Lienzos, cuadros y arte

Exposición la sombra de Oteiza (Museo Oteiza de Alzuza)

2009-11-17T18:41:00.005+01:00

El Museo Oteiza en Alzuza (Pamplona) acoge una exposición, que bajo el título La sombra de Oteiza, recoge importantes obras, esculturas y cuadros del arte español de los años cincuenta y, por supuesto, del conocido escultor de Orio (Guipúzcoa), Jorge Oteiza (1908-2003). No en vano, este museo conserva la colección personal del escultor vasco, donada por él mismo y compuesta por 1.690 esculturas, 800 dibujos, 2.000 estudios del laboratorio de tiza y cerca de 5.000 libros de su biblioteca personal. La exposición permanecerá abierta hasta el 15 de febrero de 2010 y, además de algunas de las esculturas más representativas del artista vasco, cuenta con un total de cuarenta y ocho obras de artistas como Eduardo Chillida, Néstor Basterretxea, Pablo Palazuelo, Equipo 57, Ángel Ferrant, Salvador Montesa, Manolo Gil, Manuel Rivera o Rafael Canogar, entre otros.

Las obras de la exposición corresponden a la década que transcurrió desde que Jorge Oteiza, expatriado en Sudamérica, volvía a España (1948), hasta la fecha en que recibió el gran premio de escultura de la Bienal de Sao Paulo (1957) por su obra Propósito Experimental, momento en el cual le llegó la fama y el reconocimiento internacional. Oteiza, que abandonó la actividad escultórica en 1959 para defender la cultura popular vasca y su identidad, es un artista puente entre el periodo de las vanguardias y la generación de la posguerra. Está claro que, durante el siglo XX, Oteiza influyó enormemente tanto en el sector del arte como en el político.

Otros artistas presentes en la exposición son Pablo Serrano, Eusebio Sempere, Remigio Mendiburu, Francisco Farreras, Fermín Aguayo, Vicente Castellano, Manolo Millares, Leandre Cristófol, José María de Labra, César Manrique, Manuel Calvo, Eloy Giménez Laguardia, Santiago Lagunas, Andreu Alfaro, Gerardo Rueda y Luis Feito. En suma, una exposición con esculturas, pinturas, dibujos y collages cuidadosamente seleccionados y que muestran la influencia del escultor de Orio en el arte de aquella época. Aunque la mayor parte de su obra la desarrolló en tan sólo diez años, la sombra de Oteiza, sin duda, ha llegado hasta nuestros días y son muchos los artistas que se han visto influenciados por la obra de este escultor.

La exposición está dividida en tres secciones, Preámbulo, que incluye algunas estupendas obras de Ángel Ferrant, Confluencias, de la cual destacaría las obras de Eduardo Chillida y Equipo 57, y Contexto, donde me llamó especial atención una obra de Manuel Rivera. En la segunda foto podemos ver su conocida escultura Desocupación de la esfera (1958), presente en la exposición. Por cierto, si tenéis el placer de poder acudir a esta exposición, no os perdáis la proyección de una selección de noticias del NO-DO referidas a algunos eventos que tuvieron lugar durante la década de los cincuenta relacionados con el arte.

El arte de decorar tus paredes con Moods

2009-11-15T00:18:00.002+01:00

Este artículo se sale un poco de la temática propia de este blog, pero siempre me he preguntado por qué no se puede considerar la decoración como un arte, al fin y al cabo los cuadros y pinturas, sobre todo si son de artistas reconocidos, ayudan enormemente a decorar y dar presencia a nuestros hogares. Es por esto por lo que os quiero presentar una nueva tienda online, Moods. Moods es una tienda especializada en la decoración de la pared, en su tienda de Internet encontraréis vinilos decorativos, fotomurales, lienzos y papeles pintados de gran calidad y belleza.

Las propuestas de Moods son novedosas, atractivas y atraen a un gran número de personas con los gustos más diferentes. Además, encontraréis que muchos de sus productos son únicos en España. Asimismo, la prensa especializada y los foros más importantes de decoración reconocen a Moods como una de las empresas más innovadoras en temas de decoración de interiores e interiorismo.

Como no sólo de arte vivimos los artistas, es preciso señalar que el interés por la decoración está cobrando cada vez más importancia en España, y Moods, sin duda, lidera las tendencias más vanguardistas y aceptadas entre los decoradores de todo el mundo.

Joven de Perfil o La Bella Principessa de Da Vinci (las huellas dactilares de Leonardo)

2009-10-15T18:29:00.006+02:00

Todo el mundo sabe que la obra artística del pintor renacentista Leonardo Da Vinci siempre ha estado rodeada de un halo de misterio, ahora lo tenemos de nuevo en el candelero ya que gracias a la novedosa técnica de análisis multiespectral, que muestra las sucesivas capas de una pintura, han descubierto su huella dactilar en un cuadro, titulado Joven de Perfil con Vestido del Renacimiento, atribuido inicialmente a un artista alemán del siglo XIX. Además, análisis adicionales realizados utilizando la técnica del carbono-14 han datado la obra entre los años 1440 y 1650, lo cual confirma también el más que probable origen del cuadro.

La pintura se trata de un pergamino de tan sólo 33 centímetros de alto por 23 de ancho, dibujado con tizas y tinta, siendo la única obra de Da Vinci sobre este material aunque, ciertamente, el pintor italiano estuvo interesado en esta técnica a finales del siglo XV, existiendo constancia de haber preguntado sobre la misma al pintor francés Jean Perréal. La obra muestra el busto de una mujer de perfil, cuyo peinado y vestido se corresponden con la moda de Milán de finales del siglo XV. Con sólo contemplar la obra, resulta patente que tanto por la técnica como por el estilo, Da Vinci podría ser perfectamente su autor.

La misteriosa huella dactilar del dedo índice o medio de Da Vinci ha sido localizada en el borde superior izquierdo del cuadro (ver recuadro en foto) y tiene una gran parecido con otra huella localizada en otra de sus pinturas, San Jerónimo, conservada en la Pinacoteca del Vaticano. Esta otra obra del famoso pintor renacentista fue pintada en sus inicios como artista, época en la que no contaba con discípulos, ni ayudantes. A su vez, es bien sabido que Leonardo utilizaba frecuentemente sus manos como parte de su técnica pictórica, por lo que en muchos de sus cuadros aparecen sus huellas digitales.

Martin Kemp, especialista en la vida y obra de Da Vinci, ha rebautizado el pergamino con el nombre La Bella Principessa, ya que piensa que, por eliminación, la mujer del cuadro es Bianca Sforza, hija del duque de Milán Ludivico Sforza (1452-1508) y de su amante Bernardina de Corradis.

Lo más curioso de todo esto es que el actual dueño del cuadro, Peter Silverman, un coleccionista canadiense que reside en suiza, lo adquirió en 2007 por tan sólo 13.000 euros y, de confirmarse finalmente que la obra es de Da Vinci, y todo parece apuntar a ello, la pintura podría alcanzar un precio que superaría los 100 millones de euros. Si nuestro amigo Peter ya era bastante rico, pues aún lo sería más, esta claro que dinero llama a dinero.

Exposición Joaquín Sorolla en el Museo del Prado

2009-09-15T20:15:00.005+02:00

Finalmente y a pesar de los problemas que he tenido a la hora de conseguir una entrada, pude visitar la exposición Joaquín Sorolla (1863-1923) en el Museo del Prado. Sabía que la exposición no me iba a defraudar, no en vano Sorolla es uno de mis pintores favoritos, y desde luego que no lo hizo. No me extraña que esta muestra haya sido la estrella del verano artístico y que haya atraído a más de 450.000 visitantes con una media de casi 5.000 personas diarias. Esta ha sido, sin duda, una de las mejores exposiciones de arte que he tenido el placer de visitar, el entorno inmejorable, la distribución de la obras impecable y las pinturas y cuadros en sí, una maravilla. Sinceramente creo que los comisarios de la exposición han conseguido reunir el grupo de obras más representativas y excelentes de este artista valenciano.

Ya conocía gran parte de las obras expuestas, pero había muchas otras, en su mayoría pertenecientes a colecciones privadas, que era la primera vez que comtemplaba, todas con la clara impronta de modernidad de Joaquín Sorolla. Son pocos los pintores que, como Sorolla, han conseguido desarrollar un estilo tan libre, personal y lleno de fuerza.

En la exposición pude disfrutar de más de un centenar de cuadros del pintor valenciano, cuadros que se distribuían en once secciones. A continuación, y según ya he hecho en otras ocasiones, enumeraré las secciones del recorrido expositivo y mencionaré el cuadro que más me llamó la atención en cada una de ellas:

1884 - 1892, el perfeccionamiento académico: ¡¡Otra Margarita!!, óleo sobre lienzo pintado en 1892 procedente del Mildred Lane Kemper Art Museum (Saint Louis).
En torno al 1895, los primeros éxitos internacionales: Cosiendo la vela (ver primera foto), óleo sobre lienzo pintado en 1896 y procedente de la Fondazione Museu Civici di Venezia.
1900, el Grand Prix de la Exposición Universal: Remendando las redes, óleo sobre lienzo pintado en 1901 procedente de Museo Nacional de San Carlos (México).
La influencia de Velázquez: Desnudo de mujer, óleo sobre lienzo pintado en 1902 procedente de una colección particular.
La absoluta libertad pictórica: Sol de la tarde, óleo sobre lienzo pintado en 1903 procedente de la Hispanic Society of America (Nueva York).
El arte del retrato: María vestida de labradora valenciana, óleo sobre lienzo pintado en 1906 procedente de una colección particular.
En torno a 1909, la playa de la Malvarrosa: Chicos en la playa, óleo sobre lienzo pintado en 1909 procedente del propio Museo del Prado.
Hacia 1915, regreso a su orden artístico: La bata rosa, óleo sobre lienzo pintado en 1916 procedente del Museo Sorolla (Madrid).
The Hispanic Society of America: Castilla, la Fiesta del Pan, óleo sobre lienzo pintado en 1913 procedente de la Hispanic Society of America (Nueva York).
Paneles de la visión de España: Extremadura, el mercado, óleo sobre lienzo pintado en 1917 procedente de la Hispanic Society of America.
El paisaje: Buscando mariscos, óleo sobre lienzo pintado en 1919 procedente de la colección del Banco Santander (Madrid).

Angel Feliciano: pintor y artista coameño

2009-08-15T01:26:00.001+02:00

En este artículo os quiero introducir a Ángel Feliciano (ver foto), un pintor y artista del municipio de Coamo en la Isla de Puerto Rico. Nuestro protagonista de hoy, desde muy temprana edad, dibujaba paisajes y árboles que rodeaban el entorno de su hogar, comenzando muy pronto a preparar sus lienzos y crear sus primeros cuadros y pinturas. A los 17 años obtuvo una beca para estudiar en la Academia de Arte Miguel Pou en la ciudad de Ponce, con los artistas Adrián Nelson y Ramón Román. Posteriormente estudió bajo la dirección de ReneTailor y Margarita Valmaceda en el Museo de Arte de Ponce Puerto Rico, siendo avalado por Don Luis A. Ferre. Finalmente pasó a la Academia del pintor español José Azaustre Muró.

En 1972 participó en el Festival de las Artes, avalado por la Unesco y el Instituto de Cultura Puertorriqueño, donde se entregaron premios en las siguientes categorías: pintura al óleo, acuarela, escultura, grabado y dibujo. Su cuadro "Casita vieja con carretera" (ver segunda foto) se llevo el primer premio en la categoría de pintura al óleo, la señora Celeste Benítez de Rexach fue la encargada de entregarle el premio. El óleo actualmente pertenece a la colección del coleccionista de obras de arte Rafael Pérez.

Ángel Feliciano ha realizado varias exposiciones, en la Biblioteca Carnegie de San Juan Puerto Rico (1974), en el Banco Ponce Federal (1975), y en La Cooperativa Valvanera de Coamo (2004 y 2005). Entre sus cuadros más interesantes se encuentra una serie de casas viejas que han sufrido los embates de tormentas y poderosos huracanes en Puerto Rico: Casona con palmas (óleo – ver tercera foto), Casita vieja con carretera (óleo), Tienda vieja con flamboyán rojo (óleo) y Casa con montaña alta (acrílico).

Este artista coameño es un pintor realista, al que le apasiona la naturaleza y los árboles imponentes. En gran parte de sus cuadros representa a las montañas perdiéndose en el azul de la distancia. Fue la propia naturaleza lo que le llevó a tomar la decisión de dedicarse a la pintura realista, con el objetivo de captar la belleza natural. Su experiencia personal le ha llevado a concluir que la naturaleza, el pintar al natural los paisajes, árboles, animales y casas, es la mejor escuela para dominar el pincel desde el punto de vista del realismo pictórico.

Para contactar con Ángel Feliciano podéis enviarle un email a oleosangel[arroba]coqui[punto]net.

¿Tienen algo que ver el arte y los lienzos con el póquer?

2009-08-12T01:35:00.001+02:00

Análisis vía Zync

Yo diría que el póquer y el arte no tienen mucho que ver salvo por el hecho de que una buena mano de póquer, en la que todo enlaza de acuerdo con las probabilidades pensadas por el jugador, y en la que dicho jugador consigue imponerse en base a sus deducciones matemáticas, puede considerarse como una obra de arte, como un lienzo perfectamente ejecutado. Pero al igual que no todas las pinturas y cuadros se pueden considerar obras de un artista, no todas las manos de póquer se pueden considerar obras maestras del ingenio de un jugador.

Por si alguno de mis lectores quiere convertirse en un experto jugador de póquer, os presento en este artículo la escuela de póquer PokerSapiens.es. Se trata de una escuela de poker cien por cien gratuita que incluye niveles desde el más principiante hasta el más avanzado y con la que cualquiera puede convertirse en un "artista" del poker profesional. La escuela ofrece, totalmente gratis, materiales y prácticas exclusivas para sus alumnos.

Una de las cosas más interesantes del póquer es que, si se adquiere el arte y la destreza adecuada, se puede ganar dinero regularmente participando y jugando en torneos. No tenéis más que acceder a la web NoticiasPoker.es y ver todas las noticias sobre torneos de poker en los que se reparten sumas de dinero auténticamente millonarias.

Esta claro que, si te conviertes en un buen jugador de póquer, ganarás mucho más dinero que si te dedicas al arte y a pintar lienzos y cuadros.

Convocatoria para el certamen de arte "ARCO 40 Häagen-Dazs"

2009-06-22T20:44:00.003+02:00

La conocida firma de helados Häagen-Dazs, acaba de convocar el primer certamen de arte "ARCO 40 Häagen-Dazs", un certamen dirigido a los artistas que utilizan el arte para representar las emociones, es lo que desde Häagen-Dazs han querido denominar como el movimiento Häagendaista. Se trata de que los artistas que participen en el certamen experimenten el arte desde diferentes emociones: el amor, la belleza, el placer y la libertad. Así pues, si te consideras un artista pasional que plasma sentimientos y emociones en sus cuadros, lienzos y obras de arte, este es tu certamen; además, tienes hasta el próximo mes de octubre para presentar tu obra.

El I Premio ARCO 40 Häagen-Dazs se presentó durante la 28 edición de la Feria de Arte Contemporáneo ARCO. Según ya he mencionado, se trata de un premio orientado a la representación de las emociones, en formato y estilo libres, y destinado a jóvenes artistas mayores de dieciséis años residentes en España, independientemente de su nacionalidad. Al terminar el plazo de inscripción, es decir, en octubre, se anunciarán cuales serán las obras finalistas.

Las obras de arte que hayan sido seleccionadas estarán avaladas por alguna de las cincuenta y tres galerías que han participado en la sección ARCO 40 de la 28 edición de la Feria de Arte Contemporáneo, y serán expuestas en el Teatro Häagen-Dazs Calderón de Madrid el próximo invierno. El jurado del certamen estará compuesto por la diseñadora Julia Mariscal, que ejercerá de presidente, Soledad Liaño Gisbert, del Museo de Arte Reina Sofía, y Vicente Matallana, fundador de La Agencia. Ellos serán los encargados de otorgar el primer premio, dotado con un premio en metálico de 15.000 euros y la posterior exposición de la obra en la 29 edición de la Feria de Arte Contemporáneo ARCO.

Esta es, sin duda, una interesante iniciativa de Häagen-Dazs, iniciativa que servirá para promocionar a nuestros jóvenes valores. Es importante que firmas como Häagen-Dazs apuesten por el mundo de la cultura y, en especial, del arte. Además, desde esta conocida firma de helados, han querido poner en marcha una web, Haagendaismo, desde la que se promueve el arte como una forma de vida, constituyendo un espacio libre y abierto al mundo de las emociones, cuyos objetivos son la difusión del nuevo movimiento artístico y la promoción de nuevos artistas. Desde dicha web se pueden participar en algunas actividades paralelas al certamen de arte "ARCO 40 Häagen-Dazs".

Exposición "La sombra" en el Museo Thyssen-Bornemisza

2009-04-18T20:00:00.006+02:00

Del 10 de febrero al 17 de mayo de 2009 se está desarrollando la exposición de arte "La sombra", exposición que se ha tenido que dividir entre la sala de exposiciones temporales del Museo Thyssen-Bornemisza y la sala de exposiciones de la Fundación Caja Madrid.

La exposición nació con el objetivo de presentar el amplio espectro de complicaciones, problemas y soluciones que la representación artística de la sombra ha provocado desde el Renacimiento hasta nuestros días. La muestra se ha dividido en dos grandes secciones estrechamente relacionadas entre sí. Así, en un primer estadio, se realiza un completo y exhausto recorrido que incluye obras de un buen número de artistas, que desde el Renacimiento hasta finales del siglo XIX, han utilizado y jugado con la sombra en sus composiciones, cuadros y dibujos. Esta primera sección se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza y se divide en siete apartados:

La invención de la pintura. Dedicada a ilustrar el mito de Butades, artista legendario de época desconocida a cuya hija Plinio el Viejo atribuye el origen de la pintura en Corinto. De este apartado me gustaría destacar la obra de Joseph Benoît Suvée titulada "La invención del arte del dibujo", un óleo sobre lienzo pintado en 1791.

Renacimiento. La sombra proyectada hace su verdadera aparición en la historia del arte en el Renacimiento, siendo objeto de experimentación por parte de artistas como Lorenzo Lotto, Gentile da Fabriano, Giovanni di Paolo y Pier Maria Pennacchi, que la utilizaron en la creación de perspectivas. De esta sección destacaré un temple sobre tabla de Lorenzo di Credi titulado "Anunciación" (1480-85).

Barroco.Los pintores tenebristas del Barroco supieron dar un uso espectacular a la sombra. Pintores como Rembrandt o Pieter de Hooch utilizaron la luz y la sombra para construir sus composiciones. En las escenas religiosas de Jean Leclerc, Gerrit van Honthorst o Matthias Stom la sombra se utiliza para enfatizar la presencia de lo divino. En esta sección me gustó especialmente la obra de van Rijn Rembrandt Harmensz titulada "Hombre sentado leyendo en la mesa de una habitación noble", un óleo sobre tabla de roble pintado en 1620-1630.

Romanticismo. En torno a la sombra aparece, en el siglo XVIII, una verdadera estética de lo siniestro. A destacar la obra de Francisco de Goya titulada "Corral de locos", un óleo sobre hojalata pintado en 1794.

Simbolismo y fin de siglo. El simbolismo es una tendencia artística que se aparta de la representación naturalista de la realidad, no obstante, se puso mucho énfasis en el estudio de la luz y la sombra como fenómeno plástico. De aquí destaco la obra "La noche" de Léon Spilliaert, un cuadro realizado en 1908 en tinta china, aguada y pastel sobre papel vitela.

Impresionismo. En esta época la sombra abandona su carga narrativa para ser tratada solamente como utilidad plástica. Aparecen por primera vez las sombras coloreadas en obras de Monet, Camille Pissarro y Alfred Sisley. Si tengo que destacar un cuadro de este apartado, señalaré al óleo sobre lienzo de Santiago Rusiñol titulado "Vista del Jardín de la Isla de Aranjuez" (1915).

La segunda parte de la exposición se encuentra en las salas de exposición de la Fundación Caja Madrid y se divide en cinco apartados:

Realismos modernos. Apartado dedicado a la representación de la luz y la sombra a lo largo de siglo XX, dedicando una especial atención a su utilización en los juegos de proyección de los pintores surrealistas y a su papel protagonista en el Expresionismo alemán. En esta sección me gustó especialmente el "Retrato del Dr. Haustein" de Christian Schad, un óleo sobre lienzo pintado en 1928.

Surrealismo. El movimiento de pintura contemporánea que ha dedicado una mayor atención al tratamiento de la sombra, especialmente en el apartado de la representación de los sueños. Aquí destacaré un cuadro de Salvador Dalí titulada "Metamorfosis de Narciso", un óleo sobre lienzo pintado en 1937.

Del pop art a nuestros días. La sombra también tuvo un papel importante en la pintura de la segunda mitad del siglo XX, especialmente en los años sesenta, tras el triunfo del pop art en el panorama artístico internacional. Warhol, en particular, dedicó una serie completa de pinturas al tema de la sombra. En este apartado hay que destacar la serigrafía sobre papel con polvo de diamante del propio Andy Warhol titulada, como no, "La sombra".

Fotografía. Apartado dedicado a la utilización de la sombra en la fotografía.
Cine. La sombra también jugó su papel en el cine, en algunos casos, incluso antes que en la fotografía.

Exposición de pintura victoriana en el Museo del Prado

2009-03-17T18:29:00.006+01:00

La sala 16B del edificio Villanueva del Museo del Prado aloja una exposición de pintura victoriana procedente del Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico, museo que fue fundado en 1959 por Luis A. Ferré (1904-2003), personaje puertorriquense que destacó en la historia política, económica y cultural de su país, siendo un gran apasionado del arte y de la música. Gracias al cierre temporal de dicho museo con motivo de su renovación y ampliación, vamos a poder disfrutar en Madrid hasta el 31 de mayo de 2009, de una fantástica muestra de pintura británica, pintura que por razones históricas es muy escasa en las distintas colecciones del Prado, así como en todo el conjunto de colecciones de arte españolas.

La exposición, que está compuesta por diecisiete obras, diez pinturas y siete estudios sobre papel, permite que nos familiaricemos con la pintura inglesa del siglo XIX. Las dos obras más importantes de la muestra pictórica, Sol ardiente de junio (ver primera foto) y El sueño del rey Arturo en Avalón (ver segunda foto), han llegado a Madrid procedentes de Londres, donde se exhibieron anteriormente en la galería de arte Tate Britain. La obra El sueño del rey Arturo en Avalón se trata de la obra maestra del pintor británico Sir Edward Coley Burne-Jones, un cuadro que, dado su gran tamaño (más de seis metros de ancho), no había salido de Puerto Rico desde que fue adquirido por Ferré en la década de los 60. Burne-Jones pasó los últimos años de su vida trabajando en la reelaboración este magnífico óleo sobre lienzo. Asimismo, el cuadro viene acompañado por toda una serie de bocetos y dibujos preparatorios que dan una idea del trabajo realizado por el artista hasta conseguir plasmar su idea final.

La selección de obras incluye también pinturas de un buen número de artistas pertenecientes a distintas etapas de la Hermandad Prerrafaelita. La Hermandad Prerrafaelita se trata de un movimiento artístico fundado en 1848 por John E. Millais (1829-1896), William Holman Hunt (1827-1910) y Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), que surge como oposición al tradicionalismo académico de la Royal Academy of Arts y al formulismo de la época victoriana, proponiendo un tipo de arte más espontáneo inspirado en la naturaleza y en la simbología y técnica de los pintores flamencos e italianos del primer Renacimiento.

En la exposición se puede disfrutar de las siguientes obras:

- Sol ardiente de junio de Frederic Leighton, un óleo sobre lienzo de 119 x 119 cm.
- Serie del rosal silvestre: el rey y su corte de Edward Coley Burne-Jones, un óleo sobre lienzo de 60 x 132,5 cm.
- Serie del rosal silvestre: el príncipe entra en el bosque de Edward Coley Burne-Jones, un óleo sobre lienzo de 60 x 127,5 cm.
- Serie del rosal silvestre: la bella durmiente de Edward Coley Burne-Jones, un óleo sobre lienzo de 60 x 115 cm.
- El sueño del Rey Arturo en Avalón (modelo) de Edward Coley Burne-Jones, un óleo sobre lienzo de 78,7 x 281,2 cm.
- El sueño del Rey Arturo en Avalón de Edward Coley Burne-Jones, un óleo sobre lienzo de 277,5 x 635 cm.
- La señorita Gladis M. Holman Hunt (la escuela de la naturaleza) de William Holman Hunt, un óleo sobre tabla de 126,2 x 97 cm.
- La huida de una hereje de John Everett Millais, un óleo sobre lienzo de 106,2 x 76,2 cm.
- La viuda romana (Dîs Manibus) de Dante Gabriel Rossetti, un óleo sobre lienzo de 103,7 x 91,2 cm.
- Léhon desde Mont Parnasse, Bretaña de Thomas Seddon, un óleo sobre lienzo de 57,5 x 75 cm.
- Estudio de desnudo para la reina Morgana de Edward Coley Burne-Jones, un dibujo a lápiz negro y azul sobre papel color crema de 298 x 159 mm.
- Estudio de desnudo para la amazona con un escudo de Edward Coley Burne-Jones, un sanguina (dibujo hecho con lápiz rojo oscuro fabricado con hematites) con toques de clarión y lápiz negro sobre papel rojizo de 403 x 241 mm.
- Estudio de pliegues del vestido para la reina Morgana de Edward Coley Burne-Jones, un dibujo a lápiz compuesto sobre papel blanco de 254 x 184 mm.
- Estudio del escudo para la amazona de la derecha de Edward Coley Burne-Jones, una acuarela aguada y opaca de colores sobre papel blanco de 302 x 238 mm.
- Estudios para la Reina Morgana de Edward Coley Burne-Jones, un dibujo a lápiz negro y clarión sobre papel rojizo de 381 x 254 mm.
- Estudio de pliegues para el vestido de la reina a los pies del rey Arturo de Edward Coley Burne-Jones, un dibujo a lápiz compuesto sobre papel blanco de 318 x 216 mm.
- Estudios para las centinelas del extremo izquierdo de Edward Coley Burne-Jones, un dibujo a lápiz negro y clarión sobre papel rojizo de 310 x 400 mm.

Presentación del cuadro "Ramona" de Kike Meana

2009-02-17T19:17:00.020+01:00

En mi humilde opinión pienso que hablar de arte contemporáneo sin mencionar a Kike Meana, es olvidarse de una parte muy importante del arte actual. La obra de Meana, Licenciado en Bellas Artes en la Especialidad de Pintura por la Universidad Complutense de Madrid, pasa por tres líneas diferentes: Figuras (retratos y óleos de diferentes personalidades, en los que le gusta mucho jugar con el erotismo), Paisajes Urbanos (lienzos realistas de paisajes de la ciudad), y Autómatas (una serie de cuadros en los que los personajes aparecen como robots presos de un sistema).

El caso es que Kike Meana, junto con Ansorena Galería de Arte y la Fundación de las Artes y los Artistas, presenta su cuadro titulado "Ramona" el día 20 de febrero de 2009, a partir de las 19 h y hasta las 21:30, en Ansorena Galería de Arte (calle Alcalá, 52; Madrid). El acto consistirá en la exposición de la obra final acompañada de algunos de los bocetos realizados para los cuadros "Ramona" y "Habanera", así como algunas fotografías que muestran el proceso de elaboración del cuadro de principio a fin, con el propósito de ilustrar y explicar una técnica pictórica que Kike Meana viene desarrollando desde hace unos años, técnica mediante la cual cuando nos enfrentamos al cuadro parece que nos encontramos delante de la realidad.

Citando palabras del propio Kike Meana: "La obra comenzó a pintarse en septiembre de 2007, y durante este año y medio fue creciendo al ritmo que el propio cuadro ha ido exigiendo, con la única pretensión de disfrutar en cada momento de un lenguaje pictórico cargado de infinitos matices y riquezas, pero también infinitamente exigente. Esta técnica pictórica consiste en combinar diferentes materiales como la tinta acrílica, la acuarela y el grafito, utilizando como herramientas pinceles, aerógrafo y lápices, para hacer que todo funcione como una orquesta, sin que ningún instrumento desafine".

Con esta presentación el artista tiene el objetivo de hacer pública la transparencia de esta técnica, practicada también por otros pintores, y que en algunos casos ha suscitado, en ocasiones con acierto, sospechas debido a la pasmosa sensación de realidad que produce en los espectadores.

En cuanto a otros aspectos del cuadro, Kike Meana señala: "Esta obra tiene un enorme significado para mí, ya que además de las emociones acumuladas dentro del proceso evolutivo del cuadro, surgieron otras emociones familiares, entre ellas el nacimiento de mi hijo Diego, que sin duda han influido en el proceso y en el resultado final".

Para terminar, me gustaría mencionar que los cuadros "Ramona" y "Habanera" irán destinados a la colección del Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM), que abrirá sus puertas el próximo año 2010.

Francis Bacon y la pintura que no deja indiferente

2009-02-11T19:42:00.006+01:00

El edificio de los Jerónimos del Museo del Prado albergará hasta el 19 de abril de 2009 una antológica exposición sobre la trayectoria del pintor Francis Bacon. El genial pintor irlandés, nació en Dublín en 1909 y murió en Madrid en 1992, su pintura siempre ha estado caracterizada, a lo largo de toda su evolución como pintor, por un estilo muy personal y único, un estilo que no deja a nadie indiferente y muy difícil de calificar, ya que nunca perteneció a ningún movimiento artístico. Sin duda, Francis Bacon, ha sido el creador de algunas de las pinturas más desgarradoras del arte contemporáneo. La primera palabra que salió de mi boca al terminar de ver la exposición fue... Aterrador.

Una de las anécdotas curiosas de este pintor, y que ahora se me viene a la cabeza, es que en una ocasión entregó varias de sus obras a un electricista que había acudido a su casa a hacer una reparación. Estas obras fueron subastadas décadas después alcanzando un precio muy elevado. De hecho, las obras de Francis Bacon están muy cotizadas en la actualidad, habiendo alcanzado algunas precios superiores a los cincuenta millones de euros.

Ahora, centrándome en la exposición, que ha contado que la inestimable ayuda de los museos Tate Modern de Londres y Metropolitan de Nueva York, así como de algunos coleccionistas privados, diré que ha sido increíble el poder disfrutar de esta setenta y ocho obras de Francis Bacon. A continuación indicaré las obras que más han llamado mi atención en cada una de las secciones, dispuestas por la comisaria de la exposición, Manuela Mena, para agrupar las obras por orden cronológico y según temáticas:

Animal: Tres estudios de figuras al pie de una Crucifixión. Tres óleos sobre tablero que fueron los que sacaron a Francis Bacon del anonimato como pintor en 1944.

Zona: Estudio del Papa Inocencio X de Velázquez (ver primera foto). Un óleo sobre lienzo pintado en 1951 y perteneciente a la serie de más de cuarenta cuadros en los que el pintor irlandés tomó como base a este cuadro de Velázquez.

Aprensión: Chimpancé. Óleo sobre lienzo pintado en 1955.

Crucifixión: Tres estudios para una Crucifixión. Tres óleos sobre lienzo pintados en 1962.

Crisis: Estudio para la niñera del Acorazado Potemkin. Un óleo sobre lienzo que el autor pintó en 1957.

Archivo: Una sección de la exposición en la que se puede disfrutar de fotografías, libros, facsímiles, notas manuscritas, bocetos, recortes, revistas, tiras de fotomatón y reproducciones en torno a la vida de Francis Bacon.

Retrato: Retrato de Isabel Rawsthrone de pie en una calle de Soho (ver segunda foto). Óleo sobre lienzo realizado en 1967.

Memorial: Tríptico en memoria de George Dyer. Tres óleos sobre lienzo pintados en 1971.

Épico: Tríptico. Óleo sobre lienzo realizado en 1987.

Final: Segunda versión del tríptico de 1944. Óleo y acrílico sobre lienzo realizado en 1988.

Si estáis pensando en acudir a la exposición os diré que, para contemplar de la pintura de Bacon, hay que estar muy concentrado y olvidarse de los prejuicios, si no conseguimos abstraernos, no seremos capaces de percibir la grandeza de su técnica y a su descarnada y muchas veces veraz aproximación al ser humano.

Cuadros del Museo del Prado en Google Earth

2009-01-20T18:46:00.006+01:00

Esta claro que no hay nada mejor que acudir al Museo del Prado para poder disfrutar de un cuadro pintado por Velázquez, un lienzo de Ribera o una obra pictórica de El Greco. No obstante Google, utilizando la tecnología de Google Earth, ahora nos permite disfrutar online de catorce magníficas obras maestras que forman parte de la mencionada pinacoteca, las reproducciones nos permiten apreciar con todo lujo de detalles las pinceladas y trazos ejecutados por los distintos pintores. Todo esto se ha conseguido empleando una resolución equivalente a utilizar una cámara digital con 14.000 megapíxeles. Asimismo, el equipo de Google ha creado una fantástica reproducción en tres dimensiones del edificio del Museo del Prado, incluyendo su última ampliación, de la que se puede disfrutar también desde Google Earth.

Es bien sabido que Google, hace unos años, tomó la sabia decisión de no sólo indexar la información contenida en páginas web, sino de empezar a indexar información almacenada en otro tipo de soportes como vídeo, audio, libros, fotografías, etcétera. Así surgieron proyectos como la Biblioteca Google con el objetivo de indexar la información de libros en formato papel mediante su escaneo, o la inclusión de fotos de conocidas revistas como Life en su buscador de imágenes.

El caso es que ahora le ha llegado el turno a algunas de las mejores obras pictóricas conservadas en el Museo del Prado: La familia de Felipe IV o Las Meninas de Diego Velázquez, El caballero de la mano en el pecho de El Greco, El sueño de Jacob de José de Ribera, El 3 de mayo de 1808 en Madrid: Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío de Francisco de Goya, El jardín de las Delicias o La pintura del madroño de El Bosco, El Cardenal de Rafael, La Anunciación de Fra Angélico, El emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg de Tiziano, Las tres Gracias de Peter Paul Rubens, Autorretrato de Alberto Durero, Artemisa de Rembrandt, La Crucifixión de Juan de Flandes, Inmaculada Concepción de Giovanni Battista Tiepolo y El Descendimiento de Roger van der Weyden.

Para poder disfrutar de estos catorce cuadros se pueden utilizar dos opciones:

Utilizar la aplicación Google Earth (se puede instalar de forma gratuita desde este enlace), activar la capa de edificios en 3D en el panel inferior izquierdo y buscar el Museo del Prado. Os aviso que esta es la única forma de poder ver las obras en alta resolución, así como para poder disfrutar de la reproducción en 3D del propio museo.

Para ver las obras en baja resolución basta con acceder a través de Google Maps pulsando sobre este enlace. A fecha de hoy sólo hay ocho obras disponibles. No obstante, pronto estarán disponibles los catorce ya que se va añadiendo un cuadro cada día.

Exposición escultórica: Entre dioses y hombres (Museo del Prado)

2008-12-31T12:42:00.007+01:00

Con ocasión del cierre temporal del Albertinum, el conocido museo de la ciudad alemana de Dresde construido entre 1884 y 1887, el Museo Nacional del Prado de Madrid dispondrá, hasta el 12 de abril de 2009, de la colección de esculturas Skulpturensammlung Staatliche Kunstsammlungen del mencionado museo sajón, colección de la que se puede disfrutar en la exposición "Entre dioses y hombres". Acudiendo a la muestra, que ocupa diez salas del edificio Villanueva, podremos contemplar, junto a veinte esculturas clásicas del Museo del Prado, un total de cuarenta y seis de las mejores obras de arte de la colección de escultura clásica de Dresde. Ambas colecciones son fruto del afán coleccionista de las épocas barroca y neoclásica. Los dos conjuntos escultóricos integran originales griegos con versiones romanas de obras griegas clásicas y helenísticas, así como un buen número de retratos. La exposición está dividida en tres secciones.

Belleza y dicha de los dioses clásicos

La primera sección muestra, en forma de réplicas romanas, algunas de las más famosas creaciones del arte clásico griego. Del siglo V antes de Cristo disfrutaremos de obras de Fidias, Mirón y Policleto, del siglo IV de esculturas de Praxíteles y, finalmente, tres originales griegos de la misma época. La sección consta de cuatro apartados.

Los poderosos dioses (réplicas romanas del s. V a. C): el Démeter de Eleusis (Escuela de Fidias), el Zeus de Dresde (Escuela de Fidias), la Atenea Lemnia (Escuela de Fidias), la Atenea del grupo de Atenea y Marsias (modelo Mirón) y una cabeza de Atenea (modelo Mirón).

Casi divinos, los ganadores de los Juegos panhelénicos (más réplicas romanas del s. V a. C): una cabeza del tipo del efebo de Cirene-Perinto, el Diadúmeno (Modelo Policleto), una cabeza del Diadúmeno (Modelo Policleto), el Efebo Westmacott (Escuela Policleto) y el Efebo de Dresde (Ver foto. Escuela Policleto. Este efebo, adolescente de belleza afeminada, se trata de una de las obras más famosas de la colección de escultura de la capital sajona).

La condición humana: un relieve de Ménade (Réplica romana. Modelo Kalímaco del s. V a. C), la estela sepulcral de la familia de Arquésilas (Original griego del s. IV a. C), un fragmento de Estela sepulcral ática (Original griego del s. IV a. C) y la estela sepulcral de la familia de Hermaphilus (Original griego del s. IV a. C).

Los dichosos dioses (réplicas romanas modelo Praxiteles del s. IV a. C): una cabeza de la Afrodita de Cnido, una cabeza del ApoloSauroktonos, un Sátiro en reposo y un Sátiro escanciando vino.

Sentimiento, sensualidad y alegría festiva en el arte helenístico-romano

Esculturas correspondientes a la época helenística (siglos III a I a. C.), durante la cual se elaboran composiciones escultóricas algo más complejas de tinte marcadamente realistas. Como resultado, las esculturas muestran gran vivacidad y sensación de movimiento, así como una expresividad increíblemente sensual, claramente percibible por el sentido de la vista. Muchas de las esculturas de esta magnífica sección son originales, incluso algunas conservan la policromía antigua. Uno de los temas predilectos del arte escultórico de este período son las fiestas con sus bailes y sacrificios en honor de Dioniso. Esta sección incluye tres apartados diferentes.

Dioniso y la fiesta (esculturas helenísticas-romanas de los siglos II a. C al I d. C): una máscara de sátiro (los sátiros eran divinidades campestres y lascivas, con figura de hombre barbado, patas y orejas cabrunas y cola de caballo o de chivo), el Dioniso, el Sileno con odre de vino, un relieve con Tíaso Dionisíaco, el Ménade de Dresde (Ver foto. Las ménades eran sacerdotisas de Dioniso que se daban al desenfreno, se trata de una de las obras más famosas de la Dresdner Sammlung y apenas hay un manual de escultura griega en que no esté reproducida, es, sin duda, una auténtica maravilla del arte escultórico clásico) , el sátiro blandiendo un cayado, un ara (altar) circular con relieves de una fiesta dionisíaca, un relieve decorativo con plátano y cintas, una cabeza de muchacho con corona de hiedra, el Oscillum (cara A: Apolo y Marsias, cara B: sátiro), un relieve dionisíaco, un relieve con máscaras y un relieve de vaso con sátiro y Sileno.

Afrodita y la hermosura femenina (más obras de arte helenísticas-romanas de los siglos II a. C al I d. C): la Ninfa, el Amor dormido, Afrodita y Tritón, la Gran diosa de Herculano, la Pequeña diosa de Herculano, una reconstrucción policromada, una muchacha pensativa (terracota policromada de Tanagra), una Muchacha sentada (terracota policromada de Tanagra), una muchacha en pie (terracota policromada de Tanagra), un torso de Afrodita del tipo Venus de Medici y una cabeza de anciana-

Las musas y teatro y ciencia (tercera subsección con esculturas helenísticas-romanas de los siglos II a. C al I d. C): la Máscara de la comedia, una cabeza de Musa de Alejandría, la Musa Polimnia apoyada en un pilar, la Cabeza de la Musa apoyada (con policromía), un relieve con actor de época agustea, el Hipnos y el Asclepio (torso con policromía).

Representación del poder. Retratos romanos al final del imperio

Desde los remotos tiempos de la República, una costumbre romana muy típica era la exhibición de retratos en espacios tanto públicos como privados. Además, esta costumbre, como es habitual en casi todas las culturas, no se limitaba a los hombres, sino incluye también fantásticos retratos femeninos e infantiles. Las obras seleccionadas se tratan de estatuas, estatuillas, bustos y relieves de mármol y plata que datan de los siglos II a IV. La sección está dividida en tres apartados.

Mujeres y niños (obras de arte romanas de los siglos II al IV d. C): un busto de dama romana, una estatua de Venus con retrato de época severiana, un retrato de una dama romana, un retrato de dama de época antoniniana, un retrato de un muchacho romano y una joven jugadora de tabas con retrato.

Políticos y oficiales (segunda subsección con esculturas romanas de los siglos II al IV d. C): un sarcófago con la caza de Meleagro, un busto de Neon, un oficial de época severiana “Bárbaro”, el emperador Clodio Albino y un hombre barbudo de época severiana.

Paganismo y Cristianismo (última subsección con esculturas romanas de los siglos II al IV d. C): una estatua thoracata ¿(Marte?), una pequeña estatua de Apolo, una pequeña estatua de Ceres, una pequeña estatua de Diana, el emperador Constantino El Grande, el emperador Maxencio y el Missorium de Teodosio.

Exposición sobre Juan de Roelas, el precursor de la pintura barroca sevillana

2008-12-02T18:08:00.009+01:00

El Museo de Bellas Artes de Sevilla acoge una magnífica exposición monográfica sobre el pintor Juan de Roelas (1570-1625), de la que los sevillanos podrán disfrutar hasta el 15 de febrero de 2009. La muestra consta de treinta pinturas procedentes de los fondos de la propia pinacoteca, de otros museos como el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, y de iglesias como la Catedral de Las Palmas de Gran Canaria y el Colegio de San Miguel de Valladolid.

La exposición tiene su núcleo central en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, pero el recorrido expositivo no acaba ahí, ya que algunas de las obras pictóricas del artista sevillano, debido a la imposibilidad para trasladarlas por sus dimensiones y por formar parte de retablos, estarán localizadas en sus ubicaciones originales, es decir, en la Catedral de Sevilla, en la Iglesia de la Anunciación y en la Parroquia de San Isidoro.

Alguna de las obras expuestas vienen acompañadas de una importante labor de restauración. Gracias a esta labor se puede disfrutar en su plenitud de obras como "La resurrección de Santa Leocadia" (pintada en 1620 y procedente del Hospital del Niño Jesús de Madrid), "Alegoría de la Inmaculada Concepción" (procedente del Museo Nacional de Escultura de Valladolid) o "La venida del Espíritu Santo" (del propio Museo de Bellas Artes de Sevilla). En este aspecto cabe señalar que es una pena que el Palacio de Medina Sidonia se haya negado a ceder para la exposición las obras pictóricas que posee de Roelas, alrededor de veinte, ya que se podía haber aprovechado la ocasión para restaurarlas.

Juan de Roelas, sevillano de pro, no era natural de Sevilla, sino de origen flamenco. Si se le otorga el origen sevillano es porque en 1604 obtuvo una prebenda del Conde Duque de Olivares y allí, en Olivares, cerca de Sevilla, realizó y pintó varios cuadros de grandes dimensiones para diversas iglesias: en 1606 pintó la "Circuncisión" y el "Martirio de San Andrés", y en 1613 el "Tránsito de San Isidoro". Su figura como pintor no es muy conocida, ya que fue eclipsado por la notoriedad de pintores de la época como Velázquez, Murillo, Zurbarán o Valdés Leal. No obstante, y a pesar de que tras su traslado a Madrid no consiguió llegar a pintor del Rey y tuvo que regresar a Olivares, se trata de un pintor claramente representativo de la pintura barroca sevillana y uno de la predecesores de la escuela hispalense.

La obra de Roelas, por su colorido cálido y su sentido equilibrado, muestra claras influencias de la Escuela veneciana (Veronés y Tintoretto). Sus cuadros y obras incorporan efectos de luz de influencia Bassanista (Manierismo) que hacen que sus pinturas sean fácilmente reconocibles. También fue un fantástico retratista de la vida cotidiana, llegando a incorporar en sus composiciones sobre temas sagrados elementos de la vida diaria, aspecto por el que recibió duras críticas del pintor sevillano de la época Francisco Pacheco. A Roelas se le debe el empleo generalizado del formato manierista de cuadro de altar dividido en dos mitades yuxtapuestas, donde la mitad superior refleja el mundo divino, y la mitad inferior representa el mundo terrenal. Juan de Roelas es, sin duda, un pintor muy importante en el tránsito del Manierismo romanista al Naturalismo tenebrista que anuncia el Barroco a principios del siglo XVII.

XXXI edicion de Artemania, feria de arte y antigüedades

2008-11-06T19:12:00.007+01:00

Ayer me pasé por la 31 edición de Artemanía, la feria de arte y antigüedades que se celebra en Madrid un par de veces al año. Se notaba la crisis en el sentido de que los precios eran más bajos de lo previsible, y todo pese a que el arte y las antigüedades son valores de inversión, en teoría, seguros, y siempre hay coleccionistas e inversores dispuestos a comprar en este mercado. Es una pena que algunos, como yo, que amamos el arte por lo que es, no dispongamos del dinero suficiente para poder disfrutar del mismo en nuestra casa, y que otros lo compren para guardarlo en la caja fuerte.

En mi recorrido por los cincuenta y un expositores de la feria pude ver piezas de arqueología, pinturas clásicas y contemporáneas, y joyas antiguas, así como muebles, vestidos, objetos de decoración y libros antiguos. Las piezas más baratas se podían comprar por tan sólo 50 euros. También había obras de arte y antigüedades de gran valor, como una pintura del pintor mallorquín Miquel Barceló de la década de los ochenta, un lienzo del pintor catalán Antoni Tapies de los años cincuenta, y una pulsera con diamantes de estilo Art Decó valorada en unos cien mil euros.

También pude disfrutar de algunos objetos realmente curiosos como el morro de un tiburón tigre transformado en obra de arte, una caja de caudales del siglo XVI, una mandolina labrada del siglo XVII, un par de conjuntos de muebles franceses y suecos de los siglos XVIII y XIX, un camisón del siglo XIX, una muñeca alemana de principios del siglo XX, un hipopótamo Art Decó de lo más original, y una escultura china del siglo XIX que representaba a un dragón. Por cierto, no todo era antiguo en la feria, algunos expositores exhibían piezas bastante modernas y vanguardistas.

Desde luego, si os gusta el arte y las antigüedades, y queréis pasar un rato entretenido, os aconsejo que os acerquéis por el Palacio de Congresos de Madrid, lugar donde está teniendo lugar la feria. Todavía estáis a tiempo ya que el evento termina este domingo 9 de noviembre.

El Guernica de Picasso en tres dimensiones

2008-10-09T20:59:00.008+02:00

Si queréis disfrutar del famoso cuadro que Picasso dedicó a la ciudad de Guernica en reacción al bombardeo aéreo de la Lufwaffe Nazi que durante la guerra civil española devastó dicha ciudad (año 1937), sólo tenéis que pulsar sobre este enlace: Exploración en 3D del Guernica de Picasso. Está magnífica animación 3D de la pintura de Picasso Guernica ha sido creada por Lena Gieseke como parte de su tesis.

El Guernica se trata de un cuadro cubista que el genial pintor malagueño empezó a pintar el 1 de mayo de 1937, nada más enterarse del bombardeo. El lienzo quedó terminado el 4 de junio de 1937 bajo el encargo del Gobierno de la República Española para que decorara el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de 1937 en París. La austeridad cromática del cuadro es absoluta ya que está pintado en tonos negros y blancos. Esta fantástica obra de arte se encuentra actualmente en la exposición permanente del Museo Reina Sofía en Madrid, España.

Como anécdota curiosa señalaré que se dice que en 1940, estando París ocupada por los alemanes, un oficial nazi se encontraba viendo una foto con una reproducción del Guernica y le realizó la siguiente pregunta a Picasso: "¿Esto es obra suya?". A lo cual el genial pintor respondió: "No, ha sido obra de ustedes".

Artículos relacionados: 400 obras de Picasso en el Museo Reina Sofía.

Exposicion en el Prado: El retrato del Renacimiento

2008-09-04T18:11:00.007+02:00

El pasado lunes estuve visitando la exposición "El retrato del Renacimiento" que se podrá ver en el Museo del Prado hasta este domingo 7 de septiembre. La muestra abarca doscientos años, de 1400 a 1600, de la historia del retrato en la pintura, se trata de la primera exposición que ofrece una aproximación global al retrato del Renacimiento. Aunque en el paso por las salas de la exposición se pueden ver también esculturas, dibujos, grabados y medallas que sirven para explicar la evolución del retrato durante el Renacimiento, la muestra trata al retrato como género pictórico autónomo.

La exposición reune 127 obras, procedentes de museos de medio mundo, pintadas por 70 artistas diferentes. En la muestra quedan claras dos características de la evolución del retrato del Renacimiento; por un lado, se deja notar que el retrato deja de ser privativo de la clase alta y se hace accesible a clases sociales más bajas; por otro, se observa un aumento del tamaño de los cuadros, debido a su incorporación al mobiliario doméstico, ya que, en un principio, los retratos en lugar de formar parte de la decoración, estaban concebidos para verlos de vez en cuando y tenerlos guardados en cajas.

La muestra se divide en nueve secciones:

Entre Flandes e Italia, donde destaca el óleo sobre tabla titulado Sigismondo Pandolfo Malatesta del pintor Piero della Francesca (ver foto).

Amor, familia, memoria, con el óleo sobre lienzo titulado Retrato femenino (Anna Fürleger) de Alberto Durero.

Amistad, donde se puede ver otro óleo sobre lienzo titulado Retrato de Andrea Navagero y Agostino Beazzano de Rafael.

Aficiones, ocupaciones, devociones y status, con el óleo sobre lienzo titulado El sastre de Giovanni Battista Moroni.

Autorretrato, donde se puede disfrutar de algunos conocidos autorretratos de Alberto Durero, Rafael y Tiziano.

La realización del retrato, con el retrato de Isabel de Valois del pintor Antonio Moro.

Las fronteras del retrato, sección en la que nos podemos maravillar con el famosísimo oleo sobre lienzo de El Greco titulado El caballero de la mano en el pecho.

La difusión del retrato, donde se encuentra una témpera sobre lienzo pasada a tabla titulada Retrato de Michelle Marullo Tarcaniota y pintada por Sandro Botticelli.

El retrato de Corte, con una amplia selección de conocidos cuadros de Tiziano y uno no tan conocido de Pedro Pablo Rubens titulado Brigida Spinola Doria.

Quedan pocos días, así que si leéis este artículo antes del domingo, no lo dudéis más y acudid al Museo del Prado para poder disfrutar de esta magnífica exposición del arte del Renacimiento.

Tres exposiciones en Zaragoza reúnen cientos de obras maestras

2008-08-14T10:26:00.007+02:00

Ibercaja dispone en Zaragoza de una de las mejores exposiciones sobre Francisco de Goya. Partiendo de los fondos propios que la entidad bancaria posee del genial pintor aragonés, se inauguró hace tiempo una fantástica exposición en el Museo Camón Aznar situado en el antiguo Palacio renacentista de los Pardo. En dicho museo se expone la colección completa de los grabados de Goya, incluyendo sus conocidas series: los Caprichos, los desastres de la guerra, la tauromaquia y los disparates. En total el museo ofrece más de trescientas obras de arte de pintores del siglo XV al XX que se exponen a lo largo de las tres plantas del palacio. Aunque Goya es el principal protagonista, también se puede disfrutar de obras de genios de la pintura como Bayeu, Berruguete, Maella o Mengs.

Por otro lado, la sala de exposiciones temporales del Museo Ibercaja acoge la exposición Del Ebro a Iberia, muestra que forma parte de la programación de la Fundación Ibercaja para la Expo. La exposición reúne obras de arte de pintores de gran renombre como El Greco, El Bosco, Velázquez, Ribera, Salcillo, Picasso, Chillida, Dalí o Barceló. Entre dichas obras encontraremos un retrato de Velázquez que nunca se había expuesto en España con anterioridad, el cuadro San Antonio de Padua con el Niño Jesús de Goya, expuesto también por primera vez en España, La Sagrada Familia del El Greco, el Tríptico de la Pasión de El Bosco, el cuadro de Ribera titulado Don Cristóbal Suárez, o la obra Toros de Miguel Barceló.

La Fundación Ibercaja también patrocina otras dos exposiciones. La primera, denominada Encrucijada de Culturas, se encuentra ubicada en el edificio de la Lonja de Zaragoza. Esta exposición de arte nos permite hacer un recorrido cronológico por la historia de Aragón mediante la observación de las obras de arte cedidas por diversos museos del mundo, sin duda, auténticas joyas de la pintura.

En cuanto a la exposición titulada Del futuro al pasado, se ha instalado en el Patio de la Infanta, donde se muestran sesenta y cinco obras maestras de artistas contemporáneos, desde Picasso a Chagall, pasando por Cartier-Bresson, Braque o Giacometti.

En total tres exposiciones de arte que no se deberían perder todos aquellos que se planteen viajar a la Expo de Zaragoza. Las tres son gratuitas y es posible disfrutar de las mismas en una sola mañana. Muchas de las obras que reúnen estas exposiciones nunca habían estado anteriormente en España y será bastante complicado poder disfrutar de ellas.

Exposición "Arte en la calle: Manolo Valdés en Zaragoza"

2008-07-22T18:07:00.008+02:00

No todas las noticias culturales en la capital maña iban a tener como escenario la muestra internacional Expo Zaragoza 2008. Es por ello que, el Paseo de la Independencia de Zaragoza, entre las calles Zurita y Bruil, acogerá, hasta el 28 de agosto, una muestra de la obra escultórica del artista Manolo Valdés. La exposición al aire libre del autor valenciano incluye diecisiete esculturas monumentales de hierro y bronce que los viandantes pueden ver y tocar. Entre las esculturas encontraremos obras como la reina Mariana, la infanta Margarita, cabezas con tocado, la gran odalisca de Ingres y las famosas Meninas (ver foto). Otras esculturas destacadas de la muestra son la gran Dama de Elche, donde un dinámico y bello tocado choca contra un rostro tosco y casi sin rasgos y los colosos, cada uno con un sombrero diferente y que hacen pensar en las esculturas que antiguamente se erigían en la entrada de las ciudades como un elemento de protección e identidad. Sin duda, esta exposición se trata una propuesta artística de primer nivel y gran interés cultural.

La exposición ha sido promovida por la Fundación La Caixa, organizada dentro de su programa "Arte en la Calle", programa que tiene el claro objetivo de hacer accesible el arte a todos los ciudadanos españoles. En la muestra abundan las referencias a la cultura y la historia del arte, desde obras asociadas con la mitología griega hasta esculturas dedicadas al genial pintor sevillano Velázquez, pasando por otros pintores y artistas como Matisse, Ingres y Brancusi. Esta claro que Valdés no quiere ocultar sus fuentes de inspiración, obras de museos famosos como el Metropolitan y el Prado, así como pinturas y esculturas del arte contemporáneo.

Manolo Valdés es uno de los principales artistas españoles de la actualidad, afincado en Nueva York desde hace más de diez años, es quizá el artista español vivo más internacional. Este artista valenciano fue uno de los fundadores, junto a Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, del Equipo Crónica o Crónicas de la realidad, un grupo de creadores representativo del Pop Art español y que ilustró, en tintas planas y serigrafías y de forma muy personal, la realidad política y social de la España de los sesenta y los setenta.

Tras la muerte de Solbes, Valdés continuó su trayectoria artística en solitario como pintor, escultor, grabador y cartelista, alternando la pintura con la escultura. Una de sus exposiciones itinerantes más famosa fue la de las "21 Meninas", que se inauguró en los jardines del Palais Royal de París, terminando en la plaza de la Escandalera y el paseo de los Álamos de Oviedo, no sin antes haber pasado por la Pelikan Platz de Zúrich. En los últimos años Valdés ha realizado esculturas de gran formato para diferentes ciudades, como Madrid, Valencia y Biarritz.

Exposición de arte en el Thyssen-Bornemisza: Miró - Tierra

2008-06-17T17:52:00.006+02:00

El Museo de Arte Thyssen-Bornemisza presenta la exposición "Miró: Tierra", una retrospectiva inédita del genial pintor catalán. La muestra ofrece un amplio recorrido por toda la trayectoria creativa de Joan Miró, empezando desde la fecha en que realizó su primera exposición individual en 1918, hasta llegar a sus últimas obras pictóricas. Toda la exposición gira en torno al concepto de tierra, entendido en el sentido más amplio de la palabra, no sólo limitado a la tierra en donde nació Miró, Cataluña, sino también aplicado a las más variadas cualidades y valores de las culturas rurales, como la fábula, la leyenda, la desmesura, la fertilidad o la sexualidad. En el lenguaje del pincel, de la pintura, del arte, la tierra se manifiesta en la experimentación con la materia y en el juego con las formas, buscando lo tradicional, primitivo y de origen remoto.

Estos rasgos estilísticos, que la exposición intenta destacar, permiten ver a Joan Miró como el gran precursor del expresionismo abstracto y el informalismo, tendencias que prevalecieron durante las décadas de la mitad del siglo XX, y en las que destacarán pintores y artistas de la generación posterior a la de Miró, con los que éste compartió muchas cosas en común.

La exposición esta dividida en siete secciones:

Mont-roig: Con obras de su primer lenguaje pictórico personal como el Huerto con Asno (óleo sobre lienzo pintado en 1918).

Transparencias animadas: Donde empieza a verse la influencia de Paul Klee en cuadros como Hombre con pipa (óleo sobre lienzo pintado en 1925).

Paisajes del origen: Época de dibujos simples y esquemáticos como Paisaje con conejo y flor (óleo sobre lienzo pintado en otoño de 1927).

Polimorfismos: Fase en la que Miró prácticamente abandona la pintura empezando a investigar el mundo de las tres dimensiones y experimentando con otros medios artísticos como el collage.

Figuras plutónicas: Miró empieza a pintar de nuevo lo que el llamó sus pinturas salvajes, destacando obras como Dos mujeres (óleo y arena sobre cartón pintado en 1935).

El retorno: Tras la guerra civil el pintor catalán vuelve a España y empieza a adentrarse en disciplinas como la cerámica y la escultura con obras como Personaje doble (cerámica esmaltada creada en 1956).

Ciclos: Época en la que la producción de Miró se hace más abundante con cuadros como Lienzo quemado 3 (pintura acrílica sobre lienzo quemado pintada en 1973).

La exposición cuenta con cerca de setenta obras de Miró, incluyendo pinturas, dibujos, collages y cerámicas. Obras de arte procedentes de colecciones de todo el mundo que han sido seleccionadas para la ocasión por Tomás Llorens, comisario de una muestra de la que podremos disfrutar hasta el 14 de septiembre en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Exposición de arte el "Seicento Napoletano: Del naturalismo al barroco"

2008-05-27T18:25:00.008+02:00

La Fundación Banco Santander y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando han organizado la exposición de arte "Seicento Napoletano: Del naturalismo al barroco". La muestra incorpora una amplia selección de la pintura napolitana del XVII, un siglo en el que sobresalió el arte italiano procedente de Nápoles. Durante dicha época se fundieron la tradición grecolatina con nuevas corrientes del barroco impulsadas por pintores y artistas considerados de vital importancia en la actualidad. Los artistas napolitanos fueros los creadores de un barroco italiano único, de gran interés para todos aquellos que amamos el arte. Asimismo, entre Nápoles y España siempre hubo importantes intercambios culturales gracias a la influencia de diferentes figuras de nuestra monarquía, hecho claramente refrendado por la importante presencia de numerosas pinturas, lienzos y cuadros de artistas napolitanos que se conservan en España.

En la exposición "Seicento Napoletano: Del naturalismo al barroco" se dan cita los creadores napolitanos más importantes del siglo XVII, artistas que dieron a la pintura italiana una riqueza de luces y sombras, una calidad, y una variedad de temáticas inmejorable. La muestra se inicia con un inmejorable Ecce Homo de Giovanni Battista Caracciolo, continuando después con naturalezas muertas y paisajes de increíble belleza, pasando por escenas de interior y los más representativos pasajes de la historia sagrada típicos de la época, y terminando con escenas mitológicas y crónicas de la vida social del siglo XVII.

La exposición ha podido ser montada gracias a las obras, cuadros y liezos cedidos temporalmente por el Museo de Capodimonte, el Museo Correale di Terranova, el Museo y Cartuja de San Martino, el Museo Castel Sant’Elmo, el Museo Diego Aragona Pignatelli Cortes, el Museo Civico Filangieri y la Colección Intesa Sanpaolo, así como a distintos préstamos realizados por coleccionistas particulares.

Los madrileños podremos disfrutar gratis de esta muestra hasta el 13 de julio de 2008 en la sede de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. El horario es de martes a sábados de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 y lunes, domingos y festivos de 10:00 a 14:00 (cerrando el 15 y el 30 de mayo). Los lunes y martes a las 11:00 se dan visitas guiadas también gratuitas.

Artículos relacionados: Velázquez y las esculturas del Alcázar.

Exposición de pintura: Sorolla, visión de España

2008-05-14T20:35:00.005+02:00

Las exposición de arte Sorolla, visión de España ha sido organizada por la Obra Social Bancaja en conjunción con la Hispanic Society of America, sociedad fundada por el hispanista norteamericano Milton Huntington a principios del siglo XX con el objetivo de dar a conocer el arte y la cultura española en los Estados Unidos.

Después de tener un éxito espectacular en Valencia, la muestra Sorolla, visión de España se ha trasladado a Sevilla. Así pues, la exposición de arte, que abrió sus puertas el 24 de abril de 2008, podrá verse hasta el 29 de junio de 2008 en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

La muestra cuenta con catorce pinturas de gran tamaño (murales o paneles) del famoso pintor valenciano. Dicha obras fueron encargadas en 1911 a Joaquín Sorolla (1863-1923) por Milton Huntington para decorar una de las salas de la Hispanic Society, sala que en un principio iba a ser la biblioteca de la sociedad, pero que finalmente se convirtió en la Sala Sorolla.

Es la que es la primera vez que estas obras de arte salen de su emplazamiento original habiendo sido restauradas para la ocasión por un equipo de expertos bajo el patrocinio de la Obra Social Bancaja y la Hispanic Society. La exposición incluye una muestra de fotografías en la que se puede ver todo el proceso de restauración de las obras.

Los títulos de los catorce paneles y murales pintados directamente del natural por Sorolla y que podemos ver en esta exposición de arte son: La fiesta del pan (Castilla), Los nazarenos (Sevilla), La jota (Aragón), El concejo del Roncal (Navarra), Los bolos (Guipúzcoa), El encierro (Andalucía), El baile (Sevilla), Los toreros (Sevilla), La romería (Galicia), El pescado (Cataluña), Las grupas (Valencia), El mercado (Extremadura), El palmeral (Elche) y La pesca del atún (Ayamonte).

Sin duda estos murales constituyen una obra pictórica colosal que ocupó los últimos años de la vida activa de Joaquín Sorolla; el pintor empezó la tarea en 1912 terminando en 1919, año en que pintó el último de los murales. El propio pintor la identificó como la obra de su vida en distintos escritos y libros que todavía se conservan. En mi opinión se trata de la obra más importante de Sorolla y uno de los más importantes conjuntos pictóricos de la pintura del siglo XX.

Horario de la exposición: De martes a sábado de 9 a 21 horas (última entrada a las 20 horas); domingos y festivos de 9 a 15 horas (última entrada a las 14 horas). Lunes cerrado. El 17 de mayo, con motivo del Día Internacional de los Museos, la exposición se abrirá ininterrumpidamente de 9 a 23 horas (última entrada a las 22 horas).

Después de Valencia y Sevilla esta previsto que la exposición de pintura Sorolla, visión de España se traslade a las ciudades de Málaga, Barcelona, Bilbao, Madrid y, finalmente, nuevamente a Valencia.

Exposisión de escultura en la Sala Alcalá 31: Esculturismo e iconos ácidos

2008-04-30T07:53:00.005+02:00

La Sala Alcalá 31 acoge desde el día 17 de abril y hasta el 18 de mayo una exposición de arte inspirada en los iconos populares y símbolos cotidianos. La muestra, a la que se ha denominado Esculturismo, está compuesta por 14 instalaciones de 11 artistas de la baja cultura, del icono popular y el símbolo cotidiano, que hacen uso del humor para desacralizar lo trascendente y dignificar lo banal. Se trata de una exposición en la que se visualiza el arte de la ironía a base de la utilización de iconos ácidos representados por personajes populares y cotidianos, ídolos masivos e imágenes comerciales y televisivas.

Los artistas participantes son: Virginie Barrè, Eugenio Merino, Bene Bergado, Enrique Marty, Óscar Seco, Mateo Maté, Tony Matelli, Adrian Tranquilli, Chus García-Fraile, Bruno Peinado y Jorge Perianes. Las obras de estos artistas no han sido realizadas trabajando materiales nobles como el mármol o el bronce, sino otros más cotidianos como la fibra de vidrio, el látex, el plástico, las resinas, el poliéster y el poliuretano. Los participantes en esta exposición han querido concebir el arte como medio de comunicación y no como revelación de lo bello, expresando sus ideas en eslóganes, anuncios y titulares.

En la foto podéis ver una de las esculturas pertenecientes a la exposición, obra de Enrique Marty en la que aparecen Alberto Ruiz Gallardón y Esperanza Aguirre y a la que su autor ha dado el nombre de Abducción.

La muestra Esculturismo permanecerá abierta al público, con carácter gratuito y hasta el próximo 18 de mayo, con horario de 11:00 a 20:30 horas, de martes a sábados; y los domingos, así como los días 2 y 15 de mayo, de 11:00 a 14:00 horas. Los lunes y el día 1 de mayo, la sala permanecerá cerrada. Por otra parte, también con carácter gratuito, todos los sábados de 12:00 a 14:00 horas y de 18:00 a 20:00 horas y los domingos de 12:00 a 14:00 horas se realizarán visitas guiadas para ayudar al público asistente a acercarse a la realidad de esta exposición.

Exposición sobre Luca Giordano en el Casón del Buen Retiro

2008-04-24T21:50:00.004+02:00

El Museo de Prado está celebrando la reforma del Casón del Buen Retiro con jornadas de puertas abiertas desde el 21 de febrero al 4 de mayo. Durante este tiempo será posible disfrutar del magnífico fresco que el artista napolitano Luca Giordano (1634-1705) pintó en el techo de la bóveda del Casón, la Apoteosis de la Monarquía española, y cuya restauración, ya terminada, comenzó en 2001. La muestra incluye también una interesante selección de setenta y cinco piezas, entre dibujos, planos arquitectónicos, acuarelas, óleos y estampas.

La exposición en el Casón del Buen Retiro presenta cincuenta y seis obras, desde pinturas a lápiz hasta óleos sobre lienzo, del artista italiano. Entre los cuadros más conocidos se encuentran un retrato de Carlos II a caballo, un Autoretrato, la Batalla de Fernando el Católico, Rubens pintando la alegoría de la paz, Santa Rosalía, El beso de Judas, La prudente Abigail, Bethsabé en el baño, La diosa Flora, y un largo etcétera.

La entrada a esta exposición de arte es gratuita y el Casón del Buen Retiro permanece abierto todos los días de 12:00 a 20:00h excepto lunes y martes.

Arte del Renacimiento y el Barroco: La Galería de los Uffizi en Madrid

2008-03-31T20:43:00.004+02:00

Sin duda, la Galería de los Uffizi es una de las más importantes pinacotecas del mundo. Esta galería, situada en Florencia, estuvo vinculada originalmente a la familia Médicis, familia que fue incorporando obras a la colección procedentes de conventos, monasterios e iglesias de la Toscana. La Galería de los Uffizi es en la actualidad uno de los máximos referentes del arte pictórico italiano, incluyendo obras de arte que abarcan desde la época medieval hasta el siglo XVIII, siendo las obras de los periodos artísticos del Barroco y el Renacimiento las más valiosas de la colección, ya que incorpora cuadros y pinturas de todos los grandes maestros italianos de dichos periodos.

La obra social de la Fundación la Caixa, a partir de los fondos de la Galería de los Uffizi, ha montado la exposición El pan de los ángeles, exposición que nos muestra un recorrido por la espiritualidad de Occidente en torno a un tema central: el sacrificio del hijo de Dios que redime al ser humano del pecado original. Es la primera vez que se exhiben en España obras de excepcional calidad de Botticelli, Il Parmigianino, Luca Signorelli y Cristofano Allori que habitualmente se exponen en Florencia, Italia. La muestra reúne cuarenta y cinco obras maestras realizadas entre los siglos XV y XVII, sobresaliendo cuadros y pinturas de, entre otros, los artistas antes mencionados.

La exposición se abre con tres tapices que representan la Última cena, el Descendimiento de la cruz y la Resurrección, realizados a partir de bocetos de Alessandro Allori y Francesco Salviati. La muestra continúa con un recorrido por el Antiguo Testamento con La creación de Adán, pintada por el artista florentino Jacopo da Empoli, El sacrificio de Isaac, creada por el pintor barroco Livio Mehus, y La caída del maná, obra de Fabrizio Boschi.

Otra de las secciones de esta fantástica exposición de arte se centra en la Natividad, la Virgen y el Niño, y la Sagrada Familia, incluyendo obras tan significativas como la Virgen de la galería de Sandro Botticelli pintada en 1467 (ver foto), una Virgen con el Niño, pintada por Il Parmigianino en 1525, y una Sagrada Familia atribuida a Michele di Rodolfo.

La exposición cierra con las temáticas de la última cena, la crucifixión y la resurrección de Cristo, siendo la obras más importantes de este apartado, una Escena de calvario de Luca Giordano, realizada entre 1685 y 1686 para la capilla de la familia Del Rosso, en Florencia, y un cuadro de la Virgen en el que aparece junto a los símbolos de la pasión de Cristo sobre un verso de Dante que reza: "No se piensa en cuánta sangre cuesta", cuadro pintado por Alessandro Allori en 1581.

La exposición podrá ser visitada del 19 de marzo al 25 de mayo, permaneciendo abierta de lunes a domingo de 10 de la mañana a 8 de la tarde. La entrada es gratuita y el recinto CaixaForum de Madrid se encuentra en el Paseo del Prado número 36.