Vinte e três de junho está quase aí, data em que o ouriço da SEGA completará seus 22 anos. Como havíamos anunciado, nós iremos homenagear o personagem com video (slide show) recheado de fanarts de desenhistas de todo o Brasil, inclusive de alguns que participaram do último concurso organizado pelo blog desenhoonline.com. O video será postado no Youtube e divulgado no blog.

A seguir você confere a lista atualizada dos participantes que nos enviaram seus desenhos ou mesmo confirmaram sua participação:

Lista atualizada às 14:15 hs do dia 19/06/2013.

Para participar basta enviar um desenho com a temática do Sonic para o email desenhoonline@gmail.com. Não se esqueça de nos informar seu nome completo e preencher o assunto do email como “Homenagem ao Sonic – 22º aniversário”. O prazo para envio é até o final de hoje, dia 19.

Para aqueles que se inscreveram no último concurso do blog (com o tema do Sonic) e ainda queiram participar desta homenagem, basta nos enviar um email com o mesmo desenho e os dois dados solicitados no parágrafo anterior.
Aguardo a participação de vocês! Até mais!

Todos que curtem desenho sabem do que se trata, mas vou me aprofundar um pouco mais, (afinal, trabalho com isso a algum tempo!)
Esta técnica de pintura onde se utiliza uma pequena pistola ligada a um compressor de ar para produzir jatos de tinta é um instrumento do qual não se fala muito nos dias de hoje, apesar de estarmos expostos a está técnica nos mais diversos campos, como nas personalizações de carros motos e capacetes e principalmente na publicidade (antes da computação gráfica, o aerógrafo era uma ferramenta fundamental para retoques fotográficos, trabalhos de hiper-realismo e arte comercial), onde atingiu seu auge e em seguida introduzido nas belas artes.

Atualmente existem trabalhos feitos com aerógrafo em todas as galerias do mundo e seus preços são comparados a trabalhos feito com pincel, mas nem sempre foi assim. Sua aceitação em certos círculos de artistas foi muito lenta, pois era considerada uma arte mecânica (algo parecido com o que a arte digital vem enfrentando no dias atuais). As objeções não se referiam tanto à qualidade alcançada em seus trabalhos, mas a razões mais teóricas, como o fato do artista não estabelecer um contato direto com a superfície do trabalho no ato da pintura e as suas origens na arte comercial não eram vistas com “bons olhos” e até marginalizada por ser comparada ao Grafitismo (considerada na época uma forma rebelde de expressão do movimento Rip-rop). Hoje tudo isso foi superado e até o grafitismo tem seu reconhecimento como arte, e artistas do mundo todo buscam cada vez mais inovar na forma de se produzir arte! Mas voltando a aerografia como ferramenta, existem muitas variações nas proporções de tinta e ar, assim como na distância entre a pistola e a superfície de trabalho, cujo domínio exige muita técnica, independente do talento para desenho. Recortar as máscaras para produzir o trabalho final, pode ser considerada também uma arte por si só.

Para conhecermos melhor essa ferramenta, que produz resultados tão impressionantes, ( caso tenham interesse) pretendo explicar melhor o funcionamento do aerógrafo e dar algumas dicas de pintura! Até o próximo post então!

Há anos venho acompanhando os desenhistas por esse mundo online, o que já faz parte da minha rotina de blogueiro desenhista desde que comecei há quase cinco anos. Como consequência, acabei me deparando com diversos perfis e fatos que os circundam, seja pelo “Karma” da profissão e principalmente pelos estereótipos que veio se revelando dia a dia pelo mundo online. Que os desenhistas querem reconhecimento, isso todo mundo sabe; afinal o reconhecimento, além de necessário, continua sendo o “calcanhar de aquiles” da profissão e principalmente do trabalho de muita gente, já que as raízes amargas do capitalismo ainda reflete consideravelmente no modo de julgar e valorizar das pessoas.

Graças a alguns sites especializados, a comunidades  como o DeviantART  e especificamente as redes sociais (em especial o Facebook), muita coisa ganhou força, como por exemplo, a divulgação, que se tornou mais rápida e acessível, o que permitiu que em apenas alguns segundos o trabalho de um desenhista pudesse ser visto do outro lado do mundo, fazendo com que o artista conseguisse uma reconhecimento maior, a ponto por exemplo de receber encomendas de trabalhos por pessoas de fora da sua cidade. Isso é fantástico, e com certeza muito motivador, seja pelo fato de seu desenho ser compartilhado e receber pelo menos alguns comentários positivos como principalmente aumentar as chances de você encontrar as pessoas certas pela rede e conseguir ir muito além, como por exemplo de ingressar mais rápido no mercado de trabalho. Além de divulgação a internet se tornou ainda um ótimo meio para veicular concursos, divulgar vagas de emprego, compartilhar dicas e tutoriais, ganhar dinheiro, disponibilizar informações sobre o mercado, entre muitas outras vantagens; o que com certeza amplia as chances de sucesso dos novos desenhistas.

Como vê, temos uma bela aliada em nossas mãos, a internet; mas, o fato da rede poder aceitar de tudo e ainda ser aparentemente um território sem lei, abre portas para o que podemos chamar de “pérolas”, se é que você me entende. Você consegue encontrar de tudo por aqui, desde desenhistas bons se fazendo de pequeno como desenhistas péssimos e sem bom senso, querendo ganhar a tão sonhada glória artística.

Assim vos apresento alguns comportamentos e dicas, que tem como objetivo de alertar a galera que vem tendo um mau comportamento na rede mas que ainda não se tomou conta. Veja a seguir.

Os tipos de desenhistas que infelizmente ainda se vê…

O pidão: Apesar de no Facebook ter muitos desenhistas talentosos, há aqueles que vivem pedindo curtidas.  O cara nunca falou contigo, mas tem coragem de começar o diálogo dizendo:

- Aí cara, curti aí meu desenho! Fiz hoje!

O cara pede uma curtida no desenho só para ganhar status com o número de curtidas. Isso é lamentável, se quer curtidas, que seja por mérito, não porque você pediu. Fazendo isso você estará enganando a sei mesmo e pior, quem você pediu curtida, vai lhe achar um chato.

O mal agradecido: Há desenhistas que entram em contato com outros desenhistas mais experientes (famosos ou não) através das redes sociais com o objetivo de pedir algumas dicas. Infelizmente alguns são tão mal agradecidos que chegam a dar respostas totalmente deseducadas, como foi um caso recente que vi acontecer com nossa querida Erica Awano. O garoto mandou uma mensagem pedindo dicas de desenho, assim ela mandou alguns links com tutoriais de estudo de anatomia, perspectiva, entre outros. Logo depois o infeliz mandou outra mensagem dizendo que ela era preguiçosa e que estava de má vontade; e se fosse pra pesquisar na internet ele não viria falar com ela. Daí eu penso, onde está a consideração e a educação? Tem certas coisas que são básicas, não precisa de muita instrução para saber o certo do errado. No fundo a gente sabe quando estamos fazendo as coisas erradas.

O sem noção: Pode parecer estranho, mas tem desenhista que acha que pelo fato de você estar online no Facebook, você pode lhe dar um curso através do chat. Cansei de contar quantas vezes me deparei com pessoas pedindo dicas de desenho com riqueza de detalhes. Tem coisas que só em um curso você poderá aprender e assim mesmo se leva tempo, não é perguntando no chat do Facebook que você irá aprender criatura!

O Spam: Vive deixando o link de suas páginas ou desenhos nos comentários de outras fanpages mais visitadas só para ganhar mais uma curtida. Quando tem a ver com o assunto da discussão tudo bem, mas muita das vezes é só divulgação mesmo. Graças aos recursos do Facebook, a maioria destes links ficam ocultos, impedindo de que outros usuários acessem a página divulgada.

O espírito de porco: Aquele cara que só vê erro no trabalho dos outros, seja nas redes sociais ou comentando em outros blog. Nesse caso o cara comenta apenas para manchar a reputação dos desenhistas, apresentando apenas críticas infundadas e sem noção. Que que o cara vai ganhar com isso?

Além desses cuidados é necessário ficar atento à querida “Net etiqueta“. Dai você me pergunta, que que é isso?

É um conjunto de recomendações para evitar mal-entendidos em comunicações via internet, especialmente em redes sociais, e-mails, chats, listas de discussão, etc.

As origens da Net etiqueta são anteriores ao aparecimento da World Wide Web, onde já eram usados em métodos de mensagens como Telnet, Usenet, Gopher, Wais, e FTP de corpos educacionais e de pesquisa denominados Internet traffic. Na época, era considerado indecente fazer anúncios comerciais e começou a considerar-se necessário um conjunto comum de regras. O termo “netiquette” (inglês) já é era usado desde 1983.

Veja a seguir algumas regras que servem muito bem para nós desenhistas:

• Respeitar para ser respeitado.
• Tratar os outros como gostaríamos que nos tratem.
• Usar “Smiles ou Emoticons” ajuda-nos evitar mal-entendidos.
• Evitar comentários sobre sexo, religião e política, a menos que estes sejam os assuntos em discussão.
• Evitar escrever em caixa alta, ao menos que pretenda ressaltar as suas palavras ou opiniões.
• Não expulsar alguém da conversa por inconveniência, (com exceção dos crackers)
• Não gritar (Gritar é escrever em maiúsculas, usando o CAPS LOCK).
• Não responder de forma grosseira, mesmo que usem de grosseria conosco. Inteligentes podem apresentar argumentos consistentes, é sempre melhor que se assemelhar a mais um ignorante.
• Apesar de estarmos num ambiente virtual, não somos obrigados a suportar má educação ou grosseria, assim podemos ignorá-la, contactar um moderador ou administrador da página em questão para que ele tome as devidas punições ou medidas.
• Devemo-nos lembrar sempre que o e-mail é um meio rápido de trocar de mensagens. Se for se comunicar com alguém que não tenha intimidade, que seja breve objetivo. Para tal é bom não enviarmos ficheiros em anexo sem autorização prévia do destinatário, muito menos arquivos grandes  nem complicados para se visualizar, ao menos que o destinatário tenha o programa para abrir o arquivo.

Bem, no mais é isso, mas é o básico para convivermos melhor com as pessoas sem manchar nossa reputação como usuários e principalmente como artistas. Até mais pessoal!

O contato direto do grafite com o papel nos remete a um estágio íntimo com o desenho, que nos permite uma auto avaliação instantânea no decorrer do processo. (Profundo isso, não?!).

Ok, mas falando com franqueza…sim é um momento mágico! E se você curte desenhar certamente vai concordar comigo, nada  substitui o bom e velho lápis na hora de colocar a criatividade pra funcionar!

Além daquele lápis colegial que conhecemos, há também aqueles para obtermos um trabalho mais interessante. Vamos à eles então;

Lápis H

São lápis mais duros e claros de desenhar, são para fazer esboços (rascunhos).
Uma ótima opção para quem começa a desenhar e não quer jogar muita folha fora, ele é bom também para corrigir erros no desenho,
por exemplo, se você errou no rascunho e quer corrigir você apaga e ele não deixa borrado como o lápis do tipo B.

Lápis HB

Parecido com o lápis do tipo H, mas a diferença que ele não é muito claro e é mais fácil de achar.

Lápis B

Lápis mais leve de desenho e muito escuro, ele é bom para a arte-final ou propriamente dito acabamento. A única parte ruim é que se você errar e começa a apagar, ele vai borrar o desenho todo e não tem mais como voltar, por isso o uso do lápis tipo HB ou H é próprio para fazer rascunhos e construir esqueletos ou esquemas de perspectiva. Quanto maior o número do B mais escuro será a tonalidade.

Legenda das classificações dos tipos de lápis

H – lápis mais duro e claro
HB – lápis de média dureza e clareza
B – lápis mais macio e escuro

Utilizações para cada tipo de lápis:
HB– Usado para desenho técnico
B – Usado para esboços
2B- Usado para esboços
3B – Usado para definir o meio tom (Ideal para representar a textura da pele)
4B – Usado para definir o meio tom (Ideal para representar pêlos e cabelos)
5B – Usado para representar as sombras
6B – Usado para representar as sombras mais escuras
7B – Usado para representar as sombras mais escuras
8B – Usado para representar as sombras mais escuras
9B – Usado para representar as sombras mais escuras

Jerry é um personagem fictício do desenho animado “Tom e Jerry”, criado por  William Hanna e Joseph Barbera. O personagem foi criado inicialmente para um curta, e seu nome era “Jinks”, só mais tarde ganhou o nome de “Jerry”. Na série o ratinho é o vilão, e vive fugindo do seu inimigo “Tom”. Jerry, assim como um rato, adora queijo; além ainda de aprontar para cima do gato Tom.

Fique a seguir com um esquema passo-a-passo de como desenhar Jerry.

Clique na imagem para ampliá-la.

O Blender é uma ferramenta que permite a criação de vastos conteúdos de 3D. Oferece funcionalidades completas para modelagem, renderização, animação, pós-produção, criação de jogos e visualização de conteúdo 3D interativo, com os benefícios singulares de portabilidade numa aplicação com cerca de 5MB!

Dirigido a profissionais e artistas desta área, o Blender pode ser utilizado para criar visualizações de espaços tridimensionais, imagens estáticas, bem como vídeos de alta qualidade, incorpora ainda um motor 3D em tempo real, que permite também a criação de conteúdo 3D interativo, para reprodução stand-alone.

Originalmente desenvolvido pela empresa ‘Not a Number’ (NaN), o Blender é agora desenvolvido como ‘Software Livre’, e o seu código fonte está disponível sobre a licença GNU GPL.

Caso você tenha mais interesse sobre esse espetacular programa de animação totalmente gratuito, baixe o programa e mãos à obra, existem muitos tutoriais no proprio site oficial, do programa além de milhares de videops em português no you tube.

Visite blender.org e divirta-se

O engenheiro Allanbrito também tem alguns cursos básicos e gratuitos em seu site e no YT, mas se quiser se aprofundar mesmo, ele tem cursos pagos, considerados os melhores em nosso idioma.

O que está esperando? Bora aprender animação 3D!

Esteja sempre atento aos detalhes anatômicos da figura humana

Um dos erros mais comuns entre os desenhistas iniciantes que desejam desenhar a roupa de personagens, é o fato de focarem mais no desenho da roupa do que na base que de fato dá o real contorno à roupa; fazendo com que as nuances do corpo da figura e da roupa se percam  na composição geral. A base a que me refiro obviamente é a figura humana, e mesmo que certas partes da mesma ainda não estejam totalmente expostas ao observador, não deixam de imprimir as nuances de articulações e contornos anatômicos no tecido, o que resulta em um real volume característico da forma que se esconde sob as vestes do personagem.

Se você desenhar uma roupa, precisa esboçar a figura humana que irá desenhar (no caso de iniciantes) ou ao menos imaginar as principais nuances anatômicas da figura enquanto desenha; afinal o caimento dos tecidos e acessórios se caracterizam não só pela malha quanto principalmente pelos contornos reais da forma; portanto esteja sempre atento a figura!

Assim você terá mais noções de como distribuir as vestes do personagem resultando em uma boa composição geral do figurino e do volume da figura humana que encontra sob a roupa.

Cada tecido ou material possui uma maleabilidade diferente

Não se pode representar o mesmo caimento em materiais que apresentam uma maleabilidade diferente entre si. Imagine que seu personagem vestisse: uma camiseta de algodão, uma calça jeans e uma jaqueta de couro; logo podemos observar que o algodão é o mais maleável entre os três, e a jaqueta o material mais rígido, a caça jeans fica entre os dois. Ter isso em mente enquanto se desenha um personagem, evita que o mesmo apresente caimentos absurdos que mais descaracteriza o material ou tecido desenhado do que realmente o expressa. Assim um tecido mole, maleável, se adapta mais aos contornos, enquanto um tecido mais rígido, tende a salientar pouco às formas sobre o qual ele se apresenta.

Até mais pessoal!

As cores fazem parte de uma linguagem universal e servem como formas de expressões poderosas, influenciando em nossas emoções e humor. Um modo fácil de separá-las é através de dois grupos conhecidos por cores quentes e cores frias. Quem quer resultados com toques de ousadia e criatividade, pode utilizar as mais intensas como o vermelho e laranja. As sóbrias são aquelas que propõem frescor, tranquilidade e calma. É claro que você também pode equilibrar tudo! Basta pensar no sentimento que quer despertar e escolher as suas favoritas. Abra as portas da alma e deixe muitas tonalidades colorirem a sua criatividade!

Para a aplicação em peças publicitárias e ilustrações descobri em estudos realizado pelo Prof. Modesto Farina, algumas indicações seguras quanto ao uso correto das cores, na eterna busca do resultado mais apropriado a cada caso. São eles:

VERMELHO: Aumenta a atenção, é estimulante, motivador. Indicado para uso em anúncios de artigos que indicam calor e energia, artigos técnicos e de ginástica.

LARANJA: Indicado para as mesmas aplicações do vermelho, com resultados um pouco mais moderados.

AMARELO: Visível à distância, estimulante. Cor imprecisa pode produzir vacilação no indivíduo e dispersar parte de sua atenção. Não é uma cor motivadora por excelência. Combinada com o preto pode resultar eficaz e interessante. Geralmente indicada para aplicação em anúncios que indiquem luz, é desaconselhável seu uso em superfícies muito extensas.

VERDE: Estimulante, mas com pouca força sugestiva; oferece uma sensação de repouso. Indicado para anúncios que caraterizam o frio, azeites, verduras e semelhantes.

AZUL: Possui grande poder de atração; é neutralizante nas inquietações do ser humano; acalma o indivíduo e seu sistema circulatório. Indicado em anúncios que caracterizem o frio.

ROXO: Acalma o sistema nervoso a ser utilizado em anúncios de artigos religiosos, em viaturas, acessórios funerários etc. Para dar a essa cor maior sensação de calor, deve-se acrescentar vermelho; de luminosidade, o amarelo; de calor, o laranja; de frio o azul; de arejado o verde.

PÚRPURA e OURO: Cores representativas do valor e dignidade. Devem ser aplicados em anúncios de artigos de alta categoria e luxo.

MARROM: Esconde muito a qualidade e o valor e, portanto, pouco recomendável em publicidade.

VIOLETA: Entristece o ser humano, não sendo, portanto, muito bem visto na criação publicitária.

CINZA: Indica discrição. Para atitudes neutras e diplomáticas é muito utilizado em publicidade.

PRETO: Deve ser evitado o excesso em publicações a cores, pois tende a gerar frustração.

AZUL e BRANCO: Estimulante, predispõe à simpatia; oferece uma sensação de paz para produtos e serviços que precisam demonstrar sua segurança e estabilidade.

AZUL e VERMELHO: Estimulante da espiritualidade; combinação delicada e de maior eficácia na publicidade.

AZUL e PRETO: Sensação de antipatia; deixa o indivíduo preocupado; desvaloriza completamente a mensagem publicitária e é contraproducente.

VERMELHO e VERDE: Estimulante, mas de pouca eficácia publicitária. Geralmente se usa essa combinação para publicidade rural.

VERMELHO e AMARELO: Estimulante e eficaz em publicidade. Por outro lado as pesquisas indicam que pode causar opressão em certas pessoas e insatisfação em outras.

AMARELO e VERDE: Produz atitude passiva em muitas pessoas, sendo ineficaz em publicidade. Poderá resultar eficaz se houver mais detalhes coloridos na peça.

1º Lugar – Denis Robert Balduino

Prêmio: 1 mesa digitalizadora Wacom Ctl-470 da loja AIUP, além de um kit com 3 livros com jogos de lógica e raciocínio da Editora Coquetel.

O vencedor Dênis acabou parando até em jornais, veja só essa manchete do jornal “Estado do Triângulo”…

2º Lugar – Edson Ferreira de Macena

Prêmio: kit com 3 livros com jogos de lógica e raciocínio da Editora Coquetel.

3º Lugar – Rodrigo Nogueira

Prêmio: kit com 3 livros com jogos de lógica e raciocínio da Editora Coquetel.

Fiquem ligados que este mês teremos um novo concurso de desenho. O tema escolhido será o android mais querido dos games, Megaman! Aguardem…

JPEG

JPEG (Joint Photographic Experts Group):Desenvolvido por Eric Hamilton, engenheiro da C-Cube Microsystems, este formato suporta trabalhar com esquema de cores de até 24 bits, ou seja, 16,8 milhões de cores.
O JPEG aceita diferentes níveis de compressão, quanto maior a compressão menor a fidelidade com a imagem original, ou seja, perde-se em qualidade, porém o arquivo resultante é substancialmente menor, cabe ao “Fazedor de Site” definir qual a qualidade adequada ao seu site, eu aconselharia no photoshop definirem a qualidade entre 60 a 90.
Lembrem-se, que uma desvantagem do JPEG é que a imagem normalmente perde qualidade a cada vez que o arquivo é salvo.

Os arquivos em JPEG aceitam as extensões .jpeg , .jfif , .jpe e .jpg, para internet é normalmente utilizada a extensão .jpg.
ou seja, é um formato bem mais leve e versátil!

O JPEG é um formato interessante e bastante recomendado para exibir fotografias, por permitir controlar melhor a qualidade final desejada, mas pouco indicado para composição de layouts por não ter suporte a transparência

GIF

GIF(Graphics Interchange Format)
Foi criado pela empresa CompuServe, em 1987, suporta um máximo de 256 cores, das 3 deste comparativo é a que possui menor qualidade.
O GIF utiliza um formato de compressão que não altera a qualidade da imagem a cada salvamento, como ocorre com o JPEG, e por ter uma qualidade inferior, os arquivos GIF normalmente possuem tamanho bastante reduzido, o que estimulou muito seu uso na internet

PNG

PNG (Portable Network Graphics)
Criado em 1996 motivado pela possível cobrança de royalties por parte da Unisys detentora dos direitos do formato GIF.
O PNG tinha como objetivo ser um GIF melhorado e de fato é, pois como o JPEG possui suporte a 24bits ou 16,8 milhões de cores, porém com um algoritmo de compressão mais eficiente, e que não proporciona perda de qualidade a cada vez que é salvo o arquivo.
Ainda, o PNG como o GIF possui suporte a transparência, mais ainda, em diversos níveis, com suporte ao canal alpha e ainda a entrelaçamento.

O PNG é interessante porque consegue trabalhar com esquema de 24 bits de cores, ou seja, 16,8 milhões de cores. No entanto, em comparação com o JPEG, a compressão obtida é mais eficiente e não proporciona perda de qualidade a cada salvamento, o que permite maior fidelidade à imagem original. Além disso, as imagens em PNG não requerem muito espaço, podendo-se ter figuras de alta definição e tamanho em bytes pequeno. Ainda assim, o JPEG costuma ter imagens de tamanho ainda menor em alguns casos

Devidamente apresentados os formatos você deve estar se perguntando, o PNG com todas essas qualidade, existe desde 1996, como ainda não dominou o mundo?

BMP

O formato Bmp (bitmap ou mapeamento de bits) é o formato de imagens mais “puro”. Ele não usa nenhum tipo de compressão e, por isso, a qualidade de imagem é a melhor possível. Justamente por não usar nenhuma compressão, o tamanho do arquivo fica gigantesco. Para você ter uma idéia, uma imagem 1024×768 com 16 milhões de cores terá 2,25 MB. Se você precisar inserir uma imagem dessas em um documento do Word ou mesmo enviá-la por e-mail será super “pesado”.

O tamanho que uma imagem Bmp terá pode ser calculado usando-se a seguinte fórmula: número de pontos horizontais x número de pontos verticais x bits de cor / 8. O resultado será dado em bytes. Para obtê-lo em KB divida o resultado por 1.024 e para obtê-lo em MB divida o resultado por 1.048.576. Em “bits de cor”, use 24 para imagens com 16 milhões de cores simultâneas, 16 para imagens com 65.536 cores, 8 para imagens com 256 cores e 4 para imagens com 16 cores.

Se você precisar usar imagens com qualidade máxima (normalmente quem trabalha com imagens que serão impressas em trabalhos profissionais precisa disso), uma alternativa ao Bmp é o padrão Tif. Este padrão comprime a imagem mas sem perder qualidade, fazendo com que o tamanho do arquivo fique bem menor do que um arquivo Bmp.

A pesar de ser um procedimento simples, há muita gente que ainda não sabe como digitalizar um desenho. Seja para quem não sabe ou para aqueles que gostariam de conhecer outros meios, está aqui 3 maneira diferentes de digitalizar um desenho. Aproveite!

Pelo Photoshop através da interface WIA

1. Clique em: Arquivo > Importar > Suporte WIA.
2. No campo “Pasta de destino”, escolha a pasta em seu computador para salvar os arquivos de imagem. No campo “Opções” marque apenas “Abrir imagens adquiridas no Photoshop” se pretender fazer algum ajuste depois; deixe a outra opção desmarcada. Clique em “OK”.
3. Selecione o dispositivo que deseja usar. Nota: se o nome do seu scanner não estiver exibido no submenu, verifique se o software e os drivers foram instalados corretamente e se o scanner está conectado.
4. Escolha o tipo de imagem que deseja digitalizar: Figura colorida, figura em tons de cinza (caso você não esteja pensando em adicionar cor), figura em preto e branco, ou texto. Caso queira especificar as configurações personalizadas, selecione “Ajustar a qualidade da figura digitalizada”.
5. Clique em Visualizar para um prévia do desenho. Se necessário, arraste as alças da caixa delimitadora para ajustar o tamanho do corte demarcado.
6. Clique em Digitalizar.
7. A imagem digitalizada será salva no formato BMP.

No segundo passo, mencionei que marcasse “Abrir imagens adquiridas no Photoshop”, assim você poderá editar a imagem logo depois que o dispositivo adquirir a imagem. Se fizer alguma modificação, clique em: Arquivo > Salvar.

Pelo Microsoft Paint

1. Clique em: Arquivo > De scanner ou câmera .
2. Escolha o tipo de imagem que deseja digitalizar: Figura colorida, figura em tons de cinza (caso você não esteja pensando em adicionar cor), figura em preto e branco, ou texto. Caso queira especificar as configurações personalizadas, selecione “Ajustar a qualidade da figura digitalizada”.
3. Clique em Visualizar para um prévia do desenho. Se necessário, arraste as alças da caixa delimitadora para ajustar o tamanho do corte demarcado.
4. Clique em Digitalizar.
5. Clique em: Arquivo > Salvar como. Escolha o nome da pasta de destino, o nome do arquivo, (em tipo você poderá escolher o formato do arquivo “JPG, PNG, BMP, TIFF, GIF, entre outros”; finalize clicando em “Salvar”.

Pela galeria de fotos do Windows 8

1. Para abrir a Galeria de Fotos do Windows, clique em: botão Iniciar >Todos os Programas > Galeria de Fotos do Windows.
2. Clique em: Arquivo > Importar da Câmera ou Scanner.
3. Na janela Importar Imagens e Vídeos, clique no scanner que deseja usar e depois clique em Importar.
4. Na caixa de diálogo Nova Digitalização, clique na lista Perfil e depois clique em Foto. As configurações padrão da digitalização de uma imagem são exibidas automaticamente.
5. Se você estiver usando um scanner com um alimentador de documentos, clique na lista Tamanho do papel e depois clique no tamanho da imagem que você colocou no scanner, ou então no tamanho mais semelhante ao da imagem.
6. Clique na lista Formato de cor e depois clique no formato de cor que deseja que o arquivo digitalizado exiba.
7. Clique na lista Tipo de arquivo e depois clique no tipo de arquivo que desejar usar para salvar o arquivo digitalizado.
8. Clique na lista Resolução (DPI) e depois clique na resolução, em pontos por polegada, que você deseja usar.
9. Ajuste as configurações de brilho e contraste ou digite os valores que deseja usar.
10. Para ver como será a aparência da imagem digitalizada, clique em Visualizar. Se necessário, modifique as configurações da digitalização e depois visualize a imagem novamente. Repita essas etapas que esteja satisfeito com os resultados da visualização. Alguns scanners podem exigir que você coloque a imagem no alimentador de documentos a cada digitalização.
11. Clique em Digitalizar. Quando a digitalização estiver concluída, a Galeria de Fotos do Windows pede que você adicione uma marca à imagem, para que ela seja mais fácil de organizar ou localizar mais tarde.
12. Na lista Etiquetar essas imagens (opcional), digite um nome de marca e depois clique em Importar. A Galeria de Fotos do Windows exibe a imagem para que você a possa ver, consertar ou organizar.

O Adobe Photoshop é um software de edição gráfica. Foi criado em 1987 por Thomas Knoll, mas apenas em setembro de 1988 a Adobe adquiriu a licença de distribuição do aplicativo. Hoje o Photoshop é muito utilizado para editar fotografias, especialmente para retocar e remover marcas indesejadas de imagens. Possui edições para Windows e Mac OS X e algumas versões podem rodar no Linux por meio do Wine.

Confira abaixo uma lista com 18 atalhos de teclado disponíveis no Photoshop!
A utilização de teclas de atalho no Photoshop proporciona uma economia de tempo considerável.

H : Ferramenta Mão (Hand Tool).
D  : Restaura as cores originais da paleta.
B : Pincel (Brush Tool).
F  : Pressionando uma vez, a barra de menus desaparece, e fica possível movimentar o campo de trabalho além dos cantos da tela. Pressionando duas vezes, o Photoshop se ajusta à tela do computador, e o fundo do programa (antes cinza) fica preto.
Ctrl + : Zoom In.
Ctrl – : Zoom Out.
Ctrl + 0 (Zero) : Ajusta a imagem à tela.
Ctrl + Z : Desfaz a última alteração. Se pressionado duas vezes, a imagem retorna ao ponto de partida, ou seja, como estava antes da utilização do atalho.
Ctrl + Alt + Z : Desfaz as alterações continuamente.
Ctrl + Shift + Z : Refaz as alterações desfeitas.
Tab : Oculta/mostra todas as paletas e menus abertos. Excelente para uma visualização rápida em tela cheia!
[ : Diminui o tamanho do pincel.
] : Aumenta o tamanho do pincel.
Shift + [ : Diminui a dureza (Softness) do pincel.
Shift + ] : Aumenta a dureza do pincel.
0 ~ 9 : Aumenta ou diminui a opacidade da ferramenta que está sendo utilizada, ou da camada. Combine os números para obter valores exatos. Ex: pressionando apenas o número 4, a opacidade ficará em 40%. Já se você pressionar os números 4 e 3, a opacidade ficará em 43%.
Shift + 0 ~ 9 : Aumenta ou diminui o preenchimento da ferramenta que está sendo utilizada, ou da camada.
Ctrl + Tab : No Firefox, este comando abre a próxima aba. Já no Photoshop, se você estiver com vários arquivos abertos ao mesmo tempo, este comando trará o próximo para o primeiro plano.
Ctrl + Alt + Shift + N : Cria um novo layer de imediato, sem exibir caixas de diálogo.
Ctrl + L : Níveis (Levels).
Ctrl + Alt + L : Abre a ferramenta níveis com a última configuração utilizada.
Ctrl + B : Equilíbrio de cores.
Ctrl + Alt + B : Abre a ferramenta equilíbrio de cores com a última configuração utilizada.
Ctrl + U : Ferramente Matiz/Saturação.
Ctrl + Shift + U : Remove a saturação (deixa a imagem em preto e branco).

Para comemorar ao 45º aniversário da revista Weekly Shonen Jump, a revista resolveu lançar um concurso que aceitará mangás de todo o mundo, que seja é claro em um dos seguintes idiomas: chinês, japonês ou inglês. Serão 4 premiações em dinheiro (quantia de 500.000 ienes, aproximadamente R$10.000), uma para o grande vencedor e mais outras três, uma para o melhor em cada língua; além é claro da publicação nas revistas da Shonen Jump.

Prazo de inscrição:

Até 01 de Outubro de 2013.

Regras:

Basicamente as regras pedem que…

• O mangá seja inédito e no estilo Shonen;
• Tenha 15, 19, 31, ou 45 páginas;
• Seja original.
• Sejam produzidos livremente em qualquer material desde que sejam entregues no formato JPEG de alta resolução e compactado com ZIP.

Existem muitos detalhes técnicos que você precisa se atentar. Por isso clique aqui e acesse todo o regulamento do concurso.

Quem andou acompanhando nossas últimas postagens, deve ter visto um post do qual comentei sobre a nossa procura de pessoas para constituir a equipe do blog desenhoonline.com.  A partir daí muitas pessoas entraram em contato, assim vi muita gente talentosa e disposta a compartilhar conhecimento; o que com certeza é muito bacana.

Depois de analisar diversos emails e a conversar com alguns, finalmente encontrei uma pessoa do qual aposto minhas fichas, Marcio Godoi.  Marcio já foi chargista, aerografista, serigrafista; mas ultimamente vem trabalhando para a indústria gráfica. Seu papel na equipe, será de escrever matérias para o blog, assim as postagens voltarão com a mesma frequência de antes, seis posts por semana.

Espero que daqui para frente, muito conteúdo diferenciado apareça, afinal essa escolha com certeza trará matizes diferentes para o conteúdo do blog.

É isso aí, seja bem vindo Marcio!

Analisar a suíte completa de aplicativos para designers da Corel e da Adobe pode ser considerada bastante complexa, tamanha a diversidade de diferenças dos mesmos e a preferência de cada usuário. Mas não estamos tratando neste texto de suíte de aplicativos Adobe e Corel, e sim dos softwares de ilustração vetorial CorelDraw e Illustrator que são utilizados por um designer em seu dia-a-dia!

Há anos vem se tentando chegar a um consenso de qual é o melhor em diversos fóruns, blogs, listas de discussão e sites relacionados, mas nunca se chegou a um denominador comum. No Brasil indiscutivelmente o Corel Draw possui mais usuários que o Illustrator, realidade que não se confirma em outros países como, por exemplo, os Estados Unidos, onde o Illustrator é líder do mercado de softwares para desenho vetorial.

Devido ao grande número de usuários, a maioria das gráficas, birôs de impressão, serigrafias, estamparias, etc, utilizam como principal programa vetorial o CorelDraw e consequentemente o padrão de arquivos que predomina é o CDR. Mas isso não quer dizer que, se você criar, desenhar, projetar ou ilustrar no Illustrator terá problemas, pois a maioria das empresas de impressão consegue facilmente abrir arquivos AI, ou ainda PDF (que são gerados tanto pelo Corel quanto pelo Illustrator).

Caso queira aprender rápido, o software mais fácil e intuitivo é o CorelDraw. A simplicidade é seu ponto forte e ao mesmo tempo seu “calcanhar de Aquiles”, pois limita sua quantidade de efeitos e ferramentas. Já o Illustrator, que apesar de mais demorado e difícil de aprender, possibilita a execução de tarefas mais complexas que aparecem no cotidiano de um designer.

Concluindo, tanto o Corel quanto o Illustrator são ótimas ferramentas para o design de estampas (e o design gráfico em geral, é claro). A maior diferença você notará quando precisar de recursos mais avançados: o Illustrator tem mais ferramentas e efeitos, as novas versões vêm com mais novidades, trava menos com arquivos pesados (se seu computador for bom), roda tanto em Mac quanto em Windows e, por fim, tem maior compatibilidade com todos os outros softwares da Adobe.

Ainda que todo desenhista adquira ferramentas e outros materiais de desenho, sempre haverá a necessidade de improvisarmos materiais que de alguma forma resolvam os nossos problemas técnicos com o desenho. Foi pensando nisso que resolvi compartilhar hoje com você alguns destes improvisos. Alguns já são bem conhecidos entre a turma que desenha há mais tempo; mas sei que é importante compartilhar isso porque há muita gente que ainda não conhece.

Espero que goste e aplique quando desenhar. Vamos lá!

Algodão ou pano

Um pedaço de algodão ou pano de algodão, são ótimos materiais para esfumar áreas mais claras do desenho que demandam mais cuidado e precisão. Ao utilizá-los você perceberá que o efeito surgirá sutilmente. Isso poderia ser feito com esfuminho e até o dedo, porém desta forma que vos apresento, a chance de erro é muito menor, afinal o grafite se adere com mais lentidão ao papel e com ainda com mais uniformidade que outros métodos.

Para começar, reserve uma folha para  rabiscar com o lápis que irá sombrear (6B ou outro próprio para sombra), passe o algodão nos rabiscos que criou e faça um teste na mesma folha para medir o quanto o algodão se carregou de grafite. Só depois passe sobre a área do desenho a ser sombreada.

Em áreas pequenas eu recomendo você usar o esfuminho; mas se quiser apostar no pano ou algodão, você terá que inserir um objeto dentro de um deles para que a forma dos mesmos fiquem mais afiladas, conforme a espessura da área que precisará esfumar.

Você também poderá utilizar o algodão para espalhar a cera do lápis de cor. Antes de usá-lo você precisará raspar a ponta do lápis de cor com um estilete sobre uma folha a parte, o procedimento é parecido  com o anterior. Assim basta esfregar o algodão sobre as pequenas raspas para depois esfregar sobre a área que irá manchar.

O efeito é bem interessante, não fica forte mas fica bem uniforme , sutil e limpo; veja:

Folha branca

Sabe aquela mancha de grafite que além sujar a palma da sua mão, pode borrar o seu desenho?

Então, para evitar este problema, você pode utilizar uma folha sulfite sob a palma da mão enquanto realiza algum sombreamento. Veja:

Folhas de raio X

Se você não possui uma mesa adequada para desenhar, poderá se deparar com outras superfícies que não são tão adequadas, como mesas de cozinha e derivados, inapropriadas para desenho e cheias de porosidade ou algum tipo de imperfeição. Ao utilizá-la terá grandes chances de marcar o sombreamento do seu desenho durante a arte finalização, seja colorindo, sombreando ou contornando. Veja um exemplo deste problema:

Para reduzir esse problema, sugiro que você coloque uma folha de “raio x” sob o seu desenho.  O seu aspecto liso fará o o lápis deslizar livremente, fazendo o preenchimento surgir com uniformidade. Faça um teste e veja os resultados. Ah! É claro que a folha de raio x precisa estar em boas condições, senão o efeito vai ficar pior do que a superfície que estava usando.

Pois bem bem pessoal, por hoje é só. Até o próximo post!

Bem, vou parar de “blá blá blá” e deixar você com estes belos ensinamentos. Ah! Sugiro que não só leia, mas que também reflita sobre cada um deles, para aplicar sempre que tomar consciência da importância de cada um. Aproveite!

Leonardo da Vinci

“Sabemos muito bem que os defeitos são mais facilmente notados nas obras dos outros que nas nossas. Quando você estiver pintando, deve pegar um espelho plano e olhar o seu trabalho através dele; vai aparecer invertido, dando a impressão de ter saído das mãos de algum outro artista, e com isso você estará mais apto a julgar seus defeitos que se adotasse qualquer outro procedimento.

Não contente com apenas um artifício para avaliar o próprio trabalho de forma objetiva. É recomendável também sair de vez em quando e relaxar um pouco; porque quando você volta ao trabalho sua capacidade de julgar será maior, pois o contato contínuo com o trabalho faz com que você perca a capacidade de julgá-lo.

É recomendável também tomar certa distância do trabalho, porque assim ele parecerá menor, podendo ser abrangido por um olhar, o que permite observar mais prontamente qualquer desarmonia ou desproporção entre suas várias partes e cores.”

“Que o teu trabalho seja perfeito para que, mesmo depois da tua morte, ele permaneça.”

“A experiência nunca falha, apenas as nossas opiniões falham, ao esperar da experiência aquilo que ela não é capaz de oferecer.”

“A lei suprema da arte é a representação do belo.”

Michelangelo

“A perfeição é feita de pequenos detalhes, não é apenas um detalhe.”

Ingres

“Não há boa pintura sem um bom desenho.”

 Cândido Portinari

“O alvo da minha pintura é o sentimento. Para mim, a técnica é meramente um meio. Porém, um meio indispensável.”

Salvador Dali

“O palhaço não sou eu, mas sim esta sociedade monstruosamente cínica e tão ingenuamente inconsciente que joga ao jogo da seriedade para melhor esconder a loucura.”

“O termômetro do sucesso é apenas a inveja dos descontentes.”

Andrew Loomis

“Não há “dom” ou talento tão grande que dispense a necessidade do conhecimento fundamental, prática muito diligente e esforço árduo.”

Aproveitando o gancho deste último concurso de desenho que realizamos e ao vigésimo segundo aniversário do Sonic, resolvi lançar aqui uma oportunidade para os desenhistas mostrarem suas artes em um video, do qual iremos criá-lo para homenagear o Sonic neste seu próximo aniversário, dia 23 de junho.

O video será postado no Youtube e divulgado no blog; assim ele consistirá de diversos desenhos do Sonic, sejam eles fanarts ou releituras. Para criar um clima, as trilhas do jogo farão parte do video. Os que participarem terão o seu desenho com os devidos créditos divulgados no video.

Para participar basta enviar um desenho com a temática do Sonic para o email desenhoonline@gmail.com. Não se esqueça de nos informar seu nome completo e preencher o assunto do email como “Homenagem ao Sonic – 22º aniversário”. O prazo para envio é até o dia 19/06.

Para aqueles que se inscreveram no último concurso do blog (com o tema do Sonic) e ainda queiram participar desta homenagem, basta nos enviar um email com o mesmo desenho e os dois dados solicitados no parágrafo anterior.
Aguardo a participação de vocês! Até mais!

Denis irá levar para casa uma mesa digitalizadora Wacom Ctl-470 da loja AIUP, além de um kit com 3 livros com jogos de lógica e raciocínio da Editora Coquetel.

O segundo lugar vai para Edson Ferreira de Macena, que obteve um total de 44 pontos. Edson apresentou o personagem com novo traço e figurino bem requintado e charmoso, além de uma arte-final muito bem executada, expressa através das cores, sombras, luz e detalhes bem nítidos.

Edson levará um um kit com 3 livros recheados de jogos de lógica e raciocínio, da Editora Coquetel.

O terceiro lugar vai para Rodrigo Nogueira, que obteve um total de 32 pontos. O desenho do Rodrigo ganhou originalidade com seu personagem ao ilustrá-lo com seu novo traço e proporção, além da adição de acessórios bem originais. Elementos técnicos como cor, sombra e luz deixaram um efeito muito interessante no personagem.

Rodrigo também levará um um kit com 3 livros recheados de jogos de lógica e raciocínio, da Editora Coquetel.

Gostaria de avisar aos vencedores que logo entraremos em contato via email para tratarmos a respeito do envio dos prêmios.

Fique a seguir com a pontuação geral do concurso…

Gostaria de aproveitar e agradecer mais uma vez a loja AIUP e a Editora Coquetel, por nos apoiarem neste belo concurso.

No mais os participantes estão de parabéns, sempre é difícil escolher e avaliar desenhos no meio de tantas artes legais. Até o próximo concurso pessoall!

Todo desenhista possui características e segue estilos que podem variar incrivelmente de um para outro não é mesmo? Foi pensando nesta variedade  que resolvi divulgar aqui alguns deles, além de uma enquete no final da postagem para assim  saber o que mais predomina entre a galera que nos visita. Não esqueça de nos deixar a sua contribuição.

Veja a seguir alguns deles:

1) Professor nato - Desde jovem adora ensinar o que sabe a outros aspirantes a desenhistas.

2) Desleixado – Guarda seus desenhos de qualquer jeito, seja amassado, sujo, e não está nem aí se perder.

3) Organizado – Tem um espaço para guardar tudo, é ordenado, deixa seu espaço limpo, e odeia quando alguém tira alguma coisa do lugar.

4) Apegado – Seus desenhos valem mais do que ouro, há se alguém fizer alguma coisa com eles…

5) Coitadinho – Diante de elogios se rebaixa.

6) Quadrinista Sonhador – Acredita fielmente que fará muito sucesso com sua futura grande História em Quadrinhos.

7) Arrogante - Acha que sabe tudo de desenho e vive dando patada em quem arrisca comentar algo que esteja errado.

8) Egoísta – Não empresta nem pede emprestado materiais de desenho.

9) Preguiçoso – Custa desenhar alguma coisa.

10) Crítico – Adora encontrar um erro no desenho de outros desenhistas.

11) Pevertido – Quando a maioria de seus desenhos são Hentai ou nu artístico.

12) Fominha – Quer desenhar o dia inteiro.

13) Perfeccionista – Gasta horas desenhando e quando termina continua achando que ainda falta alguma coisa.

14) Otaku – Vive desenhando mangá e derivados da cultura japonesa.

15) Underground – Desenha catedrais, anjos, personagens com figurinos requintados, paisagens noturnas, logo e encartes de bandas, corujas, morcegos e outras coisas do tipo. Os mais sombrios preferem desenhar caveiras, Bafomés, o coisa ruim, diabinhas, etc…

16) Vaidoso - Vive mostrando seus desenhos para outras pessoas só para ganhar um elogio.

17) Naturalista – Adora desenhar paisagens, animais e natureza morta.

18) Arquiteto – Passa o tempo desenhando a planta baixa de casas. Alguns até esboçam diversos projetos de suas futuras e sonhadas casas.

19) Desenhista Realista – Em busca da perfeição virou um “fotógrafo manual”. Os mais bem sucedidos vivem recebendo elogios.

20) Cartunista – Representa o mundo com muito humor através de seus desenhos caricatos e engraçados.

21) Viciado em máquinas - Adora desenhar robôs, carros, caminhões, aviões, ou qualquer outra coisa do gênero.

E você? É um destes ou uma mistura? Responda a enquete abaixo e nos deixe a sua contribuição, você também pode marcar mais de uma opção se quiser.

Note: There is a poll embedded within this post, please visit the site to participate in this post's poll.