Crítica Mecânica

Os Melhores de 2013

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Sat, 11 Jan 2014 20:27:00 +0000

31 filmes. Foram ao todo, 31 filmes selecionados por mim como os melhores que eu já vi esse ano. Desses 31, me senti obrigado a reduzir pela metade para não criar uma lista grande e poder organizar melhor o que foi visto de bom e o que poderia ter sido melhor.

Listas de fim de ano, dos melhores filmes de um ano são muito difíceis de serem feitas. Afinal, como eu sei quais são os filmes de um ano? Segundo minha organização, isso ficou desse jeito: aqui listo os 15 melhores filmes que chegaram ao Brasil neste ano. E chegaram ao Brasil é uma definição ampla, já que me refiro não só ao cinema, mas aos festivais e às locadoras da região. Com isso excluo da minha lista ótimos filmes que só pude ver esse ano, mas chegaram ao cinema ano passado, como Holy Motors e Laurence Anyways.

Antes de começar, gostaria de lembrar alguns dos excluídos dessa seleção de 31 filmes, que precisaram ser retirados, mas que merecem uma notinha. São eles Elena, Blancanieves, Bling Ring, O Sistema, Capitão Phillips, Um Estranho no Lago e Fruitvale Station - A Última Estação.

#15. A Vida Secreta de Walter Mitty
(The Secret Life of Walter Mitty, Ben Stiller, 2013, 114 min.)

"Ground control to Major Tom"

Estando nesta lista por um caráter muito mais passional do que racional, A Vida Secreta de Walter Mitty é o tipo de filme que vemos no cinema e saímos muito mais leves. O bom astral reina durante as sessões e é difícil não se sentir mais otimista. Ben Stiller mostra que faz o melhor de si quando está por trás das câmeras e o final não decepciona, por mais que entregue uma situação já prevista por qualquer espectador.

#14. Pelos Olhos de Maisie
(What Maisie Knew, David Siegel, Scott McGehee, 2012, 93 min.)

Pelos Olhos de Maisie não foi divulgado nos cinemas brasileiros. Nem no estrangeiro ele apareceu tanto, mesmo com um elenco bom que dá ar ao filme. O que consegue encantar, porém, é a possibilidade de um mundo utópico, em que a visão da personagem Maisie - sempre simplista e sem influências externas - consegue decidir o que é o melhor, sem qualquer desencantamento das regras que surgem com a compreensão do mundo. Lindo de tão simples.

#13. Workers
(Workers, José Luis Valle, 2013, 120 min.)

Workers não chegou a cinema algum - ao menos não que eu tivesse notícia - mas participou do Festival Internacional de Cinema de Brasília. O filme faz um paralelo entre dois trabalhadores e, sem ter tanta pressa, cria uma situação injusta no ponto de vista de ambos. Workers é uma passagem sutil de tempo e uma denúncia às piores realidades trabalhistas.

#12. Os Suspeitos
(Prisoners, Denis Villeneuve, 2013, 153 min.)

"Elas só choraram quando eu as deixei"

Um dos melhores suspenses de 2013 e dirigido pelo canadense Denis Villeneuve, Os Suspeitos trata do uso da força a fim de se obter justiça. Beirando muitas vezes entre a loucura e a sanidade, o filme tem força suficiente para nos fazer imaginar como agiríamos nas situações mostradas. Não deixe a duração assustar, o filme é grande em todos os sentidos.

#11. Tatuagem
(Tatuagem, Hilton Lacerda, 2013, 110 min.)

"Cus, cus, cus..."

Infelizmente Tatuagem é o único filme nacional que figura nesta lista, mas é um dos melhores que se podem ver no cenário brasileiro nesses anos de comédias românticas. Muitas vezes sendo homenagem, muitas vezes sendo paródia artística, Tatuagem é um filme que respira o universo artístico jogando sempre com as margens sociais, que joga com a imagem do homossexual em tempos de ditadura e que nos faz a seguinte pergunta: numa época que estabelece os limites a se seguir, tem alguém melhor que um artista para utilizá-lo até a banalização?

#10. Any Day Now
(Any Day Now, Travis Fine, 2012, 97 min.)

Também pouco conhecido pelo Brasil, Any Day Now é um drama convincente que trata da margem social, de pessoas otimistas que lutam diariamente contra o preconceito contra todos os grupos. A proximidade das situações entre o casal homossexual e da criança com Síndrome de Down são de uma sentimentalidade tocante. Típico filme que deixa com lágrimas escorrendo na cara toda, mas um filme pra não se deixar passar por ter uma carga que deixa a tristeza fluir.

#09. O Passado
(Le Passé, Asghar Farhadi, 2013, 130 min.)

"Ela quer morrer! Por isso ela cometeu suicídio!"

Eu, que conheci Asghar Farhadi com A Separação e mais tarde fui ver Procurando Elly, virei fã de seus roteiros. O Passado, por mais que não tenha o nível de excelência de seu trabalho anterior, ainda é um filme exemplar. Vários ideias seguidos por pessoas diferentes que parecem não ter uma saída, até que desenrolamos ao inacreditável. Ressalto o trabalho excelente de Bérénice Bejo e Ali Mosaffa.

#08. Spring Breakers
(Spring Breakers, Harmony Khorine, 2013, 92 min.)

"Spring break forever, bitches!"

Um verdadeiro choque entre o estereótipo da ilusão das férias de verão contra a parcela que contribui para que tudo isso exista. Drogas, bebidas, sexo, momentos que serão esquecidos durante 11 meses para no final do ano se repetirem. É a epifania das garotas inconsequentes que não conseguem se adaptar com um estilo de vida "normal", a vida se constitui nas férias e pra sempre serão férias. Um verdadeiro divisor de águas, mas de ótimo gosto.

#07. O Ato de Matar
(The Act of Killing, Joshua Oppenheimer, 2012, 115 min.)

"Minha consciência me disse que elas tinham de ser mortas"

Também é bom dizer que, pela falta do elogiado Elena e do crítico Leviathan, O Ato de Matar é o único documentário na lista - mas dentre todos, o melhor. Não só mostra o que foi um dos grandes atos de crueldade do mundo (o ato de matar, como o próprio título ilustra), mas mostra a consciência limpa desse ato durante a maior parte do filme. O grande documentário aqui é a documentação de um arrependimento, tão verdadeiro quanto a história.

#06. Azul é a Cor Mais Quente
(La Vie d'Adèle, Abdellatif Kechiche, 2013, 179 min.)

Um dos filmes mais belíssimos sobre o amor. Ilustrando a paixão de duas jovens lésbicas na França, em círculos que ora as aceitam, ora as denigrem, Abdellatif tem construções incríveis com o retrato de Emma e de Adèle, um retrato que poderia ser de qualquer casal homossexual. É toda forma de amar - com todos os altos e baixos de uma relação - que podemos ver e, realmente, presenciar em tela.

#05. Gravidade
(Gravity, Alfonso Cuarón, 2013, 91 min.)

"Não vou mais ficar dirigindo. É hora de ir pra casa."

O filme que tirou o fôlego de muitos em salas de cinema lotadas. O filme que mostrou que Sandra Bullock sabe atuar. O filme que valeu o ingresso 3D. Gravidade tem muitos nomes, mas depois de toda a experiência visual de renascimento que dura apenas 91 minutos eu só consigo atribuir um a ele: um dos melhores filmes do ano.

#04. Depois de Lúcia
(Después de Lucía, Michel Franco, 2012, 103 min.)

Particularmente, tenho uma crítica com Depois de Lúcia, um filme do qual eu não esperava nada e me mostrou ser mais maduro do que tudo: é um filme exagerado. Mas, de uma maneira ou outra, será que um assunto tão comentado e banalizado atualmente tem chance de marcar alguém se for tratado com sutileza? Uma das maiores surpresas que eu tive, que ilustra os extremos do bullying até chegar na superação por meio da perda.

#03. Amor
(Amour, Michel Haneke, 2012, 126 min.)

Amor. Love. Liebe. Amore. Sevmek. любовь. Amour. É uma só palavra, mas o sentimento que ela exprime ainda assim nos leva a milhares de interpretações sem nunca sermos exatos. Amor, simples, sucinto e direto, ganhador da palma de Cannes e com atuações monstruosas de Emmanuelle Riva e Jean-Louis Trintignant, um filme que merece ser visto, revisto e, se possível, visto mais uma vez. A definição mais completa que eu tenho pra definir o sentimento.

#02. Frances Ha
(Frances Ha, Noah Baumbach, 2012, 86 min.)

Com uma dose incrível de otimismo e bom-humor, Frances Ha pode ter sido minha maior surpresa do ano, por ter partido de um diretor que já tinha me desapontado anteriormente. Não tenho como descrever em palavras o que funciona no filme: é Greta? É Noah? É o preto e branco, é a trilha sonora, é a montagem? É tudo isso, somado ao incrível sentimento de bem-estar que me preencheu assim que eu saí do cinema. É quase uma Amélie dos Estados Unidos, mas com um egoísmo inato ao ser-humano que permite que o filme seja um retrato fiel, não fictício, de qualquer espectador.

#01. A Grande Beleza
(La Grande Bellezza, Paolo Sorrentino, 2013, 142 min.)

"Mas, minha senhora, o que são essas vibrações?"

O que falar de um filme que te pegou completamente desprevenido? A Grande Beleza é o tipo de filme que consegue agradar a muitos públicos: há um humor ácido que consegue fazer todos rirem. É a crítica ao atual, tendo base na alta sociedade romana e em situações não-ortodoxas que fazem o ritmo do filme de Sorrentino ser cômico e artístico ao mesmo tempo. Com altas ressalvas à arte e sempre com um sentimento saudosista, A Grande Beleza se compara ao cinema italiano em muitas partes. Quem não vê A Doce Vida e 8 1/2 em tantas cenas desse grande contemporâneo é cego. Um retrato fiel não só da Itália, mas do cenário artístico, político e social atual com precisão e ironia.

Gravidade (2013)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Fri, 20 Dec 2013 17:04:00 +0000

Um filme de Alfonso Cuarón com Sandra Bullock e George Clooney.

Toda vez que vou ao cinema pra ver um filme sobre espaço, eu sempre tenho em mente uma única frase clichê que eu sei que vai ser o leitmotiv do filme inteiro: "nós não estamos sozinhos". Sei que quando eu vou ver uma exploração à Marte, nós não estaremos sozinhos. Sei que quando vamos até a Lua numa sala de cinema, nós não estaremos sozinhos. Quando eu for ver o próximo capítulo de Star Wars, eu saberei que não estarei sozinho. E até mesmo quando o argumento tenta transcender os estereótipos, eu chego até Europa (no caso, a lua de Júpiter) e, ainda assim, não estou sozinho. No meio de tanto vazio, parece que é impossível ficar sozinho. Ou ao menos parecia.

O que eu queria dizer com tudo isso é que ao assistir Gravidade, o novo filme de Alfonso Cuarón, eu nunca me senti tão sozinho no espaço, no cinema ou em qualquer outro local que eu tenha visto o filme. Sei que haviam pessoas ao meu lado, sei que eu estava acompanhando a cada momento as aventuras da dra. Ryan Stone (Sandra Bullock), mas eu estava tão sozinho quanto ela. É a capacidade fílmica de se reinventar e reinventar o próprio espaço a cada momento.

Gravidade não se situa num futuro pós-apocalíptico, não necessita de muita imaginação pra ser capaz de imaginar um universo em que as situações acontecem. É simples, na verdade. A câmera pega a história da engenheira espacial Ryan Stone, uma novata nessa área, e a mistura com a história do veterano Matt Kowalski (George Clooney), que se aposentará assim que por os pés de volta a Terra. O que deveria ser tranquilo, apenas uma manutenção em um satélite, se torna um caos: destroços de outro satélite entram na mesma órbita dos astronautas, danificando a nave de Stone e Kowalski. Como únicos sobreviventes, os dois precisam vagar pelo vazio até outra estação espacial, sem segurança, sem chão, com pouco oxigênio e menos combustível ainda.

Daí começa a jornada de Gravidade, repleta de uma ambientação incrível - até mesmo aprovada por especialistas. A direção de Alfonso Cuarón é focada em planos-sequência, muitos mais longos que outros, muitos mais dinâmicos que outros. É de se lembrar, porém, que a qualidade que permanece na fita é a sutileza e a leveza das imagens. A câmera flutua para alternar entra a figura de George Clooney e o desespero de Sandra Bullock. Muitas vezes somos refletidos nos próprios trajes espaciais, como na hora em que a dra. Ryan Stone vaga sozinha pelo espaço e a Terra e o Sol são refletidos em seu capacete, misturados ao olhar de medo e aos sons de respiração ofegante. Como o filme é criado a partir de efeitos visuais, tiro meu chapéu a toda a sessão. O realismo de cenas como a da destruição de um satélite é chocante, e tenho que dizer que a experiência 3D vale bastante a pena.

Fator também excelente em toda a fita é o respeito ao silêncio presente em todos os níveis. Seja em sons diegéticos quanto em trilha sonora, o diretor mantém o maior respeito às leis da física, apenas mantendo como som aquilo que a dra. Ryan Stone ouve. Somos a dra. durante a maior parte de Gravidade. A trilha sonora de Steven Price é o máximo desse respeito, sempre mesclando seus momentos de ápice construído com um silêncio profundo. Assim como o filme, trilhas como The Void e Don't Let Go respeitam muito a narrativa fílmica, construindo toda uma ambientação que cresce imperceptivelmente. A faixa homônima ao filme, Gravity, que dá os sons aos momentos finais é de uma beleza gritante - quando menos percebemos a voz humana toma forma no fundo de toda instrumentação e dá uma continuidade ao desfecho.

A sensação de que a história não acabou no final é o que realmente fica. Alguns elementos piegas são inseridos no longa (como a história triste e sofrida generalizada de Sandra Bullock), mas os atores conseguem contornar isso bem. A narração de Sandra Bullock não evidencia a perda como principal, mas sua própria solidão - elemento que contorna o filme e passa aos espectadores o sensorial. Afinal, somos Ryan Stone por algum tempo. Somos a lágrima que flutua quando a personagem se entrega a sua dor, somos o fogo que flutua quando a personagem supera sua perda. E, muito além da solidão, somos seu renascimento. A composição de metáforas visuais nos deixa a par disso: quando vemos Bullock em posição fetal, cercada por fios, semelhante a um bebê no útero, é que podemos perceber como a jornada da personagem realmente a transformou. É a verdadeira gestação da independência, da maturidade, da experiência.

Cuarón, num roteiro relativamente simples e num deleito visual, consegue trazer para nós uma solidão incomparável a qualquer outra no universo. É você, sozinho, em meio ao nada, em meio ao vazio. O que resolvemos fazer a partir desta solidão é que é o fundamental. É Gravidade, antes de uma ficção científica, é um filme que serve para mostrar que estamos, sim, sozinhos nesse universo, independente de qualquer outra vida extraterrestre. E que, mesmo assim, ainda somos capazes de nos reerguemos nas nossas próprias pernas.

NOTA: 10

Azul é a Cor Mais Quente (2013)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Thu, 12 Dec 2013 14:03:00 +0000

Um filme de Abdellatif Kechiche com Adèle Exarchopoulos e Léa Seydoux.

Jean-Paul Sartre, em sua filosofia existencialista, já falava que a existência precede a essência. Em sua corrente desprovida de Deus (entende-se por aqui qualquer outra divindade ou ser superior) não podemos dizer que alguém nasce com a pré-destinação de ser correto ou justo. O mundo é o que fazemos dele, carregamos a humanidade em nossas costas, reações e consequências. O filósofo cita isso em sua conferência O existencialismo é um humanismo, que não é por menos citada em Azul é a Cor Mais Quente, novo filme de Abdellatif Kechiche. A essência - ou existência - do filme é completamente permeada pela filosofia Sartriana.

Minha única experiência com Kechiche anteriormente foi Vênus Negra (2010), com uma construção de personagem semelhante a de Azul é a Cor Mais Quente: em ambos as personagens são apresentadas por suas ações, mas em momento algum elas têm a voz para falar o que as define (se é que algo as pode definir). Faz parte da complexidade de um ser-humano, ser mais do que aquilo na tela mostra. Isso fica claro em toda a sessão de Vênus Negra, como um incômodo ao pé do ouvido que só nos mostra o lado do colonizador e a condescendência do colonizado. Nesse novo filme, ganhador da Palma de Ouro em Cannes, a vida de Adèle fica clara à partir do segundo ato.

As três horas de sessão apresentam para nós uma adolescente, ainda em fase de estudos literários, aspirante à professora. Essa adolescente é Adèle (Adèle Exarchopoulos), uma menina que ainda está aberta para novas descobertas em sua vida. Nessa fase de experiências é que ela conhece Emma (Léa Seydoux), uma moça sedutora, com um cabelo azul e vivo, abertamente homossexual.

Para bom entendedor, meia palavra basta. Não é difícil saber com propriedade o que vem a seguir se combinarmos essas duas personalidades de características tão complementares. Mas, como dito antes, ninguém é só o que mostra nas telas.

A história de amor consequente do encontro de Adèle e Emma é impulsivo e explosivo. Em muitos aspectos as duas se completam, em outros temos a sensação constante de que não foram feitas para dar certo. O que, felizmente, dá certo no longa-metragem é a criação desse laço de forma simples e tranquila, sem precisar apressar a paixão, o amor e o tesão para encurtar a sessão. Tendo noção disso, Kechiche explora ao máximo as três horas para criar o melhor clima de paixão entre as duas moças. O resultado? Ninguém consegue perceber o tempo passando na sala de cinema. A primeira troca de olhares das duas é apenas depois de 15 minutos do começo da sessão. A primeira interação real só acontece depois de mais 40 minutos, que servem para fixar um lado da personalidade de Adèle, o lado mais latente naquele momento.

O início do filme consiste em fixar uma Adèle contida, que ainda sofre a influência das amigas em suas escolhas, longe de se abrir para surpresas. A coloração predominante é alaranjada, clara, quase como se a fita estivesse pegando fogo - as noites são quentes, os jantares com a família são muito próximos, as amigas andam todas juntas. O relacionamento primário de Adèle com Thomas (Jérémie Laheurte, namorado da atriz) explode com essas cores. As ruas estão com o tom laranja da pele dos dois, o sexo é envolto com proximidade, o calor humano que a relação de ambos exala é sufocante, até mesmo para a personagem. Adèle não se dá bem com essa proximidade, com essa angústia, com esse ardor intenso.

A quebra dessa proximidade excessiva se dá na próxima cena, quando a protagonista finalmente conhece Emma. Num bar alaranjado (tão alaranjado que quase engole o azul do cabelo de Léa Seydoux) é que as duas finalmente conseguem se falar. À partir daí é um passo para todo o filme mudar de contexto e, assim, trazer junto as personagens.

Adèle não está mais tão contida. Não há mais um ódio na situação sufocante, há um toque de veracidade em cada palavra, cada declaração que poderia ser definida como um misto de ignorância com limite, mas que transborda sinceridade. A literata que não suporta Sartre, que não conhece os artistas, que não vê a necessidade de concordar com tudo o que é falado. Todos os lugares que Adèle se encontra com Emma são diferentes dos lugares em que Adèle se encontrava com Thomas: são lugares abertos, com predominância de branco, verde, azul claro, de liberdade, de expansão horizontal. As duas tem uma fuga próxima, a protagonista finalmente se encontra confortável em sua situação de um modo que nunca se sentiu no relacionamento heterossexual. Isso a atriz faz questão de mostrar em diferenças de situações, um beijo lésbico mal-interpretado gerou muito mais frustração e dor para Adèle do que o término de um relacionamento com o namorado.

Quanto a comparação das cenas de sexo, a transa com Emma é muito mais livre também; a cama é pintada com tons de azul e branco, a cena é ampla e não se restringe a duas pessoas ocupando um só espaço, espremidas na tela. Aqui há o prazer da distância, de um plano geral que consiga mostrar os dois corpos femininos no auge do prazer e ainda assim exibir detalhes do espaço. O sexo com Emma é longo, demorado, sem pressa, prazeroso. O prazer é compartilhado, não pesa apenas pra um lado. Admiro muito o trabalho de Léa Seydoux e Adèle Exarchopoulos, especialmente nesta parte pelas cenas explícitas e por uma entrega na atuação.

No segundo ato de Azul é a Cor Mais Quente é que a filosofia de Sartre se faz mais presente. Adèle, antes restringida por rótulos sociais (É lésbica? É hétero? É artista? É trabalhadora?) finalmente acha o conceito Sartriano de liberdade. O que era restrição agora é angústia. A personagem enfrenta dúvidas e sem nenhuma parcialidade na direção, apenas a mostração dessa dúvida de um jeito bem explícito. Adèle, que só se vestia com a cor azul, agora tem detalhes vermelhos em sua roupa. O azul continua sim, presente em qualquer roupa que a atriz vista neste segundo ato, em qualquer detalhe, seja na roupa de cama, seja no oceano em que ela mergulha. O encontro de Adèle e Emma (o perto do desfecho, que eu prefiro não entrar em maiores detalhes) tem uma diferença gritante do encontro no bar lésbico. O ambiente é tingido de azul o tempo todo, dando um detalhe não só intimista como sofredor.

Como Adèle mesmo fala, ela come de tudo, menos de ostras (até aquele momento). Poderia passar mais alguns parágrafos discorrendo sobre as relações familiares ambíguas, décadas de teoria queer, a polêmica cena sexual, a fotografia, a trilha sonora e até mesmo o cabelo de Adèle. Acho que tudo isso é detalhe em um filme que só quer brindar o amor livre. Pela liberdade amorosa, pelo prazer de poder comer de tudo, desde um macarrão à bolonhesa até belas ostras, abertas, espaçosas, brancas. Por uma Adèle que não é nem azul, nem vermelha, mas roxa.

NOTA: 9

Exilados do Vulcão (2013)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Mon, 30 Sep 2013 17:40:00 +0000

Um filme de Paula Gaitán com Clara Choveaux e Vincenzo Amato.

Desde o advento do cinema há uma predileção para a evolução ser cada vez mais introspectiva. Se compararmos um filme como O Nascimento de Uma Nação com outro do tipo Exilados do Vulcão, vemos que o contemporâneo tem um uso abusivo do silêncio, da calma, da leveza e da lentidão, por mais que o filme clássico seja mudo. A reflexão se tornou recorrente na maioria dos filmes contemporâneos, para muitos diretores a arte cinematográfica não é mais sinônimo de diversão, de entretenimento. É apenas uma forma de incômodo.

Depois de muito trabalho com o cinema político, é de se esperar que atualmente os filmes consigam mesclar essas duas qualidades: a de contar uma história clara ao público e, ao mesmo tempo, brincar com emoções e conhecimentos intrínsecos, de forma a criar uma sensação única a cada indivíduo. Exilados do Vulcão, filme de Paula Gaitán infelizmente não é esse tipo de filme. E qual a grande importância disso?

Vamos por partes. A história de Exilados do Vulcão é simples: uma mulher consegue resgatar de sua casa incendiada objetos que pertenciam ao homem amado e, assim, cria uma parede de lembranças. O argumento cria mais do que mil imagens, mas a diretora faz da forma mais diferente possível. Não se consegue entender essa história caso a sinopse não seja lida antes da sessão. A linha do tempo fílmica é completamente intimista - e não se pode dizer que é um intimismo compartilhado, ou mais da metade da sessão que foi exibida no Festival de Cinema de Brasília não sairia da sala no meio do filme.

Bem satisfeita com a não compreensão da história e das atuações de Clara Choveaux, Simone Spoladore e Vincenzo Amato, o filme (com pouco mais de duas horas de duração) ainda tem menos do que dez falas, além de nenhum diálogo. O som possui o mesmo ritmo lento e maçante da sessão e a trilha sonora contém intérpretes como Cat Power para ralentar ainda mais o resultado final. É colocada em bom momento uma canção da banda Yeah Yeah Yeahs, quase na metade do filme, talvez o ápice de animação que permite que o espectador comum volte a atenção pra fita. Afinal, é muito fácil se perder quando a própria tela já dificulta seu trabalho de localização.

A fotografia é um dos (senão O) maior trunfo do filme da ex-mulher de Glauber Rocha, a captura dos planos é excelente desde o seu início, quando numa paisagem desértica e estática observamos a gênese do movimento de um homem desconhecido - e que fica desconhecido durante o resto da fita, diga-se de passagem. Exilados do Vulcão ainda nos presenteia com mais imagens incríveis, como a corrida de diversos planos em uma floresta, o mega zoom em partes do corpo, o contraste perfeito de luz e sombra em corpos nus e ainda a bela cena final, com uma visão panorâmica excelente. E acredite, mesmo eu contando o final, é impossível dizer que isso é um spoiler.

O que quero dizer é que não há uma opinião certeira que defina o porquê de Exilados do Vulcão ter sido o grande filme vitorioso deste ano do Festival de Brasília, sendo que sofreu uma crítica tão dura do público e da própria crítica. É óbvio que é um filme sensorial, altamente abstrato, que funciona muito melhor como um grande apanhado de imagens do que como um longa metragem que arrasta todos os seus espectadores por uma viagem indesejada.

Não há como julgar o caráter reflexivo do cinema, que já se arraigou desde a década de 60 na sétima arte. Condenar a reflexão seria condenar toda a obra de Godard, Rocha, Truffaut. Mas há uma linha tênua entre uma reflexão que se utiliza de uma história e uma reflexão que é mero artefato. Exilados do Vulcão não enxerga essa linha; ele ultrapassa quilômetros dela. É sim um filme que o silêncio é incômodo, e muito mais que isso: o silêncio é apenas silêncio. Não o silêncio de uma pausa. Não o silêncio de calmaria. Não o silêncio de um cenário, de um personagem, de um estado de espírito. É o verdadeiro silêncio de quem não tem nada a dizer.

NOTA: 2

Amor Bandido (2012)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Sat, 21 Sep 2013 17:56:00 +0000

Um filme de Jeff Nichols com Matthew McConaughey, Tye Sheridan, Sam Shepard e Reese Witherspoon.

Mud (Assim prefiro chamar Amor Bandido, esperem que não se importem, mas a tradução brasileira conseguiu transformar mais um título em piada) é o tipo de filme que nós não vemos todo dia, e eu dirijo esta mensagem a todos: desde cinéfilos até pessoas mais ocupadas que se limitam a ver, no máximo, um filme por mês. Há uma construção no cinema contemporâneo que segue a linha fácil de criação de blockbusters, na criação de um herói, de um clímax, de uma boa diversão, de gritinhos na plateia e de risadas em bons momentos.

Jeff Nichols, diretor de Shotgun Stories e o aclamado O Abrigo (com Michael Shannon e Jessica Chastain) é um novo diretor, e bem aclamado por seu trabalho. Permitam-me dizer, rapidamente, que eu não vejo o que a maioria vê em O Abrigo, seu segundo longa-metragem, mas isso fica pra outro texto. Há, porém, um mérito que eu tenho que entregar ao filme: simplicidade. A história é fabulosa, não há uma normalidade, não há um padrão a ser seguido, não é um excerto normal em uma vida normal, e mesmo assim o diretor ganha com a simplicidade do roteiro, das cenas e da conclusão.

Mud não está nem um pouco longe dessa estética. Ele ganha sua vez por ser um pequeno conto de fadas inserido num ambiente duro, grosso, áspero. Estamos nos pântanos do Mississipi. Há uma comunidade que vive na beira do rio, vivendo das próprias águas para a subsistência. Entre essas pessoas, há a família de Ellis (Tye Sheridan). A mãe não quer mais viver na casa à beira do rio, herança de seu pai. O pai precisa viver lá, pois não sabe o que fazer na cidade grande. O menino fica dividido, e assim também ficamos. A direção acerta em nos colocar na cabeça de Ellis, uma criança de 14 anos descobrindo a adolescência com resquícios de uma infância ainda viva no interior. Enquanto a mente entra em conflito, o espectador também entra no mesmo efeito. A inocência é a verdadeira guia do olho-câmera em Mud, são poucos os momentos em que um adulto fala e é compreensível o que diz. Pegamos as irritações, os jeitos, as dúvidas e as emoções de Ellis e, à partir do momento em que o menino foge da janela de sua casa, já começamos a nos conectar com todos eles.

A história, porém, prolonga além disso e foca em outras questões - todas ainda vistas pela visão inocente de um menino que crê no mundo em que vive. Ellis e seu amigo Neckbone (Jacob Lofland) ouviram uma história e querem comprovar a veracidade. Há um barco abandonado numa ilhota e é necessário ver para crer, ou ao menos satisfazer a vontade ilimitada do adolescente. É nesse barco que mora Mud (Matthew McConaughey), um homem misterioso com necessidades simples e uma personalidade dúbia. Para um garoto, Mud é um herói. Para o outro, Mud é o vilão. Quem é Mud?

Mud passa longe de herói, da mesma forma que não é um vilão. É um simples homem em conflito com uma força mais presente do que nas outras simples pessoas que existem. Mud é um deus ex-machina para almas inocentes assim como o barco é a representação do fantástico para o perturbado e obsessivo adulto. O que mais chama a atenção é o fato do próprio Mud possuir trejeitos infantis sobre a insistência em um determinado assunto, enquanto Ellis se parece muito mais adulto do que ele em algumas cenas, apesar de sua pouca idade. Matthew McConaughey faz muito bem sua caracterização do anti-herói, com inocência em uma carapaça de rudeza. Os trabalhos de Tye Sheridan e Sam Shepard não passam despercebidos, em especial para o ator mirim. Há de se lembrar também de toda a trilha de David Wingo, essencial para a construção do amadurecimento, o real objetivo de todo o filme com suas situações justapostas e seu ritmo leve.

Mud tem um saldo mais do que positivo por ser um conto de fadas moderno, baseado num cenário impropício ao nascimento de tanas emoções conjuntas. A seriedade e a mesmice da rotina são cansáveis, os momentos de alegria são poucos, muitos momentos o filme atinge uma densidade anormal para o esperado, e mesmo assim é a prova viva de que um filme consegue reproduzir relações pessoais tão simples como amor e amizade em uma tela.

Quantos filmes te fizeram sorrir neste ano, em relação a estreias? Me lembro de três filmes que me fizeram sair leve de uma sala do cinema, com um sorriso no rosto e uma sensação além do esquecimento. Mud é um deles, e consegue tudo isso com uma simplicidade admirável.

NOTA: 9

Invocação do Mal (2013)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Sat, 14 Sep 2013 01:09:00 +0000

Um filme de James Wan com Patrick Wilson e Vera Farmiga.

Lembro-me de alguns anos atrás, quando Namorados Para Sempre estreou no dia dos namorados, numa tentativa clara de enganar um público-alvo com um nome completamente errôneo. Traduzindo literalmente do inglês, o nome seria algo como Dia dos Namorados Triste ou qualquer variação. Imagino a quantidade de casais que, esperando ver um filme romântico com seu par, depara-se com um melancólico fim de namoro. A distribuição é muito esperta e nem todas as vezes é justa. Fico feliz em dizer que Invocação do Mal não é uma enganação para quem vai na sexta feira 13 ao cinema esperando ver um filme de terror - e um melhor do que todos aqueles que nos foram apresentados ao longo do ano.

James Wan é o diretor australiano conhecido por ser o precursor de uma das maiores (e mais cansativas) franquias do horror desse novo século, Jogos Mortais. Isso já comprova sua qualidade como diretor de filmes de terror e de tensão, já que ele só dirigiu o primeiro filme, aquele em que tudo era novidade e apresentava um plot twist realmente inesperado. Essa não é sua única bagagem nos filmes de terror, já que ele se aventurou também em Sentença de Morte e Gritos Mortais. Wan, porém, conseguiu assumir uma estética recentemente com seu ótimo Sobrenatural, um filme relativamente simples que consegue manter tensão e ritmo até os momentos finais, mesclando todos os elementos possíveis.

Sobrenatural, porém, foca no exagero e na tensão precipitada. O foco do filme são sustos, o que nós vemos desde o início quando o nome do filme surge de uma tela preta com uma trilha ensurdecedora. Isso se difere de Invocação do Mal pois este gosta de construir uma atmosfera para chegar ao fim. Há sustos aqui também, mas eles são premeditados e crescentes. O medo do novo filme de Wan provém do acompanhamento da situação. Note que aqui não faz sentido apenas aparecer um relato do que ocorreu em forma de narrativa (Filha do Mal, O Último Exorcismo) ou flashbacks (O Exorcismo de Emily Rose). Nós, como espectadores, somos inseridos no tempo-espaço da família Perron e só assim conseguimos sentir o que eles sentem, da mesma forma que Atividade Paranormal fez e ainda faz.

Mais uma vez o roteiro consegue ser simples e, ainda assim, manter uma tradição do cinema do horror. É inegável a referência a obras como O Exorcista ou Poltergeist, mas originalidade não é pré-requisito de qualidade, por mais que seja bem vinda. Invocação do Mal, porém, tem muitos de seus bons momentos e criações. O filme ganha um ritmo muito bom, começando com lentidão no início até se revelar rápido e ágil em fugir de alguns lugares-comuns. A rapidez peca em alguns momentos, porém, e não esconde pequenos furos de roteiro que prejudicam a credibilidade da narrativa, critério importante em filmes de terror.

A construção da atmosfera é impecável. A fotografia é escura e predominantemente bege, quando alguns tons claros tentam voltar à trama. Toda a direção de arte tem uma preferência para cores neutras e tons acinzentados, desde os figurinos variados até a escala de cores do papel de parede. Muitos dos ângulos utilizados dão a impressão de vertigem, com foco naqueles que tomam o olhar do protagonista como referência. A maior parte de todo o terror concentra-se no psicológico da espera, e não do imediatismo. Há de se acontecer alguma coisa, em algum momento, em algum canto da tela. A surpresa excita, mas a falta dela mantém a angústia.

Talvez o grande trunfo do filme seja a grande representação de histórias paralelas entre toda a narrativa, o que nos leva a dar uma expectativa maior a uma sequência (que eu duvido que venha a acontecer). James Wan é muito esperto em deixas várias histórias abertas, como a filha do casal Warren, o segredo que permanece em ser o que Lorraine viu e que a aterrorizou tanto, o início do casal como caçadores do sobrenatural. É muito inteligente colocar como atração principal um evento da vida da família Perron sem tirar o foco protagonista de Ed e Lorraine Warren (Patrick Wilson e Vera Farmiga). A incompletude é que faz o filme parecer completo aos nossos olhos e é este artifício que faz o desfecho de Invocação do Mal, por mais que semelhante a muitos outros desfechos atuais, ainda manter o arrepio da espinha.

Não pude revelar o que é a história de Invocação do Mal, não pude falar mais sobre cada um dos detalhes que mais me chamou a atenção porque boa parte de uma experiência cinematográfica consiste no assistir para impressões próprias. Um terror consiste basicamente na não-expectativa para poder funcionar com precisão para um virgem do filme em questão, e tirar a experiência de qualquer um que não viu esta grande obra do horror que presenteia o dia do azar é um pecado.

NOTA: 9

Spring Breakers (2012)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Mon, 29 Jul 2013 17:22:00 +0000

Um filme de Harmony Korine com Selena Gomez, James Franco, Vanessa Hudgens, Ashley Benson, Rachel Korine.

Harmony Korine não é um dos diretores mais conhecidos do cinema. Talvez muitas pessoas tenham visto Kids, que tem o roteiro de Korine. O diretor é conhecido por filmes mais pesados, como Gummo, Trash Humpers ou Mr. Lonely, mostrando uma parcela social diferente do que estamos acostumados com as fórmulas Hollywoodianas e até mesmo se afastando delas. O que podemos esperar quando um elenco relativamente composto por cantoras pop da Disney e gente mais do que conhecida de um diretor que nunca tinha feito isso?

Candy (Vanessa Hudgens), Brit (Ashley Benson), Cotty (Rachel Korine) e Faith (Selena Gomez) são boas amigas desde o primário. Elas estudam na mesma universidade e se veem presas nas férias de verão. É tudo a mesma coisa, as quatro precisam respirar novos ares. O dinheiro, porém, é curto e elas não conseguem fazer nada com o que possuem.

Daí surge a primeira ideia: porque não começar essas férias de verão com a máxima energia? Candy, Brit e Cotty resolvem roubar uma lanchonete e, assim, fugir para a Califórnia. Faith, uma menina que frequenta a igreja com constância, não sabe dos planos até as amigas aparecerem com o dinheiro (há de se falar, antes disso, da perfeição de Harmony Korine com seu único plano ilustrando o assalto, já que um carro roda a lanchonete e tudo o que vemos durante o tenso minuto que se segue são duas meninas encapuzadas através das janelas de vidro).

Já convencidas do roubo, as quatro amigas começam a viver na Califórnia um sonho que não existia na universidade. O sonho não é inteiramente sensorial, é de vivência. O que vemos é o sujo, o clichê e o escrachado. É sexo barato, é droga, é bebedeira, é tudo aquilo que relacionamos instintivamente a uma imensa festa da qual não é agradável se ver nada. A ironia da narrativa já se inicia a partir deste ponto. Tudo se dá por parte das ligações entre as meninas e as famílias, em especial Faith, que possui uma ligação com a casa. Enquanto a menina descreve para os pais o sonho que é estar na Califórnia, as imagens da noite retratam um pesadelo bêbado.

Faith, a única que mostra um pouco de consciência, também possui uma grande parte de sua personalidade baseada na hipocrisia. O conflito entre o conhecido e o desconhecido é o que transforma a menina, muitas vezes podemos observar que a construção da personagem é feita apenas em imagens de um passado que não se deixa ir embora. Eu não achei que fosse dizer isso aqui ou em alguma outra crítica, mas ainda bem que Harmony Korine me fez morder a língua: Selena Gomez tem uma atuação muito boa mesmo. Talvez por ser a única com algo a mais na fita, ela se sobressaia em relação aos outros, e é graças a ela que o longa-metragem tem um choque. Não creio que valha a pena falar muito sobre as outras, que conseguiram se livrar de bons esterótipos e criaram personagens tão vazias quanto as férias de verão, mas é bom ressaltar a transformação de James Franco em Alien.

Spring Breakers chega ao seu final com um ponto de interrogação. O que é que Harmony Korine quis falar dessa vez? Não sei se é a teoria certa e não sei se isso fica claro a todos, mas é óbvio para mim que o filme inteiro fala sobre o que as férias de verão realmente são: vazio existencial preenchido com ilusão. Uma pausa que tenta dizer que a vida não precisa ser o ano inteiro, mas aquele curto mês de ócio. A maioria consegue perceber isso e volta para a sua vida como se nada tivesse acontecido - é assim que conseguimos distinguir os personagens. Quando uns voltam para suas casas, é como se eles nunca tivessem existido. As férias viram apenas uma paisagem distante numa janela intocável do ônibus. O retrato dessa vez é de quem não faz distinção das vidas para as férias de verão. São as meninas que vão a todo lugar de biquíni. São os traficantes e a falta de respeito. São os diálogos vazios que parecem querer dizer mais do que são. E tudo isso é resumido no caráter brilhante de uma canção de Britney Spears.

Spring break forever, bitches!

NOTA: 9

A Casa Vermelha (2012)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Thu, 04 Jul 2013 15:36:00 +0000

Um filme de Alyx Duncan com Lee Stuart e Jia Meng Stuart.

Filme visto no 2º Festival Internacional de Cinema de Brasília, Mostra Competitiva.

Na minha experiência minúscula como crítico de cinema, percebo que tema recorrente em filmes é o amor. Mas, assim como os filmes, muitas formas de amor vem de maneira interpretada. Amor interpretado não é amor real, por mais que alguns realmente se aproximem ou até cheguem no ápice de fazer um olhar emocionar a plateia. Alguns dizem que amor não depende só de interpretação, eu digo que depende sim. Um diretor, editor, roteirista, músico podem fazer obras belíssimas de transformar um cinema em rios de lágrimas. Amor na vida real só necessita de um casal.

A Casa Vermelha é um quase documentário feito por Alyx Duncan, a filha de Lee Stuart e a enteada de Jia Meng Stuart, os dois astros da fita. O casal mora em Nova Zelândia, mas Jia vem de uma família chinesa. Desde complicações em sua terra, ela e o filho pequeno vieram a Nova Zelândia e conheceram Lee. Muitos anos depois, os pais de Jia passam por complicações e ela tem de voltar a China e passar algum tempo longe de seu marido.

O filme é quase um documentário porque, graças a algumas entrevistas recentes da diretora, percebemos que a construção do conflito é falsa e não aconteceu na vida real. O cinema-verdade não é tão verdadeiro assim. Tal situação, porém, dá sentido ao título do filme, assim como cria grandes interpretações do verdadeiro porquê de A Casa Vermelha ser um grande filme sobre o amor.

O que é um lar? É consenso artístico que lar não é sinônimo de casa. Lar é onde o conforto está, a segurança está, o bom está. Lar não é necessariamente família, não é necessariamente aconchego. A casa vermelha, que dá nome ao longa, é um espaço pequeno. Não é o sonho de ambição de muitas pessoas - e Lee deixa claro isso ao falar da intromissão de turistas nas ilhas neo-zelandesas. A casa é só o suficiente para dois corações em dois corpos diferentes poderem viver sem qualquer problema. A casa, porém, nada mais é do que um espaço físico.

Eu posso e você também pode contar quantas vezes falam um "eu te amo" em A Casa Vermelha. Uma vez. Apenas uma vez, na voz de Jia, com o sotaque chinês ao falar inglês para a compreensão do marido. Enquanto Jia e Lee não fazem esforço para mostrar a fita o que é a vida que levam, o título cai por terra. A casa vermelha nunca foi um lar: o parceiro é que sempre foi o bastante para ser a morada do outro.

Don Jon (2012)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Tue, 02 Jul 2013 01:37:00 +0000

Um filme de Joseph Gordon-Levitt com Joseph Gordon-Levitt, Scarlett Johansson e Julianne Moore.

Filme visto no 2º Festival Internacional de Cinema de Brasília, Mostra Competitiva.

Há uma hora em que os gêneros saturam. Inovação é necessária, mas repetição é cansativo. Comédias já tinham dado hora pras comédias românticas, que ultimamente deram mais espaço para comédias independentes como Pequena Miss Sunshine, Juno, (500) Dias Com Ela e 50/50. Experiente nesse quesito, até mesmo por ter protagonizado dois dos filmes exemplificados, o sempre bem-vindo Joseph Gordon-Levitt resolve dar as caras em sua estreia na direção para nos dar mais uma comédia alternativa, que foge um pouco do ritmo comercial. Mas... já não acabamos de ver isso na sessão anterior?

Johnny Martello (Joseph Gordon-Levitt) é um americano vindo de família tradicional. Mora sozinho, trabalha como bartender, vai à missa aos domingos, se confessa, almoça com a família, sai com os amigos, transa com muitas mulheres... e é um verdadeiro viciado em pornografia. Tão viciado que só o barulho do computador ligando já consegue deixar o protagonista de pau duro. Sua satisfação com o pornô gera insatisfação na vida real, pois o sexo neste não atinge as expectativas do que é visto online. Quando ele conhece Barbara Sugarman (Scarlett Johansson), uma mulher nota 10, ele começa a se perguntar: seria ela minha cura?

O foco do filme é a discussão mais do que já utilizada de qualidade contra aparência. Nem tudo que é belo é satisfatório o suficiente. O exemplo disso é literal, a sempre bela (e nem sempre boa) Scarlett Johansson. Numa atuação boa, por mais que um tanto exagerada (seu sotaque é imperdível, eu precisava encaixar isso no texto), ela é o verdadeiro exemplo de personagem fetiche, mas que não contribui para manter o nível do filme, já que ela beira a ficção numa comédia que possui como base o naturalismo e a veracidade. A falta de personalidade não auxilia na primeira impressão.

Julianne Moore, por outro lado, faz um trabalho excelente e, ao invés de criar situações antagônicas, é um grande suporte para a comicidade da fita. Alguns traços de sua Esther assemelham-se muito com o que a atriz fez em Minhas Mães e Meu Pai, mas enquanto conhecemos cada vez mais a experiência que molda a personagem, mais diferenças vão surgindo.

O que faz a fita ganhar o espectador é a veracidade que ninguém naquela sala quer admitir: todo mundo vê pornô. Não adianta, espectador, um dia você já abriu o Xvideos, nem que por curiosidade. E o vício traz não a assimilação, mas o humor da identificação em alguma situação. Seja a família, - que cria o ambiente mais sufocante da sessão - sejam os relacionamentos. Chega um ponto que ver Joseph Gordon-Levitt pegando um lenço de papel ou ouvir o barulho do computador ligando chega a ser cômico por si próprio.

E, óbvio, não posso deixar de citar o ator/diretor/protagonista/parceiro do Batman (opa!). Um debut acima da média para qualquer um que comece. O tom jocoso ganha o espectador nas cenas cotidianas ou nas mais irreverentes, como as múltiplas confissões. E sim, Gordon-Levitt tem um carisma que preenche o vazio existencial de um vicio ou o vazio de uma sala de cinema silenciosa.

Don Jon ganha o público por ser pequeno, um episódio não especial no cotidiano de alguém. E ainda consegue trazer um desfecho inesperado, mas muito satisfatório. O roteiro não chega a ser muito pensado, mas é tão bem amarrado que não posso criticá-lo apenas por não crescer para outros horizontes. O que posso criticar é que Don Jon não possui personalidade. De resto, vale muito a pena sentar na cadeira do cinema, relaxar e gozar.

NOTA: 7

Guerra Mundial Z (2013)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Fri, 28 Jun 2013 14:13:00 +0000

Um filme de Marc Foster com Brad Pitt, Mireille Enos e Daniella Kertesz.

O mundo é o verdadeiro limite para o fim. Ninguém realmente se importa com o que está acontecendo em Marte, desde que não influencie em nada no planeta Terra. É por isso que se um filme como Marte Ataca! fosse ambientado em Marte, seria chato. É por isso que a franquia Star Trek sempre tem um conflito para resolver que coloca a vida no planeta Terra em risco. E bem, talvez seja por isso que o público está certamente saturado de filmes de aniquilação mundial, por mais que eles consigam inovar em algum aspecto.

Então num mundo que já foi invadido por zumbis em Resident Evil, Todo Mundo Quase Morto, Madrugada dos Mortos Vivos, Vírus, Meu Namorado é um Zumbi e muitos, muitos, muitos outros, é muito, muito, muito clichê uma abordagem com o mesmo tema e sem inovar em nada muito novo. Guerra Mundial Z é assim: um caótico filme que, no fim da sessão, não consegue nada além de ser caótico, tanto para o público quanto para os próprios personagens que, até no fim da fita, parecem não saber aonde estão.

Gerry Lane (Brad Pitt) é um ex-agente da ONU que desistiu de arriscar a vida trabalhando como investigador e agora vive cozinhando panquecas para a família. Num dia, quando ele vai levar suas filhas à escola, o trânsito está caótico. Pessoas estão desesperadas e em pouco tempo a morte chega para assombrar. Se vendo num verdadeiro cenário de guerra, Gerry, sua mulher Karin (Mireille Enos) e suas filhas Constance e Rachel (Sterling Jerins e Abigail Hargrove), têm de usar o instinto de sobrevivência até conseguirem entender o porquê de algumas pessoas estarem mordendo as outras.

O filme possui erros de roteiro que chegam a ser grotescos. Os exemplos variam desde um filho que não consegue se comover com a morte dos pais e já corre para a ajuda de desconhecidos até uma bombinha de asma. Assim como no último filme da franquia Resident Evil, Guerra Mundial Z parece um imenso videogame, onde as fases são lugares ao redor do mundo até, finalmente, chegarmos no clímax (que, comparado ao resto do longa, passa muito rápido). O 3D, por outro lado, é bem utilizado, e as cenas de ação são realmente eletrizantes. Mas não podemos nos alvoroçar tanto com cenas assim sendo que elas provém de uma granada e uma arma de fogo em um avião que foi incapaz de matar todos.

O filme é de Brad Pitt, e seu personagem deixa isso claro. O cansaço característico de sua voz fica até o final, e isso dá sugestões ao seu personagem muito boa, que extrapolam a imagem de início. Mireille Enos é tal mal-aproveitada que creio que não vale a pena falar sobre ela. A atriz é um simples estepe de Brad Pitt, que some quando o clímax para de se relacionar inteiramente com o protagonista. Há de se falar a mesma coisa de todos os outros atores no longa-metragem. Danielle Kertesz é a única que parece não depender completamente do ator principal, a atriz consegue estabelecer uma identidade própria desvinculada do protagonista.

O desfecho do filme parece ser incompleto, como se fosse jogado do nada em cima de toda aquela atmosfera de ação e suspense. O caso se desenvolve bem, tirando os erros graves, mas perdoáveis, cometidos para aumentar a adrenalina do espectador com as cenas na tela. O ápice, realmente, é quando chegamos ao país de Gales e, mesmo sem tanta ação quanto comparada nas cenas em Israel ou Coreia do Sul, o clima chega ao máximo de tensão - tudo bem orquestrado pela trilha sonora final de Marco Beltrami. O desfecho, porém, não só sugere uma continuação (que já foi confirmada mesmo antes do lançamento) quanto joga todo o ritmo no lixo para uma narração em off estranha.

Guerra Mundial Z consegue inovar em um único aspecto: sua solução para o caso, mais do que diferente e muito mais interessante do que uma cura para zumbis ou o extermínio de todos os mortos-vivos. Além disso, é um entretenimento válido, tem seus bons momentos de susto e tensão e nos dá mais ou menos duas horas de diversão. Mais do que isso é exagero. Ele subestima o espectador com erros e flashbacks, nos dá um 3D que não chega perto de ser perfeito e, de bandeja, dá ao grande público algo como se fosse a mistura de The Walking Dead com 2012.

NOTA: 5

Blancanieves (2012)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Mon, 24 Jun 2013 20:20:00 +0000

Um filme de Pablo Berger com Macarena García, Maribel Verdú, Daniel Giménez Cacho e Sergio Dorado.

Filme visto no 2º Festival Internacional de Cinema de Brasília, Mostra Competitiva.

Ainda existe alguém que possa não conhecer alguns dos famosos contos de fadas dos irmãos Grimm que, constantemente, viraram adaptações fabulosas dos estúdios Disney? Talvez Branca de Neve e os Sete Anões seja um dos mais completos e uma das mais conhecidas que se pode ter. A história todos conhecem: a princesa, perseguida por sua cruel madrasta, foge para a floresta, encontra sete anões, come uma maçã envenenada e acorda com um beijo do seu príncipe, uma bela história de amor. E mesmo quem não vê filmes de animação, poderia conferir a mesma história nas diversas adaptações que o filme original vem tendo, como Branca de Neve e o Caçador ou Espelho, Espelho Meu.

Antes de falar, porém, deste filme de Pablo Berger, preciso falar da figura constante, que é a da madrasta malvada. A época que vivemos não tem o mesmo maniqueísmo infantil dos estúdios onde os sonhos se tornam realidade. O foco deixou de ser Branca de Neve há alguns anos, enquanto a bruxa - retratada por grandes atrizes como Julia Roberts, Charlize Theron ou Maribel Verdú - ganha mais carisma, se torna um pouco mais humana nos olhos do público, e rouba a cena com uma interpretação de matar. Vale mais a pena fazer vilões do que mocinhos, e isso não se restringe a Branca de Neve. Angelina Jolie está fazendo o papel de Malévola (A Bela Adormecida) para um filme do ano que vem. Sabendo disso, comecemos Blancanieves.

Carmencita (Sofía Oria/Macarena García) é uma pequena menina infortunada. Sua mãe, Carmen de Triana (Inma Cuesta) morreu ao dar a luz, e logo depois de seu nascimento seu pai, o grande toureiro Antonio Villalta (Daniel Giménez Cacho), casou-se com uma outra mulher. O infortúnio fica ainda pior quando sua avó, dona Concha (Ángela Molina) morre e ela tem de morar com o pai desconhecido. A madrasta da menina, uma terrível e invejosa mulher chamada Encarna (Maribel Verdú), não gosta de Carmen de modo algum e faz tudo para transformar a vida da enteada em um inferno.

O filme, assim como O Artista, é uma imensa homenagem ao cinema mudo e preto e branco. Totalmente ambientado na Espanha dos anos 20, com uma direção de arte impecável (misturando elementos circenses e figurinos incríveis), a história dá uma nova roupagem para a tão conhecida fábula da Branca de Neve. A princesa não é filha de um rei, é uma simples menina filha de um famoso toureiro. Por ser ambientado num mundo real e antigo, a compaixão e o maniqueísmo do bem e do mal não são utilizados completamente na fita. Claro que protagonista e antagonista são bem definidos com candura e ódio, respectivamente. Mas observemos, não existe pena por parte do assistente da madrasta. E nem todos os anões são confiáveis, assim o filme nos entrega.

Pablo Berger faz um grandioso filme, tornando as imagens belíssimas e com um ritmo avassalador graças a sua ótima direção e a uma montagem grandiosa. A montagem é mais do que precisa e nos entrega um filme completo. Veja todas as cenas onde o suspense ganha: todas elas têm um corte muito mais rápido, de maior tensão no espectador. Ao mesmo tempo que a montagem consegue prender na tela, também traz ótimos momentos de descontração. A comédia é recorrente, a figura da madrasta é caricata o bastante para ser engraçada, e até mesmo alguns artifícios utilizados para as legendas de fala são suficientes para fazer o público rir. Isso porque ainda nem começamos a falar de Josefa (Alberto Martínez).

No quesito atuação, ninguém perde. Ninguém mesmo. Como falado no início, a figura da antagonista recebe uma atenção maior do que a protagonista em si. Maribel Verdú conseguiu até um prêmio Goya como Melhor Atriz, tudo graças a suas falas corporais intensas, cheias de significado. Quem não fica atrás é Ángela Molina, em sua pequena aparição como a avó da protagonista. Sofia Oria e Macarena García são grandes surpresas do longa, e representando o lado masculino, Daniel Giménez Cacho e Sergio Dorado representam bem seus papéis, com ressalva ao primeiro, que consegue emocionar com o olhar.

O roteiro, por ser todo ambientado na realidade, assume tons macabros que se assemelham mais aos Irmãos Grimm do que um conto de fadas propriamente dito. Vingança, morte e muita maldade são os maiores artifícios que não permite que Blancanieves seja indicado ao público mais infantil. Não há como falar do filme inteiro, porém, sem dar uma atenção à trilha sonora: Alfonso de Villalonga faz um estupendo trabalho, pois é exatamente ele que dá o tom da fita. As canções originais, as danças, os sinos, a alegria e a tristeza, é somente ele que decide a hora exata que o espectador sente tais emoções fazendo-nos ouvir todos os seus acordes a cada momento. O próprio silêncio é bem pensado para resultar numa verdadeira explosão, um grande efeito da fita.

Não, não há muitas pessoas que não conhecem Branca de Neve e os Sete Anões, um verdadeiro clássico infantil que transcende época e idade. Recorrente em muitas situações, o conto é tão aplicado na vida real que virou um filme para adultos, com uma mão tão certeira quanto os estúdios Walt Disney (o que resultou em 10 prêmios Goya para o filme). De um modo ou de outro, ainda há muitas pessoas que nunca viram e talvez nem ouçam falar de Blancanieves. E isso é errado, muito errado.

NOTA: 9

Minha Mãe É Uma Peça (2013)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Sat, 22 Jun 2013 02:13:00 +0000

Um filme de André Pellenz com Paulo Gustavo, Suely Franco, Mariana Xavier e Rodrigo Pandolfo.

Eu, como faço parte de uma minúscula parcela do teatro desse grande Brasil artista, não concordo de maneira nenhuma na transferência de algumas peças para a telona. Há, claro, várias exceções - a maioria provém de obras de Nelson Rodrigues, que se provaram ótimos filmes. Mas o que vemos atualmente é uma epidemia da transformação da comicidade em cinema, ao meu ver, de forma desnecessária, descentralizando o povo do teatro para as telonas. As últimas divulgações de filmes baseados em peças se mostram comédias fraquíssimas, algumas que ainda não passam nem de trailers não empolgam nem o espectador.

Não foi grande surpresa, porém, ver que o filme do ótimo Paulo Gustavo, Minha Mãe é uma Peça, baseado em sua peça homônima, é uma da também minúscula parcela de comédias que funcionam. Dona Hermínia (Paulo Gustavo) é uma mãe como qualquer outra, a narração em off inicial frisa isso muito bem. A atarefada dona de casa tem três filhos: Garib (Bruno Bebbiano), o filho criado e casado; Marcelina (Mariana Xavier), a filha que mais dá trabalho; e Juliano (Rodrigo Pandolfo), o doce e meigo filho caçula. Quando Hermínia ouve uma conversa, ela não aguenta a pressão dos filhos e vai para a casa de sua tia Zélia (Suely Franco).

O roteiro é mais do que desnecessário. O filme inteiro é costurado, dividido em pequena esquetes de humor, o que não caracteriza um filme, caracteriza um grande stand-up baseado em memórias mais cômicas do que emotivas. Os flashes de memória só servem separadamente, já que qualquer ligação entre eles dói e não se encaixa. A desculpa dada pelo longa-metragem é a construção da história do cotidiano materno, o que até funciona como plano de fundo para algumas histórias de crescimento. Outras, como a relação com as vizinhas ou até a descoberta da morte familiar são completamente desnecessárias e causam um efeito destoante ou até mesmo ridículo.

O filme, inegavelmente, é de Paulo Gustavo. O brilho deve se deve a sua experiência nos palcos fazendo seu monólogo. A caracterização do ator como mulher é incrível, sem forçar a barra. Por mais que a caracterização do bóbis seja um tanto quanto exagerada, até mesmo sem eles Paulo Gustavo é verossímil. Muitos falam que ele é a única coisa engraçada do filme. Discordo com veemência. Ingrid Guimarães, Samantha Schmütz, Alexandra Richter, Rodrigo Pandolfo e Mariana Xavier têm um desempenho excelente e uma veia cômica que ajuda a levar as cenas sem o astro. Herson Capri e Suely Franco parece que são mecanizados, como se só servissem para apoio, e Bruno Bebbiano fica abaixo da linha do mediano. Vale apontar também atores como Mônica Martelli, mais do que má aproveitada pela fita. Vale ressaltar que a peça desta última (Os homens são de Marte... E é pra lá que eu vou!) também está programada pra virar filme.

Paulo Gustavo é um ator ótimo, seu programa 220 Volts e as peças em seu currículo são provas disso. Minha Mãe é uma Peça é mais uma destas provas do talento do comediante. Por mais que a comédia nacional seja uma das que mais me fez rir neste ano de 2013, não posso retirar minha certeza inicial: é um filme que deveria continuar nos teatros.

NOTA: 6

Tese Sobre Um Homicídio (2013)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Wed, 19 Jun 2013 01:55:00 +0000

Um filme de Hernán Goldfrid com Ricardo Darin, Alberto Ammann, Arturo Puig e Calu Rivero.

Filme visto no 2º Festival Internacional de Cinema de Brasília, Mostra Competitiva.

Há alguns anos atrás, o povo se encantou com o drama argentino que ganhou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, no caso, O Segredo dos Seus Olhos. O filme em questão tem como protagonista o reconhecido Ricardo Darin. O ator volta neste ano para um filme bem diferente do que se propôs a fazer: Tese Sobre Um Homicídio é um suspense, bem dirigido, bem orquestrado e bem copiado, que poderia ser confundido com qualquer suspense psicológico norte-americano se não fosse falado inteiramente em espanhol.

Roberto Bermúdez (Ricardo Darin) é um advogado que dá aulas sobre crimes numa universidade argentina. Graças a sua profissão, tanto de professor quanto a não-exercente, ele tem um vasto círculo social, e não é surpresa para o homem quando ele descobre que seu novo aluno, Gonzalo Ruiz (Alberto Ammann), é filho de um velho conhecido seu. No meio do semestre, um crime ocorre no estacionamento da universidade. Aos poucos, Roberto descobre algumas pistas óbvias para si mesmo e começa a desconfiar que seu aluno está por trás deste e de outros crimes.

É inegável o talento de Hernán Goldfrid pra criar um universo de tensão, mas todos - sem nenhuma exceção - todos os elementos das cenas já foram vistos e revistos. O começo sendo um grande déjà vu, as tentativas de inserção num humor mais rebuscado (uma indicação de piadas longe do cunho realista) e a ambiguidade da dúvida fílmica, tudo contribui e denigre a imagem do longa-metragem para criar um grande filme que não é e nunca será único em sua temática.

Ricardo Darin já fez melhor, isso fica claro vendo O Segredo dos Seus Olhos. A comparação com este filme é equivocada, mas de qualquer jeito ele se encaixa bem em seu personagem e é uma forte ligação para o filme. O que é equivocado é a forma como seu personagem é tratado, mais uma culpa no roteiro. A tentativa de crença que um professor possa se tornar tão obcecado com um caso a ponto de destruir sua carreira é incrédula para a maioria do povo. Há uma minúscula comparação com o recente Dentro da Casa seguindo esta lógica, mas ela é eliminada assim que observamos os motivos de provocação e os alvos desta.
Alberto Ammann faz o melhor personagem do filme, uma perfeita Capitu que, ao invés de ter um impasse da traição, tem o benefício da dúvida em seu favor. Calu Rivero tem tantas motivações erradas quanto uma atuação digna de pena, ela não chega perto do elenco principal e é obrigada a se enquadrar nele. Pobrezinha.

A fotografia é um verdadeiro show à parte, mas a troca de farpas entre o realismo e o incrível atinge uma linha tênue que fica difícil pra câmera delimitar. Algumas cenas, porém, valem o ingresso do filme (o filme de tensão argentino, não a cópia hollywoodiana), como a procura de Roberto por um objeto em sua casa, onde a câmera se move incessantemente até nos dar uma sequência genial do caos. Vale ressaltar também o ponto de vista do espectador que mescla entre dois lados, por mais que predomine o do protagonista.

Numa época de protestos, o principal argumento do filme ecoa nos primeiros minutos da sessão: todos somos borboletas no sistema. Quando uma borboleta morre, ninguém dá a mínima. Se uma borboleta de um milionário morrer, porém, isso chega a ser um crime. Até aí Tese Sobre Um Homicídio promete um suspense digno, se não fosse a falta de um foco específico, reviravoltas confusas e a distância entre os últimos cinco minutos do longa com os acontecimentos atuais. Como tese, o filme é um grande MM na folha de papel.

NOTA: 6

O Mirante (2012)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Sun, 16 Jun 2013 20:34:00 +0000

Um filme de Pelin Esmer com Olgun Şimşek e Nilay Erdönmez.

Filme visto no 2º Festival Internacional de Cinema de Brasília, Mostra Competitiva.

O Mirante é um filme turco de 2012 que apareceu no Brasil para participação em festivais. É duvidoso que ele consiga um público maior em alguma sala comercial, por mais que ele seja bem mais fácil do que alguns filmes que circulam atualmente, como Elena ou Cosmópolis. A fórmula hollywoodiana não para de ser usada no filme, que consegue se manter artístico ao utilizar o maniqueísmo, mas nunca explicitá-lo.

Nihad (Olgun Şimşek) trabalha em um mirante, vigiando áreas verdes em montanhas de cima de uma torre de onde consegue ver tudo: as estradas, as pessoas, a fumaça, os ônibus que passam nessas estradas... Nesses ônibus existe uma atendente chamada Seher (Nilay Erdönmez), uma moça que estudava numa boa faculdade e vivia com os pais, mas por uma infelicidade hedionda, viu-se desesperada para sair do ambiente familiar e conseguir trabalhar em algum lugar. Os dois têm seus próprios fantasmas e, quando se juntam, acabam tendo de enfrentá-los frente a frente.

A fotografia é eficaz o bastante para os momentos contemplativos de silêncio, onde observamos muitas imagens estáticas de natureza - provindas da relação guarda/ambiente, representada por Nihad. A câmera parada também é usada para o núcleo de Seher, onde o ambiente praticamente engole a personagem ao colocá-la minúscula em relação a toda a sala. O close não é tanto utilizado no filme, o que mais vale é a observação de uma cena por inteiro.

Observação é o aspecto que mais ganha em todo o longa. Seja em observação psicológica, natural ou comparativa, até mesmo metafórica. A falta de observação de um o levou a ser o homem que tudo vê, mas que nada pode. Ações não são o forte de Nihad, o personagem prefere a vida enclausurado, tendo de se contentar apenas consigo mesmo, sem nunca ter de enfrentar o passado. A comunicação direta do personagem apenas se dá com um ser-humano físico perto do desfecho do longa-metragem: até lá, as poucas falas de Nihad são feitas por um rádio, cheio de estática. O silêncio ganha.

Quanto a observação, mais uma vez, podemos destacar Seher como a observação óbvia do espectador. Seu lado jovem é simples de ser visto, é fácil de ser identificado. O relance já é o bastante para descobrir o que a jovem passou, mas relance algum é suficiente para descrever as cenas presenciadas pela personagem. Ela está marcada, isso fica claro em seu olhar - seja medo, seja nojo, seja desespero.

Desespero, desespero. O desespero vem da solidão de dois humanos ou da companhia de dois solitários? A cena final, um embate entre homem e mulher, humano e natureza, é o verdadeiro ganho do filme após seus exatos 100 minutos de duração. O Mirante não é um filme acessível, mas creiam: é um filme que pede para ser observado, ainda mais quando ninguém olha pra ele.

NOTA: 8

O Grande Gatsby (2013)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Sat, 15 Jun 2013 13:41:00 +0000

Um filme de Baz Luhrmann com Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan e Joel Edgerton.

Fama, riqueza, dinheiro e luxo. Todo mundo já quis alguma dessas coisas na vida, e na maioria das vezes a razão é unicamente pessoal. Uma vida melhor, mais preguiçosa, menos dura, onde o tempo seria melhor aproveitado para muitas outras coisas. E é nesse quesito que a vida se torna ambígua. Sendo riqueza e prosperidade as maiores virtudes para um homem alcançar, de que adianta a busca pela fortuna se apenas uma parte dela é aproveitada com a vida? Claro, há o outro lado, o espírito. Renunciando todos os fatores que acabamos de falar para alimentar a alma, não existe garantia de um outro lado que não seja a fé, essa sem certeza de muitas coisas.

As frases acimas são generalizações extremistas. Há muito mais do que o dinheiro ou a ascese. E é nesse quesito que entra a escolha, o maior trunfo desta quarta adaptação do livro de F. Scott Fitzgerald, O Grande Gatsby. Nick Carraway (Tobey Maguire) é um jovem sulista que se vê na grande selva de pedra, a Nova York dos anos 20. Ele apenas conhece sua prima Daisy (Carey Mulligan) e seu marido, Tom Buchanan (Jeol Edgerton) na cidade, e não é muito de interagir com todos. Aos poucos, porém, ele vai se aproximando de seu misterioso vizinho, um homem rico que faz festas a desconhecidos todas as noites. Esse homem é Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), e Nick mal podia prever a reviravolta em que ele entraria com esse novo relacionamento.

Baz Luhrmann é conhecido por seu ritmo rápido, por uma direção de arte com cores gritantes e por seus romances que tentam atingir o épico ao máximo. O Grande Gatsby não fica diferente, mas isso auxilia o filme, faz ele ganhar uma personalidade que não teria se fosse traduzido no cinema por meio do drama usual. Não existe uma representação tão interativa para as festas imensas de Gatsby se não fosse pela montagem de Baz. Por falar em interação, o 3D é desnecessário para a experiência visual. Vale muito mais a pena ver a incessante Nova York com a visão do diretor, iluminada e com uma rapidez de acontecimentos imensa.

A atuação não é incapaz de levar o filme. Vemos isso na versatilidade do ator mais esquecido das premiações, o grande Leonardo DiCaprio que, mais uma vez, insere um personagem bem característicos em trejeitos. Por Gatsby ser um leão em uma jaula, são duas personalidades que ele tem de fazer a toda cena: a máscara e o rabo de seu leão. A inquietude em seus dedos enquanto o sorriso verdadeiro permanece em seu rosto, uma verdadeira representação da arma de Chekhov. Em nível de excelência, após Leonardo DiCaprio está a mesma ambiguidade do desconforto - e dessa vez, de uma forma muito mais sutil - com Joel Edgerton. Enquanto Gatsby não aparece, é Edgerton que segura o filme nas costas de jogador de pólo, sempre com uma dupla intenção que não faz questão de esconder do público. O que os dois têm em comum? Algo que poderia ser mal interpretado, mas que aqui é essencial: carisma. O acerto de um significa o erro do outro, mas é muito custoso para entendermos o que é isso. A cena entre os dois e o que ela representa é, verdadeiramente, o ápice da fita, até a calmaria que precede os momentos finais.

Tobey Maguire não faz um bom trabalho, infelizmente, e por ser o protagonista isso até prejudica o andamento da fita. A repetição parece ser seu maior trunfo - e não é um quesito tão bom assim. Isla Fisher é o outro elo distante da fita que não surpreende. O resto do elenco não se sobressai a Edgerton ou DiCaprio, mas faz o bom trabalho que os acompanha na carreira. Jason Clarke é a maior prova disso. Os trejeitos do tolo mecânico são divertidos quando sabemos de toda a história que ele carrega em suas costas. Elizabeth Debicki é a estreante da vez, que consegue dar vida e encantamento a sua Jordan Baker.

Necessito de um parágrafo para a personagem de Carey Mulligan por sua ligação. Ela é, ninguém menos do que Daisy Buchanan, personagem fundamental na fita. Sua entrada desde o começo é feita para nos dar a mesma sensação literária: entusiasmo, surpresa, paixão. Daisy tem movimentos leves, suaves, e seu figurino (grande jogada no filme inteiro!) a acompanha nisso. Ela, como os dois homens citados anteriormente, também tem seu duplo sentido. E a percepção dele no espectador talvez seja a maior surpresa do filme e o único ato digno de causar nojo. O romance entre o casal é bem ilustrado pela trilha sonora diversa, que mescla artistas contemporâneos (como Lana Del Rey, The XX e Beyoncé) com a música dos anos 20. As letras, de qualquer forma, sempre tem um lado para se falar do épico romance entre Jay e Daisy, são letras proféticas, as quais ninguém dá ouvidos.

O roteiro, porém, é o maior pecado. Quando lemos a obra literária, o filme é muito mais do que festa, máfia ou amor. É sobre o ser-humano, o que não fica muito claro no filme. Há aqueles momentos de clareza, a maioria em seu final, mas quando necessitamos uma explicação sobre o que está sendo tratado em tela, esta passa correndo em um minuto ou menos. O Grande Gatsby não tem um foco, apenas uma história de amor que parece ser menor do que é do modo grandioso que é tratado.

A grandiosidade de Baz Luhrmann estraga seu próprio filme, por diminuir o drama dos personagens. Sua tentativa de fazer uma segunda versão de Moulin Rouge (sim, tudo está lá: o escritor narrador, o romance supervalorizado e impossível, a rapidez no movimento, a apresentação de Daisy que se assemelha à Satine) não dá certo no total. Ao fim, a fita vale a pena e é uma das grandes adaptações do livro pro cinema. O que fica, porém, não é nenhuma lição grandiosa ou algo que faz jus à obre de Fitzgerald. É que seguindo o farol verde, vai ter muita, muita festa.

NOTA: 7

O Artista (2011)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Thu, 02 Feb 2012 02:11:00 +0000

Um filme de Michel Hazanavicius com Jean Dujardin e Bérénice Bejo.

É simplesmente difícil imaginar a reação de um público atual indo assistir a uma fita nos primórdios do cinema. Há quem ame apenas pensar em ter a oportunidade de ver um trem em preto e branco indo em direção a uma plateia em 28 de Dezembro de 1895, numa apresentação dos Irmãos Lumière. Outros não conseguem pensar em nada mais maçante do que observar por 100 minutos um filme sem falas e em preto e branco. É por isso que é difícil sair de toda a atmosfera de dramas, comédias, romances e horrores atuais que a evolução da sétima arte proporcionou para ir assistir um filme mudo e em preto e branco. Apenas numa comparação simples, o mundo prefere ver toda a magia dos efeitos especiais em Avatar a passar um final de semana resgatando filmes de George Mèlies e Charles Chaplin. E é exatamente por isso que é bastante difícil imaginar a reação do público vendo O Artista, uma comédia nada convencional que está dando o que falar em diversas premiações. Há quem ame essa obra de Michel Hazanavicius, mas há pouco tempo um público na Inglaterra exigiu o dinheiro de volta após ver que o filme exibido era mudo e em preto e branco.

Voltamos ao tempo, estamos em Hollywood, mas o ano é 1927. O cinema mudo está em alta e o maior astro é George Valentin (Jean Dujardin). Na inauguração de um filme ele acaba conhecendo uma fã por engano, cujo sonho é ser uma estrela de cinema. Batalhando por seu sonho, essa fã - de nome Peppy Miller (Bérénice Bejo) - acaba ascendendo no ramo cinematográfico e mantém sua amizade com seu ídolo. Porém chega a crise de 1929 e o cinema acaba se reinventando aos poucos até ele começar a ter falas. Valentin, ao se recusar a fazer filmes falados, tem de achar um jeito de continuar sendo um ator mudo e ganhar dinheiro. Ao mesmo tempo, a fama de Peppy cresce a cada dia. E, assim como o sucesso dessa nova estrela, cresce o brilhantismo de O Artista a cada minuto de sessão, seja por todos os aspectos técnicos, seja pela ideia original de criar (melhor dizendo, recriar) todo um passado. Atores se apresentando após a inauguração de suas sessões, uma banda tocando a trilha sonora ao vivo para o público. Toda a ambientação dos anos 20 está magnífica. A fotografia preta e branca de Guillaume Schiffman combinada com o roteiro, a direção e a edição maravilhosa de Hazanavicius são fatores essenciais para o espectador retroceder 80 anos e se ver num clássico cinema mudo.

São duas realidades se contrastando aqui. De um lado temos o charmoso Jean Dujardin, numa atuação inspiradíssima. Seu desespero em ver todo o seu trabalho se tornando obsoleto é transferido ao público da mesma forma que um simples sorriso do ator contagia toda a plateia. O fim de sua carreira é o marco do fim do cinema mudo. Por outro lado, temos a realidade de Peppy Miller, interpretada com todo o carisma e bom-humor da bela Bérénice Bejo. A estreia dela, junto com sua ascensão, marcam o início do cinema falado. O que realmente acontece é a mesma ideia do romance principal entre os dois: não é que o par é contrastante, mas ele se completa. O que seria do cinema falado se não houvesse um cinema mudo anteriormente? Do mesmo modo que nos perguntamos, como estaria a vida de Peppy Miller se George Valentin não tivesse apontado o talento da moça? Além de um elenco brilhante com nomes como John Goodman, Missi Pyle, Penelope Ann Miller e James Cromwell, outro nome que brilha n'O Artista é Uggie, que nada mais é que Jack, o cachorro de George Valentin. E tem de se dar o braço a torcer, ele rouba a cena com tanto brilhantismo, é o cachorro perfeito para um galã como Valentin.

Antes de tudo, eu vejo O Artista como uma grande homenagem que satiriza e se rende aos encantos do cinema mudo. Quem não vê naquele roteiro brilhante toda a situação do clássico Dançando na Chuva? E em cada expressão de Jean Dujardin e Bérénice Bejo não há um Orson Welles, um Gene Kelly, um Charles Chaplin, uma Mary Pickford, uma Olive Thomas? O novo filme de Michel Hazanavicius bebe da fonte da juventude da sétima arte e a modela para agradar ao público contemporâneo. O drama e o humor acabam se juntando igual ao cinema mudo e ao cinema falado, as duas partes de uma única peça. Para completar, só falta lembrar da trilha sonora - excepcional e minha favorita ao Oscar - de Ludovic Bource. Como qualquer outra coisa do longa-metragem, ela tem que lembrar o passado, ecoando cada timbre já conhecido em filmes de Hitchcock, Fritz Lang ou Billy Wilder. Cada nota define uma cena, cada nota define uma emoção, e a trilha junto à atuação faz o filme ficar completo. A ausência de falas é mero detalhe. No fim você pode perguntar pra qualquer um o que acharam de O Artista. As falas podem ter sido diferentes na cabeça de cada um, mas o resultado final é arrepiante. Não há palavras para descrever a total experiência.

NOTA: 9

Precisamos Falar Sobre o Kevin (2011)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Sat, 14 Jan 2012 20:27:00 +0000

Um filme de Lynne Ramsay com Tilda Swinton, John C. Reilly e Ezra Miller.

Baseados nos preceitos cristãos, o início da vida terrestre é marcado pela teoria do criacionismo, onde Deus teria criado o primeiro homem e a primeira mulher para viverem juntos no paraíso, com uma única proibição: não comer o fruto do conhecimento. A partir do momento que a mulher rouba um fruto, iludida pelo diabo, cai sobre ela o peso de ter cometido o primeiro pecado e ter condenado a humanidade, razão pela qual as mulheres foram rebaixadas na sociedade teocrata. Eva, a primeira mulher, seria mesmo o receptáculo da maldade? Merece essa pobre alma tamanho descontentamento com suas ações? Errar é humano. Passando para o presente, temos outra Eva: Eva Katchadourian (Tilda Swinton) mora numa casa sozinha, com vizinhos que a odeiam e jogam coisas em seu carro e nas suas paredes e está cercada por pessoas que lhe evitam. Mas ela era uma mulher feliz, dona de uma agência de viagens e apaixonada por seu companheiro, Franklin (John C. Reilly). Quando Eva tem seu primeiro filho, Kevin (Jasper Newell/Ezra Miller), a experiência não é nada como ela esperava. Enquanto o filho permanece um anjo na presença do pai super protetor, quando ele está sozinho com a mãe, Kevin mostra quem ele realmente é e o que realmente pensa. Durante os 110 minutos da sessão assistimos a transição do passado e do presente de Eva e o que ocorreu para que ela acabasse nessa situação.

Para primeiramente aceitar todo o discurso de Precisamos Falar Sobre o Kevin é preciso sentir as duas partes do problema. De um lado há os vizinhos cheios de raiva e ódio por um ato que modificou a vida de famílias. A culpa nesse caso é da mãe, aquela que ensinou tudo ao filho, certo? Esse é o lado que sempre se verifica para dar peso às notícias, mas nessa obra de Lynne Ramsay vê-se o outro lado. É contada toda a história da mãe, e isso de uma forma completamente distante do maniqueísmo usual. Não há bom e não há mal na história de Eva, aliás, como ela pode condenar de uma forma tão pesada seu próprio filho? Desde o nascimento de Kevin, percebe-se um ódio mútuo entre o filho e a mãe, mas o mesmo tipo de ódio que o mundo sente por Eva após os atos de Kevin? Eva odeia o filho, mas ainda assim é seu filho. Ela deu a luz a ele, ela faria qualquer coisa para ele, ela ainda vê esperança no menino rude, no garoto malvado, em seu filho desregrado. Kevin, ao mesmo passo, detesta a mãe, mas não há amor nesse ódio? Em closes bem colocados e flashbacks, o filme vai conduzindo a plateia da melhor forma até o desfecho, com a ótima direção da escocesa Lynne Ramsay.

Com saltos no tempo constantes, o filme baseado no best-seller de Lionel Shriver capta o protagonismo da mãe e o antagonismo do filho toda hora. Kevin critica a mãe e essa é sua verdadeira essência. Numa cena, o jovem delinquente interpretado por Jasper Newell se mostra irado com a mãe. Ao ouvir o menor sinal do pai, sua faceta muda para um jovem brincalhão e angelical, o tom de voz se torna mais vivo, seus gestos menos controlados. O jovem Kevin fez um trabalho maravilhoso na construção do personagem. Por mais caricato que esteja sua distinção entre o jovem comportado e o jovem zangado, dá pra se notar o teatro que ele faz com a vida real. O que faz Kevin mostrar seu verdadeiro eu para a mãe e fingir-se para o pai? O Kevin adolescente é diferente. Enquanto a criança se distingue entre os pais, o adolescente não mostra mais distinção. Sua indiferença com o mundo é geral, mas as lembranças ainda o tornam a mesma pessoa para cada um: para o pai, a criança interessante que virou o adolescente rebelde e divertido. Para a mãe, um pequeno exemplo de psicopata que virou um grande exemplo de psicopata. E Ezra Miller está ótimo fazendo sua linha do jovem pragmático, paciente e extremamente maléfico.

Ao longo da fita, temos a atuação contrastante com a de Kevin. Não, não é John C. Reilly, que faz um personagem tipicamente norte-americano, mas a desconfiada Tilda Swinton, numa performance de deixar cair o queixo de qualquer desavisado. Ao mesmo tempo que o crescimento de Kevin é explorado no passado, lida-se com o presente vivido por essa mulher sofredora, que tenta reconstruir sua vida social. O único problema seria o social, que não permite o monstro voltar a ter sua vida anterior. É com a mesma indiferença de Kevin junto a uma tristeza profunda que ela constrói a mulher fragmentada, a mãe que perdeu tudo o que tinha, uma "intocável" na sociedade ocidental. Para continuar marcando o filme, há a presença da trilha sonora de Jonny Greenwood e a fotografia bastante avermelhada e escura de Seamus McGarvey.

Até qual ponto a educação paterna influencia nas atitudes filiais? Chega de falar apenas do Kevin, também é preciso fala de Eva. Durante toda a sessão somos apresentados à uma metáfora incessante da família feliz norte-americana, um casal que se dá bem com dois filhos perfeitos. E desde quando existe tamanha perfeição assim? Tirando as máscaras, Eva é uma receptora para aquilo que os outros não veem. Ela realmente percebe o que há implícito naquele que ela deveria amar e, mesmo com atitudes de rejeição e nojo com o seu filho, a realidade da mãe ainda é certa: ela crê no Kevin até o fim. Tilda Swinton está soberba em sua performance de Eva Katchadourian. E essa pecadora - que admite esse seu defeito -, devido aos delitos que cometeu ou não, se tornou uma santa com o dom da redenção. Uma santa que teve uma viagem direta ao inferno que seu primogênito fez questão de lhe preparar.

NOTA: 10

Os Melhores de 2011

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Mon, 09 Jan 2012 02:42:00 +0000

Assim como a maioria dos outros blogs, um fim de ano é sempre um bom motivo para uma retrospectiva do que valeu a pena de ser visto durante o ano inteiro, e nisso surgem ótimas dicas para aqueles que não viram alguns dos filmes citados e uma ótima recordação para quem já viu as obras que figuram nessas listas. Além disso, sempre é uma ótima oportunidade para as discussões aumentarem e para os leitores comentarem, concordarem e discordarem de forma saudável.

Antes de postar os melhores filmes que eu vi em 2011, tenho que ressaltar uma coisa: 2010 foi um ano maravilhoso para mim, e me entregou obras como Cópia Fiel, Não Me Abandone Jamais, Amores Imaginários, Namorados Para Sempre e o magnífico Cisne Negro. Todos, por mais que sejam de 2010, apenas foram lançados no Brasil no ano passado. Mas, na minha lista, apenas considerarei filmes que são de 2011. Como a distribuição brasileira também vai trazer filmes de 2011 para os cinemas daqui apenas em 2012 - um exemplo, o tão esperado A Invenção de Hugo Cabret, do Scorcese, que, depois de vários comentários a respeito, é um forte candidato a ser um dos melhores de 2011 - a lista pode sofrer acréscimos e alterações ao longo do ano.

Assim sendo, apresento para vocês leitores a minha lista dos melhores do ano. Caso a crítica dos filmes citados exista no blog, apenas clique na figura para ser redirecionado ao respectivo texto.

#15. Pina

(Pina, 2011)

Um documentário de Win Wenders.

O que conta em Pina é expressão, expressão e expressão. Não sou o maior fã de documentários, mas adorei esse. Gostando ou não da dança contemporânea, gostando ou não do trabalho de Pina Bausch, dá pra sentir a paixão que todos os dançarinos colocam em seus depoimentos e, quando eles dançam, não é uma tela que separa os movimentos do público. Você consegue ver a emoção, a paixão, saindo de todas as coreografias. O que o filme não fala com palavras, a dança completa.

#14. Martha Marcy May Marlene

(Martha Marcy May Marlene, 2011)

Um filme de Sean Durkin com Elizabeth Olsen, Sarah Paulson e John Hawkes.

Numa atuação surpreendente da irmã mais nova das gêmeas Olsen, Sean Durkin cria um filme simplista e minimalista sobre identidade da forma mais sutil e da forma mais tensa possível. A moral (ou a ausência desta) são tão destrutivas na mente de um indivíduo a partir de um ponto que não pode se perceber mais a presença de si no espaço. Martha - quem sabe Marcy May ou até mesmo Marlene - está tão destruída após sua experiência que suas ações são feitas baseadas apenas no 8 ou 80, seguindo a completa moral ou esquecendo-a. A loucura se apoderou da jovem, que domina completamente a sessão.

#13. Tomboy

(Tomboy, 2011)

Um filme de Céline Sciamma com Zoé Héran e Malonn Lévana.

Não há um modo mais delicado do assunto ser tratado do que como foi em Tomboy. Lisa, interpretada da maneira mais cândida possível por Zoé Héran, é uma menina, mas quer ser um menino. Porque não pode ser? É a identidade sexual à flor da pele, é uma criança fazendo suas descobertas e explorando seus verdadeiros sentimentos do modo que lhe apetece. E tudo é tão inocente, tudo é tão ingênuo que fica livre a distinção do certo e do errado. O que importa é o que ela quer, o que ela sente, o que ela ama.

#12. Os Muppets

(The Muppets, 2011)

Um filme de James Bobin com Jason Segel, Amy Adams e Jack Black.

Um show à parte em todos os minutos, se não de comédia, de nostalgia. Fazendo brincadeiras com o passado, os Muppets se aceitam finalmente como uma fama dos anos atrás, mas ao mesmo tempo buscam um solo para divertir o público atual que não pôde acompanhar toda a trajetória dos fantoches. Com piadas engraçadas e um roteiro divertido, ele encanta crianças que nunca tiveram contato com Kermit, Animal e Miss Piggy, além de trazer bons momentos aos adultos presentes na sessão.

#11. Tudo Pelo Poder

(The Ides Of March, 2011)

Um filme de George Clooney com Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Evan Rachel Wood e Marisa Tomei.

A politicagem fria e verdadeira, sem nem precisar esconder toda a corrupção por trás de todo esquema. No novo filme politicamente engajado de George Clooney, todas as máscaras caem e dão lugar para uma disputa injusta dos dois lados em busca da presidência dos Estados Unidos, custe o que custar. Ao mesmo tempo em que a corrida acirrada ocorre entre o republicano e o democrata, Ryan Gosling brilha em sua interpretação, assim como Philip Seymour Hoffman e Evan Rachel Wood. Falcatrua atrás de falcatrua, mas um filme recomendadíssimo.

#10. Missão Madrinha de Casamento

(Bridesmaids, 2011)

Um filme de Paul Feig com Kristen Wiig, Maya Rudolph e Rose Byrne.

Depois de toda a comédia apelativa e machista desgastada com Se Beber, Não Case e sua continuação desnecessária, um filme mais feminino surgiria cedo ou tarde. E quem diria que a versão das mulheres renderia risadas tão verdadeiras quanto à versão masculina. Colocando sempre em foco a protagonista indecisa, ainda se pode ver o uso de clichês das comédias, mas tratado de um jeito diferente. A mesmice em cada cena é um trunfo a mais, as piadas chegam a ser tangíveis; as protagonistas, emancipadas; e todo o resultado de Missão Madrinha de Casamento, uma maravilha.

#9. O Deus da Carnificina

(Carnage, 2011)

Um filme de Roman Polanski com Kate Winslet, Jodie Foster, John C. Reilly e Christopher Waltz.

Sem mudança alguma de cenário, sem uma trilha sonora marcante, apenas um conflito central extremamente banal, um diretor excelente e quatro atores magníficos em 80 minutos. O que começa num ritmo lento e maçante aos poucos ganha volume, ganha velocidade e ganha uma história além do que se podia esperar. O que dizer quando as personalidades condescendentes, raivosas, irônicas, solitárias, amarguradas e vingativas dos personagens se revelam? Quando a curta sessão acaba, só se pode pedir mais um bis no final. Um filme extremamente teatral, com uma tranposição para as telas que deu certo.

#8. A Separação

(Jodaeiye Nader az Simin, 2011)

Um filme de Asghar Farhadi com Leila Hatami, Peyman Moaadi, Sarina Farhadi e Sareh Bayat.

O que começa com um simples pedido de divórcio pela frivolidade de opiniões diferentes toma um curso diferente nas duas horas de sessão de A Separação, o filme iraniano que deu o que falar no ano. Não é só a separação, mas todos os obstáculos provenientes desta: a religião, o crime, a mentira, o castigo, a educação, a submissão, a custódia. E a culpa. Quem é culpado, quem é inocente? Afinal, pra quê tanta ferocidade em existir um culpado? Ninguém é inocente. As falhas estão todas lá, e só não vê quem não quer, seja na instituição matrimonial, na instituição do Estado, na instituição do ser como pessoa em sociedade. Um roteiro sensacional para um dos melhores filmes do ano passado.

#7. Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2

(Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 2, 2011)

Um filme de David Yates com Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Ralph Fiennes e Alan Rickman.

Filme feito para arrancar lágrimas. Seja no final, um salto no tempo desnecessário para buscar a nostalgia do primeiro episódio da série, seja em detalhes pequenos que surgem nas maiores cenas, seja num resultado de todas as atuações, seja nesse desfecho da saga que acaba com outros 7 capítulos mágicos. Depois de Chris Columbus, Alfonso Cuáron e Mike Newell, é David Yates quem comando o elenco para um desfecho digno do que foi Harry Potter. Um belo filme feito para agradar a adultos e crianças, a fãs e simples espectadores, a bruxos e a trouxas.

#6. Histórias Cruzadas

(The Help, 2011)

Um filme de Tate Taylor com Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Octavia Spencer e Jessica Chastain.

Com muito bom-humor é que Tate Taylor aborda o racismo nos Estados Unidos, numa época de desigualdade, onde as leis de segregação estavam em vigor e não perdoavam nem negros nem brancos infratores, que buscavam apenas a igualdade racial. Criando personagens carismáticos e corajosos e antagonistas odiosos e caricatos, cria-se uma fábula bonita da luta contra o preconceito, da submissão, do estereótipo e da união. Clichê? Do começo ao fim, mas um clichê necessário. Isso sem nem falar no elenco feminino. Jessica Chastain, Bryce Dallas Howard, Viola Davis e Octavia Spencer brilham em cena, e Emma Stone direciona bem o longa-metragem.

#5. Drive

(Drive, 2011)

Um filme de Nicolas Winding Refn com Ryan Gosling e Carey Mulligan.

Desde o início de Drive pode-se cheirar o mistério, pode-se sentir a ação, pode-se ver a máfia. Até as cores características estão lá, um vermelho vivo perto do amarelo, luzes desfocadas em fumaça. Até se vê resquícios do desenvolvimento de filmes como Pulp Fiction e À Prova de Morte, ambos de Tarantino. E com uma comparação dessas, não pode ser ruim. A violência explícita em câmeras lentas, um romance entre a mocinha perdida e o herói misterioso e um Ryan Gosling que faz seu papel com tanta seriedade que se pode sentir a agonia. O rumo de Drive é igual à direção do carro: não se importa a velocidade, mas a precisão do caminho. O destino está garantido.

#4. Meia-Noite em Paris

(Midnight In Paris, 2011)

Um filme de Woody Allen com Owen Wilson, Marion Cotillard e Rachel McAdams.

Carlos Drummond de Andrade já dizia que não seria o poeta de um mundo caduco. A sociedade vive uma vida insatisfeita, querendo colocar suas esperanças num futuro incerto ou derramar suas mágoas pelo que não aconteceu. Demos chance ao presente!, é o grito que Meia-Noite em Paris lanças nas salas em que é exibido. Woody Allen foi feliz em sua proposta, pois divertiu um público com uma magia que apenas ele poderia criar e recriar. Seu eco fica forte com os personagens descontentes, numa atmosfera descontraída, e recria uma história parisiense artística na festa que é Paris.

#3. Melancolia

(Melancholia, 2011)

Um filme de Lars Von Trier com Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg e Alexander Skarsgård.

O que foi usado aqui não foram toneladas de efeitos especiais ou uma fotografia maravilhosa, mas um drama familiar pra contornar um planeta inteiro. Na verdade, dois. Von Trier pretende que seu público compartilhe de sua tristeza, que ele morra de melancolia. Isso fica claro na força interpretativa das atrizes, fica claro na fotografia, na forma em que ele próprio conduz o filme, na forma em que cenas de clímax são mostradas num estilo de documentário ou na usual câmera lenta. Fica claro em toda a tristeza e melancolia transmitidas durante os 130 minutos dessa proveitosa sessão. A única certeza que sobre é que há um planeta em mim, há um planeta em você, há um planeta no universo. E o nome dele é Melancolia.

#2. Precisamos Falar Sobre o Kevin

(We Need To Talk About Kevin, 2011)

Um filme de Lynne Ramsay com Tilda Swinton, Ezra Miller e John C. Reilly.

Até qual ponto a educação paternal influencia nas atitudes filias? Chega de falar do Kevin, vamos falar de Eva. Aliás, mas que nome perfeito pra simbologia, hein? Aquela que começou com o pecado. Durante toda a sessão somos apresentados à uma simbologia inteira da família feliz, mas é apenas aquela pecadora que percebe o que há implícito naquele que ela devia amar. Tilda Swinton está soberba em sua performance de Eva Katchadourian. E essa pecadora - que admite esse seu defeito -, devido aos delitos que cometeu ou não, se tornou uma santa com o dom da redenção. Uma santa que teve uma viagem direto ao inferno, um inferno que seu primogênito fez questão de preparar para ela.

#1. A Pele Que Habito

(La Piel Que Habito, 2011)

Um filme de Pedro Almodóvar com Antonio Banderas, Elena Anaya e Marisa Paredes.

Tirando um pouco o foco do assunto, puxo para a filosofia contemporânea. O homem, em sua crise, pode até criar barreiras com o outro, mas criando barreiras para si ele se perde em sua própria loucura. Antes de você poder viver num mundo, você tem de se lembrar quem você é, por mais que a sociedade molde-te e mude-te. A Pele Que Habito, adaptado do livro Tarantula de Thierry Jonquet, tem seu suspense, tem seu drama, tem sua comédia, tudo isso mesclado no conhecido estilo do diretor Pedro Almodóvar. Mas o que ele tem a mais é o mistério. E não há como não se surpreender até onde a mente do escritor vai em redigir tal obra e até onde a mente do diretor vai em filmar tal obra. A Pele Que Habito é um mistério do início até meados do fim, mas um mistério empolgante e delicioso. A obra do ano.

Perfume - A História de um Assassino (2006)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Wed, 28 Dec 2011 16:43:00 +0000

Um filme de Tom Tykwer com Ben Whishaw, Alan Rickman, Dustin Hoffman e Rachel Hurd-Wood.

Por que nascemos, para onde vamos, para que somos feitos? Destino, ele existe? É tão difícil crer assim na pré-destinação do ser considerando coincidências, considerando ações e reações? Por que não acreditar num fio invisível que une o que ocorreu com o que ainda vai ocorrer? Com um pé lançado ao destino e com outro lançado num conto de fadas sedutor é que é feita essa obra de Tom Tykwer, o mesmo diretor de Corra, Lola, Corra, criando aqui uma experiência cinematográfica satisfatória, baseada na obra de 1980 escrita pelo alemão Patrick Süskind. O filme já inicia sua história numa França ambientada diferentemente de hoje, na França burguesa e proletária, na França antes de sua revolução. Num mercado de peixes, vemos uma mãe grávida na hora do parto. Sem ter para onde ir, ela pare seu filho em cima do ambiente fétido e pútrido dos peixes mortos, de todo o caos da humanidade, de toda a sujeira social. Como não era a primeira vez que a mulher fazia isso, ela esperava que o filho morresse e a nada de mais acontecesse. O problema é que a criança sobreviveu e chorou, acusando a própria mãe do assassinato que pensara em cometer. A criança cresce como Jean Baptiste-Grenouille (Ben Whishaw) um jovem afortunado que, para se destacar, tem um olfato superior a de qualquer pessoa.

A história de Jean Baptiste se segue até o momento crucial da trama, quando seu desejo acaba mostrando-se uma vontade incontrolável. Andando pela rua, o homem acaba sentindo o cheiro de uma moça, um cheiro tão delicioso que não consegue deixá-lo passar. Seguindo-a, ele acaba matando-a sem querer, de forma que ela não gritasse com a aproximação do estranho. Quando Jean Baptiste percebe o que fez, ele a despe inteira e não faz o que outro homem faria num ato de estupro necrófilo: o homem a cheira da cabeça aos pés, cheirando qualquer resto de vida que ainda exista naquela mulher morta. O cheiro delicioso não está mais lá, o que fazer? E surge a grande ideia: já que aromas de flores acabam sendo envidrados e vendidos como perfumes, como posso fazer a mesma coisa com um aroma humano? Como poder preservar o cheiro delicioso da vida correndo? Nisso entra em cena Giuseppe Baldini (Dustin Hoffman, numa atuação caricata e divertida), o dono de uma perfumaria que acaba se revigorando com o talento olfativo de Jean Baptiste.

Ainda ao longo da sessão, temos a presença da bela e encantadora Rachel Hurd-Wood, que não desperta apenas o fascínio de Jean Baptiste, mas também da plateia; e de Alan Rickman, excelente ator e característico na sua formação do antagonista da sessão. O protagonista do longa-metragem, Ben Whishaw, faz seu trabalho da melhor maneira possível: o jovem descontrolado por sua obsessão, sua necessidade de vivenciar aquilo pelo que vive. O olhar, os movimentos de entrega, a paixão nas sensações, tudo o deixa ótimo para se tornar o assassino do título. Mas aqui a estória toma outro rumo, assim como em À Sangue Frio, já que o moralmente errado acaba sendo aquele que cativa o público, há uma identificação com Jean Baptiste. O público aqui interage com a obra, o amor pelo cheiro é tanto que quase se pode sentir tudo aquilo que o nariz de Jean Baptiste sente, ou ao menos imaginar a visão do paraíso causado pelo transe de sua experiência olfativa. O sentir está presente em cada detalhe do filme também. A fotografia, escura no começo (um retrato da própria essência desconhecida do protagonista) se choca com tons vermelhos (o desejo, a luxúria em forma do querer, a paixão, a ardência) que, por menores que sejam em tela, se destacam diante de toda a escuridão. Um ótimo trabalho de Frank Griebe e de Tom Tykwer, diretor de fotografia e diretor, respectivamente.

Em determinada hora do filme, Jean Baptiste se dá conta de um fato de sua vida: ele não possui cheiro. Ele não possui aquela característica que tanto busca nos outros, que pretende retirar dos outros, ele não possui sua identidade. Coincidência? Destino. É um destino de Jean Baptiste acabar como acabou, sem rastro algum de sua existência e de sua incrível capacidade olfativa, sem rastro algum de seu passado escondido em assassinatos e escombros. Sua história fictícia permanece um segredo, um segredo como a combinação perfeita dos perfumes, um segredo que foi apagado da vida das pessoas. O transe da cena final é a consumação dos valores sociais que o povo esqueceu. Por um instante, ao sentir o aroma dos anjos, ao sentir o perfume dos perfumes, todos esqueceram sua própria moral e se entregaram ao desejo, se entregaram à sua carne. Cada um se transformou em Jean Baptiste e, naquele momento, Jean Baptiste se transformou em todo mundo. Perfume é uma obra deliciosa, uma adaptação incrível e uma união perfeita entre os sabores da visão, do olfato e do tato. É o tesão sinestésico na melhor forma possível.

NOTA: 8

Toda Forma de Amor (2011)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Sun, 20 Nov 2011 13:51:00 +0000

Um filme de Mike Mills com Ewan McGregor, Mélanie Laurent e Christopher Plummer.

Uma vida triste, com traumas infantis, com uma descoberta no mínimo chocante, com a perda de um ente querido. Todas essas emoções extremistas mergulham o desenhista Oliver (Ewan McGregor) num furacão sentimental que o carregam a um mar de depressão. A própria tristeza o afeta de forma latente e acaba interferindo em seu trabalho e em sua vida pessoal. Numa viagem constante ao extremismo emocional, seus amigos acabam levando-o a uma festa que muda sua vida: lá ele conhece a atriz Anna (Mélanie Laurent), uma moça impulsiva, engraçada e feliz que faz o triste coração bater mais rápido. Ao passar os dias com ela numa frequência cada vez mais longa, Oliver começa a lidar não só com o amor presente, mas com o amor passado mostrado numa relação carinhosa com o pai, Hal (Christopher Plummer), nos últimos dias antes da morte dele. E nos aproximados 105 minutos de sessão, nenhuma pergunta paira no ar, apenas a paixão representada na tela. Não necessariamente da forma mais doce ou da mais bonita ou da mais ardente mostrada num filme. Mas excessivamente a mais real.

Em meio a lições de vida constantes, somos apresentado de cara com a situação de Oliver. Após o fim do matrimônio, o pai de Oliver se assume gay com 75 anos para viver a vida livre que os anos de casamento heterossexual não o permitiram. Aos poucos Oliver acaba se aproximando mais desse pai verdadeiro, desse espírito livre que saiu de suas amarras moralistas para poder viver, e assim cria uma nova figura diferente do homem que estava ausente em sua infância. A proximidade de Oliver com Hal é bela, de uma fraternidade comovente. Em comparação, há o amor que ele sente por Anna. Vivendo na dúvida das suas emoções, Oliver acaba se entregando a essa paixão louca pela moça desconhecida e começa a jogar o jogo dela. E a relação de entrega e de diversão fica explícita na face dos dois personagens. Oliver é muito passional, e esse seu comprometimento ao pé da letra com as batidas de seu coração são as coisas que o estragam e o fazem feliz. O fazem feliz perto do amor, o estragam longe dele. Mas não é assim com todos, no fim das contas?

A melancolia é exposta pelo lado do protagonista, e é difícil sair da imagem que ele propõe ao espectador desde o início do filme, por mais que esteja cercado de amor e comprometimento. O comportamento e os olhares do triste Ewan McGregor - aqui, numa atuação boa e bastante crível - não permitem o público sair da zona depressiva e ir ao emocionalmente perfeito conto de amor que outros clichês da comédia romântica vendem. Para contrapor o personagem, temos mais duas atuações incríveis, uma de Mélanie Laurent, que sempre é uma boa surpresa; e de Christopher Plummer, que rouba a cena com seu carisma e bom-humor, na melhor atuação do longa. O longa, afinal, é baseado completamente na história de Mike Mills, cujo pai também saiu do armário aos 75, 5 anos antes de morrer. A direção então prefere closes mais intimistas com os personagens, com filmagens num escuro cuja fotografia se dá apenas por um pequeno foco de luz de abajur ou de raios do sol entrando timidamente num ambiente negro. Aliás, a fotografia do filme, feita por Kasper Tuxen, tem seu tom acinzentado que aproxima a sensação da realidade e da depressão. Mas, mesmo com as atuações belíssimas e a direção segura, o que transforma Toda Forma de Amor num verdadeiro filme completamente passional são os diálogos fáceis, mas profundos. O sentimento escapa das palavras, das bocas dos atores e atinge em cheio o público no momento certo, do modo certo.

Num dos diálogos do filme, Oliver pergunta ao pai porque se casou com a mãe dele sabendo que era gay. O pai disse que a mulher sabia de sua opção, mas que não importava, que queria se casar com ele do mesmo jeito. Não são poucos os romances com a mesma fórmula de Toda Forma de Amor. O que realmente o difere de qualquer outro conto amoroso é a riqueza dos detalhes, causando uma aproximação mais factual do público. A trilha sonora não é composta por canções alegres, mas por baladas depressivas. A direção foca em planos escuros e não convencionais, em não linearidade, em narrações em off, foca mais no que foi do que no já está sendo. O filme inteiro parece um flashback. O roteiro foca num protagonista que, por mais encantado que esteja, não está numa realidade fictícia do felizes para sempre. Toda Forma de Amor é algo tão tangível para o público que chega a ser fofo e delicioso, algo que o espectador que vê o filme de Mike Mills sente de verdade e não é obrigado a sentir devido às idealizações cinematográficas do romance clichê. Ver o filme vale a pena, vale o sentimento, vale o romance. Até porque, tudo é apenas a representação da vida.

NOTA: 7

Tarde Demais (2010)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Mon, 07 Nov 2011 22:50:00 +0000

Um filme de Shawn Ku com Maria Bello e Michael Sheen.

Num drama provindo de um massacre numa escola seguido de suicídio, dando aqui o exemplo típico do Massacre de Columbine, o sensacionalismo usa de todos os sentimentos humanos para criar ódio e compaixão entre as pessoas. Tudo é pensado milimetricamente: as famílias chorosas que perdem seus entes queridos, um grupo revoltoso, o luto extremo. Mas o que se pensa são em vítimas, não no assassino. Ele merece uma parcela dessa compaixão? Afinal, o que o levou a fazer isso? Uma psicopatia, problemas emocionais, bullying? Ou simplesmente, porque não se coloca a culpa na educação? Não na educação escolar, mas na parental. Normalmente, a culpa acaba virando para os pais do assassino, que criaram o filho de um modo errado, que não o auxiliaram nas piores horas, que supriram alguma coisa ou a deram demais. Você não é mais um pai, você acaba se tornando um exemplo de má-formação, um alvo de cochichos e olhadelas. E acaba tendo que enfrentar mais que a morte do próprio filho, acaba tendo que enfrentar um moralismo social que nunca foi quebrado. É nessa situação que se encontra Kate e Bill Carroll (Maria Bello e Michael Sheen, respectivamente) após o filho Sam (Kyle Gallner) entrar em sua universidade, matar 21 pessoas e depois cometer suicídio. Após o episódio, eles têm de enfrentar a culpa, encontrar razões para os motivos do filho e se sentir fortes para manter, além da sanidade, o casamento, que já estava prejudicado.

O foco principal de Tarde Demais não é propriamente esclarecer a dúvida principal de todos os espectadores do circo de horrores que é uma chacina numa escola. O foco não é porque o filho de Kate e Bill fez isso. O foco é o que Kate e Bill vão fazer após o filho ter feito isso, incluindo nessa própria rota cinematográfica tanto as razões como as consequências. Comparando com o resto do filme até já temos uma explicação rasa da força maior. Num telefonema curto, conseguimos perceber que Bill é um homem cansado, não mantém uma relação forte com o filho e que ele deixa a sua família de lado como um bem intocável que sempre permanecerá lá, sacro e sem nenhum esforço. A problemática do homem é que, ao longo do tempo, ele acaba deixando de lado os problemas alheios. Não só isso, esquecendo de identificá-los num olhar, numa voz mais melancólica, em tudo que o filho deixou transparecer durante os anos e acabou transbordando. Quando o homicídio em massa ocorre, Bill enlouquece. Ele não consegue se perceber no meio da situação. Há uma vergonha pelo que o filho fez, há um impulso que grita mais alto e o chama de assassino frente a uma sociedade moralista. Mas Bill amava o assassino. Como se confronta sentimentos apenas com uma postura exemplar?

Bill se torna cada vez mais distante com o tempo, mas Kate vive a sua vida cada vez mais presente. Numa interpretação de entrega de Maria Bello, a mãe mostra sua faceta também nos primeiros minutos. Ela não é cega como o pai, ela é apenas míope. Ela enxerga o que ela quer, e ela quer enxergar os destroços da família perfeita. Ela sabe bem que o filho não está bem, ela sabe que seu casamento não é forte o bastante. Mas ela luta pra manter sua própria ilusão de que tudo está perfeito. Sua vida após o crime do filho é a paranoia. Ela não aceita o crime do filho, ela ainda o ama e não tem vergonha de admitir isso. O que mudou na vida de Kate foi apenas a maneira de enfrentar as coisas de sua vida: se antes ela lutava para manter um casamento que já tinha dado o seu máximo; agora ela apenas busca encontrar e reencontrar o filho - não o assassino - em todo o lugar que vá. Após o episódio, o casal vai até a casa do irmão de Kate e a atitude protetora e maternal com todos revela o que ela tenta esconder de si mesma.

Kate não foi a melhor mãe do mundo. Bill também não foi o melhor pai do mundo. Mas ambos foram, no fundo, pais. Então porque o filho acabou com a ilusão de ambos? Aqui, Maria Bello e Michael Sheen estão se doando à câmera para vivenciar o drama de seus filhos, estão procurando razões no fundo, enquanto na superfície eles apenas buscam uma forma de continuar nadando sem que se afoguem. Numa das cenas de maior emoção da obra, há uma discussão formada por meio de um plano-sequência que mostra a verdadeira face de Kate e de Bill para, então, ambos acabarem aceitando a situação em que foram colocados. Não se pode colocar verdade na ilusão ambiciosa do casal, apenas um massacre pode revelar a vida de mentira. Junto com filmes como Tiros em Columbine, Elefante e A Onda, Tarde Demais joga do lado de fatos que não são mostrados em noticiários. É o lado da família, que tem de aceitar uma dicotomia infernal dentro de lares destruídos. E não é a família da vítima, mas sim, a família que realmente sofre em uma pele que não tem culpa de existir.

NOTA: 8

Melancolia (2011)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Fri, 28 Oct 2011 00:15:00 +0000

Um filme de Lars Von Trier com Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg e Alexander Skarsgård.

Não foram poucos os filmes que falam do fim do mundo. Aliás, há uma certa obsessão humana em tentar registrar um desfecho definitivo de maneira absoluta e assustadora no cinema. 2012, Armageddon, Presságio, O Dia Depois de Amanhã, Guerra dos Mundos, Planeta dos Macacos. É uma lista interminável mas que acaba terminando em lugar comum: desespero, redenção, um drama que fica em plano de fundo por detrás das mudanças apocalípticas. Estava na hora de fazer diferente. Lars Von Trier, o diretor dinamarquês de filmes como o cruel Dogville e o simbólico Anticristo, criou seu próprio conto de fim do mundo sem focar necessariamente na destruição da Terra. Melancolia, o filme-desastre de Von Trier, é dividido em duas partes, que são marcadas pela presença de um conflito que permanece constante nas telas. Justine (Kirsten Dunst) é a irmã mais nova e a mais instável da família, com um peso emocional forte que pode ser destrutivo se abalado. Claire (Charlotte Gainsbourg) é a irmã mais velha e a mais controlada e responsável, metódica e organizada para não se desesperar em sua cabeça. Por mais perto que estejam uma da outra, percebe-se a distância de personalidades de ambas. Enquanto isso vai ficando cada vez mais claro aos olhos do espectador, duas situações são apresentadas para aumentar o clímax familiar: o casamento de Justine com Michael (Alexander Skarsgård); e o choque iminente de um planeta, chamado Melancolia, com a Terra.

A primeira parte do filme é denominada Justine, que mostra com o ponto de vista da personagem de Kirsten Dunst o dia de seu casamento. O começo do filme, após o epílogo de fotografias caóticas, mostra Justine e Michael se dirigindo à festa do casamento, tendo de passar por uma trilha sinuosa. O cinema de Von Trier, sendo cheio de metáforas e subjetividades imagéticas, transmite aí uma mensagem para o espectador: é difícil sair do casamento para chegar à festa. É difícil sair das expectativas do futuro para voltar aos demônios do passado. É difícil ir da felicidade à melancolia. Justine, ao menor contato com a família, volta ao seu estado depressivo de antes. Enfrentar a ferocidade metodista da irmã, o pessimismo materno e o descaso paterno transformam a radiante Justine numa pessoa diferente, o que acaba tornando o dia mais feliz de sua vida em uma concepção irreal. A moça problemática acaba destruindo sua própria vida por pressão daqueles que lhe disseram o que não fazer. Justine, personagem baseada na Justine ninfomaníaca de Marquês de Sade, não é culpada por seus atos, eles apenas surgem do que vieram os instintos e apenas os segue impulsivamente. Ela luta bravamente, mas não consegue vencer sua batalha. A interpretação de Kirsten Dunst, arrisco dizer, é a melhor da carreira. Por mais cansativo que seja arrumar uma festa e observá-la do início ao fim numa perspectiva depressiva, é impossível dizer que Dunst não fez o que seu papel queria: transmitir o mesmo pesar ao espectador, e falo isso de uma forma boa.

A segunda parte do épico apocalipse de Lars Von Trier é Claire. Após a festa de casamento da irmã, Claire a recebe novamente em sua casa para tratá-la da depressão profunda em que se encontra. Justine está tão mal que não consegue pegar um táxi sozinha. Aos poucos, o laço familiar se mostra mais forte do que na primeira parte. Claire quer mostrar para si mesma, antes de tudo, que ela faz parte de uma família. Ela quer olhar para a irmã numa necessidade e ajudá-la, por mais que não fosse capaz de ajudá-la no momento em que a depressão chegou. Mas o que ela podia fazer? Era para ser um dia feliz. Enquanto Justine se agarra ao irreal do desapego que lhe foi dado, Claire se agarra a coisas mais tangíveis e se recusa a soltá-las, mesmo que essas coisas sejam irreais. Até que a astronomia entra em ação e revela para Claire seu lado verdadeiro: o desespero que sempre tentou encobrir. Sua organização, seu perfeccionismo encobriam uma camada tão profunda de insegurança do mesmo modo que reagiria qualquer outra pessoa ao descobrir que sua vida está prestes a acabar, assim como a de todo o planeta. Claire não acha mais no que se agarrar, já que a verdade veio à tona. Quando ela precisou de um degrau, todos se fecharam devido à ameaça. Todos menos Justine, que mostrou, como sempre, seu desapego próprio a tudo, a todos - e a si mesma.

Durante todo o medo, desespero e ansiedade para o fim dos tempos, o que é tecido na tela é uma crônica familiar formada por dois extremos. Em certa parte do fim, Claire fala para Justine que gostaria de passar os últimos momentos junto à irmã e ao filho, e sua sugestão é recebida com um tapa. O conceito de família de Claire já estava esgotado há tempos e só mesmo o fim do mundo para fazê-la perceber isso. Ao mesmo tempo, Justine tinha um conceito de família sem expectativa alguma, o que não a trouxe surpresas desagradáveis com o fim do mundo. Seu ceticismo e sua própria melancolia, agora inexistente, acabam ao mesmo tempo que Melancolia chega ao seu ápice: no momento final. Charlotte Gainsbourg tem um ótimo desempenho. Passa sensações contrárias as de Dunst e mais inferiores devido ao seu cinismo superficial, mas que não desagradam em momento algum. Além das duas mulheres, há também uma ressalva especial para Charlotte Rampling, Kiefer Sutherland e Alexander Skarsgård que ajudam a construir toda a atmosfera resultante do filme. A fotografia do filme, belíssimo ponto que o diretor adora enfocar, mostra, apenas nos momentos iniciais, toda a beleza de Melancolia. O responsável, Manuel Alberto Claro construiu um epílogo onde cenas do apocalipse são retratadas numa velocidade menor, onde o cenário se move mais rapidamente do que o foco. Observe as expressões de Kirsten Dunst se modificarem minimamente enquanto folhas caem num cenário cinza. Observe raios saindo dos dedos e de postes. Observe pegadas que afundam a terra. Observe uma noiva numa comunhão profunda com as águas, esperando apenas o momento mais feliz de sua vida, o momento de choque, o momento em que seu descaso irá embora para sempre.

Não é pelo fato que o diretor virou uma persona non grata no festival de Cannes após uma infeliz declaração sobre o nazismo que o filme tenha de receber toda a fama provinda do criador. A polêmica do dinamarquês não encobre o brilho usado no fim dos tempos dessa sua nova obra. O que foi usado aqui não foram toneladas de efeitos especiais, mas um drama familiar para contornar um planeta inteiro. Um aspecto final é a trilha sonora, composta exclusivamente por músicas de Tristão e Isolda, ópera de Wagner. Algo mais oportuno? Von Trier pretende que seu público morra de tristeza, igual a Isolda. Isso fica claro na força interpretativa das atrizes, fica claro na fotografia, na forma em que ele próprio conduz o filme, fica claro na forma em que cenas de clímax são mostradas num estilo documentário único, fica claro em toda a tristeza e melancolia transmitidas durante os 130 minutos dessa proveitosa sessão. A única certeza que sobra é que há um planeta em mim, há um planeta em você, há um planeta no universo. E o nome dele é Melancolia.

NOTA: 9

Rent - Os Boêmios (2005)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Wed, 19 Oct 2011 17:53:00 +0000

Um filme de Chris Columbus com Adam Pascal, Rosario Dawson e Idina Menzel.

Anos 80. Anos de liberdade sexual, de liberdade sexual, do advento da AIDS. Anos que deram abertura para a vida boêmia. Nessa época de orgias e fantasias, onde o impulso grita mais alto do que a razão, como se pode sobreviver na sociedade capitalista, enquanto a divisão bipolar mundial se destroça? Como se sobrevive de sonhos, de aventuras, da música, do cinema e da arte sendo tudo alternativo, nada midiático? Perto dos ideais de não vender nada do que vem do coração e dos desejos, acompanhamos de perto um grupo de jovens com ideias na cabeça prontas para prática, sem medir as consequências dos atos e vivendo o ápice da boêmia. Mark Cohen (Anthony Rapp) é um jovem cineasta que filme tudo por onde anda. Seu maior problema é o relacionamento amoroso com Maureen Johnson (Idina Menzel), sua ex-namorada que agora tem uma relação com Joanne Jefferson (Tracie Thoms), uma advogada. Mark divide o apartamento com Roger Davis (Adam Pascal), um guitarrista que acabou deprimido após a morte de sua namorada e após descobrir que possui o vírus do HIV. Mas, a morte da namorada de Roger não impede os flertes constantes entre ele e sua vizinha, Mimi Marquez (Rosario Dawson), uma dançarina. Tanto Mark quanto Roger são ex-colegas de apartamento de Tom Collins (Jesse L. Martin), um gênio da computação que é apaixonado pela drag queen Angel (Wilson Jermaine Heredia).

Rent é um turbilhão de ideias e sentimentos coloridos variadamente para dar vida a características pessoais de amantes da arte, de amantes das ruas, de amantes da vida. Além de conflitos amorosos e amigáveis, ainda há uma batalha maior que é o a arte consumista, é o capital engolindo a beleza da simplicidade. O papel fica por conta do jovem idealizador corrompido pelo gosto do poder, Benjamin Coffin (Taye Diggs). Mas para suprir essa batalha física, ainda há as tensões emocionais vividas por cada um. Roger tem de aguentar o peso de sua namorada morta, aguentar o peso de seguir em frente, aguentar o peso de poder morrer a qualquer hora, de ter a vida baseada nos horários do AZT. Paralelamente, Mimi tem que aguentar o peso das drogas, de ter a necessidade de algo para lhe fazer bem e colocar substâncias ilícitas completando essa lacuna. Aguentar amar e não ser amada, e assim consumir cada vez mais. O casal, vivido por Adam Pascal e Rosario Dawson, é o que mais chama a atenção, tanto pelas cenas intimistas quanto pelo foco que o diretor Chris Columbus coloca em ambos. Veja e ouça ao mesmo tempo um flerte coletivo que ambos fazem no escuro, enquanto dialogam cantando Light My Candle. Depois de algum tempo, as músicas acompanham o relacionamento do casal em evolução. Prova disso é I Should Tell You.

"Hoje é pra você, amanhã é pra mim!". Disputando o centro das atenções, o elenco feminino duela bravamente com o masculino, e no fim todos saem iguais. Maureen tem a atitude e o sex appeal, enquanto Joanne e Mark cativam com características próprias de seus personagens traídos - uma cena especial é, por exemplo, o Tango Maureen, uma dança de traição interpretada deliciosamente por Tracie Thoms e Anthony Rapp. Mas Angel, de um modo ou de outro, rouba a cena. Talvez pelo destaque de sua personagem que sempre chegou a ser benevolente e foi um exemplo para os outros até quando não estava presente. E ele brilha na tela com razão, já que não é em todo filme comercial que um homem aparece vestido de peruca e salto alto, cantando canções amorosas. A trilha sonora e o roteiro, ambos do musical original de Jonathan Larson são divertidos e se adaptam ao tom emocional da sessão. Um grande problema presente em Rent é sua duração, com mais de duas horas, coisa difícil de aguentar atualmente. Mas são duas horas que acabam valendo a pena no fim com tanta beleza provinda da vida difícil de Nova York. A fotografia sempre clara de Stephen Goldblatt é o caos emocional vivido, são cores duelando na tela, um duelo de vermelhos vivos, de amarelos brilhantes e verdes gritantes.

Rent não é apenas um musical, é um filme de luta. É uma luta constante para poder conseguir manter seu talento vivo. É uma luta para achar igualdade, para achar aceitação. É uma luta para poder sobreviver de qualquer modo, seja na doença, seja na sociedade. Uma luta que vale bastante a pena ser acompanhada pelos boêmios idealizadores que se encontram em cada vielas com um talento inaproveitado. O elenco, numa sintonia invejável para interpretar todas as músicas, faz parte do original apresentado na Broadway, com exceção de Rosario Dawson e Tracie Thoms. As vozes estão afinadas e as músicas são diálogos interessantes, pontes necessárias para o funcionamento de um todo. Rent é a personificação da essência humana que permanece jovem em se interessar pelos seus princípios, que não se cansa até conseguir o que pretende e é interessada, desbocada e inocente. É a castidade da bravura, é viver o hoje e, caso ele chegue, viver o amanhã também. Mas uma dica? Vejam o musical se tiverem chance, é preferível ao filme. E viva La Vie Bohème!

NOTA: 8

À Sangue Frio (1967)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Thu, 06 Oct 2011 01:49:00 +0000

Um filme de Richard Brooks com Robert Blake e Scott Wilson.

Traduzindo motivações para palavras, o homem permanece uma incógnita que permanecerá sem ser descoberta. A frieza humana provém do mesmo lugar que deu origem à bondade. E porque não se perguntam os motivos para ambos? Porque apenas o mal assume lugar nesse fim do devir, nessa decisão do bem e do mal, sem dar nenhuma chance das motivações boas se explicarem? Há bondade em impulsos considerados maldosos pela moral social? E como se define um psicopata numa sociedade? Todo o público que foi ver e ainda verá a obra de Truman Capote adaptada para o cinema sabe muito bem distinguir o certo do errado à partir de uma ideia perdurada da filosofia platônica. Mas é impossível sair do cinema balançado. Sabe-se que aquele ali é o certo, mas o final não poderia ser diferente?

À Sangue Frio é um filme baseado no romance homônimo de Truman Capote. Ele conta a história de Perry Smith (Robert Blake) e Dick Hickock (Scott Wilson), dois criminosos que começam a bolar um plano para roubar todo o dinheiro da família Clutter, uma família de fazendeiros ricos de Holcomb, Kansas, e assassinar todos os moradores da casa. Após a brutalidade do assassinato, que realmente ocorreu, o filme não para. Aos poucos ele mostra as motivações, as personalidades e a mentalidade dos dois criminosos, explorando tudo que os levou a cometer o crime.

O que difere essa obra de 1967 de qualquer outra que já tinha vindo é a aproximação do público com o lado antagonista do longa-metragem. Se alguém vai para o cinema e acaba simpatizando com um psicopata cuja única função no filme inteiro foi matar, roubar, estuprar, torturar e tudo isso à sangue frio, isso não é considerado normal se não houver um atrativo a mais para a caracterização do vilão. Mas quando o vilão nos é apresentado junto a sua ficha criminal e suas motivações para o caso e todo o psicológico é posto à prova, é difícil não admitir que o antagonista é que trouxe o carisma para a sessão. Primeiramente analisamos a visão de Dick, o homem que planejou tudo e apenas incluiu Perry em seu plano pela facilidade que ele tinha em perder a cabeça e matar. Dick fez tudo isso pelas motivações mais pífias que podem existir: conseguir dinheiro fácil, sair com as mãos limpas, apostar numa garantia inexistente na vida. É a despreocupação ambulante, que consegue improvisar caso algum plano dê errado. Todos os seus passos são movidos pela ganância e, após isso, pela aceitação. Desde que ele sempre esteja com um sorriso idiota no rosto, sempre com um ar superior aos demais até quando está por baixo. Ele não se deixa atingir e isso é fatal para ele. No fim do filme, o público chega a agradecer pelo final que lhe é dado.

Perry é o contrário disso tudo em apenas uma parte de sua consciência perturbada. O homem tem seu certo carisma e cria toda uma aura bondosa ao redor de suas ações que o público consegue adquirir simpatia pelo antagonista, e esse é um grande trunfo tanto do livro quanto do filme. Ao tornar o criminoso o psicológico principal do longa metragem, explora-se um lado desconhecido do espectador. Como se sente tamanha afeição por um homem que se mostra implacável, que consegue matar facilmente e prova isso aos poucos para a tela? Com uma delineação magnífica da redenção e de um perfil perturbado, ele chega a um ponto em que só se pode sentir pena. Há até uma revolta por causa do final de Perry, mas, analisando o crime apenas em teoria e não colocando o papel social sobre o homicida, ele não fez por merecer? Os atores principais merecem uma ressalva, tanto Scott Wilson, por criar tamanho ódio num drama concentrado para as telas; quanto Robert Blake, que é o lado emocionante e humano de À Sangue Frio. Há até uma certa química entre os dois em cena, por meio de palavras ou de ações, que não se concretiza explicitamente. Outro ponto que merece ser levado em conta é a fotografia de Conrad Hall, que até foi indicada ao Oscar de 1967. O filme, que é todo rodado em preto e branco, possui cenas lindas que se contrastam graças aos diversos tons escuros.

Uma das últimas cenas foca a face de Perry enquanto ele faz um discurso. Observar as gotas de chuva caindo pela janela dá a impressão sutil de que ele chora enquanto fala. É a humanização do monstro até por parte da natureza. Tudo em À Sangue Frio é carismático, é tocante e é enganador. É a visão de um criminoso que não se espera encontrar em cada esquina, um criminoso que é gentil, que respeita e que tem medo, por mais que tenha uma facilidade espantosa em matar. É a inversão de papéis feita por Truman Capote em seu livro que tornou Perry a vítima de todo o planejamento, enquanto a sociedade se mostrou cruel em não deixar ele sair impune. Depoimentos foram feitos para deixar o homem cada vez mais bondoso. Mas de que, afinal, adianta a bondade num equilíbrio para redenção dos pecados? E onde está a verdadeira diferença entre o pecado e as boas intenções?

NOTA: 9

Amor A Toda Prova (2011)

noreply@blogger.com (Gabriel Neves) — Tue, 20 Sep 2011 23:33:00 +0000

Um filme de Glenn Ficarra e John Requa com Steve Carell, Julianne Moore, Ryan Gosling e Emma Stone.

É possível amar e é possível amar. Uma pessoa não ama do mesmo modo da outra, assim como não sente qualquer coisa do outro modo da outra. A comparação entre sentimentos é algo impossível pelo nível de importância que cada um tem numa moral formada por padrões mutáveis. Nessa batalha entre sentimentos homônimos, entram valores como o casamento, o namoro, o sexo. Sinceramente, parece clichê? E é. É uma guerra dos sexos, focando em relacionamentos desgastados, novos ou enterrados, mas que favorecem ao público a visão romântica da esperança que nunca acaba. Amor a Toda Prova é isso, e incrivelmente não soa como um déjà vu para a plateia.

"Em 3 vamos dizer juntos o que queremos, OK? 1, 2, 3: Crème Brûlée!" "Divórcio!". Cal Weaver (Steve Carell) é um quarentão que só manteve um relacionamento a sua vida inteira. É casado com a mulher que ama, tem ótimos filhos e um bom emprego. Mas, numa noite, ele acaba descobrindo que sua esposa, Emily Weaver (Julianne Moore) quer a dissolução do casamento e que o traiu. Desiludido, ele percebe que Emily era a mulher de sua vida e entra numa crise ao ver todos os seus anos se encerrando. Paralelamente acompanhamos a história de Jacob Palmer (Ryan Gosling), um jovem com estilo que consegue uma mulher diferente a cada noite. Quando Cal está em sua crise, Jacob decide ajudá-lo a seguir em frente com a arte de paquerar mulheres.

O principal do longa-metragem é a delineação realista que ele faz dos personagens. Primeiramente há o conflito principal que acaba gerando os secundários no longa: o divórcio de Emily e Cal. Cal ainda é o bobo apaixonado que vive no seu mundo pré-adolescente. Confortável na sua fantasia de amor ilusório, numa zona de conforto da paixão, ele não viu que seu casamento estava estagnado num nível de amor satisfatório para o marido, mas insatisfatório para a esposa. E aí entra a visão do homem de "onde foi que eu errei?". Vivendo as paixões que deixou paralisadas durante todos esses anos de fidelidade monogâmica, ele descobre que sua felicidade não está contida em levar uma mulher para casa toda noite e depois dispensá-la. A idade já passou, sua noção de felicidade foi-se embora junto com Emily, seus tênis surrados e sua carteira de velcro. Steve Carell faz um personagem parecido com qualquer outra coisa que já tenha feito em outras comédias, mas que mantém uma graça momentânea. De um modo ou de outro, ele completa as cenas em que aparece misturando realidade e comédia, rindo do próprio esteriótipo. Julianne Moore é uma atriz versátil, fica bem em qualquer personagem e aqui não foge à regra. Por menos que apareça, para dar vazão ao romantismo masculino, ela ainda é uma presença gratificante no elenco, que não sai do personagem em momento algum e se adapta à todas as situações da mulher indecisa.

Jacob Palmer é o outro lado da moeda. É um homem que nunca precisou se preocupar com um relacionamento estável e que vive a vida que Cal nunca teve. Se ele gosta dessa vida? Impossível dizer que não. Jacob respira sua arte pessoal de conquistar garotas, o que não é pra menos. Ele usa cada medida de seu charme por meio de roupas bonitas, um corpo malhado, um sorriso galanteador e uma promessa de uma noite inesquecível que qualquer mulher num raio de 2 quilômetros tem de sentir como é passar uma noite com ele. Mas ainda há aquela esperança do fundo: uma mulher fixa. Enquanto ele vive sua vida ininterrupta de alternância de companheiras, há um dilema em sua vida. Onde está a mulher dos seus sonhos, que acabará com o fogo do galã? Entra em cena Hannah, personagem de Emma Stone, a única mulher que parece não sofrer a influência de Jacob, que sonha com uma vida monogâmica com o namorado. Sem traições ou noites de aventura. O encontro de duas personalidades tão distintas estabelece um novo objetivo para Jacob que acaba entrando em conflito: quem vai ter de mudar para agradar o outro numa possível vida amorosa? Considero tanto Ryan Gosling quanto Emma Stone dois atores promissores. Ele já conseguiu me emocionar mais de uma vez em filmes como A Garota Ideal, Namorados Para Sempre ou Diário de uma Paixão. Ela me faz rir de uma maneira verdadeira e mostra um carisma e beleza tão grandes que sua presença é deliciosa.

Para completar os casais, temos uma paixão adolescente protagonizada por Robbie, interpretado pelo divertido Jonah Bobo, o filho de Emily e Cal. É uma criança de 13 anos que se vê amando sua babá de 17, a desengonçada Jessica Riley (Analeigh Tipton). E o que realmente leva a plateia aos risos é a força de persuasão e a insistência que o menino tem para conquistar aquela que ele diz ser sua alma gêmea. Como se diz a uma criança que ela não sabe o que é o amor se ela ainda não viveu o bastante para compará-lo com um sentimento de um adulto? Tudo é amor em Amor a Toda Prova. O amor para uma criança pode ser menos intenso do que para um adulto, mas não se nega que é amor. Que se negue outras coisas, mas não a beleza da afirmação de uma relação de entrega. Completando o elenco, temos Kevin Bacon fazendo um personagem que se apaga em cenas e fica escondido atrás de nomes como Moore ou até mesmo Carell. E há também Marisa Tomei, fazendo uma personagem tão caricata que, se não levasse o público às lágrimas de riso devido aos seus jargões, poderia comprometer o realismo do filme.

A dupla de diretores, que já tinha feito O Golpista do Ano, acerta no tom romântico, cômico e dramático colocado no peso de Amor a Toda Prova. Não é um filme necessariamente feliz o tempo inteiro, é um filme que prega por mostrar as relações como elas são, assim como muitas outras pérolas espalhadas atualmente. Mas talvez o elemento secreto do longa-metragem seja um elenco de peso, com interpretações dignas, um roteiro divertido e que não cai e que abusa dos clichês do gênero até se dizer chega. É uma interpretação diferente de comédia romântica para comédia romântica, do mesmo modo que o amor de um muda para o amor de outro. É um filme bom e divertido à seu modo.

NOTA: 8

Crítica Mecânica

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