Cultura del Diseño

EL LONDRES DE VIVIENNE WESTWOOD

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 10 Jan 2015 17:07:00 +0000

Con la finalización del primer cuatrimestre del curso, y así también de la asignatura Cultura del Diseño, que me llevó a realizar este blog, he estado varios días pensando en un post final. De manera dubitativa pasaba de unos temas a otros pero hoy he tenido la suerte de ver un Gran Documental en la televisión, que me ha hecho decantarme por el tema de la siguiente entrada: Vivienne Westwood y una visita guiada por la capital británica.

En este documental he podido ver un recorrido por el Londres al que no suelen ir los turistas y también por el más visitado, dónde Vivienne nos invita a fijarnos y a reflexionar en cosas que normalmente nos pasan desapercibidas, a la vez que nos habla de la cultura, de la importancia de la cultura en la sociedad y a reflexionar sobre ello para poder ver la importancia que tiene en nuestra vida y en nuestro futuro.

Comenzaré el post con una introducción en la biografía de Vivianne, para seguir con los lugares emblemáticos que más me han llamado la atención en su recorrido por Londres así como algunas de sus reflexiones.

Vivienne Isabel Swire (Derbyshire, Inglaterra, 8 de abril de 1941), conocida como Vivienne Westwood, es una diseñadora de moda británica considerada como la principal responsable de la estética asociada con el punk y el New Wave.

Durante su adolescencia Westwood estudió en el Harrow School of Art y el Trent Park College y dio clases en una escuela primaria del norte de Londres. Con el tiempo, se casó con Derek Westwood y tuvo un hijo, Ben, perdurando el matrimonio hasta que Vivienne conoció a Malcolm McLaren, futuro mánager de los Sex Pistols. La pareja tuvo un hijo, Joseph, e inauguró en 1971 el local de ropa Let it Rock (luego renombrado SEX) donde la diseñadora comenzó a exhibir sus diseños extravagantes.

Vivienne y Malcolm McLaren

Vivienne en su primera tienda de ropa, SEX

La estética punk comenzó tras el primer recital de los Sex Pistols donde la banda usó diseños de la pareja que incluían, o incluyeron luego, elementos fetichistas, alfileres de gancho (tomados de la estética de Richard Hell, una personalidad importante en la escena punk neoyorquina), cadenas, navajas de afeitar y el característico cabello en punta, entre otros. La inclusión de elementos del diseño tradicional británico contribuyó a formar la imagen chocante, polémica y antisocial del punk.

Vivienne con los Sex Pistols

En el documental " EL LONDRES DE VIVIENNE WESTWOOD " nos presentan a Vivienne como una fuente de inspiración para muchos diseñadores actuales, una activista apasionada, defensora de los derechos humanos, preocupada por el cambio climático y convencida de que la cultura puede salvar a la humanidad.

Vivienne Westwood se presenta en el documental así misma como una diseñadora de moda que vive y trabaja en Londres y que quiere mostrarnos algunas de las cosas que suele hacer en Londres, cuando no está diseñando ropa. Vivianne nos dice que lo verdaderamente maravilloso de Londres es el arte; que es una de las grandes ciudades culturales del mundo.

La primera parada del recorrido de este documental es un teatro alternativo, el Battersea Arts Centre. En él nos cuenta que quiere fomentar en la gente la pasión por el arte, quiere que lleguemos a amar el arte porque es lo que nos ayudará a entender el mundo en el que vivimos. Nos habla de que padecemos una falta increíble de cultura, no de cultura popular, la que define como algo que no es más que ir siempre corriendo, acumulando cosas, leyendo revistas, pero dejando que las cosas sucedan sin más, siendo una actitud totalmente pasiva en la que no sacas nada de provecho y sólo eres un número más en una sociedad consumista.

Vivienne nos dice que a menuda va caminando pensando en sus cosas pero que cuando va a una galería observa los cuadros y eso es lo que nos quiere enseñar porque se le da bien.

La siguiente parada de Vivienne es la Colección Wallace ( The Collection Wallace). En esta colección están expuestas algunas de las mejores obras de arte francesas del mundo. Esta colección posee obras increíbles, por eso a los franceses les da envidia. Vivienne va muy a menudo aquí y dice que es la mejor escuela de arte del país y se lo recomienda a sus alumnos. En ella hay obras de Fragonard, el cual era un magnífico pintor y llegó a decir en una ocasión que era capaz de pintar con el culo.

Colección Wallace

Frans Hals (1582/3 - 1666) . Pintura: The Laughing Cavalier

François Boucher (1703 - 1770) Pintura: Madame de Pompadour

Jean-Honoré Fragonard (1732 - 1806) Pintura: The Swing

La colección Wallace nos permite conocer el arte del siglo XVIII

Vivienne nos explica que no podría ser diseñadora de moda si no se hubiera interesado por la cultura, este es su mayor interés, refiriéndose a la alta cultura, que es lo que mantendrá unida a la sociedad para siempre. Nos dice que: "La cultura es capaz de humanizar a las personas, te hace entender el espíritu humano, quién eres, lo que los seres humanos pueden lograr, las cosas tan maravillosas que los seres humanos han sido capaces de hacer".

El documental continúa el recorrido con el Palacio Hampton Court del siglo XVI que era la residencia preferida del rey Enrique VIII.

El Palacio Hampton Court tiene una magnífica arquitectura y unos magníficos jardines. A Vivienne los que más le entusiasma hoy en día de este palacio son sus cocinas. En el siglo XVI se servían desde allí más de 1600 comidas al día para llenar los estómagos de toda la corte de Enrique VIII. Ahora se ha llenado de historiadores gastronómicos que cocinan platos a la manera que se hubieran servido en aquella época. Todo, desde la ropa que llevan hasta los utensilios de cocina, han sido cuidadosamente recreados.

Hampton Court alberga el laberinto de setos más antiguo que se conserva. Diseñado en 1690 ocupa 1300 metros cuadrados y tiene casi 1 kilómetro de corredores.

La siguiente parada en el recorrido de Londres es Whitechapel, un barrio que desde hace generaciones es el hogar de muchos inmigrantes. Esta zona ha sido una de las zonas más pobres de Londres, y es más conocida por Jack el destripador, que merodeaba por esas calles y donde cometió sus asesinatos.

Los barrios de Londres son tan distintos porque comenzaron siendo aldeas independientes que acabaron por unirse. Lo curioso de Londres, lo que lo diferencia de oro lugar , es el tiempo que ha tardado en formarse e ir creciendo, no es algo que ocurriera en el último siglo, sino que lleva formándose desde siempre, nos explica Vivienne.

En 1888 este barrio estaba lleno de prostitutas y bares y era un lugar de decandencia y falta de higiene.

Fotografías de la antigüedad de Whitechapel, hacia 1888

Fotografías de la Actualidad de Whitechapel

Otro de los puntos del recorrido de Londres es la Orquesta Sinfónica de Londres en el Barbican Centre, que es considerado uno de los mejores escenarios para escuchar música en directo del planeta. Vivienne nos aconseja asistir a uno de estos conciertos porque es algo increíble que nos dejará alucinados. Nos cuenta que cuando escuchas la orquestas es como se la música invadiera todo tu cuerpo y es una sensación increíble. "Es uno de los puntos culminantes de la existencia. Una orquesta es uno de los mayores logros de la Humanidad. Es una experiencia enriquecedora a la que tienes que engancharte totalmente".

Valery Gergier es el director de la orquesta sinfónica de Londres. Nos dice que una orquesta siempre toca bien pero con un buen director va a tocar mejor; y que debemos experimentar la música en vivo.

Barbican Centre

Orquesta Sinfónica de Londres

A lo largo del documental Vivienne nos sigue hablando de cultura porque para ella esa es la razón por la que ha hecho ese programa; " Creo que la cultura te cambia la vida. Creo que corremos un gran peligro si no nos interesamos por la cultura, porque entonces no entenderemos el mundo en el que vivimos. Si la gente leyera todos los periódicos que cayeran en sus manos todos los días, sólo tendrían una especie de perspectiva horizontal del mundo, les faltaría profundidad, no tendrían una visión de profundidad para entender el mundo en el que vivimos y esto es especialmente importante ahora que nos enfrentamos a problemas como el cambio climático. Me aterroriza el cambio climático. Parece que Londres pronto quedaría semi-inundado a menos que se construyera algún tipo de dique y aún así sería uno de los pocos lugares que continuarían siendo habitables porque es una isla y tendríamos esa suerte, mientras que el resto de Europa se convertiría en un desierto, Deseo de verdad que la humanidad pueda sobrevivir porque este mundo nunca tendrá otra especie como nosotros sino sobrevivimos. ¿Pero, qué tiene que ver el arte con todo esto? Bueno, es un ancla poderosa y no quiero que lo olvidemos en ningún momento mientras hacemos este programa porque la cultura tiene que ver con la visión que la gente tiene del mundo; y sólo podemos ver el mundo si entendemos el pasado para poder entender el presente y para poder imaginar cómo será el futuro. Creo que es un buen punto de partida para hacer cualquier cosa, sin eso sólo te dejas arrastrar por el viento".

Otra de las paradas importantes del documental es el en Gallery Courtauld de Londres. Esta Galería alberga una de las mayores colecciones de arte de Gran Bretaña junto con algunas de las obras maestras del mundo. Hay pintura de Renoir, Mané, Van Gogh...

Vivienne nos dice que siempre deberíamos preguntarnos por la visión del mundo, la visión que tenían los artistas en esa época y cómo se imaginaban el futuro.

The Courtauld Gallery

Édouard Manet. Pintura: A Bar at the Folies-Bergére, 1881-82

The Courtauld Gallery: First of Impressionist

Vivienne nos enseña el Mercado de Bourough , un mercado de productos frescos en el que hay de todo. Es un edificio fantástico cuyo propietario es la compañía de Ferrocarril. Por debajo de las vías está este sitio tan especial.

Otra pequeña parada son las oficinas Liberty. Una organización que defiende los derechos humanos con la que Vivienne colabora. Hay quien considera a la líder de esta organización como la mujer más peligrosa de Gran Bretaña y Vivienne nos presenta a Shami Chakrabarti. Para Vivienne; la piedra angular de la civilización es la Libertad, no puede haber cultura si la gente está en la cárcel o si la gente tiene miedo a expresarse. Shami nos dice: "Nadie será libre mientras haya gente injustamente encarcelada".

En este particular recorrido de Londres Vivienne nos enseña el barrio de Brixton. al sur de Londres, dónde parte de la comunidad afroamericana reside aquí. En él se encuentra la 1ª calle iluminada de Inglaterra, Electric Avenue. Por este barrio llegó incluso a tocar Jimmy Hendrix.

Vivienne nos lleva también a la Iglesia de San Leonardo. En la cual actores de la época de Shakespeare están enterredos allí y se puede ver las vestimentas y ropas que llevaban. El actor que interpretó a Hamlet por 1ª vez está también enterrado allí.

Otro de los puntos importantes que nos enseña es el Teatro del Globo, en el que se estrenaron las obras de Shakespeare.

El barrio de Chelsea, es otro punto del recorrido en el cual en los años 60, las chicas de las familias más pudientes vivían, y trabajaban en las tiendas de ropa. Eran guapas y buenas dependientas y todo ello sucedían en la época de los Rolling Stones. Cerca de allí está la oficina de Vivienne.

Vivienne nos recuerda la tiendA World's End, en la cual comenzó su carrera y para finalizar nos recuerda una frase importante; " Uno recoge lo que siembra".

He seleccionado este documental como última entrada de blog porque nos habla de la cultura, de la repercusión de ésta en nuestras vidas y del significado que tiene en la vida y su importancia. Creo que recorrer Londres de la mano de Vivienne es enriquecedor ya que una diseñadora de su talla y experiencia selecciona muy bien los puntos de interés de la ciudad. Espero que como última entrada de blog nos enriquecemos de las sabias palabras de Vivienne sobre la cultura y el arte, tan importante en nuestras vidas y nos lleve a apreciar más la cultura, de la que hoy día carecemos tanto, pero la cual está presente a nuestro alrededor y debemos de cultivar y admirar la alta cultura que poseemos de nuestros antepasados y no dejar que quede en el olvido y sigamos construyendo cultura.

Espero que disfrutéis del blog, de la cultura, de Londres y de Vivienne.

Este documental lo podeís ver en: http://www.rtve.es/alacarta/videos/grandes-documentales/grandes-documentales-londres-vivienne-westwood/2410301/

Nota: las palabras subrayadas y coloreadas nos dirigen a páginas webs que tratan sobre las palabras en cuestión.

ACTUAL 2015

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 05 Jan 2015 12:51:00 +0000

En este periodo vacacional de las Fiestas de Navidad, he querido tratar para las clases de Cultura del Diseño de la Esdir, y acabándose en este caso el cuatrimestre de dicha materia, El Festival de Actual, un festival local, que nos acerca a las artes a todos los ciudadanos de Logroño y de las provincias colindantes.

Actual es un festival de música, cine y artes que se celebra en Logroño, La Rioja la primera semana del año, de forma ininterrumpida desde 1991. Es muy conocido por ser el primer festival del año en España.

El 2 de enero de 1991 comenzó la primera edición de este festival, que pasaba a sustituir al Iberpop que se había venido realizando durante los seis años anteriores. Nació como Escenario de Culturas Contemporáneas y a lo largo de los años ha mantenido esa esencia y se ha consolidado como uno de los festivales más importantes del panorama nacional. Entre sus hitos han figurado la capacidad para descubrir y dar cobertura a grandes artistas cuando apenas estaban iniciando sus carreras y eran desconocidos.

Desde el principio ha tenido una diversa oferta cultural, donde los platos fuertes son la música, el cine y las artes de todo tipo, desde exposiciones a intervenciones artísticas a pie de calle.

Casi todos los géneros musicales tienen cabida en este festival, desde el rock al flamenco, pasando por la música electrónica o el hip hop. Dentro de los grupos que actúan cada año en Logroño, los hay de reconocido prestigio internacional y ya consagrados, pero también otros menos conocidos y que acaban arrasando.

Algunos de los grupos y cantantes que han pasado por este festival desde sus inicios son Celtas Cortos, Tam Tam Go!, Antonio Vega, Los Rodríguez, Platero y Tú, Revólver, Los Secretos, Raimundo Amador, Luz Casal, Rosana, Ella baila sola, Los Planetas, Carlos Núñez, Ska-p, Dover, Reincidentes, La Oreja de Van Gogh, La Cabra Mecánica, Estopa, La Mala Rodríguez, Orishas, Chambao, Bebe, Enrique Bunbury, Muchachito Bombo Infierno, Violadores del Verso, Asian Dub Foundation, Superelvis y un largo etcétera. En su edición de 2015, el festival ha programado a nombres como The Excitements, Texas, Mónica Naranjo, Vetusta Morla, Supersubmarina, Inocua, Joe La Reina, Fuel Fandango y O'Funkillo.

The Excitements - Ha, Ha, Ha

Texas - Say What You Want

Mónica Naranjo - Make You Rock

Fuego - Vetusta Morla

Supersubmarina - Arena y Sal

INOCUA "Viento"

JOE LA REINA - Bailamos por miedo

Fuel Fandango - Always searching

Las películas de cine independiente que se proyectan en Actual, suelen haber sido reconocidas con diversos premios en festivales de prestigio, y se emiten en versión original subtitulada al castellano.

Además, se han realizado programaciones complementarias, como una Maratón de Cine, sesiones matinales y nocturnas y diversas proyecciones de cortometrajes que incluyen el Certamen de Cortos (desde 2005) organizado por el café Bretón, o cortos clásicos animados con música en vivo. También han sido habituales los encuentros con los equipos artísticos de las películas.

Maratón de Cine

Exposiciones de fotografía, pintura, escultura, comics y otras temáticas han estado presentes en cada edición del festival.

Junto a estas exposiciones, aparecen otras iniciativas como talleres artísticos, mesas redondas, intervenciones artísticas, una programación de teatro o monólogos, para complementar la cartelera de Actual.

Además, en los últimos años el festival se ha inaugurado con espectáculos en la calle como exhibiciones de parkour, realización de grafitis o espectáculos de teatro como el Rocky Horror Picture Show que abrirá la edición de 2015.

Encontramos en ACTUAL, un festival completo en las diferentes artes, que nos abre a conocer un poco más de la cultura del panorama social. Podemos ver decorados en los escenarios de los conciertos, teatralizaciones en escaparates de Logroño...
Espero que los que hayáis acudido hayáis disfrutado y los que no lo conozcan se hagan una idea de este festival, local.

Nota: las palabras subrayadas nos dirigen a páginas web de artistas o páginas que nos dan una información más amplia del tema que estamos tratando.

CHISPUM

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 10 Dec 2014 19:02:00 +0000

Esta semana abordaremos la entrada de Blog con una de las últimas visitas a la Escuela de Diseño de La Rioja, Esdir, dentro de las ponencias del Ciclo Jueves de Diseño de La Rioja.

La Agencia de Desarrollo Económico de La Rioja, a través del Centro de Diseño Integral de La Rioja (CEdiR), y el Club de Marketing, pusieron en marcha el Ciclo "Noviembre mes del diseño" . Este año contó con los ponentes Summa y Nacho Lavernia, y mostraron modelos de gestión del diseño excelentes con un marcado carácter empresarial.

Desde su creación, han participado en este ciclo profesionales como Carlos Rolando, Pati Núñez, Pepe Cortés, Norberto Chaves, Isidro Ferrer, Ignacio Quemada Sáenz-Badillos o André Ricard.

La ponencia en cuestión que vamos a tratar es la de Javier Royo, miembro del equipo de la marca editorial Chispum, , de la conferencia del pasado 4 de diciembre.

Desde el año 2003, Chispum es una marca pionera de vinilos de autor en demostrar que las ideas y las historias pueden ser contadas más allá del papel… Fueron los primeros en apoyar que dibujar en la pared no solo debía dejar de prohibirse, sino que era necesario… Siempre han creído y defendido la libertad y la innovación en el momento de crear, rompiendo las fronteras, saliéndose de los márgenes, haciendo garabatos, moviendo los cuentos de los libros a la pared, para hacer que estas hablen y cuenten cosas divertidas e inesperadas.
"Tu mundo, tu casa o la oficina, es un lugar para disfrutar a diario con los tuyos, para descansar, para reír, para comunicarte, compartir, leer, para poder estar a gusto".
Sus vinilos tienen vida propia, dicen cosas y están pensados para que convivan con las personas y roben una sonrisa al día. O dos.
"Somos felices y nos gusta ver a la gente feliz". Esta es nuestra máxima, argumenta Chispum.
Todos los procesos de producción y distribución de los vinilos Chispum se realizan desde Barcelona. Apuestan por los más altos niveles de calidad y exigencia, apoyando siempre la idea de pensar globalmente y actuar localmente (Think Globally, Act Locally). Los vinilos se expiden en un plazo de 48 horas.
https://vimeo.com/93969574

En la conferencia del Jueves pasado, Javier Royo nos explicó como tras acabar sus estudios en Bilbao de Ilustrador se mudó a un pequeño pueblo de la Mancha y comenzó su pequeña andadura profesional, con una pequeña tienda sin muchos beneficios económicos, pero que le sirvió para posteriormente y tras mudarse a Barcelona, fundar Chispum.

Biografia: Zaragoza, 1972. Javier Royo se encontraba dibujando ya en 1987 para la prensa económica regional cuando sufrió una mutación cerebral que le llevó a crear personajes como Hipopótamo Flanson® (fanzine Kovalsky Fly) o El Justisiero de la Vespino Rossi (fanzine Lobotomía) hasta llegar a La Cebolla Asesina (Subterfuge). Más tarde nacieron Manolo Roedor y La Mosca Estúpida (año 1998 en “A las Barricadas”, Interviú), mientras hacía bromas dibujadas para la revista dominical El Semanal (del Grupo Correo). En el año 2.004, formará parte junto a Forges, Julio Rey (Gallego y Rey) y Juan José Millás, del equipo encargado de editar el semanario de humor “El Virus Mutante”, con una página completa titulada “Alerta Virus”. Duró muy poco… También colaboró durante seis años (de 2004 a 2010) en la revista Interviú ilustrando semanalmente a Juan Jose Millás y en la revista infantil Micromadrid.

Ahora mantiene una colaboración en el periódico de la Federación del Metal de CCOO con Supertuerca y edita y colabora en El Estafador (www.elestafador.com). También es diseñador en su casa y astronauta en su cabeza.

Video Entrevista a Javier Royo

Video Urban Fictions. Javirroyo + Chispum

Javier y Chispum decoran las paredes , a través de dibujos en vinilos, que pueden ser personalizados o de diseño más personal, ya que la producción de estos vinilos es por unidad.

Utilizan el humor, y los elementos de la vida cotidiana así como mobiliario para decorarlo, personalizarlo, poner frases que nos hagan más ameno nuestro día a día.... Es una manera de decorar nuestras paredes y nuestros muebles. Pueden reproducir paisajes admirados de otras ciudades, contener frases que nos recuerden algo o nos saquen una sonrisa, contar cuentos para niños para la hora de dormir, reproducir elementos que usamos dependiendo de la estancia en la que estamos y tratarlos con un toque de humor.

También se puede reproducir en forma de vinilo objetos que tengan una utilidad, como estos medidores para niños.

Decorar objetos para que no sean tan aburridos

Incluso reproducir otros objetos a través de dibujos en vinilo.

Hacer falsos decorados que muestren un exterior imaginado.

Por ultimo Chispum y Javier tratan de lanzar al mercado nuevos productos ya que su idea es seguir en constante evolución y cambio, estas dos últimas imágenes nos muestran esta idea a través de dos objetos lanzados al mercado últimamente. El primero se trata de un cuaderno pizarra, que se transforma en una pizarra que se puede pegar a la pared. Y la última imagen se trata de unos tattos de vinilo que se pueden pegar al cuerpo.

Hospital Sant Joan de Déu, Esplugues de Llobregat

Cabe nombrar y destacar la actuación en el Diseño interior de Chispum en el Hospital Sant Joan de Déu en Esplugues de Llobregat, un hospital para niños, que a través del Diseño interior y decoración de Chispum, crea un universo para los niños por medio de una historia imaginaria en la que los niños o duendes van a curarse al hospital. A través de esta historia y del grafismo a modo de decoración que diseña Chispum, se abre una relación de los niños o pacientes con su entorno y del médico con el niño proporcionada y propiciada por esta gráfica e historia.

Vemos en Chispum una empresa con una nueva técnica innovadora, a través de vinilos, que nos puede abrir una puerta al Diseño Interior, para darnos nuevas alternativas para decorar nuestros espacios, nuestros muebles u objetos. Espero que os sirva de ayuda para vuestros diseños u os haga reflexionar o pensar sobre ello.

Nota: Las palabras subrayadas y coloreadas nos llevan a enlaces que corresponden al significado o a la página web de la palabra subrayada en cuestión.

PROYECT WEEK 5. ESDIR

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 26 Nov 2014 22:28:00 +0000

El autor del cartel que anuncia la Project Week 5 es Emilio Calvo Álvarez, alumno de 4º de Diseño Gráfico.

Inauguramos esta entrada de Blog de la última semana de Noviembre alcanzando las 1000 visitas en el Blog; agradeciendo vuestra lectura o seguimiento de esta tarea académica.

Esta semana en la Esdir hay un parón en las clases lectivas, pero ello no quiere decir que estemos de vacaciones, sino que esta semana la Escuela acoge un acontecimiento especial: la PROJECT WEEK 5.

Es la 5ª vez que la Escuela acoge estas jornadas de Diseño, que consisten en mezclarnos las diferentes Especialidades de Diseño que hay en la Esdir; Diseño Gráfico, Diseño de Interiores, Diseño de Moda y Diseño de Producto, y trabajar en un proyecto en común con un enunciado propuesto por Diseñadores reales del panorama Actual, Antoine et Manuel, y que nos visitarán para darnos su opinión y ayuda durante el proceso de Proyecto.

En esta ocasión el enunciado o Briefing consiste en:

Un taller de Antoine + Manuel en ESDIR, en Noviembre de 2014
Enmascarado / desenmascarado
Se propone Elaborar diferentes máscaras en cualquier material que se quiera, que tiene que representar tus muchos yos.
Podría representar una causa, contar una historia, ser su Currículum Vitae, un estereotipo, un cartel ...Máscaras siempre han existido en todas las culturas.
Podría ser utilizado para el teatro, fiesta, ritual, obras de arte o de protesta.
Nos gustaría crear varias máscaras relacionadas con su personalidad.
Las Máscaras podrían ser hechas de papel, cartón, madera, foto, plástico,o incluso las imágenes proyectadas.
Podría empezar desde un autorretrato o de un comunicado.

"{ Briefing :
A workshop by Antoine+Manuel at ESDIR, november 2014

Masked/Unmasked

Elaborate different masks in any material you want ; it has to represent your many you.

It could represent a cause, tell a story, be your CV, a stereotype, a poster...
Masks have always existed in every culture. It could be used for theatre, party, ritual,
artwork or protest.
We’d like you create several masks related to your personality. Masks could be made out of paper, cardboard, wood, photo, plastic, or even projected images.
It could start from a self-portrait or from a statement."}

Tras escuchar la introducción por parte del profesorado y los componentes de dirección de la Escuela, nos hemos juntado por grupos, conociéndonos asía los integrantes del grupo con el que vamos a trabajar durante la semana.

En mi caso el número de Grupo es el 5, al igual que el número de la edición de esta actividad en la Escuela, cosas del azar. Desde un primer momento hemos trabajado con facilidad, mostrando nuestras opiniones y deseos y con una comunicación fluida. Abordando el proyecto en un inicio con una tormenta de ideas y posteriormente seleccionando esas ideas y desarrollándolas.

project-news

Con lo cual el Lunes y Martes hemos estado trabajando mañana y tarde, en nuestro caso en una de las Aulas de la Esdir.

project-news

A mitad de la semana hemos tenido la suerte de que los diseñadores que nos han propuesto el BRIEFING , Antoine et Manuel, nos han visitado en la Escuela, se han presentado y nos han dado una pequeña charla sobre su trabajo, su proceso creativo y como abordan cada proyecto, así como ejemplos de su trabajo. Para finalizar nos han puesto un video que trata sobre el tema o Briefing a desarrollar.

ANTOINE+MANUEL

VIDEO DE ANTOINE ET MANUEL

Más tarde hemos presentado cada Grupo nuestras propuestas y hemos vuelto a nuestros lugares de trabajo, los cuales han visitado los diseñadores y nos han comentado brevemente durante 10 minutos sus opiniones y consejos o críticas sobre nuestros proyectos, para avanzar lo que queda el resto de la semana.

En la última clase de Cultura del Diseño, nuestro profesor nos estuvo hablando un poco sobre la Project Week. Mis conclusiones sobre ella, hasta el momento son positivas; ya que en nuestro grupo hay un comunicación constante y todos los miembros están implicados en sacar el máximo rendimiento posible y los aspectos positivos de trabajo y colaboración de las diferentes especialidades unidas por un proyecto; en este caso un briefing de Antoine et Manuel. Una experiencia enriquecedora para poder conocer a otras especialidades y trabajar juntos en EQUIPO.
Espero que todos disfrutéis de esta experiencia y nos hagáis partícipes de ello.

Nota: Las palabras subrayadas y coloreadas nos redirigen a descripciones o páginas relacionadas con dichas palabras.

EL JARDÍN COMO ESTANCIA DE LA CASA

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 19 Nov 2014 23:34:00 +0000

Continuamos las clases de Cultura del Diseño en la Esdir, en el Ecuador del Primer Cuatrimestre del Curso 2014/2015.

Tras el parón obligado de la semana pasada, debido a que el post que iba a redactar era sobre un Proyecto artístico de la Ciudad de Bilbao, y tras unas conferencias que tenían los integrantes de dicho proyecto, lo he tenido que posponer, he decidido comenzar con el siguiente post, que trata sobre la cultura del Diseño del Jardín a lo largo de la Historia, centrándome en esta ocasión el él Jardín como estancia de la casa; para volver más adelante al post que me ocupaba la semana anterior del Proyecto artístico de Bilbao.

Comenzamos por consiguiente este post, con el análisis del Diseño del Jardín, un jardín especial; el jardín como estancia de la casa, que me nos servirá para analizar y darnos cuenta como desde tiempos antiguos hasta nuestros días, el jardín formaba parte del diseño de la casa, de las más nobles, o con mejores cualidades. Y como ese jardín formaba parte de la casa, abriéndose la casa o palacios al exterior del jardín o al interior de patios-jardín, y como se relacionaba y configuraba en torno a estos jardines, dándoles diferentes usos y utilizando diferentes códigos o tipologías, como juegos de agua, topias...

Por consiguiente presentaremos a continuación los diferentes tipos de jardín y sus características a modo de aprendizaje e introducción en este interesante mundo del jardín como estancia de la casa;

- El Jardín como estancia de la casa:

Este Jardín no plantea trazados generales ni relación exterior.

Ej.: Casa con 3 patios, de Mies van der Rohe. Donde se crean micropaisajes, se juega a definir pequeños espacios con incertidumbre, no sabemos cuál es el interior y cuál es el exterior. La vegetación, los pilares, nos darán pistas. Sigue las experiencias del pabellón de Barcelona.

No plantea trazados generales ni relación exterior.

En la antigüedad es donde encontramos la esencia como estancia

fundamental de este ámbito, recinto cerrado. En Roma, en la casa Pompeyana, en el tipo de la domus. Pueden ocupar hasta una manzana entera, tienen una secuencias de

patios-jardín (perforaciones en un continuo construido) de diferentes escalas y elementos; unos con fuentes, estanques, pequeñas esculturas...

Estancias de la villa Romana: ej: Casa del Fauno:

En el Atrio (espacio descubierto y por lo común cercado de pórticos), ya era un pequeño signo de jardín, un estanque con elemento escultórico (como la pequeña escultura helenística del Fauno Danzante), vegetal.

1. Vestíbulo

2. Atrio

3. Ala

4. Tablino (Sala de una casa romana que separa el peristilo del Atrio).

5. Jardín

6. Peristilo

El jardín del primer peristilo recibe el nombre de Viridarium: y el jardín del fondo Syxto. (Este último puede ser público).

Reconstrucción de la Casa dei Vettii de Pompeya.

El estanque puede tener una dualidad; por una parte tener un espacio de agua y por otra de vegetación: con flores, hierbas... Estos estanques a veces son canales y reciben el nombre de Euripo, (Canal o curso artificial de agua).

Toma el nombre del estrecho canal que separa la isla de Eubea y Beocia (Grecia continental) donde se apreciaba el cambio de corrientes, de ahí el nombre, Euripos (cambiante). Las escenas, los elementos, reciben un nombre que las identifican con un lugar real, al darle un nombre, reciben una evocación y adquiere tintes mitológicos y literarios.

En la entrada de la casa nos encontramos con el mosaico del Cave canem, (cuidado con el perro), y al final aparecerán los jardines propiamente dichos, el syxto.

Topia: son pinturas, frescos con una temática paisajística o escenas de

jardín que ocupaban los muros de los patios de las casas pompeyanas. Aparecen plantas, setos, un paisaje artificial que no existe, un jardín virtual que rompe los muros. Aparece más elementos arquitectónicos y escultóricos, pabellones, pérgolas, paseos.

Se simulan ventanas, para ver otro jardín exterior. Vallas pintadas, representaciones de animales, flores... en definitiva un jardín simulado en el muro.

Ars Topiaria: los jardines aparecen con setos recortados, las formas

vegetales son geométricas, otras eran de la naturaleza como pájaros, otras eran textos... La topiaria se hacía en especies como el boj, ciprés..(En la Viena del s. XX Joseph Hoffmann y otros, propugnaron un jardín basado en la topiaria así como el jardín del Palacio Stoclet, Bruselas).

El artista que los diseñaba, era el topiario, como aparece en las Cartas de

Plinio el Joven, en la parte principal de la casa estaban los nombres de él y del

topiario.

A la topiaria les acompaña pequeños elementos como lares (dioses

protectores del hogar, hijos de Mercurio y Lara, sostenían la pátera (plato poco profundo) y el ritón (vasija para beber), y a veces el cuerno de la abundancia),

pequeñas fuentes con ninfas… (que luego se mantienen en el Renacimiento
italiano, en grutas, conchas, etc…). Aparecen bancos, fuentes, esculturas…

En España se mantiene en un pueblo de Cáceres, El Losar de la Vera.

Pompeya se destruye en el año 79, queda bajo las cenizas por la erupción

del volcán Vesubio. Desde que se descubren las ruinan se realizan excavaciones.

- Casa de los Vetios :

- Casa de Pansa:

- Casa del Fauno :

- Casa de Julia Felix : parte eran viviendas y parte termas privada.

Hay un Euripo con puentes, bancos, esculturas. Líneas curvas y rectas para colocar algún nicho.

- Casa de Octavio Quartio:

Eran dos viviendas, una con un jardín muy largo, con una estructura compleja, la composición del jardín se apoya en el agua. Hay dos canales de agua,

el inicio es el triclinium de la primera imagen, lugar para comer tumbado. En los laterales dos topias relacionadas con el agua.

- Domus Augustana, Roma:

Estancia palatina: las habitaciones se disponían en torno a patios ajardinados con elementos de agua, con hipódromo (por la forma) como lugar de paseo, patio con forma de laberinto, ninfeo, con formas curvas y rectas.

Hortus Conclusus.

En el fondo, este tipo de jardín articula, es el nudo entre el jardín romano y el moderno. Mantiene la cultura general del jardín. Poco a poco, ocupan la civil. En los Monasterios y Conventos se mantiene la cultura del jardín antiguo para luego pasarlo al jardín del Renacimiento. Nos encontraríamos en un período entre el s. IX y el s. XV.

Es un jardín-huerta cerrado, el que esté cerrado es una característica fundamental. Es un lugar pequeño, de encuentros entre amantes o de escenas de caballerías en las que el jardín no está vinculado a un edificio, no tiene muro y está cerrado por encantamiento.

Siguiendo con el concepto de cerrado, son jardines frágiles con elementos muy mínimos, los que existen son reconstruidos en época reciente. En cambio podemos encontrar un amplio repertorio de imágenes en libros de rezos, de contenido religioso, pero también hay Hortus Conclusus con contenido civil,sensual, como los de Boccaccio en el Decamerón (Diez días: conjunto de cuentos escritos entre 1348 y 1353. Durante la peste en Florencia, en Santa Maria Novella se encuentran 7 doncellas y 3 jóvenes que se refugian en una quinta y todos cuentan una historia cada día, 100 en total. Entre los que abundan los licenciosos sin caer en lo groseramente sensual).

El jardín secreto:

Es un elemento añadido, con fuente en el medio del prado, dos amante

bebiendo... Lo que le singulariza es que se ve la ciudad, es doméstico, está

humanizado, los árboles con topiaria, simetría, hay dos puertas. Aparecen en los

s. XV y XVI, vinculados a palacios o villas en el campo. Incluidos en otros jardines de mayor escala.

-Villa de Castello (Medicis) Cerca de Florencia. A ambos lados del Palacio,

hay dos jardines cerrados, dos Hortus Conclusus. De trazado regular, con
pabellones en el centro. Se accede desde la casa, pero con la particularidad que
también desde el exterior.

Se encuentran dentro de una estructura general de los jardines de la villa, en un medio rural. Eran jardines más privados, mientras los otros eran más públicos de representación, espacio de fiestas.

- Villa la Farnesina, Roma.

Cerrado, con acceso desde la casa y desde el exterior. Tenemos también dos

escalas de jardín, el exterior de la celebración y de espectáculo y el “secreto” más

íntimo, de uso y disfrute de la familia del noble.

- Palacio Farnese.

Separado del palacio por un foso, conectado por puentes, funcionaba como
jardines de temporada según la orientación.

- Fiesole, Medici:

Con puerta de acceso también al exterior, no está cerrado del todo, tiene un frente
abierto. Singular por los desniveles.

- Palazzo del Te, Giulio Romano, Mantua

Este pequeño jardín secreto tenía topia, pinturas a la manera pompeyana. Lunetos con temas mitológicos. Con un pabellón, son los lugares de la escena privada, recogida, de la familia noble. Los otros eran jardines de representación del poder. La gruta era un lugar fresco, manierista.

NOTA: Las palabras subrayadas y coloreadas nos dirigen a un enlace relacionado o que describe la terminología subrayada.

PINK

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 29 Oct 2014 23:43:00 +0000

Tras las últimas clases de Cultura del Diseño de la ESDIR; tras comentarlo con el profesor y mis compañeros, decidí dedicar la entrada de la semana del Blog a la cantante PINK.

La elección de esta cantante se debe a que en la etapa de mis 16 a 18 años años, tuve la suerte de poder ver en los canales de la televisión del edificio que es y ha sido siempre mi residencia habitual, un canal de la MTV Alemana; por aquél entonces no tenía ni idea de Alemán, pero me resultaba más interesante escuchar y ver los videos de este canal, que los típicos de otras cadenas... con lo cual los sábados por las mañanas cuando había hecho ya mis deberes aprovechaba para pegar mis ojos en la televisión, jajaja, cosas de juventud.

Los videos y las canciones me resultaban más atractivas, aunque el inglés entendía algo más... siempre me quedaba con los compases y los ritmos.

Durante estas horas pude descubrir a la cantante Pink. Yo entendía muy poco, salvo que me parecían muy curios sus videos; reivindicativos, feministas, sobre sus actuaciones y las de la sociedad, pero con un carácter de protesta y de rechazo a los clichés establecidos por nuestra sociedad, y está claro que veía en Pink ese punto rebelde, que muy dulcemente yo tenía, ya que soy algo más vergonzosa.

La cantante Pink nació en 1979; es hija de un veterano del Vietnam que le inculcó el amor a la música. Su verdadero nombre es Alicia Moore y tomó el nombre artístico de Pink después de ver la película Reservoir Dogs, teniendo como referencia el papel de Mr. Pink que interpretaba Steve Buscemi.

Su infancia se desarrolló en Filadelfia, y la pasó escuchando a Janis Joplin, Jimi Hendrix, Nirvana, Guns N' Roses, Green Day y otros grupos. Comenzó cantando en un coro de gospel, aunque pronto cambiaría de estilo, uniéndose a un grupo punk.

Pink colaboró haciendo coros en la banda de rap Scratch N' Smoove y pasó por varios grupos de R&B hasta que consiguió firmar su primer contrato a los 16 años con el sello LaFace. Poco después empezaría su carrera en solitario.

Pasó un año y seguía interesada por Pink. Comencé la Universidad y uno de mis regalos de reyes fue mi primer álbum de esta cantante, concretamente el disco con el que se hizo más famosa; Missundaztood y el segundo disco en su discografía.

Don't Let Me Get Me (2002)
Director: Dave Meyers

Su primer álbum fue "Can't Take Me Home", publicado en el 2000, y le supuso el salto a la fama, consiguiendo un doble disco de platino y tres sencillos en la lista de los Top 10 en Estados Unidos. Pink participó también en el video de "Lady Marmelade" de la BSO de Moulin Rouge, junto a Christina Aguilera, Mya y Lil Kim. En el que se puede ver todo el diseño de vestuario que se hizo para ese videoclip, así como de la escenografía que se montó acerca de los lugares de cabaret de la ciudad de París y toda su escenografía interior, así como el mobiliario y las camas con doseles y los colores y telas que vemos, con una apariencia sensual y un tanto erótica.

Portada del Album "Can't Take Me Home"

Making Off del video de 'lady_marmalade'

En su segundo álbum, titulado "Missundaztood", el estilo de Pink se acerca más al rock, contando con colaboraciones de la talla de Steve Tyler, líder de Aerosmith, con el que interpreta el tema "Misery".

En noviembre del 2003 Pink nos presenta su tercer trabajo, "Try This" y en 2006 "I'm not dead"

Portada del Álbum "Try This" (2003).

Portada del Album "I'm Not Dead" (2006).

Videoclip Stupid Girls del Álbum "I'm Not Dead" (2006).

Videoclip 'Nobody Knows' del Álbum "I'm Not Dead" (2006).

El 28 de octubre de 2008 Pink publica "Funhouse", que inmediatamente se alza en el primer puesto de las listas de éxitos de varios países, incluyendo el Reino Unido. El primer sencillo fue "So what" que se convirtió en el mayor éxito de su carrera llegando al número uno del Billboard Hot 100. Le siguieron los sencillos "Sober", "Please Don't Leave Me", "Funhouse", "I Don't Believe You" y "Glitter In The Air".

Portada del Álbum 'Funhouse'

El estilo de Pink, sigue siendo rockero, con algunos toques de pop, siempre con temas de índole social, o de índole feminista reivindicativo, así como temas amorosos y personales. A pesar que desde sus comienzos no quería volverse popular y seguir el estilo de Britney Spears, lo cierto es que con el tiempo y por su popularidad, se ha convertido en una artista más comercial, aunque nunca deja de lado sus temas propios y poéticos, porque es una cantante poeta que escribe sus canciones.

Debido a esa popularidad y acercamiento al público ha participado en varios videoclips con otros artistas de índole internacional, así como en campañas publicitarias importantes, con artistas de renombre, como Beyoncé, Enrique Iglesias...

Video publicitario para Pepsi

En 2012 Pink publica "The Truth About Love", el sexto álbum de la estadounidense Pink y el primero que publica desde su doble álbum de platino "Funhouse" de 2008.

Videoclio 'True Love ' del Álbum "The Truth About Love",

Este nuevo trabajo de Pink aparece un año después de su maternidad y según ella misma afirma, su nuevo disco tiene una inyección de "sangre fresca" gracias a Greg Kurstin, un productor musical que ha trabajado antes con Foster the People, Kelly Clarkson y los Red Hot Chili Peppers. Kurstin, quien también es una de las mitades del dúo independiente The Bird and the Bee, dijo que Pink trabajó como relámpago en el estudio. Su más reciente sencillo "Blow Me (One Last Kiss)" se grabó en un solo día.

El álbum incluye colaboraciones importantes, como la del rapero Eminem o la de Lily Allen.

Parecía que las cosas iban bien en su discografía y salida al mercado... Con lo que Pink ha seguido sacando discos al mercado.

2014 En el Presente : 'You+Me con City & Colour'

El 14 de octubre de 2014 Pink lanza su nuevo disco, un disco que compone con su amigo Dallas Green de City and Colour.

Espero que os guste o al menos os provoque algo esta nueva entrada.

PD: las palabras subrayadas y en color están redirigidas a enlaces de esas palabras.

"La Rioja, el último paraíso" LUIS XUBERO

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 22 Oct 2014 16:52:00 +0000

Panel informativo y divulgativo de la exposición

Este fin de semana y como tema para las clases de Cultura del Diseño para la ESDIR, he tenido la suerte de asistir a la inauguración de la Exposición del Pintor Riojano Don Luis Xubero.

Según el diario 20 minutos: Xubero presenta su "homenaje" a La Rioja en su muestra 'El último paraiso' que recoge 5 años de su trabajo intenso "y emoción" El artista Luis Ignacio García Gutiérrez, Luis Xubero, presenta su "homenaje" a su tierra riojana en la exposición 'La Rioja, el último paraíso', que recoge más de cinco años de trabajo "y emoción" en 35 óleos, 22 dibujos y 3 esculturas, que se pueden ver en la sala Amós Salvador de Logroño desde este jueves y hasta el 8 de diciembre".
(Ver más en: http://www.20minutos.es/noticia/2267993/0/luis-xubero-presenta-su-homenaje-rioja-su-muestra-ultimo-paraiso-que-recoge-5-anos-trabajo-emocion/#xtor=AD-15&xts=467263 y en http://www.larioja.com/culturas/201410/16/xubero-presenta-homenaje-rioja-20141016180736.html )

Imágenes de la exposición

Ante mi esperada y ansiada visita a la exposición decidí ir sola, para poder comentar de primera mano mi experiencia a mis compañeros de clase, y para que nada ni nadie más interfiriera en mis emociones y en mi impresiones, siempre desde la admiración y el respeto a este gran pintor.

La muestra no me decepcionó para nada, es más cada día me cautiva más, ya que he ido a visitarla en 2 ocasiones. La primera de ella, al ser la inauguración el maestro estaba bastante ocupado, aún así y muy generosamente tuvo unas palabras para mí, lo cual me produjo un cierto éxtasis, jajaja. Es cierto que conozco y admiro su obra casi desde que tengo uso de razón, y la verdad que eso no se desde cuando es... si se lo preguntamos a mi madre... quizás diga que aún no he entrado en uso de razón, pero bueno bromas a parte; pude observar a pesar del bullicio su obra con atención. Me admiró que para él y más o menos así me lo comunicó; las primeras obras de su exposición, que son dos obras a grafito, sobre un papel, que como me dijo en mi segunda visita es único y que sólo él y su amigo Antonio López utilizan, son muy importantes para él y las cuida con mimo . Evidentemente no puedo revelar los secretos de este papel, aunque tenga algunas referencias de Don Luis.

Olivo en Febrero. Grafito sobre papel.

Lo único que le pude expresar a parte de mi nerviosismo, fue, que a pesar de que él se ofreció en su día para darme clases de Dibujo, yo jamás me atreví a ir a su estudio, porque pensaba que le defraudaría con mis dibujos, torpes y de temprana edad. A lo cual , Xubero esbozó una sonrisa y me dijo, tranquila, tu ve la exposición y luego me la comentas que seguro que tú no lo harías tan mal, quizás mejor. Con lo cual yo ya me puse más nerviosa todavía.

Estas cosas sin importancia las hago constar, para que mis compañeros vean que quizás las personas a las que admiran y a las que ellos idolatran y jamás se atreverían a acercarse, por vergüenza como yo, son también humanos y tienen su corazón. El resto de mi visita fue intensa y larga en el tiempo, pudiendo contemplar y analizar la obra de Xubero. Viendo como trata de representar los elementos y escenas de la vida cotidiana de manera exquisita a través de las 3 artes: el dibujo, la pintura y la escultura. Porque cómo él me transmitió "sino me aburro porque necesito más". Normal que con su técnica tan pulida necesite ampliar sus horizontes, y alcanzado tal grado de control en el dibujo, la pintura y la escultura amplíe sus expectativas y pruebe métodos y temas nuevos.

Sus dibujos y pinturas van desde la pincelada más suave, delicada y precisa, hasta una pincelada más rápida, menos controlada elegida por el propio autor ; y porque según me hizo constar él, lo hace porque el Tema se lo pide, en temas de paisajismo de escenas de Nuestra Tierra, La Rioja. Me sentí muy identificada con estos temas, y con los sonetos que el propio Luis compone, mostrando su faceta poética.

Bodegón de Verano. Dibujo sobre papel, óleo sobre lienzo y Escultura.

Bodegón de Primavera. Dibujo sobre papel y óleo sobre Lienzo.

Temas cotidianos representados con distintas técnicas

Uno de los cuadros que más me llamó la atención fue el de una vid. En el que capta a mi parecer la luz y la morfología de la vid de manera muy precisa.
Según narra el propio Xubero;

“Quizá no sean temas demasiados curiosos, pero sí apasionantes, apasionantes como es mi tierra, nuestra tierra. Creo que nunca se ha realizado un homenaje desde el arte así a La Rioja, al margen de la calidad y de que a unos les guste menos y a otros mucho menos, eso es inevitable” y recuerda que “yo tengo muchos enemigos… afortunadamente”. Palabras adquiridas en una entrevista de Javi Muro.

Cepa Perdida al Atardecer. Óleo sobre Lienzo.

A medida que avanzamos en la exposición; nos encontramos con representaciones de arquitecturas como puentes, paisajes de diversa índole, poemas de varios artistas así como propios del mismo Xubero y pequeñas obras sobre tabla al óleo que a la vez que cuadro quieren ser una pequeña escultura participativa entre el receptor y el lugar, llamadas escultopintura. En una de ellas se puede ver por un lado un paisaje al amanecer y en el otro el mismo paisaje al anochecer. Me pareció un acierto en toda su obra que los marcos fueran de madera y decorados con pan de oro.

Cuadros de la segunda parte de la Exposición y la pequeña escultopintura pintada por ambos lados.

PD: Para más información visitar las páginas sugeridas y los enlaces adjudicados a las palabras subrayadas y coloreadas o visitar la exposición en la Sala Amós Salvador de Logroño.

PEQUEÑAS LECCIONES DE DISEÑO: 119. JASPEADOS

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 22 Oct 2014 11:49:00 +0000

PEQUEÑAS LECCIONES DE DISEÑO: 119. JASPEADOS: Iba a poner una pequeña lección sobre los JASPEADOS con un par de ilustraciones pero veo que me repetiría (sobre el co...

MYSTERY TRAIN (1989)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 19 Oct 2014 10:13:00 +0000

Cartel de la Película

Esta semana en las clases de Cultura del Diseño hemos tenido el honor de ver la película Mystery Train (1989 EE.UU) del director Jim Jarmusch.

Sinopsis

La ciudad de Memphis es el escenario para las tres historias que conforman esta película. La primera, 'Lejos de Yokohama' trata de dos jóvenes japoneses cuyo sueño es visitar Graceland, la casa de Elvis Presley, dada su admiración por la figura representativa de Elvis en el panorama musical y por su admiración vocal, estilística... En la segunda 'Un fantasma', trata de una mujer italiana que acaba de perder, en un accidente sobre el cuál no profundiza la película, al amor de su vida y tiene que volver a su casa sin él. Esta mujer, fácil de convencer se ve atrapada en esa ciudad esperando el avión que les lleve de vuelta a ella y al cadáver de su marido. Y en la tercera, 'Perdidos en el espacio', tres hombres que comparten amistad, se ven perseguidos por la ley como consecuencia de sus actos realizados bajo los efectos del alcohol y tras un acontecimiento un poco perturbador en la vida de uno de ellos, como es el abandono de su esposa.

Son tres historias que tienen más que ver entre sí de lo que parece a primera vista, ya que se dan a la vez, en el mismo tiempo y el mismo lugar.

Tráiler Mistery Train

El Film tiene de fondo canciones de Elvis y la colaboración del músico John Lurie

ELVIS PRESLEY - Mystery train ( con subtítulos en español ) BEST SOUND

La película comienza en el vagón de un tren con destino a Memphis, 'Lejos de Yokohama' . Los protagonistas son dos jóvenes japoneses, pareja sentimental, que van a Memphis, para buscarse la vida laboralmente en la industria de la música y poder visitar el lugar donde gravó Elvis, El Rey, sus discos y estar en la casa de Elvis en Graceland. Estos jóvenes se encuentran con una Memphis desértica, sin personas en la calle y los pocos que hay están un poco trastornados de la cabeza. Esto se puede deber a la amenaza nuclear que sufría la población en aquella época.

Los jóvenes recorren las calles de Memphis en busca del estudio Sun, que está vacío pero pueden visitarlo y ver donde el Sr. Philips grabó a todos los artistas de renombre.

Cansados de recorrer las calles que les recuerdan a Elvis Presley, buscan un lugar donde dormir en la ciudad, topándose con un pequeño hotel, hotel Arcade, que tiene pinta de ser casi un burdel, en el que los empleados, negros, y cuyo jefe es blanco, los atienden y les dan una habitación para poder descansar. Dicha habitación tiene un cuadro de la fotografía de Elvis, algo que les encanta. Allí charlan e intercambian sus impresiones y comparten escenas muy divertidas acerca de los problemas de pareja que se da en todas las razas y procedencias. El joven tiene un aspecto muy similar a Elvis y al principio lo rechaza pero finalmente admite que es el Rey.

Para paliar la soledad de estar lejos de sus casas, ponen la radio y escuchan la canción de Elvis de 'Blue Moon (Elvis Presley, 1954)'.

Escena de la película de los protagonistas Japoneses

En la segunda parte de la película, 'Un fantasma', la protagonista es Luisa, una mujer italiana que está haciendo escala en Memphis antes de repatriar el cadáver de su marido. Después de pasear por la ciudad y ser estafada por un charlatán (que le cuenta una anécdota en la que el fantasma de Elvis hace autostop y pide que le dejen en Graceland), buscando dónde pasar la noche termina compartiendo habitación en el Hotel Arcade con Dee Dee, una chica que no para de hablar. Ésta ha roto con su novio Johnny y va a marcharse de la ciudad a la mañana siguiente para buscar otro lugar en el que trabajar y olvidarse de su ex novio. Durante la noche en el Hotel Luisa incluso ve al fantasma de Elvis, quizás provocado por la sugestión de tan importante y reciente pérdida. Las dos protagonistas de dicha parte de la película también ponen la radio y escuchan la canción de 'Blue Moon (Elvis Presley, 1954)'.

Escenas de la película más genéricas

La música se puede escuchar en una riqueza de contextos muy grande, aunque cumpla funciones diferentes. En la tercera historia de Mystery train, 'Perdidos en el espacio', Joe Strummer es Johnny, el hombre al que Dee Dee ha dejado. Aunque le conocen como Elvis por sus pintas de rockero. Está en un bar borracho y tiene una pistola. Su compañero de trabajo Will Robinson está con el porque acaban de despedirlos, y viendo el panorama va a buscar al hermano de Dee Dee, Charlie, para que le ayude a calmarlo, ya que está jugando con la pistola, y puede acabar en una tragedia. Charlie es un peluquero cobarde y neurótico, que da el contrapunto perfecto a Johnny cuando van a comprar alcohol a una licorería y este saca la pistola para atracarla. Y dispara . A partir de ahí comienza una historia de huida y persecución que acaba con un disparo involuntario a la pierna de Charlie.

Los protagonistas durante la noche y a la misma hora que el resto, de los protagonistas, a las 02:17 a.m. en Memphis escuchan la canción de Elvis de 'Blue Moon (Elvis Presley, 1954)'; que sirve como hilo conductor y de unión de la película.

El final, no se puede desvelar porque es mejor que veáis la película para verlo y poderlo argumentar.

PD: Esta entrada de blog contiene enlaces en las palabras coloreadas y subrayadas a páginas de la red que contienen información sobre estas palabras.

PEQUEÑAS LECCIONES DE DISEÑO: 118. CARL LARSSON

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 12 Oct 2014 12:10:00 +0000

PEQUEÑAS LECCIONES DE DISEÑO: 118. CARL LARSSON: Desamparados y faltos de una teoría general de la decoración y conscientes del tajo que la modernidad produjo en todo lo relacionado co...

NO DIRECTION HOME BOB DYLAN (2005)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 12 Oct 2014 11:12:00 +0000

La semana pasado en nuestras clases de Cultura del Diseño de la ESDIR, el profesor eligió como tema cultural de la semana la película NO DIRECTION HOME BOB DYLAN (2005).

Filmografía NO DIRECTION HOME BOB DYLAN (2005)

Tráiler NO DIRECTION HOME BOB DYLAN (2005)

No Direction Home es un documental filmado por Martin Scorsese que se remonta a la vida de Bob Dylan y a su impacto en la cultura y música popular americana en el siglo XX. El filme no cubre la carrera musical al completo de Dylan; se enfoca en sus comienzos, trasladándose desde sus inicios hasta el momento en que sufre el accidente de moto en el verano de 1966, con la consecuente evolución del músico desde sus comienzos en la música folk tradicional hasta su paso al rock.

Fotografías de Bob Dylan

El largometraje fue estrenado en televisión, tanto en los Estados Unidos (como parte de la serie American Masters, emitida en la PBS) como en el Reino Unido (como parte de la serie Arena de la BBC) el 26 y 27 de Septiembre de 2005 respectivamente. Una versión en DVD, así como una banda sonora del documental, The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack, serían publicados ese mismo mes.

El desarrollo de la película, dentro de los flash back habituales dentro de la filmografía de este tipo de films, me pareció muy interesante, ya que plasma el ambiente que se vivió a nivel social, político y cultural, dentro de los comienzos y el desarrollo de la carrera artística de Bod Dylan.

Me pareció muy interesante las vivencias de Bob, como se ausentó desde un principio de sus clases, porque le parecían aburridas y demasiado estructuradas como muchos artistas de su época que se matriculaban en la Universidad, pero que al poco tiempo la abandonaban ya que sus ansias de aprender estaban fuera de los muros de dichas instituciones. También me llamó la atención su búsqueda incesante de referencias musicales, viajando hasta muy lejos y apoderándose de manera inusual de discos relevantes de otras personas, sin importarle si se metía en líos o no, mostrando a mi parecer ese carácter revolucionario que lleva dentro de él muy bien escondido.

Fotografía de Woody Guthrie (al que le robó alguna decena de discos)

Dylan no paró hasta conseguir lo que quería, el quería cantar sus propias letras, sus propias canciones, que le admiraran por su calidad vocal, pero a la vez transmitir su mensaje, denotándose ahí su carácter de poeta. Aunque en esos momentos ni siquiera él lo sabía, fue un ejemplo para muchos artistas y la referencia de todos.

Dylan consiguió a pesar de los abucheos del público en muchas ocasiones, incluso los insultos de Traidor y otros calificativos, abrirse un hueco en el panorama musical y convertirse en un profeta en EEUU y posteriormente en otros países.

Logró con el tiempo encontrar su estilo, después de pasar por el famoso "cruce de caminos" como él mismo lo califica, a el hallazgo de un estilo propio en cualquier tipo de artista. Y volvió de ese cruce de caminos renovado y con su propio estilo para contar al mundo lo que llevaba dentro.

Dentro de su biografía, como la de muchos otros artistas, se encuentran sus referencias como la ciudad en la que nació y se crio, personajes a los que siguió fielmente como Woody Guthrie, influencias de otros artistas y mentores como Joan Baez, y grupos de artistas que se juntaban a la salida de los trabajos en bares concretos de la capital para intercambiar su música y sus opiniones al respecto.

Al poco tiempo de iniciar su carrera Dylan fue en busca de una productora que fuera capaz de gestionarle los eventos y promocionarle en la ciudad de Nueva York, ya que se trasladó a esta capital con la idea de triunfar en el ámbito musical. Dylan se inventó algunas cosas para entrar en este ambiente de productoras, pero siempre con la intención de que su música llegara a todas las personas.

Escribía sus canciones y tocaba en locales como telonero y poco a poco las cosas tomaban su rumbo natural. Dylan se crió en Nuevo México y de ahí salieron algunas canciones.

Poco después la productora Columbia se interesó en él y en su música y por recomendaciones del manager de Dylan por aquel entonces, comenzaron a trabajar con él de manera particular y profesional. Sacando al mercado su primer disco comercial . Bod tenía su carácter y siempre tomaba sus propias decisiones, a partir de ahí comienza una relación con Columbia que se estrecha y en la que sacan posteriormente muchos discos.

Portada "The Freewheelin' Bob Dylan"

Las canciones tradicionales le daban ideas para sus discos. Lo que escribía Dylan era inspirador para otros muchos músicos. Hablaba de ideas contemporáneas reivindicativas y podría parecer que sus letras están escritas en la actualidad. La aparición de Dylan en el panorama musical significó que la antorcha estaba pasada a otra generación, de los bohemios al beat. Dylan decía que él no era compositor, que no estaba trabajando con algo distinto, sino que ya estaba ahí.

Grossman trabajó con el. Por aquellos años era un creador de grupos jóvenes, un productor estricto en métodos manipuladores. Pero Albert Grussman no manipuló a Bob porque no podía con él.

Bob no era un estafador, sabía lo que quería. A través de métodos publicitarios, conciertos multitudinarios y con el material de calidad que poseía, todo el mundo respondía a él de buena manera.

Bob y Grossman

Es de destacar, como en muchos artistas, que su material estaba basado en situaciones de la realidad, eran discursos acompañados de música. Su misión era estar al lado de la gente y luchar por algo, de esa manera Bob iba floreciendo. Evidentemente como otros artistas, las mujeres que le han acompañado a lo largo de su existencia juegan un papel claro de referencia en sus canciones.

La marcha de Washington 3 años antes de 1963 fue un momento de esperanza, de reconocimiento, de confirmación de la posibilidad de que la esperanza se hiciera realidad. Fue la oportunidad que tuvo América de cambiar la historia "Tengo un sueño... " Martin Luther King.

Discurso de Martin Luther King

Bob se convirtió en un cantante protesta aunque él no se consideraba como tal. A pesar de que era un forastero que había venido de otro lugar, se convirtió en un ídolo. Tanto jóvenes como mayores deseaban estar a su lado. Ante esta necesidad de cambio del País, Bob representaba lo que querían todos. A través de su columna de aire con respiración perfecta y su capacidad de cambio se convierte en un personaje único. Las palabras de Bob podían tener un significado o varios. Toda la cultura de EEUU ha cambiado en esos momentos con la nueva generación, del MOMA, el arte pop... Y como toda nueva vida, necesita de signos nuevos y significa todo ello una REVOLUCIÓN.

Estos artistas del momento eran a la vez muy inseguros en el habla y el pensamiento, debido a que fueron criados y crecieron en un ambiente de desconcierto. Dylan potragonizó una película de él mismo en esos momentos. Y en ocasiones no era consciente de la presencia de la cámara.

Joan Baez jugó un papel importante en la vida de Bob. ÉL vivió con ella durante varios años, y juntos escribían, componían y se divertían. Pero para Baez Bob era como un hijo, le despertaba su instinto maternal, y para Bob, como él mismo ha reconocido Baez significaba algo más, estaba enamorado de ella; y por ello se produjo una ruptura a nivel artístico entre ellos.

Video de Joan Baez y Bob Dylan trabando juntos.

Bob coqueteó con la guitarra eléctrica, pero había momentos en los que no le convencía y volvía a su guitarra acústica. Bob no quería sentirse limitado por la guitarra eléctrica. En sus conciertos Bob a pesar de recibir abucheos en ocasiones, hacia lo que le daba la gana y no contaba con nadie, que asistieran aquella personas que quisieran verle, él no obligaba a nadie a asistir.

En cuanto a las entrevistas posteriores, Bob opinaba que no había respuestas para cosas surrealistas. Por ello era parco en sus entrevistas e incluso en ocasiones podría parecer vacilón. Pero es que él o podía opinar sobre cosas que no sabía.

Tras su gira por Europa, Bob tuvo un accidente en moto, del que posteriormente se recuperó.

En mi opinión este largometraje me ha parecido muy interesante, para conocer la historia de la música y el cambio tan brutal e histórico que supuso la aparición de Bob Dylan y por supuesto los acontecimientos acaecidos durante su biografía y su carrera profesional, de la que de otra manera no hubiera tomado la relevancia actual. Es una filmografía larga, con flashbacks continuos y referencias al pasado histórico, con un toque de humor por algunas anécdotas de la vida del autor y que merece la pena ver y recomiendo a todos mis compañer @s.

PD: Esta entrada de Blog contiene enlaces en las palabras subrayadas a páginas de internet para obtener información de la terminología utilizada así como enlaces a páginas y videos de internet de sus protagonistas.

BEDATE

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 11 Oct 2014 14:21:00 +0000

Continuamos la semana con fuerza y energía. Tras un viaje corto a Valladolid, lugar en el que estoy finalizando mis estudios superiores de Arquitectura, lo cual no tiene más transcendencia, pero por lo que he tenido que dejar abandonado este blog por fuerza mayor esta semana... ya sabéis gestiones administrativas... Continuo mi andadura cultural para las clases de la Esdir en la materia Cultura del Diseño.

Esta vez el tema elegido es el pintor Miguel Ángel Bedate García de Leaniz, Pintor, escultor y Montañero como él mismo se define. Nacido en 1952 en Coria (Cáceres), a los 9 años ingresa en escuela de Artes aplicadas de Mérida. En 1967 obtiene una beca para estudios superiores de pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid. En 1968 termina el curso del Instituto Parramón de Barcelona "Dibujo y Pintura", obteniendo el diploma del Ministerio de Educación y Ciencia. Becario varios años en la Escuela de Artes Aplicadas de Mérida, obtiene el título de graduado en Artes Aplicadas (Especialidad Carteles), terminando como interino en Dibujo Artístico sus últimos dos años. En 1976, inaugura su Galería de Arte M.A. Bedate en Mérida. Si queréis saber más acerca de su biografía lo podéis encontrar en: http://artebedate.blogspot.com.es/p/biografia-y-exposiciones-biography-and.html

En la Ciudad de Logroño estuvo su obra expuesta del 28 de Agosto al 5 de Octubre de 2014 En la SALA AMÓS SALVADOR: http://www.culturalrioja.org/sala-amos-salvador; cita en el centro histórico de esta ciudad y sala de exposiciones de Diseño por excelencia.

Tuve la suerte de visitar y disfrutar de esta exposición y ahora contársela a mis compañer@s. Antes de visitarla estuve investigando sobre los temas que se trataban en dicha colección. La exposición de la Sala es una reinterpretación de la antigüedad propia del autor. La exposición de Bedate se ha inundado de símbolos, significados ocultos y guiños desapercibidos. El reloj Rólex, objeto hermoso en sí mismo, representa la perfección material y tecnológica, y esta presente en varias de sus obras.

El reloj poliédrico en la obra "Los embajadores"; http://centros.uca.es/museo-astronomia-nautica/carpeta-instrumentos/instrumentos-de-astronomia/antiquus-expositores/poloedrico.jpg/view

Bedate representa con el reloj un símbolo del tiempo, en categorías actuales. La única ilustración histórica del reloj poliédrico se encuentra en el cuadro citado con anterioridad "Los Embajadores".

En su obra nos encontramos con representaciones del Reloj Rólex junto con evocaciones de la Historia del Arte. Pueden asimilarse con la máquina de Antiquitera ;

o el torquetum ;

uno de los misterios más interesantes que nos dejó la antigua Grecia, a pesar de que no se ha conservado ninguno hasta nuestros días. Fueron los primeros mecanismos de engranajes conocidos y se diseñaron para seguir el movimiento de los cuerpos celestes. Era una computadora astronómica que posicionaba el sol y la luna en el zodíaco. Fue empleado para técnicas de tomografía lineal; Michel Wright especialista en ingeniería mecánica ha realizado un nuevo estudio del artefacto y encontró pruebas de que el mecanismo podía reproducir los movimientos del sol y la Luna con exactitud.

Los Antiguos Griegos tenían dos conceptos y dos palabras diferentes para designar el tiempo. Cronos es un dios gigante que devora a sus propios hijos; representaba el tiempo que falta para la muerte. Cronos ya existía cuando todavía no había nada. Todo nace de él y él lo destruye todo. Su contrario KAIROS, "El momento afortunado", es un dios muy pequeño, como un duende. Kairos hace referencia a aquellos momentos afortunados que trascienden las limitaciones impuestas por el miedo a la muerte.

He de decir que mi sensación nada más entrar en la sala fue casi mística. Dentro nos encontramos con una colección de cuadros original y extraordinaria. Bedate inunda de símbolos, ,significados oculos y de guiños que no pasan desapercividos en su obra.Son caudros para mirar con profundidad, para recrearse en el realismo tan característico suyo y que al que el pintor nos tiene acostumbrados.Pero en esta ocasión la obra va más allá...El elemento distintivo que da unidad y cohesión a la colección, el reloj Rólex, es algo más que un objeto hermoso en sí mismo: evoca al hombre moderno que desea unir la joya, el aderezo, con la perfección material y tecnológica.

Podemos decir que Bedate también ha querido representar un símbolo del tiemo, pero en categorías actuales, mediante un elemento contemporáneo. El reloj Rólex aparece pintado junto numerosas evocaciones de la historia del arte, como la victoria de samotracia, etc...

Puedo decir que mientras observaba las obras del autor, me percaté de que a la entrada de la exposición, justo enfrente de la persona encargada de que todo esté en orden en la exposición había un hombre alto, delgado y de buena planta, que se atusaba el pelo y que intentaba componer mejor la composición de las obras en la sala, se le veía preocupado... y evidemente como cualquiera de nosotros podría dilucidar, me dí cuenta de que el autor de tan maravillosa obra estaba en dicha sala. En un principio me dio pánico y respeto pero poco tardé en atreverme a saludar y preguntar cosas acerca de la obra a su propio autor.

Bedate me contó que la obra expuesta era una pequeña selección de obras de esta colección la cual ha realizado en 3 años, y que su obra está en constante evolución. También me pudo decir que expone en EEUU, y que le encargan obras personalizadas, de diferentes formatos y distintas técnicas. Yo le expliqué que estudiaba en la Esdir, que me interesaba su obra, y poco dudó en entregarme el libro que publica la Rioja sobre su exposición. Fueron 15 minutos intensos en los que pude aprender mucho de este genial e inigualable artista. Que disfruta con su trabajo y así lo transmite en su obra.

Os presentaré alguna de sus obras que más me han llamado la atención, pero me es muy difícil elegir entre tanta producción magnífica:

"Friso el altar de Pérgamo"(2012). Óleo sobre lienzo y arpillera. 130 x 205 cms.

"La excelencia"(2011). Óleo sobre lienzo. 146 x 114 cms.

Los tres David expuestos

"La cascada" (2008). sanguina sobre papel y óleo sobre lienzo. 200 x 200 cms.

"Juegos en la nieve" (2009). sepia sobre papel y óleo sobre lienzo. 110 x 200 cms.

"La espera" (2007). óleo sobre lienzo. 200 x 200 cms.

Podéis seguir su obra en; http://artebedate.blogspot.com.es/ y en : https://www.facebook.com/pages/Miguel-Angel-Bedate/602216613204311

PD: Este Blog contiene enlaces a internet en las palabras subrayadas, a la terminología de la que estamos tratando con intención de facilitar la comprensión y disposición terminológica al lector.

Fiestas de San Mateo 2014 y Proyectos Finales de Esdir 2014

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 24 Sep 2014 16:11:00 +0000

Logroño está de Fiestas, La Festividad de San Mateo inunda las calles de alegría y de color, pero eso no significa que descansemos en el diseño... ni mucho menos... Es un período perfecto para fijarnos en los bares, los pubs, las discotecas, los nuevos lugares de pinchos... y claro está no siempre estamos de acuerdo con el diseño adoptado... porque el diseño es siempre crítica... buscando la mejora de los lugares, las sensaciones, los sentidos, la composición, porque cuando algo no está bien compuesto... es al final.... una... me ahorraré la palabra soez... porque un buen diseñador tiene que ser ante todo educado y respetuoso... así que debemos formarnos en ello.

He visto cosas, unas con acierto, otras con un gran desacierto. Algunas novedosas... otras ya saturadas en el mercado comercial... no diré que lugares son por respeto a sus dueños...

Me ha llamado la atención que las sillas Eames, un diseño norteamericano de los años 40, está sobresaturado en el mercado. Un diseño muy bueno pero que creo que no hay que abusar de él. Es cierto que la silla del matrimonio Eames es un acierto total.. de producción en serie, con un confort excelente. ¿Pero hasta donde llega la silla Eames? Es una pregunta que me es difícil responder.. y que depende supongo del diseñador al que se lo preguntes.¿ Vale para dormitorio? ¿ Vale para la decoración de un bar? o quizás también; ¿ para la decoración, como he podido observar, de un estudio u oficina?

Mi opinión es sólo una más y no me siento todavía en capacidad de afirmar algo que de momento creo que me viene grande, ya que me queda mucho por aprender en el diseño interior. Yo pienso que el uso de la silla Eames debería definirse más, no creo que valga para todo. Es cierto que su diseño es impecable, pero en mi opinión un bar necesita de otro tipo de mesas, quizás un poco más altas, ya que cuando uno va a cenar necesita sentirse importante, que es una ocasión especial, y las sillas Eames son para mí un poco bajas. Desde mi humilde opinión las restringiría para el uso en viviendas; cocinas, comedores pequeños, dormitorio principal... pequeños espacios. Y en el uso comercial las utilizaría únicamente para estudios de Diseño u Estudios de arquitectura, ya que nosotros apreciamos el significado de esa silla. En cuanto a otros usos comerciales... No lo tengo claro... para mí no es una silla de Oficina, debido a sus dimensiones más anchas y de espalda más corta, pero es sólo mi opinión y me gustaría que las personas opinarán sobre esto y crear un debate.

En cuanto a otros lugares que he visitado he notado ciertas deficiencias... sobre todo en las luces... ¡Dios mío! Que luces más horrorosas tienen algunos bares... y algunas discotecas... ¡o no ves nada o te deslumbran!!! Por favor cuando voy a cenar quiero ver a mi pareja o mis amigos y no pegarme con la lámpara en la cabeza, jajaja. Incluso mis amigos, que no son diseñadores, estaban horrorizados al levantarnos y tener que agarrar las lámparas para no llevárnoslas con nosotros después de cenar... y eso que sólo bebimos dos copas de vino... Eso desmerece totalmente el lugar y ya que estamos pagando por cenar fuera de nuestra casa... que mínimo que hacerlo en el mejor ambiente... no creo que cueste mucho regular la altura de las lámparas, es gratis!!! Y cuidado con la Escala por favor... que ¡madre mía! hace daño a la vista.. y no creáis que es por ser diseñadores.... mis amigos se dan cuenta al instante... Un diseño perfecto puede ser un totalmente desacierto según el lugar en el que se coloque....

Otra cosa que me ha llamado la atención de manera sobrehumana es el uso excesivo de celosías, ¿porqué? y repito ; ¿porqué? Una celosía sin significado pierde su uso. Diseño y uso van muchas veces de la mano, es verdad que no siempre es así pero en ocasiones... Qué pinta una celosía en un bar cuyo temática no la sabemos, es un pub ¿indie?, un pub ¿de rock? o un pub ¿ pop? ¿alternativo quizá? ; y si no tiene una temática definida; ¿ porqué debemos colocar una celosía en su interior carente de significado?

Por último quería resaltar algo que me ha llamado la atención y que no había visto hasta ahora... y que me resulta extraño y sorprendente cuanto menos. En un lugar de tapas y raciones observé el uso de paneles de fibra de madera para remarcar unas botellas dirigiendo la visión hacia ellas en la parte superior de la entrada al local. Me Sorprendió de manera impactante ya que no lo había visto hasta ahora. Mi pregunta e interrogante es; ¿es necesario usar paneles de fibra de madera para ello? , ¿con qué finalidad?, ¿ para proteger las botellas?, ¿ para el ruido del local? Mi mente no ha llegado a comprenderlo, me gustaría que me ayudarais en ello.

Un apunte personal, la bandera Riojana es perfecta y nos sentimos orgullosos de ella, pero adornar nuestros edificios históricos aunque sean casas particulares con ese tipo de luz... por mucho que sean nuestros colores... no creo que sea lo más acertado... El color del vino sin embargo creo que es lo más acertado para iluminar nuestro patrimonio, con un toque blanco de luz.. La Rioja es imagen y debemos cuidarla y cuidar nuestros monumentos.

En cuanto a ambientes, sensaciones y sentimientos que nos surgen de estar en un lugar y otro distinto... eso es un tema... que abarca para otra entrada y muy subjetivo y personal, así que no me meteré en ello, lo dejo para más adelante.

Y por si os aburrís que no lo creo... jajaja. Os dejo un enlace de los proyectos finales de la Escuela Superior de La Rioja, Esdir de todas las especialidades, y que también podeís seguir en Facebook: https://www.facebook.com/media/set/?set=a.803241829

¡Felices Fiestas! y ... que ¡Viva San Mateo!

PD: A excepción de la silla Eames, los ejemplos de este blog son ejemplos de un mal Diseño, así que por favor no os guieis por ellos.

"YELLOW SUBMARINE" 1968

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 17 Sep 2014 19:57:00 +0000

Este fin de semana he estado viendo por fin la película completa de "Yellow Submarine". El submarino amarillo.

Una película de dibujos animados, pero con una estética gráfica para adultos, llena de colores y animaciones psicodélicas.

Está inspirada en la vida de los Beatles y habla de la época que ellos vivieron dentro de una historia de ficción guionizada por personajes ficticios e inventados.

La trama de la película se desarrolla en la ciudad de Pepperland, un paraíso musical, de cultura y de artistas. Es una ciudad de tradición con construcciones milenarias, llena de animales, colores y campos verdes. Ésta ciudad es atacada por un ejército de animales acules que quieren acabar con la cultura de ese lugar. En realidad creo que se trata de una sátira contra los estados dictatoriales que muchas ciudades Europeas vivieron durante la época o unos años atrás. Toda la película en mi opinión es una sátira contra el sistema gubernamental y un apoyo a los movimientos sociales y culturales de la época, el hipismo, la música, el arte pop de Andy Warhol, el arte psicodélico, los automóviles, el avión, los viajes, el cine... La cultura revolucionaria que se produjo en los años 60 y principios de los 70. Una historia divertida, que me ha hecho reír en ocasiones, cuando enlazaba con los acontecimientos de la historia. Hay un tema importante y destacable que trata la película con humor aunque en mi opinión fue un tema duro y peligroso, el tema de las drogas de la época. Muchos artistas coquetearon con las drogas y ellos les produjo un estado de creatividad excesiva y que en ocasiones se volvió en contra de ellos ya que trágicamente algunos murieron y no hay que olvidarlo.

A lo largo de la película se desarrolla un musical de canciones de los Beatles cuyas letras son reivindicativas de los acontecimientos que sucedieron en aquellos años. También me parece importante destacar que están criticando la sociedad de consumo y la no productividad de la población , haciendo una semejanza a las estatuas que no tienen pensamiento.

La historia de la película no la quiero revelar, porque es mejor verla y es mejor no contar todo para que a los demás les entre el gusanillo... Y dejo el desenlace para que lo veáis porque si no destripo la película...
Espero que os guste os dejo una canción de la película a continuación :

Comienzo de Curso 2014/ 2015 Cultura del Diseño

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 12 Sep 2014 17:54:00 +0000

Comienzo este curso con ilusión motivación y ganas, esas pequeñas cosas que nos suceden a los que queremos dedicarnos al diseño; y que a veces perdemos por el curso, el tiempo, los desánimos de los exámenes... Pero que recuperamos fácilmente cuando en un pequeño periodo de tiempo ( como el verano) se nos hace eterno sin estar en nuestra mesa de dibujo o nuestro ordenador.... que le vamos a hacer... gajes del oficio...

Este curso nuestro profesor de Cultura del Diseño; Juan Díez del Corral, al que no le gusta ser protagonista, porque cómo él bien dice, los protagonistas de clase somos nosotros, el Grupo, lo que se cuece en clase, ( por ello no volveré a hacer mayor alusión a él); nos a propuesto como actividad para esta materia realizar un blog en el que plasmemos nuestras ideas, inquietudes e impresiones por las actividades culturales que realicemos en general.

Alguna vez había intentado hacer algún blog, pero más para recopilación de fotos, de viajes, amistades, etc... y la verdad que me ha parecido interesante porque plasmar las impresiones al instante es algo que dejamos de realizar en la vida cotidiana y que tiene mucho valor porque las impresiones cambian con el tiempo y no es lo mismo lo que acabo de ver que lo que vi hace una semana.

Por ello relataré en qué va a consistir el blog. Cada semana realizaremos una pequeña actividad cultural, individual y alguna de ellas en grupo. Podemos escoger entre diferentes actividades culturales: cine, teatro, pintura, fotografía, música, televisión, visitas a edificios singulares, ciudades, prensa, revistas, viajes .... En clase realizaremos las actividades y posteriormente en casa seguiremos indagando y completando, tomando notas y publicando cosas en el blog los que queramos.

Esta mañana hemos estado viendo partes de la mítica película de los Beatles " Yellow submarine". En la que hay muchos temas del disco "Sargento Peppers". No la hemos visto entera, pero está claro que ya se cual va a ser mi actividad cultural este fin de semana. Me han parecido muy interesantes las épocas artísticas que se ven en la película, la época del pop, de lo psicodélico, del hipismo.... y las canciones tan míticas y tan sencillas a la vez que todos recordamos en nuestra mente. No me quiero enrollar más ya, que es mejor que veáis algunas imágenes y videos. Espero que disfrutéis:

Un poquito de la lección de hoy lo podéis ver en :

http://leccionesdesignprofdiezdelcorral.blogspot.com.es/2012/10/64-hoyos-en-la-educacion.html