CRÍTICA DE CINE Y TELEVISIÓN

2012-08-21T17:35:00.000-07:00

LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS.

2012-08-09T14:27:00.000-07:00

CRITICA IRREVERSIBLE

Tomando en cuenta la critica realizada por Oswaldo Osorio sobre la película irreversible como el mismo lo dice no es que esta película sea el boom por el hecho de presentar primero el final y luego desarrollar la historia de atrás hacia adelante, porque eso ya no era novedad a la hora de realizar este filme, pero lo verdaderamente increíble es como esta película logra reacciones él en público totalmente inesperadas, es como nos pone en un mundo de situaciones que puede llegar a tocar susceptibilidades es mas tengo una expresión muy coloquial y es “ esta película es para gente con mucho estomago”.

Ante tanta confusión y formas de ver el filme la trama central de la película es la violación y el ultraje de una mujer en un túnel peatonal, luego de esto viene la venganza del novio y el ex novio de esta joven mujer que se ven envueltos en muchas situaciones adversas para encontrar al violador volviéndose complemente locos, desde robarse un taxi, hasta entrar a un bar gay de fiestas swinguers y de total descontrol.

La historia se a simple vista es sencilla pero viéndola como no la muestra el filme nos pone en suspenso en confusión y en mucho desespero ya que las imágenes y el manejo de cámara son muy bruscos y junto con la música hacen un complemento perfecto para marear eh indisponer algunos de los que ven la película.

Creo que el cometido de un guionista y un director de películas es que su historia o por lo menos las imágenes de sus creaciones se queden en la retina de quien las mira o por lo menos despierte reacciones temporales en alguno de sus sentidos, pues bien creo que esta película logra esto ya que la eh visto 3 veces y no puedo evitar sentir rabia, horror y hasta taparme los ojos en el momento de la violación cada vez que veo esta película.

Muchos pensaran que el manejo de cámara es poco cuidado desprolijo y hasta raya de lo ordinario pero la realidad es que esto no es en vano o no se realizo por aburrir o marear al publico, simplemente si vemos la trama en la película no hay muchos momentos tranquilos son más los momentos de pánico de persecución de emociones psicóticas, entonces eso es lo que Gaspar Noé quiso plasmar en el manejo de la cámara que todos viviéramos ese tipo de sensaciones y emociones que Vivian los actores.

La película y la crítica de Oswaldo nos muestran claramente otro patrón dentro de la sensación que deja y es que dentro de este filme el futuro es lo único cierto es lo único que hay una posición un poco surrealista.

Otra de las grandes controversias es el pensar que es lo que el director realmente busca por medio de este filme es que tomemos conciencia que no se busca asquear si no educar ante la secuencia del subterráneo. Mostrar toda la violencia que el ser humano es capaz de trasladar a otras personas, sintiéndonos rehenes de nosotros mismos a la hora de realizar actos tan abyectos en un hipotético futuro, y dónde además, sería ilícito y cobarde sugerir, ya que limitaría el acto a una mera gamberrada; removiendo almas, conciencias y pensamientos. No sólo el estómago.

Darío Galeano.

CRÍTICA A IRREVERSIBLE

Por: Carolina Triana.

Lo extraordinario de una historia simple. El tratamiento que se le da a una historia a través del manejo de la cámara y su manera de narrarla en imágenes, sin dejar respirar o parpadear siquiera al espectador. Choca al espectador, lo puede confrontar con sus fantasmas, lo hace sentir como si el enemigo le estuviera respirando en el hombro.

Estoy de acuerdo con Sergio Osorio en los no prejuicios, puesto que el espectador aquí se debe alejar del no tratamiento escueto de los sucesos e infortunios de la vida. Ver la violación de Alex es algo desgarrador, a veces insoportable y repugnante, así como el asesinato en venganza de su supuesto violador. Sin duda alguna, aquí se requiere de un espectador que si bien es susceptible y un ser humano al fin, debe abrirse a la cruda realidad que nos quiere trasmitir la película.

Resalto, al igual que Osorio, la importancia del tratamiento de la historia que la hace como fuera de todo, fuera de serie, rompe con la linealidad de las historias y el plano secuencia en ciertas escenas hace que ese relato fílmico sea más chocante y único, otorgándole una condición extraordinaria de realidad, frenesí y la posibilidad de habitar mentalmente otras espacialidades.

También es una película cifrada y simbolista que le va dando pistas al espectador, puesto que es muy fálica y anal, por ejemplo el bar donde buscan a Núñez se llama “Rectum” recto, Alex sufre una violación anal y luego en el antes de la historia está Marcos expresándole a su novia Alex que lo quiere hacer por detrás.

No estoy de acuerdo en que no sea una película de sorpresas por el simple hecho de empezar por el final, al contrario es un entramado que enreda al espectador empezando por el final de la historia y que termina con un antes muy tranquilo que por ese mismo hecho, confronta al espectador y lo despierta como después de una pesadilla.

Le delega al espectador la angustia y la responsabilidad de conocer el futuro, cuando “Alex” (Monica Belucci), recibe el consejo de la extraña por la calle y empieza a pasar el túnel, uno como espectador comienza a gritarle mentalmente: “no pases por ahí, salte de ese lugar, algo malo va a pasar…” y a hacer fuerza para que emprenda su huida y no le preste atención a la discusión de “pareja” que lleva Núñez el violador con una travesti.

Ésta es una película que le da la potestad a los espectadores de saber el final y sus imbricaciones, en esa medida podríamos hablar de una cámara diáfana que registra una ficción.

Asimismo, es una película que tiene contrastes fuertes en el manejo de la cámara y los movimientos, pues pasa de unos planos secuencia frenéticos, pulsantes acompañados de música industrial, a unas imágenes relajadas, comunes, pacíficas y con luz que se contrapone a la oscuridad imperante en las primeras escenas.

Gaspar Noe no tiene temor a la hora de abordar una acto sexual violento contra la mujer, sin desgarros ni tapujos, así como tampoco tiene censura frente a ello, pues lo muestra sin juicios ni tratamiento compasivos.

IRREVERSIBLE, una historia que nos muestra los quiebres posibles de las historias que nos han contado, y que nos da poderes que incapacitan a la hora de ver lo irreversible del destino que nos buscamos, nos forjamos o quizás nos toca.

IRREVERSIBLE: La cualidad de lo vivido

“Es una película que nos otorga una extraña facultad que nunca tendremos y, en esa medida nos proporciona una desconocida forma de ver las cosas”

Oswaldo Osorio, Kinetoscopio. Vol 14. N. 68

El daño ya está hecho y lo ocurrido como el título de esta película es Irreversible. La premisa de IЯЯƎVƎЯSIBLƎ (2001) del director argentino Gaspar Noé es simple pero trascendental: No podemos cambiar lo ya vivido, solo nos queda el pasado y la posibilidad de recordarlo.

Esta película no está hecha para sorprendernos con giros en la trama, no ofrece sorpresas en su historia, ya conocemos el final. Las consecuencias de todos los actos de los que seremos testigos durante 97 minutos son presentados en las primeras secciones , así que lo ofrecido es una constante sensación de impotencia y la posibilidad de descubrir las motivaciones y sentimientos de los personajes.

Oswaldo Osorio en su crítica para la revista Kinetoscopio nos lo advierte, con esta película es fácil caer en la trampa y dejarnos llevar por los prejuicios; y es que los prejuicios estéticos y morales son el principal enemigo para este film. En palabras de Osorio el cine esta hecho de convenciones, sin embargo las convenciones utilizadas en esta película son resientes, contar la historia de atrás para adelante, usar planos secuencia y abusar de la cámara errática proponen una estética cargada de convenciones pero diferente desde el primer momento.

Es así que una pregunta justifica a Noé, ¿cómo un director puede contar una historia truculenta, oscura y violenta y valerse no solo de la trama sino de elementos propios del lenguaje cinematográfico? Pues bien, Gaspar Noé cuenta una historia apropiándose de un lenguaje convencional, convirtiéndolo en propio y narrando a un ritmo cambiante y acorde con la historia. El lenguaje cinematográfico en esta película no solo es una convención o un código, narra en la misma medida que la historia y los diálogos.

El ritmo de esta película nos lleva desde los caóticos momentos de venganza vividos en el bar Rectum en un Paris nocturno lleno de excesos y violencia, hasta la paz de la escena final donde se nos presenta a la protagonista recostada en un parque en un tranquilo día de verano. De un ritmo acelerado, caótico y errático nos movemos lentamente por momentos que disminuyen la intensidad y permiten acercarnos a la intimidad de los personajes.

La violencia con que Pierre el ex esposo de Alex asesina a un hombre al inicio de la película contrasta con el tímido y tranquilo ser que se nos presenta más adelante, como plantea Osorio “nos revela la verdadera dimensión del dolor y la desesperación que siente por el brutal ataque de que ha sido víctima Alex”. Todo el tránsito de los momentos caóticos a la calma de la escena final no solo se manifiesta en la trama y los diálogos que se hacen más largos y cotidianos, sino también en los movimientos de cámara y el ritmo de la narración , los planos se hacen más largos y con ello somos transportados a la calma y cotidiana vida pasada de Alex, Marcus y Pierre.

“Alex” al igual que para Oswaldo Osorio es un nombre que en un inicio no me provoca mayor empatía, más aun por un momento uno llega a creer que es un amigo de alguno de los dos hombre que buscan con desesperación a quien le hizo daño. Sin embargo viene la revelación del personaje, Alex es la esposa de Marcus y la ex esposa de Pierre, fue violada y nosotros seremos testigos durante una larga e intensa escena sin cortes de la violencia a la que fue sometida.

Conocer y entender a los personajes y lo que los llevo a un destino triste y problemático nos enfrenta a nuestros prejuicios morales. Una escena que puede resultar incómoda para unos, eterna para mí pero como dice Osorio inolvidable para todos nos presenta el ataque y violación del que fue víctima Alex; es imposible que esta escena no provoque algo en el espectador, asco, incomodidad, repulsión o le resulte insoportable de ver. Esta escena es el clímax de la película es cruda por lo explicita y fuerte por la carga de violencia, es el detonante del presente y la culminación del pasado tranquilo de sus personajes.

Conocemos de antemano lo que les pasara a los personajes, así que es imposible no sentir impotencia ante un futuro inevitable por lo ya vivido, porque nosotros como espectadores conocemos el final de esta historia, ya lo vivimos. La película es un recuerdo que nos transporta a tiempos mejores y un recordatorio de lo irreversible, la cualidad de lo vivido.

Ver esta película implica estar abierto a una experiencia diferente que nos enfrenta a nuestros prejuicios morales y estéticos. Aun cuando la historia es simple y los recursos convencionales el director lleva lo simple y convencional al límite ofreciendo una película diferente a cualquiera. En esta película el tiempo de los planos y el movimiento de la cámara son recursos rítmicos aprovechados de manera excepcional. La apuesta por contar la historia al revés (atrás hacia adelante) es una forma de reforzar lo que yo considero es la premisa de esta historia: No podemos cambiar lo ya vivido, solo nos queda el pasado y la posibilidad de recordarlo.

Ana María Medina

CRITICAS LA JETEE

2012-08-09T10:38:00.000-07:00

Adriana lucia Cruz Morales

Comunicación Social-Periodismo

La Jetée

La Jetée, que traducido el español significa ‘El Muelle’, es una película del escritor, fotógrafo y director de cine francés Chris Marker, a quien también se le otorga la contribución al documental subjetivo.

Esta película de ciencia ficción, a blanco y negro, es contada a través de imágenes estáticas, una voz en off de un narrador que nos va introduciendo en la historia y acompañado de una banda sonora que nos va armonizando.

Esta pelicula cuenta la historia de un hombre que queda marcado desde su niñez por ver morir un hombre mientras él se encontraba en el aeropuerto. Años más tarde Francia fue arrasada por la III guerra mundial, dejando el lugar inhabitable debido a la radiactividad obligando a las personas a refugiarse bajo tierra en cuevas, pero dichas bases en donde se realizan experimentos con personas y entre estas es escogido el protagonista de nuestra historia para realizar el experimento, con el propósito de conseguir comida, medicina, fuentes de energía, etc.

Este experimento mantendrá a la persona en el espacio, haciendo que el regrese al pasado y se encuentre con una mujer que marco su vida, esta historia narra idas al futuro y al pasado donde siempre se encuentra con la misma mujer pero ella no se sorprende de la situación. Finalmente el hombre decide regresar al pasado al aeropuerto donde esta aquella mujer y donde se da cuenta que un hombre lo había seguido desde que dejo la cueva, mientras que ese otro personaje saca un arma y le dispara. Haciendo alusión a la misma escena de su infancia donde muere el hombre, ese hombre que era el mismo.

Me llamo la atención de esta película como se puede hacer cine sin pensar en las reglas establecidas y con esta consecución de fotografías, eso sí con cuidadosos planos y con detalles hacen que haya una buen narración de la historia, no sé cuanto presupuesto se necesite para realizar este tipo de películas, pero lo que sí es cierto es que es creativo y recursivo, ya que solo conto una breve momento en movimiento.

Me parece que el discurso narrativo también es bueno y nos ubica durante un acontecimiento importante como es la III guerra mundial, con las armas nucleares y donde se ven las secuelas de la guerra, el hambre, la muerte, enfermedades, etc. Una pandemia total.

Para muchos esta es una excelente película de bajo presupuesto una obra maestra para el cine de ficción.

LA JETEE

Un Film de Chris Marker

Con: Hélène Chatelain, Davos Hanich, Jacques Ledoux.

Francia, 1962 – 35mm – Blanco y Negro – 29 min

La jetee hace parte de esos no lugares, donde sucede todo, pero nada permanece; allí la memoria viaja en el tiempo, intentando esa búsqueda incesante del hombre por revelar y obtener lo que no está a su alcance.

Historia que narra una época, un momento, un amor y la realidad única que nos dice lo vulnerables que somos ante el afanoso tiempo que nos rapta los instantes. Imágenes con puntos vacíos que le permiten al espectador recrear, imaginar y reconstruir cada detalle que la foto fija deja fuera de su encuadre; y aunque la historia es narrada en imágenes estáticas que imperceptiblemente pasan por nuestra memoria, lo que vemos increíblemente es el mover del cabello de aquella mujer que espera en el muelle a aquel hombre que viaja por el tiempo; tanta seducción hay en cada imagen que acompañado de una narración sugerente y sonidos que ambientan cada momento, nos muestran una historia que respira y se mueve en cada fotografía.

En la Jetee, lo sombrío y temible no reside en los recuerdos del pasado ni en el inesperado futuro, si no en el cruel momento presente.

ANGELA ORNELLA BETANCOURT

LA JETÉE

Jean Luc Goddard dijo en una ocasión “La fotografía es verdad. Y el cine es una verdad 24 veces por segundo”. Gracias a la película El muelle o como se le conoce mundialmente, La Jetée; podemos decir que el cine también puede ser una verdad en fotografías durante 1598 segundos.

Este es un film experimental en foto fija del director francés Chris Marker, quien nos introduce en toda una trama que se sustenta con la voz del narrador y toda una gama de fotografías que describen cabalmente los detalles que se le escapan al audio. Los efectos de sonido a cargo de Trevor Duncan también son un soporte en la trasmisión de sensaciones dramáticas. La fotografía resulta fundamental por que el cine que siempre ha sido la imagen en movimiento, en esta película es la fotografía, sus planos y encuadres las que producen la imagen en la mente del espectador. Pero el mayor trabajo desde mi perspectiva estuvo a cargo del mismo Marker quien a través de un ingenioso argumento, lleva al espectador por toda una componenda en la que la memoria juega un gran papel esencial.

Un buen recomendado del cine de ficción en fotografía fija.

Por: John H Feria

La Jetée (1962) Chris Marker, es una película francesa de ciencia ficción de 28 minutos filmada en blanco y negro. En ella, se relata la historia de un experimento de viaje en el tiempo llevado a cabo tras una guerra atómica.

Es otra propuesta del cine, mostrada por el director de la misma Chris Marker, toda una historia contada a través de una secuencia de imágenes en movimiento, cuya narración le va dando el sentido a la película. El jugar con los tiempos, pasado, presente y futuro la vuelven toda una ficción que lleva al espectador a ver la conclusión de la historia, si bien es solo imágenes, el contextos de la historia si concientiza, sobre una época, un lugar y un hecho especifico, un experimento de viaje en el tiempo y una guerra atómica.

La secuencia de las imágenes, muestra una de las ciudades más devastadas como París, debido a la Tercera Guerra Mundial y por ende a los habitantes los cuales deben refugiarse bajo tierra debido a la radiación que impregna la superficie, pero que más adelante el personaje principal lleva al espectador también a viajar con él en el tiempo, con el propósito de conseguir comida, medicina, fuentes de energía y demás.

Considero que para ser un filme de 1962, el director se arriesga a pensar en una civilización pacifica, en seres humanos avanzados y desde luego la fuente de energía que puede construir la industria humana, sin dejar de lado los sentimientos que este personaje siente por la mujer que ve en su pasado presente y futuro. Finalmente con esta película se logra comprobar que la ficción puede llevar a concientizar al espectador, sobre hechos que marcaron la humanidad, pero que puede reflejarnos como seres humanos débiles y quizás muy indefensos con nuestro porvenir.

MAYERLY URREGO ROJAS

Comunicación Social - Periodismo.

La jetée – El muelle (Chris Marker)

A través de un cortometraje realizado con foto fija, Chris Marker nos relata una historia de ciencia ficción bastante peculiar y fantástica para el gusto de algunos.

La posibilidad de recrear imágenes mentales debido a la carencia de movimientos en las mismas, es lograda a través de la imaginación del espectador por la necesidad que tiene de hallar acción y seducción en el relato. Sin embargo, se torna más densa al cabo de 20 minutos de proyección causando distracción y cierta pérdida en la secuencia de las escenas por el mismo esfuerzo mental que se hace para ligar cada imagen, representarla mentalmente y dinamizarla.

La secuencia narrativa del corto hace un paralelo entre el mundo real y la ciencia-ficción que genera la posibilidad de viajar en el tiempo, un viaje que obliga al protagonista a decidirse por una condición de vida en la que se ve involucrado de manera directa por ser su vida misma la que se encuentra en riesgo.

De esta manera Chris Marker nos remonta a una época alejada de nuestra realidad mas próxima en sucesos mas no en tiempo ni espacio, dándonos una perspicaz visión de la creatividad misma del hombre por su subsistencia al modo de recurrir a prácticas tan fabulosas como la tele transportación en el tiempo a través de la mente misma y preservando y distinguiendo la importancia que desde tiempos atrás tienen este tipo de temáticas en la producción de cine a nivel mundial.

Es una buena trama sin duda. Atrapa al espectador y esto permite que a pesar de tonarse inapetente al final, se pueda concluir la historia con el gozo de visualizarla por completo y con la gran sorpresa que se da con el destino del protagonista, un toque fulminante y de gran calidad artística para poder afirmar que–“vale la pena ver esto”-.

Nathalia Juliana Escobar Avila

Cod. 051250312008

Critica de cine y Televisión

Comunicación social y Periodismo IX

UNIVERSIDAD DEL TOLIMA

La jetée, otra forma de ser cine.

Por: Oscar Javier Sosa B.

Una interesante propuesta es la que nos hace Chris Marker, con este film (la jetée) que muestra la historia de un hombre que queda marcado desde su infancia por ver morir a un hombre durante un tiempo en el muelle de un aeropuerto, seguido de una serie de experimentos que se hacen después de una guerra atómica.

Esta foto historia, a blanco y negro tiene 28 min, de incertidumbre ya que la fotografía hace que el espectador tenga que dar un poco más, para poder entender las secuencias que el director plantea, además la ambientación sonora y el efecto de las imágenes hacen que el film no sea tan plano y le dé más dinámica y ritmo al corto. Una historia muy bien planteada que evoca un poco de ciencia-ficción y un final circular que nos lleva al mismo lugar donde empezamos.

Esta película sin duda pertenece a una ola que a mediados de los 60 nació en Francia con grandes directores como, Jean Luc Godard y François Truffaut, este suceso fue denominado como Nouvelle Vague, (nueva ola) y no cabe duda de que Chris fue tentado por esta ola para realizar este corto, que rompía con la rutina del cine de teatro y lirico de esta época.

La invitación es para aquellos amantes del cine a blanco y negro, que desean ver una diferente de hacer cine en fotografía fija y con buen contenido.

La Jetée

Por: Carolina Triana.

Código:051200262008

“Indagar imagéticamente las diferentes temporalidades y espacialidades, las variadas maneras (simbólicas y materiales) de estar en el mundo”. Nicolas Guigou

Las posibilidades de la visualidad implican viajes y juegos concretos alrededor del tiempo y las espacialidades, situación que creo podría ser más complicada a través de otros sentidos o de otras artes.

Aquí Marker nos muestra una gran habilidad para relatar una historia y sus múltiples temporalidades y espacios a través de un narrador omnisciente que se apoya en imágenes, pero el asunto es más complejo, porque lo que hace es ponernos a viajar con su protagonista a través de imágenes fijas, pues dentro del plano no existe casi movimiento sino un muy buen montaje que simula ese movimiento, y que hace una película, que juega con muchas cosas, como contar una historia es distintos contextos históricos, demostrándonos que el tiempo no es lineal, explorando los quiebres de la luz y del tiempo, por donde se fugan los espacios y para poder vivir de nuevo nuestros recuerdos o mirar un futuro que ya ha pasado.

En la Jetée juega un papel importante, la memoria y los recuerdos, ligados siempre a la imagen y al sincretismo y a la vez simbolismo que estas pueden contener en el desarrollo de nuestras vidas y del mundo en general.

Esta película tan particular plantea paralelos entre lo onírico y lo vívido, la ficción y lo real, así como las inmensas posibilidades de la mente para viajar y resquebrajar el tiempo.

Para hablar de buenas historias en el cine: La Jetée

Beatriz Helena Alba Sanabria

Viajar en el tiempo, ir del pasado al futuro y eternizar un momento en ese viaje divago, inconstante por retener eternamente los buenos momentos, es un juego pernicioso que confunde nuestra real existencia. Chris Marker relata desde su ciudad Paris, su visión futurista de un mundo apocalíptico, golpeado por las guerras nucleares y con la intención de revertir las consecuencias a base de experimentos humanos.

Para tal fin Marker recrea una historia a través de fotografías en blanco y negro y un narrador omnisciente que lleva la línea de la historia grafica, el plano, el encuadre, el ángulo fotográfico serán entonces los elementos para encontrar al sublevante hombre que realiza los experimentos, en un contrapicado que le da poder o por el contario un picado a los hombres experimentados que sufren, desde los detalles del rostro de la encantadora chica hasta las devastadoras ruinas de la guerra.

Sin duda el cortometraje de Marker es un ejercicio importante para el cine, por lo profundo y complejo de su narración, un planteamiento que asevera las características de la guerra, que exalta los valores de la ciencia en estos procesos y que juega con los recuerdos más humanos en la apropiación de una atmósfera inhumana que se ve devastada por lo cruel de la humanidad, es entonces la chica elemento que reelabora la insistencia en el pasado que le imprime la importancia de recordar, superando el recorrido frívolo y objetivo y sublevándolo con elementos de humanidad.

El viaje en el tiempo que empieza como una búsqueda para remediar las consecuencias de las vivencias presentes, llendo hacia el pasado en búsqueda de sus causas o al futuro en mejora de las soluciones, pero que no puede alejar al hombre de su propia naturalidad, de su arraigada forma de vivir para un momento, para un instante grato, aquí plagado de amor, en las sociedades modernas del mayor aprovechamiento del tiempo y del espacio, en un olvido constante del pasado, en una negación de lo que se fue y con la poca importancia de preservación para el más adelante, para el después.

El futuro esta recreado aquí, de forma apocalíptica, dependiente; una sociedad oscura, conectada a la maquina, un futuro en el que el hombre es víctima de su propio invento y destruye lo que posee, para intentar hacer de las ruinas un modo de vida artificial.

Una mirada circular que abrocha las ideas de hacerse impérenme en el tiempo, un hombre que queda consternado con una imagen que lo impacta, que no reconoce, que olvida cuando satisface la repetición del pasado en el presente, pero que tendrá que afrontar tarde o temprano.

La imagen en movimiento la reemplaza la fotografía, una especie de stop motion, que se refuerza con la narración, con el subtitulo, le da originalidad a la película, le recrea el movimiento, el paso de fotografía a fotografía, en momentos más lentos, en momentos más rápidos reforzando los puntos clave de la narración, haciendo clímax en la única imagen en movimiento que tiene la película: el parpadeo de los ojos de la chica sobre la cama.

De resto primará la fotografía, realzara el drama y contendrá lentamente el desenlace circular de la historia, que juega con la intriga y la narración densa, poética, sumamente interesante hasta tal punto de ser fuente de inspiración para demás historias audiovisuales, como lo serán la película 12 Monkeys, de Terry Gilliam en 1995 como largometraje y con imagen en movimiento pero con la misma esencia narrativa de la Jetée y Mark Romanek en 1993 para dirigir el videoclip de la canción Jump, They Say

EL ESPACIO Y EL TIEMPO EN EL CINE.

2012-07-28T13:51:00.000-07:00

Continuando este recorrido tanto por géneros como por propuestas y estilos cinematográficos, veremos este cortometraje de Chris Marker, del cual se realizara su respectiva critica.

En el libro El cine, analisis y estetica de Enrique Pulecio M. encontraran un recorrido por diversas temáticas, conceptos y propuestas respecto al cine.

NADER Y SIMIN UNA SEPARACIÓN

2012-07-24T09:45:00.001-07:00

NADER Y SIMIN UNA SEPARACIÓN

La película se proyectara hoy en clase, recuerde su puntualidad, comenzaremos por tardar a las 8:10 p.m.

Nader y Simin, una separación

Para mí, es una buena película, porque te contagia de la tensión de sus personajes y te envuelve en un melodrama familiar que muda de piel a cada cambio de plano. La historia de una separación por causa de un motivo noble y otro un poco egoísta, esta historia te puede transmitir ternura y tristeza, además de un poco de ira. Por otro lado cuestiona la unidad política y social en Irán.

Esta película te engancha desde el inicio, la historia, también firmada por el director, arranca como lo que parece un drama familiar para acabar repercutiendo géneros y nacionalidades, llegando mucho más allá.

Farhadi, logra dibujar un crisol de posiciones enfrentadas sin juzgar a ninguno de los integrantes de una tragedia que termina por volverse un problema judicial..

Luz Nohelia Nieto

051250292007

Dir. Asghar Farhadi.

Nader y Simin, una separación.

Por alguna extraña razón, a medida que la película transcurría, en mi mente, una banda sonora alternativa se repetía en infinidad de veces , EL maestro Ruben Blades cantaba con emoción y pasión su cocido tema Decisiones, y lo digo porque no encuentro otra manera de describir la sucesivas relaciones de aparente casualidad, que se enredad mas y mas en el transcurso de la película, pero que en realidad devienen de las intervención de cada uno de sus complejos personajes en tiempos y espacios correctos; arte del azar, o una oportunidad para entrarnos en las complejas redes de la construcción cultural, política , social, y religiosa, de Irán.

Los diálogos de la película se presentan muy afortunados para transmitir la tención de las diversas situaciones, en las que los desafortunados personajes son inmersos. Con particular detenimiento, el director Asghar Farhadi, presenta una diversificación de las clases sociales, al igual que los estado del desarrollo físico cognitivo del ser humano, que están en permanente tención con elementos como la verdad y el conocimiento frente a la moral y la religiosidad hasta las indefensa mirada del enfermo terminal que se enfrenta al fin del si vida y la niña que inicia de igual manera indefensa el camino por la vida.

Definitivamente hay que encontrarnos con esta película, hay que ponerla en contexto, hay que aproximarse a ella desde las concepciones occidentales sobre la moral, Dios, La justicia, la familia, el amor, la vida, la muerte, el machismo, las mujeres, la mentira, la necesidad, la precariedad económica, la sobre estimada capacidad del dinero entre otros elementos que encontraran muy bien trabajados en esta película; para luego solo sentarnos y decir mierda, la mira occidental no alcanza para dimensionar de manera total la cinta y su intención, porque claro, puede ser solo una muestra de la consolidación del estado de iraquí y su sistema judicial en un periodo pos guerra, que sutil mente en dosis medidas y calculadas por el director.

Por mi parte creo que es una maravillo película, supremamente rica en contenidos y debates, y más que cualquier otra cosa, una oportunidad para encontrarnos con una mirada de las sociedades de medio oriente.

Sebastián Gutiérrez

Comunicación social – periodismo

Critica de cine y televisión

CRITICA DE LA PELÍCULA NADER Y SIMIN UNA SEPARACION

Asghar Farhadi, es el director de la película Nader y Simin una separación, básicamente se baso en hechos ficticios y experiencias personales tuvo algunos periodos de prohibición ya que hacia algunos comentarios políticos contra acciones del gobierno iraní, el estreno de esta película se realizo el 9 de febrero de 2011, en el festival internacional de cine fair, donde obtuvo el premio al mejor director, mejor guion, mejor actor, mejor actriz secundaria y también recibió el premio de audiencia a mejor película.

Nader y simin es una película buena maneja unos encuadres excelentes los cuales le dan movimiento a la película, trabaja elementos del montaje como el de ir de un plano abierto a uno cerrado, gran parte de los movimientos vemos que hay cambio de colocación de la cámara que pasa de un lugar a otro, la musicalización fue acorde con cada eventualidad.

Esta película se trata de una pareja de esposos iraníes que deciden separarse, ellos van al juzgado para establecer el por qué de su decisión allí el juez no ve la razón de la separación ya que es porque la mujer quiere irse de ese estado y quiere que su esposo y su hija termeh la acompañen, Nader por su lado se niega, puesto que no está dispuesto a dejar a su padre quien sufre de alzhéimer, es aquí donde comienza el melodrama de esta familia.

La esposa abandona la casa, luego Nader contrata a una señora para que le cuide la casa, y un día esta lo deja solo y Nader encuentra a su padre tirado en el piso y un poco lastimado el se enfada y despide a la mujer a empujones, al parecer ella cae por la escalera y pierde el bebe, la mujer y el esposo deciden demandar a Nader por haber matado a su hijo, se generar una serie de mentiras por este hecho, y poco a poco se va descubriendo la verdad.

De todas maneras por más que termeh que quiso que sus padres estuvieran juntos no pudo ser y vino la separación.

Julieth Andrea Bonilla Rodríguez

051250332007

Following (Misterio Perfecto)

2012-07-24T09:37:00.000-07:00

La cinta Following, logra reunir elementos, que permiten calificarla de seductora. Lauro Zavala, en su libro dedicado a la narrativa cinematográfica contemporánea, menciona las estrategias que logran el suspenso, misterio y la ficción, para atraer al espectador. El misterio y la sencillez expuesta en cada escena, es más que notable, dando pistas para el final más inesperado.

Es muy interesante la credibilidad de los actores. Pareciera que la película trata temas separados, sin embargo el final es completamente dependiente de esas partes, sin contar con los movimientos de cámara cuando Bill es decir, el escritor que al entrar en crisis, comienza a seguir a la gente por la calle, aquí es donde la trama toma ese toque de sensación que permite vivirla desde adentro, no como espectador sino como quien persigue al igual que al perseguido.

Pero ¿en que momento se rompe con las reglas del juego? El tema de la obsesión y curiosidad por conocer a personas anónimas, por saber que acontece a diario en sus vidas, da paso a seguir a la misma persona en varias ocasiones, todo ello evidenciado en un guion sencillo y limpio, la muestra está, en que los dos personajes son enfrentado con la misma jerarquía, no existe uno menos importante que el otro, los encamina en la misma dirección, para lograr una cadena de sucesos que solo tienen sentido cuando se unen al final de la historia.

Christopher Nolan, logra un estilo diferente en esta cinta. Aunque la película es relativamente corta, llena expectativas inesperadas, pues situaciones que podrían ser tan cotidianas, pueden ser contadas desde escenarios con elementos muy sencillos, lugares comunes, una ambientación acertada (la ópera prima inédita), un conjunto de mecanismos muy significativos para el desenvolvimiento de la historia misma, con elementos cinematográficos que permiten redondear el film.

MAYERLY URREGO ROJAS

Comunicación Social – Periodismo

Crítica de Cine.

CRITICAS LA PIEL QUE HABITO.

2012-07-24T09:27:00.000-07:00

“LA PIEL QUE HABITO”

La piel que habito es una película refrescante, es una mezcla entre la ficción y el suspenso, narrada de manera elegante y detallada, toda la elaboración de puesta en escena es una verdadera selección de aciertos que trasportan al espectador a una realidad casi inmediata que podría bien estarse presentando en cualquier rincón bajo diferentes aspectos.

Es una digna representación del tipo de cine de Pedro Almodóvar , trae consigo elementos refinados reflejados en cada palmo de la casa en que se desarrolla la historia, elegante, sofisticada, llena de luz y colores, donde por contraparte se entreteje una historia atrevida más allá de lo convencional, con elementos de la sicología humana que aborda sentimientos de la más baja clase, como la venganza, la mentira y el cinismo.

Sin embargo como es ya un rasgo típico de Almodóvar, todos los personajes incluyendo aquellos que resultan villanos tienen las dos caras de la moneda dentro de su personalidad, es el caso de Robert quien a pesar de los hechos atroces cometidos como venganza por el suicidio de su hija, llega a convertirse en una víctima de las circunstancias, un individuo probado bajo las más extremas condiciones de dolor humano y que al final de la película resulta víctima de su propio juego macabro al proyectar sus sentimientos sobre “Vera” o mejor dicho la verdad que el recreo y termino por consumirlo.

La escenas de sexo también son bastantes explicitas, sobre todo la de la violación de Vera, donde la brutalidad recoge toda la escena, así como en la violación de Norma se puede ver a simple vista el efecto que la droga tiene sobre las acciones humanas y como un momento de locura puede cambiar todo el rumbo de la vida no solo de sí mismo sino de las personas involucradas.

Bajo la Piel es una película que toca muchos sentimientos humanos, desde la pasión hasta la venganza, el titulo dice mucho del trasfondo de la trama, todo lo que está oculto por una capa de apariencias, todo lo que puede ser una persona dentro de su mente y como los agentes externos por más extremos que sean no logran destruir por completo la esencia de una persona.

La escena en donde el violador está atado por cadenas y al despertar se encuentra con una tina de agua fresca, sobre la cual se abalanza ávidamente trasporta la imaginación a la decadencia humana, y es una metáfora del estado en que se puede llegar a caer cuando se traspasan las normas sociales, el hecho de estar casi desnudo, la oscuridad de la escena y el sonido triste que lo acompaña, dramatizan aún más la condición de decadencia moral del individuo, algo que logra impresionar es el constante sonido de las cadenas haciendo eco por todo el lugar, como recordatorio del pecado.

En general la musicalización de todo el filme es sorprendente sin embargo la una de las escenas de mayor impacto, es donde Vicente por fin ve una posibilidad de escapar y al no lograrlo, decide finalmente cortarse el cuello con un cuchillo de cocina, el sonido instrumental del fondo parece creado para ese momento siguiendo la secuencia del movimiento y finalizando en el momento en que este termina de pasarse el cuchillo y la sangre brota, y Vicente cierra los ojos de forma teatral.

En cuanto a la estructura de la película, los intervalos de tiempo con los que juega el director, son adecuados para captar la atención del espectador y contar una historia llena de altibajos de manera que durante toda la historia el espectador nunca pierda la curiosidad por armar el acertijo que trae consigo la película.

El final es adecuado con respecto al hilo conductor de la historia, es una liberación para todos del peso que llevaban por los acontecimientos, en cuanto al doctor a transgresión de las normas que lo condujeron a un final tan trágico, para el ama de llaves el hecho de ser cómplice en todas las locuras de su hijo y finalmente para Vicente quien a pesar de verse enfrentado a una etapa tan extrema que cambio para siempre su físico y la manera como podría desenvolverse en un futuro, logra al final la libertad que deseo desde el momento en que callo dentro de este juego de venganza.

YUDY LORENA VALLEJO GOMEZ

En la piel que habito

Jeysi Carolina Fernández

En la piel que habito, sugiere un análisis personal del protagonista, una reflexión, una pregunta que el espectador desea contestar luego de ver el largometraje, así como una alusión a una persona inconforme con su propio ser.

La relación entre el título y la película, se encuentra desde el inicio cuando en la primera escena la protagonista superpone pedazos de tela sobre un muñeco que poco a poco adopta una forma femenina, pero sin rostro.

Los violines son la introducción a una historia que su toque dramático se acentúa con el sonido de las cuerdas de este instrumento, esta es la introducción a una historia que muestra a una mujer con un traje color piel en una habitación encerrada.

La música marca el ritmo de la película, donde los pasa de momentos álgidos con el sostenido del violín, que bajan cuando la escena lo requiere.

Poco a poco se revela cada personaje, el médico que aparentemente cuida de una paciente que fue sometida a una cirugía compleja. La película arranca en la mitad de la trama, pero desarrolla el ritmo dramático que engancha al público.

El color es una de las características que resalta en el largometraje, los azules fuertes, en contraste con el rojo, la piel y el negro, que hacen parte del sello personal de Almodóvar.

Una historia original, salida de la invención de este director, español, donde deja ver su marcado estilo de mostrar historias donde el homosexualismo sale a flote, esta vez de una manera diferente, cuando concluye la historia, Vicente el protagonista encuentra la manera de estar con la mujer que quiere, aún antes de haber sufrido su amarga transformación.

Cambio que es marcado por el sonar de los violines, que además evocan la rapidez con la que el personaje cambia de hombre a mujer, al igual que en la escena en la que Vera, aquella enigmática y bella mujer desgarra los vestidos, los destroza con sus propios dientes.

El cirujano plástico Robert Ledgard, es un hombre solitario, enamorado aún del recuerdo de su esposa, que se siente culpable por la desgracia de su hija y busca vengar la muerte de ella.

Además el personaje de Marilia, madre, abuela y quien cuida de la mujer en el cuarto con un traje color piel, es el conflicto de una madre que siempre ha hecho las veces de amiga, confidente del médico, encarnado por Antonio Banderas,uno de los actores elegido por Almodóvar para sus películas.

Durante el desarrollo de la historia se muestra cómo Vera era antes un hombre, situación que se insinúa en la escena cuando Lergard duerme con ella y recuerda en su sueño, el día que un hombre abusa de su hija, lo que provoca la muerte de la misma. La cámara en ese momento enfoca la cara de la mujer y ésta recuerda al igual que el cirujano el momento de la violación.

El lenguaje del director es siempre directo, acorde con la evolución tanto en tecnología, medicina y temas polémicos. Además de aquellas relaciones difíciles y complejas entre los protagonistas.

La historia transcurre en varias locaciones, el cuarto donde permanece Vera, que está ubicado en la casa del cirujano, su vida es vista desde un televisor, aquella habitación está en la casa del médico situada a las afueras de una ciudad.

Hay otras locaciones como el almacén de la mamá de Vicente, la carretera donde es raptado, la cueva donde permaneció los primeros días y el hospital psiquiátrico en que está internada la hija del cirujano.

El final de la película que está enmarcada en el cine negro, porque desarrolla su trama en un hecho delictivo, porque Lergard, opera en secreto a Vicente, rompiendo con ello el código de ética, donde los procedimientos de este tipo no son permitidos y lo realiza sin consentimiento del mismo.

El final es paradójico, cuando la protagonista luego de asesinar a sus verdugos, llega de nuevo a donde su madre, se encuentra con la mujer que siempre le ha gustado, le muestra su transformación, dejando abierta la posibilidad de sostener una relación.

LA PIEL QUE HABITO

(PEDRO ALMODOVAR)

El Filme muestra la historia de un cirujano plástico que busca la creación de una piel sintética, inspirado por su mujer quien sufrió un accidente de tránsito y sufrió quemaduras en todo su cuerpo.

Luego de doce años de intentos, logra obtener e incubar una piel que es sensible a las caricias y los estímulos, esto logrado con terapia celular. Está claro que el cirujano no podría estar solo en esta locura y necesitaría de una cómplice sin ningún escrúpulo y quien mejor que Marilia su nana.

Vicente seria quien se sometiera al experimento y la venganza de Robert puesto que por circunstancias del destino él y la hija de Robert se encuentran en una boda, Vicente la seduce y le pide que la acompañe a dar una paseo, se introducen en un pequeño bosque cerca del sitio de la celebración y comienzan un acto en mutuo acuerdo pero antes de consumarlo Norma la hija de Robert se arrepiente de lo que está haciendo y empieza a gritarle que desista; Vicente, asustado y bajo el efecto de drogas, le da un golpe en la cabeza, dejándola inconsciente y huyendo en una motocicleta.

Robert comienza su venganza secuestrando aquel joven y sometiéndolo a un cambio de sexo y así continuo con seguidas operaciones durante 6 años convirtiendo aquel muchacho en un prospecto de su esposa.

El desenlace de esta entretenida y para alguna sádica película se da cuando vera mata a Robert y luego a Marilia, luego Vicente llega a la tienda de vestidos de su madre vestido de mujer y le dice a ella y a su trabajadora homosexual que él es Vicente quien más adelante tendría una relación homosexual con la compañera de trabajo de su madre.

Su director Pedro Almodóvar muestra como en toda su línea cinematográfica en esta película sale del costumbrismo español al que según Almodóvar se ah sometido el cine de su país, con la mezcla de dos elementos esenciales para obtener una película exitosa Almodóvar logra plasmar ritmo y originalidad en cada una de las escenas de la película.

Esta película fue galardonada en varias ocasiones como cuatro premios Goya (entre ellos, a la mejor actriz protagonista) y el BAFTA británico a la mejor película extranjera.

Hay quienes dicen que este largometraje tiene el puro ADN de almodovar, puesto que los planos y las imágenes están excelentemente cuidados y se caracterizo por su originalidad y por su técnica de utilizar muchos saltos de cámara y flash backs, también poseen una alta calidad en su musicalidad y sus colores.

La película tiene muchas inspiraciones y muchas colaboraciones al arte de Louise Bourgeois y los decorados incluyen un cuadro de Guillermo Pérez Villalta (propiedad del mismo Almodóvar), varios collages de Juan Gatti y reproducciones a gran tamaño de dos pinturas de Tiziano: La Venus de Urbino y Venus y un organista. Jean-Paul Gaultier colaboró en labores de vestuario.

051200522011

MARLON DARIO GALEANO

COMUNICACIÓN SOCIAL Y PERIODISMO

LA PIEL QUE HABITAMOS

2012-07-24T09:02:00.000-07:00

Ante un estímulo exagerado, todos podemos llegar a responder como unos verdaderos sicópatas, ese desequilibrado mental, que se la pasa escondido habita bajo esta piel, bajo este pensamiento. O será mejor poner la frase en medio de dos signos de interrogación…

La Piel Que habito, Narra la historia del Doctor cirujano Robert Ledgard, interpretado por Antonio Banderas, que con una mente trastocada, a causa de una vida trágica, el suicidio de su esposa y la violación y posterior suicido de su hija, ve en Vicente (el violador de su hija), la puerta, el escape de su absurda agonía existencial, en el que descarga todas sus frustraciones y también sus sueños.

No puedo evitar mencionar en primer lugar (a causa de la impresión que me causó) la capacidad de narración por parte de Pedro Almodóvar. La mayor parte del film se desarrolla en El Cigarral, una casa campestre alejada de toda perturbación, pero que después, con el transcurrir de la historia, logra transmutar, reconfigurando la concepción del lugar, convirtiéndolo así en cárcel, laboratorio y cementerio, todo por el uso y las marcas que los personajes le dan al sitio. Llegando a revolver el estómago a los espectadores, sin la necesidad de mostrar imágenes repulsivas, tan solo con el manejo de la atmosfera, y de los personajes en este espacio.

La Historia es completamente bizarra, pero refrescante para el cine. Este film es la cotidianidad el horror. El horror de no ser la persona que queremos ser, de la impotencia que suscita la condición de ser humano, del estar condenamos a una materialidad y una corporalidad, que delimitan parámetros de comportamiento social, que terminan por demarcar cada vez más nuestra figura, en el lugar correspondiente que debemos habitar en la sociedad. El querer volar, pero continuar pegado a la tierra, como le pasa a Robert, a lo que es condenada vera, a lo que muchos se someten.

La incapacidad de hacer lo que en realidad queremos. El que el Dr. Ledgard, casi que en ritual, elabore a su verdugo y termine su vida en el mismo

lugar que su esposa y a manos de ella, muestra su verdadero objetivo.

Develando una vez más, la fragilidad del ser humano, la mentira que envuelve su vida social; en una nebulosa queda su sicópata y el mío, solo el estar al borde del abismo, parece despertarlo, que sea más o menos “humano”, eso no lo sé, pero tal vez sea el único que logre defenderlo de usted mismo, o mostrar lo que es usted, en una especie de, metamorfosis kafkiana.

Otro punto de discusión es como el cine, puede plasmar mediante una historia una realidad social, de la manera más artística y poco convencional, la función de poner sobre la mesa, temas que sucinten debate, además de plantear un ejercicio mental por parte del espectador, en la medida que reconfigura su entorno (poniendo en evidencia lo invisible), y generando identificaciones y apropiaciones que toma de la pantalla para incorporar a su vida. Parece ser esta la propuesta de Pedro Almodóvar, en este largometraje, director ganador de 2 premios óscar, muestra una visión audiovisual madura, claro está, que sin abandonar, sus escenas sexuales, bastante viscerales por así llamarlas, volviéndose casi que una característica de su trabajo como director, que nos plantea desde del mismo título, provocador y humano.

En pocas palabras, LA PIEL QUE HABITO son 120 minutos de cuestionamientos para el significado de ser humano.

Eileem Leandra Gutiérrez Carrillo

LA PIEL QUE HABITO

2012-07-24T08:47:00.000-07:00

(CRITICA)

Es una pelicula bajo la direccion de Pedro Almodóvar, protagonizada por Antonio Banderas y Elena Anaya, relata un drama terrorífico y personalmente me parece una pelicula muy interesante, con una historia muy fuerte; como el doctor Ledgard (Antonio Banderas), en su dolor de perder a un ser querido, decide profundizar en la ciencia, hasta lograr convertir un sexo en otro y asi poder, revivir a esa persona que ya no esta a su lado, convirtiendose en un secuestrador, apoderandose y cambiando para siempre la vida de alguien mas y no solo en su cuerpo sino tambien queriendolo hacer en su corazon porque este doctor termina enamorado de su paciente y victima, viendo en esta persona su pasado.

es una historia, que logra captar desde principio a fin la atencion del espectador, en todo sentido (sus fuertes imagenes, su musicalizacion, sus planos que son perfectisimos para cada situacion, en cuanto a esto me gusto mucho, cuando acercan a primer plano la cara del personaje, porque no solo se muestra una cara sino una historia, un interior, en el caso de el doctor Ledgard, me gustaron mucho sus primer planos porque muestra realmente la cara de un hombre muy enloquecido, obsecionado, es un gran actor, logra trasmitir al espectador esa intencion del personaje).

esta pelicula tiene un nivel muy alto no solo por los hechos, que hoy en dia son tan comunes, como que un secuestrador o un medico termine enamorado de su victima o creacion, sino por la apoderacion que hace cada actor de su papel, por ejemplo Antonio Banderas, quien en esta pelicula sigue dejando claro, su gran talento al apropiarse del personaje, igualmente me parecio muy buena la actuacion de cada actor, lograron hacer creible cada escena, dejando al espectador en muchas de ellas con una concentracion unica.

ERIKA MARIA GUTIERREZ

CRITICA DE CINE Y TV

COMUNICACION SOCIAL.

Pedro Almodóvar, radiografía de un hito en la producción cineasta

2012-07-24T08:43:00.000-07:00

Pedro Almodóvar, es un conocido director, productor y guionista de cine español nacido en la provincia de ciudad real, España, el 24 de septiembre de 1949. Este emblemático artista, reconocido a nivel mundial por su trayectoria en la industria del cine y por sus producciones cinematográficas es una de las figuras más representativas del cine de habla hispana.

Almodóvar, galardonado por los premios Óscar, perteneciente a la Orden de Caballero de la Legión de Honor francesa y proclamado doctor honoris causa por la Universidad de Harvard, es un hombre que desde temprana esas lucho por introducirse en el mundo cineasta, y quien con sus respectivas visiones del mundo caracterizadas por esa chispa dramática, realista y marginal de toque personal, permite ver claramente sus intenciones de hacer paralelo total de la estética burguesa que usualmente se muestra en los filmes clásicos y contemporáneos de la época.

Pedro Almodóvar creció en un hogar con gran presencia de mujeres, de allí posiblemente su facilidad y su calidad representativa en la escritura de guiones dirigidos a personajes femeninos, encarnando desde su perspectiva de vida el papel que juega la mujer en los escenarios sociales que plasma en sus películas, también con esto dejando ver el entramado socio cultural de épocas contemporáneas donde no solo ésta, sino también los niños y los diversos actores del poder político y social juegan un rol preponderante dentro de las problemáticas que afronta la sociedad cotidiana.

Fue mas precisamente en el año 1999 que el cineasta Pedro Almodóvar Caballero, se consolidó como tal luego del estreno de su película “todo sobre mi madre” en la que narra prácticamente su historia de vida a través de manuela y su hijo esteban, quien para el cumpleaños de su madre escribe un guion sobre esta con el nombre de la misma película, y quien muere en el animo de obtener un autógrafo de la protagonista de una obra teatral a la que asisten el mismo día. Esta película es producida por Almodóvar bajo la tristeza que lo inunda tras la perdida de su madre. Un año decisivo y “lleno de todo tipo de emociones”, según lo indica para el diario El Cultural de España.

La importancia que ha tenido Estados Unidos en la vida de Pedro Almodóvar, y con esto la influencia que ha generado sobre su estilo cinematográfico y los roces políticos que se han desplegado en su natal España por su posición y sus opiniones políticas que claramente la inmiscuyen, permite observar con definición el entramado artístico que este tuvo como inicial influencia basado en artistas tan consabidos y resplandecientes como Andy Warhol tanto por su arte como por su estilo de vida, fiestas, drogas, diversión exagerada, particular de los artistas destacados en la misma época como Carlos Berlanga, Alaska y Sigfrido Martin Begué, entre otros. Surge entonces desde este punto su interés por una estética mas Punk, llena de colores vivos y fuertemente contrastados, mezclándolo todo en una orbita de espacios degradados con exteriores desagradables siempre con la intención de generar una lógica transgresora, esa que está fuertemente presente en la sociedad actual desde épocas de antaño.

La música también ha tenido trascendencia en la vida de Almodóvar y por lo tanto en su calidad profesional y su trabajo artístico. Su notable gusto por la música como los boleros y la majestuosidad musical de Chavela Vargas, han complementado la producción cineasta de Almodóvar mediante los elementos que esta le ha proporcionado a sus ideas. Reconoce su éxito en estados unidos, y admite la influencia de su cultura y su cine en las películas que ha realizado hasta el momento, además de ser admirador del cine comedia, el thriller y el western, todos del cine americano.

Pedro Almodóvar atribuye los inicios de su cine desde clásicos como Arniches y Miguel Mihura, atravesando por el cine neorrealista español de los 50’s y 60’s y viéndose influenciado por corrientes americanos, el cine noir y el neorrealismo italiano. Es de esta manera como con una inigualable trayectoria artística, Pedro Almodóvar destaca entre los mejores directores de cine mundial e iberoamericano además de sobresalir por sus grandes cualidades expresionistas y cualidades cineastas entre directores de la talla de Martin Scorsese, David Lync y Tarantino, entre otros grandes.

Auténtico, es la palabra perfecta para describir a pedro Almodóvar y su carrera artística. Un personaje que ha visto en el underground la posibilidad de generar una perspectiva clara, coherente y diferente de la vida, de las injusticias, de los triunfos, de las derrotas, de los sueños. Almodóvar es sin duda un icono de revolución en la industria del cine iberoamericano, proyectado a escala mundial como uno de los mejores guionistas y directores de la época, consagrado con su trabajo y apasionado por lo que hace.

Pedro Almodóvar, un ilustre del cine, un personaje que ha marcado un hito en la representación del este como arte conceptual y el cual promete seguir llenando al mundo de realidades exuberantes y fuertes contrastes sociales demarcados todos por las realidades de vida que muchos viven, viendo esto reflejado no solo en las obras de este gran personaje, sino en sus perspectivas de vida y en su concepción del mundo, un mundo reflejado en su imaginación y en el poder que tiene de dar vida de tan característica manera en el momento de plasmar todo frente a la cámara.

Nathalia Juliana Escobar Avila

Cod. 051250312008

Critica de cine y televisión

Comunicación social y Periodismo IX

UNIVERSIDAD DEL TOLIMA

LECTURA PARA EL MARTES

2012-07-13T17:50:00.001-07:00

Para la clase del martes se propone la lectura del primer capitulo del libro de Lauro Zabala, Elementos del discurso cinematográfico, para discutir en los primeros 50 minutos de clase, el resto lo dedicaremos a terminar de ver la película de Almodovar La piel que habito de la cual restan 40 minutos. les agradecería su puntualidad para terminar estas dos actividades. Por otra parte del mismo texto se leerá el segundo capitulo para el día jueves.

2012-07-11T16:16:00.000-07:00

¿Colombia es pasión o narcotelevisión?

De entrada lo digo, criticar la narcoestética

es un acto de arrogancia burguesa.

Por lo tanto, esta no es una crítica

pero tampoco una celebración

es un dar cuenta.

Omar Rincón

Desde siempre Colombia ha sido un país caracterizado por el café, el cóndor, la palma de cera y la orquídea, gran patrimonio para el mundo, pero últimamente ha tomando el papel donde muestra el talento no solo de los actores si no en sus productores, plasmando “realidades” que agobian el país, lo que nos convierte en un productor en potencia de narcotelevision a nivel mundial.

Mientras queremos demostrar con campañas, hechos, canciones que Colombia es pasión, estas personas con su afán de lograr fama y en su ambición por tan complicada competencia comercial en el campo denigran el país de tal manera que lo que nos caracterizaba en un principio deja de serlo y nos convertimos en el país de las prepagos, narcos, drogas y corrupción.

Ahondando exactamente en las narconovelas que últimamente rondan en franjas familiares de los principales canales privados del país y vemos como se ofrece de una manera indecorosa, donde las mujeres se ofrecen como cualquier producto, donde se venden estereotipos erróneos para las generaciones que viven este tiempo de la narco televisión.

Hablando exactamente de estas narconovelas como La virgen de los sicarios, pasando por El cartel de los sapos llegando a Escobar, el patrón del mal se ve claro la necesidad de los productores de calmar esa sed insaciable de éxito.

Representar en su televisión que “son colombianos” y que lo que venden en el exterior y en el país que los vio crecer es narcoviolencia, mujeres de la vida alegre, drogas, sicarios, etc no es orgullo, es un realidad que en su momento fue triste para el país, pero que ahora es solo un recuerdo que debira recordarse pero no darle tanta importancia.

Junto con ellos y sin detenerse en el trasfondo de lo que en realidad proyectan ante el mundo, están apoyados por la narco música, corridos, rancheras y ahora reguetones son los que apoyan y hacen del narco el ser a seguir de los jóvenes de ahora..

Entonces nos hace pensar, ¿tenemos sentido de pertenencia? ¿Colombia es pasión o narcotelevisión?

MARIA ALEJANDRA CASTILLO PEÑA.

Comunicación y Periodismo.

¿LA NARCOESTÉTICA EN COLOMBIA ES UNA REPRESENTACIÓN DE LO POPULAR?

2012-07-11T15:28:00.000-07:00

Si lo narco, es popular

Lo Popular, no es narco

“La narcoestética es el gusto colombiano y también el de las culturas populares del mundo. No es mal gusto, es otra estética, común entre las comunidades desposeídas que se asoman a la modernidad y solo han encontrado en el dinero la posibilidad de existir en el mundo.”

Omar Rincón

El fenómeno del narcotráfico y sus elaboraciones culturales, producto de la masificación de los criterios estéticos, morales y políticos del ejercicio de la de la ilegalidad, alrededor del trafico de drogas y la construcción de actores armados irregulares, que configuran en su accionar una doble lógica de la fuerza, primero, como seguridad de los procesos de producción venta y consumo de estupefacientes, más la protección personal del jefe o los gafes, quienes ostentan dicha fuerza como una representación del poder, y segundo, como mecanismo de amedrentamiento para la ratificación y permanencia de las castas mafiosas que elaboran dichos criterios de acción los cuales en principio, fueron actores externos al aparato estatal. Han generado no solo en los círculos académicos, si no en gran parte de la sociedad colombiana una serie de supuesto que pretenden permanecer como canones estéticos, culturales, artísticos, morales y hasta económicos de la clase popular.

¿Y porque de la clase popular?, pues bien, el ejercicio del narcotráfico en Colombia, se mantiene al rededor de clase popular,( claro las clases no populares del país también son parte de la empresa del narcotráfico, pero en otra medida, memos cotidiana e impersonal que la clase popular) al ser esta la que a partir de una irregularidad en la formas de acumulación de capital, ve una falsa salida en el narcotráfico a su insoportable condición de dominación y exploración, dejando en nuestro país una marca casi imborrable, que combino la superchería, con las construcciones idealizadas del sujeto popular (narco) que se convierten en referente social, al ser capaz de transformarse en un sujeto de poder, distinto al sujeto de poder tradicional ( Burgués) construido desde abajo. Pero que además se ve legitimado y fortalecido en su ejercicio de poder por los grandes elementos de “identidad” que ha construido en seno de la cultura popular. Esto no quiere decir de ninguna manera que el narco sea un proyecto de transformación de lo establecido en términos dominados y dominantes, pero, si es un proyecto con prácticas que pretende tener características populares de dominación que se ejecuta desde lo establecido como estructura de dominación y desde lo no establecido como estructura de dominación.

Pero esta construcción del ideario narco, en la clase popular como una manera no solo de expresarse, si no de ser, tendrá que ponerse en el circulo permanente de producción y reproducción de la cultura popular, a la cultura de masas y nuevamente a la cultura popular en un recorrido sucesivo que tiende al infinito, promovido y ejecutado por los medios de masivos de comunicación y las variadas esferas de la industria cultural, música, cine televisión etc. Que sobra decirlo, son controlados por intereses económicos- políticos superiores (por lo menos en relación de capitales)

Esto ha llevado a la de la excesiva disfrazada y diseñada manera de ver entender y reproducir las conductas del narco como conductas de simpatía popular, en las ya conocidas series novelas películas y temas musicales son contar con las apreciaciones estéticas del vestir y las relaciones del leguaje que en nuestro país han hecho carrera desde los medios hasta las comunidades, a las cuales tendremos que prestarle particular atención a ese pequeño pero gigantesco tránsito de las narraciones, de la cotidianidad del la empresa del narcotráfico y su traducción audio visual masiva.

Porque como criterio personal, creo que existen otras maneras formas y lógicas de entender el fenómeno del narcotráfico en Colombia que no precisamente esta cruzado por la interpretación de las expresiones de la narco cultura como expresiones culturales engendradas propiamente en los sectores populares, sino como imposición de consumos culturales, que encuentran de los grandes referente del narcotráfico en Colombia (narcos) conectores con la cultura popular ( por su abstracción clase) que se ratifica en masificación de sus conductas. Y mejor si es televisado en horario AAA, y más ahora que la disputa es por el pasado.

Sebastián Gutiérrez

Cod. 051200392009

Critica de cine y televisión

Comunicación social periodismo

Apreciación de Safety Last 1923.

2012-07-04T18:01:00.000-07:00

SAFETY LAST

Entre el Progreso y la risa

Safety Last (El hombre mosca) de Fred C. Newmeyer y Sam Taylor (1923)

La imagen de un hombre colgado de un reloj en lo alto de un edificio pervive en la memoria del cine. Un hombre de lentes redondos y vestido de traje se sosteniente de una de las manecillas de un reloj mientras su sombrero cae al vacío y él intenta desesperado no correr la misma suerte.

El sueño de progreso asociado a la gran ciudad, llena de almacenes, fábricas y oportunidades para todos; además de la a posibilidad y promesa de escalar socialmente a partir del trabajo duro y las circunstancias ofrecidas en los centros industriales y económicos americanos nacientes en los años 20, es magistral e irónicamente representada y cuestionada en la película Safety Last protagonizada por el cómico estadounidense Harold Lloyd.

Una promesa de amor y éxito en la gran ciudad llevan al personaje de esta historia Harold, un joven enamorado y con sueños de riqueza a aventurarse en busca de mejorar sus condiciones económicas y poder casarse con su novia Mildred. Tras esta historia clásica de amor joven que busca construir un futuro “perfecto” y soñado, se desarrolla una serie de incidentes cargados de humor y graciosamente representados por sus personajes. Incidentes resultantes de los engaños del protagonista sobre su verdadera condición en la gran ciudad y el éxito conseguido en el logro de sus sueños de juventud.

La agradable musicalización dota de sentido y ritmo las escenas más cotidianas, desarrolladas en una tienda de telas y en las calles de una ciudad cuya actividad comercial le ha dado nuevos ritmos y movimientos. Esta película representa al cine mudo y la posibilidad de a partir de los gestos, la actuación y el ritmo del montaje crear imágenes que permiten imaginar un grado de sonoridad en la historia lo que no hace extrañar la palabra hablada a los acostumbrados a la voz, los efectos y cualidades del sonido.

La forma de narrar, dinámica y entretenida. Además de la metáfora del progreso y la escalada social ofrecida a través de la vida de este hombre mosca, convierten a esta película en una agradable oportunidad para acercar al cine mudo a una generación rodeada de ruido.

Esta película es de una época en que los edificios aumentan gradualmente su altura modificando el paisaje al que estaban acostumbradas las personas y convirtiendo las alturas en un sueño alcanzable. La metáfora de la escalada social representada a partir de la escalada al edificio de Harold nuestro protagonista, representa también los diferentes obstáculos para el progreso individual acusado de no potenciar las capacidades propias sino de privilegiar el espectáculo y el poder de la multitud.

Por otra parte y quizás la más importante esta película hace reír. Sus escenas bien logradas desde la comedia y lo absurdo ofrece además la posibilidad de emocionarse , agarrarse a la silla y disfrutar de una experiencia que en ausencia de palabras habladas nos llena de recursos visuales y de una historia bien lograda.

Por Ana María Medina Suárez

Las tendencias realista y formalista

2012-06-04T08:12:00.001-07:00

Los hermanos lumiere son evidentemente pieza fundamental en la historia del cine, La llegada de un tren a la estación de Ciotat, fue la primera proyección de los hermanos lumière con la cual lograron una sensación de realidad tal que el público abandono sus asientos, el cine de los Lumiere se caracterizara por lo Documental y su acercamiento al trasegar de la cotidianidad del individuo. Por su parte, George Melies, cercano a la prestidigitacion y el ilusionismo, encontró en el cinematógrafo de los Hermanos Lumiere, una nueva forma de ilusión que desbordaba hasta ahora lo imaginable por el hombre, frente a la negativa de los Hermanos Lumiere en la venta de una cámara., Melies compra a Edison parte sus toma vistas y le adapta a sus necesidades y es así, como nace una nueva mirada sobre el cinematógrafo, Melies dará vida al cine fantástico a historias imposibles que solo se recreaban en nuestros suenos, pero que lograron salir de ellos para plasmarse en la pantalla, en aquella que aun cautiva nuestra atención, todos los efectos que hoy nos deslumbran difícilmente se podrían entender sin el pionero Georges Melies.

Corto de la semana

2008-06-13T13:28:00.000-07:00

CRÍTICA DE CINE Y TELEVISIÓN

CRITICAS LA JETEE

EL ESPACIO Y EL TIEMPO EN EL CINE.

NADER Y SIMIN UNA SEPARACIÓN

Following (Misterio Perfecto)

CRITICAS LA PIEL QUE HABITO.

LA PIEL QUE HABITAMOS

LA PIEL QUE HABITO

Pedro Almodóvar, radiografía de un hito en la producción cineasta

LECTURA PARA EL MARTES

¿LA NARCOESTÉTICA EN COLOMBIA ES UNA REPRESENTACIÓN DE LO POPULAR?

Apreciación de Safety Last 1923.

SAFETY LAST

Las tendencias realista y formalista

Corto de la semana

DOS HOMBRES Y UN ARMARIO