Lienzos, cuadros y arte

Curiosidades sobre el pintor Salvador Dali

2012-05-22T22:00:00.001+02:00

Salvador Dalí fue uno de los pintores surrealistas más importantes de su época, nació en Figueras, España, el 11 de mayo de 1904, y falleció en 1989. Muchas de sus obras artísticas estuvieron llenas de controversia, recibiendo tanto críticas como múltiples elogios por sus pinturas. Desde lienzos, cuadros y arte queremos brindarle un pequeño homenaje con este artículo.

Curiosidades sobre Salvador Dalí

Todo alrededor de este artista fue y es, un complejo de excentricidades y datos curiosos. Para empezar la lista se puede enumerar una experiencia algo cómica y también aterradora, cuando el pintor decidió visitar un centro para enfermos mentales en París. Estando en el lugar, mientras el director le enseñaba cada uno de los cuartos, Dalí se asomaba, examinaba a cada paciente y exclamaba “poco interesante”, esto ocurrió hasta que llegó por fin a una habitación en la que la imagen de un hombre despeinado y con ojos desorbitados le llamó la atención. Inmediatamente ante la mirada de aquel hombre totalmente loco, exclamó: “Este, este, este, este, es un loco genial, se le nota enseguida”. A esta reacción el director del psiquiátrico le contestó: “Pero señor Dalí, aquí no hay nadie, observe usted que está ante el espejo de un armario”.

Dalí tuvo dos hermanos, el mayor de los cuales también llamado Salvador, murió. El nombre de su hermanó lo heredó Dalí, quién a causa de ello tuvo varios conflictos de personalidad, pues solía pensar que era la reencarnación de su propio hermano.

Con un padre abogado y notario muy estricto, fue su madre Felipa quien siempre intercedió por los intereses artísticos del famoso pintor, aunque no pudo evitar que Salvador Dalí fuese expulsado de la facultad de Bellas Artes debido a su elevado egocentrismo.

En 1927 el poeta y dramaturgo español, Federico García Lorca, se enamora de Dalí, amor que no fue correspondido abiertamente por el pintor, cuya sexualidad aún no estaba bien definida, al parecer algunos creen que el algún momento fueron amantes.

En 1929 Dalí conoce a la que sería más tarde su esposa, Gala. En su primera cita acaeció un hecho que claro síntoma de la rareza y excentricidad del pintor. Mientras el pintor se acicalaba para su cita, sufrió un accidente afeitándose las axilas y, con su sangre, decidió embadurnarse el cuerpo para luego además untarse con estiércol de cabra y aceite. Sin duda una manera muy poco romántica de causar una primera buena impresión. Sin embargo Gala quedó locamente enamorada y después del encuentro se fueron a vivir juntos, desde entonces ella sería su gran musa, amante, amiga y modelo, apareciendo por primera vez de perfil en uno de sus cuadros, en concreto en su pintura El gran masturbador, un óleo sobre lienzo que Dalí pintó en 1929.

En 1946 Walt Disney encargó a Salvador Dalí la realización de un cortometraje animado de seis minutos, titulado “Destino”, basado en la canción de Armando Rodríguez de igual nombre. Del proyecto sólo llegaron a rodarse veinte segundos, pero finalmente en 2003, el productor Baker Bloodworth y Roy Disney decidieron sacarlo a la luz, dando como resultado un proyecto cinematográfico de corte claramente daliniano.

En 1982 su esposa Gala muer, y Dalí se lanza a la desolación, con varios intentos de suicidio. Finalmente, aquejado por el mal de Parkinson, fallece de un paro cardio-respiratorio, escuchando su disco favorito, Tristan e Isola de Richard Wagner, el 23 de enero de 1989 en Figueras.

Loco, genio o sencillamente un genio loco, Salvador Dalí es uno de los grandes representantes del talento surrealista de los últimos tiempos.

El arte de decorar tus paredes con Moods

2012-05-18T00:18:00.000+02:00

Este artículo se sale un poco de la temática propia de este blog, pero siempre me he preguntado por qué no se puede considerar la decoración como un arte, al fin y al cabo los cuadros y pinturas, sobre todo si son de artistas reconocidos, ayudan enormemente a decorar y dar presencia a nuestros hogares. Es por esto por lo que os quiero presentar una nueva tienda online, Moods.

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Moods es una tienda especializada en la decoración de la pared, en su tienda de Internet encontraréis vinilos decorativos, fotomurales, lienzos y papeles pintados de gran calidad y belleza. Las propuestas de Moods son novedosas, atractivas y atraen a un gran número de personas con los gustos más diferentes. Además, encontraréis que muchos de sus productos son únicos en España.

Asimismo, la prensa especializada y los foros más importantes de decoración reconocen a Moods como una de las empresas más innovadoras en temas de decoración de interiores e interiorismo. Como no sólo de arte vivimos los artistas, es preciso señalar que el interés por la decoración está cobrando cada vez más importancia en España, y Moods, sin duda, lidera las tendencias más vanguardistas y aceptadas entre los decoradores de todo el mundo.

Paul Cézanne (1839-1906), el padre del arte moderno

2012-05-15T06:05:00.000+02:00

El pasado 19 de enero, Google se hacía eco en su buscador del 172 aniversario del nacimiento del pintor francés postimpresionista Paul Cézanne, y lo hacía mediante uno de sus ya más que conocidos "doodles" (los dibujos con los que a diario Google rememora los más diversos acontecimientos acaecidos a los largo de la historia). Para honrar a Paul Cézanne, los creativos de Google han pintado un bodegón intentando, a mi entender con poca fortuna, imitar la genialidad del pintor francés (en la imagen adjunta podéis ver la evolución que sufrió el cuadro). Eso sí, hay que reconocer que no debió resultar sencillo disponer los objetos del bodegón de manera que consiguieran representas las letras del buscador de Google.

El caso es que aprovechando este hecho y sabiendo que la Historia del Arte considera a Paul Cézanne como el padre del arte moderno, desde cuadros y lienzos hemos decidido escribir un artículo sobre este genio de la pintura.

Fue el propio Cézanne el que al final de sus días señalaba con cierta amargura: "Quizá nací demasiado pronto", y lo hacía porque pensaba que se había equivocado de siglo. El tiempo le ha dado la razón, porque el que hoy es considerado padre de la pintura moderna fue rechazado en su época por sus contemporáneos, de manera que la primera exposición de sus obras, organizada por el en ese momento desconocido comerciante de arte Ambroise Vollard, tuvo lugar cuando ya contaba con cincuenta y seis años.

Paul Cézanne en sus inicios pasó por un período de inspiración romántica caracterizado por la representación de temas violentos y formas barrocas, periodo al que siguió una fase breve impresionista. Pero después de estos periodos Cézanne se orientó en una dirección totalmente nueva, de manera que su pintura puede distinguirse a primera vista gracias a los trazos largos y potentes que dan cuerpo al motivo central de sus cuadros. El pintor francés se mostraba indeciso acerca de los colores que habría de emplear en sus pinturas, por este motivo Cézanne dejaba espacios blancos en la tela, para rellenarlos posteriormente después de observar con detenimiento a sus modelos. Las composiciones pictóricas de Cézanne son complejas y de contenido muy rico, el pintor francés seguía siempre un procedimiento metódico y progresivo.

El propio Cézanne denominaba a este procedimiento "El método", un método que consistía en observar la naturaleza y reproducir las sensaciones que experimentaba con ella. Así se lo hizo saber su amigo, el pintor postimpresionista francés Émile Bernard, cuando le dijo: "El artista debe rechazar la opinión que no se base en la observación inteligente de la naturaleza. Debe desconfiar de los cánones artísticos que muy a menudo impulsan a los pintores a alejarse del verdadero objetivo -el estudio concreto de la naturaleza- para perderse en especulaciones intangibles". Esta frase deja muy claro que Cézanne era claramente afín con un tipo de pintura objetiva

Las primeras obras de Cézanne ofrecen una expresión impetuosa y testimonian una especie de voluptuosidad en la forma en que el pintor extiende sobre sus lienzos una pasta espesa sobre la cual el pincel enflaquece. Fue un momento en el que Cézanne buscaba la forma de simplificar su técnica pictórica, y cuanto más la dominaba, más se alejaba su pintura del tema representado. Paisajes, naturalezas muertas, interiores y retratos se convertían bajo sus pinceladas en combinaciones de planos, conjuntos de líneas y colores.

Hasta el final de su vida, Paul Cézanne se esforzó en dominar esta técnica pictórica, realizando lentos progresos y dedicándose de forma obsesiva a conseguir una adecuación entre la observación de la naturaleza y la plasmación de las sensaciones que dicha naturaleza le reportaba. El fin de sus pinturas no era reproducir un tema, sino fabricarlo por medio de líneas de colores. Cézanne era un pintor modesto que, al igual que los pintores primitivos y los imagineros medievales, se consideraba un artesano de la pintura: "Soy un primitivo en el camino que yo mismo he descubierto".

Nada hacía prever en su época la gran repercusión que ese arte primitivo tendría en la pintura y escultura de comienzos de siglo XX, y la influencia que dicha pintura ejercería en los artistas de las generaciones siguientes. La riqueza de su obra y la clarividencia de sus análisis, convirtieron a Paul Cézanne en el artista más reconocido de los siglos XIX y XX. Aún permaneciendo anclado en el siglo XIX por su tendencia a representar el mundo, también fue capaz de anunciar, gracias al método que rige su pintura, las grandes obras del siglo XX.

La influencia de Cézanne sobre los primeros cubistas es evidente, así Pablo Picasso, George Braque, Juan Gris, o André Derain, vuelven a los fruteros rebosantes, a los bañistas, a los arlequines y a las vistas de L'Estaque, temas todos muy tratados por el maestro de Aix, ciudad donde nació Paul Cézanne. Sin ir más lejos, Las señoritas de Aviñón, obra de Pablo Picasso y fundadora del movimiento cubista, fue comenzada en el invierno de 1906, inmediatamente después de la muerte de Cézanne. No obstante, son muchas las obras que muestran la influencia que la pintura de Cézanne ejerció en sus coetáneos.

De esta manera el arte de Paul Cézanne terminó por imponerse en Europa como punto de partida de todas las vanguardias artísticas que muy pronto llevarían el cubismo a la gran aventura de la abstracción. Tras su fallecimiento, la pintura de Cézanne fue reconocida a nivel mundial: en Inglaterra se reveló su obra en las exposiciones postimpresionistas de 1912 y 1913; en Alemania, por medio de la exposición del Sonderbund de Colonia realizada en 1912; en Italia su pintura se descubría en 1913, en la Secesión que se desarrolló en Roma; el Armory Show de Nueva York lo daba a conocer en 1913 en América, donde Cézanne se impuso, junto con Van Gogh, como padre de la revolución pictórica contemporánea. Ya a partir de 1914 sus cuadros eclipsaban a los de los impresionistas más cotizados, como Monet y Pissarro.

Cézanne fue el primer pintor que redujo la pintura a su expresión literal: "A medida que se pinta, se dibuja; cuanto más se armoniza el color, más precisión adquiere el dibujo. Cuando el color está en la cima de su riqueza, la forma alcanza toda su plenitud". Cézanne experimentó con la falta de coincidencia entre color y dibujo, consiguiendo finalmente que ambos términos, en muchos casos contrapuestos, se reconciliaran bajo su pincel.

Paul Cézanne fue también el primero en intuir el punto de partida abstracto de todo cuadro, llevando al límite el análisis de las sensaciones cromáticas. Este hecho se hizo todavía más patente al final de su vida, cuando su vista se hizo menos aguda y se veía incapaz de encontrar en la pura observación de la naturaleza las soluciones necesarias para llevar a cabo sus obras. Así, en una carta a Émile Bernard del 23 de octubre de 1905 le decía: "Ahora, viejo, con casi setenta años, las sensaciones de color que producen la luz son causa de abstracciones que no me permiten cubrir el lienzo, ni intentar la delimitación de los objetos cuando los puntos de contacto son tenues, delicados; de donde se desprende que mis imágenes sobre la tela son incompletas".

En la actualidad está bastante claro que el quehacer pictórico de Cézanne ha sido decisivo y fundamental para el desarrollo del arte contemporáneo, desde la innovación cubista hasta el arte abstracto y sus distintas modalidades. Esta influencia dominó la escena artística hasta la primera guerra mundial, resultando fundamental en la estilización del cubismo y en la afirmación por el color de los fovistas. La obra de Paul Cézanne es el origen de todas las manifestaciones artísticas que siguieron, manifestaciones a las que impuso una visión trascendente del arte.

Cézanne fue un investigador de la pintura infatigable, llegando a declarar al final de sus días y en una carta escrita a Ambroise Vollard el 9 de enero de 1903, haber sólo vislumbrado el rumbo que debía tomar su pintura: "Trabajo obstinadamente, entreveo la Tierra Prometida. ¿Acabaré quizás como el que guió a los hebreos o lograré alcanzarla también yo? He hecho algunos progresos. ¿Por qué tan tarde y con tantas fatigas? ¿Será el arte, en efecto, un sacerdocio que requiere pureza y abnegación total?".

Paul Cézanne, solitario e introvertido, sólo admitía a su lado artistas, escritores y pintores, que fueron sus portavoces en el siglo XX. La obra pictórica del viejo maestro abrió el camino para las concepciones artísticas de dicho siglo, así lo reconoció el propio Henri Matisse, uno de sus más fervientes admiradores, que solía repetir: "Cézanne, maestro de todos nosotros".

Las cinco mejores obras de Cézanne

A continuación os dejo las que para mí son las mejores cinco obras de Paul Cézanne, una muestra escasa pero muy valiosa de la obra del artista francés.

La casa del ahorcado en Auvers-sur-Oise, 1873, óleo sobre lienzo, 55x66 cm, Museo de Orsay, París.

Uno de los cuadros de los que más satisfecho quedó Cézanne a lo largo de su carrera. Por este motivo decidió firmarlo en rojo en el ángulo inferior, algo muy raro de encontrar en sus lienzos. El cuadro fue presentado en la primera exposición impresionista, en la que figuró con este mismo título.

En este cuadro, Cézanne emplea de forma abundante el color luminoso que extiende por todas partes. Pero ni el punto de vista tan forzado, ni la técnica utilizada al aplicar el color siguen las pautas impresionistas, ni en cantidad, ni en el modo de disponerlo con el pincel. Cézanne va añadiendo pincelada sobre pincelada hasta lograr significativas zonas de relieve.

El resultado es una imagen de solidez y hasta de pesadez de las formas, en contradicción con la sensación de ligereza de los lienzos impresionistas.

Retrato de Víctor Choquet sentado, 1877, óleo sobre lienzo, 46x38 cm, Columbus Museum of Art, Ohio.

Víctor Choquet (1821-1891) fue el más temprano coleccionista de las obras de Cézanne, llegando a reunir treinta y cuatro lienzos del artista francés.

El cuadro es estéticamente uno de los retratos más audaces de Cézanne y, sin duda, el más atípico, puesto que además del formato tan pequeño, utilizó una gama de colores variada y brillante que, por su disposición en cortas pinceladas paralelas, dotan de una sensación vibrante a la obra.

Autorretrato con paleta, 1885-1887, óleo sobre lienzo, 92x73 cm, Colección Bührle, Zurich.

De los más de cuarenta autorretratos que se hizo Paul Cézanne, este es el único en que lo hizo con los instrumentos de su profesión, concentrado ante un lienzo, con la paleta y los pinceles en la mano. Por este motivo se representó de algo más de medio cuerpo.

A pesar de que dejó sin terminar algunas partes del retrato, su composición transmite una imagen de firmeza y de trabada solidez. Cézanne consigue articular con sencillez elemental todos los elementos plásticos, convirtiéndolo en una pequeña obra maestra y en uno de los cuadros más representativos como emblema moral de sí mismo.

En el cuadro el artista suprimió toda referencia espacial, pues el fondo de delicadas y transparentes pinceladas parece más bien el efecto del cielo que el del interior de un estudio.

Naturaleza muerta con cesta de frutas (La mesa de cocina), 1888-1890, óleo sobre lienzo, 65x80 cm, Museo de Orsay, París.

Entre la selección de obras de Cézanne no podía faltar un bodegón y éste es, además, una obra sorprendente por lo avanzado de la propuesta pictórica que planteó y resolvió de forma brillante y magistral. La obra rompió con la norma de la perspectiva lineal de la época, utilizando dos claras distorsiones, la de los objetos y la del espacio.

Se puede observar que la parte de la izquierda, donde los objetos son más pequeños, está pintada ostensiblemente más baja que la de la derecha, en la que aparecen concentrados los objetos más voluminosos, donde destaca, arrebatando de inmediato la atención del espectador por su tamaño y color y por vertebrar un potentísimo eje de composición vertical, la descomunal pera verde.

En este cuadro Cézanne utiliza varias perspectivas quebradas con las que confiere a cada objeto un espacio propio en medio de toda una coexistencia de formas. Pero es el color el que hace que confluyan toda está síntesis de perspectivas, relacionando todos los elementos con la misma libertad con la que da forma y modela cada una de las frutas y objetos. Sin duda, nos encontramos ante una obra maestra.

Los jugadores de cartas, 1893-1896, óleo sobre lienzo, 47x56 cm, Museo de Orsay, París.

Este pequeño lienzo es, por conseguir expresar de modo audaz los conceptos tan singulares que tenía Cézanne sobre el color, la forma y la perspectiva, una de las obras maestras de la Historia de la Pintura y uno de los cuadros de Paul Cézanne que más veces se ha representado.

El lenguaje del color de esta obra es tremendo, siendo el medio principal para expresar la relación inseparable de las figuras situadas a ambos lados de la estrecha mesa. Además, es tan potente la fuerza mental de cada jugador; tranquilo y dominador el de la izquierda, e indeciso por estar pensando que carta jugar, el de la derecha, que Cézanne tuvo que modificar y tratar las formas con suma delicadeza.

Tampoco debemos olvidar la silueta oscura de la botella y la increíble sensación de equilibrio que produce la fina raya blanca que hace de reflejo sobre la misma.

Pósteres y láminas para decorar tu casa en Poster Point y Allposters

2012-05-08T06:06:00.000+02:00

Está claro que la mayoría de los mortales no disponemos del dinero suficiente para poder comprar lienzos pintados por artitas famosos. No obstante, hay mucha gente que desconoce que si que es posible disfrutar, en nuestro propio hogar y a precios muy económicos, de cuadros y pinturas de cierto renombre, y podemos gracias a la existencia de láminas o posters, en correcto castellano pósteres, en los que se reproducen de manera fidedigna las obras de artitas tan famosos como Dalí, Miró, Kandinsky, Monet, Matisse, Klimt, Clark, Picasso, Van Gogh, Warhol, Degas o, incluso, da Vinci.

Por eso desde cuadros y lienzos queremos haceros partícipes de un par de tiendas online especializadas en la venta de pósteres a través de Internet, tiendas que ofrecen unos precios muy atractivos y mediante las cuales podremos decorar nuestra casa con posters de los temas más variados (paisajes, naturaleza, arquitectura, animales, carteles de cine, humor, flores, viajes y, por supuesto, obras de arte). Las tiendas de las que estoy hablando son Allposters y Posterpoint.

Allposters se trata de una de las tiendas online de posters y láminas artísticas más grande del mundo. En su página web encontraréis cientos de miles de pósteres y láminas, pudiendo solicitar los servicios de enmarcado y montaje en tabla, pudiendo así disfrutar de un bonito elemento decorativo para nuestro hogar, casa u oficina. La oferta de temas es muy amplia, siendo posible encontrar desde una reproducción de una obra de Van Gogh, hasta una lámina de las pirámides de Egipto o un póster de David Bustamante. Si queréis hacer uso del servicio de enmarcado, podréis elegir entre una amplísima variedad de marcos, paspartús y cristales de gran calidad. Por otro lado, el servicio de montaje en tabla consiste en pegar los pósters, láminas o carteles en un soporte de cartón muy resistente. Otro aspecto que puede que le interese a más de uno es que los pagos se pueden realizar, aparte de con tarjeta de crédito, a través de PayPal.

Promoción mayo 2012: si al realizar vuestro pedido utilizáis el código MEX25 conseguiréis un descuento del 25% en todas las compras (válido hasta el 25 de mayo de 2012).

Poster Point es otra interesante tienda online especializada en la venta en Internet de pósteres, láminas y carteles, en la que además podréis encontrar puzzles de todos los tamaños, juegos de mesa, cajas de lata, serigrafías, imanes, giclees y disfraces. También disponen de servicio de enmarcación online, servicio de impresión en lienzo, venta de tablas y ofrecen la posibilidad de encargar pósteres y láminas a medida, es decir, con las dimensiones que tú les indiques. Un aspecto muy útil de la página web de Poster Point es que puedes buscar pósteres y láminas por estilos de arte (abstracto, expresionismo, cubismo, barroco, fauvismo, hiperrealismo, impresionismo, arte moderno, pop art, art nouveau, art deco, surrealismo, etcétera).

Si estáis pensando en adquirir un póster para decorar un poco vuestra casa y no encontráis una temática que os atraiga, nosotros os sugerimos las siguientes: la Torre Eiffel, el Puente de Brooklyn, la noche estrellada de Van Gogh, cualquier cartel de propaganda antiguo, una foto de los Beatles, un autobús londinense, la famosa foto de Charles C. Ebbets "Almuerzo en lo alto de un rascacielos", una ola gigante, las cataratas de Iguazú, el cuadro viejo con guitarra de Picasso, etcétera.

Para los que no lo sepan, también comentaremos que el origen de la palabra póster proviene del término inglés que se escribe exactamente igual pero sin acento, y la palabra en castellano que puede considerarse como su traducción es la de cartel. Los pósteres son, sin duda, una de las formas más baratas de decoración, permitiendo a las personas disfrutar de reproducciones de obras de arte famosas por muy poco dinero.

Visita virtual a la Capilla Sixtina o Paladina de Ciudad del Vaticano

2012-05-04T05:54:00.000+02:00

Ahora, todos aquellos que no han tenido posibilidad de visitar la Ciudad del Vaticano y de disfrutar de la belleza de la Capilla Sixtina (también conocida como Capilla Paladina), gracias al trabajo realizado por la Universidad de Villanova, un trabajo que ha tardado más de tres años es estar disponible para el público, es posible realizar una visita virtual por la Capilla Sixtina, uno de los mayores tesoros artísticos de los muchos que atesora la Iglesia Católica.

La Capilla Sixtina es considerada como la obra culmen del periodo renacentista, pero son muchos los expertos que afirman que, además, se trata del súmmum supremo de las artes. En la página web referenciada, todos los lectores de cuadros y lienzos podréis disfrutar de una visión de la Capilla Sixtina en forma de viaje virtual con vistas de 360 grados, sólo tendréis que esperar a que se cargue la vista y moveros a través de toda la amplitud de la Capilla Sixtina haciendo clic con el ratón. Sin necesidad de contratar un caro viaje a Roma tendréis la posibilidad de disfrutar de los frescos y obras de arte de esta famosa sala del Vaticano.

El nombre de Capilla Sixtina le viene dado por el Papa Sixto IV que llevó a cabo su proyecto de construcción entre los años 1471 y 1484. Se trata uno de los más conocidos tesoros artísticos de la Ciudad del Vaticano, siendo el arquitecto encargado de su construcción Giovanni d'Dolci. Es la sala del Vaticano en la que se celebran los cónclaves y algunas ceremonias oficiales como las coronaciones papales.

La fama de la Capilla Sixtina le viene dada por la magnitud y la gran belleza de los frescos que decoran sus paredes y techos. La mayoría de las pinturas son obras de Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti) aunque las escenas situadas en los laterales de la nave fueron realizadas por otros artistas como Sandro Botticelli, Perugino, Pinturicchio, Luca Signorelli y Ghirlandaio.

Las pinturas al fresco que surgieron de la mano de uno de los mayores genios del renacimiento, Miguel Ángel, fueron realizadas durante el papado de Julio II. Miguel Ángel pintó el techo entre los años 1508 y 1512, incluyendo las conocidas escenas del Génesis y La creación de Adán. Posteriormente, entre los años 1535 y 1541, el mismo artista se encargó de embellecer la pared sobre el altar mayor en la que aparece una representación del Juicio Final o Juicio Universal, a mi entender la obra más increíble de Miguel Ángel.

Como notas curiosas señalaré que la bóveda de la Capilla Sixtina, hasta la intervención de Miguel Ángel, estuvo decorada con un cielo raso de estrellas doradas sobre un fondo azul (simbología que representa al manto de la Virgen), obra de Pier Matteo d'Amelia. Asimismo, a pesar de que se trata de una de las obras de arte más bellas del mundo, el hecho de que las figuras estuviesen desnudas escandalizó a algunos representantes de la Iglesia y, una década después, Daniele da Volterra ('Il Braghettone) recibió el encargo de dotar de taparrabos a todas las figuras desnudas.

Otro aspecto curioso del fresco del ábside que preside la Capilla, es decir, de la pintura del Juicio final, es la existencia de dos "mensajes ocultos", por un lado el autorretrato de Miguel Ángel (que aparece a los pies del Cristo triunfante) y por otro la ridiculización del cardenal Biagio de Cesana (un anciano con enorme nariz y orejas de asno que aparece en la esquina inferior derecha padeciendo los tormentos del infierno).

En los laterales y a lo largo de la Capilla Sixtina se encuentra una sucesión de frescos que representan la vida de Moisés (La muerte de Moisés de Signorelli, El castigo de Cores de Sandro Botticelli, Episodios de la vida de Moisés de Cósimo Rosselli, El Paso del Mar Rojo de Cósimo Rosselli, Moisés y las hijas de Jetro de Botticelli, y El Viaje de Moisés a Egipto de Pinturicchio y el Perugino), y la vida de Cristo (El Bautismo de Cristo de Pinturicchio, La Tentación de Cristo de Sandro Botticelli, La Llamada de los Apóstoles de Ghirlandaio, En el Sermón de la montaña de Cósimo Rosselli, Cristo entregando las llaves a San Pedro de Perugino, y La Cena de Cósimo Rosselli).

La Capilla Sixtina fue restaurada entre los años 1980 y 1994 y, desde esa fecha, al haber desaparecido la capa de humedad, humo y grasa que oscurecía los frescos allí representados, podemos disfrutar de los verdaderos colores de las pinturas, unos colores vivos donde destacan los claroscuros.

¿Por qué perdió Van Gogh su oreja?

2012-04-27T19:43:00.000+02:00

El que más y el que menos habrá sentido curiosidad por saber la razón por la que el famoso grupo musical "La oreja de Van Gogh" escogió este curioso nombre. El origen está en un hecho que aconteció durante la vida del famoso artista y que le llevó a perder su oreja izquierda. Afortunadamente Vincent Van Gogh nunca necesitó de su oreja para poder desarrollar su arte y su pintura. En mi opinión, la gran mayoría de los lienzos de Van Gogh, incluido el Autorretrato con oreja vendada que podéis ver en el lateral, son auténticas obras maestras.

Quizás muchos de vosotros no sepáis que Paul Gauguin y Vincent Van Gogh estuvieron viviendo juntos en la casa que este último tenía en Arlés (la conocida "casa amarilla"), un pueblo del sur de Francia conocido gracias a la fama actual de los cuadros de Van Gogh y donde el pintor holandés quiso, sin éxito, crear una comunidad de artistas. Ambos, Gauguin y Van Gogh se habían conocido en París y fue en 1888 cuando empezaron a convivir juntos.

El caso es que la convivencia en Van Gogh y Gauguin no fue todo lo pacífica que podía esperarse, y, después de tan sólo dos meses, las disputas fueron frecuentes, sobre todo porque sus gustos por la pintura eran bastante dispares.

La situación entre ambos artistas llegó a ser tan tirante que la noche del 23 de diciembre de 1888 acabó terminando en una dura pelea. Aparentemente los dos famosos pintores estaban borrachos y, según se puede leer en las memorias de Gauguin, Van Gogh le amenazó con una navaja, motivo por el cual Gauguin abandonó la casa del pintor holandés alojándose esa noche en un hotel de la ciudad.

En un acto de auténtica locura, según señala Gauguin también en sus memoria, un arrepentido Van Gogh decidió automutilarse el lóbulo de la oreja izquierda, envolviéndolo en un trapo y acudiendo a un burdel de Arlés para entregárselo a una prostituta de nombre Rachel con el objetivo de que se lo llevase a su amigo Gauguin.

Esta situación causó que la policía de Arles interviniese y que, tras encontrar a Van Gogh inconsciente en su casa por la pérdida de sangre, forzasen su ingreso en el hospital Hôtel-Dieu de Arles, donde el artista permaneció ingresado durante catorce días. A los vecinos de Arlés nunca les gustó los continuos arrebatos de locura de Van Gogh, un artista encomiable pero desquiciado, que sufría de manía persecutoria y afectado por una severa enfermedad mental, como el mismo reconoció al ingresar voluntariamente y unos meses más tarde en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole de Saint-Rémy-de-Provence, situado en las cercanías de Arlés.

Después de este episodio en el que Van Gogh perdió su oreja, Paul Gauguin decidió mudarse a París y, aunque retomó la amistad con Van Gogh, ya sólo se mantuvo en contacto con él a través de cartas.

No obstante, existen otras versiones que señalan a Paul Gauguin, que aparte de artista del pincel también fue conocido en su época por ser un virtuoso espadachín, como el responsable de haber cortado la oreja de Van Gogh en una disputa por una mujer (la ya mencionada Rachel), así lo señalan los historiadores alemanes Rita Wildegans y Hans Kaufmann en su libro "La oreja de Van Gogh". Para apoyarse en sus investigaciones, los mencionaos historiadores habrían utilizado el archivo municipal de Arlés, los partes policiales y diversas noticias de la época.

Por lo tanto, el acto de locura y automutilación de Van Gogh está puesto en entredicho, siendo más un producto de la literatura y del apoyo de otros historiadores que favorecieron en su día a extender el mito de la oreja de Van Goh.

Autorretrato con oreja vendada.

Sería al regreso de su estancia en el hospital cuando Vincent Van Gogh pintó su famoso Autorretrato con oreja vendada, en enero de 1889, un óleo sobre lienzo de tamaño 60x49 cm y que actualmente se encuentra en el Courtauld Instituto de Arte de Londres.

Este es uno de los dos autorretratos que Van Gogh realizó tras seccionarse la oreja. En el que nos ocupa, Vincent Van Gogh se encuentra en una estancia cerrada e iluminada, luciendo ropajes de invierno y en el que observamos que su oreja derecha (en realidad la oreja que perdió Van Gogh fue la izquierda, pero el autorretrato lo debió pintar mirándose en un espejo) está tapada por una venda blanca, sujeta a su cuello.

La expresión del rostro del artista es, a pesar del episodio que había vivido, más serena que en otros autorretratos del artista. En la estancia destaca, sobre todo, una pintura japonesa que representa un paisaje natural en el que se encuentran dos personas en primer plano (Van Gogh era un gran admirador de la pintura japonesa). También, menos visible al quedar enmascarado con la pared, se puede ver su caballete de madera de tono claro con un lienzo blanco.

En este cuadro están presentes las dos características fundamentales de la pintura de Van Gogh: el empleo de contornos bien definidos (que se pueden apreciar perfectamente en el perfil de su rostro y de su ropa, careciendo de ellos los objetos situados a su espalda), y el empleo de una pincelada gruesa que envuelve toda la obra (que se puede apreciar, sobre todo, en su rostro y su abrigo).

Estas dos características podemos encontrarlas en casi todas las pinturas y cuadros de Vincent Van Gogh, en nuestra opinión, un pintor postimpresionista (al igual que Gauguin y Cézanne) con un estilo propio, original y único en el que se ve ya el origen del Expresionismo.

Una nota curiosa de este cuadro es que no está firmado, quizás porque Van Gogh no lo considerase como una obra suya significativa. También conviene señalar que Van Gogh firmaba sus obras como "Vincent" y no como "Van Gogh".

Sin duda Vincent Van Gogh es uno de los pintores que más ha conseguido llamar la atención en la sociedad actual, tanto por su declarada enfermedad mental, que marcó la temática de algunas de sus creaciones, como por su vida un tanto desdichada, durante la que tan sólo consiguió vender un lienzo, y, sobre todo, por su estilo decididamente personal que se puede observar en todas sus obras, estilo que ha llevado a que casi todo el mundo le considere como un auténtico genio de la pintura.

Curiosidades sobre el cuadro de Las Meninas de Diego Velázquez

2012-04-23T19:26:00.000+02:00

Diego Velázquez es, sin duda, el pintor que mejor representa la pintura barroca española. Su obra pictórica se caracteriza por la búsqueda de la profundidad, el dominio de las líneas esfumadas, y el estudio de la luz y la composición. Sus obras incluyen pinturas de personajes populares y algunos cuadros mitológicos y religiosos, pero gran parte de la misma, como causa de haber sido pintor de cámara en la corte de Felipe IV, está formada por retratos y pinturas de la familia real, como es el caso de uno de sus más famosos óleos sobre lienzo, Las Meninas.

El cuadro de Las Meninas (también conocido como La familia de Felipe IV) marcó el inicio del dispositivo simbólico que hoy en día se conoce por el nombre de Modernidad. Pero Las Meninas no es únicamente una pintura que surgió de la mano de un genio, sino una creación que ha dado lugar a multitud de interpretaciones. Este óleo sobre lienzo es, en nuestra opinión, una de las más perfectas trampas para la visión (o trampantojo) de la historia.

Un rasgo interesante de Las Meninas es que se trata del cuadro más grande pintado por Velázquez, confeccionado con tres grandes tiras de lienzo tiene unas dimensiones de 318 cm x 276 cm.

Diversos estudios realizados entorno a la obra señalan que el momento fotográfico que recoge el cuadro corresponde a un instante de la vida de palacio situado entre el 6 y el 8 de octubre de 1656, y a una hora de la mañana que estaría entre las doce y media y las dos. Para llegar a esta conclusión se tuvo que estudiar la situación de la habitación que aparece en la pintura, una habitación que formaba parte del desaparecido alcázar de Madrid, asolado por un incendio en 1734, y cuyas dimensiones han podido ser determinadas gracias a que dos de los cuadros que aparecen en la pintura al fondo de la habitación han podido ser claramente identificados. También ayudó a determinar que el mes de la instantánea se trataba de octubre, el hecho de que era durante ese mes cuando se ponían las arpilleras en el suelo.

Es sabido que Velázquez y Felipe IV mantuvieron durante más de treinta años una amistad muy grande, fomentada por la afición del Rey a la pintura, de hecho él también pintaba. Se comenta que fue Felipe IV el que propició la creación de esta obra de arte al retar al pintor a que demostrase que realmente se trataba de un artista y no un artesano, pintando lo que él mismo estaba viendo. Por eso Velázquez, en Las Meninas, representa lo que el propio rey estaba viendo durante un instante en que el pintor se encontraba retratándole, y para dejar constancia de este hecho, el Rey aparece reflejado en un espejo.

Otra curiosidad de la pintura es la circunstancia de que Velázquez aparece con la Cruz de Santiago en el pecho, diciendo la leyenda que fue el propio Rey el que se la pintó posteriormente, ya que en ese momento el pintor sevillano no era todavía caballero de Santiago.

El espejo que aparece en el fondo de la habitación también encierra algún misterio que otro. En él aparecen representados el Rey y la Reina Mariana de Austria. No obstante, en las radiografías que se han hecho al cuadro sólo aparece la imagen del Rey. De hecho, en una copia de Las Meninas de tan sólo un metro cuadrado que se conserva en el palacio campestre de Kingston Lacy, en Dorset, Inglaterra, y que perteneció a Jovellanos, sólo se intuye la figura del Rey y, además, Velázquez no luce la cruz de Santiago en el pecho estando el techo a una altura más baja.

Otro dato curioso es que la línea invisible que une las cabezas de las figuras que aparecen en el lienzo conforma el signo astrológico de Capricornio. Esto hizo pensar que el cuadro estaba dedicado a la reina doña Mariana de Austria, nacida el 23 de diciembre de 1634, hasta que se descubrió que probablemente la imagen de ésta fue añadida con posterioridad.

Otro hecho remarcable es la circunstancia de que en el cuadro aparecen el Rey, la Reina y la infanta Margarita, es decir, todos los miembros de la familia real con excepción de la infanta María Teresa. La Reina Mariana de Austria era sobrina del Rey (hija de su hermana) y éste se casó con ella en segundas nupcias, naciendo de esta unión la infanta Margarita. La infanta María Teresa era, por lo tanto, hijastra de la Reina y ambas competían por hacerse con la sucesión al trono. Posteriormente la infanta María Teresa se convertiría en reina de Francia tras casarse con Luis XIV (primo hermano de su padre).

Otro detalle que llama la atención en Las Meninas es el hecho de que las cabezas de Velázquez, la menina (doncella) María Agustina Sarmiento de Sotomayor, la infanta Margarita, la menina Isabel de Velasco, y José Nieto Velázquez (el personaje que aparece al fondo del cuadro y que era el aposentador de la reina y jefe de tapicería de palacio), componen la constelación Corona Borealis, cuya tercera estrella, contada de izquierda a derecha, curiosamente se conoce como Alphecca o Margarita Coronae (la perla de la corona).

En el cuadro aparecen un total de once personajes, contando al propio Velázquez. Entre los que no hemos mencionado se encuentra doña Marcela de Ulloa y un desconocido guardadamas. Tampoco debemos olvidar a los dos enanos que aparecen en el lienzo, por un lado está el más conocido, Nicolasillo Pertusato, que aparece jugando con un perro y que llegó a ser ayuda de cámara del Rey Carlos II, y, por otro, la enana hidrocéfala de la que casi nunca se habla y conocida por Mari Bárbola, de origen alemán y muy amiga de las infantas y del propio Velázquez.

Por último, sólo queremos remarcar que el cuadro de Las Meninas constituye una inagotable fuente de sensaciones para todos aquellos que quieran disfrutar de él en el Museo del Prado. Son muchos los que señalan que, después de contemplarlo durante cierto tiempo, les cuesta mucho volver a la realidad y darse cuenta de que se encuentra en una sala del museo en lugar de en una habitación del antiguo alcázar de Madrid en pleno siglo XVII.

Artículos relacionados:
Las Meninas de Velázquez en 3D.
Velázquez, esculturas para el Alcázar.
Las Meninas de Manolo Valdés.

Los dibujos de algunos cómics también son arte: El Jabato

2012-04-13T16:07:00.000+02:00

Hace unos meses nos llegó al correo electrónico de cuadros y lienzos un email que nos informaba sobre una reedición exclusiva de los facsímiles de los cómics de El Jabato, la famosa y conocida serie de historietas creada por Víctor Mora (guionista) y Francisco Darnís (dibujante) para la editorial Bruguera hacia finales de los cincuenta. Esto nos dio la idea para escribir este artículo, ya que, de alguna manera, los dibujos que aparecen en estos cómics son también arte.

Sobre todo me viene a la memoria aquella reedición de las aventuras de El Jabato, publicada en los años setenta con el título de Jabato Color, en la que las impresionantes portadas dibujadas por Antonio Bernal eran auténticas obras de arte del dibujo en cómic. La colección que actualmente Planeta de Agostini está reeditando incluye las cubiertas originales de Antonio Bernal y está encuadernada en tapa dura de gran calidad. Además, al subscribirse a la colección se entra en el sorteo de diez packs de Nintendo Wii.

Las aventuras de El Jabato se sitúan en España durante la época de dominación romana en los siglos I y II después del nacimiento de Jesucristo. Algunos señalan la similitud de este cómic con El Capitán Trueno, quizás porque ambas aventuras tienen al mismo guionista, pero este último se trataba de un caballero español de la Edad Media cuyas aventuras tuvieron lugar en tiempos de la Tercera Cruzada (finales del siglo XII).

Seguro que muchos recordáis a los protagonistas de El Jabato:

Jabato: un campesino esclavizado por Roma convertido en gladiador que finalmente se escapa del circo y se dedica a combatir los excesos de los emperadores romanos.
Taurus: el mejor amigo de Jabato, un enorme leñador, barbudo y comilón, que conocía a Jabato ya antes de la invasión romana, su vestimenta de pieles era lo más típico de este gigantón.
Claudia: la enamorada de Jabato, una joven patricia romana hija de un senador, que abrazó el cristianismo como religión y que nunca llegó a casarse con el protagonista.
Fideo de Mileto: un escuálido poeta griego que se encargaba de torturar a Taurus con larguísimas estrofas de versos en los que narraba las aventuras de sus amigos. Los golpes que proporcionaba a sus enemigos con su lira eran, además de divertidos, epopéyicos.

El Jabato y sus amigos eran considerados peligrosos proscritos por los romanos, su único objetivo era luchar al lado del pueblo llano contra la injusta represión de romanos y tiranos de la más diversa índole y naturaleza. Sus aventuras les llevan a los más variados lugares y pocos capítulos desarrollan su acción en España (o Iberia en aquella época).

Los primeros episodios de la serie son, sin duda, espectaculares, el tono dramático de los mismos, acompañado de puntuales buenos toques de humor, consiguen enganchar a todo el mundo. Luego los capítulos perdieron un poco de su encanto con la introducción más frecuente del tono humorístico y del personaje de Fideo de Mileto, personaje que nunca llegó a convencerme, aunque este hecho no consiguió que dejase de leer los cómics de El Jabato.

El cómic original de El Jabato, en blanco y negro y formato apaisado, se mantuvo en los kioscos españoles hasta 1966, llegando a publicarse 381 episodios, cuatro almanaques y diversos especiales de vacaciones. Desde 1966 las reediciones coloreadas de este famoso cómic han sido numerosas, de no ser así, yo no conocería al héroe íbero protagonista de los mismos.

En octubre de 2008, con motivo del 50 aniversario de la creación del personaje, se lanzó una nueva aventura de El Jabato, La hermandad de la espada, con Luis Antonio Ródenas como guionista y José Revilla como dibujante, dos amigos que se conocieron casi por casualidad a través del Club de Fans de El Jabato en Yahoo. Esta última aventura es, sin duda, un bonito homenaje a los creadores originales del cómic.

Tampoco quiero dejar de mencionar el hecho de que en 1989 se comercializó, con bastante éxito y para microordenadores de ocho y dieciséis bits, un juego de aventura conversacional basado en las aventuras de El Jabato. El juego fue publicado por la empresa española Aventuras AD, dando a conocer este famoso personaje de cómic a las nuevas generaciones que, de seguro y después de jugar al juego, se convirtieron en lectores y admiradores del arte de la escritura y el dibujo en cómic.

Las Meninas de Velázquez en 3D (La familia de Felipe IV)

2012-04-06T18:42:00.000+02:00

Si queréis ver algo curioso realizado únicamente utilizando código CSS y HTML, es decir, sin utilizar código flash ni Javascript, os emplazo a que visitéis este enlace. Román Cortés jugando con tres imágenes del conocido cuadro de Diego Velázquez, Las Meninas, ha conseguido generar un efecto 3D de lo más real. A mi sinceramente me ha sorprendido enormemente que, a partir de un cuadro o un lienzo y sólo utilizando código CSS y HTML, sea posible crear esa sensación de espacio tridimensional.

Estoy seguro de que todos los que estéis leyendo esta entrada habréis oído hablar de pintor sevillano Diego Velázquez y su cuadro Las Meninas, pero de lo que no estoy tan seguro es de que sepáis que este famoso lienzo, antes del siglo XIX, era conocido con el título de La familia de Felipe IV, no en vano se trata de un retrato familiar. El cuadro, que puede verse en el Museo del Prado, se trata de un óleo sobre lienzo de grandes dimensiones (310 cm x 276 cm) en el que las figuras están dibujadas a tamaño natural.

La figura en primer plano es la de la infanta Margarita de Austria, pero también aparecen claramente visibles el propio Velázquez, en lo que es un magnífico autorretrato, doña María Agustina Sarmiento de Sotomayor, doña Isabel de Velasco, Mari Bárbola, Nicolasito Pertusato, doña Marcela de Ulloa, don Diego Ruiz Azcona y don José Nieto Velázquez. Algo más ocultas están las imágenes del rey Felipe IV de España y su mujer Mariana de Austria, ambos reflejados en el espejo que aparece al fondo de la pintura.

Las Meninas se trata de un lienzo en el que, sin necesidad de aplicar la técnica 3D ideada por Román Cortes, se percibe claramente esa tercera dimensión gracias a la estupenda utilización de luces y sombras realizada por Velázquez, plasmando los que se conoce como perspectiva aérea (método pictórico mediante el cual se consigue producir una sensación de profundidad) y consiguiendo una sensación de infinito, no hay nada más que comprobar como los personajes se van haciendo más indefinidos y nebulosos a medida que su situación se hace más lejana.

Aprender a dibujar a distancia con el curso CCC de dibujo

2012-04-03T06:57:00.000+02:00

Supongo que muchas de las personas que llegan a cuadros y lienzos lo hacen, aparte de por su afición al arte, también por su afición al dibujo. Estamos seguros de que a muchos de ellos se les dará bastante bien dibujar, pero lo más probable es que, como normal general, no sea este el caso. Es por eso que se nos ocurrió buscar un curso de dibujo en Internet y dimos con el curso de dibujo de CCC, un curso de formación a distancia que nos permite aprender a dibujar desde la comodidad de nuestra casa.

Y es que aunque muchos crean que dibujar bien es un don, también es posible mejorar muchísimo la técnica del dibujo si realizamos el curso adecuado con una empresa de formación de reconocido prestigio como CCC. De hecho, yo tengo grabada en la memoria una frase que mi profesor de dibujo nos solía repetir: "Dibujáis mal porque no os esfuerzáis en aprender dibujo, todo se puede aprender con la suficiente dedicación". Y la verdad es que no le faltaba razón.

Con el curso de dibujo de CCC seremos capaces de aprender a dibujar de forma profesional consiguiendo desarrollar aquella faceta de artista que estaba dentro de nosotros. Un de los objetivos de este curso a distancia es conseguir que sus alumnos conozcan las diferentes técnicas que hacen del dibujo algo realmente sencillo, algo que se puede aprender a través del estudio y la práctica.

Otra de las ventajas de este curso de formación es el hecho de que cada vez estamos más sumergidos en un mundo basado en las imágenes y lo visual, un mundo en que la formación en artes gráficas es cada vez más necesaria debido a que si queremos vender algo, deberemos presentarlo de una forma atractiva a la vista. Además, al terminar el curso seremos capaces de trabajar como profesionales en el campo de las artes gráficas, ya sea proyectando campañas publicitarias, realizando todo tipo de diseños (ropa, coches, muebles, etc.), decorando viviendas, o simplemente vendiendo nuestras pinturas y dibujos.

También conviene señalar que el curso de dibujo de CCC es eminentemente práctico y que viene acompañado con gran parte de los materiales de dibujo que se necesitarán para realizar dichas prácticas.

Por cierto, en CCC también ofrecen otros cursos a distancia que os pueden interesar como, por ejemplo, el curso de decoración profesional.

El Guernica de Picasso en tres dimensiones

2012-03-31T20:59:00.000+02:00

Si queréis disfrutar del famoso cuadro que Picasso dedicó a la ciudad de Guernica en reacción al bombardeo aéreo de la Lufwaffe Nazi que durante la guerra civil española devastó dicha ciudad (año 1937), sólo tenéis que pulsar sobre este enlace: Exploración en 3D del Guernica de Picasso. Está magnífica animación 3D de la pintura de Picasso Guernica ha sido creada por Lena Gieseke como parte de su tesis.

El Guernica se trata de un cuadro cubista que el genial pintor malagueño empezó a pintar el 1 de mayo de 1937, nada más enterarse del bombardeo. El lienzo quedó terminado el 4 de junio de 1937 bajo el encargo del Gobierno de la República Española para que decorara el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de 1937 en París. La austeridad cromática del cuadro es absoluta ya que está pintado en tonos negros y blancos. Esta fantástica obra de arte se encuentra actualmente en la exposición permanente del Museo Reina Sofía en Madrid, España.

Como anécdota curiosa señalaré que se dice que en 1940, estando París ocupada por los alemanes, un oficial nazi se encontraba viendo una foto con una reproducción del Guernica y le realizó la siguiente pregunta a Picasso: "¿Esto es obra suya?". A lo cual el genial pintor respondió: "No, ha sido obra de ustedes".

Artículos relacionados: 400 obras de Picasso en el Museo Reina Sofía.

El arte vectorial de stock

2012-03-26T23:30:00.000+02:00

Hace tiempo nos llegó a la redacción de cuadros y lienzos una consulta en la que se nos preguntaba en qué consistía el arte vectorial de stock, nosotros inicialmente no sabíamos muy bien que era lo que nuestro lector nos estaba preguntando, pero movidos por la curiosidad decidimos poner manos a la obra e investigar sobre el tema.

El caso es que en la conocida Wikipedia encontramos un artículo bastante completo sobre los gráficos vectoriales, en el que se explica que una imagen vectorial esta formada por la superposición de objetos geométricos independientes de diferente tipo, ya sean líneas, polilíneas, curvas, círculos, elipses, polígonos, etcétera, cada uno de los cuales se encuentra perfectamente definido por sus atributos matemáticos de color, posición, forma, etcétera.

A final de lo que se trata es de una manera de definir una imagen de manera que pueda ser almacenada en un fichero, es decir, de un formato de imagen que, como podréis imaginar, no tiene nada que ver con el típico formato de mapa de bits en los que las imágenes quedan definidas por píxeles.

La ventaja del formato vectorial es que permite ampliar el tamaño de una imagen sin que ésta sufra una pérdida de calidad tan grande como sufren las imágenes almacenadas utilizando otros tipos de formato como el de mapa de bits. De igual forma, es un tipo de formato que permite jugar con las imágenes, moviéndolas, estirándolas o cambiando su forma de una manera muy sencilla.

Casi todas las aplicaciones de dibujo gráfico profesional basan su funcionamiento en la técnica vectorial, ya que el artista gráfico puede manejar las imágenes de una manera muy sencilla, permitiendo la previsualización rasterizada de las mismas, o la creación de escenarios 3D mediante la utilización de gráficos vectoriales 2D. El arte vectorial se utiliza extensivamente en la industria de los videojuegos, así como en Internet donde hay numerosas imágenes desarrolladas bajo los formatos VML (Vector Markup Language), SVG (Scalable Vector Graphics) o SWF (Adobe Flash) que pueden visualizarse utilizando Adobe Flash Player.

Otros formatos de gráficos basados en la tecnología vectorial son el PS (PostScript), el CDR (de Corel Draw), el WMF (metaarchivo de Windows), el PDF (Portable Document Format), o el ODG (Open Document Graphics).

Por último, si estáis buscando ejemplos de arte vectorial de stock, podéis dirigiros a la página web Depositphotos.com, un portal donde encontraréis fotos, ilustraciones y vectores de stock de gran calidad sin derechos de autor y que pueden adquirirse a precios muy económicos. Es un sitio altamente recomendable para cualquier diseñador gráfico, ilustrador, publicista, gestor de contenidos gráficos o incluso blogger, siempre necesitados de incluir imágenes dentro de sus artículos. Este portal también permite vender online nuestros diseños.

Publica y vende tus libros en la comunidad de autores Bubok

2012-03-20T06:30:00.000+01:00

Bubok surgió con la brillante idea de ayudar a los escritores a hacer realidad el sueño de que sus obras vean la luz y terminen publicándose, pero también es una excelente librería online donde se pueden comprar miles de libros dentro de un extenso catálogo, incluyendo libros de arte, escultura, artesanía, cuadros, lienzos, pintura y dibujo (para ello deberéis dirigiros a las categorías de "Artes - Escultura y Artesanía" y "Artes - Pintura y Dibujo"). Los libros pueden comprarse en formato ebook o con encuadernación profesional y los precios son realmente económicos.

Además, aparte de poder publicar tus libros sin costes ni tiradas mínimas, conservando los derechos de autor y de una manera rápida y sencilla, registrándoos en Bubok entraréis a formar parte de una interesantísima comunidad de autores en la cual podréis comunicaros con otros escritores y conocer sus historias de éxito, pudiendo aplicarlas a vuestros casos particulares. Y aquellos que no son autores pero que buscan un sitio donde adquirir libros a precios rebajados, en opinión de los editores de cuadros y lienzos, la librería online de Bubok es una opción perfecta.

El proceso de publicación de libros en Bubok es muy sencillo, tan sólo consta de seis pasos:

Subir nuestra publicación en formato pdf, doc o ppt.
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Seleccionar el diseño de la portada del libro.
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En la página web de Bubok encontraréis todos los consejos necesarios para que la publicación de vuestro libro siga las pautas de una edición profesional. También resulta conveniente que sepáis que, según la normativa actual, si deseáis percibir beneficios económicos por la venta de vuestra obra ésta deberá tener un ISBN (International Standard Book Number). Por contra, si deseáis vender vuestra obra a precio de coste o como descarga gratuita, no es necesario que esta tenga un ISBN. En cuanto al DL (Depósito Legal), de momento es obligatorio para todo tipo de obra impresa independientemente del número de ejemplares impresos o de su contenido siempre que se ponga a la venta. Por otro lado, las publicaciones seriadas como boletines literarios o revistas, ya sean editados de forma impresa, electrónica o como material web, es necesario conseguir un ISSN (International Standard Serial Number).

Bubok ofrece a los autores la posibilidad de contratar toda una serie de servicios editoriales para que su libro tenga un acabado totalmente profesional, incluyendo servicios de registro (ISBN Bubok, ISBN de autoedición, gestión del Depósito Legal, y código de barras) y servicios de edición profesional (corrección profesional, maquetación profesional, diseño de una portada personalizada, y diseño de portada de bajo coste). También podréis contratar, dependiendo de vuestras necesidades de edición, tres paquetes editoriales con precios y servicios diferentes: el pack gestión integral, el pack escritor profesional y el pack best seller.

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Corrección del manuscrito: antes de su publicación el libro debe estar perfecto, por lo que ortografía, gramática y estilo de redacción deben ser revisados. La revisión ortográfica puede hacerse con el corrector ortográfico de Word. En cuanto a la gramatical o de estilo, si lo deseas, puedes contratar los servicios de corrección de Bubok.
Editar el libro: Bubok ofrece plantillas en formato Word, para los siete tamaños de libros disponibles, que se pueden descargar desde Internet libremente y que os permitirán rellenar con el texto de mismo la tripa de vuestro escrito.
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Tampoco queremos dejar de destacar que en Bubok aplican importantes descuentos por volumen para pedidos a partir de quince ejemplares de un mismo título, descuentos que dependiendo del volumen pueden llegar hasta en 40 por ciento.

Cursos y másteres de Arte (Bellas Artes)

2012-03-19T23:30:00.000+01:00

En ocasiones en cuadros y lienzos hemos recibido consultas de personas que estaban interesadas en realizar un curso, máster o MBA en Arte o alguna especialidad artística. Al ser las Bellas Artes una actividad profesional tan específica, ciertamente resulta complicado encontrar un curso o máster que reúna las condiciones necesarias que garanticen que el título obtenido nos vaya a servir para completar nuestro currículo profesional.

Por este motivo hemos realizado una pequeña labor de investigación que nos ha llevado a encontrar Tumaster.com, uno portal de Internet dedicado a la formación que nos ha parecido muy completo, y cuyo principal propósito es ofrecer a sus usuarios información concreta y organizada sobre un gran número de cursos de posgrado de cualquier tipo de materia, incluyendo, por supuesto, el Arte.

En Tumaster.com encontraréis un listado completo de cursos y másteres ofrecidos en el mercado educativo español , si echáis un vistazo encontraréis desde cursos en Málaga hasta másteres en Bilbao, pasando por MBA Madrid.

Si nos centramos en lo que respecta al tema que toca este blog, es decir, en la pintura y el arte, podemos encontrar másteres como el Máster en Artes de la Comunicación Audiovisual de Tracor (presencial), el Máster Diseño Gráfico y Dirección de Arte de Insa (presencial en Barcelona), el Máster en Animación, Arte Digital y Videojuegos de UPC School (presencial), el Máster en Estética y Teoría del Arte de la International Academy of Philosophy (presencial), o cursos como el Curso de Perito Judicial en Falsificación de Obras de Arte del Centro Codesa (a distancia), el Curso de Perito Conocedor de Arte y Pintura del Centro Codesa (a distancia).

Tampoco queremos dejar de mencionar que en Tumaster.com han conseguido establecer acuerdos de colaboración con un buen número de universidades y prestigiosas instituciones educativas, lo que garantiza que los cursos y másteres que encontraréis en su página web sean de calidad.

Por último, sólo destacar las secciones dedicadas a los opositores y a la formación subvencionada, sin olvidarnos de su bien estructurado foro en el que podréis realizar cualquier pregunta que os pudiera surgir.

Francisco de Goya y Lucientes, anécdotas y curiosidades sobre "La maja desnuda" y otras obras

2012-03-12T20:31:00.000+01:00

En la España de la Inquisición resultaba raro y hasta algo peligroso pintar a una mujer desnuda, pero Francisco de Goya y Lucientes (1746–1828) no era una persona que se intimidara con facilidad y decidió pintar uno de sus óleos sobre lienzo más famosos, La maja desnuda. Este en aquella época polémico cuadro, una de las más célebres obras de Francisco de Goya, está rodeado de un buen número de anécdotas y curiosidades.

La primera de ellas es que hay quien cree que la modelo del cuadro fue María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, duquesa de Alba, de la que se dijo que tuvo un romance con el pintor. Otro de los rumores que rodean al cuadro es que Goya tomó la fama de pintor rápido a raíz de pintar este óleo. Se dice que, mientras Goya lo pintaba, alguien informó al marido de la duquesa de Alba, José Álvarez de Toledo y Gonzaga, de que éste estaba pintando un retrato de su mujer desnuda. El ofendido marido acudió al día siguiente al estudio del artista, pero una vez allí, lo único que pudo ver fue el retrato de su mujer… totalmente vestida. La leyenda señala que Goya, alertado de que el marido de la duquesa había sido informado de que la estaba representando sin ropa, pintó el cuadro de La maja vestida en esa misma noche, sobreponiéndolo al óleo de la primera pintura.

En realidad, La maja desnuda es una obra de encargo pintada antes de 1800, en un periodo que estaría entre 1790 y 1800 (el marido de la duquesa de Alba falleció en 1796, otro punto que parece desmentir la leyenda anterior), fecha de la que se tiene la primera referencia documentada de esta obra. La maja vestida sería una obra posterior, pintada entre 1802 y 1805.

El cuadro de La maja desnuda fue también conocido en la época de Goya como La gitana, y, desde luego, no se trata de un desnudo mitológico, sino del de una mujer contemporánea a Goya.

La maja desnuda de Francisco de Goya
(óleo sobre lienzo, 98 × 191 cm)

Por otro lado, según señala el historiador Robert Hughes, lo más probable es que la modelo fuera Pepita Tudó, amante y posterior esposa del que estuvo al frente del Gobierno de España entre 1801 y 1808, Manuel Godoy, y que ambos cuadros fueran pintados a requerimiento de este último, pues consta fehacientemente que ambos cuadros formaron parte de un gabinete de su casa, siendo su primer propietario conocido.

Se sabe que en el mencionado gabinete de la casa de Manuel Godoy, La maja vestida se hallaba colocada sobre La maja desnuda, y que este último cuadro sólo se podía ver mediante el accionamiento de un mecanismo.

La maja vestida de Francisco de Goya
(óleo sobre lienzo, 95 × 190 cm)

Otros hechos que parecen descartar que el retrato fuese de la duquesa de Alba, son las diferencias que se perciben en el rostro con respecto a otros retratos existentes de la misma, así como la circunstancia de que el aspecto de la maja es diferente, siendo ésta más baja y de formas más redondeadas que la duquesa.

En 1807, La maja desnuda pasó a manos de Fernando VII que se la requisó a Godoy, y en 1814, la Inquisición decidió depositarla en una sala reservada de la Real Academia de San Fernando, fuera de la vista del público, al clasificar la obra de obscena y atrevida. La Inquisición también inició un juicio contra Goya, del que éste logró salir absuelto gracias al apoyo del cardenal don Luis María de Borbón y Vallabriga.

Fue en 1910 cuando ambos óleos sobre lienzo se llevaron al Museo del Prado.

Curiosidades de Francisco de Goya y Lucientes

Goya, como buen artista, era un hombre apasionado y de carácter algo violento, de constitución fuerte, estatura media, facciones rudas, moreno, de grandes ojos negros y espesas cejas.

En su juventud contrajo una grave enfermedad del oído, lo que terminó derivando en una sordera total en los últimos años de su vida.

Tenía una gran personalidad que le llevó a forjar amistades en todos los ámbitos de la sociedad, desde modestos trabajadores hasta ilustres aristócratas.

Le gustaba tocar la guitarra y tenía buenas dotes para el baile.

Dominaba el arte de la esgrima, le gustaban los deportes y era muy aficionado a los toros y la tauromaquia.

Era un pintor muy rápido. Para realizar sus cuadros utilizaba pinceles, espátula, dedos, e incluso la parte posterior de una cuchara.

Dos de sus obras más conocidas las pintó en 1814, cuando ya tenía más de sesenta y ocho años de edad, estamos hablando de Los fusilamientos del tres de mayo (también conocido como El tres de mayo de 1808 en Madrid) y La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol (también conocido como El dos de mayo de 1808 en Madrid). De esta manera consiguió plasmar en el lienzo lo que el denominó en su día: “Las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa”.

La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol de Francisco de Goya
(óleo sobre lienzo, 266 × 345 cm)

El primer retrato infantil que realizó Goya fue El Retrato del Infante don Luis de Borbón y Villabriga, pintado en el verano de 1783. Este cuadro fue adquirido en 2006 por el Gobierno de Aragón por 10 millones de euros.

Goya, por encargo de Fernando VII, pintó un retrato al duque de Wellington, en aquel momento general que capitaneaba la ayuda inglesa a España en la Guerra de la Independencia. Se dice que cuando el duque lo vio acabado, le pidió a Goya que lo retocase, hecho que encolerizó al pintor hasta el puto de coger una espada e intentar atacarle, cosa que evitaron las personas presentes.

El duque de Wellington de Francisco de Goya
(óleo sobre lienzo, 60 × 51 cm)

Goya fue uno de los primeros accionistas del Banco Nacional de San Carlos (1782-1829), el primer precedente del actual Banco de España.

Nunca se ha podido demostrar que Goya tuviese un romance con la duquesa de Alba, pero lo que si se cree que es cierto es que estuvo enamorado de ella como parece demostrar su obra Duquesa de Alba vestida de negro, en la que la aristócrata aparece señalando a un lugar de suelo donde puede leerse ”Sólo Goya 1797”.

La duquesa de Alba vestida de negro de Francisco de Goya
(óleo sobre tela, 210 × 149 cm)

Dos pinturas atribuidas a Goya, La Sagrada Familia (óleo sobre lienzo, 63,5 x 51,5 cm) y Tobías y el Ángel, fueron halladas en 2003 en la casa de una familia madrileña donde colgaban en las paredes de la misma como cuadros aparentemente sin valor. Ambos lienzos fueron presumiblemente pintados hacia 1787 ó 1788 y son de temática religiosa. Los cuadros fueron adquiridos por el Estado y ahora pueden verse en el Museo del Prado.

Tobías y el Ángel de Francisco de Goya
(óleo sobre lienzo, 63,5 x 51,5 cm)

El 8 de noviembre de 2006, durante su traslado desde el Museo de Arte de Toledo (Ohio) al Guggenheim de Nueva York para una exposición de pintura española, fue robado el cuadro de Goya Niños del carretón. La pintura, asegurada en algo menos de un millón de euros pero de un valor real mucho mayor, fue recuperada al poco tiempo por el FBI.

Niños del carretón de Francisco de Goya
(óleo sobre lienzo, 145,4 × 94 cm)

El cuadro surrealista de Goya El toro mariposa, fue subastado en diciembre de 2006 por la casa Christie´s y comprado por el Ministerio de Cultura español por 1,9 millones de euros, alcanzando el galardón de ser el dibujo sobre papel más caro del artista.

El toro mariposa de Francisco de Goya
(dibujo sobre papel, 19 × 15 cm)

Y para terminar os dejo algunas frases famosas de Francisco de Goya y Lucientes:

Nunca se escapa lo que se quiere dejar coger.
La fantasía, aislada de la razón, sólo produce monstruos imposibles. Unida a ella, en cambio, es la madre del arte y fuente de sus deseos.
El sueño de la razón produce monstruos.
Todavía estoy aprendiendo (escrito en un dibujo que hizo a los ochenta años).
El tiempo también pinta.

¿Qué es un holograma? (el arte holográfico)

2012-03-02T23:52:00.000+01:00

Un holograma se trata de una imagen que produce una sensación tridimensional en el que la mira. La palabra holograma viene de los términos griegos "holo", que significa total o completo, y "grama", que significa escritura, pero que en castellano se asocia con la terminología de registro gráfico, por lo que un holograma se puede asimilar con un registro gráfico en el que se registra todo, hasta las tres dimensiones de los objetos.

Uno de los pioneros de la técnica holográfica fue Dennis Gabor, que en la década de los cincuenta la descubrió tratando de mejorar técnicas microscópicas, siendo el responsable haber inventado la holografía y de generar el primer holograma que se conoce.

En cuanto a lo que se refiere al arte holográfico, el escultor francés Maurice Dyens es uno de sus máximos exponentes, siendo el responsable de la elaboración en 2002 de la primera y única Enciclopedia Internacional de arte holográfico que está disponible en CD-ROM e incluye los trabajos holográficos de más de un centenar de artistas. Otros artistas que han destacado en este tipo de arte son Moysés Baumstein y los españoles José María Yturralde y Pepe Buitrago.

Mucha gente puede pensar que la holografía y la fotografía son tecnologías muy similares, y lo son si nos fijamos únicamente en el tratamiento de revelado (como medio de registro se utiliza una sustancia sensible a la luz muy parecida a las utilizadas en fotografía), sin embargo los procesos de grabación y reproducción son muy diferentes. Los polímeros son actualmente los materiales más utilizados para el registro holográfico.

La grabación de un holograma requiere la existencia de dos rayos de luz, que son identificados por los nombres de referencia y objeto. Con el rayo o haz de luz denominado objeto se ilumina aquello de lo que queremos sacar un holograma, haciendo que la luz reflejada se dirija después sobre la placa holográfica, mientras que el rayo o haz de referencia se dirige directamente a dicha placa. Para que el proceso funcione se necesita que entre los dos rayos de luz exista una cierta coherencia, para conseguirlo lo que se hace es generar ambos haces o rayos de luz utilizando un mismo haz y usando un espejo semitransparente, espejo que deja pasar una parte de luz reflejando el resto.

Por otro lado, la luz que se emplea al generar un holograma debe ser de un único color muy puro. Virtualmente, sólo utilizando un láser seremos capaces de generar este tipo de luz con la intensidad necesaria para generar un holograma.

Y en el registro holográfico es donde aparece la principal diferencia con la fotografía, ya que en la placa del holograma no se registra una imagen, sino un conjunto de líneas blancas y negras que son el resultado de la interferencia de los dos rayos o haces de luz antes mencionados. Posteriormente al registro y exposición de la placa, deberemos proceder al revelado, que ya sí que es parecido al fotográfico.

Finalmente para proceder a reconstruir la imagen en tres dimensiones es necesario iluminar de nuevo la placa con el mismo rayo o haz de referencia que se utilizó durante el proceso de grabación. Una vez hecho esto el observador visualiza el objeto como si fuera una figura fantasmagórica en la misma posición en la que estaba el objeto holografiado inicialmente. Pero si dicho observador se mueve, irá viendo diferentes perspectivas del objeto como si realmente se encontrase allí mismo.

Esto no es algo subjetivo, sino puramente objetivo ya que se pueden holografiar distintos ángulos del objeto en distintas posiciones. Lo que se consigue es que el observador tenga una sensación de estar mirando al objeto a través de una ventana (la placa), pudiendo ver todas las partes del objeto que son visibles a través de dicha ventana.

Existen otros hologramas en los que se logra que la figura aparezca por delante de la placa, consiguiendo una sensación de realidad todavía mayor. No obstante, con este tipo de hologramas no se elimina el efecto de viñeteado o recorte de la imagen cuando nos movemos, ya que sólo son visibles las zonas del objeto que se encuentran entre el ojo y la placa. Los hologramas que aparecen en las películas de ciencia ficción, que son visibles desde cualquier ángulo, todavía no han conseguido ser desarrollados y, de momento, no existe tecnología que los pueda generar. Lo más similar a un holograma tridimensional de este tipo consiste en construir una placa de forma cilíndrica y hacer que la imagen aparezca como flotando en el interior de dicho cilindro.

Otra curiosidad de los hologramas es que la información del objeto holografiado se encuentra en toda la placa y no sólo en una parte. Está claro que si tomamos una fotografía de una jirafa y recortamos la parte de inferior de la misma, habremos perdido toda la información correspondiente a las patas. En cambio, si lo que hacemos es tomar una holografía y recortamos la parte inferior del holograma de la jirafa, lo que habremos hecho es hacer más pequeña la zona de visión, pero si nos movemos y nos asomamos por la ventana holográfica, seremos capaces de ver de nuevo las patas. Este hecho hace que muchos investigadores estén estudiando los hologramas para conseguir fabricar memorias que sigan reteniendo los datos a pesar de "romperse" parcialmente.

Puesto que la tecnología no deja de avanzar, actualmente utilizando varios láseres es posible la generación de hologramas en color, e incluso, utilizando unos dispositivos denominados SLM, también es posible producir vídeos holográficos muy elementales.

Julian Beever, el arte urbano de los dibujos 3D con tiza

2012-02-24T06:30:00.000+01:00

Julian Beever es un artista británico que desde mediados de 1990 se dedica a crear dibujos urbanos en 3D utilizando como herramienta tizas de colores. Para sus dibujos utiliza como "lienzo" el pavimento de la calle, y la ilusión óptica de las tres dimensiones o el efecto 3D lo consigue utilizando el método conocido como anamorfosis (en arte se utiliza el anamorfismo para forzar al observador de una obra a que la tenga que visualizar desde un punto concreto y preestablecido, sólo desde ese punto concreto la obra muestra una forma proporcionada y notoria). Muchas de sus obras en tiza permiten que las personas interactúen con ellas situándose dentro de las mismas, llegando a formar parte de la composición 3D.

Algo que mucha gente desconoce es el hecho de que Julian Beever, este auténtico artista de las ilusiones 3D en 2D, estuvo en Madrid en julio de 2007, y que los madrileños pudimos disfrutar de su hacer con la tiza en la Plaza Manuel Gómez Moreno de la Zona de Azca.

Para conseguir el efecto 3D deseado, Beever primero elabora sus dibujos en papel. A continuación dispone la obra en papel sobre el pavimento y coloca sobre el punto de observación una cámara fotográfica visualizando la obra a través de la misma. La lente de dicha cámara se trata de una lente especial que distorsiona la imagen ayudando al artista a saber cómo tiene que ser la obra final para conseguir generar la ilusión óptica de las tres dimensiones.

Julian Beever trabaja como artista autónomo creando murales para empresas y compañías, habiendo trabajado en países como Alemania, Argentina, Australia, Bélgica, España, Estados Unidos, Francia, Holanda, México, Reino Unido y Uruguay. Aparte del arte urbano 3D en tiza, en su obra también encontramos óleos de creación propia (sobre lienzo y tabla) y algunos collages, siendo la música uno de sus temas favoritos. Asimismo, este artista también es conocido por pintar reproducciones de obras de grandes maestros del arte de la pintura.

La obra de Julian Beever empezó a ser conocida a nivel mundial cuando en 2004 empezó a circular una cadena de emails con algunas de sus obras, esta masiva difusión llevó a muchas personas a pensar que los efectos 3D se conseguían gracias a la manipulación fotográfica, nada más lejos de la realidad. Recientemente en 2010, Beever publicó su libro Pavement Chalk Artist, un libro que incluye fotografías de la mayoría de sus intrigantes obras anamórficas, así como una descripción del proceso y la técnica de creación de cada una de ellas.

En YouTube podéis encontrar muchos vídeos mostrando el arte de Beever, yo he seleccionado un par de ellos. En el primero se muestra el proceso de creación de una de sus obras, La fuente de la juventud, y en el otro podréis disfrutar de un compendio de sus obras y dibujos más conocidos.

Como podéis observar en los vídeos, los dibujos anamórficos sobre pavimento de Beever son pintados en perspectiva, de manera que vistos desde el cielo se muestran distorsionados, son dibujos que sólo pueden verse de una manera apropiada desde un único punto de vista concreto.

En nuestra opinión, Julian Beever es un auténtico profesional engañando al ojo humano, siendo una pena que realice sus obras en tiza y sobre pavimento, de manera que sean efímeras y terminen por desvanecerse bajo los pies de los viandantes o por efecto de la lluvia, menos mal que al menos nos quedan sus fotografías.

Veinte curiosidades sobre la vida de Pablo Ruiz Picasso

2012-02-20T19:16:00.000+01:00

El que más y el que menos, sea experto en arte o no, habrá oído hablar alguna vez en su vida sobre Pablo Ruiz Picasso, el famoso pintor y escultor español nacido en Málaga el 25 de octubre de 1881 y fallecido en Mougins, Francia, el 8 de abril de 1973 a la longeva edad de 91 años. Sin duda, Pablo Picasso, creador junto con Georges Braque y Juan Gris del movimiento pictórico cubista, es uno de los grandes maestros de la pintura del siglo XX.

En este artículo no pretendemos hacer una exposición exhaustiva sobre la vida y obras de Pablo Picasso, sino escribir unas notas sobre determinados hechos curiosos que acontecieron a lo largo de la vida del pintor malagueño.

Muchos de los hechos que a continuación leeréis son muy conocidos y seguro que os suenan, pero otros no lo son tanto y son realmente curiosos. La vida de Pablo Picasso fue muy llamativa, extraordinaria, singular e interesante:

1. El nombre completo del famoso pintor, según figura en el registro civil, está formado por nada más y nada menos que veintitrés denominaciones: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Clito Ruiz y Picasso.

2. El nombre de su padre era José Ruiz Blasco, el de su madre María Picasso y López.

3. El nacimiento de Picasso fue complicado, tanto que la comadrona lo dio por muerto, abandonándolo sobre una mesa para poder atender a la madre. Su tío Salvador, que era médico, fue el responsable de que hoy podamos disfrutar de la magnífica obra de Pablo Picasso, ya que al verlo sobre la mesa le lanzó una bocanada de humo de cigarro, lo que hizo que el niño empezase a llorar.

4. El padre de Picasso era artista y profesor en la Escuela de Bellas Artes de Málaga. Este hecho, sin duda, ayudó a fomentar la vocación artística del pintor, ya que su padre empezó a educarle en esta disciplina desde los siete años.

5. Se dice que la primera palabra que pronunció cuando niño fue "piz", para hacer referencia a la que fue una de sus herramientas favoritas, el lápiz.

6. La primera pintura de la que fue autor la creó en 1890 a la temprana edad de nueve años, Le picador (ver foto).

7. A los 13 años el hijo ya aventajaba de forma notable con el pincel a su padre, hecho que llevó a este último a abandonar la pintura.

8. Picasso nunca mostró un especial interés por lo religioso, pero a los catorce años pintó una serie de pequeñas pinturas religiosas que nunca fueron vendidas.

9. Picasso fue un brillante artista pero un muy mal estudiante, frecuentemente castigado por sus profesores por sus malas notas.

10. Su primera gran obra de arte fue el cuadro la Primera Comunión (1895), un retrato que se conserva en el Museo Picasso de Barcelona, y en el que aparecen su padre, su madre y su hermana Lola de rodillas ante un altar (ver foto).

11. Un comerciante de arte residente en París, Pere Menach, fue el responsable de contratar por primera vez al pintor malagueño al que pagaba 150 francos mensuales.

12. La pintura de Pablo Picasso pasó por tres periodos principales: el Azul (1900-1904), donde expresó de forma soberbia la miseria humana, el Rosa (1904-1905), de temática inspirada principalmente en el circo y la ciudad de París y el Cubista (1908-1920).

13. Co-fundador de movimiento del cubismo junto con Georges Braque y Juan Gris. Como nota curiosa señalar que el movimiento pictórico recibió el nombre del crítico de arte francés Louis Vauxcelles, el cual indicó que las obras de Picasso, Braque y Gris eran pinturas llenas de pequeños cubos.

14. Picasso, junto con su amigo el poeta Guillaume Apollinaire, fueron los principales sospechosos del robo en 1911 y en el Museo del Louvre del famoso cuadro de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa.

15. Algunos libros escritos por algunas mujeres que convivieron con Picasso, como Fernande Olivier o Francoise Gilot, le señalan como una persona infiel. Lo cierto es que Picasso tuvo una vida amorosa muy ajetreada:

Su primera mujer fue Fernande Olivier, fue su modelo y compañera durante los años más difíciles de su vida.
Después de siete años de convivencia conoció a Eva Gouel, a la que llamaba cariñosamente Ma Jolie y cuyo verdadero nombre era Marcelle Humbert. Terminó fugándose con ella sin haber roto definitivamente con Fernande.
A los 34 años mantuvo relaciones con Gaby Lespinasse.
En 1917 conoció a Olga Koklova, una bailarina del ballet ruso, con la que terminó casándose (su primera mujer oficial). Con ella tuvo su primer hijo al que llamó Paul.
En 1923, con cuarenta y dos años, se enamoró de la joven de diecisiete años Marie-Thérése Walter, con ella mantuvo relaciones clandestinas de las que nació su hija Maya (María Concepción). Este amorío acabó con su matrimonio con Olga de la que se divorció.
En 1936 conoció a la fotógrafa yugoslava Dora Maar de veintinueve años con la que también mantuvo una intensa relación amorosa.
Otro de sus amores fue Francoise Gilot, a la que conoció en 1943 cuando ella contaba con sólo veintiún años y con la que tuvo dos hijos, Claude y Paloma.
Uno de sus últimas amantes fue Geneviève Laporte, cuando Picasso ya contaba con más de setenta años.
Su última mujer y segunda esposa fue Jacqueline Roque, con la que se casó a la edad de setenta y nueve años cuando ella contaba con sólo veintisiete. Con ella convivió hasta su fallecimiento.

16. En 1932 Pablo Picasso pintaba el cuadro titulado Le Rêve (El sueño), un oleo sobre lienzo de estilo cubista en el que aparece como modelo Marie-Thérése Walter. El anécdota de este cuadro es que el magnate de los casinos Steve Wynn lo quiso vender en 2006 por 139 millones de dólares, pero de forma accidental atravesó el lienzo de un codazo por lo que tuvo que cancelar la venta. Una vez reparado, el cuadro se devaluó hasta los 85 millones de dólares.

17. Fue en 1947 cuando, indignado con los desmanes del fascismo durante la Segunda Guerra Mundial, decidió afiliarse al Partido Comunista Francés, partido del que fue miembro hasta su muerte.

18. Picasso se opuso de forma contundente al gobierno de Franco, instando al Museo de Arte Moderno de Nueva York a que no devolviese a España, hasta que Franco no gobernase, una de sus más grandes obras, El Guernica. El museo cumplió con su palabra y la obra fue devuelta a nuestro país en 1981.

19. Se calcula que Picasso fue autor y creador de unas 13.500 pinturas y diseños, 100.000 impresiones o grabados, 34.000 ilustraciones para libros y 300 esculturas o cerámicas, siendo el pintor que puede presumir de tener el mayor número de museos ("Museos Picasso") abiertos en su honor.

20. Para terminar os dejo algunas frases famosas de Pablo Picasso:

Yo hago lo imposible, porque lo posible lo hace cualquiera.
El arte es la mentira que nos permite comprender la verdad.
A los doce años sabía dibujar como Rafael, pero necesité toda una vida para aprender a pintar como un niño.
Los buenos artistas copian, los grandes roban.
El principal enemigo de la creatividad es el buen gusto.
La calidad de un pintor depende de la cantidad de pasado que lleve consigo.
Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta.
La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando.
Yo no busco, encuentro.
Yo no digo todo, mas pinto todo.
El camino de la juventud lleva toda una vida.
Lleva tiempo llegar a ser joven.
El que se guarda un elogio, se queda con algo ajeno.
Aunque sólo existiera una verdad única, no se podrían pintar cien cuadros sobre el mismo tema.
La fotografía vino a tiempo para liberar la pintura de toda literatura, de la anécdota, e incluso del tema.
La pintura es más fuerte que yo, siempre consigue que haga lo que ella quiere.
Cuando me dicen que soy demasiado viejo para hacer una cosa, procuro hacerla enseguida.

Artículos relacionados: Cuatrocientas obras de Picasso en el Museo Reina Sofía.

IX Circuito Jóvenes Artistas 2012 (zona noroeste de Madrid)

2012-01-11T23:00:00.000+01:00

Ya es posible inscribirse en el IX Circuito Jóvenes Artistas 2012 de la zona noroeste de Madrid, un concurso de arte en el que pueden participar los jóvenes de entre 16 y 35 años residentes en Villanueva del Pardillo, Las Rozas, Galapagar, Colmenarejo, Boadilla del Monte y Torrelodones. La inscripción puede hacerse de forma individual o colectiva en el municipio donde se encuentren empadronados.

Los trabajos pueden ser de pintura, dibujo, estampación, escultura o fotografía. Las dimensiones de las obras y lienzos no pueden superar por el lado más largo la longitud de un metro, ni superar el peso de veinte kilos (incluyendo marco, peana o soporte), siendo posible presentar hasta un máximo de tres obras por participante.

Las obras de arte y la inscripción se deben presentar en la Concejalía de Juventud los respectivos municipios antes del 29 de febrero de 2012. Posteriormente los ayuntamientos podrán organizar una exposición preliminar con las obras presentadas al concurso en dicho municipio.

El jurado de cada municipio seleccionará un máximo de tres obras, que podrán ser del mismo o de diferentes autores, haciéndose público su fallo en la Concejalía de Juventud de cada Ayuntamiento el día 9 de marzo.

Las obras seleccionadas del Circuito de Jóvenes Artistas 2012 entrarán a formar parte de una muestra colectiva que durante 2012 irá recorriendo las diferentes salas de exposición de los ayuntamientos organizadores. Al inicio del circuito, un jurado formado por distintos representantes de todos los municipios elegirá una única obra de arte como ganadora del concurso, siendo otorgado un premio de 300 euros al vencedor.

Algunos Ayuntamientos como el de Torrelodones tienen también pensado otorgar diferentes premios, como el premio especial para jóvenes afectados por discapacidad, y diferentes premios en especie para los tres artistas que sean seleccionados en dicho municipio.

El nombre del ganador del IX Circuito Jóvenes Artistas se dará a conocer el 15 de marzo de 2012 en la inauguración de la primera exposición prevista del circuito que tendrá lugar en la Casa de la Juventud de Las Rozas a las seis de la tarde (Avenida Doctor Toledo, 44).

En cuadros y lienzos opinamos que, este tipo de iniciativas que fomentan la faceta artística entre nuestros jóvenes, deberían tener una repercusión y un ámbito más amplio. Nos congratula que los diferentes municipios de la zona noroeste de Madrid hayan sabido y querido mantener durante ya nueve ediciones este interesante concurso, y desde aquí les animamos a continuar con esta importante labor de difusión y promoción del arte.

La pintura "La última cena" de Leonardo da Vinci en alta definición

2011-12-08T18:09:00.000+01:00

Mucha gente desconoce que es posible disfrutar de una fotografía en alta definición del fresco La última cena de Leonardo da Vinci. Esta obra de arte del famoso pintor renacentista italiano volvió a ser expuesta en 1999 después de veintiun años de restauración, sin embargo, son poquísimos los que han podido contemplar el fresco, que se pintó en la pared del refectorio de la Iglesia de Santa María de las Gracias en Milán.

No obstante, La última cena de Leonardo da Vinci no puede ser considerada un fresco. El pintor italiano nunca dominó esta técnica del pincel, por lo cual empleó una base de arcilla y un aglutinante, elaborado con óleo y barniz, que le permitió corregir la pintura y lograr una riqueza de color y una precisión en el detalle similar a la de un cuadro al óleo. Por este hecho, el desgaste de la pintura es bastante mayor que en el caso de un fresco. En La última cena, el deterioro comenzó a los pocos meses de terminada la obra, ya que por debajo de aquella iglesía pasaba un río que humedeció la pared sobre la que la había pintado, lo que provocó una rápida pérdida de color y la presencia de pequeñas grietas. Todo esto ha dificultado sobremanera la restauración del fresco en seco, que ha sido restaurado siete veces usando diferentes técnicas y siempre tratando de fijar el color. El resultado ha sido una pintura con un color muy obscurecido.

La razón de que la obra no haya podido ser ampliamente visitada, es el hecho de que la sala donde se encuentra la pintura es muy angosta y no permite que entren más de 20 personas a la vez, por los que hay que reservar con meses de antelación para poder ver la pintura y sólo pueden disfrutar de La última cena unas 300.000 personas al año. Además, los visitantes no pueden acercarse a menos de dos metros de la famosa pintura. Este hecho llevó a la casa editorial De Agostini y a la sociedad Hal9000, contando con el patrocinio del Ministerio de Bienes Culturales de Italia, a colgar la obra en Internet.

La calidad de la fotografía del Cenáculo es de 16.000 millones de pixels, lo que permite a los internautas gozar de hasta el más mínimo detalle de la pintura. Así, la posibilidad de estar tan cerca de la imagen permite apreciar detalles como un pequeño campanario, de menos de dos centímetros, que se ve desde la ventana detrás de la figura de Jesús. Si se presta un poco de atención se pueden observar los detalles del manto de Judas, el único en el que Leonardo da Vinci dibujó pequeños bordados dorados. La calidad de la fotografía también permite ver claramente los objetos presentes en la mesa, desde los vasos con el vino a algunos gajos de naranja en un plato frente a San Mateo.

Las dimensiones de la obra real son de una longitud de 460 centímetros y un ancho de 880 y fue pintada por Leonardo da Vinci entre los años 1494 y 1497 por encargo del duque milanes Ludovico Sforza. Como he dicho, no es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso.

La Casa de los Cuadros, cuadros modernos y de diseño

2011-11-27T11:43:00.000+01:00

En Internet encontraréis bastantes sitios donde comprar cuadros online, pero no son muchos los que disponen de una página web de fácil uso y navegación, que estén avalados por un gran número de artistas, arquitectos y decoradores de interiores, y donde sea posible encontrar cuadros de calidad, originales y enmarcados siguiendo las técnicas, las tendencias y los estilos más modernos y actuales. Este es el caso de La Casa de los Cuadros, una empresa que cuenta con un gran equipo de trabajadores especialistas en decoración, todos ellos dispuestos a que cualquier encargo cumpla con las exigencias de cada uno de sus clientes.

La Casa de los Cuadros se trata de una tienda online donde encontraréis una magnífica oferta y un amplio catálogo para comprar cuadros modernos, cuadros de diseño, abstractos, combinados, especiales, fotografías enmarcadas y todo tipo de espejos; sus más de cincuenta años de experiencia les han convertido en unos auténticos expertos de la enmarcación, ofreciendo siempre productos de primera tecnología tanto en cuestión de materiales como de procesos de fabricación.

Por otro lado, no queremos dejar de mencionar dos ofertas fundamentales de esta tienda de cuadros online:

Envío gratuito para todos aquellos que se realicen dentro de Europa, con un periodo de entrega que oscila entre 3 y 5 días.
Garantía de satisfacción, de manera que si al recibir el cuadro no nos convence, podremos devolverlo en el plazo de 7 días sin ningún tipo de compromiso.

Por último queremos terminar señalando, que en La Casa de los Cuadros muestran una continua preocupación por el respeto del medio ambiente y la naturaleza, por ello en todos sus procesos de fabricación y enmarcación utilizan materiales sostenibles, reciclables y reciclados, eliminando el uso de bolsas de plástico, y disminuyendo hasta un 95% la utilización de disolventes y productos químicos.

En conclusión, desde cuadros y lienzos os aconsejamos que si estáis pensando en decorar vuestra casa de una manera elegante, echéis un vistazo a la web www.lacasadeloscuadros.com.

Miniaturas en el Museo del Prado (pintura miniaturista)

2011-10-24T23:30:00.000+02:00

En cuadros y lienzos estamos seguros de que muchos de vosotros desconocéis que el Museo del Prado dispone de una interesante colección de miniaturas (obras de arte pictórico de pequeño formato). El caso es que hasta el 26 de febrero de 2012 es posible disfrutar de una parte representativa de la mencionada colección, la exposición abierta al público incluye tres pequeños retratos y treinta y seis miniaturas (no obstante conviene mencionar, que la colección completa está formada por dieciséis pequeños retratos y ciento sesenta y cuatro miniaturas).

Las miniaturas que se pueden ver en el Museo del Prado están pintadas al gouache o temple sobre tablillas de marfil, vitela, óleo sobre cobre, porcelana o papel. Los joyeles con miniaturas pintadas eran utilizados antiguamente por los monarcas como regalo para emisarios extranjeros y embajadores con motivo de su proclamación como rey, su matrimonio o por la firma de acuerdos, tratados y convenios diversos. Las miniaturas también se utilizaban para reconocer el cumplimiento de misiones y las buenas acciones de guerra. No obstante, la mayoría de las miniaturas se encargaban en el ámbito privado y representaban retratos y pinturas de la vida familiar.

En España, el desarrollo verdadero de la pintura miniaturista no empezó hasta el siglo XVIII. Hasta ese momento la función que tenían las miniaturas en otras cortes europeas, en España era desempeñada por los retratos de pequeño formato (conocidos en aquella época como retratos de faltriquera o retraticos), de estos retraticos se pueden ver tres en la exposición objeto de este artículo.

Técnicas pictóricas miniaturistas

La colección de miniaturas del Museo del Prado ofrece una gran variedad de técnicas pictóricas, y, aunque la mayor parte de las miniaturas están realizadas sobre tablillas de marfil, también se conservan algunas realizadas sobre vitela, óleo sobre cobre, esmalte sobre cobre, papel o porcelana. Además, también existen algunas miniaturas en las que se han utilizado emulsiones fotográficas y soportes plásticos para abaratar su coste y facilitar su realización.

La miniatura sobre marfil empezó a ver la luz en el siglo XVIII, una técnica que, aunque dependiendo de la época y la nacionalidad del artista ofrece estilismos, es esencialmente la misma. Los tratados antiguos la describen como pintura al guache, término que engloba las policromías de base acuosa sobre láminas de marfil. Estas tablillas de marfil se fabrican cortando el colmillo longitudinalmente, por lo que el ancho máximo lo determinaba el diámetro de dicho colmillo.

La técnica pictórica de las miniaturas sobre marfil empieza con la realización de un dibujo preparatorio. Durante las labores de restauración se han encontrado algunos hechos a lápiz y otros con pincel, siendo estos últimos muy difíciles de detectar al quedar mimetizados con la pintura final.

Todas las miniaturas de la colección del Museo del Prado están enmarcadas, aunque muchos de los marcos no son originales. Estos marcos son imprescindibles para garantizar una buena conservación de las miniaturas.

Miniaturas incluidas en la exposición

En nuestra opinión, la calidad de algunas de las miniaturas de la exposición es excepcional. Como botón de muestra os dejamos las fotografías de tres de ellas y el listado completo de miniaturas de la exposición, una exposición que no debéis dejar de visitar si os pasáis por el Museo del Prado antes del 26 de febrero.

Grupo de los pequeños retratos o retraticos

Carlos V, emperador.
Escuela española, 1540.
Óleo sobre tabla, 6,87 cm de diámetro.

Mariana de Austria, reina de España.
Escuela española, 1655.
Óleo sobre cobre, 220 x 150 mm.

Juana Galarza de Goicoechea.
Francisco de Goya y Lucientes, 1805.
Óleo sobre cobre, 81 mm de diámetro.

Grupo de miniaturas del siglo XVIII y comienzos del XIX

Retrato de mujer.
Genaro Boltri, 1780.
Gouache sobre marfil, 39,7 x 32 mm.

Mariano Luis de Urquijo.
Guillermo Ducker, 1799-1800.
Gouache sobre marfil, 6 cm de diámetro.

Retrato de mujer.
Guillermo Ducker, 1804.
Gouache sobre marfil, 70 mm de diámetro.

Pedro de Alcántara Téllez-Girón y Pacheco, IX duque de Osuna.
Guillermo Ducker, 1805.
Gouache sobre marfil, 78,6 x 56,4 mm,

Retrato de hombre.
Guillermo Ducker, 1810.
Gouache sobre marfil, 7,6 x 54,8 mm.

María Tomasa de Palafox y Portocarrero, marquesa de Villafranca y duquesa de Medina Sidonia.
José Alonso del Rivero, 1805.
Gouache sobre marfil, 77 x 57 mm.

María Gabriela de Palafox y Portocarrero, marquesa de Lazán (ver primera foto).
José Alonso del Rivero, 1805.
Gouache sobre marfil, 73,5 x 58 mm

Luis Rebolledo Palafox y Melzi, marqués de Lazán.
José Alonso del Rivero, 1805.
Gouache sobre marfil, 148 x 118 mm.

Retrato de hombre.
José Alonso del Rivero, 1810.
Gouache sobre marfil, 69,1 x 52 mm.

Abanico de boda.
Luis Eusebi, 1790.
País pintado a la gouache sobre piel de cisne; varillaje de marfil con aplicaciones de madreperla, 24 x 44,5 cm.

Retrato de hombre.
Cástor González Velázquez, 1820.
Gouache sobre marfil, 68 x 47 mm

María Tomasa de Silva y Palafox, marquesa de Ariza.
José de Roxas y Pérez de Sarrio, 1815.
Gouache sobre marfil, 98,9 x 84,4 mm.

María Isabel de Borbón y Borbón-Parma, infanta de España y reina de las Dos Sicilias.
Jean- Jacques Guillaume Bauzil, 1806.
Gouache sobre marfil, 58,1 x 13,2 mm.

Retrato de hombre.
Manuel Antonio Caro, 1815.
Gouache sobre marfil, 56,5 x 43 mm

Luisa Carlota de Borbón-Dos Sicilias y Borbón, infanta de España.
Luis de la Cruz y Ríos, 1830.
Gouache sobre marfil, 244 x 204 mm (se trata de la pieza de marfil más grande de la colección de miniaturas del Prado).

Retrato de mujer.
Florentino Decraene, 1835.
Gouache sobre marfil, 45,7 x 36,5 mm.

Retrato de mujer.
Florentino Decraene, 1840.
Gouache sobre marfil, 87,7 x 59 mm.

Retrato de hombre.
Florentino Decraene, 1840.
Gouache sobre marfil, 46,2 x 37 mm.

Ramón de Navarrete y Fernández Landa.
Cecilio Corro, 1844.
Gouache sobre marfil, 35 x 30 mm.

Retrato de hombre.
Cecilio Corro, 1845.
Gouache sobre marfil, 53 x 45 mm.

Retrato de hombre.
Antonio Tomasich y Haro, 1845.
Gouache sobre marfil, 68 x 56 mm.

Magdalena Haro.
Antonio Tomasich y Haro, 1871.
Gouache sobre marfil, 46,7 x 36,6 mm.

Isabel II, reina de España (ver segunda foto).
Juan Pérez de Villamayor, 1863.
Gouache sobre marfil, 48,1 x 34,9 mm.

San Miguel derribando al demonio.
Manuel Arbós y Ayerbe, 1865.
Gouache sobre cartulina, 514 x 319 mm.

Retrato de hombre.
Anónimo inglés, 1800.
Gouache sobre marfil, 77,1 x 61,6 mm.

William Greville, VII barón de Brooke.
Christian Friedrich Zincke, 1725.
Pintura sobre esmalte, 55,3 x 41,5 mm.

Retrato de hombre.
Jean Daniel Welper, 1760.
Temple sobre vitela, 36,4 x 31,6 mm.

Retrato de mujer.
André Claude Martin Lefévre d`Orgeval, 1771.
Temple sobre vitela, 53 x 55,8 mm.

Hans Axel von Fersen.
Niclas Lafrensen, 1784.
Gouache sobre marfil, 56 x 46 mm.

Pareja de retratos de mujeres.
Charles Guillaume Alexandre Bourgeois, 1800.
Gouache sobre marfil, 55 mm de diámetro.

Retrato de una niña.
Charles Joseph de la Celle, Chevalier de Chateaubourg, 1807.
Gouache sobre marfil, 66,6 mm de diámetro.

Retrato de mujer.
André Léon Larue, llamado Mansion, 1815.
Gouache sobre marfil, 115 x 93,2 mm.

Francisco I, emperador de Austria (ver tercera foto).
Heinrich Friedrich Füger, 1790.
Gouache sobre marfil, 40,9 x 28,5 mm.

Retrato de hombre.
Círculo de Heinrich Friedrich Füger, 1795.
Gouache sobre marfil, 93 x 74,8 mm.

Francisco José I, emperador de Austria.
Moritz Michael Daffinger, 1840.
Gouache sobre marfil, 142,2 x 114 mm.

Retrato de mujer.
José Joaquim Rodrigues Primavera, 1828.
Gouache sobre marfil, 84 x 71,8 mm.

María Carolina de Borbón-Dos Sicilias, condesa de Montemolín.
Floriano Pietrocola Anelli, 1850.
Gouache sobre marfil, 101 x 122 mm.

Proceso de restauración de las miniaturas

Cuando desde el Museo del Prado se decidió abordar la restauración de la colección de miniaturas, el objetivo era garantizar su correcta conservación, por lo que no se realizaron reintegraciones ni cromáticas ni de material. La intervención se dirigió a estabilizar las obras a través de la supresión de productos y materiales que estaban afectando a su conservación, es decir, a la eliminación de adhesivos, cartones o marcos que producían tensiones o degradaciones.

La restauración de la colección de miniaturas ha permitido garantizar la conservación de estas obras de arte mientras se mantengan en ambientes estables y certificar dicha estabilidad. Conviene mencionar que actualmente se considera inapropiado realizar tratamientos antiguos como blanqueamientos del marfil, reintegraciones cromáticas o lijados para eliminar manchas, ya que este tipo de actuaciones ocultan la obra impidiendo en muchos casos recuperar la pintura original.

Mariano Fortuny en el Museo del Prado (el arte de la acuarela en el siglo XIX)

2011-08-29T06:57:00.000+02:00

Llegó el día en el que desde cuadros y lienzos os hablemos de la exposición temporal que, hasta el 4 de septiembre de 2011, se presenta en el Museo del Prado con el título Fortuny y el esplendor de la acuarela española. La sala 60 del Museo del Prado (sala de presentación de colecciones) es testigo de una magnífica selección de cinco acuarelas del gran maestro y artista catalán Mariano Fortuny, así como otras nueve acuarelas de sus discípulos y seguidores más destacados. Aunque la muestra se hace un tanto escasa, las catorce obras que han pasado por esta sala (actualmente sólo hay expuestas doce pinturas), son, en nuestra opinión, algunas de las mejores acuarelas de los artistas del siglo XIX que alcanzaron gran fama y renombre en la ejecución de esta técnica pictórica.

Por las especiales características materiales de las pinturas a acuarela y, al requerir especiales cuidados por su delicadeza, las obras a acuarela no pueden mostrarse de forma habitual, por lo que esta exposición supone una oportunidad única de contemplar estas obras maestras del siglo XIX (ya quedan muy poquitos días, así que debéis daros prisa si queréis disfrutar de ellas; además, al tratarse de fondos de las colecciones del Museo del Prado no es necesario comprar la entrada correspondiente a exposiciones temporales).

Las obras de la exposición Fortuny y el esplendor de la acuarela española

En la exposición se puede disfruta de las siguientes obras de Mariano Fortuny y Marsal (1838-1874):

Menipo, copia de Velázquez (ver primera pintura), 1866, acuarela sobre papel, 620 x 470 mm, legado de Ramón de Errazu (1904).
Idilio, 1868, acuarela sobre papel, 315 x 230 mm, legado de Ramón de Errazu (1904).
Un marroquí, 1869, acuarela sobre papel, 320 x 200 mm, legado de Ramón de Errazu (1904).
Paisaje de Portici, 1874, acuarela sobre papel, 465 x 320 mm, legado de Ramón de Errazu (1904).
Mar, al fondo el Vesubio (ver tercera pintura), 1874, acuarela sobre papel, 350 x 253 mm, donación de Henriette Nigrin (1950).

Obras de José Tapiró y Baró (1836-1913):

Parache, el bailador, 1880, acuarela sobre papel, 680 x 470 mm, adquirido por el Museo del Prado en 1908.
Santón Darkawía, 1880, acuarela sobre papel, 680 x 460 mm, adquirido por el Museo del Prado en 1908.

Obras de José Villegas Cordero (1844-1921):

La vuelta del rebaño, 1877, acuarela sobre papel, 945 x 640 mm, adquirido por el Museo del Prado en 1882.
Campesina, o el Otoño, 1877, acuarela sobre papel, 1020 x 690 mm, adquirido por el Museo del Prado en 1882.

Obras de José Jiménez Aranda (1837-1903):

El tronco viejo, 1886, acuarela sobre papel, 480 x 320 mm, adquirido por el Museo del Prado en 1903.
Playa de Chipiona, 1899, acuarela sobre papel, 340 x 520 mm, donación de Pedro Ruiz Prieto (1908).

Obras de Francisco Pradilla y Ortiz (1848-1921):

Marino Faliero, dux LV, 1883, acuarela sobre papel, 725 x 515 mm, adquirido por el Museo del Prado en 2001.

Obras de Martín Rico y Ortega (1833-1908):

A orillas del Guadaira, 1871, acuarela sobre papel, 300 x 460 mm, legado de Ramón de Errazu (1904).

Obras de Antonio Fabrés y Costa (1854-1936):

Un ladrón, 1887, acuarela sobre papel, 1380 x 730 mm, adquirido por el Museo del Prado en 1887.

Un poco sobre Mariano Fortuny

En cuadros y lienzos no podemos terminar este artículo sin mencionar algo sobre Mariano Fortuny y Marsal, pintor español nacido el 11 de junio de 1838 en Reus y fallecido prematuramente el 21 de noviembre de 1874 en Roma, situado dentro del estilo pictórico del eclecticismo español y considerado como uno de los artistas más importantes de la pintura española del siglo XIX después de Francisco de Goya.

Siendo la acuarela uno de los vehículos más característicos de la manifestación artística del siglo XIX, su mayor brillo llegó a España de la mano de Fortuny. Este magnífico pintor español tuvo un papel de primera fila en el mundillo de la cultura artística internacional del siglo XIX, estimulando en gran número de artistas españoles un auténtico afán de imitación de todos aquellos aspectos que iban aumentando la fama del artista catalán y, en especial, de las nuevas técnicas pictóricas que de su mano surgieron. Si bien sus obras más famosas fueron creadas sobre lienzo, coleccionistas y marchantes otorgan un gran valor a sus acuarelas, ya que el preciosismo pictórico que plasmaba en todos sus lienzos, supo también llevarlo a la acuarela.

Las principales características de la obra de Fortuny se pueden resumir en preciosismo, minuciosidad, amplitud espacial, cuidado dibujo, delicadeza, gran sentido del color, increíble estudio de la luz, credibilidad en los detalles, perfecta captación de los distintos tipos de vestimentas y telas, e interés por captar la expresividad de sus personajes.

En la exposición motivo de este artículo se echa un poco de menos que el Museo del Prado no haya decidido exponer y traer algunos de los óleos más representativas de Fortuny, que aún saliéndose de la temática de la acuarela, no habrían hecho ningún daño a la exposición, oleos como por ejemplo:

La vicaría, 1870, óleo sobre tabla, 600 x 935 mm, del Museu Nacional d'Arte de Catalunya.
Elección de la modelo, 1874, óleo sobre tabla, 500 x 800 mm, del The Corcoran Gallery of Art (Washington).
Desnudo en la playa de Portici, 1874, óleo sobre tabla, 140 x 200 mm, del propio Museo del Prado. Esta obra Fortuny enlaza con el impresionismo, siendo uno de los primeros manifiestos del mediterraneismo en el que destacarán años más tarde pintores como Joaquín Sorolla.

Restauración de los óleos sobre tabla "Adán y Eva" de Alberto Durero

2011-06-06T06:57:00.005+02:00

Después de dos años de intenso trabajo de restauración, tanto sobre las superficies pictóricas como los soportes de ambos cuadros, el Museo del Prado presentó el 23 de noviembre de 2010 en la sala 49 las magníficas obras Adán y Eva de Alberto Durero (1471-1528). Ambas tablas fueron restauradas por un equipo de expertos internacionales que estuvieron coordinados por el Prado y la Getty Foundation de Los Ángeles, siendo esta última la institución que financió la restauración de los delicados soportes de ambas pinturas, en uno de los cuáles fue necesario utilizar una inteligente solución técnica para conseguir estabilizar el cuadro.

El hecho que nos ha creado la necesidad de escribir en cuadros y lienzos este artículo, es que estos dos óleos sobre tabla están actualmente expuestos en una sala que no es la habitual, pudiéndose contemplar la evolución del trabajo de restauración realizado sobre ambas pinturas a través de un excepcional montaje expositivo. La cuestión es que el próximo 19 de junio de 2011, ambas obras volverán a su ubicación original y el público ya no podrá conocer de primera mano todo el proceso de restauración seguido.

Las dos tablas de Durero se exhiben en las sala 49 del Museo del Prado de tal manera que también se pueden contemplar sus reversos; a su vez, en la sala 55 B, dedicada a la pintura alemana, se ha montado una pequeña muestra en la que se incluyen radiografías y fotos de infrarrojos de las dos tablas, constatando el proceso de ejecución de ambas pinturas y certificando su estado de conservación actual, así como un video con imágenes del proceso de restauración (que también podéis ver a continuación en este artículo).

Los cuadros Adán (oleo sobre tabla de 209x81 cm) y Eva (oleo sobre tabla de 209x80 cm) fueron pintados por Alberto Durero en 1507, tras su segundo viaje a Venecia, en ellos el pintor de Nuremberg (Alemania) representa a las dos figuras bíblicas a escala natural, con un trazado de contornos fluido y sustituyendo el canon vitrubiano (de ocho cabezas), por uno más estilizado de nueve cabezas. Un incipiente Manierismo, estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento (1530) hasta el comienzo del Barroco y uno de cuyos máximos exponentes fue El Greco, se hace patente en la postura inestable de las figuras, los rostros absortos, los gestos afligidos y la sensación de movimiento rítmico, sin embargo este estilo fue abandonado muy pronto por Durero.

Desde su creación, las tablas pasaron por múltiples manos: el Ayuntamiento de Nuremberg, el emperador Rodolfo II que las ubicó en el castillo de Praga, Cristina de Suecia que las capturó durante el saqueo de Praga en 1648, y que posteriormente se las regaló al rey español Felipe IV, gran amante de la pintura y el arte.

Tras su llegada a Madrid en 1655, ambas obras pasaron por las "Bóvedas de Tiziano" en el Alcázar madrileño (incendiado en 1734), por el Buen Retiro, por la Academia de San Fernando bajo el reinado de Carlos III (que las incluyó en una lista de cuadros indecentes y sólo se salvaron de su destrucción gracias a la intervención del entonces pintor del rey, Antonio Rafael Mengs), y la Sala de Juntas bajo el reinado de José Bonaparte. No fue hasta 1827 cuando finalmente ingresaron en el Museo del Prado y se colocaron en una sala cerrada y reservada a las pinturas de desnudos, siendo 1838 el año en que se integraron en la exposición abierta del museo.

Por otro lado, las dos tablas no pueden considerarse como un mero enardecimiento de la carnalidad, ya que tras las dos pintura subyace una clara reflexión moral, reflejada en la circunstancia de que en la cartela que cuelga de la rama del árbol de la tabla de Eva (ver imagen más abajo), se hace alusión al "parto de la Virgen" (post Virginis partum), la mujer sin mancha elegida por Dios para salvar a los hombres del pecado original que Adán y Eva se disponían a cometer en ese momento.

A continuación también os dejo algunas imágenes con el antes, el durante y el después de la restauración de ambas obras de arte:

Detalle del cabello y la rama del árbol de Eva (en la imagen de antes se hace patente los huecos dejados por los tornillos utilizados para sujetar la tabla y el basto repinte al óleo que se hizo en una anterior restauración, en el durante se aprecia la eliminación de dicho repinte apareciendo las calidades del cabello y las erosiones de la pintura original, y en el después se puede ver como se arreglaron los huecos dejados por los tornillos con el estucado y se repintó correctamente el cabello de Eva).

Un mechón del cabello de Eva (tras la eliminación del barniz se pueden ver zonas con el craquelado desprendido, incluso formando ampollas, problemas que tras la restauración han desaparecido, evitándose el posible desprendimiento del color).

La hoja central que tapa en el cuerpo de Eva (de nuevo aparecen claramente visibles los huecos de los tornillos procedentes del soporte antiguo que rompieron la película pictórica y que fueron restaurados con el estucado de los huecos).

La cabeza y rostro de Adán (este conjunto de imágenes muestra cómo, después de retirar la suciedad y los barnices de una anterior restauración, aparece un tono más real de la carne).

La mano de Adán (una zona bastante deteriorada del cuadro que ha sido soberbiamente restaurada, recuperando la calidad y volumen original y la tonalidad auténtica).

Las piernas de Adán (detalles del progreso de restauración).

Más información en: Instalación especial de "Adan" y "Eva" en el Museo del Prado.

Oferta de subscripción a la revista de arte y cultura Historia National Geographic

2011-05-25T06:45:00.000+02:00

Hace unos días nos llegó a casa un correo publicitario en el que nos comunicaban una oferta exclusiva para subscribirnos a la revista Historia National Geographic, lo cierto es que el correo nos sorprendió agradablemente porque, aunque ya conocíamos la revista National Geographic en su versión enfocada a divulgar el conocimiento general de la geografía mundial, revista sobradamente reconocida por la calidad de su contenido y, sobre todo, por la belleza de la fotografías, en muchos casos auténticas obras de arte, desconocíamos la existencia de una revista de la misma topología enfocada a la divulgación histórica y del arte.

Lo mejor de todo es que la oferta de subscripción es realmente interesante ya que, aparte de conseguir un ahorro del 50 por ciento al adquirir las doce revistas correspondientes al primer año de subscripción a un precio de sólo 21 euros (las doce revistas por sólo 21 euros), también recibiremos totalmente gratis ocho DVDs del National Geographic valorados en 120 euros en los que se analizan en profundidad temas históricos tan controvertidos como los misterios del antiguo Egipto, los manuscritos del Mar Muerto, el código da Vinci o las líneas del Nasca.

La verdad es que, aunque desconocíamos la existencia de la revista Historia National Geographic, la primera publicación de la misma tuvo lugar en diciembre de 2003, por lo que ya lleva seis años en el candelero. Durante este tiempo se ha dedicado a publicar artículos sobre el arte y la historia de Mesopotamia, Egipto, Grecia, Roma, la Edad Media, la Edad Moderna, etcétera, dedicando reportajes a personajes históricos singulares, a los dioses y los mitos, a la vida cotidiana, a la sociedad y la ley, al arte y la cultura, a los grandes historiadores y, obviamente, a los grandes episodios de la historia.

Como su homónima dedicada a la geografía, la revista Historia National Geographic cuenta con la colaboración de los mejores periodistas gráficos del mundo, auténticos artistas de la fotografía que nos permitirán disfrutar, hasta el más mínimo detalle, de las distintas pinturas, esculturas y obras de arte publicadas.

Por poner un ejemplo del contenido de la revista Historia National Geographic, os diremos que el número 78 correspondiente a junio de 2010 incluye artículos como "Cleopatra: la reina en Roma" (la historia de la reina de Egipto que consiguió seducir al emperador romano Julio César), "El desafío griego" (artículo sobre la rebelión de las ciudades griegas de Asia Menor contra el dominio persa), "Constantinopla" (un interesante artículo sobre la magnífica capital del antiguo Imperio romano de Oriente), "Vikingos: piratas del norte" (una bonita retrospectiva del pueblo Vikingo, comerciantes, granjeros y, a la vez, guerreros implacables) o "El retiro de Carlos V" (la abdicación de Carlos V y su retiro en el monasterio extremeño de Yuste).