Cuando el Pisuerga pasa por Valladolid

Sidonie y su Fluido García en Valladolid.

2012-03-28T19:15:00.000+02:00

El pasado sábado 24 de marzo, la Sala de Teatro Experimental del Miguel Delibes presentaba la mejor entrada de la temporada, hasta la fecha, para recibir al trío catalán Sidonie (Marc Ros, voz y guitarra; Jesús Senra, bajo; y Axel Pi, batería; a los que se suma en esta gira David. T. Ginzo, guitarra), que en esta ocasión se presentaban en Valladolid con El Fluido García como último trabajo bajo el brazo.

El título del disco está extraído de la novela de ciencia ficción de Enrique Gaspar y Rimbau El Anacronópete, en la que los personajes que viajan en el tiempo a través de una máquina al efecto, tienen que consumir el "fluido garcía" para evitar rejuvenecer al viajar hacia atrás en el tiempo, y burlar así la llamada paradoja del abuelo.

De modo que podemos considerar que la elección del título no es casual. Más bien al contrario, desde el mismo reivindican su trabajo y trayectoria, en la medida en que se han hartado de promocionarlo como una vuelta a la psicodelia de sus primeros discos, en clara contraposición a los ritmos más poperos de discos como Costa Azul o El Incendio de los que, en ningún caso, reniegan.

Ésta era la segunda vez que iba a ver a Sidonie en directo. La vez anterior fue el verano pasado, en el marco del Lowcost Festival y, la verdad, quedé un poco decepcionado. El concierto no fue todo lo divertido que yo esperaba, aunque también reconozco que las circunstancias no acompañaron: les tocó abrir el escenario principal, con lo que aun era de día y la gente todavía estaba empezando a llegar. Además, los conciertos festivaleros, ya se sabe, son un poco atropellados por la limitación de tiempo, sobre todo para los que no son los principales cabezas de cartel.

Pero en este caso la situación era mucho más propicia. Una sala de lujo; un público que sabía a lo que iba y que cuasi completaba el aforo; y una plaza, Valladolid, en la que ya habían "toreado" varias veces con rotundo éxito. De modo que sí, éste iba a ser un concierto muy distinto. Y cumplió con las expectativas de pasar un buen rato.

Aspecto de la sala antes de comenzar el concierto

Y por buen rato me refiero a casi dos horas de concierto, en las que Sidonie desgranó no sólo El Fluido García, sino también los grandes temas de trabajos anteriores que han contribuido a colocarles en la posición privilegiada que ocupan entre lo más granado de la escena musical nacional.

Ello sirvió para comprobar varias cosas. La primera y más importante es que con una carrera ya consolidada con tantos discos a sus espaldas, cuentan con un puñado de canciones bailables, pegadizas y de estribillo coreable, muy reconocibles, que abonan la sensación, a ratos, de que estos tipos son una máquina de fabricar singles. Como prueba, ahí está un setlist que da cabida por igual a Costa Azul, Fascinado, Un Día Más En La Vida, Los Olvidados o El Incendio.

A sus éxitos consolidados se unían los nuevos temas de El Fluido García, un disco irregular en su desarrollo, que combina temas de distinto nivel e intensidad (nada tienen que ver los reconocibles, en la medida en que han funcionado como tarjeta de presentación del álbum, El Bosque o A Mil Años Luz con El aullido o Bajo un cielo azul, por ejemplo), aunque es indudable que existe un cierto patrón o hilo conductor: esa pretensión de alcanzar el cacareado sonido psicodélico, que para mi se queda más en búsqueda.

Porque para mí (personalísima opinión) esos trallazos o ramalazos guitarreros con los que visten muchas de las nuevas canciones no me sirven para definirlas, ya que al final siguen teniendo más peso esas letras blanditas de estribillos repetitivos que caracterizan el pop elástico (y correctísimo) que les puso en el disparadero para una amplia audiencia, entre la que me encuentro. No obstante se agradece mucho el perfil que ofrecen estas nuevas canciones que, en todo caso, funcionan muy bien en directo. Cante Marc o cante Jesús (caso de La Huída), por cierto.

Con estos mimbres el concierto se desarrolló, nunca mejor dicho, fluido. Con un punto de inflexión clarísimo, bajando la intensidad al atacar El Aullido e irrumpir Marc entre el público arrastrado dentro de un carro de súper cantando a capella Giraluna.

Vídeo de Giraluna (alarido de Javi Vielba, presente entre el público, incluido, min. 0:28)

Se marcaba así una suerte de intermedio, que daba pie a una segunda parte del partido que arrancaba con Sidonie compartiendo escenario con Dehra Dun, grupo local que había ejercido las labores de telonero, para interpretar Sidonie Goes To Varanasi, de su primer disco.

Momento del concierto

Continuaría con un set acústico protagonizado por la interpretación de Bajo un cielo azul (de papel celofán), que presentaron (pomposamente, desde mi punto de vista) como una "ópera folk" que, sin embargo, más bien responde al patrón de un medley en el que pueden asomarse canciones como Sylvia. Confesos amantes de los Beatles, supongo que no resulta difícil encontrar aquí un abierto homenaje a los cuatro de Liverpool, reconocibles acordes del Blackbird incluidos. Para mi uno de los momentos álgidos del concierto (hace poco participaron en Los conciertos de Radio 3 y su interpretación de Bajo un cielo azul en Valladolid fue básicamente idéntica, así que dejo el video).

Bajo un cielo azul (de papel celofán) en Los Conciertos de Radio 3

Adalides de la pose del "sex, drugs & rock'n'roll", dieron muestra de un apetito más mundano al reconocer que tienen en Valladolid uno de sus templos gastronómicos personales (en concreto en el restaurante La Raíz que, por cierto, gracias a ellos ya tengo anotado, porque ni me sonaba...). Lo cual suma un motivo más para que vuelvan de nuevo, vista la buena respuesta del público y su feeling con el grupo (Jesús Senra nos puntuó al final del concierto como dentro del "puto top five").

Final del concierto

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Rufus Wainwright y la OSCYL: crónica del concierto irrepetible de un artista único.

2012-02-29T14:00:00.000+01:00

El pasado sábado las puertas de la Sala Sinfónica del Auditorio Miguel Delibes se abrían para recibir uno de los acontecimientos musicales y artísticos de este año en Valladolid: el concierto de Rufus Wainwright junto con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCYL). Buena muestra de ello fue el lleno registrado y el hecho de que muchos de los espectadores venían de fuera de la ciudad (¡y del país!) para ser testigos de un espectáculo único que contribuye a poner en el mapa a nuestra ciudad (para el propio Rufus también, que confesaba que mientras volaba hacia aquí no tenía ni idea de dónde estaba una ciudad de la que nunca había oído hablar) y a resaltar el genial programa artístico al que se nos está acostumbrando desde este centro cultural.

Cartel del concierto

Rufus Wainwright es un artista único, un iconoclasta a su manera, un músico difícilmente clasificable a pesar de que se le pueda adjudicar fácilmente la etiqueta de songwriter. Indudablemente es un compositor notabilísimo, no sólo en lo que a las letras se refiere, sino a la música también, siendo plenamente aplicable a ambos aspectos el adjetivo de lírico. Y es que su trabajo rezuma lirismo. El concierto de Valladolid se presentaba bajo el título de "Classico Rufus", pero bien podría haberse titulado "Lírico Rufus".

El canadiense, un tipo especial proveniente de una familia de músicos y con una sensibilidad evidente, ha confesado en numerosas ocasiones la influencia que ha tenido en él la música clásica y, muy en particular, la ópera. Ello se respira en la discografía de un artista pop que, conocido por el gran público por su participación en varias bandas sonoras, ha llegado a escribir y producir su propia ópera.

Arrancaba la noche con una enérgica interpretación por parte de la OSCYL de Carnaval, Obertura Op. 92, de Dvorak, obra que fue escogida, en palabras del encargado de dirigir a la orquesta, Andrés Franco, "no sólo por las fechas, sino porque se trata de una obra muy vital y las canciones de Rufus hablan precisamente de eso, de la vida". Tras semejante presentación irrumpió sobre el escenario un Rufus dandy Wainwright, vestido con traje y chaleco gris, zapatos de doble hebilla, calcetines color turquesa, foulard al cuello y flor de tela en la solapa, al que se recibió como a un auténtico divo.

La primera parte del concierto tomaba tintes de recital, con la interpretación de cinco sonetos de William Shakespeare orquestados por el propio Wainwright, tres de los cuales aparecían en su último disco hasta la fecha, All Days Are Nights: Songs For Lulu (Sonet 43 -When Most I Wink-; Sonet 20 -A woman's face-; y Sonet 10 -For Shame-). Cinco movimientos interpretados por la orquesta para acompañar, para arropar, para envolver el intenso ejercicio de poética declamación, de canto, de homenaje de un bardo a otro bardo. Cinco movimientos entre los cuales no se aplaudió por expresa petición de Wainwright, lo que dotó a la actuación de una mayor profundidad, al no romperse la continuidad de la interpretación y favoreciendo su apreciación global. Qué belleza. Qué originalidad. Qué sensación única. El estruendo con que estalló el auditorio, aunque previsible, puso de relieve la fascinación con la que el público recibió semejante ejercicio de lirismo audaz.

Rufus y Andres Franco recibiendo la ovación del público tras la 1ª parte

La segunda parte del concierto se suponía que transcurriría por terrenos más desenfadados, más pop, con un Rufus menos hierático y que interactuaría con el público desde el primer momento, presentando cada una de las canciones y dejando comentarios y perlas varias por el camino (desde lo orgullosos que debíamos sentirnos por la formidable OSCYL a lo "guays" que somos en España por tener regulado el matrimonio homosexual). Empezaría sentado al piano, interpretando Vibrate, Little Sister y This Love Affair (al final se cayó del setlist previsto What Would I Ever Do With a Rose), temas que aunque ya contaban con unos interesantes arreglos en sus grabaciones originales, sin embargo nada tienen que ver con el nivel al que quedan elevados cuando son interpretados junto a una orquesta sinfónica.

Tras este bloque, Rufus volvía a colocarse de pie frente a una partitura para enfrentarse, valiente, a la interpretación de una parte de las Noches de Verano de Hector Berlioz, una de cuyas arias, confesó, es la más bella que ha escuchado jamás y que la primera vez que la oyó, estando al volante de su coche, la sensación fue tal que casi tiene un accidente. Reconoció que él no era ni pretendía ser un cantante de ópera. Sin embargo, qué valiente, abordó su particular homenaje al género y a esta obra haciendo gala de un ejercicio de modulación vocal asombroso. Espectacular. La suya no es una voz única, rica en registros y matices pero, sin embargo, es muy especial. Y, como digo, su capacidad de modularla es absolutamente brutal. Una maravilla.

Como broche final, el programa tenía previsto un último tramo que arrancaba con una OSCYL convertida en big band para interpretar el You Go to My Head, de Cole Porter, del que Rufus se declaró fan absoluto. Para mí aquí se alcanzó la cima del concierto, con una orquesta y un Wainwright absolutamente desmelenados transportándonos hasta el Nueva York de los cincuenta a ritmo desenfrenado.

Con las pulsaciones disparadas atacaron el clásico Over The Rainbow (extraído de su homenaje a Judy Garland), para concluir el programa oficial con un tema de Rufus perfecto para cerrar por sus arreglos: Oh What A World. Éxito absoluto, público puesto en pie y primer bis: Rufus sentado al piano interpreta su versión del inmortal Hallelujah de Cohen.

Video de Hallelujah

Éxito rotundo y algarabía general para forzar un bis más. Bis que representaría la gran sorpresa con la que rematar la velada: Rufus y la OSCYL interpretarían, de propina, el aria final de su ópera Prima Donna, recientemente estrenada en Nueva York con división de opiniones por parte de la crítica (Rufus aprovechó para dejar un sarcástico comentario a cuenta del repaso que le hicieron desde las páginas del New York Times).

Cerrada ovación con sabor a despedida a este artista valiente, sensible y único que, junto con la OSCYL, firmó, probablemente, una de las noches más memorables que se recuerdan en el Delibes. Tan prolongados y tan intensos fueron los aplausos que el canadiense no sólo se vio obligado a salir a saludar hasta en cuatro ocasiones sino que, ante la insistencia del respetable, se sentó de nuevo al piano para interpretar Poses, pedida por algunos desde la grada.

Video de Poses

Lo dicho: concierto irrepetible de un artista único.

Programa del concierto.

Erik Truffaz en Valladolid.

2012-02-27T14:38:00.001+01:00

Desde este mes de febrero y hasta el próximo mes de mayo, recorrerán nuestro país cuatro de los nombres más importantes del jazz actual (Erik Truffaz, Joe Lovano, Robert Glasper y The Bad Plus), bajo la marca del festival Jazz In Blue 2012. Y entre las ciudades escala de estos músicos se encuentra Valladolid, que les da acogida en el Auditorio Miguel Delibes dentro del ciclo Delibes+ (cuya programación se encontraba ya cerrada el verano pasado).

En este contexto, el pasado viernes 17 Erik Truffaz se presentó en la Sala Experimental del Delibes ante una audiencia que cubría unas dos terceras partes del aforo (aprovecho para repetir una vez más que es una pena que el público no respalde de manera abrumadora iniciativas como esta pero, al mismo tiempo, reitero la paupérrima política de promoción y difusión desarrollada por los responsables de la gestión de la programación del Delibes). Lo hizo arropado por sus fieles: Marcello Giullani al bajo, Marc Erbetta a la batería y Benoît Corboz a los teclados. El Erik Truffaz Quartet.

El nombre de Erik Truffaz suele llevar asociada la etiqueta de "pope del electro-jazz". Pero, al margen de que absolutamente toda la música que pudimos disfrutar los presentes fue hecha en directo, sin recurrir a pregrabado alguno, la única cacharrería electrónica de que hicieron uso fueron las cajas de efectos inherentes a los teclados de Corboz (un hammond y un rhodes, que interecaló con un piano de cola) y el pedal para la sordina electrónica de la trompeta del propio Truffaz. Las mayores filigranas apoyadas en algún artilugio electrónico fueron los procesados de voz que realizaba Marc Erbetta, aplicándoles retardos y reiteraciones para crear un bucle con el que reforzar la base rítmica del tema, como hace en The Secret of the Dead Sea, tema que abre In Between y con el que también comenzaron el concierto.

Precisamente este disco, el último de la carrera de Truffaz, funcionó como hilo argumental del recital, sin perjuicio de que se recorrieran otros álbumes a través de temas como Trippin' the Lovelight Fantastic o Arroyo. Una hora y tres cuartos de jazz de altos vuelos, de fusión del clasicismo más minimalista (sin necesidad de visitar ningún estándar) que expiraba la trompeta de Truffaz en muchos de sus solos a la más fantástica de las fusiones con el rock o el funky.

Sobre el escenario Truffaz se comporta como una especie de adusto reverendo que conduce su homilía con la seguridad del que repite un sermón muy interiorizado con el paso de los años. Esta es mi verdad, este es mi camino, aquí esta la puerta que os muestro. Así la mirada persigue esa espigada figura que se encoge bajo la luz de los focos abrazada a una trompeta que escupe, certera, ora una confesión, ora un lamento. Una revelación. Que conmueve y convence.

Truffaz se sitúa en el centro del escenario, pero deambula por todo él cuando lo entiende necesario, para salirse del encuadre y ceder protagonismo a cualquiera de los tres excepcionales músicos que le acompañan (no puede destacarse a ninguno por encima de los otros, porque todos son sencillamente sensacionales; sus solos provocaban que el público rompiera con aplausos la ejecución de los temas en que irrumpían). Imposible no tratar de seguir el ritmo con los pies, con la cabeza, con un chasquido de lo dedos... incluso con palmas, promovidas por el propio Truffaz en la última pieza.

Protagonismo absoluto para la música, ese lenguaje universal (aunque algunos con un punto snob, como Ryuchi Sakamoto quien, por cierto, visitó Valladolid también hace sólo un par de meses, opinen lo contrario) basado en las sensaciones. La que nos dejó el Erik Truffaz Quartet fue de plenitud, tras haber dejado bien patente el nivelazo del jazz hecho a este lado del Atlántico.

Rompiendo el silencio con Standstill.

2012-02-08T17:33:00.000+01:00

Hola, ¿qué tal? ¡Cuánto tiempo!

Pongamos las cartas encima de la mesa y seamos sinceros: el del sábado pasado fue el tercer concierto de Standstill al que he asistido en un año. Premeditación. Alevosía. Sí, lo confieso: Standstill me encanta, es uno de mis grupos favoritos. Aunque no sacaré pecho diciendo que les conozco desde su etapa hardcore, ya que más bien soy un seguidor neófito.

Hace poco más de un año recalaban en Valladolid con el Rooom, espectáculo expresamente concebido para poner de largo su último disco, Adelante Bonaparte. Había oído hablar de ellos, del disco y del espectáculo, así que con las entradas en la mano empecé a escuchar a estos chicos. Y me gustaron. Su música, sus letras, la versatilidad de su estilo. Y su apuesta por hacer las cosas de manera distinta. El Rooom me enamoró, y elevó a un estadio diferente, superior, un disco con el que ya disfrutaba mucho (¡y yo que me he quedado sin la edición limitada del triple vinilo!). Espectáculo intimista y emocionante, único. Como tiene que ser la música en directo.

En verano volví a verles, esta vez en un formato más convencional, un concierto festivalero con ocasión del Lowcost 2011. Brutal. Qué distintas suenan las canciones del Adelante..., a las que se suman los temas del sublime Vivalaguerra (ojalá en un futuro recuperen el espectáculo ad hoc, que muchos no vimos en su momento).

Así que, con esos precedentes, llegamos a la Sala Experimental del Auditorio Miguel Delibes (no me cansaré de decirlo: qué lujo de infraestructura), que sin llegar al lleno (en su composición abierta, sin grada) alcanzó una muy notable entrada de gente que repetía experiencia (tras el Rooom, que agotó todo el papel) o que se acercaba a Standstill por vez primera, fruto del boca a boca.

Arrancó el concierto con Todos de pie, con Enric Montefusco sentado a su pequeño teclado en una estampa que, no puedo evitarlo, me recuerda a Schroeder, aquel personaje de las tiras de Snoopy, el amigo de Charlie Brown que tocaba un piano diminuto. Aunque Enric no toca solo, sino que poco a poco se le van sumando Piti, Víctor y los Rickys. Inmediatamente, y cambiando piano por una de sus dos acústicas, esta figura menuda, sensible y aparentemente indefensa atacará los inconfundibles primeros acordes de El resplandor, y nos dirá aquéllo de que, otra vez, tentado está de mandarlo todo a tomar por culo. Y, claro, nosotros, que ya empezamos a conocer un poquito su carácter voluble, le corearemos que vuelva: "vuelve, vuelve, vuelve". Que baje la guardia. Que sí, que todos necesitamos un poquito de cariño, respeto y atención. Que por eso estamos todos allí. Así que... a transitar otos terrenos más luminosos, más positivos, más optimistas, que eso siempre está muy bien.

La mirada de los mil metros, es uno de esos temas espectaculares que va creciendo poco a poco hasta lograr una comunión total entre la banda y el público, puesto en danza al ritmo que marca espectacularmente el bajo de Ricky Falkner, secundado por la batería de Ricky Lavado (por cierto, qué bueno es, y cuánta energía desprende tras sus platos y cajas), la guitarra de Piti Elvira y el piano de Víctor Valiente. Se van abriendo ventanas, dejando que entre el aire hasta alcanzar el desconcierto existencial, la declaración de intenciones. Sí, eso siempre está muy bien.

Enric y Ricky Falkner

Pero si hay una canción que, para mi, desprende el más hermoso (extraño y realista a la vez) optimismo vital es el Adelante Bonaparte. "Me voy a inventar un plan para escapar hacia adelante". Al fin y al cabo, bien podría ser eso la vida, una permanente huida hacia adelante. Avanzamos, unas veces consciente y voluntariamente y otras, quizá las más, nos vemos arrastrados por la corriente. Cuesta arriba y cuesta abajo, como en una montaña rusa; o en un círculo infinito, como en un tiovivo.

Y es por estos derroteros por los que transita todo el concierto, cuesta arriba y cuesta abajo, con acelerones y frenazos, con momentos más calmados y con otros más desatados. Ciertamente el contraste es algo que define muy bien el directo de Standstill, pasando del sosegado recogimiento de temas como Cuando Ella Toca El Piano a auténticos trallazos de adrenalina musical como ¿Por qué me llamas a estas horas? (danzad, danzad malditos al ritmo del bajo de Ricky, otra vez). No me detendré en cada tema del setlist porque creo que esto define muy bien sus conciertos. Vas a lomos de la banda, una bestia musical de larguísimo recorrido y tremenda potencia capaz de pasar del más preciosista trote a un galope desaforado en tan sólo un segundo. Y lo mejor es que tú no llevas las riendas, lo hacen ellos. Sólo tienes que dejarte llevar y disfrutar del paseo.

No obstante, no puedo dejar de señalar que, junto al Adelante Bonaparte y el Vivalaguerra, también desgranaron algunos temas (como Feliz en tu día, Poema nº 3 o Cuando) de su disco homónimo, Standstill, primera gran pirueta de los catalanes, que pasaron de cantar en inglés a hacerlo en español. Escapando siempre hacia adelante. Evolucinando, proponiéndonos puestas en escena diferentes, autoeditándose a través de su propio sello (Buena Suerte).

En estos tiempos en que tanto se habla de las virtudes del emprendimiento, hay que subrayar lo paradójico, hipócrita e incongruente que muchas veces resulta una industria como la musical, obcecada en seguir funcionando de la misma manera en que lo hacía hace veinte años lo que, desde la óptica del público, se traduce en una oferta infinitamente menor y terriblemente más pobre. En la radiofórmula y el stand de música del centro comercial de turno no tienen cabida grupos como Standstill, que con su esfuerzo y talento ponen de manifiesto que hay vida más allá de la mediocridad prefabricada, del consumo musical de usar y tirar. Son los emprendedores de la cultura. Con ellos, con gente así, sale el sol y cada día es un gran día. Gracias por venir. A ellos, que siguen ahí peleando por sobrevivir, disfrutando con lo que hacen y con lo que creen, compartiendo su entusiasmo y energía con nosotros, que cada vez somos más.

1, 2, 3 sol... Gracias, por venir.

El colofón al concierto lo puso en un último bis el Adelante Bonaparte, esta vez en su versión más luminosa (I). Se encendieron las luces de la Sala Experimental y podían verse las caras satisfechas de un publico que había disfrutado cantando, bailando, coreando, dando palmas o, simplemente, contemplando el espectáculo de la música en directo.

Y, aunque no me considero un fetichista, en realidad, el colofón fue conseguir la hoja con el setlist del concierto que Enric había tenido a sus pies, y lograr que Ricky Lavado se la llevara a la 'trastienda' para volver con ella firmada por todo el grupo.

Setlist firmado por la banda

Wilco: la tempestad y la calma.

2011-11-10T14:46:00.000+01:00

Y por fin llegó el día. El 3 de noviembre de 2011, en el Kursaal de San Sebastián, tuve la oportunidad de ver en directo a una de las mejores bandas de todos los tiempos: Wilco. Los descubrí hace poco, con motivo del lanzamiento de su disco anterior (Wilco, the album) y, tras bucear en su discografía, se convirtieron en mi grupo de referencia. Miles Davis podía alardear de haber cambiado el rumbo de la música en varias ocasiones. Quizá atribuir tal proeza a la banda de Chicago pueda considerarse pretencioso y excesivo, pero lo que es innegable es que han abierto de par en par las puertas del sonido del rock del s. XXI, lo que no es poca cosa.

¿Qué música hace Wilco? Rock, country, folk, americana... Su música trasciende estilos, reinventa varios y transita muchos, dejando poso. Con un sonido marcado por la búsqueda de nuevos territorios, que abre sendas que posteriormente serán atravesadas por muchos otros. Unos pioneros. Y, en directo, probablemente la mejor banda que puede verse hoy en día.

Póster de la gira europea 2011 de Wilco

El de San Sebastián era el tercer concierto de su gira española y, tras haber pasado por Madrid y Barcelona, habíamos tenido la oportunidad de leer numerosas crónicas y críticas (alguna sorprendente) de esos bolos anteriores, lo que siempre supone un peligro de cara a la forja de expectativas, ya muy altas de por sí.

El marco, y perdón por abusar del tópico, incomparable. El Kursaal es un edificio que a mi, personalmente, me encanta estéticamente. Pero es que además, desde un punto de vista puramente funcional, es fantástico. Su auditorio presenta unas condiciones de comodidad y visibilidad magníficas. Y su acústica es espectacular, a la altura de lo que debe esperarse de una infraestructura así.

Auditorio del Kursaal

Ya con la actuación de los teloneros tuvimos ocasión de comprobarlo (así como el buenísimo trabajo de los técnicos de sonido y de, probablemente, una prueba de sonido hecha en condiciones, de verdad). Por cierto, menudo grupazo que es Jonathan Wilson. Wilco no puede llevar a cualquiera a telonear sus actuaciones, está claro. Pero, madre mía, menudo buen gusto, vaya clase, qué calidad la de estos chavales. Muchos dirán que siguen la estela de ese rock alternativo de corte folk (ya sabéis, paisajes instrumentales con arreglos preciosistas y armonías vocales aderezadas con barbas y camisas de cuadros) al que vienen desmenuzando, dando forma y poniendo de moda grupos que van de Fleet Foxes a Band of Horses, pasando por Bon Iver o Iron and Wine. Bendita moda. La interpretación de temas como Gentle Spirit ante un auditorio wilcoansioso puso los pelos de punta a más de uno que no dejábamos de preguntarnos eso de "y estos... ¿quiénes son?". Una cosa más que tengo que agradecerle a Wilco es que me hayan descubierto a estos chicos. A ver si ahora que tienen su propio sello discográfico, y conociendo las cosas que le interesan a Jeff Tweedy cuando se mete a productor, apuestan por dar ese empujón a más bandas que seguro merecen mucho la pena.

Pero vayamos al grano, que aunque Jonathan Wilson son buenos, el papel se agotó para ver a Wilco, la mejor banda en directo del mundo, sin duda (¡dejémonos de probables!). Son una máquina perfectamente engrasada para ejecutar sin fallo una canción tras otra. No importa el disco, el tono, la complejidad de los arreglos... Sólo hay un objetivo: la perfección. Y eso empieza con el sonido más limpio que he escuchado nunca en un concierto (repito lo del trabajo de los técnicos de sonido, la prueba de sonido y demás). Para mi ello es muestra de la profesionalidad de un grupo que, a pesar de ir asentando poco a poco su propia legión de incondicionales, nada tienen de divos.

Eso también se escenifica. Se apagan las luces del auditorio, se ilumina el escenario y aparecen sobre las tablas, todos juntos, Jeff Tweedy, Nels Cline y compañía. Y cada uno ocupa su posición al tiempo sin que haya nadie que reivindique un protagonismo especial. Y es que sólo va a haber un protagonista: la música y el sonido. Wilco.

Arranca la noche con One Sunday Morning, esa pieza de doce minutos construida sobre la repetición metódica de una sencilla y bella melodía que sirve para cerrar The Whole Love y que, a priori, representa un anticlimax de libro con el que abrir un setlist. No para esta gente. Era su forma de decir acomódense; relájense para disfrutar, abran sus oídos; olviden sus prejuicios y expectativas que esto empieza. Y esa melodía, ese repetitivo patrón te agarra y te ata a la butaca, te sumerge en una espiral de sensaciones, de disfrute. Te hechiza.

Así comenzaban algo más de dos sublimes horas de concierto, de exquisita ejecución, de virtuoso ejercicio musical cuyo esqueleto estuvo apoyado en su último trabajo (el mencionado The Whole Love, disco que a mi personalmente me encanta, representando un compendio de lo que Wilco ofrece) y en el aclamado Yankee Hotel Foxtrot aunque, por supuesto, se tocaron temas muy destacados de otros álbumes de su carrera.

La escenografía preparada se limitaba al despliegue de la amplísima "cacharrería" (guitarras, sintetizadores, pedales, pianos, xilófonos y demás percusiones) de que se sirven estos músicos para hacer su música. En este caso, la expresión "hacer música" es acertadísima. En directo tienes esa oportunidad única de asistir al espectáculo excepcional que representa la construcción de una canción. Instrumento a instrumento. Nota a nota. Distorsión a distorsión. Ruido a ruido. Se van sacando las piezas de un puzzle que, conforme avanza el tiempo, se va complicando más y más, lo cual no impide que cada pieza sea colocada en su sitio para que disfrutemos del resultado final: música. Un torbellino musical que te pasa por encima y te arrolla. Perfectamente medido y milimetrado. Cada nota interpretada en su justo momento, cada destello de luz aplicado según el plan previsto. Y todavía hay algunos esnobs (esos que acuden a verles por enésima vez, y que repetirán, seguro, y a los que parece molestar que esta banda ya no sea conocida y apreciada únicamente por un reducido grupo de gente) que critican lo que no es sino duro trabajo y profesionalidad escondidos tras semejante ejercicio de virtuosismo.

A qué se parece ese torbellino musical. Yo me sentí como si, de repente, el Kursaal se convirtiera en la pista de despegue de un aeropuerto a la que duarante dos horas llegaban y salían aviones, con los que despegábamos y aterrizábamos para disfrutar entre medias de momentos de recogida calma. Probablemente Via Chicago sea una de las mejores canciones que recogen esto que digo.

Es indescriptible la sensación que produce ver a Jeff Tweedy clavado ante el micrófono, con su guitarra acústica, cantando eso de "...coming home, i'm coming home..." como si nada ocurriera a su alrededor, ajeno al 747 que a su espalda despega pilotado por el batería Glenn Kotche. Brutal. Cúmulo de contrastes. La tempestad y la calma.

No hice fotos ni videos durante el concierto, y no por el excesivo celo que el personal del Kursaal puso en evitar que la gente grabara (apenas podréis encontrar vídeos en youtube; en cambio, del concierto que dieron en Vigo al día siguiente podéis ver varios en el canal de este usuario), sino porque estaba tan metido en el espectáculo, lo estaba disfrutando tanto, que ni me acordaba de la cámara. Sólo me preocupaba una cosa: vivir con intensidad cada segundo. Disfruté tanto que, para cuando llegaron los bises, me sentía plenamente satisfecho. Casi (¡casi!) no me hubiera importado que no hubieran tocado Impossible Germany, para ver a Nels Cline interpretar en directo uno de los mejores solos de guitarra de la historia y, sin duda, mi favorito.

Ya entiendo por qué Wilco va multiplicando, concierto tras concierto, esa legión de fieles seguidores que están dispuestos a pagar casi lo que sea por verles de nuevo. Que silban, gritan y aúllan durante las dos horas en que son arrollados por el torbellino. Que pasados los días siguen con la sensación de haber asistido a algo especial, aun cuando en cada actuación rayen al mismo nivel. Soy uno de ellos. Y Wilco, únicos.

Setlist en Spotify

Concierto de La Habitación Roja en el Auditorio Miguel Delibes.

2011-11-02T22:59:00.001+01:00

El sábado 29 de octubre el Auditorio Miguel Delibes se puso popero abriendo las puertas de su sala experimental a la música de La Habitación Roja, cuya actuación se vería precedida por la del grupo local Lector Acróbata. Todo ello dentro de la programación del ciclo Delibes+ del que, creo, en este blog ya hemos tenido varias oportunidades de valorar muy positivamente su existencia, al atraer a estas excepcionales instalaciones a un público distinto del habitual (el que acude a ver a la OSCYL). Así, la clásica se echa a un lado para dar cabida a otros estilos musicales: del jazz al rock pasando, como era este caso, por el pop más puro.

Dicho esto, también quiero ser crítico con lo que yo entiendo una pobre promoción, que no está a la altura de la programación o de, por ejemplo, las modalidades de abonos que salieron a la venta a finales de verano (y que en algún caso representaban un ahorro de hasta un 25%). Más allá de los carteles de los distintos conciertos con los que cada semana se forran los muros de siempre de la ciudad, apenas hay difusión. A día de hoy no parece razonable que no exista una presencia apropiada en las redes sociales. Y digo esto porque el esfuerzo que se hace en conformar un programa variado y de calidad se puede ir al traste si no se percibe una respuesta en el público. Pero, paralelamente, para que tal respuesta se produzca es indispensable trabajar en una mejor comunicación.

Si no será bastante frecuente que el público asistente a muchos espectáculos se reduzca a apenas un par de centenares de personas. Lo cual no deja de ser un lujo para los asistentes, pero a lo mejor en estos tiempos que corren y con la estadística del papel vendido en la mano a algún gerente se le ocurre que esto no es sostenible.

Sí, apenas doscientas personas acudimos a ver el concierto. Ya digo, un lujo estar tan cerca de los artistas y tan cómodamente (con tanto espacio), en un escenario soberbio (la sala experimental es, sencillamente, es-pec-ta-cu-lar; ¿quién dijo que Valladolid no tenía infraestructuras de altura para estos eventos? ¡Menuda acústica!).

Sala experimental

Hablando del concierto en sí (y dejando a un lado la, para mi gusto, excesivamente larga actuación de Lector Acróbata), lo cierto es que no se me puede considerar un fan del grupo. De hecho, antes del concierto apenas lo había escuchado. Había aprovechado el descuento que ofrecía el abono para poder escoger la actuación de algún grupo que no conociera y así expandir horizontes musicales, y unos clásicos de la escena popera independiente nacional prometían. Porque esta gente ya tiene bajo el brazo un buen puñado de discos que responden a una dilatada carrera. El último álbum, Para ti Vol. 2, es la continuación a un volumen anterior, basado en versiones de grupos de la escena pop española de los años 80 y 90. Un homenaje a la música que han mamado y que les gusta.

Y así arrancaba el concierto (el último de la gira, por cierto), desgranando versiones. Una primera parte que se me hizo pesada (como diría mi amigo Javi, "son un poco rollete"). Temas, aunque siempre preciosistas, demasiado tranquilos (versión de Lluís Llach incluida) y más alejado del que parece ser el estilo de los valencianos. Sólo con las versiones de Mariajo (de Los Navajos) o de Quiromántico (de Sr. Chinarro), empezamos a movernos un poco.

Pero pasada esta primera fase, la banda se entregó a su propio repertorio y el concierto entró en otra dinámica, mucho más animada (¡que ésta es una banda con tres guitarras, hombre!) y en la que aparecieron sus grandes éxitos: Voy a hacerte recordar, Febrero o Scandinavia... Para acabar en los bises haciendo una versión del There is a light that never goes out, de The Smiths. Satisficieron al puñado de incondicionales que allí se reunieron. A los que no lo éramos nos hicieron pasar un buen rato, disfrutando de sus melodías pop (aunque un poco blanditos, para mi gusto) y de su entrega (parecen chavales por las ganas que le ponen, qué gusto). Y de lo bien que tocan. Porque mira que son buenos. A ver si es verdad que el próximo disco, para el que se van a encerrar en el estudio ya, es "cañero", como prometieron.

Iván Ferreiro en la Cúpula del Milenio.

2011-10-25T18:58:00.001+02:00

El pasado viernes 21 de octubre, dentro del ciclo Valladolid Vive la Música, Iván Ferreiro se presentó en la Cúpula del Milenio de Valladolid para confesarse ante un nutrido grupo de seguidores que, sin embargo, no alcanzó a llenar del todo este espacio. Aunque teniendo en cuenta que el gallego ya estuvo a orillas del Pisuerga tan sólo tres meses antes, con la gira del Picnic Extraterrestre, y que éste era el primer bolo que ofrecía tras el lanzamiento de sus Confesiones de un artista de mierda (como la novela homónima de Philip K. Dick), lo cierto es que parece que existe una relación especial entre el público pucelano y el pequeño gran hombre, que eligió nuestra ciudad para la puesta de largo del disco.

Confesiones es un disco que recorre la carrera en solitario del vigués y que recupera y reinterpreta alguno de los grandes temas de la época pirata, para regocijo de los fieles. Del disco, al margen de la colaboración de figuras como Santi Balmes (El equilibrio es imposible) o Xoel López (Turnedo), o del nuevo tema (Mi munchausen) deben destacarse muchísimo los arreglos (con la mano de Ricky Falkner, que es quien le pega al bajo en el disco) que sirven para darle otro aire a los temas. Y nunca mejor dicho lo de aire, ya que se ha incorporado un trío de metales (trompeta, trombón y saxo) que contribuyen a ofrecer un resultado que encuentro espectacular.

Sin embargo, en Valladolid Ferreiro se presentó con una formación clásica -dos guitarras (Amaro Ferreiro y Pablo Novoa), bajo, batería (Gael Pintos) y teclados (el propio Iván)- que hacen de esta gira más una continuación de la de picnic que otra cosa. Una pena no poder disfrutar en directo de esos arreglos, la verdad.

Iván Ferreiro y Gael Pintos

En cualquier caso el concierto mereció la pena muchísimo. No sólo por contribuir a amortizar un poquito la faraónica inversión que ha supuesto para las arcas municipales esta infraestructura singular (por cierto, tiene una acústica estupenda, que yo me temía lo peor), sino porque ver en directo a Ferreiro sirve para explicar eso del “pequeño gran hombre”. No porque su presencia menuda o sus “rafaelianas” poses llenaran el escenario, no, sino porque su voz llenaba la cúpula, la sostenía. Para mí la de Iván Ferreiro es la mejor voz del panorama musical español: peculiar y llena de matices; educada (por lo domada) y ruda (por lo potente) a la vez. Capaz de pasar en un segundo de la más suave de las caricias al más áspero de los golpes. Todo cabe en ese tremendo chorro de voz (espectaculares los temas que interpreta solo al piano, el caso de SPNB, con el único acompañamiento de la guitarra de Amaro).

Con quince minutos de retraso sobre la tempranera hora de inicio prevista (las 21.00 h), las luces galácticas de la Cúpula se apagaban para dar paso a un Ferreiro demasiado abrigado (sería para compensar el corte de pelo) que iniciaría su confesión, no podía ser de otra manera, con Toda la verdad.

Saludo al respetable, dedicatoria del concierto a la paz en Euskadi con la aplaudida declaración de que la violencia debe quedar reservada a los videojuegos, los comics… o las letras de las canciones. Así que a dar un poco de rienda suelta a las vísceras con Farenheit 451. Y a delimitar claramente el territorio por el que iba a transitar todo el concierto: el público cantando prácticamente todas las letras (a Mi munchausen hay que darle todavía un poco de tiempo) e Iván alternando piano con paseos y poses. Y un temazo tras otro: Ciudadano A, NYC, El viaje de Chihiro, Rocco Sigfredi...

Pero, indudablemente, cada vez que llegaba el momento de atacar uno de los grandes temas de Los Piratas (ya fuera Promesas que no valen nada, Años 80, El equilibrio es imposible, M o Mi Coco, que sirvió para cerrar el concierto) la Cúpula no es que se viniera abajo, es que parecía hincharse con el aliento de centenares de gargantas cantando lo que no son sino himnos generacionales. siento curiosidad por saber qué hubiera ocurrido si Los Piratas hubieran aparecido en estos tiempos en los que Internet (myspace, spotify...) ha puesto patas arriba el modelo de difusión de la música (que antes prácticamente se reducía al barbecho de las radiofórmulas).

Iván Ferreiro al piano

Pero dejando las hipótesis de historia contrafactual a un lado, lo importante es que tras el aparente desahogo que parecía esconder el oscuro y bilioso Picnic Extraterrestre, Iván Ferreiro ha decidido retomar esas grandes canciones que, junto con las que han tejido su carrera en solitario, conforman la biografía de un músico sensacional y uno de los mejores repertorios del pop/rock nacional. Ello se traduce en que la cohorte de seguidores del gallego (que no para de crecer) acude a verlo allá donde va. Ya dice en Paraísos perdidos que tiene la "certeza de que nunca el escenario nos trató mejor"... Síntoma de los nuevos tiempos.

Aproximadamente una hora y cuarenta y cinco minutos de espectáculo, dos bises incluidos, que dejó satisfecho a todo el mundo.

Saludo de la banda al final del concierto

Hasta la próxima ocasión, claro. El FNAC Festival, por ejemplo.

Galería de fotos en nortecastilla

Crónica en eldiadevalladolid

OSCYL: Música de cine.

2011-09-16T11:20:00.002+02:00

El pasado viernes 9 de septiembre la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCYL) inauguraba oficialmente la temporada 2011-2012 en su sede oficial, el Auditorio Miguel Delibes, con un concierto (incluido dentrro del interesantísimo y muy recomendable ciclo Delibes+) ciertamente alejado de la "ortodoxia clásica". Las partituras que atacaron los miembros de la orquesta, bajo la dirección de Jose Luis Gómez Ríos, no estaban firmadas por Mozart, Beethoven, Bach o algún Strauss, sino que pertenceían a Hans Zimmer, Howard Shore o John Williams.

Cartel del concierto

Bajo el título "Música de cine" se presentaba un concierto con el que la OSCYL se reafirma en su apuesta de acercar la música clásica a todo tipo de públicos, incluidos aquéllos que no acostumbran a "frecuentar" la música clásica. Para ello prepararon un programa basado exclusivamente en las bandas sonoras de películas muy populares de todos los tiempos. Y la estrategia funciona, a la vista de que la Sala Sinfónica del auditorio se llenó en pleno viernes de ferias en Valladolid.

Me incluyo entre el grupo de personas que no acostumbran a ver conciertos de música clásica en directo. Y no porque no me guste la música clásica. Se juntan una serie de factores entre los que predominan los prejuicios y el desconocimiento (el precio, el supuesto "esnobismo" del ambiente, mi falta de "cultura"...). Excusas absurdas del tipo "no entiendo" o "no conozco a éste o aquél compositor" que contribuyen a tejer una frontera ridícula para mucha gente. Y hay que derribar mitos y desdibujar fronteras. Ni éste es un espectáculo especialmente caro (hay entradas de muchos tipos, empezando por poco más de lo que vale una entrada de cine -por no mencionar las entradas último minuto a 1€ para jóvenes menores de 30 años-), ni hay que conocerse al dedillo las obras del programa o ser un crítico de Scherzo para estar capacitado para disfrutar de ello. Bastan un par de orejas predispuestas y un mínimo de sensibilidad. Lo demás viene por añadidura (muy bien envuelto, por cierto, por la espectacular infraestructura del auditorio).

Sala sinfónica del Auditorio Miguel Delibes

Pero, a lo que iba. Un programa popular construido con temas centrales de bandas sonoras míticas atrae a cualquiera. El de esta edición incluía clásicos tanto añejos como contemporáneos; de cine de hollywood y europeo; de proporciones épicas y de tono intimista. Se incluyeron "temas" de las siguientes obras:

Horizontes de grandeza

Casablanca

Bienvenido Míster Marshall

Piratas del Caribe

Memorias de África

Vértigo

Amarcord

El Señor de los Anillos

La Guerra de las Galaxias

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La lista de Schlinder

Parque Jurásico

No negaré que me lo pasé como un niño con la epopeya sonora que representó la interpretación de la banda sonora de Piratas del Caribe, o que esperaba como el que más que llegara el momento en que la fanfarria galáctica de John Williams cerrara el programa oficial (al final tuvimos ración triple de Williamas, con los dos "regalos"). Sin embargo disfruté muy especialmente la perturbadora "Love music" que para el Vertigo de Alfred Hitchcock compuso Bernard Hermann. O con la suite que en clave de jazz concibió Nino Rota para Amarcord.

En definitiva, me gustó, disfruté muchísimo. Creo que como todos los que asistimos al concierto, orquesta incluida, cuyos miembros se toman estos espectáculos como algo más que un mero divertimento. Como instrumento promocional desde luego que funciona, porque seguro que a lo largo del año, repito (¡y no sólo para el excepcional acontecimiento que representará su concierto con Rufus Wainwright, enmarcado dentro del ciclo Delibes+, y para el que ya tengo entrada!). Seguro que no soy el único.

Programa OSCYL Temporada 2011-2012
Programa Ciclos Auditorio Miguel Delibes 2011-2012 (incluido Delibes+)

Lowcost Festival 2011

2011-07-31T18:38:00.000+02:00

Entre los pasados días 21 y 23 de julio se celebró en Benidorm el que, por cartel y desde mi humilde opinión, viene a ser el más potente de los festivales veraniegos que se celebran en nuestro país (FIB y BBKLive al margen): el Lowcost Festival.

Y es que por lo que al panorama nacional se refiere, aunque no estaban todos lo que son, son todos los que estaban (y que eran la mayoría). Vetusta Morla, Love of Lesbian, Standstill, Lori Meyers, LA, Sexy Sadie, Supersubmarina, Sidonie... A los que se sumaban una serie de nombres foraneos de relumbrón: de Mika y Mando Diao a Klaxons y The Pains of Being Pure at Heart, pasando por Crystal Castles, Cut Copy o Ok Go. Sensacional. Lo más granado de la llamada música indie nacional y parte de la internacional.

El festival estrenaba nuevo recinto: la ciudad deportiva Guillermo Amor. No sé qué tal estaría el festival en sus emplazamientos anteriores, pero sí que puedo decir que en esta edición ha sido de lujo en términos de disfrute y comodidad. Los tres escenarios estaban muy próximos, se accedía rápidamente a ellos, el cesped estaba muy presente en todos ellos y, además, en el escenario azul (el mediano) se había habilitado una zona "chill out" con puffs para poder estar tirado a la bartola mientras se disfrutaba de la música. A su lado, había una zona con mesas y sillas de terraza para poder comer tranquilamente. Por cierto, el tema de la comida y bebida estaba muy bien resuelto, con numerosos puestos distribuidos por todo el recinto, con los suficientes puntos de venta de tickets. La comida, además, muy bien. Variada (pizza, kebab, carne, comida senegalesa, oriental...) y hecha en el momento, nada de precocinados, por chiringuitos gestionados por establecimientos locales.

Aunque es verdad que los bocatas de panceta y chorizo criollo de la parrilla argentina estaban bien buenos... vayamos al grano: ¡la música!

¡Primer día!

El jueves iba a servir, aparentemente, como calentamiento, en la medida en que el escenario principal no se abriría hasta el viernes. Era un día para hacerse a las instalaciones y meterse de lleno en la dinámica festival. Todo muy cómodo, mucho espacio, ninguna sensación de agobio y facilidad para acceder a los escenarios y colocarse tan adelante como se quisiera. Esta es una tónica que se mantuvo durante todo el festival y que, al parecer, fue algo premeditado por parte de la organización. Así que, chapeau.

Empezamos con Maika Makowsky, a la que pudimos ver en el escenario azul ante un público perezoso que empezaba a llegar a las instalaciones. Mucho mejor la oportunidad brindada por Sol Música un poquito despúes, cuando auspiciaba en su pequeña carpa un showcase de 20 minutos para un público reducidísimo que disfrutó de esa posibilidad que es tener a un grupo tocando para ti a un palmo de distancia. Ello a pesar de que los sosainas de The Pains of Being Pure at Heart (decepcionantes, muy flojos) estaban tocando en el escenario azul y se solapaba su sonido... ¡hasta que se fue la luz en el recinto! (uno de los pocos puntos negros de la organización; ocurrió varias veces en el escenario azul, aunque hay que decir que siempre se solventó bastante rápido).

Pero, antes de todo esto, ya habíamos vivido uno de los grandes momentos del festival gracias a un artista con mayúsculas cuya inclusión en el cartel me había provocado tanta estupefacción (por aquello de que no encajaba demasiado, aparentemente) como alborozo: Eli "paperboy" Reed. Un lujazo poder verlo en directo junto con su banda, los True Loves, insuflando un poco de soul y música en estado puro, cruda, a tanto moderno. ¡Y vaya si lo hizo! Comenzó enfrentándose a un público frío que se acercaba a él con indiferencia (salvo una minoría) para acabar logrando poner en movimiento a todo el personal transitando por unos ritmos que saltaban del rock 'n roll (muy roll) al funky, pasando por supuesto por ese soul de espectacular voz blanca que no se dio una sóla concesión y que fue arropado a la perfección por esa engrasadísima formación que son los True Loves, una banda sensacional. He leído por ahí que Reed sería un digno heredero de James Brown. No me suena exagerado. Talento y profesionalidad como la copa de un pino puestos sobre la mesa (bueno, el escenario) en vísperas del fallecimiento de su antítesis, Amy Winehouse.

La primera jornada la acabamos con los granadinos Lori Meyers (mientras en el escenario pequeño, el Stereo, Vinilla Von Bismarck and the Lucky Dados ponían a bailar a muchos lowers al ritmazo de su rockabilly), que recalaban con su larguísima y exitosa gira en este caladero para cosechar un éxito más como si nada. Porque los conciertos parece que ya les salen sólos, y cuentan con un público muy amplio que se sabe de memoria una gran parte de sus canciones... ¡parecen los Love of Lesbian de esta temporada de tanto como han tocado!

Tras ellos les llegaba el turno a Fangoria. No soporto al personaje de Alaska ni a Olvido Gara ni a la conjunción de ambos, cada día menos. Y cuando son la santísima trinidad, Mario Vaquerizo mediante, menos. Así que dadas nuestras fobias, las siete horas de coche que nos costó llegar a la capital hortera de este país, el consiguiente cansancio acumulado y la aparición estelar de esta señora reina del cinismo kitsch, nos retiramos a nuestros aposentos. Una pena por Supersubmarina, que tocaban justo después.

¡Segundo día!

El segundo día se abrían las puertas del escenario grande, localizado dentro del "estadio" de fútbol (llamar estadio a eso, bueno...), muy cerca de los otros dos escenarios (por cierto, el sonido -bastante bueno en general- no se montaba de un escenario a otro pese a lo que temía, eso sí, pagando el peaje de unos decibelios de más para mi gusto). Y los que tuvieron el honor de hacerlo fueron Sidonie, aunque a lo largo del concierto no dejaron de presentarse como El Fluido García... veremos en qué queda el asunto. El suyo fue un concierto correcto, sin más. No es que estuviera mal, que no fue el caso, pero me esperaba mucho más, dado todo lo que había oído sobre sus bolos (que de divertidos rayaban lo salvaje). Hay que decir que estos chicos estuvieron muy formalitos, tocando temas no sólo de "El incendio", sino también de trabajos anteriores e, incluso, estrenando una nueva canción del futuro disco, según ellos de psicodelia.

Solapándose con el final de la actuación de Sidonie, habían comenzado su concierto en el escenario azul Dos Bandas y Un Destino o, lo que es lo mismo, la conjunción de Los Coronas y Arizona Baby. ¿Que cómo casan el rock n' roll surfero de unos con los sonidos western de los otros? ¡Madre mía qué buenos son! ¡Cómo se complementan! ¡Qué bien suenan juntos! Y qué divertidos son sus conciertos. Un bombazo de adrenalina musical. Merecen muchísimo la pena. Buen sonido, buena música, buen rollo... Y mejor rock! Volveré a verles, seguro. Más ahora que su apuesta se consolida, ya que anunciaron en el Lowcost que están preparando un disco juntos.

Y si el día anterior habíamos tenido la posibilidad de ver de muy cerca a Maika Makowsky gracias a los showcase organizados por Sol Música, en este segundo día pudimos ver a Eric Fuentes acompañado por Bernat Sánchez y su teclado, de El Mal. Sabía poco de él antes del Lowcost (había escuchado algunas canciones incluidas en la típica lista de reproducción que me hice del festival) y, la verdad, es que me gustó bastante y que me quedé con ganas de ver algo más (no pudimos ver su concierto en el escenario stereo el día antes), y más cañero. Apuntado queda como uno de los descubrimientos del festival.

Pero el plato fuerte evidente del día (y del festival) era Vetusta Morla (antes tocaron en el escenario azul Delafe y las flores azules, que en directo suenas menos petardos que enlatados, y aun tienen una pasada, pero siguen sin convencerme), que a las 23.30 h tomaban el escenario principal ante un aforo abarrotado. El grupo madrileño refleja perfectamente la evolución que ha sufrido la llamada música indie que, gracias a las nuevas tecnologías, internet especialmente, ha superado todas las barreras que existían en una industria musical acomodada y acostumbrada a vivir de los hits prefabricados y la radiofórmula (perdón por el alegato pero es que a quién se pretende engañar; jamas se ha escuchado tanta y tan variada música como ahora). Pues eso, que aparece un grupo curtido en mil pequeños escenarios con un disco bajo el brazo que ninguna discográfica cree digno de publicación. Los chicos autoeditan, aprovechan myspace, el boca-boca, los elogios de un lehendakari... Y lo demás no es más que la historia de la paradoja que lleva a un grupo indie a encabezar carteles de festivales y abarrotar conciertos multitudinarios en los que se corean todos y cada uno de sus temas. No sé lo que les hace grandes a estos chicos pero, desde luego, lo son.

Lo son porque después del discazo que representaba Un día en el mundo se han enfrentado al siempre complicado segundo trabajo con éxito, prosiguiendo su camino con Mapas, un album que cuanto más escucho, más me gusta. Hay quien critica que "es más de lo mismo", y creo que ése es el comentario más estúpido e injusto que puede hacerse. Yo no pido a una banda que se reinvente con cada nuevo disco, especialmente si lo que hacen funciona. Mapas supone la consolidación de un inconfundible "sonido vetusta" que se extiende por canciones (Los días raros, Boca en la tierra, El hombre del saco, la propia Mapas...) con unas letras crípticas y complejas que son tan buenas (o mejores) como las del primer disco. Pero hablemos del concierto, que no soy quien para defender nada (sobre todo cuando su trabajo habla por sí mismo).

Momento del concierto de Vetusta Morla

El concierto de Vetusta fue uno de los más intensos de todo el festival, con un grupo que se exprimió al 100% encima del escenario, especialmente el pobre Pucho, que no paró de moverse ni un segundo. Nosotros lo vimos muy adelante, en cuarta o quinta fila, lo cual es una gozada por cómo y cuánto se disfruta, pero que lleva aparejados ciertos contratiempos. El fundamental, el sonido. Salí con la sensación de que el sonido fue bastante pobre. Malo. Fue el único concierto en el que me pasó (por cierto, en línes generales, me gustó más el sonido del escenario azul). No he leído que nadie más se queje, así que no sé si fue una cosa puntual que nos ocurrió a los que estábamos allí adelante, los que más sufrimos el "fenómeno karaoke" de Vetusta Morla. Como decía, un grupo indie que llena estadios, atrae a mogollón de adolescentes y con el que todo el mundo se sabe y berrea (me incluyo) hasta la última coma de la última canción del setlist (al carajo las etiquetas). ¿No se oía mejor porque falló la configuración previa de sonido -otros grupos en la misma zona sonaban bien- o porque miles de gargantas silenciábamos a la banda? Gran espinita del festival. Hay que volver a verlos.

Y para finalizar la jornada subía al escenario el principal reclamo internacional del cartel: Mika. El artista de origen libanes llegó a Benidorm, tal y como el mismo explicó en un castellano más que correcto, apenas 25 minutos antes de que empezara el concierto. Pero quién lo diría. Salió puntual, el sonido funcionaba perfectamente y ofreció un show dinámico y divertido, desgranando todos sus éxitos y sin dejar de bailotear y saltar ni un momento. Pero, en cualquier caso, fue un concierto correcto que dejaba bien a las claras que, no importa lo que dijeran los carteles, este festival seguía siendo el de las bandas nacionales, auténticas triunfadoras. No es chauvinismo musical. Vetusta, LOL, Lori Meyers, Standstill, Sidonie... Pura realidad. Nosotros lo vimos cómodamente sentaditos en la grada, que VM nos habían dejado exhaustos.

Mika recién salido al escenario

¡Tercer día!

El último día lo comenzamos perezosos, disfrutando por última vez de la zona chill out frente al escenario azul, en el que tocaba Maga. Nos pondríamos en movimiento para ver el showcase de L.A. en la carpa de Sol Música. Lluis Albert en formato acústico, para compensar que no íbamos a poder ver su concierto posterior entero.

Los culpables de tal terrible decisión no eran otros que los suecos de Mando Diao y su rock garagero. Puntuales a su cita aparecieron estos crápulas para poner a bailar al personal durante la hora y veinte que duró su concierto, duración perfecta para que este grupo diera de sí todo lo que tiene, tocando todos sus grandes temas: empezando por God knows, Sheepdog y The Band para llegar al éxtasis colectivo final de Dance with Somebody, después de haber pasado por Mr. Moon, Long Before Rock 'n Roll o Gloria.

Setlist del concierto de Mando Diao (Dalama fue utilizada como intro en versión piano y, además, versionaron Leave Me Be de The Zombies antes de atacar Dance with Somebody)

Mentiría si dijera que no me lo pasé como un enano en su concierto, bailando, cantando y saltando como el que más, porque éste es un grupo que me encanta. Si bien es cierto que prefiero su versión más guitarrera, menos unplugged. Y es que esta era la gira de su disco para la MTV, por lo que su sonido era más de sala de estar (lámparas y cuarteto de cuerda incluidos) que de garaje. Teniendo en cuenta la sudada con la que acabé, no puedo imaginarme cómo sería el asunto con un bolo rockero 100%...

Tras Mando Diao se subían al escenario principal Santi Balmes & cia... Love of Lesbian. Y lo hacían para interpretar un setlist plenamente 2.0, en el sentido de que había sido previamente votado por el respetable a través de myspace. Así que la cosa empezó fuerte, con el Club de fans de John Boy haciendo saltar a miles de fieles ataviados con la camiseta de susodicho sujeto, ¿alter ego artístico de la banda? Porque lo cierto es que después de verlos en concierto, irremediablemente te conviertes en otro fan más de LOL, si es que no lo eras ya.

LOL satisfaciendo fieles.

De eso ya dimos fe en este blog hace unos meses, después de su memorable último concierto en Valladolid. Sigo sosteniendo que aquél fue el concierto en el que mejor me lo he pasado. No pretendía que éste del Lowcost, en un estadio, de proporciones mucho mayores, fuera igual. Aunque sin duda estuvo a la altura. Porque LOL siempre lo están, dándolo todo, tratando de conseguir que la gente se lo pase verdaderamente bien. Y con canciones como Allí donde solíamos gritar, Noches reversibles, Incendios de nieve, La niña imantada... no es difícil. Está claro que lo consiguen porque lo que ellos acumulan no son seguidores o fans. Son auténtico fieles que llenan estas ceremonias de diversión, buena música y mejor rollo, oficiadas por Santi, que son sus conciertos. A Valladolid volverán en abril del próximo año... y ya tenenmos entradas.

Por eso mismo, aunque la decisión fue difícil, apuramos medio concierto de LOL y nos trasladamos hasta el escenario azul, para ver el concierto entero de Standstill.

Pantalla anunciando el grupo instantes antes de inciarse el concierto.

Al igual que nos ocurría con LOL, a Standstill ya les habíamos visto el pasado invierno a su paso por Valladolid. Pero mientras que en enero habíamos sido testigos del intimista espectáculo del "Rooom", la propuesta de los catalanes en este Lowcost era algo más "convencional" (estos tios de convencionales tienen poco), un concierto de corte más clásico en el que la banda atacaría temas no sólo del "Adelante Bonaparte", sino también de "Viva la guerra"; el público estaríamos de pie y podríamos corear y bailar a gusto todas y cada una de las canciones... Y, joder, qué diferente puede sonar una canción en uno y otro contexto ("Morireis todos los jóvenes", por ejemplo).

Enric Montefusco en un momento del concierto.

Qué puñado de músicos tan buenos son esta gente, y menudas canciones arrastran en la mochila, susceptibles de ponerle a uno los pelos de punta en un auditorio o de volverle loco bailando rozando el hardcore (quién me lo iba a decir). Me gusta mucho Standstill. Porque me gusta su música, sus canciones, sus letras... Pero sobre todo porque les encuentro como una propuesta diferente y con un discurso propio que, además, son estimulantes. Van calando y su público, poco a poco, creo que vamos en aumento. Aunque me encantaría que tuvieran mayor repercusión. También se pasarán de nuevo por Valladolid, en febrero. Y también, sí, tenemos ya entradas. Adelante Standstill.

Colofón perfecto para tres días de un festival de nota en el que, si se repite la tónica de este año, nosotros también repetiremos. Viva la música en directo.

AF. (Apunte Friki): En Standstill, el que toca el bajo es Ricky Falkner (que a mi se me parece bastante a Juan López de Uralde, Juantxo, cara visible de Equo, por cierto), auténtica referencia de la escena indie nacional.

Rock Werchter 2011 (III)

2011-07-20T22:26:00.003+02:00

Tercer día!

Y llega el sábado, el día grande, el día de Coldplay. Incluso el tiempo parece que acompaña. Hay que estar preparados para darlo todo, así que no vemos a The Gaslight Anthem (¡sólo a estos belgas se les ocurre programarlos a las tres de la tarde!) y, ya puestos, podemos prescindir del pop blandito, melódico y molón de Bruno Mars (don't feel like doing nothing). Elbow, PJ Harvey y Portishead son material más que suficiente para dejarnos listos para Chris y sus chicos... o eso creía. Madre mía. Esta parte del programa estaba bien hilada, porque desde luego existe un hilo conductor entre los tres grupos: ¡qué aburrimiento! ¡Bienvenidos al festival chill out!

Encuentro a Elbow una banda totalmente sobrevalorada con un estilo tremendamente grandilocuente. PJ Harvey por su parte, bueno, tiene algunos temas interesantes y un estilo ciertamente propio (y eso que no es la única excéntrica en el mundo de la música) que me despierta curiosidad. Pero de ahí a disfrutar un concierto enterito de esta mujer que parece recién salida de una pesadilla surrealista new age, hay un trecho.

PJ Harvey a lo suyo (Rock Werchter bands gallery)

Y qué decir de Portishead. He leído por ahí algo así como que este grupo hace hoy la música que sonará dentro de 50 años... lo que se traduce como un "son unos incomprendidos"; o un "si no te gustan es que no eres lo suficientemente guay". Recuerdo lo interesante que me resultó su disco Roseland NYC Live, con la filarmónica de Nueva York. Un trabajo altamente sugerente que merece mucho la pena. El problema del concierto de Portishead, para mi, es que no son un grupo de festival (aunque pasen el verano de bolo en bolo). Su música no encaja para ser interpretada al aire libre en un gran espacio abierto y ante decenas de miles de personas. Precisamente por ese caracter intimista y un punto angustioso de su música, que encontraría un acomodo bastante más propicio en un teatro o auditorio, pienso. Aunque seguramente el montón de fumados que disfrutaron la actuación en estado catártico piensan de otra forma.

Beth Gibbons y su angustia mística (© cuttingedge.be - Katrin Peeters)

Pero por fin llegaron las 23.30 h (por cierto, qué puntualidad británica la del festival), se apagan las luces, el escenario se llena de humo y suenan (subidón) los acordes del tema principal de la banda sonora de Regreso al Futuro (antes había sonado Jungleland, en lo que yo quise ver un inequívoco homenaje al reciente y tristemente fallecido Clarence Clemmons), con los que Coldplay saltaba por fin al escenario.

Coldaplay en modo yellow

Una de las ventajas de un festival es que mucha gente va más por el ambiente que por la música, o están tan pasados/cansados que conseguir una buena ubicación es algo relativamente fácil, a diferencia del típico concierto en España, en el que casi tienes que dormir el día antes a las puertas del estadio de turno. Así que nos colocamos en una buena ubicación justo por detrás del pit (la experiencia con KOL fue más que suficiente, con un agobiante acceso y una sobremasificación dentro) para disfrutar del concierto como se merecía... ¡que eran los Coldplay!

No voy a decir que no lo pasara bien, que lo pasé. Pero, no sé si mis expectativas eran elevadísimas, lo cierto es que me dejaron bastante frío (so cold, so cold!). Quizá sea porque junto a temazos clásicos (Yellow, In my place, The Scientist, Shiver, Violet Hill...) intercalaban castañas (por lo menos de entrada me lo parecen... me pasó también con Viva la vida, he de reconocer) del que será su quinto album de estudio, como Hurts like heaven, Major Minus o Us against the world. Y no debo ser el único cuando Chris, al presentar Charlie Brown, prometió que esa sí nos gustaría... ¡pero va a ser que no!

No fue un montaje espectacular y acongojante, como el que lían U2 y que puede justificar por sí mismo ir a verles, pero sí que estaba sobrado de aderezos (fuegos artificales de andar por casa, maripositas de papel lanzadas al aire, balones de colores sobre el público...), lo que para mi no es más que una forma de compensar el aspecto musical. Pobretón. En el sentido de que me sonaban igual que si me pongo el CD en mi casa (bueno, peor, para ser sinceros). Es verdad que Chris Martin tiene la voz que tiene y que Coldplay es lo que es. Ni más ni menos. En ese sentido, ninguna sorpresa. Y creo que ese fue el problema (más allá de mis expectativas), que un concierto tiene que ser algo diferente a una audición de un CD, especial, distinta...

A ello se unen el blandito de Chris, su "carisma" y, para mi gusto, exceso de protagonismo; y una edulcorada puesta en escena en la que queda patente que para estos chicos, efectivamente y aunque no la tocaran, Life is in technicolor, ya que han pintado en multitonos pastel y fosforitos hasta los pobres instrumentos.

Conclusión: sí, lo pasé bien; sí, tienen un montón de hits que les han convertido en el fenómeno que son; pero, sí, esperaba mucho más precisamente por ese nivel. Por cierto, a mi Every teardrop is a waterfall (con su sampleado de ritmo de la noche y todo, sí, qué pasa) me parece una genialidad para acabar los conciertos. El mejor momento de la noche, junto con el coro de "oes" para el Viva la vida.

Cuarto día!

Llega el último y el final está próximo pero... ¡menudo pedazo de cartel nos queda por delante! Encima el tiempo acompaña muchísimo y disfrutamos del mejor día de festival en este sentido.

Empezamos con Kasabian, grupo inglés al que tenía muchas ganas de ver dado que me gustan bastante. Y no es para menos, con grandes temas acumulados en su breve carrera (Fire, Underdog, Club foot, LSF...), pero... qué decepción. En directo son flojísimos.

Les seguían en el escenario otros compatriotas, los Kaiser Chiefs, grupo muy curtido que persigue (con poco éxito) volver a dar el pelotazo con un trabajo que les lleve a las cotas de sus dos primeros discos. Su último album, The future is medieval, les confirma eso, un futuro más bien gris. En directo entretienen y ponen al personal en movimiento... pero su actuación no perdura.

¡Cambio de escenario! Vamos a ver a Brandon Flowers (sacrificando a Nick Cave y sus Grinderman, snif, snif) a la pirámide, a ver qué tal se vive un concierto allí y a ver qué tal vuela Brandon sin los Killers porque, para que vamos a engañarnos, Flamingo, el divertimento en solitario de este chico es un disco tirando a mediocre en el que su primer y mejor single, Crossfire, no aspiraría a ser nada más que un descarte de un album de The Killers. Sin embargo, éste fue uno de los conciertos más divertidos que vivimos en el Werchter 2011.

Brandon "a lo crooner"

Por un lado, la pirámide es un escenario tan pequeño que es fácil sentirse muy involucrado en el concierto, al estar encima del escenario. Por otro, 45 minutos son tan poco tiempo que no da tiempo a aburrirse si el que está arriba "se lo curra". Y Brandon lo hizo. Está claro que su aventura en solitario es un divertimento. Este chico tiene una grandísima voz de crooner que desató para interpretar de inicio, con el único acompañamiento de una guitarra acústica, ese Welcome to Fabulous Las Vegas, y atacar de manera inmediata Crossfire.

Es decir, a la segunda canción ya había gastado toda la pólvora. Pero no. En un divertimento de 45 minutos te puedes permitir eso, hacer una versión de Bette Davis Eyes o poner a todo el mundo a saltar como locos (parecía que se fuera a hundir la pirámide) con Read My Mind y una versión genial de Mr. Brightside mientras Fergie, de los Black Eyed Peas, se asoma desde un lateral del escenario. Nota mental: no hay que perderse un concierto de la próxima gira de The Killers.

Y tras Brandon Flowers, llegaba el momento de la banda de hombres barbudos y camisas de cuadros llegados de Seattle: Fleet Foxes. Uno de los momentos más esperados del festival para muchos. Su actuación, en principio prevista con una hora de duración, fue ampliada en 15 minutos más (a costa del bueno de Brandon), respondiendo a la expectación levantada (su posición en el cartel fue ascendiendo peldaños día a día). Y no defraudaron. En esa hora y cuarto desplegaron toda su magia de armonías vocales, guitarras, piano, percusión, cuerda, viento... Lo de estos chicos es folk, es soul, es gospel, es country, es blues... es la maldita quintaesencia de la música. Es transportarte a otro estadio de realidad. Bucólico, complejo y lejano, como esa portada de su primer disco que recuerda, precisamente, a las tablas de la edad dorada de la pintura flamenca.

No puedo esperar a volver a verles pero, esta vez, en un escenario más propicio. Un teatro, un auditorio, un templo... cualquier sitio con una acústica digna de la música, voces y arreglos de estos locos que beben té entre canción y canción y parecen salidos de un festival sesentero.

Sim Sala Bim

Sólo un apunte. El público de por ahí arriba, comparado con el español, es extremadamente frío. Durante hora y cuarto bajo esa carpa se desató la locura. Mejor, el éxtasis. Se pusieron los pelos de punta de cientos de personas. A pesar del sonido. Los aplausos y vítores se alargaban. Lo nunca visto. Ni los barbudos podían creerlo. Yo, la verdad, tampoco me creía lo que escuchaba. Música para el espíritu.

Salimos de la pirámide montados en la nube en la que nos habían dejado estos chicos y corremos hacia el main stage para ver en directo a una de las grandes leyendas de la música: Iron Maiden. La marea de camisetas negras que ese día inundaban el recinto dejaban bien claro de quién era el día. Suyo. Por derecho propio. Quién más podía vanagloriarse sobre el escenario de más de treinta años de carrera a sus espaldas, decenas de éxitos, millones de seguidores y varias giras mundiales. Quiénes más presentaban como trabajo más reciente un disco recopilatorio de tanto y tan bueno. Quiénes iban a ser los únicos que tenían progranado un concierto con una duración que superaba las dos horas. Sólo ellos, sólo los Maiden.

Tinglado de los Maiden en el main stage

Al escenario del Werchter trajeron toda su parafernalia (Eddie incluido), el equivalente al montaje de una ópera en el rock. Perdón, en el heavy metal. Y con ello trajeron toda su mística y su épica, que es mucha. Qué espectaculo ver a estos sexagenarios moverse y disfrutar de lo que hacen como si fuera el primer día. Y lo que hacen es una pasada, es apoteosis musical, es puro virtuosismo. Especialmente el de sus tres guitarras, midiéndose unos frente a otros, retándose, melena al viento, en solos eternos e imposibles.

Noche de símbolos (espectros en camisetas y en el fondo de escenario), de lugares comunes (el negro, claro), de mensajes de hermandad (entonados por un Bruce Dickinson espectacular e inagotable maestro de ceremonías), de banderas al viento y de auténticos himnos que trascienden generaciones: Fear of the Dark, The number of the Beast, When the wild wind blows, Blood brothers...

Después de todo esto, que Black Eyed Peas cerrara el festival (eso sí, tras la sesión de A-Trak, especie de DJ cañero, momento que aprovechamos para comer algo y reponer fuerzas) es sólo una anécdota que contar. Unos días después actuaron en el Calderón ante miles de incautos que se dejaron la pasta por escuchar los gorgoritos de Fergie y la voz sintetizada de sus tres comparsas, con un espectáculo de luz y sonido bastante penoso que distaba mucho de aquello de "convertir en una discoteca" el recinto.

Chou de Black Eyed Peas

Creo que son un producto genial para el tinglado del halftime de la superbowl, para sus flashmobs con Oprah, o para calzar el I gotta feeling en toda boda que se precie. Pero nada más.

Punto final a una experiencia brutal a lo largo de cuatro días que no importaría repetir. ¿Quizá un Glastonbury al año que viene? De momento, próxima parada el Lowcost Festival patrio. Seguiremos informando.

Setlist de Fleet Foxes

Setlist de Iron Maiden

Rock Werchter 2011 (II)

2011-07-19T21:18:00.001+02:00

Si en el post anteior hablaba de las sensaciones que despierta el asistir a un acontecimiento tan grande en todos los aspectos, ahora me centraré en comentar lo fundamental, ¿no? ¡La música!

El cartel de este año probablemente no sea el mejor de la historia, pero teniendo en cuenta las bandas girando este verano y comparándolo con otros grandes festivales, hay que rendirse a la evidencia: es un cartel brutal. No están los Arcade Fire, como en el FIB, pero es que ya fueron cabeza de cartel el año pasado. Y tampoco pretendo que se pasen por aquí unos U2 que sólo aparcan su faraónica araña para cumplir con Glastonbury.

Eso sí, el cartel hay que reconocer que es un carajal. Porque, ¿qué pintan los Iron Maiden tocando en el mismo escenario en el que un par de horas después se subirán los Black Eyed Peas? El diseño no sigue ningún patrón lógico y cada día, si hay algo que se repite, es la heterogeneidad. Es muy difícil que te guste todo lo que va. Ni siquiera un ochenta por ciento. Tiene que gustarte la música. Y saber que la música en directo es otro estadio, es otro nivel, algo único. Y que, bueno, un festival tan multitudinario también ofrece algo diferente.

A priori, ¿qué quería ver? Demasiadas cosas. Muchos grupos, algunos que se solapaban sobre los escenarios, y con unos horarios demenciales (mi cuerpo serrano no aguanta de dos de la tarde a dos de la mañana... y no íbamos supervitaminados como algunos). Así que a seleccionar y reservarse para la tarde-noche.

Primer día!

Del primer día destacar a Linkin Park, ejemplo paradigmático de grupo al que no iría a ver expresamente a un concierto (el rap/hiphopero-metal no es lo que más me va) pero que, teniendo la oportunidad así, merece la pena. Muy divertidos, muy potentes, muy bailables (In the end o Numb son unos temazos). Lo que hacen, lo hacen muy bien así que, geniales para empezar con fuerza los días de festival.

Linkin Park (© Cutting Edge - Stefaan Temmerman)

Una lástima habernos perdido a Seasick Steve o a The Hives (no habíamos ni aterrizado aun). Y también me queda la espinita de Queens of the Stone Age, a los que llegamos justo al final (Eels tenían similar franja horaria, pero encima en la pirámide...imposible). En cambio, perderse a Beady Eye (solapados con Linkin Park), un acierto. El amigo Gallagher (Liam) lidera un "post-Oasis quiero y no puedo" que debe resultar en concierto cansino hasta lo exasperante. Falta su hermano Noel, y eso se nota.

Segundo día!

Llegan las cosas importantes. Empezamos por White Lies, banda británica de indie rock con un regusto a aquélla electrónica ochentera en la que Depeche Mode encontró su personal filón. Se presentaron en España hace unos meses, para alegría de muchos. A pesar de que tienen varios temas buenos (Bigger than us, To lose my life), con pretensiones épicas sustentadas fundamentalmente sobre la voz de Harry McVeigh y los teclados de Tommy Bown, a mi no terminan de convencerme para ser algo más que un grupo telonero o del que incluir dos o tres temas en mis listas de reproducción. Además, en concierto sufren el lastre de la absoluta falta de carisma de Harry, y ya llevan un tiempo rodando...

Harry McVeigh derrochando carisma (White Lies by proximusgoformusic on Flickr)

Tras los británicos se plantaron sobre el escenario principal los norteamericanos The National, banda a la que venía siguiendo la pista desde su inclusión en el cartel. Su album Boxer fue muy bien recibido por la crítica gracias a temas como Fake Empire, y el último trabajo que han publicado, High Violet, es para mi uno de los mejores discos que he escuchado en los últimos meses (Terrible love, Bloodbuzz Ohio, Sorrow, Afraid of everyone...). Me recuerdan (mis disculpas a los puristas) a una versión oscura de Wilco. Puñado de músicos solventes, con un batería (Bryan Devendorf) y un guitarra (Bryce Dessner) sobresalientes a los que se suma la voz de barítono de Matt Berninger para ir domesticando esas letras tan crípticas y oscuras que transitan por unos sonidos que van del post-punk al rock. Y si antes hablábamos de carisma, bueno, a estos chicos, Matt especialmente, les sobra.

Matt en acción (Werchter bands gallery)

En concierto son sensacionales, no sólo suenan muy bien, acoplados, transmitiendo, sino que además te hacen sentir eso de que un concierto es algo único, una representación especial de las canciones de un disco que en tu casa puedes oir una y otra vez y saberte de pé a pá, pero que en directo suenan diferentes. El clímax del concierto, al final, con la distorsión guitarrera y los cambios de ritmo de batería del Terrible Love, y Matt con el micrófono bajando del escenario y saltando las vallas de seguridad para meterse entre el público y berrear eso de "It takes an ocean not to break". Para mi, sin duda, uno de los grandes momentos del Werchter 2011.

Tras la apoteosis final de The National, llegaban estos pipiolos de Sheffield que tienen revolucionado el brit pop desde hace unos añitos ya: los Artic Monkeys. Se iban a encargar de desgranar fundamentalmente su último y reciente trabajo, Suck it and see. Vaya dicho que yo no soy fan del grupo, pero hay que reconocer que tienen un oficio increíble y que la fama de sus directos no desmerece. No habían sonado más que Libray Pictures, Brianstorm y This house is a circus y ya habíamos bailado más que en todo el festival hasta ese momento, gracias a su enérgico guitarreo. ¡Lástima que anduvimos más pendientes de estar bien colocados para poder acceder al pit en el siguiente concierto que de estos indolentes monos!

Y es que los que seguían a los británicos no eran otros que Kings of Leon, uno de los grandes atractivos del cartel. Los de Nashville son una banda que me encanta, con un rock potentísimo de un indudable sabor sureño que les enlaza con los sonidos del último country. Aunque es verdad que el Come Around Sundown no alcanza las cotas de Because of the Times y, sobre todo, Only by the night. Lo cual se notaba, y mucho, en la respuesta de la gente; Caleb Followill, el vocalista, entrada la recta final del concierto, anunciaba que iban a tocar unas cuantas canciones de esos discos (todavía faltaban temazos como Knocked up, Use somebody o Sex on Fire), para regocijo del personal y añadía con un punto chulesco (con la cazadora de aviador que el tio llevaba calzada bajo tanto foco, podía permitírselo) ante tanta algarabía "we don't have to... but we want to!".

KOL durante su actuación desde donde estábamos

Comunión absoluta con un público muy entregado que disfrutó de un espectáculo muy solvente, pleno de vatios de luz y sonido y con un montaje de video limitado a retransmitir en las pantallas gigantes lo bien que tocan estos chicos, cómo han encontrado su via al mainstream del público con un sonido que se define así: potente. Como su batería, sus guitarras o la tremenda voz rota de Caleb.

Setlist de Kings of Leon en Spotify
Setlist de The National en Spotify

Rock Werchter 2011 (I)

Rock Werchter 2011 (I)

2011-07-18T20:46:00.000+02:00

Este verano he tenido la oportunidad de asistir a mi primer gran festival de música: el Rock Werchter 2011. Se trata de una de las grandes citas veraniegas a nivel europeo, tanto por tamaño como por calidad del cartel (probablemente, después de Glastonbury, el más completo, que me perdonen alemanes y fibers). Tras más de tres décadas de andadura, el Rock Werchter reúne cada año en las inmediaciones de esta pequeña localidad belga a decenas de miles de personas dispuestas a ver un buen puñado de conciertos durante un largo fin de semana.

Este post va a dividirse, en realidad, en dos (o los que se tercien, quién sabe). En este primero comentaré lo que me pareció el festival desde un punto de vista más bien funcional (qué supone eso de irse de festival) y dejaré para el siguiente comentar el tema musical.

Como decía, éste era mi primer festival, con lo que a muchas cosas respondía como un niño pequeño que va al parque de atracciones por primera vez: con los ojos abiertos como platos y con la boca entonando un continuo "ohhhhhh". Y es que todo este tinglado tiene unas dimensiones mastodónticas, un colorido brutal, un ambiente permanente de fiesta...

Pero vayamos al grano. Qué es lo primero que hay que hacer para asistir a un festival como el Werchter (al margen de poner tu destino en manos de Ryanair y sus amables empleados para que te lleven a ti y tu maleta no facturada a buen puerto, Charleroi, en este caso). Pues, en primer lugar... ¡preparar el pastón que vale el abono para todos los días! Está claro que no lo regalan (200 €), pero teniendo en cuenta el precio que alcanzan hoy las entradas para ver un concierto de grupos "cabeza de cartel" y nivel medio, sale más que a cuenta. Al margen de que siempre tienes la posibilidad de escuchar nuevos grupos. O grupos a los que, en principio, no irías a ver tocar. Y una vez que tenemos el abono... hay que canjearlo por las típicas pulseritas que te abrirán las puertas del recinto durante los cuatro días (eso sí, estas pulseras no son las del todo incluido; hay que llevar la cartera bien alimentada para pagar las cervecitas).

Y es que, como decía, esto tiene mucho de parque de atracciones... de los de ahora, esos que te hacen pasar por caja cada vez que quieres echarte algo con lo que refrescar el gaznate (salvo que lo colaras en una mochila ya que, a priori, te dejan meter alguna cosa, incluso comida, aunque todo dependía del día y de la arbitrariedad del control de entrada). La logística para hacerse con algo de comida (delicatessen de talla gastronómica como la pizza congelada de champiñones, bocatas de pan con un tranchete dentro, fideos chungos vietnamitas, spaguettis chungos -¿italianos?-...) o bebida (la cerveza del patrocinador de turno) pasaba por comprar unos bonos con los que luego pagar las viandas (2,5€/bono; 1 bono = birra; 2 bonos = bocata de tranchete; 4 bonos = paella chunga... y asín sucesivamente ).

Y, claro, tanto comer y, sobre todo, beber, provoca que el organismo trabaje y siempre llegue ese momento en el que te preguntes "¿dónde estarán los baños en este sitio? ¿los tiene?". Pues sí, los tiene. En las cuatro esquinas del recinto, bajo el claro indicativo "WC". Decenas de cabinas de esas que ves en las obras (o en los campos de refugiados). Sí, sí, letrinas de esas químicas. Toda una experiencia a última hora del día. Y eso que, por aquello de la funcionalidad, estaban habilitados también una especie de abrevaderos para que los chicos (aquellos que no optaban por rellenar su vaso de plástico) se aliviaran. Nos hacemos una idea suficiente, ¿no?

Ello debería dar que pensar, y mucho, a esas personas que se afanan por recoger del suelo todos los vasos de plástico posibles. Y es que por cada 20 vasos te daban una cerveza. Parece una clara estrategia win-win. El recogedor obtiene una birra gratis y el festival limpia un poco el estercolero en que se va convirtiendo el bucólico prado. Ahora entiendo por qué estos grandes festivales se afanan por lograr algún tipo de sello de respeto medioambiental. Al margen de lo que el acontecimiento pueda suponer en terminos de emisiones de CO2 y demás, el lugar en que se celebra el evento va a quedar bastante peor que si Atila y todos sus hunos hubieran pasado por encima cincuenta millones de veces.

Pero hablemos de las instalaciones para lo importante, la música. ¿Cómo de bien se disfrutan (cómo se ve, cómo se oye, cuánto se puede bailar) los conciertos de un Werchter? Bien, de entrada habría que señalar que el festival cuenta con dos escenarios: el main stage, donde tocan los cabezas de cartel y la pirámide, destinada a propuestas más minoritarias. Por lo que al escenario principal se refiere, todo serían cosas positivas. Tan grande como el de cualquier festival homólogo, y con dos gigantescas pantallas de video a los lados para no perder detalle de las actuaciones, aunque te encuentres al fondo (o aunque tengas delante un maromo de dos metros, que será fácil dado que a todos estos nórdicos se ve que les daban dos!). ¿Y el sonido? Para mi sorprendente, de una calidad, en términos generales, muy, muy alta. Teniendo en cuenta que estamos en un enorme espacio abierto y al aire libre. Cualquier concierto de estadio o pabellón en España ofrece una calidad de sonido peor, al margen de pasada de decibelios (en Werchter lo limitan a 103Db).

Por lo que a la pirámide se refiere, el tema es bien distinto. Se trata de un escenario pequeño, que se localiza bajo una carpa como la de los circos (si no estuviera cubierto, está tan cerca del escenario principal que se solaparía el sonido), lo cual plantea dos problemas evidentes. Por un lado la del aforo, muy, muy limitado (unas 2.500 personas, siendo generoso), de modo que o vas con tiempo o es difícil entrar. Y fuera no ves nada, aunque hay una pantalla gigante, pero no es lo mismo (y se oye fatal porque se solapa el sonido con el del escenario principal). Dentro, el sonido deja bastante que desear ya que hay que dar bastante potencia (para lo pequeño del recinto) para sobreponerse al main stage, y se producen muchas distorsiones por las propias características de la carpa. Una pena, porque es un escenario muy íntimo donde ves verdaderamente cerca a los artistas.

Finalmente, queda el tema logístico de dónde quedarse durante los días de festival. La opción clásica y evidente es allí mismo, en alguna de las macro zonas de camping habilitadas, junto con miles de festivaleros. Esta opción conlleva el tener espalda y ganas para dormir en una tienda de campaña con un clima que puede estar pasado por agua y que, en todo caso, es más bien fresquito por las noches. Y conlleva no tener un sentido de la higiene demasiado elevado, no ya por el tema de ducharse y los baños, que también, sino porque esas zonas normalmente son el plácido hogar de las vacas (estabuladas al lado durante el festival), sus chinches y demás fauna.

Si eres un festivalero de corte más bien burgués, probablemente prefieras optar por alquilar un apartamento o, directamente, ir a un hostal/hotel. El núcleo de población más propicio para ello sería, en principio, la universitario Leuven, que en verano cuenta con un amplio stock de habitaciones y apartamento vacíos. Aunque los propietarios aprovechan para hacer su agosto los días de festival. Así que, como para desplazarte al festival tendrás que usar coche (el bus funciona fatal, especialmente para volver por la noche) y Bélgica es tan pequeña (hay gente que iba y venía desde Holanda o Alemania) puedes ampliar el radio de acción. Una buena recomendación: Mechelen. Aunque ten en cuenta que el coche lo aparcarás en el parking (cuando digo parking me refiero a un prado gigantesco donde te cobran 15€ por dejar el coche durante los cuatro días) más alejado (A5), al venir por la carretera de Haacht, y eso son 20 minutos andando hasta el festival. Así que te puedes ahorrar los 15€ y dejarlo en el pueblo, si es que encuentras sitio, claro.

!Hala! ¡A disfrutar de festival en buena compañía!

La maldición de Poe.

2011-04-11T16:45:00.002+02:00

El primer fin de semana de abril volvió a representarse en Valladolid La maldición de Poe, aclamado espectáculo de títeres de la compañía local Teatro Corsario con el que dejan al público absolutamente boquiabierto.

Creo que no había visto un espectáculo de títeres desde que era crío. Eran títeres clásicos, de los de cachiporra y buenos y malos; de los de risotada infantil y moraleja sencilla. De modo que, a priori, cuando se me habla de títeres pienso en un genero chico dentro del teatro. Humilde. Sin embargo, el arte de contar una historia dando vida a personajes de trapo, tela o látex tiene un horizonte mucho más amplio que el que se puede imaginar a priori, como cada año demuestran, por ejemplo, las compañías que venidas de medio mundo aterrizan en Segovia con ocasión de Titirimundi.

A Corsario los conocía fundamentalmente por su trabajo subiendo a las tablas teatro clásico del bueno (recuerdo El gran teatro del mundo; La vida es sueño; Coplas por la muerte; El mayor hechizo, amor; o Tito Andrónico) de la mano del tristemente desaparecido Fernando Urdiales. Pero no les había visto nunca en su faceta de "titiriteros" (más allá de pequeñas incursiones en alguna de las obras citadas, como en El mayor hechizo, amor, con la aparición del gigante Brutamonte), de la que es responsable Jesús Peña. Y eso que ya han sacado adelante tres aclamados espectáculos: La maldición de Poe, Vampirya y Aullidos.

La maldición de Poe desarrolla a lo largo de poco más de una hora una serie de escenas basadas en algunos de los más célebres relatos de Edgar Allan Poe. Como hilo conductor se valen de Edgar, el joven protagonista, enamorado de Annabel (Lee), y cuya historia de amor se ve condenada. La vida diaria de Edgar se transforma en un escenario de pesadilla donde, no obstante, hay espacio para el humor.

En cualquier caso, el guión o la historia acaba siendo un poco lo de menos. Lo verdaderamente espectacular, lo que deja boquiabierto al espectador es el tamaño gigantesco de estos títeres, muñecos que parecen cobrar vida por arte de magia. Se mueven como si verdaderamente estuvieran vivos, sin apenas intuirse dónde demonios está la mano que los manipula de manera tan genial (estos títeres se parecen, en este sentido, a los guiñoles que, durante muchos años, estuvieron apareciendo en canal+ ofreciendo una visión sarcástica de nuestra política). Ello se debe en gran parte a una magistral utilización de la iluminación, perfecta, tanto para contribuir a "esconder" a los manipuladores como a sumergirnos en esa atmósfera tétrica.

A ello hay que sumar la música, idónea para acompañar la acción en cada una de las escenas, que se van presentando al espectador a través de unos rótulos proyectados en dos grandes pantallas localizadas en los laterales del escenario y que recuerdan mucho a aquéllos del cine mudo. De hecho, sería una experiencia prescindir de la utilización de la voz para subrayar aun más ese marcado clasicismo, y en la medida en que muchas veces lo que se dice es "prescindible" (por cierto, las voces las ponen los mismos cuatro manipuladores que "resucitan" a todos los personajes que van apareciendo).

Pero, como decía, lo verdaderamente relevante es la factura técnica: impresionante. Hay una escena espectacular, soberbia, en la que se recrea el fondo marino. Sin palabras. Así que, mucho mejor, unas imágenes:

Experiencia recomendadísima. Al finalizar, todo el público que abarrotábamos la sala Miguel Delibes del Calderón aplaudimos a rabiar. Espero repetir pronto, con Aullidos.

La caída de los dioses, según Tomaz Pandur: continente vs contenido

2011-03-22T16:39:00.000+01:00

Este pasado fin de semana Valladolid ha estado situada en el centro del mapa escénico de este país al acoger el estreno absoluto de La caída de los dioses, última criatura del reputadísimo director esloveno Tomaz Pandur.

Antes de hablar de la obra, un apunte sobre un hecho que, de repetido, me enerva. En este país parece obligatorio pasar por Madrid para que el estreno de una obra de teatro, un concierto de música o la presentación de un libro tengan la relevancia que se merecen por lo que son, no por dónde se produce el evento. Mucho me temo que tendremos que esperar hasta finales de verano, cuando esta producción recale en la Naves del Matadero de Madrid, para ver una crítica publicada en los grandes medios de comunicación nacionales. También hay vida en “provincias”.

La caída de los dioses es una coproducción del Teatro Español con el Teatro Calderón de Valladolid (me parece estupendo que se embarque en este tipo de proyectos, por cierto) y el Festival Grec de Barcelona, basada en la película homónima de Luchino Visconti, y cuya traslación a las tablas es responsabilidad del propio Pandur.

He de reconocer que yo no había visto la película, lo cual puede repercutir de manera directa en mi percepción respecto a la obra. Conocía a grandes rasgos la línea principal del argumento: en pleno ascenso del partido nazi en Alemania, una poderosa familia de industriales se ve directamente afectada por los movimientos telúricos que este hecho llevó aparejados (desde el incendio del Reichstag hasta la noche de los cuchillos largos).

Pero, en líneas generales, podríamos decir que iba de casa sin ninguna idea preconcebida. Ni de la historia ni de cómo iban a contarme esa historia.

Empezaré por el cómo. La caída de los dioses se sostiene, bajo mi punto de vista, sobre dos grandes pilares: un montaje fastuoso (y presumiblemente caro, añado) y un trabajo enorme por parte de su elenco de actores.

Por lo que al montaje se refiere, el escenario es dominado por los colores de la bandera del III Reich: rojo (especialmente en las primeras escenas, por dos grandes alfombras que cruzan transversalmente la escena), blanco y negro (incluso en el vestuario). Al fondo, una enorme pantalla sobre la que puntualmente se proyectan imágenes (en blanco y negro) o que se tiñe de color (blanco o negro). Aunque el protagonismo del montaje recae en una larga cinta transportadora (como las de recogida de equipajes de los aeropuertos) que cruza de lado a lado la escena y sirve de elemento conductor para pasar de una escena a otra, introduciendo y sacando de escena tanto objetos del atrezzo (mesas y sillas, fundamentalmente) como a los propios actores. Junto a esto, destaca un enorme panel colocado en el plano vertical de la escena y que no sino un gran espejo que devuelve otra imagen (a la platea, si se está en “gallinero” este efecto no existe) de lo que sucede sobre el escenario, como mostrando las distintas filias, fobias e intereses creados de los Essenbeck. En general, la sensación que transmite tal escenografía en un comienzo es de desasosiego. Por lo aséptica (con una iluminación blanquísima), daba la sensación de estar en un quirófano o en un tanatorio. Desasosiego acrecentado por un pianista (vestido con uniforme nazi) que, situado a los pies del escenario, acentúa el drama con percusiones que, para mi, acabaron resultando molestas.

En relación al reparto, como dije, su trabajo refleja entrega y compromiso, y todos rayan a un alto nivel. Belén Rueda y Pablo Rivero incluidos (aquí sí que traía prejuicios de casa, por el pasado televisivo de ambos, entiéndase). Como Fernando Cayo, que jugaba en casa, o Alfredo Jiménez, o Emilio Gavira. Eso sí, alto nivel entregados a los histriones que, en términos generales, ha compuesto Pandur para ellos. Me resultan excesivos, me apabulla su histrionismo. Como me acaba apabullando la escenografía, un envoltorio lujoso para el que no ha sido preparado el que debiera ser el auténtico caramelo: la historia.

Repito: no he visto la película de Visconti. Aunque, como decía, el argumento no puede ser más sencillo. Sin embargo, aun conociendo el contexto histórico que rodea la historia, me pierdo. No sé de dónde vienen los personajes ni a dónde van; no entiendo qué les mueve a cada uno (en particular, no entiendo muchos de los matices de Martin, el personaje interpretado por Pablo Rivero) y soy de esas personas a las que poner en pelotas a un actor no suele ayudarme para entender la historia ¡Qué le vamos a hacer, soy un amante del teatro clásico!. Aunque también sé disfrutar de montajes menos convencionales (el que hizo Animalario para su Tito Andrónico me pareció, sencillamente, espectacular... ¡y eso que pusieron en pelotas a Alberto San Juan!).

Bromas aparte, sé que los miembros de esta familia de industriales (como toda la sociedad alemana, inoculada con el virus del fascismo) se ven engullidos por la espiral de poder y luchas intestinas que se desata dentro de las diferentes facciones del propio partido nazi, y la familia se rompe y se desangra (literalmente) de manera paralela. Pero, a decir verdad, no sé qué diferencia a unos de otros. En todos late una parecida apetencia por el poder, por el control, por el dominio... pero ni siquiera un distinto uniforme me sirve para diferenciarlos e identificar ese resorte que les mueve a actuar de la manera en que lo hacen.

De modo que las casi dos horas y medio de función (con descanso) se me hacen tan eternas como una interminable sesión de fuegos artificiales en la que el efectista espectáculo de ruido y color deja de tener sentido pasado un rato, al no existir ningún discurso que lo sustente y justifique. Aquí lo hay, pero acaba resultando tan plano y cansino como el ritmo de la famosa cinta trasnportadora. El continente aquí eclipsa al contenido, y eso a mi no me vale. Una decepción.

Galería de fotos, en teatroespañol

Crítica y vídeo con imágenes del ensayo general, en nortedecastilla

La CNTC trae "El alcalde de Zalamea" al Calderón

2011-03-01T13:52:00.000+01:00

Este fin de semana pasado llegó a Valladolid la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) para subir a las tablas del Teatro Calderón una excepcional versión de “El alcalde de Zalamea”, una de las cimas del teatro español del siglo de oro y obra más representativa (con permiso de "La vida es sueño", claro) del maestro que da nombre al escenario más emblemático de esta ciudad. Podríamos decir que don Pedro jugaba en casa.

La obra narra los acontecimientos que se suceden en esta localidad extremeña (aunque bien pudiera ser castellana, por el carácter de los personajes) cuando allí llega una partida de soldados que se detendrán buscando posada y descanso para unos días, alojándose en casa de los lugareños, labradores la mayoría de ellos. La historia se entreteje con los mimbres clásicos de las diferencias de clase, estamentales y de poder. Y el drama se desencadena apoyándose en uno de los pocos personajes femeninos que aparecen, anhelo de varios hombres, como el hidalgo o el capitán. Este último, herido en su orgullo por el rechazo de ella (Isabel) hace uso de su posición y su poder para acceder a su objeto de deseo. El abuso, el honor, la justicia... ingredientes tradicionales de un buen drama, presentes.

La versión que en esta ocasión monta la CNTC, dirigida por Eduardo Vasco, apuesta por dar todo el protagonismo al texto de Calderón y al trabajo de los actores. Sobre el escenario, únicamente una tarima que delimita la zona donde se va a desarrollar la representación y, a ambos lados, una serie de bancos corridos y sillas donde se van sentando y levantando los actores conforme salen o entran a escena, esa tarima, donde no hay más elemento escenográfico que un telón sencillo y neutro al fondo y el cuerpo de los propios actores, perfectamente caracterizados con su vestuario de época.

La acción se sucede sin pausa ni transición alguna; escena tras escena con un dinamismo natural absolutamente pasmoso, sin necesidad de aderezos extraños, sin más ayuda que la brindada por un sencillo juego de luces que se limita a subrayar la acción e invitar al espectador a mirar hacia un lugar determinado, y la música de una viola de gamba, tocada por una de las actrices para subrayar, asimismo, momentos cruciales de la representación.

Con estos ingredientes resulta una delicia disfrutar del personaje central de la obra, Pedro Crespo (qué bueno es Joaquín Notario), labrador humilde y próspero, inteligente y testarudo, justo y recto, íntegro y honesto. Y tan sabio como el refranero popular. Este hombre es un héroe que por mayor virtud tiene el sentido común y el valor de unas sólidas, profundas y nobles convicciones personales que son irrenunciables. Es, a la sazón, el padre de Isabel y el anfitrión del capitán, primero, y de don Lope de Aguirre en último término. Sus réplicas a las dagas del curtido general al mando de la soldadesca (con una personalidad similar, pero con otra posición), son antológicas. Pero la lengua de Pedro no se amilana ante nadie, ni el propio rey. Porque no hay posición social más elevada a la de la razón, patrimonio común de todos los hombres independientemente de la cuna. Y porque no hay más verdad que una (qué importa errar en lo menos cuando se acierta en lo más, ¿no?).

Tras ver una obra así (cima de la literatura) con un montaje así (que hace palidecer a los excesivos "calixtosbieitos", con todos mis respetos) y unos actorazos así (inconmensurables; qué presencia, qué dicción, que musicalidad en el verso, que voz en el canto...) uno no alberga dudas de porqué existe y ha de existir algo como la CNTC, después de asistir a un ejercicio tan fenomenal de reivindicación y lustre de nuestro patrimonio cultural. Con todos mis respetos, esto demuestra que al teatro no le hacen falta ni el márketing de los rostros televisivos, ni los libretos de moda en broadway, ni los montajes excesivos e innecesarios.

Viva la razón. Viva la justicia. Viva el hombre. Viva Pedro Crespo, alcalde de Zalamea. Viva Calderón (y los clásicos). Viva el Teatro.

Love of Lesbian: más fans de John Boy en Valladolid

2011-02-22T16:15:00.002+01:00

Aunque no soy del único pueblo de España dónde no han tocado Love of Lesbian, la verdad que hasta ahora no había tenido la oportunidad de ver en directo a uno de los grupos de moda este último año, a pesar de que ya habían recalado en Valladolid en alguna ocasión. Esta vez lo hicieron para llenar dos días consecutivos (sábado 19 y domingo 20) la sala Porta Caeli.

Esto, que puede no parecer una proeza (Porta Caeli, uno de esos locales de antaño bautizados como sala de fiestas ahora reconvertido en sala de conciertos, tendrá un aforo justito de 400 personas) comparado con llenar cuatro noches seguidas la Joy Eslava, debe ser puesto en su justo contexto. Algo tan simple como esto: Valladolid no es Madrid.

Lo bueno es que estos lesbianos tampoco entienden de demografías urbanas y plazas de primera o segunda; sólo les interesa tener un auditorio entregado con el que conectar. Aquí o en Madrid. Aunque la repercusión mediática no sea la misma. También es cierto que, precisamente ellos, pueden decir que tampoco les importa mucho. Al fin y al cabo estos talluditos catalanes en gira permanente desde hace más de un año no tienen nada que agradecer a grandes discográficas, productoras o medios de comunicación. En tal caso, a internet y a las redes sociales que han posibilitado que un público desde la adolescencia a la treintena llene sus conciertos y coree todas sus canciones.

La mayoría de ellas provenientes de 1999, su último trabajo, un disco pretendidamente conceptual en el que quedan patentes las marcas de la casa: letras de un lirismo surrealista (1999, Incendios de nieve), melodías bailables (Algunas plantas, El ectoplasta) y auténticos himnos (Club de fans de John Boy, Allí donde solíamos gritar).

El concierto empezó con diez minutos de retraso sobre la hora anunciada y con el público ya impaciente desde que se abrieron las puertas. Bastaron los primeros acordes de Allí donde solíamos gritar para intuir que la noche iba a ser una gran noche. En un principio, el sonido resultó bastante deficiente y se oía bastante más a la gente gritando la letra que a la épica e hipnótica voz de Santi Balmes. Tuve la sensación de que iba a sacrificar el sonido por estar prácticamente al lado de la banda, lo que no deja de ser un lujo que justifica pagar ese precio (y hasta el calor asfixiante que hacía). ¡Todo sea por la comunión de público y artista!

Pero lo cierto es que el sonido mejoró mucho a partir de entonces, al atacar Un día en el parque, primer tema arrancado de su anterior trabajo Cuentos chinos para niños del Japón. Aunque en ningún momento dejó el publico de cantar todas las letras, jaleados por el propio grupo (incansables, entregados, con tablas; disfrutando y convencidos de lo que hacen). Porque los conciertos de Love of Lesbian son una suerte de fiesta en la que se da por hecho que allí se va a pasarlo muy bien. Y se canta, se grita, se baila, se salta, se bota, se suda... Mucho.

Más de dos horas de concierto en las que dio tiempo a hacer todo eso (y regarlo bien con tercios de Estrella Galicia) mientras se desgranaban temazos como Las malas lenguas, Noches reversibles o Segundo asalto. A escuchar cómo Santi iba contextualizando muchos de los temas, cómo animaba al personal con sus bromas y chascarrillos (como, por ejemplo, cuando recordó que mientras OT echaba la persiana grupos como ellos salían adelante... gracias a una inmensa minoría que da la espalda a las radiofórmulas en favor del talento que encuentra su espacio a través de rendijas como myspace o spotify, cada vez más amplias, añado yo); o cómo lanzaba sus guiños al público local ("no me extraña que esteis así de saludables con lo bien que comeis, cabrones"); a reirnos con lo que se veía encima del escenario, con los componentes de la banda disfrazándose (las pintas del bajista Joanra Planell semidesnudo para el amante guisante del Te hiero mucho son inenarrables) en medio de un ambiente entre carnavalesco y de fiesta de cotillón.

Aunque probablemente el cénit del concierto se alcanzó con la locura de Algunas plantas, con campanadas incluídas y dos miembros de la banda (Santi Balmes y Jordi Roig) lanzándose sobre el público, que los manteó en medio de un delirio generalizado hasta que Santi acabó dando con sus huesos en el suelo (que estaba forrado de botellas de la mencionada cerveza, todo sea dicho), percance que acabó traduciéndose en la cancelación del concierto del día 20.

Este ha sido el concierto en el que mejor por me lo he pasado: en que más he cantado, bailado, saltado, reído... Fue una fiesta y esta gente, a pesar de llevar "girando" tanto tiempo también lo pasaron bien y disfrutaron del público de Pucela, como dejaron claro en su twitter.

Aquí dejo un posible setlist... aunque echamos de menos algún tema como La niña imantada.

Un tranvía llamado deseo

2011-01-27T20:02:00.002+01:00

Había casi dejado olvidada en el cajón la idea de subir la reseña de la escala que Un tranvía llamado deseo hizo en Valladolid, ya que se me solapó con el genial concierto de Standstill y pasaron los días y no me había puesto a ello... Además, salí del teatro con un desagradable sabor agridulce. Pero cuando empecé este blog me prometí que intentaría escribir algo sobre los conciertos y obras de teatro a los que asistiera, como un archivo personal, una verdadera bitácora con la que hacer frente a la desmemoria. Así que...

Lo del sabor agridulce se debió, fundamentalmente, a factores exógenos al montaje en sí, pero que afectaron de manera profundísima a mi capacidad para disfrutar del espectáculo. Asistí a la representación acogida por el Teatro Calderón el pasado viernes 14 de enero, con una entrada magnífica, de lleno. Eso sí, la media de edad del público era más que elevada, mayoritariamente gente muy mayor. Ello no me supone ningún problema, faltaría más, pero si me plantea una pregunta: por qué no acude más gente joven al teatro. en esta ciudad. Sé que Valladolid no es Madrid, pero sería un tema a estudiar. ¿Es un problema de programación? ¿de precio? ¿de simple inapetencia por parte de los jóvenes?

El montaje de la obra de Tennessee Williams, dirigido por Mario Gas, se sucede en un decorado único que refleja de manera nítida (o más bien transparente) el humilde apartamento en que viven Stella y Stanley y la calle de Nueva Orleans en que se encuentra, gracias al uso que para la escenografía se hace con dos planos a distinta altura, enriquecidos por los juegos de luz. Aunque lo más destacable seguramente sea la pantalla que al fondo del escenario sirve para proyectar imágenes que, junto con la música, sirven para sumergirnos en el ambiente en que transcurre la historia: las noches tórridas y húmedas de un Nueva Orleans hermosamente decadente. Un montaje de corte clásico y que no deja de recordar muchísimo a la inolvidable película que en 1951 dirigió Elia Kazan.

La obra se extiende a lo largo de casi dos horas y media y en ningún caso se hace larga o pesada, lo cual siempre es un indicador (al menos para mí) de si la cosa va bien. A mi la obra consiguió sumergirme en el ambiente asfixiante en que sobreviven los protagonistas. Y el trabajo de conjunto de los actores me pareció muy bueno. Vicky Peña está sencillamente espectacular en el papel de Blanche. Al principio podía parecer exagerada por excesiva. Pero es que Blanche es excesiva, es un personaje que se encuentra en el límite, que es un vendaval: poderoso, magnético y destructivo. Tanto como puede serlo el violento Stanley, interpretado por Roberto Álamo.

Es imposible ver esta obra de teatro y, si se ha visto, no acordarse de la película de Elia Kazan en la que Stanley, una suerte de hombre duro en camiseta, es convertido por Marlon Brando en un mito. Y ese es el problema. En mi retina Stanley es Marlon Brando. El Stanley de Marlon Brando. Un ser primitivo, violento, físico, carnal, visceral… Roberto Álamo, actorazo que viene de dar vida a otro hombre rudo, el Urtain de Animalario (por el que recordemos que ganó el premio Max al mejor actor el año pasado) intenta crear su propio Stanley. Pero la sombra de Brando es alargada y yo, simplemente, no me lo creo. No percibo ese magnetismo que tiene atrapada a Stella.

Respecto del resto del reparto, tengo que decir que parece que todos están muy bien. Ariadna Gil bastante mejor de lo que me esperaba en su papel de Stella. Y el Mitch de Álex Casanova me gustó mucho.

Después de leer esto parece que la obra está muy bien (que lo está) y que disfruté muchísimo con ella, pero esto último no es cierto. Recordemos que antes hablé de sabor agridulce. ¿A qué se debió? Como comentaba al principio, fue producto de factores exógenos a la obra. A gran parte del público, en concreto. Sé que va a sonar exagerado y que puedo parece un esnob recalcitrante, pero es que desde que empezó la representación hasta que ésta finalizó no pasaron quince segundos sin que alguien tosiera, estornudara, carraspeara, se sorbiera los mocos... como si estuviera en pijama en el salón de su casa, machacando momentos de tensión dramática increíbles. Yo lo pasé mal como espectador, porque no disfruté de la obra. Pero lo pasé peor por los actores que, ahí arriba, desnudándose y entregándose con su trabajo eran eclipsados continuamente por la coral de toses. Nunca he visto nada igual. Se me quitaron las ganas de volver al Calderón (en el descanso me comentaba otro espectador que eso es, desgraciadamente, casi siempre así, al menos los viernes, cuando más abonados acuden). Arriesgándome de nuevo a sonar como un radical: si no estoy en condiciones físicas para atender a una obra de teatro, no voy (en unas condiciones así, morirse de la tos cada quince segundos es más molesto que el sonido de un móvil).

Eso o que una farmacéutica patrocine las representaciones y, al inicio y en el descanso, barra libre de Iniston per tutti.

Momento memorable en Los Simpson: Ned Flanders como Stanley Kowalsky

Adelante Standstill

2011-01-16T21:03:00.004+01:00

En estos tiempos de crisis (a todos los niveles), de modelos culturales de globalizada homogeneización, de discursos únicos y de posiciones conservadoras... resulta excitante descubrir que existen fenómenos como el que protagoniza el grupo catalán Standstill en el panorama musical nacional. No son unos recién llegados, precisamente, pero han empezado a darse a conocer hace relativamente poco. Musicalmente han evolucionado desde el punk en catalán a un pop ecléctico nada convencional en castellano. Hacen lo que quieren, lo que les gusta. Y son buenos. Muy buenos. Tienen algo nuevo y distinto que ofrecer. Al margen de la industria tradicional, claro. Tienen su propio sello y, gracias a ese demonio que para algunos es internet, han trascendido el circuito más indie y... se han presentado en el Auditorio Miguel Delibes (infraestructura colosal, en todos los sentidos) de Valladolid este pasado sábado 15 de enero.

Lo han hecho con su espectáculo Rooom, la puesta en escena del último disco de la banda: Adelante Bonaparte. Se trata de un disco conceptual, un cuento circular integrado por un total de 20 canciones (algunas instrumentales) repartidas en tres discos que narran fragmentos de una vida, la de B., desde su infancia hasta su madurez de adulto. Es conceptual en ese sentido, los temas tienen esa relación lógica, no son partes independientes, sino que tienen sentido dentro de ese todo. Y es circular porque a lo largo de las 20 canciones se cierra toda una etapa vital de B. Y se hace con dos canciones que respetan un mismo patrón pero que marcan dos momentos muy distintos (una muerte y un nacimiento), aunque igualmente importantes en la vida de B.

A algunos les parecerá pretencioso. Para mi, Adelante Bonaparte es una genialidad. Es una apuesta valiente y ambiciosa. No es un disco redondo porque tiene sus altibajos, sin duda, lo que es comprensible dados los matices de cada una de las tres partes de este trabajo (con un segundo disco oscurísimo). Pero es un trabajo muy coherente, que para mi representa un auténtico viaje musical y que, desde luego, es un soplo de aire fresco en el panorama musical nacional. No hay nada vulgar en lo que hace esta gente. A quien le guste la música y aun no conozca a este grupo, que no pierda el tiempo y preste oído a Vivalaguerra, su anterior trabajo, y a este Adelante Bonaparte.

Rooom es un espectáculo pensado para pequeños recintos, porque no se trata de un concierto al uso. El público permanece sentado en sus butacas como quien asiste a una representación teatral. Sobre el escenario, estos chicos (y toda su parafernalia de instrumentos, sintetizadores y demás juguetes electrónicos) aparecen emparedados entre tres paredes que no son sino pantallas sobre las que se proyectan imágenes que van ilustrando lo que oímos. La cuarta pared, claro, es el público. De modo que lo que Standstill nos propone es entrar con ellos en su mundo, que es el de B. En la habitación donde se reúnen para hacer música.

Porque lo mágico de esta propuesta es esa sensación, estar presente mientras este grupo de artistas hace música. Asistimos al nacimiento de cada una de esas 20 canciones, una tras otras, instrumento a instrumento, con un sonido potentísimo. Todo ello aderezado por esas imágenes que se van proyectando en las pantallas y que hacen de los chicos de Standstill cinco sombras que, como nosotros, asisten a la caída y resurgir vital de B., como si sus guitarras, su percusión, sus teclados, su xilófono, su ukelele, etc. no tuvieran nada que ver en todo esto. Es más, Enric Montefusco (guitarras acústicas y voz, qué voz) permanece prácticamente todo el concierto de espaldas al público, remarcando esa sensación de intimidad, de recogimiento, de complicidad.

Parto de la base de que, en la era de las nuevas tecnologías, de lo inmediato, de la piratería... la música en vivo es siempre una experiencia única, irrepetible. Pues bien, Rooom es más que eso porque no es ni tan siquiera un concierto más. Es otra cosa. Es música, es videoarte, es performance... Son sensaciones. Volveré a escuchar muchas veces este disco, pero ya lo haré de manera distinta. Como cuando escuche Hombre araña, e imagine a ese coro de niños de escuela; o cuando Cuando ella toca el piano me ponga los pelos de punta, me sentiré más cerca del fuego; o más asfixiado en Sálveme quién pueda; o cuando el Elefante me diga que la vida es como ese animal y sólo sabe ir hacia adelante. Como Bonaparte. Como estos chicos, que escapan de la mediocridad general huyendo hacia adelante, apostando fuerte por aquello en lo que creen, por aquello que les gusta (qué gustazo ver esos gestos complices en el escenario, ese continuo intercambio de posiciones... esas caras de Ricky Lavado, el batería, como las de un niño disfrutando con su juguete favorito).

Epílogo: al final, todos los que abarrotábamos la sala experimental del Miguel Delibes, de pie (aplaudiendo y vitoreando a rabiar, claro).

Adelante Bonaparte en Spotify
Galería de imágenes del concierto de Standstill en Valladolid (notedetengas.es)

Icíar Bollaín se vuelve a mojar

2011-01-13T11:16:00.000+01:00

En nuestra página de cine hoy le toca el turno a También la lluvia, último trabajo de Icíar Bollaín y película seleccionada por nuestra Academia para representarnos en los Óscar, y que peleará por 13 estatuillas en la próxima gala de los premios Goya. Y aunque el film fue presentado en la gala inaugural de la pasada edición de la Seminci, no ha sido estrenado comercialmente hasta el fin de semana de Reyes.

El argumento de También la lluvia es sencillo: el equipo de rodaje de una película sobre la llegada de los conquistadores españoles a América se encuentra en medio de los disturbios que se produjeron en la ciudad boliviana de Cochabamba en abril de 2000 en lo que se conoció como “guerra del agua”, conflicto fruto de la privatización del servicio municipal de agua y su concesión a una empresa de capital mayoritariamente extranjero.

Con este punto de partida, el guionista Paul Laverty (conocido por sus guiones para Ken Loach) elabora una historia que juega con el paralelismo subyacente en el fenómeno de la colonización que, 500 años después, no es que aun muestre sus consecuencias, sino que pervive adoptando las formas actualizadas de los nuevos conquistadores y sus valedores: empresas multinacionales e instituciones globales como el Banco Mundial.

Usando este material Icíar Bollaín hace varias cosas. Por un lado, un excelente ejercicio de “cine dentro del cine” que, aunque no sea algo novedoso, satisface la curiosidad que el espectador pueda sentir acerca de lo que se es esconde tras la cámara, gran parte de los entresijos de esto del cine. Allí vemos a los dos protagonistas, el productor Costa (Luis Tosar) y el director Sebastián (Gael García Bernal), cada uno defendiendo sus propios intereses y, de manera indirecta, introduciéndonos en el contexto de la película. La película que están rodando enfoca la conquista de América desde una óptica crítica para los llegados allende los mares, con un enfoque humanista que ensalza figuras como la de Bartolomé de las Casas frente a Colón y sus crueles soldados. Pero, al mismo tiempo, esa película se rueda en Bolivia porque los productores se ahorran mucho dinero, especialmente en términos de lo que pagan a los extras locales. Así que, por otro lado, se apunta la paradoja de estos personajes que con su película quieren subrayar las vejaciones y maltratos a que fueron sometidos los indígenas por parte de los españoles pero que, aun a otro nivel, tratan a los "nuevos" indígenas con la misma autosuficiencia, aprovechándose de ellos para sus propios fines (cosas de la globalización).

Aunque, como decía, el moderno expolio, la nueva conquista, viene retratada con el tema del agua, convertido en un oro contemporáneo con el que mercadean los nuevos "virreyes" (la minoritaria élite criolla) que, en contra de la mayoría indígena, hipotecan el futuro del país al poner en manos de empresas extranjeras (aconsejados desde Washington) un bien tan preciado... La película muestra muchas cosas, pero entre otras bien puede servir para explicar de dónde viene Evo Morales.

El reparto, en general, está bastante bien. Destacaría a Luis Tosar que está fantástico (como siempre) y a la apuesta de Icíar Bollaín por un casting amateur en lo que a los papeles de los indígenes se refiere. Es cierto que hay ciertos momentos en que la cosa cojea, pero se agradece la frescura (el actor que interpreta a Daniel -el protagonista indígena en la película y en la revuelta- me parece un acierto). Gael García Bernal está bien, sin más. La verdad es que no es un actor que me haya gustado en exceso nunca, así que reconozco que tengo mis prejuicios. Lo encuentro correcto, sin más. Y no en comparación a Luis Tosar, que desde luego se lo come. Me gusta bastante más, por ejemplo, Karra Elejalde en su papel del actor que da vida a Cristóbal Colón.

También la lluvia es una película española con hechuras de super producción que me ha gustado bastante. Me ha gustado mucho el guión; encuentro que sus personajes son creíbles, que el camino que transita Costa es auténtico, que la historia rezuma autenticidad. Pero sobre todo me ha gustado que También la lluvia demuestra que eso que a veces es llamado despectivamente "cine social" es perfectamente compatible con una gran producción de impecable factura y con recorrido comercial.

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Balada triste de lo grotesco

2011-01-11T16:30:00.003+01:00

Han pasado ya dos semanas desde que vi Balada triste de trompeta, la ultima peli de Álex de la Iglesia. Y después de todo ese tiempo, aquí estoy escribiendo un post sobre ella. No es que haya tardado en subirlo o en escribirlo porque las celebraciones navideñas me lo habían impedido. El hecho es que cuando salí del cine no tenía la más mínima intención de comentar la película, porque lo que acababa de ver no me había gustado y no pretendía perder más tiempo con el asunto. Me sentía decepcionado. Esperaba muchísimo del film y de su director. Como siempre. Quería ver otro día de la bestia, otra comunidad. Pero abandoné la sala desazonado. Aquélla no era la película que yo esperaba ver. Y me fui con la sensación de que la balada no es que fuera triste, es que era mala. Y punto.

Pero aquí estoy dos semanas después escribiendo sobre el asunto. Y es que me he dado cuenta que Balada triste de trompeta no es una película de usar y tirar; de las de ver, engullir las palomitas, destripar y olvidar. Algo permanece en mi cabeza, algo que, aunque no la convierte en única, en auténticamente especial, sí consigue rescatarla del maremágnum de cine mediocre que consumimos en cantidades industriales.

La balada de Álex es su película, la que el quiso hacer, no la que yo esperaba ver. De la Iglesia parece un niño grande con una energía desbordante y una imaginación más incontenible aun al que no se le pone nada por delante, y que es capaz de sacar adelante proyectos que en manos de otro no saldrían del cajón. Este tío ha sido capaz de convencer a alguien para que ponga el dinero suficiente para rodar una película sobre la historia de España, sobre uno de sus episodio más negros: la guerra civil y la posterior dictadura. Y para ello se vale de unos personajes grotescos, ridículos: una pareja de payasos.

La película juega continuamente con los extremos, con el ridículo, con lo grotesco, con lo absurdo... y entra en una espiral enloquecida donde parece que el guión se desvanece en favor de una sucesión de escenas e imágenes espectaculares, increíbles; magnéticas y muy potentes... pero sin hilo conductor más allá del patetismo, el ridículo, el absurdo y lo grotesco, que definen la vida de esos payasos. Una espiral que me condujo a salir del cine diciendo que la película no me había gustado. Porque no tenía ni pies ni cabeza; porque era grotesca; porque era absurda; porque era ridícula. Pero lo cierto es que una guerra fraticida, la dictadura subsiguiente y sus terribles consecuencias podrían calificarse con esos adjetivos, si ello no fuera una cosa tan triste. Y representa un material más que suficiente para una creación tan onírica como ésta.

De los actores decir que Antonio de la Torre demuestra, una vez más, que es uno de los grandes. Carlos Areces, en su papel de payaso triste, me recuerda a todo lo que ya había visto de él antes, tanto en Muchachada Nui como en Plutón BRB Nero. Simplemente creo que es así. Con respecto a Carolina Bang, bueno, de momento sus credenciales como actriz se reducen fundamentalmente a dos poderosos argumentos. Eso sí, el elenco de secundarios es genial: Enrique Villén, Sancho Gracia, Santiago Segura, Terele Pávez, Fernando Guillén...

Y de la factura técnica... una pasada. La capacidad que demuestra Álex de la Iglesia para la narrativa visual es inmensa. Su cine es como un comic traducido al fotograma. En este caso aplica muy bien eso de que tiene un universo propio. Y lo plasma en imágenes potentísimas, con ejercicios de cámara espléndidos y una sucesión de escenas de acción sensacional (homenajeándose a sí mismo o a Hitchcook, qué más da; la secuencia final con la cruz del valle de los Caídos como su particular monte Rushmore ibérico es muy ilustrativa).

Una película absurda y grotesca con personajes absurdos y grotescos. Pero también lo puede parecer Raphael y, sin embargo, ¡ahí lo tenemos cada año por Navidades levantado el share de La 1! Bromas aparte, si la viera otra vez creo que seguiría diciendo que no me gusta. Porque las cosas sin pies ni cabeza no me gustan. Lo que ocurre es que con ese discurso de lo grotesco, lo absurdo, lo ridículo... tiene cierta coherencia. Eso y su estética creo que es lo que ha hecho que no la olvide, que sea especial, que me cree cierto desasosiego (y no por las, nunca mejor dicho, salpicaduras gore).

Resulta que mientras terminaba de perfilar el post me he enterado de que Balada triste de trompeta ha obtenido 15 nominaciones para la próxima edición de los premios Goya. Me alegro, porque si algo es esta película es un producto diferente, distinto. Tiene muchas papeletas de triunfar en los apartados técnicos, aunque mucho me temo que en los premios "grandes" no rascará bola. Para mi tanta nominación ya es un premio a un proyecto valiente, que quizá podría poner la guinda con un premio a mejor director (con permiso de Icíar Bollaín, claro). Pero ni el reparto, ni el guión los creo acreedores de estatuilla alguna (sobre todo teniendo en cuenta otras candidaturas).

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Biutiful: retrato del dolor

2010-12-26T14:55:00.000+01:00

Este fin de semana he tenido la oportunidad de ir al cine a ver Biutiful, la película de Javier Bardem y Alejandro González Iñárritu, estrenada comercialmente en España a comienzos de diciembre pero que ya fue presentada en primavera en el festival de Cannes.

Biutiful nos narra la historia de Uxbal, un hombre que, más que vivir, sobrevive atormentado por el dolor que define y ha definido su existencia: el dolor físico de una enfermedad terrible recién diagnosticada.; dolor por no haber conocido a un padre que murió lejos al tiempo que él llegaba al mundo; dolor por no tener apenas recuerdos de su madre, que murió pronto; dolor porque la mujer que ama y con la que ha tenido dos hijos sufre un trastorno mental que la convierte en otra persona; dolor por el incierto futuro que le espera a esos niños... Dolor propio que se filtra por los distintos estratos de su vida, consumiendo su existencia. Sentimiento que conoce bien a través del dolor ajeno, dada la capacidad que tiene para hacer de puente entre personas recién fallecidas y sus familiares, sumando gramo a gramo el peso de una carga cada vez más pesada y dolorosa, y a la que en última instancia se suma su modo de vida, apoyado en buena parte en hacer de intermediario entre inmigrantes ilegales desesperados y las mafias que los utilizan. Es consciente de su doble moral, de su cinismo. Se aprovecha de ellos tanto como los que están más arriba en la pirámide... Más dolor para sobrevivir o con el que sobrevivir.

La película está ambientada en Barcelona, pero no en la Barcelona cool que suele tenerse siempre en mente. Los escenarios de la película muestran la cara más oscura, áspera y sucia no ya de la ciudad, sino de nuestras sociedades. Es el patio de atrás del mundo en que vivimos, las alcantarillas donde malviven seres humanos venidos de todos los rincones del mundo y que se unen a los invisibles autóctonos. Lo que no queremos ver, dónde no querríamos estar. Iñárritu se recrea en esta atmósfera sórdida, creando una brutal sensación de angustia y claustrofobia en el espectador, apoyado en una potente fotografía, aunque abusa (y mucho) de los movimientos de cámara.

Uxbal es un caramelo de personaje y, en manos de Javier Bardem, toma cuerpo y se hace real. Qué decir de este hombre que no se haya dicho ya (ganó el premio al mejor actor en Cannes). Está genial. Como siempre. Transmite ese dolor de Uxbal del minuto uno al último. Con una máxima contención. Él es la película (por eso decía al principio que ésta es la película de Bardem y de Iñárritu). Él es el encargado de conducirnos por ese teatro de los horrores, la cloaca que no queremos ver.

Por otro lado, hay que reconocer que el cine puede ser usado (y se usa) y puede funcionar muy bien (y funciona) como herramienta de denuncia. Como foco para arrojar luz sobre la oscuridad. Como pescozón a nuestras conciencias. Es así y me parece que está muy bien que sea así. Biutiful, desde luego, hace eso. Nos enseña cosas que no queremos ver. Nos dice: todos sois responsables de esto. No sólo los pragmáticos mafiosos chinos (que también tienen su familia, sus problemas vitales), el amoral hermano de Uxbal (espléndido Eduard Fernández, como siempre), el corrupto policía, el ruin empresario... el atormentado Uxbal. Todos son eslabones de una misma cadena y, por tanto, todos responsables de alguna manera de tanta miseria (física y moral).

Dicho esto, creo que a González Iñárritu puede pedírsele algo más, dado su historial. Porque viendo esta película, al margen del mal cuerpo que te deja, transmite la sensación de no ser algo nuevo, distinto, diferente a lo que ha hecho hasta ahora. Y aunque el drama en esta vida sea algo cotidiano, y el despertar nuestras conciencias algo loable, una vez hecho esto habría que dosificar talento e ir un paso más allá. Porque, si no, la historia se repite, se vuelve circular, y no hay salida al final. No hay posibilidad de enmienda, pese al propósito. No hay redención. Vence el cotidiano cinismo, la conciencia acomodada. El maniqueísmo.

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Todos eran mis hijos: drama, culpa y remordimiento

2010-12-15T20:21:00.000+01:00

El viernes 10 y el sábado 11 de diciembre se representó en Valladolid la que probablemente sea una de las propuestas teatrales más interesantes de la temporada: "Todos eran mis hijos", dirigida por Claudio Tolcachir y protagonizada por Carlos Hipólito.

El lugar, el remozado Teatro Zorrilla, sobre cuyo escenario se representó la obra a lo largo de tres funciones (una el viernes y dos el sábado). En la última de ellas, a las 22.00 h el sábado, prácticamente se agotaron las localidades. Ello a pesar de los precios, ya que una butaca en la platea costaba la nada despreciable cifra de 30 euros (muy por encima de los 22 euros que costaba la entrada para haber disfrutado el estreno de esta obra en el Teatro Español, en Madrid, durante septiembre y octubre).

La historia de la recuperación del Teatro Zorrilla para la vida cultural vallisoletana puede resumirse en que, después de gastarse casi 10 millones de euros en la rehabilitación del edificio (de los cuales parte aportó la Junta) la Diputación Provincial, impulsora del proyecto, entregó la gestión de las instalaciones a una empresa privada que se encarga de rellenar la programación con mejor (este caso) o peor fortuna. Pero a precios de teatro privado, claro. Todavía tengo pendiente un post para hablar de las instalaciones de la ciudad...

"Todos eran mis hijos" es un espléndido texto de Arthur Miller con el que el estadounidense se gana con creces el título de dramaturgo. Ambientada en los años posteriores al fin de la Segunda Guerra Mundial, la obra nos introduce en la vida de los Keller, una acomodada familia que ha hecho su fortuna gracias a la empresa familiar, una fábrica que durante el conflicto bélico se especializó en la producción de material destinado al ejército (fundamentalmente piezas usadas en los aviones de combate). Sin embargo, si la guerra les trajo el bienestar económico también se llevó a su hijo mayor, Larry, (desaparecido en combate hace tres años y del que nada se ha vuelto a saber) al que la madre, Kate (interpretada por Gloria Muñoz) se niega a dar por muerto.

Así arranca el drama, con una madre a la que, aparentemente, el dolor por la muerte de su primogénito ha conducido al terreno de la irracionalidad, del que el patriarca y siempre pragmático Joe (Carlos Hipólito) no parece decidido a sacarla. No sucede lo mismo con Chris (Fran Perea), el otro hijo de la pareja y hermano de Larry, un soñador, un idealista que representa la cara luminosa y optimista de una sociedad que se recupera de las terribles heridas de una guerra. Pero al mismo tiempo es realista: tiene asumido que su hermano está muerto e intenta convencer a su padre para que, juntos, hagan entrar en razón a Kate.

Conforme va avanzando la obra, con asombrosa naturalidad Miller va tejiendo una historia cruda y desgarrada, de algunas luces y muchas sombras, con unos personajes de gran densidad que se van a enfrentar a la tormenta que desatará la llegada de Ann (Manuela Velasco), antigua vecina de los Keller, antigua novia de Larry, hija del antiguo socio de Joe y a la que Chris ha invitado a regresar, tres años después, porque quiere casarse con ella. Durante esos años se han estado carteando. Juntos se han sobrepuesto a la muerte de Larry y al proceso judicial al que tuvieron que hacer frente sus padres como consecuencia de un suministro defectuoso de piezas que provocó que hasta 21 pilotos hubieran muerto por fallos en sus aparatos, y del que Joe salió absuelto y el padre de Ann culpable, pagánolo con la cárcel.

Sin embargo la sombra de la sospecha siempre ha sobrevolado la casa de los Keller, si bien el cinismo y los convencionalismo sociales asentados sobre la base del éxito económico de Joe y su empresa, hacen que la familia viva aparentemente integrada en el vecindario, gozando de supuesta buena reputación. Pero las cosas no son lo que parecen. Ni en el vecindario ni en casa de los Keller.

Los pilares fundamentales de la obra son, sin duda, el matrimonio Keller. Joe, el pragmático Joe, encarnación del sueño americano y padre y marido modélico que trabaja por y para su familia. Pero quien realmente mantiene unida a la familia y es capaz de mover todos sus hilos es Kate, tras cuya irracionalidad se esconde el conocimiento de una oscura verdad que ha ido carcomiendo su mundo.

La cobardía, la culpa, el remordimiento, el cinismo, la justificación de lo injustificable, la pérdida de valores... Todo ello forma parte de los ingredientes usados en la receta del drama humano que representa "Todos eran mis hijos".

Los actores están todos más que correctos, incluidos los secundarios. Pero, desde luego, mención aparte merecen Carlos Hipólito y Gloria Muñoz, que dotan a sus personajes, tan contenidos, de una variedad de matices y registros muy notable, transmitiendo verdad, inoculando en la audiencia el drama que se vive sobre ese escenario con un decorado tan clásico como efectivo: el plácido jardín trasero de la casa de los Keller, donde un árbol plantado en memoria de Larry acaba de ser arrancado tras una tormenta nocturna.

Respecto de Fran Perea y Manuela Velasco hay que decir que, a pesar de mis prejuicios, me han parecido muy convincentes. Pasados los primeros minutos de Perea paseando palmito por el escenario se descubre a un actor capaz de dar réplica (sin volverse invisible) al gran Carlos Hipólito.

Pero para mi la estrella principal de esta obra no es otra que el texto, el libreto de Miller. Increíble. De una potencia narrativa soberbia. Con una dosificación de los tiempos brutal. Con una naturalidad en el desarrollo de la historia, que se va abriendo como los pétalos de una flor, increíble. Los últimos veinte minutos mantienen a los espectadores en tensión, masticando el dramático desenlace. Un desenlace con sabor a culpa, a remordimiento... a drama.

Paco de Lucía: ARTE

2010-12-12T22:24:00.000+01:00

De los Beatles sólo llegué a conocer el eco de su leyenda a través de los discos que dejaron grabados.; no tuve ocasión de ver el éxtasis de Jimmy Hendrix abrazado a su guitarra encima de un escenario; la introspección escénica de un Miles Davis dando la espalda al público mientras exhalaba su vida por una trompeta es algo que sólo he podido leer e imaginar; Freddy Mercury murió antes de que pudiera escucharle rugir en directo una única vez... Hay tantos y tantos mitos de la música... La mayoría ocupan su lugar en el olimpo, figuras agigantadas tras la muerte. Otros todavía viven e, incluso, es posible verlos de cerca forjar su leyenda (Springsteen, Rolling, U2...). Y hay alguna deidad musical que aun se hace cuerpo para que gente corriente, como tú y como yo, conozcamos el paraíso en la tierra. Paraíso hecho no música, arte.

Ver a Paco de Lucía en directo, a don Paco, al maestro, debe ser algo muy cercano a ver a Dios creando el mundo en aquellos primeros días. Paco es, sin duda, un creador. No hace música, hace arte. En poco más de dos hora mágicas te sumerge en un mundo de ritmos, de melodías, de sensaciones, de sentimientos, de música... De Arte. Un mundo que va edificando desde el fondo de la caja de su guitarra, desde la caricia virtuosa de esas seis cuerdas con las que es capaz de decir tanto.

Paco de Lucía recaló en Valladolid el pasado 6 de diciembre para dar un concierto memorable en un Polideportivo Pisuerga que presentó su aforo cubierto en unas tres cuartas partes. Se presentó en solitario sobre el escenario para afrontar la primera pieza de la velada y recordar por qué es considerado uno de los mejores guitarristas de la historia, un virtuoso. Un artista que trasciende estilos. Sin dirigirse al respetable en toda la noche (más allá de presentar al grupo que le acompañaba), dio comienzo a una suerte de evangelio propio.

Para ello, sentado en el centro del escenario, y una vez recibidos los primeros vítores y aplausos de la noche, se rodeó de sus siete apóstoles, siete artistas excepcionales que ejercieron de perfectos profetas secundando y extendiendo las enseñanzas artísticas del maestro, con las que el público comulgó de principio a fin. Qué delicia, qué placer asistir a algo muy parecido a una jam session en la que una pieza tras otra el talento, habilidad, arte, duende o lo que sea se trenzan, mezclan, completan, suceden... para formar un inigualable alimento para el espíritu. El diálogo entre las guitarras de Paco y Antonio Sánchez Palomo; el ritmo vertiginoso de la percusión de "el piraña"; el incalificable talento (no existen adjetivos) de Alain Pérez al bajo (todavía no me creo que se puedan hacer con este instrumento las cosas que hace este hombre); la genial armónica de Antonio Serrano; o las voces de los cantaores Duquende o David de Jacoba; y, por supuesto, los momentos épicos brindados por el baile de Farru. Todo ello dirigido por Paco y su guitarra, que asistía a semejante espectáculo con sonrisa complaciente, como si fuera un espectador más, como si aquéllo fuera un momento más, un concierto más.

Seguramente para él aquéllo no era más que la perfecta ejecución de un espectáculo debidamente ensayado y engrasado y que unos artistas brutales se encargan de pasear por el mundo. Visto desde el patio de butacas, sin embargo, aquéllo fue algo único e irrepetible. Y eso que nada sé de seguiriyas, tientos, alegrías, bulerías y palos del flamenco. Nada de cante. Nada de baile. Nada de flamenco. Pero supongo que la sensación con la que sales después de ver a Paco de Lucía debe ser muy parecida a la que se podría tener después de asistir a un recital de María Callas (sabiendo poco o nada de ópera), a una actuación de Louis Armstrong (sabiendo poco o nada de jazz) o a un concierto de la Filarmónica de Berlín dirigida por Zubin Mehta (sabiendo poco o nada de clásica). La magia universal de la música, supongo.

Vídeo de comienzo de concierto en cyltelevision
Galería de imágenes en nortecastilla

Vídeo de "Zyryab", de esta misma gira (Festival de Jazz de Leverkussen): parte 1, parte 2

Please don't stop the music

2010-12-03T22:32:00.000+01:00

El pasado sábado 27 de noviembre tuvimos el placer y la suerte de ver en Valladolid en concierto a Jamie Cullum, en el marco de la iniciativa impulsada por el Ayuntamiento "Grandes conciertos". Me gustaría hacer una serie de reflexiones relativas a este asunto, pero no quiero empezar este blog mezclando temas en su primer post. Dedicaré uno específco en el futuro.

Aunque, en un principio, cuando las entradas se pusieron a la venta, se anunció que el recinto que acogería el concierto sería el polideportivo Pisuerga, finalmente se optó por el Huerta del Rey, alegando que en la misma fecha el Balonmano Valladolid jugaba un partido de champions. No digo que no sea un motivo razonable, pero creo que detrás del cambio de escenario se escondía más bien la incapacidad de vender un número digno de entradas. En el Huerta del Rey nos dimos cita unas 1.500 personas, tirando por lo muy alto. Teniendo en cuenta que en sus otros dos conciertos en España Jamie colgó el cartel de "no hay billetes", desde el punto organizativo no deja de ser un fracaso.

En cualquier caso, desde el punto de vista de la acústica, supongo que tanto el Pisuerga como el Huerta del Rey pueden despertar los mismos recelos. No en vano, el bueno de Jamie nada más salir al escenario (a las 22.00 h, puntualidad británica) dedicó el primer chascarrillo de la noche al lugar elegido para el concierto (criaturita, venía de tocar en el Palau de la Música en Barcelona y, al día siguiente, iba a hacer lo propio en el Kuursal de San Sebastián; lástima que dejara Valladolid pensando que no tenemos más que un viejo pabellón... Lástima que se sigan perdiendo ocasiones para "amortizar" el auditorio Miguel Delibes)... Y hasta aquí los comentarios al margen del conciertazo que este "thirtysomething" con cara de crapulilla nos regaló.

Comenzó puntual. A las 22.00 h se apagaban las luces del pabellón y subían al escenario Jamie y los suyos (una banda acopladísima, soberbia, espectacular). El protagonismo para Jamie y su piano, lanzándose a los primeros acordes de "Photograph", con la que empezó a calentar esa fantástica voz de crooner que, unida a su virtuosismo al piano, lo convierten en un absoluto superdotado para esto de la música. Y bien que lo sabe. Sin un segundo que perder, atacó "I'm all over it now", el primer tema que desgranaría de su último disco, "The pursuit". Con él conseguiría arrancar las primeras palmas de un público entregadísimo que ya sabía bien invertido su dinero al finalizar el tercer tema: su versión del "Just one of those things" , con la que demostró lo bien arropado que venía con esos músicos geniales (mención especial para el contrabajo y la trompeta).

La gente estaba radiante, feliz, satisfecha... tanto que Jamie bromeó con que parecía que ya teníamos suficiente... pero no era así. Ni nosotros ni él, que se olvidó del pabellón (por cierto, el sonido, contra todo pronóstico, bastante bueno) y de los huecos en las gradas y la pista, y se entregó a un público absolutamente enloquecido. Resulta que ese tipo con cara de niño malo y que viste vaqueros, deportivas, camisa, americana y corbata (pronto se iría despojando de estas últimas para quedarse en camiseta) no es sólo un virtuoso al piano con una voz increíble. Es un monstruo de los escenarios que acababa de desatar dos horas de puro espectáculo y buena música. Buena no, buenísima.

En todo ese tiempo Jamie cantó, chilló, habló, se hizo el gracioso, acarició su piano, lo aporreó, lo exprimió, se paseó por el escenario, corrió, saltó, cedió el protagonismo a sus compañeros en solos increíbles, levantó una y otra vez a la gente, nos hizo cantar, tararear, reir, dar palmas, chasquear los dedos, seguir el ritmo con los pies, saltar, vibrar... disfrutar de la música y el espectáculo.

De los muchos momentos del concierto, me quedo con la interpretación de "If I ruled the world", que por momentos llegó a poner los pelos de punta al personal, especialmente cuando su figura recortada sobre el piano era una sombra en el contraluz de un foco blanco (el resto del escenario apagado) al tiempo que, con sutileza, iba sacándole una nota tras otra a su piano recordando, salvando las distancias, eso sí, momentos del legendario "Kölhn concert" de Keith Jarrett.

Hay que decir que la escenografía resultaba tan sobria como eficaz, reflejando esa mezcla de estilos característica en la música de Cullum (meritorio puente entre el clasicismo y lo moderno) y el protagonismo del piano al que, como sugiere la portada de "The Pursuit", parece que Jamie pudiera hacer explotar de un momento a otro. Así, al fondo del escenario se encontraban una serie de tiras metálicas que colgaban de arriba hacia abajo simulando ser las cuerdas de un piano. Tras ellas estaba la pantalla sobre la que se proyectaban las imágenes que, en directo, iban capturando de la actuación dos cámaras, con encuadres bellísimos, jugando con el blanco y negro. Todo cabía en las tripas de ese piano mágico.

Geniales fueron también los prolegómenos de "Twentysomething", con Jamie "fucking around" al piano persiguiendo la inconfundible melodía del temazo; o la siempre íntima y cálida "What a difference a day makes"; o la apoteosis final, con el último bis (la versión del "Wind cries Mary" de Hendrix) y todo el pabellón viniéndose abajo al acabar (¡fuimos un público awesome!).

Aunque el tema sea de Rihanna, y fuera Jamie quien lo interpretara, él sí que se merece que se le cante eso de "please don't stop the music". Un lujo de concierto.

Aquí está el setlist:

Photograph
I’m All Over It Now
Just One Of Those Things
All At Sea
If I Ruled The World
Next Year Baby
20 Something
Don’t Stop The Music
Mind Trick
What A Difference A Day Makes (with birthday boy Rory
Simmons on Flugel Horn)
Frontin’ (JC & Chris)
But Not For Me
High & Dry
Mix Tape
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These Are The Days/Wind Cries Mary

En spotify: Jamie Cullum - Setlist (Valladolid 27/11/2010)

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