuentra en la sala de guionistas.

Por supuesto ya he superado que, por ejemplo, todas las azafatas estén tan liberadas sexualmente como mis amigas de la universidad y que por menos de un “te quiero” se quiten el uniforme. Que también demuestren una falta total de decoro a la hora de dar una imagen acorde con la época. Es inaceptable que una muchacha baje al vestíbulo del hotel con ropa interior por más que suene la alarma de incendios. Lo normal sería que por lo menos se abrochara la camisa y se arriesgara a morir quemada antes que mostrar su blanco sujetador al resto de clientes, gente de bien. Pero en realidad esta faceta de Pan Am me importa bien poco.

Si alguien ha visto el viaje a Haití, por ejemplo, entenderá por dónde van los tiros. Aparte de que parecía un episodio escrito por la peor Shonda Rhimes (que de vez en cuando nos intenta torturar emocionalmente con muy poca sutileza en Anatomía de Grey), estaba pensado con una mirada más ingenua que la de las mujeres que retrata. Sus pretensiones eran terriblemente grandilocuentes; la forma de presentar el conflicto, bastante triste (el viaje en coche era bochornoso); el rebelde pasajero de primera clase, un pastiche; y la resolución, a resumidas cuentas, fue improbable y un caso de pornografía emocional (“Henry lo hubiera querido”, dijo la chica que le conoce de hace cuatro horas).

Cuando la serie opta por estas salidas de tono que procuran introducir conflictos larger than life para las azafatas, en cierto modo (y aunque parezca una justificación un tanto rebuscada) hacen que Pan Am sea un producto muy compacto. Bien podría haber sido escrito por Maggie, Laura, Colette o Kate y las ínfulas de todas ellas por vivir grandes relatos (sobre todo se nota en la trama de espionaje que está completamente fuera del área de dominio de los guionistas). Lo cual ni la justifica, ni indica en absoluto nada bueno.

Sin embargo, no puedo evitar pasar por alto estos patinazos, de la misma forma que de forma inconsciente muchas veces se disculpa las torpezas y defectos de los bellezones de mirada cálida. Y Pan Am tiene tanta gracia y me parece tan guapa que no puedo evitar seguir el contoneo de sus caderas hasta su oficiosa cancelación.

P.D.Podcastero: Yo Disparé a J.R. ya vuelve a estar aquí después de una semana de hiato. Para los que no lo sepan, es el podcast que grabo (casi) cada semana con Marina Such del Diario de Mr. MacGuffin. Os lo podéis descargar en la barra lateral o en el blog que le tenemos reservado y el menú de esta semana es el siguiente:

- 0': Presentación y el piloto de Touch.

- 14': Southland y los cambios.

- 23': El final de Chuck con Spidermarga de invitada.

- 50': Las polémicas de Sherlock.

- 64': RuPaul's Drag Race, un desmadre de competición.

El 'hype' y el 'backlash'

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 06 Feb 2012 14:05:00 +0000

El auge de las redes sociales y de las interacciones vía web han motivado estos últimos años una radicalización y aceleración de los conceptos de hype y de backlash. Todo empieza con una confluencia de energías 2.0 que llevan a ensalzar unos productos y a comunicar que son imprescindibles (y lo mejor que se haya visto, leído o escuchado en mucho tiempo) y, cuando se llega a un clímax de hype, luego surge una corriente crítica que desmiente los argumentos anteriores, que la desprecia y que pretende imperar.

Un ejemplo de ello sería la cantante Lana del Rey, que se ha comido cuatro raciones de cada una en los últimos meses, pasando del fervor a la decapitación. La terrible actuación que hizo en el Saturday Night Live sólo fue una excusa para perseguirla con antorchas, algo que fue seguido de una avalancha de críticas negativas al álbum (que juzgan mucho más al personaje que a la obra), el número uno en 11 países y un sketch paródico protagonizado por Kristen Wiig en el mismo SNL que, paradójicamente, confirma su encumbramiento. Bueno, por no hablar de cómo se redimió ante las malas lenguas al actuar en el late night de David Letterman (que, de paso, se enamoró de ella).

Por supuesto, esta moda de elevar y defenestrar personas y obras ha proliferado muchísimo por la comunidad televisiva que corre por internet, que por algo está tan bien asentada, y dos de los casos más comentados en los últimos meses son Modern Family y Downton Abbey. En el caso de la sitcom, de comedia del año a pasársele el arroz en la segunda temporada. En el de la inglesa, de joya a basura bien producida sin posibilidad de redención. Y, mientras que entiendo muchas críticas que se les puedan hacer, también es inevitable volverse un tanto conspiranoico.

De hecho, tras las últimas corrientes de backlash (tiene tela el caso de Steve Moffat y Sherlock que comentamos en el último podcast de Yo Disparé a J.R.), he llegado a la conclusión que muchas de estas críticas provienen de las malas intenciones. Esto no es un alegato a favor de las críticas positivas, ni pretendo simular que todo comentario negativo queda descalificado porque solamente los fans pueden meterse con un producto, solamente que hay mucha mala uva y mucho falso seguidor.

Con esto me refiero a la cantidad de gente que simula disfrutar con una serie por el simple hecho de ser popular cuando jamás compra su propuesta y que espera al acecho al más mínimo defecto para decapitarla en público. Con Downton esto era bastante obvio. Gente que vende ese argumento de “antes me encantaba y ahora la aborrezco” pero que llevaba desde el primer día buscando incoherencias lingüísticas y de mobiliario con una lupa, esperando a que fallara. Sí, dio un bajón del primer al segundo año, pero si el primero no servía para sentar cátedra para el fin de los días de la serie, tampoco lo puede hacer el posterior. Y con Modern Family más de lo mismo.

Se puede vender que tiene gags más inspirados y episodios más bien engrasados que otros, pero fingir que la primera temporada era un diez en cada escena (cuando tampoco es verdad porque ninguna serie lo logra) solamente es un selling point para poder despotricar de las siguientes temporadas. También lo es intentar inculcar que las moralejas son excesivas a partir de la segunda temporada, cuando son esenciales desde el episodio piloto (es una comedia familiar). Y estaba cantado que el backlash llegaría porque no existe ninguna serie en parrilla que aguante el beneplácito del público 2.0 a menos que tengan millones de referencias nerds, meta y audiovisuales, porque este es el tipo de humor que suele triunfar por estos lares. Es la única explicación por la que una serie tan clásica y antigua como The Big Bang Theory puede sobrevivir a los voraces críticos de las sitcoms multicámara.

Y este es el problema del hype. No que cada uno tenga su opinión y que no todos valoremos las series por igual, sino la cantidad de gente que se sube a las modas sin saber dónde pone los pies y la cantidad de lobos con piel de cordero que esperan a que el barco encuentre un poco de mala mar para predecir su hundimiento.

(Y sí, es muy probable que si buscamos en el baúl de los recuerdos de este blog, resulte que yo haya pecado de todo lo que he estado criticando. ¿Me disculpo con antelación?)

Chuck vs El Final

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Sun, 05 Feb 2012 10:08:00 +0000

Criticar una serie es lícito pero otra cosa muy distinta es decir cómo debería haber sido de haberla tenido nosotros en las manos. No somos los responsables y por regla general soy de la opinión que se debe analizar lo que hemos visto y no lo que podría haber sido. Sin embargo, a veces cuesta hacer lo primero sin que comporte lo segundo, sobre todo porque cuesta no dejarse llevar por el potencial cuando lo tienes a la vista. Algo que, de alguna forma, me ha ocurrido con Chuck.

Teniendo en cuenta que la NBC compró una quinta temporada de la serie para que Josh Schwartz pudiera darle un desenlace decente que satisficiera a los fans (y éste debió casi regalarla para llegar a los 88 episodios necesarios para sindicar la serie), extraña que no planearan mejor el final. Sobre todo porque sabían muy bien cómo querían que terminara la serie y qué recurso emplearían para que fuera mínimamente épica y tuviera un clímax contundente en los últimos episodios.

A partir de aquí, spoilers del final de la serie.

Lo curioso, no obstante, es que se reservaron la amnesia de Sarah para los últimos tres episodios y, por más que le dé vueltas, no consigo entender cómo pudieron creer que ésta era la decisión adecuada. Parecía ser un apaño y no algo consciente desde que los guionistas supieron que tenían trece episodios para ponerle un lazo final a Chuck.

No puede ser memorable un final tan apurado, ni te pueden colar como “el gran desafío” un conflicto que aparece de golpe a dos episodios del final (recordemos que era el cliffhanger de antes de la doble season finale). Ni te puedes creer como espectador que Chuck esté dispuesto a renunciar a Sarah después de dos semanas de ausencia (por Dios, cuando llevas cinco años construyendo una relación, te esfuerzas un poquito), ni que ese tipo sin carisma llamado Quinn puede ser el ultimate villain. No pude evitar pensar en ese giro (antes visto pero igualmente efectivo) y pensar que estaba desaprovechado.

Los episodios hasta ese momento habían sido correctos, a pesar de mi escepticismo, aunque también es verdad que había cierto halo de “afterlife” en cada episodio, como si los argumentos ya hubieran terminado y sólo quedara homenajearlos. Salidas como la de Bo Derek (¡Bo Derek!), el cambio de Jeff, el falso accidente de coche de éste con Lester (que se repite una y otra vez) o la participación de Carrie-Ann Moss fueron divertidas ideas que entretuvieron durante la breve temporada. Pero, ya puestos que tienes una idea potente como la de Sarah, explótala con todas sus repercusiones.

Con esto me refiero a que pudieron incluir el conflicto desde el principio y ser tranquilamente el arco de temporada. Y, si hubiéramos visto a Sarah fingiendo estar enamorada de Chuck mientras planea asesinarle en cada capítulo, nos hubiéramos reído mucho más, al igual que habríamos sufrido con sudor frío en la frente y hubiéramos disfrutado con el resto de tramas que igualmente se habrían podido llevar a cabo.

Pero nunca sabremos cómo hubiera sido esta hipotética última temporada. Tendremos que conformarnos con algunas anécdotas monas sobre el ciclo que hemos vivido (los curiosos déjà vus como el del Wienerlicious, el virus del porno), una muy buena frase (“tell me our story” con una sonrisa de oreja a oreja de Chuck hubiera sido un perfecto plano final), pero también con una recopilación de flashbacks con muy poca clase y ciertos puntos en el argumento que no aportaban nada pero que Chris Fedak y Schwartz debieron creer que daban más sensación de cierre (Ellie y Awesome eran la mar de felices en Burbank, no sé porqué de repente tienen que trasladarles). Aunque, como premio de consolación por una season finale no muy bien llevada, siempre nos quedará la actuación de Jeffster y la cara de sufrimiento de Beckman. No tienen precio.

El corazón de las zorras vengativas

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 03 Feb 2012 11:17:00 +0000

En otoño la televisión americana es preciosa y casi todas las semanas tenemos episodios nuevos de nuestras series favoritas. Pero cuando bajan las temperaturas y creemos que en enero ya las tenemos todas de vuelta del parón de Navidad, de repente nos empiezan a fallar. Aquellos que no estuvieran acostumbrados a seguir las series a ritmo USA se habrán dado cuenta de que no todo es tan bonito porque los canales tienen temporadas de 22 episodios cuando ellos tienen 40 semanas para programar. Pero también hay alguna ventaja: después del último episodio de Revenge quise publicar una entrada que la holgazanería se llevó y aún he estado a tiempo de escribirla sin que esté caducada, que la ABC eligió un buen capítulo para dejarnos en ascuas.

A partir de aquí tiene spoilers de Revenge para aquellos que no vayan al ritmo americano (1x13).

Amanda Clarke (la verdadera, la que se hace llamar Emily Thorne por los Hamptons, aquella a quien llamamos Emanda con cariño) bajó la guardia durante unos minutos. Pudimos ver algo del interior de esa zorra carcomida por el rencor (un rencor muy justificado, por otra parte) y vimos con nuestros propios ojos cómo se le rompían todos los esquemas cuando Daniel Grayson hincó la rodilla bajo la lluvia. Está enamorada.

Puede que no lo esté de la misma forma que lo haríamos nosotros (por mal que nos caigan los parientes políticos, no hace destruirlos y reducirlos a cenizas), pero la mirada de Amanda (Emily, Emanda) nos transmitió que en realidad le hacía ilusión la proposición. Y, ya de paso, Emily VanCamp cerró el pico a todos aquellos detractores que cada semana critican que baja el listón de la serie. Podrá ser una actriz limitada (y mala) y por ello jamás trasladará su carrera al cine, pero su papel lo borda. Esas dosis de humanidad creo que hasta le habrían derretido el corazón a la bruja de Victoria. Y es que, por más vil que sea, todos sabemos que la abeja reina de la localidad tiene uno.

Está helado, seguramente a veces ni tan siquiera late y hasta debe haberse olvidado de él, pero tiene corazón y también tiene sentimientos. Y cada vez que Mike Kelley, el creador, nos busca razones para quererla, también nos da motivos para jalear a Emanda cada vez que mueve algún hilo para derrumbarla y borrarla del mapa. Bueno, en realidad lo que queremos es que se destruyan mutuamente y que, en el momento del enfrentamiento final, ya no quede ninguna alma viva (e inocente) en el horizonte aparte de estas diosas de la venganza luchando con su último aliento (despeinadas, con el rímel corrido y alguna uña rota, pero mucha dignidad y odio en la mirada, y seguramente algún temblor descontrolado en los párpados de Victoria).

Por el retrato de estas dos mujeres, Revenge es lo que es. Tendrá algún personaje secundario que podría desaparecer del mapa (los hermanos pobres espero que sirvan para morir a traición), pero ellas dos saben compensar con creces (junto con Nolan, tan histriónico como entrañable). En parte porque VanCamp y Madeleine Stowe hacen un trabajo espléndido (repito que visualizo a esta última recogiendo una estatuilla en el Kodak Theater) y también porque Kelley sabe muy bien cómo manipularnos. Sitúa ambos personajes en un gris muy oscuro, pero logra que una sea el mal y la otra el bien, un bien muy maligno que seguramente la mandará de cabeza al infierno (que levante la mano quien aplaudió con ese “jamás había tenido tantas ganas de casarme contigo”).

Y, si alguien duda del talento del responsable, que alguien se plantee qué nivel han tenido los últimos episodios del culebrón. La idea inicial era que la fiesta de compromiso tuviera lugar en el decimotercer episodio y al final lo aplazó dos semanas. ¿Y alguien lo ha notado? ¿Ha habido relleno? ¿No? Pues eso, que Mike Kelley es un genio.

Hay que ver Southland

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 02 Feb 2012 11:14:00 +0000

La ignorancia ya no es una excusa para seguir sin ver Southland. Entiendo que cuesta venderla debido a los prejuicios de la gente, que alguien desconfíe porque su futuro siempre está en el aire y que muchos tengan sofocos al leer que ya va por la cuarta temporada. Pero, a pesar de que en ella nadie cocine drogas en una roulotte, es una de las mejores series de la televisión.

Para empezar, el trabajo atrasado no es tanto. Este enero estrenó su cuarta temporada pero los episodios acumulados en los tres primeros años son más bien pocos: solamente 23. Esto se debe a que la NBC la estrenó en el midseason (siete episodios), la canceló después de haber rodado unos cuantos episodios de la segunda, que emitió el canal de cable TNT (seis episodios), y finalmente su nuevo hogar produjo una tercera temporada con menos medios y mejor planeada (10 episodios más). Así que nadie se asuste porque los deberes son relativos, que los episodios duran poco más de 40 minutos cada uno.

Después está, por supuesto, que es una serie policial y que gran parte del público odia una serie tan pronto le enseñan la placa. Pero hay que diferenciar. Esta no es una obra cuyo objetivo sea resolver crímenes. Southland lo que pretende (y consigue) es mostrar la rutina de quienes patrullan las calles de Los Angeles, un trabajo tan digno como desagradecido. Y, a partir de los conflictos a los que se enfrentan, podemos ver los caracteres de los agentes y ver cómo les afecta la miseria en las que se ven implicados, día sí y día también.

Recuerdo que en su momento leí unas cuantas críticas a la serie que argumentaban que era una versión ligera de The Shield y que no se atrevían a ir donde sí iba Vic MacKey, pero este no es el caso. Southland no intenta ahondar en la corrupción y en el uso del mal contra el mal (y hasta qué punto está justificado). Esto es un drama íntimo sobre la (des)esperanza de unos policías que intentan marcar una diferencia con su trabajo y que casi siempre se dan de bruces con el infranqueable muro que es la realidad. Y lo mejor es que, como dije en su momento, los reajustes presupuestarios de la tercera temporada (las producciones del cable suelen ser más baratas que las de las networks) permitieron que se acentuara más este aspecto.

Al tener que despachar unos cuantos personajes, pudieron elaborar en más profundidad la psicología de los agentes que se quedaron y pudimos entender mejor los fantasmas de todos ellos (destacan sobre todo los personajes de Regina King, Michael Cudlitz y Ben McKenzie), siendo aún más efectivos cada vez que se encuentran con un cadáver o deben desenfundar la pistola. Así permiten que, lo que podría ser una serie fea y cruda (que también lo es), sea un rincón de autenticidad, luz y emoción. Y en su cuarta temporada siguen por el mismo camino, uno que ya la ha alejado de la corrección para llegar a la excelencia.

El aniversario de un fracaso

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 01 Feb 2012 11:11:00 +0000

El mayor problema de las series de adolescentes es que no están bien escritas y ni tan siquiera se plantean que su público merezca cierta consideración. Sólo hace falta ver cómo una serie británica como Skins o las americanas Awkward y Friday Night Lights se han podido elevar por encima de la despreciada etiqueta teen por entender la psicología de unos personajes que, a pesar de ser menores de edad, nunca han sido despreciados. Al contrario, supieron entender la profundidad y los matices de los conflictos de sus protagonistas y así pudieron elaborar unos retratos coherentes. Que mucha gente es como Peter Pan y, al hacerse mayores, olvidan lo difícil que podía ser crecer.

Puede que la serie O.C. nunca estuviera a la altura de los ejemplos mencionados pero siempre consideré que la trágica Marissa Cooper expresaba bastante bien las inseguridades de la edad, los excesos a los que uno se puede sentir abocado y la incapacidad de enfrentarse adecuadamente a los obstáculos de la vida. Por esta razón, porque adoraba su adicción a la bebida y sus constantes desviaciones del camino correcto, hace cinco años me esperancé al ver que el creador de la serie, Josh Schwartz, volvía al mismo género con un drama titulado Gossip Girl que esta semana ha emitido su episodio número 100, una cifra nada despreciable.

Sin embargo, al ver el episodio, es inevitable sentir algo de desprecio por una serie que se equivocó de filosofía desde el primer episodio hasta su centenario. Narrando los conflictos de la élite social de los adolescentes de Manhattan, Gossip Girl siempre se equivocó de público. Proyectó todos las frustraciones de los niños grandes pijos, que aún se imaginan marginando al prójimo y mirándole por encima del hombro; ignoraron la esencia de los personajes desde el inicio (sólo hace falta fijarse en la conciencia de todos ellos, variable e inconstante como pocas veces se ha visto y cómo su protagonista jamás ha tenido personalidad); y la escribieron pensando que su público no se merecía unos mínimos a la hora de llevar a cabo los arcos argumentales.

Parecerá que soy un exagerado, pero Gossip Girl bien podría haber sido Revenge, el culebrón revelación de esta temporada. Al fin y al cabo, ambas empezaron retratando el auge y caída de distintas abejas reinas. Pero, pensando que estaban en un género menor para un público menor, era imposible que saliera algo decente. De aquí que defienda The Vampire Diaries (que está en la misma cadena) a capa y espada: queman una trama bien planeada en cada episodio y, mientras nos lo muestran, exploran matices muy humanos en sus protagonistas (la carga de hacerse mayor, la soledad del proceso, la intensidad del primer amor).

Lo que evidencia el truco para hacer una buena serie para adolescentes: saber qué se quiere contar y acordarse de que existen unos personajes con unas complejidades y dilemas. Porque, mientras se les trate como retrasados impresionables, difícilmente conectarán con estos productos y Gossip Girl, por más hype que tuviera, siempre estuvo a años luz de su público.

Después de la Super Bowl

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 31 Jan 2012 12:57:00 +0000

Para los que no nos interesa el fútbol americano, la Super Bowl del domingo tiene dos notas muy positivas. Primero, Madonna se encargará del entretenimiento de la media parte, lo que significa que irá a por todas con su último trabajo, MDNA, lo que suele intentar cada vez que un álbum suyo no funciona (y Hard Candy fue un flop a varios niveles). Y en el ámbito televisivo, lo que todos los analistas norteamericanos esperan es ver cómo funciona la nueva temporada de The Voice que se estrena justo después del partido.

La NBC no tuvo que exprimirse mucho la cabeza a la hora de decidir qué programa ocuparía semejante hueco de su programación porque, aunque todos recordamos lo bien que le fue a Anatomía de Grey o a Friends emitirse después de la Superbowl, también es un espacio que comporta muchas responsabilidades y no tenían muchas opciones. Pero, de por sí, no es tan fácil como emitir cualquier programa en la franja y ya está. Hay muchas expectativas y a la práctica se ha demostrado que sirve mucho más para consolidar productos ya populares que para lanzar de nuevos. De aquí qu ela FOX programara Glee el año pasado, aunque para entonces ya había explotado todo su potencial y sólo lo descubrirían a posteriori.

Esta temporada, sin embargo, la decisión de NBC tiene toda la lógica del mundo. La anterior primavera estrenaron el talent show The Voice con mucha promoción pero pocas expectativas por parte de la industria y el público, y les dio resultado. Las interacciones y valoraciones de Christina Aguilera, Blake Shelton, Cee Lo Green y Adam Levine de Maroon 5 encontraron su público con un formato mucho más humilde que X Factor o American Idol, en el que los mentores eligen a sus candidatos sin ver su físico en la fase de cásting. Y se nota que la NBC no tenía nada mejor. Sus series asentadas no cumplen los requisitos mínimos de popularidad o de interés y la historia ha dejado claro que estrenar una ficción nueva no es una buena idea (Extreme de la ABC se canceló antes de terminar la primera temporada).

Lo curioso es que nadie ha puesto el grito en el cielo por la decisión tomada por la NBC. Cuando la CBS eligió estrenar el reality Undercover Boss después de la Super Bowl (de planteamiento y seguimiento mucho más fácil que una serie) fueron muchos los que predijeron que era otro síntoma de que los canales habían dejado de apostar por la ficción de calidad. Pero a nadie se le ha ocurrido hacer tal afirmación con The Voice porque los críticos son muy conscientes que la NBC no tenía otra opción viable con las catastróficas temporadas que ha tenido en los últimos años.

Esta es una de las razones por las que la maniobra de emisión será muy observada y analizada. La NBC necesita un gran éxito para salvar el año de la quema y The Voice podría ejercer de buque insignia del cambio (que además se emite dos noches a la semana). Y también hay mucha curiosidad por ver cómo afecta al monstruo de la TV americana, American Idol, emitiéndose los dos al mismo tiempo, sobre todo ahora que FOX ha cansado a su público con X Factor en otoño.

Y para los que amamos la ficción de calidad será muy importante que funcione toda esta operación. Si bien el domingo comienza The Voice después de la Super Bowl, la serie musical Smash se estrenará el lunes después del talent show. Por lo tanto, si The Voice obtiene buenos registros y arrastra buena parte del público, Smash tendrá una mejor plataforma para construirse una audiencia, algo que es muy difícil cuando el público le ha dado la espalda a tu canal. Entonces veremos si, paradójicamente, la telerrealidad puede salvar a la ficción.

El efecto mariposa

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Sat, 28 Jan 2012 12:41:00 +0000

¿Cuántas veces hemos disfrutado con un piloto y a continuación nos hemos decepcionado, ya fuera de sopetón o poco a poco? No siempre es una cuestión de que el episodio sea engañoso, sino que al espectador le falta perspectiva para juzgarlo. Cuesta entender qué será lo que veremos cada semana, con qué avanzarán y cuál será su esquema posterior una vez haya pasado el efecto sorpresa.

En parte por este motivo me fastidia bastante emitir juicios al ver presentaciones de las series y sobre todo me ocurre con las series de cariz bastante procedimental. Una cosa es ver un caso aislado y la otra es comprarla semana sí y semana también. Y también están las series como Fringe y Alcatraz, que nunca acaban de dejar claro cuál es su esquema o jamás puedes estar seguro del todo que no decidan cambiar de opinión según la marcha.

El caso de Touch, que conste, es más bien el primero. Esta serie creada por Tim Kring, responsable de Heroes, es una serie de casos sobre las matemáticas del universo. Juega sobre la base de que todo el mundo está interconectado y que hay personas que son capaces de verlo tal y cómo es, entendiendo en cada segundo todo el pasado, el presente y el futuro, y pudiendo influir en los acontecimientos con el efecto mariposa.

Por lo menos este es el caso de un niño autista cuyo padre (Kiefer Sutherland) intenta entender las señales que le comunica su hijo e intenta cumplir sus objetivos junto con una asistenta social. Él no entiende la magnitud de sus acciones, pero un pequeño gesto puede salvar vidas en el otro lado del planeta. Y el problema que le veo es que es otro modelo de ficción de casos. No es policial, ni legal, ni médico. Trata sobre el azar y el destino, y con un episodio cuesta decidir si son variables demasiado poco sólidas para seguirla en una base fija. Y el joven protagonista hasta es capaz de predecir cuando la persona más random del planeta decidirá coger el teléfono para llamar a un familiar o un carterista elegirá a su próxima presa.

El piloto, que FOX estrenó más de un mes antes de que empiece su emisión regular, puede que fuera una bonita carta de presentación. Hay un padre que lucha diariamente por su hijo, un niño autista y muchas historias paralelas con alguna escena emotiva. Pero en todo momento pensé que sería incapaz de aguantarla semanalmente.

Su premisa requiere de demasiada fe de parte del espectador y creo que sería incapaz de comprarla muy a menudo, sobre todo porque da la impresión que todo está cogido con pinzas. Puede que fuera a ver Babel al cine, pero no iría a ver una entrega cada semana. Sobre todo cuando las intenciones de Touch buenistas son tan excesivas y los guionistas deberían sonrojarse por ser tan y tan sensibleros y facilones.

Supongo que este será otro caso curioso parecido al de Once Upon a Time: dependerá de cuánta magia sepan esconder en cada episodio y que el espectador se sienta mejor al finalizar el día. Aunque la ventaja de la producción de Disney (que ABC Studios les pertenece) es que pertenece al mundo de los cuentos y el de Touch se supone que ocurre en uno cruel y duro (hasta tiene una trama sobre un adolescente y el terrorismo islámico). Y a veces el cuerpo no puede aguantar tanta pseudociencia de final lacrimógeno. Ya se verá.

La ley de Brenda

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Thu, 26 Jan 2012 17:25:00 +0000

Cuando Brenda Leigh Johnson se presentó en sociedad hace siete años, ya mostró desde el primer momento qué virtud la diferenciaba de las demás damas y caballeros. Su sed de justicia la llevaba a hacer los interrogatorios más feroces de Los Angeles y, gracias a estas intervenciones, los sospechosos salían de comisaría esposados y hacia los juzgados con una confesión firmada. De aquí que la llamaran The Closer.

En estos años, no obstante, siempre ha habido algunos incrédulos que han considerado que las armas de esta mujer estaban al margen de la ley. Que no era ético hacer chantajes emocionales tan descarados, aprovecharse de la letra pequeña en cada acuerdo y que no valía decir verdades a medias.

Por supuesto que algunas veces cuesta entender que los testigos no entiendan las palabras “derecho” y “abogado” y que no hayan visto jamás una serie de policías para saber que lo mejor es cerrar el pico. Pero no solamente suelen tomarse la molestia de justificar porqué renuncian a este derecho o hablan incluso en presencia de su defensor (que tienden a exasperarse), sino que en su última temporada le han dado un matiz mucho más verosímil a todas estas maquinaciones por parte de Brenda cuando un abogado se empeña en llevarla ante los tribunales por dichos tejemanejes.

De esta forma, The Closer ha decidido legitimarse a si misma en lugar de despedirse con alguna trama de cariz únicamente personal. No pide al espectador que haga un salto de fe aceptando una forma de proceder bastante agresiva, sino que incluye esta petición de confianza en la propia trama. Pone a la protagonista y a la serie contra las cuerdas, como si The Closer estuviera siendo juzgada.

En el país de los litigios continuos, donde incluso hay abogados repartiendo tarjetas en las salas de espera de los hospitales, es normal que alguien quiera sacar tajada de las artes de esta mujer. Y sí, a menudo parece que se aproveche de la buena fe de la gente para salirse con la suya. Pero también hay que tener en cuenta que su labor es meter a los asesinos entre rejas.

Y en un momento en el que la sociedad se pasa el día hablando de lo injustas que son las sentencias y condenas del sistema judicial (por ser cortas y tener demasiado mano blanda) y por otra parte se pasa el día mirando con lupa que no se violen los derechos de los criminales, es por lo menos interesante la situación que plantea The Closer, sobre todo porque esa mujer prácticamente sentenció a muerte a uno de sus particulares clientes aprovechándose de la letra pequeña. Y podéis imaginar de qué lado estoy. Claro que, si la noticia saliera en los periódicos, me pregunto cuántos de sus seguidores le darían la espalda a la mismísima Brenda.

Los conflictos de los Braverman

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Wed, 25 Jan 2012 18:24:00 +0000

Los críticos yanquis tienen una especie de obsesión que no logro entender: aman Parenthood. Cuando llega la temporada de premios, piden que se la tenga en cuenta en todas las categorías posibles; y cada vez que hay un pequeñito avance o alguna anécdota, loan el episodio como si la familia Braverman hubiera conseguido abrir una intrigante escotilla.

Las opiniones que he leído al respecto de este drama familiar es que narra la relación entre padres, hijos y hermanos con mucho aprecio, dejando claro en cada plano que el amor les une a todos ellos, y presenta unos conflictos creíbles y verosímiles. Desde el diagnóstico de autismo de Max, a la idiosincrasia entre hermanos o lo complicado que es ser madre soltera. Sea lo que sea, los Braverman nos lo narran de la mano de Jason Katims, que ya demostró en Friday Night Lights que las historias cotidianas se le daban bien. Por lo menos según estos críticos y muchos espectadores, claro.

La ventaja que yo le veía a la finalizada serie deportiva es que contaba conflictos realistas, un tanto crudos, y lo hacía con el exceso emocional de la filosofía adolescente. Cada oportunidad era un sueño, cada error era un drama y todos ellos iban madurando con cada una de estas experiencias. Bueno, y hay que reconocer que se permitía ciertas licencias para beneficiar el dramatismo de la historia, ya que entendía que se trataba de ficción y, cuando se aparece en televisión, debe haber unas dosis mínimas de espectáculo o drama (mientras que los Taylor eran la constante que ayudaban a preservar el tono realista).

Parenthood, en cambio, optó desde el primer momento por una imagen cotidiana y una filosofía tirando a optimista. Hay obstáculos, enfrentamientos, pero en todo momento dan a entender al espectador que hay solución si existe amor. Y esto, además de provocar unos momentos muy ñoños, también impide que disfrute del drama y que acabe creyendo que todos son unos maridramas con nada mejor que hacer. Puede que sean verosímiles (y muy americanos, que la mayoría de las familias europeas no están ni la mitad de unidas ni se predican el amor diariamente), pero no creo que este factor alimente a la serie como tal. La distingue, es verdad, pero no la hace mejor.

Todos tenemos problemas, pero asumamos que muchas veces desde fuera se ven como tonterías (de aquí que sean insoportables) y muchas veces nos las vemos venir (de aquí que sus tramas sean completamente predecibles), pero esto no significa que seamos material para una serie. Por lo menos, si no añadimos algo de dramatismo o comicidad (la grandeza de Sexo en Nueva York es que era como una reunión de amigas sexualmente activas pero más agudas). Y por esta razón Parenthood bien podría no existir: porque para miserias triviales y predecibles, ya existen los cafés con las amigas y las tarifas planas telefónicas. Y seguramente las amigas serán menos irritantes que esta familia de moralistas.

P.D.Podcastero: Esta semana en Yo Disparé a J.R. tenemos un menú que nada tiene que ver con esta entrada. Comentamos el estreno de Smash, de Are You There Chelsea y tenemos a Montsinya de ByTheWay para hablar de Alcatraz. Bueno, además de comentar las evoluciones de Justified, que ha regresado con una tercera temporada, y de The Good Wife que tanto queremos. Aquí tenéis la guía y podéis descargar el programa en la barra lateral:

- 0: Presentación y Are You There Chelsea.

- 7': Smash, la revelación musical.

- 18': Alcatraz de JJ Abrams.

- 44': Justified, el estreno de la 3ª temporada.

- 55': The Good Wife con spoilers hasta el 3x13.

Una carta de amor a Broadway

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 24 Jan 2012 12:15:00 +0000

Siempre he simpatizado con el género musical porque una de sus ramificaciones es hacer que la vida sea más bonita. Quién no ha soñado con salir del portal de casa por la mañana y ponerse a cantar por las calles de la ciudad (y que no te miren mal). Por eso en su momento esperé con muchas ganas la llegada de Glee (que actualmente detesto) y ahora casi me moría por ver Smash, el musical que debe salvar de la quema la pésima temporada del canal NBC.

Hay muchos factores que juegan a su favor sólo antes de comenzar. La serie, que narra la creación y producción de un musical en Broadway sobre Marilyn Monroe, cuenta con la implicación de muchas figuras del mundo que retrata, empezando por su creadora Theresa Rebeck que ha escrito obras de teatro tanto para Broadway como el Off-Broadway. También tiene un elenco de primera, encabezado por Debra Messing y la siempre magnética Anjelica Huston. Y además cuenta con canciones propias, no solamente versiones de éxitos ya existentes (el recurso fácil, vamos). Pero lo mejor es ver el episodio piloto y constatar que, a pesar de todo el hype que rodea el estreno, está por encima de todas las expectativas.

Mi experiencia personal con la carta de presentación de Smash, si pudiera compararse con algo, sería con una historia de amor sacada de alguna novela victoriana donde los caballeros se enamoran de las jóvenes sin casi haber entablado conversación con ellas. Y es que Smash estaba tan guapa, tan mona y con tanto carisma, que casi tuve que resistir la tentación de pedirle matrimonio. Que los pilotos perfectos, aunque digan mucho de una serie, no necesariamente van seguidos de la misma pasión que evocan. Pero también es verdad que, cuando ves una preciosidad como esta, es difícil no emocionarse.

Se nota, por ejemplo, que Smash está hecha con mucho cariño. Se nota en los diálogos, en las interpretaciones, en los números musicales y en el uso de Nueva York. También se nota que, efectivamente, está creada por gente que ama el mundo del espectáculo y que sabe de qué habla (no vive en una realidad alternativa sino que la mayoría de las anécdotas que cuentan tienen una base real). Y, mientras que plantea muy rápidamente la premisa, no se anda con prisas. Muestra su filosofía, sus buenas formas y pone la primera piedra a todos los personajes (la productora, los compositores, el director y las actrices), pero no opta por excentricidades, sino todo lo contrario. Que el planteamiento lleve a presentarlos de una forma orgánica, que ya tendrán más tiempo más adelante.

Además, los musicales también son un género con otras reglas y es mucho más interesante experimentar qué visión tienen a partir de sus números musicales (espléndidos) que conocer todos los grises de sus personajes. Algo que, de todas formas, hacen ya que la presentación de las dos actrices que optan al papel de Marilyn es fantástica. Una es Karen Cartwright, la camarera sin demasiada experiencia, y la otra Ivy Lynn, más curtida en los escenarios. Y con el número de Beautiful de la primera nos queda claro porqué el director la quiere (Katharine McPhee es una monada) y otro entendemos porqué Ivy también se lo merece (las forzadas expresiones de Megan Hilty son reveladoras).

Y, lo más importante, es que cuando termina el episodio tienes ganas de más. De brillo, de canciones y de presencia (¡ay, Anjelica...!). Y de ver números como Let Me Be Your Star, que despide el episodio y es una delicia para los oídos. De hecho, hasta me cayó una lagrimilla de felicidad. ¡Algo como Smash existe!

Las amistades de Alicia

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 23 Jan 2012 16:09:00 +0000

En esta entrada hablo sobre Alicia Florrick en la tercera temporada de The Good Wife, así que puede haber algún spoiler encubierto.

Desde que The Good Wife empezó, siempre hemos tenido claro que a Alicia Florrick no le sobran las amigas. Cuando era ama de casa, se rodeó de acquantainces que se acercaban a ella más por el cargo de su marido que por su personalidad. Después, con el tiempo, las perdió todas y por lo menos en su nueva faceta como abogada nadie fingía tenerle aprecio por conveniencia. Bueno, estaba Kalinda. Y su traición, que lo fue, seguramente no le habría afectado tanto de no ser porque llegó a creer que se había ganado su admiración poco a poco con cada acto. Una amistad pura, podríamos decir. Y la tuvo que desechar.

En esta tercera temporada estamos con estas. Desde sus inicios vimos que sería la redención de Kalinda y, por otra parte, también lo más cercano a un descenso a los infiernos por parte de Alicia. Esto, curiosamente, vino de la mano de Diane Lockhart, la jefa del bufete que quiere acercársele ahora que su socio Will está en horas bajas y después de haber contribuido a que rompieran su complicada relación. No es una cuestión de si Diane es buena o mala, pues seguro que no es lo segundo, pero sí lo que representa para Alicia.

Diane, básicamente, le ha ofrecido más ambición que amistad. La ha avisado de que para triunfar hay que renunciar a ciertos aspectos de la vida, como el amor y la familia, que deben pasar a un segundo plano. Pero lo que caracteriza a Alicia justamente es esto, lo que la hace distinta de cualquier abogada de Chicago. Por supuesto que está excesivamente absorbida por su trabajo (las contrapartidas del éxito) y que es algo negligente con su familia y su vida sentimental, pero intenta mejorar. Esto es una buena esposa. Aquella que procura que su vida sea lo más cercana a la perfección, aunque esta meta sea imposible de alcanzar.

Además, desde los primeros episodios de la serie ya sabemos que Diane no es amiga de sus amigas. Será su compañera, pero jamás ha querido llevarse de tú a tú con una mujer a menos que quiera sacar tajada de ella. Ella disfruta jugando y goleando en la liga de los hombres, que por algo se lleva mejor con Will y con Eli de lo que ha hecho jamás con Alicia, con la que siempre tuvo reticencias.

Kalinda, en cambio, es consciente del carácter y la bondad de Alicia. De hecho, lo que le gusta de ella es justamente que la hace ser mejor persona, ni que sea de rebote. Siempre la ha admirado y, a diferencia de Diane, no desea que cambie. También contribuye que siente un terrible sentimiento de culpabilidad por su traición y, debido a ello, en el último año se niega a disfrutar de la vida como parte del proceso de expiación. Ya son varias las veces que ha dado a entender que no es buena persona ya que ni ella misma es consciente del buen fondo que tiene.

Estos caminos paralelos de Kalinda y Alicia, por más conflictos adicionales que haya de fondo, están siendo el motor de la temporada (como siempre ha defendido MacGuffin) y estimula ver cómo empiezan a cruzarse poco a poco. Ya hace semanas que sucedió un primer acercamiento y la cordialidad y cierta complicidad ya se ha reinstaurado. La cuestión que nos han arrojado ahora encima es si Alicia, de rebote, buscará un falso consuelo en su trabajo y venderá su alma como queda claro que sujetos como Diane, Will y Peter ya hicieron en algún momento. No tiene ni un pelo de tonta, pero esperemos que tampoco se pase de lista.

Los presos con sello

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Fri, 20 Jan 2012 09:24:00 +0000

Este otoño hubieron muchas más propuestas interesantes de las que podíamos creer a simple vista en las networks americanas. Dudo que alguien hubiera puesto la mano en el fuego por un culebrón como Revenge, que ha resultado ser la sal de la vida, o Once Upon a Time, que es una producto tan inofensivo como encantador. Pero algo que no hemos tenido han sido series que aparenten ser caras. Que tengan un nivel de producción que nos dejara con la boca abierta (o de esos que permiten a ciertos espectadores decir que “parece cine”). Hasta que llegó J.J.

No quiero entrar en un debate sobre el sello de J.J. Abrams en televisión porque a estas alturas diría que está bastante claro cómo funciona (si nos olvidamos de Undercovers). Nos vende obras con toques de ciencia ficción, plagadas de giros argumentales que nos dejan de vez en cuando con la boca abierta y los episodios están bien hechos. Son series bien dirigidas, con unos efectos conseguidos, una fotografía palpable y que ayuda a crear una atmósfera muy suya, con un buen cásting y la huella de Michael Giacchino, cuya música da luz y sombras a cada escena. Cuando puede, claro, que a veces debe adaptarse al modelo de la cadena (Person of Interest en CBS). ¿Y todo esto a que viene? Pues a que da gusto ver Alcatraz.

Su caso es curioso. Tuvo tanto y tanto hype por ser de quién era que, cuando le llegó la hora de emitirse, todo el mundo seriéfilo ya desconfiaba de ella. Yo el primero. Pero mi primera impresión no fue solamente que era un placer para la vista (esa San Francisco de fondo, unos flashbacks fantásticos), sino que parecía querer adoptar un nuevo modelo, el que primero creímos que ejecutaría Fringe y que Abrams exploró durante cinco temporadas con Alias: una serie de casos con una trama horizontal.

En Alcatraz, la detective Madsen (Sarah Jones) se une a una brigada secreta del FBI comandada por Emerson Hauser (Sam Neill) que captura antiguos prisioneros de la aislada cárcel de San Francisco, que desaparecieron inexplicablemente en 1963 en un incidente que fue encubierto por las autoridades. Pero lo más inquietante es que, cuando reaparecen cincuenta años después, los reclusos no han envejecido ni un sólo minuto y, como sospecha Hauser, tienen una agenda secreta.

La pregunta que debemos hacernos es si esta premisa, que recuerda bastante a Los 4400 (pero siendo todos unos asesinos), será utilizada con tacto o será exprimida, evolucionando y convirtiéndose en una serie mucho más complicada y serializada. De momento, en dos episodios ya han revelado unos cuantos apuntes bastante intrigantes. Sin embargo, a tenor del rápido desgaste de Fringe, me extrañaría que la Fox no hubiera avisado de antemano a los creadores, una Elizabeth Sarnoff salida de la escuela de Perdidos (y Deadwood y Crossing Jordan) y Bryan Wynbrandt y Steven Lilien que anteriormente han trabajado en un producto de ciencia ficción de cariz mucho más ligero como era Kyle XY.

Pero, como nunca me han molestado los procedimentales de calidad, no me importa demasiado si deciden quemar cartuchos o se toma su tiempo resolviendo crímenes semana sí y semana también. Siempre que mantengan así de elevado el listón y sea tan entretenida, seria, misteriosa y explote todo el potencial que tiene, claro.

Las irritantes clases de Don Cheadle

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Tue, 17 Jan 2012 17:25:00 +0000

Que House of Lies es una crítica al capitalismo más salvaje salta a la vista. Es una comedia que gira entorno a Marty Kaan, un consultor que cree que el cielo es el límite y que satisface a las empresas vendiéndoles humo sin que se den cuenta. Y cada vez que el protagonista interpretado por Don Cheadle se dirige a la cámara y nos cuenta cómo funciona su trabajo, que no tiene principios y que le importa un comino trabajar para los villanos de la situación económica actual, como espectador siento que desconfían de mi capacidad de comprensión. Lo que, vista la complejidad de este caso en particular, es ofensivo.

Pero más allá de que este recurso de cargarse la cuarta pared es repetitivo, cansino y pedante, el mayor problema de House of Lies es que, como muchas otras veces le ha ocurrido al canal Showtime, se pasan de listos y de conceptuales. Está bien tener una idea transgresora, pero desarróllala y atente a las consecuencias. No hagas como en United States of Tara, The Big C o Nurse Jackie, donde jamás se han atrevido a llevarlas cómo y hacia dónde la esencia de la serie les pedía, tanto en tono como en trama, por cobardes o por guiarse por un criterio de polémica que jamás he entendido.

En el caso de esta cínica comedia, por ejemplo, bordan todo lo que tenga que ver con los excesos que atribuimos a los tiburones corruptos del ámbito empresarial que se han comido el estado del bienestar. Drogas, tetas y alcohol, y unos personajes tan insoportables como reprobables moralmente. Y si se quedara en esto, no podría negarme a respetar House of Lies como serie, aunque seguramente seguiría sin ser de mi gusto porque tiendo a preferir obras con más corazón. Pero cuando su responsable, Matthew Carnahan, quiere que nos traguemos licencias emocionales para redimir al protagonista, no solamente se carga la intencionalidad del producto sino que le quita consistencia.

Para ser exactos, nos vende que Marty Kaan, que no tiene moral alguna, tiene un punto débil: su familia. No solamente “es así porque el mundo le ha hecho así” y porque su madre se suicidó cuando era un niño, sino que comprende y defiende la decisión de su hijo de vestirse de chica y de interpretar a Sandy de Grease en el musical del colegio. Como decía no sé qué crítica norteamericana, estas dos facetas del mismo personaje no encajan.

Esta dicotomía inverosímil ya permite que desprecie a la serie más allá de sus personajes. Molesta que, por enésima vez, Showtime sea incapaz de atenerse a las consecuencias de sus propias ideas, lo que es particularmente irritante cuando encima te trata como a un estúpido y sus personajes son de bofetada. Y sí, las drogas, tetas y alcohol tienen una razón de ser porque representan los excesos que han imperado en el entorno empresarial y económico de los últimos años. Pero todos sabemos que, si Showtime ambientara una comedia en una guardería regentada por monjas, encontraría alguna excusa para colar carne y vicios en cada episodio. Por lo tanto, puede que solamente acertaran por defecto.

P.D.Podcastero: De House of Lies hablo en el último podcast de Yo Disparé a J.R. con mi companion Marina Such, en un programa muy completo. Desde los Globos de Oro, a los retornos de 30 Rock, Fringe y American Idol, pasando por la extraña filosofía cómica de Up All Night. Os lo podéis descargar aquí, en la barra lateral y aquí tenéis la guía:

- 0': Presentación y los Globos de Oro.

- 9': House of Lies.

- 18': El regreso de 30 Rock.

- 27': Up All Night.

- 36': American Idol con Cristina Garde de invitada.

- 1h 7': La vuelta de Fringe con spoilers hasta el 4x08.

El instinto de la señora Bishop

noreply@blogger.com (Crítico en Serie) — Mon, 16 Jan 2012 10:03:00 +0000

Esta entrada contiene spoilers del último episodio de Fringe, el 4x08. Así que, si aún no lo habéis visto, ya sabéis que os toca hacer y después pasad por el blog otra vez.

A estas alturas está claro que Peter Bishop es la clave de la existencia de realidades paralelas y cualquier matiz de su existencia, desaparición o muerte afecta la(s) realidad(es) presente(s) de un modo absoluto que somos incapaces de comprender. Ni el propio observador que sigue sus pasos logra sacar algo en claro de la no-existencia errada de Peter, que sobrevive en forma de residuo sacado de contexto en la línea temporal naranja.

Pero, mientras que todo esto está por encima de nosotros, Fringe ha hecho una fantástica labor extrapolando el conflicto a una escala mucho menos teórica y más emocional, demostrando a partir de la psicología del personaje de Walter Bishop las consecuencias del más mínimo cambio. Y cuando digo Walter me refiero a Walter, Walternate y las versiones anaranjadas de ambos.

Cuando el Walter (normal) naranja explicó a Peter que no quería ayudarle, estuvo muy lúcido (tanto él como los guionistas). Mientras que los Walters están enloquecidos por haber cargado con demasiadas culpas (con distintos matices), los Walternates son más viles porque siempre han sido usurpados de sus hijos (también con distintos matices). Pero, fuera cual fuera el Walter, todos han tenido una variable común: Elizabeth Bishop.

La madre de Peter del universo azul se suicidó al no poder soportar haber criado voluntariamente el hijo de otra después de haber vivido la muerte del suyo. La del rojo vivió la angustia de desconocer dónde había acabado Peter, que un día desapareció sin dejar rastro. Y las del otro universo también tuvieron que experimentar la muerte de un hijo.

Los responsables de Fringe, no obstante, jamás se habían tomado demasiadas molestias en demostrar hasta qué punto esta figura era importante. Sí, casi todas las Elizabeths habían aparecido en un momento u otro pero siempre habían sido comparsas para entender a Walter Bishop. Nunca había habido un momento que estuviera especialmente dedicado a ellas, sufridoras por partida doble: por la tragedia relacionada con los Peters y por estar casadas con un genio loco (las azules) o un frío vengador (las rojas).

Supongo que por este motivo, el encuentro entre la señora Bishop y el único Peter adulto que haya existido fue tan simple como tierno. “Peter”. Solamente necesitó mirarle durante un segundo para reconocer en su mirada a su niño. Y ella, a diferencia de los demás personajes de la serie, explicó con cariño en la mirada como los universos alternativos le habían permitido enfocar su muerte con positivismo. “Me dije a mí misma que, si existía otro universo, en alguna parte tú crecerías, serías feliz y te enamorarías. En alguna parte tendrías una vida, sólo que no aquí”.

Si algo podía sobrevivir a tanta confusión interuniversal, era el instinto maternal de la mujer de Walter. Puede que igualmente me haya quedado con ganas de más (también porque Orla Brady siempre aporta algo extra con la mirada), que siga pensando que la madre de Peter es uno de los personajes menos explotados y explorados de la serie, pero mientras haya perlas tan tiernas como esta, Fringe estará a un alto nivel. Porque tendrá mucha clase en las formas y una trama francamente estimulante, pero también mucho corazón. Casi tanto como Elizabeth Bishop.